Acuarela para principiantes: cómo abordar los paisajes (parte 3)

1. Introducción: Hola y bienvenidos a mi estudio. Mi nombre es Rachel Bradwell y soy profesora de arte aquí en cuota de habilidad. Bienvenido a la tercera parte de acuarela para principiantes. En esta clase, construiremos sobre las aplicaciones y conceptos básicos que aprendimos en las partes 12 y comenzaremos a explorar algunas estrategias simples para pintar paisajes con acuarela. Todas las pinturas acuarelas, no importa cuán aparentemente complejas se construyan sobre aplicaciones simples y variaciones en valor y bordes. Y ahora también veremos alguna teoría del color para crear una sensación de profundidad en nuestros paisajes. Muchos nuevos artistas se sienten intimidados dibujando para sus pinturas. Pero en este curso te voy a mostrar que estás dibujando no necesita ser complejo o incluso terriblemente preciso para crear hermosas pinturas de acuarela empezarán el curso mirando algunas pinturas de acuarela de los maestros para ver cómo usaban técnicas y conceptos muy simples para crear obras increíbles. Después aplicaremos estas ideas a nuestras propias pinturas, todo al tiempo que enfatizamos un enfoque suelto y lúdico. Al igual que en las partes 12, utilizaremos un conjunto minimalista de materiales para explorar estos conceptos. Los proyectos de este curso avanzarán de simples a poco más complejos. No obstante, enfatizaré el uso de técnicas básicas a lo largo del curso porque así podemos crear pinturas que parezcan avanzadas. Para el proyecto capstone, comenzaré a mostrarte cómo hasta la representación más básica de figuras humanas puede darle un sentido de contexto y narrativa a tu pintura paisajística. Esta clase es la tercera parte de mi serie sobre acuarela para principiantes. Así que asegúrate de echar un vistazo a las Partes 12, y recuerda seguirme aquí en acciones de habilidad para que se te notifique cuando publique más cursos. Muy bien, vamos a Painting. 2. Una sonido de acuarelas de acuarelas por los maestros: Antes de empezar a pintar hoy, quiero tomarme un par de minutos solo para hacer una rápida encuesta de algunas pinturas de acuarela de maestros artistas. Entonces voy a pasar por unas diapositivas. Estos no están en ningún orden particular. Fui a Wiki art.org para conseguir estas imágenes. Y así verás que el nombre del artista está terminado a la izquierda en la parte inferior, y luego el título del cuadro está a la derecha. Pero lo que voy a hacer es ir por algunas de estas pinturas acuarelas y voy a acercarme sólo para llamar su atención sobre algunas cosas que creo que hacen que estas pinturas acuarelas sean muy interesantes. Y también quiero señalar algunas de las técnicas básicas que hemos aprendido y cómo se aplicaron a estas pinturas. Y la gran comida para llevar que espero que obtengas de esto es lo simples que pueden ser estas aplicaciones. Y así la pintura acuarela realmente no debería ser nada intimidatorio que te haga temer cometer errores. Realmente debes acercarte a la pintura acuarela desde el punto de vista de solo divertirte y relajarte. Entonces, vamos a acercarnos aquí en este cuadro. Y lo que quiero que veas es lo simples que son estas formas. Ahora creo que este artista probablemente combinó Inc, tal vez con su acuarela. Pero miren todas estas cifras ahora, de nuevo desde la distancia. Podemos ver claramente que se trata de una multitud de personas viendo una carrera de caballos. Pero si prestamos más atención, podemos ver lo sencillo que es esto, incluso hasta el punto de que este caballo es verde. Y sin embargo esa forma básica de esas piernas que son un poco extendidas y el jinete en la parte superior. Acabamos de obtener esa impresión general de un caballo. Y lo mismo con estas cifras, podemos ver algunas indicaciones de paraguas. Pero realmente cuando miramos estas cifras, son sólo un montón de líneas, casi figuras de palo. Por lo que espero que lo tengan en cuenta a medida que avancemos por este curso. Porque incluso una composición de aspecto muy compleja y tal vez intimidante se puede simplificar de esta manera. Ahora quiero que presten atención en este cuadro de John Singer Sargent, a quien creo que mucha gente pasa por alto el hecho de que hizo muchas pinturas acuarelas porque es más conocido por sus pinturas al óleo. Pero era una acuarela muy prolífica la pinta y así que te animo a revisar sus pinturas acuarelas. Lo que quiero que se den cuenta aquí es que el rostro de esta mujer, es casi inexistencia. Es muy impresionista. Es mucho solo un indicio de sombras. Y eso es suficiente para que podamos leer eso como una fase. Y luego si nos fijamos en algunos de los trazos que aplicó en el agua, muy, muy sencillos y sin embargo da esa indicación de ondas en el agua. Y son estas aplicaciones sencillas y básicas de la pintura las que realmente nos involucran y hacen que nuestras pinturas sean muy interesantes. Aquí hay un cuadro que realmente, creo que lee como muy tormentoso y oscuro. Y sin embargo, cuando realmente lo miramos, simplemente no hay mucho aquí para indicar lo que está pasando, pero obtenemos esta sensación general de estado de ánimo y energía. Y todo eso se crea a través de muchas de estas aplicaciones de lavados húmedos en húmedos, permitiendo que los colores realmente se fusionen de maneras inesperadas. Se siente muy caótico y enérgico. Y por canotaje casi. Y sin embargo, este artista no tuvo que usar mucho secado literal o indicaciones de un paisaje o una C que sólo lee como tormenta sobre algunas aguas muy activas. Ahora bien, este es un artista interesante, y creo que todos reconocemos a Mondrian de esta obra aquí a la derecha con las rejillas y los cuadrados en los colores primarios. Y creo que mucha gente da por sentado a este artista y no entienden del todo lo que intentaba lograr. Ahora, los cuadrados y rectángulos y rejillas. Esas fueron sus obras posteriores. Sus trabajos anteriores eran más así y hacía mucho trabajo en acuarela. Entonces le tiré algunas de estas imágenes extra solo para mostrarte cómo evolucionó como artista y cómo vio el mundo. Y creo que se puede empezar a ver que en algunas de sus pinturas donde empieza a mirar el mundo a través de las rejillas naturales que se crean. Pero también hizo muchos de sus estudios y pinturas en color agua. Y se puede ver que se acercó a lo muy diferente. Entonces este artista, este artista, creo que fue más expresivo. Estaba un poco más controlado con su acuarela. Y vamos a ver mucha variación entre estos artistas en sus técnicas y su acercamiento a este medio. Y tiré este cuadro aquí solo para mostrarles cuánta información se puede comunicar con sólo unos cuantos golpes. Por lo que podemos ver claramente que se trata de una pintura de algunos árboles estériles. Y esencialmente el papel se acaba de dejar como está para indicar nieve. Y sin embargo comunica tanto. Entonces una pintura acuarela no es cuestión de pasar horas detallando meticulosamente todo lo que se ve en un paisaje. En realidad se trata de dar una impresión y crear un estado de ánimo. Esto es del mismo artista y lo incluí porque obviamente la pintura es muy bonita y minimalista. Pero también contraste eso con el muy largo título que le dio a este cuadro, que es Huellas en la Nieve junto al nuevo par en el río Cooper. Y sin embargo la pintura en sí es tan minimalista y sin embargo lee como un paisaje nevado. Y luego aquí hay un estudio de paisajes monocromáticos. Y vamos a estar haciendo una de estas en esta clase porque realmente quiero enfatizar nuevamente lo importante que es pensar en el valor y el control de bordes en acuarela. Aún más que el color porque realmente podemos comunicar una composición muy efectiva justo a través del valor y nuestros bordes. Y realmente no tenemos que preocuparnos demasiado por el color. Podemos como que dejemos ir eso. No necesitamos preocuparnos de emparejar colores con lo que observamos ya sea en una referencia fotográfica o si estamos pintando desde la vida, es realmente más importante enfocarnos en tus valores y tus bordes. Aquí te dejamos un cuadro de Anders Zorn. Es otro artista impresionista cuyo más conocido por sus pinturas al óleo. Pero sí hizo muchos de sus estudios en acuarela, y son muy bonitos. Y lo que quiero que noten aquí es el contraste entre el gran cielo brillante, el lago que está reflejando ese cielo, y luego realmente sólo un poco de pincel seco sobre las zonas que indican masas terrestres. Y no quiero acercarme porque sé que se trata de una foto que en realidad es una resolución muy baja. Yo lo haré, voy a acercar un poco, pero se puede ver que tenemos una impresión de muchos barcos en el agua, algunas estructuras en la tierra, algunos árboles, pero todos estos son realmente creados por tropezar y pincel seco y usar valores oscuros en lugar de entrar y dibujar meticulosamente cada elemento. Aquí hay otro cuadro que casi está ribeteando en ser más realista. Y sin embargo es muy sencillo. De hecho, si nos fijamos sólo en el fondo, realmente podemos ver tres valores principales. Ahí está ese valor de luz del cielo y luego hay dos valores que crean esas montañas distantes. El tigre es realmente una especie de solo algunas salpicaduras de naranja, algún valor más ligero mostrando a través. Y luego se le da estructura al tigre agregando estas marcas más oscuras en la parte superior. Y luego tenemos alguna técnica de pincel seco en primer plano para darle un poco de textura. Y hace una pintura muy efectiva, pesar de que en general es muy simple. Aquí hay otro cuadro que creo es un gran ejemplo de cómo podemos simplemente divertirnos con nuestra acuarela y no preocuparnos demasiado por tener dibujos perfectos y ser muy detallados. Echemos un vistazo a estas figuras en este cuadro. Se puede ver que, quiero decir, realmente estas son básicamente figuras de palo pintadas con un pincel. Muy sencillo. Y sin embargo cuando estamos viendo la composición en su conjunto, es muy evidente que se trata de una composición poblada de mucha gente que le tiene mucha actividad y energía. Y sin embargo aplicaciones muy, muy simples. E incluso los árboles a lo lejos, se puede ver lo simples que son. Entonces muchas veces con la acuarela, y por supuesto va a depender tus ambiciones como artista y de lo que es importante para ti. Pero creo que lo que espero que obtengas de esto es una mentalidad muy relajada para saber que una composición se une en su conjunto. Y no vas a ser juzgado por tu capacidad para replicar elementos en la vida en un dibujo que luego pintas encima de él. Es mucho un medio despreocupado y creo que deberíamos abrazar eso. Aquí hay una pintura más realista y sí, quiero llamar su atención sobre lo general simple que es. Veamos sólo los colores de este cuadro. Es básicamente un montón de verdes, algunos amarillos, y un poco de calidez aquí mismo en el granero para dar un poco de contraste. Pero creo que la forma en que esto probablemente fue pintado fue con sólo un montón de salpicaduras de verde y algunos lavados ligeros, muchos bordes suaves. Y entonces el artista podría venir más tarde y agregar algunos de los trazos de pincel secos más oscuros para darle más textura. Por ejemplo, a los detalles del granero, a los troncos de los árboles. Esas son cosas en las que probablemente todos estamos agregados hacia el final del proceso de pintura. Y si miráramos esto antes de que se añadieran esos, y creo que lo que veríamos es sólo un montón de salpicaduras de verdes y amarillos, algunas variaciones entre los valores. Pero realmente en general, una pintura muy abstracta. Aquí hay una hermosa pintura que realmente abraza bordes suaves. Por lo que el artista ha optado por minimizar realmente cuántos bordes duros tenía en este cuadro. Entonces veamos aquí donde sólo vemos el cielo fusionándose con esas colinas y picos distantes. Pero entonces aquí tenemos un pico que está rompiendo a través de esa neblina. Y así eso llama mucha atención hacia sí mismo. Es muy bonito. Abajo en el agua tenemos bordes más suaves y después tenemos apenas unos bordes duros muy pequeños creo que eso indican un poco de actividad humana en primer plano. Pero simplemente no hay suficiente detalle para que realmente determinemos lo que está pasando. Y sin embargo le da mucho contexto a esta pintura. Aquí hay otra acuarela de John Singer Sargent. Y realmente está pasando aquí lo mismo que vimos en el otro cuadro de la mujer en la góndola. Por lo que claramente podemos ver que se trata de un cuadro de la Esfinge. Y sin embargo cuando miramos muy de cerca la cara, No entró ahí y trató de pagar en los ojos, la nariz, la boca y hacer que pareciera un retrato de la Esfinge. Lo dejó muy general. Y creo que eso simplemente realmente suma mucho interés a un cuadro porque activa nuestras mentes. Nos invita a tipo de participar en la pintura. Y de nuevo, creo que esa es una gran manera de pensar acerca de acercarse a un cuadro, saber que no es todo en ti como artista deletrear todo para tu espectador. Porque como espectadores nos gusta mucho estar comprometidos con el arte. Nos gusta que haya un poco de misterio. Por lo que debes usar eso como una especie de permiso solo para estar muy suelto y caprichoso en tu enfoque. Aquí hay una hermosa pintura. Y quiero que veas que realmente hay tanto contraste en valor aquí y mucho contraste y bordes. Entonces si miramos al cielo, podemos ver muchos bordes suaves. Y luego mientras el artista está construyendo más del primer plano de este cuadro, está usando valores más oscuros, bordes más duros. Y otra razón por la que incluí este cuadro es en realidad porque obviamente es una pintura de un arco iris. Pero se ve. Ah, se desvaneció y pálido y podría preguntarse por qué el artista lo pintó de esa manera. Bueno, supongo que probablemente lo hizo. Probablemente usó algunos colores muy brillantes para ese arco iris. Pero una cosa a saber sobre la pintura en acuarela y los pigmentos de color del agua es que muchas veces estos colores más brillantes, vívidos, tienden a ser más fugitivos en cuanto a su C permanente, lo que significa que se desvanecerán con el tiempo. Y creo que eso es probablemente lo que pasó con este arco iris. Por lo que es importante prestar atención a la calificación C permanente en las pinturas que elijas. Sé que cuando empecé a pintar acuarelas y estaba usando pigmentos de grado estudiantil muy baratos. He notado que esas pinturas que aún tengo años después se han desvanecido a casi nada. Entonces es realmente importante prestar atención a eso porque podrías pintar algo que realmente amas. Y con el tiempo puede desvanecerse si no le pones atención a la calificación C permanente de tus cuadros. Pero para algunos pigmentos que no se pueden ayudar, Hay algunos pigmentos que sólo van a ser fugitivos muy alta desigualdad que compres. Aquí hay otro cuadro creo que muestra mucho contraste increíble entre los bordes suaves, sobre todo en el cielo. Todos estos colores simplemente fusionándose esos acantilados distintos realmente crean un borde suave entre el cielo, permitiendo que aparezcan más atmosféricos, un poco más nebulosos. Y luego a medida que nos movemos al primer plano, tenemos algunos bordes más duros, algunos valores más oscuros. Pero también note lo simplistas que son estas cifras, incluso la cifra que más está en primer plano. Es muy simplista. Y sin embargo, cuando miramos la composición en su conjunto, aros, podemos ver que esto se está uniendo y que tenemos toda esta actividad humana, a pesar de que ninguna de estas figuras se dibuja en detalle ni se pinta de manera detallada. Aquí hay otro cuadro que quería mostrar apenas cuatro, realmente su sencillez porque cuando pienso en deconstruir este cuadro, lo que veo son salpicaduras de amarillo, verde y naranja. Y luego una vez que todo eso se dejaba secar, entonces el artista pudo entrar y en realidad agrega los troncos y las ramas de estos árboles más tarde. Y así es importante saber que eres, pinturas acuarelas casi siempre van a empezar a ser muy abstractas, muy suaves. Y vamos a sumar estructura y nuestros valores más oscuros a medida que avancemos. Aquí hay otra pintura que creo realmente muestra lo simplista que debe ser el dibujo para una pintura de acuarela en general. Quiero que notes todos estos bordes suaves en estos árboles distantes. Todos estos árboles se están fusionando un poco. La calefacción entra y trata de pintar cada árbol individual uno del otro. Acaba de entrar y permitió que estos colores se fusionaran. Y luego creó una mirada más distinguida cuando posteriormente añadió los troncos y las ramas de los árboles. Y también nota cómo permitió que esas ramas se rompieran donde las hojas se solapan. Y eso le da un sentido orgánico, natural realmente agradable. Por lo que la pintura general. Y notar también en la reflexión que no tuvo que copiar exactamente cada marca que hacía en los árboles hacia abajo en el reflejo. Realmente lo que buscamos son solo indicaciones generales, impresiones generales, en lugar de ser muy meticulosos en nuestros dibujos. Y luego para contrastar con muchos de esos otros cuadros, tiré éste porque es muy, muy detallado, muy bien renderizado. Esto tiene mucho cepillado seco en él. Y obviamente el elemento de secado en esta pintura es mucho más fuerte. Y de nuevo, va a depender de tu estilo personal y cuáles son tus objetivos como artista en cuanto a cuánto detalle quieres, qué tan preciso quieres que sea tu dibujo, porque realmente puedes ir en cualquier dirección. Pero te animaría, aunque tu objetivo final sea ser un pintor muy realista, que te acerques a la acuarela con una mentalidad muy despreocupada porque al final se va a acumular mucho del realismo en una pintura. Y realmente ayuda tener más de una base despreocupada para cualquier pintura acuarela. Y creo que se puede ver aquí dentro, ya sabes, allá, hay algunas marcas sueltas, sobre todo a lo lejos. Seguro que empezó con un lavado ligero muy bonito de bordes suaves. Y luego construyó toda la estructura encima de esa fundación. Y entonces el último cuadro que quiero mostrarles es solo un gran ejemplo de pintura negativa. Entonces como dije antes, en esta serie, cuando estamos pintando en acuarela, nos acumulamos a partir de nuestros valores más claros y luego trabajamos a la altura de nuestros valores más oscuros que pueden presentar un poco de reto cuando se tiene un fondo que es más oscuro que el primer plano, significa que vas a estar pintando alrededor de los elementos que están en tu primer plano. Y eso es exactamente lo que está pasando aquí. Entonces para todos estos globos iluminados son lámparas aquí, todos ellos fueron pintados en primer lugar, y luego los valores más oscuros se agregaron en realidad alrededor de esos bonitos colores brillantes. De acuerdo, así que eso es todo para nuestra encuesta de acuarelas maestras. Y sigamos adelante y entrémonos en la pintura. ¿ Deberíamos? 3. Proyecto 1: estudio del valor y el borde del borde: El primero que vamos a hacer hoy es un poco de valor de warmup y estudio de borde basado en algunos de los principios que habíamos aprendido en el curso anterior. Y te voy a mostrar cómo realmente puedes simplificar cualquier tema y entenderlo mejor haciendo primero un simple estudio de valor y borde. Entonces aunque tengas bastante experiencia con la pintura, pero te sientes intimidado por cierto tema, realmente te recomendaría empezar de esta manera donde solo estás usando un color y solo estás trabajando en entendiendo esos conceptos tan importantes de valor y bordes. Porque de nuevo, eso realmente compensa tanto de lo que es la pintura acuarela. Y si puedes descomponer una composición en esos principios básicos, entonces realmente la vas a entender mucho mejor. Y no tendrás ese factor de color arrojado en la mezcla de inmediato. Eso puede hacer que la toma de decisiones sea un poco más difícil. Por lo que me gusta hacer mis estudios de valores en azul sólo porque obtengo un rango más completo de valor, puedo ir muy oscuro con él, y también puedo ir muy claro. Por lo que nunca haría un estudio de valor con decir, amarillo, tal vez leer. Pero simplemente no vas a conseguir los valores más profundos. Y de hecho, en este cuadro, cuando necesito mi valor más oscuro, voy a encontrar que ni siquiera mi azul es lo suficientemente oscuro. Por lo que en realidad voy a añadir un poco de rojo ahí dentro sólo para oscurecer un poco ese valor. Entonces aquí estoy empezando con mis valores más ligeros y mis bordes suaves. Y cuando estamos pintando paisajes, Una cosa en la que siempre queremos estar pensando es la perspectiva atmosférica. Y con perspectiva atmosférica, típicamente lo que vamos a ver es que nuestro valor más ligero en la composición va a estar en el cielo. Eso es cierto casi todo el tiempo, claro, excepto si estás pintando un Nocturne, que es una pintura de paisaje que pintas con un cielo nocturno. O si tienes un cielo muy tormentoso con muchas nubes de tormenta que tu cielo, tal vez más oscuro que otros elementos del cuadro. Pero en su mayor parte, si estamos haciendo una escena diurna, nuestro cielo va a ser nuestros elementos más ligeros, por lo que tendemos a pintar eso primero. Y solo puedo seguir adelante y aplicar una especie de lavado medio ligero sobre toda la pintura. Porque en acuarela, pintamos desde nuestros valores más claros hasta nuestros valores más oscuros. Y eso significa que siempre podemos aplicar nuestros valores más oscuros sobre todo lo demás. Entonces cuando iniciemos una pintura en acuarela, vamos a ser muy generales en encontrar esos valores más ligeros. Entonces viste que usé mi secador solo para secar esto un poco para que estos bordes sean un poco más duros. Permití que mi papel se quedara un poco húmedo porque no quiero que estos bordes sean demasiado duros porque esto es una especie de medio suelo. Entonces estoy mirando esos árboles que son especie de en la gama media. Y se puede ver que en esta foto de referencia tenemos un Hayes realmente agradable pasando. Y eso ayuda realmente a impulsar esa perspectiva atmosférica, razón por la que elegí esta fotografía. Y también quiero mencionar que todas estas referencias fotográficas van a estar disponibles para su descarga o para su visualización. Y estas referencias fotográficas que estoy usando para este curso, todas estas vienen de un sitio web llamado pixabay.com. Es un gran recurso para los artistas porque está libre de regalías, lo que significa que no tienes que pagar por el uso de las imágenes, y también está libre de derechos de autor, por lo que no tienes que preocuparte por ninguna implicación legal del uso de estas referencias fotográficas. Y si vas a la fuente original para todas estas referencias fotográficas que estoy usando. Te vas a dar cuenta de que son un poco diferentes a lo que ves aquí en la pantalla. Eso es sólo porque los he recortado para que la composición esté un poco más en línea con lo que una vez. Entonces puedes ver que ahora que tengo esos árboles de gama media en su lugar, había usado de nuevo mi secador solo para secarlos porque ahora realmente quiero entrar con mis bordes más duros y crear algo de textura. Y voy a estar usando mucho cepillo seco. Y eso pasa a funcionar muy bien con los valores más oscuros porque quiero cargar más pigmento en mi pincel y no tener tanta agua en mi pincel para que consiga esos valores más oscuros. Y también voy a poder lograr más textura. Puede ser un poco difícil conseguir que la pintura se transfiera de tu pincel a tu papel cuando estás usando una técnica de pincel seco. Pero es sólo cuestión de tal vez agregar un poquito de agua puede ser simplemente sumergir la punta de tu cepillo en el agua para que puedas obtener suficiente fluidez para hacer esa transferencia. Y también puedes ver aquí, aquí es donde he añadido sólo un poco de rojo a esta mezcla, solo para que pueda distinguir estos valores de esos valores de rango medio un poco mejor. Y así aquí se puede ver que cuando estoy haciendo esta técnica de pincel seco, no tengo mucha agua en mi pincel. Y si tuviera mucha agua en mi cepillo, lo que haría es simplemente bloquear mi una Bruselas en una toalla de papel para quitar algo de esa humedad. Y estoy sosteniendo mi pincel en un ángulo muy bajo. Y realmente usando esto para hacer esa técnica de tropiezo sobre el resto de la pintura para que consiga algo de textura agradable. Quiero asegurarme de que a medida que construyo mi pintura, nunca voy a encubrir por completo esos valores anteriores porque por supuesto los aplicé por una razón. Son importantes. Pero queremos crear suficiente variación y estratificación para dar una sensación de atmósfera y profundidad en nuestras pinturas. Y se puede ver aquí que incluso sin color, realmente podemos conseguir un mensaje fuerte a través. Y puedes empezar a pensar en las diferentes técnicas que quieres usar en tu pintura final. Y empiezas a elaborar algunos de los temas que podrías encontrar con la pintura. Por lo que es realmente genial hacer siempre un estudio de valor y ventaja antes abordar un tema que podría encontrar un poco desafiante o no estás muy seguro de cómo va a funcionar. Y entonces también estoy haciendo un poco de tropezar y pincel seco aquí en la hierba solo para darle un poco de textura aquí. Y también es realmente importante, cuando estás pintando paisajes, todo para empezar a pensar en cómo vas a crear diferentes efectos sin entrar y tratar de pintar. Por ejemplo, las hojas individuales son ramas individuales son hojas de hierba. Entonces lo que me gusta hacer solo para agregar un poco de textura y esa impresión de hierba en primer plano es solo hacer un poco de cepillado seco o revolver para dar un poco de textura hasta dejar que esos valores en la distancia ser más ligero y los bordes para ser mucho más suaves. Y a medida que paso al primer plano, puedo usar bordes más duros y mis valores más oscuros. Y eso le da mucho contexto a la pintura y realmente ayuda a que todo se junte. Por lo que aquí se puede ver el cuadro final. Y a pesar de que en realidad solo usábamos un poco pequeño azul o leído, realmente se juntó. 4. Proyecto 2: árboles Hazy: Y ahora que hemos hecho un rápido estudio de valores, sigamos adelante y probemos esta misma composición usando color. Entonces lo que voy a hacer es hablar un poco de dibujo para pinturas acuarelas porque sé que esto es algo por lo que los nuevos artistas se sienten muy intimidados. No sienten que sean cajones fuertes. Preocupan que tengan que trabajar en sus habilidades de dibujo antes de entrar en la acuarela. Y tal vez algunas personas simplemente no están súper interesadas en dibujar. Bueno, tengo algunas noticias realmente buenas para ti porque muchas veces estamos mejor mantener nuestros dibujos muy sueltos y sencillos y no ponernos demasiado molestos en los detalles o poder dibujar todo lo que creemos necesita entrar en un buena pintura. Y espero que ustedes vieran cuando pasamos por esa encuesta de pinturas maestras acuarelas, que realmente los dibujos pueden ser muy sueltos y muy indulgentes en este proceso. Porque en lo que realmente estamos enfocados, nuevo, son los valores, los bordes. Y ahora también nos vamos a meter en la construcción de unos colores muy interesantes. Entonces cuando estoy haciendo una pintura de paisaje en acuarela, empiezo mi dibujo usualmente encontrando la línea del horizonte, metiendo eso y tal vez encontrando la línea principal que separa el cielo de alguna de las otras materias. Y me gusta hacerlo bastante ligero se puede ver aquí. Y no te preocupes si tus marcas de lápiz se muestran a través de tu pintura acuarela, vas a desarrollar una sensación de cuánta presión aplicar con tu lápiz a lo largo del tiempo. Y honestamente, a algunas personas les gusta mucho las marcas de lápiz que se muestran a través de ella da un poco de estructura y ayuda a que la pintura de acuarela se sienta muy suelta y fácil y relajada. Y eso es lo que realmente queremos lograr con nuestras pinturas de acuarela. No sólo en el resultado de la pintura, sino que sí queremos estar muy relajados y tener un estado de ánimo muy fácil cuando estamos haciendo pinturas acuarelas. Entonces, no te preocupes demasiado por el dibujo. No te preocupes por que tus marcas de lápiz se muestren a través. Y acaba de llegar a la parte de pintura porque por eso realmente estamos aquí. Yo creo. Entonces de nuevo, estoy empezando con mis valores más ligeros y mis bordes más suaves, pero ahora estoy trabajando más con colores. Entonces seguí adelante y localicé el color más claro, más brillante en esta composición, que es esa pequeña racha de amarillo en el cielo. Y así ese iba a ser el primer pilar para que me aplicara. Y viste que despejé mi papel antes de aplicar cualquier color solo para asegurarme de que obtengo un borde suave muy bonito entre todos estos colores para que ese cielo se sienta como si estuviera resplandeciente y vivo. Y aún aún mientras todo esté mojado y voy a seguir adelante y poner esos árboles más distantes. Y básicamente mezclé un bonito violeta pastel suave. Y me estoy quedando muy ligero el valor. Entonces tengo mucha agua en esa mezcla. Y quiero que esos árboles distantes se mezclen con el cielo sólo un poquito. Por lo que podrías encontrar que cuando estés trabajando mojado en colores húmedos, empieza a fusionarte de formas que no esperabas ni una vez. Pero yo los animaría sólo a dejar ir esos. Porque cuanto más sumerges tu pincel en tu pintura y tratas de desplazar esos colores en la forma en que piensas que se supone que deben ir. Cuanto más tus colores realmente van a terminar luciendo muy fangosos y sobrecargados de trabajo. Entonces no importa lo que pase, solo comprometerse a permitir que los colores fluyan juntos de la manera que ellos Bueno, porque te garantizo que al final, vas a olvidar que eso fue alguna vez algo que no quisiste pasar. Y vas a terminar con muchas de esas mezclas inesperadas que hacen que las pinturas acuarelas sean tan interesantes. Por lo que realmente los animo a que dejen pasar eso. Entonces ahora tengo todos mis valores de luz en su lugar. Y se puede ver que aplicé un bonito lavado ligero sobre toda la composición. En realidad no quería dejar nada blanco por esto. Y realmente no hay necesidad de hacerlo porque voy a acumular mis valores más oscuros encima. Y si bien este papel sigue un poco mojado, bueno, ¿no diría qué? Yo diría. A lo mejor húmeda. Voy a seguir adelante y poner algunos de estos árboles de medio suelo. Y si recuerdas de mi estudio de valor, en realidad usé mi secador de pelo y secé esto antes de aplicar estos en ese valor estable. Pero decidí a partir de ese proceso de ensayo y error de hacer ese estudio de valor que estos en realidad podrían ser mejor servidos como ser un poco más suaves. Y por eso decidí seguir adelante y colocarlas mientras mi papel aún estaba un poco mojado para que aun así consiga un poco más de distancia acumulada y un poco más de perspectiva atmosférica. Y de nuevo, mientras esto aún está bien, voy a seguir adelante y empezar a agregar en algunos colores más ricos, algunos valores ligeramente más oscuros al primer plano para que pueda construir mi técnica de pincel seco encima de eso. Y aquí por fin estoy secando esto antes de meterme en mis valores más oscuros. Entonces ahora quiero tener mucho pigmento, no mucha agua en mi pincel, pero suficiente para que al menos pueda conseguir alguna buena cobertura. Entonces estoy un poco probándolo aquí después de que borré eso en mi toalla de papel, quiero que algunos de esos valores medios se muestren a través para dar una sensación de estos árboles no son bloques completamente sólidos, pero sobre todo a medida que se acercan a la parte superior va a haber un poco más de formas rotas. Por lo que estoy usando más de esta técnica de pincel seco arriba en la parte superior de los árboles. Y luego al bajar al fondo del árbol, ¿va a haber un poco más sólido? Y así en realidad puedo tener más agua en mi pincel y hacer trazos más grandes. Pero aquí puedes ver estoy haciendo mi técnica de pincel seco donde sostengo mi pincel en un ángulo muy bajo, casi plano, casi paralelo a la superficie de pintura. Y solo uso el lado ancho del pincel para hacer movimientos cortos de barrido para conseguir. Parte de esa técnica de pincel seco y tropiezo. Y estoy trabajando duro para mantener mis valores bastante oscuros de agregaron mucho más azul a esta mezcla. En tanto que arriba en la cima de estos árboles más oscuros, era un poco más violeta. Y ahora quiero trabajar más cerca de más de un negro, así que necesito realmente mezclar en un poco más amarillo. Porque recuerda cuando estamos mezclando neutrales y negros iban a tener una combinación de los tres colores primarios. Y si de verdad queremos un negro rico agradable de lo que queremos que esa mezcla se incline un poco más cerca del azul. Pero también necesitamos tener un poco de rojo y un poco de amarillo ahí dentro también. Y aquí estoy otra vez, aplicando un poco de tropiezo y cepillo seco al pasto en primer plano para darle un poco de textura. Y se puede ver aquí que las cosas siguen siendo un poco ligeras. Pero si notas el cielo y luego esos árboles más distantes, realmente se están mezclando muy bien y crean unos efectos atmosféricos muy sutiles. Entonces voy a seguir adelante y secar completamente esto otra vez antes de entrar con mi valor más oscuro más profundo y mis bordes más duros. Entonces voy a empezar con amarillo sólo para asegurarme de que me basta de eso ahí dentro. No importa qué orden mezcles tus colores cuando intentas mezclar un neutro o un negro. Pero creo que sí quieres pensar un poco por delante en cuanto a, ¿necesitas que esto sea más de un neutro marrón cálido o necesitas que esto sea un neutro negro fresco porque eso va a impactar cuánto de cada color pongas en la mezcla. Por lo que en realidad quería que esto fuera un poco más cálido. Y por eso empecé con mi amarillo y mi paseo y luego le agregué un poco de azul a eso. Para que esto se inclinara un poco más cerca de esos colores más cálidos y fuera un poco más marrón. Y eso da un bonito contraste también a esos árboles que en su mayoría son violetas En el medio suelo. Entonces aquí es donde empiezo a acumular las formas más sólidas en esta zona de primer plano. Y se puede ver aquí que estoy usando más tropiezo, más cepillo seco arriba en la parte superior donde va a estar este gran árbol. No está tan oscuro en este momento como va a ser, pero quiero empezar más ligero. Cuando estás pintando acuarela. Si no estás seguro de un valor, siempre es mejor errar por el lado de ir a la luz porque con la acuarela, siempre podemos agregar nuestros oscuros, pero no podemos traer de vuelta un valor más ligero. Entonces es mejor, si vas a cometer algún error, cometer el error de hacer las cosas demasiado ligeras, y luego podrás evaluarlo más tarde y oscurecerlo según sea necesario. Entonces de nuevo, quiero que las formas estén un poco más rotas hacia la cima de estos árboles. Y luego al llegar al fondo donde las cosas están un poco más condensadas porque hay una especie de mezcla de plantas cortas con las plantas altas, así que aquí obtenemos una forma más sólida. Pero se puede ver que a pesar de que agregamos mucho color aquí y usamos muchos neutrales que pudimos realmente, de nuevo, efectivamente comunica este paisajea nuevo, efectivamente comunica este paisaje través del uso de primordialmente valor y bordes. Haciendo un poco más seco pincel abajo en la parte inferior antes de terminar esto, agregando un poco más oscuro. Entonces aquí acabo de entrar con un poco de azul y solo estoy poniendo eso encima de estos neutrales más cálidos solo para darle un poco más de profundidad a estos árboles para que no se vean completamente planos. Y ahora solo estoy mirando alrededor de la composición, viendo si hay algún ajuste final que necesito hacer antes de sacar la cinta. A lo mejor un poco más de cepillado seco para que estas formas de aquí abajo sean un poco más sólidas. Pero eso debería ser básicamente. Para esto, es realmente importante empezar a pensar en qué momento quieres parar. Y al igual que con todas mis clases de pintura, de verdad enfatizo quitarme un tiempo tu pintura si comienzas a sentir dudas sobre si está hecho o no, vuelve a ella con ojos frescos y evalúalo en ese punto. Porque muchas veces encontrarás que menos es más con la pintura. Y lo peor que se puede hacer es trabajar en exceso un cuadro con acuarelas. Sin duda queremos mantenerlos muy simples y caprichosos y relajados. 5. Proyecto 3: árboles de otoño: Para nuestro próximo proyecto, quiero mostrarles cómo básicamente se va a aplicar el mismo enfoque para la acuarela incluso cuando se tenga un paisaje que no tenga tanta profundidad y presencia en perspectiva atmosférica. Entonces vamos a pintar esta bonita escena otoñal. Y de nuevo, esta referencia fotográfica es de pixabay.com. Se va a vincular en los proyectos. Y encontrarás que sí hice algunos cultivos aquí a esto solo para hacer la composición un poco más sencilla. Muchas veces cuando estamos haciendo pintura, realmente no importa lo experimentado que tengas. Muchas veces tener una composición más simple va a ser mejor y a veces eso no se traduce en fotografías. Y así que muchas veces si estamos usando una referencia fotográfica, ya sea que tomaste la foto tú mismo o estás usando un sitio como pixabay.com, vas a encontrar que muchas veces te vas a beneficiar mucho al entrar y recortar el foto en una composición que es un poco más simple. Va a hacer que tu pintura se traduzca mejor. Va a ser, por supuesto, más fácil de pintar y más fácil de entender. Te animo a jugar siempre con eso. Entonces en mi pintura viste que empecé con mojar mi papel y luego busqué el valor más ligero en la foto, que en la foto en realidad me parece blanco. Y muchas veces con fotografías iban a volarse zonas que parecen blancas. Con la pintura, por lo general queremos traducir esos en algún valor muy ligero. Y así para esto, elegí un amarillo muy claro. Y a medida que me muevo por este cuadro, mantengo todos mis bordes muy suaves y mis valores, por supuesto, muy ligeros. Pero busco sólo unas pequeñas pistas de los colores que estaré construyendo sobre este cuadro. Y así justo en el centro del cuadro viste que mezcle una especie de bonito color cálido, neutro, casi un gris. Y luego debajo de eso y siguiente arriba un bonito verde neutro. Y luego abajo en la parte inferior, es una naranja terrosa muy bonita. Y voy a seguir adelante y secar esto completamente antes de seguir adelante. Entrar con más rojo y amarillo aquí, porque estoy mirando no sólo el siguiente valor, así que un poco en el valor medio, sino que también estoy mirando de qué color realmente va a ser el centro de esta pintura, el focal puntos, y yo por supuesto veo mucho naranja y mucho rojo. Entonces voy a empezar con mi naranja. Y puedes ver aquí estoy usando una especie de combinación de tener un poco de agua en mis cerdas. Pero a medida que muevo ese trazo hacia afuera, estoy permitiendo que ese trazo se vuelva un poco más seco para que consiga algunos de esos lindos bordes duros. Y eso aporta mucha energía a la pintura. Y esto es algo que es realmente divertido de hacer, creo, sobre todo con árboles y follaje. Así que empieza con un poco de agua en tus cerdas. Pero luego a medida que mueves el pincel por tu papel, naturalmente vas a perder algo de esa humedad. Entonces solo deja que ese trazo se disipe en un bolígrafo de borde más duro de un tropiezo. Yo sólo voy a hacer esto muy despreocupado por todo el cuadro. He añadido más amarillo a esta mezcla para dar un poco de variación. Y solo estoy buscando áreas donde pueda agregar mucho de este color brillante realmente bonito. Entonces en este punto realmente no estoy mezclando ningún neutro, pero va a haber muchos neutrales en este cuadro en general. Entonces ahora voy a mezclar un poco de verde. Yo quiero que realmente se incline En este punto hacia el amarillo porque a medida que agrego más azul al verde, va a llegar a un valor más oscuro. Y por supuesto en este momento solo estoy mirando los valores medios, pero definitivamente puedes ver que estoy permitiendo muchos de esos valores más ligeros se muestren a través. Y si miras hacia arriba en la esquina superior derecha donde aplicé ese ligero lavado de amarillo. En este punto, esa zona casi se ve blanca, pero verás cuando quite la cinta al final del proceso de pintura que este es un bonito amarillo brillante. No es completamente blanco, pero sí da esa bonita impresión luminosa de un cielo brillante en estos árboles son un poco retroiluminados. Entonces aquí estoy mezclando más de un neutral. He añadido un poco de azul a esa mezcla y voy a seguir adelante y empezar a cepillarme ligeramente en algunas ramas. Y una cosa que me gusta decirle a la gente sobre pintar árboles es que no se debe tratar copiar cada rama y una ramita que se ve en la referencia fotográfica, porque por supuesto una fotografía captura todo y no necesitamos copiarlo. Entonces lo que yo diría es no tener demasiada agua en tu pincel, sino suficiente para ti las pinturas o fluir y usar tipo de líneas afiladas, jaggedy. No te preocupes por las líneas rectas. Y también permite que esas líneas se rompan, sobre todo cuando se llega a la cima del árbol, en realidad puede traer una bonita sensación de luces aquí pinturas o tener esas rotas por lo que no se necesitan líneas sólidas. Y para estos árboles que están más a lo lejos, se puede ver que he añadido bastante agua a esa mezcla para que se mezclen un poco con el fondo. Entonces eso va a dar una impresión muy sutil de árboles lejos sin llamar demasiada atención sobre ellos mismos. Y aquí estoy agregando solo un poco más azul para que ese valor sea un poco más oscuro. Y estoy haciendo un poco de cepillo seco abajo en la parte inferior donde tenemos algunas de esas hojas caídas acumulándose. Y eso nos va a dar una agradable sensación de profundidad en este cuadro que, sabes, porque tenemos todos estos árboles que están tan cerca del punto de espectador. Aquí no hay mucha profundidad en términos de atmósfera, pero podemos crear eso solo usando más de nuestra textura y son bordes más duros en primer plano. Y luego en la distancia que estamos usando son valores más claros y son bordes más suaves. Entonces otra vez, estos árboles que están más a lo lejos, estoy siendo muy cuidadoso de no tener. Colores muy saturados para estos porque quiero que estén ahí para dar un poco de esa textura en la distancia. Pero no quiero que agreguen demasiado contraste allá atrás porque eso va a llamar demasiado nuestra atención en la distancia y crear una pintura que se sienta un poco caótica. Entonces cualquier cosa que esté pintando más a lo lejos, voy a dejar un valor más ligero y permitir que sólo tipo de fusionarse con el entorno. Y de nuevo, como estoy pintando algunas de estas ramas, no me preocupa nada copiar los árboles que veo en la foto. Simplemente realmente estoy usando más de un enfoque gestual. Entonces solo voy a entrar con mi pincel y lo estoy moviendo. Yo estoy permitiendo que la pintura y el pincel hagan justo lo que va a hacer y eso va a crear marcas más naturales. Entonces si intentaba dibujar meticulosamente en copia cada rama que veo. Y con toda sinceridad estoy agregando muchas ramas a mi pintura sólo porque siento que la referencia fotográfica es un poco carente en cuanto a estructura para este cuadro. Así que siéntete libre de un poco, ya sabes, hacer lo que quieras. Quizás quieras mantener tus árboles más mínimos y enfocarte más en el follaje y los colores al querer tener solo un poquito de esa sutil estructura en la distancia. De acuerdo, así como me muevo hacia los objetos que están más en primer plano de este cuadro, voy a añadir más pigmento a mi mezcla, por lo que menos agua, más embarazada, mucho más de mi azul, aunque esto todavía se inclina mucho hacia el lado rojo. Hasta ahora, estoy agregando mucho azul aquí, un poco más rojo. Y vas a encontrar, ya sabes, los colores que estés usando. Vas a encontrar que uno de tus pigmentos es mucho más fuerte que todos tus otros pigmentos. Y en mi caso, rojo es muy abrumador. Entonces incluso cuando añado un poco de rojo y realmente se lo lleva al lado rojo de esa mezcla. Entonces si quiero que sea, de lo contrario, normalmente tengo que sumar más azul en este caso para que consiga ese valor más oscuro. Por lo que ahora empiezo a trabajar en los troncos de árboles que están más en primer plano. Entonces por supuesto necesito que estos sean mucho más oscuros, mucho más saturados. Y estoy permitiendo que los bordes sean mucho más definidos y más duros. Y es importante sólo para tierra estos árboles. Entonces estoy agregando un poco de sombra de yeso donde se encuentran con el suelo para que no parezcan que estén flotando. Y de nuevo, nota el gesto que hago cuando estoy pintando las ramas. Esto no es algo que se podría pensar como dibujo. Entonces estoy sosteniendo mi pincel muy suelto, un poco hacia la parte trasera del pincel. Y de verdad te animo a que hagas esto porque esto te va a aflojar tus trazos. Y en realidad vas a conseguir marcas más naturalistas usando un agarre muy suelto en tu pincel. Y aquí no tengo mucha agua, así que puedo conseguir estos bordes más duros, pero no estoy tratando de controlar demasiado estas líneas. Y a medida que me muevo hacia el fondo de algunas de estas ramas y troncos, voy a usar más azul ahí dentro solo para que se sienta un poco más oscuro. Y no te preocupes si no todas las sucursales que pagas en tu árbol entran en contacto con el baúl. Porque de nuevo, no se trata de copiar la semejanza exacta de estos árboles. Realmente se trata de capturar el gesto de los árboles y crear una impresión y una textura. Y en este árbol que está sobre el lado más derecho de la composición, está roto un poco por algunas de las hojas que están delante de él. Entonces es realmente importante que no pague una línea sólida todo el camino desde la parte inferior de la composición hasta la parte superior porque quiero dar esa impresión de que en realidad hay hojas superpuestas a ese árbol. Entonces voy a usar muchas líneas rotas en esa zona, mucho tropiezo. Y ahora sólo estoy un poco mirando más tratando de pensar si hay algo más que tenga que hacer, es importante de nuevo dar un paso atrás de tu pintura. Tómate un descanso, vuelve a él y ve cómo te sientes al respecto. Porque podría hacerse o podría ver algunas áreas que solo necesitan un poco más de mejoras. Entonces lo que decidí que necesitaba hacer aquí era sólo para iluminar algunos de estos amarillos. Ahora acuarela de cursos, un medio muy transparente. Entonces estos amarillos que estoy aplicando aquí mientras están mojados, parece que está haciendo una gran diferencia, pero a medida que se seca, se va a volver muy transparente en ese efecto será mucho más sutil. Voy a hacer algunos tropiezo con un poco de rojo aquí abajo en la parte inferior porque sé que necesito algunos valores más oscuros en la parte inferior para que esta pintura, nuevo tenga esa bonita sensación de profundidad y textura. Y también decidí eso porque tengo todas esas naranjas y amarillos y necesitaba un poco más de variación en las propias hojas. Entonces estoy tropezando con sólo un poco de rojo aquí. Y en realidad voy a hacer algunas salpicadas con el rojo también. Y esta es una técnica que puede ser realmente divertida de usar en acuarela. No lo cubrí en la clase de técnicas de textos básicos porque realmente no hay una manera de demostrarlo sobre una pequeña cuadradita. Aquí se puede ver que he cargado mi cepillo. Tiene un poco de pigmento y bastante agua en ella porque necesitamos ese pigmento para poder sacar un poco de las cerdas y sobre la pintura. Por lo que es un equilibrio entre tener suficiente agua y suficientes pigmentos para que aparezca. Y con una escena como esta donde tenemos mucho follaje, Esta es una gran manera solo de agregar un poco más de textura a las partes altas de los árboles. Y tendrás que simplemente experimentar con saber dónde va a aterrizar el agua cuando saltas. Y también, por supuesto, quieres estar en un área de trabajo donde no te importa que las cosas se pongan un poco desordenadas. Las pinturas de acuarela pueden ser muy tintes y permanentes. Entonces si estás haciendo esta técnica, solo asegúrate de no tener nada alrededor que no quieras salpicado porque es bastante difícil controlar exactamente a dónde van los fundadores. Y creo que con eso, y tal vez sólo un poco más de valor en algunas de estas ramas, sobre todo las ramas de primer plano. Y en realidad lo que decidí aquí fue que esta rama o este tronco necesitaba sólo ser un poco más gruesa porque no pensé que hubiera suficiente variación entre el grosor de los troncos. Por lo que agregué un poco de espesor ahí con un valor muy oscuro. Y va a neutralizar esto sólo un poquito más con un poco de amarillo. Tan solo entra aquí, hay unas hojas en la esquina superior. A lo mejor debería haberlos dejado fuera, pero ya sabes, tomas decisiones sobre la marcha y a veces funcionan y a veces no. Entonces creo que en general, esta pintura funcionó bastante bien. Y esto creo que es solo parte de saber cuándo parar y cuándo realmente las cosas se ven lo suficientemente bien al ver que podría haber cosas en tu referencia fotográfica que no necesariamente necesitan entrar en tu pintura para que funcione. Por lo que yo diría que ese fue el caso ahí. Realmente no necesitaba agregar esos últimos trazos, pero, ya sabes, haces lo que haces y aprendes. Y en general sin embargo, esta composición, creo, funcionó bastante bien, y es bastante simple. 6. Proyecto 4: gran cañón: Ahora que hemos pintado algunas composiciones más simples, sigamos adelante y empecemos a mirar algunas composiciones más complejas para ver cómo podemos usar todos estos mismos conceptos y técnicas muy simples para aplicarlos a cualquier composición. Y así para éste, vamos a estar pintando el Gran Cañón. Y el Gran Cañón es un tema tan grandioso y encontrarás, por supuesto, muchos artistas pintando el Gran Cañón, idealmente desde la vida si llegas realmente a ir a visitar. Pero en nuestro caso, sólo vamos a estar usando otra referencia fotográfica de pixabay.com. Y de nuevo, si miras la referencia fotográfica original, vas a ver que recorté bastante esto. Esta fue realmente una vista muy panorámica. Pero la razón por la que el Gran Cañón es tan increíble para las pinturas es porque tenemos una vista tan increíble de tanta distancia. Entonces podemos ver por millas y millas porque estamos tan altos y tenemos un punto de vista muy claro típicamente. Y entonces lo que vamos a conseguir es mucha perspectiva atmosférica realmente fuerte, lo que hace que la pintura sea tan interesante. Y las variaciones de color van a ser muy matizadas y divertidas de mezclar y por supuesto hermosas de mirar. Entonces de nuevo, empiezo con un dibujo muy, muy sencillo, manteniendo mis formas en primer plano tipo de rígidas y jaggedy. Entonces sosteniendo mi lápiz muy suelto, claro, igual que lo hago con mi pincel. Porque de nuevo, realmente no vamos por un dibujo muy apretado ni por su pintura en altura. Queremos mantenerlo muy caprichoso y mareado. Entonces otra vez, no te envuelvas demasiado en el dibujo, solo tienes que encontrar algunos de estos bordes más básicos que necesitamos distinguir. Y sé que apenas se puede ver, pero yo simplemente muy ligeramente lápiz en la parte superior más distante del cañón. Y otra vez, no tratar de copiar esa forma exactamente. Y creo que una buena forma de mantenerte en jaque para asegurarte no te estás preocupando demasiado con la precisión en tu dibujo, es que la foto hace referencia solo a un punto saltando para ti. La gente va a poder mirar tu pintura y saber lo que has pintado. Y no van a decir, oye, ya sabes, hay un ángulo allá atrás que no te hiciste bien porque van a estar mirando tu pintura. No van a estar mirando tu pintura aquí a continuación, foto referencia y comparándolos. Eso no es lo que hacemos. Nos encantaron las pinturas porque son hechas por nosotros con nuestras manos y tienen esa calidad para ellos. Entonces voy a seguir adelante y empezar a pintar el cielo. Aquí hay mucha cobertura en la nube. Por lo que quiero un poco de variación de valor en mi cielo. Por lo que tengo un poco de valores más ligeros sobre en la esquina superior derecha de ese Skype. Entonces dejé eso un poco más ligero y luego entré con más Violet's en el lado izquierdo. Y ahora mientras esto sigue siendo lo que voy a empezar a poner muy vagamente en la cima de ese cañón más lejano. Voy a permitir que eso sólo se funda con el cielo donde quiera que vaya a hacer. Yo sólo voy a dejarlo. Entrando con más pigmento y menos agua. Y eso ayudará a controlar ese filo sólo un poquito. Pero claro, porque todo está mojado se va a fusionar y crear una fusión suave realmente agradable. Y ahora estoy mirando más al keniano que diría que está en el rango medio. Por lo que tenemos un cañón realmente lejos en la distancia que se va a leer como un poco más de un violeta azul. Y luego en el rango medio vamos a tener un cañón que sea un poco más cálido. Por lo que agregué en mucho más naranja y amarillo. Entonces eso, pero lo vamos a neutralizar un poco para que nuestros colores más saturados sean el primer plano donde estén los miradores. Entonces nuevamente, manteniendo esto muy abstracto, muy suelto, todo es solo un gran lavado de valores de luz, bordes suaves y colores brillantes en este punto. Y esta va a ser la base para lo que podamos construir este cuadro. Entonces eso es muy importante no ir en tratar de pintar elementos individuales en la pintura en este punto, sino capturar ese sentido general de bordes suaves, colores brillantes, valores de luz. Y realmente incluso si las cosas en este punto no van por el camino que pensabas que deberían. A lo mejor algunos colores se están fusionando de formas que no necesariamente te gustan en este punto. Todos estos van a ser valores tan ligeros que al final, ni siquiera van a estar en perceptible. Ahora acabo de añadir un poco de azul aquí atrás a este Cañón más lejano, mientras esto sigue siendo suave para que pueda conseguir algunos bordes suaves realmente bonitos aquí. Pero no quiero exagerar ese azul, así que necesito mantenerlo bastante ligero. Y voy a conseguir unas floraciones. Y de nuevo, eso es sólo otra cosa para la que tal vez no planees. Pero yo diría que solo deja que suceda. Porque creo que al final del cuadro, en primer lugar, no va a llamar demasiada atención sobre sí mismo, y va a añadir mucho carácter a tu pintura. Ahora que he secado esto, voy a entrar y voy a tener algunos de estos kenianos más distintos Sé un poco más definido por tengo que tener cuidado de mantener mis valores muy ligeros. Entonces mucha agua en la mezcla, porque no quiero tener demasiado contraste entre el cielo y estos bordes más distantes del Cañón. Porque de nuevo, eso sólo va a arrastrar demasiada atención visual a la distancia y hacer que parezca que es el punto focal cuando realmente queremos que eso esté ahí para el contexto. Pero no es el punto focal realmente. El primer plano van a ser los puntos focales. Por lo que ahora estoy agregando unos tonos más cálidos a este lado del cañón en la gama media, haciendo un poco de cepillado seco solo para capturar algunas de las estriaciones de todas las formas de roca. Y lo que realmente necesito hacer por este cañón que está en el rango medio es que necesito neutralizarlo ahora mismo. Está un poco demasiado caliente. No es gran cosa en ese punto porque podemos repasar esos colores cálidos con algunos colores neutros y hacer un poco de acristalamiento para tonificar un poco esos hacia abajo. Pero eso es algo en lo que necesito empezar a pensar en este punto. Porque cuando tenemos tantas formaciones, que por supuesto todos estos cañones están esencialmente hechos de los mismos materiales. Y así obtenemos ese color azulado, violeta, nebuloso sólo por las partículas en la atmósfera que se están acumulando entre el mirador y esos acantilados. Y eso es lo que está cambiando un poco nuestra percepción del color. Y así cuando estamos pintando, tenemos que tener eso en cuenta que a pesar de que todos estos más cerca hechos del mismo material, y si estuviéramos parados sobre otro acantilado, se vería muy cálido y un poco tener ese color naranja rojizo a ella, igual que el primer plano aquí. Pero debido a que hay tantas partículas o moléculas de atmósfera, de oxígeno entre nosotros y esos acantilados, eso va a ser lo que crea esa agradable neblina atmosférica. Y así tenemos que asegurarnos de que estamos manteniendo esos colores neutralizados de acuerdo con ese concepto de perspectiva atmosférica. Y a medida que me muevo ahora al primer plano, voy a entrar con un color cálido realmente vívido, mucho amarillo, poco rojo y solo un poco de azul. Voy a empezar a construir un poco de esa textura. Por lo que no necesariamente llamaría a este cepillo seco. Yo llamaría a este tipo de mojado en Drive porque no estoy haciendo ningún tropiezo. Pero estoy permitiendo que algo de ese valor más ligero sólo se muestre a través. Pero lo que necesito hacer aquí es realmente empezar a construir estos colores más vívidos, saturados para que se distinguen de los acantilados y los cañones que están más a lo lejos. Y algo que espero que empieces a notar como patrón a medida que pasamos por todas estas pinturas es que vamos a pasar la mayor parte de nuestro tiempo y esfuerzo en las áreas de la pintura que son más de los puntos focales. Entonces donde queremos más interés visual, ahí es donde realmente vamos a terminar gastando la mayor parte de nuestro tiempo. Y lo mencioné porque es importante saber que con porciones de la pintura que no son tu punto focal, quizá estén más a la distancia. Es realmente importante que te detengas de juguetear demasiado con esas áreas porque pueden volverse sobrecargadas. Y cuanto más tiempo pasemos en un área de la pintura, más atención va a tomar porque hemos puesto demasiada información ahí atrás básicamente. Por lo que necesitamos asegurarnos de que estamos manteniendo esas áreas realmente más del lado de estar deshechas o inconclusas. Y muy ligero y no tener mucha información visual en esas áreas. Y luego en la zona donde queremos que el espectador pase la mayor parte de su tiempo buscando. Ahí es donde vamos a pasar la mayor parte de nuestro tiempo pintando. Por lo que a estas alturas, me voy a ir. Todo lo que está en la distancia y el medio suelo solo. Y voy a pasar el resto de mi tiempo trabajando en el primer plano este cuadro, construyendo algunas texturas interesantes, algunos bonitos valores oscuros. Y te darás cuenta también de que tenemos muchas plantas en primer plano, y ni siquiera he empezado a pintar ninguno de esos todavía. Y eso es porque realmente quiero enfocarme más en las áreas en primer plano que son un valor más ligero. Por supuesto, esas plantas son prácticamente todas un valor más oscuro y así no necesito preocuparme por ellas en absoluto sólo por el bien de que puedo pintar en valores más oscuros encima de todos estos valores más claros en la pintura acuarela. cual de nuevo, es realmente lo increíble de usar un medio transparente como el color del agua. Porque no tenemos que planear todo antes de tiempo. Realmente podemos enfocarnos en el panorama general primero. Y luego a medida que avanzamos por la pintura, podemos meternos más en esos detalles de acabado. Entonces en este momento estoy realmente solo enfocado en construir el croma o saturación de todas estas formaciones rocosas en primer plano donde está el mirador. Y luego después de que tenga todo eso en su lugar, entonces voy a seguir adelante y empezar a sumar algunos de esos detalles más pequeños. Entonces seguí adelante y secé esto completamente porque ahora que tengo muchos de los bordes de software en su lugar que una vez, voy a empezar a usar más pigmento, menos agua, y realmente construyendo algunos de los detalles aquí en el primer plano. Entonces lo primero que voy a hacer es que voy a mezclar un bonito verde amarillo. Entonces mucho pigmento amarillo, y sí tenemos que usar mucho de ese pigmento amarillo porque agregar demasiada agua a ese pigmento amarillo sólo va a hacer que eso desaparezca en nuestro papel porque va a ser demasiado ligero. Entonces porque quería poner un poco de amarillo encima de algunas de estas características en primer plano, necesito mucho pigmento. Y en este punto, no mucho verde porque podemos, lo siento, no tanto azul porque podemos agregar más azul a medida que vamos. Otra vez. El azul tiene un valor local más oscuro. Y así es realmente importante errar del lado de ser demasiado livianos para nosotros porque podemos volver a entrar con los oscuros, pero no podemos volver a entrar y agregar valores más claros con una pintura acuarela. Entonces puedes ver aquí ahora que he tipo de bloqueado en algunas de las plantas que están más en primer plano ahí atrapando un poco más de luces. Y así van a ser un poco más amarillas. Tengo esos en su lugar. Ahora agregué un poco más de azul a esa mezcla y puedo empezar a trabajar en alguna de la vida vegetal que está más a la distancia. Y va a ser un poco más oscuro. Y luego éste que está un poco más en primer plano también. Y puedes ver que estoy haciendo ajustes desde la referencia de la foto a mi pintura. No tengo que pintar las plantas exactamente donde están ubicadas en la foto de referencia. Puedo cambiar eso por el bien de una mejor composición. Entonces eso es lo que estoy haciendo y moví hacia arriba una de esas plantas realmente al primer plano inmediato para que no haya tanto espacio vacío ahí mismo en esa zona inmediata de primer plano. Y como añado estos, no lo haría, otra vez llamó a esto una técnica de pincel seco porque sí tienen bastante agua en las cerdas. Pero esto va a ser un seco o lo siento, una técnica húmeda sobre seca así que soy capaz de controlar el flujo del agua en la pintura que estoy aplicando porque aquí no hay mucha agua. Tengo mucho dolor a muchos pigmentos y suficiente agua para conseguir una buena transferencia de mi pincel a mi papel. Pero no estoy en este punto yendo por una técnica de pincel seco. Voy a empezar realmente en este punto. Y ahora estoy agregando algo más oscuro valor dos, el fondo de estas plantas porque eso va a ayudar a molirlas un poco más para que no parezcan desarticuladas o como si estuvieran flotando. Les da un poco más de profundidad. Por supuesto, asegurándome de no sobrecargar los valores más ligeros que había aplicado. Dejar que muchos de esos valores de luz se muestren a través. Entonces estoy siendo un poco más minimalista con estos valores más oscuros. Y muchas veces cuando necesito un valor más oscuro en un objeto que sea verde, es una buena idea agregar en realidad mucha más lectura a esa mezcla porque el rojo es el color complementario del verde. Y así vamos a conseguir un buen contraste entre los greens y luego esos valores más oscuros. Y también va a impulsar la apariencia de los greens para tener un poco de rojo en la mezcla. Y aquí estoy empezando a hacer un poco más de cepillo seco. Por lo que no voy a entrar mucho en mi agua. Sólo lo suficiente para que la pintura sea más maleable y pueda trasladarse de mi pincel a mi pintura. Y voy a entrar y estoy mirando algunas de las hendiduras en el suelo y otra vez, agregando un poco más de profundidad a algunas de las plantas justo en la base de ellas, solo para darles un poco más de una base sólida. Y este es el punto en el que voy a empezar a evaluar las cosas sólo para ver si realmente estoy logrando suficiente profundidad. Y si no, ya sabes, empezando a pensar en lo que puedo hacer para superar eso. 7. Proyecto 5: la salida del atardecer sobre el lago: En este punto, realmente espero que estés empezando a ver que más complejo que parezca el tema, realmente es cuestión de aplicar estas técnicas muy básicas que ya aprendimos. Y luego esos conceptos de valor y control de bordes que realmente pueden hacer o romper tu pintura. Y si comienzas a pensar en la pintura que quieres hacer en términos de primer valor y siguiente filo. Creo que encontrarás que puedes simplificar muy fácilmente cualquier tema. Entonces para este proyecto, quiero hacer una composición que pudiera parecer un poco más compleja solo por el bien de que tenga algunos sujetos humanos en ella. Y quiero mostrarte ahora mismo como estoy haciendo el dibujo, sencillo que realmente pueden ser tus dibujos. Por lo que no voy a entrar y tratar de hacer que Ticulate su mayoría copie la forma exacta del barco o de la gente. Básicamente estoy mirando el tamaño del barco y su forma relativa. Y luego hasta para la gente, básicamente lo que voy a tener es un pequeño círculo donde va a estar la cabeza y luego dónde está el cuerpo. Sólo va a ser una especie de rectángulo. Y yo solo angularé eso de la manera en que el cuerpo es nuestra posición y eso va a ser realmente los brazos no son nada más que sólo algunas líneas. Y lo que me encanta de agregar figuras a un cuadro, sobre todo cuando las figuras son algo así en la distancia, es que con marcas muy simples, realmente podemos crear la impresión de la gente e incluso podemos darles un sentido de acción muy fácilmente. Y no tenemos que preocuparnos de tener un conocimiento detallado o íntimo de la anatomía humana para sacar esto adelante, es muy, muy sencillo. Y queremos mantener esto muy suelto porque eso le da mucha vida al cuadro. Espero que puedan ver estas cifras lo sencillamente que se dibujan. No he entrado y dibujado pequeñas curvaturas para indicar dónde están sus músculos o algo así. Tan muy, muy sencillo. Y entonces otra vez, para algunos de estos puntos de ruptura primarios donde tenemos algunos bordes, estoy siendo muy, muy suelto y puedo ser un poco más oscuro y pesado de mano con mi trazo en los bordes donde el valor va a ser el más oscuro. Y a medida que me muevo hacia atrás, se puede ver que estoy usando un trazo mucho más ligero, menos presión en mi lápiz para que esas líneas no sean demasiado oscuras. Ahora, no voy a dibujar en un círculo para el hijo. Te voy a mostrar en cambio, creo que una forma más fácil de pintar algo así, en lugar de dibujar el círculo y luego tratar de pintar alrededor de ese círculo. Entonces lo que voy a hacer es que voy a empezar con sólo un toque audaz de amarillo muy bonito. Y cuando empecé esto, estaba tratando de pintar realmente un círculo, pero luego me di cuenta, sabes qué, no tengo que hacer eso. Entonces básicamente me voy a llevar algo de ese amarillo y sólo tipo de ahí vamos. Sólo un poco de hacer un lío ahí mismo porque voy a ir por ahí con esa bonita naranja brillante. Lo importante aquí es que si sí quieres un bonito borde duro para indicar dónde está tu hijo, tendrás que secar primero ese amarillo para que tu naranja no sangra en el amarillo. Pero con toda sinceridad podrías ir en cualquier dirección. Podrías tener un bonito borde suave ahí. Y ese hijo sólo se vería un poco más nebuloso y seguiría luciendo muy, muy bonito. Entonces lo que he hecho aquí es que le he añadido sólo un poquito de rojo a ese amarillo. Sigue siendo un valor muy ligero. Y en realidad lo que terminaré descubriendo es que es casi demasiado ligero de un valor. Necesito más contraste entre ese cielo naranja y el bonito sol amarillo brillante para crear realmente esa sensación de luces. Pero esto servirá por ahora. Nuevamente, como ya he dicho antes, siempre es mejor en la pintura acuarela errar por el costado de ir a la luz, porque siempre podemos repasar eso con colores más vívidos, valores más oscuros muy, muy fácilmente. Entonces aquí he añadido un poco más rojo, pero voy a ir por una cobertura general sobre esta composición entera, toda porque realmente estoy pensando en esto como tener todo realmente tomando el sol en esas bonitas luces cálidas. Entonces voy a repasar toda, toda la composición. Las cifras van a ser un valor más oscuro. Entonces por supuesto, no necesito dejar ningún espacio para ellos porque puedo aplicar el valor más oscuro justo encima de todos estos valores más claros. Y hasta estoy agregando un poco de azul a esta mezcla para esta zona del cielo que está un poco más lejos del sol. Nuevamente, solo para dar un poco de variación, no creo que sea necesario tratar de entrar y tener la cobertura más pareja sobre todo el cuadro. Creo que mucha gente se estresa por eso. Un poco demasiado. Poder lograr un agradable lavado parejo. Pero en la naturaleza, casi nunca vemos eso. Siempre vemos un poco de cambios de color, variaciones de valor. Entonces creo que es importante solo ser muy experimental, sobre todo en esta etapa de la pintura donde todo es realmente tipo de no-compromiso. Podemos divertirnos mucho y estar muy sueltos en esta etapa del cuadro. Y no va a tener un impacto enorme en el resultado final. Y el impacto que sí tiene, normalmente me parece universalmente positivo. Entonces ahora voy a entrar con un valor ligeramente más oscuro para los árboles más distantes que están como arriba en una colina distante allá atrás. Agregado un poco más azul ahí dentro. Pero de nuevo, típicamente con perspectiva atmosférica, lo que vamos a ver es que los objetos en el fondo tienen un tono más frío o más azul para ellos. Pero eso realmente se aplica sobre todo a las pinturas diurnas. Para un cuadro como este donde es temprano por la mañana, el sol sale y el cielo está muy cálido. Las cosas a lo lejos van a tener ese mismo tono cálido. Entonces no queremos volver ahí con un montón de azul para esos árboles más distantes porque eso en realidad va a crear mucho contraste entre el cielo naranja y luego algunos árboles azules. Y eso va a, de nuevo llamar demasiado nuestra atención en la distancia, crear demasiado de un punto focal no intencional allá atrás. Y se va a sentir un poco incómodo. Por lo que es importante notar que cuando estás pintando, hay algunos principios generales. Como dije. En términos generales, con perspectiva atmosférica, las cosas a lo lejos van a tener una apariencia más azul, nebulosa. Pero eso no va a ser cierto cuando estamos pintando un amanecer o unas puestas de sol. Y a medida que me acerco a los árboles más medianos de tierra, sólo voy en un poco más con este violeta, dejando muchos rojos ahí dentro. De nuevo, porque queremos que estos árboles parezcan como si estuvieran tomando el sol en esa agradable luz cálida de la mañana. Si vuelves a mirar hacia arriba a mi hijo, Puedes ver que ahora en realidad hay algunas flores porque traté de volver alrededor del sol con algo de color blanco, así que ahí está apareciendo Bloom. No necesariamente los quiero, pero de nuevo, no me voy a preocupar por eso en absoluto. En la pintura acuarela, sólo tenemos que dejar que las cosas sucedan como van a hacerlo. Porque cuanto más volvamos con nuestro pincel y tratamos de manipular las cosas por nuestra cuenta, más vamos a conseguir colores fangosos. Y casi siempre hay un remedio para cualquier tema que puedas encontrar que realmente sientas que va a ser un problema. Desafortunadamente, porque pinté mi cielo a la luz de un valor, en realidad sí necesito volver sobre todo el cielo con una naranja rojiza más vívida. Entonces ahora he dejado que todo se seque por completo y puedo volver a entrar y redefinir el letrero. Y porque voy a repasar estos valores más claros con un valor más oscuro que tiene mucho más croma o saturación en él. Es muy fácil redefinir esos bordes y ya ni siquiera notarás esas flores. Ahora en comparación con cómo pinté a este tipo antes, esto parece realmente dramático. Pero me di cuenta de que para crear ese bonito sentido de luminosidad en el signo, realmente necesito tener tanto contraste. Entonces voy a ser muy valiente y muy experimental aquí. Yo sólo voy a glasear sobre ese cielo entero con esta mezcla que en su mayoría es roja, un poco diminuto de amarillo. Y luego a medida que me muevo hacia los bordes exteriores del hijo, voy a añadir aún más saturación de lectura en esa pintura. Y como todo sigue mojado, solo va a crear unas fusiones realmente bonitas. Y luego como un movimiento hacia el borde del cuadro más alejado del sol, acabo de añadir un poco más de azul ahí dentro para dar un poco de variación. Y así ahora que he reajustado el cielo, también tengo que reajustar estos árboles más distantes. Entonces sólo volver ahí dentro con un valor ligeramente más oscuro y acristalamiento justo encima de esos árboles. Y así porque esta composición incluye al hijo real, el cielo que lo rodea necesita ser un valor más oscuro y eso va a empujar un poco más el valor de toda la pintura hacia el borde oscuro. Entonces cuando llegue a los árboles que están más cerca del mirador, realmente voy a tener que poner mucho esfuerzo en construir el valor. Entonces ya está lo suficientemente oscuro como para dar. Contrastea entre. Es yo en este tipo de árboles de gama media aquí, que puedes ver en este momento, estoy pintando bastante oscuro. Estoy permitiendo que esos bordes sean un poco suaves. No he secado esto desde que pinté los árboles más lejanos, así que esos se mezclarán muy bien. Y ahora también necesito tener el tipo de agua que coincida con la intensidad del cielo. Y eso es algo que pienso cuando estás pintando agua que puede sentirse un poco intimidante. Muchas veces la gente se siente como, sobre todo si hay un reflejo en el agua, que tienen que crear un duplicado exacto al revés de lo que se está reflejando. Pero de verdad quiero que pienses en el agua como realmente la vas a pintar de la misma manera que pintarías el cielo. Y así básicamente sólo va a ser una réplica de lo que veamos en el cielo, sobre todo si sigue siendo agua como la que tenemos aquí. Entonces voy a tratar de igualar esa intensidad de color en el agua. Y mientras eso se seca, seguiré adelante y empezaré a trabajar en algunos de los valores más oscuros. Por lo que mucho azul, mucho rojo, un poquito de amarillo para neutralizarlo. Entonces no es solo completamente violeta. Y luego vamos a ver si esto va a ser un valor lo suficientemente oscuro. Por supuesto, quiero asegurarme de que todo esté realmente seco porque aquí es donde quiero algunos de mis bordes más duros agregando un poco más amarillo porque ya puedo decir que necesito distinguir este color y valorar un poco más de esos árboles de gama media. Y eso va a ser un poco de reto aquí. Entonces voy a tener que usar muchos pigmentos. Esto básicamente va a ser una capa base y voy a tener que acumular algún valor encima de esto. Y eso, de nuevo, es otra gran cosa de la acuarela. Para que podamos crear una capa base. Puede que no seamos capaces de obtener el valor más oscuro que necesitamos de inmediato, pero a medida que capas sobre nuestro pigmento, vamos a ser capaces de crear una agradable sensación de un valor oscuro solo por capas de pigmento encima de los pigmentos. Y arriba en la parte superior de estos árboles, estoy permitiendo que pase un poco más de esa técnica de pincel seco y cree unas lindas líneas rotas para las copas de esos árboles. Y así no me voy a ir por la borda en cuanto toda la vida vegetal que podemos ver metiendo por el agua. Pero sí quiero dar un poco de sentido de esa vida vegetal. Y así estoy usando algún pincel seco solo para agregar en algo de eso, no todo lo que veo en la fotografía, sino solo unas cuantas indicaciones de dónde se están mostrando algunas de estas altas hierbas a través del agua. Porque eso creo que da muchos contextos realmente bonitos. Y también estoy a la espera de que esos árboles de primer plano conduzcan para que pueda capas sobre un poco más de pigmento e intensifique el valor ahí. Entonces voy a seguir adelante y usar la misma mezcla oscura para empezar a bloquear en el arco en las figuras. Y una cosa que podrías notar es que si miras de cerca la referencia fotográfica, que de nuevo se te suministra en la sección del proyecto. Podrás determinar que el color del arco es amarillo. Pero eso no significa que vayamos a entrar a pintar ese amarillo porque el sol está en la distancia, obtenemos un efecto retroiluminado en toda esta composición, lo que significa que en realidad va a aparecer el barco más oscuro en valor que lo que permitiría un amarillo. Entonces no vamos a pintar de amarillo el barco. Pero creo que eso puede ser muy confuso porque somos capaces de mirar eso y ver que es barco amarillo. Pero eso no necesariamente se traduce en su color real. Por lo que es el color real no es el mismo que su color local. El color local es amarillo, pero el color real, porque es un poco de siluetas, va a ser mucho más oscuro de lo que podríamos pintar, un amarillo a b Así que ahora que estos árboles son conduciendo, simplemente pasando por encima de ellos con más pigmento, más cepillado seco solo para empezar a acumular esos valores más oscuros para que podamos obtener la cantidad adecuada de contraste. Y se puede ver que he dejado las cifras en el barco y el propio barco muy inconclusas en este punto porque solo estoy bloqueando esa zona en. Y en este punto a solo estoy tratando de pensar en cómo acercarme a algunos de esos colores. Por ejemplo, los pescadores en el barco o que llevan chalecos salvavidas, son de color rojo muy brillante. No sé que necesariamente quiero pintarlos ese color rojo vivo brillante porque realmente quiero que el punto focal esté en las figuras en su conjunto y no en el color de sus chalecos. Y en cualquier momento que sumamos figuras humanas a una composición, automáticamente se convierten en los puntos focales, aunque sean muy, muy pequeños y no de detalle. Es sólo la forma en que funcionan nuestros cerebros humanos. Vamos a escoger formas humanas y eso va a impulsar mucha nuestra atención. Es importante tener eso en cuenta. Y creo que eso te va a ayudar también a no sentir que tienes que entrar y crear una pintura muy detallada de estas figuras. Porque justo esa forma general de una forma humana va a impulsar nuestra atención y nuestros cerebros simplemente automáticamente pueden leer eso y entender lo que está pasando. Que hay un elemento humano ahí dentro y eso va a estar impulsando la mayor parte de nuestra atención. Y nuestros cerebros sólo van a leer eso como información importante porque es la forma general de los humanos. Por lo que definitivamente no necesitamos preocuparnos por agregar muchos detalles o conducir demasiada atención a esa zona. Porque queremos que se lea como una especie de narrativa aquí. Queremos pensar más en el sentimiento o el estado de ánimo del cuadro después un retrato detallado de dos pescadores fuera temprano en la mañana. Entonces eso es solo un recordatorio para mantener tu mente como en el panorama general y no quedar demasiado envuelto en esos detalles. Entonces ahora básicamente tenemos a los pescadores en su lugar. Podría hacerles algunos ajustes más a medida que avanzamos. Una cosa que decidí hacer es romper esta costa aquí para que no esté completamente recta al otro lado. Entonces por aquí en la mano izquierda, sólo bajarlo un poco para que tengamos más de una línea de costa rota, no sólo una línea recta del horizonte. Y yo también me di cuenta, que en muchas de las otras pinturas que hice para esta clase, sí teníamos un poco de línea recta del horizonte aparte de quizás la pintura del Gran Cañón. Por lo que quería solo romper un poco eso, bajarlo un poco. Y ahora voy a añadir un poco más de un pigmento oscuro. Entonces solo un par de zonas de los pescadores, principalmente las cabezas y luego los brazos, y luego algunos del detalle en los chalecos salvavidas. Porque creo que eso da un poco más de contextos que esos son chalecos salvavidas y no solo camisas rojas. Entonces creo que vamos a llamar a esto hecho en este punto y vamos a seguir adelante y sólo echar un vistazo más de cerca a cómo resultó esto. Y realmente sólo espero que se pueda ver eso a pesar de que todo lo que hicimos se basó en todas esas técnicas sencillas que aprendimos en la primera parte de esta serie. Y luego nos enfocamos en nuestros valores y nuestros bordes. Pudimos comunicar un cuadro muy completo. Y el elemento humano simplemente hace automáticamente una composición un poco más interesante para nosotros los humanos, y agrega una especie de sentido de narración, creo, a la composición general. Por lo tanto, no te sientas intimidado al agregar pequeñas figuras en primer plano o incluso en el medio suelo de tus pinturas. Ciertamente no tienes que ser un experto en anatomía humana para agregar básicamente un poco de figuras de palo a tu pintura. Y eso crea tanto contexto y hace que la pintura sea mucho más interesante. 8. Conclusión: Muchas gracias por tomar este curso. De verdad lo aprecio. De verdad espero ver tus proyectos en pinturas en la sección de proyectos de este curso. Y nuevamente, si tienes alguna pregunta o necesitas mayor aclaración, por favor siéntete libre de publicar cualquier pregunta que tengas en la sección de discusión de este curso. Y recuerda consultar mi catálogo de otros cursos de pintura aquí en haberes compartido, encontrarás mucha información y siempre estoy agregando nuevos cursos, así que asegúrate de seguirme. Y como siempre, pintura feliz.