Curso intensivo de diseño de personajes: diseño dinámico en cuatro pasos

1. Introducción: Hola y bienvenidos a Character Design Crash Course, Diseño Dinámico En Cuatro Pasos. Mi nombre es Melissa y soy Diseñadora e Ilustradora con sede en el norte de California. Curso de choque de diseño de personajes es una serie de clases de ilustración pensadas para dibujantes principiantes o artistas de personajes intermedios que buscan un refresco. En esta clase, te llevaré a través mi proceso de cuatro pasos para diseñar un personaje dinámico, que incluye llegar a una historia y concepto, crear bocetos en miniatura en bruto, refinar tu diseño y finalizar el detalles, y finalmente, limpiar y colorear. También hablaré de los fundamentos del diseño de personajes y de la importancia de utilizar la referencia y aprender de otros artistas. A modo de bono, también sólo algunos ejercicios de dibujo de práctica divertidos y beneficiosos. Una vez terminado, tendrás un personaje totalmente coloreado para añadir a tu portafolio. Entonces toma tu lápiz y empecemos. 2. Conceptos básicos del diseño de personajes: Si has tomado mi curso acelerado de diseño de personajes anterior, parte de esto será una repetición. Pero te recomiendo que lo veas de todos modos porque sí cubro algunos temas más y entro un poco más de detalle. Entonces, aún debe ser beneficioso para ti. Entonces, las cuatro grandes cosas que debes considerar son la forma, silueta, el ritmo y la construcción. Todo lo demás cae en estas cuatro categorías. Es más fácil caricatura o caricatura una vez que entiendes la construcción. Probablemente me oirás repetir esto varias veces lo largo de la clase porque de verdad quiero que se hunda. Entonces, quiero hablar de algunos de los hitos básicos del cuerpo humano promedio que te ayudarán a entender la construcción y proporción de la figura. Porque, como dije, una vez que hayas aprendido estos conceptos básicos y una vez que realmente se hayan hundido, te resultará más fácil caricatura y caricatura. Entonces, sin más preámbulos, en un humano promedio, el ancho de los hombros es de aproximadamente tres cabezas de ancho, el ojo es el punto medio del cráneo, y viajando por el cuerpo, la jaula de costillas se dobla en el marca a mitad de camino de la parte superior del brazo, el codo se alinea con el ombligo y las manos caen por encima de las rodillas alrededor de la mitad de los muslos. El punto medio general de una cifra promedio está en la parte inferior de las caderas. Con la figura en perfil, hay algunos ángulos que quieres tener en cuenta, particularmente la inclinación de la jaula costilla y las caderas. Mucha gente tiende a querer dibujarlos mucho más rectos de lo que realmente son. Por lo que estas proporciones sirven de guía para ayudarte a poner todo en básicamente el lugar correcto. Al caricaturas, romperás muchas de estas reglas de anatomía. Pero es importante tener siempre en cuenta las proporciones básicas que la mayoría de la gente tiene en común porque cuando un buen diseñador de personajes exagera, siempre están conscientes de lo que funciona y lo que no. Tanto del diseño de personajes es caricatura y exageración. Pero si no tienes una línea de base fuerte para empezar, no sabrás exagerar con éxito. Por ejemplo, la primera cifra azul es una cifra proporcional promedio desglosada en formas simples, que es algo que realmente me gusta hacer. Simplemente mantenerlo lo más simple posible y sigo manteniendo las reglas de las que acabo de hablar en la última diapositiva pero todas las formas son súper primitivas y sencillas. Cuanto más lo hagas, realmente te ayuda a entender cómo funciona la figura humana. Entonces, de todos modos, la primera figura azul es proporcional pero las figuras verdes de la derecha aunque no sean anatómicamente correctas, todavía estoy al tanto de los hitos del cuerpo y hay ciertas cosas que he hecho aquí que ayudan a que el trabajo general de forma y diseño. Entonces, por ejemplo, los brazos aún caen por encima de las rodillas y los codos todavía se alinean con la parte superior del hueso de la cadera y el ombligo. Sigo siguiendo algunas de las reglas que expuse en la diapositiva anterior. Al mismo tiempo, sin embargo, no quiero que pienses que nunca está bien hacer algo como tener las manos colgando debajo de las rodillas, por ejemplo, porque eso bien podría funcionar. Lo que realmente estoy tratando de hacer es subrayar la importancia de aprender a dibujar cuerpos anatómicamente correctos porque cuanto mejor estés en eso, más fácil será para ti tomar decisiones de exageración audaces. Podrás tomar decisiones informadas en base a tu conocimiento de una figura humana proporcionada. Para ser perfectamente honesto, hay algunos personajes de dibujos animados donde es realmente difícil determinar exactamente por qué funcionan tan bien como lo hacen sólo porque son tan caricaturas. Pero confía en mí cuando digo que por muy exagerado que pueda verse un personaje, el diseñador detrás de ese personaje entendió cómo dibujar una figura proporcionada. Entonces son los descansos lamentablemente realmente te beneficiará si entiendes la construcción. Continuando, una de las cosas que realmente quieres tratar de evitar son las tangentes. tangentes son lo que sucede cuando dos o más formas se tocan de una manera que resulta visualmente molesto. Entonces el ejemplo que tengo a la derecha con su bang, es tocar la cara de maneras incómodas. Parece que casi está pegada a la nariz y los labios y barbilla y no está claro exactamente qué está pasando en el dibujo. Si la explosión fuera sacada más de su cara, sería más fácil leer como estar detrás de su cara y no estar pegada a ella de esta extraña manera. Entonces, estas son solo pequeñas cosas que tienes que tratar de cuidar y se harán más fáciles de atraparlas cuanto más practiques. Cuando se trata de silueta, quieres mirar hacia fuera tu espacio positivo y negativo y entender que la claridad es clave. Se trata de elegir poses que transmitan más información sobre lo que estás tratando de retratar. Si la acción es clara solo en la silueta, la pose automáticamente será más fuerte. Entonces, la silueta de la derecha no está clara. Sus piernas y brazos se agrupan torpemente y simplemente no es tan atractiva de mirar como la silueta de la izquierda, que es súper clara. Hay mucho espacio para respirar espacio negativo y sabes exactamente lo que está haciendo. En realidad, acabo de notar en la silueta la derecha donde su brazo se encuentra con su espalda baja, eso es crear una tangente, haciendo que parezca que los brazos conducen hacia el muslo. Entonces, ahí hay una tensión visual creada por la tangente que se quiere tratar de evitar. La silueta y las tangentes van de la mano realmente. Todo se trata de claridad de pose y mantener tus poses abiertas y fáciles de leer. Entonces, eso definitivamente es algo que quieres intentar tener en cuenta a la hora de diseñar. El ratio dorado es esencialmente una proporción utilizada en el diseño que se considera estéticamente agradable. No sólo se utiliza en las bellas artes sino también en el diseño de personajes y la arquitectura y tal vez, lo más importante, se encuentra en la naturaleza por todo el lugar. Usar la relación 1:1 .618 a lo largo tus diseños automáticamente los hará más agradables a la vista. Entonces, aquí hay otro ejemplo. Definitivamente los griegos lo usaron cuando diseñaron el Partenón. También se puede encontrar por toda la figura humana incluyendo los dedos. Entonces, como se puede ver aquí, la punta de mi dedo al primer nudillo y el primer nudillo al segundo nudillo es alrededor de 1:1 .618 y así sucesivamente. Aquí te dejamos un ejemplo rápido de que se esté usando en mis propios diseños. Forma y variación de forma es, si no la más, Definitivamente es uno de los aspectos más importantes del diseño de personajes. Se quiere tratar de evitar la escalera, evitar la bola de bolos, tratar de incorporar pequeño-medio-grande, y evitar la semejanza. Estos son ejemplos sencillos de cómo variar tu tamaño y forma puede crear más interés visual. El escalera es básicamente todo siendo paralelo y todo siendo equidistante y al mismo tamaño exacto y es simplemente aburrido de mirar. El efecto bola de bolos se aplica mayormente a la cara y sucede cuando las características de la cabeza y la cara son exactas del mismo tamaño y forma y simplemente no es muy interesante mirar. Estos son algunos ejemplos de evitar la bola de bolos. El primer personaje tiene ojos pequeños y una nariz grande y el segundo tiene lo contrario y el oso que dibujé tiene una nariz grande, ojos medianos, y orejas medianas pero los ojos y las orejas son diferentes formas contrastantes. Entonces, todavía hay apelación ahí. Este es un ejemplo de lo que quiero decir al evitar la escalera. Con la chica de la izquierda, su construcción no está necesariamente equivocada y realmente no es un dibujo terrible ni nada pero aún así no es tan dinámica como la de la derecha. No quiero decir porque tenga una figura menos curvilínea que la segunda chica. Es más que sus hombros y caderas son paralelas lo que la hace lucir estática. Cuantos más ángulos puedas incorporar en tus diseños, más interesantes serán. Además, observar cómo los hombros y las caderas se inclinan en la vida real te ayudará a aprender a dibujar la figura en acción. Entonces, estar siempre atentos, siempre observar, observar pose, movimiento, distribución del peso, ángulos e inclinaciones, pliegues de ropa y así sucesivamente. Incluso la gente haciendo algo tan simple como esperar en fila para el café, por ejemplo, inclinan sus caderas y hombros de cierta manera. Rara vez son las caderas y los hombros tan paralelos como los de la primera niña. Aquí hay otro ejemplo. Dibujé esto a partir de referencia fotográfica y como puedes ver, las caderas están súper inclinadas como lo son los hombros. ritmo en el diseño es esencialmente lo que hace que tu ojo se mueva a través de una imagen. ritmo se crea mediante ángulos contrastantes y variando rectas contra curvas, ancho versus estrecho, grande versus pequeño, claro versus oscuro y así sucesivamente. Contraste estas cosas construyen interés visual y atractivo. Entonces, nuestros cuerpos en realidad tienen mucho ritmo natural y quieres tratar de aprovechar eso al estar siempre al tanto de tu recta contra curvas y ángulos contrastantes y tal. Algo que quieres evitar es dibujar lo que me gusta llamar el hombre salchicha, que es lo que pasa cuando hay demasiadas curvas contra curvas. Simplemente termina pareciéndose al Hombre Michelin lo cual está bien si eso es lo que vas a buscar, pero normalmente, eso no es lo que vas a buscar. Rectas contra curvas es cómo evitarás eso. Esta es una página del libro de Stephen Silver, The Silver Way: Techniques, Tips, and Tutorial for Effective Character Design, que creo que es probablemente el mejor libro de diseño de personajes por ahí. Es tan increíblemente útil y lleno de perspicacia en el diseño. Honestamente, un buen 50 por ciento al menos de lo que he aprendido sobre el diseño de personajes se aprendió de Silver. Tomé un par de estas clases en escuelas y dot com también que también son geniales. Entonces, de todos modos, he vinculado a su libro bajo la pestaña Your Project, y tengo esto aquí arriba porque estos son realmente buenos ejemplos claros de lo que estoy hablando. El figura de la izquierda es un ejemplo de contraste ancho, estrecho, ancho, estrecho y luego la figura en el medio, corto, alto, corto, alto y a la derecha, oscuro, claro, oscuro, claro. Entiendes la idea. Aquí hay más del trabajo de Silver que realmente ejemplifica esto con las formas anchas, estrechas, pequeñas, medianas, grandes contrastantes. En mi otra serie sobre Skillshare sobre dibujar caras, hablo de usar formas y objetos básicos como inspiración para crear variedad en las formas de tu cabeza pero esto también se aplica a los cuerpos. Como ya he dicho antes, comienza con formas simples y construye los detalles encima de ellas. Además, no quieres quedarte atascado dibujando solo un tipo de cuerpo. Entonces, esencialmente, todo este consejo es información que se quiere digerir a lo largo del tiempo. Puede parecer un poco abrumador al principio pero date tiempo para tomarlo todo y solo estar al tanto y cuanto más tengas una comprensión de estas cosas, más practicarás el dibujo con estas cosas en mente e incorporarlas a su trabajo y cuanto más se volverá intuitivo. Eventualmente, llegarás a un punto en el que no vas a tener que pensar activamente en estas cosas cada vez que dibujes. Simplemente se convertirá en segunda naturaleza para ti pero aún así informará tu proceso de dibujo. Está bien. Tiempo para el siguiente video. 3. Ejercicios de dibujo divertidos: Antes de seguir adelante, quería compartir algunos ejercicios de dibujo que me gusta hacer para la práctica. El primero de los cuales es el Método de Esbozo Ciego. Es posible que realmente haya hecho algo similar en la clase de dibujo inicial. Básicamente, lo que haces es elegir una foto para referencia u observar desde la vida, después mantener los ojos en tu referencia, no mires lo que tu mano está dibujando y no levantes tu mano. Esto no debe tomar más de 15 a 30 segundos. Intenta dibujarlo varias veces, cada vez partiendo de una ubicación diferente. Usando las formas extrañas que has creado, diseña un personaje. No sientas que tienes que coincidir exactamente con cada línea si no quieres. Simplemente mantente suelto y diviértete con él. Otra forma de hacerlo es encontrar referencia y hacer tu boceto ciego. Después, haz tu segundo boceto ciego basado en tu primer diseño terminado. Puedes intentar repetir este proceso una y otra vez como una forma de ver hasta dónde puedes empujar tu diseño. También puedes intentar contrastar tus formas y ver qué diseños se te ocurre. Entonces, solo empieza con formas realmente básicas y úsalas como guía. Esta es una técnica similar pero esta vez intenta empujar un solo diseño. Empecé dibujando una idea basada en la referencia, y luego usando formas contrastantes, hice un montón de diseños diferentes del mismo personaje. También cambio el espaciado de las diferentes secciones de la cara también, por lo que como puedes ver, pongo las líneas del ojo, la nariz y la boca en diferentes puntos en cada cara. Esa es solo una manera realmente fácil de apresurar la variación dentro de tus diseños. El siguiente ejercicio es una buena práctica de construcción que te ayudará a construir memoria muscular y subir tus habilidades de dibujo de figura. Entonces, lo que haces es elegir referencia fotográfica, y o bien colocar una pieza de papel de calco sobre ella o hacer una capa separada en Photoshop, si estás trabajando digitalmente, y luego trazar sobre ella usando formas simples. Vuelva a dibujar esas mismas formas simples variando el tamaño y los ángulos. Dibuja un diseño de gesto suelto basado en esa construcción, y finalmente usa tu dibujo suelto como plano para diseñar un personaje. Entonces solo tengo algunos ejercicios de gestos de buena práctica. El primero es ver un juego deportivo en la televisión o en línea, pausar y hacer dibujos de gestos de acción rápida. Cuando digo rápido, quiero decir como dibujos de 10 segundos. Siempre puedes alargar el tiempo mientras vas pero debes obligarte a ser realmente rápido al principio. El segundo ejercicio es similar solo que esta vez estarás haciendo una pausa en un programa o película animada, y siempre puedes encontrar clips en YouTube para esto. De todos modos, luego traza directamente sobre la parte superior de los fotogramas, que resulta ser el ejemplo que he mostrado. No te concentres tanto en los detalles, solo en la forma básica. Con este ejercicio, estás aprendiendo de otros artistas y construyendo memoria muscular. A continuación, vaya a una clase o sesión de dibujo de figuras en vivo, y para poses de cinco minutos o más, dibuje la misma pose desde diferentes puntos de vista alrededor del aula. Por último, utiliza recursos en línea como, lineofaction.com, que es un sitio super rad donde puedes configurar tus parámetros y hacer algunos dibujos de práctica cronometrados. El dibujo por gestos no se trata de capturar a la gente exactamente, se trata de capturar el sentimiento de una persona y también practicar el dibujo de figuras. 4. Inspiración y referencia: “ Si quieres aprender a tocar un instrumento, tienes que aprender a tocar la canción de otro músico. Si quieres aprender a dibujar, tienes que dibujar otro cuadro de artistas”. - Steven Silver. Esta es una de mis cotizaciones favoritas sobre arte. Fue realmente algo de abridor de ojos para mí personalmente, cuando lo puso de esa manera. Yo estaba como, “Oh, Era como si una bombilla se apagara por encima de mi cabeza”. Y yo estaba como, “Oh, sabes que tienes razón, ese es un buen punto”. Está bien. Entonces, esencialmente, siento que lo que Silver quiere decir es que, es importante estudiar los estilos de otros artistas. Es igual de simple como eso. Quieres estudiar cómo se doblan y rompen las reglas de la construcción, analizar qué hace que su estilo sea consistente, buscar conceptos visuales básicos que puedas adaptar a tu propio trabajo, como cómo dibujan ojos o cabello o manos y así sucesivamente. Es importante ser influenciado por más de un artista, para que puedas evitar que tu obra luzca demasiado influenciada por el estilo de un solo artista. Entonces, puedes acumular tu versatilidad. Dicho eso, ten en cuenta que si quieres trabajar en animación, tienes que poder imitar diferentes estilos. Entonces esa sigue siendo una habilidad realmente buena de tener. Básicamente, está bien, e incluso se anima a buscar inspiración a otros artistas cuando lo necesites. La referencia es necesaria para el crecimiento como artista, y nunca dejas de usarlo. Es solo que, puede que empieces a necesitarlo cada vez menos para ciertas cosas. Si dibujas esas cosas una y otra vez, pero nunca dejarás de usarlo por completo. Entonces, si eres alguien que se preocupa por eso y sé que solía serlo, solo recuerda que usar referencia no es engañar. Uno de mis ejemplos favoritos de un artista famoso usando referencia es Norman Rockwell. Utilizó la referencia tan brillantemente. A pesar de que su obra no es caricatura, y significa, obviamente es más realista en estilo. Todavía realmente empuja y exagera sus cifras de maneras realmente interesantes. Al igual que por ejemplo, aquí hizo a los policías hombros mucho más amplios de lo que están en la referencia fotográfica, que hace que el contraste de tamaño entre él y el niño sea aún mayor, y más interesante de mirar, creo. Entonces, básicamente, tomó muchas decisiones deliberadas en cómo cambiaría las cosas de su referencia. Creo que sus piezas finales eran a menudo casi siempre mucho más dinámicas que la vida real. Sí, por eso es uno de los grandes. Si antes no apreciabas su trabajo, realmente te animo a estudiar su trabajo un poco más de cerca. Entonces, tengo algunos otros artistas a los que quiero sólo mencionar muy brevemente porque son todas personas que estudian y aprecian y todos son artistas que han influido mi propio trabajo y realmente pueden la continua influenciarla. Yo más o menos voy a dar la vuelta a través de estos y dejar que hablen por sí mismos. Porque si les hablara de cada uno tanto como quiero, estaríamos aquí por horas. Entonces, de cualquier manera, primero ahí Stephen Silver, por supuesto, con su fabuloso trabajo de dibujos animados. Mucho de mi propia caricatura está realmente influenciado por él. El siguiente, Shaun Bryant, quien descubrí hace poco y creo que es un maravilloso artista de personajes. Aaron Blaise, quien de nuevo es increíble, trabajó para Disney durante mucho tiempo. Lois Van Baarle o Loish como es más conocida Online. Glen Keane por supuesto, y su hija Claire Keane, cuyo trabajo es brillante y al parecer corre en la familia. Emily Carroll, otra de las artistas clásicas de Disney, Milt Kahl. Ronald Searle. Don Flores. Don Flowers es realmente bueno para estudiar particularmente por cómo hizo que un estilo bastante simple funcionara muy bien y se sintiera realmente dinámico. Después, está J.C Leyendecker, quien es uno de mis artistas favoritos absolutos jamás. Sé que dije que iba a dejar que estos hablen por sí mismos, pero simplemente muy rápido. El asunto del trabajo de Leyendecker es que obviamente es muy cuidadosamente renderizado y gráfico. A menudo, se pueden ver los trazos de pincel claros y las rectas y curvas contrastantes. Pero al mismo tiempo, tiene esta calidad sin esfuerzo, como si hubiera una comprensión tan clara de la forma y cómo se puede manipular la anatomía para estilizarla para que funcione. Es sólo una locura para mí y realmente vale la pena mirar sus cosas. Está bien, seguir adelante. último, pero no menos importante es Charles Dana Gibson, con sus famosas Gibson Girls. Su obra es otro ejemplo de realismo que estilizó. Cuando lo miras por primera vez, no te parece de inmediato como caricatura, pero es solo que las elecciones que tomó fueron más sutiles. Está bien. Pasando al Paso uno del proceso de diseño. 5. Paso 1: historia: Entonces, pido disculpas de antemano porque voy a estar haciendo mucho platicar en este video, pero te prometo que todo es interesante y relevante así que solo toma un sorbo de café o lo que sea tu bebida de elección tal vez y siéntate y relájate unos minutos y sí. Está bien. Entonces, el primer paso para diseñar un personaje es crear la historia de tu personaje. Entonces, ¿quiénes son? ¿Cuáles son sus antecedentes? ¿ Cuál es su edad, personalidad, actitud? ¿ Cuál es su papel u ocupación? ¿ Dónde y cuándo viven? ¿ Cuáles son algunas características físicas que desea incorporar? Incluso puedes llegar tan lejos como para averiguar qué quieren, qué les está conduciendo, qué les gusta o no les gusta. ¿ Con qué se puede relacionar personalmente sobre ellos? ¿ Hay personas en tu vida de las que puedas inspirarte y poner en tu personaje, etc.? Cuanto más entiendas y conozcas a tu personaje, mejor. No quieres simplemente saltar directamente al dibujo a menos que intencionalmente intentes soltarte y divertirte entonces seguro pero si quieres construir un personaje para un proyecto como un cómic o animación o lo que sea, quieres hacer tu investigación primero. También asegúrate de haber establecido el estilo general básico de tu proyecto antes de diseñar tu personaje. ¿ Va a ser súper caricatura o más realista? Para mí, quiero que mis personajes estén más cerca del extremo realista del espectro pero aún así caricatura y empujados de una manera divertida. También quieres considerar para qué medio va a ser. Puede que no quieras que tu diseño sea súper detallado si lo estás dibujando para, digamos, una animación o incluso un cómic porque tendrás que dibujarlo y otra vez y dependiendo del tamaño de impresión del cómic, el detalle podría perderse o sentirse desordenado. Entonces, quieres considerar esas cosas. Entonces solo voy a saltar directo a mi idea para este personaje que voy a crear o en realidad personajes. Quiero crear un par de personajes vaqueros. En realidad, las culturas negra y latina son en realidad lo que esencialmente dio forma la cultura fronteriza o lo que pensamos como el Salvaje Oeste. Dato divertido, la palabra 'buckaroo' es en realidad una corrupción de la palabra española 'vaquero', que significa vaquero. Entonces, sí, aprendan su historia, amigos. No sé cómo es en otros países pero la mayoría de las clases de historia de Estados Unidos hacen que sea mucho menos interesante y diverso de lo que realmente es. Entonces, de todos modos, el punto es que mucho si no la mayoría de los verdaderos vaqueros en su época eran negros o latinos. Entonces, quería crear un par de personajes en esa línea. No soy un diseñador profesional de personajes por ningún medio. Todavía soy realmente solo novato y aficionado pero he aprendido mucho que no he visto presentado de esta manera en Skillshare así que estoy tratando de llenar ese vacío esencialmente. El punto de que me plantee esto es que nunca he trabajado realmente en un proyecto profesional donde la historia y los personajes ya están en gran medida pensados para ti. Entonces lo que me gusta hacer es fundir mis personajes en algún tipo de proyecto ficcionalizado en mi cabeza. Entonces, estoy pensando en estos personajes que voy a crear como las estrellas de un cómic o cómic web. No soy escritor de ninguna manera así que este hipotético cómic probablemente no se hará nunca a menos que colabore con alguien, lo cual sería súper divertido, pero sin importar, para mí, ayuda a fundir mis personajes y algún tipo de idea así. Entonces, de todos modos, empiezo por hacer mi investigación. A mí me gusta hacer Pinterest tableros de imágenes que voy a usar como inspiración. En este caso, sobre todo necesitaba referencia de ropa, así que tengo mucho de eso aquí. Pero también buscaba imágenes con mucha personalidad y actitud porque quiero que mis personajes tengan mucha personalidad y actitud. Aunque creas que sabes todo sobre un cierto periodo de tiempo o profesión o lo que sea que estés dibujando, aún te animo a no saltarte esta parte. Tenemos tanta suerte hoy en día con Internet que parece una lástima no aprovecharlo. Una especie de ejemplo que me gusta mencionar en apoyo del uso de referencia es que sabes cómo en muchas pinturas mayores los bebés a menudo se ven realmente raros? Casi como si fueran solo diminutos adultos desnudos sin pelos. Bueno, mi teoría es que eso se debe a que los pintores no tuvieron mucha oportunidad de estudiar bebés reales, así que simplemente rectamente no sabían cómo dibujarlos. No me cites en eso pero me pregunto por eso. Entonces, de todos modos, lo que me gusta hacer a continuación es escribir algunos atributos simples hacia abajo ya sea directamente en el documento en el que estoy trabajando o simplemente en un papel que está a mi lado para poder referirme a él. Cuando estoy diseñando más de un personaje para la misma historia, como si habitaran el mismo universo en mi cabeza, me gusta tratar de llegar no sólo a personalidades contrastantes sino también a apariencias contrastantes ya que esto es un visual medio. Entonces, de mi pareja de personajes, sus nombres tentativos en este punto son Tobias o Toby Greenwood y Manuel Castillo porque eso es justo lo que me llegó y me gustan. El único motivo por el que digo nombres tentativos es porque si realmente hiciera esto en una historia, me gustaría hacer algunas investigaciones más a fondo y asegurarme de que Tobias Greenwood sea un nombre que alguien realmente tendría en aquel entonces. No veo por qué no sería, pero no lo sé. ¿ Qué sé yo? No soy historiador. Entonces, sí, si de hecho hiciera de esto una historia totalmente carnosa, quiero asegurarme de cosas como esa. Pero como no estoy haciendo eso, solo estoy dibujando estos tipos e intentando tener una idea de quiénes son. Realmente no siento la necesidad de entrar en ese fondo de investigación en este punto. Las únicas cosas que sé que realmente quiero conseguir precisas son el look y la ropa y ese tipo de cosas, que es la investigación que ya he hecho, la investigación visual. Entonces... no sé que sus nombres pudieran cambiar. Probablemente iré en algún momento e investigaré totalmente eso y asegurarme de que esos nombres sean legit solo porque soy ese tipo de completista y me gusta asegurarme de que todo sea tan preciso como puede ser cuando estoy diseñando personajes, sobre todo si se basan en un periodo de tiempo histórico real. Los nombres tienen mucho poder en una historia. Le dan un cierto sentimiento a un personaje, así que al menos me gusta tener una buena idea de lo que van a ser. Harry Potter es un ejemplo perfecto de esto. JK Rowling toma decisiones muy deliberadas cuando se trata los nombres de sus personajes, o al menos de sus personajes principales. Por ejemplo, el primero que viene a la mente es Draco Malfoy. Su nombre realmente te da una buena idea de quién es como personaje, y Luna Lovegood es otro buen ejemplo. Te da una idea de cómo va a ser en cuanto escuches su nombre. Entonces, sí, además solo creo que los nombres son muy divertidos. Entonces, también me gano automáticamente una especie de afición por los personajes que estoy creando una vez que los nombro para que nunca me salte eso. Está bien. Entonces, de todos modos, me he ido en una tangente y lo siento. ¿ De qué estaba hablando? Ah, estaba hablando de apariencias contrastantes. Toby va a ser alto, delgado y cabreado, mientras que Manuel va a ser más corto y más voluminoso y de hombro ancho. El contraste entre los dos personajes automáticamente los hará más visualmente atractivo. Entonces siempre me gusta la dinámica de amistad del tipo charmer sarcástico y el tipo exasperado pero cariñoso, más serio. Entonces eso es lo que van a ser. Anoto todas las cualidades que sé que quiero que posean. Recientemente, me encontré con que me gusta mucho diseñar en parejas porque algo que me excita mucho lo que estoy haciendo es la relación de carácter o dinámica. Sin embargo, por el bien de esta clase, te voy a llevar por el proceso real de diseñar solo una de ellas. Está bien. Entonces ahora que te he quitado la oreja, pasemos al paso dos. 6. Paso 2: borradores: Entonces, una vez que descubrí quién es mi personaje, empiezo por dibujar bocetos realmente rudos. Entonces, inicialmente, me gusta tratar de averiguar la forma del cuerpo, pensando en la cabeza, torso y las extremidades como tres unidades conectadas, y manteniendo las formas lo más simples posible. Básicamente, no quiero pensar en el cuerpo en demasiadas partes si eso tiene sentido. Cuanto más simplemente lo pienses, mejor. Al estar haciendo esto, recuerda tus formas contrastantes. Esto se aplica a casi todos los estilos de la súper caricatura y empujado a lo más realista. Aproximadamente cualquier ilustración que hagas va a implicar al menos alguna cantidad de caricatura y exageración. Pero solo por diversión, si estuviera diseñando algo en un estilo más caricónico, podría explorar formas corporales como esta que son mucho más exageradas. Sé que quiero que mis personajes sean mayormente proporcionales así que no hay una tonelada de diferenciación entre las formas corporales que estoy explorando, pero sigo encontrando el paso realmente útil y solo me tomó unos minutos bosquejar estos. Entonces, como que pienso en ellos como notas que estoy tomando por mi mano. Estas últimas cifras que dibujé son ideas para mi segundo personaje y me gustaría hacerlo cuando estoy diseñando en pares o más de un personaje a la vez. Me gusta dibujar diferentes ideas de forma corporal para ambos personajes al mismo tiempo. Sólo porque es divertido ver cómo los personajes van a contrastar unos con otros, y también me da más ideas de cómo puedes conseguir diferencien unos de otros cuando los veo justo al lado del otro. Entonces, de todos modos, en esta etapa, quieres explorar y para hacer eso, necesitas no preocuparte por los detalles. Yo solía saltar justo a dibujar los detalles y lo que pasaría es, me pondría realmente precioso mis dibujos iniciales y me costaba explorar y cambiar las cosas. También cometía errores de construcción que no noté, y luego trabajaría en el detalle y me daría cuenta de que tenía que redibujarlo y perdí todo ese tiempo. Entonces, no quieres atar tu diseño de inmediato porque no solo quieres asegurarte de que tu construcción sea buena antes de pasar al detalle, sino que tampoco quieres perder la oportunidad de explorar realmente y jugar con la colocación de la característica y sólo ver qué funciona y qué no funciona. De verdad quieres tratar de no ser demasiado preciado con tus dibujos. Puede ser realmente restrictivo y si lo mantienes áspero y suelto y divertido y no estresante para empezar, realmente puedes encontrar algunas ideas interesantes. Piensa más en ellos como garabatos en este punto. Entonces, que te sientas más cómodo realmente probando un montón de cosas diferentes. En la siguiente etapa, la etapa de diseño es cuando realmente comienzas a dibujar. Una vez que tengo una idea bastante buena de la forma general de mi personaje, me gusta probar un montón de caras y formas de cabeza diferentes. Sigo dibujando bastante áspero por todas las mismas razones que hacía antes. Sigo averiguando las cosas. Entonces, realmente quiero asegurarme de que estoy contento con mi diseño antes de empezar a fijarlo más. Tengo una idea bastante buena de cómo quiero que se vea Toby, sé que quiero que se vea como si estuviera en algún lugar a finales de los 20 primeros 30 años. Entonces, yo intentaba trabajar eso aquí porque algunos de mis bocetos iniciales parecían un poco demasiado jóvenes, como si el tipo de la derecha pareciera que era un adolescente. Entonces, lo sostengo un poco más y le di un poco más de ángulos para tratar de envejecerlo un poco. También ese sombrero no es genial, necesita arreglarlo. Necesito mirar alguna referencia para eso más adelante pero no me preocupa en este momento. eso es esta parte del proceso, para mí, solo averiguarme cosas como esas y probando cosas diferentes para ver qué puedo lograr para que los personajes miren más cerca de lo que estoy tratando de hacerlos parecer. Entonces, esto me ha dado una bastante buena idea de la dirección que quiero ir con él. Entonces, creo que estoy listo para pasar al paso tres. 7. Paso 3: diseño: paso tres es cuando realmente empiezo a abordar los detalles. Normalmente empiezo por seguir trabajando en los rasgos faciales e intentando realmente fijarlos. A veces empiezo con una expresión bastante neutral y una vez que lo descubro, la vuelvo a dibujar con un poco más de personalidad y actitud. Tobi es sarcástico y encantador. Entonces, estoy pensando en todo eso ya que estoy creando sus expresiones. Hablando de expresiones, estoy planeando dedicar el futuro curso brusco a expresiones, lo que eso se hospedará en algún momento del año. No estoy seguro de cuál es mi horario de planeación exactamente para eso pero será en algún momento de este año. Podría terminar haciéndole un poco más de caricatura en los diseños finales. Pero sin importar, sé que no quiero que su diseño sea súper exagerado y súper caricatura. Ahora sí tengo una buena comprensión de sus características. Entonces, ahora, voy a pasar a posarlo y averiguar su ropa y todas esas cosas buenas. Para mí, esta es la parte difícil. Me encanta dibujar caras, así que las dibujo todo el tiempo pero no practico dibujar figuras lo suficiente, así que siempre lucho con posar. Necesito practicar más dibujo de figura. Me encantaría llegar a un punto en el que sólo pueda dibujar cuerpos completos tan fácilmente como pueda dibujar caras pero aún no estoy ahí. Tampoco soy bueno dibujando ropa así que siempre uso referencia para eso. Por ejemplo, verás que voy a tomar mucha inspiración de esta imagen, particularmente el atuendo de este tipo. Yo sólo pensé que era realmente genial y tiene mucho carácter. También me gusta mucho cómo este tipo en el medio, en esta imagen, cómo su sombrero está sentado en la cabeza. Entonces, juego con esas ideas en mi diseño. Para que lo sepas, sí tengo referencia arriba en la pantalla de mi laptop mientras trabajo en mi iPad Pro. Uno de mis alumnos de mi última clase sobre dibujar personajes animales me dijo que lo hice parecer fácil pero no fue fácil. Yo sí luché. No me topé con mis diseños enseguida. Había trabajo. Tenía que trabajar para llegar a mis diseños finales. Entonces, fue interesante escuchar que hice que pareciera fácil aparentemente porque no era fácil. Siempre que hago algo de lo que estoy orgulloso, casi siempre es una lucha para llegar sobre todo con el diseño de personajes porque no lo hago todo el tiempo. Entonces, sí, es interesante que dijeran que lo hice parecer fácil porque realmente no lo era. Entonces, a pesar de que te estoy mostrando todo el proceso y te estoy mostrando los diseños finales, no te lo estoy mostrando en tiempo real y tardó mucho más de lo que puede parecer en estos videos. Cuando estás viendo a otras personas, cuando estás viendo trabajar a otros artistas o estás viendo trabajar a otros artistas, tienes que recordar que no estás viendo el proceso, no estás viendo el proceso completo, no estás viendo todo el tiempo que tardó en llegar a ese punto. No me refiero sólo a todo el tiempo, las horas que gastaste en ese diseño, me refiero a toda la práctica y toda la dedicación que cada artista pone en su oficio. Eso no se ve, pero cada artista dibuja y practica o cada buen artista que ha llegado a un punto que uno admira, ponen trabajo. Ponen tanto trabajo, y tú simplemente no lo ves. No estás ahí para todo eso. Entonces, hay que tratar de recordar que no se puede comparar con alguien que probablemente ha practicado mucho más de lo que tiene y que probablemente ha dedicado mucho más tiempo del que tiene. Entonces también está el hecho de que las personas simplemente rectas mejoran a diferentes velocidades y tienes que permitirte tiempo. Cortarte algo de holgura porque definitivamente estás mejorando. hecho de que no estés mejorando a la velocidad que alguien más es, no significa que no estés mejorando. Entonces, si esto es algo que te gusta hacer, te dejes desanimar por el talento de otras personas. Simplemente presta atención a lo que estás haciendo y trata de apreciar la mejora que has hecho. Sé que es realmente difícil no compararte con otros artistas. Yo lo sé así, tan bien. Todavía lo hago todo el tiempo. Entonces, entiendo, no es tan fácil como simplemente chasquear los dedos y hacerlo así. Pero, hay que tratar de tener alguna perspectiva y tratar de recordar que no vas a ver todo el proceso de alguien. Lois H. La Lois Van Barle, quien mencioné en la diapositiva de inspiración y referencia que hice, hizo este experimento donde dibujaba el mismo dibujo básico una vez al año por, no sé, cinco a diez años o algo así. Y ella básicamente, quería ver cuál era su mejoría en el mismo dibujo exacto. Ella dibuja todos los días, casi todos los días, dibuja tanto todo el tiempo. Ella es solo, se dedica a ello, realmente se dedica a ella. Y muestra porque su trabajo es increíble. Fue realmente maravilloso ver eso porque ver su trabajo temprano, para ser franco no fue genial. Realmente no lo fue. Fue un artista principiante. Fue artista muy principiante. Y t o ver la vasta cantidad de mejoras que hizo durante ese periodo de tiempo fue realmente alentadora. Me di cuenta de que era tan abridor de ojos para mí porque me di cuenta, “Oh, aquí está la evidencia física. Aquí está la prueba de que este increíble artista que tanto admiro... No siempre ha sido tan buena y llegó ahí porque trabajó muy duro”. Ella llegó al punto donde está porque le ha puesto tanto tiempo y dedicación. Fue alentador para mí personalmente porque fue como, “Oh, mi nivel de habilidad es alrededor del cuarto año”. Lo que sea. Pero fue como, “Wow, mira eso. Sólo necesito trabajar. Tengo que dedicarme a ello”. No voy a ser sólo mejor artista si no meto la obra. No hay razón para que no me ponga mejor si meto el trabajo. Ella lo hizo y es increíble y es una artista increíble. Fue algo tan bonito de ver. Entonces, solo quiero que intentes recordar eso. Trata de recordar que no ves las horas que la gente pone, los años que la gente pone para convertirse en mejores artistas. Puede ser tan frustrante porque solo quieres ser bueno. Entiendo que solo quieres ser mejor de lo que eres de inmediato. Quieres la gratificación instantánea de la misma pero no la vas a conseguir, simplemente no lo harás, a menos que seas un prodigio, y probablemente no lo seas. [risas] Entonces, sé fácil contigo mismo. Déjate practicar. Déjate mejorar a tu propio ritmo y a tu propia velocidad e intenta no compararte con otras personas que probablemente estén en el año diez cuando estás en el primer año. Algo que me funciona es hacer un subdibujo, luego bajar la opacidad, añadir una capa y hacer otra áspera bajo dibujo sobre la parte superior pero esta vez tratando de empujar un poco más la estilización del personaje o tú puede simplemente dibujar tu diseño empujado hacia un lado como lo hice aquí. Hago eso tantas veces como necesite hasta llegar a un punto con el que estoy satisfecho. Empujar tu diseño básicamente solo significa exagerarlo cada vez más. Tengo un mal hábito de sobretrabajar mis dibujos a veces antes de realmente clavar la construcción, que es lo que pasó con la primera versión que dibujé de él. Sabía que estaba insatisfecho con el diseño mientras lo estaba dibujando, así que realmente no debería haber trabajado tanto en los detalles y desperdiciado algo de tiempo. Pero, estoy eligiendo mirarlo como una experiencia de aprendizaje. Creo que la versión final en la que aterricé coincide con la idea original de la forma del cuerpo que tuve para él mucho mejor. Entonces, llegué allí eventualmente. Me metí mucho con el posicionamiento de su brazo, porque al principio, sentí que estaba empujado un poco demasiado lejos a la izquierda, así que lo empujé un poco hacia atrás hacia la derecha para que hubiera un bonito espacio claro entre su espalda y brazo, ese triángulo del espacio es un espacio negativo abierto agradable. Entonces, me di cuenta de que su mano estaba creando una tangente con su pierna, y cadera, y esas cosas, y realmente no me gustó cómo se alinearon esos, así que le hice su antebrazo un poco más largo para que la mano se moviera un poco más delante de su cadera. Eso le quitó ese problema en su mayor parte, pero luego me di cuenta de que su mano era un poco demasiado pequeña. Ambas manos parecen un poco pequeñas, así que retrabajé eso también. Habrán notado que sigo volteando el lienzo en el que estoy trabajando horizontalmente. Yo lo hago porque realmente hace que los errores se destaquen. Si puedo conseguir que el dibujo se vea bien volteado en ambos sentidos, será un dibujo mucho más fuerte. Es raro cómo las cosas que no notaste mirar hacia fuera realmente sobresalen cuando se voltean en la dirección opuesta. Estoy usando Procreate en el iPad Pro aquí, y para hacer eso, solo asegúrate de que estás en la capa derecha y luego golpeas la pequeña flecha de selección en la parte superior izquierda de la barra de menús, luego solo tienes que tocar este pequeño símbolo hacia abajo aquí, y eso lo voltea horizontalmente. Pero en Photoshop, presionas Command o Control T en tu teclado para transformar, y luego en la barra de la parte superior, hay una W para ancho. Si solo pones un signo menos delante del 100 por ciento, se volteará en lo que estás seleccionado, y solo agregas un signo menos de nuevo a la parte trasera. Cuando estés construyendo tu personaje, asegúrate de dibujar después de tus formas para que todo se alinee correctamente. Te puede dar como una sensación de flujo y todo se siente como si estuviera conectado. Quieres que la anatomía se sienta bien y se sienta conectada, y dibujar a través de tus formas realmente ayuda con eso. Siempre puedes borrar esas líneas que no necesitas más tarde. Entonces, por ejemplo, con el sombrero de Tobias, sabía que iba a tener un sombrero, pero le dibujé la cabeza, todos modos, a pesar de que sabía que le iba a poner un sombrero. Porque quería asegurarme de que el sombrero se iba a descansar sobre su cabeza adecuadamente. Entonces, ahí es donde dibujé ese círculo para indicar el cráneo, por lo que el sombrero se sienta adecuadamente. Acabo de hacer eso en todo su cuerpo para tratar de hacer que las cosas se conecten. Conecté sus hombros, aseguré de que se alinearan, y solo todo tipo de cosas así. Todavía estoy averiguando mi estilo de caricatura, si se quiere. Tengo tantas influencias y hay tantos estilos diferentes que realmente admiro, y no puedo escoger uno que quiera emular más. No quiero emular un solo estilo, porque no quiero virarme en copiar demasiado a alguien, pero todavía no he podido algo así como, afinar algo que quiero explorar. Entonces, solo sigo probando un montón de cosas diferentes. Esta vez definitivamente me he ido con una especie más de look Disney. Es decir, su cuerpo es un poco más exagerado, pero la cara y eso le tiene una especie de sensación clásica de Disney. En realidad no iba necesariamente por eso, pero así es como terminó, lo cual está bien. Me encantan todos los estilos y esas cosas. Solo digo esto porque sigo siendo realmente un principiante y un diseñador de personajes intermedio. Todavía estoy realmente trabajando en perfeccionar mi estilo, averiguar quién soy como artista de personajes. Te digo esto porque quiero que te sientas alentado por el hecho de que, tal vez estés mirando esto y pensando que soy realmente hábil, o no lo sé, quizá no, pero, dependiendo de dónde estés en tu viaje artístico si lo harás tal vez estés mirando esto y pensando que tengo mucha habilidad y que estoy muy por delante de ti o lo que sea. Pero, sólo quiero que sepas que todavía estoy realmente trabajando muy duro para averiguar quién soy como artista, como artista de personajes específicamente, averiguar a dónde exactamente quiero que vaya mi estilo. Sigo experimentando. De verdad quiero llegar a un punto donde, alguien quizá pueda reconocer que es mi trabajo, o que al menos es el trabajo de una persona, la misma persona. Ahora mismo, siento que mis dibujos están por todas partes y es como, oh, wow, dibujaste eso, ¿y dibujaste eso? Pero eso es sólo porque sigo explorando diferentes estilos y lo que me gusta y no me gusta. Eso está bien de hacer. A menos que realmente acabes de caer en un estilo que te gusta inmediato. Eso también está bien. Si hay algo por lo que te atrae y te funciona desde el principio, eso es genial. Pero eso no sucede para todos. Entonces, solo quería hablar un poco de eso. Si estás diseñando para algo como un cómic o animación, donde tendrás que entender realmente el lenguaje de formas de tu personaje para que puedas redibujarlos una y otra vez, haciendo un desglose de construcción de modelos, también conocida como Hoja de Modelo, es una muy buena idea. Quieres que la construcción y la forma de tu personaje se arraigue. Dependiendo del proyecto, esta Hoja Modelo podría incluir un giro completo. Un giro consiste en una vista frontal, lateral frontal de tres cuartos, atrás tres cuartos, y una vista trasera recta del personaje. Planeo dedicar todo un curso acelerado a turnarounds y todos los trucos que recogí para crearlos, así que no lo voy a demostrar aquí. Pero sólo quería mencionar que si sí quieres trabajar en la industria de la animación ese es un conjunto de habilidades necesitarás aprender. Hay un montón de geniales, tutoriales ya por ahí si es algo que quieres tratar de recoger en este momento. Entonces, aquí está mi diseño final con trabajo de línea limpiada, y voy a estar hablando más sobre el trabajo de línea en el siguiente video. 8. Paso 4: limpieza y color: No voy a entrar en un montón de detalles sobre cómo rendericé este dibujo, como hice con mis personajes animales en mi curso acelerado anterior, porque no quiero ser repetitivo. Sí tengo otra clase que se centra enteramente en pintar retratos digitalmente. Usé muchas de las mismas técnicas en este dibujo que utilicé en ambas clases, por lo que puedes revisar esas si te interesa. En cambio, voy a demostrar una demostración rápida y sencilla de color plano, así como compartir algunos consejos para la limpieza de delineadores. Entiendo que los diseñadores de personajes que trabajan en la industria, a menudo no se espera que coloreen su trabajo, porque las empresas suelen tener personas que se especializan en colorear. Por supuesto, sigue siendo un gran conjunto de habilidades para tener pero si quieres especializarte en diseño de personajes, no necesariamente tienes que ser un maestro en color. Con eso en mente, quería compartir una técnica de coloración, y sombreado rápida , fácil y efectiva. Puedes hacer este paso tradicionalmente con un tablero de luz si quieres. Pero por el bien de la facilidad, lo voy a demostrar digitalmente. Cuando haya llegado a la etapa de limpieza, por lo general seguiré trabajando en cualquier programa que esté usando, generalmente Photoshop o Procreate. Bajaré la opacidad de mi boceto en bruto, crearé una nueva capa y dibujaré sobre la parte superior. Por supuesto que todo depende de tu estilo y de lo limpio que te guste que sea tu trabajo o cuánto te gusta la textura del pincel para mostrar. ¿ Quieres una línea sólida, línea cónica, línea traza? Para mi dibujo de Toby, quería la calidad del lápiz del pincel que estaba usando para mostrar a través en la marca de línea. No quería que fuera súper limpio o afilado, porque, bueno, en primer lugar, me gusta ese estilo dibujado a mano, de aspecto tradicional. En segundo lugar, sabía que quería que el color tuviera una calidad pictórica y quería que la marca de línea coincidiera con ella. Cuando estoy haciendo marca de línea, sobre todo si es una línea súper limpia, audaz como esta, me gusta dibujar cada línea rápidamente y no me preocupo por pasar por donde termina el boceto en bruto. Encuentro que puedo hacer líneas mucho más limpias y menos tambaleantes cuando hago trazos rápidos así. No me preocupo por trazar perfectamente porque siempre puedo borrar los bits que cruzan más tarde. Por supuesto, esto realmente sólo funciona con el arte digital. Tienes que ser un poco más cuidadoso con lo tradicional. Pero también me resulta más fácil controlar mis líneas precisamente cuando estoy dibujando tradicionalmente. En fin, sin importar, trato de no ser demasiado preciado sobre lo perfectas que son mis líneas, porque muchas veces no te darás cuenta de las imperfecciones más adelante. Pero todavía a veces tengo que dibujar líneas y otra vez una tonelada de veces antes de hacerlo bien. No hay una técnica real a esto, solo se necesita práctica. Cuanto más lo hagas, más fácil se pondrá. Ahora estoy borrando todos los bits innecesarios. Desea asegurarse de que el grosor de sus líneas sea consistente. Incluso con una línea cónica, los puntos más gruesos de las líneas deben coincidir y todos deben confluir de manera similar. Aquí noté que la línea era un poco delgada, así que la engrosé. hora de elegir colores, piensa en la historia, ánimo y el entorno que estás tratando de retratar. Para este personaje, elegí algunos pasteles sofisticados y de moda y los contrasté con un par de verdes divertidos más brillantes, porque parece una dama divertida, sofisticada. Para mi dibujo de Toby y Manuel, elegí una paleta de colores más apagada con muchos tonos marrones y naranjas, porque estaba pensando en el Viejo Oeste y quería que los colores que elegí reflejaran eso. No hay nada de fantasía en mi trabajo de colorear aquí. Básicamente solo escogí un pincel de textura y puse algunos colores planos. Una cultura que recogí por crear rápidamente mejillas rosadas, es hacer una nueva capa, dibujar triángulos sobre las mejillas y luego desenfocarlas. En Procreate, haces clic en el pequeño símbolo mágico de uno en la barra de menú superior izquierda, y luego haces clic en “Desenfoque gaussiano” y arrastra tu estilista hacia la derecha y hacia la izquierda para ajustar el porcentaje de desenfoque. En Photoshop, vas a Filtrar, Desenfocar, Desenfocar gaussiano, ajusta el porcentaje con el deslizador y pulsa “Enter”. También puedes intentar dibujar un círculo sobre la nariz junto con los triángulos y difuminar los tres. Pero no pensé que este dibujo realmente lo necesitara, así que no me molesté. Simplemente creo que esa es una manera realmente genial de conseguir una mejilla rosada realmente bonita y hermosa sin preocuparte por escoger un pincel de textura suave y perfeccionarlo. Me ha funcionado cada vez y creo que es realmente genial. Hay un millón y una formas de sombrear tu color. Pero una forma rápida y fácil de hacerlo es duplicar tu capa de color y luego usar la saturación de tonalidad para ajustar esa capa de color duplicada. Existen algunas formas diferentes en las que puedes aplicar la saturación de tonalidad. En primer lugar, puedes ir a ajustes de imagen, saturación de matiz o puedes subir o justo encima del panel de capas y encontrar la saturación de matiz y aplicarla. O mi forma favorita es asegurarme estás seleccionando en la capa que quieres que se haga, y bajar a este pequeño círculo en el mismo panel donde está el botón de nueva capa y seleccionar Saturación de matiz. Crea una capa de máscara de saturación de matiz por encima de la capa que desea aplicar. Si solo quieres aplicarlo a la capa de abajo, todo lo que tienes que hacer es colocar el cursor entre esas dos capas y mantener presionada Alt u Option, y aparece una pequeña flecha y haz clic en ella. Entonces sólo se aplicará a esa capa por debajo de ella. En las propiedades, suelo ajustar el tono a un color más morado o azul. El ligereza, lo bajo bastante lejos y lo hago bastante oscuro. Entonces llevo toda la opacidad de la capa a algún lugar de los 20s o 30s por ciento y eso solo crea una versión sombreada realmente bonita encima de tu versión ligera. Los colores de la sombra son un poco azules y un poco morados, lo que los hace parecer un poco menos fangosos. Si sólo trataras de entrar con unos negros, unos grises, eso no se vería muy bien. Esta es solo una forma rápida y agradable de encontrar algunos colores fríos que funcionarán para sombrear tu dibujo y simplemente lo hace automáticamente por todos los colores diferentes para ti. Después puedes hacer clic en la máscara y usando tu herramienta de pincel, el negro borra esencialmente, el sombreado oscuro mientras los colores blancos se oscurecen. Simplemente puedes ajustarlo simplemente cambiando de ida y vuelta entre el blanco y el negro. Por ejemplo, aquí cambié mi color de pincel a blanco y coloreé el sombreado de nuevo adentro. En su mayoría solo uso negro para borrar la capa de sombreado, modo que la capa más brillante original pudiera mostrarse a través. Aquí hay otro ejemplo de mí usando esta técnica pero mantuve mucho más sombreado en esto. Esa es una forma sencilla de encontrar algunos grandes colores de sombreado y de hacer que tu ilustración sea mucho más atractiva. Una forma más rápida y fácil de agregar atractivo a tu dibujo, es agregar un gradiente a tus colores planos. Ya he añadido un gradiente sobre el gris del pantalón. Como puedes ver, es un gris plano y luego agregué un morado oscuro realmente sutil sobre la parte superior. Para mostrarte cómo hice eso, primer lugar, tengo todos mis colores en diferentes capas. Tengo el color del pantalón en una capa y el color de la camisa en otra. Asegúrate de que estás en la capa correcta y luego agarra la herramienta mágica one y selecciona la parte que quieras colorear. En mi caso, la camisa. Eso hice para que el gradiente que voy a aplicar sólo cubra la camisa y no el resto del lienzo. Crea una nueva capa en la parte superior. Vaya a la herramienta de cubo de pintura y haga clic y mantenga pulsado para que se muestre el menú desplegable y luego seleccione la Herramienta de degradado. No he seleccionado en un color a gradiente transparente, por lo que pasará de un color a ningún color en lugar de un color a otro. En fin, ya tengo un bonito morado seleccionado, así que sólo voy a quedarme con eso. Entonces todo lo que haces es simplemente hacer clic y arrastrar hacia arriba. Creo que eso se ve bastante bonito. Deseleccione su selección pulsando “Comando D” y baje un poco la opacidad. Aquí está sin los gradientes, y aquí está con ellos. 9. Reflexiones finales: Tu proyecto es, naturalmente, diseñar un personaje de tu elección. No obstante, todo lo que me gustaría ver para empezar es tu concepto. Como primer paso de baja presión, simplemente publica la historia y la personalidad del personaje que te gustaría crear, así que el Paso 1, esencialmente. Entonces a partir de ahí, podrás actualizar tu proyecto a medida que avanzas. Yo llamo a esta serie Character Design Crash Course porque estas clases realmente solo rascan la superficie de lo que puedes aprender cuando se trata de diseño de personajes. De ahí, curso de choque. Si quieres aprender más, recomiendo mucho consultar las clases de diseño de personajes de Schoolism.com. Personalmente, tomé la clase de Daniel Arriaga, Personajes para Cine Animado, y las clases de Stephen Silver, Fundamentos del Diseño de Personajes y Diseño de Personajes Avanzados, y encontré que los tres eran invaluables fuentes de aprendizaje. También descubrí recientemente el arte de Aaron Blaise, quien tiene un montón de tutoriales y clases realmente geniales sobre diseño de personajes, dibujo y animación. He vinculado a todos estos en la pestaña Tu proyecto. Dicho esto, voy a seguir produciendo cursos de choque de diseño de personajes aquí en Skillshare que abarcarán una amplia gama de temas especificados, todos relacionados con el diseño de personajes. Si disfrutaste de esta clase y quieres estar al día de lo que estoy publicando, asegúrate de presionar el botón de seguir y serás el primero en saber cuándo se lanza cada nuevo curso de choque. También puedes seguirme en Instagram @melissaleedesign para ver mis últimos trabajos en curso. Si te sientes atascado, recuerda que la práctica y la persistencia es la clave para mejorar. Pero también recuerda ser gentil contigo mismo. Probablemente no veas mejoría de inmediato, y eso está bien. Aprende a abrazar tus malos dibujos porque sólo te están llevando hacia mejores dibujos en el futuro. En esa nota, les deseo la mejor de las suertes y como siempre, no puedo esperar a ver qué personajes crean. Cuídate y nos vemos la próxima vez.