Videobearbeitungstechniken: Erstelle glatte Schnitte

1. Kurseinführung: [MUSIK] Als Videoredakteure sind wir wie Magier. Pass auf meine Hände genau auf. Ich nehme dieses Herz-Ass, lege es in die Mitte des Deck und schüttle es nach oben. Da ist es, nicht schlecht. Wenn ein Magier einen großartigen Trick macht, merkt man keinen Taschenspielertrick. Sie bemerken keinen der reibungslosen Übergänge, die verwendet werden, um den Trick zum Laufen zu bringen, aber was Magier am besten können, ist, die Aufmerksamkeit des Publikums durch Irreführung zu lenken. Natürlich weiß ich nicht, wie ich einen dieser ausgefallenen Kartentricks machen soll , aber ich war in der Lage, Taschenspielertricks , Irreführung zu schaffen und das zu tun, was ich weiß, wie ich es mache, nämlich zu bearbeiten. Hi, ich bin Sean Deakin, Filmemacher und Redakteur, und ich möchte dir die Techniken beibringen um eine reibungslose Bearbeitung zu erstellen. Eine reibungslose Bearbeitung enthält eine Reihe von Videobearbeitungstechniken. In diesem Kurs konzentrieren wir uns darauf, wie reibungslose visuelle Verbindungen zwischen den Aufnahmen hergestellt werden können. Dazu gehören die Prinzipien der reibungslosen Bearbeitung, Erstellen von sanften Bearbeitungen und Übergängen, sanfte Bewegung, filmische Bewegungsunschärfe und praktische Bearbeitungstechniken, die Sie auf Ihr eigenes Projekt anwenden können. Unser Klassenprojekt ist eine kurze und aufregende Anzeige für eine Wodka-Marke. Dies ist nicht unbedingt ein Schritt-für-Schritt-Tutorial. Sie werden viel Freiheit haben, die Lerntechniken zu verwenden, um Ihre eigene Bearbeitung und auf Ihre eigene kreative Weise zu erstellen . Dieser Kurs richtet sich an Zwischenvideo-Editoren, und es wird empfohlen , dass Sie ein grundlegendes Verständnis für die Bearbeitung haben . Wir werden Premiere Pro und After Effects für dieses Projekt verwenden . abgesehen gibt es viele Videobearbeitungstechniken, von denen jedes Qualifikationsniveau lernen kann und für jedes Bearbeitungsprogramm gelten kann. Wenn Sie After Effects nicht verwenden möchten, können Sie ein Projekt dennoch innerhalb von Premiere abschließen. Die in dieser Klasse erlernten Techniken bauen auf der Grundlage Ihrer Bearbeitungsfähigkeiten auf und geben Ihnen die Fähigkeiten, reibungslose Bearbeitungen und Übergänge zu erstellen. Diesmal gibt es keine Tricks zur Videobearbeitung. Herz-Ass in der Mitte des Deck, und schütteln Sie es auf. [MUSIK] 2. Kursprojekt: Vielen Dank, dass Sie an diesem Kurs teilgenommen haben. Ich freue mich sehr über dieses Klassenprojekt weil es kurz und bissig ist und es viel Raum gibt , um hier zu experimentieren und reibungslose Bearbeitungstechniken zu testen. Lasst uns darauf eingehen. Unser Klassenprojekt ist eine kurze Anzeige für ein Wodka-Unternehmen. Das Unternehmen ist jedoch nicht real. Ich habe es mir komplett ausgedacht, also haben wir die vollständige kreative Kontrolle darüber, was wir damit machen können. Das bedeutet auch, dass Sie, wenn Sie am Ende Ihr eigenes Projekt erstellen, es in Ihren eigenen Socials veröffentlichen können, wo immer Sie wollen, solange es nur für den persönlichen Gebrauch bestimmt ist. Ich bitte Sie nur, dass Sie den Kurs und mich selbst würdigen , damit andere Leute den Kurs entdecken und besuchen und auch ihr eigenes Projekt erstellen können . Ich werde ziemlich genau darüber sein, wie ich mit dieser Anzeige arbeite, aber Sie können sie auf jede Weise bearbeiten , die Sie für richtig inspirieren möchten. Sie können die Farben ändern, Sie können die Länge ändern, Sie können fünf Sekunden anzeigen, eine einminütige Anzeige, Sie können damit machen, was Sie wollen. Aber ich ermutige Sie dringend, es einfach zu halten. Machen Sie es nicht zu kompliziert , weil es außer Kontrolle geraten kann. Dies ist kein Tutorial, in dem Sie jeden Schritt verfolgen müssen, aber die erlernten Techniken und Prozesse werden für jedes Projekt, an dem Sie arbeiten, sehr anwendbar sein. Ich werde mein Bestes tun, um Techniken und den Prozess durch mein eigenes Projekt zu veranschaulichen Techniken und den Prozess durch , ohne zu viel ins Detail zu gehen, da es sich nicht unbedingt um ein Follow-Tutorial handelt. Laden Sie die enthaltenen Assets herunter und laden Sie sie in Premiere Pro auf um sich mit ihnen vertraut zu machen. Eine Erinnerung, dies ist ein Zwischenkurs und das Projekt kann schwierig sein, je nachdem, was Sie damit tun, von sehr einfach bis extrem fortgeschritten Sie benötigen etwas Erfahrung mit Editieren und Premiere Pro. Ein grundlegendes Verständnis dafür zu haben, wie Premiere Pro funktioniert und Keyframes ist von Vorteil. Wir werden auch in After Effects springen, Anpassungen an Bewegungen vornehmen und unser Projekt beenden. Ich werde etwas spezifischer sein durch After Effects führt, aber auch hier gibt es ein Plus. Wenn Sie zufällig etwas After Effects wie ich sind, gibt es die Möglichkeit, Ihr Projekt in Premiere Pro zu beenden , aber in dieser Klasse ist einfach nicht genug Zeit , um das durchzugehen prozess. Viele der Dinge, die wir in After Effects durchgehen werden, gelten jedoch für Premiere Pro. Wenn Sie mit einer der Techniken oder Ideen stecken bleiben , fragen Sie bitte im Tab der Diskussion. Eine letzte technische Sache, die ich wissen sollte Ich verwende eine elektronische Lazy Susan, die nicht die effizienteste war Seien Sie sich also bewusst, dass irgendwann bei einigen Flaschenrotationsaufnahmen die Lazy Susan stoppt kurz für einen Moment und beschleunigt sich dann wieder, also sollten Sie das vielleicht umdrehen. Bevor wir uns mit den reibungslosen Bearbeitungsmethoden befassen, werden wir darüber sprechen, wie die Geschichte der Marke erzählen können. 3. Die Geschichte der Marke erzählen: [MUSIK] Sie können sich normalerweise eine Menge Kopfschmerzen ersparen , wenn ein Projekt beginnen, indem Sie auf den kreativen Brief schauen. Ein kreativer Brief ist im Grunde eine Liste kreativer Einschränkungen, die Ihnen helfen, Ihre kreative Entscheidungsfindung in einem Projekt zu leiten und die Geschichte einer Marke zu erzählen. Aber was passiert, wenn Sie keinen kreativen Brief haben? In unserem Fall haben wir keinen kreativen Brief. Das fügt ein zusätzliches Maß an Herausforderung hinzu. Um es ganz klar zu sagen, ist dies eine komplett erfundenen Marke. Sei nicht verwirrt, ich schicke mir nur eine E-Mail mache im Wesentlichen ein Rollenspiel. Es soll lustig, informativ und lehrreich sein. Dies ist die erste E-Mail, die wir vom Marketingteam selbst welcher Art von Werbung sie suchen. Sieht aus, als wären sie eine brandneue Marke. Sie haben nicht viele Details, aber sie erwähnen, dass sie nach einer Anzeige zwischen 10 und 30 Sekunden suchen . Es ist auch eine Anzeige für Wodka. Wir wissen, dass unser Publikum 18 Jahre oder älter oder 21 Jahre alt sein muss, je nachdem, wo Sie leben. Die andere Sache, die wir angehängt haben , ist diese Online-Anzeige. Wir haben die Flasche hier, den Namen und den Slogan, öffnen Sie Ihren Geist und einen kurzen Autotext über das Getränk und die Firma selbst. Bereits mit diesen kleinen Informationsmengen haben wir eine Vorstellung davon, was das Unternehmen ist und wofür es steht. Jetzt habe ich bereits darüber nachgedacht, bevor ich die kurze Anzeige gedreht habe, und ich habe diese Anzeige auch selbst erstellt. Ich weiß bereits, was ich wollte, also weiß ich, dass es betrügt. Erstens, wenn ich nicht genug Informationen habe und nicht sicher bin , mit der Bearbeitung zu beginnen, werde ich Fragen stellen. Ich frage mich, was ist der Zweck des Projekts? Was ist das Ziel des Projekts? Was ist der Sinn? Was soll das Publikum nach dem Anschauen tun? Was für eine Art von Ton? Was soll das Publikum fühlen? Soll es unbeschwert sein, soll es ernst sein? Wie lang ist der Edit? Dies hilft Ihnen natürlich, Zeit zu sparen. Bearbeiten Sie nur auf die Länge, die Sie benötigen. Wo wird es hingehen? Geht es online? Werde ich ins Theater gehen? Wird es hingehen, wo wird es hingehen? Dann frage ich manchmal, wer die Zielgruppe ist. Aber oft können Sie einfach mit den Informationen gehen, die sie Ihnen geben, und Ihre eigenen Schlussfolgerungen ziehen. Lasst uns „Senden“ drücken und großartig, wir haben eine Antwort bekommen. Wie Sie hier sehen können, weiß das Marketingteam nicht genau, was es will. Das ist okay. In Fällen wie diesen wollen sie nur, dass du ihnen etwas gibst. Wenn du das machst, dann merken sie, oh, eigentlich wollen wir das, oder sie erkennen, dass das brillant ist. Ja, genau das wollten wir und das werden sie anrechnen . Lasst uns auf „Senden“ drücken. Ich habe weitergemacht und ich habe schnell entsprechend der Längenanforderungen für diese Anzeige zusammengestellt und bearbeitet. Natürlich mache ich das normalerweise, nachdem ich das gesamte Filmmaterial angesehen und meine Auswahl ausgewählt habe. Die Bearbeitung ist langweilig. Es ist wirklich nichts Aufregendes daran, aber es ist ein guter Anfang und es gibt Ihnen eine Vorstellung davon, wie die Dinge zusammenschneiden, aber es fehlt an Charakter. Es erfüllt nicht den Zweck der Marke. Was ich damit meine , ist, dass das einzige, was in diesem Produkt erkennbar ist, das Logo ist, dann die Markenfarben wirklich. Wir müssen damit beginnen, einige Änderungen, einige Effekte, einige Ideen zu überlagern , um die Marke nachzuahmen, um die Marke zu veranschaulichen, da die Marke selbst ihr eigenes Leben und ihren eigenen Charakter hat. Wir können es herausfinden, indem wir uns die Attribute des Unternehmens ansehen und diese Attribute durch Bearbeitungstechniken nachahmen . Im ersten Schritt werden Sie natürlich anfangen, Ideen als Lese-E-Mail zu erhalten , während Sie Filmmaterial überprüfen. Es ist wichtig, diese Ideen zur Kenntnis zu nehmen und sie im Hinterkopf zu behalten. Der Name hat es mir sofort verraten, Vrtigo, was manche mit einem Ungleichgewicht erleben könnten , deutet darauf hin, dass wir möglicherweise den Kamerawinkel ändern können, um die Marke durch Bewegung zu veranschaulichen Rotationen zu erzeugen, oder wahrscheinlich die offensichtlichste Idee wäre, einen Vrtigo-Shot und Post zu erstellen , um die Perspektive auf einzigartige Weise zu zeigen. Dies spricht auch für ein Gespräch. Die vertikale Aufnahme gibt dir diese einzigartige Perspektive, die sich durch ihre Bewegung ständig verändert. Dies trägt zur Mission des Unternehmens bei, offen und empfänglich für verschiedene Ideen und Meinungen zu sein. Dann haben wir auch diesen Hinweis hier, wo es heißt, sowohl ernsthafte als auch unbeschwerte Gespräche, die zum Gesamtton dieses Projekts beitragen könnten . Diese kleinen Informationen über das Unternehmen können wir anfangen, einige Ideen zu gestalten, wie wir dies bearbeiten können. Wie würdest du ernsthafte und spielerische Bearbeitungen erstellen , die auf Konversation basieren? Nun, man könnte über das Tempo eines Gesprächs nachdenken , wie das Unterbrechungen beinhalten könnte. Vielleicht fließt es sehr gut. Vielleicht ist das das Tempo. Oder wenn wir über Konversation als Effekt nachdenken, denken Sie vielleicht über einen Spiegelungseffekt nach. Denn wenn zwei Personen in einem Gespräch sind, hören sie zu und reagieren, hören zu und reagieren. Vielleicht kann der Spiegelungseffekt zwei verschiedene Personen nachahmen, die Gemeinsamkeiten finden. Ich weiß, das könnte lächerlich klingen, aber darum geht es. Sie versuchen, aus den wenigen Details, die Sie haben, eine Bedeutung zu schaffen . Es wird Ihnen helfen, sofort einige Ideen zu , die Sie sofort umsetzen und testen können. Ich würde sogar einfach anfangen, diese Clips in die Timeline zu werfen , bevor Sie überhaupt eine grobe Bearbeitung haben und einige dieser Ideen testen. Sehen Sie, welche haften bleiben, sehen Sie, welche sich gut fühlen , worauf Sie sich freuen, die sich für das Projekt richtig anfühlen, die sich für die Marke richtig anfühlen, und nehmen Sie diese Dinge zur Kenntnis. Irgendwann wirst du dadurch eine Richtung finden. Höre dir deine ersten Instinkte an, auch wenn es seltsam klingt. Mach dir keine Sorgen darüber , es richtig zu machen. Wir befinden uns in der Explorationsphase. Du kannst es falsch verstehen. Fangen Sie einfach mit dieser Idee an und lassen Sie sie sich von dort aus entwickeln und arbeiten Sie damit. Zum Beispiel bestand mein erster Instinkt darin, dafür Synthmusik der 80er Jahre zu verwenden weil es sich anfühlte, als wollte ich diese Nostalgie des Produkts treffen. [MUSIK] Das Problem bestand darin , dass ich Musik mit bestimmten Texten ausgewählt habe , die nicht ganz zur Marke passten. Ich mag den Track, ich wollte, dass er funktioniert, aber ich konnte nicht ganz einen anderen Track finden, der das gleiche Gefühl hatte und keinen solchen spezifischen Text enthielt. Ich lasse diese Idee einfach fallen. Ich wollte, dass der Vrtigo-Effekt funktioniert. Aus verschiedenen Gründen hat es einfach nicht ganz so funktioniert , wie ich es wollte. Sie könnten es wahrscheinlich immer noch zum Laufen bringen, aber ich habe diese Idee losgelassen , obwohl sie so perfekt gewesen wäre , weil der Markenname Vrtigo ist und der Schuss Vrtigo ist. Nun, du kannst sie nicht alle gewinnen. Es ist nicht wirklich hilfreich, sich für jede einzelne Idee zu verpflichten, Sie erhalten einen Hauch von verschiedenen Effekten. Die Bearbeitung wird unkonzentriert und das Publikum wird verwirrt sein , was Sie mit der Bearbeitung zu tun versuchen. Wenn Sie Sternentücher haben und verblassen und verdammt, lassen Sie uns ein paar Jalousie-Übergänge hineinwerfen, und dann vielleicht ein paar Colorisierungseffekte, und Sie fügen diese alle in die Bearbeitung hinzu, es wird ein Chaos. Mein Vorschlag, halte dich an ein paar verschiedene Ideen , die wirklich gut zusammenarbeiten und dem Zweck deiner Bearbeitung dienen. Zum Beispiel habe ich mich in meiner Projektbearbeitung hauptsächlich an digitalen Bewegungen und Geschwindigkeitsrampen gehalten und auch in der seltsamen unsichtbaren Bearbeitung durchgehalten , um dieses Gefühl des Flusses während der gesamten Bearbeitung in Bewegung zu halten . Eine andere wichtige Sache, die zu beachten ist, dass die animierten Rotationen wahrscheinlich einige der auffälligsten Bewegungen sind , aber ich habe sie nicht bei jeder einzelnen Bearbeitung verwendet. Ich wollte, dass es seine Spezialität und seine Bedeutung beibehält , wenn es um die Marke selbst geht. Ich habe versucht, diese Bewegung um die Helden- oder Flaschenproduktaufnahmen größtenteils zu betonen die Helden- oder Flaschenproduktaufnahmen , damit sie der Marke mehr Aufmerksamkeit schenkt. Wenn Sie einen Effekt zu stark verwenden, können Sie die Bedeutung des Effekts verringern und Vorhersehbarkeit in Ihrer Bearbeitung erzeugen. In einigen Fällen, in denen es sich um ein so kurzes Projekt handelt, müssen Sie den Stil schnell festlegen, damit es nützlich sein kann, einen Effekt auf jeden einzelnen Clip zu verwenden. Jetzt, da ich all diese Ideen habe, kann ich sie auf meine grobe Bearbeitung anwenden und wirklich einen Charakter für diese Bearbeitung erstellen. Zur Erinnerung: Stellen Sie sicher, dass Ihre Sequenz bis 1080 auf 1920 eingestellt ist, damit Sie digitale Bewegungen voll nutzen können , ohne Details im Bild zu verlieren. Natürlich überschreiten alle Ihre 4K-Clips nach dem Anpassen Ihrer Sequenzeinstellungen alle Ihre 4K-Clips nach dem Anpassen Ihrer die Bildgröße Ihrer Sequenzeinstellungen. Um Clips an die Rahmengröße anzupassen, können Sie jeden Clip manuell nach unten skalieren oder einen Clip manuell auf 50 Prozent skalieren und Einfügeattribute können Sie jeden Clip manuell nach unten skalieren oder einen Clip manuell auf 50 Prozent skalieren in den Rest der Clips kopieren in den Rest der Clips um sicherzustellen, dass die Bewegung ausgewählt wird. Am schnellsten ist es jedoch, einfach alle Clips auszuwählen, mit der rechten Maustaste zu klicken und „Auf Framegröße einstellen“ auszuwählen. Wenn Sie die Funktion Auf Framegröße einstellen verwenden, werden Ihre ausgewählten Clips automatisch auf die Sequenz-Framegröße reduziert, die genau der Hälfte der Größe unserer 4K-Clips entspricht. Zusammenfassung, wir können der Bearbeitung Leben verleihen indem wir uns den Charakter der Marke selbst ansehen. Diese Zeichenattribute können dann durch verschiedene Bearbeitungstechniken in den Bearbeitungsstil übersetzt werden . Sie müssen nicht jede Idee und Definitionen verwenden, sonst laufen Sie Gefahr Ihre Bearbeitung unkonzentriert wird. In der nächsten Lektion werden wir über das Matching on Action sprechen. 4. Matching/Schneiden auf Action: [MUSIK] Das Schneiden von Action oder Matching on Action ist eine praktische Möglichkeit, einen glatten Schnitt zu erzeugen. Abgleichen auf Aktion bezieht sich normalerweise auf zwei verschiedene Schüsse, die bei der Aktion eines Charakters oder eines Objekts zusammengeschnitten werden. Sie können sogar Kamerabewegungen schneiden. Solange Sie die Bewegung, Aktion oder Bewegung schneiden, wird es Ihnen im Grunde die Bewegung, Aktion oder Bewegung schneiden, leichter fallen, diese Bearbeitung vor dem Publikum zu verbergen. Indem Sie auf Action abgleichen, erstellen Sie eine visuelle Brücke zwischen den Aufnahmen. Es lenkt den Betrachter von der Bearbeitung ab, da er sich auf die Bewegung konzentriert , die die beiden verschiedenen Aufnahmen miteinander verbindet. Wenn Sie einen groben Entwurf Ihrer Geschichte zusammenschneiden, suchen Sie nach Möglichkeiten, die Aufnahmen durch Bewegung zu verbinden. Versuchen Sie auch, sich an das Schneiden zwischen Clips mit ähnlicher Bewegung und Richtung zu halten . Andernfalls kann es sich um eine Trocknungsbearbeitung handeln. Als ich meine eigene Bearbeitung durchmachte, fand ich diese beiden Aufnahmen, von denen ich denke, dass sie großartig zusammenschneiden werden. Wir haben die Bewegung der Kappe und die Bewegung des Eises, die unser Auge anzieht, und wenn wir sie miteinander verbinden, passen wir sie auf Action an, wir werden bereits etwas Super haben glatt anzuschauen. So einfach ist das. Achten Sie nicht nur auf Action oder Cutting on Action, sondern auch nach Möglichkeiten für Augenspuren. Die Eye Trace-Technik bezieht sich darauf, wo das Publikum zu einem bestimmten Zeitpunkt in den Rahmen schaut . Unsere Augen fühlen sich am meisten von menschlichen Merkmalen angezogen . Die Augen helle Farben, Bereiche mit hohem Kontrast, Text und Bewegung. Unsere Projektbearbeitung bietet hauptsächlich Bewegung, Kontrast, Texte und leuchtende Farben. Da wir 4K-Aufnahmen innerhalb der 1080P-Timeline haben , können wir die Position, Skalierung und Rotation unserer Clips neu einstellen, ohne Details zu verlieren. Natürlich ist der Zweck dafür, dass wir in jedem Schuss unsere eigene Bewegung erzeugen können , um sanfte Schnitte und sanfte Übergänge zu erzeugen. Behalten Sie diese Dinge bei jeder von Ihnen vorgenommenen Bearbeitung im Hinterkopf. Von diesem Schnitt aus ist unser Augenspurenpunkt da, und im nächsten Schnitt liegt unser Augenspurenpunkt weit unten am Boden des Glases. Aber wegen des sich bewegenden Eises wird unser Gehirn dazu gebracht, dieser Bewegung der Kappe zu folgen und mit diesem Eiswürfel runter zu kommen. Es ist uns gelungen, auf Action abzustimmen, aber nicht unbedingt auf Augenspur. Wir können diese Editierung sogar ein wenig erweitern. Vielleicht habe ich es sogar gerade darum, den Rahmen zu verlassen. Eine kurze Randnotiz, Sie haben vielleicht gehört, dass Sie warten sollten , bis das sich bewegende Objekt innerhalb des Schusses den Schuss verlässt, bevor Sie einen Schnitt machen. Aber das müssen Sie nicht immer tun, denn die Kappe bewegt sich so schnell und wir reduzieren die Aktion, wir können mit Kürzungen davonkommen, die nicht unbedingt den Regeln der Kontinuität folgen. Jetzt habe ich unseren Rahmen hochskaliert und die Position angepasst. Wir arbeiten auf diese Weise etwas besser mit Augenspuren, da der Eiswürfel sehr schnell in unseren Augenspurpunkt landet . Ihre Augen müssen die Position zwischen diesen beiden Schüssen nicht anpassen . Wenn Sie den Rahmen manipulieren wollten, um sich etwas besser an die Augenspur anzupassen, können Sie das tun. In diesem Fall denke ich, dass die Zusammensetzung dieser Nahaufnahme nicht so großartig ist. Es ist zu asymmetrisch für mich und es ist schwieriger zu erkennen, dass es sich um ein Glas handelt, wenn es so nah ist, es sogar eine Vase oder ein anderer Glasbehälter sein könnte. Ich mag diese Komposition nicht so sehr. Das Match on Action funktioniert so gut, dass die Augenspur keinen großen Unterschied darin macht großen Unterschied darin Ihr Auge vom Schnitt abzulenken. Aber lasst uns darauf zurückgehen. Ein Mythos über die Verwendung von Augenspuren ist , dass Sie von einem Schuss zum nächsten schneiden und alles, von dem Ihr Auge angezogen wird, innerhalb der identischen Position Ihres nächsten Schusses haben müssen . Aber das ist nicht immer der Fall, denn unsere Reaktionszeit ist nicht so schnell. Es ist nicht so, als würden wir einen Schuss sehen und wir wissen sofort, was wir uns ansehen. In diesem Fall bewegt sich das Eis so schnell und unseren Augenspurpunkt innerhalb von drei oder vier Bildern, unsere Augen passen sich kaum auf den nächsten Schuss an , bevor wir die Chance haben zu sehen, was ist geht weiter. Eigentlich möchten Sie in einigen Fällen, dass Ihr Augenspurenpunkt in den nächsten Schuss und seinen Augenspurpunkt fällt. Um sich zusammenzufassen, beim Abgleichen bei Action oder beim Schneiden auf Action, wenn Sie die Bewegung eines Schusses auf die Bewegung des nächsten Schusses schneiden . Die Bewegungen müssen sich nicht unbedingt einseitig bewegen, aber wenn sie sich in die gleiche Richtung bewegen, ist es für Ihr Auge viel einfacher zu folgen. Wenn Sie mit Ihrer Schnitt-on-Aktion effektivere Augenspur erstellen können mit Ihrer Schnitt-on-Aktion , werden Ihre Bearbeitungen theoretisch noch glatter. Kompromittieren Sie jedoch nicht die Komposition oder die Geschichte Ihrer Bearbeitung oder Ihres Clips, nur weil Sie eine Augenspur erzielen können , indem Sie Ihre Aufnahme und Post neu zusammenstellen. Manchmal ist das Schneiden auf Aktion ausreichend, um die Bearbeitungen zu verbergen und einen glatten Schnitt zu erzeugen. 5. Reife eine Bewegung erstellen: [MUSIK] In dieser Lektion lernen wir, wie Sie mithilfe von Keyframes mehr Kontrolle und Anpassung über Ihre digitalen Bewegungen gewinnen Anpassung über Ihre digitalen Bewegungen können. Einer der größten Fehler beim Keyframing von Grafiken, Animationen oder irgendetwas, was sich bewegt besteht darin, nur eine lineare Interpolation zu verwenden. Wenn es sich um Live-Action oder animierte Grafiken handelt, passiert Interpolation zwischen den Keyframes. Interpolation bestimmt Ihre Software die Werte zwischen diesen Punkten. Nehmen wir zum Beispiel an, wir animieren dieses lila Quadrat. Wir werden die Skala animieren, also erstellen wir am Anfang unseres Clips einen Keyframe und gehen zum Ende und erstellen einen weiteren Schlüssel, und weil ich dies von 0-100 animieren möchte, gehen wir zu unserem ersten keyframe. Setzen Sie das auf Null, und standardmäßig erhalten wir diese lineare Interpolation zwischen unseren Keyframes, die abrupt beginnt und abrupt endet. Es ist eine konstante Geschwindigkeit während der gesamten Animation. Wenn wir nun sehen wollen, was hier visuell vor sich geht, können wir auf dieses Dreieck links neben unserer Maßstabseigenschaft klicken , und jetzt öffnet es dieses Chaos genau hier. Um einen besseren Überblick darüber zu erhalten, was hier vor sich geht, können wir auf diese dünne graue Linie unten in unserem Geschwindigkeitsdiagramm und auf diese andere dünne graue Linie in unserem Wertdiagramm klicken. Es gibt zwei Graphen, zwei verschiedene Möglichkeiten, um visuell zu sehen , was mit unserer Animation vor sich geht. Wir haben hier oben das Wertediagramm, das den Wert im Laufe der Zeit misst, und den Geschwindigkeitsdiagramm hier unten, die Geschwindigkeit im Laufe der Zeit misst. Wenn wir uns von links nach rechts bewegen, je nachdem, wo sich ein Abspielkopf befindet, schneidet er sich je nachdem, wo sich ein Abspielkopf befindet, genau hier mit unserer Wertelinie, und Sie können sehen, dass sie sich linear von 0-100 mit konstanter Rate bewegt . Schauen Sie sich unseren Geschwindigkeitsdiagramm an, wir können hier sehen, dass unsere Geschwindigkeit bei Null liegt. Aber sobald wir zu unserem ersten Keyframe, bam, kommen, haben wir eine Geschwindigkeit , die während der gesamten Animation konstant bleibt . Diese Art von Bewegung sieht aus oder fühlt sich in keiner Weise organisch oder real an, weil ich glaube es in der Natur nichts gibt , das sich auf diese Weise bewegt. Selbst mechanische Bewegungen haben eine gewisse Geschwindigkeitsschwankung und Charakter. Das heißt nicht, dass Sie keine lineare Interpolation verwenden können. Denken Sie daran, welche Art des Looks es bietet und dass es nicht am natürlichsten aussieht. Um realistische Bewegungen zu erzeugen, müssen wir den Interpolationsmodus ändern. Der offensichtlichste Ort, an dem Sie beginnen können, und vielleicht tun Sie dies bereits, Ihre Interpolation zu ändern , um es zu erleichtern oder zu erleichtern. Sie klicken mit der rechten Maustaste auf das Keyframe, klicken auf „Erleichtern“, wenn eine Animation beginnt, und auf „Erleichtern“ , wenn eine Animation endet. Jetzt haben wir unsere Interpolation von linear auf Bezier-Kurven geändert . Jede Kurve, die Sie innerhalb des Wertediagramms erstellen , gilt als Bezier-Kurve. Die Funktionen zur Erleichterung und zum Erleichtern sind nur sehr spezifische Kurventypen , die im Keyframe-Menü verfügbar sind. Damit haben wir jetzt sehr reibungslose In- und Out-Animationen erzielt . Unser Geschwindigkeitsdiagramm hat sich ebenfalls geändert. Sie können sehen, dass wir bei Null anfangen, genau hier auf die Höchstgeschwindigkeit steigen und dann wieder auf Null verlangsamen. Das Wertediagramm unterscheidet sich also dadurch, dass es den Wert im Laufe der Zeit anstelle der Geschwindigkeit misst. Je steiler die Steigung, desto schneller die Bewegung, während die flacheren Steigungen, die Bewegung viel langsamer ist. Es ist großartig, denn jetzt haben Sie zwei verschiedene Möglichkeiten, die Informationen darüber zu betrachten , was zwischen Ihren Keyframes vor sich geht . Einfach mit Leichtigkeit in Bezier-Kurven ist der schnellste Weg, in Bezier-Kurven ist um beim Keyframing eine sanfte organische Bewegung zu erzielen , und manchmal reichen diese einfachen Voreinstellungen für Ihre Animation nicht aus und um mehr Anpassung und Kontrolle darüber zu erhalten , was Sie tun, können Sie die Griffe einfach selbst anpassen. Stellen Sie sicher, dass Sie beim Anpassen dieser Griffe die automatische Bereichsskalierung ausgewählt haben. Andernfalls werden Teile Ihres Graphen aus dem Blickfeld geraten. Wenn Sie die Griffe Ihrer Animation anpassen, können Sie unser Wertdiagramm sehen und unser Geschwindigkeitsdiagramm ändert sich, und wir können einige wirklich interessante Looks erhalten indem wir einfach mit den Kurven herumspielen. Möglicherweise hatten Sie dieses Problem, bei dem Sie Ihren Keyframe auf Null und Ihren zweiten Keyframe auf 100 gesetzt bei dem Sie Ihren Keyframe auf Null und Ihren haben, und Sie denken , okay, es wird von 0-100 gehen. Aber dann spielst du es zurück und es ist wie: „Wow, okay. [GELÄCHTER] Wir skalieren über unseren zweiten Keyframe hinaus.“ Wenn Sie sich das Animationsdiagramm nicht ansehen, ist es sehr frustrierend, weil Sie sehen, warte eine Sekunde, mein erstes Keyframe ist auf 100 und meine zweiten Keyframes auf Null gesetzt . Was ist hier los? Das ergibt keinen Sinn und liegt daran, dass Sie sich nicht ansehen, was visuell vor sich geht , wenn Sie nur die Keyframes sehen. Wenn Sie diese Art von Verhalten vermeiden möchten, ist es einfach. Behalten Sie einfach Ihre Kurven zwischen diesen beiden imaginären horizontalen Linien und es wird Ihnen gut gehen. Die Reihenfolge der Operationen , die für mich am sinnvollsten sind, besteht darin Ihre Animation zuerst mit linearen Keyframes zu vergräben, dann Ihre Leichtigkeit, Ihre Bezier-Kurven hinzuzufügen und dann in Ihr Diagramm und glätten Sie alles, holen Sie die Geschwindigkeit und das Timing so, wie Sie es möchten. Sie erhalten viel mehr Anpassung und das Aussehen ist für jedes einzelne Projekt, das Sie übernehmen, viel einzigartiger . Was ich Ihnen jetzt empfehlen würde, ist, mit Animationskurven zu experimentieren und zu sehen welche Art von einzigartigen Bewegungen Sie sich einfallen lassen. Bearbeiten Sie das Wertediagramm dort, wo es möglich ist, es ist nicht möglich, das Wertediagramm auf Position innerhalb von Premiere Pro zu bearbeiten , und ich erkläre, warum Sie das in einer späteren Lektion nicht tun können. jedoch nicht zu weit mit Ihrem eigenen Projekt voraus , bevor Sie sich die nächsten Lektionen ansehen da diese Ihnen helfen werden, den besten Workflow für Ihr gewünschtes Ergebnis zu bestimmen . Recap, die Verwendung von Bezier-Kurven erleichtert, verleiht Ihnen ein organischeres Aussehen Ihrer Bewegungen. Um noch mehr Kontrolle und Anpassung über Ihre Bewegungen zu erhalten , öffnen Sie Ihr Animationsdiagramm und nehmen Sie von dort aus Anpassungen vor. Denken Sie daran, dass das Geschwindigkeitsdiagramm und das Wertediagramm zwei verschiedene Möglichkeiten sind , Informationen mit Ihrer Bewegungsinterpolation zu vermitteln . Es ist absolut nichts falsch daran , Bezier-Kurven zu verwenden , zu erleichtern, aber es ist gut zu wissen, wie man diese Funktion benutzt Wenn Sie sich also in einer Situation befinden, in der Sie Ihre erleichtert genauer, das können Sie. [MUSIK] 6. Motion Unordnung: [MUSIK] Um Ihre Bewegungen noch realistischer aussehen zu lassen und Ihre Bearbeitungen noch glatter aussehen zu lassen, müssen wir Bewegungsunschärfe hinzufügen. Beim Anschauen von Filmen erwarten wir eine gewisse Bewegungsunschärfe bei Kamerabewegungen und beweglichen Objekten. Lage zu sein, ähnliche Bewegungsunschärfe innerhalb unseres eigenen Projekts nachzubilden , wird dazu beitragen, die Bewegungen und Bearbeitungen effektiver zu verkaufen . In der Regel können Sie After Effects öffnen, einige Keyframes anschlagen dann Bewegungsunschärfe aktivieren, und dies ist ein feiner Workflow, insbesondere für Projekte mit komplexeren Bewegungen. Aber in einigen Fällen haben Sie möglicherweise ein paar einfache animierte Bewegungen, Sie möchten nicht unbedingt alles auf After Effects verschieben. In diesem Fall können wir den Transformationseffekt verwenden, um die Dinge einfach und meist einfach zu halten , mehr dazu später. Für diese Lektion ist es wichtig, dass Ihre Sequenzeinstellungen mit Ihren Clip-Einstellungen übereinstimmen. Keine Sorge, es wird in der nächsten Lektion Sinn ergeben. Aber wenn Sie diese Ideen verfolgen und testen möchten, schlage ich vor, eine neue Sequenz zu erstellen die Ihren Clip-Einstellungen entspricht. Fügen wir den Transformationseffekt hinzu. Klicken Sie auf Ihre Ebene, navigieren Sie zum Effektbedienfeld, geben Sie Transformation ein, dann werden Sie feststellen, dass es zwei Transformationseffekte gibt. Der einzige Unterschied zu dem, was ich sagen kann, ist, dass das Kontrollkästchen „Uniform Scale“ deaktiviert ist und das andere das Kontrollkästchen „Uniform Scale“ aktiviert hat. [GELÄCHTER] Es gibt keinen großen Unterschied zwischen den beiden, ich weiß nicht, warum sie zwei haben müssen, aber dieser Effekt, ich werde Sie warnen, ist in einigen Fällen etwas störend. Da wir möchten, dass unsere Skala einheitlich bleibt, löschen wir diesen ersten Effekt und halten uns an den zweiten Transformationseffekt. Sie werden sofort feststellen, dass der Transformationseffekt dieselben Eigenschaften wie unsere Bewegungseffekte hat . Der einzige Unterschied besteht darin, dass wir die Schrägstellung unseres Würfels ändern können und den Verschlusswinkel anpassen können. Sie haben sich vielleicht gefragt, was Verschlusswinkel wirklich bedeutet. Siehst du es und denkst, was ist diese willkürliche Zahl? Ich habe das schon einmal in meiner Klasse zum Filmemachen erklärt , also gebe ich Ihnen die genauen Notizen. Je niedriger oder kleiner der Verschlusswinkel ist, desto weniger Bewegungsunschärfe ist vorhanden. Je höher oder breiter der Verschlusswinkel, desto mehr Bewegungsunschärfe. Dies liegt daran, dass je länger das Licht auf den Sensor oder den Film einer Kamera trifft , desto länger erfasst die Belichtung mehr Bewegung innerhalb eines einzelnen Rahmens. Der Sweet Spot für filmische Bewegungsunschärfe beträgt 180 Grad. Sie müssen sich nicht an einen 180-Grad-Auslöser halten , wenn Sie mehr oder weniger Unschärfe bevorzugen, sondern nur wissen, dass ein Verschlusswinkel von 180 Grad Ergebnisse liefert, die den Filmen am nächsten aussehen. Jetzt, da Sie verstehen, was ein Verschlusswinkel ist, können Sie eine viel fundiertere Entscheidung treffen, wenn Sie die Art der Bewegungsunschärfe wählen , die Sie wählen. Für uns ist es am sinnvollsten, sich an einen 180-Grad-Verschluss zu halten da das Projekt auf einem 180-Grad-Verschluss gedreht wurde. Die Bewegungsunschärfe unserer Bewegungen wird am realistischsten sein und dem, was geschossen wurde, am treuesten bleiben dem, was geschossen wurde, am treuesten indem sie einen Verschlusswinkel von 180 Grad einhalten. Deaktivieren Sie den Verschlusswinkel von Composition verwenden da wir keine Komposition innerhalb von Premiere Pro haben Komposition innerhalb von Premiere Pro bestimmt, wie hoch der Verschlusswinkel bereits ist. Stellen Sie unseren Verschlusswinkel auf 180 ein. Sobald wir dies tun, jede der Keyframe-Bewegungen, die wir innerhalb unseres Transform-Effekts anwenden enthält jede der Keyframe-Bewegungen, die wir innerhalb unseres Transform-Effekts anwenden, Bewegungsunschärfe. Testen wir dies, indem wir unserer Position einen Keyframe hinzufügen. Lasst uns das einfach hierher bewegen, wir werden ein bisschen weiter und das dann ganz dorthin bewegen. Bewegen Sie die Keyframes näher zusammen , um die Bewegungsgeschwindigkeit zu erhöhen. Jetzt kannst du es sehen. [unhörbar] Wir halten es an. Sie können die Bewegungsunschärfe in unserem Würfel sehen. Wir drehen es ganz auf 0. Keine Bewegungsunschärfe. Klicken Sie es bis zu 360, Sie erhalten eine intensive Bewegungsunschärfe, aber denken Sie daran, dass Sie sich an eine realistisch filmische Bewegungsunschärfe halten möchten . Halten Sie sich an den 180-Grad-Verschluss oder halten Sie sich an den Verschluss, auf dem das Projekt aufgenommen wurde, höchstwahrscheinlich ein 180-Grad-Verschluss. Die Bewegungsunschärfe gibt uns jetzt einen viel realistischeren Blick auf unsere Bewegungen, und alle digitalen Bewegungen, die wir in unserem Projekt anwenden werden mit der Bewegungsunschärfe der Bewegungen übereinstimmen , die in der Kamera ausgeführt wurden. Für die Probenahme könnten Sie sich an bilinear halten. All dies bedeutet, dass der Computer weniger Verarbeitung verbraucht, aber die Qualität der Bewegungsunschärfe ist nicht so glatt. Wenn Sie es jedoch in bikubisch ändern, verarbeitet der Computer mehr Informationen, die zu verarbeitet der Computer mehr Informationen, die einer gleichmäßigeren Bewegungsunschärfe von höherer Qualität führen sollten. Aber größtenteils merke ich keinen Unterschied. Möglicherweise bemerken Sie einen Unterschied in dem Projekt, an dem Sie arbeiten, und wenn dies der Fall ist und Sie die höchste Qualität benötigen , halten Sie sich an bikubisch. Ich habe keine Tests dazu gemacht, also weiß ich nicht, wie viel effektiver es ist, aber ich würde sagen Sie je nach Projekt die bessere Qualität der beiden verwenden. Um zusammenzufassen, müssen Sie Bewegungsunschärfe hinzufügen, wenn Sie Ihre digitalen Bewegungen an das Publikum verkaufen , wenn Sie Ihre digitalen Bewegungen an das Publikum möchten. Je höher Ihr Verschlusswinkel ist, desto mehr Bewegungsunschärfe erhalten Sie, desto niedriger ist Ihr Verschlusswinkel, Sie erhalten weniger Bewegungsunschärfe. für diesen filmischen Look Halten Sie sich für diesen filmischen Look bei einem Verschlusswinkel von 180 Grad oder passen Sie Ihren Verschlusswinkel einfach an den Verschlusswinkel an, mit dem das Projekt aufgenommen wurde. Mithilfe des Transformierungseffekts in Premiere Pro können Sie Bewegungsunschärfe erzielen. Sei einfach vorsichtig, denn es kann ein bisschen störend sein. Für einfache Bewegungen, Projekte, Textanimationen ist es großartig, aber für komplexere Projekte und Bewegungen würde ich vorschlagen, Ihr Projekt in After Effects abzuschließen und dort Bewegungsunschärfe zu aktivieren. 7. Premiere Pro VS After Effects: Jetzt, da Sie eine bessere Vorstellung davon haben, wie organische, realistische Bewegungen erstellen können, möchte ich sicherstellen, dass Sie Vor- und Nachteile der Verwendung von Adobe Premiere Pro versus After Effects verstehen . [MUSIK] Ich würde darauf drängen, den Transformationseffekt zu verwenden , wenn Sie einfache Animationen in Premiere Pro erstellen , dies könnten Texteffekte sein. Zum Beispiel verwende ich für meine Klassen den Transformationseffekt für meine Titel, verwende ich für meine Klassen den Transformationseffekt für weil sie einfach sind, um ein After Effects-Projekt zu erstellen und dann meinen Texteffekten Bewegungsunschärfe hinzuzufügen und dann die text. Wenn ich dann einen Tippfehler habe, muss ich es erneut ändern, dass ich zurück zu After Effects muss und es dauert einfach so viel länger, dies zu tun. Für Filmmaterial, das Ihren Sequenzeinstellungen entspricht, ist es ein großartiger Effekt , mit dem Sie schnell und ohne Öffnen von After Effects Animationen in Premiere Pro erzielen können schnell und ohne Öffnen von After Effects Animationen in Premiere Pro erzielen schnell und ohne Öffnen von After Effects Animationen in Premiere Pro ohne Öffnen nach oben After Effects an erster Stelle. Aber ich werde sagen, dass es seine Nachteile hat. Der größte Nachteil bei der Verwendung von Adobe Premiere Pro für benutzerdefiniertes Keyframing ist, dass es nicht das benutzerfreundlichste ist. Möglicherweise passen Sie das Animationsgraph-Fenster ständig an, wenn Sie die Bewegungen zwischen zwei Aufnahmen anpassen. Sie können diese Griffe nicht einrasten, und es stehen nicht so viele Anzeigeoptionen für Grafiken zur Verfügung. Sie können auch mit der Eigenschaft position sehen, dass wir nur das Geschwindigkeitsdiagramm und nicht den Wertediagramm animieren können. Während wir in Adobe After Effects diese Fähigkeit haben. In dem Moment, in dem Sie 4K-Clips innerhalb einer 1080p-Timeline verwenden , kann es sehr störend werden, mit dem Problem mit Forky-Clips innerhalb einer 1080p-Zeitleiste zu arbeiten . Wenn Sie den Transformationseffekt verwenden, erhalten Sie diese wackeligen Ankerpunkte beim Ändern der Rotationseigenschaft. Sobald Sie den 4K angepasst haben, der auf einen 1080p-Ankerpunkt abgeschnitten ist, indem Sie die Position und den Anker anpassen , dreht er sich großartig in der Mitte des Clips. Aber dann bekommen sie irgendwann die seltsame Panne bei der der Wiedergabe des Filmmaterials der Rahmen springt und positioniert wird, wenn ich aufhöre, das Filmmaterial wiederzugeben. Die einzige Möglichkeit, eine genaue Darstellung des Effekts zu erhalten , besteht darin, die Clips mit dem Transformationseffekt zu rendern , was beim Hinzufügen und Anpassen von Keyframes keine sehr praktische Lösung ist. Wenn Adobe diesen Effekt behebt und die Arbeit der Animationsdiagramme in Premiere Pro vielleicht etwas einfacher macht der Animationsdiagramme in Premiere Pro vielleicht etwas einfacher , würde ich den Transformationseffekt für Projekte mit 1080p-Sequenzen mit 4K-Clips verwenden . Wenn Sie sich an das Transformationswerkzeug von Premiere Pro halten möchten und es nicht störend ist, verwenden Sie Ihre 4K-Clips innerhalb einer Vier-Kurs-Sequenz oder verwenden Sie Ihre 1080p-Clips innerhalb einer 1080p-Sequenz. Denken Sie daran, dass Sie bei einer Skalierung von 100 Prozent an Qualität Ihres Bildes verlieren. Wenn du animierte Bewegungen machst, heißt das nicht, dass du nicht über 100 Prozent hinaussteigen kannst. Denken Sie daran, dass Sie an Qualität Ihres Bildes verlieren, wenn Sie über 100 Prozent steigen . Dies spielt keine Rolle , wenn Sie Maßstab als Teil eines Übergangs strikt verwenden. Zum Beispiel habe ich in diesem Projekt, das ich vollständig mit dem Transformationstool in Premiere Pro abgeschlossen habe, daran gehalten, Skalierung nur für meine Übergänge zu verwenden. Auf diese Weise kann der Betrachter sehen, was während Aufnahmen passiert , und kann die volle Qualität des Bildes sehen. Aber während der Übergänge laufen die Bewegungen so schnell ab, dass die Qualitätsverschlechterung keine Rolle spielt. In Anbetracht der Bearbeitungszeit, der Anzahl der verschiedenen Kürzungen, die ich für dieses Projekt vornehmen musste. In Anbetracht der Tatsache, dass die Clips 1920 bis 1080 waren, es am sinnvollsten, diese Übergänge innerhalb von Premiere Pro zu erstellen . After Effects hat auch seine Vorteile, weniger störend, einfacher zu arbeiten, und Sie können Ihre 4K-Sequenz auch innerhalb einer 1080p-Timeline erstellen , indem Sie digitale Re-Framing verwenden. Wenn Sie digitale Rotationen erstellen, sehen Sie weniger von der Zuschneidung wenn Sie weiter hineingedrängt werden. Aber natürlich braucht After Effects Zeit, um zu lernen. Es ist einfach für Ihre Projekte, werden Sie sehr komplex und nehmen Sie sich mehr Zeit, um mehr Computerleistung zu benötigen. Sie müssen mehr von der Bewegung in Premiere Pro visualisieren , bevor Sie die Dinge auf After Effects verschieben Sie möchten nicht zu weit voraus arbeiten und Ihrer Animation Einfachheiten hinzufügen . Sie möchten nicht zu weit voraus arbeiten und Ihrer Animation Einfachheiten hinzufügen After Effects interpretiert diese Interpolationsänderungen nicht richtig. Sie müssen es also sowieso in After Effects optimieren , linearen Interpolation mit Premiere Pro bleiben , das Aussehen, das Gefühl und die Bewegungen ausgleichen, damit Sie Ihre Bearbeitungen anpassen können die Bewegungen selbst und passen Sie dann das Maß an Leichtigkeit innerhalb von After Effects an. Oder Sie können diese einfachen Anpassungen innerhalb von Premiere Pro vornehmen innerhalb von Premiere Pro dann innerhalb von After Effects retwochen. In jedem Fall müssen Sie diese Anpassungen innerhalb von After Effects vornehmen . Wenn Sie Ihre 4k-Clips innerhalb einer 1080p-Timeline voll ausnutzen möchten. [GELÄCHTER] Jetzt, da Sie alle Optionen vor sich haben, können Sie entscheiden, was der richtige Workflow für Ihr Projekt ist . Zur Zusammenfassung ist Premiere Pro und der Transformationseffekt großartig wenn Sie mit einfachen Bewegungen, einfachen Animationen arbeiten und mit Clips arbeiten, die Ihren Sequenzeinstellungen entsprechen. Wenn Sie digital in den Rahmen drücken möchten, ohne Details zu verlieren , und sich keine Sorgen um das Zuschneiden der Clips machen möchten, sollten Sie Ihre 4K-Clips innerhalb einer 1080p-Sequenz verwenden . Aber dann wird empfohlen, die Dinge auf After Effects zu verschieben. Aber natürlich fügt es ein zusätzliches Maß an Komplexität hinzu. Leider interpretiert After Effects beim Importieren Ihres Premiere-Projekts Bezier-Kurven nicht richtig. Es wird empfohlen, Ihr Projekt in Premiere Pro mit linearen Keyframes zu visualisieren , dann benutzerdefinierte Kurven zu erstellen und Ihr Projekt in After Effects abzuschließen. In Ordnung, bevor wir in After Effects gehen, werden wir untersuchen, wie man zwei Aufnahmen mit Komposition, Action und Keyframe zu Bewegung überbrückt zwei Aufnahmen mit Komposition, Action und Keyframe zu Bewegung überbrückt . 8. Einen glatten Übergang erstellen: In vielen Fällen haben Sie die Möglichkeit, Aktion zwischen zwei Schüssen zu reduzieren. Aber es gibt auch Zeiten, in denen Sie zwei verschiedene Aufnahmen miteinander verbinden möchten , die auf den ersten Blick nicht sehr gut zu verbinden scheinen. Ich möchte diesen Limettenspritzschuss mit diesem endgültigen Produktschuss verbinden mit diesem endgültigen Produktschuss und schon kann man feststellen, dass dieser Heldenschuss diesen Dolly Out Move hat, aber unser Limettenschuss hat keine Bewegung außer die Limette fällt hinein und spritzt dann überall Wodka. Schon wenn ich mir diese Aufnahme ansehe, weiß ich, dass ich mit diesem Glas auf Action abstimmen und einen digitalen Zoom-Out nutzen muss . Mir ist sofort aufgefallen , dass wir bereits eine Komposition erreichen , weil wir diese zylinderartige Form hier mit dem Glas und der Reflexion haben dem Glas und der Reflexion und wenn wir den nächsten Schuss treffen, wir haben diese Zylinderform dieser Flasche. Der Match-Schnitt ist der Ort, an dem Sie die Komposition oder Aktion zweier verschiedener Schüsse anpassen, und technisch gesehen der eigentliche Zweck des Spiels darin, zwei separate Szenen zusammenzubrücken . Wenn Sie einen Weg finden, die kompositorischen Elemente auch von einem Schuss zur nächsten anzupassen , verwenden Sie auch die Eye Trace-Technik, die ein zusätzliches Element der reibungslosen Bearbeitung und Bedeutung hinzufügt zu deiner Bearbeitung. Wir können ein bisschen optimieren, um diese beiden Aufnahmen etwas mehr miteinander zu kombinieren , und offensichtlich erreichen wir bereits eine Augenspur, weil das Auge des Betrachters vermutlich in der Mitte des Rahmens liegt, weil das Auge des Betrachters vermutlich in der Mitte des Rahmens liegt, weil es ist der Mittelpunkt dieser Komposition von dieser Aufnahme bis zu diesem Bild, wir sind schon ziemlich auf dem Etikett und wir können es ein wenig bewegen , um die Augenspur etwas effektiver zu nutzen. Um diese Aufnahmen ein bisschen besser anzupassen, mache ich unseren Glasschuss und schiebe ihn auf Layer 2 und wir öffnen einfach diese Ebene, damit wir auf unsere Deckkraft zugreifen können. Bevor ich meine Deckkraft anpasse, verlängere ich den Clip über unseren Flaschenclip und ich werde die Deckkraft verringern, damit wir einen Zwiebelhaut oder einen Überlappungslook erhalten und wir können hier sehen dass es schon ziemlich gut ist. Aber weil ich Perfektionist bin, möchte ich es noch besser aussehen lassen und was ich auch hier sehen kann, ist, dass der Flaschenschuss tatsächlich etwas schief ist. Wir reparieren das, indem wir unsere Rotation anpassen. Dann werde ich auch die Skala der Flasche erhöhen , um dem Maßstab der Klasse zu entsprechen. Jetzt haben wir etwas, das schon viel besser passt, und ich werde an dieser Stelle gleich hier die Flasche auspuppen. Was ich auch machen möchte, bevor ich mit diesem Schuss vorankomme, ist sicherzustellen , dass der Schuss zentriert ist und ich kann jetzt feststellen, dass dies nicht der Fall ist. Ich weiß, dass das sehr pingelig wird, aber weil es zentriert sein soll und nicht ganz zentriert ist, möchte ich dem Publikum keine Gelegenheit geben , abgelenkt zu werden. Ich möchte, dass der Fokus auf der Geschichte dieser Marke liegt. Ich klicke auf „Mein Programmmonitor“ und navigiere zur Ansicht. Ich habe Show-Guides aktiviert, aber es gibt keine Anleitungen, also zeige ich meine Lineale und dann kann ich auf die „Lineale“ klicken, sie in die Mitte ziehen, was 960 ist, und was wir tun können, ist, dass du kannst Klicken Sie mit der rechten Maustaste auf Ihren „Guide“, klicken Sie auf „Leitfaden bearbeiten“ und wenn Sie noch genauer werden möchten , geben Sie 960 für die Hälfte unseres Frames ein. Wir können dasselbe auch tun, indem wir auf eine „Horizontale Führung“ von oben nach unten auf 540 klicken. Jetzt können wir den Sensor eines Rahmens sehen. Wir wissen jetzt, welche Anpassungen wir an unserer Flasche und unserem Glas vornehmen müssen unserer Flasche und unserem Glas um sicherzustellen, dass sie zentriert sind. Die kurze Randnotiz zu Guides hier ist, dass Sie Guides auch als hilfreiches Werkzeug verwenden können , um Augenspuren zu erzielen. Mit deinen Guides kannst du deinen Augenspurpunkt aus einem Schuss finden deinen Augenspurpunkt aus und ihn mit dem nächsten Schuss abgleichen. Ich schalte meine Deckkraft wieder auf 100 und mache hier eine Bearbeitung. Dort passiert der Schnitt. Ich merke bereits, dass das vertikale Wodka-Etikett auch nicht ganz zentriert und es für mich etwas seltsam aussieht, also kann ich es vielleicht ein bisschen nach unten bewegen und ich könnte sehen, dass es die Ernte gibt, also So weit will ich nicht runter kommen. Selbst dort sieht es viel besser aus. Wir passen die Komposition mit diesen Formen ab und wollen jetzt auf Action abstimmen. Bevor ich jetzt gerade Keyframes zu diesem Clip hinzufüge, muss ich bestimmen, wo der Schnitt sein soll. Weil ich diese Bewegung hier mag und ich die Bewegung abschneiden möchte, möchte ich hier nicht rauszoomen weil die Aufregung des Shots genau hier ist, wo all das hier ist Wodka läuft gerade aus. Wenn ich darauf warte, die Bewegung danach zu erstellen, Vodkas bereits verschüttet, wir haben den Höhepunkt dieses Clips verpasst. Ich möchte, dass diese Bearbeitung aufregend ist, ich möchte, dass sie in Bewegung bleibt. Was ich tun werde, ist, dass ich gleich hier eine Bearbeitung mache , wo es immer noch viel Bewegung in der Aufnahme gibt. Dann verbinde ich die beiden Schüsse miteinander. [MUSIK] Weil wir einen Dolly Outshot bei unserem vertikalen Wodka-Helden haben , aber wir haben keinen Dolly hier draußen auf unserem Glasschuss. Nun, du hast es erraten. Wir müssen mit unserem Glasschuss einen digitalen Zoom-Out erstellen. Wir können ein paar Keyframes hinzufügen. Bewegen Sie am Ende ein paar Frames und fügen Sie ein zusätzliches Keyframe hinzu. Dann zoomen wir den ersten Keyframe an , damit wir einen digitalen Zoom wie diesen erstellen . Spielen Sie es zurück und Sie werden feststellen, dass die Flasche nicht mit der gleichen Geschwindigkeit herauszoomt. Wir können das Glas entweder an die Flaschengeschwindigkeit anpassen oder diese Bearbeitung noch effektiver gestalten. Was ich tun werde, ist, dass ich die Geschwindigkeit des Flaschenausschlags erhöhen werde , indem ich einen digitalen Zoom erstelle. Dies ist effektiver, da das Publikum mit einer schnelleren Geschwindigkeit eine schnellere Reaktionszeit haben muss , um den Schnitt einzufangen. An einem Keyframe am Anfang des Helden auf der Skala geschossen und ich werde auch einen auf Position hinzufügen , da wir die Zusammensetzung des Flaschenschusses anpassen müssen , wenn wir herauszoomen. Ein paar Frames werden wir später Keyframes hinzufügen. Zoomen Sie diese Aufnahme mehr heraus, passen Sie die Komposition so an, dass wir keinen Zuschnitt zeigen, und lassen Sie es uns wiedergeben. Wir haben den Schuss verbessert, aber dann können Sie sehen, dass wir diese erschütternde Beule im Flaschenschuss genau hier haben . Ich denke, wir können das mit einigen Bezier-Kurven bei unserer letzten Optimierung glätten , und wenn nicht, müssen wir später trotzdem Änderungen vornehmen. Da es schwieriger ist, schnellere Bewegungen zu verfolgen, die Erhöhung der Geschwindigkeit der Bewegung, die jeden Schuss verbindet wird die Erhöhung der Geschwindigkeit der Bewegung, die jeden Schuss verbindet, einen besseren Job machen, um die Bearbeitung zu verbergen. Um die Geschwindigkeit unserer Aufnahmen zu erreichen, können wir entweder unsere Bezier-Kurven verwenden oder den Abstand zwischen unseren Keyframes ändern. Letztendlich machen Sie eine Kombination aus beidem, aber da wir unsere Bezier-Kurven nicht anpassen, werde ich nur die Entfernung unserer Keyframes reduzieren. Ich schaue mir den Schnitt noch mal an. Im Moment fühlt es sich an, als wäre die Flasche etwas langsam, also passe ich die Keyframes dort an. Es sieht ein bisschen besser aus, und ich weiß, dass wir nicht so viel Platz haben , um diesen Keyframe in diese Klassenaufnahme zu verschieben, aber ich werde es nur ein bisschen mehr verschieben. Großartig. Das sieht viel besser aus. Zusammenfassung, wir sind immer auf der Suche nach diesen Möglichkeiten , zwei Schüsse durch Bewegung und passende Komposition miteinander zu verbinden zwei Schüsse durch Bewegung und passende Komposition miteinander . Sie auf Augenspuren achten, passen Sie die Zusammensetzung oder den Augenspurpunkt passen Sie die Zusammensetzung oder den Augenspurpunkt indem Sie Ihre Deckkraft an die Zwiebelhautschichten anpassen, und natürlich gibt es andere Möglichkeiten, dies zu tun, z. führt oder Benutzermauszeiger, um eine grobe Vorstellung von Augenspuren zu erhalten, während Sie zwischen jedem Schuss hin und her schaltet. sowohl die Qualität der Bewegung als auch die Anpassung der Geschwindigkeit anpassen, erhalten Sie einen reibungsloseren Übergang von Schuss zu Schuss und denken Sie daran, sobald Sie Bewegungsunschärfe hinzugefügt und einige letzte Optimierungen vornehmen innerhalb der Nachwirkungen wird es viel besser aussehen. [MUSIK] 9. Zeitumstellung: Diese beiden Aufnahmen enthalten beide Kamerabewegungen, eine davon ist ein Dolly Out und einer ist ein Dolly in. Mit etwas Arbeit könnten wir diese beiden Schüsse mit Zeit-Neuzuordnung oder Geschwindigkeitsrampen verbinden . [MUSIK] Zeit-Neuzuordnung oder Geschwindigkeitsrampen ist eine Möglichkeit , Ihren Clip zu beschleunigen oder zu verlangsamen. Dies kann auf praktische Weise oder Storytelling verwendet werden , um eine Bearbeitung zum Laufen zu bringen, zeitlich um die Aufnahme zu dramatisieren, um schnell eine Sequenz zu durchlaufen. Es gibt so viele verschiedene Möglichkeiten, Geschwindigkeitsrampen zu verwenden. Aber in diesem speziellen Fall zeige ich Ihnen, wie Sie eine Geschwindigkeitsrampe als Werkzeug verwenden , um zwischen zwei Schüssen zu wechseln. Wir müssen diesen Dolly Out Shot mit diesem Dolly in Schuss abgleichen . Um das zu tun, klicke ich mit der rechten Maustaste auf diesen Clip. Wählen Sie Geschwindigkeit/Dauer oder die Hotkey-Steuerung, unseren Befehl R, wählen Sie die Rückwärtsgeschwindigkeit aus. Jetzt spiele ich es zurück und es ist sehr langsam, die Verbindungsgeschwindigkeit ist nicht korrekt, aber wir können das mit Geschwindigkeitsrampen beheben. Um auf die Zeitneu zuzugreifen, können Sie hier unten mit der rechten Maustaste auf dieses Symbol für kleine Effekte klicken, zur Zeitzuordnung nach unten navigieren und Geschwindigkeit auswählen. Jetzt sehen Sie, dass wir diesen Balken in der Mitte haben , auf den wir klicken und ziehen können, um die Geschwindigkeit zu erhöhen oder die Geschwindigkeit zu verringern. Wählen Sie P für das Stiftwerkzeug aus und klicken Sie auf einen Punkt im Diagramm. Ich gehe mit Eishockey V zu meinem Auswahlwerkzeug zurück und klicke und ziehe diese Griffe auf. Jetzt habe ich diese beiden Griffe zur Verfügung, denen ich eine Geschwindigkeitsrampe erstellen kann. Wenn ich diese Seite des Clips nach oben bewege, wirst du sehen, dass wir einen Geschwindigkeitsrampe erstellen. Wir steigen von Echtzeit auf 317 Prozent und wir können dies nur ein bisschen mehr erhöhen. Vielleicht gehen wir zu 720 und stellen sicher, dass Ihre Griffe die eigentliche Dolly Bewegung beeinflussen . Sie können sehen, dass sich der Clip überall bewegt, und das liegt nur daran, dass wir die Zeit des Clips manipulieren. Es wird sich verkürzen und verlängern je nachdem, wie wir diese Griffe manipulieren. Ich spiele das einfach wieder ab. Du kannst sehen, dass wir langsam beschleunigen. Es ist nicht perfekt, aber es ist etwas und jetzt können wir das Gleiche mit diesem Schuss machen. Rechtsklicken Sie auf das Effektsymbol Wählen Sie die Geschwindigkeit der Zeit für die Neuzuordnung drücken Sie P für das Stift-Werkzeug. Verlängern Sie die Griffe offen und erstellen Sie dann einen weiteren Geschwindigkeitsrampe auf dieser Seite, da ich möchte, dass die Geschwindigkeit von diesem Schuss entspricht, der 721 Prozent zu diesem Schuss entspricht. Ich weiß, dass die Dollies nicht genau in der Geschwindigkeit übereinstimmen. Aber sie sind nah genug , dass ich denke, wenn ich das an die ausgehende Geschwindigkeit meines anderen Geschwindigkeitsrampes anpasse , werden wir etwas ziemlich nahe kommen. Da sind wir los. Alles klar. Lass es uns wiedergeben. Alles klar, also haben wir hier einen kleinen Sprung. Ich mache dort einen Schnitt, weil ich denke, dass es dort nur auf dem Laufenden ist. Dann haben wir auch ein bisschen Tief bei diesem Schuss. Der Name des Spiels ist hier, um sicherzustellen, dass Sie auf dem Höhepunkt der Action schneiden. Wenn du das nicht tust, wirst du so tief werden und es wird die Energie zwischen den beiden Schüssen töten. Wir haben einen Schuss, der langsam auf hohe Geschwindigkeit ansteigt. Je schneller die Geschwindigkeit und der Schuss, desto einfacher ist es, die Bearbeitung zu verbergen. Wir schneiden auch auf der Höhe der Geschwindigkeit oder der Höhe der Aktion des Schusses und verbinden diese dann mit der Höhe der Aktion des nächsten Schusses und dem schnellsten Teil des nächsten Schusses. Boom. In der vorherigen Lektion habe ich darüber gesprochen, die Höhe der Aktion zu reduzieren. Das war ein wichtiges Prinzip beim Schneiden Wodka-Spritzschusses auf den Heldenschuss. Wir möchten die Höhe der Aktion reduzieren weil wir nicht möchten, dass die Energie oder der Fluss mitten in einer Bearbeitung getötet werden, sondern mitten in einer Bearbeitung getötet werden, jede Bearbeitung zum nächsten hinzugefügt werden soll. Die Höhe der Aktion zu reduzieren ist wichtig , um diese Energie von Schuss zu Schuss fließen zu lassen. Eine zusätzliche Sache, die wir tun können, um diese Rampen noch mehr zu glätten , ist das Hinzufügen von Bezier-Kurven zu den Rampen. Klicken Sie auf den Griff, damit zusätzliche Griffe angezeigt werden. Klicken Sie auf einen der Handle, Sie können die Maus nach links und rechts bewegen , um die Kurvenmenge anzupassen. Wir bekommen eine Leichtigkeit heraus und rampeln dann in der Mitte und lassen uns dann ein oder ein völlig verrückter Sprung in der Mitte. Wenn Sie Ihren Geschwindigkeitsrampe angepasst haben, bewegt sich Ihr Clip überall und anstatt den Clip herauszuziehen und Rand des Clips zu klicken und zu ziehen, würde ich vorschlagen, die Slip-Tool, mit Hotkey, Y, wird einfach den gesamten Clip überrutschen. Das bisschen Optimierungen, wir könnten die Bewegung tatsächlich noch reibungsloser machen . Ein letzter Tipp zu Geschwindigkeitsrampen und es tut mir leid, wenn dies offensichtlich ist, wenn Sie beschleunigen, ist es völlig in Ordnung, die Geschwindigkeit zu erhöhen. Wenn Sie sich entscheiden, Dinge zu verlangsamen, stellen Sie sicher, dass Sie nicht unter die Bildrate Ihres Clips gehen , sonst erhalten Sie ein so stottertes Aussehen. Zur Zusammenfassung: Geschwindigkeitsrampen ist der Ort, an dem Sie die Geschwindigkeit für Storytelling-Zwecke aus praktischen Gründen und in diesem Fall erhöhen oder verringern , und wir haben beschrieben, wie Sie das Geschwindigkeitsrampen verwenden um zwei zu verbinden verschiedene Schüsse zusammen. Je schneller die Geschwindigkeit des Schnitts ist, desto glatter wird die Bearbeitung. Stellen Sie sicher, dass Sie die Höhe der Aktion schneiden, um die Wirkung von Geschwindigkeitsrampen zu maximieren. Denken Sie auch darüber nach, Ihre Geschwindigkeitsrampen mit digitaler Bewegung zu kombinieren und natürlich auch Bewegungsunschärfe bei Ihren digitalen Bewegungen zu ermöglichen. All diese Elemente kombiniert, können Sie einige sehr glatte Übergänge erstellen. In Ordnung, jetzt möchte ich, dass Sie all diese verschiedenen Ideen, die wir bis zu diesem Zeitpunkt besprochen haben, nehmen und versuchen, sie in Ihre Bearbeitung zu integrieren. Machen Sie einen groben Schnitt mit Ihren allgemeinen linearen Keyframes für die Bewegung, und dann werden wir in der nächsten Lektion diesen Rohschnitt machen und ihn in After Effects importieren. 10. Importing Premiere in After Effects: Ich habe eine Bearbeitung abgeschlossen , bei der ich den grundlegenden Look dessen erstellt habe, was ich anstrebe. Werfen Sie einen Blick darauf. [MUSIK] Es ist immer noch ein bisschen rau an den Rändern mit der Bewegung, aber das ist okay. In diesem Stadium schruppen wir nur die Bewegung mit linearen Keyframes aus, weil wir wissen, dass After Effects Bezier-Kurven nicht interpretieren wird. Wenn Sie es wirklich brauchen, können Sie in After Effects immer ein paar kleine Änderungen an Ihren Clips vornehmen . Aber abgesehen davon ist dies so ziemlich die allgemeine Struktur meiner Geschichte. Die letzten Bezier-Optimierungen werden in After Effects zusammen mit jeder Maskierung oder vielleicht sogar Bewegungsgrafiken stattfinden . Eine Sache, die vielleicht etwas seltsam erscheint, aber wir werden viel sinnvoller machen, wenn Sie Ihr After Effects-Projekt öffnen besteht darin, alle Ihre Clips auf zwei separaten Videoebenen einzustellen. [MUSIK] Bewegen Sie einfach das alles nach oben, das nach oben. Jetzt erhält jedes Video seine eigene Ebene. Ich würde auch vorschlagen, Keyframes für Ihre Fades in Ihrem Audio zu verwenden Ihre Fades in Ihrem Audio zu anstatt standardmäßige Audioauflösung zu verwenden. Noch einmal erkläre ich den Grund dafür später in dieser Lektion. Wir speichern unser Projekt und gehen auf After Effects. Da wir unser Adobe Premiere-Projekt importieren möchten, navigieren Sie zu Datei, Importieren und Importieren von Adobe Premiere Project. Wählen Sie Ihr Klassenprojekt aus, Öffnen, und hier haben wir das Premiere Pro-Importeur-Fenster. Wählen Sie Sequenzen aus. Es zeigt alle Ihre Arbeitsabläufe, einschließlich Ihrer Nester, damit es überwältigend werden kann. Sie müssen sie nicht alle importieren. Wählen Sie einfach die Sequenz aus, die Ihre Arbeitssequenz ist. Stellen Sie sicher, dass Sie auch Ihr Audio importieren. Jetzt werden Sie hier sehen , dass es unser Adobe After Effects-Projektfenster mit all unseren Aufnahmen füllt unser Adobe After Effects-Projektfenster mit all unseren Aufnahmen und alle Ordner geöffnet bleiben, was nicht notwendig ist, also schließe ich sie. [MUSIK] Dann haben wir unsere Projektsequenz genau hier. Wie Sie sehen können, hat es die Projektsequenz genommen und in eine After Effects-Komposition konvertiert. After Effects arbeitet mit Kompositionen, die den Sequenzen in Premiere Pro entsprechen. Nach einem Doppelklick, um die Komposition zu öffnen, können Sie hier sehen, warum ich mich entschieden habe alle meine Clips auf separaten Ebenen zu platzieren, da After Effects so funktioniert. Es funktioniert in Ebenen. Wenn ich alle meine Premiere Pro-Clips so hatte, wie sie zuvor waren, wird es ein bisschen chaotisch. solche Standard-Audioübergänge zu verwenden, wird es als eigener Übergang in After Effects importiert, was Ihr After Effects-Projekt viel verwirrender zu betrachten macht . Auf diese Weise ist es einfacher, alles aufzunehmen. Ich sehe hier, dass ich alle meine Audioclips habe. Wenn ich wirklich möchte, kann ich sie auswählen, mit der rechten Maustaste auf das Etikett klicken und alle ändern, dasselbe mit meinen Videoclips machen und sie alle in etwas ganz anderes ändern. Sie können auch sehen, dass wir diese Pre-Comps haben, was einem Nest in Premiere Pro entspricht. Ich kann alle meine Pre-Comps in After Effects auswählen, das Label auswählen und diese auch in eine andere Farbe ändern. Jetzt kann ich noch deutlicher sehen, was in meinem After Effects-Comp vor sich geht. Sie vor dem Importieren Ihres Premiere-Projekts sicher, dass Sie alle Ihre Medien auf separate Ebenen einstellen Ihre Medien auf separate Ebenen Wenn Sie also in After Effects importieren, ist Ihre Zeitleiste für die Augen etwas einfacher. Verwenden Sie Keyframes für Ihre Video- und Audio-Fades anstelle von Standardübergängen , um zusätzliche unerwünschte Ebenen in After Effects zu reduzieren . Sie darauf, die Labels in After Effects zu nutzen , nur viel einfacher anzusehen, denn vertrauen Sie mir, After Effects können sehr komplex werden. [MUSIK] 11. Bezier Kurven in After Effects erstellen: Wir werden damit beginnen, diese Bewegung genau hier zu animieren. Navigieren Sie zur Ebene und klicken Sie auf das kleine Dreieck auf der linken Seite. Öffne die Transformation. Sie werden hier sehen, dass wir diese Transformationseigenschaften zur Verfügung haben , die denen in Premier Pro auf der Registerkarte Effektsteuerelemente sehr ähnlich sind. Um zu vergrößern, um einen besseren Überblick über unsere Keyframes zu erhalten, können wir hier auf diese kleine Lupe klicken und diese ziehen. Sie können diese ersten paar Keyframes etwas einfacher sehen. Um auf das Animationsdiagramm zuzugreifen, klicken Sie auf das Diagrammsymbol, das sich hier befindet. Wenn wir das auswählen, erhalten wir unseren Graph-Editor. Aber wir sehen momentan nichts, weil wir keine unserer wichtigsten gerahmten Eigenschaften hervorgehoben haben. Sobald Sie es hervorheben, werden Sie sehen, okay, wir haben unsere Skalierungseigenschaft in Graphform, und wir können auch bei gedrückter Umschalttaste auf unsere Rotationseigenschaft klicken , um die Graphansicht mehrerer Eigenschaften und deren Keyframes. Wenn Sie lieber das Geschwindigkeitsdiagramm verwenden, können Sie dieses Listensymbol hier unten auswählen , um Ihre Anzeigeoptionen für das Diagramm anzuzeigen. An dieser Stelle möchte ich das Geschwindigkeitsdiagramm nicht verwenden, daher verwende ich weiterhin das Wertediagramm. Wenn dies zu überwältigend ist, um all diese Keyframes auf einmal zu sehen, dann arbeite einfach mit einer Eigenschaft nach der anderen. Wir können mit der Skalierung beginnen. Halten Sie Option oder Alt gedrückt, während Sie zuerst darauf klicken können Sie einen Handle aus dem Keyframe ziehen. In diesem Fall möchte ich den digitalen Zoom herauszoomen. Tippen Sie sehr schnell darauf und lassen Sie sich dann am Ende langsam ein. Denken Sie daran, denn dies ist das Wertediagramm, steiler die Kurve ist, desto schneller die Bewegung. Da wir digital herauszoomen, bewegt sich unsere Kurve nach unten und nimmt im Maßstab ab. Ich werde den ersten Keyframe-Drop sehr dramatisch haben und dann dem zweiten Keyframe einen Handle hinzufügen , um diese sehr allmähliche Leichtigkeit hinzuzufügen. Option Alt, klicken und ziehen. Was es auch tun kann, ist die Umschalttaste gedrückt zu halten, um diese Griffe auf diese Diagrammlinie zu beschränken. Das ist großartig, weil wir nicht möchten, dass diese Zeilen so aussehen, denn dann stoßen wir auf dieses Problem, bei dem die Bezier-Kurve den Wert des zweiten Keyframes übersteigt den Wert des zweiten Keyframes und Ihnen das gibt Bumerang - oder Bungee-Jump-Look. Stellen Sie sicher, dass Sie die Umschalttaste gedrückt halten, damit die Bezier-Kurve Ihren zweiten Keyframe-Wert nicht überschreitet . Sie haben vielleicht bemerkt, dass das Diagramm beim Anpassen der Kurven automatisch verhindert, dass jedes Keyframe den oberen oder unteren Rand des Graphen verlässt . liegt daran, dass ich meine Höhe des automatischen Zoom-Diagramms eingeschaltet habe. Wenn Sie alle Ihre Keyframes auf einmal im Graph-Editor sehen möchten , klicken Sie auf das Symbol „Alle Grafiken an Ansicht anpassen“. Ich bin mit dieser Art von Leichtigkeit zufrieden, aber ich kann schon sagen, dass vier Frames es nicht schneiden werden. Ich werde alles ein wenig bewegen wollen , damit die Leichtigkeit allmählicher ist. Ich verschiebe den Keyframe rüber. Jetzt stoßen wir wieder auf dieses Problem, also nehme ich nur ein paar Anpassungen vor. Jetzt habe ich die Qualität der Bewegung, die ich auf unserem maßstabsgetreuen Grundstück suche. Jetzt erstelle ich eine sehr ähnliche Kurve meine Rotationseigenschaft. Da ich in diesem Fall eine flüssige Rotation und gleichzeitig verkleinern möchte , ist es wichtig, dass sich meine Keyframes genau auf demselben Frame befinden , damit die Bewegung synchron ist. Halten Sie Option Alt gedrückt und ziehen Sie einen Handle. Ich mache das Gleiche mit diesem Punkt. Halten Sie die Umschalttaste gedrückt, um die Punkte auf der horizontalen Achse zu Dort haben wir jetzt eine ähnlich aussehende Kurve, aber Sie können hier sehen, dass sich unsere Rotation über nur geringfügig ausdehnt. Auch hier wissen wir, woher dieser seltsame Blick kommt. Wenn Sie nur die Rotationseigenschaft auswählen, können wir sehen, dass sie von der Bezier-Kurve stammt die den Wert des zweiten Keyframes überschreitet. Sobald Sie Ihre Keyframes im selben Bild in Ihrer Timeline haben und jede Eigenschaft eine ähnliche Krümmung aufweist, geht es nur darum, die Dauer der Bewegung selbst zu optimieren die Dauer der Bewegung , bis Sie das gewünschte Aussehen erhalten. Nachdem Sie Ihre Kurven durchgearbeitet haben, stellen Sie möglicherweise fest, dass Sie einige Ihrer Clips neu einstellen möchten . Möglicherweise stellen Sie fest, dass sie möglicherweise nicht richtig abgestimmt wurden. Oder wenn Sie Kurven hinzufügen, stellen Sie fest, dass sich das Timing möglicherweise ändern muss. Halten Sie Strg oder Befehl gedrückt, während Sie auf den Play-Kopf klicken und ziehen. [NOISE] Sie werden nicht nur durch die Bilder schrubben, sondern auch eine Audiovorschau , mit der Sie Ihre Musik beim erneuten Timing und Anstoßen Ihrer Clips berücksichtigen können. Während Sie Ihre Animationen durcharbeiten, werden Sie wahrscheinlich häufig zwischen zwei verschiedenen Aufnahmen wechseln häufig zwischen zwei verschiedenen Aufnahmen , um sicherzustellen , dass die Animation übereinstimmt. Wenn Sie schnell auf Ihre aktiven Keyframes zugreifen möchten, können Sie auf Ihre „Ebene“ klicken und dann die U-Taste drücken, um die Eigenschaften mit all Ihren aktiven Keyframes anzuzeigen . Sie können auch schnell auf einzelne Eigenschaften zugreifen , indem Sie P für Position, S für Skalierung, R für Rotation und A für Ankerpunkt eingeben. Um es zusammenzufassen, verwenden Sie Ihren Graph-Editor, um Ihre Kurven anzupassen. Um Überwältigung zu vermeiden, animiere jeweils eine Eigenschaft. Stellen Sie sicher, dass die Keyframes aus einer Ihrer aktiven Eigenschaften übereinstimmen, um die synchrone Bewegung aufrechtzuerhalten. Ich habe dies in dieser Lektion nicht erwähnt, aber Sie können auch Ihre Easy Ease-Symbolschaltfläche hier verwenden , um eine Kurve für alle Ihre Keyframes auf einmal zu erstellen eine Kurve für alle Ihre Keyframes auf und dann von dort aus anzupassen. [MUSIK] 12. Motion Unur in After Effects: An dieser Stelle ist es eine gute Idee, Bewegungsunschärfe zu aktivieren. Bewegungsunschärfe wird das Aussehen Ihrer Bewegungen dramatisch verändern und die zusätzliche Unschärfe ermöglicht es uns, leichter einen sanften Übergang zwischen zwei Aufnahmen mit Bewegung zu erzeugen einen sanften Übergang zwischen . Sie finden das Bewegungsunschärfe-Symbol links neben dem Graph-Editor-Symbol. Klicken Sie darauf, um die Bewegungsunschärfe zu aktivieren. Bewegungsunschärfe funktioniert jedoch nur, wenn Sie den Bewegungsunschärfe-Schalter auf jeder Ebene, Controller- und Befehlshilfen umgeschaltet den Bewegungsunschärfe-Schalter auf jeder Ebene, haben, um alle Ihre Ebenen gleichzeitig auszuwählen, und wählen Sie dann den Bewegungsunschärfe-Schalter um alle Ihre Layer gleichzeitig einzuschalten. Umschalttaste Befehl A oder Steuerbefehl A, um die Auswahl aller aufzuheben. Nachdem Sie die Bewegungsunschärfe aktiviert haben, können Sie mit größeren und schnelleren Bewegungen davonkommen da die feinen Details des Bildes verschwommen sind und wir uns nur auf diesen verschwommenen Blob konzentrieren müssen und nicht auf die feinen Details . Es gibt weniger visuell zu interpretieren. Um Anpassungen an Ihrem Verschlusswinkel vorzunehmen, navigieren Sie zu Ihrer Komposition Rechtsklick, wählen Sie Kompositionseinstellungen aus und im Fenster mit den Kompositionseinstellungen klicken Sie im Fenster mit den Kompositionseinstellungen auf die „Registerkarte Erweitert“ und sehen Sie hier wir diesen Bewegungsunschärfe-Abschnitt genau hier haben und schauen Sie sich das an. Unser Verschlusswinkel ist standardmäßig auf 180 eingestellt und Sie können ihn sogar in After Effects auf 720 Grad einstellen, was zu einer wilden Bewegungsunschärfe führt. Ich würde dies nicht unbedingt empfehlen, da unser Filmmaterial in einem Verschlusswinkel von 180 Grad aufgenommen wurde. Aber die Option ist hier, Sie können Anpassungen vornehmen, was sehr cool ist. Schalten Sie das zurück auf 180. Eine andere Sache, die ich bis jetzt nicht bemerkt habe, unser erster Schuss, wird die Skala erhöht, was seltsam ist. Ich bin mir nicht sicher, wie das passiert ist, aber um dies zu beheben, können wir auf unsere kostenlose Comp oder Nest doppelklicken, unsere verschachtelte Aufnahme „auswählen“ und auf S tippen um nur die Skaleneigenschaft zu öffnen. Sie können hier sehen, dass es bei 100 Prozent liegt, wir wollen , dass es bei 50 Prozent liegt. Jetzt sieht es so aus, wie es innerhalb unseres Premier-Projekts macht . Nachdem ich die Bewegungsunschärfe aktiviert habe, habe ich den Unterschied in Skalierung und Rotation zwischen meinen Schlüsselbildern erhöht Skalierung und Rotation zwischen , um die Intensität des Dramas des Shots und der Bewegung selbst zu verbessern . Wenn Sie Bewegungsunschärfe aktivieren, ist es noch einfacher, unsere Bearbeitungen auszublenden da die erhöhte Bewegungsunschärfe es schwieriger macht , sich auf einen bestimmten Punkt im Frame zwischen dem Schüsse verbinden. Möglicherweise stellen Sie auch fest, dass Sie ihre Bewegungen mit der neu hinzugefügten Bewegungsunschärfe viel stärker dramatisieren können. 13. Getrennte Dimensionen: [MUSIK] Jetzt ist es an der Zeit, unseren nächsten Schuss anzugehen. Was an diesem Schuss anders ist , ist, dass wir es jetzt mit einer neuen Immobilie zu tun haben, der Positionseigenschaft. Wenn Sie darauf klicken und es in den Graph-Editor laden , können Sie sehen, dass wir zwei separate Graphen haben und das liegt daran, dass die Position einen X- und einen Y-Wert hat. Wenn Sie es mit Position zu tun haben, haben Sie es mit diesen beiden Koordinaten zu tun. Wenn Sie versuchen, eine Kurve in unser Positionsdiagramm einzufügen , funktioniert es nicht. Sie können jedoch mit der rechten Maustaste klicken und Keyframe, Easy Ease In , Easy Ease, Sie können das hinzufügen, aber es gibt keine Möglichkeit, die Kurve anzupassen. Das liegt daran, dass sowohl die X- als auch die Y-Koordinaten verbunden sind. Wir können sie nicht einzeln anpassen , wenn sie verbunden sind. Um die X- und Y-Werte zu trennen, klicken Sie mit der rechten Maustaste auf Ihre Position -Eigenschaft und wählen Sie hier Separate Dimensionen aus. Jetzt haben wir die Möglichkeit, unsere X-Position und y-Position anzupassen. Halten Sie die Option gedrückt, klicken und ziehen Sie und erstellen Sie unsere Kurve. 14. Glatte Bewegung: [MUSIK] Es ist einfach, vom Graph-Editor überwältigt zu werden, insbesondere wenn Sie mehrere Eigenschaften gleichzeitig animieren . Dies kann zu häufigen Fehlern führen, die etwas einfache Lösungen haben. Wenn Sie bemerken, dass sich die Bewegung durch eine Eigenschaft, aber nicht in einer anderen Eigenschaft fortgesetzt wird, kann dies bedeuten, dass Sie Ihre ausgehenden und eingehenden Keyframes nicht abgeglichen haben kann dies bedeuten, dass Sie Ihre ausgehenden und eingehenden Keyframes nicht abgeglichen haben. In dieser Aufnahme war ich so investiert , dass die Bewegung richtig aussieht, aber ich habe die ausgehenden Keyframes übersehen, und irgendwie landeten sie auf separaten Frames. Stellen Sie sicher, dass sich Ihre Keyframes im selben Frame befinden , um eine synchrone Bewegung sicherzustellen. In dieser Kombination von Aufnahmen habe ich komplexere Rotationen in den Mix eingeführt und verbinde zwei ähnliche Aufnahmen. Wenn Sie zwei ähnliche Schüsse verbinden, kann es hilfreich sein Ankerpunkte von Schuss zu Schuss zu kombinieren. In dieser Aufnahme befindet sich unser Ankerpunkt von der breiten Flasche bis zum nahen Schuss standardmäßig in der Mitte des Rahmens für jeden Schuss. Wir wissen nicht unbedingt, wo sich dieser Ankerpunkt in Bezug auf die Flasche befindet , wenn wir diese beiden Schüsse vergleichen. Wenn Sie jedoch Ihren Ankerpunkt so animieren, dass er von einem Schuss zum nächsten an einem bestimmten Teil eines Objekts befestigt von einem Schuss zum nächsten an einem bestimmten Teil wird, fällt es Ihnen möglicherweise leichter , Drehungen abzugleichen. In diesen beiden Aufnahmen habe ich meinen Ankerpunkt an diese kleine Lippe im Flaschenhals angepasst meinen Ankerpunkt an . Das half sicherzustellen , dass meine Rotation von Schuss zu Schuss konsistent war, meinen Rotationsanimationen übereinstimmte und sich dann nur wirklich um meine Position und Skalierung sorgen musste . Wenn Sie alle animierten Eigenschaftenkurven gleichzeitig anzeigen und nicht unbedingt ein genaues Bild davon erhalten, nicht unbedingt ein genaues Bild davon erhalten was mit jeder Kurve vor sich geht, versuchen Sie, jeweils eine Kurve zu animieren. Sie können auch das Scrollrad Ihrer Maus verwenden, während Steuerung gedrückt halten, um weiter in den Graph-Editor zu zoomen. Dies ist nur möglich, wenn Sie Höhe des automatischen Zoom-Diagramms deaktiviert haben. Durch Klicken und Halten der mittleren Maustaste können Sie auch schnell auf das Handwerkzeug zugreifen, um zu klicken und zu ziehen und Ihre Ansicht anzupassen. Wenn Sie eine bestimmte Bewegung in Ihrem Projekt bemerken die nicht ganz richtig aussehen, könnten Sie sich ansehen wie viele Keyframes Sie verwenden, um die Bewegung zu erreichen. Mehr Keyframes bedeuten nicht unbedingt besser. Es kann die Dinge leicht zu komplizieren und dazu führen, dass Ihre Bewegungen schlechter aussehen, besonders wenn Sie kein Vollzeit-Animator sind, versuchen Sie, Ihre Bewegungen zu vereinfachen und weniger Keyframes zu verwenden. Sie zur Zusammenfassung sicher, dass Ihre Keyframes übereinstimmen, wenn Sie Probleme mit Ihren Bewegungen haben. Passen Sie diese Ankerpunkte zwischen ähnlichen Aufnahmen an, um die Rotationsanimation zu erleichtern. Passen Sie die Verwendung Ihres Graphen an, damit Sie eine genaue Vorstellung davon erhalten , was mit jeder Eigenschaft vor sich geht. Versuchen Sie auch, weniger Keyframes zu verwenden. [MUSIK] 15. Unsichtbare Bearbeitungen: Die unsichtbare Bearbeitung ist diejenige, die Sie nicht sehen, und das macht es zu einer so leistungsstarken Technik wenn Sie nahtlose Übergänge erstellen möchten. Unsichtbare Bearbeitungen können auf verschiedene Arten verwendet werden, um viele Aufnahmen zusammenzubringen, die als ein langer Take erscheinen. Es kann auch verwendet werden, um zwei verschiedene Aufnahmen oder Szenen nahtlos miteinander zu verbinden . Der unsichtbare Schnitt ist auch eine praktische Möglichkeit, herausfordernde Aufnahmen zusammenzuschneiden , die in einem Take sehr schwierig wären . Ich würde Ihnen wärmstens empfehlen sich die Arbeit dieses Redakteurs anzusehen. Sein Name ist Eddie Hamilton und er hat häufig Filme wie diese gemacht , in denen es unsichtbare Bearbeitungen, Geschwindigkeitsrampen gibt und viele verschiedene Arten digitaler Bewegungen nachbildet , entweder um ein Gefühl zu bekommen oder zwei verschiedene Aufnahmen nahtlos miteinander zu verbinden. Wenn Sie eine unsichtbare Bearbeitung erstellen, ist eine Maske Ihr bester Freund. Alles, was wir tun, ist, unseren verschiedenen Ebenen Masken hinzuzufügen , um die beiden Aufnahmen nahtlos miteinander zu verbinden. Fangen wir mit diesem Schuss an. Stellen Sie sicher, dass Sie zuerst auf Ihre Ebene klicken und auf das „Shape-Tool“ in der Symbolleiste klicken. Wenn Sie klicken und gedrückt halten, können Sie sehen, dass es eine Vielzahl von Formen gibt , aus denen Sie auswählen können. Aber ich wähle das Ellipse-Tool, weil ich den Boden dieses Glases, das eine ähnliche Form hat, maskieren möchte . Wenn der Layer, an dem Sie arbeiten, nicht aktiviert ist erstellen Sie am Ende nur eine Formebene. Stellen Sie also sicher, dass Ihre Ebene aktiviert ist. Es ist nicht nötig, die Reflexion in der Aufnahme zu haben, also klicke und ziehe. Während ich ziehe, kann ich die Leertaste gedrückt halten , um die gesamte Form zu bewegen, oder ich kann die Umschalttaste gedrückt halten, um den Maßstab, die Breite und die Höhe einzuschränken. Ich versuche einfach, die Form des Glasbodens zu bekommen , und ich lasse los. den Punkt auswähle, kann ich die Griffe verwenden , um diese Form zu vervollständigen. Wenn ich in meiner Timeline rückwärts gehe, siehst du, dass ich den ganzen Schuss abschneide, also verschiebe ich meine Maske nach oben. Da ich eine bessere Sicht auf meine gesamte Maske brauche, kann ich das Scrollrad meiner Maus verwenden, um mit meiner Ansicht herauszuzoomen und meine Maske von hier aus anzupassen. Zoomen Sie wieder hinein und jetzt habe ich einen ziemlich guten Schnitt. Das einzige Problem ist, dass der Schnitt sehr hart ist, es ist sehr schwer, was wir tun können ist das mit etwas Federn aufzuweichen. Ich klicke auf meine Ebene, wenn du die Maskenebene nicht siehst, kannst du „M“ für Maske drücken, wodurch die Maskenebene angezeigt wird. Ich schalte dieses Dreieck einfach damit ich den Rest der Eigenschaften sehen kann, zu Feather navigieren und es ziemlich herausfedern kann. Nachdem ich Federn hinzugefügt habe, merke ich, dass wir etwas von der Reflexion des Glases sehen können, also stecke ich unsere Maske nur ein bisschen ein. Es ist in Ordnung, wenn das Federn am Boden unseres Glases stattfindet , denn mit der Bewegungsunschärfe wird es noch mehr glätten. Außerdem siehst du die Maske nur während des Übergangs. Jetzt gehe ich zu diesem Clip und füge eine Maske hinzu. Da wir eine Vignette haben, haben wir eine dunklere Farbe Violett am Rand unseres Clips hier und am Rand unseres Clips genau hier. Was wir tun können, ist, einen Solide für unseren Hintergrund zu schaffen damit wir in unserer Aufnahme keine Transparenz sehen. Bevor wir das machen, füge ich unserem Limetten-Drop-Shot eine Maske hinzu. Klicken Sie auf meinen Limetten-Drop-Shot und klicken Sie dann erneut auf die Formebene und fügen Sie die Maske hinzu. Jetzt schrubbe ich einfach Frame für Frame durch und stelle sicher, dass mein Clip nicht zugeschnitten wird und das ist es auch. Ich wechsle zu meinem Auswahlwerkzeug und wähle jeden Teil meiner Maske aus. Ich möchte den Limettentropfen nicht ausschneiden, sondern das ein bisschen mehr abrunden , damit er etwas besser zur Vignette passt. Ich denke auch, dass ich dieser Maske eine Animation hinzufügen werde dieser Maske eine Animation hinzufügen , damit wir einen reibungsloseren Übergang erhalten. Starte meine Maske hier, gib M auf deiner Ebene für den Maskenpfad ein, erstelle einen Keyframe, gehe auf deiner Timeline vorwärts, und dann klicke und ziehe ich genau diesen Punkt, um dies auch ein wenig zu erhöhen. Werfen wir einen Blick darauf. Jetzt fügen wir die Federn hinzu. Da meine Maskenebene ausgewählt ist, könnte ich F für Feder eingeben, vielleicht bis zu 400. Hab keine Angst, das Federn anzukurbeln. Ja, ich denke, das funktioniert gut. Um mit der Transparenz fertig zu werden, fügen wir einen neuen Volumenkörper hinzu und erstellen den violetten Hintergrund neu. Gehen wir zurück zu Layer, New, Solid und wählen Sie dann mit der Pipette eine Farbe nahe der Kante aus, da wir möchten, dass der Rand unserer Maske der Volltonfarbe entspricht. Unser Solide ist jetzt auf allen unseren Schichten übertroffen. Ich zoome aus meiner Sequenz heraus, indem Option gedrückt halte und das Scrollrad verwende, und schließe diese feste Schicht, um zu unserem Glass Pour Shot zu passen. Ich verschiebe diese Ebene auch einfach unter die Aufnahmen, auf denen wir keine Transparenz sehen wollen. Jetzt schauen wir uns mal hier an. Jetzt können Sie sehen, was unser Solide macht. Wenn ich es ausschalte, schalte es wieder ein, ich sehe, dass die Farbe hier nur ein bisschen heller ist als der Rand unseres Rahmens, was wir nicht wirklich wollen. Was ich tun werde, ist diese Farbe erneut abzulegen , damit sie besser zum Hintergrund passt. Dies erfordert nur ein bisschen Optimierungen, bis Sie etwas bekommen, das funktioniert. Dort ist das nicht schlimm. Wenn es ohne deine Bewegungsunschärfe in Ordnung aussieht, dann weißt du, dass du an einem guten Ort bist. Denn jetzt, wenn wir unsere Bewegungsunschärfe wieder aktivieren, wird sie noch nahtloser. [MUSIK] Nicht schlecht. Zusammenfassend ist der unsichtbare Schnitt der unsichtbare Schnitt, der zwei verschiedene Aufnahmen und Szenen verbindet und verwendet werden kann, um das Aussehen eines langen Take zu erzeugen . [HINTERGRUND] Natürlich ist es ein großartiges Werkzeug , zusammenzuschneiden lange Sequenzen zusammenzuschneiden, die sonst um lange Sequenzen zusammenzuschneiden, die sonst nicht in einem Schuss gemacht werden könnten. Wenn Sie Ihre eigenen unsichtbaren Bearbeitungen erstellen, ist die Maske Ihr bester Freund. Passen Sie Ihren Maskenpfad nach Bedarf an, und stellen Sie außerdem sicher, dass Sie großzügige Federn bieten , um die Aufnahmen und die Verbindungsaufnahmen miteinander zu verbinden . Auch hier wird Bewegungsunschärfe dazu beitragen die unsichtbare Bearbeitung zu lösen. [MUSIK] 16. After Effects Projekt- und Export-Einstellungen: Wenn Sie bereit sind, Ihre Projekte aus After Effects zu exportieren , müssen Sie einige Einstellungen ändern, um die höchste Qualität zu gewährleisten. Die erste besteht darin, die Bittiefe unseres After Effects-Projekts zu wechseln . Bittiefe bezieht sich auf die Farbinformationen, die in einem Bild gespeichert sind. Je niedriger die Bittiefe, desto mehr können Sie die Schritte zwischen den Farben oder dem Banding sehen , und je höher die Bittiefe, desto glatter ist die Farbabstufung. Ein After Effects ist standardmäßig auf acht Bit pro Kanal festgelegt, und da es sich um all diese Vignetten und komplizierten Verläufe handelt , ist es wichtig, dass Sie die Bittiefe Ihres Projekts auf etwas höher als acht Bit pro Kanal, vorzugsweise 32. Jede Art von glatter Farbabstufung, wie eine Vignette, kann leicht zu Bändern führen , wenn die Bittiefe zu niedrig ist. Um die Bittiefe Ihres After Effects-Projekts zu ändern, klicken Sie hier auf dieses kleine Symbol mit 8 BPC, acht Bit pro Kanal, wodurch unsere Projekteinstellungen und unsere Farbregisterkarte geöffnet werden. Wir ändern dies von acht Bit pro Kanal auf 32 Bit pro Kanal. Jetzt klicke ich auf Okay und stelle außerdem sicher, dass dein Workspace dort ist, wo er enden soll. Mein Projekt möchte wahrscheinlich mehr um 13 Sekunden enden. Sie werden auch feststellen, dass After Effects nach dem Wechsel zu 32 Bit noch langsamer laufen wird. Arbeit in acht Bit pro Kanal ist hilfreich, damit Ihre Effekte und Bearbeitungen reibungslos laufen. Stellen Sie einfach sicher, dass Sie es beim endgültigen Export wieder auf eine höhere Bitrate ändern . Gehen wir nun zum Dateiexport fügen Sie sie zur Renderwarteschlange hinzu. Dann können Sie hier auf das Ausgabemodul klicken , um einige Einstellungen zu ändern. Wir halten uns an das QuickTime-Format, aber wir werden unsere Formatoptionen ändern und Apple ProRes 422 in DNxHR ändern. Ich bevorzuge diesen Kodak einfach gegenüber schneller Zeit insbesondere weil ich aus meinen Tests das Gefühl habe , dass die Gradienten und Vignetten am Ende bessere Ergebnisse erzielen und die potenzielle Bandbildung in unserem endgültigen Export reduzieren . Es ist sehr wichtig, dies auch von 8 Bit auf 10 Bit zu ändern , da wir dieses Projekt in 10 Bit gezeigt haben und keine Grafiken oder ähnliches verwenden , 10-Bit wird uns gute Ergebnisse liefern. Klicken Sie auf Okay, ich bin damit einverstanden und ich klicke auf Okay. Wählen Sie Ihren Speicherort aus, an den Sie ausgeben möchten , und klicken Sie auf „Rendern“. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Arbeit im 8-Bit-Modus großartig ist , wenn Sie Ihren Computer während der Arbeit an Ihrem Projekt reibungslos laufen lassen möchten , wenn Sie Ihren Computer während der Arbeit an Ihrem Projekt reibungslos laufen . Stellen Sie einfach sicher, dass Sie es beim endgültigen Export in eine höhere Bittiefe ändern , um Banding-Probleme zu vermeiden. Natürlich ist dies eher ein Problem mit einem Projekt wie diesem, bei dem es schwere Vignetten und sehr feine Gradienten gibt. beim Exportieren sicher, dass Sie sich in einer höheren Bittiefe als acht Bit befinden. 17. Endgültige Recap und Dankeschön!: Herzlichen Glückwunsch zum Abschluss des Kurses. Ich hoffe, Sie hatten viel Spaß beim Erstellen dieses Projekts und ich kann es kaum erwarten zu sehen, was Sie sich ausgedacht haben. Natürlich gibt es Unmengen von Dingen, die eine reibungslose Bearbeitung ausmachen. In dieser Klasse haben wir hauptsächlich die visuellen Elemente, die visuellen Übergänge, durchgegangen . Bevor wir überhaupt auf diese reibungslosen Bearbeitungen eingegangen sind, haben wir natürlich darüber gesprochen, wie wir die Geschichte der Marke erzählen können, und das ist so wichtig. Story ist die Grundlage für Ihre Bearbeitung. Suchen Sie nach Möglichkeiten, um bei Action abzustimmen oder zwischen zwei Schüssen auf Action zu schneiden. Stellen Sie sicher, dass Sie nicht nur lineare Keyframes verwenden, verwenden Sie Eases für mehr natürlich aussehende Bewegungen. Verlassen Sie sich nicht nur auf diese einfachen Hotkeys. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihre Grafiken anpassen, und erhalten Sie dieses benutzerdefinierte Erscheinungsbild. Aktivieren Sie für eine noch glattere Bearbeitung die Bewegungsunschärfe, indem Sie den Transformationseffekt verwenden oder Ihr Projekt in After Effects importieren. Zusätzlich zu diesen Techniken können wir auch die Komposition anpassen und versuchen, können wir auch die Komposition anpassen Wege zu finden, um Komposition und Aktion zusammenzubringen während wir auch iTrace, Geschwindigkeitsramps zusammen mit unsichtbaren im Auge behalten Bearbeitungen sind auch großartige praktische Möglichkeiten , um eine reibungslose Bearbeitung zu erstellen. Wenn Sie ein Projekt bereit haben, zögern Sie nicht, es hochzuladen, wir können es kaum erwarten, es zu sehen, und es wird anderen Menschen helfen ihre eigenen Projekte zu veröffentlichen und sich von Ihrer Arbeit inspirieren zu lassen. Vielen Dank, dass Sie an meinem Kurs teilgenommen haben, und ich würde es sehr schätzen, wenn Sie meinem Profil für neue Klassenveröffentlichungen und Werbegeschenke folgen würden. Wenn Sie einen Wert aus diesem Kurs gefunden oder kritisches Feedback haben, das Sie mir geben können, würde ich es gerne hören. Bitte hinterlassen Sie eine Rezension, es hilft mir, in meinem eigenen Unterricht zu lernen und zu wachsen und bessere Inhalte für Sie bereitzustellen. Vielen Dank, dass Sie an diesem Kurs teilgenommen haben und denken Sie daran, dass Geschichte Ihr Leitfaden ist. Warte, wir haben vergessen, unser Projekt einzuschicken. Lasst uns das machen. Hier ist eine Bearbeitung zur Überprüfung. Ich freue mich darauf, von dir zu hören. Stück raus, schick. Wir haben ziemlich schnell eine E-Mail zurückbekommen. Berühren Sie die Bearbeitung sieht gut aus. Wir haben ein paar kleinere Visionen. Nein, wir haben viel Arbeit vor uns.