Conceptos avanzados de la teoría musical

1. INTRODUCCIÓN: Hola, mi nombre es Hose Tehani. Soy cantante, compositor, productor musical e ingeniero de estudio radicado en Listo, en el sur de África Y en este curso, vamos a echar un vistazo más profundo a la teoría musical en lo que se refiere a la producción musical, especialmente escalas, acordes, y algunos conceptos en ritmo Al finalizar este curso, deberías poder utilizar conceptos más avanzados de teoría musical en acordes, acordes más complejos, escalas más complejas, para poder incrementar la calidad de tus producciones musicales para poner mejor los sonidos en capas para que tu composición suene más lograda y mucho más profesional Espero verte en el siguiente video. 2. Comprender los conceptos avanzados de la teoría musical: Entonces, ¿por qué es importante dominar conceptos más avanzados de teoría musical para la producción musical? Es muy importante en varios niveles. Una razón principal es que si eres como yo como compositor y productor, muchas veces escuchas ideas en tu cabeza. A veces es posible que escuches una canción completa o una idea o una estructura de acordes, y es casi si no tienes una buena comprensión de la teoría musical, es casi como prueba y error conseguir que lo que estás tocando suene como lo que viene de tu mente. Entonces, una comprensión más profunda de la teoría musical te ayuda a traducir mejor lo que es lo que escuchas en el teclado o en tu D o lo que sea con lo que estés trabajando. Si estás tocando un instrumento para poder tocarlo, una manera que lo estés escuchando. Entonces, en última instancia, tu composición refleja mejor lo que era que estabas escuchando originalmente. Como compositor, sé que no hay nada más frustrante que escuchas algo en tu cabeza, pero como sea que intentes tocar, no suena del todo sabes lo que hayas tocado suena bien, pero no suena como lo que escuchaste Así que tener una comprensión más profunda de la teoría musical te ayuda a poder traducir mejor eso. Otra razón clave es un flujo de trabajo más rápido cuando estás trabajando tal vez programando en tu DA, trabajarás mucho más rápido lugar de menos con prueba y error porque como que ya conoces las notas que las notas y acordes que estás tocando Sabrás qué notas van bien qué acordes van bien con qué otros acordes Qué llaves tal vez vayan bien con otras llaves. Entonces será más fácil cuando tal vez estés componiendo decir, Bien, después de este verso para ir a otro lado, necesitaré usar este acorde o este acorde para puentear para poder llegar a donde quiero ir Por lo que te permite trabajar más rápido. Otra razón es con la colaboración con otros músicos, cuando los músicos con los que estás trabajando tienen un buen entendimiento de la teoría musical, y tú también lo haces. Son capaces de trabajar mejor traduciendo ideas de manera más efectiva entre sí para que la colaboración refleje mejor lo que era todo el mundo escuchaba Con un buen entendimiento de la teoría musical, entonces podrías estar trabajando con alguien en otro país, solo en línea o cualquier otra cosa y puedes escribir una estructura de acordes que puedas enviarle e inmediatamente sabrán exactamente lo que estabas pensando y tocando. Entonces esa también es una razón clave. Otra razón muy importante que diría es que te da dominio de diferentes géneros de música Hay una especie de fundamentos teóricos específicos de la teoría musical para diferentes géneros de la Por ejemplo, el jazz, utilizan un tipo particular de acorde, un tipo particular de estructura, un tipo particular de ritmo y compás. Entonces, saber qué es específico ese género te ayudará a ser capaz de ser productor, podrías producir jazz algún día y hip hop, otro día, y R&B al tercer día o lo que sea Y así tener una buena comprensión general de los fundamentos teóricos de cada género te ayuda a poder trabajar más fácilmente y entender mejor los diferentes géneros Y entonces pienso, por último, entender realmente bien la teoría musical te dará una buena comprensión de los acordes, la armonía, la estructura de la canción Así que poco a poco escucharás cuanto más practiques y cuantos más conceptos domines, empezará a reflejarse en tus composiciones. Se volverán más sofisticados. Se convertirán en un sí, evolucionarán y se volverán más sofisticados, y te encontrarás capaz transmitir emociones, por ejemplo, mejor en tus composiciones porque sabrás, bien, si quiero que esta canción suene triste y triste, pero con un aire de esperanza, sabrás qué tipo de acordes puedes usar para transmitir ese Entonces, en general, esas son las razones por las que diría que es esencial para entender mejor la teoría musical. 3. Comprender la teoría musical: evolución del ritmo y el ritmo a la armonía y la melodía: Bien, una historia interesante o una historia de un músico que evolucionó y transformó su sonido a medida que entendía mejor la teoría musical. Buen ejemplo es Farrell Williams. Cuando empezó, era más como parte de los Neptunes. Era más un yo diría beatmaker que un productor más amplio Hizo canciones como Nelli Hot aquí, Kelis, olvidó el nombre de la canción, pero el coro seguía diciendo, te odio tanto ahora mismo Entonces los beats, siempre fue muy innovador en lo que respecta al ritmo y al beat. Um, la estructura melódica de la música no era tan sofisticada al inicio de su carrera Sería más alguien a quien clasificarías como un beat maker que que haría un beat y luego la gente cantaría y hacía cosas sobre él, más que un full on productor musical, diría yo Pero a medida que crecía su comprensión de la teoría musical, comenzó a reflejarse también en su música hasta el punto en que uno de sus mayores éxitos feliz es muy si escuchas Happy y escuchas algunas de las canciones iniciales que hizo, es mucho más sofisticada y es estructura rítmica, es estructura armónica, son las melodías, las voces de fondo vocal, vocal es una canción mucho más evolucionada, algo así como Happy o algo así como colaboración de Get Lucky que hizo con Daft Punk Fusiona diferentes géneros. No es una especie de hip hop heterosexual como lo hizo al inicio de su carrera. Fusioné elementos de jazz, elementos de música clásica, elementos de rock y punk y otras cosas para llegar a un sonido único, que es algo que hace ahora. Él puede producir a cualquiera en este punto. Él de cualquier tipo de género y encaja a la perfección. Y sus canciones tienen una estructura melódica y armónica mucho más sofisticada que tenían al principio lo que es un muy buen ejemplo de un conocido productor que ya era muy conocido, pero a medida que estudiaba teoría musical, ese entendimiento más profundo se filtró en su música, tal manera que su música evolucionó y se volvió mucho más sofisticada que cuando comenzó. 4. Groove y síncopa: Bien, hablemos ahora de sincopación y groove. Hablemos primero de groove. La ranura tiende a ser un poco más que el tipo de ranura que necesita para bloquearse, y para bloquearse, tiene que ser un poco más simple. Digamos, una patada y snare y um ya sabes, uno, dos, tres, cuatro, como algo básico que tal vez una patada y una snare o una patada y un bombo harían De alguna manera establece la base de tu pista o de tu canción. Y eso necesita que puedas variar tipo de énfasis, como, ya sabes, digamos que es patear y trazar, en un compás 44 Puedes dejarnos saber en R&B es algo que pasa mucho en el hip hop El énfasis podría estar en el beat dos y el beat cuatro. Entonces el surco sería ese dah da dun da, ese tipo de cosas Y luego, ese tipo de sienta las bases, que luego puedes variar aquí y allá solo por un pequeño descanso y volver. Por lo que la ranura es muy importante para bloquear primero. Y luego la sincopación es como agregar especias a la carne cocida del surco Entonces, ya sabes, cosas como, ya sabes, sombreros altos o, um, ing un patrón de ritmo diferente. No tiene que jugar el mismo patrón que la ranura. Agrega diferentes elementos de sincronización a esa ranura para darle una sensación más única. Un ejemplo sería un ritmo afro. El beat, generalmente, el groove es bastante sencillo. Puede ser una especie de patada cuatro veces como kinking ing o ka, gin algo simple Y luego los diferentes elementos de groove entran con los diferentes instrumentos que se agregan, como, el gas tocará un patrón rítmico diferente. Los agitadores entrarán y tocarán una especie de ritmo 16 sobre ese 44 un patrón de ritmo 16 sobre ese patrón simple de 44 que es un poco más complejo Los sombreros altos podrían entrar y tocar otra cosa, un ritmo diferente. La línea de bajo puede estar tocando algún otro ritmo diferente, solo para darle variedad y tener el groove tipo de movimiento de manera Entonces veremos un poco más de eso cuando nos metamos en los ejemplos. 5. Cómo enriquecer la música con escalas: armónica menor: Bien, entonces vamos a pasar un poco más allá del tipo de escalas menores mayores generalmente conocidas. Y vamos a hablar algunos otros tipos de escalas más complicados, que una vez que las hayas aprendido ayudarán a enriquecer tu música El primero del que vamos a hablar es la escala menor armónica. Entonces es un poco de una variación del menor natural, que es el más conocido. Empecemos a usar el ejemplo de Do menor. Una escala general de C menor está bien, hay C. Entonces C menor está bien. Entonces ahora estamos hablando de la armónica menor. Y se le llama la armónica porque si recordamos, todas las notas en una escala también se les asigna un número, así que uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, siete, y luego de vuelta a C y octava superior El armónico menor está en la séptima nota. Uh, subimos medio paso. Recuerden, esto es medio paso. Esto es todo un paso. Entonces el armónico menor C es Dios intentemos otra clave solo para Un armónico menor sería Así que el armónico significa que levantamos la séptima nota por medio paso. Y eso es principalmente esa es la escala menor armónica. 6. Escala menor melódica: Bien, entonces ahora podemos hablar de otra escala menor. Se llama la escala melódica menor. Es otra variación de la escala menor con un sonido un poco diferente musicalmente El menor melódico, levantas la sexta y la séptima nota Entonces donde el armónico, subes solo el séptimo, el melódico, subes el sexto y el Entonces usando C menor como ejemplo. Entonces el sexto levantado, el séptimo levantado. Eso es un menor melódico. Usando A como ejemplo. Un menor de edad. Esa es la escala melódica menor. 7. Escala menor disminuida: Bien, hablemos ahora de la escala menor disminuida. El menor disminuido se caracteriza por, um, Recuerda, esto de aquí para aquí es medio paso, de aquí para aquí es todo un paso Entonces se caracteriza por una secuencia de medio paso, paso entero o paso completo, medio paso. Por lo que el C disminuyó menor, medio paso todo paso sería medio paso, paso entero, medio paso, paso completo, medio paso, paso completo, medio paso, quien paso Ese es el C disminuido menor medio paso todo el paso. Y también puede ser paso entero, medio paso, donde comienzas el principio con un paso entero y luego medio paso así. Se usa mucho en el jazz principalmente. Entonces por eso el sonido suena un poco, menos más extraño para nuestros oídos porque pero se usa mucho en el jazz en cuanto a improvisaciones de jazz y cosas así Esa es la escala menor disminuida. 8. Escala hexatónica: escala de notas completas: Bien, finalmente, vamos a mirar toda la escala de tonos o para ser elegantes y académicos, la escala hexatónica Se caracteriza por solo notas enteras, pasos enteros, y tiene seis notas de longitud. Entonces todo el tono para la escala C sería tono completo, tono completo, tono completo, tono completo, tono completo. Tono agujero, tono entero, tono entero, tono entero, tono entero. Entonces se usa principalmente en, tiene una especie de sueño como la calidad. Entonces cosas como para cine o televisión, si alguien está teniendo un sueño y, ya sabes, están durmiendo y luego muestran la escena de ellos, ya sabes, la pantalla haciendo esto y luego ellos estando en otro lugar. Es ese tipo de ese tipo de sonido. Entonces ahí es donde se usa mucho la escala de tonos hexatónicos o enteros en la composición para cine o televisión, principalmente cosas de tipo fantasía 9. Más allá de la mayor y la menor: un viaje a través de los modos musicales: Bien, entonces ahora hablemos de modos. Modos en realidad antes de que todo el sistema de mayor y menor llegara en el 1600, los compositores usaban modos en lugar de la escala mayor menor que conocemos hoy Entonces así fue como todo se compuso un pre 1,600. Entonces cada uno hay siete modos correspondientes a cada nodo en la escala. Entonces, por ejemplo, si estamos aquí, hay un modo para esta clave. Hay un modo para D. Si estás comenzando en D y terminando en D, es un modo. Si estás comenzando en E y terminando en E, es un modo. Empezando en F, terminando en F, comenzando en G, terminando en G, comenzando en A, misma manera, y luego comenzando en B. Así que es más fácil de demostrar en C porque básicamente solo estamos usando las teclas blancas. Pero cada uno de ellos, cuando lo desglosas, tiene su propio intervalo en términos de medios pasos y pasos enteros. Pero a los efectos de solo esta demostración, solo lo usaremos desde C. Así que el primer modo en C se llama el modo Jónico Ahora, eso es un allá atrás. Ese es el modo Jónico, que corresponde a una escala de Do mayor Entonces esto se usa mucho en la música pop y mucha música moderna. El segundo modo es el modo Dorian, que inicia en D. Entonces es Ese es el modo Dorian de C, comenzando en el D. Y luego el modo Pareneo inicia en E. Ese es el modo Ese es el 10. Escala de modos lidios: Bien. Entonces ahora estamos viendo el modo Lydian, que comienza en F. De hecho, si tú como un hecho interesante, tema musical de los Simpsons TV es un modo lidio Entonces tocando sólo esos acordes. Entonces ese es el lidio. Y luego mezclar Oldian oh 11. Modo mixolidio: Bien, entonces ahora empieza aquí el modo Mixolydian. Recuerda que esto está en G. Cualquier otra escala tiene sus propios modos, pero estamos viendo C en este momento. Entonces como una canción, por ejemplo, esa en realidad es una canción llamada Sweet Home Alabama. Dulce Hogar Alabama. Señor, voy a volver a casa contigo. Entonces esa es la escala Mxoldian. 12. Teoría de acordes y progresión: Bien, entonces ahora podemos pasar al siguiente módulo de teoría de acordes y progresión. Y vamos a comenzar con acordes extendidos. Los acordes extendidos son acordes como el séptimo o el noveno o el 11 o el 13 El acorde básico es la tríada. Esta es la C la tríada, la una, la tres, y la cinco Así que los acordes extendidos van más allá del cinco al siete, al nueve, al 11, o incluso al 13 Pueden ser mayores, menores o dominantes. Entonces, por ejemplo, el perdón, C mayor siete. Este sería el nueve. Este sería el 11, el 13. Así que se pueden usar, sobre todo en la programación en tu Dao Puedes muchos pads serán notas 11 y 13 para darle una sensación más rica a los acordes que estás tocando en esta canción Um puede ser, por ejemplo, un séptimo puede ser esto. Puede ser que sería la C menor séptima. Uh, incluso puedo ser como, aunque eso no suene muy bien, o puede ser así que puedes ver que esa nota suena bastante rica. Una de, um, mis composiciones. Empecé. Eso es un siete, y ese es un nueve. Entonces esos acordes iniciales, este de aquí que es un noveno en Do mayor Entonces suena un poco más agradable que Que son solo las tríadas Entonces cuando aprendes, por ejemplo, el noveno, en lugar de tocar esto, que suena un poco más amplio y le da al acorde un poco más de cuerpo. Entonces otro ejemplo usando acordes extendidos, el Farrell Williams del que hablamos al principio, Farrell Es así que asumamos que se jugó en esa clave. Ahí es séptimo. Porque estoy feliz caprunt abajo, d d d Dabrun data down, d, d, d. Entonces, está usando el séptimo Así que incluso las armonías, creo, en esa canción, usa esas cuatro notas, es decir, la Entonces lo da sin tocar solo tríadas, sería que no suena tan amplio y tan rico Entonces séptimo y a veces noveno, se puede tocar como acordes. También se usa mucho en composiciones tipo No soul. Pero 11 y 13, verás en la demostración cuando pongamos capas acordes básicos con sus 11 y 13 en los pads y los demás instrumentos, porque, como, podrías, por ejemplo, tocar esto y luego tener una campana o alguna otra cosa Tocando sobre lo que incorpora elementos de ese 13 en el acorde. Entonces esa es realmente la teoría detrás de los acordes extendidos. Si uno solo recuerda la tríada, la 135, y luego siete, nueve, 11, 13, y entonces pueden ser mayores Pueden ser mayores, menores y disminuidos también Esa es la teoría detrás de los acordes extendidos. 13. Intercambio modal y acordes prestados: Bien, entonces ahora podemos hablar de algunos acordes y complicados, no complicados , pero herramientas que uno puede usar en tus cordones El primero de los cuales son acordes prestados. Ahora, acordes prestados, básicamente, tomas prestado un cordón que está en paralelo Por ejemplo, si estás en Do mayor, tomas prestado un acorde que está en Do menor, el acorde correspondiente que está en Do menor El paralelo, se llama la escala paralela. Así que para darle una especie de giro diferente o algo nuevo un poco más especial a tu arreglo o a tu composición. Entonces en el 14, cinco, cuatro en C, de hecho, vamos a jugarlo con una inversión Sería uno, cuatro, cinco. Entonces estaríamos ahora buscando tomar el acorde correspondiente del menor, que es la escala paralela de Do mayor. Entonces en el ejemplo que acabo de usar, uh, este sería el acorde menor de los cuatro en Do menor. Entonces, um, hagámoslo de esta manera. En vez de Eso es cordón prestado original Estamos tomando prestado ese cuatro de Do menor. Para que puedas ver emocionalmente cambia de carácter el carácter del cordón. Es menos feliz y jubiloso este. Es más, no es triste, pero es un poco más pensivo Entonces ese es el concepto de acordes prestados, tomando de la escala paralela en la clave en la que te encuentras Entonces, si estás en Do mayor, sería tomar el acorde de Do menor. Ese es el concepto de acordes prestados. 14. Fusión rítmica: el arte de los poliritmos en la percusión africana: Bien, entonces vamos a hablar ahora del concepto de poliritmos, y qué son y cómo ayudan, cómo este concepto ayuda en la producción musical para que tus composiciones y producciones sean más ricas y variadas Entonces, en esencia, los poliritmos son un concepto musical donde a dos o más ritmos contrastantes, se tocan simultáneamente diferentes ritmos, mayoría de las veces con diferentes cronometrías o subdivisiones. Entonces, um, hacen, ya sabes, tocar dos tipos diferentes de ritmos con diferentes tipos de cronometrías crean ayuda para crear una especie de ritmo más complejo o tal vez una textura rítmica que agrega interés y hace tu composición parezca menos sencilla, como solo cuatro en el piso o, ya sabes, uno, dos, tres, cuatro, le da al ritmo una especie de sensación compleja que también se filtrará en la composición general en términos de hacerla sentir más variada y más estratificada. Entonces voy a mostrar este ejemplo con más Es un poliritmo muy común Que se llama tres contra dos. Eso básicamente significa tocar tres beats contra dos beats. Entonces digamos que si estoy usando mis manos, una mano o digamos que estamos usando batería, una batería toca tres notas espaciadas uniformemente mientras que la segunda toca dos notas espaciadas uniformemente. En el mismo tiempo en el mismo marco de tiempo. Así que en realidad puede ser un poco confuso, ya sabes, como si eres jugador o algo así y una mano está tocando tres beats en una época en la que la otra está jugando dos. Por lo que puede ser bastante complejo. Entonces el ritmo 32, poliritmo 3/2 se usa mucho en la música africana mucho Y déjame mostrarte un ejemplo muy sencillo solo para hacerte una idea de lo que estamos hablando. Así que configuré mi Daw ProTools, y estoy usando el contacto de Native Instruments como El plugin se llama África Occidental. Entonces voy a estar usando percusión para demostrarlo. Entonces comencemos con los dos ritmos en el mismo marco de tiempo El tempo, he puesto un 110, y he puesto una pista de click en. Entonces bien. Los usaremos. Entonces ahora estamos tocando el primer ritmo, que son los dos beats a en un espacio de tiempo. Bien. Entonces solo voy a cuantificar eso para que quede justo en el ritmo Y podemos escuchar de nuevo a uno, dos, uno, dos, uno, dos. Entonces esa sería la parte de dos ritmos. Y ahora el ritmo de los tres, pongamos eso. Bien, voy a usar eso. Así que solo grabarlo. Aguanta. Bien. Um, solo cuantificando eso para llegar a tiempo. Y ahora vamos a escuchar. Bien. Entonces si escuchas esta mano, si yo solo la siento. Uno, dos, aquí vamos. Uno, dos, tres, uno, dos, tres, uno, dos, uno, dos, tres, uno, dos, tres, uno, dos, tres. Así que vamos a jugar eso otra vez. Uno, dos, tres, uno, dos, tres, uno, dos, tres, uno, dos, tres. Entonces es tocar uno, dos, tres. Ese es el ritmo contra el que está jugando en ese espacio de tiempo, uno, dos, tres, dos, dos, tres, tres, tres, tres, tres, cuatro, tres, tres. Y luego por otro lado, va a dessilenciar eso y silenciar a éste Dos, uno, dos, uno, dos, uno, dos. Déjame ver si puedo hacer un bucle con eso. Entonces eso es un poliritmo de 3/2. El tipo de bombo. El tambor profundo está tocando los dos y la otra mano toca tres. Entonces esto es algo muy común en la música africana, percusión africana, no solo la percusión africana, sino, ya sabes, en el rock y otras cosas, hay algunas canciones que se han hecho Pero el beat tiene una sensación más compleja que tal vez solo los dos beats al mismo tiempo. Entonces uno puede, ya sabes, entonces tipo de agregar déjame simplemente agregar otra pista solo para mostrar rápidamente. Entonces, um, en general, ese sería el tipo de base. Y luego se agregarían otras cosas usando otras cosas de las que hablaremos para rellenar el groove. Verás, estoy agregando diferente uh solo voy a hacer una más. Uno, dos, tres, uno, dos, tres. Entonces pueden entrar diferentes ritmos, y, de hecho, tal vez déjame hacerlo para que consigas un buen Derecho Entonces, um, solo quant para que puedas escuchar Yo sólo voy a quitar esos. Lo siento. Diferentes ritmos. Entonces son ritmos diferentes solo para hacerlo un poco más complejo Entonces, como esta base, uno luego pondría capas diferentes elementos de percusión con diferentes sensaciones rítmicas para llenar y potenciar los tres, dos polirítmicos básicos Entonces esto es una cáscara de nuez es poliritmo. Hay muchos ejemplos diferentes. Podrías usar tres, cuatro, tres beats sobre cuatro o tres beats sobre cuatro, o podrías usar, ya sabes, cinco beats sobre cuatro. Hay una canción muy popular llamada Take five de Dave Brubeck que es muy conocida en el jazz por usar un poliritmo 54, donde el único ritmo es tocar uno, dos, tres, cuatro, cinco, uno, dos, tres, cuatro, Y luego el otro es cuatro, uno, uno, dos, tres, cuatro, cinco, uno, dos, tres, cuatro. Entonces ese es un patrón muy popular, pero hay muchos. Y así lo más común es en el jazz, donde los poliritmos se utilizan principalmente mucho Y en Afrobeat, mucho Afrobeat usa poliritmos, ya sabes, tocando diferentes ritmos tocando diferentes ritmos con diferentes instrumentos de percusión para salir con diferentes instrumentos de percusión para una especie de sensación que Entonces eso en pocas palabras es el concepto de poliritmos. 15. Fusión de ritmo: poliritmos y signaturas de tiempo irregular: Bien, entonces ahora vamos a extender un poco ese concepto polirítmico y hablar de firmas de tiempo extrañas tiempo impares, Sí, uno los llamaría una extensión de los poliritmos Son básicamente firmas de tiempo musicales. Ya sabes, como las firmas de tiempo comunes serían 44 o 34. Um Las firmas de tiempo impares son firmas musicales donde el número de latidos en un compás no es divisible por dos o tres, que lo hace un poco desigual e irregular Al igual que una firma de 44 tiempos, son cuatro beats en una medida. Uno, dos, tres, cuatro, dos, dos, tres, cuatro, tres, cuatro, son tres latidos en un compás. Entonces como, uno, dos, tres, dos, dos, tres, tres, dos, tres. Entonces, los compases impares son firmas donde, como dije, medir el número de latidos en un compás no es divisible por cuatro, por dos o tres, disculpe Um, entonces porque no es un ritmo tradicional para nuestros oídos, no es común. Se traduce en un sentido de complejidad o imprevisibilidad. Entonces para demostrarlo, estoy usando el compás 54 donde hablé de poliritmos que Dave BubeckTFV es bien conocido por usar esa compás 54, que no es una firma de tiempo que no es Por lo que un compás 54 significa que cada compás, tiene cinco latidos. Entonces es como uno, dos, tres, cuatro, cinco, dos, dos, tres, cuatro, cinco, así. Por lo que es bastante infrecuente para nuestros oídos. Así que en el Dave he puesto un kit de batería de pizarra SSD 5.5 kit de batería. Entonces, para solo demostrar, he programado básico, y luego solo agregaremos a eso solo para que puedas hacerte una idea. La firma de tiempo, comencemos con el clic, así se oye Uno, dos, tres, cuatro, cinco, dos, dos, tres, cuatro, cinco, tres, dos, tres, tres, cuatro, cinco. Entonces son cinco latidos por medida. Entonces aquí está el tambor. Así que sólo vamos a agregar como una especie de llanta, que en esto es donde como que escuchas los cinco latidos con mucha más claridad. Bien. Entonces sólo voy a cuantificar eso Así que ese rim es como que toca el Déjame silenciar ahí para que puedas escuchar Uno, dos, tres, cuatro, cinco, uno, dos, tres, cuatro, cinco, uno, dos, tres, cuatro, cinco. Entonces esa es una especie de lo básico que es el surco básico. Sólo tocaré un poco el piano para que puedas escuchar. El piano entonces llena un poco ese surco para hacerlo más complejo. Bien, así que vamos a jugar a eso. Así es básicamente como va. Um Déjame extender el ritmo sólo un poco. Bien, así que sólo estoy extendiendo el ritmo un poco, ya verás como me quite estos Derecha. Entonces solo estoy haciendo eso solo para extender Bien. Entonces sí, solo está demostrando realmente el concepto de las 54 firmas de tiempo complejas. Déjame hacerlo una vez más. Entonces, ese tipo de compases complejos, no necesita ser cinco, cuatro. Puede ser 74 o 78. Cualquier cosa básicamente que no sea divisible por dos o tres, 118, 138 Entonces, la razón por la que la gente los usa realmente es para romper la previsibilidad de las firmas de tiempo estándar, lo que tiende a agregar una sensación de intriga o misterio Y son, por lo general son muy comunes en los estilos de música tradicional, particularmente como la India, el Medio Oriente o incluso los Balcanes Entonces se siente un poco desafiante tanto para la persona que toca como para el oyente porque no están acostumbrados al tipo de 123 que están acostumbrados al uno, dos, tres, cuatro, especialmente al oyente occidental Eso es realmente lo que yo diría , por eso la gente los usa para desafiar al oyente y desafiar los jugadores porque es una especie de estructura rítmica única que uno no se usa el occidental no está se usa el occidental no Entonces ese es el concepto de firmas de tiempo impares. 16. Aplicación rítmica: Groove y síncopa: Uh, bien, habiendo hablado de groove y sincopation, esto es solo una rápida demostración de cómo groove y sincopation pueden cambiar la sensación general Entonces aquí solo hay un patrón de acordes simple. Es una especie de cuatro y uno. Bien. Así que ahora vamos a agregarle un groove rápido. Un tipo básico de ranura tipo 44. Bien. Y entonces probablemente solo le agregaremos un sombrero alto a eso. Déjame solo cuantificar Simplemente agregándole un sombrero alto a eso. Bien. Tan solo cuantificando eso Bien. Entonces, um, sí, eso es solo un groove básico. Derecha. Entonces ahí está el surco. Tiene un poco de rock, rock feel, un rock pop en cuanto al groove. Entonces eso es una especie de, ya sabes, algunos de los instrumentos están agregando un poco de sincopación aquí y allá, pero el groove está un poco encerrado en ese tipo de sensación de rock Entonces ahora si tuviéramos que silenciar esto, lo que vamos a hacer, y luego volvamos. Ahora bien, esto es en realidad lo que nosotros lo que era la canción real. Así que no me he quitado nada ni nada por el estilo. Sólo lo estoy jugando con un groove diferente. Entonces se ve por un groove diferente y una sincopación diferente en cuanto la colocación de los instrumentos, lo mismo, el mismo arreglo cambia una especie completa de tipo Afrobeat de Déjame solo algunos de los elementos solo para que escuches el nuevo groove. Eso es una especie de típico agregar un tercero. Entonces oyes que el groove es algo totalmente diferente. Shakers jugando algo Así que este es ahora un groove Afrobeat con el kick and rim tocando los elementos básicos y luego los shakers y otras cosas entrando para dar una sincopación Y luego las guitarras, así como en cuanto al tiempo que tocan. Lo que toca la guitarra en comparación con el groove. Entonces creo que ese es un muy buen ejemplo de groove y sincopación en acción Ese surco básico está bien, y te da cierta sensación. Pero quitas ese groove y pones en algo un arreglo tipo Afrobeat con un simple groove de kick and rim shot y luego otros elementos como los shakers y las guitarras tocando diferentes elementos off time al groove, y te da una sensación totalmente diferente una especie de canción auténtica y genuina de Afrobeat Entonces este es un buen ejemplo de tipo de groove y sincopación en acción y cómo diferentes grooves y diferentes elementos de sincopación pueden cambiar la sensación total de la canción que intentas crear 17. Práctica: una aplicación de escala, modos y poirritmos: Bien, habiendo hecho este arreglo, ya podemos hablar de ello. Empezamos simples con el uno, seis, cuatro, cinco, y luego agregamos dominancia secundaria para simplemente condimentar un poco las cosas Entonces en vez de uno, dos, tres , cuatro, uno, fuimos uno, dos, tres, usando el séptimo séptimo. Y luego agregamos en el pad y las cuerdas, el tipo de sonido de campana en las cuerdas. Agregamos los acordes más grandes, el séptimo, el noveno, el undécimo. Entonces como este de aquí, que creo que toqué con la campana, pero lo escucharemos. Entonces esto es séptimo, noveno, 11, 13. Excepto Esto también es un noveno Es noveno y 11. Así que vamos a jugar, y luego los señalaré. Justo ahí, solo para mostrarte. Empecé aquí. Y entonces dijo la campana, así que ese es el séptimo acorde ahí mismo. El séptimo menor. Séptimo menor. Bien, entonces en ese arreglo, había muchas notas novena y undécima e incluso 13, acordes, lo siento, siendo tocadas usando las cuerdas y ese sonido de campana, estratificándolos sobre, um el piano Así que muchas veces en la producción musical, eso está acostumbrado a, ya sabes, esos noveno, undécimo son tocados por los pads y otros instrumentos a tipo de capa y darle al arreglo general más profundidad y más complejidad que solo 16, cuatro, cinco acordes Entonces oirás que ese arreglo suena mucho más le hay más profundidad que el básico 1645 del piano si solo usáramos tríadas, la una, tres y la cinco Entonces, como escuchas de eso, uno puede usar esas estrategias 11 y 13 y las otras como, ya sabes, diferentes acordes para poder darle vida a tu arreglo, y hacer que se sienta que evoca mucha más emoción No estoy seguro de si tocamos esto qué tipo de emoción estamos evocando una especie de emoción soñadora, nostáltica de la que no necesariamente captas la misma emoción de solo No hay nada de malo en eso, pero cuando agregas los otros elementos, se profundiza y amplía y hace que el profundiza y amplía y hace arreglo suene mucho más grande que solo usar las más grande que Entonces esta es una especie de demostración rápida en vivo de cómo algunas de estas técnicas pueden mejorar tus composiciones originales para hacerlas sonar más exuberantes, más complejas y aumentar la profundidad y transmitir diferentes tipos de emociones. Como en esta instancia, ese tipo de vibra de ensueño 18. Práctica: una aplicación de groove y ritmo, progresión de acordes y percusión: Bien, entonces ahora vamos a construir un poco de arreglo solo para demostrar cómo podemos usar algunos de los conceptos teóricos que superamos en términos de los cables y escalas en términos de construir un arreglo. Voy a usar uno de los ejemplos que usé. Creo que fue al hablar de Dominante séptimo. Así que vamos a hacer eso ahora. He creado una especie de plantilla en blanco, y luego vamos a dejarme simplemente poner un click para mantener el ritmo. A lo mejor, veamos. Creo que lo haré un poco más lento. Bien. Entonces voy a empezar a tocar y luego vamos a construir y luego tipo de hablar a través de las cosas. Bien. Hay un poco de retraso en la computadora, pero creo que no es suficiente para tirar las cosas. Entonces lo que estoy jugando aquí. Es una, seis, cuatro, cinco combinación. Entonces lo voy a meter. Lo jugaré dos veces, básico, y luego empezaré a agregar algunas de las cosas que aprendimos. Bien. Vamos a subir hasta ahí. Um, eso lo hemos cuantificado. Así que vamos a ver Bien. Ahora, agreguemos agreguemos las cadenas. Bien. Yo sólo voy un quantas eso. Bien. Entonces, los elementos clave que estamos agregando en estos otros instrumentos para diversificar un poco el arreglo Ese es el Pero en realidad, déjame jugar, y luego te lo explicaré. Bien. Sí. Entonces solo estoy cuantificando, y luego podemos hablar de esto Entonces para demostrarlo, creo que el piano fue más fácil. Entonces con el arreglo que solo estaba jugando, como dije, es uno, seis, cuatro, cinco, lo cual es, ya sabes, muy simple. Pero luego agregamos, antes que nada, el Sí, bueno los acordes séptimos dominantes Lo siento, disminuido. Lo siento. 19. Proyecto de clase: Tu proyecto de clase, me gustaría que tomaras algunos de los conceptos que aprendimos en este curso, algunos de los acordes más complejos y estructuras de ritmos y escalas, y en tu Da, los aplicas a algunas de las composiciones que has hecho, luego aplicarlas, terminar esas composiciones y enviármelas