Transcripciones
1. Introducción: Letras a mano es la habilidad de dibujar palabras. Pero, ¿cómo transformamos las letras básicas en una obra de arte convincente? Vamos a averiguarlo. Hola, mi nombre es Gia Graham, y soy una artista de letras e ilustradora originaria de Barbados, con sede en Atlanta. En esta clase, vamos a explorar cómo subir de nivel tus composiciones de letras incorporando ilustración de tres maneras efectivas. Se trata de una clase intermedia. Si eres nuevo en letras, te animo encarecidamente a que tomes mi clase de principiante llamada letras de mano en Procreate, que te dará los fundamentos que necesitarás conocer para esta clase. Otro requisito previo que sugeriría es mi nivel suba tu
clase de layouts para que tengas una comprensión de los conceptos básicos de un buen diseño. Con estas habilidades en su lugar y un poco de práctica bajo tu cinturón, estarás listo para sumergirte en esta clase con confianza. En esta clase, exploraremos tres métodos para incorporar la ilustración a tu trabajo de letras. El método primario de letras,
el método de letras ilustrativo, y el método primario de ilustración. Trabajaremos a través del proceso desde ideas de lluvia de ideas y bocetos de miniaturas, hasta decidir qué técnicas de letras y maquetación usar. Después finalizando la obra de arte e incorporando detalles interesantes. Al final de esta clase, podrás transformar una frase con formas de letras
básicas en una convincente obra de arte. Esta habilidad es esencial si estás interesado en trabajar con directores de arte en Proyectos Editoriales, si quieres crear productos como tarjetas de felicitación, si quieres vender tu trabajo con letras a mano como estampados artísticos llamativos, o si simplemente quieres llamar la atención sobre tu feed de Instagram con ilustraciones más atractivas. Por cierto, todos los principios en esta clase se pueden aplicar utilizando dibujo analógico. Pero estaré trabajando digitalmente en el iPad Pro, usando la app Procreate. Dado que esta no es una clase de principiante, un poco de experiencia y una buena comprensión de la app Procreate sería ideal si también planeas trabajar digitalmente. También quiero dejar claro que esta clase no se trata de enseñarte a dibujar. Más bien, te estaré guiando a través de los principios de cómo combinar
eficazmente letras a mano e ilustración, y cómo pensar a través del proceso. También estaré demostrando cada técnica en el camino. Ahora, si estás listo para convertir palabras simples en arte impresionante, empecemos.
2. PROYECTO DE CLASE: El proyecto para esta clase es escribir e ilustrar un cartel inspirador o motivacional. Eres bienvenido a elegir cualquier cotización que te levante. Puede ser algo profundo y provocador a la reflexión o algo que simplemente te traerá una sonrisa a la cara. El objetivo es simplemente crear una pieza de arte con un mensaje positivo que puedas colgar en tu pared como recordatorio diario. Tu póster debe ser diseñado usando uno de los tres métodos que cubriremos en clase. Pero si te gustaría desafiarte, eres bienvenido a unirte a mí en la creación de tres carteles diferentes, cada uno usando uno de los métodos que estaré enseñando. Por favor, asegúrate de subir tu obra final en la galería de proyectos. Eres bienvenido a compartir tus bocetos, miniaturas, y tu proceso de pensamiento también. Para compartir tu proyecto, desplázate hacia abajo debajo del video de la clase. Vaya a la pestaña Proyectos y Recursos. A continuación, haga clic en el botón Proyecto de clase. Nombra tu proyecto y sube tantas imágenes
como quieras haciendo clic en el icono de la imagen donde dice: “Agrega más contenido”. También puedes escribir notas o hacer preguntas dentro del área del proyecto. No olvides subir una imagen de portada porque eso es lo que aparecerá en la vista de galería. Aquí en la sección de recursos, puedes descargar el PDF de la clase, que incluye algunas cotizaciones
de muestra para que elijas si aún no tienes una cotización en mente. Si tienes alguna pregunta para mí, puedes escribirlas aquí en el área de discusión. Yo quiero crear un sentido de comunidad entre los estudiantes. Desplácese por la galería de proyectos y cuando vea un proyecto que le guste, apoye a su compañero de clase gustando su proyecto o dejando un comentario alentador. No puedo esperar a ver tus creaciones. A continuación, vamos a empezar por averiguar qué diferencia el arte de la información. Vamos a sumergirnos.
3. ¿Arte o información?: La primera gran pregunta que tenemos que abordar es, ¿qué es el arte? Todos sabemos que el arte es subjetivo, pero ¿se puede definir? ¿ Bien? Sí, puede. arte se define como la expresión o aplicación de la habilidad creativa humana y la imaginación, produciendo obras para ser apreciadas principalmente por su belleza o poder emocional. Sin la habilidad, la imaginación, o el poder emocional, un grupo de palabras sólo sería información. Vamos a descomponer eso. En el contexto de esta clase, la habilidad creativa sería tu dominio en letras e ilustración a mano. La imaginación entra en juego con tu habilidad para conceptualizar y llegar a nuevas ideas para cómo comunicar un concepto. La belleza radica en cómo eliges implementar tus ideas. Serían los métodos, estilos, y embellecimientos que elijas incorporar. Cuando estas cosas se combinan bien, va a generar una respuesta emocional, lo que
significa que resonará de alguna manera u otra. Esa emoción puede ir desde algo tan simple como un guiño de cabeza en concordancia hasta una sonrisa hasta tener un impacto profundo y duradero. Con eso en mente, tenemos una fórmula a la que referirnos. El arte fórmula sería imaginación más implementación iguala impacto emocional. De hecho, añadiría a esto decir que el contenido juega un papel importante también. Lo que estás viendo, especialmente con el arte de letras, puede ser tan importante como cómo lo dices, lo que significa cómo eliges expresarlo de forma creativa. Yo añadiría a la fórmula decir contenido más imaginación más implementación iguala impacto emocional. Teniendo en cuenta estos factores, ahora
tenemos una hoja de ruta para cómo convertir palabras simples en arte impresionante. Demos nuestros primeros pasos en ese viaje. A continuación, escogeremos una cotización. Te veré en la siguiente lección.
4. ¿Qué quieres decir?: Como mencioné en la última lección, contenido juega un papel importante en nuestra fórmula. ¿ Qué quieres ver? ¿ Qué mensaje quieres transmitir? ¿ Cuál es el propósito del mensaje? Estas son todas las cosas a considerar a la hora de decidir qué carta. Nuestro proyecto para esta clase es mandar una cotización inspiradora o motivacional. Ya tenemos un marco para trabajar dentro a la hora de decidir el contenido de nuestra pieza. Ahora bien, no quiero que te echen por los términos inspiradores y motivacionales. Yo soy una de esas personas que tiende a poner mis ojos en citas excesivamente [inaudibles], así que podemos evitar absolutamente las frases cursi que probablemente se encuentren en el calendario de la pared de tu abuela, a menos que te guste eso. Por ejemplo, vi una cotización en línea que decía: 'las magdalenas son magdalenas que creían en los milagros, piense como una magdalena. ' Eso es motivacional a su manera tonta y ridícula. Siéntete libre de pensar fuera de la caja o ser tan tradicional como te gustaría. Si necesitas un poco de ayuda para empezar, he incluido algunas cotizaciones para elegir en la guía PDF de la clase, que puedes descargar en la sección Recursos. El presupuesto que decidí usar es 'las flores crecen fuera de los momentos
oscuros' que es una cita de Corita Kent, quien fue artista, educadora y defensora de la justicia social. El 2020 fue un año que ninguno de nosotros es probable que olvide. Esta cita es un gran recordatorio de que las cosas buenas pueden suceder a pesar de los tiempos oscuros, y a medida que avanzamos hacia un nuevo año, hay esperanza de días más brillantes floreciendo por delante. Estaré letras e ilustrando esta frase de tres maneras diferentes. Empecemos con el método primario de letras. Nos vemos en la siguiente lección.
5. Método 1: lettering como protagonista: El primer método que vamos a utilizar es el método primario de letras. Esto simplemente significa que el lettering toma protagonismo y la ilustración es el acto de apoyo. La ilustración está ahí para realzar y dar vida
al letras y hacer que la pieza sea más atractiva visualmente. Al ser el acto de apoyo, la ilustración debe sumarse a la letra, no distraer de ella. Aquí te dejamos algunas cosas a considerar. Quieres asegurarte de que tu obra sea equilibrada, aunque las letras son la estrella del espectáculo, la ilustración no debería ser demasiado pequeña y fuera de proporción. Por ejemplo, las letras aquí son bastante audaces, así que utilizo estas grandes Blooms Billie en los florales circundantes para mantener el equilibrio en la pieza en general. Si las flores fueran mucho más pequeñas, se
verían empequeñitas por las letras audaces. Asegúrate de que haya alguna interacción entre el lettering y la ilustración, para que la composición se sienta cohesiva e intencional. No quieres que tu ilustración se sienta como una idea tardía. Aquí en este ejemplo, las hojas y las flores se tejen dentro y fuera de las letras. Incorporé estos pancartas y banderas que ayudan a ilustrar el mensaje. Si bien es genial que los elementos de la composición interactúen, querrás asegurarte de que la ilustración no afecte a la legibilidad. Todavía necesitas asegurarte de que las letras sean fáciles de leer. Por ejemplo, no querrías que grandes áreas de
las letras se ocultaran detrás de la ilustración. Una de las mejores formas de hacer rápidamente una composición más convincente es crear movimiento en la pieza. Cuando hay un buen flujo, ayuda al ojo del espectador a moverse alrededor de la pieza, tomando todos los detalles. Ahora tienes la opción de hacer que la ilustración sea puramente decorativa, como en estos ejemplos. O elementos de la ilustración pueden relacionarse con el contenido de alguna manera. Por ejemplo, incluí limones como elemento decorativo en esta pieza de California por el hecho de que tantos californianos tienen la suerte de tener limoneros en sus patios traseros. La ilustración se relaciona con el contenido. Aquí incluí una pequeña botella de poción y polvo mágico que rodea las letras, ambas relacionadas con el mensaje. Para recapitular, en el método primario de letras, el lettering es lo primero mientras que la ilustración lo mejora. Recuerda considerar el equilibrio, la interacción, la legibilidad, y el movimiento. Con estas cosas en mente, podemos empezar a intercambiar ideas algunas ideas y a poner en marcha nuestra imaginación. Nos vemos en la siguiente lección.
6. Método 1: imaginación: Es hora de empezar a bajar las ideas. He escrito mi cita, no sólo para ayudar con el proceso de lluvia de ideas, sino que es bueno tenerla cerca para mirarla mientras dibujaba, para asegurarte de que no olvides ni escribes mal ninguna palabra. Por cierto, ya que voy a estar imprimiendo esto como póster, el tamaño de lienzo que estoy usando es de ocho por 10 a 300 DPI. Ocho por 10 es un tamaño de cuadro fácil aquí en EU. Pero si estás en un país diferente, siéntete libre de usar cualquier talla que sea estándar donde estés. Trescientos DPI me da la flexibilidad para imprimir esto hasta el doble del tamaño, manteniendo una buena resolución y calidad de impresión. El primer paso sería hacer un poco de lluvia de ideas. Estudiarías la cita y anotarías cualquier idea desatada por las palabras o el significado general de la cita. En este caso, la cita habla sobre el crecimiento de las flores. Ya sé que de alguna manera quiero incorporar un borde floral, y este es un método primario de letras. Creo que voy a tener mis letras apiladas en un diseño bastante sencillo, y voy a incorporar algunos detalles florales alrededor de las letras. Lo primero que voy a hacer es solo un contorno rápido de la zona donde quiero que vaya mi letra, asegurándome de dejar suficiente espacio para el borde floral. Ahora solo voy a anotar las palabras realmente vagamente dentro esta área en un diseño apilado bastante simple. Ahora enseguida noté que el crecimiento es mucho más corto que las flores, así que si quiero que todo se alinee perfectamente, tal vez tenga que hacer un ajuste por eso, ya veremos. Ahora, aquí es donde entra la imaginación. ¿ Cómo hago que esto sea interesante? Mi primer pensamiento es, en lugar de tratar de hacer que el crecimiento se alinee con las flores, en realidad
puedo hacerlo un poco más pequeño, y dejar espacio para estas tres palabras cortas aquí, que posiblemente puedo poner en un ángulo que podría ser interesante. Por cierto, una nota sobre poner texto en ángulo. Incluso si tu línea base está en ángulo, tus letras siempre deben permanecer verticales. Un error común que a menudo veo es cuando los principiantes inclinan toda
la palabra para seguir la línea base, lo que afecta la legibilidad. Si el espectador necesita inclinar la cabeza para leer tus letras, entonces algo no está del todo bien. En lugar de inclinar toda la palabra, quieres que tus letras escalonen su camino hacia arriba. Cada letra debe permanecer vertical a medida que suben la inclinación. Ahora esto se siente un poco apretado, así que en realidad voy a quitarme esta palabra, y solo centrarme fuera de, en este espacio. Pondré el aquí solo en una línea, lo cual creo que funcionará porque ayudará a romper un poco
el diseño para que no se sienta demasiado repetitivo. Ahora voy a mantener los momentos oscuros apilados, y esto ahora puede subir un poco. Aquí tienes un punto de partida para el diseño básico, por lo que ahora tenemos que pensar en el estilo de letras. Enseguida veo una gran oportunidad para una ligadura aquí con la R y S, esto puede desviarse hacia abajo y conectarse con la S aquí. Probablemente pueda hacer algo divertido con la L y la O, si creo un florecimiento aquí en la pierna de la L, y tal vez hacer la O más pequeña, así que entonces está acunada por esa curva en la L. puedo hacer algo similar con la R y O aquí. El pie de la R puede curvar hacia arriba y el O puede sentarse en el espacio muy bien. Por cierto, esa repetición visual es una gran manera de ayudar a que un diseño se sienta cohesivo. Puede que no siempre haya oportunidad de hacerlo, pero si hay una manera de incorporar esa repetición, digo que vaya por ella. Ahora otra cosa que noto es que estas cartas se están poniendo bastante apretadas aquí. Una buena manera de ahorrar un poco de espacio, es si traigo esto y puedo hablar un poco de la L bajo el brazo superior de la F, y de esa manera puedo deslizar estos sobre un poquito para darme más espacio. Ahora hasta ahora siento que estas palabras se están alineando a un estilo serifs. Voy a seguir adelante y añadir algunas serifs. Ahora recuerden, todavía estamos trabajando las cosas y esta fase sigue siendo realmente ruda, así que no hay necesidad de preocuparse por refinar los formularios de cartas por el momento. Ya que estas dos palabras son tan pequeñas, sólo
voy a dejar estas como un sans-serif realmente simple. A lo mejor sólo espesar un poco. Creo que podría ser divertido que la T juegue con la curva de la R aquí, así que podría hacer algo como esto. Ahora oscuro se pone un poco complicado porque es una palabra corta, pero sí quiero que llene todo el ancho del layout, así que voy a necesitar que este sea un estilo bastante corto pero extendido,
y voy a hacer de este un sans-serif bastante sólido. Desde momentos, creo que seguiré adelante y usaré un serif similar que
usé en la parte superior de la maquetación que ayudará a traer las cosas todo círculo. Bueno, ahí está mi plan áspero para la parte de letras del diseño. Ahora necesito descifrar el borde floral. Voy a bosquejar esto en otra capa para que la capa de letras permanezca intacta en caso de que necesite realizar algún cambio. Lo primero que quiero hacer es empezar a simplemente
trazar una idea aproximada de cómo arreglar las hojas y las flores. Aquí es donde empiezo a pensar en el movimiento. Yo quiero que las hojas se sientan como si estuvieran fluyendo dentro, fuera, y alrededor de las letras, y llenando cualquier espacio muerto que las letras pudieran crear. Simplemente puedo empezar con unas pocas líneas para tener una idea de cómo podría verse el movimiento. mejor puedo tener algo subiendo de esta manera, esto fluyendo hacia abajo de esta manera. De nuevo, eso es sólo para darme una idea realmente ruda de dónde podría llevar las cosas. Ahora solo voy a usar esto como un poco de guía para empezar a dibujar en mis hojas y flores. Recuerda que la ilustración debe sentirse integrada, así que no quiero hacer un borde rectangular rígido que esté completamente separado de las letras. Yo quiero encontrar oportunidades de interacción entre ambos. Por ejemplo, podría ser divertido tener una envoltura de flores alrededor de este tazón superior de este S. Puedo llamar a este texto más pequeño rodeándolo con un tallo. Ahí está este espacio muerto aquí en el que puedo tener un par de hojas fluyendo. Voy a hacer una pausa y retroceder un momento para ver si todo se siente equilibrado. Tengo un par de flores aquí, pero en su mayor parte, las hojas y tallos son relativamente pequeños. Creo que sería bueno tener al menos una flor grande para ayudar a dar un poco de contraste y equilibrar un poco el diseño. A lo mejor puedo poner una flor grande aquí mismo, porque también actuaría como un punto de parada visual para la frase. Pero claro, no quiero esconder la mitad de esta palabra. Eso me da una idea. En realidad puedo cambiar momentos para que esté en más de una forma triangular lo que me permitiría hacer un poco más con el borde floral sin ocultar toda la palabra. Tener esto en un ángulo diferente
también ayudará a traer un poco más de variedad al diseño. Yo sólo voy a ajustar las letras para que esté en ángulo. Nuevamente, a pesar de que vamos subiendo una pendiente, todas mis letras van a permanecer verticales. Te darás cuenta de que he inclinado el último brazo de la E para que siga la línea base angulada. Pero la letra en sí sigue siendo vertical. Esto hace que sea una forma de letra un poco peculiar, pero estilísticamente está permitido. La otra cosa que se pone difícil de letras en un ángulo como este es colocar tus serifs. A veces es difícil saber si debes seguir o no la línea base angulada con tus serifs o si debes mantener tus serifs rectos. Creo que aquí hay espacio de movimiento para elegir lo que se vea bien. En esta situación, voy a seguir adelante y seguir la línea de base con mis serifs. Ahora puedo volver a mi frontera, y puedo añadir esta flor grande aquí. Se superpondrá algunas de las letras, pero no va a ocultar tanto de la palabra que es difícil de leer. Entonces puedo llenar esta zona de hojas, y puedo tener algunas de esas caben en estos pequeños espacios abiertos creados por las palabras. A lo mejor algunos podrían superponerse también. Aquí tengo suficiente espacio para la atribución. Al escribir la cotización de otra persona, siempre
es mejor incluir el crédito dentro de la obra de arte. Me siento bastante bien por adónde va esto. Voy a seguir adelante y unir esas capas, reducir la opacidad, para luego agregar mis guías y empezar a refinar el boceto. Si no estás seguro de cómo o por qué es importante trabajar con guías, por favor consulta la Lección 4 de
mi clase de letras de mano o la Lección 11 de mi clase de diseños. Aquí está mi boceto final. A continuación, pensaremos a través de opciones de color luego tinta, y completaremos la pieza. Te veré en la siguiente lección.
7. Método 1: implementación: Ahora es el momento de finalizar esta obra de arte. Esta es una etapa en la que todo se une porque las elecciones que
tomes durante la implementación final pueden hacer o romper una pieza. Ya escogí una paleta de colores que incluye ocho colores. Ahora, típicamente recomiendo pegarse a entre cinco y siete colores al crear una paleta, por lo que ocho es mucho. No obstante, aquí funciona porque varios de los colores están en la misma familia. Como puedes ver, en realidad solo hay tres familias de color
con las que estoy trabajando : las verdes, las naranjas, y los morados. Tener múltiples tonos en la misma familia de colores me da más oportunidades para crear profundidad y dimensión sin hacer que la paleta se sienta demasiado ocupada o desarticulada. Si tuviste problemas con la selección de colores, puedes tomar mi clase de paleta de colores para aprender a juntar una paleta cohesiva. O si buscas colores con los que trabajar de inmediato, puedes acceder a mi archivo de paletas de colores inscribiéndote en mi boletín de correo electrónico. Antes de empezar a entintar, voy a planear la colocación de mis colores con una prueba rápida de color. Normalmente hago esto en una capa debajo de mi boceto. Voy a reducir la opacidad en mi capa de boceto. Nuevamente, esto es solo una prueba rápida, por lo que estará suelto y un poco desordenado, por lo que no necesitas ser demasiado preciso aquí. Ya he agregado todos mis colores en una paleta, y ahora es sólo el momento de pensar a través de mis elecciones. Creo que sería audaz y efectivo tener flores
coloridas y letras contra un fondo oscuro. Lo primero que voy a hacer es elegir este verde realmente oscuro para la capa de fondo. Ahora, es difícil ver mi boceto contra este color oscuro, así que sólo voy a traer mi opacidad aquí. Este verde más brillante parece una opción lógica para las hojas, así que voy a colocar realmente libremente ese color. Ahora mismo me queda este azulado verde, las naranjas, y los morados, y, por supuesto, hay blanco, que siempre considero un color extra. Creo que las naranjas y los morados se mezclan bien para los florales. Voy a usar este color verde azulado para las letras. Creo que ese color contrastará muy bien con
el fondo oscuro y eso ayudará a destacar las letras. Nuevamente, sólo voy a llenar realmente estas áreas con ese color. Recuerda, estoy trabajando en una capa debajo de mi capa de boceto. Si bien estoy haciendo esto, se ve un poco extraño porque el color está detrás del boceto a lápiz, pero una vez que haya terminado y quite la capa de boceto, todo
se unirá. Echemos un ojo a cómo se ve eso hasta ahora. Creo que eso funciona bien. Creo que voy a hacer de blanco para que se destaque realmente bien. En realidad puedo hacer lo mismo con la atribución y hacer esto blanco también. A mí me gusta cómo se ve eso. Es una pequeña diferencia entre el blanco y este color verde azulado, pero solo ese ligero cambio ayuda a traer un poco de interés al diseño. Ahora, para los florales restantes, la clave es posicionar los colores restantes de manera uniforme entre las flores para que no tenga varios de este mismo color agrupados en una zona u otra. Voy a empezar con esta flor grande en el color coral. Para ayudar a equilibrar las cosas, voy a añadir otra flor de coral en la parte superior. Ahora, estas dos flores son de forma similar y casi del mismo tamaño, así que voy a hacer de ésta el color más claro, este rosado-morado, solo para que retroceda un poco y no compita con la flor de coral en la parte inferior. Nuevamente, equilibrio, así que creo que incorporaré ese color claro en esta flor también. De hecho voy a hacer esta y posiblemente esta demasiado tonificada, así que tendré eso realmente como el rosa y luego la lavanda. Ahora, déjame apagar mis capas de boceto para ver cómo se ve esto. Creo que esto se ve bien hasta ahora. Ahora, como mencioné antes, tener múltiples tonos en la misma familia de colores facilita agregar detalles y dimensión. Aquí, por ejemplo, en la flor de coral, puedo agregar algunos detalles de línea en la naranja, y puedo hacer lo mismo con estas flores de lavanda y rosa. Puedo entrar con un color más oscuro y añadir algún detalle. Todo lo que me queda son estos estampanitos, y pequeñas especificaciones y detalles, y creo que voy a hacer esos blancos. Creo que eso funciona bien. Destaca el lettering y la colocación del color a lo largo se siente bien equilibrada, así que voy a empezar a entintar. Me gusta tintar cada color en una capa separada. Voy a usar esta prueba de color como referencia, así sabré qué objetos necesitan ir en qué capa. Voy a hacer una captura de pantalla. Ahora, esa captura de pantalla se guarda en mi rollo de cámara. Sólo voy a ir al menú Acciones, activar el interruptor Referencia. Ahora, como puedes ver, la ventana de referencia automáticamente se establece en tu Canvas. Ya verás aquí si cambio algo en mi Canvas, se reflejará en la ventana de referencia. Pero eso en realidad no es lo que quiero. Quiero usar mi imagen de captura de pantalla como mi referencia. Iré aquí a Image, Import Image, y luego puedo seleccionar la captura de pantalla que acabo de tomar. Puedes tocar esta ventana de referencia, hacerla tan pequeña o tan grande como quieras, y cuando tocas el centro, el marco desaparece. Voy a apagar mis capas de prueba de color, volver
a encender mi capa de boceto, y para facilitarme esto, voy a cambiar el fondo de nuevo a blanco. Voy a reducir la opacidad en mi boceto, crear una nueva capa, y voy a tinta todo lo que va a estar en este color azul-verde, así que todo esto letras, voy a tinta juntos en una capa. He entintado todo lo que va a ser en este color azul-verde, y todo está en una sola capa. Ahora, voy a tinta las letras blancas. Voy a crear una nueva capa y empezar a trabajar en eso. Ahora voy a pasar a entintar todas
las hojas que van a estar en la capa verde. Como puedes ver, me gusta tinta todo en negro primero y luego agregar color después. Es mucho más fácil para mí simplemente encender Alpha Lock y cambiar el color de una capa entera todo de una sola vez. Pero esta es solo mi preferencia personal, eres bienvenido a seguir tu propio proceso por entintado y hacer lo que funcione mejor para ti. He completado todo mi entintado y aquí está mi pieza final. Decidí no agregar una sombra de gota ni ningún detalle adicional al lettering porque creo que afectaría negativamente la legibilidad. Con la ligadura, florece, y las palabras anguladas, creo que ya hay bastante pasando y cualquier detalle adicional sería exagerado. Recapitulemos. Usé el método primario de letras para esta pieza. Me aseguré de mantener las letras legibles, la ilustración está creando movimiento, la pieza se siente equilibrada en general, y la ilustración está interactuando con las letras. Ahora vamos a explorar el método ilustrativo de letras. Te veré en la siguiente lección.
8. Método 2: lettering ilustrativo: Ahora, hablemos del método ilustrativo de letras. En esta técnica se combinan las letras y la ilustración. O el lettering es creado por objetos dibujados o adquiere las características de la palabra o frase. En este ejemplo, se emplean ambas técnicas. Porque las formas de letra en el campamento toman las características de la leña, mientras que la palabra fuego se crea fuera de cerillas. Aquí te mostramos un ejemplo de letras que se crean solo por objetos dibujados. Aquí, el mensaje es sobre florecer por lo que
se dibujan los números para reflejar ese concepto de crecimiento y prosperar. Estas son algunas cosas a tener en cuenta al usar este método. Es muy fácil ir por la borda con letras ilustrativas. Recuerda que cada palabra de tu cotización no necesita emplear este método. Si la frase o cita es corta, puede ser bastante convincente pero para frases más largas, puede ser más efectivo elegir una o dos palabras clave para el texto ilustrativo y un estilo más simple para el resto de la frase, como en este ejemplo mostrado anteriormente. Un error común que a menudo veo es cuando un objeto se ve obligado a convertirse en una forma de letra, incluso cuando claramente no es un buen ajuste. Para que un objeto pase como letra o palabra, la forma de ese objeto necesita imitar la estructura básica de la forma de letra que está tratando de representar. Por ejemplo, puedes modelar un B reconocible fuera de tocino pero fuera de brócoli, eso es un poco de estiramiento. Claro, alguien podría eventualmente descubrir que este brócoli se
supone que tiene forma de B pero no es una lectura rápida y fácil. Es importante tomar decisiones que tengan sentido. Forzarlo se convertirá más en una distracción que en un activo. Eso vincula derecho a la legibilidad. Sí, es divertido ponerse creativo pero el objetivo principal es mantener tu trabajo legible. letras a mano no hacen su trabajo si la gente no puede leerlo. Siéntete libre de bosquejar tus ideas salvajes y locas pero antes de comprometerte, que un amigo o familiar lo lea. Si no es inmediatamente obvio para ellos, entonces vuelve a visitar tu idea con un enfoque más escalado hacia atrás. Para recapitular, con el método de letras ilustrativo, se combinan
las letras y la ilustración para que las formas de letras adquieran las características del contenido. Recuerda mostrar moderación con tus opciones. No lo fuerces, y como siempre, manténgalo legible. Ahora, pongamos todo esto en práctica con un poco de lluvia de ideas. Te veré en la siguiente lección.
9. Método 2: imaginación: Como mencioné al inicio de la clase, estaré rotando la misma cita usando los tres métodos. Estoy trabajando con las mismas palabras, pero la interpretación visual sólo será un poco diferente. Ahora en lo que se refiere a las ideas para cómo ilustrar estas formas
de letras, lo primero que me destaca es crecer. Creo que sería interesante hacer que las letras parezcan hojas o vides creando florecimientos que imiten tallos creciendo y alcanzando la luz. Ya que las letras ilustrativas pueden ser un poco adornadas, voy a mantener el diseño para este bastante sencillo también. Simplemente voy a empezar dibujando un esqueleto muy sencillo para mis letras. Ahora puedo buscar oportunidades para sumar los florecimientos. El brazo de la F podría crear un buen florecimiento, tal vez algo terminando en una hoja. Un L siempre es un gran lugar para agregar florecimientos. A lo mejor pondré uno aquí. En realidad, cualquiera de estos terminales podría potencialmente terminar en un florecimiento. Yo sólo voy a jugar y ver qué funciona. Ahora mientras hago una pausa para echar un vistazo, puedo ver que estoy empezando a ir un poco por la borda, así que voy a escalar un poco las cosas. Voy a reducir el número de flores o tal vez simplemente simplificarlas y tal vez incluso usar menos flores o hacerlas un poco más pequeñas. Sí. Si estas palabras
son las hojas y tallos que crecen hacia arriba, momentos
oscuros pueden convertirse en las raíces para realmente moler la pieza. Yo puedo hacer que las letras sean mucho más pesadas. En lugar de forzarlo tratando de dibujar raíces y convertirlas en letras, solo
puedo dar la impresión de raíces añadiendo algunos detalles de línea. Ahora estas pequeñas palabras no serán legibles si las hago demasiado elaboradas. Yo sólo voy a dejar esos como un simple sans-serif. Ahora que tengo una buena idea de lo que quiero hacer, voy a seguir adelante y finalizar el boceto. Ahí está mi boceto final. A continuación, hablaremos a través de cómo implemento los detalles finales. Te veré en la siguiente lección.
10. Método 2: implementación: Estoy listo para tintar y finalizar esta pieza. Como mencioné antes, voy a estar usando la misma paleta en las tres piezas. Empezaré con una prueba de color como de costumbre. Reduciré un poco la opacidad en esto y trabajaré en la capa de abajo. Con su red de raíces creando una sensación subterránea, tiene sentido tener momentos oscuros en el verde más oscuro. Entonces este verde más claro funcionará bien para que las flores crezcan. Ya que 'fuera del 'es bastante pequeño, voy a hacer eso en el verde oscuro también por lo que destaca. Voy a echar un vistazo, ver cómo se ve eso. Las flores crecen es parte edificante de la declaración y el verde más claro ya ayuda con eso. Pero para que sea aún más brillante y feliz sensación, voy a añadir las flores en los tonos morados y coral. A mí me gusta cómo realmente se destaca esto, pero sí quiero que toda la pieza se sienta cohesionada. Creo que lo que voy a hacer es hacer algunas de estas hojas más pequeñas este verde oscuro, y eso ayudará a atar todo junto. Creo que eso ayuda a juntar un poco más las cosas para que no se sienta como si fueran dos piezas de arte separadas. Me siento bastante bien con esta colocación de color. Voy a seguir adelante y empezar con el entintado. Como de costumbre, voy a tinta en negro primero, colocando cada color en una capa diferente y voy a usar esta prueba de color como mi referencia. También es agradable introducir un poco de textura en tu trabajo. No tiene por qué ser demasiado flagrante ni abrumador. Un poco puede recorrer un largo camino. Estoy usando el pincel de tinta seca para esto. Es realmente importante no saltarse los detalles. A pesar de que podrían no ser inmediatamente obvios cuando alguien primero mira tu pieza, realmente sí ayudan a dar vida a la obra. Creo que estaría bien tener algunos delicados detalles de línea en estas letras y en las hojas. Esto ayudará a crear movimiento en estas formas de letras. Si hago los detalles el mismo verde oscuro, volverá a empatar a las letras de abajo. Voy a usar mi pincel de tinta seca texturizada. Sólo entraré y añadiré unas líneas a cada una de estas letras. Yo quiero que esto se sienta natural y orgánico, así que no me voy a preocupar por ser demasiado preciso. Ahora para las raíces, he entintado todas las raíces en negro y las tengo en una capa por encima de las letras. Déjame realmente reducir la opacidad aquí para que puedas ver mejor lo que estoy haciendo. Las raíces están en una capa separada. El truco aquí es que quiero que las raíces sean visibles y agreguen algún interés a este lettering, pero no quiero que sean demasiado distraídos. Lo que voy a hacer es crear una versión un poco más ligera de este verde oscuro, tal vez algo por aquí. Voy a llenar esa capa con la versión más ligera. Entonces agregaré un poco de sombreado para ayudar a bajar un poco el contraste. Volveré al verde oscuro, crearé una máscara de recorte por encima de la capa de raíces, y voy a usar el pincel de ruido para esto. Sólo voy a entrar y añadir un poco de sombra a esos bordes, lo que ayudará a crear alguna dimensión en estas rutas. Incluso puedo entrar y añadir un poco de destaque también. Creo que eso suma bastante interés sin ser demasiado distraído y las palabras siguen siendo legibles. También decidí agregar algunos otros detalles de raíz en segundo plano. Ahora echemos un vistazo a dónde estamos. Creo que se ve bien, pero no estoy muy emocionado por el fondo blanco. Siento como si se sintiera un poco plana. Voy a agregar color al fondo y en realidad creo que un gradiente estaría bien. Creo que iniciaré el gradiente con el azul-verde y trabajaré mi camino hasta esta pantalla. En realidad voy a hacer una versión más ligera de este azul, que irá en la parte superior. Eso dará más rango en color y el gradiente aparecerá un poco más suave. Déjame crear una versión más ligera y empezaré eso aquí. Estos son los tres colores que voy a usar en mi gradiente. Ahora sólo voy a empezar a mezclar. Para mezclar, voy a usar la herramienta de manchas y la tengo puesta en el cepillo de ruido al tamaño más grande. El truco con los gradientes es simplemente trabajar realmente en esa mezcla para que no veas ningún cambio repentino de color. Simplemente lleva tiempo. Solo tienes que seguir trabajando en ello hasta que se suavice. Creo que eso es lo suficientemente suave. Yo sólo voy a añadir algunos detalles finales. Ahí está mi pieza final. En la implementación de esta pieza, utilicé la colocación de color para ayudar a contar la historia haciendo más brillante la parte más importante de la cita, reiterando el optimismo en esas palabras. Yo utilicé colores tono sobre tono aquí para evitar que los detalles ilustrativos se
volvieran insuperables y agregar el gradiente en el fondo ayudó a empatar todo. Recapitulemos. Utilicé el método ilustrativo de letras para esta pieza. Mostré moderación rebajando mi idea original cuando se iba un poco por la borda. Tomé decisiones que no se sintieron demasiado forzadas, y me aseguré de que las letras siguieran siendo legibles incluso con todos los embellecimientos. A continuación, vamos a abordar la última técnica, el método primario de ilustración. Te veré en la siguiente lección.
11. Método 3: la ilustración como protagonista: La última técnica que vamos a explorar es el método primario de ilustración. En este caso, la ilustración se convierte la característica dominante y el lettering se integra de forma creativa en la escena. Con este método, la ilustración está haciendo el levantamiento pesado. Necesita encapsular el mensaje de la frase con un peso visual claro. El lettering sirve entonces como acto de apoyo. Estas son las cosas que querrás considerar al usar este método. El modo más efectivo de liderar con ilustración es mantener tus imágenes simples y sucintas. En lugar de apuntar a crear una pintura clásica compleja llena de detalles de capas y significados ocultos, quiere tomar un enfoque más directo que el espectador reciba el mensaje con bastante rapidez. En algunos casos, podrás interpretar las palabras de manera literal. Pero en otros escenarios, tendrás que usar pistas de contexto o juego de palabras para ayudar a transmitir el mensaje. Por ejemplo, esta pieza trataba sobre el esfuerzo por salvar al Servicio Postal de Estados Unidos. Usé una ilustración de estampilla postal como vehículo para el mensaje. Aquí, esta pieza fue sobre lo único que más me perdí durante la pandemia. Tomar el enfoque literal de dibujar a los niños siendo conducidos a la escuela no tenía sentido. En este caso, utilicé las pistas de contexto de los útiles escolares para ilustrar la idea. Aquí te mostramos un ejemplo de usar juegos de palabras o juegos de palabras para ilustrar tu idea. Creé esta pieza para celebrar mi primera selección del personal para una de mis clases de escultura. Usé la frase que acabo de recoger, una fruta recién cosechada ilustrada para un enfoque divertido, insignificante. A pesar de que las letras son secundarias en esta técnica, las palabras no deben perderse en la imagen. Todavía quieres que las letras sean fáciles de identificar y fáciles de leer. Una gran manera de acercarse a esta técnica es dejar que las formas de los objetos ilustrados actúen como guías o contenedores para tus palabras. Esta no sólo es una forma maravillosa de combinar las letras y la ilustración, sino que también crea oportunidades para divertidas opciones de letras. Tan solo recuerda evitar estirar las formas de letra más allá del reconocimiento. Para recapitular, con el método primario de ilustración, la ilustración es lo primero y la letra soporta la escena. Recuerda mantener las imágenes simples y sucintas. Mantén tus palabras visibles para que las letras no se pierdan en la ilustración. Siéntase libre de utilizar las formas de los objetos como contenedores para las letras. A continuación, vamos a hacer un pequeño bosquejo para precisar algunas ideas. Te veré en la siguiente lección.
12. Método 3: imaginación: Dado que la ilustración es el foco principal, tiene sentido comenzar con unos bocetos para ver qué idea tiene más potencial. Estos pueden ser pequeños bocetos en miniatura si lo prefieres, pero voy a hacer el mío grande solo para que sea más fácil de ver en pantalla. Para este, quiero tomar un acercamiento bastante literal y tener unas flores gigantes que crecen fuera del suelo. Sólo necesito pensar a través de cómo se
verían las flores y dónde se colocarían las letras. Potencialmente podría poner todas las letras aquí, pero eso no sería muy dinámico. Podría ajustar esto y hacer que el suelo sea curvado, eso podría ser más interesante. Necesito ajustar la forma de las flores para que pueda usar esas formas como contenedores para las letras. Voy a tratar de hacer las flores un poco más grandes. Posiblemente puedo agregar algunas letras aquí y luego también
puedo usar este espacio para letras también. Por cierto, se puede ver que he dividido un par de palabras. Esta es una opción válida para estilizar tus letras, sobre todo cuando lo estás construyendo en una ilustración, siempre y cuando mantengas legibilidad. esto hay dos trucos. Lo primero que quieres hacer es dividir la palabra en un lugar lógico para que cada sección pueda leerse fácilmente. Entonces aquí ven tengo F-L-O-W luego E-R-S, que tiene más sentido al ojo, flow-ers, que si lo dividiera, por ejemplo, así. Porque se quiere leer eso como flo-wers, que no funciona del todo tan bien. El otro truco es seguir la dirección de lectura, que es algo que expliqué plenamente en mi nivel arriba de tu clase de layouts. En pocas palabras, leemos de izquierda a derecha y de arriba a abajo. Por lo que querrás arreglar las letras y todas las palabras en general para que caigan de la forma en que instintivamente queremos leerlas. Por ejemplo, aquí, a pesar de
que los momentos están divididos, sigue siendo una lectura bastante rápida y fácil porque tu ojo irá de izquierda a derecha a leer 'mamá', Y entonces bajará de arriba a abajo para leer 'ments'. Lo mismo vale para el rotulado en general. Quieres que todo esté posicionado para que se lea de izquierda a derecha y luego de arriba a abajo, izquierda a derecha, de arriba a abajo, izquierda a derecha, de arriba a abajo. Ahora mientras miro este boceto rápido, ya
veo cosas que quiero cambiar. A pesar de que las letras encajan dentro de estas flores, no fluye tan bien como me gustaría. Se siente como si las palabras simplemente estuvieran sentadas en la parte superior en lugar de estar completamente integradas. Entonces tengo que encontrar una manera de hacer que eso funcione un poco mejor. También creo que sería mejor salir de la, abajo a esta zona donde se sientan los momentos oscuros. Lo primero que creo que voy a hacer es hacer el suelo, esta zona un poco más alta para que pueda caber más palabras ahí. Crearé dos flores grandes en lugar de varias más pequeñas. Creo que tendré mis letras sentadas dentro estos pétalos y aquí puedo hacer que las letras sigan esta curva. Creo que esto está empezando a funcionar, este es un punto de partida. Voy a limpiar este boceto y refinar los detalles. Y ahí está mi boceto final. Ahora es el momento de implementar los detalles finales. Te veré en la siguiente lección.
13. Método 3: implementación: Hagamos esto finalizado. El implementación para esta pieza será bastante sencillo y como de costumbre, voy a empezar con una prueba rápida de colocación de color, luego empezar a entintar. A ver cómo se ve eso. Creo que eso está funcionando. Ahora voy a tomar mi captura de pantalla, usar esto como referencia y empezar a entintar. De acuerdo, he hecho la mayor parte de mi entintado y ahora quiero
introducir algo de textura y dimensión a estos pétalos. Para esto voy a usar un bonito pincel texturizado grungy. Este es el pincel pulverizador de punto de manchas, es del conjunto de pinceles sucios de medio tonos. Incluiré un enlace en la sección de recursos a donde encontré este pincel. Como puedes ver es un pincel de medio tono por lo que tiene mucha textura realmente genial. Sólo voy a entrar y añadir eso en una máscara de recorte entre cada uno de estos pétalos. Si quieres aprender mi método para agregar dimensión a flores como esta, echa un
vistazo a mi clase Fun with Florals para una explicación completa. Ahora voy a volver
a encender mi capa de boceto para que pueda añadir las letras a las flores. No quiero que las letras se sientan demasiado suaves y crujientes, así que quiero que tenga algo de textura también. Voy a usar este pincel texturizado, se llama el lápiz de bloque. Incluiré un enlace a éste en la sección de recursos también. Ahora por unos detalles de línea, y voy a usar el pincel de tinta seca. Ahí está mi pieza final. Quería que la idea fuera clara y al grano, así que mantuve las cosas bastante sencillas con ésta e incorporé un poco de textura para mantenerla interesante. Recapitulemos. Usé el método primario de ilustración para esta pieza. Mantuve las imágenes simples y sucintas. El lettering es visible y no se esconde en el dibujo. Usé formas dentro de la ilustración para contener las letras. Una vez que hayas pasado por el proceso y completado tu obra de arte, ¿entonces qué? Hablaremos de eso a continuación.
14. Impresión y visualización: Aquí están las tres versiones de mi obra final. Ahora es el momento de sacar estos dibujos del iPad y en la pared. Si tienes acceso a una buena impresora, puedes imprimir esto, enmarcarlo, y estás listo para ir. No tengo una impresora de alta calidad en casa, así que voy a pedir una impresión en línea. El sitio que uso a menudo para impresiones de buena calidad, asequibles es mpix, pero claro, puedes usar la fuente de impresión que prefieras. Voy a elegir la opción de impresión Giclee porque le da un color rico realmente bonito. Ya he subido mi obra de arte a un álbum así que
solo puedo hacer mi selección, elegir el tamaño. Entonces voy a seleccionar el acabado fotográfico Deep Matte para que mi impresión no sea demasiado brillante. Hay una opción para elegir montaje o encuadre, pero ya tengo un marco, así que voy a saltarme esa opción, y mi total es de $5. No tan mal. Añadiré eso a mi carrito de compras y luego completaré mi pedido. Tres días después, mi huella fue entregada a mi puerta. No hay nada como poner tu obra en un marco y mostrarla con orgullo. Puedes colgar tu pieza en la pared, ponerla en tu escritorio, o donde sea que la veas para tu dosis diaria de motivación. Incluso puedes hacer de tu obra la pantalla de bloqueo de tu teléfono. Entonces ciertamente lo verías varias veces al día. En primer lugar, comprueba cuál es la resolución de pantalla en tu teléfono en particular. Esa información suele estar en algún lugar de la configuración. Para mi teléfono, tiene 2220 píxeles de largo por 1080 píxeles de ancho. En Procreate, crea un nuevo lienzo al tamaño que necesites para tu teléfono, y la resolución solo necesita ser de 72 DPI para visualizarlo en pantalla. Duplica tu obra de arte y haz una versión aplanada. Usa el deslizamiento de tres dedos para copiar. Después ve al nuevo lienzo y pega el arte. Cambia el color de fondo para que coincida con el fondo de tu pieza, y recuerda dejar un poco de espacio, generalmente en la parte superior para el reloj o cualquier información que aparezca normalmente en tu pantalla de bloqueo, exporta el como JPEG, y una vez que hayas guardado la imagen en la galería de tu teléfono, puedes entonces cambiar la imagen de la pantalla de bloqueo usando método
que sea apropiado para tu teléfono en particular. Ahora tienes un poco de arte inspirador justo en tu bolsillo.
15. Gracias: Eso es todo. Muchas gracias por unirte a mí para esta clase. Espero que hayas disfrutado aprendiendo estas técnicas, y espero que este conocimiento te ayude a acercarte a futuras composiciones de letras de una manera nueva y fresca. Ahora, por favor sepan que este no es el tipo de proyecto que pueden noquear en una o dos horas. Para resultados hermosos, impactantes, el proceso va a tomar tiempo,
pensamiento, y una cuidadosa consideración. En ocasiones, será necesario simplemente alejarse de ella por un rato, y volver a ella con ojos frescos. Desde la primera sesión de asalto cerebral hasta bocetos y detalles finales, mis proyectos me tardaron un total de nueve horas, 12 horas, y siete horas en completarse. Recuerda darte un poco de gracia y ser paciente con tus primeros intentos. Estoy muy emocionado de ver tus proyectos. Asegúrate de compartir en la galería, y apoya a tus compañeros de clase gustando y comentando también sus proyectos. Recuerda, tu proyecto no tiene por qué ser perfecto para poder compartirlo. Confía en mí, sea cual sea el nivel que estés en este momento, será una inspiración para alguien más. Entonces no te sientas tímido por compartir. Además, si publicas tu proyecto en Instagram, asegúrate de etiquetarme @IAMGIAGRAHAM. Si disfrutaste de esta clase, me encantaría que dejaras una reseña y asegúrate de seguir mi canal de SkillShare, por lo que te avisarán cada vez que publique una nueva clase. No puedo agradecerte lo suficiente por todos
los maravillosos comentarios y comentarios que has dado mis clases anteriores. Siempre es un placer compartir este espacio creativo contigo. Te veré en la siguiente clase.
Gia Graham, Designer, Letterer, Illustrator
