Cómo escribir melodías memorables

1. Tu viaje en la melodía: ¿ quieres convertirte en un maestro de la escritura y crear melodías memorables y sorprendentes en la composición musical? ¿ Quieres poder componer cualquier cosa, desde hermosas melodías de vehículos hasta levantar energía , cosas inspiradoras y aventureras, motivos demasiado poderosos y poderosos? Hola, compositor está Mike aquí, y te llevaré a un viaje de aprendizaje y aventura donde aprenderás los secretos para crear melodías increíbles y memorables para tu música. Dominarás las bases y directrices, aprenderás los sonidos, estilos y colores, obtendrás consejos prácticos y en tamaño. También obtendrás montones de ejemplos en vivo, averías y demostraciones, así como varias oportunidades para practicar lo que aprendes para que realmente domines saber que diste mi nombre es mío y yo soy compositor igual que tú. Empecé a hacer música en 1998 y me encanta educar, motivar e inspirar a personas creativas como tú. Entonces te pregunto de nuevo, ¿Quieres convertirte en un maestro off melodía en composición musical? Si tu respuesta es sí, toma acción y comienza tu aventura ahora mismo. 2. 5 consejos para crear tus melodías: En este video, aprenderás mis cinco mejores consejos para crear tus propias melodías desde cero. Este es un resumen de lo que aprenderás en este video. Entonces empecemos ahora mismo. Tip uno inicio con una progresión de acordes. Ahora bien, si creas primero tu progresión central, esa historia armónica será tu guía y base para llegar a nuevas melodías. Entonces algunas de mis formas favoritas de hacer esto es bien usar curso largo sostenido que puede por ejemplo, , ser cuerdas insolvables como esta canchas de comping rítmicas donde me gusta usar un piano como este, ¿ lo haces? Y así obviamente puedes usar una guitarra rasgueando tu curso o cualquier otro instrumento que sea genial para realmente crear tu progresión de corte con. Ahora bien, si revisamos este pequeño ejemplo que compuso aquí, las cuerdas en realidad están tocando la progresión de la cancha así, un sonido muy meloso y tonto para esa progresión de la cancha. Y eso dictará, por supuesto, por supuesto,lo que está haciendo la melodía, que he escrito aquí arriba. Entonces si comienzas con tu progresión central así, podrás entonces empezar a grabar otras partes como ritmo comping ah, melodías liderando y así una que todo va de la mano con tu historia armónica y crear algo como esto, Por ejemplo, punta para empezar con ritmo y percusión. Ahora, cuando uso este método para llegar a nuevas melodías y temas, tiendo a combinar ritmos percusivos con ritmos melódicos. Entonces, como pueden ver aquí en mi producto, tengo una pista que es simplemente percusiva. Pero también tengo esta pista rítmica, que en realidad es cuerdas staccato. Entonces si miras esto, en realidad puedes conseguir la línea armónica de alcantarillado justo a partir de estos ritmos melódicos puedes ver que empieza aquí en un va a D y así sucesivamente. Entonces esos juntos un sonido como este en so uno. Y por supuesto, una vez que se baja esto, que a veces es más fácil que crear su progresión de núcleo porque puede enfocarse más o menos en el centro tonal, es decir, la nota raíz para el ritmo y el actual patrón arrítmico. Entonces eso podría guiarte para crear tu nueva melodía. Tip three Shit Your Milady using on Lee Piano piano es, en mi opinión, el mejor instrumento para esbozar nuevas ideas con para tu composición musical, ya sea progresiones de corte, melodías, temas, ritmos, comping y alguien. Entonces lo que me gusta hacer es solo usar un muy buen piano eso para instrumento. Y luego juego para militantes. Normalmente toco el bajo con mi izquierda fuera de esto en viejos tiempos y luego la melodía con mi mano derecha al mismo tiempo. Porque de esa manera en realidad obtengo la historia armónica bastante automáticamente para esto. Sí, toma cuatro parodias. Humildad usando un instrumento solista. Ahora, la razón por la que los instrumentos en solitario son tan asombrosos para bosquejar la humildad es con uno que tienen capacidad y claridad mucho más expresivas en comparación con tu sección o en salmo ble y a que te pueden inspirar por su tono, más frío y carácter para crear diferentes tipos de habilidades. Entonces, por ejemplo, si tomas un violín solitario como este, podría inspirarte a crear un militante como este. Debemos donde, como una flauta solista puede inspirar a hacer algo completamente diferente. Mantén cinco canta a tu milady usando letras riel o tonterías. Entonces la voz humana es, por supuesto, el instrumento más expresivo del mundo. Y puedes usar esto a tu favor cantando realmente. Normalmente uso letras tonterías como latín tipo de sílabas como este Tore UMA infierno, viendo dedo del pie Qari tu hígado. Simplemente me estoy acercando al azar con esas sílabas todavía mientras canto porque lo importante es el fraseo del pito medio y, um, el ritmo, los acentos y así uno. Pero por supuesto, también puedes usar um, letras rial, por ejemplo, si escribes algo que pueda inspirar necesario para crear algo, um, para tus militares. Entonces digamos que la frase es que me encanta el sonido de las cuerdas y los pechos para que a mi hijo me guste, me encanta el sonido de las cuerdas y el pecho. Pero los tambores y el ritmo también son buenos . Por supuesto, eso fue letras tonterías en otro aspecto. Pero te das la deriva aquí, llegar a algo usando tu voz para cantar tu melodía es una gran manera de empezar . Y por último, mi propina extra por crear tus militares. Tumar tus melodías con total libertad creativa, por lo que este bonus tip en realidad se vincula con letras de canto. Pero si cantas, tienes que pensar en estas sílabas y conoces las letras. Aunque sean letras tonterías, encuentro tararear mi mijo es la mejor, más creativamente autopista para llegar a nuevas habilidades. Y te recomiendo probar esta técnica no en tu d w, sino en realidad en tu smartphone con una grabación ab one mientras estás en movimiento. Porque en mi experiencia que esos son los tiempos que se te ocurren las mejores melodías, temas, riffs e ideas musicales. Entonces, por ejemplo, simplemente embistió aleatoriamente como este punto no y datos y, uh, intención muerta y lo hice y abajo Eso fue una especie de riff que acabo de inventar ahora. Y puedes hacer lo mismo, sobre todo si estás en movimiento y usas tu smartphone para grabar esas ideas que acaban de aparecer en tu cabeza. 3. Melodía: el enfoque de la música: se crea a partir de cuatro colores primarios en los que caerán juntos cada instrumento, sonido y puerto en tus composiciones. Todas estas importaciones de sonidos se forman en la mezcla general que es tu composición musical. Estos colores primarios son el ritmo, la armonía, melodía y el ambiente. Ahora, por supuesto, para cada uno de estos cuatro colores primarios de la música, tendrá varias variaciones de ese color. Por ejemplo, con el primer color primario del ritmo musical, puedes tener un ritmo enfocado pro casting como este. O puedes tener un ritmo más melódico, enfocado, como un palacios basales o en Austin Auto como este con un segundo color primario. Música Armonía. Puedes enfocarte en más curso lírico y liderar la voz así. Entonces un Oregon D'Amore Rigney Carmen es como comping o patios como este. Tú con el tercer color primario MÚSICA Millie. Puedes volver a hacer mawr. Líricas, fluidas melodías líderes como esta o puedes soñar o valiente hacer paso, los motivos, arrecifes o incluso temas para tu música como esta. Y con el cuarto color primario del ambiente musical, puedes condenar o texturas y ruidos, escapa de significado y sonidos de fondo que realmente no tiene ningún punto focal tonal sobre esto. También incluyo algunos efectos especiales, como arbustos, elevadores y otros efectos tonales conocidos. O puedes condenar o reproducir paisajes sonoros y atmósferas que tengan un centro total como este . Ahora es muy importante que entiendas que cada puerto y sonido que herederas tu composición siempre será una mezcla de todos estos cuatro colores primarios de la música. Entonces, por ejemplo, digamos que escribes una melodía para música. Bueno, esa melodía tendrá un tono especial basado en el instrumento o instrumentos utilizados para realizar la melodía, lo que creará algún ambiente más frío. También se conformará a partir de un ritmo dentro del patrón melódico, así como tener algo de armonía por los intervalos utilizados en la melodía. Entonces el color primario para tu melodía será,por supuesto, por supuesto, el color de la melodía. No obstante, por ejemplo, puedes hacer que una melodía sea más rítmica, lo que significará más color rítmico mezclado en o más Vera kal, lo que significa menos enfoque en el color del ritmo. Entonces, por ejemplo, puedo tener una mezcla mínima del color rítmico de la música en mis principales melodías y temas, lo que significa que los hará más líricos así, o puedo mezclar en más ritmo en ella. Que puede sonar así, por ejemplo. Y si quiero enfocarme más en la armonía o menos en la mezcla de la hormona e, solo uso, um, menos intervalos. Básicamente, Onda menos salta a mis habilidades. Puedo hacerlo muy simplista así, está bien, bien, solo enfocándome en muy pocos intervalos. Entonces donde pueda tenerlo saltar más con los intervalos y hacerlo más complejo, como y, por supuesto, el elemento de polla melosa fuera de la melodía. Siempre estará ahí, pero también puedes experimentar con ambiente dentro de la melodía y tema cambiando diferentes instrumentación. Entonces, centrémonos en sólo piano y pechos aquí en su lugar o, por ejemplo, sin pechos y solo cuerdas altas. O dale un poco más de grasa con cuerdas de bober y latón y cúbralo todo así. Entonces como puedes ver, todo es una mezcla de los colores primarios completos de la música. cualquier manera, fuera de cuerpo derecho, he resumido el papel fundamental fuera de estos colores en el siguiente ritmo. Los amigos fuera de Música Armonía, D Dept. De Música Melodía, el enfoque fuera ambiente musical el estado de ánimo fuera de la música. Este curso es sobre melodía y tema, lo que llamo el foco fuera de la música. Se puede pensar en estos como el actor principal de una película o esta hermosa diva cantando en el escenario . O, como me gusta pensar en ello, la música queen off que merece y agarra tu atención. Más que nada, los principales Miller y los temas deben tratarse como una reina, lo que significa que debes ponerles un foco extra en ellos cuando compongas y produzcas tu música. Aquí te presentamos algunos consejos prácticos sobre cómo puedes lograr este enfoque y foco en tus melodías y temas en tus composiciones musicales mostrando respeto a la reina. Entonces con esto me refiero a dar espacio y espacio en la disposición de voz a tu melodía principal . Entonces en este ejemplo, como pueden ver, los he coloreado en diferentes colores. Cada elemento primario aquí. Aquí la melodía es amarilla, y si la abro, verás que el amarillo, el tema principal está aquí, y un al menos en esta octava tiene mucho de cabeza espacio romano. Es básicamente solo en esta área, esta gama, y eso es extremadamente importante para la claridad y el enfoque de tu melodía líder, sonoridad y contraste. Ahora hay básicamente dos aspectos para controlar la sonoridad y los controles entre tus principales motivos melodiosos y arrecifes. En comparación con todas tus otras pistas en tu composición. El 1er 1 es dinámica, que se controla por uno el nivel de velocidad en cada nota, que, por supuesto, debe ser mayor si se quiere una dinámica más alta, así como la expresión dinámica, que muchos instrumentos. Por lo que para los instrumentos, se puede controlar la dinámica programando en la expresión dinámica aquí. Y quieres, en la mayoría de los casos ambos, ser más fuerte para tus melodías líderes. En comparación con digamos que son Armonistas, que deberían estar más en segundo plano. El segundo aspecto es, por supuesto, controlar el nivel que está en un nivel de instrumento o en el mezclador aquí, con el nivel para cada pista, los instrumentos de anillo al unísono, octavas o armonistas. Entonces si abro estas carpetas de melodía, verás que esto es exactamente lo que he hecho aquí. Empecé con esta melodía principal y tensa, la estratiqué con latón al unísono, tono más suave, que alguien profundidad y factores Sonan Richards. Entonces agregué otro instrumento de cuerda aquí encima de él, una octava más alta. Dale un poco más de claridad en el aire y luego este piano para darle al sonido inicial de cada nota algo más crujiente ya que el piano ha hecho de más de un nuevo ataque en el sonido. Y pongo eso una octava por encima de la melodía principal también. Entonces de esta manera hice toda la melodía líder CAPPs tiró en la mezcla y realmente ser el punto central de esta composición. Entonces déjame mostrarte esto en acción. Primero mutely así sólo tengo el arroyo, milady. Y pongamos toda la sección e de la hormona y el oxígeno arriba. Y de pronto chocará camino mawr con una melodía de vanguardia que ahora está dentro fuera de las canchas aquí. Entonces en voz media y ahora la Reina de la música no será realmente una reina, por lo que se pierde en la mezcla. Entonces una vez más, mueve estos hacia abajo una octava para que la melodía principal sea más una voz superior en la octava aquí y verás que realmente corta en la voz que conduce aquí al tener más espacio y espacio. Al igual que los primeros consejos prácticos y en estos dos mejor bien, el bronce al unísono, el piano en octava Y ahora podríamos echar un vistazo en la mezcla. Aquí podemos excluir al Ambien por lo que tenemos esto. El lado amarillo es la melodía líder en cintas de roble, y ésta en realidad es una melodía de contador, que es mucho más baja en la mezcla y campana más percusiva como, solo para agregar un poco justa. Pero ahora toda la melodía protagonista será la Reina de la música, su enfoque en la música. Entonces escuchémoslo en su totalidad, - está bien, y puedes moverte aún más profundo si quisieras comprar aumentando la dinámica aún más en algunos de estos analizando la milady líder o aumentándola - bien, y puedes moverte aún más profundo si quisieras comprar aumentando la dinámica aún más en algunos aquí, um, por los niveles aquí. O puedes entrar y reducir la dinámica y otros desplazan la voz liderando aún más si quisieras. Pero esencialmente, ahora has aprendido la esencia de la melodía y cómo hacerlo, pero debería ser el foco de tu música. Ahora toma medidas y practica todos estos lineamientos y consejos. Acabas de aprender a escribir una melodía y tema principal digno de una reina en tu próxima composición musical . 4. Intervalar el movimiento de tu melodía: el argumento principal fuera de tu música proviene de qué notas usas y qué intervalos tienes entre ellas. Yo llamo a esto el movimiento fuera de tu melodía, y básicamente puedes pensar en una milady como una seria fuera de intervalos armónicos, encadenada junto con un patrón rítmico en una frase melódica completa. Qué notas e intervalos uses crearán el personaje principal de tu melodía, y la base siempre será la escala y la clave que hayas elegido. El templo clave de escala y firma de tiempo es lo que llamo el lenguaje fuera de la música. Esos se establecen en el nivel general de tu composición. Y a pesar de que se puede modular a una clave diferente, pedir prestado de otra escala. Cambia el tempo e incluso la firma de tiempo. Siempre tendrás un punto de partida, el idioma principal de tu composición musical. Ahora, después de que tengas definido ese lenguaje para tu composición musical, puedes empezar a experimentar, creando melodías en ese mismo idioma. Y cada intervalo tiene una emoción diferente, desde el unísono perfecto hasta una octava completa e incluso más allá. En algunos casos, los intervalos también pueden subir o bajar en movimiento, lo que tus frases completas a melódicas se compondrán a partir de diversos intervalos subiendo o bajando o incluso al unísono, si vuelves a tocar la misma nota. Esto es lo que crea emoción y el movimiento esta historia curva de tu melodía, por así decirlo. Para que puedas tocar algo así en ese waas Una forma melódica basada en los intervalos estas melodías. Ahora permítanme darles algunos ejemplos prácticos fuera de intervalos melódicos en acción. Entonces este es el tema de la fuerza de Star Wars, y comienza con un cuatro perfecto subiendo de G a ver así. Pero de nuevo, nunca debes Onley enfocarte en los intervalos utilizados en una melodía de forma independiente sino a través esta historia fuera de toda la frase melódica. Por lo tanto, presta atención extra. Ahora, mientras toco esto con mi mano derecha, la melodía principal aparece en la base en octavas con mi mano izquierda Así va algo como esto. De acuerdo, ahora sé que acabo de decir que siempre debes mirar toda la frase melódica para los intervalos y direcciones utilizadas como una cadena entera o seria de intervalos. No obstante, hay algunos intervalos que están tan arraigadas que en cuanto los escuchas, sobre todo con el ritmo de inmediato se te ocurre. Una composición musical específica sobre este tema es una de ellas, que es la Quinta Sinfonía de Beethoven. Se inicia con un tercio mayor bajando y luego un tercio menor bajando. Por lo que comienza con una triple repetición en G on, luego continúa un tercio mayor abajo Teoh plana. Entonces va así en la siguiente parte. Fuera del motivo es de todos menores tercero abajo, tres a D. Así que, como este tercer mayor abajo y tercero menor abajo, y eso es Quinta Sinfonía Infantil, el motivo principal. Ahora vamos a echar un vistazo a otro ejemplo de Star Wars, el título principal, que comienza con una triple repetición o intervalo de unísono encendido si sube un cuarto perfecto, cuarto y luego de B Flat F aparecen en octava más alta, que es una fe perfecta, tan perfecta hasta perfecta que esos son los intervalos principales, diría en el título principal de tiendas, algo así. Ahora echemos un vistazo a un ejemplo más oscuro de intervalos en acción para crear un tema más siniestro de Melo Rick. Entonces esto es del Caballero Oscuro. No soy un héroe, uno apagado. Los motivos en esa composición específica. en torno a los intervalos principales fuera de un segundo menor, subiendo de C agudo de luego de Ft. Entonces en segundo menor ir por Theun, eso básicamente se repite principalmente aquí mientras la línea de base camina aquí así. De acuerdo, ahora echémosle un vistazo, o aventureros y tema edificante, que es Indiana Jones comenzando en G mayor on, por supuesto, debe moverse leer, haciendo estilo de juego para conseguir eso acción y aventura vibe. Y algunos de los intervalos más importantes para la melodía principal es el inicio, por supuesto, que va de B a C un segundo menor, segundo mayor aquí y luego un cuarto perfecto después de G aquí y luego en el turno, obtendrás un mayor en tercero, yendo de Thio de Sharp y luego, si tienda para ver cuál es en realidad un, uh, cuarto aumentada disminuido quinto o como se puede llamar tryto. Entonces vamos a comprobarlo en acción algo así para la segunda parte del tema. Pero los intervalos principales estaban ahí menores. Segundo, hizo un segundo. El tercero empeoró. Tal vez 1/3 aquí en su tono de strike arriba aquí ahora toma acción y practica todos los intervalos principales en la música tocándolos primero, subiendo y luego bajando, luego elige una escala y clave y empieza a experimentar creando diferentes melodías que se enfocan en un intervalo y movimiento específicos. 5. Ritmo: la visión de tu melodía: ritmo es el segundo ingrediente principal fuera de tus melodías y temas después de los intervalos de cadena off de años. Ritmo en melodías y temas tiene varios aspectos, que categorizé de la siguiente manera punto de inicio de temporización en la cuadrícula para cada longitud de nota, la longitud de nota para cada nota en la melodía Silenciar el tiempo y el aire entre las notas y el tempo, que es decidida por el actual BPM. Encima de estos cuatro aspectos principales que se utiliza para crear el surco de tu melodía, también hay que tener en cuenta la base central para el ritmo y el groove en tu composición, que se decide por la firma de tiempo. Entonces, por ejemplo, un patrón recto 44 como este o un surco de triplete que afectará cualquier otro aspecto hora de crear el grupo de humildad? Por lo que ahora voy a demostrar eso así como todos estos cuatro elementos principales. Entonces, por ejemplo, tiempo Si juego ah recto para cuatro patrón como este cronometraje, el punto de partida de cada nota en la melodía es el primer aspecto fuera del camino grupal. Después tienes la longitud del nodo para que puedas cambiar entre notas más cortas y notas más largas. Además, el silencio el tiempo entre las notas crea un patrón en la ranura también. De camino, por supuesto, el templo. Entonces vamos a aumentar el templo para crear una Milady más orientada a la acción se debía dentro de D. Así que permítanme darles algunos ejemplos prácticos. Empezaré con la firma de tiempo apagado. 34 Usaré un templo lento, y usaré notas principalmente largas, con algunas notas más cortas a Cata en el medio e incluso algo de silencio para efecto. Algo así. Por ejemplo, hagamos otro ejemplo, y esta vez usaré 6/8 como firma de tiempo High Temple y mawr Shorter sabe para una acción más rítmica sentir en no tanto silencio. Entonces algo como esto. Por ejemplo, en este siguiente ejemplo, usaré cuatro Forrest, el tiempo Senador. Todo un tempo más lento, básicamente no hay silencio entre las notas y enfocándose en notas más largas y un estilo de juego lírico y una melodía armónica. Algo así, por ejemplo, ahora toma acción y practica los aspectos rítmicos fuera de la melodía en tu teclado o piano realmente consigue una sensación para el groove dentro de tu melodía. Entonces una vez que te metes en el flujo. Introduce el aspecto de intervalo y tienes los dos ingredientes principales de melodías para dar forma a la historia. Tus frases melódicas contigo pueden de hecho eliminar los intervalos de cualquier melodía y motivo famosos . Y en Li, escucha los aspectos rítmicos de la misma. Hagámoslo ahora mismo como ejercicio. Entonces empecemos sin dientes de la Quinta Sinfonía de Beethoven, que es ahora si sólo jugamos eso con una sola nota. O tal vez octavas como esta y Onley se enfocan en su groove, el aspecto rítmico de la habilidad, puede sonar algo así. Ahora hagamos otro ejemplo, pero huiré. Pon la perspectiva y veamos si puedes averiguar qué motivo es este cuando solo lo toco en octavas así, ¿ verdad? Ten una conjetura. Esto waas el tema. Entonces fue la Marcha Imperial o el tema de Dorthe Vader de Star Wars, ¿ verdad? Entonces hagamos otro ejemplo. Ah, Piratas del Caribe. Es un motivo muy rítmico, así que intentémoslo bien. Entonces hagámoslo, y te recomiendo que uses la nota raíz fuera de la composición cuando hagas estos ejercicios . D en este caso y este ejercicio. Deberías hacerlo en diversos motivos y riffs y melodías de liderazgo solo para asegurarte entrenar tus instintos a la hora de llegar al groove, el aspecto rítmico de tu melodía sin pensar en los intervalos y armonías y tal que usarías. Y ahora es tu turno de tomar acción y hacer estos ejercicios. Encuentro que el uso de instrumentos que tiene ilimitado, sostenido cuando sostienes la nota y luego se corta inmediatamente cuando sueltas es el mejor sonido para usar para esta actividad de práctica. Entonces, simplemente escucha cualquier melodía que te guste. Pausa e inmediatamente intenta imitar la melodía Onley usando una sola tecla en tu teclado porque tu enfoque es practicar los aspectos rítmicos fuera de esa melodía. 6. Lienzo: el equilibrio de tu melodía: el equilibrio de tu melodía se basa en el rango off notas que usas para ella así como en el balance general de frecuencia, lo que significa el rango de notas de tu melodía, donde ese rango se coloca dentro del lienzo de notas para música así como la frecuencia espectro para los instrumentos tocando tu melodía. Por ejemplo, digamos que tu frase melódica tiene un rango total de 12 semi tonos, que es una octava perfecta por rango. Me refiero al intervalo entre la nota más baja de tu melodía y la más alta. Entonces, por supuesto, necesitas que esa gama se toque en algún lugar del lienzo de la música. Todas esas octavas que tienes en tu poder como compositor. El rango inferior fuera de este lienzo de octava tendrá un sonido más potente, profundo y cálido para cualquier melodías que juegues allí. El rango medio tendrá más enfoque en la atención, ya que esas son las frecuencias a las que nuestros oídos responden más, y el rango más alto sonará más frágil, aireado y delgado. Ahora déjame darte algunos ejemplos prácticos fuera de gama y equilibrio en el lienzo de la música para dar forma al tono de tu melodía y temas. Lienzo Dork, lona cálida derecha enfocada lienzo y lona brillante. Está bien, así que ese es el aspecto principal del equilibrio de tu melodía, donde en el lienzo de la música lo coloques, el otro es el rango de toda tu frase melódica. Entonces tomemos un ejemplo práctico los piratas del tema caribeño. Se va algo como esto comenzando en un abajo medio c aquí. Entonces vamos a echar un vistazo a la gama fuera de la primera parte de este motivo. Ah, está bien, Así que eso fueron dos reputaciones y se fue de un dos. La nota más alta es jean que significa la gama de ese puerto. En la melodía se mira un menor siete. Sigamos con el giro de la segunda parte, Theo Like that. Y aquí subimos, en realidad para estar gordos. Por lo que pasamos de a a la nota más alta en toda esta frase melódica es una carne B. En realidad es más 1/2 paso o menor. Segundo, esa es toda la gama de este tema en particular. Ahora toma acción y practica, creando melodías con diferente alcance y en diferentes puertos fuera del lienzo fuera de la música y observa lo increíblemente fuerte que esto impacta en el personaje y la emoción de tus frases de polla de Miller . Independientemente de qué intervalos y ritmos utilicen para ello 7. Sonido: el tono de tu melodía: tus melodías y temas serán, supuesto, fuertemente influenciados por los instrumentos y sonidos utilizados para tocarlos. Cada instrumento tiene su propio carácter o tono fundamental, como yo lo llamo. También puedes tener un instrumento de alma, un pequeño conjunto o una enorme sección tocando la melodía, lo que creará un tono general diferente. Déjame compartir algunos de los aspectos más importantes fuera de los instrumentos y sonidos que debes considerar al escribir tus melodías, la familia de instrumentos, por ejemplo. Cuerdas o increíbles para melodías emocionales, expresivas y líricas como esta, enfocar a tu milady en el pecho puede darle unos sonidos más poderosos e incluso nobles. Algo como esto, por ejemplo, y enfocarse en los vientos madereros puede dar tu melodía y más ligera y dulce corregida o algo así. Estos tamaño de sección. Entonces escucha la diferencia de calidad de tono entre estos ejemplos, empezando por un violín en solitario que continúa con seis violencia, más tamaños de cámara o un poco más grande sobre 12 violencia, que es, por supuesto, incluso lusher. El mix off instrumentos, por ejemplo, cuerdas y pecho en el rango como este le dará un poder inmenso, y podría que puedas combinar Horvath y piano para un sonido relght y plucky con la aireada calidad she berry como esto, o quizás combinando una pequeña sección de cuerdas con algunos vientos altos para un personaje muy ligero y torturado como este, las capas fuera de las voces. Entonces si solo toco un solo instrumento como este, se trata de seis Silence, Theo. Puedo elegir capas en Jenison con, por ejemplo, por ejemplo, flautas como esta. O digamos que saqué esa parte de flauta en roble Cambio. Entonces déjame simplemente cambiar esto. Y ahora obtendrá un sonido completamente ah diferente como este. Y por supuesto, puede seguir apilando tus instrumentos para que toquen en tu melodía líder. Entonces ahora tengo cuerdas principales, algunas poco profundas, solo viol, cuernos de lluvia, cuernos de lluvia, trompetas, comida de clarinete y piccolo al unísono, y algunas en octavas, como los vientos de madera y solo violín, y triunfar. Entonces es jugar algo como esto. Entonces puedes, por supuesto, en una capa siendo una armonía encima de tu melodía principal. Entonces si tu comida principal es, puedes tocar otra voz con otro instrumento. Algo así. Conformar el tono y el carácter de tus melodías y temas con los sonidos e instrumentos es una parte muy importante de tus habilidades de composición, y Croft utilizó estas pautas que acabas de aprender como tu punto de partida justo uno Melo Rick frase en piano, por ejemplo, para luego usarlo de varias maneras diferentes cambiando los sonidos del instrumento, lostamaños de sección, tamaños de sección mezcla de instrumentos y las capas fuera de las voces. 8. Estilo - el personaje de tu melodía: ahora este es un mantra que enseño que tiene un profundo impacto para todo lo que haces en la composición musical . Cómo tocas las notas es más importante que lo que sabe que tocas, porque así es como moldeas al personaje fundamental de tus melodías. Esto significa los estilos de juego y las técnicas de performance, los judíos en tus frases melódicas y en cada instrumento que toca la melodía y el tema principal. Ahora déjame darte algunos ejemplos prácticos de cómo puedes dar forma al estilo y al personaje tus actuaciones melódicas. Estilo de juego principal. Por ejemplo, el principal estilo de juego de tu milady puede ser lírico así. Puede ser más rítmico así. O puedes ir por una mezcla entre los dos. Algo así como estas articulaciones para que puedas ir por un sabe más sostenido para ti melodía como esta, puedes ir de o más articulación cultural como esta. Estamos enfocados más en las articulaciones de notas cortas como el staccato y pegado un testimonio, o incluso hablar Otto por un tipo más rítmico. Melodía como esta transiciones para que puedas tener ah notas sostenidas, pero sin transición entre ellas básicamente agregando silencio entre las notas, algo así O puedes conectar la nariz con el flujo suave usando agata enferma articulaciones como esta. O puedes extender esa no transición hacia un hermoso, más largo portero mental como este en poco profundo. Ah, claro, esas transiciones más largas debes usar con cuidado En tu frase melódica, ahora tocaré algo y usaré una mezcla entre el Goto y el Port Mayor así uh, agregando acentos en tu frase melódica. Entonces la principal forma de agregar acentos a tus frases melódicas, por supuesto, con algo dinámico como esto, por supuesto, exageré está ahí sólo para la demostración. El siguiente es agregar notas más largas es en realidad algo de acento si el entorno sabe o más corto o algo así. Y por supuesto, puedes usar articulaciones que tengan un acento agudo como los dedos de Marco para Soto sobresalen o lo que sea para darle esa nota en particular en tu frase melódica, un acento más fuerte. Ahora toma medidas. Empieza por crear una idea melódica en tu teclado que tomar esa idea y dar forma al estilo y al carácter general fuera de la melodía mediante el uso de una mezcla de diferentes estilos de juego, articulaciones, transiciones y notas ex perfumadas. En la frase melódica, verás que tienes opciones ilimitadas fuera de dar forma a cualquier idea melódica en infinitas variaciones 9. Expresión: la emoción de tu melodía: como el estilo fuera de tu melodía. La expresión que pones en cada nota de la actuación es mucho más importante para el resultado emocional que las notas que tocas. El estilo de juego y la expresión va de la mano y crea la forma en que siempre enseño es lo más importante en la música al considerar la emoción final, la expresión y el estado de ánimo. Ahora déjame darte las mejores maneras prácticas de salir, dando forma a la expresión. Tus melodías y temas dan forma a la dinámica. Por lo que la principal forma de dar forma a la dinámica de tus interpretaciones melódicas es con variación de nota dinámica , es decir, la dinámica inicial para cada nota y que se decide por el valor de velocidad por nota aquí en Midi. Entonces si abro la velocidad de la nota, puedes ver aquí descrita, pero consulta también la ve en los colores aquí para que en realidad puedas agregar las notas más fuertes en tu frase melódica tan alta velocidad como puedas ver por estos valores rojos. Por supuesto, exageré esto sólo con fines de demostración, pero así es como suena. Respira la variación dinámica y los acentos dinámicos como este un segundo aquí, se puede escuchar claramente dónde están las notas fuertes en la frase militar. Y también obtienes estas variaciones de las villas de desarrollar Comparativo. Si solo pongo todo s igual, sólo será un plano dinámico a lo largo de la secuencia, cual es, por supuesto, mucho más aburrido porque no se obtiene esa variación. El otro aspecto off dynamics en tus actuaciones es, por supuesto, dinámica a lo largo del tiempo para la parte sustentante de los sonidos. Entonces lo demostraremos tocando cuerdas ahora. Entonces si solo toco algo como esto sin cambiar la dinámica en absoluto, eso sólo será una dinámica estática. A pesar de que obtienes la parte emocional de las cuerdas, se volverán mucho mawr emocionales y expresivas si cambias la dinámica con el tiempo. Por lo que en realidad he programado este fader, y lo puedes hacer bien con tu modulación, en la mayoría de los casos en tu teclado multimedia para grabar una performance con esa curva dinámica a lo largo tiempo. Entonces permítanme mostrarles esto, y lo volveré a exagerar para fines de demostración. Entonces eso es básicamente el con los jugadores de cuerdas en cuánta fuerza ponen cuando se cuecen con las cuerdas que aumentarán el nivel dinámico y que se puede controlar con el tiempo en muchos instrumentos, como cuerdas, latón y vientos de madera. Pregunta opuesta al piano, por ejemplo, donde puedes Onley controlar la variación de nota dinámica en el ataque inicial de cada nota. Por lo tanto, presta atención a qué tipo de instrumento usar y utilizar dinámicas a lo largo del tiempo, creando curvas. Si tienes control sobre la dinámica para la parte sustentante del sonido así, incluso puedes ver la gran diferencia si revisas las formas de onda para estas dos actuaciones. Y, por supuesto, el top aquí es donde sí me derrita. Utilizar cualquier expresión dinámica a lo largo del tiempo. Entonces así es lo clara que es la diferencia con la historia expresiva con una curva off dinámica a lo largo del tiempo. Dar forma al terreno de juego Así que trajimos una nota sustentante es una manera increíble de ADM, o emoción en tu mellow hizo actuaciones. Ahora, con varios instrumentos de software, es posible que tengas diferentes tipos de control, y algunos no tienen ningún control sobre lo más amplio. Pero digamos que tienes una flauta como esta sin que trajéramos. Simplemente puedo dar forma a la dinámica, curva , forma, intensidad de sonoridad. Pero si añado la siguiente dimensión en el extranjero para que pueda agregar, es más fuerte o más suave o Novi más amplia. Entonces si uso el deslizador aquí, o bien lo mapeé a la más amplia. No era vibrato, y cuanto más lo aumento, más ad ah más fuerte cada la trajo a la nota. Para entonces puedes dar forma a la actuación con ambas dinámicas y ser llevado a así. Por lo que la dinámica se utiliza básicamente para dar forma a la curva de sonoridad e intensidad de tus actuaciones melódicas , mientras que lo traído a puede dar forma a la curva expresiva y emocional. Ahora todos los instrumentos no pueden hacer el piano más amplio. Por ejemplo, no puede el caballo sino cuerdas, latón y leñosos pueden en la orquesta así como, por ejemplo, guitarra eléctrica y acústica, donde básicamente sí la tienes traída doblando la cuerda con el dedo para crear esto hacia arriba y hacia abajo ser llevado a en tono. Una cosa que quiero darnos un consejo por usar lo más amplio es esta es la flauta solista. El más amplio siempre será más claro y más enfocado con instrumentos en solitario. El instrumento Mawr utilizado en esta sección, menos escucharás en realidad que cuanto más amplio porque lo hará, se difuminarán entre sí en una sección de cuerdas de violín de 30 cuerdas. Tú básicamente no voy a escuchar también el Gibraltar Ah, o en absoluto. Aun así, recomiendo que usando el enfoque emitido más amplio en instrumentos en solitario o quizás secciones de tamaño de cámara pequeña . Ahora otra gran apuesta que expresión en tus melodías con el tono es haciendo algún tipo de deslizamientos de Ben o incluso más largos Así que puedes hacer esto, por ejemplo, con tu pitch bend. No suena tan natural como una verdadera curva o deslizamiento con un instrumento acústico. Pero por ejemplo, si tienes cadenas como esta, puedes usar el tono. Pasa dos de simples bandidos arriba y luego abajo otra vez, o viceversa, o incluso tal vez dobla en las notas de empezar con un lanzador aquí y luego sube Si recuerdas el buen viejo sonido tipo logo T H X que va desde lo alto dispuestas y el bajo rango que básicamente es un lanzador en ambos sentidos que se reúnen juntos. Deslizamiento tan largo. Pero si lo tienes para instrumentos que tienen reales grabados de Ben como articulaciones, eso sonará aún mejor. Ziff, acabo de traer este sonido de bronce aquí, y toco la misma nota aquí. A. Se inclinará 1/2 escalón. ¿ Oyes eso? Completo al final, inclinándose por el terreno de juego. Eso Depende de ti mismo para instrumentos, pero de Ben, por ejemplo, guitarra acústica eléctrica it. Oregon puede doblarse en una nota o banda arriba y bajar otra vez, tal como te mostré con las cuerdas aquí. Y esa también puede ser una gran manera de agregar algo de llamarada a algunas notas en particular durante toda tu frase melódica. Da forma a la ranura ahora las principales formas de dar forma al surco de tus actuaciones melódicas con el templo real cambiando con el tiempo. Lo que significa que todo tu BPM realmente tiene un curviéndolo. Ah, para tu composición y también el tiempo fuera de las notas sobre DA y otro consejo extra es agregar notas de gracia rápidas o pequeños detalles como tipo de relleno de la actuación. Entonces si solo toco algo aquí en piano, ya verás a qué me refiero. Tan modelando el rendimiento, el groove con tempo podría ser algo como esto. Entonces como escuchaste ahí, empecé más lento de lo que lo aceleré con un tempo tipo de performance y luego lo frené nuevo. El cronometraje también para que puedas tener. Entonces, al escuchar el aire de la base, vino a la playa mientras la melodía estaba ligeramente rezagada por detrás o arrastrando. Por lo que apresurarse o arrastrar en algunas notas realmente puede dar forma a la ranura también. Um, así que eso es el momento. Que las notas de Grace podrían ser algo así como, uh, escuchaste esas pequeñas secuencias rápidas. Um, así que básicamente, todavía tienes las notas fuertes de la melodía estarán agregando esas algo así. Entonces esas son las tres vías principales, el tempo haciendo una curva también. Como siempre digo, la expresión, expresión y música emocional está todo basada en curvas, movimiento y emoción, como una montaña rusa que es más emocionante que una vía recta de tren. Ahora toma acción almacenada creando una frase melódica simple. Después usa estas formas prácticas para agregar expresión a tu tema y dar forma a la emoción en el resultado final que estás buscando. Te recomiendo que tomes la misma melodía y utilices el poder de expresión para crear varias variaciones a partir de ella. De esta forma entrenarás tus oídos y el instinto compositor para enfocarte más en la forma en que tocas esas melodías porque realmente quieres convertirte en un maestro de la emoción y la expresión a la hora escribir melodías, motivos y temas para tu música composiciones. 10. Contra la melodía: el Sidekick para tu melodía: mijo contador está en uso. Puede ser increíblemente efectivo para agregar variación de interés mawr y crear un tema más rico y general. Pero no sólo eso, una contracorriente puede incluso elogiar la melodía principal simplemente bailando alrededor de ella, igual que bailarines de apoyo para un líder, voces más densas o de fondo a una vocal principal. Piénsalo, la presencia fuera de un acompañante pero agrega otra dimensión y perspectiva al foco principal y centro fuera. El foco se utiliza en todo tipo de narración, en libros, en películas serias y juegos, por ejemplo, ese hombre con su compinche Robin o Sherlock Holmes con su compinche, Watson. Y piensa en todos los villanos a lo largo de la historia fuera del entretenimiento. Es súper común que tengan un acompañante porque agrega dinámica a la historia al dar a los personajes principales alguien con quien interactuar. Así que lleva este concepto de vuelta a la música. Ahora pienso fuera de la melodía de contador como el ayudante que crea una experiencia más rica para el tema principal de tu música, mientras que la milady líder sigue siendo el foco. Ahora permítanme darles algunos ejemplos prácticos a considerar para contrarmilitantes y su indirección con su líder milady cool y respuesta. El fresco y la técnica de respuesta es realmente efectivo. Es cuando divides toda tu frase melódica en secciones como una pregunta y un puerto de respuesta, y luego las tocas con los diferentes instrumentos y capas de instrumentos. Entonces, como pueden ver aquí, tengo los principales instrumentos de polla de Melo siendo pechos apoyados por cuerdas. Y si abro aquí, puedes verlo. Es tocar octavas de pechos y cuerdas, que suena así. El Esa es la pregunta, y luego ella. Doy la respuesta fuera de esa frase melódica manera. El de la melodía del contador, que básicamente es la misma locura de mentalidad pero tocada como se ve aquí por otros instrumentos . Por lo que las flautas, fagot y piano se hace cargo y colocan la segunda parte. Y si los reviso juntos, incluso he usado diferentes colores. Se puede ver claramente aquí, la pregunta y la respuesta. Entonces es escucharnos a nosotros mismos. Y esto, por supuesto, es aún más efectivo cuando tienes diferentes colores y sonidos de tono para estos. Por lo que esto se centra en los senos con el apoyo de las cuerdas en adelante. Esto está más enfocado a los instrumentos de viento, con algún apoyo del piano que hace la pregunta y también destacan por sí solos por las diferencias en tono, calidad y enfoque de cambio numérico mientras descansa. Por lo que el propósito principal de esta técnica es que la melodía del contador brille cuando el militar líder los principales instrumentos, tocando el tema o descansando o tocando notas largas. Entonces si te metes en el rollo de piano y miras aquí, las melodías principales tocaron aquí en octavas, marcadas en Jell O y la silla naranja es el alegato de contracorriente de melodía. Ah, a menudo más alto, casi así cuando se ve aquí la mayor acción, por así decirlo, en la milady líder, eso es más o menos cuando la capacidad de contador es silenciosa y en estas notas más largas sobre el melodía líder de lo que es cuando la melodía del contador se hace cargo. Se necesita algo de esta luz de barco, así que escuchemos cómo suena en acción para que puedas tener estas técnicas de toma viceversa también. Entonces, por ejemplo, aquí dejo una larga nota en la melodía del contador para que por cuando tienes notas largas , no tomen tanto la atención del oyente. Y entonces la melodía principal no se ve más aquí, por lo que este tiki va en ambas direcciones, notas largas. O, por supuesto, si aquí debe ser silencio. Pero cuando lo haces así, se convierte más en una respuesta fría para patear agregar variación en el estilo de juego. Por lo que también puede ayudar a diferenciar tu melodía líder con tus melodías de contador mediante el uso de diferentes estilos de juego. Por ejemplo, tener en una melodía líder b'más notas largas y líricas como esta Theun tener tu melodía de contador siendo más rígida, haciendo estilos de tocar de notas cortas y articulaciones de notas cortas como esta. Entonces cuando los juego juntos, se separarán más claramente agregarán variación en tono y color. Entonces espero que hayas empezado a aprender ahora que la separación es realmente importante entre tu melodía principal, los instrumentos que tocan esos y la melodía del contador. Entonces la primera forma de separarlos es, por supuesto, con el uso de los instrumentos y también con un color de tono. Entonces la estratificación fuera del instrumento y la dinámica de intensidad y así uno y finalmente van , por supuesto, donde esas o jugadas Así que aquí la melodía principal es tocada por cuerdas principales una octava encima de Inish sección más pequeña y luego latón en Jenison, las melodías de contador interpretadas por flauta Pickle flauta al norte de arriba Angela Asst Así que sonido más ligero. Y si entramos en el piano roll, podemos ver que, por supuesto, la dinámica de diferentes aquí. Pero más importante aquí, las melodías líderes tocando en octavas Onda, la melodía del contador está jugando básicamente un rango más alto aquí, y eso significa que son facturas separadas, significado de rango en instrumentación y en tono color porque apagado la intensidad off dinámica aquí siendo más fuerte en la melodía líder. Entonces si escuchamos esto en contexto ahora, realmente lo habrás escuchado y déjame solo, um, hecho, traer estos en las pantallas. Te puedes ver mientras juegan ahora practica acción creando un contador, milady que apoye un personaje agrega y perspectiva a tu melodía líder. Asegúrate de que la melodía principal siga siendo el foco general, aunque la melodía de contador pueda conseguir unos momentos aquí y allá en el centro de atención sobre la frase completa para tu tema principal. Así que adelante y practica agregando un acompañante a tus melodías de contador de melodías 11. Los sonidos para las melodías: ahora, en este video, vamos a explorar los sonidos e instrumentos. Puedes usar cuatro melodías. Por supuesto, hay muchas opciones, pero pasaré por algunas de las principales que uso, y te recomiendo que empieces también. Entonces, empecemos con el instrumento más fundamental fuera de todos ellos. El piano, ahora un piano para melodías puede crearlo o sonido suave pero aún enfocado porque tienes el ataque inicial fuera de cada nota, lo que hace que la melodía sea más enfocada. Pero también tienes ese sonido suave de las cuerdas resonantes para que puedas crear melodías como estas cuerdas. Por lo que aparte de la voz humana se inclinaron instrumentos de cuerda como violines y someras y alguien o los instrumentos más expresivos en existencia. Entonces, claro, son geniales para las melodías. Y pueden ir cualquier cosa desde súper exuberante como una gran cuerda ah en samba como esta, que, como se puede escuchar, tienen un sonido muy exuberante, cálido y grande. Porque es un ejemplo fuera de todas las cuerdas orquestales aquí. Ahora la siguiente que podemos hacer es una sección de violín por su cuenta, que, por supuesto, por supuesto, te va a conseguir un sonido más enfocado pero aun así suene exuberante, dependiendo de los tamaños de sección. Por ejemplo, esta es una sección grande o violines. Entonces podemos ir a una sección de violín más pequeña. Se trata de seis violencia en una sección de tamaño de cámara. Cuanto menor sea la sección, más clara será la expresividad y el enfoque fuera de la melodía, y esto naturalmente nos lleva al violín en solitario para tus melodías. Y por supuesto, cualquier instrumento en solitario siempre tendrá la más expresividad y claridad emocional. Entonces se trata de instrumentos de pecho de violín solo para tus melodías. Por lo que la familia de instrumentos mamarios tiene un enorme rango tonal para los sonidos, lo que significa que el personaje sonoro cambia mucho de la dinámica inferior a la dinámica superior , por lo que puedes pasar de sonidos cálidos y audaces. Si eres por ejemplo, juega los cuernos en el rango medio o justo debajo. Por ejemplo, déjame tocar algo como esto en Los cuernos son generalmente uno de los instrumentos más utilizados para, ah, melodioso en la música cinematográfica porque tiene ese cálido, audaz on da, personaje casi noble en el sonido. Pero también puedes ir a la orilla per y ajustes más brillantes con dinámicas más altas, que incluso el cuerno puede Ah ¿te gusta esto? Si en el FF más alto, si sentado en aún más así si usas mawr attack articulaciones como auto deportivo, por ejemplo, así. Y por supuesto, si vas a instrumentos superiores como trompetas en las contrataciones, dinámicas como este tema. Y por supuesto, se aplica la misma regla para los instrumentos de latón. En cuanto al instrumento de cuerda, lo que significa que la sección más grande que usaste para tus melodías, más exuberante y potente será el sonido final. Pero si vas en la otra dirección a, por ejemplo, por ejemplo, secciones más pequeñas o incluso trompeta solista o bocina solar, obtendrás mawr enfocado expresividad y emoción en el sonido. Entonces permítanme demostrar brevemente esto tocando un trombón en solitario. Pero suenas así. Y comparemos esto con unos pechos grandes en samba, que, por supuesto, sonarán mawr potentes y exuberantes. El ah, pero no tiene esa claridad en la expresión como se obtiene de un instrumento solista woodwinds para sus melodías. Entonces, en mi opinión, los vientos madereros tienen el sonido más dulce y más íntimo y alegre sobre los instrumentos orquestales , al menos para que puedas tocar cosas como, y de hecho mi recomendación. Había al menos lo que yo uso es para liderar melodías sobre vientos de madera. Generalmente siempre voy por solos de flauta solista o clarinete solo oboe, porque puede conseguir tal increíble la más amplia y la expresión de los instrumentos solista Sheiman Instruments para tus melodías. Entonces, ¿qué quiero decir con instrumentos Shimmer? Bueno, me refiero a esos delicados ligeros que significan Maurin, los instrumentos de alta gama y de tipo más delgados y casi aireados y muchas veces muy desaliñados, por ejemplo, cuerdas arrancadas como Corp. Esos placas también podrían, por ejemplo, ser cuerdas pizzicato o incluso cuerdas de guitarra arrancadas. Obtienes ese em enfocado, nítido y ligero atacando el sonido mientras puedes regular cuánto sostén obtienes. Entonces, por ejemplo, con el arpa, no te pongas tanto sostenido como con una guitarra porque tienes ahí el cuerpo residente. Otros tipos de sprints brillantes pueden ser instrumentos Mellott como marinos pero, por ejemplo, y también puedes usar varios tipos fuera de factura como instrumentos. Entonces, por ejemplo, un proyecto de ley como este, o incluso glockenspiel y otros tipos fuera de los instrumentos que tienen ese brillante personaje tipo campana residente . Y esos pueden ser geniales para agregar esa sensación tímida a tu melodiosa parece así. Ver decisivo es amable, por supuesto, cubrir todo el rango fuera de la tonalidad y el carácter para ustedes mismos. Pero para los instrumentos principales, básicamente hay lo que considero el motivo o escenas tipo arrecife como este tema así, o el modelo para Nick. Instrumentos tipo plomo como esta cosa o sonidos de canto sucios y distorsionados, que son más para motivos melódicos y riffs duros como este. Y por último, fuera de curso, un híbrido A mezclar capas o instrumentos para tocar tus melodías, que en la mayoría de los casos es lo que vas a hacer y escuchar tus opciones o en limitada. Entonces, por ejemplo, si tomas un piano con flauta, puedes obtener este tipo de sonido. El corazón de la luz y las vibraciones delicadas de los vientos de madera con la claridad enfocada del ataque en el piano o en una sección de violín. Por ejemplo, un violín de tamaño cámara combinado con algunos instrumentos de brillo y algunos huelgas y malicia aquí, que obtiene la expresividad emocional de esos viles triunfos con la crujiente añadida y aire del destellan instrumentos y atacan desde las enfermedades de aquí. O tal vez algunas placas ligeras de un caballo junto con un piano y tal vez incluso alguna uh, cuerno solista encima de eso. Ahora es el momento de que tomes acción y practiques, creando tus propias melodías, usando diferentes tipos fuera de instrumentos y también qué tan grandes son las secciones reales. O, por ejemplo, una gran samba Lushan. Será una pequeña sección de tamaño de cámara o un instrumento en solitario, así como finalmente experimentar con el puerto más divertido, que es crear una mezcla híbrida a Veii, er, varios instrumentos tocando tu melodía líder en ya sea unísono y o cintas de roble y armonía. 12. El poder de un boceto: Ahora en este video, vas a aprender a usar el poder de una masa a través de parodias, pista para llegar a nuevas ideas y escribir melodías, motivos y temas para tu composición musical. Ahora permítanme explicar primero por qué usar una pista de novelas magistrales es tan poderoso al experimentar y probar varias melodías, motivos y temas para tu composición musical. Es simplemente porque el poder apagado del personaje sonoro jugando estilo de articulación rango y se movió. Es increíble. Entonces lo que te recomiendo hacer es crear primero una carpeta en la parte superior de tu secuenciador. Después de eso, simplemente arrastras en él instrumentos porque los vas a tocar como grupo como mezcla híbrida y fuera de curso. Qué tipo de melodía, qué tipo de estilo y estado de ánimo quieres crear dictará qué instrumentos coloques aquí tan personalmente, siempre empiezo con un piano clásico como una de las capas. Entonces ya he creado algunos instrumentos aquí dentro, que voy a arrastrar. Entonces este es mi banco de instrumentos. Entonces digamos que quiero agregar algo el entero o par para el personaje plucky. Y también digamos una charla de violín, alguna expresiva o incluso hacer un violín en solitario. Hagamos un cheque aquí. Sí, hay un solo dentro. Por lo que ahora tengo caballo de piano y violín solo. No, voy a jugar esos. Ah, en una mezcla híbrida como esta y lo que puedes hacer así la marca ISS en la mezcla real de ellas con los niveles aquí. Si tu DW no apoya a un grupo tocando una pista grupal como esta, necesitas grabar habilitar a todos para que puedas tocarlos. Ah, así. Y lo que también puedes hacer es entrar y configurar tus modulaciones y automatización individuales . Por lo que cuando los tocas, puedes realizar los diferentes datos de expresión, los cuales también tendrán un enorme impacto en el sonido. ¿ Verdad? Entonces ese es un ejemplo. Déjame mostrarte otro ejemplo, así que me quedaré con el piano. Siempre tengo un piano ahí. Digamos que estoy agregando algunas cuerdas rítmicas como esta, así que pegó las cuerdas con un piano y quizá algunos mazos para un ataque extra enfocado. Y ahora puedo jugar a militantes así aquí. Ya no estoy tocando guapa, lírica, el debo aquí porque los instrumentos. El mix sonoro aquí dicta qué inspiración y creatividad siento, y eso desencadena nuevas ideas. Entonces si lo ha cambiado otra vez, vamos a mover esos hacia abajo Así no puedes usar esta técnica también. Al igual que aquí tengo como un banco de instrumentos para justo debajo de tu pista de bocetos. Por lo que esta es solo una carpeta con todos los instrumentos ya creados. Ah, bien, así que empecemos solo con un piano y hagamos algo más audaz y más poderoso. Entonces agreguemos aquí una sección de pechuga y cuerdas, y pondré las cuerdas en sardina. Ah, quita el micrófono de cierre. Veamos qué se hicieron los brasses desde hace mucho tiempo sostenidos aquí. De acuerdo, trineos a la cima dinámicas para que sea más cálido. Y ahora puedo tocar algo así. En cambio, vuelve a aumentar la dinámica. Una vibra y carácter totalmente, completamente diferentes. Probemos una flauta solista con cuerno solar y algunas cuerdas, ni siquiera un piano. Esta vez, veamos qué podemos todavía como inspiración, ¿no? Entonces en realidad voy a usar estos cuernos de conjunto en su lugar. Nuevamente, mawr sonido cálido y hermoso ahí y mucha potencia de los cuernos para que básicamente puedas usar este método para empezar a esbozar ideas. Entonces si se te ocurre, por ejemplo, quiero crear algún personaje deslumbrante. No vayas por las cuerdas exuberantes. Ir por el, por ejemplo para ver qué? Esto este um Así que estos son los últimos violines, y aquí tenemos la violencia de cámara puesta, por ejemplo, el piano y, por ejemplo, la comida. Incluso puedes ir a mezclar diferentes e tacos y panning fuera de estos instrumentos. Esto empieza a jugar lo que quieras. Ahora toma acción y crea tu propia pista maestra de boceto, cual te recomiendo que uses para cada nueva composición que hagas. Y recuerda, incluso puedes cambiar las capas del instrumento USA, cómo las mezclas y mezclas en tu D A W y cómo realizas el estilo de juego en la modulación que añadas, dependiendo de qué parte quieras agregar a tu composición, por ejemplo, en una fiesta podría querer ir por lleno de sonido audaz y potente de pechos grandes, conjuntos y cuerdas audaces. Por ejemplo, mientras que en una hija otra parte de la composición, quizá quieras ir por una sensación más ligera con algunos instrumentos rítmicos e instrumentos más ligeros , así que toma acción y empieza a experimentar 13. Base y melodía para crear tu tema: ahora en este video, te voy a enseñar un método muy eficiente para crear tu tema principal para tu composición musical . Yo lo llamo la técnica base más melodía. Ahora, lo que es tan poderoso de esta técnica de melodía de pas base para crear tu tema principal es porque no tienes que preocuparte por la progresión de la corte, y la hormona es tanto solo enfocarte en las voces de IQ de la hormona esencial, que es la voz superior, la melodía y la voz más baja. El ancla de tu armonía, que es la base. Entonces lo que suelo hacer es que cuando bosquejo mi tema, con mayor frecuencia uso piano más un conjunto de cuerdas. Normalmente pongo las cuerdas en sambal en un parche suave como cuerdas de Sardinha. Y luego marqué cuánto de las cuerdas quiero y las toco así. Entonces, piano, ahora, en algunas cuerdas puestas ahora, podrías por supuesto, solo enfocarte en tu melodía como esta. Sí, sin embargo, se vuelve mucho más poderoso y se convierte en un tema. Si haces la base en tu mano izquierda. Normalmente lo hago en octavas mientras tocas tu melodía en tu extremo derecho, porque entonces puedes crear algo como esto. Entonces por supuesto que podría crear esto centrándose únicamente en la melodía. Pero sin la interacción entre la base donde se puede hacer con ellos. Se pueden hacer líneas de bajo y groove y la melodía. Es realmente complicado llegar a, Ah, Ah, ese patrón con silencio, porque si vuelves a revisar así que tienes que saltarte el primer beat porque la base jugando ahí es realmente complicado llegar a algo así sin usar algún otro tipo de instrumento en. Mi técnica por días se basa con tu mano izquierda puede fuera de curso si solo quieres usar piano. No obstante, me gusta agregar cadenas de conjunto porque entonces puedes ir de algo. Hipotecario, groove y ritmo enfoque demasiado lírico como conseguir la mezcla de ambos mundos. El aspecto rítmico y enfocado y claridad del piano, con mal lavado aspecto nous y lírico fuera de las cuerdas y aquellas en combinación junto con esta técnica basada en tu mano izquierda, mellizada en tu mano derecha, y puedes empezar a crear melodías con base para crear tu tema. Y por supuesto, otro aspecto de esto es si creas algún tipo de tema más groovy más groovy. Puedes usar tu base a la izquierda. Tienden a agregar algo de energía como esta. Por ejemplo, agrega los acentos principales con tu línea de base para que tu melodía cree este tema tuyo. Ahora, como propina de bonificación, quiero recomendar usar la misma técnica los doctores de cuenca con tu izquierda y la melodía en tu mano derecha, pero o no sólo añadir la ranura acentuada con tu base, sino también, si quieres o elogias algunas de las notas más fuertes de tu melodía. Ve de Mona Fornek, es decir una nota a la vez con tu melodía. Ah, que dos notas para crear una armonía para que puedas hacer armonías en Lee on the Strongest sabe que quieres aceptar, y cuando grabas que automáticamente básicamente obtienes una pauta para la progresión del acorde ahí. Entonces en combinación, puedes crear algo como esto. Ahora utiliza todas estas técnicas en combinación para crear tu tema principal como este. Ahora toma acción y prueba este método apagado, creando tu tema principal para tu música tocando el bajo una octava fácil con tu mano izquierda , incluyendo el groove rítmico de todo así como algunas líneas de base y tu melodía en tu mano derecha. Y si quieres ir avanzado, aumenta las notas más fuertes de tu melodía principal con Armonistas en ciertas notas. 14. Añade una hermosa armonía a tu melodía: en este video, vas a aprender algunas grandes pautas y consejos para agregar armonía a tus melodías para que puedas pasar de esto a través de este consejo. Una base es la armonía baja voz off. Entonces si tocas tu melodía con la derecha puesta, esa es una sola voz, y esa es una armonía con si tocas el bajo con tu ascensor. Y porque la base, como todas las voces en la música, tienen una relación armónica con todas las demás voces que tocan punta a Melody es la voz superior de la armonía. Entonces si toco una progresión de núcleo completa con basado en la mano izquierda en roble se queda en la cancha en la mano derecha así, la voz tomada en toda esta historia armónica es la voz real fuera de la melodía. Entonces va así. Ese fue sólo el gusto base con su melodía von voz con la derecha y punta tres. Melo Dick Harmony es la voz bailarina fuera de la armonía. Entonces, ¿a qué me refiero con Melody Harmony? No me refiero a jugar canchas así. A lo que quiero decir es que si tocas el bajo con la mano izquierda en la melodía principal con una sola voz con la mano derecha. Ahora las cosas se ponen bastante emocionantes porque puedes agregar otra voz con tu mano derecha que va unida y se coloca juntas como una densa con tu melodía líder. Entonces en lugar de jugar, mira cuál es la diferencia aquí con la mano derecha En su lugar, una voz. Se puede tocar voces así, el baile juntos para crear la hormona, y esta es la principal actividad de práctica que quiero que hagas. Trata de empezar con la base y milady y luego sumar ese melo extra D Carmen E, es decir, la voz bailarina que va junto con tu melodía líder. Asegúrate de que cuando practiques días, comienzas con solo dos notas al mismo tiempo. Al igual que esa cinta. Cuatro. La armonía sigue en sincronía para el enfoque y la claridad. Entonces, ¿qué quiero decir con esto? Bueno, digamos que tienes la base en la mano izquierda otra vez empezando un aquí y trataste de hacer algo con la melodía de la derecha. Y ahora agreguemos esa extra Milady Kamini. Ahora lo que puedes hacer es seguir la armonía sincronizada, lo que significa que tocas la comedia melodía. Digamos que estos son los top boys cada vez que cambiaba la nota con tu melodía, bien repites la nota con la armonía melódica o cambias eso también, como algo así en la suya. Ambos juegan al mismo tiempo así. Realmente proporciona como un acento armónico. Si piensas en tu melodía principal como tu bailarina principal, la melodía Carmen es como la bailarina de respaldo, y si él o ella sigue el mismo movimiento sincronizado que el bailarín principal, se vuelve más como si fuera baile sincronizado, que aporta más claridad a los movimientos, por supuesto, y más voces que cambiaron al mismo tiempo, más enfocadas y claras será su movimiento sincronizado. Entonces si revisas de nuevo, tengo la línea de base. Empecemos con F Si cambio la línea de base, así como la melodía protagonista y las muñecas Ah armónicas aquí se convierte en una historia armónica realmente acentuada. Todavía podría hacer el baile principal aquí, el pero no moverse en sincronización con la línea de base, algo así como en el medio ahí. No moví las notas básicas. Ah, un pronto como la base se mueve junto instinto con estos milady principal en la melodía Harmony, se acentúa mawr. Ahora bien, qué notas puedes agregar a tu melodía líder para crear esa armonía? Bueno, en la mayoría de los casos, irás en tercero como este tercio mayor o en tercero menor, dependiendo de la cancha que usaste y escalar. En otros casos, irás al quinto así, 1/3 o quinto todos los más comunes. Pero también, usarás mucho, um, um, sussed e o salsa cuatro movimientos como este o incluso subirás a 1/7 como este. Esos son probablemente los más comunes, pero se podría hacer lo que pudiera ir a un seis. De esta manera, por ejemplo, aumentada Quinta, lo que se adapte a tu armónica historia movimiento armónico, variación por belleza y profundidad. Entonces es cuando realmente abres el verdadero potencial de la armonía en la música. Y es decir, si vuelves a tocar la base con la mano izquierda, tocaré en cintas de roble que arrancan en D. Digamos que tienes la melodía líder comenzando por F en una armonía en D Now, lugar de hacer sincronizada movimiento como este, añadir variación en el movimiento off que una relación dentro entre la mini melodía Voz en la voz Harmony como esta. Entonces como se puede ver la melodía movida, voz armónica aquí quedó en D on. Hagamos lo contrario Ahora, donde descansa la voz melódica y la voz de armonía empieza a seguir adelante, vamos a no acordar cuatro minutos, - Asi concede. Se abren tantos hombres potenciales en movimiento y combinaciones. Por ejemplo, en D menor, te recomiendo que empieces a intentar como una cosa simple como esta en la base. Si con una voz metalúrgica aquí como la melodía, Kamini empieza a moverse alrededor de su estabilidad de voz líder, entonces haz algo mientras esto descansa en lo común. Entonces ir y venir entre cuál de estas voces se mueven ya sea el curso de la melodía que conduce melodía o la armonía melódica. No, así es como abres el verdadero poder off armonía en la música. Ahora es el momento de mi avanzado bonus tape si quieres bucear realmente profundo, que es jugar canchas completas y base con voz líder. Básicamente tocas todo porque si tienes un piano tienes las dos manos a tu disposición. Se puede tocar el bajo camino que queda en unas cintas de roble. En su mayoría recomiendo hacer eso, en realidad, y luego jugar cancha completa. Entonces no sólo la melodía, no sólo la comedia melodía, porque eso son sólo dos voces más la voz bajo. Agrega el núcleo completo, y luego podrás jugar algo como esto. Ah, toma acción ahora y practica agregando armonía a tus melodías, tanto con el bajo, la melodía Karmini e incluso tan avanzada como la cabecilla de voz de cancha completa que complementa tus melodías líderes. 15. El poder de la capa de melodías: Ahora en este video, te daré unos grandes consejos sobre cómo usar el power off layering cuatro melodías. Por lo que tengo tres consejos que voy a pasar en este video. Pero primero, déjame tocar el ejemplo que compuso para este video. Y luego voy a descomponer las propinas uno por uno. lo que tocando este ejemplo en tres, 21 la audiencia al unísono por tono y más frío. Entonces si revisas este ejemplo aquí, estos dos puertos amarillos aquí o jugaban al unísono. Por lo que he estratificado la parte principal que grabé aquí con el violín aquí justo sobre el mar. Cuatro medallas la con En este caso he elegido un clarinete. Entonces ah, con orquestación, cuando compongas tu música, qué instrumentos y fiesta capa juntos tendrán un enorme impacto en el tono final y color de tu música. Por lo que podría haber optado por solo repasar el clarinete así. Ojos suaves y cálidos. Kohler. Ah, pero acabo de añadirlo. Y como se puede escuchar, es muy baja en dinámica. Escucha ahora, cuando yo cuando recupero el clarinete en los ojos superiores, pistas de eso harían en color del clarinete. Por lo que un consejo de bonificación que quiero dar por ti es cuando consideres estratificar en Jenison, trata de encontrar instrumentos que compartan un mejor rango similar, por así decirlo. Si crees que la melodía principal suena muy bien aquí entre C cuatro y C cinco, como en este caso en el violín, encuentra otro instrumento que suene muy bien en esa gama. Entonces tal vez no el rango más alto de los cuernos o lo que sea. Ah, o, por ejemplo, las flautas lucharán si van más bajas, pero brillan en los rangos más altos. Entonces si tú, por ejemplo, tocas una melodía líder con concha debe, entonces tal vez puedas vivir al unísono con cuernos porque esos instrumentos comparten el um similar , mejor rango para su color tonal y carácter, estratificación en octavas para poder y claridad. Entonces lo que sea que las partes ahí en octavas en tu composición se volverá mucho más potente y claro y cortado en la mezcla. Entonces digamos un gran ejemplo de esto son las partes de respaldo como canchas para la nota más baja. Generalmente, la base aquí se pone con concha debe, por ejemplo, una octava arriba, porque eso agrega peso y claridad Como se puede escuchar de esto, realmente se escucha más claramente ahí porque fuera de la estratificando, estos baja la base más profunda con un caparazón más alto. Ah, rango. Ahora lo mismo va para tus melodías, claro. Entonces si tomas esta melodía líder aquí el violín c cuatro a C cinco y lo recubres con la flauta y octava más arriba aquí entre C cinco y C seis, que suena así ahora en el primer caso cuando hicimos capas en Jenison, eso es más para tono, color y claridad o cosas de carácter caso si una capa la primera la violencia aquí con la flauta, se volverá mucho más clara en la mezcla sobre ella también puede volverse más potente ya que ocupas mucho más espacio si checas aquí en Ah, vamos a ver aquí. Si traigo esto aquí arriba, esta es la parte amarilla. Es la violencia que lleva melodía esta en octava más alta Así se vuelven más poderosos al tomar más de Ah, la sala armónica aquí en el arreglo. Ahora lo que puedes hacer es ir también en la otra dirección para ponerlo o no abajo, como lo he hecho con los cuernos porque creo que brillan. Ah, un poco. Voto estuvieron en el rango aquí. Entonces suenan así. Proporcionan más de ese tono poderoso, audaz de los senos. Junto con la violencia, Theo proporcionan más peso mientras que las flautas una octava más alta, proporcionan más claridad de extremo alto y brillo. Ah, ahora, si volviera a tener el clarinete, sólo el tono más frío en Judson. Nos debemos justo la violencia, Theo. Enorme diferencia dependiendo de cómo orquestes en capas, veering selectivo para acentos y aumento. Entonces con acentos, en realidad quiero decir que ex ent las notas más fuertes de tu melodía. Y por aumento, generalmente me refiero a lo mismo. Pero puedes agregar un poco más como travieso. No un acentos duros, pero ah, un poco más de las notas más fuertes. Entonces, ¿a qué me refiero con esto? Bueno, estos anaranjados de aquí serían capas anaranjadas oscuras o en realidad lo que yo llamo el estratificación selectiva fuera de la Milady. Entonces si tomamos la delantera en medio de la escucha los violines Ahora, si reviso el horror, Pierre y lo abro, puedes ver digamos, ¿por qué no lo veo a ambos así? Se puede ver que he presentado algunas de las notas o la melodía o si se piensa en ello de la manera contraria tengo o elogiado lo que considero son las notas más fuertes fuera de la melodía. Ah, así que esta es, por supuesto, una elección creativa que tienes que hacer. Pero me refería al pom pom pom algo, um, término. Pero se puede, por supuesto. Pero quieren modificarlo así. En su lugar. Por lo que en realidad crea un grupo diferente. Hecho. 10 10 10 10. Como se puede escuchar de esto, creo que esta es una elección que tienes que hacer como compositor, pero esencialmente aumentar las notas a las que naciste. Ah, bueno hacerse más claro en la mezcla. Y en general me gusta usar Ah más enfocada, sonidos para estos sonidos que tienen un ataque más claro, más nítido como terror de piano, cuerdas pizzicato, por ejemplo, mazos y tan cálido. Y, ah, si quieres ir en la dirección más extrema como acentos aquí acabo de usar básico del del del piano 111 en el del jabalí. Excepto aquí es saber, Así que el piano es simple de esto, que suena bastante estúpido en su propio púbico con ese montón de silencio en el medio. Pero cuando alfabetizo arriba en la milady líder O inmensas esas notas más fuertes. Por lo que en realidad he hecho diferente aumento con el arpa y el piano, lo que crea aún más complejidad. Si lo revisas aquí, por fin, una propina de bonificación aquí si quieres ir. Incluso Mawr extremo con estratificación es realmente tomar esta melodía líder aquí y en otra instancia, jugando en instancia, Harmony no al unísono, no octavas, no octavas, unísono ni octavas con la estratificación aumentada o selectiva sobre una línea hormonal real. que pudieras tomar, por ejemplo, este clarinete y en su lugar o sí, este clarinete. Y en lugar de tocarlo, um, en el pelo exacto al unísono, quizá seguro que lo harías jugar por ejemplo, 1/3 arriba. Por supuesto, debes asegurarte de que los Armonistas sean respetados por la clave y escalar que jugos, por lo que algunas de estas necesitan ser transpuestas para hacer coincidir las armonías. Pero aún así, eso podría agregar una complejidad aún más rica a tu arreglo. Entonces escuchemos esto de nuevo en la fina alidad. Todo se capa uno encima del otro, y en realidad voy a silenciar las cuerdas. Investiga. Sólo puede escuchar los puertos melódicos, que suenan así. Esa es la audición del velo de apagado para tus melodías. Así que toma acción ahora y practica el poder apagado de la audición muy o melodías al unísono para practicar Kohler tonal y carácter. Ahí, en octavas para proporcionar potencia y claridad, utiliza Cilic Steve, estratiendo para acentos y aumentando ciertas notas más fuertes en tus melodías. Y si quieres ir a práctica realmente avanzada, estratiendo a tu milady líder en armonías. 16. Consejos para crear melodías memorables: ahora en este video, realidad te daré consejos prácticos para crear melodías memorables. Aquí vamos simplicidad. Ahora bien, si quieres escribir una melodía memorable, en la mayoría de los casos quieres mantenerla simple para que la gente pueda tararear con ella. Entonces si es demasiado complejo, gente generalmente no lo recordará. Entonces, por ejemplo, toma esta melodía de El Señor de los Anillos. Ya sabes, es muy sencillo. Tanto la armonía, que va de un núcleo a la D mayor, que g mayor y una mayor. Pero echa un vistazo a la medalla esta bien. Es así se está centrando en las tres notas en la D hecha constancia con esta nota de transición. De lo contrario, es sólo atenerse a esas armonías de ahí. Ahora tomemos otro ejemplo. Por ejemplo, Ah, Star Wars, La cosa de la fuerza, que va así. Entonces de nuevo, el patrón fuera de las notas en estos recuerdos es en realidad muy simple, pero tiene tanta emoción en él, así que básicamente es thes notas en las que evoluciona alrededor. Entonces la línea de bajo simplemente va, por lo que las armonías, el patrón para la progresión armónica es simple y la estabilidad sobre el patrón melódico también. Ahora otra forma de hacer que tu melodía destaque y sea memorable es ir en la otra dirección, hacerla realmente original y única para destacar. Podría ser más difícil tararear, también, pero definitivamente será algo que la gente recuerde. Por ejemplo, el tema Pink Panter. Ah, los cursos súper peculiares y originales y que donde puedes hacerlo memorable también. También puedes hacer que tus melodías destaquen al incluir el vinilo Teoh. Pequeñas sorpresas para el oyente dentro de todo el patrón melódico. Entonces no súper peculiar y regional, pero tal vez uno o dos en modulación a lo largo de la historia fuera de tu progresión melódica algo así como, por ejemplo, una in modulación donde el oyente espera un acorde menor encendido. ¿ Daste un récord mayor en su lugar? Como en esta tierra del Rey León, que va así, uh, uh, sobre la modulación. Por lo que la voz para las canchas ahí van a e una mayor en lugar fuera menor. Y eso viene como una sorpresa e incluye Ah, en la segunda parte de este tema, esa modulación también, emoción. Ahora esta podría ser la pauta más importante porque si quieres que tu melodiosa sea memorable necesitas tener mucha emoción en ellas. No tiene por qué ser triste y trágico. También puede ser feliz y edificante. Nuestro campo mayor, por ejemplo, tomaría el tema de la película Thor. Va algo así. Entonces, ¿cómo haces que tus melodías sean emocionales Mientras que lo principal es centrarse en el estilo de juego para tu frase melódica, en la mayoría de los casos, en la mayoría de los casos, las transiciones de nariz y pierna más largas de Otto, lo que significa una transición suave entre la nose es mawr emocional, que es el caso,por ejemplo, por ejemplo, aquí en la banda sonora de Thor on incluso estoy sosteniendo el pedal de sustain entre la transición ahí para asegurarme de que consigo esas transiciones Lego fluyen tan suave en tus melodías. Es muy emotivo. El otro es la dinámica. Entonces si toco en la variación dinámica del piano, lo que significa, um, lo duro que golpeo las notas básicamente la diferencia ahí en la dinámica. Pero aún más importante para la dinámica a lo largo del tiempo, que se puede controlar en las cuerdas. Viento de madera de latón desde etcétera modulando la expresión dinámica como esta siguiente, agregando otros tipos de expresión a lo largo del tiempo como por ejemplo, agregando el auto amplio Andi haciendo algún tipo de articulaciones expresivas como doblarse en el nota y otras articulaciones como esa para realmente agregar emoción a la hilaridad melódica frase. Y esto en realidad es súper importante, pero a veces un poco descuidado por los compositores de música, que es que si quieres crear melodías memorables en tus composiciones musicales, asegúrate de que sobresalgan en comparación con todos los demás puertos el ritmo, las armonías y otras partes de tu música, lo que significa dos cosas. Sonoridad, lo que significa lo ruidosas que son tus melodías principales, que viene de lo dinámico, un celoso cuanto las capas en octavas y al unísono y al arreglo. Entonces si tocas la melodía principal así, asegúrate de que donde los principales militares del maillot enfocaron este centro tonal y rango ah , que otros instrumentos no interfieran demasiado en estos rangos. Por lo que si quieres agregar armonías, asegúrate de que puedes enfocarte en el extremo inferior y quizás algunas veces en el extremo superior. Pero más del extremo inferior. La base, por supuesto, está aquí abajo, e incluso ritmos. Quieres quizás enfocar mawr fuera del rango de tu milady. Quieres crear esa claridad porque el enfoque fuera de la melodía la hace destacar y hace que la gente realmente tararee a tu melodía, y eso la hace memorable. Repetición. Una melodía memorable a menudo incluye varios grados de repetición sobre esto va en dos sentidos. En primer lugar, la repetición en el surco rítmico como segundo, la repetición en los intervalos utilizados en la melodía. Entonces, por ejemplo, toma esto de Jurassic Park. Realmente se centra en esto en entonces. Ah, esos intervalos jefes hacia arriba sobre el surco general sigue ahí. Tres. Ahora tomemos el tema de Piratas del Caribe, que va así. Esa fue la primera vez y luego la segunda parte repetición Oriente con una sola diferencia. Era sólo una nota aquí, en lugar de así la primera vez que termina y la segunda vez así. De lo contrario es toma acto, mismo viaje patrón. Por lo que debes pensar en todo tu tema melódico como una historia con varios segmentos, un principio, un medio y un final. Por lo que quieres empezar y luego ir de viaje y luego volver a casa. Entonces déjame crear algo como esto. Por ejemplo, tomemos una melodía en D menor. Segmenta un segmento Tú, que es casi una repetición pero caliente yendo más alto. Por lo que tenemos la parte de repetición de la memorable Milady ahí y luego continuar camino correcto, muy emocionado. Y luego volvamos a casa. Ah, vamos. En la mayoría de los casos, tú, por supuesto, comienzas en el Tonique el cordón de ruta de tu báscula y terminas en eso también. En muchos casos, incluso comienzas y terminas en la misma nota. Ahora quiero que tomes acción y practiques todas las pautas y elementos que entra en crear una melodía y todos estos siete consejos para crear melodías memorables. Buena suerte, amigo mío, y diviértete creando melodías memorables para tu música. 17. Proyecto - Instinct de sonido: felicitaciones. Ya has aprendido los fundamentos geniales de la melodía y los temas en la composición musical así como en Dios. Un montón de ejemplos en vivo, incluyendo mis consejos y pautas creativos y prácticos. Ahora es momento de tu asignación final fuera de este modelo, que yo llamo instinto sonoro, porque para poder subir de nivel y evolucionar como compositor musical, tendrás que desarrollar un buen oído para la música y el sonido escuchando y analizando producciones profesionales. Tu tarea está ahí para lo que yo llamo instinto sonoro, decir, escuchar música con toda tu atención y analizar todo lo que está pasando. En este caso, tu enfoque será, por supuesto, melodías y temas principales de la música. Asegúrate de escuchar los detalles de lo que se está jugando. Tempo, instrumentos clave y mezcla de sonido, expresión de estilo de reproducción, intervalos utilizados, por supuesto. Y así ahora te daré una lista de grandes ejemplos fuera del espacio Composiciones Sifi que puedes usar como punto de partida para estos ejercicios. Pero claro, puedes usar cualquier pista con melodía y tema. Entonces ahora adelante y haz este instinto sonoro, ejercicio para desarrollar tu oído e instinto para melodías y temas en acción. Entonces sigamos tu viaje en el siguiente video 18. Entorno y iluminado: en este video, vas a aprender mis pautas para melodías edificantes y deslumbrantes en la música. Uptempo bpm, tan edificante y ligero para la música se beneficia de un tempo medio a alto o como lo llamo Temple BPM. En algún lugar alrededor de 140 puede ser un buen punto de partida, que puede sonar algo así como esta gran escala y armonías. Entonces, por supuesto, para esa vibra edificante, quieres enfocarte en la escala mayor y los acordes mayores de esa escala, especialmente el 145 Así que digamos que tienes D mayor escala conseguir D mayor G mayor y una mayor. Por lo que una buena pauta puede ser enfocar tus principales notas fuertes en tu hasta desperdiciar y relajado melodioso en esos tres acordes, por ejemplo, algo así evitó la disonancia. Ahora para la mayoría de los tipos de música. En realidad, lanzar alguna tensión y armonías e intervalos inesperados a tu línea de historia realmente puede crear alguna variación e interés para el oyente. No obstante, cuando se quiere esa vibra edificante y deslumbrante, realmente se debe enfocar en la mayor escala mayor. Y también la vibra deslumbrada significa que los oyentes realmente deberían esperar la mayoría de las cosas que vienen a continuación. Entonces no realmente en sus repentinas notas diatónicas conocidas como esa realmente no encaja en la vibra edificante en luz ordenada. No hay núcleos de tensión como el cuarto disminuido o algo así. Ahora bien, si quieres lanzar alguna sorpresa o giro, podrías ir a un núcleo mayor cuando debería ser un acorde menor. Entonces en el caso sobre el mayor, el segundo cuarto de E menor bien, module que e mayor en lugar de algo como esto encendido ahora te dan algo de sorpresa, pero es una edificante Es el precio, por así decirlo? Invita ahora a instrumentación para esa sensación ligera ordenada. Realmente queremos enfocar tus melodías líderes en ah, más delgadas, delgadas, área más ligera e instrumentos de alta gama. Entonces no secciones súper gruesas, sino, por ejemplo, flauta de viola solo violín, piccolo, los mazos de piano de llave alta pueden funcionar Willis para esto en. Y por supuesto, puedes unirlos para crear algo como esto. Por ejemplo, enfoque de alto rango. Por lo que no sólo los propios instrumentos juegan un papel aquí, sino en realidad donde tocas tus notas. Entonces, por ejemplo, recomiendo entrar en el rango más alto aquí para ese personaje realmente edificante en ligero corazón . Entonces digamos que capa un violín solista con la flauta y el piccolo. Entonces incluso hice para que el piccolo esté jugando una octava más alta y la gripe le va bien. Entonces puedes tocar algo aquí y tener el piccolo y la flauta aquí arriba. Mills E está aquí, por lo que arriba del medio C. Incluso un roble se quedó más alto podría ser un gran punto de partida, al menos estilo de juego flotante. Entonces, para la vibra edificante, realmente no necesitas este equilibrio de estilo de juego de saltos rítmicos. Como yo lo llamo, Puedes simplemente ir con algo como esto que puede crear un sonido amore edificante pero ideal lamer o lírico. No obstante, si quieres más corazón ligero, recomiendo hacer más cosas rítmicas y agregarle algo de groove y límites. Al igual que, toma acción ahora y practica, creando melodías edificantes y deslumbrantes. 19. Acción y energía: en este video, vas a aprender mis mejores pautas y consejos para crear melodías que se enfoquen en la acción y la energía. Tempo de acción rápida. A modo de pauta, generalmente almacené en algún lugar en el rango de 1 40 a 1 80 bpm, así que ahora lo he puesto entre aquí en 1 60 On it puede sonar algo como este estilo de juego rítmico . Por lo que te recomiendo que pienses percusiva cuando creas tus melodías para la vibra de acción y energía. Entonces, en lugar de tocar algo así con notas y transiciones legales, realmente consideras que tu teclado es un conjunto de batería que puede tocar melodías. Notas tan cortas y realmente piensa en el ritmo, el surco de tus melodías. Tocas algo como esto es eso, o quizá días en los que podría reconocer articulaciones acentuadas. Por lo que no todos emitieron tu enfoque en estilos de juego cortos y rítmicos, sino también desde los puntos dinámicos de ti. Piensa en los acentos más duros de tu melodía de acción y energía. Por lo que apuñala a Mark Otto para Sato en la respiración y así sucesivamente. Esas articulaciones que tienen un acento más fuerte y más enfatizado en el principio para que puedas tocar algo así si tocas rítmico. Agrega esos acentos más duros con mayor dinámica en tu acción y energía. Milady. ADM. O notas. Cuanto más no añades a tu melodía, más acción y energía a través de baliza se obtienen, y puedes hacerlo de dos maneras. Básicamente repeticiones, lo que significa que repites la misma nota como una ráfaga de notas sobre la misma como esa en nota también gracia , como las llamo el En entre notas de las notas fuertes de melodía. Entonces si tus melodías como tú, puedes agregar las que están entre notas para que sea como y eso se suma a la energía se hincha viable para que puedas hacer algo como esto. Por ejemplo, los votos son movimiento de voz. Entonces si tus melodías se mueven por Mawr, te meterás en más acción y energía vibra. Eso significa las progresiones de acordes con cambios de corte más rápidos así como los intervalos. Cambios de intervalo más rápidos en tus melodías algo así, por ejemplo, ahora toma acción y practica estos consejos y pautas para crear melodías que se enfoquen en la acción y la energía. 20. Emocional y hermoso: en este video, vas a aprender mis consejos y pautas para crear melodías que se enfoquen en un sonido emocional y hermoso, sin embargo, sin embargo, para conocer a Tempo como punto de partida, recomendaría en algún lugar de la van de 80 a 1 30 bpm por esa emotiva y hermosa vibra en tus melodías. Entonces lo he dicho a 10 aquí en mi d W. Y vamos a ver cómo eso puede sonar a estilo de juego de vehículos. Con esto, quiero decir que se enfoca en notas más largas y conectó el ir a transiciones por esa vibra realmente emocional y hermosa. Algo así, por ejemplo, sonido más suave. Por lo que obtendrás un sonido más emocional si te enfocas en la dinámica más baja, coserla disminuyó dinámica al tocar y no demasiado estratificación al sonido gordo creativo , sino más bien unos sonidos íntimos y hermosos. Entonces he excluido, por ejemplo, la hierba en esto, así que solo son cuerdas, flauta y el piano en una dinámica más suave. Entonces dijiste fuera de jugar así con tu dinámica y montones de capas lo hacen más suave, algo así en cambio, armonías menores para emoción extra, y con esto, quiero decir que puedes por supuesto crear emocional y hermoso metal, se está enfocando en canchas mayores, como si mayores así, porque la música y la emoción que obtienes es más sobre cómo tocas algo que lo que tocas. Pero aún así, si quieres emoción extra profunda, recomiendo ir por las escalas menores. Entonces algo así como en D Menor, por ejemplo, voz suss líder para una belleza extra. Y con esto me refiero fuera de curso acordes suspendidos, porque esos realmente pueden agregar un carácter mágico y hermoso y anhelo de resolver. Entonces si empiezas con, por ejemplo, si quiero ir a ver, quizá quieras incluir este cuarto suspendido ahí. Entonces la voz superior es, por supuesto, la melodía en tu profesión. Entonces algo así como, tal vez quieras ir hasta Teoh. Si es así, estudio, solo toca la parte superior, escucha voces para que puedas escucharla con más claridad. Minimalismo para emoción enfocada. Entonces para realmente hermosas que melodías emocionales puedes beneficiarte de tocarlas ya sea por un instrumento en solitario o por una sección individual, lugar de tener mucho de en samba se estratifica entre sí. Por ejemplo, una flauta solista como ésta o ah, violín solitario o incluso una sección de violín como ésta. Ahora adelante y practica, creando melodías que se enfocan en la emoción y la belleza. 21. Poder y fuerza: Ahora vas a aprender mis mejores pautas para crear melodías que se enfoquen en el poder y fuerza, sin embargo, sin embargo, para conocer a Tempo. Por lo que recomendaría como punto de partida enfocarme en algún lugar del rango de 90 a 120 bpm para esa vibra realmente poderosa. Entonces permítanme demostrar esto. He dicho el tempo a 90 bpm para crear algo como esto todo quizás yendo al rango más alto fuera de mi recomendación alrededor de 1 20 como este, el rango para un tono cálido y calvo tan generalmente para ese poderoso y lo más importante, fuerza vibe. Quieres enfocar tus melodías aquí debajo del medio C Así que tal vez algo como esto comparado con tocar aparecen notas largas para la autoridad. Por lo que en comparación con tocar rítmico así cuando se agregan notas más largas, que pueden ser más llamadas a acentos o notas más largas sostenidas con alta dinámica, generalmente se obtiene más poder en forma de autoridad como esta. Por ejemplo, Hi dynamics. Entonces con esto, me refiero tanto acentos duros como puñaladas dedos marco para articulaciones Soto y así sucesivamente, pero también contratos realmente grandes y usando dinámicas de alta fortissimo para hacer que tus melodías destaquen y alimenten más poderosas. Entonces en comparación con jugar bajo así, realmente empujan esas dinámicas hacia arriba y sumen los duros accidentes en forma de más articulaciones de entrenador y así sucesivamente. Algo así. Sonidos atrevidos. Por lo que para crear una melodía que tenga poder y fuerza como foco principal, quieres hacer un montón de estratificación de instrumentos y partes y también enfocarte más en bols más grandes y som en lugar de sección en solitario. Entonces, por ejemplo, en lugar de hacer una parte de flauta como esta, que es ligera y aireada, especie de delgada en la mezcla y, bueno, lo opuesto fuera de potencia y fuerza. Básicamente, quieres entrar todo con grandes secciones de cuerdas combinadas con secciones de pechos grandes y juradas y capas todo hasta crear unos sonidos más completos, profundos y poderosos. Algo así como esta voz lenta que conduce tanto para los tribunales como para las armonías y armonías. También me refiero a los intervalos utilizados en tu melodía real. Entonces en lugar de tocar algo menos, que es lo rítmico pero también va por todo el lugar con las armonías ahí con voz liderando, quieres enfocarte si quieres crear melodías con poder y fuerza. En lento estaban liderando la voz, así que no hagas demasiados intervalos en tu melodía y demasiados cambios de acorde o algo así como Ahora, adelante y practica acción creando y dando forma a melodías que se enfocan en el poder y fuerza. 22. Oscuro y malo: En este video aprenderás mis pautas para crear melodías con un personaje idiota y malvado , sin embargo, sin embargo, para conocer tempo por esa atmósfera oscura y malvada, te recomiendo un punto de partida para estar en algún lugar alrededor del 75 al 1 20 b. P. M. Por supuesto, bajo bpm, más tonta atmósfera e creas, alto vas, más acción e intensidad puedes agregar a ese personaje oscuro y malvado. Entonces, por ejemplo, a 75 ppm, podría querer crear algo como esto. De acuerdo, en si vas más alto a los 20 o en algún lugar por ahí, es posible que quieras crear mawr. tono autoritario en tu metal oscuro es como minis decentes y tor. Entonces por supuesto, para la vibra oscura y malvada, quieres enfocar tus cuerdas, liderar la voz e intervalos en tu melodía principal en cambios disonantes como el más importante es probablemente el medio paso o segundo menor. Por lo que esta asegúrate de enfocarte en tu voz liderando en ese intervalo. Entonces, por ejemplo, algo así lo oscuridad vs alta tensión. Entonces esto se trata de alcance. Cuando enfocas tu rango aquí en la poca lluvia, ella obtendrá ese tono más tork y malvado, mientras que el rango alto se obtiene más de un sonido intenso de tambaleo tipo tensión. Entonces, por ejemplo, si jugó aquí abajo, se puede conseguir oscuridad versus la alta tensión camino aquí arriba. Todavía en los intervalos disonantes. Factura líder. Por supuesto, ritmo intenso versus autoridad sostiene para que puedas enfocar tus melodías oscuras en el estilo de juego rítmico mawr para ese sonido intenso como este, las armonías disonantes ahí y la voz que lidera por esa intensidad en el tocado como una especie más de, um, mal en el sentido del caos. Pero también se puede ir por el otro lado, que es la autoridad sostiene. Entonces no tanto On Read Me play styles. Voy a cambiar las articulaciones tumba o ya sostener sonidos a algo así. No hay ojos frágiles contra montaña poderosa. Con esto, quiero decir, la mezcla real de sonidos para usar para crear tus habilidades oscuras y malvadas puede o bien ir con un sonido muy delgado y crujiente, por ejemplo, con instrumentos en solitario y muchas veces Maurin el llave alta. Pero también puede ser el rango bajo. Entonces, por ejemplo, con la violencia se podría crear algo como esto o él puede optar por ir por el sonido tipo montaña poderoso , que a menudo está tocando Maurin gama baja. Pero lo más importante, donde tu instrumento vaguer importa y usa más grande en muros de samba para tocar tu molino oscuro y malvado. Esto para que puedas crear algo como esto, por ejemplo, ahora tomar acción y practicar, creando melodías que se enfocan en un personaje idiota y malvado. 23. LOTR - la concha: en este video, vamos a descomponer la esencia del tema Shire de Lord of the Anillos. Entonces empecemos de inmediato. Mi primer punto es el sonido mayor en 145 con un fuerte enfoque en el tercio mayor. Y con esto quiero decir si se echa un vistazo a lo que están haciendo las armonías y la melodía Así va de D G a. las canchas mayores en la escala mayor 145 Y si se toma una escucha las notas de melodía aquí y yo sólo tocaré en las notas de raíz base aquí con mi mano izquierda Así va la melodía y creo que la melodía sabe tiene un enfoque más fuerte en los tercios mayores. Si empezamos aquí, Piensa es el mayor, aterriza ahí y se mantiene por un momento, y el siguiente es cae sobre el tercero sobre el G mayor, también el tercero con un mayor. Por lo que, combinado con los tres tribunales mayores, hace que este tema sea muy edificante y mayor instrumentación ligera. Y esto va para toda la composición que los tiene o mínimo y disposición deportiva para darle esa luz de corazón y la igualdad de aire que así como el hecho de que las melodías líderes o basadas aquí en las altas gamas Anoke estable tan por encima de Media C y la Lady Melody está enfocada en cuerdas solares y solares, Baldwin o más específicamente, violín solitario, esa flauta solista. Entonces lo que juego aquí es en realidad una combinación de ambos. Pero más específicamente, la primera melodía principal está enfocada a la flauta solista, mientras que la segunda está enfocada al violín solista. El militar principal es muy suave y lírico para darle a este tema esa vibra romántica e idílica . Pero también incluye muchas notas de gracia rápidas, lo que agrega estilo. Entonces déjame mostrarte. Sí, así que esa es la primera parte de la melodía principal. Muy suave y lírica. Pero si añado esas notas de gracia rápidas, realmente agrega algo de emoción a la melodía. Entonces si vas a ir de Tracia, señaló esto ahora, puedes sumar esos fast race sabe en medio en la transición entre las notas o algo así como la segunda melodía principal aquí en el tema Shire es más jumpy y rebotable con esas paradas rápidas, y lo toca el violín en solitario. Entonces va algo así ahora adelante y practica el tema Shire de Lord of the Anillos y luego sigamos con el siguiente video. 24. Thor - tema principal: Ahora, en este video, vamos a descomponer la melodía principal y el tema principal de la película Thor, que está compuesta por Patrick Doyle. Entonces primero tiene estas majestuosas armonía mayor, que viene del hecho de que utiliza, si mayor, si mayor y se centra mucho en el acorde 145. Entonces si b plana mayor en D. C. Así que déjame tocar esto usando la voz viva y las inversiones, se puede escuchar claramente el tema en él, así que esa es la primera repetición de temas aterriza en los cinco. Después repite la misma progresión, um, um, y termina en la que en su lugar. Por lo que los partidos finales en lugar de estos cinco, se va a la de esta manera a la cadencia ahí. El tema tiene un sonido muy cálido y audaz, que proviene principalmente del hecho de que utiliza aunque rangos pechos y cuerdas para el tema principal como este. También es lírica y lisa, lo que se suma a la noble vibra. Como se puede escuchar tiene esto poco a poco ir al movimiento agraciado. Sí, como si fueras rey lenta y graciosamente caminando por un corporativo rojo. La melodía líder también tiene un alcance muy corto y limitado, lo que le da una sensación de estabilidad y autoridad. Entonces si lo revisas aquí, si lo juego aquí arriba, Theo. Entonces como se puede ver la nota más baja en estos militarios, está aquí? Entonces es este piso B. Entonces este es el rango limitado, que realmente se suma a esa estabilidad y gracia vibra. Entonces en realidad tiene voz suspendida liderando tanto en la primera parte de la melodía como en la segunda, que tiene hermosa emoción de ese flujo en la voz que conduce. Entonces si lo toco con las canchas aquí así realmente lo puedo escuchar aquí viene a Suss para donde la parte principal de la voz de Port top aquí para System Main Melody va de F a E para resolver ese acorde C mayor. Creo que la segunda parte de la melodía en realidad entra en vibras menores. Por lo que tenía alguna vibra emocional porque esto resuelve Así que la segunda parte del tema sube a un menor aquí arriba entonces a ver siete on if sauce para así otra vez, alguna voz suspendida que conduce ahí otra vez, tocando esto en resolver al cadencia. Así que adelante y practica este tema principal para realmente familiarizarse con estas vibra majestuosa y mayor. Por lo que te recomiendo tocar el bajo con la mano izquierda con octavas y Onley la melodía voz con tu mano derecha así. Es decir, continuar con la segunda parte fuera del tema también. 25. Pirates del cariño: tema principal: todo bien. Ahora vamos a analizar el tema principal de Piratas del Caribe. Al menos tener una gente que esté más familiarizada. Entonces, claro que lo es. Este el así. El primer punto aquí es que tiene un estilo de juego de acción muy rítmico. Comparativa hermosa pierna definitiva Ledee. Entonces, por supuesto, atascados en hablar fuera de cuerdas. He vivido aquí un piano para mayor claridad, pero es principalmente usando staccato y articulaciones cortas. Entonces y también tiene un muy tipo de surco percusivo al estilo de la melodía. Entonces básicamente, se puede pensar en conjunto de tambor tocando este pero muy tambor como sentir como realmente se puede escuchar de todos aquellos hablan articulaciones staccato catalán on. Además, se centra más en el tiempo y el groove sobre esas notas en una melodía. Pero en Tampa, comparación con las notas de melodía reales. Ah, otro aspecto de esto es lo es. Tiene una vibra muy edificante, a pesar de que está escrito en D menor el. Este es el caso de toda esta banda sonora en París del Caribe, que fueron, creo que básicamente cada tema está en menor importancia en una clave menor, pero la vibra edificante viene del mismo estilo de juego, cómo tú jugó si juegas en su tipo jumpy, groovy y abrupto fuera del estilo de juego. Obtienes ese estilo mawr casi cómico, um, y vibra edificante. Entonces te pones si cambio esto para jugar en la cancha. Sí, se pone, ah, más triste porque está en una llave menor. Y usa mucho a este Hans Timmer en la banda sonora, donde va de este estilo edificante e inspirador, casi cómico, um, um, tocando estilos. Y luego va y toca los mismos temas, desacelerando con gracia con las transiciones de Agata, lo que la hace más emocional. También, otra cosa que es importante saber sobre este tema principal es que utiliza mucha repetición , tanto en los ritmos reales que aton Toronto en Toronto como, um, y en el fraseamiento real del notas. Entonces si escuchas esto la primera vez que se va así, hay que cambiarlo de nuevo, Teoh los acordes staccato. Entonces la primera vez que se va así, eso fueron básicamente dos repeticiones. La única diferencia es que en el final comparado con ese final, lo contrario, creo que fue exactamente lo mismo. Y luego se va a la segunda apaga la frase así y mucho de estos movimientos, pero a eso que eso que eso eso que mejor, sigue siendo el mismo tipo off groove. Y esa es una forma de obtener estabilidad aburrida básicamente y familiaridad familiar para los oyentes fuera de tu tema principal y melodías. Ahora el rango de estas melodías está en realidad sobre una octava, lo que en realidad se suma a la intensidad en acción y vibra caótica un poco debido al estilo de juego así como a la nariz que va por todo el mapa, por así decirlo. Por lo que empieza aquí en la A y va a D's así. Creo que eso se repite, por supuesto, dos veces. Y luego la segunda parte del equipo está encendida, y luego sube como esta cosa. Por lo que eso significa que va de una en la nota más baja de tema y B plano en la parte superior. Notas sobre Oak Save y un cementerio Ahora toma acción y practica tocando este tema melódico real de París del Caribe y lo más importante, solo practica estos estilos de juego vívidos, mansos y de acción para tus melodías y temas. 26. Breakdown en vivo: viento suave de los Hearts: en este video, vamos a revisar detrás de bambalinas fuera de mi composición llamada viento suave de corazones y ver cómo se usan las melodías principales y cómo tocan junto con las otras partes fuera la composición musical. Está bien, bien, así que esta es toda la composición encendida. Ya he destacado estos tres temas, como puedes ver, porque quiero mostrarte lo más importante con melodías y cómo organizar tus voces en tus composiciones musicales. Porque aquí hay top folder, que yo llamo historia es en realidad un simulacro de toda la composición con los elementos más importantes ritmo, bajo, armonía y melodía. Por lo que en realidad incluso silencié las partes del ritmo. Simplemente puedes echar un vistazo a estas tres pistas la base, que es la voz más baja en armonía. Ah, el curso y armonías y la voz de melodía principal. Por lo que al entrar en el piano roll, se puede ver esto ya que tengo carrera claramente los etiquetó con colores, las voces de fondo, la base moviéndose mucho lentamente aquí las voces medias, todas las canchas y armonías que retroceden la voz superior, que es la melodía. Entonces vamos a escuchar este obstáculo es un fragmento corto de él y realmente notemos cómo funcionan todos juntos y que la voz inferior proporciona ese anclaje total para tu música. El armonía crea la profundidad y complejidad y variación y movimiento. Y la voz superior es el foco de tu música. Entonces jugando en 321 Sí. De acuerdo, entonces básicamente se repite aquí con un giro ligeramente diferente. Y luego, ah, el curso, Milady entra aquí. Por lo que la segunda parte de las lesiones básicamente igual con un giro subiendo y luego bajando . Y entonces el deporte del coro entra aquí mismo. Está bien, Así que como se puede oír, tiene los elementos principales. Por supuesto, no suena tan bien, porque simplemente no miraba hacia arriba los puertos principales. Ahora, si soy u eso y entramos en la composición real y comprobamos cómo lo he arreglado, abramos todo excepto la carpeta de historias y eliminemos todo lo que no se usa. Por lo que primero empiezo con muy poca percusión, ritmo muy literal y me enfoco en la base, las armonías aquí y las melodías líderes realmente interpretadas por Viola aquí en el mar para C cinco arriba una gama. Ah, veamos en su puesto con obo al unísono, que suena así, ¿por qué no se juega el viejo balón? Lo es, pero apenas es menor en volumen, por lo que el oboe proporciona parte de ese video show. Encuentro que el oboe tiene uno de los V más bellos adeudos traídos en toda la orquesta y realmente puede proporcionar ese romántico Kohler, que era lo que estaba ofreciendo este track. Es algo inusual dejar que los Viola se ocupen de la milady líder porque suena un poco agudo. Pero quería empezar con eso en un principio que los escalofríos y la violencia se apoderan aquí en la segunda parte del coro. Porque esto es por todos nosotros usualmente tenemos ese sonido un poco más duro. Entonces tengo un caballo que proporciona esto era arpegio vibe aquí, está bien. Y en la segunda parte de la intro, creo que aumento aquí a los militares con un glockenspiel, y eso podría no parecer mucho, pero en realidad marca la diferencia. Yo también más tarde lo con clarinete. Um, aquí 00 no, eso es en realidad la rendición de cuentas. Entonces vamos a la placa y se puede escuchar tres para bombardear. Por lo que siempre que añadas una melodía de contador, asegúrate de que esté marcado de nuevo en el fondo, en el nivel en el rango. Y así una vez o la melodía protagonista siempre estará enfocada. Ahora, para la segunda parte con el coro aquí, echemos un vistazo a esa milady líder, Um, un plato sobre violonchelo y oboe aquí. Entonces, claro, el violonchelo está estratiendo la melodía una octava por debajo de la cual ya has aprendido sobre estratificación al unísono en octavas que pueden ser arriba o abajo. Y creo que el glockenspiel está marcando muy alto aquí, también. Nosotros realmente cuidamos el brillo de vez en cuando En la segunda parte, fuera del coro, obtiene esta flauta también una octava más alta. También estratiendo con el oboe aquí y con un glockenspiel y con el caparazón estrangulador Oh, el inductivo por debajo de los violines todavía en C cuatro c cinco rancho aquí y luego la cuerda en muestras, por cierto, también, sólo tomándolo en el solo violonchelo, um, o vieja sección de violín, creo. Sí. Entonces vamos a escuchar la segunda parte del coro. Ahora bien, si me detengo ahí, lo que realmente es prestar atención es cuando haces cuando vas de un inter a coro, generalmente quieres que Teoh extienda la estratificación. Entonces aquí, um, el parto y el unísono va más allá donde entra el conjunto de cuerdas para capas la violencia los poco profundos que vienen una octava más baja general Aún unísono flauta una octava por encima glockenspiel y Octavia Bob porque realmente quieres hacer todo el sonido de tu melodía realmente más grueso y poderoso en el coro. Entonces se corta en la mezcla porque aquí vienen muchas otras cosas como una grande o no grande pero mortal pero mucha más percusión en comparación con la intro, por ejemplo. Ahora vamos a revisar también Ah, la melodía de contador Wish I have Ah, creo que está aquí en la flauta, realidad. Entonces si escuchas la primera parte aquí, correcto, Así que esa es la melodía líder en capas. Y entonces el desgarro de gripe realmente se encarga de las melodías de contador. De acuerdo, mi error. Esa no es una capa que sea una melodía de contador. Pero como todas las demás melodías principales o capas así, son son son oboe glockenspiel. Um, la flauta. Se necesita una posición de atrás realmente marca en el fondo, lo cual es genial para una melodía de contador. Suena así por su cuenta, justo en contexto. De verdad puedes oírlo ahora. Si yo supiera lo hizo realmente suma mucha de la complejidad y el sentimiento a estas melodía principal. Por lo que esta melodía de contador es realmente un compañero que agrega complejidad y personajes a la melodía principal y hace que todo el arreglo sea más interesante y tenga más variación. Y si llegamos al segundo coro, la melodía principal sigue aquí. Ahora traigo piano a capa solo aumento de día de metal así porque eso tiene un claro ataque de aumento que viene a través en la mezcla, lo que hace que la estabilidad sea aún más clara. Por lo que también se puede ver que las flautas o en este caso, realidad ah capas también. Entonces en lugar de tener estos contador de melodía en realidad está estratiendo todo el año, Andi, creo que más tarde aún más aquí. Sí, La segunda violencia viene en la segunda parte aquí, claro, subiendo una octava aquí y en realidad está cambiando a una melodía principal diferente, que se puede escuchar si toco la cuerda en samba, por ejemplo, aquí mismo. Por lo que cambia la melodía en la parte final del coro y de Dusty hacia arriba para luego asentarse al final en contexto, suena así. Echemos un vistazo a la melodía principal con los acordes puestos. Y digamos que estos dos tipos así de bien, cuando lo escuchamos habitación aquí. Entonces de nuevo, la lección muy importante es la estratificación, que realmente hace que tu melodía líder corte en la mezcla. El arreglo de voces canchas aquí en el bajo medio, por supuesto, abajo sobre las voces más altas. Por lo general, en la mayoría de los casos , la melodía principal , por supuesto, a menudo capa en octavas como esta, pero también que debes pensar en tu melodía como una historia. Se puede ver a la archaea yendo en olas y luego una dirección ascendente y luego asentándose con nariz más larga. Y en esta cadencia final, se resuelve. Muy bien, así que ese es un breve resumen de mi composición. Suave viento fuera de caballo. Espero que hayas recogido algunos consejos y monstruos y aprendas algo viendo detrás de bambalinas y obtuviste algunos consejos aquí que puedes aplicar a tus composiciones musicales cuando creas tus melodías en combinación con todas las demás fiestas utilizadas en tus huellas. 27. Congratulations y proyecto final: felicitaciones. Ya has aprendido los fundamentos, los lineamientos, estos secretos y mis consejos prácticos sobre melodías y temas en la composición musical. Ahora es el momento de que tomes acción y hagas tu tarea final. cual, por supuesto, es componer y producir tu propio tema principal y melodía, apoyado con algo de armonía y montada que se adapte a tu tema principal, elige un estilo específico y se alejó de la música, diseñado la paleta de sonido inicial en tu DW y luego empieza a componer. Mi nombre es Mike, y les deseo mucho éxito en su viaje profesional en la música.