Curso acelerado de diseño de personajes: Diseño de personajes animales

1. Introducción: Hola, y bienvenidos a Character Design Crash Course: Diseñando Personajes de Animales. Mi nombre es Melissa y soy diseñadora e ilustradora con sede en el norte de California. En esta clase, te llevaré a través de mi proceso de diseño e ilustración de un personaje animal. Empezando por encontrar inspiración y referencia, luego pasar a esbozar y desarrollar tu concepto y finalmente renderizarlo en Photoshop. También hablaré de los fundamentos del diseño de personajes y la importancia de utilizar la referencia y aprender de otros artistas, y demostraré un par de ejercicios que me parecen útiles. Una vez terminado, tendrás un personaje animal totalmente ilustrado para añadir a tu portafolio. ¡ No puedo esperar a ver lo que creas! 2. Inspiración y referencia: Inspiración y referencia y por qué es esencial para crecer como artista. “ Si quieres aprender a tocar un instrumento, tienes que aprender a tocar la canción de otro músico. Si quieres aprender a dibujar, tienes que dibujar el cuadro de otro artista”. Stephen Silver. Tomé las clases de diseño de personajes de Silver en Schoolism.com, que es un sitio que, a diferencia de Skillshare, realmente solo se centra en el arte visual. Todas las clases son sobre diversas formas de arte visual. En fin, mucho de lo que voy a hablar en esta clase se aprendió de Silver y Daniel Arriaga y de algunos de los otros maestros realmente maravillosos sobre Schoolism. Todos son profesionales de la industria. Ellos saben de lo que están hablando. Antes de hablar más de eso , sin embargo, quiero recomendar algunos libros realmente útiles. El primero es El arte del dibujo animal. Construcción, Análisis de Acción, Caricatura de Ken Hultgren. Me encanta tanto este libro. No sólo tiene consejos realistas de dibujo, perspectiva, proporción, todo eso bueno, sino que también habla de animales caricaturizantes. Básicamente, diseñando personajes animales. Sí, él solo repasa tantos animales, y es sólo un recurso maravilloso tener. El siguiente es Animales en Movimiento de Eadweard Muybridge. Básicamente es solo una serie de tomas de acción de una tonelada de diferentes animales. Estos son realmente útiles si eres animador. Pero aunque no lo estés, es realmente genial tener todas estas posturas diferentes para referencia. Tan solo ten algunos ejemplos. Pensé que éste era aseado. A mí me gusta cómo levantan la cola así. Algo en lo que quizá no pienses. El último libro es The Silver Way: Técnicas, Tips, y Tutoriales para el Diseño Efectivo de Personajes de Stephen Silver. Este libro no sólo se enfoca en personajes animales. Se enfoca en todo, humanos, y todas esas cosas buenas. Simplemente tiene una riqueza de conocimientos. Lleva mucho tiempo trabajando en esta industria, así que realmente sabe de qué está hablando. Es simplemente maravilloso. Hay tanto que puedes aprender, y tiene muchos consejos geniales. Quería mostrarles algunos de los personajes animales de Stephen Silver y también las ilustraciones de algunos otros artistas que realmente admiro solo para que te inspiren y estén listos para diseñar. Esencialmente, lo que he aprendido de Silver y los demás profesores es que no quieres saber sólo una forma de dibujar. Es importante estudiar los estilos de otros artistas y construir tu versatilidad, y es importante ser influenciado por más de un artista. Esto fue algo que se repetía una y otra vez. Tener tu propio estilo único es, por supuesto, importante, pero no hay nada de malo en mirar a otros artistas e inspirarse en ellos. Además, particularmente, si quieres trabajar en animación, tienes que poder adaptarte a diferentes estilos. Estos son apenas más personajes de Silver. Tiene este único personaje en un montón de estilos diferentes. Mucha variación de forma. No creo que ninguno de estos esté particularmente en su estilo de firma, pero los tiene en su cartera para mostrar su versatilidad. Aquí hay otro ejemplo con los lobos. Me encanta que aquí haya lobos realistas, así como algunos diseños realmente exagerados y empujados. No tiene miedo de usar realmente formas exageradas y encontrar estas configuraciones realmente interesantes. También me gusta la parte superior izquierda porque es un ejemplo de él usando un actor en el que basar un personaje, que dijo le ayuda a descifrar un personaje a veces. Creo que eso es genial. Otro artista del que quería hablar es Milt Kahl. Fue uno de los grandes de Disney. Estaba buscando su trabajo y, básicamente, me di cuenta de que dibujó tantos de mis personajes animales favoritos de las películas de Disney. Realmente amo a Shere Khan, y siempre he pensado que Shere Khan era tan cool y expresiva. Sí, su trabajo es simplemente fabuloso. Hay toneladas y toneladas de dibujos en línea que podrías mirar hacia arriba y mirar a través. Otro artista es Heinrich Kley, y es famoso por los elefantes bailarines. Simplemente me encantan sus dibujos. Sus animales son una especie de realistas pero antropomorfizados. Son tan expresivos y tan humanos. Yo solo creo que es tan cool que todavía básicamente mantienen la forma y anatomía del animal. Sí, me encantan sus cosas. Otro artista que amo es David Colman, quien se centra en los personajes animales. Simplemente me encanta lo expresivos que son. Tiene estos increíbles osos. Sus expresiones son tan geniales. Podría simplemente voltear a través de su cartera para siempre y mirar con asombro. [risas] De todos modos. Siguiente es Mary Blair. Mary es más famosa por sus ilustraciones de niños, probablemente, y definitivamente por diseñar It's a Small World en Disneyland. Pero me gustan mucho sus personajes animales también. Me encantan las formas que usó, y las opciones de color son realmente bonitas. Además, la textura dentro de su trabajo también es realmente agradable. Mira a este caballo, me encanta la curvatura de su espalda y la forma de su cabeza, y cómo dibujó la melena y la cola con la hermosa textura de la tinta. El zorro es realmente genial también aunque tiene esta extraña forma, esta diminuta cintura y piernas, y cabeza grande. Sólo hay un ritmo y un flujo a su trabajo que me gusta mucho. Y por último, Charles Harper. Se especializó en animales, y creo que son tan cool y tan únicos. A mí me gusta lo geométricas que son y las texturas que usó. Un ejercicio que Silver me hizo hacer fue elegir a un artista y tratar de dibujar un animal al estilo de ese artista. El motivo por el que planteo eso ahora es porque voy a estar demostrando ese ejercicio usando el trabajo de Charles Harper como inspiración. En fin, eso no significa que debas entonces seguir dibujando en ese estilo exacto y copiar cada elemento del estilo de ese artista y luego reclamarlo como propio. Pero realmente te ayuda a llegar a formas creativas de dibujar diferentes elementos. Te ayuda a construir tu propio estilo y versatilidad. Cualquier práctica es buena práctica. Especialmente si quieres trabajar en TV o películas, donde definitivamente tendrás que poder imitar el estilo de otro artista. Hablando de estilo, creo que mucha gente se preocupa demasiado por ello. Personalmente, creo que si metes el trabajo y la dedicación y practicas todo el tiempo, y te inspiras en otros artistas y simplemente dibujas todo lo que puedas, caerás de forma natural en tu estilo. Simplemente sucederá orgánicamente. Trata de no estresarte al respecto si eso es algo de lo que te preocupa. Personalmente no siento que haya encontrado bastante mi propio estilo de diseño de personajes único. Ya estoy llegando, estoy cerca, pero no creo del todo que esté ahí. Pero realmente creo que eso es sólo porque diseño de personajes no es mi foco principal cuando se trata de arte visual. Todavía no lo he practicado lo suficiente para llegar realmente a ese punto. Me encanta, pero no necesariamente quiero ser un diseñador profesional de personajes, así que es más un pasatiempo para mí. Pero dicho eso, he aprendido bastante, y realmente quería compartir lo que he aprendido con más gente. Entonces sí, solo mira a los artistas que admires y busca conceptos visuales básicos que puedas adaptar a tu propio trabajo. Al igual que cómo dibujan ciertos elementos, ojos, pies, ese tipo de cosas. Hay tantas cosas de las que puedes inspirarte. Continuando, tengo una tonelada de tableros de Pinterest para inspiración. Pero quería mostrarles este personaje diseño referencias serie de tableros. Es uno que no hice. Es sólo uno que encontré. Lo tienen organizado con lo que se siente como interminables categorías. Todo tiene que ver con el diseño de personajes. Tienen todas estas tablas de anatomía y tablas de figuras humanas, y luego tienen una tonelada de animales también. Tienen anatomía de criaturas, diversos tipos específicos diferentes de anatomía de criaturas. Después tienen animales antropomorfizados, animales no antropomorfizados. Simplemente se siente como que cada animal tiene una categoría. Digamos que querías hacer un personaje mapache, mira en este tablero todas estas increíbles formas diferentes que la gente ha diseñado mapaches. Es tan inspirador y realmente genial. De verdad me ayuda a sacarme de las rutas artísticas en las que estoy. También tengo una tonelada de tableros de Pinterest, personales, que he hecho que son para inspiración. Si ya no haces algo así, animo encarecidamente a que hagas lo mismo. Me parece que incluso sólo mirar unas cuantas piezas para emocionarme con el diseño va un largo camino. No te saltes la parte de inspiración. La inspiración es clave. De verdad ayuda. De todos modos, seguir adelante. 3. Conceptos básicos del diseño de personajes: Antes de pasar a la parte de demostración de esta clase, quería repasar brevemente los fundamentos del diseño de personajes. Las cuatro grandes cosas que hay que considerar, son la forma, la silueta, el ritmo y la construcción. Todo lo demás cae en estas cuatro categorías. Algo que hay que tratar de meterse en el hábito de hacer es yuxtaponar líneas rectas duras contra curvas. Este dibujo de Border Collie no es mío, es de Stephen Silvers. Yo sólo creo que es un muy buen ejemplo de esto. Cómo las rectas y las curvas pueden funcionar en tándem para hacer un diseño realmente atractivo. No siempre tiene que ser así de exagerado. Puede ser más sutil que esto, pero esto es sólo un buen ejemplo claro de que funciona realmente bien. La variación de forma es realmente importante. Se quiere evitar la escalera evite la bola de bolos. Trata de incorporar pequeño-medio-grande y evitar la semejanza. Estos son solo ejemplos simples de cómo variar tu tamaño y forma puede crear más interés visual. El escalera es básicamente todo siendo paralelo y todo siendo equidistante y del mismo tamaño exacto. Es sólo un poco aburrido. El efecto bola de bolos se aplica mayormente a la cara y sucede cuando los ojos y la nariz, o dicen los ojos y las orejas, son del mismo tamaño exacto y la misma forma exacta y simplemente no es muy interesante mirar. También quieres evitar formas monótonas y la misma cuando puedas. Estos son algunos ejemplos de evitar la bola de bolos. Mickey Mouse tiene su nariz de tamaño mediano y sus ojos medianos, pero tienen una forma diferente y luego están las orejas grandes para contrastar esas. Entonces tienes al personaje Panda Rojo en la parte inferior derecha con su nariz pequeña y ojos grandes y Dug con lo contrario con sus ojos pequeños y nariz grande. Después están los lémures ratoncitos en la parte superior izquierda con sus narices diminutas y ojos grandes. Parte de por qué creo que la gente se siente tan atraída por los animales como este es porque sus rostros son tan interesantes y lindos y es la variación de forma lo que los hace interesantes. Cuando se trata de silueta, quieres mirar hacia fuera tu espacio positivo y negativo y entender que la claridad es clave. No está clara la silueta de la derecha. No está del todo claro lo que está haciendo. Sus piernas y brazos están agrupados y simplemente no es tan atractiva de mirar como la silueta de la izquierda, que es súper clara. Hay mucho espacio para respirar para el espacio negativo, que es igual de importante como el espacio positivo. Ya sabes exactamente lo que está haciendo, está caminando con propósito. Entonces eso es algo para digerir, toda esta información es información que necesitas digerir y con el tiempo ni siquiera tendrás que pensar en todo esto. Tan sólo cuanto más y más practiques y cuanto más consideres estas cosas, más se convertirá en segunda naturaleza para ti. Aprender la construcción y proporción de figuras, humanos y animales es súper importante antes de pasar a diseñar un personaje basado en ellas. Tienes que tener cuidado de romper a los animales en secciones y asegurarte de que te pegues con esas proporciones básicas para que sigan leyendo como ese animal. Aunque exageres las cosas, tienes que exagerar las cosas correctas. Por ejemplo, este pequeño animal en cuclillas que dibujé en la parte superior no se ve realmente como un caballo porque su cuerpo es más grueso y sus piernas son cortas por lo que no se leería del todo como un caballo. Es decir, podría. Hay formas en las que se puede hacer trampa y ser súper creativo, pero en general, esto es algo realmente útil a considerar. Otra cosa que realmente quieres intentar hacer es evitar tangentes. tangentes son lo que sucede cuando dos o más formas se tocan de una manera que resulta visualmente molesto. El ejemplo que tengo a la derecha, su bang está bajando y parece que casi está pegado a su nariz y labios y mentón. No está claro exactamente qué está pasando en el dibujo. Si la explosión fuera sacada más de su cara, sería más fácil leer como estar detrás su cara y no estar pegada a ella de alguna manera incómoda. Estas cosas son solo pequeñas cosas que tienes que tratar de cuidar y será más fácil atraparlas cuanto más practiques. El ratio Dorado o el medio dorado, se utiliza no sólo en las bellas artes sino también en el diseño de personajes y arquitectura y todo tipo de cosas. Lo principal en lo que hay que pensar, trata de no estresar tanto de la espiral y de todas esas cosas. Creo que lo principal a considerar realmente es la relación 1-1.61 y usar esa relación a lo largo de tus diseños automáticamente los ayudará a ser más atractivos. No sé por qué eso es, simplemente lo es, y muchos diseñadores hacen esto, a veces ni siquiera conscientemente, pero puede ser útil. Por ejemplo, si volvemos a estos diseños, desde lo alto de la cabeza de Dug hasta el cuello, es alrededor de 1 y desde el cuello hasta los pies es alrededor 1.6 y creo que también es lo mismo para el personaje Panda Rojo. Si volvemos aquí, los caballos son un ejemplo perfecto de esto. Desde la espalda del caballo hasta su estómago y desde su estómago hasta sus pezuñas, es alrededor de 1:1 .6. Esto no sólo sucede en la arquitectura y el diseño hecho por el hombre. También sucede en la naturaleza y aquí hay un par de ejemplos de esa relación que se está utilizando en mi propio trabajo. No recuerdo pensar en ello cuando estaba dibujando, pero así resultó y hace diseños mucho más interesantes, atractivos. Se puede llevar eso más allá y utilizar eso en el espaciado de todos los elementos dentro del cuerpo principal. Eso es sólo otra cosa a considerar cuando estás diseñando. 4. Uso de la referencia: En primer lugar, usar referencia no es hacer trampas. Yo quiero recalcar mucho esto porque parece haber una especie de actitud un montón de lugares en línea, que usar referencia o usar demasiada referencia o lo que sea es hacer trampa, pero eso es incorrecto. La mayoría de los grandes artistas la usan y no creces como artista sin ella. Tienes que usar referencia para cada animal que dibujes, a menos que ya hayas dibujado cierto animal una y otra vez porque ¿de qué otra manera vas a aprender a dibujar al animal? Necesitas mirar fotos de un animal o ir a un zoológico para aprender a dibujarlo. Tienes que aprender a dibujar la figura de cada animal, igual que hay que aprender a dibujar la figura humana. No sólo se puede dibujar de referencia, sino que se puede dibujar justo sobre ella. No digo que debas rastrearlo exactamente, renderizarlo completamente, y luego reclamarlo como una obra original, a menos que sea una foto que te tomaste y tu punto sea dibujar de manera realista, claro, pero eso es otra cosa por completo. En fin, lo que debes hacer es usarlo como herramienta de práctica. Dibuja a través de tus formas, aprende las proporciones... Esencialmente, analizando tus fotos de referencia y haciendo boceto tras boceto de ellas y dibujando directamente sobre ella, estás tomando notas y enseñando a tu mano los movimientos y ganando memoria muscular. Entonces es cuando comienzas a empujar y exagerar tus diseños. Como puedes ver aquí, yo estaba dibujando directamente sobre el rinoceronte una y otra vez, solo aprendiendo. Después dibujé un rinoceronte realista de solo mirar la referencia, luego bajé la opacidad, creé otra capa y dibujé justo encima de ella y esta vez me enfoqué más en empujar mi diseño y exagerar mis formas. Hago esto hasta que se me ocurrió un diseño que me gustó. Encuentro que tener el primer boceto inicial en bruto, el boceto realista, me ayuda a tener una base para mi diseño. Me ayuda a apegarme a esas formas básicas, pero a partir de esa pauta puedo exagerar, o me resulta más fácil al menos. Si no usas referencia para aprender las proporciones y construcción de un animal, cómo se sientan y se mueven, etcétera, entonces no podrás empujar tus diseños de una manera satisfactoria que tenga sentido. En otras palabras, es más difícil exagerar cuando no entiendes ya la construcción del animal. Una vez que entiendes la construcción de un animal, es más fácil caricaturarlo. Esto es con lo que terminé. No estoy seguro si hubiera podido llegar a este punto si no fuera por el uso de la referencia. Úsalo para ayudarte en tu diseño. No hay nada malo en eso. 5. Ejercicio de práctica: Otro ejercicio que hago es, como dije antes, elegir a un artista e intentar dibujar un animal al estilo de ese artista. He elegido a Charles Harper, y voy a tratar de dibujar este búfalo a su estilo, o al menos la cara de búfalo. Estoy usando formas geométricas y estoy tomando indicios de cómo texturizó su obra, todas las líneas pequeñas que usó, y todas esas cosas buenas. Ese es un ejercicio realmente divertido y una buena manera de desafiarte. 6. Hacer el boceto y diseño del personaje: Por fin hemos llegado a la parte principal de demostración de la clase. Tu proyecto es diseñar e ilustrar un personaje animal de tu elección. No tienes que hacer una hiena a menos que quieras, siéntete libre. En última instancia, es tu elección sea cual sea el animal que decidas diseñar. En primer lugar querrás reunir referencia para tu animal y hacer algunos bocetos de miniaturas de práctica. Desglose el tamaño y el espacio entre cada sección y se adhieren a esas proporciones básicas. Estos deben ser estudios sencillos, de proporción rápida y de construcción. Esto te da la información que necesitas para pasar a diseños desarrollados más detallados. Una vez que hayas hecho eso, pasa a diseños menos genéricos y crea tanta variedad como puedas. Quizás quieras apegarte al primer diseño que dibujas, pero realmente te animo a explorar tantas posibilidades diferentes para un personaje como puedas. Podrías encontrar algo sorprendente que te guste. Una cosa que puedes hacer antes de empezar que puede ser útil, es anotar los rasgos del personaje que quieres crear. ¿ Cuál es su personalidad? ¿ Cuál es la actitud que quieres retratar? Etc. Todo esto informará cómo decidas darle expresión a tu personaje y al lenguaje corporal que tendrá tu personaje. Estos son todos los diseños con los que terminé. A mí me gustan más unos que otros. Este tipo está bien. No lo odio ni nada, pero es un poco genérico, supongo. No muy empujado ni exagerado de ninguna manera, así que voy a ir con uno de los otros diseños más extrañas, si se quiere. A mí me gustan estos tipos porque son extrañas. Podría terminar coloreándolos en el futuro. Para este tipo de aquí yo estaba conscientemente tratando de diseñar con el medio dorado en mente. A mí me gusta este tipo de abajo a la derecha. Tiene una expresión realmente genial. Pero, en última instancia, voy a ir con este tipo en la parte superior. Y él fue el último que hice. Realmente trata de empujar tus diseños y hacer más de uno, porque si no hubiera seguido adelante, no habría llegado a mi última elección. Además, tus diseños no tienen que ser tan detallados y desarrollados en esta etapa. Así es justo como trabajo. No puedo evitar editar a medida que voy y refinar las cosas a medida que voy incluso cuando estoy en la etapa inicial de desarrollo. Pero si tiendes a hacer bocetos más rápidos, más rudos y no quieres refinar tus diseños hasta que hayas escogido uno que realmente te guste, entonces por favor hazlo. Así es justo como trabajo, así que no te sientas obligado a ser tan detallado como todos mis diseños están en este punto. Porque de verdad probablemente no debería hacer eso. Yo me ahorraría mucho tiempo. Pero, ¿qué puedes hacer? 7. Bloqueo en color utilizando la herramienta pluma y la herramienta degradado radial: Antes de pasar a renderizar la hiena, quiero mostrarles otro método de coloración que me gusta usar, que es construir mis formas iniciales con la herramienta Pluma. La herramienta Pluma y las formas y caminos hechos con la herramienta Pluma son mucho más fáciles de trabajar y editar en Illustrator que en Photoshop porque solo hay algunas herramientas más que puedes usar que facilitan las cosas. Pero voy a estar demostrando en Photoshop cómo hago esto solo para mostrarte otra forma de que lo puedas hacer, pero si prefieres trabajar en Illustrator, siempre podrías asegurarte de que todos tus caminos estén por separado capas y luego exportarlo como un documento de Photoshop y luego usar esas formas limpias en Photoshop. Sólo para que sepas que es una opción que tienes. Matt Kaufenberg, disculpas si estoy pronunciando eso mal. De todos modos, lo demuestra maravillosamente en su clase, 'Ilustración de personajes del concepto a la obra de arte final' en Skillshare, por lo definitivamente debes echar un vistazo a eso. Ya me vinculé bajo la pestaña Proyectos & Recursos. Tendrás que usar la herramienta Pluma, que está en la barra de herramientas encima de la herramienta Texto. Después quieres ir a tu panel Capas y luego justo al lado hay Canales y Caminos, y quieres dar click en Caminos. Harás una nueva capa de trazado igual que haces una nueva capa en el panel Capas, y eso se convierte en Ruta 1. Voy a empezar dibujando la parte principal del cuerpo de rinocerontes. El instrumento Pluma es un poco difícil, particularmente en Photoshop. Sólo hace falta que algo se acostumbre a ella realmente. Cuanto más lo uses, más entenderás cómo manipular las cosas. Me estoy saltando la bocina porque esa va a ser una forma separada. Por cómo esto ya está angulado, sale onky y no queremos eso, así que solo voy a Comando Z para retroceder eso, y luego para romper este punto, y luego para romper este punto, todo lo que haces es mantener presionada Alt (u Opt) y hacer clic en él. Eso trae hacia arriba la herramienta de punto de anclaje convertir. Hay una pequeña flecha que aparece para indicar esto justo al lado de la herramienta Pluma. También puedes mantener presionada Alt para editar las barras individuales también. En ocasiones el ángulo del camino funciona para que no tengas que romperlo cada vez. Nuevamente, mantenga presionada Alt y haga clic para romperlo. Mantén presionada Alt y haz clic para partirlo. Por si acaso no está claro, cuando estoy haciendo clic para crear un nuevo punto, estoy haciendo clic, manteniendo pulsado y arrastrando para crear las barras de anclaje o como se llamen. [risas] No puedo recordar cómo se llama la herramienta. Lo que sea, estas barras que te ayudan a cambiar la forma del camino. Vaya, eso es perfecto. No siempre funciona. Yo sólo voy a dibujar hasta aquí porque no quiero que este pie esté en la primera forma que estoy haciendo. Una vez que llegues al punto final, aparece un pequeño círculo y solo tienes que hacer clic, o hacer clic y arrastrar para cambiar la forma si es necesario, y luego tienes tu curva. Por aquí puedes cambiar el nombre de tu camino. Yo estoy nombrando a la mía RHINO CUERPO. Y siempre tendrás ese camino. Lo que puedes hacer con esto más adelante es hacer clic derecho > Hacer selección y solo haz clic en Ok. Ahora tiene esa selección ahí para que siempre puedas hacer eso y llenarlo más adelante. Eso es sólo una cosa realmente útil saber hacer en general. Yo sólo voy a seguir haciendo algunas formas con la herramienta Pluma, incluyendo el otro pie, los cuernos, orejas, fosa nasal y ojo. Eso es probablemente todo lo que necesitaré. Entonces te mostraré lo que hago con todos esos caminos y selecciones que he hecho. Ahora tengo todos mis caminos creados, y quieres asegurarte de poner cada nuevo camino en una nueva capa de ruta. Lo que voy a hacer es seleccionar el cuerpo del rinoceronte, y puedes hacer clic en este pequeño menú desplegable y pulsar Hacer selección, o simplemente hacer clic derecho en él y pulsar Hacer selección. Puedes cambiar la configuración, pero no necesito hacerlo en este punto así que solo voy a dar clic en Ok. Ahora lo que puedes hacer es ir a tu panel Capas, crear una nueva capa y obtener la herramienta Cubo de pintura, que está debajo de la herramienta Borrador, o puedes pulsar G en tu teclado. Tengo algunos colores aquí arriba que ya he seleccionado de estas fotografías así que solo voy a conseguir mi cuentagotas, seleccionar mi tono medio, seleccionar mi tono medio, volver a seleccionar la herramienta Paint Bucket y rellenar esa selección. Ahora voy a hacer otra selección, golpear la capa FOOT, clic derecho > Hacer selección > golpear Ok. Asegúrate de tener otra capa en el panel Capas, selecciona mi color, pulsa G de nuevo para la herramienta Cubo de pintura y rellénala. Ya que quiero que su pie esté detrás del cuerpo principal solo lo voy a mover hacia abajo. Entonces puedes presionar Command o Control D para anular selección y simplemente seguir llenando las cosas hasta que tengas tus colores principales. Probablemente sea útil nombrar estos a medida que avanzas. Una vez que hayas hecho eso y tienes todas tus formas, me gusta poner la capa de boceto en la parte superior para poder ver todos los detalles que quiero incorporar y puedes bajar un poco la opacidad. Solo tengo una técnica divertida más para mostrarte y es una técnica de sombreado que uso. Voy a seleccionar la capa corporal del rinoceronte y la voy a bloquear. Cuando lo bloqueas, significa que solo puedes colorear sobre los píxeles que tienen color en ellos. Entonces me voy a llevar la herramienta Lasso y voy a sombrear el estómago. Voy a dibujar a mano alzada donde quiero que eso vaya. Donde se va del dibujo, realmente no importa porque, nuevo, no puedo dibujar sobre esa parte porque mi capa está bloqueada. Entonces voy a utilizar la herramienta Gradiente radial para colorear esto. Demostré cómo puedes configurar tu herramienta de gradiente radial en otro tutorial lo hice así que voy a seguir adelante y jugar eso. Por lo que la herramienta Degradado lineal se puede encontrar haciendo clic en G en tu teclado o bajando a donde suele estar la herramienta Cubo de pintura. Normalmente se ve así. Simplemente haz clic y mantén pulsado y luego aparece poco menú desplegable y haces clic en la herramienta de gradiente. Entonces tiene todas estas opciones aquí arriba en la parte superior izquierda la mayoría de las cuales creo que son bastante inútiles. Ciertamente no los uso yo mismo. Ahí está el Gradiente Lineal que es el predeterminado y luego el Gradiente Radial que es lo que vamos a usar para esto. En realidad tengo esta configuración ya para mí. Lo que necesitamos es un gradiente de primer plano a transparente, y en tus predeterminados no lo tiene así que te voy a mostrar cómo puedes hacer eso. Lo que hay que hacer es hacer doble clic en la caja real en sí y trae al Editor Gradient, y tiene todos estos aquí. Vas a querer hacer uno nuevo. Tengo el nombre de Primer plano a Transparente, pero solo voy a dar clic en uno de estos otros para mostrarte cómo hacer uno. Tendrás algo como esto y básicamente lo que debes hacer es, cambiar el título: Primer plano a Transparente. Queremos que sea un gradiente sólido y luego la suavidad al 100. Los deslizadores de la parte superior controlan la opacidad mientras que los deslizadores de la parte inferior controlan el color, por lo que solo tienes que hacer clic en el primero y puedes mantenerlo en 100, clic en el segundo y bajarlo a cero por ciento de opacidad. Tenemos este color liso a gradiente transparente. Entonces vas a querer hacer clic en este cuadro y cambiar el color, poner el menú desplegable a primer plano, lo que significa que siempre será el color que esté en primer plano de tu seleccionador de color. Entonces realmente no lo puedes ver aquí, pero hay un poco de verde sucediendo porque este color todavía está configurado en verde, así que lo que quieres hacer con este también es cambiarlo al color de primer plano y luego simplemente lo hará pasar sin problemas de cualquiera que sea el color de primer plano esté en 100 por ciento hasta cero por ciento de opacidad. Ah y me cambió el nombre, así que asegúrate de que tengas ese nombre donde quieras. Además si solo quieres eliminar algunas de estas, creo que solo tienes que hacer clic en Opción, sí. Haz clic en Opción, y solo puedes hacer clic en ellos y deshacerte de ellos. Ya que nunca los uso solo voy a seguir adelante y eliminarlos, y luego hacer clic en Ok. Ahora tienes eso en tus gradientes, que es exactamente lo que necesitas. Tengo un color más oscuro seleccionado y mi gradiente radial seleccionado. Crea un círculo. Aquí tienes un ejemplo. Simplemente vamos a deshacer eso. Cómo lo uso aquí es que voy desde fuera de la selección y dibujo una línea hacia arriba en esta selección, y hace que este hermoso, suave gradiente. Hice clic en Comando H para desactivar la línea de selección. También estoy apagando la capa de boceto para poder verla un poco mejor. Realmente me gusta usar la herramienta Gradiente radial. Creo que es realmente agradable para piezas más atmosféricas, y puedes usarlo para una iluminación fresca y tal. Si quisieras que la selección que hiciste fuera más perfecta y limpia, siempre podrías ir a tus Caminos y hacer un camino con la herramienta Pluma, y de esa manera la selección no sería nada desordenada. No me voy a molestar en mostrarles todos los pasos de cómo rendericé este rinoceronte, porque mucho es similar a lo que les voy a mostrar en el siguiente video con el personaje de hiena. 8. Procesamiento en Photoshop: Ahora tengo mi diseño final todo limpio y listo para salir. Tengo una paleta de colores aquí arriba, solo una paleta de colores básica. Probablemente terminaré por cambiarlo o agregarlo, pero eso es lo que tengo por ahora, y tú quieres hacer una nueva capa para el color. Una forma rápida de rellenar el color base que a veces me gusta hacer es seleccionar tu capa de boceto, seleccionar el exterior con la herramienta varita mágica y seleccionar el Inverso haciendo clic en Shift Comando I, o yendo a Seleccionar y Invertir y asegúrate de volver a la nueva capa que acabas de crear. Selecciona el cubo de pintura haciendo clic en G, o está justo aquí en la barra de herramientas debajo del botón Borrador. Después querrás rellenar tu selección. mí me gusta apagar la capa de boceto y luego repasar esto. Siempre resulta algo pixelado y con bordes picados, así que me gusta ir por encima de los puntos ásperos y alisarlos, y escoger un bonito pincel con un buen borde. Ya que quiero que esta pieza luzca dibujada a mano, he elegido uno de mis pinceles estilo lápiz. En ocasiones vuelvo a encender la capa de boceto y bajar la opacidad para luego alisarla. Esto aún toma menos tiempo que colorearlo todo a mano, por lo menos para mí. Por eso lo hago de esta manera. Tengo algunas fotos de hienas en mi iPad y las estoy mirando para referencia para colorear. Sólo para que sepas que no voy por completo de la memoria aquí. Simplemente no quería ponerlos en la pantalla para que pudiera tener mucho espacio para dibujar. Sí, estoy viendo fotos como esta para la calidad manchada y referencia de color y tal. Voy a nombrar a esta capa COLOR BASE. Simplemente voy a bloquear realmente rápidamente en algunos colores. No voy a pensar demasiado al respecto, o voy a tratar de no pensar demasiado en ello. Voy a hacer clic en este botón porque eso bloquea la capa, lo que la hace para que básicamente solo puedas colorear sobre algo que ya ha sido coloreado. No se puede colorear sobre la transparencia. De esa manera no tengo que preocuparme por colorear fuera de las líneas. Una cosa genial que puedes hacer es seleccionar la herramienta Lasso pulsando L o haciendo clic aquí y dibujando sobre dónde quieres agregar color. Después puedes mantener presionada la opción Shift y dibujar de nuevo para sumar a tu selección de Lasso. Entonces puedo colorear en esas selecciones sin preocuparme por colorear sobre la parte del brazo que no quiero colorear. Para la mayor parte del sombreado en esto, estoy usando este pincel de textura personalizado realmente impresionante que encontré, y he estado usando en prácticamente todo. He vinculado a ella en la pestaña Proyectos y recursos. Es este cepillo suave para eclosionar, y creo que es gratis pero puedes donar y te recomiendo hacer eso porque el creador merece alguna compensación por un pincel tan impresionante. Yo lo uso todo el tiempo y es maravilloso. Lo que estoy haciendo aquí es, primero bloqueé la capa de boceto, luego hice clic en el marrón más oscuro y lo recoloé para que geles mejor con mis otros colores. También me gusta dibujar cualquier elemento de forma con la herramienta Lasso. Aquí dibujé el pelaje sobre su pecho, y esto me obliga a no ser tan preciado con mi dibujo, de alguna manera. Porque cuando no estoy pensando demasiado en ello, a menudo se me ocurren algunas buenas formas. A veces, ya sabes, pero esa es la belleza del arte digital. Es realmente fácil simplemente volver atrás y rehacerlo. Para restar de tu selección mantienes presionada Alt (u Opt). Es Shift para agregarle y Alt/Opt para restarle. Estoy suavizando este borde borrándolo con un cepillo de textura de bordes suaves a una opacidad menor, y luego coloreándolo de nuevo con el mismo pincel de textura. Me divertí mucho dibujando los spots de esta manera. No estaba planeando hacerlo así, pero creo que funcionó. Puse las manchas en una capa separada porque quería poder editarlas fácilmente. Yo quería oscurecer las manchas, así que acabo de duplicar la capa al golpear Command J. Olvidé mencionar antes que cuando estoy usando la herramienta Gradiente Radial, usualmente la tengo a una opacidad menor, cualquier lugar entre 10% al 30%. El 30% suele ser a lo que lo tengo configurado. En realidad puedes simplemente cambiar realmente fácilmente la opacidad al golpear 3 en tu teclado, que lo llevará a 30 y 2 lo traerá a 20, etc. Así que me di cuenta mientras miraba a esta referencia que las hienas manchadas tienen cejas, o al menos tienen pequeños parches de blanco por encima de sus ojos. Entonces solo estoy agregando ese elemento. Aquí, bloqueé mi capa de color base y luego elegí un cepillo de bordes suaves. Solo estoy destacando los bordes de las orejas. Estoy golpeando las teclas de soporte izquierdo y derecho [] para cambiar el tamaño del pincel. En este punto, empiezo a agregar algunos detalles. Me gusta duplicar y guardar mis capas periódicamente. Por lo que siempre puedo volver a versiones anteriores si es necesario. Hice una carpeta de grupo antes y simplemente la titulé COPIAS, así que solo voy a arrastrar esta capa duplicada a esa carpeta. Aquí estoy haciendo esta selección y luego golpeando Select e Inverse, para que solo pueda agregar color a todo menos a la cola. Noté que estaba consiguiendo algo del gradiente en la cola antes, así que básicamente sólo lo hice para que no tenga que hacer una selección alrededor de todo el cuerpo. Simplemente selecciono alrededor de la cola y luego hago clic en Inverso. Si quieres hacer un camino fuera de una selección, en lugar de hacer una selección fuera de un camino... Entonces si simplemente dibujas con el lazo así, puedes ir a tus Caminos y hacer clic en este botón aquí abajo, y lo convierte en una nueva Selección de Senderos. De esa manera tienes ese camino guardado para más adelante si quieres volver a visitarlo en el futuro. Nunca se sabe lo que podría querer volver a visitar. Ojalá lo hubiera hecho con la piel del pecho y las cejas sólo porque haría que fuera un poco más fácil editar en el futuro si pudiera volver a seleccionar ese camino exacto. Solo para que lo sepas, esa es una opción para ti. Aquí estoy agregando un poco de calidez a lo largo porque mis colores se estaban sintiendo un poco apagados. Es difícil de ver. Es un cambio realmente sutil, pero hace la diferencia. Estoy usando un pincel de textura aquí para agregar más manchado. Decidí poner la textura extra en una capa separada para que sea más fácil de editar. Ahí está todo este exceso de cosas a lo largo del borde. Una forma fácil de deshacerse de él es simplemente ir a su capa COLOR BASE, utilizar la herramienta Varita mágica y seleccionar el exterior y pulsar Eliminar. Tengo esta textura de papel que quiero poner sobre la parte superior. Sólo voy a arrastrarlo a mi doc principal y rotarlo. Quieres asegurarte de que esté en la parte superior de tu panel Capas, que es el mío. Ajusta la escala para que esté cubriendo todo el dibujo. Entonces aquí arriba de las capas, está este menú desplegable con modos de fusión. Simplemente quieres experimentar con estos. Mis favoritas para usar son Multiply, Overlay, y Soft Light, pero vale la pena explorar y ver qué funciona mejor. Me gusta bajar la opacidad bastante baja porque quiero que la textura sea realmente sutil. Es una diferencia muy minuciosa, pero creo que ayuda atar toda la paleta de colores. Lo que siempre me gusta hacer con las pinturas digitales es agregar capas de ajuste. Tus capas de ajuste están por encima de tu panel Capas. Aquí también hay un pequeño botón en la parte inferior, que es lo que uso la mayor parte del tiempo. Con mayor frecuencia utilizo Niveles, Brillo/Tono de Contraste /Saturación, y a veces Vibrancia. Pero al igual que con los Modos de mezcla, es realmente valioso solo explorar todos los diferentes ajustes y ver lo que más te gusta. Realmente no hay forma correcta o incorrecta de hacerlo. Simplemente juegas con los ajustes y ves qué funciona. Estoy usando Brillo/Contraste para subir un poco el contraste. Si desea agregar una capa de ajuste a una sola capa, sólo tiene que seleccionar esa capa y agregar un ajuste, y automáticamente la agregará por encima de esa capa. Después basta con mantener presionada Alt u Opt y hacer clic entre las dos capas y aparecerá una pequeña flecha apuntando hacia abajo. Entonces sólo afectará esa capa. Como puedes ver, solo está afectando las manchas aquí. Ahora, estoy jugando con Tono/Saturación. Puedes conseguir algunos colores realmente salvajes con esto. Si quería hacer una serie de hienas Andy Warhol-esque, estas son las herramientas a usar. [risas] Pero como no necesariamente quiero hacer eso, solo lo estoy ajustando un poco para que sea un poco más caliente. De nuevo, es un ajuste realmente, realmente ligero, pero hace una diferencia para mí al menos. [risas] Entonces así es como se ve sin las capas de ajuste y con ellas. Es una diferencia bastante dramática. Nunca me salto este paso porque en serio puede simplemente hacer o romper tu dibujo. Realmente desearía que hubiera alguna cosa mágica de la capa de Ajuste que pudieras aplicar a los dibujos tradicionales. Pero ay no lo hay. [risas] Si quieres guardarlo como un PNG con un fondo transparente, pero has traído texturas y las has manipulado con los modos de fusión, las texturas se mostrarán si te deshaces de la capa de color de fondo. Pero hay una solución realmente simple para esto. Todo lo que tienes que hacer es ir a tus líneas, o tu COLOR BASE probablemente funcionaría mejor, y seleccionar el exterior con la Varita Mágica, volver a hacer clic en la capa TEXTURE y luego eliminar. Ya que son tan sutiles, apenas se pueden ver. Puedes revisar tus bordes, pero en realidad nunca he tenido un problema con ellos apareciendo, así que eso suele funcionar para mí cada vez. Una última cosa que hice que olvidé filmar fue que bloqueé mi capa de líneas o mi capa SKETH y luego dibujé sobre todas las líneas con diferentes colores. Las líneas son más claras por las orejas y son más claras aquí abajo por el blanco en la cola. Entonces están un poco más marrones en todas partes de lo que era antes, un poco más ligeros. Creo que solo agrega una calidad realmente agradable si estás usando líneas. Es sólo un pequeño toque extra que se suma a ello que me gusta hacer. Entonces ahí lo tienes. Realmente espero que te haya parecido útil este tutorial. Traté de incluir cosas al azar que no he visto en un montón de tutoriales. Esperemos que esas cosas funcionen para ti y sean tan útiles como las encuentro. Muchas gracias por ver y espero que te diviertas mucho con tus propios diseños. 9. Reflexiones finales: Esta clase realmente sólo toca la superficie de lo que se puede aprender cuando se trata de diseño de personajes, razón por la que la llamé un curso de choque. Si quieres aprender más, yo altamente, recomiendo revisar clase 'Personajes para películas animadas de Daniel Arriaga y las clases de Stephen Silver, 'Fundamentos del diseño de caracteres' y 'Diseño de personajes avanzados' en Schoolism.com y SilverDrawingAcademy.com, a los que he vinculado en la pestaña Proyectos y recursos. Y por supuesto, todas las maravillosas clases de diseño de personajes en Skillshare. Yo mismo he tomado bastantes y nunca he tenido mala suerte con ellos. Yo quiero dejarte con una pepita más de sabiduría que aprendí, que es que a partir de ahora, cuando estás practicando y sintiéndote frustrado, pregúntate, ¿qué he ganado hoy? En lugar de enfocarte en lo que podrías haber odiado en tus dibujos, concéntrate en el hecho de que has practicado y ganado algo de ello. En esa nota, les deseo la mejor de las suertes, ¡ y no puedo esperar a ver qué personajes animales crean!