Cómo dominar las emociones en tu música

1. Tu viaje a dominar las emociones en música: Hola y bienvenidos creadores de música. Como compositor y artista musical, eres conductor de instrumentos. Eres director de emociones. Creas una increíble historia de sonidos, y al final, creas la forma de arte más poderosa del universo. El único lenguaje que se puede entender y sentir en el corazón mismo de todas y cada una de las personas en el mundo. Música. Entonces te gustaría convertirte en un maestro de crear, controlar y dar forma a las emociones en tus rodillas. En este curso, obtendrás técnicas para dominar emociones música, consejos avanzados y secretas, ejemplos en vivo y demostraciones. Aprenderás todas las mejores y más poderosas formas en la composición y producción musical que puedes usar para dar forma a la historia emocional de tu composición musical. Y si quieres hacer música para trabajo visual y bandas sonoras como películas, TV, videojuegos, o cualquier tipo de música de producción para uso comercial. Entonces necesitarás dominar esta habilidad esencial. Creador de música, aprendiendo a controlar y dar forma a las emociones de la música, Tu Historia de los sonidos. Entonces si estás listo para convertirte en un maestro de las emociones en la música, Tomemos acción, almacenamos tu viaje de aprendizaje y aventura hacia dominar el poder de las emociones en la música. Ahora mismo. 2. La carta de música de emoción: La emoción corta de la música. Por lo que para ayudarte a crear, dar forma, y a formar amigos la emotiva historia de tu música, he desarrollado algo que puedes usar como pauta. Yo lo llamo la emoción corta de la música. Y se basa en el nivel de tensión y energía de cada aspecto de tu música. Usaré mucho los términos energía y tensión durante este curso. Pero en la práctica ambos tienen un significado similar en la mayoría de los casos. Y esa emoción central se basa en cómo influye nuestro estado de ser desde la paz y en perfecta armonía hasta las emociones estresantes, intensas y de alta tensión. El uso práctico de esta carta de emociones es tener una forma de describir todas las emociones fundamentales y cómo se colocan en esta tabla en función del grado de energía y tensión que tienen. Se puede pensar en la emoción es corta como una escala que va del peine hasta el caos. Somos el nivel de energía más bajo sería como si hubieras tomado una pastilla para dormir o meditando. Y el nivel de energía más alto sería como si acabaras de comerte el tipo equivocado de hongo. Eso te haría alucinar como un loco. Ahora echemos un vistazo a esta emoción música más corta. Y la palabra clave correspondiente que describe la energía y el nivel de tensión. Aquí está la emoción corta de la música. Nivel uno, maíz, pacífico, quietud. Nivel a la armonía, la felicidad y el empoderamiento. Nivel 3, nivel triste, emocional o nostálgico para suspense, emocionante o emocionante. Nivel 5, caos, pánico, miedo y terror. Entonces básicamente, todo lo que hagas dentro tu música se puede aplicar a esta emoción corta de música, o agregando o reduciendo el nivel de tensión y, o el nivel de energía. Aprenderás todos los aspectos que puedes utilizar para controlar y dar forma a las emociones dentro de esta emoción, música más corta en este curso. Pero permítanme empezar dándoles algunos ejemplos prácticos. Entonces, empecemos con la tensión de nivel más bajo y la energía de nivel más bajo. Se puede pensar en estos como música ambiental, atmosférica o meditadora o relajante. Por lo que la armonía más estable es una quinta perfecta como esta. Digamos que un acorde de potencia F. Y si las tocas con notas de Valmy, eso será menos energía. A pesar de que la dinámica será menos energía también y baja tensión porque es sólo un acorde de poder, la raíz y perfectivo, y luego va a, digamos el B plano entre estos dos acordes de potencia. Larga notas dibujadas durante mucho tiempo y volver a la F de nuevo. ¿De acuerdo? Ahora algo que estaría en el lado opuesto. Por lo que muy alta tensión y mucho nivel de energía sería incluir armonías e intervalos y acordes que sume más tensión. Entonces digamos que empezamos con D menor. Entonces sigue esta nota, que en realidad es D acorde disminuido y el tritón aquí. Y además agrega mucho más movimiento rítmico para agregar energía que crea más de esta vibra caótica, intensa. Entonces algo como esto. De verdad se puede escuchar la tensión de ese núcleo disminuido y lo aumentado. Hazlo en la base, quizá vaya de d2. El segundo movimiento menor o así que podría estar en el lado opuesto. Por supuesto, podrías usar otros instrumentos tocando articulaciones rítmicas de alto Mercado por caos masivo y así sucesivamente para alcanzar realmente ese nivel más alto de tensión y energía. Y entonces tienes todo en el medio. Entonces, por ejemplo, si tocas un acorde mayor como F-major y luego vas a B flat major. Entonces y entonces tal vez para ver. Entonces todos los acordes mayores, eso es por supuesto bajo nivel de tensión debido a la vibra de sonido mayor. Pero puedes aumentar o disminuir el nivel de energía dependiendo cómo rítmico juegues estos y cuánta fuerza, dinámica empujes en cada nota. Por lo que esos acentos de CO2 de ballpark agrega más energía, pesar de que todos los acordes o mayores. Pero si los juego suavemente, quizá con un arpegio, tiene menos energía, entonces se llega a los otros niveles. Así que introduce unos acordes menores, que tiene un poco más de tensión que acordes mayores. Pero no tan alta tensión como, por ejemplo, menor con un agregado menor de seis como éste. Y aun mayor armonía de tensión sería el acorde disminuido. O tal vez vas de la menor y luego riff en la base. Entonces piense en todos estos aspectos. La hormona son los acordes, los intervalos que usas, el nivel de energía desde la dinámica, el ritmo, el estilo de juego, las articulaciones, todo cuenta y se suma al dar forma a la historia emocional de tu música. Y aprenderás todos estos aspectos en videos posteriores de este curso. Pero este es el punto de partida. La emoción música más corta, el nivel de tensión, y el nivel de energía. 3. Emoción desde la escala: Emoción desde la escala, el lenguaje central de tu composición musical definirá el punto de partida emocional. Y el primer aspecto de esta fundación es la escala o modo que usas. Aquí te presentamos una buena pauta respecto al carácter emocional del tipo de escala que utilizas. Cada báscula puede tener una de las siguientes características principales. Una, vibra mayor a vibra menor, tres, vibra mixta, y cuatro, Vibra de tensión. Ahora, ¿cómo se define qué vibra general tiene esta escala que utiliza? A modo de pauta, puedes comprobar el acorde diatónico 15 de la escala o modo que usas el acorde tónico. Un acorde tendrá el mayor impacto de la emoción general, seguido del acorde dominante, el acorde de cinco. Si ambos son acordes mayores, entonces la escala tendrá un sonido mayor general como esta escala principal estándar, también llamada modo Jónico. Por lo que aquí se pueden ver todos los siete acordes de tríada diatónica de la escala mayor, también llamados modo jónico. Entonces en este caso, este, la clave es C. Así que tienes el C mayor como primer acorde o el acorde tónico. Por lo que edificante vibra mayor es la vibra raíz de la escala mayor, pero también el quinto acorde, o se le llama el acorde dominante, es en este caso G mayor. Por lo que ambos de estos mayores más mayores, por supuesto crea una vibra de sonido mayor. Entonces volver a ver si ambos o menores, el modo escalar tendrá un sonido menor como la escala menor natural, también llamada el modo Eolia. Por lo que voy a demostrar esto en la clave de D. Así que esta es la escala D menor, también llamada modo eoliano. Y como puedes ver, el acorde tónico, el primer acorde es un menor, por lo que d menor en este caso. De acuerdo, entonces una vibra menor basada en el acorde de raíz, el tónico. Y también desde el quinto acorde o acorde dominante aquí en este caso es un mineros también son menores, menores, menores para el acorde tónico y dominante 15 acorde crea un menor muy emocional sonando ambiente general de la escala. Si uno es mayor y el otro es menor, obtendrás una mezcla de un personaje mayor y menor, como el modo mixolidiano, por ejemplo. Entonces aquí tenemos las siete tríadas diatónicas del modo mixolydiano es. Por lo que esta escala tiene una vibra general importante basada en el acorde tónico que se mide en la clave de G. Esto es G mayor. G mayor. El vibra mayor. Pero como el acorde dominante, el quinto acorde es menor, obtienes un tipo mixto de vibra. Es mayor, pero con un toque menor. Entonces como se puede ver, la vibra mayor de la G, pero luego va a D menor y luego de vuelta a la tónica g mayores o mayor. Y eso realmente crea ese hermoso personaje mezclado de tener un acorde de raíz edificante mayor en general con un emotivo, más un quinto acorde que suena menor. Y si o el acorde uno o el cinco es una tríada disminuida o aumentada, tu lenguaje fundamental armónico tendrá una vibra de intención de construcción, como el modo frigio o el modo locriano. Entonces aquí tienes los acordes de modo frigio. Por lo que he optado por demostrarlo en E. Así E menor es el acorde de raíz, el tónico, dando al núcleo fundamental viable este modo o escala, el modo frigio. Más oscuro, emocional menor. No obstante, el quinto acorde en este caso es B disminuida, lo que da, da el carácter agregado o alta tensión. ¿Por qué? Debido a que una tríada disminuida es un tercio menor con otros tercios menores apilados encima de ella, haciendo de este intervalo el tritón dentro del código, que es muy alta tensión. Entonces vayamos de E menor, disminuidos por dos. Esa es la vibra central del modo frigio. El vibra de tensión. Locrian es de hecho tan alta tensión que apenas se usa en absoluto en música ya que carece de una cadencia adecuada debido a su acorde tónico disminuido. Entonces aquí tienes el modo Locrian, que tiene un acorde tónico, que en realidad es un acorde decrecido. Por lo que en este caso, B disminuyó. Y es muy raro que escuches música use este modo a lo largo de la composición porque ¿cómo terminas una progresión de acorde y lo resuelves con un acorde disminuido? Al igual que el acorde perdido. Realmente es raro, probablemente para música muy espeluznante, podría funcionar, pero se obtiene el caso de coordenadas tónicas disminuidas y luego un acorde importante en realidad dominante. Por lo que con el tiempo se empieza a tocar estos otros acordes. El oyente tendrá realmente querer escuchar otra pestaña de escala y tipo y no volver a la B disminuida. Pero hay al menos, es la forma de escala de tensión más alta. Cualquier escala que tenga un acorde tónico decrecido o aumentado. Aquí tienes un gráfico de referencia rápido para ti donde he ordenado los siete modos principales desde los más brillantes, más edificantes, hasta la más oscura tensión con cada tríadas diatónicas por grado de escala para cada modo. Ahora como se puede ver en este gráfico, he marcado con los colores, el acorde Tónico de cada modo, así como el dominante, el quinto frío. Entonces el más brillante, más edificante, si se quiere, modo en música o escala, porque la mayoría son en realidad más o menos escalas. Con la diferencia es que en los modos comparten las mismas notas, pero en un orden diferente, diferente tónico, y así sucesivamente. Entonces el modo Lydian, Hagámoslo en la clave de F, Así se obtiene el tónico de sonido mayor. Y entonces el quinto acorde es mayor también. Por lo que c en este caso. Pero si solo juego 151, eso es lo mismo que la escala mayor estándar de modo jónico. Aquí la diferencia es que los lidianos tienen el segundo acorde siendo mayor, mientras que los jónicos tienen el quinto, cuarto, quinto. Por lo que se obtiene el video y teniendo el segundo, así después g. Y luego ver como el quinto dorado. De vuelta a esos 12 acordes mayores, tríadas para el 1 primer segundo grado en realidad está definiendo el carácter de este modo. El jónico tiene el tónico mayor, en este caso, después el quinto. Y en realidad tengo una importante importante. Aquí la diferencia es que un cuarto acorde también es mayor. Entonces f como el acorde de cuatro, y luego G, y luego volver a uno. Y como demostré antes, tienes el modo mixolidiano, que tiene un sonido mayor, tónicos, así que g. Y entonces el quinto acorde es en realidad un acorde menor. Entonces, así que si aquí encuentro algo que va de G2, D menor, ese es el sonido mixolidiano. A continuación llegamos al modo Dorian, que tiene un acorde tónico, que es menor. Entonces d menor en este caso. El quinto acorde también es menor. Entonces en este caso consigues una menor de edad. D menor. No obstante, eso también se comparte con la escala menor natural, el siguiente modo, eoliano. Entonces lo que diferencia a estos dos es que el modo Dorian en realidad tiene un cuarto acorde mayor. Entonces si juegas al menor y luego un cuarto mayor, por lo que en este caso G mayor. Ese un acorde menor al 4 cuarto acorde mayor está definiendo en realidad el carácter del modo Dorian. Entonces un menor, cuatro, mayor, menor quinto. Y al siguiente tenemos el modo eoliano, la escala menor natural, donde ambos, donde todos los 154 acordes o menores. Entonces ahora nos estamos metiendo en vibra súper emocional. Entonces juguemos en menor de edad. Es menor de edad. Acorde menor y el cuarto menor. Entonces en este caso tenemos a la D menor. Y el cordón de fe también es menor, E menor en este caso. Y luego una menor resuelva esa progresión acordes. Y luego tienes el frigio, donde el acorde de raíz es menor, como puedes ver aquí. Por lo que E acorde menor se disminuye acorde en la clave de E, obtiene a, B disminuida, como ya escuchaste. Y luego de vuelta a E. Entonces ese quinto acorde disminuido, ¿son realmente las características del modo de tensión frigiano? Y luego un Locrian, como se puede ver, es el único que tiene un acorde tónico que no es menor ni mayor, está disminuida, por lo que se consigue que el B disminuya como el tónico. Por eso es súper raro, realmente utilizado en la música en absoluto. De modo que prácticamente puedes saltarte esa, pero realmente te recomiendo que practiques meterte en la vibra, esa vibra fresca de todo el resto de los siete modos principales de música. Para que puedas elegir una escala, tipo o modo en este caso, que realmente obtenga la vibe call vibe que deseas para tu composición musical. Por lo que para resumir, el primer aspecto de tu lenguaje emocional general de tu composición musical se basará en esta escala o modo que uses. Puede tener un sonido general mayor, un sonido menor, un sonido mixto o un sonido de tensión. Y esto se decide principalmente por la combinación del acorde único, el tónico. Estamos teniendo el mayor impacto seguido de los cinco acordes, el dominante, y un punto final. Y esto es muy importante. Debes recordar que la escala o modo que utilices simplemente será la base de tu lenguaje armónico. Los acordes y armonías que tú como compositor eliges centrarte en, siempre tendrán más impacto. Por ejemplo, incluso si utilizas una escala de sonido menor, digamos D menor, puedes optar por enfocarte más en los registros mayores de esa escala en tus progresiones centrales para empujar las emociones hacia eso hizo tu vibra sonando, la historia armónica de tu música siempre tendrá el mayor impacto para el viaje emocional de tus composiciones musicales. Entonces déjame demostrarlo mientras vemos estas tablas de acordes para todos los siete modos principales de las músicas. Y recuerda modos o simplemente escalas que todos comparten las mismas notas, pero en un orden diferente. Por lo que los grados de corte cambian para cada uno de estos modos. Entonces tomemos un modo de sonido muy brillante como el jónico, que es el stand otra palabra para esta escala principal estándar. Por lo que C mayor. Entonces si solo te enfocas en el acorde de 14 o cinco, acordes, 145 grados, obtienes una muy edificante, brillante que tu vibra suena. Pero digamos que empezarías a introducir algunos de los otros trimestres grados que aquí son menores. Después empujas la historia armónica emocional hacia una vibra de sonido más menor, a pesar de que la escala sigue siendo una escala de sonido mayor. Entonces empecemos con C. Vamos al segundo acorde, el menor, D menor, y luego a un menor, E menor, de vuelta a C. Así que ahí se ve el tónico aquí es mayor. Pero puedes tocar más de estos otros acordes menores dentro de tu progresión. Y eso en realidad empuja a rastrear hacia una vibra general más emocional, a pesar de que todavía son mayores. Y lo puedes hacer en otra cosa opuesta, escala o modo, como, digamos el eoliano, que es una línea de escaneo que suena muy emotiva. Por lo que comienza con un tónico menor. Digamos que vas a la C mayor, que es la tercera mayor. El seis con esto por factorizar. Entonces obtienes una vibra de sonido mayor más edificante a pesar de que estamos en una menor, que es una escala de sonido menor muy emocional. Entonces, como puedes ver, las elecciones que tomes para tu historia armónica, los acordes y armonías en las que te enfocas para tus progresiones, tienen un impacto aún mayor que la escala o modo real que usas. Pero aún así, es importante reconocer que el tipo o modo de escala tiene el núcleo fundamental, fundamental lenguaje y emoción para tu composición musical. 4. Emoción desde el metro: Emoción desde un metro. Tendemos a pensar principalmente en este tipo de escala, acordes y armonía a la hora de elaborar la emotiva historia de nuestra música. Pero también debe considerar el medidor que usa. Meter se llama más comúnmente firma de tiempo en la música, y está etiquetado con los dos valores. El primer número es el conteo por medida, y el segundo número es el valor del nodo que cuenta. Estos valores definen el lenguaje rítmico fundamental de tu música. Y en realidad puede tener un gran impacto en la vibra emocional también. Por ejemplo, la firma de tiempo más común es 44, incluso se llama tiempo común por lo mucho usado que es y lo natural que se siente para nosotros. Simplemente cuenta cuatro beats, notas de cuarto con igual énfasis en cada beat para conseguir antes por vibra como esta, 12341234 y así sucesivamente. Aquí te dejamos un gráfico de referencia rápido para lo que considero que son los principales tipos a través de las firmas de tiempo basadas en la base emocional, rítmica. Uno, firmas de tiempo con una vibra recta, por ejemplo, para 422, Estas firmas de tiempo basadas en tener ese surco callejero natural como fundamento emocional, rítmico. A veces incluso se puede referir como el medidor de marcha, ya que puede sonar muy militar debido a eso recto y rígido el sonido. Por lo que aquí he creado dos ejemplos de una firma de tiempo con una vibra recta. El primero tiene 44 y el segundo es 22. Entonces vamos a tener una escucha primero y después voy a explicar. Eso fue 44. Y éste es intuitivo. El motivo por el que estos tiempos peligrosos con una vibra recta suena tan natural para nosotros es si escuchas esto, déjame contar. 1, 2, 3 4 1, 2, 3, 4 o 2, 2, 1, 1. Por lo que 22 funciona muy bien para esa marcha. Por. Entonces piensa en 12 como tenemos dos pies, así que izquierda, derecha, izquierda, derecha. O si aplaudimos, Tenemos dos manos o tenemos un latido del corazón, nuestro pulso, todo está recto así. Y es por eso que se utiliza tanto en la música pop, rock, música electrónica. Y en cualquier momento que quieras ese tipo de pulso recto para el groove central, el ritmo fundamental de tu música, a las firmas de tiempo con una vibra groovy. Por ejemplo, 3, 4, ó 6, 8. Esta firma de tiempo basada en el número tres. Ten esa vibra groovy, que puede ser una especie de swing y una sensación de ondas en tu música. 3 cuatro se conoce con frecuencia como hora de vals. Y 6, 8 es especialmente bueno para la música de acción con mucha energía y unidad. Pero aún con eso creció la vibra. Entonces nosotros las firmas de tiempo con una vibra groovy, ustedes tienen estos divisibles por tres tipos de políticas. Deberíamos completamente diferentes a la vibra recta natural, ese pulso recto. Por lo que tienes este 123123123123. Y grabé dos ejemplos. El primero en 34, como éste. Entonces eso es 2, 3, 4. Y entonces tengo otro ejemplo aquí en el 68. Entonces aquí nos quedamos cortos. Sigue siendo el tipo de divisible por tres el creció el pulso aquí. Pero como se basa en, en seis octavos, es mucho más rápido y más vibra de acción. Por lo que se puede escuchar tasa si toco las cuerdas cortas aquí y cargo pantalones cortos. Entonces aquí tenemos, en lugar de 123123, tienes los propósitos 123456123. Se escucha mucho en la música de acción cinematográfica, en realidad en bandas sonoras y películas. 123456123456123456, y también en rock progresivo y así sucesivamente. Se obtiene esta unidad de energía intensiva muy alta dentro de la música cuando se utilizan seis sitios. Entonces, en realidad, ahora déjame tocar ambos ejemplos, estas conversaciones cortas. El primero está en 3 4 aquí. Entonces ten una escucha y en realidad podemos comprobar el, el rollo de piano al mismo tiempo. Eso es 34. Y realmente sientes ese tipo de vibra balanceada, groovy, la, la. Como pensar en el baile en un círculo o algo así. Esa es una forma en que se lo puede pensar. Pero tiendo a pensar en ambos, 3, 4, y 6, 8 como un círculo groovy, un tipo ondulado de firmas de tiempo. Por lo que las seis octavos pueden sonar así. Tres veces firmas con vibra caótica. Por ejemplo, 7, 8, ó 54. Básicamente, todas las firmas de tiempo que son casi pero no perfectamente divisibles por dos. Desde el tiempo común para cuatro y cualquier variación de medidores rectos tienen una conexión natural tan fuerte con nosotros. Siempre que escuches una firma de tiempo que o Rusia es como 78. O escoria, como cuatro o cinco. Añadirás intensidad y acción desde el caos de cómo se mete con nuestro estado natural y colección hasta el tiempo común. Estas intensidades añadidas y vibra estresante hacen que este tipo de firmas de tiempo sean increíbles para música dramática como la acción intensa o la música de persecución caótica o la música de batalla. Por lo que realmente puedes escuchar estos estresantes agregaron la vibra de intensidad caótica si cuentas estas firmas de tiempo. Por lo que 7 octavo es 123456781234567123. Es como tropezar más rápido en la siguiente, razón por la que lo llamo que se apresura porque en lugar de agregar esa octava nota final, entonces son 8, 8 o 4 para ella. Se apresura a la siguiente medida. Entonces 1, 2 3 4 5 6 7, 1 2 3 4, 5, 6, 7. Y por ejemplo, 54, que es lo que yo llamo un tipo de arrastre. El tipo es entero. Por lo que arrastras, te quedas en el jabalí. Nota de un cuarto extra. Entonces 44 es 1234, pero 54 es 1234512345. Se está arrastrando y no lo esperas. Realmente querías volver a caer a esos caminos rectos naturales, razón por la cual este tipo de firmas de tiempo con esa vibra caótica, ya sea corriendo o arrastrando, funciona muy bien para música dramática, acción, intensidad musical , caos, batalla, etcétera. Entonces aquí está el primer ejemplo que creé en siete octavos. Pero realmente lo puedes escuchar si solo escuchas el metrónomo. Entonces eso es solo silenciar esto por ahora. Entonces sólo escucha el metrónomo. 1 2 3 4 5 6 7 1 2 3 4 5 6 7, 1 2 3 4 5 6 7, 1 2 3 4 5 6, 7 uno. Es como si hubiera tropezado con el siguiente bar antes. Y aquí para 54 tienes 1, 2, 3, 4 pi bond. Entonces en lugar de 123411, realmente oyes ese beat extra, 1234512345123451. Es sorprendente, Sorprendente ritmo extra básicamente. Ahora escuchemos estos ejemplos. Se puede obtener una sensación por ellos. Esto lo que yo llamo firmas de tiempo con una vibra caótica. Entonces aquí son siete octavos. De acuerdo, sólo escuchemos la percusión con, hagamos la base. Y cuerda corta es sólo esto. Para que quede aún más claro. esta manera, puede realmentepuedesentirlo que sumó prisa de energía por estresarse en la siguiente barra, cada barra, realmente mueve la música a lo largo y impulsa la energía. Muy utilizado en música de acción intensiva y música dramática. El 54 es estresante de otra manera porque está arrastrando. Y de hecho escuchemos primero el ejemplo del primer hoyo. ¿ De acuerdo? Como oyeron, todavía tiene esa vibra caótica. Pero en lugar de apresurarse, arrastra son 1234512. Escuchemos jazz la percusión en cuanto a los shorts bajos base. Y hagamos esto cuerdas cortas también. Apenas días. Y liberado en el 12345123451234123. Y ese beat extra añade la caótica división intensiva de arrastrar. Así que piensa en estos ejemplos y hay otros, por supuesto, en cualquier momento que tengas este beat extra o una playa corta de la vibra recta natural, agregas este tipo de vibra caótica sobre firma de tiempo. Por lo que para resumir, puedes elegir tu firma de tiempo para dar forma a la base rítmica y emocional de tu composición musical. Vibra recta divisible por dos, por ejemplo, para cuatro y 22, creció la vibra divisible por tres. Por ejemplo, 3, 4 o 6, 8 o vibra caótica, que es apresurar o arrastrar firmas de tiempo como 7, 8 o 54. 5. Emotion de Tempo: Emoción del Templo. Nuestro sentido del tempo y el flujo del tiempo en música afecta fuertemente nuestra respuesta emocional al mismo. Y hay dos aspectos de cómo el tempo crea emoción en la música. Una, el tempo de anulación establece el nivel de energía. Por lo que el BPM de tu música marcará el tono general para el nivel energético. Cuanto más lento sea el BPM, menor será el sentido de energía y acción. Y cuanto mayor sea el BPM, más energía central se proporcionará en la base emocional de tu música. Lo que encuentro fascinante es que el BPM de la música está muy estrechamente relacionado con el BPM de tu corazón. Por ejemplo, si nos sentamos quietos o nos acostamos, tu ritmo cardíaco está relajado y tus amigos con estar alrededor de 60 BPM más o menos. Y alrededor de esta gama de BPM es donde estarán relajantes y estilos de música. Para que se pueda ver la conexión ahí. Si bailamos o nos movemos, nuestro ritmo cardíaco estará en algún lugar alrededor de 120 a 140 o así, que es donde estará la música más up-tempo. Aquí tienes un gráfico de referencia rápido que creé para las gamas de música de BPM y su sentido general de la energía central. Pero ten en cuenta que a cualquier tempo, tus estilos de juego y los ritmos siempre tendrán el mayor impacto sobre este sentido de energía en tu música. Muy bien, así que aquí está mi carta energética general basada en el BPM de tu música. debajo de 50 BPM es lo que llamo nivel de energía meditativa. De 50 a 70 BPM es vibra relajante. 70 a 90 BPM o así es down tempo feel. 90 a 120 es de tempo medio. 120 a 140 es up-tempo. Vibes. 140 a 160 es más vibra de acción. Y por último, por encima de 160 BPM es intensidad. Niveles energéticos de la música a los cambios de tempo que creas. Al cambiar el tempo en ciertas secciones o transiciones en tus composiciones musicales, puedes dar forma aún más a la respuesta emocional. Hay dos tipos de cambios de tempo en la música. El primero siendo un cambio inmediato. Por ejemplo, yendo de tu verso al, digamos 128 BPM, y cámbialo inmediatamente cuando tu coro golpee a, digamos, 132 BPM. Este pequeño cambio aumentará la sensación de nivel energético en tu coro porque sentimos el contraste en el templo cambia de diverso. Algunas de las formas más comunes de implementar cambios de tempo, o tempo más lento en la intro y el Vs. Tempo ligeramente más alto en el coro. Breve desaceleración justo antes de un clímax, y lenta gradual, despacio en el final de tu música. Por lo que ahora en realidad demostraré todos los diferentes niveles de tempo y cómo afecta al personaje emocional para tu música. Empezando por debajo de 50 BPM, que llamo templo meditativo. Puedes ver los cambios de tempo para cada ejemplo aquí en este patrón de tipo de paso aquí. Por lo que a partir de 50 BPM, que yo llamo meditativo, funciona muy bien para la música ambiental, atmosférica, que puede sonar así. Y como se puede escuchar, el uso de notas largas, dinámicas bajas y transiciones altísimas entre cada nota funciona muy bien para este tipo de música en los rangos de BPM muy bajos. Porque quería tener esa vibra ambiental, atmosférica. Como también oíste, aquí no hay percusión porque en este tipo de templos, percusión realmente no es beneficiosa para el tipo de ambiente que creas. Entonces ese es el primer nivel de tempo para tu nivel de energía emocional por debajo de 50 BPM, meditativa, energía de núcleo ambiental. El siguiente es entre 50 y 70. Veamos qué fui con el pelo. Entonces fui con 70 BPM. Y esto es más una vibra relajante. Puede sonar así. Por lo que el le agregó su piano cinematográfico. Pasemos y veamos qué tenemos. Entonces suena así. Está bien, así que de nuevo, la nariz más larga y las dinámicas más bajas funcionan mejor si quieres tener esa vibra relajante entre 50 y 70 BPM. Tampoco hay percusión en este ejemplo porque de verdad fui por eso. Relajarse, empujándolo más hacia el tipo atmosférico de vibra. Porque cuando llegues al siguiente nivel, 760 BPMN. Recuerda que estos no son rayados como raza encuadernada o umbrales. Es sólo una pauta. Es corto que base mis opciones creativas para a la hora de elegir el nivel general del templo. Entonces 70 a 90 BPM es lo que llamo un registro de tempo down. Y aquí fui donde, vamos a ver, 80 BPM. Por lo que sigue siendo relajante. Es la vibra de tempo abajo, pero un poco más empuje en energía en comparación con los niveles relajantes. Y aquí en realidad usaron algunas precauciones junto con una base y algunas claves solo para conseguir algo de vibra en marcha. Puede sonar así. Y como se puede aquí a partir de este ejemplo, mucho más uso del staccato, notas cortas, comping y patrones rítmicos. Entonces no sólo estas largas notas altísimas del relajante registro del templo, sino en realidad algo de ritmo. Y por supuesto que tenía un ritmo yendo también. Esta línea de base, en lugar de solo nota larga, realidad tenemos algún surco en ella. Entonces ese es el tempo down, temp, register o tempo entre 70 y 90 BPM, o Rousseau, o bien. Por lo que pasa al siguiente rango de tempo, que yo llamo medio tempo. ¿ Es en algún lugar entre esa vibra de tempo Groovy down y vibe up-tempo edificante, tienes el mid-tempo y es la pauta alta para esto está entre 90 y 120 BPM. Fui con 105 años, así que en el rango inferior aquí, pero básicamente se obtiene una mezcla, mezcla de downsample, upsample en algún lugar intermedio. Tengo un groove percusivo pasando. Tenía la línea de base, tengo algunas cuerdas largas, algunas cuerdas staccato aquí, y una especie de arpegio de vibra de piano y algunas teclas. Y puede sonar así, así. De acuerdo, Así que aquí se obtiene un poco de elevación up-tempo, pero no es del tempo por sí mismo porque esto hay que darse cuenta, así como los estilos de juego en realidad no han comido mal impacto en el nivel emocional, energético y temporal campos. Entonces desde que usé estas cuerdas cortas aquí, añaden una sensación de vibra. Conducir. Y entonces tengo aquí el patrón de arpegio. Agrega algo de unidad también. Compara estos dos simplemente jugando canchas de bloque largo por ejemplo. Digamos que las llaves también tienen un poco de surco. Pero claro que tengo la percusión crea la mayor energía y aquí tengo algunos agitadores también. Y esta línea de base aquí. Por lo que cuantos más nodos uses, más rítmicas son las partes, más energía tendrán en toda la pieza. Pero sigue en ese rango de tempo medio para tempo aquí. Entonces llegamos a masticar realmente el up-tempo entre 120 y 140 BPM, que es donde está la mayoría de la música pop y la popular música rock y así sucesivamente, que aquí en la radio. Entonces es porque generalmente es la frecuencia cardíaca, el pulso, el BPM de tu corazón cuando bailas y te mueves y ya sabes, en la app lifting tipo de estado de ánimo. Entonces aquí tengo dos bases, un bajo basado en SaaS y eléctrico, pero es más importante. Este patrón de comping piano de estudio, piano es lo que crea la VIA principal. De acuerdo, Así que en general se obtiene este up-tempo se siente así. Y por supuesto, el up-tempo principal para, para groove viene de la precaución, 1, 2, 3, 4. Eso es como aquí. El estándar para, para grupo que tienes en la mayoría de la música pop, música electrónica, y así sucesivamente. Y bueno, obtienes este tipo de vibra más enérgica y edificante del Templo. Por supuesto, puede ir un poco más alto, pero en la mayoría de los casos diría que entre 120 y 140 más o menos. A continuación para llegar al siguiente nivel aquí donde he subido. Entonces este fue 130. Entonces en el medio para el up-tempo, luego entre 140 y 160, yo, yo diría el rango para la acción, vibe, nivel de energía en tempo. Fui con 150 aquí. Y aquí, me enfoco mucho más en los patrones rítmicos, como se puede ver para todos los nodos, incluso la línea de base aquí. Para conseguir este tipo de vibra, Vamos realmente a verlo y escuchar al mismo tiempo. Acción mucho más intensa. Energía de esto es en 150. Por lo que el propio temperamento establece el fundamento rítmico central. Pero por supuesto, ver cómo tocas y qué tan rápido analizador rítmico. Y la dinámica del centro comercial y. Jugar estilos y demás, por supuesto, en conjunto crea esa vibra de acción y energía. Pero eso está en el rango de acción del templo 114, 116, en algún lugar alrededor de ahí. Por último, si llegas por encima de 160, eso es lo que yo llamo intensidad o rango dramático de templos. Entonces aquí fui con 175 y realmente lo oyes. Yo, aunque sólo toque la percusión aquí, realmente se obtiene esa sensación de acción dramática. Y en conjunto, puede sonar así. Por lo que una vibra dramática intensiva. Si quieres tener eso, considera tener el BPM núcleo de tu pista alrededor de 160 y superiores. Y ahí es donde obtienes esa vibra súper energética del templo. Pero también por supuesto, considera el aspecto rítmico de cada parte que escribes. Pero cuando eliges un tempo específico, siento que automáticamente tiendes a avanzar hacia este estilo de juego específico. Entonces si comienzas en 175 y solo escuchas el tempo. Uno. Agregó impacto nuestro campus. Llevar datacenter sin embargo. Por lo que escribes puertos más rápidos para tus instrumentos. En tanto que si sólo tienes, digamos 70 BPM, como en el principio aquí. Es decir, sólo desde el metrónomo solo, realmente sientes esos largos nodos volantes, tan bajos partes móviles, creando esa vibra meditativa, ambiental, atmosférica. Y entonces por supuesto, todo el BPM oscila entre medias. Por lo que siempre considera la emoción que obtienes del tempo de tu música. Ahora, también demostraré el poder del otro aspecto del tempo en la música, que es la automatización temporal. Entonces aquí tengo en realidad una composición corta con una, básicamente una progresión de acorde y algunos patrones rítmicos. Pero se puede ver aquí la pista de tempo, comenzando en 84, yendo ligeramente hacia arriba y luego ramando hasta 110, luego moviéndose gradualmente hacia arriba aquí, y luego hacia la segunda parte aquí del coro 125, continuando el edificación energética a 150. Y luego para resolver la pista, reduzco el tempo aquí poco a poco, pero de manera muy breve también. Por lo que está por debajo de una barra pasando de 150 a 85 VPM para frenarlo realmente para la cadencia final. Y esto realmente puede marcar una gran diferencia. Entonces no hay cambios de tempo. Y el sábado a los 115 suena así. Pero con el poder de una automatización de tempo, puedes dar forma a la curva emocional energética para tu música. Entonces como puedes ver aquí, empezando en muy bajo, aumentando, construyendo intensidad, la segunda parte, construyendo aún más por lo que es un enorme rango de automatización de temp. Y luego creando esta cadencia resuelta. Y escuché realmente lo diferente que es el aspecto emocional en términos de nivel energético sobre la historia de esta composición. Entonces ese es el segundo aspecto del tempo para dar forma al nivel de energía emocional de la inmunización, gradual o rápida. Automatización de templos así. Entonces, para resumir, puedes dar forma a la emoción de tu música con tempo, lo que significa el BPM general, así como con cambios de tempo que pueden ser repentinos o graduales. Así que asegúrate de que siempre consideres el uso del BPM y los cambios de tempo para dar forma al sentido emocional del flujo y la energía en tus composiciones musicales. 6. Emoción desde los intervalos: Emoción de los intervalos, los elementos más importantes de la música o los bloques de construcción reales utilizados para escribirla. Y ese ingrediente fundamental básico son los intervalos que usas. Se puede pensar en intervalos y música como bloques de construcción o piezas de Lego si quieres. Incluso si sólo hay un puñado de intervalos únicos en la música, pueden crear una cantidad infinita de variaciones, emociones, e historias de sonido, dependiendo de cómo las uses. Entonces permítanme compartir una guía quickie sobre todos los intervalos fundamentales en música y cómo los etiqueto personalmente en términos de emoción core. Entonces aquí están mis intervalos de música. Gráfico rápido. Por lo que el primer y el más corto intervalo en música es el segundo menor, que es un medio paso. Entonces si tú, si tomas algún nodo, digamos C y vayamos al nodo más cercano, ya sea arriba o abajo, así. Eso es un medio paso, por lo que es un segundo intervalo menor, o subir de C a C agudo. Ahora, el nivel de tensión aquí es muy alto. Yo incluso llamo a este intervalo el segundo menor, el intervalo de tensión, porque a pesar de que hay otros intervalos y música que también tienen tensión muy alta, el segundo intervalo menor es la madre de la tensión en la música. Porque digamos que te llevas el tritone. El motivo de la alta tensión es en realidad, si la miras, está a medio paso de la quinta armonía perfecta estable aquí. Por lo que se podría decir que el segundo menor es realmente responsable de todos los demás tipos de intervalos de tensión en la música. Entonces déjenme demostrar jugando el segundo intervalo menor en la base, así en octavas. Y tienes el tema de la película Tiburones. O también lo has escuchado. El cliche menor segunda armonía. Y armónico significa tocar los dos nodos juntos así. Entonces cuando quieras agregar tensión muy alta en tu música, considera usar el segundo menor, la madre de toda tensión con intervalos en la música. A continuación, tenemos el segundo mayor, que yo llamo el emocionante intervalo. Es de dos medios pasos. Entonces si empiezas en senior skip day no, me salto esto. Yo voy aquí y tú tienes el segundo mayor o abajo así. Y el nivel de tensión aquí es de bajo a medio. Es bastante bajo si solo vas en un intervalo melódico sin agregar armonía ni registro. Pero digamos que tienes un acorde mayor y luego suspendes el tercero, el SAS hasta aquí. Entonces lo consigues. Tensión media, tensión ligera, que se une a resolver la actividad. Pero escucharás el, este emocionante intervalo. Por qué lo llamo así es porque es bastante emocionante. Tanto como una armonía o acorde como este. Resolver o intervalo va a menudo como una emoción como esta, que suena emocionante y emocionante. Entonces por eso lo llamo el intervalo emocionante. Tiene ese sonido edificante mayor. Y el nivel de tensión es bajo a medio. Si lo usas. Acorde suspendido. A continuación tenemos el tercero menor, que yo llamo el intervalo emocional porque básicamente es el ingrediente principal para todo sonido emocional, melancólico o triste movido en la música. Por lo que son 3.5 pasos, 123. Entonces si agregas el quinto año, sin embargo en menor, C menor acorde es un tercio menor que crea el sonido. En tríada menor. Agregar un nivel de tensión es bajo, por lo que es un intervalo estable, pero tiene ese sonido más oscuro, más emocional a la misma. Está bien. Entonces ese es el tercero menor. La madre de toda hormona emotiva y triste sonando está en cuartos en la música. A continuación se tiene el tercio mayor, que es lo opuesto al tercer intervalo menor. Yo llamo a esto sentir buen intervalo porque tiene ese edificante y te hace sentir bien. Puede ser motivacional, poderoso, y así sucesivamente. Y nota que no lo llamo el intervalo feliz, que no los llamé tercero menor, el intervalo establecido, aunque no pueda ser. Porque mayor, el sonido mayor no tiene por qué ser súper edificante y feliz. Puede ser muy poderoso, noble, majestuoso, y así sucesivamente. Por eso lo llamo el intervalo de sentirse bien. Consta de cuatro medios pasos. Entonces aquí de C, 1, 2, 3, 4. Y eso es lo que crea la base para, por ejemplo, esta tríada C mayor. Para que puedas jugarlo de una manera feliz. Pero también puedes conseguir esos sonidos muy majestuosos y Noble, o digamos que hay una F mayor. Entonces ese es el tema principal de la banda sonora de Thor, banda sonora de películas, que en realidad no está en F-major, pero suena, no suena feliz y alegre. Suena majestuoso, noble, y poderoso. Por lo que el tercio mayor es el ingrediente principal. El núcleo fundamental. Siente buen intervalo en la música. El siguiente intervalo es el cuarto perfecto, que es de 5.5 pasos, por ejemplo, de C a F. Y el nivel de tensión es como el segundo mayor, bajo a medio, tan bajo si solo entras. Integrales como esta para melodías y temas y riffs. Pero si creas una armonía o un registro con la fe, por ejemplo, mira aquí, y usa el cuarto aquí para crear un cuarto acorde suspendido. Obtienes atención emocional media, ligera porque quiere resolver el 23, igual que el SO2. Tan baja tensión cuando puntiagudo como integrales, seria así. Un poco más de atención cuando lo juegas como núcleo. De acuerdo, Así que llamo a esto Diderot cualquier intervalo porque realmente quiere progresar en un tema melódico, motivo y así sucesivamente. Entonces si juegas de C a F, Así que no quieres volver enseguida. Sientes que quieres continuar el movimiento, el viaje, por así decirlo, de la música. Por lo que realmente escuchas esa piscina hacia crear algún tipo de viaje y aventura. Y así sucesivamente. Entonces ese es el cuarto perfecto, el intervalo de viaje. A continuación, tienes el intervalo de tritones, que yo llamo el intervalo del diablo. Y no estoy solo en esto. En realidad se le refería como el intervalo diabólico de la música en tiempos antiguos de la iglesia, porque tiene tanta tensión en ella. Entonces si tocas un, C, un mango, no demasiado perfecto cuarto, o la fe perfecta, pero en medio de ellos, tienes este muy alto intervalo de tensión. Y puedes usarlo para crear un sonido muy espeluznante, malvado. El tema son melodías y armonías, o para sonar peculiar, se usa en el tema de los Simpsons. Una canción para música, por ejemplo, porque suena tan vieja en ese caso. Por lo que el tritone es muy agradable de usar para crear una tensión súper alta. Si tomas, por ejemplo, un acorde decrecido, que es un tercio menor, un tercio menor. En realidad, la alta tensión viene de este intervalo de tritones dentro del acorde decrecido. Entonces si vas entre el menor y eventualmente el decreciente, obtienes ese Intervalo del Diablo tritono. Agregando ese sonido maligno y espeluznante se movió a tu música. ¿ Verdad? Después llegamos a la quinta perfecta, que es de 7 medios pasos. Entonces desde c 1234567, G aquí. Y yo llamo a esto el intervalo de potencia. Se trata de un intervalos estables, por lo que no mucha tensión. Y en realidad no agrega mucho comercio emocional. Entonces no es edificante, sentirse bien. No es emocional y triste. De hecho, es uno de los ingredientes clave para construir núcleos a partir de. Tienes la raíz Perfecta quinta, y luego agregas una tercera o una suspendida no lágrima para crear una tríada, agregando. Quieres agregar un séptimo recintos de control o cualquier intervalo en la parte superior. Pero básicamente, todos los coords parten de esos ingredientes, raíz más el quinto perfecto. Y por qué lo llamo el intervalo de potencia es por dos razones. primer lugar, en realidad se usa ya que es tan estable y no tiene ningún color emocional real, úsalo en acordes de poder para que pase la raíz, fe perfecta, promesa, potencial, octámero extra de la raíz, crear un cable de alimentación. Entonces si el acorde de poder, que es lo que escuchas en, por ejemplo, guitarras eléctricas, mucho a la música y así sucesivamente. Y la siguiente razón es porque le tiene una especie de vibra poderosa. Entonces si lo toco como intervalos en una melodía o tema, digamos de C a G Otra vez, sientes esa sensación de poder y puedes o bien quedarte mucho tiempo en esa nota ya que es tan estable, o tal vez sientas continuar la viaje de la melodía. Pero este intervalo realmente está agregando una sensación de poder ya sea a tus temas o a tus acordes, y también a la estabilidad. A continuación llegamos a otro intervalo de sondeo menor, que es el sexto menor, que es de ocho medios pasos, o de C a aquí tienes el quinto perfecto y subes otro medio paso, ocho medios pasos. Entonces estos son los errores menores que yo llamo el intervalo misterioso, es que tiene una especie de tensión media y tiene esa vibra de sonido menor o más oscura, más emotiva o yo alguna vez, lo quieres llamar. Pero si lo tocas en una serie de nodos en una melodía o tema, sientes que quieres continuar el viaje porque tiene una tensión media hacia ella. Entonces quizás hasta la quinta perfecta, o arriba, o arriba así, al octeto o lo que sea. Por lo que tienes una especie de tensión media y también el sentido del misterio con su sexto menor. Entonces si la tasación alta aparece como una armonía, quiere resolver a una perfectamente. Entonces de nuevo, se puede ver que en realidad es este intervalo, en cierto sentido, tiene la tensión de medio escalón o segundo menor dentro de él. Al igual que aprendiste antes en esta lección. Ahora bien, si lo usas en un acorde, ya sea en un arpegio o en un acorde de bloque, puedes obtener de un acorde mayor. Entonces si juegas, esa es una gran vibra de sentirse bien. Pero si agregas este sexto menor en la parte superior, así conseguimos esa vibra mágica, mágica y misteriosa. Si lo agregas encima de una tríada menor para que te pongas más espeluznante. Entonces ese es un sexto menor, el intervalo misterioso. Entonces tenemos el sexto mayor, que por supuesto, como se puede escuchar del nombre, tiene un estado de ánimo general mayor, pero yo lo llamo el intervalo excitante. Se trata de nueve medios pasos. Entonces por ejemplo, desde C aquí también. Esta es una sexta mayor en el momento. Tiene un bajo nivel de tensión, pero la sensación de excitación es similar ya que es un segundo mayor tiene un sonido emocionante, edificante y mayor igual que el sexto mayor, que es el intervalo emocionante. Y realmente puede escuchar esa sensación de emoción. Entonces si toco un acorde desde C aquí y haciendo acorde F-Major, obtienes este intervalo. Entonces la emoción viene de la vibra general que suena mayor, pero también, si lo miras, si vuelves a tomar un quinto intervalo perfecto y luego comparar este ajuste perfecto con el a aquí, que es el seis mayor. Esto en realidad es similar. En realidad es una mente o un segundo mayor. Por eso tiene un tono similar al segundo mayor, que es el emocionante intervalo. Es más abierto con esta longitud extra. Tiene un personaje aún más emocionante, tanto en intervalos, primavera y melodías y temas, así como en acordes. Ahora llegamos al séptimo menor, que yo llamo el intervalo Jesse porque agrega que elegans y garras, pero una especie de dulce tensión. Por lo que tiene un nivel de tensión medio. Es 10 medio paso. Entonces por ejemplo, de C a B plana. Se quiere resolver porque tiene un nivel de tensión medio. Pero también tiene esa dulce tensión emocional nivel dos. Y si tomas, por ejemplo, un acorde C mayor, el anuncio es B plano. En realidad obtienes un acorde séptimo dominante C7 o C. Y esos acordes de séptima dominantes son más o menos fundamento en el jazz. Y música elegante como esta, porque le tiene esa elegante, dulce tensión. Entonces, por ejemplo, al pasar de C7 a F mayor, la voz superior aquí pasó de B flat a a a, lo que está resolviendo la tensión de una manera elegante, dulce somos. Pero aunque lo uses en una melodía o tema, esta integral realmente tiene esa clase es Suecia, elegante tensión a ella. Entonces llegamos hasta el séptimo mayor, que yo llamo a estos extraño intervalo. Porque a pesar de que es un sonido mayor, ya que es de 11 medios pasos, está casi hasta la octava perfecta, lo que significa que si pasas de, por ejemplo, C a B aquí, realmente obtienes tensión muy alta porque está tan cerca del octeto. Y eso es lo mismo que ya aprendiste si es, si es un segundo menor de un intervalo más estable o Perfectamente involucrado, como de C a la base Octane aquí, la séptima mayor es en realidad alta en tensión. Entonces si tocas, por ejemplo, es C mayor, y luego agregas el mayor 7 tiene un sonido mayor. Pero esta séptima mayor realmente quiere resolver ya sea a otro acorde como éste o a la octava. Porque suena un poco extraño y de alta tensión. Y es raro que lo escuches en melodías, pero lo puedes escuchar en, por ejemplo, este tema de película de Superman como ese. Porque tiene ese tipo de extraño. No es el nivel de tensión del mal humor, sino, pero le tiene una tensión muy extraña. Y esto viene de que en realidad está tan cerca de la octava perfecta. Entonces el séptimo mayor es el extraño intervalo. Por último, tenemos la octava perfecta, que yo llamo a este intervalo estable porque en realidad es la misma nota, solo una octava por debajo o por encima. Por lo que 12 medios pasos. Por lo que tiene nivel de tensión estable, por lo que no hay nivel de tensión, al igual que el perfecto guardado. Funciona muy bien para estratificar ya sea melodías, acordes, armonías, o cualquier cosa en la música. Siempre que quieras agregar más potencia, más enfoque a ella. Agregando el octano perfecto porque es tan estable. Entonces esa es la octava perfecta, el intervalo estable. Música. Ahora puedes por supuesto ir más allá de un octano para tus intervalos en música, pero los intervalos principales siempre estarán dentro de la octava. ¿ Por qué? Pues bien, porque sólo hay 12 notas en la música que se repiten en el Octavio. Entonces si vas, por ejemplo, tomemos el noveno intervalo menor. Entonces C, y luego aquí, C agudo y guardar arriba. Eso tiene el mismo humor o similar, carácter emocional que el menor segundo porque, ¿por qué? Bueno, échale un vistazo a esto. Toma esta nota abajo una octava aquí. Entonces esto en realidad es sólo un segundo menor, y luego empujó una octava hacia arriba. Por lo que la novena menor tendrá tensión muy alta, al igual que la segunda menor. Los mismos goles para la novena mayor. Por lo que c a la d anterior tiene esos aspectos emocionantes y leve tensión como el segundo mayor. Entonces tienes este emocionante intervalo, el segundo mayor, y ese es el noveno mayor. Pero este d es una octava arriba. Entonces, así que básicamente si tomas algún intervalo que vaya más allá del octano, como el noveno mayor, solo toma esto, baja, OK, guarda esto. Y verás que se trata de un segundo mayor. Y ya sabes qué color emocional y carácter agregará a pesar de que está más allá de una octava. Por lo que Técnicamente llamó a un mayor 9 en este caso. Pero tiene el carácter emocional muy similar a un segundo mayor. Y puedes hacer esto por cualquier intervalo que vaya más allá de una música octaviana. Por lo que puedes elegir la cadena de intervalos en una melodía, este apilamiento de intervalos para crear armonías en acordes. Se puede pensar en la instrumentación de capas, estilos de reproducción y tantas opciones creativas más para dar forma a sus arreglos musicales con estos bloques de construcción de la música. Entonces básicamente, cada parte, excepto la percusión, se basa en los bloques de construcción de la música. Los intervalos, intervalos sonarán diferentes si los tocas subiendo, bajando, todos juegan juntos en armonía. Y cuando vayas más allá de la armonía de dos partes en las canchas, crearás relaciones aún más complejas en tu música. Porque eso es lo que intervalos o relaciones armónicas. Es por ello que las inversiones de acordes y la voz de los tribunales pueden sonar tan completamente diferentes, pesar de que técnicamente utilizan las mismas notas. Porque sí cambias la forma en que los intervalos se relacionan entre sí a lo largo de todo el rango de nodos en tu música, tus progresiones, y abres toda una nueva dimensión sobre creatividad cuando ves que los intervalos cambian a lo largo del tiempo en su arreglo. Entonces permítanme demostrar esto con un ejemplo muy sencillo. Digamos que quieres ir de un acorde F mayor, un acorde C mayor. Si los tocas ambos en posición raíz así, tienes que comprobar qué hace cada uno de los volúmenes individuales del acorde cuando avanza al siguiente acorde. Entonces aquí, la voz superior va de este nodo a este nodo, que en realidad es perfecto cuarto abajo. Esto va a un perfecto cuarto abajo. Y estos chicos, para ver todas las voces fueron en un perfecto cuarto intervalo, progresando de un F-mayor a ver mayor. Ahora bien, si una voz una diferente, como esta inversión aquí de F-mayor, esta voz en realidad se mantiene igual en ambos núcleos y en las otras dos voces. Este va de a a G, Así que un segundo movimiento mayor de un intervalo ahí mientras éste va de. Por lo que un segundo intervalo menor. Por lo que el perno tendrá un carácter completamente diferente y emocional más frío, comparativo. Y como cada cadena individual de intervalos en cada puerto, un instrumento en tu música cambia con el tiempo en tu composición. Toda la historia armónica de tu música fluye como una historia. Es decir, cuando ves el verdadero poder impresionante de los libros de construcción o música, los intervalos. 7. Emoción de acordes: Emoción de acordes, progresiones de acordes, o el taburete confiando en tu música, tiene un impacto extremadamente grande en el estado de ánimo emocional general de tu música. Y los acordes parten de los mismos bloques de construcción de la música. A los intervalos, se puede pensar en acordes como esencialmente pilas de intervalos uno encima del otro. El motivo que usas es uno de los primeros aspectos principales a considerar a la hora dar forma a la vibra emocional de tu composición musical, los cuadrantes de emulsión. He desarrollado mi propio sistema, guía corta o como quieras llamarlo, para clasificar las cuatro emociones fundamentales del núcleo en la música, entonces cada color emocional específico caerá en varios lugares dentro de estos cuatro campos, o cuadrantes de emoción, como los llamo. Los cuatro cuadrantes de emoción, o una vibra mayor a vibra menor, tres, vibra ambigua y para vibra disonante. Ahora lo primero que debes aprender de estos cuadrantes de emoción de la música es que a pesar de que están moldeados principalmente por los acordes y armonías que tocas en tu música, puedes dar forma a la vibra emocional de tantas otras maneras, como estilo de juego, articulación, voz, voz de acordes, inversiones y así sucesivamente. Y la mayoría de las veces tendrás una mezcla, una mezcla como cuando creas una buena comida, mezclas diferentes ingredientes. No obstante, si volvemos a los acordes fundamentales en la música, las tríadas. Entonces digamos un C mayor, tienes la raíz y la quinta. Debido a que ambos son tan estables, les falta mucho más frío emocional. El color emocional proviene principalmente del tercero aquí en este caso. Entonces si tienes un tercio mayor aquí, una tríada mayor básicamente solo estará en el cuadrante de vibra mayor. No obstante, si tomas en cuadrante menor, el tercero menor, lo haremos en el cuadrante de vibra menor. Ahora, también tendrás una vibra diferente si jugaste en una inversión como esta. ¿ De acuerdo? Porque ahora la raíz es en realidad un cuarto perfecto por encima de la fe. En este caso, la raíz, la quinta perfecta es una quinta perfecta aparte. Por lo que realmente estás cambiando las relaciones entre los intervalos individuales que componen y acordes en su conjunto. Y cuando añades una nota o sales fuera de una tríada como un siete. Ahora aquí es donde las cosas se vuelven súper complejas porque en realidad estás agregando aquí, en este caso, un séptimo intervalo menor. Pero si revisas aquí todo el intervalo, el acorde C7, realidad estás consiguiendo tantas relaciones diferentes en las armonías entre las notas de este acorde. Aquí, en realidad obtienes un tercio menor encima de la tríada mayor. Pero también obtienes. Como dije, un séptimo menor. Entonces, está bien, obtienes algo extra menor viable aquí encima del acorde mayor. Pero también se obtiene este intervalo que es un tritón, que, que tiene mucha tensión en su interior. Pero en general, se sienta trato principalmente consiguiendo la emoción núcleo de la imagen de la tercera. Entonces que tu vibra, pero con una tensión añadida y algunos campos menores con ella. Ahora estás empezando a ver lo complejo que se pone todo cuando, cuando creas estas emociones y mezclas los diferentes cuadrantes de emoción para cada acorde. Y por supuesto, cómo tocas cada acorde, es decir estilo de juego, instrumentación, código , voz, así como incluso cómo capas cada voz en tu arreglo. Entonces digamos que quieres tomar este acorde C7 y agregar más peso a esta armonía, este intervalo de un menor 7. Bueno, si agregas más peso, significa más estratificación, más hidrodinámica dinámica, y básicamente haciendo estos más fuertes en el arreglo, la raíz y la séptima. Bueno, claro que conseguirás todo el disco siendo empujado más hacia la vibra menor del séptimo menor. Ahora si agregas más de la tercera y tienes menos foco en la séptima, obtendrás más. Tu acorde. Te empujan más hacia la vibra mayor, el cuadrante de emoción, vez que solo agregas un ligero toque de esa menor tensión tritona de séptima tritona. Otra forma de dar forma al acorde en los cuadrantes de emoción es tocarlo en otra voz, otra inversión. Entonces volvamos a tomar el C7. Tomemos este nodo raíz y empujémoslo una octava más arriba, tocando el acorde en una inversión. Ahora, mira lo que pasó. Ya no tienes esta séptima armonía menor ni involucrada. Pero en cambio, lo empujaste empujando esto en octava contratada hacer la séptima y la raíz siendo un segundo mayor de distancia. Entonces tienes esta emoción entrando en esto. ¿ De acuerdo? Ahora, en realidad estás cambiando las integrales independientes e independientes. Entonces tienes un tercio menor aquí y otro tercero menor allá, y luego un segundo mayor aquí. Y el intervalo más grande es en cambio un sexto menor, menor. ¿ De acuerdo? Entonces esa es una emulsión completa diferente solo por cómo la expresas. Entonces eso es algo más que tienes que considerar. Los acordes que uses tendrán la emoción fundamental en uno de estos cuadrantes de emoción. Pero también se puede agregar un toque de otras coordenadas de emulsión como se hace cuando se agrega es siete por ejemplo, o para el caso, para ver, agregar seis aquí. Anuncios. Hizo tu vibra de un pesebre secantes y emoción. Y también puedes cambiarlo dando forma al cordón con voces acordes, incluso en capas. ¿De acuerdo? Entonces tu capa y una sola voz más que otra, o incluso capa en octavas. Tienes tantas opciones creativas para dar forma a cada acorde dentro estos cuadrantes de emulsión creando una mezcla que cambia a lo largo de tu emotiva historia de la música. Entonces eso es todo. Ajustar. Ejemplo del acorde C7 y una esperanza que abran los ojos a tu enorme potencial para dar forma a la emoción, historia de tu música a través de las cuerdas basadas en las armonías de cada voz y cómo las tocas en tu música. Ahora permítanme demostrar y dar algunos ejemplos de todas las cuatro coordenadas emocionales de la música. Uno, el cuadrante mayor. Entonces en el cuadrante mayor, tendrás todas las emociones que tienen una vibra importante fundamental. Estos son algunos ejemplos de colores emocionales comunes en este cuadrante. Feliz, edificante, motivador, inspirador, grandioso, heroico, aventurero. Ahora por supuesto, el núcleo fundamental del cuadrante mayor es una tríada mayor. Entonces digamos C mayor, D mayor, y así sucesivamente. Pero también aprendiste que cada voz dentro de tu acorde cuenta. Entonces si agregas una hormona extra, como un C7, agregas en realidad una mezcla de una vibra menor de este intervalo. Vibra de retención de este intervalo. En realidad una milla extra proporcionan desde esta armonía aquí, que es un tercio menor y así sucesivamente. También el estilo de juego y la progresión por supuesto. Entonces si juegas y cómo juegas, para que puedas jugarlo súper feliz, digamos C a D mayor. O puedes jugarlo en un muy heroico, o digamos un gran poderoso, muy parecido. De acuerdo, así que esos eran todos acordes mayores, pero usé un acorde sus4 aquí porque eso agrega una ligera tensión mientras aún lo tiene. Un poco de una vide mayor del segundo mayor. ¿ De acuerdo? Entonces si juego y c sus4, se obtiene esta armonía aquí, que es un segundo mayor. Por lo que tiene eso hizo tu vibra pero aún teniendo algo de tensión a ella porque quiere resolver. Entonces ese es el cuadrante mayor al cuadrante menor. Entonces si continuamos hasta el cuadrante menor, los colores emocionales de estos acordes tendrán una vibra menor. Por lo que aquí te presentamos algunos ejemplos de colores emocionales en este cuadrante. Triste, trágico. Hermoso, emocional, anhelo, meloso, dulce. Y el acorde fundamental del cuadrante menor es por supuesto, una tríada menor. Entonces digamos el acorde D menor. Y aquí puedes jugar suavemente como profanar su triste y melancólica vibra así. O puede agregar algo de dulzura y anhelo agregando, por ejemplo, sus acordes suspendidos en la voz que conduce. Entonces digamos de nuevo D menor, quizás agregando una séptima para crear un borrado más ambiguo. Tres, el cuadrante ambiguo. Por lo que aquí encontrarás colores emocionales que no son ni menores ni mayores, sino más ambiguos en su vibra. Misterioso, ambient, Jesse, espeluznante, embrujante, espeluznante, peculiar. Ahora bien, esto es realmente importante. A esto lo llamo el cuadrante ambiguo. Pero en cualquier momento realmente vas más allá de una tríada mayor estándar en el cuadrante mayor, tríada menor y un coordinador menor. Cada vez que vas más allá de eso agregando, por ejemplo, un séptimo o alterando el tercero, por ejemplo, un acorde suspendido, o incluso bajando el quinto, en realidad estás creando una vibra mixta más ambigua. No es ni completamente mayor ni completamente menor. Entonces, por ejemplo, tomemos, si quieres crear una vibra misteriosa, podrías ir por empezar con una tríada mayor, luego añadirle este sexto intervalo menor, que le tiene este tipo de vibra misteriosa. ¿ De acuerdo? Entonces si tocas placas como un arpegio como este, y en realidad se usa en alguna de la ley Elvin en la música en un Señor de los Anillos, ese sonido mayor, la sexta edición menor. Si quieres crearlo aún más espeluznante vibra, comienzas con una tríada menor y luego añades estos sextos menores como este. ¿De acuerdo? Ahora que obtienes es en realidad el tema principal del viejo programa de televisión X-Files, serie de TV. Un acorde menor con unos sextos menores añadidos. Y se puede hacer, por ejemplo, si se agrega esta séptima mayor agregada, que si se acuerda de la lección sobre intervalos, un siete mayor suena realmente extraño. Y alta tensión. Entonces si tocas, por ejemplo, una tríada menor y agregas la mi séptima mayor, agrega esa vibra embrujada también. Porque si revisas esto de nuevo, en realidad estás obteniendo este menor intervalo de seis años desde el tercero del acorde menor y el séptimo. Entonces, como puedes ver, hay tanto que puedes hacer cuando vas más allá de la tríada mayor estándar, iniciada tríada menor, estás creando si crea, por ejemplo, un acorde séptimo dominante estándar, un siete C. En este caso, esto está en el cuadrante ambiguo, pero aún tiene una vibra genial mayor del tercio mayor. Pero agrega un poco de ambigüedad porque agregas un tercio menor encima de la tríada mayor. Y lo contrario es si comienzas con un menor, así obtienes la emoción central de la tercera, y luego la coloreas con otra armonía de intervalo. Tan menor con un séptimo menor, así, o un menor con mayor. Los siete mayores suenan un poco más extraños. Realmente tiene alta tensión y quiere resolver x2, por ejemplo, la octava. Por lo que también puedes ir con, por ejemplo, el tritone. Entonces digamos que comienzas con un acorde mayor y luego bajas la fe plana a la quinta. De esta manera, obtienes este sonido peculiar o sonoro del tritone, que en realidad es muy alta tensión. Pero ya que tienes un alambique, pueden ser mayores. En tercer lugar, obtienes una vibra genial que suena mayor con una sensación peculiar y rara. Por lo que puedes hacer tanto aquí en el ambiguo cuadrante. Encuentro que esto es cierto, el cuadrante más poderoso de discos y de integridad en música para el cuadrante disonante. Por lo que el cuadrante distante, los colores emocionales, les tendrán alta tensión, como estos colores emocionales. Tensión emocionante, miedo, horror, oscuridad, miedo, mal. Ahora el cuadrante disonante, cuatro acordes y armonías, es donde te enfocas principalmente en agregar tensión a tu música. Y recuerdas de la lección de intervalo que la madre de todos los intervalos de tensión es los segundos menores, por lo que el medio paso. Entonces si tomas, por ejemplo, una tríada menor y luego planas, aplanas la quinta así. Estás creando lo que se llama una tríada disminuida con, porque está hecha de una tercera armonía menor con un tercer daño menor y se apila encima. Por lo que una tríada menor con un aplanamiento. También puedes usar como todos reaprendieron otros intervalos de alta tensión tienes el segundo menor, por ejemplo, en la base. Entonces si juegas a un menor aquí y luego en la base vas un microsegundo de medio paso, ya sea arriba o abajo. Aquí, esa alta tensión o abajo. O puedes usar el tritón menos aprendido. Entonces si tú, aunque uses una tríada mayor, solo aplanas la quinta. Es un poco ambiguo. Pero sí, la tensión, el cuadrante disciplinario, parte de la emoción de este tritón, y la vibra central mayor del tercio mayor. También puedes usar, como aprendiste, esta séptima mayor porque tiene una alta intención. Entonces si usas una tríada menor con una séptima mayor añadida, eso agrega alta tensión, incluso puedes usar una tríada disminuida con la séptima mayor agregada. O usar una séptima disminuida. Por lo que tres tercios menores apilados uno encima del otro, lo que crea esta muy espeluznante y embrujante y alta tensión también. Además, si vas alto que una octava, un intervalo de tensión muy alto es este y menor nueve. Por lo tanto, intenta agregar, por ejemplo, esa novena menor encima de menor estándar. Aquí. Súper alta tensión. Otra forma de usar un poco más poderosa, vibra maligna, pelea de jefes malvados es comenzar con una tríada menor. El arrecife alrededor de la quinta perfecta en el tritone y el sexto menor así. Y entonces quizá la base, puedes ir en un segundo intervalo menor como este. Entonces quizá agregue el mayor 7 o el cuchillo menor. Ya miedo alrededor del octano y menor noveno. Pero la madre de toda tensión se basa alrededor del segundo menor o del medio paso. Entonces cada vez que vas en medio paso, eso agrega esa vibra cuadrante disonante. ¿ Verdad? Entonces si haces la raíz aquí, sube, baja, o la base, quizá caminando en medio escalón. Y entonces quizá dos, un menor, menor séptimo. Y la base es en realidad una gran manera de agregar ese cuadrante disonante mientras sigue teniendo la emoción central, tal vez un cuadrante menor. En este caso, en el cordón real. El base lo aumenta con una vibra cuadrante disonante a partir de la segunda armonía menor. Entonces aquí tienes mucho que hacer. Recordatorio segundo, el tono tri, un poco de tensión también de este ramo. Menos 6, tienes el menor 7 bit de atención, pero mucho más pelo en la séptima mayor. Tienes también la novena menor. Todos estos puedes usar en tus acordes y armonías para agregar un poco de sabor del cuadrante disonante a tu emotiva historia de la música. Mezclando colores emocionales en la música. Ahora, por supuesto, la música es como una historia y todas las historias son una mezcla de emociones, así como una progresión del estado de ánimo emocional general que se desarrolla a través de cada escena. Lo que significa que tú como compositor, crea tu emotiva historia en la música, no solo basada en los acordes y la progresión armónica, sino también en cómo los tocas con qué instrumentos y sonidos, y cómo lo mezclas todo juntos. Básicamente, como con una historia o una buena comida, muy raramente se enfoca completamente en un solo ingrediente. Y aprenderás sobre todos estos otros ingredientes en la música que puedes usar para dar forma a la vibra emocional de tu música. En más videos dentro de este curso. 8. Emoción desde la progresión: Emoción de la progresión. Por lo que hay varias formas de dar forma a la vibra emocional de tu música con progresiones. Uno, la emoción de los cambios de acorde, los acordes que eliges, uh, uno de los principales aspectos de dar forma a la emoción central en tu música, lo que significa que cada acorde en sí mismo tiene una emoción de núcleo incorporada, pero de igual o tal vez incluso más importancia, es el aspecto emocional de cada cambio de acorde que hagas. Permítanme darles un ejemplo. Si montas tu pista en C mayor y vas de C mayor a F mayor, luego a G-Major. Esa progresión de acordes sonará muy edificante y con una vibra de sentirse bien. Pero si introduzcas algunos acordes menores en la misma progresión, cambiarás toda la historia armónica hacia una vibra más emocional. Y permítanme demostrar esto. Si juego C mayor, F mayor, y G mayor de una manera muy edificante. Y como la progresión solo se hace tus acordes, esto sentirá vibra muy edificante y positiva. Entonces escucha esto. Ahora bien, si introduzco algunos acordes menores o incluso acordes séptimo o cualquier otro registro, excepto las tríadas mayores estándar. Puedo empujarlo hacia un sonido menor más emocional, más ambiguo, más misterioso. Lo que sea que sientas funcionará para tu emotiva historia de la música. Entonces empecemos y nos vemos de nuevo. Vayamos a EMA menor. Y luego a, digamos un menor, F mayor. Hagamos F mayor con un siete añadido. Entonces una séptima mayor, tan mayor séptima es más ambigua y le tiene ese tipo dulce de tensión, a pesar de que sigue siendo una emoción central importante. El séptimo mayor, que tiene ese carácter extraño, extraño, agrega esa tensión súper dulce. Entonces puedes empezar de nuevo con C mayor. Hagamos un menor con un siete añadido. Podemos introducir algunos son acordes suspendidos. Y ya puedes escuchar que obtienes la vibra menor de esos acordes menores que los mineros recortan una vibra suspendida o intencional de los siete. El suspendido de la tensión, que es edificante al tiempo que sigue teniendo ese tipo de tensión anhelada de los puntajes del SAT y así sucesivamente. Por lo que cada acorde de la secuencia cuenta cuando sientes, cuando te afeitas la historia emocional de tu música. Aquí hay otro ejemplo. Si introduce un sorprendente disco mayor en una composición enfocada por lo demás menor, el oyente sentirá ese contraste repentino como un nuevo tipo de esperanza y luz introducido en su historia musical. Esto es especialmente cierto si ese acorde mayor no es uno de los acordes diatónicos de tu escala. Entonces digamos que tu composición está en una menor de edad. De acuerdo, entonces obtienes esta secuencia de tríadas diatónicas. Por lo que todo el caso blanco, una menor. Ahora bien, si interpretas una progresión como escritor, E menor, F mayor, y luego vas a D mayor. Eso es mayor. El sonido edificante es realmente siente que una pista eleva en energía a una vibra más positiva, esperanzadora. Porque el acorde D mayor no es parte de los acordes diatónicos de la a menor escala. Por lo que un sorprendente cordón ir y ir en la dirección opuesta. Digamos que juegas en C mater. ¿ De acuerdo? Así, Digamos que vas a una mayor, un sorprendente elevador importante allí. O si vas a un resfriado menor donde se supone que es un Corso mayor. Entonces digamos que la menor F lo empuja más hacia ese tono emocional menor. A pesar de que la escala que usas es una escala principal estándar. A la emoción de la voz, el movimiento. Otro aspecto de dar forma a la emoción es el movimiento de cada voz individual de la propia corte. Esto se puede elegir eligiendo diferentes inversiones de acordes y voces. Porque cuando haces tu realmente alterando el movimiento de voz en intervalos para cada cambio de acorde. Permítanme darles un ejemplo interesante de esto. Digamos que tocas un acorde G mayor recto en posición de raíz. Por supuesto, esta coordenada en sí tiene una mayor, nuestra vibra de núcleo emocional. Comparemos esto con un juicio mayor agudo F. Eso podría en sí mismo es también una emoción que suena mayor. Pero si los juegas pasando de la posición de raíz G a una posición de raíz, F-sharp mayor. En realidad estás tomando cada voz fría independiente en un intervalo de medio paso. Por lo que un segundo menor que tiene alta tensión. Entonces la progresión de la G al acorde mayor F-sharp, o en realidad. Tres progresiones, una por voz yendo en un segundo movimiento menor. Entonces a pesar de que ambos acordes son un sonido mayor, esta transición de todas las voces en segundos movimientos menores con crear una especie de vibra astuta o misteriosa a partir de la propia progresión. Mi punto es que necesitas pensar tanto en las emociones centrales como en todos los intervalos individuales para cada trimestre cambiados al dar forma tu historia armónica o música de una manera que se adapte al impacto emocional, tú quieren que tu música tenga tres emociones desde dirección armónica. Por último, si miras los acordes completos, puedes dar forma a las emociones en función de la dirección y el movimiento de anulación. Yo llamo a este movimiento armónico. Por movimiento armónico, no estoy hablando del movimiento de voz individual y las transiciones para cada cambio de acorde. En cambio, necesitas dar un paso atrás y volver a ver toda la progresión del acorde como un todo. Y mira la curva de la historia y movimiento de todas las voces en tu hormona es que crean juntos, construyen energía con movimiento hacia arriba. Si la curva de historia armónica tiene un movimiento general hacia arriba, construirás energía y tangente en la música. Esta es una gran técnica justo antes de pasar a una nueva sección, donde se desea crear anticipación y crecer la intensidad y la energía simplemente a partir de su curva de historia armónica. Entonces primero permítanme explicar rápidamente a qué me refiero con movimiento armónico. Entonces si tienes una progresión de acorde, puedes dar forma al movimiento real de las voces individuales para hacer un movimiento ascendente para que la hormona sea así. Hacia abajo más movimiento si quieres o mantenerlo, más recto. Básicamente transponiendo todo, creando una dirección promedio o la progresión armónica total. ¿ Verdad? Entonces lo primero, el primer ejemplo aquí son estas cuerdas staccato es donde creé un movimiento ascendente en dirección. Estas son solo las notas de bajo y las bases hacen lo que hacen de forma independiente, pero básicamente comprueba en qué polvo toda tu progresión de acordes, con el tiempo así. Por lo que aquí realmente podemos escuchar cómo construir energía y emoción al tener este Ascendente Social. Y muchas veces esto funciona muy bien en combinación con aumentar en este caso, cuando subes en dirección, la dinámica promedio a lo largo del tiempo básicamente creando un ligero crescendo aquí, resolver con movimiento hacia abajo. Entonces naturalmente esto lleva a la dirección opuesta, un movimiento general hacia abajo de tu progresión armónica, que crea una sensación de resolución momento asentándose. Y es genial terminar un coro con, si quieres seguir con una sección de menor energía, así como en el outro final y cadencia de tu música. Si quieres terminar tu composición con un estado de ánimo relajado y resuelto. Está bien, Así que aquí tomé la misma progresión de acordes, ganaron. Se puede ver aquí arriba B-flat, G menor, F, B-flat, y así sucesivamente. Y grabé y otra actuación en piano, no tan estático y rígido como aburridos acordes de un bloque de barra, sino una actuación real. Y se puede ver que aquí estoy usando el movimiento hacia abajo para la progresión. Y si escuchamos esto, y por cierto, también tengo una ligera disminución en la dinámica. Si escuchamos esto en contexto o simplemente individualmente, por cierto, se puede escuchar cómo resuelve y calma la energía. Entonces tocando en 321, estabilidad con el movimiento recto, si moldeas las voces de acordes para que el movimiento armónico sea más o menos una línea recta. Crearás un estado de ánimo muy estable. Puede ser una gran manera de asegurarse de que la progresión del acorde se esté mezclando con el fondo para un sutil subrayado, pistas ambientales y atmosféricas son simplemente empujan todo lo inofensivo a la parte posterior de tu música. Básicamente, puedes usar movimiento armónico recto siempre que quieras que tus acordes y armonías se mezclen con el fondo de tu mezcla. Entonces aquí grabé cuerdas y la misma cooperación que he escrito aquí arriba. Pero he usado inversiones de acordes y voces para hacerlo más como una línea recta como se puede ver. Y en el caso de dos acordes compartiendo las mismas notas, acabo de unirme a ellos para conseguir aún menos movimiento porque este nodo se mantiene igual a lo largo de estos dos acordes, por ejemplo. Entonces escuchemos cómo eso puede vender. Intensidad con el movimiento caótico. Seguro que siempre oíste que debes intentar minimizar el movimiento de la voz y usar intervalos más pequeños al transitar de cuarto de acorde. Y que debas hacer la curva de la historia armónica a lo largo del tiempo, lenta y gradual, como respirar. Bueno, cada regla tiene una excepción, lo que significa que en realidad puedes enloquecer con el movimiento armónico para hacer que el bordillo sea casi caótico, sobre todo para la escritura rítmica, por supuesto, lo inofensivo. Esto creará una vibra muy intensiva y enérgica que puede funcionar muy bien en algunos contextos. Por ejemplo, la caótica música de acción. Como siempre, tu visión creativa y ONG de tu música guiarán tus elecciones. Así que da forma a tu historia armónica con movimiento y movimiento en tus progresiones que se adapte a tu composición musical. Por lo que para demostrar esto, grabé esta parte aquí en cuerdas cortas. Y como puedes ver, el movimiento armónico es caótico para crear esta vibra de acción. Entonces escuchemos esto y lo escucharás en acción. Vamos a verlo al mismo tiempo jugando en 321. Entonces, para resumir, tienes tres formas principales de dar forma a la historia emocional de tu música con la progresión de tus acordes y armonías. Una emoción del acorde cambia a emoción del movimiento de voz individual, y tres, emoción de la dirección armónica. 9. Emoción desde el ritmo: Emoción por el ritmo. Puedes controlar el estado de ánimo emocional dando forma a la cantidad de acción y energía que tiene tu música. Y no hay mejor manera de controlar este aspecto que con el ritmo. El ritmo puede venir en muchas formas, pero claro, tus pistas de percusión, haremos el trabajo más grande. Pero también cómo rítmico tus estilos de tocar o para cada instrumento tocando acordes y armonías. Incluso tus melodías tienen el lado rítmico, dependiendo de cuántas notas por barra tengas para ellas. Una emoción de la densidad rítmica. Este primer y principal aspecto de cuánta acción y energía tiene tu música es la densidad rítmica. Esto es básicamente cuántos nodos o hits para cada medida de música que tengas. Por ejemplo, si solo tienes un tambor bajo tocando dos beats por barra, el nivel de acción y energía será bajo. Pero si agregas más nodos y más instrumentos con ritmos aún más rápidos, como sombreros altos, agitadores, etcétera, aumentarás el nivel de energía. Recuerda, cada instrumento cuenta. Entonces si estás liderando Medalla las largas notas altísimas de la obra, tendrá menos emoción y energía. Pero si escuchaste, por ejemplo, música tradicional irlandesa, la melodía principal a menudo será muy rápida y de alta energía. Considera cada desempeño. Puede ser un patrón de rasgueo de piano o Piaggio en guitarra y así sucesivamente. El conjunto de la densidad rítmica, lo que significa cuánto está pasando rítmicamente en tu música afectará en gran medida el impacto emocional de la acción y la energía en tu composición musical. Entonces déjame demostrarlo mostrándote estos tres ejemplos que creé con diferentes cantidades de densidad rítmica, de mínima a baja a alta densidad rítmica. Entonces el primer ejemplo suena así. ¿ De acuerdo? ¿Y por qué tiene tan mínima energía? Porque es tan sencillo. La densidad rítmica es muy, muy baja, por lo que está en su totalidad para 120 BPM. Pero el bombo de patada o tambores bajos percusión aquí es solo el 13, lo que dos calores por barra, las almohadillas y el metro y cuerdas aquí si revisamos te ves o notas bajas a barras, o una barra larga, si me quito la percusión en conjunto. Esto es por supuesto, la densidad rítmica más baja que puedes tener básicamente. Por lo que son muy pocas notas aquí. Ir al siguiente ejemplo donde tengo una línea de base de kit de batería. Como puedes ver, hay más notas para aquí, para este bar cuatro aquí, tres. Y también tengo un piano comping tocando un poco de vibra de arpegio, y suena así. ¿ De acuerdo? Por lo que sigue siendo bastante baja densidad rítmica. Por lo que se puede escuchar de este kit de tambor solo por cierto. Entonces tienes más aire y huecos entre los hits si lo incremento o disminuyo la energía aquí. Entonces toda la complejidad. ¿De acuerdo? Y si yo lo aumento aún, mayor energía, usted da forma a la emoción a partir de la densidad rítmica aquí y de la base. Podría haber ido sólo por mucho tiempo un bar bass notas. Pero creé más de una línea de base. Por supuesto, eso agrega un mayor sentido de energía. Y luego finalmente, donde entré básicamente todo con muy alta densidad rítmica. Por lo que el kit de batería está jugando con la mayor complejidad. Me dirijo a shaker aquí, así que sólo 120 BPM. Pero te pones un poco seco. Philip. Y la línea de base ahora va para patrón de octava nota. A medida que mucha energía. Entonces tengo estas cuerdas aquí haciendo un poco de arpegio en alta gama. Ahora, las cuerdas poco profundas y cortas o más patrón B-C aquí. Y luego unos shorts bajos Al igual que x. Y así todo en general realmente puedes sentir el impulso. Entonces así es como podemos dar forma al nivel de energía móvil desde la densidad rítmica de tu composición hasta la emoción, desde la complejidad rítmica. latidos simples y rectos se sienten más naturales a nuestros oídos. Por lo que tendemos a sentirnos más en armonía al escuchar ritmos en su totalidad para sin sincopación ni gran variación. Pero si escribes tu música en otra firma de tiempo, puedes crear ritmos más complejos que se sientan más enérgicos. Otros aspectos en tus ritmos que pueden hacerlos más complejos y así aumentar la acción y la energía. Paciente ligero o soltero siente transiciones, notas fantasmas y notas de gracia, y rápidos cambios rítmicos. Por lo que también creé tres ejemplos diferentes de dar forma a la energía emocional a partir de la complejidad rítmica. El primero aquí es agregar más variación en el ritmo. Entonces vamos a revisar la línea de base en lugar de sólo las notas octavo rectas. Tengo variación en el patrón rítmico. Y eso agrega un sentido de energía a partir de toda esa variación. Si echa un vistazo a la percusión aquí, fui con más rellenos, así que echa un vistazo al patrón. De acuerdo, entonces si aumento los campos aquí, puedes verlo actualizaciones aquí agregando algunos campos extra, también se especia como variación a repercusión. Aquí. Yo comprobaría aquí los poco profundos y las cuerdas más cortas. Se puede ver que hay mucha variación pasando. Y en realidad no están imitando completamente en alguna variación en el medio. Entonces con todo, todo juntos, realmente obtienes mucha variación que condimenta la energía emocional. Y en el siguiente ejemplo, trato 120 BPM. Pero aquí estoy usando seis octavos y mucha complejidad añadida en, por ejemplo, la percusión aquí. Entonces todos estos súper rápidos se sienten bien. Por lo que realmente sientes que la energía es abierta, energía muy alta, a pesar de que es sólo en 120 BPM. Agrega algunos símbolos solo para acentos. Y se necesitaría una escucha a las cuerdas cortas y amarillos aquí. Y aquí ven un patrón de arpegio aquí en los canales. Si bien tenemos el patrón staccato aquí con variación en las cuerdas cortas. Entonces como puedes aquí, tienes estas alta complejidad en los patrones rítmicos de la misma. Todo eso realmente aumenta el nivel de energía en total suena así, ¿verdad? Y finalmente, en este ejemplo, agregué alguna sincopación. Bueno, tengo algo de sincopación aquí también, pero aquí en realidad uso alguna nota de triplete para darle sabor y agregar alguna variación sorprendente en el ejemplo para que puedas escucharla. Digamos aquí mismo. Entonces si lo escuchas, escucha los trillizos. De acuerdo, oops, esa debería ir ahí. Y también estoy teniendo imitando ese triplete en la línea de base aquí. Entonces si escuchas la línea base, y en conjunto con unas cuerdas cortas, shorts bajos y set, etcétera, tienes alta energía o alta complejidad, así como variación en la sincopación, es decir básicamente agregando variación en el surco rítmico a lo largo del tiempo. Y giros sorprendentes y sobre todo este tratamiento aquí. Entonces vamos a escuchar por completo. Por lo que para resumir, se puede utilizar el impacto emocional de la energía y la sensación de acción dando forma a la densidad rítmica así como a la complejidad rítmica. Y recuerda, todos los instrumentos y actuaciones en tu composición musical cuenta cuando consideras el ritmo general. 10. Emoción desde el poder: emoción por el poder, la cantidad de intensidad tanto de tus instrumentos como de los sonidos en tu música, así como la forma en que los tocamos, influirán en gran medida en el sentido emocional del poder o la falta de poder. Por ejemplo, ¿quieres que tu música suene, ligera y mínima, o que te vayas hasta Epic y potente. Uno, el poder de la densidad del sonido. Algunos instrumentos son simplemente más poderosos en cuanto a su tono y carácter que otros. Por falta de una palabra mejor, se podría decir que su sonido es más gordo. Por ejemplo, instrumentos de latón grande, cuerdas bajas, pipa, órganos, etc. Todos tienen un sonido muy potente, incluso cuando se tocan en nivel dinámico medio. En el lado opuesto de la báscula, encontrarás los instrumentos más ligeros que ocupan menos espacio en la mezcla porque tienen un rango de frecuencias más delgado, menos armónicos, o simplemente más sentido del aire. Cosas como cuerdas desplumadas, vientos altos, mazos, billetes, etcétera. Por lo que ahora demostraré la gran diferencia de potencia basada en la densidad sonora de diversos instrumentos y sonidos. Por lo que un gran conjunto de latón puede sonar así. Órgano de pipa como este. De acuerdo, entonces esos son sonidos potentes de alta densidad. Si bien un caballo, por ejemplo, o una cuerda arrancada, es un CARTO o una campana. Todos son instrumentos muy ligeros. Dos, potencia de tamaño de sección. Otro aspecto del poder en la música se basa en el tamaño de sección que elijas para cualquier instrumento significado parte de tu música. Un instrumento solista siempre será el ligero y cuanto más grande sea el conjunto tocando al unísono, gordo y más poderoso. Sonará en función de la frecuencia, densidad, y nivel en la mezcla. Entonces, por ejemplo, un violonchelo solo se sentirá menos poderoso que una gran sección de vendedores, tocando la misma frase. Incluso el rastreo incursionado entra en esta categoría. Básicamente estás tocando la sección de instrumentos o ensayos vocales. Otro ejemplo común es comparar una sola guitarra rítmica eléctrica y comparar esto dos grabaciones de guitarra utilizando la clásica técnica de izquierda y derecha rastreada doblada. La diferencia de poder es enorme. Ahora permítanme demostrar cómo se puede agregar potencia desde el tamaño de sección. Entonces aquí tengo un solo violonchelo. Tocemos la nariz de un acorde D menor. Y luego con un gran vendedor en fin, conjunto, ocho violonchelos tocando al unísono así. Sonido mucho más grueso y audaz. Y si capas, por ejemplo, es decir, baja editada y Shambhala con cuernos por su cuenta, suenan así, pero obtienes una sección más grande y así más poder por capas, así. Y aquí tengo una guitarra eléctrica sin doble rastreo, así que solo una guitarra como esta. Pero escucha con auriculares cuando dupliqué pista, obtendrás ese amplio sonido en la izquierda y en la derecha. Sin. Juguemos acordes de poder. Sin. Con una IV, se puede por supuesto, doblado pista aún más. Un apilamiento cuádruple. Para un sonido aún más potente, tres potencia de Exons dinámicos. Si tocas una línea en tu música en una articulación de tipo acentuada, incrementarás la sensación de poder. Por ejemplo, cuerdas marcato audaces, grandes sforzando, puñaladas de aliento, o simplemente fortissimo dinámicas de rol. Todo tipo de actos y estilo, articulaciones y estilos de juego funcionarán muy bien para agregar una sensación de poder. Y lo contrario es jugar a la ligera sin énfasis y acentos pesados. Entonces permítanme demostrar el poder de los actos y las articulaciones tocando primero en una nota sostenida normal, o bien ir aquí con las cuerdas completas en octavas. Ahora, en las cuerdas bajas aquí he elegido más Costco, que es un tipo de sonido más audaz, más acentuado aquí en el conjunto de cuerdas completas también, y todo el latón. Estoy usando esta acentuada articulación de S4 Rosato. Entonces juguemos con ellos. Bueno, si lo escuchas. Y aquí, y aquí que más enfatizó atrevido ataque. Y si los toco por completo, excepto esta cuerda normal es conseguir esta zona súper poderosa para poder de producción. Dos de los mejores efectos a utilizar en la producción musical para aumentar la distorsión de la potencia o saturación de la varilla, así como la compresión. Cuando usas la distorsión, aumentas la densidad armónica, lo que hace que el sonido resultante sea más gordo y más poderoso. Esto es lo que se oye en guitarras eléctricas pesadas, por ejemplo. Pero puedes usarlo en menor grado para hacer que cualquier sonido sea menos distorsionado, pero aún así obtener ese sonido phat analógico o cualquier instrumento en tu producción. compresión básicamente comprime el rango dinámico para que puedas aumentar el nivel general de cualquier sonido. Entonces aquí tengo un grupo mezclador al que llamo producción con alguna percusión épica. Suena así. De acuerdo, y algunos staccato de latón con capas con algunas cuerdas bajas también staccato. Entonces así es como suena sin agregar potencia de la producción. Lo que hice entonces fue agregar este efecto de distorsión de saturación. Y si lo enciendo y solo lo incremento de 00, así se vuelve más potente. Pero después de un rato escuchas esos feos, distorsionados efectos. De verdad solo quieres marcarlo en un poco para que el sonido general sea más grueso y rico. Y entonces también uso este compresor, que he puesto en modos paralelos o estoy comprimiendo la señal y luego la estoy mezclando con la señal seca. Esto también es efecto fresco a ese poder mientras que todavía tiene esa dinámica se mantuvo un poco por lo que suena sin ella. Por lo que ahora, sin estos dos efectos, lo enciendo. Puedes hacer que tus sonidos sean súper poderosos. Y por supuesto, depende de qué tipo de instrumentos lo uses en percusión y bajo e instrumentos como ese, puedes usar más saturación y compresión, y debes tener más cuidado con instrumentos dinámicos como cuerdas, Así que para resumir, puedes dar forma a la emoción por este sentido de poder de tu música. Y puedes hacerlo controlando la potencia en función de la densidad del sonido, el tamaño de la sección, los acentos dinámicos, y la producción, y los efectos de mezcla. 11. Emoción desde el color: Emoción por el color. Puedes crear y dar forma al movimiento de tu música centrándote en los colores. Por color, estoy hablando de nota, rango y frecuencia, enfoque y distribución. Puede pasar de super dorky y un color profundo todo el camino a un color brillante y aireado. Uno, forma color a partir del tono. Diferentes instrumentos tienen diferente color de tono, lo que significa que un C medio en un instrumento puede sonar más cálido o más brillante que tocar el mismo C medio en otro instrumento. Depende de lo fuertes que sean los armónicos, y por supuesto depende también de tu estilo de juego. También puedes dar forma al tono con dinámicas, donde las dinámicas más bajas tienen un tono más cálido. Entonces si solo comparamos la diferencia color de tono de diferentes instrumentos en medio C. Aquí en dinámica media, pipa, órgano, clarinete, caja, y sección de violonchelo. Realmente puedes sentir que algunos instrumentos son más oscuros en tomo, más cálidos y algunos son más brillantes y más duros. Y lo que es importante es que muchos instrumentos realmente aumentan su rango y tono de alta frecuencia. Si aumenta la dinámica, juégalas más fuerte. Entonces por ejemplo, respiraciones van, puede ir de dinámica muy baja por supuesto es software en volumen. Pero si aumento la dinámica, también abro el color del tono hacia las frecuencias más brillantes más altas. Y si tomas el órgano, por ejemplo, esto es una catedral, un órgano catedrático. órgano profundo tiene un color de tono completamente diferente. Clarinete. La mayoría de los woodwinds órbitas software en tono. Teclas como un camino o muy suave, vívidamente CR es más brillante. Las cuerdas poco profundas también pueden ir de cálidas a brillantes. Y hay, por supuesto, diversas articulaciones que puedes utilizar en diferentes instrumentos que afectan los colores de tono, como noticias sobre respiraciones, tocar en concierto DO o articulaciones silenciadas en cuerdas y así sucesivamente. Entonces por ejemplo, con estas sombras, si toco disco de jazz aquí, un Sortino activado, puede escuchar que es como una manta suave en las cuerdas, haciéndola más cálida en color tono para dar forma al color desde rango. Al escribir tus puertos, puedes dar forma al color emocional de tu música centrándote en ciertos rangos de notas en tu arreglo. Por ejemplo, si quieres que tu música tenga un tono más oscuro y cálido, concéntrese más en las notas debajo del medio C. Naturalmente esto conducirá a usar más instrumentos que tengan un rango fundamental en el extremo inferior, como base, poco profundas, a base de huesos, etcétera. Entonces por ejemplo, instrumentos inferiores y base de núcleos o más oscuros como si tocara en el rango muy bajo. Tiene a super mal tono oscuro, profundas subiendo un poco más. Y violines, juguemos arriba del medio. C. Piccolo, flauta, muy alta. Tienes Horner's en la gama media, baja a media, y trompetas, por supuesto, más brillantes porque son altas registro. Por lo que en realidad puedes dar forma al color emocional desde el rango en el que te enfocas en tu música desde el rango más bajo, más oscuro y más malvado debería evitar sin embargo más cálido, medio o todo el camino hasta el rango emocionante alto. Por ejemplo, como una flauta piccolo. Pero por supuesto, necesitas ajustarte dependiendo de qué capacidades, qué rango tienen los instrumentos individuales cuando los añades a tu composición musical. Tres, color de forma a partir de la mezcla. También puedes dar forma al color emocional desde la etapa de mezcla y producción. Aquí encontraremos que los ecualizadores y filtros son tus mejores amigos. Los estantes altos o bajos pueden cambiar drásticamente el color de la frecuencia. También puedes usar efectos de producción que potencien los matices armónicos en la mezcla, como efectos de distorsión y saturación, excitadores armónicos, etcétera. Entonces aquí creé un pequeño ejemplo con cuerdas bajas. Una cuerda en la muestra, conjunto de latón y propietarios de viviendas, que suena así. De acuerdo, así que digamos que eso son las armonías de respaldo en las canchas para tu música. Y quieres hacerlos, empujarlos más en segundo plano. Si bien puedes dar forma al color con, por ejemplo, un ecualizador y filtros. Por lo que tengo un filtro de estante alto aquí, éste. Y me agregan también un corte de ecualización aquí en el rango uno a dos kilohercios porque esas son las frecuencias más focales que las llamo, porque las escuchamos más. Nuestros oídos los recogen porque Ahí es donde la mayor parte de la información en las voces humanas. Entonces hago un corte aquí antes. Y cuándo. De nuevo, es casi como cuerdas de Concertino poniéndoles una manta. Y lo hago en todo el grupo para hacer el, hacer que el color del tono sea más cálido. Por supuesto, puedes ir en la dirección opuesta si quieres, por ejemplo, en tus arrecifes principales y temas, temas y así sucesivamente. Otra forma es agregar algo de saturación. Y este carácter cálido o brillante es básicamente sólo un filtro horneado en este plugin específico. Pero digamos que quieres ir con una sensación muy cálida. Es lo mismo que hace el ecualizador antes. Y ambos juntos se vuelven muy cálidos. Se puede ir en la dirección opuesta. Hagámoslo brillante en su lugar. Un poco más de saturación sin que abras esas frecuencias altas. Entonces como puedes ver, hay mucho que puedes hacer con la forma y el color de tus instrumentos, grupos y toda la mezcla desde el lado de la producción. Entonces EQs, filtros, saturación, etcétera. Entonces, para resumir, puedes dar forma a los movimientos de tu música desde dar forma al color general, la forma, color a partir del tono de tus instrumentos y sonidos, desde el rango de enfoque con tus notas y desde efectos de producción y mezcla. 12. Emoción desde la dinámica: Emoción de la dinámica. La dinámica de cómo tocas, cada nota, cada ataque, y cada sostenida para cada instrumento y actuación en tu música tendrá un profundo efecto en la vibra emocional. En resumen, las dinámicas más fuertes se sentirán más audaces, poderosas y fuertes, mientras que las dinámicas más suaves se sentirán más íntimas, dulces y suaves. Al aumentar la dinámica a lo largo del tiempo, construiremos energía y disminuiremos dinámicas con el tiempo. Vamos a bajar las cosas. Y básicamente hay dos formas de dinámica. Dinámica de ataque para cada nodo y mantener dinámicas para nodos a lo largo del tiempo. Uno, dar forma a la dinámica con el nivel de ataque. La dinámica para el almacenamiento de cada nodo está controlada por la fuerza que juegas. El apunte que en el ataque inicial parte del sonido. Hay dos formas de dar forma a esto en el mundo de los medios. El primero, que es más común, es por el nivel de velocidad para cada nodo. El segundo camino es elegir una articulación sobre el instrumento el cual tiene un ataque pronunciado como marcato, sforzando, etcétera. Entonces si tocas, por ejemplo, un puerto de piano donde la dinámica promedio por nodo está en el rango inferior, obtendrás un sonido más suave e íntimo. Y lo contrario puede ser tocar unos tornillos para algunos nuevos en respiraciones a un nivel dinámico muy alto que te dará un sonido contundente y potente. Entonces aquí hay una actuación de piano, y si abro la automatización, se pueden ver todos los diversos niveles de velocidad para cada nota. Y este tipo de variación en la dinámica, dinámica de ataque por velocidad, es uno de los aspectos clave que agrega esa calidad humana de vida a una actuación. Ahora, la dinámica o dinámica de ataque controla principalmente dos cosas. En primer lugar, la sonoridad. Por lo que aquí se puede ver la dinámica promedio es alrededor en el medio, pero también controla y da forma al ataque, brillo o suavidad del tono. Entonces si disminuyo esto, ambos será más silencioso pero también más suave en tono, más cálido. Y si muevo esto hacia arriba, es a la vez más fuerte pero también más brillante. Y eso es lo mismo, aunque tome, por ejemplo, articulaciones cortas en cuerdas como staccato aquí. Y también se puede ver en este ejemplo aquí, también me aseguré de realmente más los acentos principales. Como se puede ver aquí, estos valores de velocidad para este nivel B son mucho más altos que estos en el medio. Y entonces tenemos en Maine acento aquí otra vez. Lo que suena así. Y también se puede ver que hay poco de una dinámica promedio de pendiente, dinámica de ataque sube aquí para rodar al siguiente acento. Entonces esas son algunas formas en las que puedes usar la variación de velocidad para dar forma a la dinámica de ataque. Y esto es lo mismo para instrumentos arrancados o rasguados como guitarra, puta, y muchos otros instrumentos. tanto que propia nota sostenida larga, ahí es donde entra la otra forma de dar forma a la dinámica con el nivel de sustain. Tantos instrumentos pueden realmente cambiar la dinámica a lo largo del tiempo. Para cualquier nota sostenida, tanto cuerdas como instrumentos de viento como el latón y los vientos de madera, por ejemplo. Esto lo haces simplemente aumentando o disminuyendo la fuerza del aire o tu arco en las cuerdas para cambiar la curva dinámica con el tiempo. En la mayoría de los casos, lo haces grabando o escribiendo en automatización sobre un valor CC en tu DAW. Para Dynamics, esta es con mayor frecuencia tu rueda mod, que es CC1. Entonces en este siguiente ejemplo, ya que utilizo mayormente notas sostenidas más largas, me enfoqué en agregar movimiento y movimiento esas notas sostenidas dando forma a la dinámica a lo largo del tiempo. Como se puede ver desde esta curva aquí, que es la rueda de modulación o CC1, controlando la dinámica de esta biblioteca de cuerdas en particular. Y hace una gran diferencia como se puede aquí a partir de este ejemplo. También hago esto en el bronce tocando aquí. Lo hago en los vientos aquí en menor grado, pero aún así estas olas aquí. Y luego un enorme grado en este coro aquí. Ébola es el empaque que te dio es si quieres agregar aún más variación dinámica, solo controlando el volumen, puedes hacerlo agregando otra fuente de modulación para la expresión. Por lo que la expresión no controlará el carácter tonal, sino sólo, sólo el volumen. Por lo que de esta manera se puede aumentar la variación dinámica y el contraste sobre lo sustentable. O tal vez quieras que todo el rendimiento se construya ligeramente en tiempo alto y plateado como este. Entonces esto va ahora en combinación con la curva de modelado dinámico real. De acuerdo, Así que todos juntos. Y por cierto, también quiero mostrarles que en el piano, realidad elegí disminuir el nivel de velocidad muy bajo para conseguir ese sonido súper suave porque solo quería en segundo plano. ¿ De acuerdo? Y como ahora todo se mueve con el tiempo, también lo puedes ver aquí. Al igual para que puedas ver. Y luego baja y dinámica. Entonces así es como se da forma a la dinámica de un nodo sostenido a lo largo del tiempo. Construye y retrocede. En dinámica. En la mayoría de los casos se quiere hacerlo en olas como esta, subiendo y bajando, crescendo, decrescendo. Pero puedes por supuesto, darle forma como quieras, y además no tienes que cronometrarlo perfectamente. Puede ser. Entonces eso es que las cuerdas se hacen más ruidosas aquí, mientras que el latón se pone más fuerte aquí para obtener variación En el movimiento general. Esto puede marcar una gran diferencia porque el color tonal de tu pieza general también cambiará con el tiempo. De esta forma podrás dar forma a la emoción de tu música creando crescendos, lo que significa aumentar la dinámica, diminuendo, disminuyendo la dinámica, y creando diversos tipos de oleadas y ondas del nivel dinámico a lo largo del tiempo. Ahora con otros instrumentos como piano, mazos, cuerdas arrancadas, etcétera, no se puede hacer esto por notas sostenidas. Pero aún se puede dar forma a esa dinámica a lo largo del tiempo mediante, jugando los puertos para que la dinámica promedio para todos los nodos en el nivel de velocidad suba o baja con el tiempo. El ejemplo final, quiero mostrarte esta corta progresión de acordes de tres barras, C mayor, G mayor para ver y cómo puedes usar Dinámica y movimiento para hacerlo más interesante porque es solo una progresión simple de C, G y C. Entonces en el piano, he elegido sólo entrar y echar un vistazo aquí. Tener no sólo variación aquí y dinámica porque lo jugué, lo grabé manualmente en mi teclado midi. Pero como se puede ver, yo también muestra dos, aumentar la dinámica de la velocidad con el tiempo puede básicamente hacer un poco de crescendo, pero con enlaces dinámicos de velocidad. También hice esto en este caballo. Arpegio. Toma todo esto en esto. También lo puedes ver aquí. Sube poco a poco, empezando por los más bajos, más afilados, y más fuertes al final. Y por supuesto, en las cuerdas. Aquí. Aquí se puede ver la dinámica de automatización. Grabé esto con un fader en mi teclado midi que es blanco, se ve así. Lo tengo sobre el bronce, los vientos, y el coro. Pero diferente aquí. De esto, como puedes ver, obtienes en la mayoría de la variación si realmente grabas diferentes curvas dinámicas para las notas sostenidas. Y en conjunto, a pesar de que es una progresión de acordes súper simple, suena hermoso. Entonces, para resumir, puede dar forma a las emociones de tu música controlando el nivel dinámico para cada instrumento, parte y nota. Y se puede hacer esto desde la dinámica de ataque para cada nodo, así como para la dinámica de sustain para notas a lo largo del tiempo. 13. Emoción desde el contraste: Emoción por contraste. heladas frías en la música pueden ser verdaderamente sorprendentes por crear un sentido de sorpresa o cambiar de dirección para la emotiva historia de tu música. Y hay tantas formas de crear contraste en tu composición musical. Uno, contraste de Dynamics. Una de las formas más fundamentales de crear contrastes en la música es con las dinámicas. Si tú, por ejemplo, tocas un nivel dinámico bastante bajo y luego de repente juegas en voz alta, más accidentes culturales, esos se sentirán más poderosos debido al gran contraste en intensidad y nivel 2, contraste del ritmo. Al cambiar la sensación rítmica, puedes desplazar totalmente al personaje de un puerto a otro. O para una nueva sección en tu música. Por ejemplo, ir de una recta y estable para, para groove en, digamos, una octava nota, surco oscilante, o tal vez sincopación de triplete. Tres contrastes con el estilo de juego. También puedes cambiar el estilo de juego de, por ejemplo, una sección rítmica de staccato a unas largas notas de legato, estilo de juego. O tal vez de hermosas ondas remolinadoras o arpegios a ráfagas sureñas de acentos fuertes con puñaladas sobre más articulaciones CTO. Por contraste de la armonía. Aquí puedes elegir cambiar de dirección, agregar algo inesperado en cuanto a núcleos en armonía, o hacer una modulación completa a una nueva clave. Considera los cuatro cuadrantes de emoción, cuatro núcleos y armonía hicieron tu cuadrante, cuadrante menor, cuadrante ambiguo, y cuadrante disonante. Si tu música está escrita en una clave mayor y de repente usas un acorde que no sea diatónico. Crearás contraste del inesperado cambio armónico. Cinco, contraste de un arreglo. Los instrumentos de estratificación y el cambio tamaños de sección también pueden crear mucho contraste en tu música. Por ejemplo, digamos que empiezas con una expresiva actuación en solitario. Entonces puedes repetir ese tema, pero agregar contraste y poder de tener una secciones completas tocó un tema al unísono, octavas o incluso armonía. Seis, contraste del color. Incluso puedes crear contraste a partir del tono, color y rango de tu música. Quizás guardes la sección en el rango inferior con instrumentos que tengan un tono más cálido y más oscuro. Después abres el aire y el brillo introduciendo instrumentos tocando en rangos más altos y los tocas de una manera agrega más frecuencias de alta gama y armónicos. Siete, contraste con la producción. También hay tantas cosas que puedes hacer para crear contraste en tu música, en el escenario de producción musical y mezcla. Por ejemplo, automatización de nivel, doble seguimiento, panning para un escenario estéreo más amplio, reverberación y retardo para agregar filtro de profundidad, una automatización EQ, automatización de templo como cetera. Entonces, para resumir, puedes crear contraste para cambiar la historia emocional de tu música, o incluso introducir cosas inesperadas de muchas maneras, como el contraste de Dynamics, contraste del ritmo, el contraste del estilo de juego. Contraste con la armonía. Contraste con tu arreglo. Contraste con el color, y contraste con tu producción musical. 14. Emotion de Vibrato: Emoción de vibrato. Agregar un vibrato a cualquier nota sostenida en tu música es una de las formas más poderosas de agregar una vibra verdaderamente expresiva y emocional y de forma expresiva trajo un honor's como la nota es casi cantando de una manera hermosa. Y con el juego apasionado, emocional, todas las notas de vibrato, podrías incluso sentir lágrimas formándose por su papel, poder emocional. Por qué trajimos la música es tan emocional. En primer lugar, consideremos qué es vibrato. Una nota que se juega con el vibrato en realidad se balancea y pulsa en tono. Significa que en lugar de tratar de mantenerse Pitch Perfect, el vocalista o instrumentista está realizando la nota con movimiento pulsante en tono a propósito. El motivo por el que estos campos, tan emocionales, es principalmente la expresión añadida que se obtiene de ese movimiento, así como la tensión de luz que crea la afinación de tono pulsante. Pero también, si piensas en cómo suena cuando una persona que está llorando intenta hablar, oirás que el tono de las palabras tendrá más de un tono oscilante con tono pulsátil. Entonces en un sentido que si trajiste una placa a un instrumento o voz en realidad es una especie de imitando cómo suena una voz llorando. Ahora, piensa en el frágil y puro sonido de corazón de alguien que está llorando. Agregar este personaje a tu música con vibrato apasionado en los nodos explicará por qué agrega un estado de ánimo triste, expresivo, y emocional, diferentes tipos de vibrato en la música. Por lo que al realizar un vibrato, puedes tocarlo y darle forma a lo largo del tiempo de formas ilimitadas. Aquí te presentamos los aspectos más importantes del vibrato que puedes controlar. Fuerza vibrato, lo que significa hizo profundidad, el ancho del vibrato en tono. Velocidad de vibrato, es decir, la frecuencia de pulsación de la curva vibrato y vibrato, lo que significa que no puedes retrasar el vibrato durante la nota y ajustar el tono, velocidad y la profundidad a lo largo del tiempo para crear una curva para tu vibrato. Entonces permítanme demostrar esto mostrando aquí estos sintonizadores. Entonces si juegas en terreno de juego sin vibrato, deberías estar más o menos aquí, recta a 0. Cuando aumentas la profundidad del vibrato, significa que estás creando unos compañeros más anchos en cuanto a ir planos y afilados, por lo que se balanceará más ancho. Esa es la profundidad del vibrato. Entonces déjame tocar aquí mi flauta y te mostraré lo que quiero decir. Trataría de jugar una g recta primero. Entonces eso fue sin vibrato. Si aumento la presión de aire, presión y liberación, disminuyo la presión de aire en pulsos, estoy creando un vibrato el cual cambiará el volumen y el paso. Entonces revisa lo que pasa. Voy a tratar de hacer muy amplio con pulsos lentos. De acuerdo, así que eso fue vibrato muy ancho o profundo. El siguiente es la velocidad del vibrato porque en realidad se puede cambiar la frecuencia de pulsación del vibrato. Tener un lago de Paul más lento es decir cuarto de nota o un archivo que late por medida para el cónyuge vibrato o incluso más rápido. Entonces intentaré volver a hacer vibrato aquí o mi flauta. Por lo que incremento la velocidad ahí al final. Y entonces eso nos lleva al punto final se puede dar forma con un vibrato, que es la curva. En primer lugar, se puede retrasar el vibrato. Entonces inicias el nodo sustentante con una nota recta, ¿verdad? Si voy de así, así que no tienes vibrato primero y luego añades vibrato. Y entonces también puedes variar la profundidad de vibrato y la velocidad para la nota sostenida. Y de esa manera obtienes los tres aspectos o expresión vibrato para crear un sonido verdaderamente emocional para tu música. Ahora también necesitas aprender que realizas lo más amplio de diferentes maneras en diferentes instrumentos. Por ejemplo, un piano no puede simplemente no hacer un vibrato porque no se puede cambiar el pH de la nota sostenida. Por lo que vibrato está balanceando el tono y el volumen al mismo tiempo. En políticas que controlas con tu expresivo estilo llano. Entonces si tomamos estos violín o ambas cuerdas, por ejemplo, mira dónde está el diapasón aquí, si el marcador es si solo compro tu D sin vibrato. Ahora si me agrego, refiérase a ello. Como se puede ver, el pequeño punto aquí va hacia arriba y hacia abajo, y eso es lo que está haciendo un jugador de cuerdas cuando él o ella está agregando vibrato. ¿ De acuerdo? Y en una guitarra necesitas doblar este anillo en cambio los impulsos y, y así sucesivamente, en los instrumentos de respiración, por supuesto, como acabo de mostrar, se varía la presión del aire en pulsos, pero algunos instrumentos simplemente no pueden hacerlos. Ahora con la mayoría de los instrumentos de software y bibliotecas de muestras, a menudo solo tienes un deslizador para los vibratos. En realidad no se puede cambiar la velocidad y la profundidad. Pero básicamente se desvanecen cruzado en los vibratos. Si solo lo toco así sin vibrato, y luego lo incremento. Realmente vibrato cada vez más fuerte y más débil cuando lo muevo hacia abajo otra vez. Y algunos instrumentos, vibrato en realidad se graba en la muestra, lo cual es un poco triste porque entonces no se puede agregar su propia expresión a las notas. Completan el control sobre la profundidad de vibrato, la velocidad, y la curva es una de las razones por las que los instrumentos y voces en vivo, o mucho más expresivos que los instrumentos de software pueden ser. Entonces para resumir, puedes dar forma a las emociones de tu música con vibrato, fuerza vibrato, que es la profundidad de la velocidad vibrato vibrato, la frecuencia pulsante del vibrato y la curva Bravo, retrasando y variando el vibrato durante la nota sostenida. 15. Emoción a las articulaciones: Emoción de las articulaciones. Articulaciones en la música se trata de cómo tocas cada nota, la actuación. En los instrumentos de software a menudo se puede controlar y dar forma las autocorrelaciones desde el uso de interruptores de teclas y o automatización CSE. En ocasiones también se puede accionar el nivel de velocidad para cada nodo. ¿ Qué forma el artículo Asians? Pero el punto principal aquí es el cómo. Porque cómo tocas las notas tendrá un enorme impacto en el estado de ánimo emocional y expresivo de tu música. Hay tantas articulaciones diferentes para usar la música. Y cada grupo de instrumentos tendrá sus propios tipos de articulaciones dependiendo de cómo se pueda tocar realmente el instrumento. Por ejemplo, en una guitarra, hay una articulación llamada curva, porque se puede doblar físicamente estos anillos, lo que afectará el tono. Pero en, por ejemplo, un piano, no se pueden alterar las imágenes de las teclas que se presiona sobre un instrumento inclinado, un instrumento de cuerda, ya que no hay trastes, en realidad se puede deslizar sobre la misma cuerda con un glissando suave. Estos son sólo algunos ejemplos de articulaciones. Pero para darte más ideas, he creado una guía y visión general de las diferentes categorías de articulaciones en la música. Uno, las articulaciones centrándose en la dinámica. Se trata de articulaciones que cambian cómo la dinámica o controlada y moldeada puede ser tanto la dinámica de ataque como la curva dinámica a lo largo del tiempo para notas sostenidas , por ejemplo, marcato, sforzando, crescendo, diminuendo y hinchas. Dos articulaciones centradas en la longitud del nodo. Hay muchas formas de tocar notas cortas en instrumentos de lunares en, por ejemplo, ambas cuerdas. Se puede controlar lo corta que suena la nota de muchas maneras. Estas son algunas de las articulaciones de notas cortas sobre diversos grupos de instrumentos. Staccato, spiccato, pizzicato, y llámalo lineal. Tres articulaciones enfocadas en el tono. Se trata de articulaciones que cambian el tono de la nota, ya sea en la historia de la nota, el final de la nota, o sobre el sostén del nodo. Por ejemplo, vibrato, curvas, caídas, rasgaduras, scoops, etcétera, para articulaciones enfocadas en transiciones. Estas son técnicas que se enfocan en cómo pasas de una nota a la siguiente, desde unas notas completamente separadas sin transición, deslizamientos demasiado largos y suaves entre ellas. Y la velocidad y la curva o cómo se realiza la transición entre los nodos es realmente importante. Por ejemplo, legato, portmanteau, Gillies, algunos aunque, cuartos de martillo, pool offs, etcétera, cinco articulaciones centrándose en unos efectos especiales. Por lo que también hay muchas técnicas especiales se pueden tocar instrumentos donde eso enfocándose en cierta energía, vibra, tensión, o estado de ánimo basado en la misma articulación. Por ejemplo, armónicos, trémolo, trinos, concertino, mudo, gruñidos, aleteo, etcétera. Entonces, para resumir, hay tantas formas de tocar las articulaciones dependiendo del instrumento y las técnicas disponibles que puedas utilizar. Pero el punto principal aquí es que tú como compositor, tenías opciones creativas ilimitadas para dar forma a las emociones de tu música en base cómo tocas cada nota sobre los instrumentos y puertos en tus composiciones musicales. 16. El cuadrante principal: Entonces en este video, vamos a explorar el cuadrante mayor de las emociones musicales. Por lo que había creado aquí tres ejemplos cortos, cada uno con un campo diferente. El primero es aligerado, feliz que edificante e iluminador, y luego motivacional y sentirse bien. Entonces por supuesto, estoy usando muchas de las técnicas que ya has aprendido en este curso sobre dar forma a las emociones para el cuadrante mayor. Entonces escuchemos el primer ejemplo y luego explicaré mis opciones creativas. ¿ Verdad? Entonces como se puede aquí, sonido muy ligero y alegre y feliz. Se puede ver la cancha está aquí arriba, D mayor a y G, y luego la, así que todos los acordes mayores. Y también puedes escuchar que tiene un estilo de juego muy staccato, enfocado con muchas notas cortas aquí. También en las cuerdas aquí. Por lo que estos crean más, estos estilos rítmicos de juego de staccato obtienen esa manera más ligera, alegre, lúdica. De acuerdo, también se puede ver que hay una dirección ascendente creando ese sonido edificante, empujándolo más a ese iluminando el sonido. Y también usando armónicos en la guitarra. Muy similar al patrón común en las cuerdas. También un golpeado hacia arriba dirección aquí, como se puede ver. Y agrega ese personaje ligero porque cuando tocas armónicos, no obtienes mucho del tono fundamental del nodo, sino más bien los armónicos superiores. También uso una campana aquí porque, bueno, una campana de alto rango se puede ver arriba del medio C. También como ese personaje ligero, infantil. Y luego agregué unas teclas suaves al unísono con la campana. Entonces como estoy usando un parche muy brillante, parche aquí con un camino vivo y piano. A ver, pequeño resplandor en la reverberación ahí. Simplemente, y yo solo quería básicamente hacer estos proyectos de ley de ensueño porque lo estoy tocando una octava por debajo solo para extender esa melodía, darle más enfoque. Entonces los tambores aquí. Está bien, pero tiene algunos rellenos juguetones. Entonces obtienes esa sincopación visual. ¿ Y la base se siente esta losa muy rítmica en ella? Y por supuesto, si echamos un vistazo no sólo a la llave aquí, D mayor con sólo los 145 acordes. Entonces hay que hacerlo, se toca en un piano, toca en una vibra muy edificante. ¿ De acuerdo? También está el tempo 135, que está más en el up tempo vibe para BPM. Y en conjunto, crea esta vibra muy edificante, ligera, feliz, juguetona. ¿ Verdad? Entonces el siguiente ejemplo, que llamo edificante e iluminador. Es similar a esta luz y feliz pero no como infantil, ligero y feliz, más edificante e iluminador en conocer más sentido mágico de la vibra. Entonces aquí también estoy usando armónicos. Vamos a comprobar primero la progresión del acorde. Entonces estamos en G, así que tenemos G, a, C, D, todos los acordes mayores. Nuevamente, un Corea extra para ellos. Pero, oh sí, por cierto, así que si estamos en G Aquí, no hay del todo G mayor porque como puedes ver, hay cuatro acordes que son mayores aquí. Y por supuesto, tenemos registros del 3 de mayo a gran escala. Entonces tenemos una G. Y entonces se puede ver la a. Entonces esto significa si se tiene el núcleo uno siendo mayor y la segunda coordenada también mayor. Sin embargo, ese Lydian, lydian, que es el modo de música más brillante y edificante. Y ya lo puedes escuchar si tomas una escala mayor estándar. Entonces tienes, digamos C mayor, C, F, G. El cambio de acorde más brillante es en realidad entre f aquí y GE. Toma cualquier acorde mayor y luego toca todo el pupilo médico por encima de él. Realmente es ese color edificante, lidiano de la vibra. Entonces esa es la vibra edificante y esclarecedora porque estoy usando todavía una progresión ascendente aquí para construir emoción. Por lo que las cuerdas también manera rítmica. Pero si escuchas el primero aquí tenemos más sincopación, más groove rítmico. Si bien esto es más de una recta que señala el Dr. Hayes. En todo y construyendo un arriba así. Piano, complicado. Aquí dentro se puede ver un poco de un ascensor dirección ascendente aquí. Y si lo escuchamos en solitario, tiene ese sentimiento iluminador, edificante. Vamos a compararlo con el piano anterior. Esto me siento más ligero y más juguetón. Esto sigue siendo esa vibra mayor, pero más esclarecedora, no tan ligera y juguetona. Por lo que se puede decir que esto es edificante, pero en se golpearía de manera más seria. Entonces tenemos esta guitarra agregando un poco de negro aquí. ¿ De acuerdo? Y eso te suma un poco de interés porque no es tan sencillo como este primer ejemplo para una muestra y para la base que tenemos. Entonces hice más grupo pasando, están cambiando. Y luego tenemos los tambores, que es video de ese clásico disco de rock pop con la traba y luego un poco de agitador para agregar algunas series de emoción. Entonces con todo, mucha de la iluminadora edificante en realidad viene de la guitarra y la armónica. Especialmente esto hacia arriba o arpegio aquí en el principio realmente agrega eso mágico. Entonces con todo, edificante e iluminador, el tempo, por supuesto, no es tan alto como es up-tempo. Todavía está en el rango temporal superior, pero más cerca del ritmo medio 125. Como pueden ver, si sume estos dos 135, empujaré esto más hacia este encendedor, feliz por gay y sobre todo que las luces me iluminan, terminaré aquí con una gama muy alta. También en las cuerdas, como se podía ver aquí, subiendo un octeto completo allá. Y el ejemplo final es cuadrante mayor. Yo lo llamo motivacional y me siento bien. Se puede ver que hay un acorde menor dentro de él. Y lo más importante, el estilo llano se ve como más grave, tiene más de un no, no tan ligero y edificante. Bueno, vamos a escucharnos y te explicaré más tarde. Por lo que puedes instantáneamente aquí que es mucho más suave en estilo llano, mucho staccato, enfoque rítmico, pero en realidad notas más largas, legato, y más de un paseo suave, por así decirlo. Por eso llamé sentirme bien motivacional sigue siendo una clave importante, una mi a mayor. A ver si podemos llevarnos el piano aquí. Entonces vamos a F afilado y así sucesivamente. Para que podamos empezar con cuerdas. Crean mucho de estos más C o usan un hermoso tipo de emoción dentro de notas largas. Se pueden ver los acordes aquí que he atado juntos. Por lo que este en realidad es compartir de todos los puntajes en el medio. Y te traeremos el acorde menor aquí. Mayor otra vez. Y ver también está en la dinámica de rango bajo a medio aquí con la automatización o la curva dinámica. Y vamos a ver. Añado algo de peso con el vestido, jugando, con la dinámica aquí, pero simplemente quería agregar un poco más de enfoque de empuje a la corporación. Y obtienes más de ese papel. Serás noble personaje desde el pecho, largas notas en los cuernos ahí. Pero aún en el piano. Tenía un poco más de ritmo comping pasando. Pero se puede ver también es más en el rango inferior. Si comparamos estos dos. Si bien aquí estamos rango más bajo. Y también hola a mí dinámica. Y hubo muchas veces en las que toco sólo una nota a la vez aquí para dar un poco de aire. Entonces una o dos notas en lugar de hacer frente a un montón de notas y ritmos y así sucesivamente. Entonces si revisamos los armónicos, quería incluirlos aquí también. Donde la guitarra, estos son probablemente los levantadores más ligeros, parcialmente solubles. Entonces agregué aquí estas teclas suaves, que son las mismas pasiones ante las tías con el híbrido de piano. Peligro, también en el rango inferior como se puede escuchar. Bajo Schmidt. Pero agrega un poco más de peso al piano aquí. Y un sentido un poco más mágico en ese sonido híbrido. Entonces tengo esta base. Muy sencillo, los mineros de asteroides segundo movimiento ahí. vez en cuando por algún interés. Y los tambores tocan este ritmo suave muy sencillo. Y puedo ver también el tempo aquí está todo el camino abajo 115. Y con todo, eso crea este tipo de vibra motivacional, edificante pero de sentirse bien con el tono más serio que el color de los movimientos en comparación con estos otros ejemplos más claros. Activador menor. Entonces si quisiera empujar esto más cierto, donde lo hace el juguetón, edificante, iluminador y vibra que podría haber usado staccato string es, por ejemplo, en lugar de estas largas cuerdas, más lectura en la base, quizás haciendo algunas puñaladas de bronce en lugar de solo nodos Longhorn aquí. Y si quería empujarlo más hacia el cuadrante ambiguo o menor, bueno, debería haber incluido quizás uno o dos acordes menores más aquí, o un séptimo acorde o algo para agregar más complejidad. Y en cambio, sobre básicamente sólo tribunales mayores. Pero estos tres ejemplos, te recomiendo que experimentes con todas las técnicas has aprendido en los videos anteriores de este curso, así como en este video para explorar el cuadrante mayor de la música, las emociones. 17. El cuadrante mínimo: Entonces en este video vamos a explorar la renta de disco minero o emociones musicales. Por lo que había creado estos tres ejemplos, cada uno con una vibra diferente de menor, el cuadrante menor primero es triste y solitario, luego introspectivo y melancólico, y finalmente, oscuro y sin esperanza. Entonces empecemos con el primero. Jugaré primero el ejemplo y luego explicaré mis opciones creativas para este tipo de emoción triste y solitaria en el cuadrante menor. Entonces espero que realmente sintieras esa vibra triste y solitaria. Y lo primero es, por supuesto, la, la clave y las armonías, el enfoque armónico que utilizarías. Entonces esto es en una menor, pero puedes ver que en realidad estoy usando algunos acordes mayores dentro de ella. No obstante, la clave es el punto principal, por lo que una clave menor. Si sólo tocamos, Vamos a ver, teníamos el piano aquí, así que una menor. Y luego al daemon D. ¿ De acuerdo? Por lo que esos dos acordes son en el principio reales y establece el estado de ánimo. Si revisas el templo aquí, en realidad estoy usando un tempo muy lento, pero también algo de automatización. Por lo que empieza muy bajo aquí. El 59 sube a 65 y luego disminuye al final de nuevo a 59. Entonces un tempo lento. Ese sentimiento solitario. Y otra cosa son las notas reales que estoy usando. No es, no rítmico. Esta pieza en absoluto. Es más anillo en solitario y largas notas de barrido, especialmente para la melodía principal, pero también la pista de respaldo, sí, mejores cuerdas de respaldo. Y por cierto, el sonido real aquí para las cuerdas, si echan un vistazo aquí, oops, en realidad es un colmillo de tierra blanda DO cuerda. Sonido. Tan suave en el personaje real Colmar del tono. La base simplemente lo hace, es notas largas en el nodo raíz. Pero escuchas ese ataque dondequiera que cambie. Entonces nada Léame allá tampoco. Y lo más importante, se puede escuchar de la melodía principal, oírla tocada en el violín. Y violín. Podrías preguntar, bueno, es el primer violín de silla, así que esto en realidad es un violín en solitario. También elimino la reverberación extra y una reverberación de hall para hacerlo más cerca de ti porque se suma al enfoque expresivo del instrumento si lo sientes más cerca, cerca de ti. Entonces así es como suena. Entonces violín solo primero, Sharon, realmente escuchas ese vibrato expresivo, que por supuesto también agrega ese expresivo empuje emocional. Y si echamos un vistazo a la línea melódica, tienes algunos saltos más grandes, lo que en realidad crea más tensión emocional, agregando dos a la triste vibra. Y creo que jugué exactamente lo mismo en los fluidos aquí en el registro alto. También mucho vibrato en las notas más largas. Entonces esa es una Melody muy triste y solitaria. Hola leñosos registrados como fluidos son geniales para esto, como lo es el violín solo. Y creo que en realidad, en este caso, acababa de usar una octava más baja en las violas. Porque realmente quería que esta melodía fuera el punto focal de esta pieza. Por lo que muchas capas te ayudarán con eso. También primero, no, no de primer año esta cámaras extra. Entonces para la violencia, una sección muy pequeña, viola. Y lo uso, Sir Dean o aquí porque quería unos sonidos muy cálidos aquí en lugar de, Quitemos este Arduino y hoyo para que veas como el violín y saques esto. Pensé que eso era demasiado por adelantado porque quería que el violín solista tuviera ese punto focal por delante y cerca. Por lo que he puesto a Cerdeña, que es una articulación silenciada, más suave e incluyó toda la reverberación. Por lo que encima de los fluidos y violines. De acuerdo, Así que eso se encarga de la melodía líder, súper largos nodos legato que se elevan con mucho vibrato. Y entonces estos línea de violonchelo alaban la armonía, menor armonía. Por lo que las cuerdas son muy buenas para estas vibra expresiva, solitaria, emocional vibra, y el piano está tocando básicamente arreglo muy escaso. Si escuchas esto. Ni siquiera un canchas completas como el Octavio aquí y la melodía en la parte superior. Y todo esto. Por supuesto, la progresión de acordes y una línea de historia armónica es cuadrante muy menor. Pero esto, el montón de aire entre los nodos, las pausas se suma a este aspecto solitario. Y finalmente, solo quería agregar un poco más de peso a la pieza teniendo los acordes más la base aquí en el sofá. Teclas parchean estas chicas más piano estilo híbrido con algunos medios trémolo que van a la izquierda, a la derecha, amargo. Sí, el acorde cambia. Entonces con todo se obtiene esta vibra muy triste y solitaria. Entonces ese es el primer aspecto y uno del primer ejemplo, triste y solitario. Todas esas son opciones creativas. Pasemos al siguiente ejemplo que creé en el cuadrante menor, que es, lo llamo introspectivo y melancólico. Por lo que aumento el bit de plantilla hasta 70 aquí. Por lo que sigue siendo de muestra baja, pero no tan relajante, ambient, personaje solitario como 50, 1965 año era 63 o lo que fuera. Entonces vamos a tener una escucha a este ejemplo primero. De acuerdo, entonces aquí estamos en D menor y los dos primeros acordes aquí, o ambos menores establecen el tono, estos cuadrantes menores tonifican. Si lo comparas con el ejemplo anterior, es un poco más rápido, no solo en los templos 70, sino también algunos de los cambios hicieron estos armónicos aquí y la campana de ensueño aquí realmente va MLA cada medio aburrido. Entonces no es un rítmico yo diría, pero es más que en el, cada bar, como este de aquí. Aquí hay un poco. El más rápido. De esa manera. Entonces solo revisas la progresión de acordes aquí jugada en los refrescos otra vez. Y si se revisa aquí, es en las muy bajas dos dinámicas de hombre bajas, que también fue, por cierto, el caso de los ejemplos anteriores se pueden ver aquí. Pero básicamente está ampliando el ritmo energético más pasando de esta triste, súper triste y muy humilde a introspectiva y melancolía. Son similares pero sólo un poco más de energía, un poco más pasando. Por decirlo así, aquí en las notas. La justicia de base, exactamente como el ejemplo anterior. Una, largas notas de barra y el y yo iluminando lugar a liderar. Malaria. Notas tan largas, pero básicamente, sobre todo con un tempo lento, se siente aún más largo. El violonchelo toma la armonía. Hola. De acuerdo, y entonces tenemos el piano. Escuchemos aquí el estilo llano real. Por lo que es escaso, pero no tan escaso como el anterior. Aquí en realidad podemos ver curso completo como aquí y aquí. Está bien. Añadí algo más de peso como con el ejemplo anterior aquí en el caso blando, pero la diferencia es que agrego un poco más notas extra para un poco más de interés. De acuerdo, en comparación con el anterior, que era sólo un acordes de barra. Por lo que se puede ver que es otro nivel más allá aquí. Ir a esta introspectiva y melancólica aún muy, sigue siendo forma prestada, pero no tan triste súper larga como la primera. Entonces tengo estas líneas de bronce aquí tocando también notas largas. Entonces junto con las melodías líderes, básicamente armonía. De acuerdo, así que todavía largas notas altísimas, legato. Y entonces sólo por algún interés rítmico agregado es el básico menos armónicos y campana de ensueño aquí que lo lleva a un sitio y solitario a introspectivo y un melancólico. Estos chicos de aquí hacen una gran diferencia porque es cada dos veces cada bar. Entonces con todo, se obtiene esto. Los registros mineros no están más en la vibra introspectiva y melancólica. Entonces te hace sentir filosofar sobre la vida y demás. Es introspectivo. Es, es otro nivel entre aquí, triste y solitario y el siguiente. Entonces el ejemplo final aquí, yo llamo a este tonto y sin esperanza, menos enfermo, Escucha, el templo está de vuelta a 65 año. Y suena así. Entonces, ¿por qué esto se siente tan desesperada? Es, Empecemos. ¿ Por qué? Está tan oscuro. Entonces, ¿por qué está en el coordinador menor en primer lugar? Entonces todo es una llave menor. Y como puedes ver, no hay acorde mayor en absoluto. Sólo es menor. Whoops, sólo son acordes menores y suspendidos por supuesto. Pero eso cuida el cuadrante menor. El plantillas lento y los blancos dork. Bueno, si revisas, revisa aquí los rangos. Se toca, vale, Así que estas cuerdas son un Beatle al año, pero ellos, ya que usan una articulación suave, suena. Más cálido, más oscuro en color. Y eso es lo que pasa aquí. Básicamente está jugando principalmente en los rangos más bajos, menor dinámica. Vamos a sector liderar la melodía más la armonía aquí. ¿ De acuerdo? Entonces por debajo del medio C aquí excepto la flauta allá. Es decir, sí, Toma una escucha para la melodía líder más armónica. Sin pista. Sí, las sombras de viola están por debajo del medio C. También notas muy largas. Es decir, aquí tienes 1.5 bar. Este es dos barras. Entonces es como eso tiene dos, toda la vibra bendiga. El oscuro es el registro bajo y el color oscuro cálido desde el foco de registro inferior en el registro de notas reales y la baja dinámica y también las articulaciones suaves. Incluso agregué el latón aquí en el fondo. Entonces esto es C medio y esto es, y armonía. Incluso una octava por debajo del medio C. Sólo para agregar un poco más de peso a la progresión. Y otro aspecto que trae toda la vibra bendiga es no acordes mayores. Todo es esperanza en la ley. Tenga en cuenta que no hay inclusión importante en la progresión del núcleo. En cambio, estoy usando estos acordes suspendidos que van de vuelta a un acorde menor, E sus4 de vuelta a E menor. Entonces es como cuando sientes que podría ser alguna esperanza no hay porque va a menor y todo en general. Eso lleva este ejemplo de cuadrante menor a eCori llamada tonta y desesperada. Como se puede ver aquí. Esto es medio C. Así que prácticamente hay todo este fluido con un tono suave dinámico muy bajo que está por encima del medio C. Todo lo demás está alrededor del medio C y abajo, lo que nos lleva al color oscuro. Y bueno, por eso siento que este es el Jorg y sin esperanza y rango del cuarto menor. Y así te recomiendo que practiques encontrar diferentes colores emocionales en la mente grabaciones tú mismo ahora, empieza por crear una progresión de acordes y los instrumentos tocando estilos, rangos , articulaciones, colores para darle forma a cualquier tipo de cuadrante menor. Entonces por supuesto, hay más de estos tres ejemplos, pero al menos como punto de partida, se puede explorar con. 18. El cuadrante amistoso: Muy bien, entonces en este video vamos a echar un vistazo a los cuadrantes ambiguos de las emociones musicales, o cuadrante mixto si lo prefiere. Entonces no es menor ni mayor, sino una mezcla del tubo y a veces incluso un toque del cuadrante disonante. Por lo que he hecho tres colores diferentes dentro del ambiguo cuadrante. Yo llamo a esta nostalgia y recuerdos el primer ejemplo luego misterioso y soñador, y finalmente, amargo, dulce y esperanzador. Entonces empecemos con el primero. Suena así. Está bien, así que empieza aquí en la C mayor, por lo que tiene un sonido positivo mayor de anulación, pero con un toque menor. Porque si miras aquí, modales C a G eran 15. Y el acorde de cinco, acorde dominante es menor. Ese es un color mixolidiano, la mezcla al modo mixolidiano. Y eso es un poco de mezcla entre una vibra mayor pero con un toque menor. Entonces, además de eso, lo que lo hace nostálgico y los recuerdos tipo de vibra, color emocional es el templo lento. También tienes estas dinámicas de bajo rango, más suaves y más suaves, por lo que no es estridente y alto registro es muy baja dinámica. Y en el padrón inferior. Entonces tienes este violín solo traza la comida, cuidando el costo viola o la armonía. El bajo registro de comida con un legato y un poco de un vibrato en las notas largas como mucho de ese sonido más ligero. Y las cuerdas que son muy suaves y barredoras. Además con este piano calmante aquí. Mezcla entre un arpegio y un video compitiendo rítmico aquí en medio. Un sonido muy suave de esa manera también. El latón aquí es muy bajo. Creo que eso es justo al unísono con la base y octava arriba. Por lo que en general, no muy rítmico, más centrado en el solar largo en el jardín. Baja dinámica de registro. Tempo lento, el mixolidiano. Por el momento, T y escala. Un poco mayor, menor. Mayor otra vez, principalmente la vibra mixolediana con una dinámica baja, los pulmones alzando notas legato, el registro de carga, y el punto focal siendo el violín solitario y los fluidos aquí en el registro bajo o los fluidos para crear estos muy nostálgicos vibe. Entonces el siguiente ejemplo que llamo misterioso y rehecho y suena así. De acuerdo, entonces aquí en realidad tienes varias cosas pasando. En primer lugar, el estado de ensueño es del tempo lento, estos Bell de ensueño. Y básicamente este estilo de juego muy lento. Mucho aire y huecos entre los nodos dentro de ellos suenan así. Pero la parte misteriosa de ella proviene principalmente de comenzar en una clave mayor aquí, D mayor, D mayor acorde. Agrega un seis menor en la parte superior. Y realmente lo puedes escuchar aquí en la DRI y los cinturones son el sonido menor en la corte. Y luego sumar este seis menor. Está bien, lo oyes en el piano aquí también. Entonces empieza. Y también aquí vamos de un sonido mayor desde el inicio y después a un menor, un cuarto perfecto arriba. Entonces es un sonido importante. ¿ Qué hizo el tono misterioso? Y luego te conseguiremos menor entre el aire. Y luego a un elevador mayor. Después menores de edad otra vez. Y esta mayor, D mayor con un piso agregado 9, tan línea menor. Y la cadencia está en menor. Por lo que es mucho una mezcla entre la mayor y la menor pasando aquí. Y tienes de nuevo, estas notas largas, legato, transiciones, dinámicas bajas, y también enfocadas en el rango inferior con cuerdas suaves en la parte superior. Y realmente se puede escuchar aquí y guardería y quedarse agregado menor 6, lo que crea esta vibra misteriosa. Y el estado de ensueño viene del tempo bajo, el registro bajo, el aire y la brecha dejando que el sustain resuene en muchas notas en las articulaciones suaves también. Pero realmente lo puede sentir desde la progresión real del acorde, la historia armónica. Mayor menor, mayor, mayor menor. Y estos agregaron misteriosos intervalos para el más menos 6 allá y también una novena menor aquí arriba. Entonces ese es el segundo ejemplo. Misterioso y soñador. cierto, seguimos en el ambiguo cuadrante. Y veamos, aquí tenemos el ejemplo final, que yo llamo amargo, dulce y esperanzador. Entonces vamos a escuchar cómo suena esto. De acuerdo, entonces tiene este color muy amargo, dulce , melancólico, emocional. Sigo reseca como esa vibra de esperanza. Y también te ha hecho sentir pasando también. Tan ambigua, mezcla de color emocional entre mayor y menor. Se inicia en una menor, pero luego de inmediato va a un acorde mayor aquí. Entonces y luego encima de eso, tenemos si F mayor siete. Y si sientes que el tempo también es realmente lento. Y en realidad es lo que más pasa en los primeros Nodo CRC, cómo la comida, violencia y el bajo y el piano, realmente los inicios parte. Entonces empieza a disminuir la velocidad. Se notas más largas. Y el piano realmente se encarga. El acorde cambia principalmente. Simplemente sueno ninguna política. Y entonces, oh sí. Entonces la parte final ahí donde rematamos en un menor, pero en realidad yendo de los cinco acordes E menor a un mayor o un mayor elevación como ese aspecto esperanzador archivo de esta progresión de acorde. Y si escuchamos sólo la parte de progresión como las cuerdas suaves y la otra sección de cuerdas aquí. Y el piano. Tiene estos sonido muy romántico, dulce a la misma. Y por eso siempre amargo porque todavía tiene mucho campo menor, sobre todo desde que empezó la clave menor. Y como este F mayor séptimo acorde, que tiene este séptimo mayor, ya sabes, el intervalo más viejo, extraño intervalo sonando de atención en él, y luego va directamente a un séptimo menor acordes son mucho menores campo ahí. En realidad un menor de edad. Pero entonces empieza a elevarse a tu vecino aquí, pero G y F. Y se remonta a ti, la extraña séptima mayor agregó y luego E menor. Por lo que empezando a sentir de nuevo esa tristeza. Y luego empuja a una mayor en su lugar como cadencia final. Entonces es que esos son tres ejemplos de lo puedes hacer en el barrio ambiguo y nostálgico y recuerdos, misteriosos y soñadores y amargos, dulces y esperanzadores. 19. El cuadrante disonante: Ahora mismo en este video, vamos a explorar tres ejemplos diferentes del cuadrante disonante de música, emociones o cuadrante de tensión si quieres. Entonces creé estos tres ejemplos, oscuros y espeluznantes, caóticos y poderosos, y ominosos y malvados. Empecemos con el primero. Suena así. Entonces, ¿qué hace a este idiota y espeluznante? Bueno, por supuesto, estamos jugando principalmente en el rango inferior. Si tan solo excluyes el piano, por ejemplo. O un rango de color dork y cálido para los sonidos y las notas o en el rango inferior. Y también estamos usando solo acordes menores a lo largo de todo, como se puede ver aquí, G menor, G menor con un séptimo mayor en la parte superior y ya sabes, el séptimo intervalo mayor cuando se agrega eso, se suma mucha tensión por lo cerca que está de la octava perfecta. Y como solo estamos usando acordes menores, algunos de estos deberían haber sido acordes mayores. Si estás en una clave menor adecuada, pero con algunas modulaciones ahí, como tomar prestados acordes de otro modo, puedes simplemente ir y usar cada acorde como lo he hecho aquí. Otra cosa es que estamos tocando en un tempo muy lento. Y básicamente el único movimiento rítmico real es el piano y la base. Pero realmente se obtiene esa vibra espeluznante del menor a único menor es un menor, menor, mayor séptimo y el menor en el quinto. Y entonces la a debería haber sido mayor si estamos en G menor, comenzó clave aquí, pero en realidad es menor. Entonces entré todo en el minero para crear este sentimiento muy oscuro. Y si echan un vistazo a lo que están haciendo los instrumentos aquí, Vamos a revisar todas las cuerdas. Entonces estas pistas aquí entran y echan un vistazo. puede ver que están jugando así, así, y una dinámica muy baja todo y todos, cada pista aquí tiene su propia curva dinámica. De la gama muy baja a la media baja para Dynamics. Y si quitamos y solo escuchamos todo lo demás menos el piano, bajo. Y realmente escucha cómo el enfoque está en nodos muy largos, barridos, volantes, dork en el registro inferior. Y de nuevo, si solo le das un vistazo a la, lo que hacen, intervalos cortos, cerca de la voz que conduce para hacerlos barrer entre sí, cada voz en la progresión del acorde. Y como se puede ver, estos extra menor séptimo año realmente suma mucha tensión. Entonces obtienes este tono aquí. Los mineros entonces a un asunto. Pero todo el uso de acordes menores de esta manera puede crear un aspecto muy oscuro y espeluznante. Por supuesto, son sus puertas en una llave menor. El siguiente ejemplo que tengo es en realidad, es caótico y poderoso. Entonces aquí fui con un 6, 8 firmas de tiempo. Contrato un cabezal la primera vez que realmente cambio tiempo Centro de 44. También opto por el tempo, veamos qué es. Son 100 en su lugar. Y fue con un estilo de juego mucho más rítmico, especialmente campos en las cuerdas aquí. Y la progresión del acorde es en F menor. Y en realidad soy heroína empezando en ti algún curso disminuido. Y canchas disminuidas son canchas de muy alta tensión. Entonces si echan un vistazo aquí, allá, aquí, no hay un acorde mayor dentro. Sólo acordes menores e incluso acordes disminuidos, que lo hace muy oscuro, muy poderoso. Pero de dónde viene un aspecto caótico. Por lo que es muy potente ya que tenemos estos poderosos modelos, más articulaciones atrapadas aquí en el principio para después iniciar la cetosis. Por lo que más cuartos o acento o reglamentos muy audaz. Los cuernos juegan esta acentuada clase de leones. Creo que estoy usando una especie de alguien aquí para Totto. En realidad. Apuntes tan muy audaces. Y se escucha el aliento en la parte inferior aquí, en realidad en Octavio para hacerlo aún más poderoso. Whoops. Esto todo está en el rango inferior básicamente excepto los pocos en el rango medio aquí, alrededor de C4 y soplar para este staccato cuerdas. Y si tomas una escucha a las armonías aquí, el presidente Biola tocando en octavas. Entonces, ¿qué lo hace tan poderoso? Bueno, menos que éste, éste y éste, todos, esto es de latón de octava completa en capas con SaaS de poca profundidad y viola en realidad Para, bueno, puede decir que este es el motivo principal, pero también hay una hormona en nota en ahí. ¿ De acuerdo? Pero lo hace muy poderoso. Y entonces el aspecto caótico viene no sólo de las caóticas modulaciones aquí en las progresiones acordes para conseguir todos estos acordes menores. También del sonido disminuido y este grupo de acción rítmica. Y como es un 68, ella podría broncearse, broncearse, broncearse, muy poderosa. Y el caos de la progresión armónica así como de este surco realmente lo hace muy poderoso, malvado jefe tipo de vibra. Y el último ejemplo, volví al 44, es ominoso y malvado. Entonces si bien esto es un mal caótico y poderoso, más orientado a la acción el mal, esto es más ominoso como pensar en las mandíbulas, la película más aterradora cuando, cuando está muy oscuro y esperas a que salgan los malvados monstruos. Bueno, suena así. De acuerdo, una especie de prisa, ominosa y muy malvada. Entonces lo que estoy usando aquí, principalmente para este súper mal, Tony es un gran foco en el segundo menor, D a C agudo, G agudo, a, y así sucesivamente. Y si comprobamos la base y los poco profundos, creo que solo juego una octava, así que sólo más, más poder. Se puede ver el microsegundo moverse aquí y de vuelta otra vez, aquí. Y entonces aquí lo puedes ver al final. Por lo que esta es muy mala apertura almacenada. Y aquí realmente se oye lo que también uso aquí es muy grande hinchas dinámicas subiendo aquí, sobre todo aquí, y luego abajo otra vez y arriba y abajo, sobre todo aquí en las tres primeras notas. Y luego añadí esto. Ahí, esta capa de cuerno, también octava. Entonces creo que sí siempre que todos queremos capa de sonido muy enfocada, potente al unísono y sobre todo en octavas, y sobre todo en rango bajo como este. Y hacer mucho contraste dinámico con escribir la curva dinámica. Entonces obtienes este sorprendente movimiento ascendente ahí. Y otro aspecto de lo que hace que sea muy espeluznante, en mi opinión es que siempre he encontrado clavicémbalo para agregar una especie de vibra de vampiros espeluznantes, sobre todo cuando lo usas con estos cambios disonantes de acordes. ¿ De acuerdo? Y luego agregué la campana de ensueño, porque campanas, usamos sonidos de campana cuando tienes una puerta muy baja, sin hogar, cuerdas bajas, tipo de instrumentos de latón bajo, tiene esa inocente e inocente vibra de la campana, lo cual es muy espeluznante porque es como si no, está fuera de lugar. Se puede escuchar esto en mucho como todas las películas de terror. Y luego un gran oleaje al final ahí con un poder mancomunado, el Octavio, una estratificación ahí. Por lo que muy ominoso y mal sonando enfoque mayor en, un enfoque muy grande en estos segundo movimiento menor y súper gran contraste en curvas dinámicas, así como la dicotomía de la campana entre versus todos estos instrumentos enfocados de bajo rango, bases y sombras y casas bajas. Y este clavecín muy espeluznante encima de todo. Es decir, esos son tres ejemplos diferentes de colores dentro del cuadrante disonante. Dork y espeluznante, caótico y poderoso, más campo de acción y ominoso y malvado. Así que adelante y experimenta con todo esto para los cuadrantes de emoción de la música. Acabo de hacer tres ejemplos de cada uno. Pero puedes ir en cualquier dirección que quieras mezclar y mezclar entre ellos. Pasa de súper feliz de Feliz a más oscuro de oscuridad y alta tensión y todo lo que hay en el medio. 20. Avengers tema principal: Muy bien, entonces ahora vamos a analizar los aspectos emocionales desde el tema principal, desde los Avengers main owned end el juego que se llama. Entonces, empecemos con escuchar. Voy a hacer una pausa como expliqué, los aspectos emocionales. De acuerdo, Entonces empieza en realidad en el cuadrante mayor 4, esa vibra de Victoria. Entonces creo que estamos en G0. De acuerdo, Así que es mayor, mayor, muy importante aquí mismo. Y luego continúa todavía la hierba pelota ahí. Y entonces yo transición hacia ti. De acuerdo, así que un ascensor, sube aquí. Se suben las voces y se obtiene algún símbolo. Choques realmente amplifica el poder emocional para esa vibra de Victoria. Aún más. Llévala una muesca. El bronce responde y empieza a jugar esa fanfarria como estilo de juego. Aquí viene más. Por lo que esas fanfarrias, estilo de juego de bronce realmente saca en Royal noble vibe. Casi como si aquí se estuviera coronando un rey. Vibra tan victoriosa con la vibra noble real. Y aquí llegamos de la fanfarria a esas notas de transición calvas acentuadas es como Lee Sin arriba ahora es la música diciendo aquí, importancia de base. De acuerdo, Entonces volvamos a repetir esa vibra victoriosa mayor. Muy mayores están señalando. Y otra vez, esa transición acentuada. Notas calvas, largas con más CO2, notas grandes, poderosas. Transición súper acentuada. Así. Esas notas de marcato realmente saca a la luz estos superpoderes de estos héroes. Ahora estamos escuchando que algo nuevo se acerca y te da un poco más de emoción. Esas cuerdas staccato agregan alguna unidad. Y esto es importante. El track va, el tema va de ese G mayor, el cuadrante mayor a una clave menor en realidad. Por lo que E menor. Pero como pueden ver, estamos con ADC, E menor, pero va de E menor a C, luego a un. y eso a es en realidad un modo dorian. No forma parte de la escala menor de EMA. Y luego va a C mayor. G mayor es todos los acordes mayores esperan excepto que E menor. Por lo que tiene ese núcleo emocional, pero saca mucho de esa vibra victoriosa todavía. Y tenías un dato, datos, datos, datos. Esas cuerdas staccato es agregar un poco de impulso y emoción. Pero el tema principal son esas audaces, poderosas notas marcato para el tema principal y la melodía, que realmente lo lleva a eso. Conoce tanto superhéroe potente vibra. Y se oye que el aliento es pesado en el bronce aquí trae ese poder y también algo de emoción al impulsar la dinámica aquí. Por lo que tenía el pecho realmente abriendo la práctica. Por lo que la repetición sobre mantener. Y la segunda vez que escuchas esa respiración abre el brillo y la dinámica. Y luego un giro aquí al final con los cuernos. Y eso agrega una especie de vibra que, vale, Así lo hicimos, pero la historia no ha terminado y entra en la transición final de n. repetición del tema principal. Aquí. Se detiene abruptamente, abruptamente el tema principal y entra en esas acentuadas puñaladas excitación. Yo los llamo en la NBA. Escúchalo, es, casi está llamando a estas historias solucionador. Pero, ¿qué vendrá después? Se espera que continúen con eso. Es casi como poner en la música que van a más películas de Avengers O películas de superhéroes en esto, en este mundo. Entonces ese es el análisis emocional del tema principal on end de la película final de Avengers Endgame. 21. LOTR - el tema de Shire: Ahora vamos a analizar los aspectos emocionales de la Comarca, un tema del Señor de los Anillos. De acuerdo, entonces lo primero, está muy enfocado en la renta récord mayor por esa vibra edificante y positiva. Entonces tienes D mayor, G mayor, una mayor, vuelta a D mayor, y una menor mayor. Y luego vuelve a dar la vuelta. Y tienes estos solu muy expresivo, comida jugando en una vibra mayor por ese tipo de vibra alegre y simple. Sigamos. Pon a prueba ese tipo de vibra dulce e inocente. Y luego transiciones en la frase corta de violín en solitario de hoy CSU vía esos descansos, esas pausas en el medio, y esas articulaciones de frases lúdicas. Imprime este juguetón infeliz al transitar transitara esta sección de cuerdas completa, que para mí, crea un sentido de los Hobbits, el amor por la vida y el exuberante paisaje. Por lo que son exuberantes, sexuales de cuerda completa, románticas idealmente proporcionan para que esa vibra juguetona, pero sube a la transición en la de hoy. Estas largas notas en la transición, que es una especie de pausa y reflejo del momento. Eso es sólo tomarlo. Y luego volver al ritmo staccato. Cuerdas. Este clavecín, creo que sí. Y luego encima de esta cuerda y ritmo de staccato, obtienes la comida de staccato. Muy juguetón. Otra vez. Piensa en la vibra de coordenadas mayores. Desde entonces cambiar entre esa dulzura exuberante y la alegre alegría. Nuevamente volver a alegre, juguetón. Al igual que realmente están disfrutando de la vida sencilla aquí en la Comarca. Y luego transita una vez más hacia este final, que es el Soul Food, muy expresivo. De verdad. Siente esa alegría pero aún así esa completa inocencia. Y qué hermoso era simple y virgen Cordero en el cielo. Realmente asentándose, resolviendo, llamando estilo a las cosas. Y eso es un, ese es el Señor de los Anillos, El tema de la Comarca. Ese análisis emocional. 22. El León: Empezaré tocando un poco del tema y luego haré una pausa mientras explico cada punto aquí que contribuye a las emociones. Por lo que esto es solo ofrecer más fosas han muerto. De acuerdo, entonces ese comienzo es importante. Séptimo arranca, así es como en E menor. Pero en lugar de tener el octano aquí, vas del octano al séptimo mayor. Y ese es un intervalo muy extraño y viejo, sobre todo en una menor ya que es nota no diatónica. Por lo que añade un poco de confusión, símbolos confundidos aquí. Entonces aquí realmente puedes sentir que las armonías, los acordes y armonías, o fuertemente ponderadas al cuadrante menor 4, esa vibra triste, emocional. Entonces tienes un menor, tienes B menor, tienes E menor aquí. Y así sucesivamente. un par de tribunales mayores, por supuesto, pero definitivamente en el cuadrante menor. De acuerdo, Entonces también escucharás que lo es, tiene arreglo muy mínimo. Es solo un poco de quires, cuerdas. Y luego escuchas entrar la flauta y tienes una muy lenta. Entonces eso agrega, el arreglo mínimo se suma a esa vibra solitaria. Y un tempo lento lo hace muy gentil. Y ahora escucha esta expresiva flauta solista que realmente se siente como La inocencia y el momento frágil, tanto el momento como el propio Simba. Y tenía para la primera parte con un arreglo de cuerdas en la parte superior del, detrás de la expresiva comida soul. Yo diría que tiene un peso calvo del momento tipo de sensación. Y ahora es una transición hacia la segunda parte donde la cuerda se toma más expresiva. El Ártico está jugando estilo para un empuje emocional. Algunos más vibrato, movimientos más dinámicos. Aire expresivo súper emocional. Entonces es como él, él, cuando intenta despertar, mueve fosa y no te des cuenta jet que está muerto o no quiere darse cuenta. Y ahora la parte final es donde las cuerdas más altas se hacen cargo, se quitan las cuerdas bajas. Es casi como moverse más rápido, ahora han muerto. Real. Cbo se ha dado cuenta de esto. Y sólo son las cuerdas altas y los vientos altos. Y realmente sientes que parecen compras ahora entran a ese estado de tristeza y dolor. Vientos carpinteros súper emocionales aquí. Los intervalos menores. Y la precaución distante es como recuerdos lejanos. Tan mínimo, tan expresivo. De acuerdo, entonces terminaré aquí porque transita hacia la siguiente pista de la banda sonora. Pero ese es mi análisis para las emociones de la música del MOOC. Fossa muere tema del Rey León. 23. Felicidad: Enhorabuena mi amigo. Ya has aprendido los fundamentos básicos, las técnicas y lineamientos avanzados. Las hormonas son sonidos, colores, estilos de juego, y pérdida de formas creativas de dar forma a las emociones a través de tu tienda de música. Te recomiendo que ahora actúes sobre todo lo que has aprendido en este curso, y vuelve a ver las lecciones si escribes. Pero lo más importante es que practiques cada aspecto que quieres dominar verdaderamente en tu DAW y con tus instrumentos porque nada mejor que aprender de hacer. Entonces. ¿ Qué emociones crearás en tus historias musicales? Mi nombre es Mike, y les deseo mucho éxito en su viaje y música.