Cómo crear increíbles progresiones de acordes

1. Tu aventura con progresiones de acordes: Hola creadores de música, te gustaría convertirte maestro de un acordes progresiones y dar forma a la historia, por supuesto, y armonías en tu música. ¿ Quieres escribir, dar forma y expresar tus progresiones acordes para que se sientan inspiradoras para tus oyentes? ¿ Estás cansado de acordes simples y aburridos de un bloque de barra y usar los mismos todos los tres o cuatro acordes y variaciones a lo largo de toda tu pista. Entonces te invito a ir en un viaje y aventura para dominar el verdadero poder de un acorde progresiones y armonía en la música, aprenderás los fundamentos de las progresiones y armonía acordes, lineamientos y técnicas profesionales, insights y secretos de los ejemplos en vivo. Y al final, podrás hacer música en todo tipo de sonido, colores, y emulsiones utilizando el poder de las canchas y la armonía de formas ilimitadas para expresar esta historia de tu música. Así que toma acción ahora y conviértete en un maestro de las progresiones de acordes. Se musica. 2. Qué es una progresión de acordes: ¿ Qué es realmente una progresión de acordes? Pensemos en esto por un momento. Porque a pesar de que hay una respuesta sencilla a esta pregunta, la verdad es un poco más compleja. Entonces la respuesta corta es una progresión del núcleo es una cadena de acordes que crean un patrón de cambios de código. Por ejemplo, digamos que usas los siguientes acordes en una pista, C Major, F mayor, G mayor, y una menor. Entonces tu progresión de acordes es simplemente el patrón de estos acordes que usas en tu pista. Y muchas veces esta secuencia de acordes será diferente para las diversas secciones de tu canción. Permítanme darles un ejemplo práctico de una progresión de acordes para un verso de introducción y coro, pero sólo usando estos cuatro acordes que acabo de mencionar. Entonces como pauta general, quieres mantener tus intros suaves y simples porque quieres guardar esa emoción y variación para partes posteriores de tu composición. Y esta es también la razón por la que quieres mantenerlos cortos porque lo contrario tienden a ser aburridos para la mayoría de los oyentes. Entonces, vamos a usar un patrón simple de F a C, y luego de F a C, nuevo, algo como esto. Entonces esa es la introducción. Sigamos con el verso ahora. Y ahora, presentemos los otros dos acordes, un menor y g Pero mantengamos la energía aún justa o mediana. Nivel energético. No demasiado emocionantes patrones de comping y patrones rítmicos, pero aún tiene algo más de energía. Entonces vamos de C Ahora. Un menor, dos veces F, C, una manera. Entonces ese es el último acorde, le dice al oyente que viene un cambio porque esa fue la primera vez que se usó el llamado. Y ahora vamos al coro. Ya tenemos todos estos cuatro acordes. Hagámoslo un poco más largo, cambios de núcleo más rápidos en algunos casos, por lo que no todos los costos son de la misma longitud antes del cambio. Hagamos algo con el MIT, un poco más de emoción. Entonces algo así. Estos son los fundamentos absolutos de las progresiones de acordes, lo que significa que tu progresión de acordes solo está describiendo la secuencia de acordes. Todo cambio de acorde que define el patrón de los códigos. No describe por cuánto tiempo se toca cada acorde antes de que cambie al siguiente acorde. No describe el estilo de juego de cada acorde, la instrumentación y la disposición de voz, las inversiones de acordes y las voces, etcétera. Hay tanto más para acortar progresiones que los acordes que usas. Como creador de música, tienes un poder creativo ilimitado para dar forma a los armónicos Tory en tu producción musical eligiendo cosas como inversiones de acordes, liderando la voz, estilos de reproducción, articulaciones expresivas, instrumentación, arreglos, estratificación, y mucho más. De hecho, aunque elijas usar solo tres acordes a lo largo de toda tu pista, seguirás teniendo infinita libertad creativa y opciones para hacer que tus progresiones de acordes suenen únicas. Muy bien, entonces ahora te voy a mostrar estos dos ejemplos rápidos que creé para demostrar tu ilimitado poder creativo como compositor musical en cómo expresas tus historias musicales, es decir, tus progresiones acordes y progresiones armónicas en tu música. Y así es como tocas tu música, no las progresiones de acordes que usas, porque estos dos ejemplos comparten exactamente la misma progresión de acordes. F menor, C y D plana mayor son los únicos tres cursos, tres acordes simples, el mismo orden exacto aquí, el patrón y la longitud antes de que cambie al siguiente acorde. La diferencia es cómo juego estas progresiones en el estilo de juego. El líder de la voz, la instrumentación, articulaciones, transiciones, etcétera. Entonces permítanme demostrar el primero y luego el comparado con lo drásticamente diferente que es el sonido emocional y el carácter en el siguiente. Jugando en 321. ¿ Verdad? Entonces eso tenía más de un estilo triste, emocional, pero aún así pop. En mi opinión. Usando sólo algunos tambores acústicos y bajo eléctrico y un patrón de reproducción de piano y compactación rítmica. Vamos a compararlo con el siguiente que es más bajo en templo, realidad se puede tener diferente tempo y firma de tiempo para cambiar la vibra también. Sigo usando el mismo kit de tambor, pero menor dinámica de rol y luego instrumentos más ligeros como puta, cuerdas pizzicato, regulaciones más cortas sobre vientos de madera. Y en lugar del bajo eléctrico, estoy usando unas cuerdas bajas, largos nodos volantes aquí. Entonces suena así. Como se puede escuchar, drásticamente diferente en comparación con el primer ejemplo, a pesar de que ambos comparten exactamente la misma progresión de acorde. Entonces ese es el poder creativo que tienes como compositor en cómo expresas tu música. Y también mostraré que puedes usar esto. Aunque todos usen un solo instrumento. Porque se podría decir, bueno, se utilizan varios instrumentos y articulaciones aquí. Pero hagamos un piano sencillo. Se puede tocar la misma progresión de acordes de tantas maneras diferentes. Entonces empecemos con algo aunque cuando suave así, Vamos a ir F menor. Entonces una transición por ahí, y así sucesivamente, en comparación con jugar más rítmicamente, tal vez un poco así, o tal vez algo más con olas y fluir como en arpegio. Como puedes escuchar, lo que quieras hacer en tu música, puedes hacerlo con la forma en que tocas cada actuación, pesar de que usas exactamente los mismos acordes y la misma progresión exacta de acordes. Entonces, volvamos a hacernos esta pregunta. ¿ Qué es una progresión de acordes? La respuesta más compleja a esto es que tu línea completa de historias en tu composición musical es creada por la interacción y las relaciones de todas tus armonías y cómo todo fluye y suena juntos. Por eso llamo a una progresión de acordes la historia de la música. Y eso es lo que aprenderás a dominar en este curso. Entonces sigamos aprendiendo. 3. El poder de la armonía en la música: El poder de la armonía en la música. ¿ Por qué o codifica la armonía y las progresiones de acordes tan increíblemente poderosas en la música? Bueno, considera una simple melodía de canción de cuna. Podría sonar hermoso, pero también sonará simple, débil, e infantil. Ahora lo demostraré tocando este breve ejemplo que creé usando sólo una pista de batería, una línea de base, y luego una melodía líder sobre arpa puesta con Glaucon spiel. Por lo que se puede escuchar cuánto se queda esa profundidad, riqueza y complejidad y emoción que la armonía y las canchas agregan a la música. Entonces, escuchémoslo. En primer lugar. Acordes y armonías hacen que la música sea más profunda, completa, más compleja e interesante. Básicamente, la hormona es, llenará tu música y la hará sonar más potente y completa. De acuerdo, así que usemos este mismo ejemplo, pero empecemos a agregar algunas armonías y acordes para hacer una progresión de acordes que añada profundidad, riqueza, complejidad y emoción a esta pieza musical. Entonces lo primero que agregué fue este piano aquí. De acuerdo, un poco de una línea de comping rítmica ahí. Después agregué estas cuerdas con estas notas más largas. En un curso completo. Las transiciones suaves. Entonces una línea de latón aquí usaría dos de los nodos por acorde, básicamente tocando una armonía de dos partes como esa. Y yo hice lo mismo en estos quires aquí, pero usa diferentes dos notas del acorde. Y esto es completamente gratuito para cada usuario. Se puede utilizar. Digamos que tienes un acorde de tríada estándar. Simplemente usa dos de los nodos de esa corte, aplicó una hormona, una línea. Y luego puedes darle sabor eligiendo dos notas diferentes. Por lo que juntos realmente llenan el acorde completo. Ahora, todo en contextos, si desmutamos estas pistas y lo son, tu música será llevada al siguiente nivel. En comparación con sin corte y armonía. Enorme, enorme diferencia. Personalmente llamo armonía la profundidad de la música. Sin armonía, tu música será cosa poco profunda y trigo. Ahora te daré un resumen de lo que la armonía agrega a tu música. En mi opinión, la armonía crea emoción a tu historia musical. Armonía añade profundidad a tu composición musical. Harmony brinda apoyo a tus melodías. ¿ Y los acordes? Se puede preguntar, bueno, acordes y armonías son casi lo mismo. La única diferencia es que pilas de armonías hechas a partir de tres o más notas o llamadas acordes. Por lo que realmente necesitas aprender este concepto. Bueno, los cordones son pilas de armonías, y las armonías son básicamente dos intervalos jugados juntos. Entonces si tomas una nota simple como esta, ve y agrega un intervalo de un tercio Mayor por encima de a. Así que cuatro medios pasos, 1234, este E aquí. Ahora juntos juegan una tercera armonía mayor. Entonces si tomas este E y agregas un intervalo de un tercio menor, 1, 2, 3 arriba. Esta es una tercera armonía menor. Juntos crean una pila de dos tercero mayor inofensivo, tercero menor en la parte superior, lo que crea un acorde C mayor. Se puede agregar otro intervalo en la parte superior, Digamos que un séptimo menor. Este de aquí, de aquí. Se trata de un siete menor. Bueno juntos tocan un acorde de siete dominantes C7 o C. Eso es lo que acordes o en la música. Y es por eso que necesitas tratar cada línea como una de tus voces armónicas que para dar sus maquillajes cada acorde. Por lo que realmente no importa si hablamos de armonías, acordes, o progresiones de acordes. Sigue siendo lo mismo. Implementación práctica de la armonía en tu storyline de la música. Ahora te daré ejemplos prácticos en vivo de los tres poderes fundamentales de la armonía en la composición musical. Ejemplo uno, la armonía crea emoción a tu historia musical. Entonces digamos que tienes una melodía simple como esta. Ahora por supuesto, cada melodía o un tema como este tendrá su emoción por sí sola dependiendo de qué intervalos uses, cómo la tocas, lo escrito, el estilo llano, la articulación, el instrumento, etcétera. Pero armonía y acordes, agregaremos mucha más profundidad a tu historia emocional de tu música. Entonces si tomas esto y comienzas con F menor, por ejemplo. Porque vamos entre estos nodos, que son las coordenadas del núcleo F-menor. Entonces vamos aquí. Entonces podemos ir, por ejemplo, a una mayor plana o tal vez a D plana mayor simplemente moviendo este nodo aquí arriba. Entonces es básicamente esto en una inversión como esa. Entonces si importa, Vayamos a B plana menor, E-plana mayor. O podría querer agregar algunos nodos, por ejemplo. Ve a, vamos a hacer un B plano menor, pero agregó esta nota como esta. Que como esa aún jazzy elegante vibe, porque estamos usando un B plano dominante séptimo año. O un B plano menor siete es aún mejor. Entonces como puedes ver, puedes agregar mucha emoción dependiendo de todo tu préstamo de acordes y armonías y cómo los toques, claro. Para que puedas jugar en nuestra recámara o de la forma que quieras. Pero agrega esa historia emocional en tu música, dependiendo de qué acordes y armonías uses. Ejemplo a. Armonía, añade profundidad a tu composición musical. Entonces primero, su curso y su totalidad llenan la música. Entonces, pero aún más importante, es que se debe considerar todo en el registro base. Por lo que la línea de base es jugar realmente una línea de armonía en comparación con la melodía. Por lo que sólo usar una melodía y una base es realmente jugar una especie de armonía, pero no un acorde completo. Entonces por ejemplo, así. Yo solo toco la línea de bajo aquí en octavas en el piano, pero tú consigues el punto. Realmente añade profundidad a tu composición musical. Ejemplo 3, la armonía brinda apoyo a tus melodías. Entonces digamos que empezamos con esta melodía y habría cambiado el ritmo y la ranura de la misma, pero suena así. Entonces por supuesto, cada melodía tiene su propio patrón en el ritmo de cada nota, que en realidad puedes enfatizar y agregar apoyo de tus registros porque cada vez que cambió de núcleo, haz algo rítmicamente con tu acorde. Básicamente estás creando un acento. Por lo que puedes usar este ONE, por ejemplo, no sólo causa sino también hacer tu línea de base. Entonces si iniciamos este ejemplo solo tocando los acordes largos de una barra y la nariz base larga así. No obstante esa emoción, riqueza y profundidad desde la armonía. Pero no obtienes ese apoyo de tu melodía líder. Entonces lo que hice aquí es si echamos un vistazo a la línea de base, solo notas largas, ese nodo raíz para cada acorde verificaría el otro ejemplo que hice para ello. Al igual que esto. En realidad estoy revisando esta línea al mismo tiempo que la capa base. Se puede ver que cambio la nota base básicamente en cada, en su caso, en cada cambio, casi cada cambio para la melodía. Entonces, solo toquemos el bajo con la línea de melodía. Entonces puedes ver, en este caso, en realidad entré todo y uso el ritmo, exacto mismo ritmo en la base que la línea de la melodía. Sólo para probar aquí mi punto. Y mientras que la parte del piano aquí, la primera parte sólo está tocando el acorde largo. Entonces vamos a revisar la otra versión que hice de ella. Entonces si entramos en el rollo de piano y revisamos ambas partes ahora la melodía se alinean aquí y en realidad veo comer por color por región ahora para que puedas ver, así que este es el piano tocando la progresión del acorde, la calidez. Y estos siguen liderando la melodía. Como pueden ver, he cambiado el cordón o el ritmo aquí. Yo lo hago aquí, lo hago aquí, que en realidad apoyan la melodía. Entonces compare esto con antes y con este ritmo en su lugar. Entonces no todas las notas melódicas, pero casi todas ellas. En realidad cambio el ritmo o cambio el acorde aquí para acentuar eso, esa línea de melodía. Y debes pensar en esto para todas tus partes melódicas tocando armonías o canchas y tu música, por ejemplo, tu línea de base otra vez. Antes de que tengamos esto, una versión ha cambiado frío o bajo nota cada barra de aquí. Pero cuando lo cambio para realmente respetar o incluso apoyar la melodía, el ritmo. De acuerdo, así que un poco bajo en el piano ahí, pero tú consigues el punto aquí. Ahora toma acción, abre tu DAW y escribe una sección corta de ocho barras, comenzando con una batería y la percusión creció una línea de base más una melodía. Escucha lo delgada, simple y superficial que suena sin códigos, sin armonía. A continuación, utilice un piano o tal vez un preset insoluble de cuerda. Para practicar estos tres aspectos fundamentales de la armonía, añadir ánimo, profundidad, y apoyo con armonía. 4. Escala, clave y acordados diatónicos: Escala, clave y los acordes diatónicos. Antes de empezar a agregar códigos y armonía en tu música, necesitas saber qué idioma usará tu pista. Y ese lenguaje se basa en la escala y la clave que elijas para tu canción. Por ejemplo, digamos que quieres escribir un track que sea emocional y un sonido triste, entonces quizás quieras elegir escribirlo usando la escala menor natural. Pero también debes elegir en qué clave se basará tu pista. Para simplificar, usemos el ejemplo de la escala a menor, ya que esa tecla sólo está usando las teclas blancas en su teclado. Entonces si comienzas con un nodo a y luego subes en todas las teclas blancas como esta, B, C, D, E, F, G, y a. Ahora has jugado en la escala a menor subiendo. Se puede jugar bajando. Por lo que esas notas, y como el centro tonal, el hogar de tu historia armónica, serán el lenguaje principal para tu composición si la escribes en una menor de edad. Entonces ahora que tienes el lenguaje musical principal de tu track, escala, escala menor natural, y clave a. Eso nos lleva a los códigos basados en el lenguaje de tu música. Y esos acordes se llaman acordes diatónicos. La regla de oro es usar solo cordones eran todas notas de cada trimestre US, o dentro de la escala y clave de tu composición musical, el lenguaje de tu música. Estos acordes se llaman acordes diatónicos, porque eso significa acordes dentro de la clave. Se puede, por supuesto ir más allá de los acordes diatónicos. Pero eso es entrar en la hormona más avanzada es. Entonces, sólo sigamos con la regla principal por ahora. En este caso, el lenguaje de tu composición musical se basará en los nodos a, B, C, D, E, F, y D. Porque esas son las siete notas de la escala menor natural. Por lo que todos los acordes dentro de tu pista estarán basados en esas siete cargas de escala si te apegas a usar solo acordes diatónicos. Entonces permítanme que esto quede más claro para ustedes. Has optado por escribir tu tema en una menor de edad, es decir, un será el tónico, el hogar de tu música. Y entonces sólo usarás el caso amplio, porque esos son el caso dentro de la escala menor. Ahora, cuando eliges códigos para tu composición en tus progresiones de acordes, la regla de oro es usar todas las notas trimestres desde dentro de la clave y la escala, por lo que todas las notas blancas. Entonces tomemos D mayor, por ejemplo, que utiliza esta llave negra aquí. Eso no es un acorde diatónico en este caso, tampoco lo es E mayor. E menor es porque sólo utiliza llaves blancas aquí. Tan notas clave desde dentro de la clave y escala de tu música. Siguiente. ¿ De qué acordes diatónicos puedes elegir? Bueno, empecemos por apegarnos al curso más básico de música que se llaman motines. Se trata de tres acordes de notas basados en intervalos de apilamiento de tercios, ya sea un tercio menor o un tercio mayor. Y como puedes apilar esas armonías en cuatro variaciones, terminas con cuatro acordes probados diferentes en la música. Entonces aprendamos estos cuatro tipos de canchas básicas de tríada en la música. Entonces usemos la nota C como nodo raíz para todos estos ejemplos, las cuatro tríadas en la música. Por lo que la primera es una tríada mayor. Es la clave raíz, seguida con un tercio mayor. Por lo que 1234 medios pasos, tienes un tercio mayor, tercera mayor armonía, y luego apilados encima de eso es un tercio menor. Entonces a partir de este uno, 1, 2, 3, este es un tercio menor que te da una tríada mayor, que yo llamo el sonido de sentirse bien o el sonido feliz, si quieres. El siguiente es una tríada menor. Entonces volvamos atrás, empecemos con la llave raíz, luego subamos un tercio menor en la parte superior. Causa recuerdan todas las tríadas o basadas en apilar dos tercios, dos armonías de tercios encima una de la otra. Y sólo hay dos versiones, una tercera menor o una mayor, tercera mayor. Entonces aquí tenemos la llave raíz, crecimos en tercero menor. Por lo que 123 medios pasos es un tercio menor, menor tercera armonía. Y encima de eso de esta nota apila un tercio mayor arriba, 1234, y se obtiene una hormona mayor aquí, una tercera mayor. Y juntos, eso crea una tríada menor, que llamo zona emocional o sonido triste si lo prefieres. Entonces la siguiente es una tríada disminuida, que comienza desde el nodo raíz otra vez aquí C, luego subir un tercio menor, 123. Y luego de eso subes otro recordatorio tercero. Entonces aquí, 123 y tienes, aquí hay un tercio menor, Aquí hay un tercio menor. Entonces, así dos pilas o tercios menores crea, disminuyen una tríada disminuida. Y a eso lo llamo un acorde que suena espeluznante. Y luego se obtiene la cuarta variación final, que se llama tríada aumentada, por lo que raíz y luego un tercio mayor, 1234, ME, mayor tercera armonía. Y luego de éste, otra vez, otro tercio mayor, 1234. Mayor armonía mayor. Por lo que mayor armonía con un tercio mayor top hominina crea una tríada aumentada. Y eso crea lo que yo llamo el misterioso acorde sonando. Esas son las cuatro tríadas en el uso, porque solo hay cuatro formas en las que puedes apilar dos tercios del foro. En tercer lugar, la tercera hormona está encima de la otra. Mayor, menor, menor, mayor, menor, menor, menor o mayor más mayor. Ahora echemos un vistazo a qué llama la tríada diatónica puedes elegir en la escala menor natural y en la escala mayor también. Porque estas dos escalas, o por cuatro, las dos escalas más comunes utilizadas en la música. Entonces echemos un vistazo a la escala menor natural, los siete acordes diatónicos. Por lo que una escala en música es simplemente un patrón de nodos basado en intervalos específicos entre cada grado de escala. Entonces usemos un menor, en este caso, a, B, C, D, E, F, G, y a. Bueno, vamos a comprobar el patrón de escala de cada paso de la escala. El primero, nota, si un entonces B para un menor natural, lo que significa que te saltas un paso aquí. Entonces no haber establecido sino todo un paso de uno a dos. Y luego de dos a tres hay un aire de medio paso. Entonces de tres a cuatro, Hay un paso entero porque te has saltado uno aquí. Entonces otro paso entero. Entonces aquí se ve medio paso, y luego paso entero. Paso entero, que forma el patrón para la escala. Ahora, lo mismo vale para los acordes diatónicos. Se crean automáticamente a partir de utilizar, en caso de tribunales de juicio, pilas de tercios. Entonces si tomas un menor, la nota raíz al tónico es a. La segunda nota de la escala es b, pero como la vas a apilar en tercer lugar, necesitas ir al tercer paso, que es una C en este caso. En este caso es una tercera armonía menor. Entonces 1, 3, y luego saltarse el cuarto e ir a cinco porque vamos a apilar un tercio al primer acorde de tríada. Te metes en la escala a menor es menor. El siguiente, comenzando en la segunda escala grado escapar el tercero, ir al cuarto para mantener la fe, ir al sexto, y sin embargo ser disminuida automáticamente. Por lo que una menor y disminuida, C mayor. Y tan cálido. Y una gran cosa de los acordes diatónicos es como las escamas. No importa en qué clave empieces. Entonces comprueba esto de nuevo, obtienes un acorde de raíz menor. Uno, el acorde uno es un menor, un menor en este caso, luego una B disminuida, luego una C mayor, D menor, y E menor, etcétera. Digamos que empiezas en D en su lugar, D menor, misma escala, D menor natural, pero una clave diferente. Bueno, como con un menor, obtienes un acorde menor como el primer acorde. Y si recuerdas aquí, el segundo trimestre disminuyó, por lo que B disminuyó mientras que el checkout. D menor de nuevo. Por lo que tienes los escalares o plano D, E, F, G, a, B. Ahora volvamos a revisar esto. Primero acorde es D menor, luego el segundo acorde comienza en el segundo grado de escala salta una nota de escala. Grado de escala ir a G, saltar uno, ir a B, pero esa es una nota plana. Por lo que la planas para ser plana, y obtienes E disminuida automáticamente como los segundos acordes, los D menores, E disminuyeron tercero es F-mayor. El cuarto está aquí. A G y un piso a la B. Así que consigues G menor, una menor y así sucesivamente. Ahora vamos a echar un vistazo al curso de tríada diatónica para la escala mayor. Entonces de nuevo, para que esto sea más fácil, demostraré con la escala C mayor porque eso solo usa el caso ancho C, D, E, F, G, a, B, y C. Así que empecemos en el primer grado de escala, apilar un tercio. Entonces omita el grado de segunda escala no en un tercio. Omita el cuarto grado de escala. Ve a la fe y obtienes el primer acorde, el acorde tónico de C mayor. C mayor. Después se llega a la siguiente, se inicia en la segunda, tercera, y la cuarta calle, sexo, y se obtiene D menor. Por lo que para cualquier escala mayor en música, obtendrás este patrón de acordes de tríada diatónica, mayor, menor, menor, mayor , menor, menor, y luego se disminuirá la séptima. Por lo que ahí lo tienes. Estos son los siete cursos de tríada diatónica con los que puedes crear tus progresiones centrales si escribes tu música en un menor de edad. Y como el acorde decrecido suena muy extraño y tiene alta tensión, raramente lo usarás para la mayoría de los estilos musicales. Por eso lo he marcado entre paréntesis, que te deja con sólo seis opciones, tres acordes menores y tres acordes mayores. Entonces permítanme terminar mostrándoles rápidamente tres ejemplos simples de progresiones de núcleo para retractación escritos en una menor. Por lo que primero hay que aprender que muy a menudo una progresión de acorde en almidón musical en el acorde raíz, el home o tonic, un menor en este caso, ya que estamos usando un menor como la clave y una escala y terminamos en el mismo. ¿ Cómo no siempre, se puede empezar en un acorde diferente, digamos. Pero básicamente cada vez que quieres acabar con la progresión del acorde de una manera que se sienta resuelta. Se quiere terminar en el tónico. Cancha domiciliaria en este caso una mina. De acuerdo, Así que déjenme tocar rápidamente estos tres ejemplos diferentes. los dos primeros, estoy empezando en el acorde raíz y terminando en el código de carretera. Si bien el tercer ejemplo, estoy empezando en el quinto y terminando en el tónico todo el cuarto. Entonces juguemos esto. A menor, E menor, C, G, D menor, un menor, y E menor. A menor de edad. Y realmente sentiste lo mucho que Ocho tiró hacia el acorde de casa es un menor ahí. Y eso es porque usé el quinto acorde de la báscula Justo antes de irme a casa. Y esa es la piscina más fuerte, esa tensión más fuerte para resolver al acorde único. Por lo que en el caso de un menor, usted tiene el único acorde siendo un menor, la fe sería E menor. Entonces cuando pasas de ¿sientes ese empuje para resolver a un menor? Vamos con el segundo ejemplo. Paguemos algo solo improvisando, empezando por un menor, C, G, D menor, F , G, así. De acuerdo, así que aquí en realidad fui de G y luego hago una menor. De acuerdo, entonces el tercer ejemplo, no estoy empezando con una menor, E menor. Por lo que el quinto acorde en este caso, que tiene una piscina fuerte al acorde tónico, un menor. Entonces voy de inmediato ahí, así. Así. Ahora, por supuesto puedes usar cualquier acorde diatónico en tu progresión de acordes. Y digamos usar en escala menor a un menor. Por lo que el titular llamó a Whitby menor, un menor en este caso. Pero un propina extra aquí para ti es que el acorde uno en este caso un menor, y luego el cuarto, que en este caso es D menor. Y luego su fe en la escala menor aquí, las 145 zona core tres partituras llamo las canchas fuertes o música porque esas tendrán el armónico más fuerte impactando cualquier progresión de acordes sin importar el tipo de escala que uses. En el caso de una escala menor, esos son todos menores, por lo que un menor es un D menor, E menor. Y si utilizas una escala mayor, el curso 145 será mayor, a, C Mayor, F mayor, y G Mayor. Esta es la razón por la que muchas canciones pop usan solo tres o cuatro acordes. Entonces si se basan en una escala menor, esos serán los 45 acordes menores y luego quizás agregando un F-mayor ahí para alguna especia. Por lo que, independientemente de la progresión de acordes e independientemente de la escala, siempre es más seguro usar los 145 acordes con más frecuencia que otros registros. Y luego piensa en los otros acordes como especia y esquina para tus progresiones acordes. 5. Ir más allá de las tradas: Ir más allá de las tríadas, los acordes de tríada estándar y específicamente los acordes mayores y los acordes menores, o los fundamentos absolutos para la armonía en la música. Los otros dos tipos de tríadas, la tríada disminuida y la triada aumentada, o no se utilizaron tanto en estilos populares de música debido a su tensión extra y disonancia. Echemos un vistazo a estos cuatro tipos de acordes de tríada en la música. Y recuerda, una tríada significa dos pilas de tercios uno encima del otro, lo que naturalmente significa que tienes cuatro formas de apilarlas. En primer lugar, se tiene la tríada mayor, que es la raíz más el tercio mayor, y otro tercer intervalo mayor en la parte superior. Y ese es el acorde que suena bien o feliz. El siguiente tríada es la tríada menor, que es raíz más tercero menor. Y luego un tercio mayor encima de eso, que es el acorde emocional o triste que suena. Después tienes la tríada disminuida, que es la raíz, más un tercio menor, y luego otro tercio menor en la parte superior, que es el escalofriante, aterrador acorde. Y finalmente se tiene la tríada aumentada, que es raíz más tercera mayor, y otro tercio mayor en la parte superior, que es el misterioso acorde digno que suena. Ahora, ¿y si quieres ir más allá de estas tríadas? Hay cientos, si no miles, de tipos de núcleos que puedes usar en la música. Pero seamos honestos, no los necesitas todos. Te lo he hecho sencillo haciendo un resumen de lo que considero los siete acordes más utilizados en la música, incluyendo al patrón de intervalos que conforman este curso. Número 1, la tríada mayor, raíz más tercera mayor más quinta perfecta. Número 2, la tríada menor más un tercio menor tiene perfecto quinto. Tres, suspendido cuarto, que es raíz. Así perfecto cuarto, perfecto quinto. Número 4, segundo suspendido, que es raíz último segundo mayor más perfecto cinco, el séptimo acorde dominante, que es el séptimo acorde más utilizado en la música, que es raíz, pasa tercero mayor, perfecto quinto, y un séptimo menor en la cima. Entonces tienes el sexto núcleo más fundamental, que es el séptimo mayor, raíz más tercero mayor, quinto perfecto, más un séptimo mayor en la cima. Y finalmente el número siete, que es el menor siete, raíz más tercero menor, quinto perfecto, y un menor siete. En su momento. Yo diría que al usar sólo estos siete tipos de acordes, puedes escribir prácticamente cada pieza musical que puedas imaginar. De hecho, incluso puedes apegarte a solo los cuatro primeros de estos tipos de núcleo como tus acordes principales para usar para tus progresiones de núcleo. El gran cosa del sus4 y SAS, dos acordes, por cierto. Que puedan agregar una hermosa tensión de luz emocional a tus progresiones acordes. Entonces si tomamos una escucha al acorde sus4 menos, se ve sus4. Suspendieron cuarto quiere resolver de nuevo a los tercios en este caso, puede volver al acorde C mayor o nos ve a estos suspendidos segundos quiere resolver al tercero también. También puedes hacer esto para acordes menores, así que digamos F menor. Y luego usar SAS para volver a la o F sus4 y volver a la F-menor. Pero, ¿cómo y cuándo puedes usar alguno de estos otros acordes en tu música? En primer lugar, la regla principal es utilizar únicamente los acordes diatónicos en las progresiones de tu grupo. Así que asegúrate de que el tipo de núcleo que usas solo use notas desde dentro de la clave de tu canción. Entonces permítanme darles algunas demostraciones aquí de ir más allá de las tríadas. Usemos a un menor como báscula Y portón. Y ya aprendiste el primer intento y acorde es menor, luego te quedas B disminuida, C mayor y así sucesivamente. Digamos que quieres probar un acorde suspendido. Empecemos con el tónico, el acorde de raíz. Se puede hacer suspendido, suspendido adelante porque raíz perfecto cuarto, papeles perfectos se suspende cuarto acorde. Y en este caso estás usando notas desde dentro de la escala o así que se acepta, eso es un acordes diatónicos dentro de la clave de un menor, como es el segundo suspendido, en este caso, un SUS 2. Ahora vamos a comprobar que en el quinto acorde, el acorde E menor, E pasado cuarto perfecto, quinto perfecto, es como cuatro. Sí, eso es diatónico. E mayor segundo más perfectamente ethos dos no es acorde diatónico. De acuerdo, entonces no puedes usar el ethos un acorde de dos si quieres usar acordes diatónicos en tu progresión de núcleo cuando escribes en un menor. Y vamos más allá de esto. Hagamos un acorde séptimo. Tan como con las tríadas por las que simplemente escoges, apilando 3rds en la caja diatómica. Entonces 1, 3, 5 es menor. Simplemente apila un tercio en la parte superior, salta este, ve a éste, y automáticamente obtienes un siete menor. Acude al siguiente segundo grado de escala, salta todos los demás nodos, para obtener el uno o 246. Y luego a la octava aquí. Por lo que te queda B medio disminuida, se disminuya con otro tercio apilado arriba. Ese es el segundo acorde diatónico séptimo en la clave de un menor. El siguiente, C mayor séptimo. El séptimo menor, E menor séptimo. E, F mayor siete, F y G dominante séptimo, también llamó al G7 para abreviar. Entonces para que te sea más fácil, he creado esto. Una plantilla o una hoja de tramposos de tipos para los acordes diatónicos más comunes que puedes usar en la escala menor y en la escala mayor. Entonces para empezar con una escala menor, si usas un minero, por ejemplo, el primer acorde raíz será menor, un menor en este caso, no puedes elegir aquí para ir con SaaS 2 porque como puedes ver, root más un segundo mayor tiene perfecto. Dave es un acorde SUS 2, y éste sólo utiliza nodos desde dentro del juego, como es esto que se pide en este caso. Y si se apila un tercio encima de la tríada, se obtiene el 7º Aire. Caso de uso un séptimo menor. Entonces todos esos cuatro acordes, menor dice dos y sus4 y menor séptimo. Cuando la clave raíz aquí es un, si escribes tu canción en un menor, la siguiente se disminuye, se disminuya en este caso. Y aquí prácticamente nunca usas este cis en toda triada de núcleo disminuida, pero puedes agregar un tercio en la parte superior para hacer un acorde séptimo, en este caso, un séptimo menor con un cinco plano, que también se llama la mitad disminuida séptima acorde. Por lo que esas dos versiones que puedes usar para el segundo cuarto de grado en un menor, entonces el tercer acorde es mayor. Puedes hacer un SaaS 2 para los siete mayores. Vamos a, vamos a pasar por el quinto. Entonces es E menor y no puedes usar este. Ahí está SUS 2 porque esa no es una orden diatónica, pero puedes usar un sus4. Por último, vamos con un acorde de seis, que es F mayor, y aquí es lo contrario. Se puede usar esto como dos, pero no el SAS para, porque eso no sólo utiliza claves desde dentro de la escala. Entonces vamos a revisar esto. Algunos ejemplos de la escala mayor. Por lo que el último uso C mayor acorde es mayor. Se puede utilizar un SAS a SAS para mayor séptimo. Vamos a probar la tercera coordenada, que es E menor. No se puede utilizar un SaaS células T también, porque utiliza un desconocido fuera de la escala. Entonces eso no es un diatómico o, pero puedes usar el sus4 y apilar un tercio encima de la tríada crea un séptimo menor, o el tercer grado de escala. Probemos con el cuarto acorde, F mayor. Aquí puedes usar Fs 4s2, escribió mayor segundo. Perfecto quinto. Fiesta no puede usar grosero más perfecto cuarto, perfecto quinto, porque no hay, no dentro de la clave de C mayor. Y si quieres crear un séptimo acorde, añade un tercio encima. Y obtienes naturalmente un acorde séptimo mayor para el cuarto grado de escala de C mayor. Por lo que puedes aplicar ambas de estas hojas de tramposo para la escala de animadores de escala menor en cualquier clave de ese tipo de escala. Entonces si usas, digamos D menor, la primera coordenada es menor, pero puedes usar un SAS para escuchar sus4 o un séptimo menor. Y el, digamos el quinto acorde de D menor, 1, 2, 3, 4, 5. Entonces aquí tienes un, un menor, puedes usar un SaaS. Partido no puede usar un SAS para transformar su caso como para no saber porque la clave de D menor tiene un piso B. Por lo que esta nota debe ser plana. Es un SAS 2 no es un acordes diatónicos en la clave de D menor. Por lo tanto, aplica esta plantilla cada vez que creas tus progresiones básicas, ya sea para la escala nueve menor o para la escala mayor. Y puedes crear básicamente cualquier tipo y emociones de música que quieras con todo usando estos acordes por grado de escala. Otra pauta es que puedes considerar ir más allá de las tríadas cuando la voz de acordes añadida corresponde a tu línea melódica. Entonces digamos que tocas en una menor y quieres usar un acorde C mayor siete en tu progresión. Esa puede ser una buena opción. Si eres línea melódica toca la nota B, que es la voz superior de ese acorde C mayor séptimo. Entonces permítanme demostrar esto usando nuevamente la llave de un menor. Por lo que roof llamado melodía va así y reutilizar a un hombre o como acorde inicial. Ahora, si quieres ir a este B aquí, puedes por supuesto usar en E acorde menor así, pero si quieres darle sabor para agregar un acorde séptimo, prueba el séptimo mayor porque eso también usa esta nota que es un buen punto en tu composición para probarlo. Entonces aquí, digamos que quieres usar un acorde de sus es nota G. Si usas un, digamos que D Salesforce también usa este genoma o yendo así. Por lo tanto, utiliza esta pauta para cualquier momento en tu composición. Tu línea de melodía solo algo va a nota específica. Prueba el código que utiliza esa nota. No tiene que ser siete trimestres puede ser como SaaS para que agreguemos busca, cualquier tipo de color de acorde que quieras usar. En cualquier punto específico. Tu melodía va a un nodo específico. 6. Las voces de música: Las voces de la música. Ahora continuemos tu viaje en progresiones de acordes y armonía yendo un poco más profundo. Vamos más allá de lo que son la armonía y los acordes y su relación con la escala y una clave. Y vamos a sumergirnos en aplicaciones prácticas de armonía en la composición musical. La armonía es todo sobre voces. Entonces ahora te voy a enseñar probablemente el aspecto más importante de la armonía, que es éste. La armonía es todo sobre voces. Ahora por Voces, no estoy hablando de voces humanas. Una voz en la música simplemente significa uno de los puertos tocando en la historia armónica o melódica de tu música. Por ejemplo, digamos que tenemos una simple progresión de acordes sobre los códigos de tríada. Esos acordes de tres notas o divididos en tres voces que cada una tocan su propia línea. Dentro de la progresión del acorde. Se puede pensar en un coro. Todo el coro toca una progresión de acordes o armonía juntos, pero las canchas se dividen en diferentes líneas, y luego cada línea del código se asigna a una sección del coro. Vamos a sección realiza su propia voz dentro de la plena armonía. Entonces echemos un vistazo a este sencillo ejemplo que creé en piano, pasando de una F mayor, C mayor, G mayor, y de vuelta a C. De acuerdo, así que en lugar de pensar en tus progresiones de acordes como bloques como este, piense en un cada línea como voz separada. Por lo que en esta línea de arriba aquí, podría ser interpretado por, por ejemplo, violines. Éstas podrían ser interpretadas por violas, por ejemplo, y esto por poco profundas. También puedes dobles o que los poco profundos y los cuernos franceses interpreten esto, o pensarlo como voces en un coro. Entonces esta sección superior son los tenores, sopranos, y tú tienes los altos y demás. Pero es más evidente si les muestro un ejemplo real, jugando juntos, porque todas las voces como familia es lo que crea sus acordes y progresión armónica. Entonces si te llevas un poco de espacio. Entonces en realidad tengo una sección de cuerdas aquí, jugando al tonto intentó llama F menor a D plana aquí y así sucesivamente. Pero aunque excluya eso, deberías considerar todo instrumento melódico, cada instrumento que toca un sonido agudo. Entonces la base aquí, con el arpa tocando la melodía. Por lo que la melodía es en realidad parte de la progresión armónica, pesar de que tal vez no se lo piense. El bronce aquí jugando para notar la armonía. Para que se pueda ver y el coro aquí. Esto es sólo estratificación en el corazón. Por lo que ahora echa un vistazo aquí donde sea que coloques el cabezal de reproducción. Tienes que contar cada voz tocando. Consulta las notas y mira este es el acorde actual. Entonces aquí tenemos otra F, así que la nota de raíz, G afilada, que es un tercio menor, y F Nuevamente, el nodo raíz se duplicó aquí se puede ver en el New York Times y luego otra D piezas afiladas, que es la tercero menor. Y luego una vez que te vayas aquí. En realidad, la melodía baja. Entonces técnicamente eso es un add nine básicamente, o sumar al si lo prefieres, pero técnicamente es un add nine. Sigues en el acorde F-Major. Pero si la melodía cambia ahí, es lo mismo para la línea de base. Tan pronto como una línea de base vaya a este nodo aquí. Técnicamente, es otro disco, muy brevemente aquí, es cordón de transición, pero es técnicamente y otro acorde hecho a partir de la voz que conduce aquí con la línea de bajo va caminando línea de base aquí abajo al siguiente acorde, que es una D plana mayor. Entonces dice ver a Charpy sobre su D-flat Aquí, aquí. Y entonces tienes un f, que es un tercio mayor arriba. Tienes otro plano D y F otra vez, y así sucesivamente. Entonces hay que sumar todo, por supuesto, las cuerdas aquí también, para considerar qué acorde está tocando en cualquier momento. Y todo juntos juega como una familia de voces lo que crea tu historia armónica. Entonces todo el código, tocando instrumentos, todas las hormonas, voces, toda la línea de base, la voz melódica, todo cuenta cuando lo sumas para formar tu progresión de acordes. Ahora hablemos de centro tonal, el ancla de la armonía. Entonces lo que el oyente se bloquea en tus progresiones de acordes y hormona es, es lo que se llama el centro tonal. Este es básicamente el ancla de tu historia armónica. El centro tonal más importante es la clave raíz de tu pista. Por ejemplo, si tu pista está escrita en D menor, D será el centro tonal principal. Entonces déjenme mostrarles rápidamente esto tocando algo en D menor así. Por lo que terminé ahí con D menor otra vez porque el Gleason lo sostiene, gravitan fetal una alberca para volver a resolver a ese dulce hogar, dulce hogar, que es d en este caso. Por lo que no importa qué escala uses. El raíz anota la clave. Entonces d en este caso, siempre serán los principales centros tonales para tu música. No obstante, también tienes un centro tonal, fluye y avanza a través de tu composición, que es el ancla armónica decidida por qué acordes y armonías tocas, la voz, disposición y distribución de cada voz, el foco por voz, etc. Una regla general es que se desea proporcionar al oyente el centro tonal distinto para bloquear, razón por la cual el nodo raíz de cada acorde en su progresión de acordes. Disparar en la mayoría de los casos tienen más peso y enfoque. Esto se puede lograr asegurándose de la base. Se enfoca principalmente en la nota raíz por registro, y que el nodo raíz también está estratificado en octavas. Entonces tomemos de nuevo a D menor. Este es un acorde D menor. Se puede jugar en una inversión, por ejemplo, así, o así. D sigue siendo el centro tonal de ese acorde, pero tienes todo para proporcionar un peso más en el centro tonal para proporcionar ese ancla armónica para tu música, que es, en la mayoría de los casos, quieres tocar principalmente la nota raíz del acorde en el registro base. Entonces si toco una inversión como esta, puedo actuar el centro tonal jugando la D aquí en las octavas inferiores, o incluso doblándola una octava arriba de aquí. Entonces tienes tres D's en este caso. Entonces puedes por supuesto, hacer que tu línea de base camine así. Pero en cuanto cambies la base aquí a, para ver el centro tonal de la cancha. El D, la nota raíz del acorde no es tan claro, por lo que no quieres estar ahí por mucho tiempo. Aquí crea un poco de tensión. Más como un tiempo de análisis o transición. Por lo que diría el 80 por ciento del tiempo que desea mantener su base en la nota raíz. igual manera una pauta general. Y siempre ponerle más peso. Y puedes hacer esto duplicándolo una octava arriba, o incluso una octava aquí arriba si quieres. Entonces ese es el centro tonal por acorde en tu progresión de acordes. También puedes asegurarte de que el centro tonal tenga más foco duplicando con varios instrumentos. Entonces si vuelves a tomar este ejemplo. Entonces comienza con si revisas la cuerda, digamos, o en realidad está tocando el acorde completo en F menor aquí. Por lo que F es el centro tonal justo ahí. Y se puede ver que se toca una F en el bajo. También se duplica como una de las dos no armonías aquí en el latón aquí. Por lo que F y el tercero menor ahí. Y el coro es en realidad una jugada el tercer intervalo menor ahí mismo en la cancha. Y el f, hola Rob aquí, por lo que doblarlo ahí. Por lo que como se puede ver, se puede duplicar en varios instrumentos. Y eso proporciona un más fuerte, un sentido del centro tonal para cada registro en tu progresión también. Y también mediante el uso de técnicas de producción para hacerla más prominente en la mezcla. Y las dos principales técnicas de producción para darle más peso al centro tonal es primero aumentar la dinámica de nivel de velocidad aquí per, por ejemplo, o dinámica de control de expresión para instrumentos que tengan control dinámico para notas sostenidas, así como básicamente sólo aumentar el nivel. Entonces digamos el aire base, si aumentas el nivel en esta pista, por supuesto, tendrá más peso en la mezcla. Y así un mejor sentido del centro tonal. 7. Acordes vs melodía: Acordes versus melodías. Entonces, ¿cómo debes pensar en la relación entre acordes y melodías? Bueno, la regla más esencial cuando se trata de acordes, melodías, e intervalos en la música Es ésta. Todas las voces melódicas de todos tus instrumentos, o lo que crea el cable actual en cualquier punto específico de tu composición musical. Realmente creo que este es el aspecto más importante de la armonía de acordes y las progresiones de acordes en la música. Así que presta atención ahora. Entonces digamos que aquí tenemos esta parte de piano. Entonces como ambos pueden oír y ver, esto obviamente está tocando una progresión de acordes. Cambia una secuencia de acordes aquí en media barra. Ahora, solo mu a eso por completo por ahora y echemos un vistazo a todos estos otros instrumentos tocando. Esto es tocar los acordes, pero cuando lo silencié, sigo tocando una progresión de acordes con todos estos juntos. Entonces, ¿verdad? Y si entro y le echo un vistazo a todo en combinación como ésta, vamos a derrumbarlo para que lo veas cada nota aquí. Donde sea que pongas tu cabeza de juego aquí. Ese es el acorde actual. Entonces la progresión del acorde, en realidad, es más compleja de lo que podrías pensar primero. Incluso si tienes un instrumento tocando los acordes, cada parte melódica de tu música en realidad se suma a tu progresión armónica. Entonces aquí tienes un F, C, F, D afilado. Entonces, está bien, esas formas juntas. Si mi acorde menor, entonces tenemos un poco de voz que conduce aquí en los quires. Entonces aquí se obtiene un F, D agudo, F, C, F, y G. Así que eso forma otro acorde, y luego la base sube por aquí. Entonces con como una línea de bajo caminando, en realidad estás creando un nuevo código ahí mismo en esa posición. Entonces, cuando consideres esto, trata todas tus voces como parte de la familia de instrumentos que tocan unas líneas melódicas. Notas tan aguadas como lo que conforma tu progresión completa de acordes en tu música. Esto es automático por sus relaciones de todos los intervalos entre las notas en sus partes. Por lo que siempre debes tratar cada línea y parte tu composición musical como una sola voz en toda una familia de otras voces, todas tocando juntas para dar forma a la historia de tu composición musical. Ahora bien, si tocas una progresión de acordes sobre, por ejemplo, el piano, normalmente cambias los acordes demasiado lentamente para las voces internas de las canchas se consideren una melodía por sí mismas. Entonces básicamente la forma habitual de mirar acordes en la música. Al igual que una fundación armónica, un trabajo de marco para tu historia musical. Entonces permítanme mostrarles otro ejemplo para demostrar esto. Entonces tengo dos temas tocando el piano aquí es sólo tocar la línea de la melodía, pero capas en octavas para más claridad de enfoque. ¿ Verdad? Y entonces tengo este otro piano que está tocando los acordes. Pero como solo cambio acordes cada barra, se sentirá más como canchas y no líneas individuales. Porque si comprobamos esto aquí, si solo selecciono la línea superior aquí, pueden considerar esto. Es propia voz en tu familia armónica la que crea la progresión del acorde. Esto podría, por ejemplo, tocarse en cuerdas mientras que esta voz media aquí, esta línea media podría ser tocada por algunos cuernos, por ejemplo. Y puedes arreglar las diferentes voces de los discos para que se jueguen como familia, creando tu corporación. Y si haces esto, puedes, por ejemplo, crear un líder de voz, hacer, hacer que la línea real haga más en tu progresión armónica. Y cuanto más añadas, más se sentirá como líneas melódicas individuales jugando juntas. Entonces contrapunto armonía básicamente. Pero este primer ejemplo es sólo tocar los acordes aquí en bloques. No obstante, si cambias los acordes muy a menudo, como por ejemplo, cada cuarto de nota o más rápido, tu progresión central se sentirá más como armonía contrapunto, lo que significa que varias líneas melódicas independientes jugando juntas. Entonces, cuanto más a menudo cambies acordes, más melódica se sentirá tu progresión de acordes, y más atado estará a la interacción entre tus acordes y tus melodías. Ahora volvamos a este ejemplo y esto también es realmente importante. Entonces revisa aquí. Aquí puedes ver las canchas en bloques, pero esa no es tu progresión de acordes. En foo, obtienes la progresión armónica completa al contar, sumar todas las voces melódicas de tu música. Significado, por ejemplo, en este caso, la línea de melodía aquí. Entonces tienes que, en cada momento específico, sumar cada voz de tu música en este caso, pero a, C, F, a, y F aquí otra vez. Entonces eso es un Mayor. Pero entonces vamos aquí y la voz melódica en realidad sube a G, donde el F-Major sigue tocando los acordes aquí. Ahora este es en realidad un acorde diferente porque tu voz melódica va a otro nodo aquí, G en este caso. Por lo que eso deletrea en agregar no f a nueve acordes, y así sucesivamente y así sucesivamente. También tienes que sumar tu línea de base, cada voz melódica de tu música. Porque la relación entre tus acordes, melodías, cada línea melódica es lo que viene cuando, cuando definas cuáles son tus hormonas, realmente es tu progresión de acordes. Ahora, ¿cómo eliges qué acordes sonarán bien con tus melodías? Entonces vamos a revisar esto aquí. Si mayor, así que ya que tú, estoy usando aquí F, G y a, tienes que considerar la relación entre todas tus, todas tus líneas armónicas que conforman tu progresión de acordes y tu línea melódica. Por lo que la melodía siempre es el foco de atención. Entonces esas son las notas que toco aquí. Por lo que hay que revisar los acordes que usan algunos de estos sabe de melodía. Entonces, ya que uso F, G y un aquí, F y a, elegamos esos. Podría ir con un acorde F mayor. Entonces habiendo visto aquí en la parte inferior, también podría elegir usar un D menor porque eso también usa dos de estos nodos que formaban parte de esta línea aquí dentro de la melodía. Entonces, lo que le dará a un menor se siente edificante, F-mayor. O si quieres ir aún más profundo, Vamos a revisar esto. Si agrego el B-flat aquí, ya que eso es parte de la línea también, en realidad subo a B flat, te dan b-flat mayor siete. Te metes en Jesse vibe ahí. Se puede, por supuesto usar una inversión y luego simplemente continuar. Y aquí, por ejemplo, podría ir a B plana mayor si empiezo en D menor. Aquí se ve la relación. Tú, tienes que comprobar lo que están haciendo tus notas melódicas. ¿ Qué nodos es? En realidad está enfocándose y aterrizando en? Entonces es un etanol largo ahora lágrima. Y luego a lo largo de B, o B plano. No obstante, digamos que quieres hacer ir a un campo mayor. Otra modulación a, por ejemplo. Entonces tengo aquí el piso G y B. Enfócate en esos. Vayamos a E plana mayor. Hagamos realmente un acorde de paso. Por lo que D menor. Por lo que en realidad cambia de D menor a F aquí. Porque seguimos centrándonos principalmente en estos dos nodos. Subiremos a algo que use esto. Podrías ir al piso B mayor. ¿ O qué pasa con este d menor? E-flat mayor? Y eso viene como una sorpresa, pero también funciona para esta línea de melodía porque también tiene focos en estos dos nodos que formaron parte de esto. Porque esta frase melódica son esos generales y esas dos notas. Entonces como puedes ver, tienes mucha libertad por cómo armonizas qué significado, qué acordes eliges para tu línea melódica. Y eso es en realidad lo que crea. Todo se suma a la curva de historia emocional que quieres para tu música. Entonces eso nos lleva de vuelta a este ejemplo. Aquí tengo la línea de melodía en octavas. De acuerdo, entonces estamos empezando aquí con una F mayor, G menor, D menor, F D menor, D menor. Pero en realidad creé una armonización diferente para esto aquí, todavía bloquear acordes. Pero empiezo aquí, en lugar de F mayor con D menor va a E plana mayor, igual que les mostré lo que demostré en vivo. Y luego a f así. Entonces si es una progresión de acordes diferente aquí. Y ahora esto sigue usando curso de bloque, pero acabas de aprender que puedes obtener más armonía contrapunto sentir apoyo melódico si agregas más cambios de acordes. Entonces aquí en realidad he agregado más cambios de acorde yendo aquí de F a G menor. G menor. Y desde que cambié el rumbo aquí en la posición exacta donde cambia la línea melódica, eso crea una especie de un mayor énfasis y apoyo a tu escucha media líder. Entonces estas notas de melodía donde realmente cambié el código aquí, especie de llegar a ser más acentuado o enfatizado sin. Especialmente aquí se puede tener. Entonces si no cambié el código aquí y sólo tener eso, como se puede oír, pierde. Eso acentuado aquí enfatizado. Tribunales versus factor melodía. Por lo que llamo a esto el factor canchas versus melodía porque puedes usar esto a tu favor para agregar más apoyo a tu melodía. Porque cada vez que cambia una nota dentro de tu código, incluso una sola voz, es como un micro accidente. Y ese micro acento puede apoyar tu melodía si tu melodía también cambia la nota a la hora exacta. Si cambias todo el acorde, eso es aún más un acento, o comienzas a ver lo que puedes hacer aquí. Puedes usar tus cambios de acorde y la voz que lleva dentro de los acordes para acentuar y apoyar tus melodías. Especialmente si utilizas guiado de voz que lleva Una de las voces dentro del código a la misma nota que la melodía, al mismo tiempo que las notas de melodía llegan a tu composición. De acuerdo, así que vamos a revisar de nuevo este ejemplo. Entonces aquí en realidad cambié toda la cohorte, pero digamos que me quedo con eso y eso y simplemente cambio eso. Eso es como lo que llamo en mi tripulación acento de la armonía. Cambié porque puedo tener esto como un cordón de bloque. Y eso no apoya. Pero si me cambio a ti, no tienes que cambiar la voz ni el tono de la nota, en realidad puedes simplemente repetirla. Y eso crea centro también. ¿ Verdad? Así, para volver a cortar la laptop. Porque si repito o cambio cada nodo aquí en el código, modo que eso crea un acento más fuerte. Y vamos a revisar aquí sobre la melodía hace aquí. De acuerdo, Entonces aquí subimos a una a. ¿ A ver qué tenemos aquí? Entonces tenemos una D menor. Aquí hay una f, k. Vamos a crear un nivel de axón. Entonces levantemos esto. Entonces ahora obtienes un axón solo por repetir esos nodos. Entonces es el mismo acorde, pero se pone soporte extendido tu melodía. ¿ De acuerdo? Entonces es un a aquí. Pero digamos que va a una nota diferente. Entonces puedes cambiar el código real. Digamos que vas a los acordes séptimo. ¿ Qué tenemos aquí? Tenemos una D menor, D menor siete sería una C en la parte superior. Entonces ese nodo ahora, vale, Así que digamos que la línea de la melodía en realidad fue a una C aquí. Así. De acuerdo, así. Entonces volvamos a la vista condensada. Ahora, desde que fui a ver aquí, sigo usando el acorde D menor, pero añadí el séptimo año, así que creando un séptimo menor de edad. Porque esa nota aquí acentúa lo está haciendo la línea de la melodía porque básicamente es simplemente tenderla o estratificándola con la línea de la melodía. Así que piensa en eso cuando tú, cuando quieras agregar un séptimo acorde y agregar 9 Coordinador yendo más allá de los fuegos, siempre es un buen caso de uso cuando la línea melódica va a una nota específica, luego apoyado con un acorde como este. Por lo que lo apoya armónicamente. Pero también desde que cambié todo el acorde, lo soporta rítmicamente así. Entonces, básicamente, al cambiar los acordes más a menudo, estás entrando más en el reino de la armonía contrapunto en tu progresión central. Y esto puede agregar aún más apoyo a tus melodías líderes. De acuerdo, entonces déjame mostrarte esto. Cuanto más cambies el rumbo, más estas líneas internas, porque siempre debe pensar en tus progresiones armónicas como varias. Líneas terminales aquí. De acuerdo, eso juntos forma tu progresión del núcleo. Ahora, si voy al ejemplo final que creé aquí, realidad estoy cambiando acordes o repitiendo el código cada vez que en nueva nota de melodía llega aquí. Entra, como puedes ver aquí como el primer acorde. Ahí. Simplemente lo repito para acento rítmico. Cámbialo aquí, cámbialo de nuevo ahí. Y ahora realmente estamos empezando a entrar más en armonía contrapunto porque la cambié tan rápidamente aquí, de hecho fue menos incluso aumento. Ahora, vamos a mantenerlo simple. O yo como oyeron ahí, Hay tanta hormona algo pasando porque cada voz, la línea aquí es su propia voz. Por supuesto, podría agregar un poco más de movimiento para que sea más real concordancia contrapunto contable. Pero se está metiendo más en ese reino o ese estilo porque hay mucho más pasando en comparación con el primer ejemplo otra vez, que fue largo bloque aburrido. ¿ De acuerdo? Por lo que ahora has aprendido tanto la relación armónicamente armónica entre la línea de la melodía y tus tribunales como cómo eliges armonizarlos, así como cómo va en conjunto para formar la familia de voces que conforma tu verdadera progresión armónica completa. Y cómo puedes usar estas canchas versus factor melodía para acentuar tanto la armonía, Veamos, como los ritmos de tus melodías. Ahora prueba esto por ti mismo. Escribe una línea de melodía de cuatro barras. Después, primero, agrega códigos que cambien cada bola. A continuación, intenta agregar cambios de acorde en el medio, comenzando con las marcas de medio orificio. Y si puedes manejarlo, hazlo también en las notas trimestres. Aquí está la propina de bonificación. Un cambio de acorde no tiene por qué ser un núcleo completamente diferente. Los acordes de bajo alterados, los acordes suspendidos y los acordes extendidos suelen funcionar muy bien. Entonces, por ejemplo, digamos que tu melodía va así. De acuerdo, así que empecemos con F mayor. Ya que nos estamos centrando en estos dos nodos en la melodía. Entonces vamos a la G aquí en lugar de cambiar el acorde por completo a, digamos g Sólo mueve una de la nariz para hacer que el F-Major se suspenda acorde. Entonces y luego cuando la melodía va así, es, puedes ir a, a ver, y si quieres agregar otro acorde en lugar de usar incompleto el otro núcleo, usa SAS para, por ejemplo aquí. Por lo que suspendió la versión de ese código. Entonces, entonces algo como esto es mucho más agradable e interesante armónicamente que solo usar esos cuerpos F y C. 8. El sonido de la armonía (solo): El sonido de la armonía en solitario. Por lo que ahora voy a demostrar varios ejemplos en vivo de canchas armonía y progresiones de acordes en acción. En esencia, los sonidos de la armonía. Es muy importante que uses el poder que tienes como compositor para elegir una forma, la paleta de sonido para tus voces armónicas que conforman tus llamadas y progresiones, porque esto marcará una gran diferencia en el estilo de tu música. Entonces voy a usar la misma progresión de acordes para todos estos ejemplos para mostrarte cómo el instrumento y el personaje tonal y tu estilo de juego marcan una enorme diferencia en el sonido general. Entonces va así, de un menor, así a E menor, luego a G mayor, y hasta D mayor. Y espero que reconozcas esa progresión de acordes. Es de la banda sonora a la película Inception compuesta por Hans, similar. Entonces, empecemos con unos pianos que sonan suaves. Marco hacia abajo el tono y lo hice más suave con estos diales aquí para que suene así. De acuerdo, entonces juguemos esa progresión de acordes en un estilo de juego muy íntimo como este, empezando en una menor. Y luego empieza de nuevo y da vueltas y vueltas con más instrumentos entrando, esas cuerdas mágicas y así sucesivamente. Entonces eso fue un sonido suave e íntimo estilo de tocar en un piano, en este acorde progresión a poderoso que divino, como un gran coro en una sala orquestal. Por lo que cargé esta biblioteca de muestras de coro con voz tanto masculina como femenina. Vamos a jugarla. Y estoy usando la rueda de modulación para montar la dinámica ya que sostengo estos núcleos, la misma progresión de acordes, una menor a lírica y exuberante, como un arreglo de cuerdas. Entonces aquí estoy usando otra biblioteca de muestras llamada una cuerdas inundadas con las Cuerdas de Cámara, pulmones, minimalista, parche. Y arreglé la misma progresión de acordes, pero más claro con las notas legato. Y esta automatización aquí. Tan misma progresión de acorde, una menor, E menor, D mayor, D mayor. Entonces suena así ahora. Sonido completamente diferente, misma progresión de acordes, demasiado elegante y divino, como un arpegio en una sala de conciertos. Entonces aquí estoy usando un arpa de pellets en fonics sketchpad con todos los micros encendidos. Y grabé estos patrón de arpegio a partir de la misma progresión de acorde comenzando en una menor. Tus posibilidades de dar forma a tu hormona es con la instrumentación y estilos de juego o verdaderamente ilimitados. Ahora toma acción, practica tocando progresiones acordes usando diferentes instrumentos y tocando estilos por su cuenta. Al igual que estos ejemplos en Solver, escucha atentamente la diferencia en el carácter tonal y la emoción general que crean. Como compositor, debes desarrollar un instinto para estas características sonoras. Cada instrumento, familia y estilo de juego pueden agregar a tu música. 9. El sonido de la armonía (familia): El sonido de la armonía, la familia. Ahora voy a demostrar varios ejemplos en vivo de progresiones de un acorde tocadas usando diferentes instrumentos, combinaciones. Porque de esto se trata la música. Una combinación de instrumentos y sonidos tocando juntos como familia para contar tu historia musical completa. Entonces aquí había creado un ejemplo donde cada uno de estos temas aquí juegan su papel en su papel armónico en la familia de armonía que crea tu historia armónica o progresión del núcleo. Entonces puedes ver la progresión del núcleo real aquí arriba, E mayor, una menor, E sus4, E mayor, E mayor C, D, y E. Así que si quieres, puedes practicar con la progresión exacta del acorde que tengo elegido aquí. Ahora, con el fin de hacer las cosas más interesantes, también opté por crear varios estilos de juego en cada una de estas actuaciones. Entonces el piano aquí, en lugar de tocar simple bloque curso como este, donde nuestra E mayor a una mayor como uno. He creado una especie de variación entre estilos de arpegios, alguna comping rítmico, alguna voz que lleva a crear este tipo de groove. Ahí es suave e íntimo. Y con esa variación nacional del tiempo humano que elogia como el alma a tu música. ¿ Verdad? Por lo que nunca cuantifique ningún melódico potenciado al 100 por ciento, ese es un consejo que te puedo dar. De acuerdo, así que ese es el piano, muy suave en el fondo. Estas cuerdas cortas aquí tocan una especie de ostinato rítmico, pero con acordes completos. Y se puede ver variación en la velocidad y los acentos creando el surco principal. Y suena así. De acuerdo, entonces tengo este juego duro jugando, pero las arpas suelen hacer un arpegio muy alto en rango. Para agregar ese sentido de brillo y aire. Aquí se están tocando las cuerdas. Sí, están tocando los acordes con esta cuerda larga, cuerdas suaves, relucientes, altas. Hermosa. El bronce en realidad no está tocando canchas completas, sino más bien anotar armonías, por lo que conocer dos fuera del nodo. Por lo que desde el curso se puede ver el primer acorde. ¿ Dónde estás? Seguimiento de arreglo aquí? ¿ Qué es una E mayor? Entonces aquí estoy usando y G-sharp, así la raíz y la tercera. Por lo que el bronce está tocando para notar la armonía. Supongo que está bien. Suena un poco extraño por sí mismo, pero solo es agregar esos dos no terminates para agregar su propio tono, carácter a la familia en general. Recuerda esta gorda, todo se trata de la familia en la música. Entonces tenemos que notar este viento splaying, básicamente un patrón tipo ostinato. Pero con estos e, ya que todos los acordes, básicamente, la mayoría de las canchas usan E en ellos. Por lo que opté por usar esto como una especie de dron rítmico, si puedes. Etiqueta es que se queda ahí en el II. También otra vez para agregar vergüenza ahí junto con el caballo. Entonces eso son esos dos agregados a la familia de la armonía. A continuación, agregué estos coros, que también están tocando los acordes. Entonces vamos en solitario. Entonces aquí en realidad estoy jugando los códigos de bloque largo tonto con animación y movimiento desde la expresión dinámica. Y luego finalmente, también grabé algunas llaves eléctricas. Creo que este es un piano de Rhodes en clave Escape para tener algún sentido de color suave, deformado de gama baja al sonido. ¿ De acuerdo? Muy bien, así que esos son todos los colores. Entonces vamos a ser nuevos en estos por ahora. Y voy a añadir el bajo y la batería. Recuerdo que la línea de base también proporcionará, proveerá su propio papel en la progresión armónica de su historia musical. Pero sólo escuchemos a la familia de voces. Escuchar instrumentos creando la progresión general del acorde suena así. Hermosa. Y finalmente agregué algunos tambores y esta línea de base, que en conjunto crea un sonido completo. Imagina tu poder como compositor cuando combinas instrumentos, divides qué voces tocan cada uno, así como el estilo de juego de cada instrumento y línea, la dinámica, la expresión, etcétera. Puedes tocar acordes de tríada demasiado simples de mil millones de maneras diferentes eligiendo cómo tocas las notas en el contexto de todos tus instrumentos y puertos como familia. Por lo que permítanme demostrar rápidamente esto también. Entonces aquí juego solo C menor a G menor a C menor otra vez. Así que dos simples acordes de tríada. El primer ejemplo aquí es un piano. Suena así, y se pueden ver los nodos aquí y el estilo llano, ¿verdad? El mismo instrumento, el piano, pero más suave, más íntimo y más centrado en los acordes, ¿no? Por lo que C menor, G menor, vuelta a C menor. Aquí estoy usando cuerdas cortas con algunas notas de marcato y, y el resto corto. Las notas cortas o staccato, algo así. De acuerdo, a continuación tengo un conjunto de cuerdas aquí tocando los acordes , notas largas, exuberantes y esta creciente, esta ola de dinámicas y suena así. Y por último, también lo toqué en las llaves eléctricas, el instrumento de carreteras aquí en clave escape. Y alguna variación entre, Vamos a echar un vistazo. Entonces estoy usando el pedal de sustain aquí, pero algo de ración entre un poco de estilo arpegios con algunos acordes de bloque. Y luego construyendo un arpegio arriba al final aquí para conseguir esa campana como sonido y brillo, algo así. Ahora, toma acción, almacena tu DAW y practica combinando diferentes instrumentos y estilos de juego para dar forma al personaje tonal y la emoción de tu progresión central. Esta es una habilidad increíblemente importante que necesitas desarrollar como compositor. Porque la orquestación y el arreglo tendrán un enorme impacto en el resultado final de tus composiciones musicales. 10. Introducción - cómo mejorar tu carrera de acordes: Entonces, ¿cómo escribes, interpretas, y expresas tus progresiones acordes y partes de armonía en tu música para ser dinámico, interesante que sonido, increíble. Te voy a enseñar mis mejores técnicas, lineamientos, y consejos. Y espero que los pruebes todos para que puedas almacenar a usar estos trucos en tu proceso de composición musical y composición musical para mejorar tus acordes y hormona una escritura. Empecemos ahora mismo. 11. Crea un plano con tus acordes: Crea un groove con tus acordes. Acordes de bloque largo, o la forma más aburrida de tocar acordes y armonía en la música. En cambio trató de agregar algo de ritmo a los estilos de juego. Todos los instrumentos que utilizan para tocar los acordes y armonías en tu composición. El mejor ejemplo que puedo dar es una guitarra acústica. ¿ Alguna vez has escuchado al guitarrista tocar solo un acorde largo por puerta o las progresiones del núcleo? Probablemente no está bien? Tocan un patrón de rasgueo para hacer más interesante la progresión del núcleo con un ritmo y creció almacenado, aplicando esta mentalidad de un patrón de rasgueo, incluso si tocas tus cartas con piano, teclados eléctricos, o incluso cuerdas orquestales, solo asegúrate de usar articulaciones con las que puedas jugar nodos más cortos ya que funciona mejor para el ritmo y el groove en curso en armonía. Entonces tomemos esta cadena en la muestra, por ejemplo, algo así. Ahora en nuestra posición de gol o sostener o leer articulaciones legato, no podrás jugar rítmicamente. Entonces usa una articulación, staccato, Marketo, y así sucesivamente por ejemplo, así. Y digamos que quieres agregar un piano en tu composición en lugar de usar acordes largos, aburridos y de bloques como este, C mayor, G menor, F mayor, y de vuelta a C, aplicar surco de mujeres reales. Entonces, por ejemplo, puedes tocar esto rítmicamente por disco así. O puedes agregar alguna variación o jugar arpegios como este. O una combinación de los dos. Semi roto como yo lo llamo. Entonces no roto como Arcadia, sino así. Y cada combinación que se te ocurra, ese ritmo y surco en tus progresiones armónicas en el piano. Por lo que comping en lugar de largas pistas de libros simples aburridas. Y como un bono añadido cuando haces esto, es que es mucho más fácil y más natural agregar esas notas pulsantes que están fuera, fuera del acorde principal. Entonces por ejemplo, si tomamos de nuevo esta progresión C, E, G menor F, aquí tenemos la C mayor. Pero se puede, por ejemplo, esto. Nota cuando vas a la llamada menor, un SaaS aquí dice Jesús para y luego entra en f. Y deposición. Tenga en cuenta aquí, F sub dos. Y luego c sus4, desde que yo tenía dos y luego C, Así que todas esas notas extra o más naturales para agregar en ese anuncio tan caliente a la variación e interés en tu progresión de acordes y o historia armónica. Como puedes aquí en comparación con este Cuerpo de Marines, obtienes una. Entonces hay algunos instrumentos donde automáticamente obtienes este estilo de juego de libertad y groove. Por ejemplo, un arpa, naturalmente jugado con o producir algo como esto, y así sucesivamente. También puedes usar estilos de juego que agregan más aire y el silencio entre los nodos para marcar, por ejemplo, los ritmos principales, acentos en tus ritmos centrales. Digamos que en un latón se puede jugar deporte Asado y ni siquiera tocó un núcleos de CPU, pero sólo dos notas a la vez del cable como éste. Y recuerda también que una verdadera magia ocurre cuando algunos instrumentos tocan notas y líneas más largas para su parte armónica, mientras que otros tocan un surco rítmico. El conjunto de ambos es lo que crea esa variación e interés en tus armonías. Entonces aquí he creado otro ejemplo para que ustedes demuestren el poder del grupo, los lean y tocen estilos, sobre todo en combinaciones cuando expresen sus historias armónicas e historias musicales. Entonces he usado la misma progresión de acordes, a, C, E, G menor, F, y C. Así que vamos a escucharlos individualmente primero. Por lo que en el piano, he elegido un año un poco emparejado. Será más rápido, muy rápido nuestro año ped para conseguir algún cordón grupal ahí y alguna variación aquí, a mediados de tarde allá. Pero he optado por mantener variaciones de tiempo para agregar aún más groove humano y así a la música en las cuerdas cortas aquí, que también son cuerdas somáticas. He elegido staccato en lugar de correo de artistas de estuco porque quería esto un poco más. Apuntes para el ritmo. Ten algo de cola en el sonido. Aquí estoy basado esencialmente jugando a los coords tontos en un patrón de ritmo de comping en el arpa mientras, pero no arpegios en la mayoría de los casos. De acuerdo, y he elegido usar sólo las coordenadas en eso. Entonces en las cuerdas, estoy tocando aquí, la corporación con las largas y exuberantes notas. Entonces esto no es tan rítmico, Para ser honesto. Es decir, esto es realmente lo que crea ese velo de, PERO en este sonido general. Lo mismo en latón aquí he elegido usar acorde largo. Pero la diferencia es que he elegido en lo que respecta a la articulación staccato para conseguir ese agudo o ataque para marcar ese sonido de latón. De acuerdo, y finalmente en las alas toco estas siguientes notas largas, estilo arpegio. Pero básicamente son las notas de acorde rescore con un diferente, léalas para cada UNO, el arpegio real para cada acorde aquí. Y en combinación como familia. Con todo esto, obtienes este tipo de estilo. 12. Cambiar acordes dentro de las barras: Cambiar acordes dentro de las barras. Usar el mismo acorde para uno o incluso dos barras completas puede sentirse muy aburrido en tu música. Entonces aquí he creado un ejemplo usando un piano con largos acordes de bloque de una barra con estos acordes de progresión de acordes aquí arriba. Entonces, escuchémoslo primero. Ahora bien, si tus melodías y la forma en que juegas tus cartas tienen mucha variación, ritmo, y movimiento dentro de cada acorde. Se puede por supuesto, utilizar el mismo curso para una duración más larga y aún así hacer una gran música. Entonces tomemos esta misma progresión de acordes tocada en piano, pero aplicamos algo de groove Redmond al estilo plagado de cada acorde. Entonces cada acorde durará por una barra, pero estoy agregando algo de interés con el groove y el estilo de juego, algo así, ser plano, D menor. Y ver. Y por supuesto, si agregas mucha animación y movimiento, como he hecho en estas cuerdas todavía tocando acordes de bloque de una barra como este, B plano a D menor. Pero obtienes algún movimiento dinámico. Y por supuesto, si agregas más instrumentos tocando, digamos que le agrego un piano encima. Entonces por supuesto, obtienes más variación de eso. Por lo que sigue usando la misma barra por registro. Pero obtienes animación, movimiento y variación y más profundidad desde el estilo llano y el movimiento de tu música. Pero experimenta con ir más allá los acordes de una barra para agregar más variación armónica en tu música, deberías considerar agregar algunos cambios de acorde más en tus progresiones. Los mejores momentos suelen ser en el punto de media barra o en un beat, un cuarto de nota. De acuerdo, entonces volvamos a este piano aquí. Hice el primer ejemplo usando canchas de bloque de una barra. A continuación, grabé otra demostración aquí para ustedes, donde en realidad cambio acordes dos veces por barra. Entonces primero llegamos de B plano mayor, B plano mayor siete, luego de D menor a D menor siete, luego F Sus a dos. Entonces uno, y obtienes más variación. Estoy usando el pedal de sustain por cierto. Entonces suena así ahora. ¿ Verdad? Acero un poco rígido porque sólo usar acordes de bloque, tocar cada nota al mismo tiempo del cordón como éste es un poco rígido, sobre todo en piano. Entonces si traigo el piano, para que lo vean aquí si tocamos esto. Por lo que empezando por el piso B, luego fui al piso B, mayor siete, luego D menor. Y luego los siete menores así. Entonces, y puedes empezar a agregar algo de groove rítmico a tu estilo de juego de esto. Entonces, por ejemplo, de F, G, tal vez si sentido para ti. Y entonces tal vez ver a SaaS hacer. Por lo que de esta manera se puede agregar mucha profundidad más tranquila y armónica entre, entre las barras. Entonces, para que obtengas más variación armónica así como algo de ranura en el estilo de planeación. En realidad había hecho esto en estas cuerdas cortas está aquí. lo que están jugando curso de béisbol, pero hemos agregado variación en los cambios de acorde aquí en el beat final, como puedes ver. Entonces aquí en el último beat también. Después lo cambié en la línea de media barra aquí para que puedas ver, y luego la última pérdida de nota de cuarto venció ahí. Y suena así, digamos en solitario, sí. Y así sucesivamente. Y finalmente, permítanme mostrarles lo que hice aquí con este arreglo de cuerdas. Por lo que suena hermoso. Y si agregas melodías interesantes que toman el foco, esto podría estar completamente bien, pero evolucionó un interés más armónico. Entonces tomemos este ejemplo donde he, he rebanado las notas y he hecho algún movimiento aquí en lugar de paquetes nota larga. Provost a sumar algunos liderantes de voz. Entonces se puede ver esto comienza con un B plano mayor, luego va a B plano mayor siete allá. Si tomamos aquí se puede ver que es una F Sus entrar en una F, entrar en C. Y entonces esto, y esta voz cambia. Entonces es una C a las nueve. Y obtienes movimiento mucho más interesante en la progresión de acordes. Tu música se hará más armónicamente rica si cambias acordes dentro de un jabalí, y no solo en las transiciones exactas del tablero. 13. Añade acordes de transición: Agregar acordes de transición. La música se trata de contar una historia usando sonidos en lugar de visuales. Y lo que es realmente importante para cualquier buena historia. El flujo de tu línea de cuentos. En este caso, llevar a tu oyente en un paseo que se siente como una montaña rusa con altibajos, giros y giros. Pero siempre moviéndose en un flujo que lleva tu historia musical de principio a fin. Y esto también es cierto para tus progresiones de acordes. Una forma de mejorar el flujo es con el líder de la voz para un paseo más suave, pero también usar acordes de sesión de amigos y acordes pulsantes para hacer más interesante el viaje entre los cordones. Entonces permítanme demostrar el uso de acordes de transición para condimentar tu progresión del núcleo y hacer que las transiciones entre acordes sean más interesantes. Digamos que eres una corporación es plana. ¿ Todo bien? Ahora, lo primero es que vas a pasar de C mayor a un F-mayor. Lo que puedes hacer es usar una inversión de acordes. Entonces, por ejemplo, F-major jugó así. Entonces haciendo estos Topsy aquí abajo. Ahora estoy aquí de C mayor por hacer, F-major se vuelve suave, ER, pero también se puede agregar un acorde de transición como este, C. Y luego digamos c sus4, porque esa es una nota F también es evidente en el EF Core. Ofrézalo así. De acuerdo, otra vez, C y un último beat así. Y también puedes usar otro acorde o hacer un séptimo acorde, digamos, ver ese C mayor 7. Y luego ve a ti pronto otra vez. Y oíste el acorde final que hay en el beat final ante las cadenas de cancha. Y luego estás en F, F sus4. Cuando vas a B plana mayor, como puedes escuchar, crea más interesante y básicamente une los acordes más suaves. En lugar de solo cambio de acorde, son los mejores momentos para agregar estos acordes breves está en la última nota de cuarto antes de la siguiente barra, donde entra un nuevo acorde. El cordón de transición ni siquiera tiene que ser un muy diferente a los dos canchas principales. Pero muy a menudo puede ser simplemente una variación de uno de ellos. Por ejemplo, un acorde séptimo, un acorde suspendido, cuerda base alterada. Agregó acorde de nota o cualquier otra variación de uno de estos dos acordes principales en la transición entre ellos. Entonces permítanme demostrar rápidamente los dos tipos diferentes de curso de transición. El primero ya lo demostré, que es un, otro código más frío pero aún usando el mismo nodo raíz. Por lo que C a F. Puedes hacer sus4, por ejemplo. Ya puedes ver, vamos a añadir el seis lágrima. Por lo que CC, C mayor investigación. Se puede hacer C siete, este pelo, por lo que crear un acorde C séptimo mayor siete, y así sucesivamente. Por lo que varios colores pero usando la misma nota raíz del acorde o incluso el siguiente acorde. Pero también se puede hacer un coord de transición. El otro camino es utilizar una coordinación completamente diferente, un nodo de ruta completamente diferente. Entonces de C a F, puede, puede que desee, por ejemplo, ya que esto está usando E y G adentro, si solo mueve ese nodo, crea un E menor. Por lo que puedes hacer eso como acorde de transición. Se oye que una progresión de acordes totalmente diferente aquí. Ya que es tan corto, Ese es el significado de acordes de transición repulsionando curso. Son justamente ese paso intermediario entre el curso principal, en este caso, C mayor y F-mayor. Pero pueden agregar muchos colores interesantes a tu progresión de acordes al usarlos ya sea el color de la misma, por lo que misma nota raíz pero otro sabor de la misma, o un acorde diferente completado por un breve momento mientras que el la transición está sucediendo así. Ahora también creé un par de manifestaciones aquí en el DAW. Entonces empecemos aquí. Esta es la progresión de acordes, D menor, C, D menor, y así sucesivamente. Y se puede ver sólo acordes de bloque aquí, así que no hay curso de transición. Suena así. O dos barras, D-menor aquí y luego ser plana. ¿ De acuerdo? Ahora, lo siguiente es, básicamente copio esto pegado a otra pista aquí, y luego lo rebané y creé un acorde o color diferente aquí en el último beat aquí, aquí, aquí, y así sucesivamente. Y estos son acordes de transición. Entonces, escuchemos ahora la diferencia. De acuerdo, así que muchos más intereses, movimiento interesante y variación en la progresión del acorde. Entonces vamos a ver, vamos de D menor aquí. Y luego he optado por usar D menor, añadir 11. Y aquí, C a C siete, D menor, D menor siete, y así sucesivamente. Ahora, claro, no juegas a libro. Así en piano porque suena rígido, pero puedes escribir tu progresión general de acordes como un boceto en la parte superior de tu secuenciador e incluir todas estas canchas de transición y usarlas como guía visual cuando arregles tu música. Pero también creé este ejemplo donde, porque aquí realmente cambié o repito cada nota en la coordenada creando estos bloques así. Entonces comparemos esto con el acorde completo. Entonces cada cambio, todos los nodos cambian o repiten. Pero aquí en las cuerdas te he mostrado cuanto más una forma lírica y hermosa de realizar la armonía es que el individuo llamado voces haga sus propias líneas individuales. Y no suele crearse un cambio de acorde como este, como un bloque, sino como voces individuales. Por lo que tienes movimientos individuales de voz. Entonces aquí se ve la D menor aquí la voz superior se mantiene igual, la más baja también. Este cambia al ritmo final. El de hoy. Y éste baja para agregar ese movimiento de voz, porque cada vez que incluso una sola voz cambia. Por ejemplo, digamos aquí tienes un C y luego este top g sube a b. Y eso es una locura. C7 es sólo una voz o cambia. El otro estados es el mismo R que agrega esa hermosa manera lírica de una progresión armónica. Y de nuevo, como con los acordes de transición aquí, puedes tener como pauta, el beat final de cada barra, o la media barra aquí para sumar estos movimientos con voz. Y en la mayoría de los casos no quieres que todos los voltajes se muevan al mismo tiempo, sino más bien una sola voz o quizás a en algunos casos aquí, porque si todos los cambios que pueden sonar un poco fangosos para tu armonía de prostitutas. Y puedes perder la cohesión del, el foco de lo que cada código es en realidad en tu historia armónica. Pero esa es la esencia de una transición acordes en la música. Entonces experimenta con esto, pasa de acordes largos de libro y empieza a agregar curso de transición, ya sea el mismo RootNode con un color diferente, el acorde, el séptimo acorde, el acorde suspendido, agrega seis acordes y así sucesivamente, o un acorde completamente diferente. Y también recuerda que también puedes cambiar solo una o dos voces a la vez y así crear una armonía como transición al siguiente acorde. 14. Usa mejor liderazgo de voz: Usa mejor liderazgo de voz. voz líder en la música es el arte de elegir cómo tocar y conectar el flujo de cada voz en los acordes y armonías a lo largo del tiempo. Por ejemplo, si tocas un acorde C mayor, las notas o C, E, y G. Pero puedes jugar con cualquiera de esas notas en un orden diferente al de la posición raíz estándar. Si los juegas como E, G, y C, se llama primera inversión. Y si los tocas como G, C, E, se llama la segunda inversión. Y si tocas acordes con cuatro nodos, como los acordes séptimo, por ejemplo, también puedes obtener una tercera inversión. Entonces, por ejemplo, si tienes un acorde séptimo dominante C, C, E, G, B plano. Ahora la primera inversión subiendo, Veamos aquí, la segunda inversión subiendo esta E aquí. Y la tercera inversión, porque se obtiene una tercera inversión extra si se tiene un acorde de cuatro notas moviéndose hacia arriba este G aquí, así, todos ellos, o C7, pero tres inversiones diferentes. La mayoría de las veces quieres jugar tu curso de una manera que haga que el flujo de progresión del núcleo sea más suave, lo que significa elegir inversiones para tus acordes. Eso crea menos y más cortos saltos de las voces internas del núcleo. Entonces digamos que quieres ir de C a F. Bueno, esto es un gran bajón. Ahora bien, podrías usar una inversión del acorde C antes de ir a la F, así. Mueve eso arriba una octava. Por lo que tienes la c mayor en primera inversión. Y entonces la C se quedará porque estas otras dos voces simplemente se moverán hacia arriba como así para crear el acorde F. De esa manera obtienes una voz más suave liderando entre estas canchas. O puedes elegir usar el resplandor al revés, empezar con la posición C y luego usar una inversión del acorde F-Major. Entonces mueve esto una octava hacia abajo, así. Y este es un cuarto de medida F también. Entonces yendo así. Pero puedes ir un paso más allá de esto. Si comienzas a duplicar algunas de las voces centrales en el cable, y luego cambias la forma de voz de los acordes mientras tocas. Por ejemplo, C, E, G es un acorde básico C mayor. Ahora, si luego agregas otro C, una octava arriba, por lo que C, E, G y C, puedes crear una transición suave que conduce a la voz hacia, por ejemplo, una séptima dominante C. Después de eso, C, E, G, B plano. Ahora, digamos que le das seguimiento yendo a F sus4 y luego a dejar decir si mayor de eso. Bueno, felicitaciones, acabas de crear una gran pequeña progresión de acordes usando liderazgo creativo de voz, lo que agrega esa transición agradable y suave entre tus canchas. Entonces aquí creé un ejemplo de una progresión de acordes solo usando acorde de posición de raíz estándar. Por lo que CGD menor, una menor. C, F, y C. Y suena a esto muy juguetón y rígido porque se obtiene por cada voz. Por lo que lo primero que puedes hacer es simplemente parar a transponer estos como esta una octava abajo para hacer una inversión de la misma. Y lo puedes ver en realidad ahora comparte, así que obtienes uno menos, salta en la transición de voz al siguiente acorde. Así. Pero digamos que uno de abajo es uno quizás arriba. Para que veas que estás empezando a reducir cada hoja o voces como esta. ¿ Verdad? Entonces ese es el primer paso. El siguiente paso que puedes hacer es agregar si consigues grandes saltos que no puedes evitar. Al igual que por ejemplo, aquí, este es el nodo raíz de bases un acorde de C, pero va a G. Entonces siguiente como el núcleo. Entonces esta es sólo la nota raíz en octavas o las canchas aquí. Puedes empezar a crear realmente algunas transiciones como la voz líder aquí. Entonces digamos que el C aquí va así a caminar suave ER, a la siguiente nota. Y todos estos juntos pueden crear una progresión de acordes mucho más suave. Entonces si revisas esto aquí, tomé esto y preparo este ejemplo donde usé estos, ambas técnicas. Y también se puede, no tiene por qué ser los mismos saltos aquí. Entonces aquí se ha perdido beat donde agregué un cambio. Pero aquí lo he hecho todo. La nota más baja aquí, marca media barra. O sea, eres completamente libre. Solo asegúrate de que no estás creando demasiado lío para el cable actual Dondequiera que empieces a agregar este tipo de líder de voz. Entonces aquí obtenemos de un C. Y si eliges caminar hacia abajo o hacia arriba para cualquier voz en tu código, asegúrate de que no estás creando un tipo loco por supuesto, esto es solo un C mayor 7. Suena así. Por lo que la lección más importante que debes aprender es tratar cada línea tiene su propia voz en tu código. Y así si yo, por ejemplo, solo selecciono la línea superior aquí, tres, esto tiene su propia voz o dentro de tu armonía. Por lo que quieres, en la mayoría de los casos tener menos saltos. Entonces este es el ácido. ¿ Tienes pasos o un tono? Semitono de regadío, y así sucesivamente. Y lo he hecho en todas las voces. No se dan grandes saltos. Es así como consigues estas progresiones más suaves. Y es especialmente importante en instrumentos con notas largas sostenidas, como cuerdas y vientos sostenidos de bronce y así sucesivamente. Entonces aquí hice el mismo ejemplo en una cuerda en parche de Samba y su brazo como este ahora. Entonces cuando añades estas notas extra para crear una voz más suave y mejor líder para tus progresiones de acordes. Debes tener cuidado de hacer demasiado al mismo tiempo. Entonces, por ejemplo, aquí, esta voz baja por aquí, mientras que esto sigue siendo la misma hasta que cambie la corte. Y aquí se llega a media palma. Ok. No hagas todos los cambios al mismo tiempo. O será tratada como su propia palabra central. Entonces por supuesto se puede hacer eso así como los tribunales de transición y los tribunales de pausas. Pero aquí cuando hablamos de liderar la voz, tratarlos individualmente, las voces, pero no hagan demasiados cambios al mismo tiempo. Entonces aquí le hice a éste a allá y a éste también allá. Pero éste, éste, y éste sigue siendo el mismo. Y además, si estamos hablando de la nota raíz para el cordón solar, en la mayoría de los casos se jugará en la base. Y también a veces el octano de la nota bajo. Esa es la voz que quieres tener más cuidado porque eso proporciona el anclaje tonal para el oyente, el nodo raíz de cada acorde. Así que asegúrate de mantener eso más tiempo en la mayoría de los casos y hacer la voz liderando más en la tercera y la quinta y otras voces de tus discos. Por lo que ahora puedes practicar cuando escribes tu progresión de núcleo para organizar tus voces y añadir notas de paso extra para crear transiciones más suaves que van desde Stephen, bloquean acordes como ese, en algo con más interesante más suave transición de las voces internas. Eso conforma tu progresión central. 15. Usar la voz creativa: Usar la voz creativa de acordes, llamadas inversiones y liderazgo de voz es la forma fundamental de hacer que tus progresiones de núcleo fluyan más suave. Pero vamos a llevar esto un paso más allá. Ahora, imagina un guitarrista que toca un acorde usando las seis cuerdas de una guitarra acústica. Esto significa que algunas de las notas de acorde se duplicarán. Y en algunos casos, el guitarrista podría optar por silenciar, lo que significa no tocar una o más de las cuerdas. Así que permítanme demostrar rápidamente estos en estos plugin de guitarra acústica. Por lo que tocaré un acorde E menor. Entonces, solo juguemos un software de down cord. Y se puede ver que las cuerdas se están reproduciendo todas estas tres cuerdas más bajas, esta cuerda abierta, y estas dos en el segundo traste. Si presiono un poco más fuerte, sigue siendo la misma cohorte, pero ahora los guitarristas superan cada acorde. Entonces las seis, o cada cuerda, las seis cuerdas. Lo que significa que algunas de las voces del cordón se duplicarán. Y si hago un upstroke, va en la otra, la otra dirección, y tres cuerdas diferentes aquí. Estas cuatro cuerdas ahora, por lo que se puede ver que es el mismo acorde, E menor, pero es un color diferente dependiendo de la voz. Para que así puedas ver que puedes crear las voces acordes por las que las notas doblas en tus códigos. Entonces digamos que tienes un acorde F mayor, F, a, y C. Bueno, piensa como un guitarrista, cuál de estas voces centrales quieres duplicar y dónde? Entonces tomemos la C, la nota superior y doblete una octava abajo. Tomemos la nota de raíz y duplicemos que una octava por debajo también. Por lo que tenemos F, C, F, a, C analyte. Sólo tienes que añadir otro F y encima de eso. Entonces este es ahora el mismo acorde. Pero con y acorde voz que el simple acorde de tres notas aquí. Causó acordes. En primer lugar, es necesario entender la diferencia entre las voces de acordes cerradas y abiertas. Una voz cerrada, para grabar es simplemente tener todos los nodos sobre el cable distribuidos para que no haya espacio entre las notas, lo que significa que ninguna nota omitida es parte del acorde. Y un cordón abierto, sin embargo, es cuando optas por distribuir las voces del acorde para que de hecho haya un espacio entre algunas de las coordenadas que usas. Por lo tanto, permítanme demostrar la diferencia entre un cordón cerrado y una voz de acorde abierta. Entonces tomemos un acorde C mayor, C, E, y G. ¿De acuerdo? Entonces si tocas eso así, se trata de una voz de acordes cerrada porque las notas C, E y G, no hay C, E o G entre ninguna de estas notas. Y aunque la voz con otras inversiones, moviendo esto aquí arriba, todavía no hay C, No. El núcleo interno voces en el medio, no te saltas nada. Pero tan pronto como vayas así, toma este nodo, por ejemplo, arriba una octava arriba aquí. Ahora las notas centrales son C, E, y G. Pero como se puede ver, aquí está una de las coordenadas reales que se omite. Y el c aquí también se salta, lo que significa que se trata de una voz de acorde abierta. Por lo que también puedes agregar más nodos. Entonces digamos que tienes la raíz nota la C a continuación, escribe eso. Entonces te llevas el tercero, digámoslo por ahí. Y luego tomas, digamos la raíz otra vez, su par de fe y el pelo de raíz. Entonces este es en realidad un acorde C mayor con una voz de acorde abierta. Y compare eso con una voz de acordes cerrada, que podría ser algo así. Aunque dupliques todo así. Eso sigue siendo un cerrado cursos de cohorte. Y de nuevo, una voz de acorde abierta es cada vez que te saltas una de las voces internas de la corte. Entonces por ejemplo, buscaba C mayor. Ya vemos si te saltas alguna nota aquí como parte de la coordenada así. Esta es una voz de acordes abierta y puedes expresarla como quieras, lo ancho que quieras, como JB o tercero. Y esa es una voz de acordes muy amplia espaciada. Por supuesto, esto crea naturalmente un sonido más abierto con mejor separación entre las voces y como aire para que otros instrumentos toquen líneas melódicas, temas, arrecifes, o lo que quieras agregar. Pero espaciarlo demasiado puede hacer que el cordón se suelte. Se enfría, Fundación y conexión. Y en su lugar se sienten como líneas completamente separadas en lugar de un resfriado. Por lo que hay que tener cuidado con lo lejos que espacian las voces centrales. Entonces permítanme demostrar esto en esta progresión de acordes de piano en E menor. Entonces estoy empezando en E menor, yendo a E menor siete luego a ver a Jesús por G y así sucesivamente, sonando así. De acuerdo, entonces aquí solo estoy usando acordes de posición cerrada otra vez, significa que cada una de estas voces cuadráticas, no me salto ninguna voz de acorde interna. No hay, por ejemplo aquí, esto es E en E menor, E, G y B. Así que tenemos aquí E, G, y B. Así que no hay ninguna nota EEG o B entre ninguna de estas notas. Tan pronto como transpones cualquier nodo de esto hacia arriba o hacia abajo, creas una voz abierta. Entonces tomemos, por ejemplo, la línea inferior aquí abajo una octava entera como esta. Ahora tienes una voz de acorde abierta así. Y digamos que transpones la línea superior hasta una octava. Esto se está volviendo un poco demasiado amplio. Ya no sonará como un resfriado. Porque es el espacio demasiado ancho. Por supuesto, si usas esto y lo llenas con otros instrumentos, eso probablemente pueda funcionar, pero ten cuidado con lo lejos que espacias cada acorde y si los espacias, también puedes, por ejemplo, duplicar uno de las líneas. Entonces digamos que tomas esta línea inferior y luego lo duplica aquí arriba. Ahora que aún tenemos una voz de acorde abierta. Pero comienzas a sentir algunos de los huecos para que el acero se sienta como una progresión de acordes y no solo voces individuales. Por lo que puedes usar estos conceptos, los acordes de posición cerrada y los acordes de posición abierta, y que llamaron voces. Duplicas en formas creativas para tus acordes en tus progresiones centrales. Y una buena pauta es asegurarte de que el nodo raíz de cada acorde tenga más peso y enfoque en tu acorde, que en la mayoría de los casos significa usarlo como la nota más baja e incluso incursionar es una octava arriba. Entonces digamos que quieres voz un C, agrega nueve acordes en tu progresión de acordes. En lugar de jugarlo recto sin duplicar así. Y entonces el sumar 9 es en realidad el D aquí, pesar de que los nueve puntos son pagador, pero en posición cerrada, es a, D, E, y G. Así C89, posición cerrada. Experimenta con la voz. Por ejemplo, vamos a duplicar el nodo raíz, por lo que una octava Biao, Así que vamos, vamos a hacer C y luego otro C una octava arriba, luego ir a la quinta perfecta del acorde. Entonces el G, y luego ir a la d, que en realidad es el sumar nueve. Y luego puedes tomar, digamos la quinta G perfecta otra vez, la nota de raíz otra vez para aún más enfoque en ese tónico o la nota de raíz del acorde. Entonces C, y luego terminar con la carga final siendo e, que es la tercera en este caso. De acuerdo, así que permítanme ahora demostrar esta enorme diferencia tono y Colmar de crear voces acordes así. Entonces aquí te tengo ver sumar nueve acordes en posición cerrada, C, D, E, y G. Así. Pero aquí, como les acabo de decir, he optado por que el nodo raíz aquí en el bajo se duplique una octava arriba. Entonces nos vemos otra vez. Entonces el pivote perfecto, el g, luego el agregar nueve, el d, Entonces el regalo perfecto otra vez. Entonces g, entonces la nota raíz aquí, C, y luego la tercera es E, que suena así, antes. Y ahora después. Tono y color completamente diferentes, exacto mismo acorde. Ten en cuenta que por lo general se recomienda enfocar en el nodo raíz y, o quintas perfectas en el rango inferior, diría que debajo del medio C. Para tus progresiones del núcleo, en la mayoría de los casos, solo debes usar la raíz nodo de cada acorde y, o perfecta quinta armonías y voces. Y luego arriba del medio C, puedes ser más creativo con lo que las voces y los intervalos que añadas. En tus voces centrales. De acuerdo, así que digamos que tienes un acorde D mayor. Entonces aquí está medio C. Así que por debajo de C medio, te recomiendo que tengas cuidado con agregar hormonas distintas a la nota raíz del acorde. Entonces d en este caso, y la quinta perfecta, por lo que un en este caso. Entonces, por ejemplo, digamos que empiezas aquí en el extremo inferior con una D y luego una octava arriba. Y luego la fe perfecta aquí. Y luego el D real, F afilado y a que sigue siendo claro y enfocado. Y si miras aquí, en realidad duplicé la nota raíz en el, obtiene. Aquí debajo del medio C. No tengo ninguna otra armonía ni la voz del acorde que no sea la raíz y la quinta perfecta, raíz, raíz, perfectiva, y luego el resto del núcleo. De acuerdo, así que ahora te voy a dar un consejo sobre cómo puedes practicar con la voz cool creativa. Entonces te recomiendo que practiques sobre piano como lo he hecho aquí, ¿no? Tu progresión del núcleo. Y luego usas la nota raíz de cada acorde en octavas con tu mano izquierda y toca el código real con tu mano derecha. Y aquí podemos usar inversiones si quieres, pero apégate a las notas de raíz aquí abajo. Entonces déjame mostrarte esto en piano. Entonces si juegas a C mayor aquí, ¿por qué? Entonces ver en Octavio ahí. Y entonces ahora, aunque uses una inversión, así que sube este C una octava así. Sigue tocando aquí la nota raíz. Entonces digamos que vas con un menor, juegas eso en una inversión como esta, vas a en RootNode Sinopterus aquí, así que di así. Y una vez que hayas registrado esa progresión del núcleo, solo cuantizarla a barras o tener barras como lo he hecho aquí. Y luego empieza a experimentar moviendo una de las voces hacia arriba o hacia abajo para crear voces de acordes abiertas para crear las inversiones que te gustan. Entonces digamos que quieres subir eso, así. Vamos a subir eso. Ahora bien, esta es una voz más suave que conduce aquí. Vaya, tío, así. Y digamos que te das cuenta de que quieres incursionar, por ejemplo, esto, esta voz de acordes aquí. Entonces eso es g, w, h copiándolo y moviéndolo hacia abajo una octava. Entonces tienes esto. Y digamos que quieres tener eso, el doble de eso. Por ejemplo, una octava arriba así. El oleaje y la octava arriba y lo espacian como te guste. Entonces de esto se trata la creación de voces de acordes. Voices de acordes cerrados versus abiertos. Y qué voces doblas como un guitarrista, doblas tocando varias cuerdas de las mismas notas, pero diferentes octavas. Y qué tan ampliamente lo espacias en el rango de octavas en la música, y así sucesivamente. 16. Argento de voz: Disposición de voz por instrumento. El grandioso del curso y la armonía en la música es que eres completamente libre dividir un arreglar todas las voces individuales de acordes, llamadas Notes, para que se toquen en cualquier instrumento de tu composición. Por ejemplo, digamos que tienes una tríada principal C estándar, C, E y G. Entonces podrías elegir jugar la nota raíz. Entonces ver en la base, la C, una octava arriba en los poco profundos, la E podría ser tocada por la sección de viola y la G en violines. De acuerdo, así que déjame demostrar tu libertad creativa con arreglo de voz por instrumento. Y creé esta pequeña progresión de acordes simple de C mayor a G mayor y luego de vuelta a C. Así que el arreglo de voz que he elegido aquí está en la base, simplemente uso el registro de nodo raíz, así que C a G y volver a ver aquí. De acuerdo, muy sencillo. Entonces en las cuerdas, elegí tocar la nota raíz, pero una octava más alta como esta, se duplicó con los bancos. De acuerdo, a continuación, agregué un poco de latón, y aquí elegí usar lo que ver, tengo una E aquí. Entonces el tercero del acorde C-mayor, el B, que es este tercio del acorde G-Major, y luego el tercero otra vez. Entonces vamos a cuantificar esto por cierto, así. Entonces, solo apilémoslos uno encima del otro ahora. Por lo que tenemos la ruta de la raíz una octava más alta y el latón es el tercero, tercero. Después agregando las alas encima de eso. Y aquí se usan, Vamos a ver. A partir de la G, que es la quinta perfecta del acorde C mayor. Entonces entra, vamos a cuantificar esto, por cierto. Whoops. Entonces yendo a, digamos el d, que es el quinto perfecto del acorde G-Major, y luego veamos cuál es en realidad la nota raíz del acorde. Orden tan diferente aquí. Entonces, finalmente, solo uso dos líneas en solitario, una nota al mismo tiempo, pero en el coro aquí en realidad usé más notas. Entonces digamos en contra debe echar un vistazo a esto aquí. Empecé con la E y la G, que es la tercera y una quinta perfecta del acorde C mayor. Entonces llamo a esta g, que es la raíz del siguiente acorde, G mayor. Y agregó un líder de voz, tuvo el d, que es el quinto perfecto del acorde G-Major. Y luego termina con un acorde C mayor. Y aquí uso una raíz y una tercera. Entonces va así. De acuerdo, tan súper simple. Pero con todo eso en conjunto, empieza a ponerse más interesante. Simplemente mediante el uso de arreglos de voz creativos para cada acorde por instrumento. Entonces todavía puedes tener un piano tocando el código rítmicamente usando todas las coordenadas y duplicar la raíz y quinta, por ejemplo, para tocar la línea de armonía en una pista de latón y muestra y así sucesivamente. De acuerdo, así que intentemos grabar algo en vivo en este piano Preguntas frecuentes sobre este arreglo de voz. Entonces solo voy a jugar C mayor a G mayor a C mayor. Algo así. Es decir, agregando algo de groove, agregando alguna coloración interesante del cordón. Tenga en cuenta que muchos instrumentos sólo tocan mono fonicamente, lo que significa una nota a la vez, mientras que otros instrumentos, como un piano o una guitarra, podrían tocar todas las notas de cuarto, incluyendo duplicar algunas voces centrales. Y a veces un instrumento toca una armonía de 2 nodos sobre 2, o las voces centrales, o incluso simplemente relevantes para la escala de tu canción. Como puedes ver, aquí no hay limitaciones en tus elecciones creativas. Organiza tus voces de código como quieras en cada instrumento, quieres interpretar una parte de la familia armónica en tu storyline musical. Entonces tomemos otro ejemplo aquí. Recordar progresión en E menor. Entonces empiezo con la voz de bajo aquí en notas de raíz, ¿verdad? Agregando un piano tocando los acordes tontos, incluyendo duplicar la base hacia abajo. Entonces llegamos a las cuerdas aquí donde toco tres de la voz está muy espaciada. Por lo que abren voces acordes como esta. A continuación agregamos línea de latón aquí, también espació a los votantes en su mayor parte. Y pesando así. Agregando algunas ventanas aquí donde también solía conocer terminus. Digamos que no podemos traerlos aquí. Una especie de espaciado, voces de acordes abiertas, pero otras voces que el bronce. Y finalmente adquirió donde hago una armonía de dos partes aquí basada, por supuesto, en las coordenadas reales de la progresión del acorde. Por lo que en conjunto, obtienes esta creativa voz de acordes por instrumento tocando así. Así que adelante y experimenta ahora con la voz de acordes creativa por instrumento. Organiza las voces, tus progresiones reales de acordes. Entonces de tu causado en tu progresión, dos instrumentos diferentes, ya sea tocando monofónico, es decir una nota a la vez, los acordes completos como una guitarra de piano, o para anotar armonías como el latón aquí y los vientos de madera, y adquiere tu libertad creativa con voz, arreglo por instrumento y parte es ilimitada. 17. Estilos de rendimiento de voz: Estilos de rendimiento de voz. Tienes total libertad para organizar cada voz de acordes, su instrumento, y significado en tu composición. Pero vamos más allá. También tienes opciones ilimitadas sobre cómo tocas cada instrumento tocando los acordes y o voces de armonía en tu música. Significa que puedes tener tu arreglo usando cualquier número de instrumentos jugando su papel en tu progresión central. Pero cada instrumento también se puede tocar de una manera diferente e incluso cambiar a lo largo de su actuación, que significa el estilo de juego y el rendimiento de su poder. Por ejemplo, se puede tener un piano tocando, digamos el curso como un arpegio ocho. Entonces digamos que tu progresión de acordes es D menor, F mayor, C mayor. Entonces tu piano podría estar tocando algo así como un 8-note o pedigrí como este. Puedes tener cuerdas staccato tocando dos de las voces centrales como una armonía usando un groove rítmico. Entonces digamos que aquí usamos la misma progresión de acordes. A D menor, F mayor, C mayor, D menor. Y tocaré el bajo y los arquitectos con mano izquierda y tus cuerdas cortas podrían tocar, tocar estilo usando para conocer terminus, pero con unas notas de bajo aquí. Con un grupo como este. Tu base podría estar jugando una línea de base conductora, principalmente en la nota raíz del acorde, pero con notas de transición usando una de las otras coordenadas antes de un cambio de código. Entonces en la misma progresión de acordes, DFC y vector d, tu línea base podría estar tocando rítmicamente de acuerdo con usar principalmente las notas del acorde, pero agregando algunas notas en el medio y para condimentar el interés de la línea base, algo así. Un conjunto de latón podría estar tocando la raíz y la quinta de cada acorde como una x más cultural y al principio de cada acorde, algo así, por ejemplo. Y así sucesivamente. Es violonchelo podría estar tocando un spiccato monofónico, articulación corta en un ritmo ostinato, siguiendo principalmente la progresión del acorde. Entonces las voces de cada acorde. Entonces en la misma progresión de acorde, de nuevo, D menor, F , C, y D menor, podría tocar algo como esto, por ejemplo. Nuevamente, sus posibilidades creativas o ilimitadas. Incluso si tocas el mismo acorde sencillo para, digamos cuatro barras, puedes crear. Variaciones infinitas utilizando diferentes estilos de juego y actuaciones en los diferentes instrumentos para las partes armónicas de tu música. Entonces, por ejemplo, digamos que tiene un coordinador menor de D. Y estoy tocando el escrito fuera de la córnea y octavas en la base. De acuerdo, algo así. Digamos que tu línea de base está tocando esto en el mismo acorde. Digamos que los poco profundos o haciendo algún tipo de ostinato son dueños del D menor aquí. Y luego tienes un piano tocando algún patrón calmante como estos son todos nodos del acorde D menor. Podrías tener tu bronce tocando. Sólo. Esto. Podría tener un arpegio en un arpa arriba. Como puedes ver, tus opciones para cada voz. Lo que hace en articulación y estilo de juego es ilimitado. Por lo que ahora demostraré finalmente un ejemplo que creé para esto. Aquí está la progresión de acordes principal tocada en piano, justo en el curso de bloque simple como este, con el nodo raíz en Octavio aquí, pasando de D menor a F a G menor. Y sí, vamos a escucharlo primero. Se puede ver el curso aquí arriba. De acuerdo, entonces esas son las canchas y las voces aquí. Entonces lo primero que puedes hacer es, por supuesto, elegir versiones para crear un mejor liderazgo de voz. Y entonces puedes empezar a arreglar las líneas individuales, cada una de las voces aquí para el curso, que ya he hecho. Entonces lo primero que hice fue tocar más de él patrón comping aquí para agregar algo de interés rítmico en el piano, misma progresión de acordes. Y así sucesivamente. Entonces he optado por agregar las cuerdas cortas tocando unas armonías de 2 nodos en un ritmo, diferentes voces, voces, y lo más importante, diferentes en tocar la ciencia. El arpa está tocando lo que suelen hacer las arpas. Un arpegio, como ese piano por ahora, sólo para que puedas escuchar los otros instrumentos. El arroyo está aquí trayendo voces de acordes muy espaciadas con latón lo suficientemente largo como te acabo de mostrar lugar en este caso, es para sandalia o papa, creo, sí, toto, teniendo ese acento. Y entonces tenemos los vientos tocando una sola voz aquí. Silenciemos el bronce por ahora. Está bien. Redujamos la fuerza del latón, su dinámica. Y entonces tenemos estos quires aquí estamos, muestra tener aquí el terminal Reno. Ups, como desinteresado en solo. Muy suave. Entonces las teclas tocan el bajo y la octava arriba, creo. Cuando finalmente tengo cuerdas pizzicato, instrumentos de cuerda tan arrancados que tienen violines placa en este caso. Y acabo de hacer la octava, así que el dd, sólo las octavas de cada coordenada. Y en conjunto crea hermoso arreglo con variación e interés en cómo la corte voces o distribuyó, y también la independencia de los estilos planos de cada coordenada y cada instrumento. Entonces todos esos fueron sólo la progresión armónica, una progresión de acordes, las voces internas para la trama armónica. Pero como puedes ver, puedes crear infinitamente variación, ritmos de interés y movimientos para cada voz por instrumento, y así crear un arreglo muy complejo, aunque solo sea una progresión de acordes, Aquí no hay melodías y arrecifes o motivos reales, pero sigue sonando interesante hacer hoy, estos arreglos creativos de los estilos de interpretación de voz por instrumento. 18. Dinámica de forma y añadir movimiento: Da forma a la dinámica y agrega movimiento. La música necesita movimiento y variación para sonar interesante. Esto por supuesto vendrá principalmente de tus notas. Nombramos los acordes, armonías y melodías. Pero cuando escribes y grabas tus puertos tocando acordes y armonías para tus progresiones acordes. También debes agregar variación en la dinámica y el movimiento a lo largo del tiempo. Existen dos aspectos principales de la dinámica en la música. El ataque dinámico, es decir, la fuerza del inicio de cada nodo. Y la dinámica de sostén, lo que significa cómo cambia la sonoridad y la dinámica con el tiempo. Con algunos instrumentos como un piano, no se puede controlar la dinámica a lo largo del tiempo. tanto que con cuerdas inclinadas como un violín, y instrumentos de viento como un alimento o una trompeta, puedes dar forma a la dinámica para cualquier nota sostenida, como siempre quieras. Pero ambos aspectos son igualmente importantes. Para dar forma a la dinámica de ataque. Utilizas principalmente el nivel de velocidad midi por nota. Entonces aquí hay una actuación de piano. Y si abro la automatización, se pueden ver todos los diversos niveles de velocidad para cada nota. Y este tipo de variación en la dinámica, dinámica de ataque por velocidad, es uno de los aspectos clave que agrega esa calidad humana realista a una actuación. Ahora, la dinámica o dinámica de ataque controla principalmente dos cosas. En primer lugar, la sonoridad. Por lo que aquí se puede ver la dinámica promedio es alrededor en el medio, pero también controla y da forma al ataque, brillo o suavidad del tono. Entonces si como disminuyo esto, ambos será más tranquilo pero también más suave en tono, más cálido. Y si muevo esto hacia arriba, es a la vez más fuerte pero también más brillante. Y eso es lo mismo, aunque tome, por ejemplo, articulaciones cortas en cuerdas como staccato aquí. Y también se puede ver en este ejemplo aquí, también me aseguré de marcar realmente los acentos principales. Como se puede ver aquí, estos valores de velocidad para este nivel B son mucho más altos que estos en el medio. Y entonces tenemos en Maine acento aquí otra vez, que suena así. Y también se puede ver que hay poco de una dinámica promedio de pendiente, dinámica de ataque sube aquí para rodar al siguiente acento. Por lo que esas son algunas formas en las que puedes usar la variación de velocidad para dar forma a la dinámica de ataque. Y esto es lo mismo para instrumentos arrancados o rasguados como guitarra, puta, y muchos otros instrumentos. tanto que propia nota larga sostenida, ahí es donde entra la otra forma de dar forma a la dinámica. Y para dar forma a la dinámica a lo largo del tiempo. Para notas sostenidas, con mayor frecuencia utilizas la rueda mod en tu teclado midi o un fader que controla el valor ACC en tu DAW. Depende del instrumento de software real. Entonces en este siguiente ejemplo, ya que utilizo mayormente notas sostenidas más largas, me enfoqué en agregar movimiento y movimiento esas notas sostenidas dando forma a la dinámica a lo largo del tiempo. Como se puede ver a partir de esta curva aquí, que es la rueda de modulación o CC1, controlando la dinámica de esta biblioteca de cuerdas en particular. Y hace una gran diferencia como se puede aquí a partir de este ejemplo. También hago esto en el bronce tocando aquí. Lo hago en los vientos aquí en menor grado, pero aún así estas olas aquí. Y luego un enorme grado en este coro aquí. Un consejo de bonificación que te puedo dar es si quieres o bien agregar variación aún más dinámica, solo controlando el volumen, puedes hacerlo agregando otra fuente de modulación para la expresión. Por lo que la expresión no controlará el carácter tonal, sino sólo, sólo el volumen. Por lo que de esta manera se puede aumentar la variación dinámica y el contraste sobre las retenciones sostenidas. O tal vez quieras que todo el rendimiento se construya ligeramente en tiempo alto y plateado como este. Entonces esto va ahora en combinación con la curva de modelado dinámico real. De acuerdo, Así que todos juntos. Y por cierto, también quiero mostrarles que en el piano, realidad elegí disminuir, oops, el nivel de velocidad muy bajo para conseguir ese sonido súper suave porque solo quería en segundo plano. ¿ De acuerdo? Y como ahora todo se mueve con el tiempo, también lo puedes ver aquí. Al igual para que puedas ver. Y luego baja y dinámica. Entonces así se da forma a la dinámica de unas notas sostenidas a lo largo del tiempo. Construye y retrocede. En dinámica. En la mayoría de los casos se quiere hacerlo en olas como esta, subiendo y bajando, crescendo, decrescendo. Pero puedes por supuesto, darle forma como quieras, y además no tienes que cronometrarlo perfectamente. Puede ser. Entonces eso es que las cuerdas se hacen más ruidosas aquí, mientras que el latón se pone más fuerte aquí para obtener variación En el movimiento general. Esto puede marcar una gran diferencia porque el color tonal de tu pieza general también cambiará con el tiempo. Lo que quieres es tanto variación en la dinámica, pero también crear curvas dinámicas a lo largo del tiempo con las diferentes partes. Pesar las hormonas de tus corporaciones, tú o en tiendas, o cómo quieres que tu tienda de música sea sonar y lo que debe estar enfocado en cada momento. Es toda la experiencia para el oyente lo que cuenta, no los instrumentos individuales por sí mismos. Por lo tanto, ten en cuenta que cada instrumento en cada parte simplemente está jugando su papel en la familia de todos los instrumentos para dar forma a tu historia musical. El ejemplo final, quiero mostrarte esta corta progresión de acordes de tres barras, C mayor, G mayor para ver y cómo puedes usar Dinámica y movimiento para hacerlo más interesante porque es solo una progresión simple de C, G y C. Por lo que en el piano, he optado por sólo entrar y tener bajo cuidado. Tener no sólo variación aquí en dinámica porque lo jugué, lo grabé manualmente en mi teclado midi. Pero como se puede ver, yo también muestra dos, aumentar la dinámica de la velocidad con el tiempo puede básicamente hacer un poco de crescendo, pero con dinámica de velocidad. También hice esto en este corazón. Arpegio. Echa un escucha esto. También lo puedes ver aquí. Sube poco a poco, comenzando en lo más bajo. Desplumos más afilados, y más fuertes al final. Y por supuesto, en las cuerdas. Aquí. Aquí se puede ver la dinámica de automatización. Grabé esto con un fader en mi teclado midi que es blanco, se ve así. Lo tengo sobre el bronce, los vientos, y el coro. Pero diferente aquí. De esto, como puedes ver, obtienes en la mayoría de la variación si realmente grabas diferentes curvas dinámicas para las notas sostenidas. Y en conjunto, a pesar de que es una progresión de acordes súper simple, suena hermoso. 19. Dar forma al surco principal: Da forma al surco principal y los acentos. Ya que las progresiones de acordes pueden tener cualquier ritmo, tienes total libertad creativa sobre el ritmo y él tocando estilo para cada parte del instrumento y voz fría, es importante que te asegures de tu groove principal y aún más importante, tus acentos o respetados y enfatizados por cada parte tocando una voz de armonía o voces en tus progresiones acordes. Entonces, por ejemplo, digamos que tocas cepas cortas de articulación así. ¿ De acuerdo? Por lo que los acentos principales, puedes marcarlos a ambos con la dinámica de velocidad. Entonces, cuanto más duro aprietas así, fuerte está el acento en contraste con el resto. Pero también al duplicar más voces. Como pueden ver si uso el Octavio en la base aquí al mismo tiempo que el acorde completo que consigue más peso y se convierte en un accidente por la estratificación armónica. Entonces algo así. Y el grupo principal a menudo será proporcionado por la línea base o ritmos bajos como ese. Y así los que puedes usar en combinación con la dinámica también. Por regla general. Tus cambios de acorde deben estar exentos. Esto se puede hacer tanto con Dinámica en niveles de velocidad, es decir ataque, sonoridad, pero también con curvas dinámicas en notas sostenidas. Y por supuesto, con estratificación sobre más instrumentos. Echemos un vistazo a este ejemplo. Yo creé esta progresión de acordes primero en piano. El código de bloque para cada cambio de acorde. Después realizo la parte en piano. Y como pueden ver desde aquí, así que si traigo la velocidad aquí, y pueden ver tienen algunas otras notas siendo acentos. Entonces aquí, estos de aquí se acentúan. Aumentó un poco más porque realmente quiero extender los de la actuación general con los otros instrumentos. Pero también, si puedes ver aquí, aquí hay una coordenada, entonces toco notas individuales o PDO hasta que el próximo cambio de acorde y accedo a las cadenas de núcleo al tener todas estas voces al mismo tiempo así. Pero también puedes ir aún más allá optando por utilizar articulaciones más fuertes, más acentuadas para tus instrumentos sobre los principales accidentes, por ejemplo, marcato, sforzando, o cualquier articulación tipo acento. Es posible que quieras usar eso en ciertos instrumentos, en beats específicos en tu composición donde los acentos principales aterrizan para tu ritmo. Entonces vamos a revisar esto de nuevo. Entonces si procede, aquí. Estos se acentúan tanto vía la dinámica pero también sin utilizar los pétalos sostenidos de estos nodos se vuelven muy cortos. Y quiero extender los de otros instrumentos. Entonces digamos el bronce aquí. Si echa un vistazo aquí, este nodo está a lo largo, pero estos nodos son sforzando, por lo que un tipo de articulación acentuada en el latón aquí. De acuerdo, así. También lo hago en estas cuerdas cortas aquí. Entonces jugando staccato aquí, pero luego digamos staccato, pero luego Marketo, que se alargan, una articulación acentuada. Y también en esta cadencia final. Por lo que todos los instrumentos o solo parte de esta familia para tu núcleo, groove y ritmo, así como los acentos. Entonces si echamos un vistazo aquí también al inicio del piano aquí tenemos esto, No, no un piano. Las cuerdas cortas aquí, tienes esta cosa poco más rápida aquí que APA. Y vuelves a tener una lágrima, sumar. ¿ De acuerdo? Tú, yo respeto ese pequeño ritmo porque quiero extender ese ritmo en otros instrumentos, así y aquí, pero arriba, bien, así como estos como marcato en vez de spiccato. Me desvío también en los vientos de aquí, pero aquí arriba y aquí. lo que siempre considera la razón principal, el surco principal de tu música, y luego respeta eso en tus instrumentos tocando cualquier voz de armonía o melodía en tu música. Entonces escuchemos todo en combinación y ya puedes escuchar esto. También lo tengo en la base, por cierto. Por lo que la base hace estos datos digitales. Y luego esto. Y se pusieron en marcha. Y de esa manera obtienes la combinación de todo así. Un consejo que te puedo dar con respecto al groove principal es tener una pista de sketching de ritmo en tu software de música, que simplemente utilizas como maqueta y guía visual para tu groove rítmico general de tu música. Puede, por ejemplo, ser una línea de base, una guitarra de rasgueo, piano rítmico, o tal vez una pista rítmica de cuerdas staccato. Te recomiendo usar pista de base para esta maqueta. Entonces porque de esta manera ambos obtienes el centro tonal armónico principal así como un grupo núcleo al mismo tiempo. Así. Entonces puedes usar estos maqueta de ritmo principal tanto como guía visual audioguía cuando grabas cualquier acorde o parte de ritmo armónico en tu música. Entonces de esta manera, si usas, por ejemplo, una línea de base en la parte superior de tu secuenciador como pista de maquetas o boceto para el ritmo de llamada, también obtienes aquí el centro tonal fundamental, especialmente si solo usas el nodo raíz de acordes. Entonces F, C, G, D, y así sucesivamente. De esta manera Es mucho más fácil si usas esto para comprobar el núcleo real escrito y los centros tonales. Entonces podemos hacerlo así. Para que puedas ver y luego grabar algo nuevo en esto. Por ejemplo, cuerdas cortas como esta. Y así sucesivamente. Y luego puedes entrar en las cuerdas más cortas aquí y tal vez hoja de trabajo en combinación con estas otras pistas para ver, realmente comprueba que tienes el groove fundamental aquí para que puedas verlo mejor. Bam, está bien. Pero tú también quieres cambiar esos. Por ejemplo, marcato, extender esos. Ellos ahora de esta manera, se llega a respetar ese core groove y ritmo. También puedes optar por entrar en los niveles de velocidad, aumentar esos para realmente impulsar los acentos principales. Digamos que aquí tienes extracciones en cada cambio de acorde, así en estos dos también, y estas para aumentar esas y cómo se obtiene esto y así sucesivamente. 20. Ajustar los tiempos y las longitud. Lengths: Ajusta los tiempos y las longitudes de las notas. Al igual que los acordes de bloques estáticos o súper rígidos y aburridos. Tener tiempos robóticos perfectos y longitudes de nota exactas sonará como música sin alma. Entonces aquí creé una progresión de acordes sobre piano. Y el primer error es que cada nodo tiene exactamente el mismo nivel de velocidad. Ya aprendiste que la variación en dinámica para los niveles de velocidad aquí es súper importante, pero también el tiempo de cada nota comienza en los mismos milisegundos exactos para cada acorde aquí, y tiene exactamente la misma longitud de nodo. Sobre todas esas tres cosas hacen una actuación que es robótica y rígida y carece de ese carácter humano, orgánico y real. Necesitas tener variación en los tiempos para todas tus notas de acordes en cada instrumento y puerto. Pero no quieres que suene fuera de tiempo. El preguntado alguna variación humana en el tiempo es el mejor. Entonces, así no Cuantizar notas y puertos al 100%. Encuentro que en algún lugar entre 50 por ciento y 90 por ciento Cuantizar fuerza es suficiente. Utilizo una cuantificación más ajustada, más cuantificación, cuanto más rítmica sean las fiestas y menos cuantificación, más melódica es. Entonces déjame demostrar la enorme diferencia mostrándote esta otra pista de piano que grabé e interpreté en vivo para conseguir que esa variación de Shimon es la misma progresión de acordes que puedes ver aquí arriba, pero una completamente desempeño diferente. Si me acerco, se puede ver aquí realmente escalonada en el acorde como un strum casi. Entonces se obtiene la variación, la variación humana aquí algunas son notas o antes del verano autor el grado aquí. Y hace una gran diferencia porque obtienes ese personaje vivo. Entonces escucha esto también. Se puede ver que lo cuantizo al 75 por ciento porque no lo quiero perfecto. Y este mismo concepto también va para longitudes de notas. Tener, por ejemplo, un piano o PDO con exactamente ocho longitudes de nota hasta el milisegundo en cada nota también sonará robótico y soldados. Así que echa un vistazo a este arpegio que acabo de grabar en el piano usando la misma progresión de acordes. Se puede ver la diferencia de tiempo en el punto de partida, pero también el nodo de alcance de longitud es diferente del aspecto vivo aquí. Si los pongo todos a la misma longitud exacta de nota, así. Suena muy robótico y esas cosas otra vez. Y realmente se puede ver el Asif volver a la actuación que grabé para este ejemplo aquí. Se puede ver esto es corto, esto es medio, esto es muy corto. Estas son también longitudes de nota diferentes, por lo que esto se extiende un poco del gradiente. Si los extiendo y obtengo un campo diferente, este más corto. Por lo que notan longitudes y la variación individual o cada uno también hace una enorme diferencia. La mejor manera de obtener todas estas variaciones de tiempo y longitud de nodo una naturalmente es por supuesto grabar cada puerto manualmente en su software de música utilizando, por ejemplo, un controlador de teclado midi. Entonces como se puede ver en estos otros hechos, también tienen variación de tiempo individual. Aquí. Como puedes ver, no es perfecto en la nota. Y realmente hace la diferencia. Por cada voz, por cada instrumento. Algunos instrumentos que realmente quieres empezar antes del ritmo porque tienen algunos ataques más largos, como por ejemplo, cuerdas suaves. No queremos que comiencen aquí porque entonces se tarda demasiado tiempo en escuchar realmente el sonido del instrumento. Tratarlos como almohadillas puesto que por ejemplo. Y puedes ver también obtienes variación al tener diferentes cantidades de aire en silencio entre las notas. No descuides el aire y el silencio también. Entonces vamos a escuchar todo en combinación. Porque todo, todas esas diminutas variaciones, no sólo en velocidad y dinámica, sino también puntos de partida para cada nota, tiempo y las longitudes de nodo. Entonces así es como suena. Pero si eliges escribir los nodos con tu computadora, ratón y teclado en el editor de piano roll o editor de partituras. Puedes aprovechar una función de humanización o aleatorización en tu software, que la mayoría de los DAW tienen. Este tipo de función de humanización creará variaciones en el tiempo, longitudes de nota, e incluso velocidad de los valores automáticamente para usted. Entonces si volvemos aquí a este arpegio de piano, que están escritos con mi ratón aquí. Entonces el tiempo de la nota, las posiciones de inicio, y la longitud del nodo, o exactamente hasta el milisegundo como un robot, como lo son los valores de velocidad. Por lo que tienes que revisar tu DAW. Pero en lógica, entrar en el piano, rodar, tus propias funciones aquí arriba, medio transporte forma y humaniza. Y ahora puedes seleccionar cuánta aleatorización, qué sobre la posición. Entonces vamos con 20. Toma interruptores. Un valor más pequeño puede cambiar cualquier cosa. Minuto, horas. Vamos por velocidad con 15 y longitud. Vayamos con 30. Toma seleccionar no, ¿verdad? Y se puede ver que los valores de velocidad cambian de silla. Entonces siempre puedes entrar y ponerlo. Entonces algunas notas, quiero decir, ajustan manualmente algunos de los niveles aquí. Probablemente en el caso de un arpegio, aumentaría la longitud de la cama para todo. Pero obtienes un carácter mucho más realista. De esta manera. Todavía es, prefiero, y te recomiendo si puedes recordarlo manualmente. También en este caso, probablemente te gustaría agregarle algún pedal sostenido, hacer que fluya mejor. Pero se obtiene el punto principal aquí, que es la variación en los niveles de velocidad que yo hago, pero también las posiciones iniciales para cada nota así como unas longitudes de nota. Hace una gran diferencia en lo general realista en el carácter humano y hace que tu música se sienta más musical, por así decirlo. 21. Mmo armónico: Movimiento armónico en tus progresiones. Por movimiento armónico, no estoy hablando del movimiento de voz individual, todas las transiciones para cada cambio de acorde. En cambio, necesitas dar un paso atrás y ver toda la progresión del acorde como un todo. Y mira esta curva de historia y movimiento de todas las voces en tus armonías crean juntas, construyen energía con movimiento ascendente. Si la curva de historia armónica de tus voces tiene un movimiento general hacia arriba, construirás energía y tensión en tu música. Esta es una gran técnica justo antes de una transición a una nueva sección donde se desea crear más intensidad y energía. Por ejemplo, un coro en poder o algo así simplemente moviendo hacia arriba tu curva de historia armónica. Entonces primero permítanme explicar rápidamente a qué me refiero con movimiento armónico. Entonces si tienes una progresión de acordes, puedes dar forma al movimiento real de las voces individuales para hacer un movimiento ascendente para los inofensivos como este, hacia abajo más movimiento si quieres o mantenerlo más recto. Básicamente transponiendo todo, creando una dirección promedio para la progresión armónica total. ¿ Verdad? Entonces lo primero, el primer ejemplo aquí son estas cuerdas staccato es donde creé un movimiento hacia arriba en dirección. Estas son las, ya que las notas de base y las bases hacen lo que hacen de forma independiente, pero básicamente comprueba lo que toda tu progresión de acorde DUS, con el tiempo como este. Entonces aquí realmente podemos escuchar cómo construir energía y emoción al tener este movimiento ascendente. Y muchas veces esto funciona muy bien en combinación con aumentar en este caso, cuando subes en dirección, la dinámica promedio a lo largo del tiempo básicamente creando un ligero crescendo aquí, resolver con movimiento hacia abajo. Entonces en realidad esto lleva a la dirección opuesta, un movimiento general hacia abajo de tus voces armónicas en tu progresión acordes, lo que crea una sensación de resurtido, asentándose y es una gran manera de terminar con si que quieres seguir con una sección de menor energía, así como en el outro final y cadencia de tu música. Si lo deseas, tu composición con el estado de ánimo relajado y resuelto. De acuerdo, así que aquí tomé la misma progresión de acordes, ganaron. Se puede ver aquí arriba B-flat, G menor, F, B plana, y así sucesivamente. Y grabé y otra actuación en piano, no tan estático y rígido como aburridos acordes de un bloque de barra, sino una actuación real. Y se puede ver que aquí estoy usando el movimiento hacia abajo para la progresión. Y si escuchamos esto, y por cierto, también tengo una ligera disminución en la dinámica. Si escuchamos esto en contexto o simplemente individualmente, por cierto, se puede escuchar cómo resuelve y calma la energía. Jugando en 3, 2, 1. Estabilidad con movimiento recto. Entonces si le da forma a su voz de acordes es para que el movimiento armónico sea más o menos una línea recta. Crearás un estado de ánimo muy estable. Esta puede ser una buena manera de asegurarse de que la progresión del acorde se esté mezclando con el fondo porque es tan estático. Esto funcionará muy bien para música sutil, subrayadora, ambiental, atmosférica y relajante, etcétera. Básicamente, puedes usar movimiento armónico recto siempre que quieras que tus acordes y armonías se mezclen con el fondo de tu mezcla. Entonces aquí grabé cuerdas y la misma progresión de acordes que he escrito aquí arriba. Pero he usado inversiones de acordes y voces para hacerlo más como una línea recta como puedes ver. Y en el caso de dos acordes compartiendo las mismas notas, acabo de unirme a ellos para conseguir aún menos movimiento porque este nodo se mantiene igual a lo largo de estos dos acordes, por ejemplo. Entonces escuchemos cómo eso puede vender. Intensidad con movimiento caótico. Ahora la pauta principal para liderar la voz es que debes tratar de minimizar el movimiento de la voz y usar intervalos más pequeños al transitar de acorde a acorde. Y también que debes hacer que la curva armónica a lo largo del tiempo sea lenta y gradual, como la respiración o las ondas en la naturaleza. Pero cada regla tiene una excepción, lo que significa que en realidad puedes enloquecer con el movimiento armónico para hacer que tu progresión suene caótica e intensa. Por lo que para demostrar esto, grabé esta parte aquí en cuerdas cortas. Y como puedes ver, el movimiento armónico es caótico para crear esta vibra de acción. Entonces escuchemos esto y lo escucharás en acción. Vamos a verlo al mismo tiempo jugando en 321. Esto es especialmente bueno para la escritura rítmica, por supuesto, e inofensivo. Y crearemos una vibra muy intensiva y enérgica, que puede funcionar muy bien en algunos contextos. Por ejemplo, música de acción caótica, música aburrida y así sucesivamente. Como siempre, tu visión creativa y meta final para tu música guiarán tus elecciones. Así que asegúrate de dar forma a tu historia armónica con movimiento y movimiento que se adapte a tu composición musical. 22. Claridad de bajo final: Baja y claridad. ¿ Cómo logras esa baja y claridad en tu música? ¿ Y qué tiene esto que ver con acordes y armonías? Bueno, en composición musical, tienes muchas octavas donde puedes distribuir todos los nodos. Pero lo que es muy importante aprender es cómo funciona la distribución de frecuencias en los diversos rangos. música de primera y octaviana corresponde a una duplicación en frecuencia. Entonces si juego un C aquí abajo, y luego el siguiente aquí, eso es un doble en frecuencia. Y por cada C, doble. La frecuencia fundamental de la nota. A pesar de que estamos gama tiene menos espacio. Por ejemplo, la nota a arriba del medio C en el piano es de 440 hertz. Ese es efectivamente el estándar para nuestro sistema de afinación. Bueno, si subes una octava arriba al día siguiente, ese es el doble de la frecuencia. Por lo que 880 Hertz. Si bajas en su lugar, el a abajo es de 220 hertz Oro sobre otro Octavio, él llega a 110, luego 255, y luego a 27.5 hercios. Esta es de hecho la frecuencia fundamental de la nota más baja de un piano. Entonces, ¿notaste algo aquí? A menor te vas en rango en las octavas de la música. Esta más pequeña y más ajustada, la diferencia de frecuencias se vuelve entre las notas. Esta es una de las razones por las la música octaviana baja se vuelve tan fácilmente fangosa en la mezcla. Entonces si tocas un acorde en el rango verbal de tu piano, pruébalo. Sonará fangoso y desenfocado. A menos que utilices esto como efecto, debe ser en casi todas las situaciones evitadas. Hacer las octavas inferiores Rumi. Entonces, ¿cómo se puede resolver este problema? Como compositor simplemente se asegurará de que tenga huecos más amplios para las notas que utilice en el rango bajo de su composición. Esto es lo que creará esa claridad y poder en el registro base. Si tu base juega una línea, deja que tus sombras, por ejemplo, paguen los mismos nodos y octava arriba, el doble en octavas. A modo de pauta general, debes tener mucho cuidado en añadir cualquier armonia que no sea las octavas perfectas y las quintas perfectas. En las octavas bajas de tu música, diría debajo de la C media o así. Entonces hagamos un ejemplo práctico, un ejercicio. Digamos que quieres tocar un acorde, tomar tu piano o teclado midi, y tocar el código real con la mano derecha. Entonces digamos un acorde C mayor. Después toca el bajo en octavas con la mano izquierda. El extremo bajo está principalmente ahí en la música para proporcionar potencia, profundidad, y un centro tonal enfocado para tus hormonas, tu progresión de acordes. Entonces practica esto y puedes ver que a menudo suena mejor. Si te pegas al nodo raíz y Octavio la base regístrate con tu mano izquierda, y luego toca el resto del acorde o el acorde completo con tu mano derecha. También puedes experimentar agregando la quinta armonía perfecta en el extremo bajo base, como si fueran tan un F-Major aquí, ya que es una posición de raíz, juega una F en la base y agrega la quinta perfecta. Al igual que esto. Puede sonar bien aunque. Pero como se puede escuchar más bajo se obtiene. Cuanto más importante es apegarse sólo al Octavio. Pero se puede utilizar, por ejemplo, pasaje aéreo, perfecto quinto. Y en el camino así, bajo vayas, más espacio necesitas entre los nodos. Por lo que aquí en el registro base extrema, recomiendo solo usar base más Octavia así. Por último, quiero mostrarles un ejemplo que creé para demostrar la importancia del Vo y la claridad. Por lo que creé esta progresión de acordes aquí en piano. Como puedes ver, estoy usando algunas notas de bajo extra aquí. Y lo que es realmente importante es cuando cambias tu nota de bajo, especialmente en el extremo bajo, registrado como línea de base, quieres leer un respeto esos cambios de voz para tus otros instrumentos de gama baja. Entonces la línea de base va así aquí. Y si tomas eso y lo miras en combinación con el piano aquí, puedes ver que respeto esos cambios de voz aquí. El Pentágono está ahí abajo. Cuándo exactamente cuando la base baja a ver aquí y aquí también. La base. E incluso en otros instrumentos tocando notas sostenidas como el pelo de las cuerdas, también estoy respetando el mismo cambio para ver esto en combinación con la línea de base, las cuerdas inferiores aquí. Entonces, escuchémoslo. Y es, podría sentir datos sutiles, pero realmente suma. Porque en cuanto creas algunos, cualquier cosa, especialmente de S3 y de abajo iconos, considero que todo desde S3 y abajo es el bajo y registro de la música. Ahí es donde realmente quieres asegurarte de respetar los cambios de voz para mantener la gama baja limpia. Hice esto por el bronce tan bien como se puede ver aquí. Si miras eso en combinación con la línea de base. Así que vamos a esto es la línea de base superpuesta aquí. Se puede ver de esta manera. Todo suena claro y enfocado en el extremo bajo. Porque no se tiene ese choque, un lodo de bajo alcance que se obtiene si por si, por ejemplo, el piano, el bronce, no respetara esta nota en la línea de base que habría creado un temporal, aunque sea breve aquí, lodo en el bajo rango de tu música. 23. Enfoco de alto: Enfoque de gama alta. Entonces, ¿cómo eliges qué inversiones y voces debes usar para tus acordes en tus progresiones. Bueno, eso por supuesto, depende de cómo quieras dar forma a la línea armónica de la historia de tu música. Eres el compositor del papel, pero hay un aspecto muy importante que se relaciona con cómo nuestros, nuestros oídos recogen las frecuencias y tonos en la música. Por lo que ya aprendiste que el rango de gama baja suele ser la nota raíz en octavas en la base para proporcionar la profundidad, potencia, y centro tonal enfocado de tu progresión. Lo contrario a esto es el alto rango de tu hormona es básicamente que nuestros oídos se enfocan más en la voz más alta de cualquier acorde, para que la nota superior de cada acorde sea lo que más escuchamos. Es, por supuesto, dependiendo de la sonoridad y dinámica de cada voz y de los niveles en la mezcla de tu música general y así sucesivamente. Pero para cualquier acorde, generalmente tomamos las notas más altas más. Entonces digamos si tú, por ejemplo, juegas un D menor y luego entras en G menor y quizás también, B plana. Ahora bien, si expresas tus acordes de una manera para que estos top voice aquí es lo que lleva y guía al oyente. Se puede hacer algo así. Por ejemplo, empieza aquí quizá en esta inversión del D. Entonces si quieres que la voz dirija, ese enfoque de voz vaya de F a G, bueno, usa G menor en esta inversión, entonces, y luego quieres ir a esta nota aquí. Por lo tanto, usa B plano en esta conversión. Entonces así, tal vez de vuelta a f Así que esta es la, ahora la voz superior, los chicos de enfoque, el enfoque de gama alta. Y luego a g, algo así. El grandioso de esto es que tú como compositor, puedes guiar la atención del oyente con tus acordes eligiendo qué nota toca arriba. Entonces permítanme darles un ejemplo práctico. Ahora esta es la melodía líder de la banda sonora de la película Thor del universo Avengers. Entonces va algo así, de una TA para ser plana a F y E, y así sucesivamente. Por lo que ahora cuando pronuncies tu curso, puedes usar tu voz más alta para acentuar y realmente empujar hacia adelante esa nota de melodía líder. Por lo que empieza en F-mayor. Pero como esta es la parte superior, la voz melódica, elige esta inversión. Y luego vas a F aquí. Y puedes usar B plana mayor. Y luego sube aquí. Para que puedas ir directamente. Esto, la misma cohorte, B plano. Pero a partir de esto, y subir esto a una octava más alta, y luego a F y E. Bueno, en este caso la progresión del acorde es c sus4 y luego a C mayor, así de nuevo, y así sucesivamente. Entonces déjame mostrarte un ejemplo práctico en mis DAWs aquí, tengo la melodía líder tocada en cuerdas. ¿ De acuerdo? Entonces duplique eso está en el viento. Cc puede ver que estos realmente están jugando al unísono. Por lo que ambos aplican. Ahora es que algún color a ella o hielo, entonces tengo una línea de base. Pero el punto es aquí son las progresiones centrales en el piano. Entonces lo que hice es tener el código aquí y grabar aquí, pero elijo acordear la voz. Entonces esa es esta voz superior. Se oye es exactamente la misma melodía que las cuerdas aquí mientras se lee Melody. Y de esta manera, se escucha todo mientras vemos en el rollo de piano. Realmente enfatizan esa melodía líder. Entonces vamos a escuchar. Y por supuesto que este caso, simplemente estoy tocando los cuartos de bloque, que es muy rígido y aburrido para ser honesto, pero es solo para fines de demostración mostrarte cada cambio de acorde aquí. Y en la voz superior es lo que guía la atención del oyente. Recuerda que el alto y el enfoque para tu voz armónica superior es lo que más escuchará el oyente. Entonces usa eso a tu favor cuando compongas tu música. Ahora bien, ten en cuenta que en este ejemplo específico, realidad fui todo en significado que enfatizé cada nota melódica en la progresión del acorde mediante el uso del foco de alta gama para capas con la secuencia melódica. Pero esto no es lo que normalmente haces. Por supuesto, lo que haces como compositor es elegir creativamente dónde y cuándo y por cuánto tiempo. las notas en tu secuencia melódica, quieres enfatizar el acento con tu historia armónica. Entonces cada vez que haces eso, es cuando obtienes la mayor atención y enfoque para esos melódicos ahora, así que quizá quieras usar el extremo alto, la voz que lleva a extender estas notas aquí, pero luego tienes la diferente líder de la voz, por ejemplo, aquí. Y luego se extienden estos nodos y así sucesivamente. Y por supuesto, no hay regla de que tengas que usar este enfoque de gama alta para capas, ¿ liderarías la melodía en absoluto? Es solo otra herramienta que tienes como compositor. Prueba esto en tu teclado midi o piano tocando la misma progresión de acordes usando varias inversiones para cada acorde para dar forma a qué nota es la más alta. Aquí al instante cómo la voz superior realmente dirige tu atención y te guía a través de la progresión del acorde. 24. Peso de voz: Voz, peso, el peso de todas tus notas para todos los instrumentos y sonidos es un aspecto increíblemente importante para el sonido general. Esto es lo que yo llamo peso de voz. Y es básicamente cuánto poder obtiene cada voz de tu corporación. Entonces déjenme mostrarles rápidamente para qué me refiero en piano. Entonces digamos que tienes acorde de tríada menor de C estándar como este. Bueno, ahora si toco la nota raíz aquí en una dinámica más fuerte, y estas son las dos dinámicas más bajas que la voz tendrá más peso de voz. Además, si lo duplo en octavas como aquí en la base, y obtienes 33 capas de Cs aquí, lo que le dará, por supuesto, más peso. Y si uso otro instrumento para capas esto aquí, por ejemplo, un trombón de mama o algo para capas este. Esto ver en el, en toda la cancha escuchar esa voz se pondrá aún más, espera, espera de los sonidos. Una de las principales formas de controlar el peso de una voz dentro tu progresión central es por qué instrumentos asignaste para tocarla. Algunos instrumentos son más armónicamente ricos y densos, o en otras palabras, más poderosos, mientras que otros son más tensos, suaves y ligeros, como un sonido de latón grueso versus una luz o. Entonces. Por ejemplo, digamos que uno de los instrumentos tocando una voz armónica en tu progresión, tocaremos esta línea es C, E plano, G, y B plano. Bueno, si tocas eso en un parche de latón grueso, eso tendrá más peso para esa voz en tu historia armónica en comparación con un daño ligero. Espera, de duplicar. Otra forma de aumentar el peso de cualquier voz específica en tu progresión armónica es doblarla con más instrumentos. Por ejemplo, digamos que tienes un violonchelo tocando una de tus voces. Puedes agregar un cuerno francés tocando la misma línea, que por supuesto le dará más peso a esa voz armónica en tu composición musical. Cuantas más capas dupliques una línea, más peso obtendrá esa voz. Y se puede hacer esto al unísono o en octavas. Entonces digamos que una de tus voces en tu historia armónica va algo así alrededor de la C menor. ¿ De acuerdo? Ahora digamos que tu voz principal es tocada por poco profundas en el rango inferior así. Ahora si lo doblas en cuernos franceses jugando al unísono. Por lo que el mismo rango aquí, será más grueso y tendrá más peso en comparación para escuchar cuando entren los cuernos. Y si lo capas una octava por debajo o por encima de cualquier capa de octava con también le dan a esos chicos más peso. Por lo que he elegido o arco aquí una octava más alta. Probablemente bajaré la dinámica aquí en el oboe solo están jugando en vivo aquí, pero se obtiene el punto principal aquí, el peso de voz por capas, peso de Dynamics. Otro aspecto que puedes dar forma al peso de cada voz de tus progresiones centrales es por la dinámica que tocan los instrumentos cada nota. Echemos un vistazo a este ejemplo aquí, tengo poco profundas, violas y violines, todos formando un acorde menor de C estándar, C, E plano, y G. Ahora, he moldeado el peso de la voz eligiendo que las viola toquen el tercero a un nivel dinámico más bajo, como se puede ver aquí. Si miras estas curvas, los canales y los violines que tocan dinámicas promedio más ruidosas a lo largo denotan violín, viola nos que tocan la tercera, tocan dinámicas mucho más bajas y suena así. Espera, de mezclar. Por último, puedes controlar el peso de cada voz en tu música mediante el uso de técnicas de producción y mezcla. El nivel de pista es, por supuesto, el más obvio, pero también panning EQ en saturación, compresión, etcétera. Básicamente dar forma a qué gordo versus delgado está el instrumento tocando esa voz en tu progresión central en tu mezcla. Entonces, por ejemplo, puedes usar niveles aquí para cada pista tocando una voz armónica en tu música. Se puede utilizar un filtro EQ, una panning, y así sucesivamente, ancho estéreo. Entonces déjame mostrarte lo que hice aquí en la carpeta del grupo de armonía. Por lo que cada pista dentro de esto es tratada en este grupo. Entonces en la mayoría de los casos quieres empujar tus armonías de nuevo al fondo de tu mezcla para dejar espacio en la gama alta para tus arrecifes melódicos, temas y así sucesivamente. Entonces aquí estoy usando un plug-in y un ambiente cálido. Puedes usar un ecualizador o filtro para simplemente empujar las altas frecuencias hacia abajo en la mezcla. O. Y también en algunos casos quizá quieras sacar algo aquí en las frecuencias de enfoque alrededor de uno a tres kilohercios, porque ahí es cuando somos nuestros oídos escuchamos más entre algún lugar por aquí, 12 a la general, obtienes un mucho tono más cálido para tus hominis. Se quiere empujarlos de nuevo al fondo. También uso imágenes estéreo para empujarlas hacia los lados, aumentando el ancho. Aquí, estoy usando un compresor para domar la dinámica para que no se vuelvan demasiado prominentes en ningún lugar de la mezcla. Y como dije, también puedes usar un ecualizador o filtro. Entonces sin todo, Suena así. Ahora con todo activo. Y también te voy a mostrar en el editor de piano roll. Y escucharemos esto. Entonces vamos a quitar eso. Y si acerco ahora puedes ver las voces de código reales. Por ejemplo, aquí tenemos un D menor entrar a G menor. Comprobemos la estratificación. Tienes D en la parte inferior y octava arriba. Entonces otro D aquí. Perfecto quinto. Entonces un a aquí. Aquí viene una D otra vez, y así sucesivamente. Por lo que realmente puedes ver la forma en que suena el peso de la voz que he elegido. También las diferentes dinámicas dinámicas. Entonces la base va así. El coro va así y demás. Por lo que me formé con Dynamics no sólo en las notas sustentantes, sino también para esto en el nivel y velocidad. Y por supuesto, si utilizas articulaciones cortas, esto da más aire entre los nodos como este, que no ocupan tanto espacio como tiempo. Nota sostenida. Entonces ahora cuando uso todo en contexto, incluyendo todas estas técnicas extra de mezcla y producción, suena así. Vamos a verlo. Y realmente puedes escuchar lo cálido que es el tono general para todo el grupo de mezcla de armonía, lo que deja mucho espacio para que tus principales melodías, arrecifes y motivos se corten en tu mezcla. 25. 7 secretos para escribir increíbles progresiones de acordes: Hola creadores de música, ¿te gustaría montar progresiones de acordes que suenan increíbles, pasando de un símbolo, progresión de acordes rígida y aburrida como esta. Bastante mal, ¿verdad? algo hermoso, evolutivo, expresivo, y dinámico como éste. Por lo que en este video, aprenderás siete secretos para escribir increíbles progresiones de acordes. Vamos a bucear justo en punta número uno, inversiones de acordes. Entonces si volvemos a echar un vistazo a este ejemplo, esta pista de boceto para las canchas, eso va G menor, G menor, y luego C. Pero los uso en posición raíz, decir toco la nota más baja del acorde, la D, luego la F, y luego la a para la D menor. Pero de hecho se puede transponer la nota una octava hacia arriba o hacia abajo para crear una transición más suave. Entonces, por ejemplo aquí, si tomo esta nota superior en el segundo acorde, transponerla hacia abajo una octava, no te dan estos enormes saltos. Hagámoslo en esto también. Ahora, suenan mucho más suaves cuando se conectan así. Así que puedes, por supuesto, transponer hacia arriba o hacia abajo en el rango y crear estas inversiones para crear transiciones más suaves que suenan mejor. Y también te recomiendo que reduzcas el nivel de velocidad para hacerlos más suaves. De acuerdo, así que esa es la propina número uno. El siguiente son las voces de acordes. Entonces esto es importante porque la primera aquí son solo las inversiones. Pero si revisas las voces, aquí es donde en realidad puedes duplicar algunas de las voces. Entonces si tienes un acorde D menor, D, F, y a, puedes duplicar el nodo raíz D en la base para hacerlo más prominente y enfocado. Y también puedes organizarlos de diversas maneras. Entonces aquí tienes entre la nota bajo y la siguiente nota, hay mucho espacio lo que da más espacio a otros instrumentos y sonidos de tu música como tus melodías, riffs, etc. Entonces puedes, si quieres tomar la nota media, por ejemplo, la línea media aquí. Solo escuchemos esto primero aquí. Apenas sumando el año base. Ahora, esto es Posición cerrada, voz de acordes cerrada. Entre estos. Aquí tienes voces abiertas sea porque tienes coordenadas de este acorde D menor que no se usan creando este espacio aquí. Entonces digamos que tomas este nodo en el medio aquí y lo transpones hacia arriba, un octeto que crea más aire, más brecha, más espacio entre las voces de la corte, lo que crea un sonido más abierto y da espacio para tus temas importantes, arrecifes, melodías y demás. Creando algo como esto. Sigue guiando la voz suave, pero la voz más abierta. Entonces esas son las voces de acordes. Y por cierto, una lección importante aquí es que solo toco en piano, pero puedes usar estas voces acordes para que éste se toque en bronce. Y así sucesivamente. El consejo número 3 es líder de voz. Por lo que de nuevo, las inversiones de acordes crean la dirección de voz. Pero otra forma es que entre los cordones, se puede tener esto yendo, por ejemplo, no entre esto y esto, sino en realidad usando una nota de la escala intermedia para crear una transición desigual, más suave. Y si comprobamos el ejemplo anterior aquí, ya ves que es un núcleo de uno llamado por barra aquí. Pero si usas inversiones acordes de tal manera que compartan la misma nota como lo hice aquí con inversión de acordes, tomándola, ésta, ésta de aquí, presumiendo, transponiéndola en una octava hacia abajo. Entonces puedes unirte a esas notas para crear una transición de voz aún más suave entre el curso porque comparten esa nota. Y luego tomé esta nota de bajo así. Entonces fue así antes. Yo lo rebano. Y luego usa otra nota de escala como transición, creando más bucles de voz. Entonces escuchemos eso así. Y aquí de nuevo, únete a ésta y a esta transición allá. Y por supuesto puedes usar días en las voces internas también. El fundamento es genial para esto, por cierto. Después llegamos al siguiente paso, que es punta número 4, voz escrita. Entonces esto es realmente importante porque lo que empezamos con acordes de bloque, un acorde, cada voz dentro de un lugar core para la extensión completa del acorde. Entonces un bar acordes, que es aburrido y rígido. Entonces si revisas esto, puedes usar comping rítmico en guitarra o piano para crear un patrón. Y entonces cada voz de acorde puede tener un patrón diferente. Ellos son independientes entre sí. Aquí hay un ejemplo, yo pied también en piano. Misma progresión de acorde, D menor, G menor, F, y C y así sucesivamente. Por lo que puedes usar eso para crear diversos ritmos de viaje en las voces y organizarlos en diferentes instrumentos. El siguiente es lo que llamo acordes de transición, punta número cinco. Entonces en lugar de usar solo un acorde aquí por barra, o digamos dos núcleos de acordes por barra. Comprobemos qué sucede si realmente usas acordes de transición. Entonces digamos que si juego D, y luego yendo a una G menor, me vendría bien una nota SAS aquí en medio. Y yendo de G menor a F, podría mantener eso aplanado para crear aquí un código SAS para F, que es lo que he hecho aquí. Como se puede ver, la voz va aquí de ahí para allá, escribiendo esto. Entonces a partir de esto, que solo usan las canchas simples, pero con ritmo, sin canchas de transición, agrego unos acordes de transición. Y crea tanta más emoción ya ahí. Entonces venimos a propina número seis, creo, que es arreglo de voz. Y ahora llegamos a las cosas geniales. Entonces si revisas, deshazte de esos sencillos sonidos de piano y ve al grupo de armonía completa aquí donde tengo una base. Las cuerdas completas adquieren trombones, cuerdas cortas de samba, y violas cortas. Entonces por disposición de voz, quiero decir que se pueden arreglar las voces para cada acorde, acorde completamente de forma independiente en diferentes instrumentos solo la pista de bajo aquí toma por supuesto, cuidado de la línea de base. Entonces tengo las cuerdas completas tocando tanto la nota de bajo aquí como los acordes aquí. Pero no juega el curso completo. Creo que está tocando la armonía y luego las notas base añadidas. Y aquí se puede ver toda la voz líder que agregué también en la nota media, línea media ahí. Y luego para los adquirentes de vaca, usé una armonía de dos notas de los mismos acordes. Para que no tengas que tocar todos los acordes. Se pueden establecer todas las voces para cada instrumento. Y luego los trombones tocan otra línea desde la voz, desde las canchas. Y también puedes tener diferentes ritmos de forma completamente independiente. Entonces estas están tocando largas notas legato, pero estas cuerdas cortas aquí están tocando, para conocer tom, cualquier línea en la parte superior con una Octavia añadida de la base aquí abajo, creando esto. ¿ Verdad? Y luego duplicé eso con biologOS cortos jugando un patrón similar, pero no exactamente así. Por lo que trabajan en sincopación para crear esta toda esa variación independiente. Pero aún teniendo el pum, pum, pum, pum, pum core groove ahí. Entonces eso es arreglo de voz. La punta número 7 es dinámica y expresión. Entonces esto es realmente importante. Se quiere tener variación dinámica aquí en los niveles de velocidad en partes rítmicas. Y tú has querido tener movimiento en la dinámica, creando ese sonido evolutivo, cual uso la rueda mod para aquí en las cuerdas, para hincharse como ondas en la naturaleza. Edificio. Y luego una rampa aquí arriba que crea ese bello o movimiento. Y debes usar esto para todas las voces. Como pueden ver, lo he hecho en los coros y así sucesivamente aquí. Entonces esas son las siete cintas principales. Ahora, tengo algunos propinas extra de bonificación. Entonces primero, la primera propina de bonificación es baja, de rango medio. Entonces, ¿qué quiero decir con esto? Bueno, en la mayoría de los casos, las principales melodías y motivos y calzoncillos, o en el rango medio, donde normalmente canta tu, el mismo rango, una voz humana. En la mayoría de los casos. Entonces lo que te gustaría hacer en la mayoría de los casos es que la armonía organice esto de tal manera que estés tocando en la baja con la base y poco profundas, por ejemplo, o guitarra rítmica o, y así sucesivamente a gama media. Pero ten en cuenta que no suelen tener demasiadas cosas pasando. Al igual que entre C 4 y C6 aquí porque si guardas el espacio ahí, así que déjame solo mostrarte lo que quiero decir. Si tomo esto aquí, entonces tomo la línea de arriba. Entonces digamos que mientras subo este también, no lo sé. Algo. Como se puede escuchar es mucho más brillante y más enfocado de esa manera. Pero eso, eso sería las melodías más importantes. Si los llevo aquí, ver si los vi, los descargué. De todos modos. Creo que puedes entender lo que quiero decir aquí. Entonces lo que quieres hacer es organizarlos de tal manera que estén jugando en un padrón inferior. En la mayoría de los casos. Entonces eso es propina extra número 1. Manténgalo en la baja a baja hecha y media por debajo de C4 en su mayor parte, 4, si compraste ese fondo tipo de sonido para la hormona está entre comillas, que en la mayoría de los casos haces bono de propina. La punta número 2 es variaciones de rendimiento. Por lo que en la línea base puedes abofetear, puedes usar mástiles si usas un bajo eléctrico o acústico. O puedes usar más culturas en algunas notas, ya sabes, cambiarlo. El más. El mejor ejemplo para esto es donde uso estas cuerdas cortas aquí. Porque lo que he hecho es sacudir esto con la articulación. He añadido más fotos aquí y aquí en los beats más importantes. Entonces estoy usando fotos de stock en estos azul claro. Y hay, este es en realidad el modo de correr para la conferencia Ashley. Úsalos aquí. Sólo por esas especias. Así que echa un vistazo a esto en el modo de ejecución que crean esto. Y eso nos lleva a la siguiente parte de esta variación de desempeño. Entonces las articulaciones. Y además agregando especia y se siente como lo hice aquí con el instructor que, eso, eso, esos datos y metadatos, pero va a condimentar ahí en variación, crea tantos intereses añadidos. Y luego idealmente con la violencia también aquí. Y así sucesivamente. Entonces eso son las variaciones de rendimiento, las articulaciones y estilos de juego para darle sabor. Y punta de bienestar número 3 es mezclar tus acordes y armonías en el fondo, que ella, una manera de hacer esto es tocarlas en realidad en los rangos inferiores. Entonces de alrededor de C4 o allá y abajo. Pero también jugando en las dinámicas inferiores. Es decir, si comprobamos esto aquí, no juegues a un hombre. Si tomo esto hasta aquí, Digamos que son demasiado altos en dinámica. Déjame ver si quiero revisarlos en la velocidad o así. Es decir, si vas así, hay dos prominentes. Por lo que en la mayoría de los casos quieres que tus armonías sean dinámicas más bajas, sobre todo en notas largas como esta. Consulta y trombones. Entonces quieres ir, si comprobamos aquí, esto es como se conoció así sucesivamente. Se quiere básicamente tener la posición más alta alrededor de la metáfora. Sí, alrededor del medio, medio superior y luego abajo. Incluso puedo ir más bajo si quisieras, Vamos a traerlo aún más bajo así. Porque entonces serán más suaves. Otra vez para dejar espacio para tus melodias calzoncillos en temas principales y ganchos. Y de otras maneras hacer esto Oriente en el aspecto de producción, por ejemplo, en estas cuerdas aquí, si las vimos y yo cargo la biblioteca, que es ésta de flatus pulmones de cuerdas llenas. Descargué las posiciones cercanas de Mike. Déjame mostrarte la diferencia aquí. Por lo que las posiciones cercanas de los mikes. Y en realidad he usado solo de know como la articulación, que es una articulación más suave rendida en cuerdas. Antes de hacer esto, sonará mucho más enfocado en la orilla. Jugar a la articulación de la sardina les hace parecer claro que quitar los mikes cercanos los empuja hacia atrás. Y en conjunto, eso crea este sonido más suave. Por supuesto puedes usar filtros y EQ para hacer esto también. El empujarlo al fondo, que nos lleva a la punta de bonificación final, que es el aspecto de producción de anular aquí, me gusta usar. A menudo uso este plug-in, pero básicamente puedes usar un filtro o rekey para esto y lo pondré en el ajuste cálido. Comparar, en comparación con, digamos que lo uso un brillante, que es básicamente un impulso de EQ en el rango más alto. Ahora, lo quiero más cálido, así en comparación con él elimina esas altas frecuencias enfocadas afiladas. También me gusta usar un poco de saturación para simplemente mezclarse en la mezcla con también algunos para empujarlo a un lado es también para dar espacio a tus sonidos centrales enfocados como los sonidos en el centro, que en la mayoría de los casos es tu principal voces, melodías líderes, ganchos, arrecifes, etcétera. Entonces uso un estéreo, la ensanché apenas un poco como 20 por ciento más o menos porque lo estás usando en el grupo completo aquí, lo que agrega algo de profundidad, lo enciendo ahora. Tan solo un poco de espacio y profundidad añadidos para empujarlo así. Y luego algo de compresión final. Probablemente puedas usarlo en nodo paralelo como 5050 aquí. Aún así guárdalo. Mantener algunas de las dinámicas. Ten cuidado con la compresión en instrumentos orquestales, por cierto, que esos sean todos mis mejores consejos para escribir progresiones core que suenan increíbles. Espero que pruebes esto por ti mismo y te veo en el siguiente video. 26. Felicidad: Enhorabuena mi amigo. Ya has aprendido las bases, las técnicas y directrices avanzadas, los sonidos, colores, estilos de juego, y formas un poco creativas de dar forma a la línea de la historia de tu música, que es lo que las hormonas y todas las progresiones realmente todos. Te recomiendo que tomes acción ahora sobre todo lo que has aprendido en este curso, retrocede y vuelve a ver las lecciones si quieres. Pero lo más importante es que practiques cada aspecto que realmente quieres dominar porque nada es mejor que aprender de hacer. Mi nombre es Mike, y les deseo mucho éxito de su viaje en la música.