Descubre tu estilo: cómo desarrollar tu propia estética de lettering | Gia Graham | Skillshare
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Descubre tu estilo: cómo desarrollar tu propia estética de lettering

teacher avatar Gia Graham, Designer, Letterer, Illustrator

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      3:05

    • 2.

      Proyecto de la clase

      1:30

    • 3.

      Aporte y resultado

      7:27

    • 4.

      Un viaje con estilo

      5:14

    • 5.

      Tres pasos hacia el estilo

      9:39

    • 6.

      Ejercicio de observación

      11:02

    • 7.

      Ejercicio de exploración

      13:13

    • 8.

      Práctica consistente

      4:26

    • 9.

      Auditoría de proyecto

      1:55

    • 10.

      Gracias

      1:26

    • 11.

      ¡Bonus! Entrevista con Brooke Glaser

      15:40

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

2885

Estudiantes

63

Proyectos

Acerca de esta clase

Para las personas creativas, el estilo es la identidad artística. Es lo que te define como artista, pero… ¿cómo se desarrolla ese estilo?  En esta clase, tomaremos un enfoque de desarrollo del estilo muy práctico e intuitivo para principiantes.

Si bien esta clase no te dará un estilo, te orientará en cuanto a cómo practicar tu lettering de una forma lógica e intencional que te permita alcanzar tu objetivo de encontrar una estética propia. 

Lo bueno de alcanzar un estilo creativo definido es mucho más que tener una tarjeta de presentación, también te puede permitir crear una marca de arte exitosa que haga que los clientes te busquen por tu estética única.

Durante esta clase, trabajaré de forma digital en el iPad Pro, con la aplicación Procreate, pero tú puedes elegir los medios que prefieras. No es necesario tener un iPad para tomar esta clase.

Si bien el proyecto se basa en lettering, esta clase no es exclusiva para artistas de esta disciplina. Los principios se pueden aplicar a cualquier enfoque creativo, ya sea una ilustración, una pintura o un trabajo de bellas artes.

. . . 

Si nunca experimentaste con el lettering y la ilustración a mano, estas clases también te pueden servir:


Lettering a mano en Procreate: conceptos básicos para los toques finales
Una sencilla guía para principiantes sobre lettering en Procreate

Arte asombroso en pocas palabras: combinar el lettering y la ilustración a mano
Una guía intermedia sobre cómo mejorar las composiciones de lettering

Diversión con flores: crea flores con dimensión y personalidad en Procreate
Una sencilla guía paso a paso para dibujar flores divertidas e imaginativas

 

También encontrarás muchas otras clases maravillosas de lettering e ilustración en la categoría Ilustración de Skillshare.

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Teacher Profile Image

Gia Graham

Designer, Letterer, Illustrator

Top Teacher

 

Hello and welcome – I'm so glad you're here!

My name is Gia and I'm a designer, hand lettering artist and illustrator. I was born and raised in Barbados but I live and work out of my sunny home studio in the southern city of Atlanta, Georgia.

My creative experience ranges from corporate design and branding to art direction, photo styling and stationery design but my current focus is licensing my artwork to product based companies.

I've picked up several handy skills, tricks and techniques along my creative journey and I'm excited to share them with you!

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I can't wait to see what you create so please be sure to post your class projects and if you share them on Instagram, be sure to tag me!

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Level: Beginner

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Transcripciones

1. Introducción: Nosotros, como seres humanos, estamos profundamente impulsados por nuestro sentido de identidad. Es como nos definimos a nosotros mismos, y muchas veces como otros nos definen. Como creativos, nuestro estilo único sirve como nuestra identidad artística. Es lo que ayuda a definirte como artista. Hablando de identidad, hola, mi nombre es Gia Graham, y soy ilustradora, artista de letras de mano, y maestra superior aquí en Skillshare. Mi identidad creativa o mi estilo creativo está arraigada en la forma en que combino letras manuales con exuberantes ilustraciones florales y paletas de colores bien curadas. El bello de tener una identidad creativa definida es que es más que una simple tarjeta de visita visual. También puede ayudarte a construir una próspera marca de arte. Una vez que desarrollé un estilo propio, mi carrera de letras e ilustración verdaderamente comenzó a florecer. Clientes y directores de arte comenzaron a buscarme porque pensaban que mi estética creativa sería perfecta para su proyecto o productos. Mi obra ha aparecido en una variedad de productos desde tarjetas de felicitación y vestimenta hasta portadas de libros e incluso accesorios. Como te dirán los artistas más establecidos, no hay una fórmula mágica para desarrollar tu estilo, y la práctica consistente es la clave. Pero cuando eres principiante aprendiendo una nueva habilidad, a veces es difícil saber practicar. Como principiantes, muchas veces buscamos inspiración a otros artistas o imitamos lo que vemos, pero eso no nos acerca a aprovechar nuestro propio viaje de estilo. Ahora bien, esta clase no te dará un estilo, pero vamos a tomar un enfoque muy práctico, amigable para principiantes para el desarrollo del estilo, y te mostraré cómo practicar tu lettering de manera lógica e intencional que te ayudará a alcanzar tu objetivo de encontrar tu propia estética. En la primera mitad de esta clase, haremos un balance de tus influencias visuales y cómo las internalizas. Entonces en la segunda mitad de la clase, te mostraré cómo observar tus influencias con intención y cómo explorar y empujar tu creatividad, que puedas remezclar y reinterpretar esas influencias en lugar de simplemente imitarlas. A pesar de que el proyecto estará basado en letras, esta clase no es sólo para artistas de letras. Los principios se pueden aplicar a cualquier enfoque creativo, ya sea ilustración, pintura o arte fino. Estaré trabajando digitalmente en el iPad Pro, usando la app Procreate, pero eres bienvenido a trabajar en cualquier medio que prefieras. No se requiere un iPad para esta clase. Tenga en cuenta que aunque se trata de una clase de principiante, el enfoque no estará en la técnica de letras. Si no estás familiarizado con las letras de mano o los conceptos básicos de Procreate, te recomiendo comenzar con mis letras de mano en clase Procreate. Ahora, si estás listo para emprender el viaje hacia encontrar tu estilo, demos ese primer paso. Te veré en clase. 2. Proyecto de la clase: El proyecto para esta clase, es crear tu propia versión de la obra de muestra proporcionada siguiendo el proceso paso a paso esbozado en la clase. Si quieres profundizar en tu proceso de desarrollo de estilo, también he incluido un divertido proyecto en forma de Mini Drawing Challenge de cinco días; donde podrás recrear cinco piezas de letras diferentes en tu propio estilo emergente. Puedes trabajar en el proyecto de aguinaldo a tu propio ritmo. El objetivo es practicar no para lograr la perfección. Por favor, asegúrate de subir tu obra en la galería de proyectos. También eres bienvenido a compartir tus bocetos o las notas que quieras incluir. Me encanta ver tu proceso de pensamiento. Para compartir tu proyecto, ve a la pestaña Proyectos y Recursos, luego haz clic en el botón “Proyecto de clase”. Nombra tu proyecto, y sube tantas imágenes como quieras haciendo clic en el icono de la imagen aquí donde dice, agrega más contenido. También puedes escribir notas o hacer preguntas dentro del área del proyecto. No olvides subir una imagen de portada, porque eso es lo que aparecerá en la vista de galería. Aquí en la sección de recursos, puedes descargar toda la obra de muestra que necesitas para las asignaciones de práctica. Si tienes alguna pregunta para mí, puedes escribirlas aquí en el área de discusión. No puedo esperar a ver cómo evoluciona tu viaje de estilo. Pero antes de llegar a ese punto, hablemos un poco de cómo tus influencias pueden afectar a tu estilo. Te veré en la siguiente lección. 3. Aporte y resultado: Quiero reiterar que desarrollar tu estilo no sucede de la noche a la mañana. Al igual que tomó tiempo para que tu identidad personal tomara forma, tu identidad creativa también necesita ser nutrida y desarrollada. También antes de empezar, quiero aclarar un par de cosas. Cuando me refiero al estilo en esta clase, me refiero a un estilo de firma. La estética artística de uno. Es tu expresión creativa única y la forma distintiva en que te acercas a tu arte. Eso no debe confundirse con estilos de letras. Cuando me refiero a un estilo de letras, estoy hablando del aspecto específico de las formas de letra que usas en una obra de arte. En cuanto al arte, tu estilo de firma emerge cuando haces consistentemente las mismas elecciones en tu trabajo. Esto podría mostrarse en los colores hacia los que gravitas, o en las técnicas que usas repetidamente, o en el tema o contenido que aparece repetidamente en tu trabajo. Lisa Congdon es un gran ejemplo de una artista con un estilo muy reconocible. Su paleta es consistente, casi siempre incorporando azul, rosa, rojo o negro. Su letra tiene un tacto muy juguetón dibujado a mano, y a menudo utiliza formas audaces y simplificadas en su trabajo. Por cierto, en una nota relacionada, Lisa ha escrito un libro llamado Encuentra tu voz artística, cual se trata de establecer tu identidad como artista. Te lo recomiendo si quieres profundizar en este tema. Compré la mía en Amazon y te dejaré un enlace en la sección de recursos. trabajo de Belinda Kou es un ejemplo de cómo el contenido se correlaciona con el estilo. Gran parte del trabajo de Belinda se concentra en torno a la comida y a menudo encontrarás divertidos ingredientes voladores revoloteando alrededor de sus letras. Jill De Haan es un ejemplo de una artista cuyo trabajo toma muchas formas, pero su propia estética única aún logra brillar, ya sea sus intrincados diseños frondosos o la forma en que cuenta historias con letras detalladas. Su letra ilustrativa es fácil de reconocer como distintivamente el suyo propio. La pregunta milenaria es: ¿Cómo llegas al punto en que tienes una identidad creativa distinta y reconocible? ¿ Cómo se desarrolla un estilo? Lo creas o no, el desarrollo de estilo en realidad ocurre mucho antes de poner lápiz a papel o lápiz de Apple al iPad según sea el caso. Si bien no siempre somos conscientes de ello, la información visual que consumimos o nuestra entrada suele informar el trabajo que creamos, que es nuestra salida. Todo comienza con lo que observamos o ingerimos todos los días. Ahí está un interesante documental llamado The Creative Brain on Netflix, que explora la creatividad y cómo funciona el cerebro. Una de las ideas del show que me pareció particularmente interesante es el hecho de que las entradas del mundo que nos rodea están constantemente colisionando y remezclando en nuestro cerebro. Nosotros, como humanos, tenemos la capacidad única de tomar ideas de un lugar y aplicarlas en un contexto completamente diferente. Por ejemplo, crecí en un país muy colorido. Todo es vibrante en Barbados. No sólo las playas azules brillantes o las puestas de sol rosadas y naranjas, sino que es muy común encontrar casas e incluso edificios en la ciudad pintados en colores casi impactantes y brillantes. Cada año, nuestro Festival Crop Over da la bienvenida una explosión de color en forma de disfraces ornamentados. Todo este colorido insumo ha estado presente en mi cerebro desde la infancia. Tiene total sentido que mi estilo creativo esté tan fuertemente influenciado por y enraizado en el color. A la par de este tipo de influencias visuales, otra poderosa entrada es tu colección de influencias creativas. Los artistas que admiras, las cuentas que sigues en Instagram, el contenido creativo que miras todos los días. Todo esto se filtra en tu mente, se mezcla, y choca con lo que ya hay. A pesar de que tal vez no te des cuenta, estas cosas pueden de alguna manera resurgir en el arte que creas. El primer paso en este viaje de estilo es hacer un balance de tus insumos. Aquí tienes tu primera asignación. Enumerar tres influencias visuales que recuerdas de tu infancia. ¿ Te rodearon las líneas duras de un paisaje urbano o las formas orgánicas de la naturaleza? ¿ Tienes un recuerdo de patrones audaces en tu hogar o fue la decoración más neutral? ¿ Viste muchos colores vibrantes todos los días o tu entorno estaba más silenciado? El siguiente paso es enumerar a tres artistas cuyo trabajo te encanta. ¿ Quiénes son? ¿Qué te atrae a su trabajo? Además, tenga en cuenta si hay algo que todos tengan en común. Te he proporcionado una hoja de trabajo para que escribas tus hallazgos. Puedes imprimir el archivo PDF o puedes descargar e importar el archivo Procreate para hacer notas en tu iPad. La última parte de la asignación es identificar cualquier otra habilidad, aficiones, experiencias, o hábitos que se hayan convertido en parte de quién eres o de la forma en que piensas. ¿ Tienes alguna afición que no sea el arte? ¿ Puedes enumerar tres habilidades que aprendiste en la escuela que aún usas? O hay algo que hayas aprendido en tu trabajo actual o anterior que pueda ser útil? Ya he hecho este ejercicio y voy a compartir mis notas. Por mis influencias visuales desde la infancia, noté mucho color vibrante como mencioné antes. La naturaleza fue otra influencia visual para mí. Siempre había plantas, flores y árboles por todas partes. Recuerdo especialmente todos los árboles frutales. La serenidad del océano fue otra influencia, una vista del océano nunca estuvo lejos. Aquí tres artistas cuya obra me encanta. En primer lugar está Caroline South. Me encanta cómo juega con el color y la composición. El segundo artista que enumeré es Dana Tanamachi. Me encanta la naturaleza gráfica de su obra de arte y lo limpia y precisa que es. El tercer artista que elegí es Kelly Ventura. El movimiento en su trabajo es realmente atractivo para mí. Es muy animado y expresivo. Una vez que puse su trabajo uno al lado del otro y realmente presté atención, noto que los tres artistas incorporan su obra elementos inspirados en la naturaleza o en la naturaleza, a pesar de que es de maneras muy diferentes. En cuanto a mis aficiones, escribí jardinería. Tres habilidades que adquirí en la universidad incluyen diseños de diseño, cómo criticar y presentación visual. Tres habilidades que aprendí de mis trabajos del día anterior incluyen estilo fotográfico, dirección de arte, tanto dar dirección de arte como recibirlo, y gestión de proyectos. Ahora, no vamos a tomar estas respuestas luego agregar alguna fórmula especial, y luego puf, inmediatamente identifica tu estilo. El objetivo de este ejercicio es simplemente traer conciencia a estas cosas que tal vez ni siquiera te des cuenta te han influido. A continuación, vamos a echar un vistazo a mi viaje de estilo como ejemplo de cómo todos estos insumos pueden manifestarse en la estética artística de uno. Te veré en la siguiente lección. 4. Un viaje con estilo: Sé que ya he dicho esto pero lleva repetirse. El desarrollo de estilo no ocurre durante la noche. Es un proceso. Aunque parezca como si alguien ha encontrado su estilo rápidamente, la verdad es que lo que estás viendo es más que probable la culminación de una construcción larga y estable. Me gustaría llevarte a un pequeño viaje por mi trayectoria profesional como ejemplo para mostrarte cómo es esa construcción estable. Mi carrera creativa en realidad comenzó en el diseño gráfico. Hice un montón de diseño corporativo como estos folletos y materiales de marketing. La mayor parte de la entrada visual que estaba recibiendo durante ese tiempo se centró en la tipografía y en cómo organizar la información en el diseño más atractivo. Dejé el diseño corporativo para iniciar un negocio de invitaciones de boda y mientras estaba inmerso en el mundo de la boda, empecé a jugar con paletas de colores. Los blogs eran realmente grandes en ese momento y las novias siempre estaban en busca de inspiración de estilo para sus bodas. Empecé a comisariar estos tableros de color que compartí en mi blog y en Pinterest cada semana. En este momento, mucha de mi entrada fue la curación del color. La primera iteración real del trabajo que hago ahora comenzó cuando lanzé mi colección de tarjetas de felicitación y papelería en 2014. En su momento, todavía no estaba haciendo ninguna letra a mano pero empecé a explorar mi estilo de ilustración floral y experimentaría con la interacción entre los florales y la tipografía. Por cierto, sólo para aclarar, tipografía se refiere al uso de fuentes en impresión y diseño. No es lo mismo que letras a mano. En enero de 2018, descargué la app Procreate y decidí realmente dar esta cosa de letras hace lo que me puso en el camino a mi estilo actual. En su momento, sólo estaba enfocada en aprender y practicar. No tenía expectativas de lo que se convertiría. Creé mi cuenta actual de Instagram y utilicé los retos de dibujo para mantenerme motivado. Ese primer año fue realmente experimental. Probé un poco de todo. Empecé a seguir muchas cuentas de letras y miraba las letras a mano todos los días. Realmente estaba consumiendo muchos estilos de letras diferentes. Para finales de año, hice un balance del cuerpo de trabajo que había creado y anoté qué piezas me gustan más, qué piezas disfruté más creando, y qué elementos seguían recurrentes en mi trabajo. Alrededor de 2019 es cuando mi estilo realmente comenzó a emerger. Después de mi auditoría artística de fin de año, me di cuenta de dos cosas. Quería hacer del color una parte central de mi trabajo, y realmente disfruté añadiendo ilustraciones florales a mis letras. Con ese conocimiento, me volví más intencional sobre lo que estaba creando. En retrospectiva, puedo ver que mis insumos almacenados habían sido remezclados y expresados de estas nuevas formas. Esos tableros de color de boda que solía crear fueron la génesis de las paletas limitadas mensuales que he estado creando y compartiendo desde hace un par de años. Mi experiencia de diseño gráfico es la base de cómo me acerco ahora a los diseños de letras. Estos insumos se fusionaron con el nuevo conocimiento de letras que estaba ganando y varios estilos de letras que estaba observando y que desató a la creatividad propia. Con una práctica consistente, mi estilo pronto comenzó a tomar forma. También creo que es importante tener en cuenta que no creas tu estilo tomando todas tus inspiraciones y copiando bits y piezas de cada uno. Un estilo se vuelve único para ti cuando eres capaz de remezclar y reinterpretar tus entradas en función de tu propia perspectiva y experiencias. Por ejemplo, en la última lección, enumeré tres artistas cuya obra me encanta y miro a menudo. Son una gran fuente de entrada visual para mí. No obstante, mi trabajo no se parece en nada a ninguno de los suyos. Así es como creo que mis insumos han sido reinterpretados. Mencioné que me gusta mucho el movimiento y la energía en el trabajo de Kelly Ventura. Creo que esto aparece en mi trabajo porque tiendo a sumar mucho movimiento a mis ilustraciones florales. Simplemente lo hago de una manera diferente. En el trabajo de Caroline South, hay un enfoque moderno y fresco de la forma en que usa los colores pastel. Tiendo a usar pasteles en combinaciones ligeramente inesperadas también. El diseñador gráfico en mí realmente ama la estructura en la obra de Dana Tamanachi. Si bien mi trabajo tiende a ser más suelto y fluído, sí me encuentro gravitando hacia diseños más estructurados y simétricos de vez en cuando. Como puedes ver, nunca hay una comparación de uno a uno. Mi trabajo puede ser influenciado por otros artistas sin dejar de ser único para mí. Ahora, volvamos a centrarnos en ti. Después de la última asignación, ahora estás al tanto de algunos de tus insumos. Estos pueden o no entrar en juego a medida que emerge tu estilo pero es bueno estar al tanto de por qué podrías estar tomando ciertas decisiones estilísticas. Ahora bien, ¿qué pasa con la parte práctica de desarrollar tu estilo? Nos centraremos en eso en la siguiente lección. 5. Tres pasos hacia el estilo: El remezclar y reinterpretar los insumos de los que hablamos en la última lección suele suceder inconscientemente. Tengo una formación de escuela de arte y muchos años de experiencia en diseño para sacar de lo que ayuda a que el proceso suceda un poco más intuitivamente para mí. Pero aunque seas principiante, absolutamente puedes hacer esto. Mi objetivo es descomponer ese proceso intuitivo en pasos accionables que puedes usar para ayudar a entrenar tu mente creativa. La verdadera magia ocurre cuando practicas tus letras regularmente. Pero cómo se practica puede marcar toda la diferencia. Hay cosas que puedes hacer para ayudarte a practicar de manera intencional. Estoy llamando a estos los tres pasos al estilo: observación, exploración, y consistencia. En primer lugar, hablemos de observación. Tocé esto brevemente en la lección 18 de las letras de mi mano en la clase Procreate, y creo que vale la pena seguir discutiendo aquí. Para poder beneficiarse verdaderamente de todas las influencias visuales que constantemente estás absorbiendo, es importante observar con intención. Zombie desplazarse por Instagram no hace el trabajo del todo. Como dije en mi clase de letras de mano, es importante observar con ojos atentos. Digamos que te estás desplazando en Instagram y estás viendo un montón de arte increíble. Te encuentras con una pieza con letras a mano que realmente te inspira y estás completamente enamorado con el estilo de esa persona. Ya te gustó el post y le dio varios emojis de ojos de corazón. Aquí es donde creo que tropiezan muchos principiantes. Lo que sucede a menudo es que un principiante verá una obra de arte que ama, y en lugar de hacer la observación profunda necesaria para entender por qué le encanta la obra, inmediatamente quieren replicar el look. Van directamente de entrada a salida sin remezclar, lo que da como resultado simplemente copiar el estilo de otra persona, en lugar de dar pasos para descubrir el suyo propio. Muy a menudo, estoy etiquetado en la publicación de Instagram donde alguien creó una pieza de letras pero ha copiado un diseño exacto mío o los florales exactos que he usado. A menudo habrá un dulce saber en el epígrafe diciendo cómo se inspiraron en mi trabajo. El asunto es que eso no es del todo inspiración, es imitación. A pesar de que esto puede ser frustrante para mí como artista, sí entiendo que es una cosa muy normal y esperada que hagan los principiantes. Aristóteles escribió que, “El ser humano es la criatura más imitativa del mundo. Aprende al principio por imitación”. Es algo que todos hacemos desde la infancia y seguimos haciendo bien en nuestra vida adulta, sobre todo cuando estamos aprendiendo una nueva habilidad. Al dar consejos a principiantes, mayoría de los artistas dirán que solo debes reunir inspiración de artistas fuera de tu medio. O que nunca debes mirar el trabajo de otro artista de letras cuando intentas crear tu propio trabajo. Seguro que probablemente he dado este consejo en el pasado. Pero lo que me he dado cuenta es que la mayoría de los principiantes no pueden relacionarse con ese consejo, sobre todo si no han ido a la escuela de arte. Es muy difícil saber cómo remezclar intuitiva e inventivamente la inspiración si no has tenido el entrenamiento para hacerlo. El hecho del asunto es que la mayoría de los nuevos artistas están desplazando Instagram diariamente tratando de aprender imitando a los que admiran. El reto es remodelar la forma en que imitas. La imitación con integridad e intención en realidad puede ser una gran manera de agregar nueva información a tu bóveda creativa, que inconscientemente puedes sacar y reinterpretar a la hora de desarrollar tu estilo. Copiar con integridad significa que lo estás haciendo solo para tu práctica personal. Nunca está bien copiar el trabajo de otra persona, luego publicarlo como propio. Eso es robo de arte, llano y sencillo. Ahí está la idea de flotar por ahí que si cambias algunas cosas en tu versión copiada, quizá las palabras o los colores, entonces eso está bien. La verdad es que no está bien. Recuerda que todos los artistas establecidos en los que te inspiras han puesto en el arduo trabajo requerido para desarrollar su estilo individual. Cuando alguien copia su obra o elementos de su obra, es hiriente a ese artista que tanto admiras y es hiriente a su marca. Cuando copias con intención, significa que estás siendo consciente de lo que estás haciendo y cómo lo estás haciendo. El punto es diseccionar el trabajo que estás imitando, tratar de averiguar ¿qué te inspira? ¿ Qué resuena contigo? ¿ Cómo se hace y qué elecciones específicas se tomaron? Cuando copias de esta manera consciente, estás empapando en mucho más conocimiento del que te das cuenta. Esos insumos empiezan a rebotar en tu cerebro, listos para remezclar. Posteriormente en la clase, profundizaremos en un ejercicio práctico sobre cómo copiar con intención. Mantente atentos para eso. Hay una tercera parte del proceso de observación, y esa es la autoobservación, donde observarás tu propio trabajo. En la última lección, mencioné que hice una auditoría de fin de año después de mi primer año de práctica de letras. Creo que es importante dar un paso atrás y hacer un balance del cuerpo de trabajo que estás creando y tomar nota de cualquier tema recurrente, temas , colores, etc. Tomar un momento para reflexionar de esta manera también te ayuda a ver el progreso que estás haciendo, que por supuesto puede ser un gran motivador para seguir avanzando. frecuencia con la que hagas esta auditoría de arte dependerá frecuencia con que practiques y de cuánto arte estés haciendo. Pero yo sugeriría hacer esto al menos una vez cada dos o tres meses. Ahora, en el segundo paso hacia el estilo, que es la exploración. Encontraste esa pieza de arte de letras que realmente te inspira. Has hecho tu observación consciente y tienes una clara comprensión de por qué te gusta la obra de arte. Ahora, puedes pensar en cómo usar esa entrada para empujar las cosas más allá. Para empujar las cosas más allá, necesitas explorar. Toma las características clave que observaste de esa inspiradora obra de arte y prueba nuevas formas de acercarlas. Prueba el estilo de letras con el que te sientas más cómodo. Prueba diferentes embellecimientos en las letras. Vuelve a trabajar el diseño, o incorpora elementos que te encantan, como tus colores favoritos, un florecimiento que realmente te gusta usar, y así sucesivamente. Empuja más allá de tu zona de confort y prueba cosas nuevas. No tengas miedo al fracaso. Aunque el resultado no sea bueno o no lo que esperabas, siempre hay algo nuevo que descubrir sobre nosotros mismos como creativos si nos damos permiso para explorar. Además, recuerda que cada pieza que creas no necesita ser publicada en redes sociales. Quítate la presión para crear algo digno de la aprobación de la gente. El último y más importante paso hacia el estilo es la consistencia. No hay moverte y no hay atajos. práctica consistente es la única manera de desarrollar un estilo de firma. Ahora cuánto practicas será diferente para cada persona. práctica diaria podría no ser factible para todos, pero sí te recomiendo que practiques tus letras al menos tres a cuatro días a la semana. Es mejor si puedes construir estructura alrededor de tu práctica para ayudarte a mantenerte motivado. Esto puede ser en una forma de un proyecto que crees para ti mismo, o puedes participar en un reto en línea. Por ejemplo, una vez al año, la cuenta de Instagram, 36 Days of Type, ejecuta un desafío de un mes de duración por letras del alfabeto. Por supuesto, también puedes crear tu propio proyecto. Belinda Kou, a quien mencioné antes en la clase, lo ha hecho un par de veces. Con su serie Hungrily Ever After, creó 18 portadas de libros con letras e ilustradas a mano que eran spoofs inspiradas en la comida en cuentos de hadas clásicos. Antes de eso, Belinda creó una serie llamada What's Not Cooking, donde creó 15 piezas con un tema central. Lauren Hom lanzó famosamente su carrera de letras mientras desataba su estilo al crear su proyecto diario de deshonestidad, que documentaba las pequeñas mentiras blancas que se decía cada día. Ohn Mar Win no es artista de letras, pero es un gran ejemplo de alguien que participa regularmente en retos de 100 días que la han ayudado a dominar su estilo. Ohn Mar también es una profesora de primer nivel aquí en Skillshare, y tiene una clase sobre práctica diaria del arte, que tiene ideas útiles sobre la mentalidad y el enfoque de la práctica consistente. Si encontrar tu estilo es una prioridad para ti, tendrás que hacer el tiempo para practicar. Además, ten en cuenta que la práctica no debe sentirse como una carga. Sí, tenemos esos días en los que no tenemos ganas de hacer nada. Pero si las letras son algo de lo que realmente te apasiona, practicar debería sentirse más como una indulgencia en lugar de una tarea. Para recapitular, los tres pasos para estilizar son la observación, la exploración y la consistencia. Observar el trabajo de los demás con intención e integridad. Empuja tu creatividad explorando y probando cosas nuevas, y practica consistentemente para que tu estilo tome forma. Arriba a continuación, finalmente llegamos a dibujar. Vamos a empezar a poner en práctica todas estas cosas de las que hemos hablado, comenzando con un ejercicio de observación. Te veré en la siguiente lección. 6. Ejercicio de observación: Empecemos. Te voy a guiar por cómo me acerco a la práctica de observación que delineé en la última lección. A modo de recordatorio, el objetivo es observar con ojos atentos, copiar con integridad, y copiar con intención. Mi fuente de inspiración es esta pieza Chill Out, creada por una de mis amigas de letras, Jane Wongjirad, mejor conocida como cottonwood312 en Instagram. Nacida en Tailandia y con sede en Chicago, Jane es diseñadora gráfica de día y le encanta experimentar con letras después de horas. Ella es muy hábil con letras de guión y delicadas flores. Eso combinado con los ricos colores oscuros que utiliza con frecuencia, agrega una verdadera elegancia a su trabajo, que me encanta. Cuando vi por primera vez esta pieza, lo que inmediatamente me atrajo fue el sentimiento tranquilo, relajado que daba, que por supuesto funciona perfectamente con la frase, chill out. Me encanta la mezcla del rosa suave con los colores fuertes a tierra. El guión de letras es preciso pero aún así se siente relajado y casi arrasado con el viento con la adición de la sutil línea de caída. También noté que Jane usaba un estilo textural suelto de entintar las hojas y los florales, lo que se suma a la vibra relajada de la pieza, y la forma en que ha estratificado los florales con las grandes flores por delante y las flores más pequeñas en el fondo realmente ayuda a crear dimensión y te dibuja en la pieza. Jane me ha dado permiso especial para recrear su obra de arte para esta clase, y no tengo intención de volver a publicar la copia que creo en ninguna plataforma, en línea o de otra manera. Esta parte del ejercicio es puramente para la práctica personal. No te preocupes, al final de esta lección, proporcionaré obras de arte para que las utilices para tu práctica de observación. Por favor, no imites las obras de arte de Jane sin permiso. Ahora, voy a intentar recrear esta pieza intencionalmente, tratando de averiguar cómo se hizo y qué opciones se tomaron. Lo primero que noto es que las letras rebotan, no está en una línea de base recta. También está esta gran interacción aquí donde la palabra Out simplemente se mete en el espacio que deja la curva de Chill. letras de guion realmente no vienen fácilmente para mí, así que voy a tener que enfocarme en las formas y averiguar cómo se estructuran estas formas de letra. Como de costumbre, voy a empezar con un boceto de esqueleto áspero solo para que pueda descifrar la colocación. Tengo las letras abajo, así que ahora es el momento de las flores. Estos dos tallos se curvan ligeramente hacia adentro, casi creando un marco alrededor de las letras, así que voy a empezar por posicionarlos, y luego voy a rellenar a partir de ahí. Mi boceto parece correcto, así que ahora es el momento del entintado. Lo primero que voy a hacer es solo hacer mi ventana de referencia más grande aquí y usar la herramienta cuentagotas para seleccionar colores dentro de la pieza para que pueda hacer la paleta. Déjame apagar mi boceto, y solo empezar a tirar de colores. Creé una nueva paleta y guardé todos esos colores para fácil referencia. Ahora puedo empezar a entintar, así que voy a reducir la opacidad aquí, iniciar una nueva capa. Noté que el entintado en las letras aquí es realmente crujiente y limpio. Voy a usar el pincel monolino, y esta letra está en el marrón, así que elegiré eso. Por lo que las letras de Jane también incluían un detalle en línea y unas líneas de gota realmente sutiles, así que voy a sumar las siguientes. Ahora en contraste con el lettering que era agradable y crujiente, el entintado para los florales es muy suelto. Tiene mucha textura a ella. Es como una textura de tinta seca, así que creo que voy a usar un pincel de este conjunto de texturas secas, y añadiré un enlace en la sección de recursos para donde compré este juego de pinceles. El pincel grueso y seco debería funcionar bien aquí, así que voy a elegir este azul oscuro, que es lo que Jane usó para todas las hojas y tallos, y solo voy a mantener esto bonito y suelto porque todas las imperfecciones realmente añadir a la textura. No estoy seguro de qué tan bien lo puedes ver en pantalla, pero ahí está, líneas azules ligeramente más claras y detalles en cada hoja. Entonces voy a añadir eso ahora. Para las flores, creo que la mejor manera de acercarla es construir capas de textura. Entonces empezaré con unos grandes trazos sueltos para los pétalos y luego iré de ahí, y luego también están estos pequeños puntos amarillos en la pieza de Jane. Por lo que añadiré esos a cada una de las flores también. Ahora una cosa que noté durante mi atenta observación que en realidad no me di cuenta cuando miré por primera vez esta pieza, fueron estas hojas tono sobre tono en fondo. Son sutiles, pero realmente sí añaden a la profundidad de la pieza. Por lo que los sumaré y terminaré los detalles restantes. Aquí está el resultado. No es una réplica perfecta, pero creo que logré capturar la esencia de la pieza de Jane. ¿ Qué aprendí de este ejercicio? Bueno, nunca antes había probado este estilo particular de letras de guion, así que recrear esto me ayudó a entender cómo se estructuraban las formas de letra. Usar una línea de caída como lo hizo Jane es una gran manera de agregar un movimiento sutil a las letras, y esa es la técnica que tendré en cuenta para futuros proyectos. El tono sobre tono deja en el fondo es otra técnica en la que nunca he pensado. Se trata de una herramienta que potencialmente podría implementar en otra pieza de una manera ligeramente diferente. Ahora aquí está su asignación. He dibujado esta pieza para que recrees. Si estás trabajando digitalmente, el archivo JPEG está disponible en la sección de recursos para que puedas descargarlo e importarlo a Procreate. Así como lo demostré en esta lección, practica observar con ojos atentos, enumera las cosas que notas y las cosas que te gustan de la pieza, después copia la pieza con intención, prestando atención a la detalles y elecciones hechas. Además, recuerda copiar con integridad, por favor no compartas tu versión copiada en línea como si fuera tu propia obra de arte. Este ejercicio es estrictamente para su práctica personal en esta clase. Una vez que te vuelvas más experimentado, este paso de imitación no será necesario. Cuanto más practiques, más fluida e intuitiva será este proceso. Pero por ahora, es una gran manera de construir el músculo de observación, sobre todo si eres principiante. A continuación, vamos a empujar esto más allá. Exploraré formas de reinterpretar el estado de ánimo y los detalles de la pieza de Jane, y te daré una asignación para que hagas lo mismo con mi pieza. Te veré en la siguiente lección. 7. Ejercicio de exploración: El encargo de observación en la última lección fue todo sobre mirar hacia afuera, examinar las opciones creativas de otra persona. Ahora que hemos tomado todos esos detalles, es hora de mirar hacia adentro, empezar a explorar e intentar sacar de tu propia bóveda creativa. El objetivo es llevar partes de ti mismo al trabajo. Empieza por volver a visitar las notas que hiciste en las dos últimas asignaciones. Estos son los aspectos más destacados que saqué de mis notas visuales de entrada. Los insumos a los que reconozco y me conecto son color, naturaleza , serenidad, limpio, preciso, trabajo gráfico, y movimiento. Esto es lo que resalté de mis notas de observación cuando estudié la pieza de Jane, el estilo de letras era relajado pero aún así crujiente y refinado. También señalé esa textura y dimensión. Mi objetivo es reinterpretar esta pieza, teniendo en cuenta esas cosas, quiero mantener la vibra relajada pero refinada, y la textura, y la dimensión de la pieza de Jane. Pero quiero incorporar las cosas que resuenan conmigo, como el color, el movimiento, y la calidad gráfica precisa. El lugar más lógico para empezar es con las letras. No quiero usar exactamente el mismo estilo de guión, pero sí quiero mantener la misma sensación casual y relajada. Voy a probar el estilo de letras mayúsculas chilled-out. Por cierto, este pincel ancho con el que estoy dibujando es el pincel block lápiz de Cynlop Ink. Cynthia tuvo la amabilidad de ofrecer a mis alumnos un código de cupón para su tienda, así que dejaré el enlace y el código en la sección de recursos para ti. Me gusta mucho la forma en que se mete la palabra fuera en esta curva creada por el chill, y la forma en que el travesaño de la T también encaja perfectamente en este pequeño rinconcito. Estoy tratando de traer ese mismo sentimiento a esta letra. Entonces he metido una L en la forma de la otra. Esta pequeña curva que la L está haciendo aquí parecía un gran lugar para el travesaño de esta T. En realidad creo que también puedo hacer que esta O sienta que está metida en este espacio un poco más también. Ahora, como vimos en la última lección, hay una encantadora línea de gota sutil utilizada en este texto. No voy a hacer una línea de caída, pero creo que usaré una sombra de gota en su lugar. Ahora para los florales, me gusta mucho movimiento en mis florales, así que en lugar de anclarlos al fondo del lienzo, creo que los voy a tener rodeando las letras. Voy a mantener las hojas grandes como lo hizo Jane, pero voy a usar formas que simplemente me vienen más naturalmente. Esa será otra forma de separar mi trabajo de la de ella. En la última lección, hablamos de cómo las hojas aquí están en capas para darle más dimensión a la pieza, voy a añadir un poco de dimensión al tener algunas de mis hojas superponen las letras. Por supuesto, no quiero afectar la legibilidad, así que sólo voy a hacer que cubran sólo pequeñas áreas de las letras para que todavía podamos leer todo. Estoy contento con el diseño y siento que se ve lo suficientemente diferente a la pieza de Jane. Voy a cerrar esta referencia y ahora puedo pasar al color. En su pieza, Jane combinó estos tonos realmente suaves con colores realmente profundos. Tiendo a combinar tonos suaves con colores más saturados, así que voy a cambiar un poco esta paleta a algo que se sienta un poco más como yo. Definitivamente voy a quedarme con este rosa y este coral, pero quiero aligerar ligeramente este azul. También quiero mantener un color lavanda, pero quería ser un poco más claro y tal vez incluso un poco más rosa en él, y en realidad creo que quiero agregar un bonito color ciruela también. Para otro pop de color, creo que voy a iluminar este rojo profundo. He ajustado todos los colores que quería ajustar y he añadido un par de opciones extra para sombreado y reflejos y así sucesivamente. Ahora que mis colores están todos establecidos, puedo empezar a entintar. Por cierto, si la selección de colores es un reto para ti, tengo un par de recursos útiles. Para una solución rápida, puedes inscribirte en mi boletín de correo electrónico una vez al mes para obtener acceso a mi archivo de paletas, incluiré un enlace en los recursos, o puedes tomar mi clase de paletas de colores para aprender a crear paletas propias. Si alguna vez has visto mis videos de time-lapse en Instagram, sabrás que normalmente tinta de negro primero, es solo una preferencia personal. Si quieres, puedes echar un vistazo a mi clase de encore en vivo sobre ilustrar una nota de agradecimiento por una explicación de cómo me acerco al entintado de esta manera. Ahora bien, no quiero usar los mismos adornos que lo hizo Jane en lugar de hacer un inline, creo que voy a delinear cada una de estas letras. Creo que eso agregará una sensación de pulido similar a estas formas relajadas. Acabo de hacer una máscara de recorte sobre las letras moradas. De esa manera sólo puedo entrar y crear los contornos sin preocuparme por mantenerme dentro de la forma. Ahora, para las hojas y las flores, en lugar de comenzar con un pincel muy texturizado como lo hice en el ejercicio de observación; voy a empezar con formas mayormente limpias y luego añadir textura después. A mí me gusta agregar algo de sombreado sutil en mis hojas, así que voy a usar mi pincel para sombrear gouache aquí. Dejaré un enlace en la sección de recursos para donde conseguí este pincel. Aquí el resultado final. Como pueden ver, aunque mi última pieza fue fuertemente inspirada en el trabajo de Jane, los dos no se parecen en nada. Después de la asignación de observación y la práctica de imitación, ahora deberías estar muy familiarizado con esta obra de arte. Ahora es el momento de estirarte y ver cómo puedes reinterpretar mi pieza. Para ser claros, el objetivo no es copiar mi pieza, cambiar uno o dos detalles, luego llamarla tuya; tratar de empujar más allá, alterar el diseño, cambiar el estilo de las formas de letra, o probar algo diferente con los florales. El punto es experimentar y meter más de ti mismo en él. Si eres nuevo en dibujar flores, mira mi diversión con clase florales, donde rompo el proceso y te muestro cómo puedes crear tus propias flores imaginativas o puedes reemplazar las flores por algo que sientas dibujo más cómodo. Recuerda, aunque mi obra está sirviendo de inspiración, tu pieza terminada no debe parecerse a la mía. Pedí a un par de mis amigos de letras que se nos unieran en este ejercicio, por lo que también dibujaron esta pieza en su propio estilo. Jane y yo intercambiamos lugares, y esta vez, ha reinterpretado mi obra de arte y la ha hecho suya. Como puedes ver, ambos incorporamos florales y paletas similares, sin embargo la obra de arte es bastante diferente. La habilidad de Jane con las letras de guión realmente brilla aquí. Me encantó la forma en que dibujó las palabras, Auto Love. Había una conexión entre la S y la L en mi pieza. Jane ha reinterpretado esa conexión creando esta hermosa ligadura entre su S y L, en lugar de tener las letras superpuestas como lo hice yo. Si bien mi pieza crea una forma cuadrada, Jane ha optado por más de un diseño circular. Esta obra representa claramente el hermoso estilo de Jane. Ahora, aquí hay otra comparación de estilo. Cynthia López es otra de mis amigas de letras. Mencioné sus pinceles personalizados de procreate antes en la lección. Hay una calidad fácil y sin esfuerzo en el trabajo de Cynthia. A menudo incorpora grandes flores audaces con sus letras, que destacan contra los fondos oscuros que utiliza con frecuencia. Otra tarjeta de presentación del trabajo de Cynthia es la forma en que juega con la textura. En la versión de Cynthia de la pieza de Self Love Club, utilizó su exclusiva paleta oscura y estilo de guión casual. Decidió cambiar el formato de cuadrado a vertical e incorporó mucha de esa textura deliciosa que es conocida por ella. Este es el estilo 100 por ciento de Cynthia. Como se puede ver, hay varias formas en que se puede reinterpretar la obra de arte. Recuerda aprovechar tus entradas y trata de remezclar tus influencias para llegar a algo que te represente. A continuación, vamos a ver algunas formas de crear estructura alrededor de tu práctica, incluyendo un divertido proyecto de bonus. Te veré en la siguiente lección. 8. Práctica consistente: Ahora que has trabajado en un par de piezas y tienes algo de práctica bajo tu cinturón, mantengamos el impulso en marcha. La práctica consistente es donde realmente comienza a suceder el progreso. Para ayudarte a construir estructura alrededor de tu práctica, he configurado una asignación de bonus para ti en forma de un mini reto de dibujo de cinco días. Así es como funciona. He creado cinco piezas de letras para que las uses como inspiración. Tu tarea es reinterpretar cada pieza en tu propio estilo emergente. Ya que la frase para el proyecto de clase principal era el club de autoamor, estamos continuando ese tema de autocuidado, por lo que como puedes ver, cada frase está relacionada con el autocuidado de alguna manera. También notarás que la complejidad de la obra cambia con cada día del reto. El primer pedazo es bastante sencillo con una sola palabra y un diseño mínimo, mientras que la quinta pieza es más detallada, sin embargo no te intimides. Está perfectamente bien si llegas a la quinta pieza y aún no te sientes lo suficientemente confiado como para abordar un diseño más complejo. Simplifícalo, haz que funcione para ti. Después de todo, el punto aquí es aprovechar tu estética personal. A pesar de que lo estoy llamando un reto de cinco días, realmente no hay límite de tiempo. Ya sea que se necesiten cinco días o cinco semanas para completar el reto, solo tienes que ir a tu propio ritmo. El objetivo es simplemente ser consistente y tener una colección de cinco piezas terminadas para el final del proyecto. Encontrarás las indicaciones y las ilustraciones de inspiración para este reto bonus en la guía PDF de clase, que podrás descargar en la sección de recursos. Hay dos formas de abordar este reto. Puede usar mensajes visuales o avisos de palabras. El enfoque visual es esencialmente lo que hemos estado haciendo a lo largo de la clase. Al igual que lo hicieron Jane y Cynthia, usarías mi obra de arte como inspiración, pero explorarás y probarás nuevos temas para que tu pieza no sea simplemente una réplica de lo que he creado. Por supuesto, si te ayuda, eres bienvenido a empezar primero con los ejercicios de observación e imitación, siempre y cuando imites con intención e integridad como hablamos. Pero no te detengas ahí, empuje más y trata de reinterpretar la obra de arte. Si tienes un poco más de experiencia con las letras y te sientes más cómodo con el proceso de remezclar ideas, puedes dejar de lado mis ejemplos y solo usar la lista de indicaciones de palabras para guiar tu práctica. En realidad he incluido algunas frases extra por si te gustaría extender el proyecto más allá de los cinco días. Con el enfoque de palabra pronta, lee cada frase y ve qué imágenes o conceptos evoca para ti. Tienes total libertad con este enfoque. Una vez más, he confiado en mis amigos de letras para brindarles algunos ejemplos. Como se puede ver, todos han tomado enfoques conceptuales completamente diferentes a la misma frase. El estilo Sonia es simple y gráfico, y por lo general incorpora dulces ilustraciones de personajes para ayudar a retransmitir cualquier mensaje que esté marcando. Fiel a la forma, Sonia tomó un enfoque muy imaginativo y gráfico al prompt. Incorporó las palabras amor propio en un corazón, y las letras revelan una imagen de uno de sus personajes de firma. Es casi como si el personaje estuviera mirando a través de una ventana de amor propio. Ahora, el estilo Roselly es audaz, colorido y fluido. Ella es realmente hábil en combinar ilustración con letras de una manera que te atrae a la composición. En su pieza, los tallos de las flores crean una forma de corazón y se convierten sin problemas en manos acunando un corazón. Nuevamente, la palabra que viene a la mente es fluida por la forma en que todos los elementos fluyen juntos tan bellamente. Este es el trabajo de Kevin Adams. Su estilo de firma incluye letras audaces, tridimensionales, y muy detalladas con un poco de una película de arte pop retro. interpretación de Kevin de la frase es exactamente lo que he llegado a conocer y me encanta de su estilo. Es gráfico, audaz, y lleno de detalles estilizados. No puedo esperar a ver cómo te acercas a estos avisos. Por favor comparte tu serie terminada en la galería de proyectos, y si publicas alguna de tus piezas en Instagram, asegúrate de etiquetarme para que pueda ver tu trabajo. A continuación, hablaremos sobre cómo revisar y auditar su trabajo una vez que haya concluido el proyecto. Nos vemos en la siguiente lección. 9. Auditoría de proyecto: Antes en la clase, hablé de hacer tu propia auditoría de arte para observar y hacer un balance del trabajo que has creado. Te animo a tener una de esas auditorías después de que termines el reto de cinco días. Revisa tu obra de arte desde el reto de forma individual y en grupo, luego hazte estas preguntas. ¿ Qué pieza te gusta más? ¿ Qué pieza disfrutaste creando más? ¿ Ves algún tema o elementos recurrentes? ¿ Se siente cohesiva o desarticulada la colección? Si lo volvieras a hacer, ¿qué cambiarías? Para poder dar pasos intencionalmente hacia fijar tu estilo, quizá considere lo siguiente. Cualquiera que sea la pieza que más te guste, tal vez intente hacer más de esa cosa o use esa pieza como su propia inspiración para avanzar. Para la pieza que realmente disfrutaste creando, piensa en lo que la hizo agradable. A lo mejor incorporar más de eso a su trabajo. Después de todo, desarrollar un estilo se vuelve más fácil si estás disfrutando de lo que estás haciendo. Si estás viendo temas recurrentes, siempre y cuando esos elementos recurrentes sean originales para ti, esto podría ser un indicador de tu estilo emergente. Si tu proyecto se siente desarticulado, está bien. Simplemente significa que aún estás en la etapa exploratoria. Piense en cómo podría potencialmente traer algún elemento de firma a su trabajo avanzando. Si tu colección se siente cohesiva, entonces eso es increíble. Significa que estás bien en camino a tener un estilo de firma. Piensa en lo que puedes mejorar y ten presente hacer esos cambios en tu próxima pieza. Ser intencional en mejorar es la única manera de perfeccionar con éxito tu habilidad y acercarte más a establecer tu propio estilo. Recuerda, es un proceso en constante evolución y no todo hará clic en su lugar después de un solo reto. Pero hacer esta autoauditoría definitivamente te ayudará a llegar un poco más rápido. 10. Gracias: Muchas gracias por tomar esta clase. Espero que te haya dado algunas ideas nuevas y nuevas formas de pensar en desarrollar tu estilo. Por supuesto, esta clase no eliminará todas las frustraciones y dolores crecientes de encontrar tu estética artística, pero espero que te dé una útil hoja de ruta a seguir a medida que comiences este viaje. Recuerda que el camino de todos es diferente. Es posible que te encuentres gravitando a más de un estilo o incluso llegar a la conclusión de que no quieres limitarte a ningún estilo en particular en absoluto. Todas las opciones son válidas. Eres el artista, así que tienes que decidir. Por favor, no olvides compartir tu trabajo en la galería de proyectos. En ocasiones puede ser difícil ver tu propio trabajo de manera objetiva, así que estoy feliz de darte una perspectiva exterior y te animo a que hagas lo mismo por tus compañeros de clase también. Además, no olvides etiquetarme @IAMGIAGRAHAM si publicas tus proyectos en Instagram. Si has disfrutado de esta clase, me encantaría que dejaras una reseña. Tus opiniones no solo me ayudaron a mejorar mis clases, sino que también ayudan a los futuros alumnos a saber qué esperar. Además, puedes hacer clic en el botón seguir para que te alerten cada vez que publique una nueva clase. Como siempre, ha sido un placer compartir con ustedes este espacio creativo y espero verlos en la siguiente clase. 11. ¡Bonus! Entrevista con Brooke Glaser: Hola otra vez. Tengo un poco de golosinas para ti. Ahora, muchos de ustedes quizá ya conozcan a Brooke Glaser, quien es compañero de primer maestro aquí en Skillshare. Ahora, Brooke también tiene una clase de encontrar tu estilo. En esta lección extra, estaré charlando con ella sobre su acercamiento al tema. Si aún no estás familiarizado con Brooke, es ilustradora y diseñadora de superficies. Su trabajo se puede encontrar en lugares como Target y en productos como prendas de vestir para niños, tarjetas de felicitación, envoltorio de regalo, y más. Brooke ha ayudado a cerca de 200 mil artistas a subir de nivel tanto su arte sus carreras creativas con clases sobre temas como cómo dibujar y ganarse la vida como artista. Oye, Brooke, es bueno verte. Muchas gracias por unirse a nosotros para compartir algunas de sus ideas sobre el desarrollo de estilo. Mi primera pregunta para ti es ¿cómo te acercas a desarrollar tu estilo de arte único? Para mí, el estilo es más que solo la forma en que se ve tu arte, por supuesto, se trata de la vibra y el sentimiento y los temas que usas. Es bonito examinar, vale, ¿cuáles son las cosas que quiero mostrar en mi arte? Pienso en eso ser como es un empresario o un patinador; no es solo lo que usan, también es el argot que usan, o el lenguaje que usan, o la música que escuchan, o los lugares a los que van. Pero si bien esas cosas son importantes, realmente es la forma en que se ve tu arte esa es la base, la parte más importante de desarrollar tu estilo. Para ello, me gusta examinar mi estilo a través de la lente de los elementos del arte. Tienes como, ¿cómo dibujas formas? ¿ Cómo se dibujan líneas? ¿ Cómo se usa el color? En realidad hay diferentes formas específicas en las que puedes acercarte a esas. Por ejemplo, cuando hablamos los elementos del arte y la forma, puedes dibujar cosas en un estilo geométrico o en un estilo orgánico, o puedes hacer una variación entre esos dos. En mi clase, uso un ejemplo de dibujemos un hongo. Si tienes el hongo, la parte superior del hongo puede ser como un medio círculo perfecto, y esa es una forma muy geométrica de representar las formas. A lo mejor los círculos en la parte superior de ese hongo son círculos perfectos, tal vez incluso tienes el sombreado desde la parte superior del hongo hasta el stock, tal vez ese sombreado tiene la forma de un triángulo real, y ese es un estilo de dibujo muy geométrico. tanto que si haces un dibujo orgánico, esto podría ser mucho más un dibujo realista de las formas y es grumoso y está baches y no es suave, es una forma muy orgánica de acercarse a eso. Por supuesto, hay una infinita variedad de formas de dibujar formas en el medio ser orgánico y geométrico, pero es esta práctica de, vale, ¿cómo me voy a bajar a estos detalles tontos de realmente lo que son los elementos de los que está hecho mi arte y ¿cómo puedo jugar con esos elementos? Por ejemplo, otra forma de ver eso es si miras las líneas en los dibujos animados. El modo en que podría dibujarse un cómic de Marvel podría ser completamente diferente a las líneas en anime o en Calvin y Hobbes. Podrías tener una línea uniforme completamente sólida, gruesa que se dibuja realmente gruesa, o podrías tener líneas realmente escasas que disminuyen de un extremo a otro. Mi enfoque en la clase es realmente examinar estas diferentes formas que puedes dibujar y ¿cómo traes lo que te gusta a tu propio arte? Correcto. Sí, me encanta ese enfoque porque es tan práctico y práctico. Es una gran manera de incluso mezclar y combinar y averiguar lo que resuena contigo y lo que más te habla. Sí. Ahora, tu clase está muy enfocada en la ilustración. Muchos de mis alumnos son artista de letras o combinan letras con sus ilustraciones, ¿tienes alguna perspectiva específica sobre el desarrollo de estilo específicamente para los leteros? Sí, totalmente. Creo que la parte más importante para nosotros es entender los fundamentos del lettering, y por supuesto, tienes muchas clases geniales sobre eso. Una vez que entiendas los fundamentos, entonces puedes empezar a experimentar y explorar y tomar tu propia toma única. Cuando estoy dibujando letras, la gran parte de eso es crear forma y ¿cómo creo sombreado? Por ejemplo, utilizas este hermoso club de letras de amor propio para que los estudiantes emulen en tu clase. Tienes esta gradación punteada realmente hermosa, muy fina. Eso crea donde se cruzan las formas de letra, crea un sombreado para que puedas ver, “Oye, parte de esto está delante del otro”, ese es el sombreado. En ese caso, una forma que podrías experimentar con esa es que puedes tomar en lugar de usar un puntito muy fino, podrías tal vez hacer trabajo de línea, podrías hacer eclosión o rayado, podrías hacer un tipo de textura totalmente diferente, podrías usar solo bloque sólido para que donde las formas de letra se encuentren en lugar de tener una gradación para crear ese sentido de forma, podrías tener un sólido bloque de color que diga, ” De acuerdo, esto es lo que hay delante y aquí está lo que hay detrás”. Es, de nuevo, examinando esos detalles realmente nefastos de cuáles son los elementos de lo que está hecho tu arte y cómo cambia esto el aspecto de lo que estás dibujando. Eso lo entiendo totalmente y estoy de acuerdo contigo porque esas elecciones realmente pueden hacer una gran diferencia en cómo resulta la pieza en general. Es agradable examinar estos de forma aislada y decir: “Está bien, centrémonos en la forma y en la forma en que sombreamos la forma, vamos a enfocarnos en el color”. Pero al final, todas esas cosas mezclan y no están aisladas por sí mismas, siempre hay textura dentro del color, bueno, casi siempre, o hay falta de textura, que también es una elección intencional. Pero ojalá, en mi clase, podamos examinar los individualmente y luego ver cómo se integran todos juntos. Pero sí, son todos esos pequeños rastros que haces en tus letras los que hacen que tus letras sean únicas. Me encanta que entres ese nivel de detalle en tu clase porque es un segue perfecto para que mis alumnos vayan de esta clase a tuya porque pueden tomar las sugerencias de imagen amplia que yo ofrecer y luego entrar en los detalles reales de la basura con tu clase, con técnicas y cómo probar diferentes cosas y diferentes formas de acercarse a una pieza. Eso me encanta. Lo interesante de la diferencia entre nuestras clases es que empiezo mi clase diciendo: “Oye, realmente necesitas estar prestando atención a lo que están haciendo otros artistas porque sí, puedes meterte en estos detalles nitty-gritty, pero realmente necesitas ver lo que están haciendo otros artistas para entender eso”. Creo que tu clase realmente da una buena perspectiva sobre, “Aquí es cómo miras lo que están haciendo otras personas, y así es como lo integramos en lo que haces”. Porque es mucho mejor construir sobre los hombros de gigantes a tu alrededor, eso probablemente no sea lo mismo, pero aprendes de la gente increíble que te rodea y construyes sobre lo que hacen. Creo que esa es una manera realmente genial de abordar el arte también. Ahora, eso es realmente un gran segue en mi siguiente pregunta porque parte de desarrollar tu estilo es observar a otros artistas, y tú hablas de eso en tu clase y yo hablo de eso en esta clase también. Pero el reto de mirar a otros artistas es que podrías caer en esa temida maldición de comparación, y a veces es fácil sentir como si no pudiéramos igualar a los artistas que admiramos, esos gigantes que de lo que has hablado. ¿ Cómo te acercas o lidias con la comparación? Sí. Esa es una cosa tan grande y tan grande también. Creo que la comparación es una espada de doble filo porque comparación puede ser realmente buena. Cuando la comparación es buena, te inspira ser como, me encanta lo que hace esta persona. Yo quiero nivelar lo que estoy haciendo. Yo quiero probar algo nuevo. Yo quiero hacer lo que hago mejor. Ahí es cuando la comparación es buena. Pero no es tan bueno si te quedas atascado, y cuando te apetezca, nunca voy a medir. Nunca voy a poder ser tan bueno como esta persona. Eso es muy fácil para mí quedarme abrumado e intimidado, y eso es realmente duro. Ojalá pudiera decir, oh, bueno, cuando llegues a cierto nivel, eso va a desaparecer y vas a estar absolutamente seguro todo el tiempo. Nunca. Pero eso no es cierto en mi experiencia. No es cierto en mi experiencia, no es cierto en muchos artistas que conozco en cualquier nivel que sean. Siempre estás aprendiendo y esforzándote de otras personas y la comparación es parte de ese territorio. He desarrollado bastantes maneras. Ciertamente no soy experto en tratar con la comparación, pero he desarrollado muchas maneras diferentes de lidiar con esto. Hablo de todo un montón en la clase. Pero un par de ellos diría que estar atento al consumo pasivo, y cuando pienso en el consumo pasivo, pienso en el consumo pasivo y activo. Hay una diferencia entre, solo te estás desplazando por Instagram o por internet y solo estás viendo estas cosas y te sientes como si no fuera bueno, repente comienzas a sentirte mal por a ti mismo. La diferencia entre no un consumo activo es cuando estás usando activamente esa comparación en acción y haciendo algo con ella. Si estás tratando activamente de averiguarlo, ¿cómo dibujo una cascada realmente bien, y así vas y miras cómo otro artista dibuja una cascada. Porque estás en modo acción. Bueno, porque estoy en modo acción, debo decir, tengo mucho más de un tiempo fácil diciendo como, me parece inspirador lo que hace esta persona y voy a tratar de imitar esta forma de dibujar, caer líneas, caer agua. Es porque soy activo, eso me ayuda a no sentir ese sentido de comparación. Es cuando sólo estoy pasivamente, sólo viendo algo y no haciendo algo que me siento mucho peor. Sí. Llevar esa intención a la comparación. Sí. Creo que hablas del pergamino zombi. Sí. En tu clase. No es bueno. Sí, eso es exactamente. Lo que estás describiendo es exactamente el pergamino zombie, solo vas y vas, pero no eres intencional de mirar el trabajo de otras personas. En realidad, creo que es justo, todos nosotros sí necesitamos tiempo para un pergamino zombie, todos somos humanos. Necesitamos tiempo para relajarnos en el sofá y vergarnos y no hacer nada. Lo que encontré que me resulta realmente útil para ayudarme a evitar esa trampa de comparación es encontrar inspiración en medios que sean diferentes a lo que hago. No quiero decir como oh, llegué a escuchar música y podcasts. Es decir, sigo inspirándome en los medios visuales. Para mí, me gusta jugar videojuegos o inspirarme en el diseño de interiores o de películas. Estas son cosas de las que tomo inspiración visual directa porque dibujo escenografía y me gusta dibujar interiorismo. Pero la diferencia aquí es que creo que la razón por la que esto funciona tan bien para mí y me ayuda a no sentir ese sentido de comparación es porque las medidas de éxito para una película de Studio Ghibli tal vez sea, es un Oscar y no estoy tratando de ir por un Oscar, así que no me estoy comparando con este impresionante trabajo de animación. Probablemente tengo más probabilidades de compararme con otro ilustrador que va por los mismos clientes o quién es, estoy mirando mis gustos de Instagram y estoy comparando a alguien más que tenga más A Instagram me gusta y eso me hace sentir mal. Si estoy viendo medios que tienen diferentes mediciones de éxito y eso es un poco diferente, sigue siendo útil para mí, pero diferentes a lo que hago. Eso es útil para mí. Me gusta lo que dijiste de cuando comparas uno a uno como otro ilustrador que hace un trabajo muy similar, entonces eso realmente agudiza ese sentimiento de comparación y competencia. Pero aún se puede mirar a otro artista visual. Pero si están haciendo algo diferente a ti, esa es una gran manera de seguir inspirándose sin tener ese nudo en tu estómago sintiendo. Sí, creo que esa es una gran manera de abordarlo. Sí. Entro a fondo con muchas más técnicas, pero creo que la tercera que tal vez solo dejaría aquí es que, me gusta compararme conmigo también. Creo que hablaste de esto de hacer una auditoría de ti mismo. Para mí, si miro hacia atrás en el trabajo que he realizado, hace un año, hace dos años , tres años, puedo sentir mucho orgullo por el crecimiento que me he hecho como artista. Sí. Sustituyendo esa emoción de no estoy ahí y diciendo como: Oye, estoy corriendo mi propia carrera aquí y este es el progreso que estoy haciendo para mí mismo. Al menos me ayuda. Absolutamente. Vuelve a centrar mi visión, al menos cambia esa emoción para que no sienta que no puedo medir soy como, no. Sí. He hecho algunos avances. Sí. Me encanta que estés corriendo tu propia carrera. Eso es absolutamente todo. Nadie puede decir qué tan rápido debe ir, qué lentitud debe ir, qué forma debe tomar porque es tu carrera. Digo, honestamente, probablemente ni siquiera llegas a decir eso, la vida toma sus propios términos y haces lo que puedes, pero no tienes mucho control sobre la carrera para empezar. Eso es tan cierto. Buen punto. Sí. Bueno, muchas gracias, Brooke. Un enorme agradecimiento a Brooke por unirse a nosotros y compartir su perspectiva. Asegúrate de revisar su clase, que se llama Encuentra tu estilo: una guía accionable para desarrollar tu estilo de ilustración. Si aún no lo estás haciendo, asegúrate de seguir a Brooke aquí en Skillshare, así que te avisarán cada vez que publique una nueva clase. Te volveré a ver aquí pronto. Hagámoslo una vez más. Sí. 1, 2, 3. ¿ Estoy congelado? ¿Puedes oírme ahora? Sí. No, estás congelado. Intentemos eso otra vez. No puedo decir si estás congelado o si estás hablando.