Techniken fürs Filmemachen: Kameraeinstellungen zum Storytelling

1. Kurs-Einführung, LOS GEHT'S!: Sie sind vor Ort, um ein paar epische Aufnahmen zu filmen. Sie haben ein paar kranke Bewegungen und einige kranke Kameraeinstellungen. Lade das Filmmaterial, los geht's. Es ist so körnig, überbelichtet, orange, blau. Wen machst du Witze? Du bist kein Filmemacher, du weißt nicht mal, wie du deine Kamera benutzt. Nein, du nimmst die Kamera aus dem Müll und klickst auf diesen Kurs. Diese Klasse sieht wahnsinnig aus. Filmherstellungstechniken: Kameraeinstellungen für Storytelling. Denn dieser Kurs ist für Sie, den Anfänger, der entschlossen war, die Grundlagen zu lernen, aber auch die fortgeschritteneren Sachen zu lernen, weil Ihre Ambitionen über den Auto-Modus hinausgehen. Verdammt, vielleicht willst du das für einen Lebensunterhalt machen, vielleicht kannst du dafür bezahlt werden. Vielleicht kannst du dafür bezahlt werden. Ehrfürchtig. Schnappen Sie sich aus, klicken Sie auf die erste Lektion. Sie lernen von Sean, der über 10 Jahre Erfahrung als Video-Creator verfügt. Wow, diese Jungs haben Glück. Er lehrt euch, was all diese seltsamen Worte bedeuten und warum sie für das Filmemachen wichtig sind. Schön. Noch wichtiger ist das Geschichtenerzählen. Sie nehmen Ihre eigene Kamera auf und erfahren alles über die Verwendung dieser manuellen Einstellungen. Sie testen sogar einige dieser Theorien auf Ihrem Handy und die Kamera Ihres Freundes. Sie ihm das besser zurück, Sie haben es seit Monaten. Sie beobachten immer und erhalten technische Einblicke in Kameraeinstellungen, Drehtechniken und wie Sie sie nutzen, um Ihre Geschichte kreativ zu erzählen. Wow, wow. Sie absorbieren die Lerntechniken wie einen Schwamm, beenden den Kurs, werden mehr Selbstvertrauen in der Verwendung Ihrer Kamera und erstellen Filmmaterial, die mehr filmisch, professionell und poliert aussehen. Du fängst an zu erkennen. Dieses technische Zeug ist wichtig. Es gibt mir die Freiheit, kreativ zu sein und tolle Geschichten zu erzählen. Du gehst zurück und filmst die Sequenz, die du beim ersten Mal vermasselt hast. Posten Sie Ihr Projekt in der Projektgalerie und erhalten Sie erstaunliches Feedback. Jetzt sind Sie bereit, weitere Projekte mit all Ihrem neuen Wissen und Ihrer Erfahrung zu übernehmen. Ja, du, mein Freund ist großartig. Ehrfürchtig. 2. Kursprojekt: Ich bin froh, dass du mich entschieden hast, meine Klasse zu nehmen. Lassen Sie uns beginnen, indem wir unser Klassenprojekt diskutieren. Sie erstellen eine kurze Sequenz von Aufnahmen, um eine Mini-Geschichte im manuellen Modus auf Ihrer Spiegelreflexkamera oder sogar auf Ihrem iPhone zu erzählen eine Mini-Geschichte im manuellen Modus auf Ihrer Spiegelreflexkamera . Was wir wollen, ist eine kurze Sequenz von weniger als 30 Sekunden mit so vielen oder so kleinen Aufnahmen, wie Sie möchten. Ihre Geschichte könnte ein Tag am Strand sein, durch den Wald spazieren, was immer Sie wollen, halten Sie es einfach. In Lektion 19 erhalten Sie weitere Tipps zum Filmen Ihrer Sequenz. Ich werde in der nächsten Lektion näher eingehen, was ich denke, eine Geschichte ist. Aber um dieses Projekt willen, wenn ich das Wort „Geschichte“ verwende, meine ich nur einen einfachen Anfang, Mitte und Ende. Es muss sich nicht um das Leben verändern. Zum Beispiel könnten Sie so etwas tun, eine Drei-Shot-Sequenz oder etwas komplexeres. Die Idee hier ist, die Techniken zu präsentieren, die nach dem Kurs gelernt wurden, und sie auf Ihre Schusssequenz anzuwenden. Wir möchten auch die technischen Entscheidungen sehen, die Sie getroffen haben , um Ihre Story-Sequenz zu erreichen. Bonuspunkte gehen an diejenigen, die ihre technischen Daten auf jedem Schuss veröffentlichen. Dies kann innerhalb der Shotsequenz selbst mit einer Grafik platziert werden oder unter Ihrem hochgeladenen Video geschrieben werden, wenn Sie Ihr Projekt in der Projektgalerie veröffentlichen. Sie sich während des Unterrichts von dem inspirieren, was Sie lernen, und experimentieren Sie mit Ideen, wenn sie auftauchen. Wenn Sie können, schauen Sie sich an, während Sie Ihre Kamera in der Hand haben, damit Sie die Zifferblätter bewegen und die Kamera testen können, während Sie sehen und lernen. Nehmen Sie Ihre Kamera mit, nachdem Sie die Lektion gesehen haben, und testen Sie jede erlernte Technik. Das Größte, wozu ich Sie ermutigen würde, ist zu experimentieren. Mach dir keine Sorgen, den perfekten Schuss zu bekommen. Holen Sie sich einfach etwas vor der Kamera und wiederholen Sie den Vorgang. Verwenden Sie Ihre Story-Ideen als Leitfaden für Ihre Aufnahmen. Wenn Sie jetzt keine Ideen haben, bin ich sicher, dass Sie einige haben, nachdem Sie mehr Lektionen gesehen haben. Was an einem Projekt wie diesem so großartig ist, ist, dass es kurz und süß ist. Es ist wenig Engagement und Sie werden hohe Gewinne in Lernen und Erfahrung haben. Eine Sache, mit der ich immer zufrieden bin, ist, dass keine Chance verschwendet wird. Selbst in den Zeiten, in denen du dich fühlst , war der Schuss schrecklich, du könntest reingehen und deine Aufnahmen sehen und super glücklich mit ihnen sein, oder du denkst, oh, eigentlich, das sind schreckliche Schüsse. Aber du verlierst nicht viel. Du könntest es einfach als eine weitere Lernerfahrung aufkreiden. Ich würde das als ein Wort der Ermutigung nehmen. Wenn Sie mit Ihrer Arbeit unglücklich sind, versuchen Sie es einfach noch einmal. Scheitern Sie schnell. Dies ist Teil des Lernzyklus. Was Sie brauchen, ist Zugriff auf eine Kamera. Es kann eine DSLR, spiegellose Kamera oder ein iPhone mit einer App sein, um manuelle Videoeinstellungen zu steuern. Jede Kamera mit manuellen Einstellungen wird gut funktionieren. Wenn Sie ein iPhone oder ein Android verwenden, empfehle ich eine der hier aufgeführten Apps. Sie ermöglichen es Ihnen, die volle Kontrolle über Ihre Videoeinstellungen zu haben, was wiederum für diese Klasse unerlässlich ist. Da es so viele verschiedene Kameramarken gibt, wird dies keine Klasse sein, die durch Menüs geht , die Ihnen zeigen, wo die Dinge in Menüs sind, weil es für jede Kamera anders ist. Das Ziel dieser Klasse ist es, Ihnen beizubringen, wie Sie die universellen Einstellungen und Drehtechniken anwenden , um mit jeder Kamera mit manuellem Modus loszulegen. Es gibt viel zu lernen, wenn Sie zum ersten Mal mit Ihrer Kamera zu filmen beginnen. Es kann eine Herausforderung sein, denn es gibt viele Einstellungen und Funktionen auf einer Kamera, die alle miteinander verbunden sind. Also, wenn Sie eine Sache ändern, werden Sie wahrscheinlich eine andere Sache beeinflussen. Es wird Momente oder vollständige Lektionen geben, die darauf viele Informationen auf einmal über eine bestimmte Kameraeinstellung oder Technik bereitzustellen. Es wird auch Momente geben, in denen diese Informationen auf praktische Beispiele angewendet werden. Die Informationen bleiben nicht nur theoretisch. Während dieser Momente des Ladens von Informationen, tun Sie Ihr Bestes, um ruhig zu bleiben. Machen Sie sich Notizen, wenn Sie müssen. Stellen Sie Fragen. Es ist wichtig zu verstehen, wie und warum diese Einstellungen funktionieren , damit Sie die volle Kontrolle haben, wenn Sie sie praktisch auf Ihre Videoprojekte anwenden. Mein Ziel ist es, Ihnen Filmschaffungseinstellungen beizubringen, ihre Verwendung in praktischen Situationen und wie sie Geschichte unterstützen, so dass Sie diese Prinzipien auf alle Arten von Filmen anwenden können, von Kurzfilmen über YouTube bis hin zu bezahlte Kundenarbeit. Ich hoffe, du bist aufgeregt, loszulegen. Lasst uns gehen. 3. Kameraeinstellungen und Geschichte: Der Sinn dieses Kurses ist, ein tieferes Verständnis Ihrer Kamera zu haben und wie Sie ihre Einstellungen durch Theorie und Technik nutzen können, um großartige Bilder zu erstellen. Der Grund, warum wir lernen, unsere Kamera in vollem Umfang zu nutzen, ist, den Zweck der Geschichten zu erfüllen, die wir erzählen wollen. Zu wissen, dass all diese Lektionen zu besserem Filmemachen beitragen , wird Sie durch den Kurs führen, und zusammen mit einigen der schwierigeren Inhalte, die es präsentieren kann. Eine Geschichte hat einen Anfang, eine Mitte und ein Ende und hat die Fähigkeit, sich emotional mit ihrem Publikum zu verbinden. Der Zweck einer Geschichte liegt bei der Person, die sie erzählt, und sie kann sich auch entsprechend der Person ändern, die sie interpretiert. Vielleicht erzählst du eine Geschichte durch Skizzenkomödie, um dein YouTube-Publikum zu unterhalten. Vielleicht ist Ihre Geschichte eine kurze Anzeige, in der Sie versuchen, ein Produkt zu verkaufen, oder vielleicht versuchen Sie, jemanden davon zu überzeugen, ihre Gedanken über etwas mit einem Video-Essay zu einem bestimmten Thema zu überdenken . Was auch immer die Ziele Ihrer Geschichte sind, das Ziel ist es, sich emotional zu verbinden. Vielleicht bringt man Leute zum Lachen, oder macht sie wütend, und am Ende einer erfolgreichen Geschichte könnte es den Betrachter dazu bewegen, etwas zu unternehmen, etwas zu ändern, ein Produkt zu kaufen oder ein gutes Gefühl zu haben Moment, der ihren Tag aufhellt. Schauen Sie nach unten. Zurück nach oben. - Wo bist du? Du bist auf einem Boot. Ich weiß, dass ich einer der vielen bin, die von Old Spice Werbespots beeinflusst wurden. Sie haben mich zum Lachen gebracht und darüber nachgedacht, wie genial das Marketing war, und wenn ich es im Laden sehe, entschied ich mich, es zu kaufen, obwohl ich das Marketing dahinter kenne. Ich bin auf einem Pferd. Nicht jede Anzeige oder jeder Film verbindet sich erfolgreich mit der Zielgruppe. Ein Fehler ist Teil des Prozesses. Aber es ist gut zu wissen, was wir anstreben, was eine Verbindung zum Publikum ist. Wie wir uns entscheiden, etwas zu filmen, verändert die Art und Weise und das Publikum interpretiert seine Bedeutung und Absichten. Es gibt viele Elemente, die ins Geschichtenerzählen gehen, einschließlich der Geschichte selbst. In diesem Kurs konzentrieren wir uns auf einen kleinen, aber wichtigen Teil des Films auf Kameras mit manuellem Modus, indem wir über Kameraeinstellungen und Drehtechniken lernen und wie sie helfen, die Geschichten zu filmen, die Sie erzählen möchten. Ihr nächstes Ziel ist es, darüber nachzudenken, welche Geschichten Sie erzählen möchten. Wie möchten Sie sich auf Ihr Publikum auswirken? Willst du inspirieren? Neugier schaffen? Die Leute zum Lachen bringen? Entscheidung für einfache Absichten wie diese ist eine gute Möglichkeit, einen Zweck für Ihr Projekt zu erstellen. Wenn Sie Schwierigkeiten haben, eine Absicht zu finden, schauen Sie sich die Inhalte an, die Sie gerade ansehen. Wie trifft dich dieser Inhalt? glücklich, nachdem du es gesehen hast? Vielleicht weinst du. Vielleicht bist du inspiriert. Das ist verrückt. Wenn es einige Emotionen in dir hervorruft, dann ist es erfolgreich emotional verbunden. Je nachdem, wie es Sie nachdenken oder fühlen lässt, ist ein gutes Zeichen dafür, was die Absicht des Filmemachers war. Alles, was ich biete, ist die Wahrheit, nichts mehr. Ich erinnere mich, nachdem ich die Matrix zum ersten Mal gesehen hatte, wurde ich weggeblasen, und ich wurde inspiriert, tief über Dinge nachzudenken. Es mag kitschig klingen, aber zu der Zeit hat mir seine Geschichte geholfen, Probleme zu durchdenken , mit denen ich auf eine andere Weise zu tun hatte. Wenn ich etwas herausfordernd im Leben hätte, würde ich einfach eine Matrix anschalten und sie ansehen, nur eine Zone aus. Ich habe den Film jetzt über 30 Mal gesehen und es ist nur ein wichtiger Film für mich. Vielleicht kriecht da eine Idee ein, dass du es ausprobieren willst. Sie können Ideen ausprobieren, wenn Sie neue Konzepte und Techniken lernen. Wenn Sie mit all den Lektionen fertig sind, haben Sie mehr Techniken und Wissen, um die Geschichten zu sichern, die Sie erzählen möchten. Denken Sie daran, der Grund, warum wir die technischen Ins und Outs unserer Kameraeinstellungen und Drehtechniken lernen , ist effektivere Storytelling, um die beabsichtigten Punkte einer Geschichte zu verstärken und das Publikum stark zu beeinflussen. Um zusammenzufassen. Eine Geschichte hat einen Anfang, eine Mitte und ein Ende und verbindet sich emotional mit ihrem Publikum. heraus, welche Absichten Ihre Geschichte für die Zuschauer haben. Ist es zu inspirieren, zu lachen, zu weinen? Dies wird Ihnen helfen, die Ziele zu erreichen, die Sie in Ihrem Projekt haben. Wir lernen Kameratechnik und -einstellungen, damit wir effektivere Geschichten erzählen können. Dies ist ein kleiner Teil des Filmemachens, aber ein sehr wichtiger zu verstehen, um zunächst ein richtig aussehendes Bild zu bekommen . der nächsten Lektion lernen wir etwas über die Blende. 4. Blende: Ein wichtiger Teil, effektive Geschichten zu erzählen, ist die volle Kontrolle über Ihre Kamera. Beginnen wir mit der Blende, eine wichtige Funktion, wenn ein Bild richtig belichtet und seine Schärfentiefe angepasst wird. Die Blende ist der Öffnungsmechanismus eines Objektivs, der das Licht ermöglicht, einen Kamerasensor zu erreichen. Wenn Sie sich dieses Objektiv ansehen, können Sie sehen, dass das Loch in der Kamera aus diesen Blendenblättern besteht. Sie können das Loch größer oder kleiner machen. Diese Öffnung wird in Blendenstufen gemessen. Je größer die f-Zahl, desto kleiner wird das Loch oder weniger Licht eingelassen, und je kleiner die f-Zahl, desto größer das Loch und desto mehr Licht wird eingelassen. Unsere Augen wirken einer Linsenöffnung sehr ähnlich. Unsere Pupillen schrumpfen, um weniger Licht einzudringen oder sich zu erweitern, um je nach Umgebung mehr Licht zu lassen. Öffnen und Schließen der Blende ist eine Möglichkeit, die Belichtung eines Bildes zu verändern. Aperture bestimmt auch etwas, das als Schärfentiefe bezeichnet wird, das ist der Teil zwischen den am weitesten und am nächsten liegenden Elementen dessen, was die Kamera sieht, das im Fokus betrachtet werden würde. Wenn ich meine Blende auf eine niedrige Blende setze, öffnet sich das Loch im Objektiv und hat eine so genannte flache Schärfentiefe. Beim Öffnen der Blende schrumpft die Schärfentiefe, weniger Schuss ist im Fokus, sodass die Schärfentiefe jetzt leichter sichtbar ist. Nun, um dies auf eine andere Weise zu veranschaulichen, wenn Sie sich das Setup ansehen, das ich hier habe, habe ich meine Kamera auf einen Schieberegler gelegt. bei dieser flachen Schärfentiefe Wenn ichbei dieser flachen Schärfentiefemeine Kamera von der Rückseite des Schiebereglers nach vorne schiebe, können Sie deutlich sehen, wie sich die gesamte Schärfentiefe zusammen mit der Kameraposition bewegt. Wenn ich meine Blende auf eine hohe F-Zahl setze, wird das Loch im Objektiv kleiner und eine große Schärfentiefe erreicht. Die Boca oder Bokeh eines Bildes wird ebenfalls von der Blende beeinflusst. Bokeh ist eigentlich ein japanisches Wort, das wörtlich übersetzt als Unschärfe oder Dunst. Bokeh ist alle nicht fokussierten Teile eines Bildes. Verschiedene Objektive spielen verschiedene Qualität Bokeh. Es kann subtil oder zu einem dramatischeren Effekt verwendet werden. Schau, ich weiß, dass dies eine Menge Informationen sind, die du gemacht hast, also habe ich ein Spickzettel in das Ressourcen-Panel aufgenommen, diese ausdrucken oder sie als Bilder auf deinem Handy gespeichert haben, damit du sie während der Aufnahme bei Bedarf referenzieren kannst. Okay, das braucht Zeit und Übung. Sei freundlich zu dir selbst. Um zusammenzufassen, ist Blende der Mechanismus Rückseite der Linse, der verwendet wird, um ein Bild aufzuhellen oder zu verdunkeln, und wird auch verwendet, um zu bestimmen, wie viel von einem Bild im Fokus ist. Denken Sie daran, je kleiner der Blende ist, desto breiter wird die Blende mehr Licht durchdringen und weniger Schärfentiefe haben. Je kleiner die Blende, desto weniger Licht durchströmt und desto größer ist die Schärfentiefe. Die Blende erzeugt auch Bokeh, das sind alle Teile eines Bildes, die unscharf sind. Je kleiner die Blende ist, desto mehr Bokeh wird in Ihrem Schuss vorhanden sein. Wenn Sie Ihre Blende erhöhen, wird der Bokeh weniger auffällig. In der nächsten Lektion erfahren Sie mehr darüber, was sich auf die Schärfentiefe auswirkt. 5. Was sich auf die Schärfentiefe auswirkt: Schärfentiefe ist ein einzigartiges Merkmal, das stark von der Blende beeinflusst wird. Aber es gibt noch ein paar andere Faktoren, die die Schärfentiefe steuern diese Faktoren verstehen, erhalten Sie nicht nur ein tieferes Verständnis Ihrer Kamera, sondern haben auch mehr Kontrolle über die Tiefe eines Bildes. In der letzten Lektion haben wir diskutiert, wie sich die Blende auf die Schärfentiefe auswirkt. Je größer die Blende, geringer ist die Schärfentiefe. Je kleiner die Blende ist, desto größer ist die Schärfentiefe. Es gibt drei weitere Faktoren, die die Schärfentiefe steuern. Die Länge einer Linse wirkt sich auch auf die Schärfentiefe aus. Wenn ich die Blende auf F2.8 öffnen würde, könnte man erwarten, dass die Schärfentiefe geringer wird, weil wir in der vorherigen Lektion gelernt haben. Das ist in den meisten Fällen wahr. Aber beim Drehen auf der breiteren Seite von, sagen wir ein 24-70 mil Objektiv, wenn ich die Blende auf F2.8 öffne, werden Sie sehen, dass, in dieser Aufnahme viel von der Szene erscheint im Fokus. Dies liegt daran, je breiter die Linse ist, desto mehr Schärfentiefe halten wir bei. Wenn ich jedoch auf 70 mil zoomen, werden Sie feststellen, dass die Aufnahme komprimierter wird. Der Vordergrund und die Hintergrundelemente werden zusammengequetscht und erscheinen näher beieinander. Die Schärfentiefe wird ebenfalls komprimiert. Bei längeren Objektivlängen eine geringere Schärfentiefe erreicht. Die Fokusentfernung wirkt sich auch auf die Schärfentiefe aus. Fokussierung auf ein Motiv, wenn es sich in der Nähe der Kamera befindet, sorgt für eine geringere Schärfentiefe. Fokussierung auf das gleiche Thema weiter entfernt erzeugt eine größere Schärfentiefe. Die Kamerasensorgröße beeinflusst auch die Schärfentiefe. Ich vereinfache das ein bisschen, aber ich denke nicht, dass die technischen Spezifikationen eines Sensors enorm wichtig sind. Alles, was du wirklich wissen musst, ist das. Je kleiner der Kamerasensor ist, desto größer ist die Schärfentiefe. Je größer die Sensorgröße, desto geringer ist die Schärfentiefe. Deshalb wollen so viele Filmemacher eine Vollbildkamera, denn der größere Sensor bietet eine geringere Schärfentiefe, die viele Leute für filmisch halten. Wenn Sie mit einer Kamera arbeiten, die einen kleineren Sensor hat, aber eine flache Schärfentiefe wünschen, können Sie dies kompensieren, indem Sie die beiden anderen Dinge verwenden, die die Schärfentiefe beeinflussen, wodurch die Objektivlänge erhöht wird, oder bringen Sie Ihr Motiv näher an die Kamera. Schärfentiefe hat viele Variablen, und zu verstehen, wie jeder dieser Faktoren die Schärfentiefe beeinflussen, ermöglicht es Ihnen, die Kontrolle über verschiedene Drehsituationen mit einer Vielzahl von Geräten zu behalten . Um zusammenzufassen, je länger das Objektiv, desto kleiner die Schärfentiefe. Je breiter das Objektiv ist, desto größer ist die Schärfentiefe. Je näher der Fokusabstand ist, desto kleiner ist die Schärfentiefe. Je weiter der Fokusabstand ist, desto größer ist die Schärfentiefe. Eine große Kamerasensorgröße ergibt eine geringere Schärfentiefe. Während eine kleinere Sensorgröße gibt eine größere Schärfentiefe. In der nächsten Lektion werden wir die vielen praktischen Verwendungen von Blende und Schärfentiefe diskutieren. 6. Blende und Schärfentiefe: Praktische Anwendung: In der letzten Lektion haben wir diskutiert, was Blende und Schärfentiefe sind und wie sie sich auf ein Bild auswirken. Aber wie wählen Sie eine Blende aus, und wann würden Sie die Schärfentiefe steuern und wie unterstützen diese Einstellungen beim Storytelling? Lass es uns rausfinden. Aus der Sicht des Geschichtenerzählens hat die Schärfentiefe einen großen Einfluss darauf, wie ein Publikum ein Bild interpretiert. Als Geschichtenerzähler innerhalb des Films ist die Kontrolle der Tiefe der Aufnahme eine gute Möglichkeit, das Auge des Betrachters zu lenken. Bei Verwendung einer flachen Schärfentiefe wird das Auge zu einem sehr kleinen Teil des Rahmens gezogen. Sie können diesen flachen Fokus verwenden, um einen wichtigen Plotpunkt in der Geschichte hervorzuheben. flache Schärfentiefe kann auch auf die Emotion oder die innere Welt eines Charakters aufmerksam machen. Eine geschmackvolle Dicke auf. Oh mein Gott, es hat sogar ein Wasserzeichen. Sie können auch eine flache Schärfentiefe verwenden, um das Auge des Betrachters von einem Motiv zum anderen zu lenken . Wie in der Sequenz von Young Victoria können Sie sehen, wie sich die Schärfentiefe durch jede dieser Aufnahmen verschiebt. Die Aufnahmen und der Fokus werden sorgfältig mit den Schauspielerbewegungen, den Nicken, dem Drehen der Köpfe choreografiert . Wir haben das Gefühl, dass sie alle auf etwas dran sind. Die Tiefe des Feldes und seine Bewegung, hilft dies zu veranschaulichen. Hier ist eine meiner Lieblingsszenen aus Whiplash. Der flache Fokus lenkt das Auge zu wichtigen Story-Punkten. Wie der Protagonist Andrew Blut, Schweiß und Tränen gegossen hat. Buchstäblich können Sie das Blut und Schweiß auf den Symbolen sehen, seine Hände, seinen Kopf, es ist unglaublich. Die verrückte Konzentration auf die Instrumente und sogar nur die Teile der Instrumente selbst vermittelt mir wirklich, dass es um die Musik geht. Er ist bereit, alles für die Musik zu opfern. Eine größere Schärfentiefe ermöglicht es dem Betrachter zu wählen, was zu sehen ist, und er kann Kontext für eine Szene erstellen , indem er mehr von der Aufnahme und dem Fokus einschließt. Tief fokussierte Aufnahmen wie in diesem, von Children Of Men, ermöglicht es uns, viel von der Welt und ihrer Umgebung im Fokus zu sehen. Die große Tiefe hilft uns, die Umwelt aufzunehmen und ermöglicht es uns auch, die Auswirkungen dieser Explosion sowohl visuell als auch emotional zu experimentieren . Außerdem sehen wir in dieser Szene von Austin Powers, die größere Schärfentiefe hilft, die Komödie zu verkaufen. Wenn der Hintergrund dieser Szene verschwommen wäre, hätte dies nicht den gleichen Effekt. In dem Film, Full Metal Jacket, können wir sehen, die Mehrheit des Rahmens ist im Detail, einschließlich aller Soldaten. Dies gibt ein Gefühl der Gleichheit, dass jeder Soldat im Rahmen zählt. Selbst wenn eine Figur im Rahmen stärker hervorgehoben ist, sind die Soldaten im Hintergrund immer noch im Fokus. Je nach Kontext einer Szene oder Geschichte kann die Blende verwendet werden, um das Auge des Betrachters zu lenken und dabei zu helfen, sich auf wichtige Aspekte der Geschichte und des Charakters zu konzentrieren. Es ist also toll, darüber nachzudenken, welche Geschichte Sie erzählen und diese als Leitfaden für die Auswahl der zu verwendenden Blende verwenden. Es ist auch wichtig zu beachten, dass sich in verschiedenen Drehsituationen und mit unterschiedlichen Budgets und Ausrüstung wechselnde Blende unterscheiden. In einer Situation, in der es eine Crew, einen Fokus Polar, einen Lkw von Lichtern gibt, dann haben Sie so viel mehr Kontrolle über Ihre Beleuchtung, so dass Sie die beste Blende für Ihre Geschichte wählen können. Wenn Sie eine Ein-Mann-Crew sind, die eine Hochzeit mit Ihrer spiegellosen Kamera mit einem Budget filmt, ändern sich die Beleuchtung und Einstellungen dramatisch, und es wird sehr schwierig, eine konsistente Blende und Schärfentiefe durch Schüsse in einer Szene. Nach meiner persönlichen Erfahrung versuche ich zunächst, die Blende für die Geschichte zu verwenden. Wenn ich jedoch durch Ausrüstung eingeschränkt bin, gibt es Situationen, in denen ich Kompromisse eingehen muss. Wenn möglich, denke ich auch darüber nach, in einer konsistenten Blende in einer Szene zu filmen , um eine ähnliche Bildqualität zu haben, während der Aufnahmen einer Szene. Manchmal ist die Auswahl der Öffnungen rein praktisch oder basierend auf den Beschränkungen des Getriebes. Ich gehe zwischen der Auswahl von Öffnungen, abhängig von der Situation. Ich denke über die Geschichte nach, und ich denke darüber nach, wo ich will, dass der Betrachter schauen. Aber wenn ich in einem schwach beleuchteten Raum bin, werde ich diese Blende so weit wie möglich auf F2.8 oder 1.4 öffnen , um die Kamera richtig belichtet zu bekommen. Oder sagen Sie, ich bin auf einem Gimbal, wo viel Bewegung stattfindet. Es sei denn, es gibt einen guten Grund für mich, mit einer flachen Schärfentiefe zu schießen, werde ich das nicht tun. Ich werde meine Blende so hoch wie 5,6 oder F8 bewegen, so dass mehr im Fokus ist. Es ist einfacher, meinen Fokus auf ein Thema zu setzen und dieses Thema mit größerer Schärfentiefe im Fokus zu halten. Es gibt also praktische Gründe für die Wahl der Blende. Wenn ich in einer Situation bin, in der ich die Kontrolle über das Licht habe, werde ich darüber nachdenken, was das Publikum sehen soll. Sagen wir, in einem Interview möchte ich, dass sich der Zuschauer auf den Interviewpartner konzentriert. Ich möchte den Betrachter nicht ablenken, indem ich alles in den Fokus rückt, aber ich möchte auch nicht unbedingt auf eine so niedrige Blende schießen , so dass nur ein Splitter des Motivs im Fokus steht. Wenn sie sich vorwärts bewegen, um einen Punkt zu machen , oder sich zurücklehnen, um zu denken, werden sie eintauchen und außer Fokus, und das wird für den Betrachter einfach ablenken. Aber natürlich gibt es Ausnahmen davon. Es gibt einen Tanz zwischen dem Ziel, eine Blende zu verwenden, um Ihr Storytelling zu unterstützen, und es aus praktischen Gründen zu verwenden. Um zusammenzufassen, haben wir in dieser Lektion gelernt, wie Sie Blende verwenden, um die Geschichte, die Sie erzählen, zu unterstützen. Der flache Fokus lenkt die Aufmerksamkeit auf die Plot-Punkte und die innere Welt der Charaktere. tieferer Fokus lenkt die Aufmerksamkeit auf die äußere Welt und unsere Umgebung. Wir können auch Blende und Schärfentiefe verwenden, um den kritischen Fokus aufrechtzuerhalten und ein Bild richtig freizulegen. Letztendlich verwenden wir Blende und Schärfentiefe, um das Auge des Betrachters zu lenken. In der nächsten Lektion werden wir ISO besprechen. 7. ISO: „ Es ist körnig, so körnig.“ ein tiefes Verständnis von ISO haben, können wir die richtigen ISO-Einstellungen auswählen , um das Beste aus unserem Kamerasensor herauszuholen. Bevor wir unsere schicken DSLRs, spiegellose Kameras und Smartphones hatten , war Film die einzige Möglichkeit, ein bewegtes Bild aufzunehmen. Ein Filmstreifen ist mit Chemikalien beschichtet, die auf Licht reagieren und wie schnell er auf eine bestimmte Lichtmenge reagieren kann, wird durch die Filmgeschwindigkeit oder ISO bestimmt. Je höher die ISO, desto schneller ist die Reaktion. Je niedriger die ISO ist, desto langsamer ist die Reaktion. ISO, die Internationale Organisation für Normung, entwickelt und veröffentlicht internationale Standards. Filmgeschwindigkeit ist einer von ihnen. Viele Menschen verwenden den Begriff ISO, wenn sie sich auf Kameraempfindlichkeit oder Filmgeschwindigkeit beziehen, und das ist tatsächlich falsch. Der Grund, warum es nicht ISO ausgesprochen ist, ist, weil es ein Akronym ist, und weil die Internationale Organisation für Standardisierung unterschiedliche Akronyme in verschiedenen Sprachen haben würde, sie beschlossen, es ISO auszusprechen, die aus dem Griechischen „isos“ abgeleitet ist, was gleich bedeutet. Aber ich wurde indoktriniert, ISO zu sagen, und viele Leute kennen diese Informationen nicht und werden Sie nicht dafür beurteilen, dass Sie ISO sagen. Für mich ist es eine Gewohnheit, und so sehe ich es vorerst, aber ich verspreche, dass ich versuchen werde, dies für zukünftige Kurse zu beheben. Der Film auf einer Digitalkamera ist der Sensor. ISO on film hilft uns zu verstehen, wie ISO ein Bild auf Digitalkameras beeinflusst. Aber es ist wichtig zu beachten, dass sie nicht ganz gleich funktionieren. Hier ist der Haftungsausschluss. Ich bin kein technischer Experte für Kamerasensoren und ISO. Schauen Sie sich die Links in den Notizen unten an, wenn Sie das Kaninchenloch nach unten gehen möchten, das ISO ist. Moment werde ich nur mein Bestes geben, um Ihnen die Grundlagen zu geben. ISO auf Digitalkameras wirkt sich auf vier Dinge aus. Die Helligkeit eines exponierten Bildes, das Rauschen in einem Bild, Dynamikbereich und die Farbgenauigkeit. Je niedriger die ISO ist, desto dunkler wird ein freigestelltes Bild sein. Je höher die ISO, desto heller wird ein freigestelltes Bild sein. ISO wirkt sich auch auf das Rauschen aus, das in einer Digitalkamera erzeugt wird. Je niedriger die ISO, desto weniger Rauschen insgesamt und je höher die ISO,desto mehr Rauschen sehen Sie in derRegel desto weniger Rauschen insgesamt und je höher die ISO, desto mehr Rauschen sehen Sie in der mehr Rauschen. Höheres Rauschen kann auch das sogenannte Chrominanzrauschen verursachen, und das wird als farbige Pixel angezeigt. ISO beeinflusst auch den Dynamikbereich. Dynamikbereich ist, wie eine Kamera die hellsten und dunkelsten Teile eines Bildes aufzeichnet. In einer Aufnahme wie diesem, zum Beispiel, wo Sie die Blätter dieses Baumes und des Himmels gleichzeitig erfassen möchten, werden Sie durch den Dynamikbereich der Kamera eingeschränkt. Entweder können wir die Details des Baumes und seiner Blätter erfassen, indem wir den Himmel aufblasen, oder wir können den Baum und seine Blätter unterbelichten und die Details am Himmel behalten. Bei Kameras mit hohem Dynamikbereich haben Sie eine größere Möglichkeit, die Details innerhalb von Schatten und Lichtern aufzuzeichnen. In der Regel möchten wir so viele Details wie möglich erfassen. Ein niedrigeres ISO ergibt einen größeren Dynamikbereich und ein höheres ISO, einen niedrigeren Dynamikbereich. Höhere ISOs beeinflussen auch die Farbgenauigkeit. Bei niedrigeren ISOs sind die Farben genauer. Sobald Sie die ISO an einem bestimmten Punkt hoch gedrückt haben , werden Sie sehen, dass die Farben beginnen auseinander zu fallen. Die Farben werden insgesamt blass und ungenauer. In den unteren ISOs sind die Farbänderungen ziemlich subtil. Sobald Sie eine bestimmte ISO erreicht haben, ist es sehr auffällig. Stellen Sie sicher, dass Sie diese ISOs niedrig halten, und denken Sie daran, dass jede Kamera anders ist und Rauschen und Farben anders rendert, selbst wenn sie sich auf derselben ISO-Datei befinden. Lasst uns diese Lektion zusammenfassen. Je niedriger die ISO ist, desto dunkler wird das Bild, was weniger Rauschen erzeugt und in der Regel den größten Dynamikbereich bei besserer Farbgenauigkeit bietet . Je höher die ISO, desto heller wird das Bild, wodurch mehr Rauschen und weniger Dynamikbereich mit reduzierter Farbgenauigkeit erzeugt werden. In der nächsten Lektion werden wir diskutieren, wie ISO in realen Drehsituationen verwendet werden kann. 8. ISO: Praktische Anwendung: Lassen Sie uns diskutieren, wie man ISO praktisch auf eine Vielzahl von Drehsituationen anwenden kann. Wie wähle ich aus, auf welche ISO ich schießen soll? Nun, weil Digitalkameras nicht in den schönsten aussehenden Rauschen rendern, neige ich dazu, das sauberste Bild zu bekommen. bedeutet in der Regel das Filmen mit der niedrigsten ISO-Einstellung, die eine Kamera bietet. Ich strebe auch den größten Dynamikbereich an, und die Art und Weise, dies zu tun, besteht darin, auf der nativen ISO Ihrer Kamera zu filmen. Bei Filmen mit nativem ISO ist die Kamera nicht erforderlich, um die Spannung an den Sensor zu erhöhen. In der Regel funktioniert der Sensor der Kamera am besten. Jede Kamera hat unterschiedliche native ISOs und rendert Rauschen anders, so dass sie ein bisschen überwältigend werden kann. Möglicherweise müssen Sie online suchen, um die native ISO Ihrer Kamera zu finden. Um die Dinge zu vereinfachen, versuchen Sie im besten Fall, die Aufnahmen in der nativen ISO Ihrer Kamera zu halten. Andernfalls würde ich empfehlen, mit der niedrigsten ISO zu schießen, die Ihre Kamera gehen kann. In helleren Umgebungen wird es viel einfacher sein, Ihre ISO niedrig zu halten. Aber wenn Sie an Dimmer-Standorten schießen, werden Sie feststellen, dass Sie Ihre ISO erhöhen. Jede Kamera ist anders, wenn es um ISO geht. einige sind empfindlicher als andere. Dies bedeutet, dass Sie bei höheren ISOs eine Menge Rauschen in den Schatten bekommen können, und es ist wichtig, die Grenzen Ihrer Kamera zu verstehen. Probieren Sie das aus. Finden Sie einen schwarzen Stoff und Film in einem schwach beleuchteten Raum. Drehen Sie Ihre ISO hoch, bis Sie Geräusche im Gewebe sehen. Sobald Sie herausgefunden haben, wie weit Sie die ISO Ihrer Kamera drücken und trotzdem ein sauberes Bild erhalten können, beachten Sie diese ISO und zielen darauf ab, unter diesem Punkt zu filmen. Lasst uns zusammenfassen. Sowohl hohe ISOs als auch niedrige ISOs haben ihre Vor- und Nachteile. Um die Dinge zu vereinfachen, schießen Sie auf die native ISO Ihrer Kamera oder halten Sie sich an der Basis ISO. Jede Kamera verfügt über unterschiedliche Fähigkeiten bei schwachem Licht, und mit besserer Technologie wird es immer einfacher, ein sauberes Bild aufzunehmen. Möglicherweise müssen Sie Ihre Kamera bei höheren ISOs testen um festzustellen, welche Rauschmenge für Sie akzeptabel ist. Versuchen Sie, in einem ISO-Bereich unterhalb dieser Marke zu arbeiten. Bevor wir etwas über die Verschlusszeit erfahren, besprechen wir Frameraten, die als nächstes erscheinen. 9. Bildfrequenz: Alles, was ein Film ist, sind einzelne Bilder, die vor unseren Augen mit einer bestimmten Geschwindigkeit blinken , die die Bildrate genannt wird. Je größer die Bildrate, desto glatter ist die Bewegung. Es gibt eine Reihe von Standard-Frameraten, zwischen denen Sie wählen können. Vierundzwanzig Bilder pro Sekunde sind der filmische Standard für Film, und die meisten Filme, die Sie auf der großen Leinwand sehen , werden mit 24 Bildern pro Sekunde aufgenommen. Der Grund dafür war, die Kosten vernünftiger zu halten. 24 Bildern pro Sekunde erhalten Sie eine Bildrate, die schnell genug ist, um flüssige Bewegungen für das Auge zu erzeugen und gleichzeitig die Kosten für den Filmbestand niedrig zu halten. Wir sind es gewohnt, 24 Bilder pro Sekunde zu sehen Wenn Sie also eine andere Bildrate in Kinos sehen, ist es einfach seltsam. Ich erinnere mich, den Hobbit in Theatern zu sehen, die mit 48 Bildern pro Sekunde projiziert wurde und ich hasste ihn. Da wir Dinge sehen, die mit 24 Bildern pro Sekunde filmisch sind, empfehle ich Ihnen, wenn Sie einen filmischen Look bevorzugen, mit 24 Bildern pro Sekunde zu filmen. Dreißig Bilder pro Sekunde ist der Broadcast-Standard für das Fernsehen in Nordamerika genannt NTSC. Fünfundzwanzig FPS ist der Sendestandard für Fernsehen in europäischen und nahen östlichen Ländern mit zwei verschiedenen Arten von Formaten namens PAL und SECAM. Diese Formate werden auch heute noch verwendet, obwohl Fernseher heutzutage diese Beschränkungen der Bildrate überwinden können. Außerdem haben wir Streaming, YouTube, Twitch, Netflix, die nicht durch NTSC, PAL oder SECAM beschränkt sind und nicht unbedingt mit 25 oder 30 Bildern pro Sekunde wiedergegeben werden. Wenn Sie Nachrichten aufnehmen oder hauptsächlich für die Sendung drehen, werden Sie höchstwahrscheinlich in 25 oder 30 Bildern pro Sekunde filmen , um den Sendestandards zu entsprechen. Sechzig Bilder pro Sekunde werden auch für Broadcast verwendet, insbesondere Sport. Sie erhalten eine reibungslose Bewegung und das macht Sinn, weil Sport sich schnell bewegt und Sie in der Lage sein wollen, alle Action zu erfassen und zu sehen. YouTube und Twitch haben auch einige Videos für die Wiedergabe mit dieser Bildrate, und sie werden am häufigsten für Videospiele verwendet. Ich gebe zu, dass dies eine sehr einfache Erklärung der verschiedenen Bildraten ist, aber wenn Sie Online-Inhalte produzieren, haben Sie viel Flexibilität bei der Bildraten, um zu filmen und die Ausgabe zu wählen. Sie haben immer die Möglichkeit, Bildraten zu konvertieren und zu posten. Es gibt viel mehr Nuancen, also wenn Sie Projekte für bestimmte Outlets wie Broadcasts und andere On-Demand-Anbieter produzieren , müssen Sie sich die technischen Anforderungen ansehen, bevor Sie mit dem Filmen beginnen. Wenn Sie die Bewegung hervorheben oder auf sie aufmerksam machen möchten, hier Aufnahmen mit höheren Bildraten wie 60, sind hier Aufnahmen mit höheren Bildraten wie 60, 120, 240 und darüber hinaus großartige Optionen. Wenn Sie mit 60 Bildern pro Sekunde filmen und der Wiedergabe von 24 Bildern pro Sekunde entsprechen, verlangsamen Sie das Filmmaterial um zweieinhalb Mal. Wenn Sie mit 120 Bildern pro Sekunde filmen und Ihr Filmmaterial so anpassen, dass es mit 24 Bildern pro Sekunde wiedergegeben wird, wird das Filmmaterial um das achtfache verlangsamt. Diese Art von Zeitlupe fügt Drama zu einem Schuss. Es verbessert bestimmte Momente der Aktion oder bringt Klarheit und Aufmerksamkeit zu einer Bewegung. Es kann auch ein verträumtes Gefühl für Filmmaterial zu schaffen. Zeitlupe ist eine großartige Möglichkeit, die Aufmerksamkeit auf Story-Punkte oder eindrucksvolle Momente auf der Reise eines Charakters zu lenken. Das bedeutet nicht, dass ich alles in Zeitlupe filmen würde. Einige Projekte enthalten keinen einzigen Zeitlupenschuss, aber einige Projekte, die ich filmen würde, umfassen 24 , 30, 60 und 120 Bilder pro Sekunde. Einige sind völlig Zeitlupe. Fragen Sie sich das, passt die Verlangsamung des Abschlags zu der Geschichte, die ich erzähle? Würde dieser Moment, Schuss oder Sequenz wirklich davon profitieren? Ein weiterer Zweck für die Verwendung von Zeitlupe ist das Filmen von Handheld. Wenn du eine Art Bewegung mit der Kamera machst und mehr Stabilität benötigst, dann wird das Schießen mit einer höheren Bildrate und die Verlangsamung in Beiträgen die wackelige Cam ziemlich viel glätten. Für die Zwecke dieses Klassenprojekts würde ich empfehlen, Ihr Filmmaterial mit 24 Bildern pro Sekunde wiederzugeben, um einen filmischen Look zu erhalten und gleichzeitig Optionen für Zeitlupe zu ermöglichen. Letztendlich liegt es an Ihnen, zu entscheiden, welche Bildrate für Ihr Projekt am besten ist. Zusammenfassend sind 24 Bilder pro Sekunde der filmische Standard, 25 Bilder pro Sekunde ist der Broadcast-Standard für europäische und nahöstliche Länder, 30 Bilder pro Sekunde sind der Broadcast-Standard für Nordamerika. Zeitlupe kann verwendet werden, um wackelige Handheld-Aufnahmen zu glätten. Verwenden Sie Zeitlupe, um Ihre Geschichte zu beeinflussen, aber stellen Sie sicher, dass sie die Geschichte enthält, die Sie zuerst erzählen. In der nächsten Lektion werden wir über Verschlusszeit sprechen. 10. Verschlusszeit: Verschlusszeit zusammen mit Blende DieVerschlusszeit zusammen mit Blende trägt zur Belichtung eines Bildes bei, steuert aber auch Bewegungsunschärfe. Der Verschluss ist ein mechanischer Vorhang, der den Kamerasensor abdeckt. Je länger der Auslöser geöffnet ist, desto länger wird der Sensor der Kamera das Bild freigelegt und heller. Eine schnellere Verschlusszeit führt dazu, dass weniger Licht durchdringt und der Sensor das Bild für weniger Zeit freigelegt, wodurch es dunkler wird. Das Einzigartige, was die Verschlusszeit steuert, ist die Art und Weise, wie eine Kamera Bewegungen erfasst. Wenn der Verschluss länger geöffnet ist, verschwommen sich bewegende Motive im endgültigen Bild. Je weniger Zeit der Verschluss geöffnet ist, desto weniger Bewegungsunschärfe erhalten Sie bei bewegten Objekten. Da wir Videos auf Digitalkameras aufnehmen und keine Bilder für diesen Kurs, möchte ich erklären, wie die Verschlusszeit bei herkömmlichen Filmkameras und einigen High-End-Digitalkameras funktioniert . Eine Nebennotiz sind DSLR, spiegellose Kamera-Rollläden funktionieren nicht so. Sie verfügen über einen elektronischen Verschluss, der den Sensor der Kamera ein- und ausgeschaltet. Wenn ich Videos auf meiner Sony aufnehme, kann man sehen, dass mit der Verschlusszeit nichts mechanisch passiert. Es ist alles elektronisch. Du kannst es nicht sehen. Aber um die Verschlusszeit besser für Video zu verstehen, lasst uns eintauchen, wie sie Film gedreht haben, bevor Digital eine Sache war. Bei Filmkameras wird der Verschlussmechanismus als Drehscheibe bezeichnet. Sieht so aus. Die Art und Weise, wie sie arbeiten, ist durch Drehen vor einem Filmkameras Filmtor Belichtung des Films basierend auf dem Winkel des Verschlusses. sich der Film am Filmtor vorbeibewegt, dreht sich der Verschluss, wodurch für jeden Film eine bestimmte Menge Licht durchgelassen wird. Der Verschluss kann in verschiedenen Winkeln betrieben werden. Je breiter der Winkel ist, desto mehr Bewegungsunschärfe. Je kleiner der Winkel, desto weniger Bewegungsunschärfe. Denn bei einem breiteren Winkel wird der Film über einen längeren Zeitraum dem Licht in Bewegung ausgesetzt. Ein kürzerer Winkel entspricht einer kürzeren Belichtungszeit. Film würde normalerweise in einem Verschlusswinkel von 180 Grad schießen, und jetzt, da wir an diese Art von Bewegung gewöhnt sind, sieht es für uns am natürlichsten aus. Oder mit anderen Worten, wenn Sie möchten, dass Ihre Videos wie Film aussehen, schießen Sie in einem 180 Grad Verschlusswinkel. Bei jedem Projekt, an dem ich arbeite, werde ich diese Regel der Dreharbeiten in einem 180 Grad Verschlusswinkel befolgen. Bei den meisten DSLRs und spiegellosen Kameras wird die Verschlusszeit in Sekundenbruchteilen aufgezeichnet. Wenn ich filmische Bewegungsunschärfe replizieren oder einen 180 Grad Verschlusswinkel auf einer Digitalkamera erhalten möchte. Die Regel besteht darin, die Verschlusszeit so einzustellen, dass die Bildrate verdoppelt wird. Es gibt auch diese raffinierten Verschlusswinkel zu Verschlusszeit Rechner, die für Sie konvertieren. Wenn ich mit 24 Bildern pro Sekunde fotografiere und filmische Bewegungsunschärfe bei einem 180 Grad Verschluss möchte, würde ich meine Verschlusszeit auf 148 Sekunde setzen. Ok. Aber meine Kamera macht keine 148 Sekunde. Nun, dann setzen Sie es auf die 150. Sekunde, was die nächste Option ist, um Ihre Bildrate zu verdoppeln. Wenn du mit 30 Bildern pro Sekunde schießen wolltest. Befolgen Sie die Verdoppelungsregel und stellen Sie Ihre Verschlusszeit auf 160stel Sekunde ein. Sehen Sie, Sie wollen mit 60 Bildern pro Sekunde schießen und setzen Sie es auf, ja, Sie haben es 120stel einer Sekunde erraten. Normalerweise filme ich alles in einem 180 Grad Verschlusswinkel. Sie müssen jedoch nicht immer diese Regeln befolgen. Aber denken Sie daran, dass sie Ihnen Ergebnisse geben werden, die am meisten filmischen fühlen. Um diese Lektion zusammenzufassen, ist die Verschlusszeit ein weiteres Werkzeug zum Belichten des Bildes. Je länger der Verschluss geöffnet ist, desto mehr Licht kommt hinein und je größer die Bewegungsunschärfe ist, desto kürzer ist der Verschluss geöffnet, desto weniger Licht kommt ein und weniger Bewegungsunschärfe wird erfasst. Ich empfehle Ihnen, sich an die Verschlussregel zu halten, dass Ihr Verschluss doppelt so hoch ist Ihre Bildrate, so dass Sie filmische Bewegungsunschärfe erhalten. In der nächsten Lektion werden wir uns mit praktischen Anwendungen für die Verschlusszeit beschäftigen. 11. Verschlusszeit: Praktische Anwendung: Nach der letzten Lektion denken Sie vielleicht, wenn das Drehen bei einem Verschlusswinkel von 180 Grad zu filmischer Bewegungsunschärfe führt, warum dann nicht die ganze Zeit im Verschlusswinkel von 180 Grad schießen? Nun, die meiste Zeit ist das großartig, aber es gibt Momente, die höhere oder niedrigere Verschlusszeiten erfordern könnten. In den meisten Fällen wird das Filmen mit 180-Grad-Verschlusswinkel bevorzugt. Aus der Sicht des Geschichtenerzählens verwenden die meisten Filme einen 180-Grad-Verschluss. Es gibt Momente, in denen Aufnahmen mit einem höheren oder niedrigeren Winkel bevorzugt werden. Wenn Sie sich dafür entscheiden, einen höheren Verschlusswinkel zu verwenden, erhalten Sie mehr Bewegungsunschärfe. In einigen Filmen könnte es einen verträumten oder etwas dramatischen Look erzeugen, wie im Film Gladiator während dieser Kampfszene. Der Regisseur Michael Mann nutzt auch einen langsameren Verschluss. Ich bin mir nicht genau sicher, warum. Es könnte daran liegen, dass er viele Nachtszenen mit wenig Licht filmt, um die Belichtung zu erhöhen. Mir ist aufgefallen, dass manche Leute es wirklich mögen und andere nicht. Es ist eine subtile Verwendung des Effekts, die der Grund sein könnte, warum es weitgehend unbemerkt bleibt. Beim Anhalten einiger Bewegungen sehen Sie, dass die Bewegungsunschärfe deutlicher ist als ein typischer Verschlusswinkel von 180 Grad. Lasst uns das zurückspielen und aufhören. Sehen Sie sich die Bewegungsunschärfe hier an. Dieser Effekt wird auch in Szenen verwendet, um ein betäubtes Gefühl zu emulieren. Ich hatte die Verwirrungsphase übersprungen und ging direkt in die Dual-Phase. Ermöglicht dem Betrachter zu sehen, was der Charakter erlebt. Dieser Effekt ist wirklich cool. Aber sobald Sie es mit dieser Verschlusszeit gefilmt haben, hat alles diese Qualität der Bewegungsunschärfe, und es ist irreversibel. Deshalb ziehe ich es vor, diese Fensterläden nicht zu benutzen. Wenn ich wirklich wollte, kann ich immer mehr Bewegungsunschärfe oder Statoreffekte hinzufügen und posten. Flexibilität ist mir wichtiger als das Backen im langsamen Shutter-Look. Wo ich denke, dass ein langsamerer Verschluss wirklich leuchtet, ist die Verwendung einer Zeitraffer-Fotografie. Da du ein Foto machst und nicht durch Bildraten begrenzt bist, kannst du den Verschluss nach 1/124 einer Sekunde verlangsamen und für so etwas wie eine Sekunde belichten und einige erstaunliche Bewegungsunschärfe-Spuren erhalten. Wenn Sie mit einem niedrigeren Verschlusswinkel filmen, erhalten Sie weniger Bewegungsunschärfe, was zu einem hyperrealen Aussehen führt, und sind in der Lage, Details von sich bewegenden Objekten und ein Bild viel klarer zu sehen. Viele Leute bekommen das mit einem schärferen aussehenden Bild verwechselt. Sie erhalten kein schärferes Bild von Filmen mit einer höheren Verschlusszeit. Es ist nicht schärfer. Es gibt nur weniger Bewegungsunschärfe, mit denen Sie die Details von Objekten in Bewegung sehen können. Sie können sich entscheiden, eine höhere Verschlusszeit für Momente zu verwenden , in denen Sie schneller bewegende Objekte Klarheit bringen möchten oder vielleicht eine Aktionssequenz filmen , bei der weniger Bewegungsunschärfe zur Verbesserung der Aktion benötigt werden. Ein höherer Verschluss kann auch Klarheit zu Punkten einer Geschichte bringen und den aktuellen emotionalen Zustand eines Charakters verbessern. Saving Private Ryan ist bekannt für seine Verwendung eines kleineren Verschlusswinkels. Der Kameramann Janusz Kaminski erwähnt in einem Interview, dass er mit einem 45-Grad-Verschlusswinkel einen Staccato-Look mit den Bewegungen der Schauspieler bekommen konnte. Er sagte, es gäbe eine Knusprigkeit in den Explosionen, und er sagt auch, dass es ihm ein etwas realistischeres Aussehen gab. Die Verwendung der Verschlusszeit sollte zuerst von Ihrer Geschichte bestimmt werden. Allerdings wird das Erhöhen oder Verringern der Verschlusszeit um minimale Mengen nicht wirklich die gesamte Bewegungsunschärfe zum wahrnehmbaren I beeinflussen. Wenn Sie sich entscheiden, das aus Belichtungsgründen zu verwenden, ist das völlig in Ordnung. Ein weiterer guter Grund, Ihre Verschlusszeit anzupassen, ist, wenn Sie auf Flackern stoßen. Viele Lampen, Leuchtstofflampen, Computermonitore usw., können sie mit einer anderen Frequenz als unsere Verschlusszeit laufen. Die einfache Lösung zum Flimmern besteht darin, Ihre Verschlusszeit anzupassen , bis Sie kein Flimmern mehr sehen. Ich würde sagen, dass ich meistens mit einem 180-Grad-Verschlusswinkel filme. Es kann Zeiten geben, in denen ich die Verschlusszeit hochkurbeln werde , um Bewegungsunschärfe zu reduzieren und die Details von Objekten in Bewegung zu erhöhen, und vor allem bei Zeitlupenaufnahmen. Ich denke, nach dieser Lektion sollte ich versuchen, die Dinge ein wenig nach oben zu wechseln und mit einigen verschiedenen Arten von Bewegungsunschärfe zu experimentieren . Lasst uns zusammenfassen. Eine langsamere Verschlusszeit erhöht die Bewegungsunschärfe, die ein verträumtes, dramatisches oder sogar ein betäubtes Gefühl geben kann , wie das Betrachten eines Bildes in Zeitlupe und schneller Bewegung zur gleichen Zeit. Ein schnellerer Verschluss verringert Bewegungsunschärfe, wodurch ein realistischeres Aussehen entsteht und eine detailliertere Ansicht von sich schnell bewegenden Objekten ermöglicht. Wenn Sie sich in einer Situation des Flackerns befinden, versuchen Sie, Ihre Verschlusszeit anzupassen, bis Sie keine sehen, oder es gibt nur sehr wenig davon. Zum größten Teil können Sie mit einem 180-Grad-Verschlusswinkel filmen. Wenn Sie sich dafür entscheiden, den Verschlusswinkel drastisch zu erhöhen oder zu verringern, stellen Sie sicher, dass er der Geschichte entspricht, die Sie erzählen. In der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, wie man ein Bild richtig freigelegt. 12. Richtige Belichtung eines Fotos: Gute Belichtung ist der Schlüssel zum Erstellen von Bildern, die gut aussehen und die größtmögliche Flexibilität bei der Nachproduktionskorrektur haben. In dieser Lektion werden wir die Schritte bestimmen, um ein Bild richtig freizulegen. Richtige Belichtung ist unglaublich wichtig, um Details in Ihren Bildern zu erhalten und für die größtmögliche Flexibilität in der Postproduktion. Es ist überbelichtet. Wenn Sie ein Bild überbelichtet haben und die Glanzlichter blasen, nimmt die Kamera keine dieser Informationen auf. Wenn Sie das in Ihre Bearbeitungssoftware werfen, Sie enttäuscht sein, denn wenn Sie versuchen, diese Belichtung zu senken, gibt es keine Informationen und es wird, na ja, es wird unbrauchbar. Dasselbe gilt für Schatten. In einigen Situationen führt die Unterbelichtung des Bildes dazu, dass Schatten alle Details verlieren. In anderen führt dies zu einem hohen Geräuschpegel. Also, wie bekommen wir eine gute Belichtung? Der erste Schritt besteht darin, einige Einstellungen für das Belichtungslesen zu aktivieren. Ein guter Ausgangspunkt ist mit dem Histogramm. Die meisten Kameras haben ein Histogramm und sagen Ihnen, wo sich die Schatten und Lichter eines Bildes befinden. Die Spitzen auf der linken Seite des Bildes stellen Schatten dar, und die Spitzen auf der rechten Seite stellen die Glanzlichter dar. Alle anderen Luminanzwerte liegen dazwischen. Underbelichtung führt dazu, dass die Spitzen weit nach links fallen , und Sie können sehen, dass wir beginnen, Details in den Schatten zu verlieren. Beim Überbelichten können wir sehen, wie sich die Gipfel weiter nach rechts bewegen und zeigen, dass die Glanzlichter ausgeblasen werden und wir Details verlieren. Meiner Meinung nach wäre das beste Werkzeug zum Verwalten der Belichtung die Verwendung eines Wellenform-Monitors. Aber viele dieser kleineren Spiegelreflexkameras haben sie nicht. Sie können jedoch einen externen Monitor mieten oder kaufen, um die Belichtung besser zu kontrollieren. Ich persönlich besitze keinen externen Monitor, aber ich leihe sie, wenn ich sie brauche. Ich erkläre Ihnen, wie sie in Premier Pro funktionieren. In vielen Bearbeitungsprogrammen haben Sie einen Wellenform-Monitor und es ist das gleiche, was Sie auf einem externen Monitor mit der Wellenform-Einstellung sehen würden . Hier haben wir unsere Schatten hier unten, unsere Mitteltöne oder Mittelgrau hier herum. Dann haben wir unsere Highlights gleich hier. Wenn Sie nach links schauen, können Sie diese Zahlen von 0-100 sehen, was uns sagt, wie hell oder dunkel die Belichtung ist. Die Art und Weise, wie Sie einen Wellenform-Monitor lesen, ist von links nach rechts, genau wie ein Bild. Auf der linken Seite dieses Rahmens können Sie Gavy sehen, der diesen Farbcheck hält und Sie können ihn hier im Wellenform-Monitor sehen. Zum Beispiel haben wir diesen schwarzen Streifen hier, und das ist irgendwo hier auf der Wellenform. Es wird dunkler hier mit diesen Fenstern und dann diesem Lichtstreifen, der genau hier ist. Das sind die schwarzen Fenster und Lichtstreifen tritt hoch und dann wieder die Fenster, genau hier. Dann haben wir diesen grauen Streifen und er ist genau hier. Du kannst es sehen, genau da. Dieses Weiß, Bam, genau da. Dann alle diese Farben und Luminanzwerte überall verstreut. Dieser große alte Brocken hier, okay, was glaubst du, ist es? Es ist Gavys Hautton. Die Highlights sind um 60 IRE und dann vermutlich ein Teil seines Bartes hier. Schatten, Bart, seine Haare, und das, okay, das ist mein Proxy-Logo für die Bearbeitung. Dann hast du diese kleine Beule hier, was wiederum der Fensterrahmen hier ist. Ich hoffe, das gibt Ihnen eine bessere Vorstellung davon, wie Wellenformen funktionieren. Das Zonensystem wurde von den Fotografen Ansel Adams und Fred Archer entwickelt, und es wurde entwickelt, um die beste Belichtung für bestimmte Situationen zu bestimmen. Wenn wir zum Beispiel das Zonen-Systemdiagramm betrachten, können Sie sehen, dass es von Null geht, was reines Schwarz darstellt, bis 10, was reines Weiß darstellt. Alle anderen Beleuchtungsstärkewerte liegen dazwischen. Das Zonensystem wurde ursprünglich für die Filmentwicklung entwickelt, aber ich finde immer noch, dass es seine Verwendung im Video hat, indem es es als Referenzhandbuch verwendet. Das zeigt uns grob, wo die Dinge in unseren Messwerkzeugen landen müssen. Werfen wir einen Blick auf diese Aufnahme hier. Sie können sehen, dass mein Hautton bei etwa 70 IRE ausgesetzt ist. Okay, du kannst meinen Bart in der Wellenform sehen, also lass uns das einfach ausschneiden, und jetzt kannst du nur meine Haut sehen. Da gehst du. Sie können sehen, dass es nur zwischen 60 und 70 IRE ist, die genau dort ist, wo mein Hautton und seine Highlights sein sollten. Nehmen wir nun an, ich setze meine Hauttöne über 70 IRE aus. Obwohl ich es von Clipping gehalten habe, würde es immer noch für die Belichtung in Betracht gezogen werden. Dies bedeutet, dass wir nicht nur exponieren, um unsere Histogramme und Wellenformen davon abzuhalten , Glanzlichter zu beschneiden und Schatten zu zerquetschen. Wir setzen auch für verschiedene Töne aus und wo sie innerhalb des Zonensystems liegen. Sie können das Zonensystem als Leitfaden verwenden. Denken Sie daran, wenn Sie ein wenig überbelichten oder ein wenig unterbelichten, können Sie es auf die entsprechende Zone oder Belichtung in der Post anpassen. Natürlich ist dies innerhalb des Verstandes. Immer auf die bestmögliche Belichtung anstreben. Das Ausblenden eines Bildes kann schwierig sein, da nicht alle Kameras über den Dynamikbereich verfügen , der alle Details sowie Lichter und Schatten gleichzeitig erfassen kann. Dinge wie die Sonne, helle Lichter oder Fenster sind natürlich unglaublich hell. Viel Zeit, besonders wenn Sie keine Lichter oder eine Kamera mit hohem Dynamikbereich haben , müssen Sie sie ausblasen, um eine korrekte Belichtung eines Motivs zu erhalten. Ich meine, wenn man die Sonne, den Himmel oder helle Lichter anschaut , sind sie natürlich sehr hell. Also vor der Kamera ist es akzeptabler, die Highlights dieser Quellen auszublasen. Ein letztes Werkzeug, das ich viel benutze, sind Zebras. Ich finde diese Funktion sehr hilfreich in kontrastreichen, hell beleuchteten Situationen. So wie ich gerne Zebras verwende, setze es auf 100 Prozent. Das bedeutet, dass, wenn die Highlights meines Bildes überbelichtet sind, all diese Linien sehen, die wie Zebralinien aussehen und auf den überbelichteten Teilen auftauchen. Ich werde den ganzen Weg aufdecken, bis ich den Rand der Überbelichtung getroffen habe. In der Tat würde ich sogar mit einer Überbelichtungslesung beginnen, die die Highlights ausbläst und dann langsam meine Belichtung nach unten nehmen , bis alle Zebras auf den Teilen des Bildes verschwunden sind , die ich nicht ausgeblasen werden möchte. In dieser Aufnahme hier habe ich den Himmel überbelichtet gehalten, so dass ich, wenn ich den Rahmen betrete, keine Silhouette bin und du immer noch mein Gesicht sehen kannst. Silhouette-Beleuchtung ist auch in Ordnung. Aber zumindest mit den Zebras wissen wir, was wir aussprengen und ob wir darüber absichtlich sein wollen oder nicht. Wie Sie sehen können, kann die richtige Belichtung eine knifflige Sache zu manövrieren abhängig von der Situation zusammen mit der Art der Ausrüstung und Beleuchtung, auf die Sie Zugriff haben. Meiner Meinung nach, wenn Sie die beste Belichtung sicherstellen und haben die größte Flexibilität in der Post, das ist, was ich empfehlen würde. Verwenden Sie Ihr Histogramm oder Ihre Wellenformen, um einen richtigen Belichtungssatz zu erhalten. Stellen Sie dann sicher, dass Ihre Zebras auf 100 Prozent eingestellt sind , damit Sie wissen, ob Sie die Highlights überbelichten oder nicht. Auf diese Weise können Sie bewusst darüber werden, ob Sie die Highlights blasen möchten oder nicht. Denken Sie auch darüber nach, wo die Dinge auf dem Zonensystem liegen und wie Sie diese Töne manipulieren möchten. Ich habe im Laufe der Jahre mit anderen Video-Profis gefilmt und sie sehen meinen Bildschirm voller Zebras und Belichtungseinstellungen und sie sagen „Whoa, da ist viel los.“ Ich antworte immer mit : „Ich traue diesem kleinen LCD-Bildschirm einfach nicht.“ Warum sollte ich es dem Zufall überlassen, besonders wenn Sie diese Werkzeuge haben, die Ihnen sagen können, wenn die Dinge überbelichtet sind? Du solltest sie benutzen. Zum Zusammenfassen führt das Überbelichten des Bildes dazu, dass Details und Glanzlichter verloren gehen, und die Unterbelichtung führt dazu, dass Details in den Schatten verloren gehen. In einigen Situationen mit hellen Lichtern, der Sonne oder Fenstern ist es akzeptabel, die Lichter zu blasen. Verwenden Sie Ihr Histogramm oder Wellenformen, um eine korrekte Belichtung zu erhalten. Zebras eignen sich hervorragend, um genau zu wissen, wann Sie die Highlights hochsprengen. Also würde ich empfehlen, das weiterzumachen, und wenn Sie keine Zebras haben, halten Sie sich daran, das Histogramm zu verwenden. Versuchen Sie, nach draußen zu gehen und in hellen Situationen, dunklen Situationen, Morgendämmerung, Abenddämmerung, hellem Tageslicht zu filmen . Setzen Sie wirklich diese Belichtungslesetools durch den Klingeln, um eine komfortable Einstellung gute Belichtung zu erhalten. In der nächsten Lektion lernen wir, wie Blende, Verschlusszeit und ISO harmonisch funktionieren können. 13. Harmonische Verwendung von Blende, Verschlusszeit und ISO: Verständnis der richtigen Belichtung ist nur ein Teil des Puzzles. Die andere ist zu verstehen, wie Blende, ISO und Verschlusszeit harmonisch verwendet werden, während eine angemessene Belichtung erreicht wird. Wir wissen, wie richtige Belichtung aussieht. Wir werden das Histogramm und die Zebra-Einstellungen verwenden, um eine Szene richtig zu lesen. Aber wie kommen wir dorthin? Hier ist mein empfohlener Ansatz. Was ist der Zweck Ihrer Aufnahme? Versuchen Sie, den Fokus auf die Schönheit der Blumen im Vordergrund zu bringen? Versuchen Sie, die Weite des Ortes zu zeigen, in dem Sie sich befinden? Denken Sie zuerst über Ihre Geschichte und ihren Zweck nach. Halten Sie Ihre Verschlusszeit konstant. Was ich damit meine, ist, wählen Sie die Menge an Bewegungsunschärfe, die Sie wollen, und halten Sie sich daran. Ich empfehle, mit einem Verschlusswinkel von 180 Grad zu schießen, wodurch der Verschluss auf die doppelte Anzahl der Bildrate eingestellt wird, mit der Sie filmen. Passen Sie den Auslöser nicht an, um eine korrekte Belichtung zu erhalten, halten Sie ihn konstant. Ändern Sie die Verschlusszeit nur, wenn Sie Ihre Bildrate ändern, um sicherzustellen, dass sie bei einem Verschlusswinkel von 180 Grad bleibt, oder wenn Sie versuchen, einen kreativen Look für eine bestimmte Aufnahme innerhalb einer Sequenz zu erzielen. Da Ihre Verschlusszeit konstant ist, müssen Sie beim Filmen zunächst entscheiden ob Sie viel von Ihrer Umgebung im Fokus haben möchten, oder ob Sie eine flache Schärfentiefe oder vielleicht etwas dazwischen wollen. Wenn Sie die Schärfentiefe gewählt haben, versuchen Sie, diese Einstellung während der Dreharbeiten einer Szene konstant zu halten, um die Konsistenz zu erhalten. Nachdem Sie eine bevorzugte Blendeneinstellung eingerichtet haben, verwenden Sie Ihre ISO, um die Belichtung in Ihren Szenenaufnahmen zu optimieren. In den meisten Innenräumen und schattigen oder bewölkten Orten funktioniert diese Technik einwandfrei. Aber in hell beleuchteten Außenbereichen haben Sie keine andere Wahl, als die Blendeneinstellung zu erhöhen, was nicht immer ideal, aber manchmal notwendig ist. Die andere Option besteht darin, einen ND-Filter zu verwenden. Ein ND-Filter wirkt wie eine Sonnenbrille für Ihre Kamera und schneidet die Menge an Licht, die in das Objektiv eintritt. Dies ermöglicht es Ihnen, bei 2-8 am helllichten Tag zu schießen. Wenn Sie einen Großteil der Dreharbeiten im Freien in hellen, sonnigen Situationen machen, ist die Aufnahme eines variablen ND-Filters eine gute Idee. Ich werde mir hier ein bisschen widersprechen. Das beste Szenario, die ideale Option beim Einstellen der Belichtung besteht darin, entweder die Beleuchtung der Umgebung anzupassen oder eine Kinokamera mit integriertem ND zu verwenden. Wir hätten unsere Verschlusszeit bei 180 Grad, um filmische Bewegungsunschärfe aufrechtzuerhalten, wir hätten eine konstante Blende auf unsere Präferenz für die Szene und für eine konstante Schärfentiefe eingestellt , und wir hätten unsere ISO auf die Bedürfnisse der Kamera eingestellt. -Einstellung für ein sauberes Bild. Aber das sind ideale Situationen. Das könnte mehr Zeit erfordern, mehr Crew, mehr Geld, fortschrittlichere Ausrüstung. Die Realität ist, dass mit DSLR und spiegellosen Kameras ND-Filter ein Schmerz sein können. Wenn Sie eine Zeit knirschen, ist es leicht, diese ND-Filter zu ignorieren. Probieren Sie das aus. Bringen Sie Ihre Kamera für einen Spaziergang mit. Versuchen Sie, einen Schuss einzurichten. Es spielt keine Rolle, was du schießt. Es könnte eine Blume oder ein Baum oder ein fahrendes Auto sein, was auch immer. Bevor Sie eine Aufnahme enthüllen, denken Sie darüber nach, welche Kombination von Einstellungen für diesen Moment, Objekt oder Sequenz am besten ist. Was ist der Zweck der Aufnahme? Wie passt es in die Geschichte? Das ist nur eine Übung, also muss hier die Dinge nicht zu tief gehen. Nachdem Sie den Zweck Ihrer Aufnahme kennen, befolgen Sie die oben genannten Schritte und passen Sie Ihre Einstellungen für die korrekte Belichtung an. Zum Beispiel habe ich hier für einen Teil eines meiner Lektionen gefilmt und ich fühlte mich albern und wollte einige übermäßig sentimentale Aufnahmen bekommen. Also entschied ich mich, meine Bildrate auf 60 Bilder pro Sekunde umzustellen, um einen überdramatischen Effekt zu erzielen. Ich ging für eine flache Schärfentiefe bei F2.8, um auch das verträumte sentimentale Gefühl zu betonen. Dann habe ich auch meine ISO auf 1600 geändert, was die native ISO für meine Kamera ist. Es war bewölkt und ich hatte Baumabdeckung, also brauchte ich keinen ND-Filter. Dies gibt Ihnen auch eine Vorstellung davon, wie einfach es ist, eine schnelle Sequenz zu filmen. Ich habe es nicht ernst genommen. Ich habe gerade geschossen, was mir zuerst in den Sinn kam. Ich werde die Sequenz überspielen, um zusammenzufassen. Los geht's. Denken Sie beim Einstellen der Belichtung daran, die Verschlusszeit konstant zu halten. Bestimmen Sie, auf welche Blende Sie schießen möchten, und passen Sie dann die ISO an, um eine korrekte Belichtung zu erzielen. Wenn Sie sich in einem hell beleuchteten Bereich befinden und bei niedriger Blende filmen müssen, verwenden Sie einen ND-Filter, um Ihre Belichtung anzupassen. In der nächsten Lektion werden wir über einige der Mathematik sprechen, die hinter dem Messen von Licht steckt. Es klingt super langweilig, aber glauben Sie mir, sobald Sie dieses Konzept bekommen, es Ihnen wirklich helfen zu verstehen, wie jede Belichtungseinstellung die andere beeinflusst. Also bleib dafür rum. 14. Das Verhältnis zwischen Blende, Verschlusszeit und ISO: In dieser Lektion werden wir die Verbindung zwischen Blende, ISO und Verschlusszeit untersuchen . Sie verstehen, wie diese Verbindungen verbunden sind, erhalten Sie eine größere Kontrolle über Belichtung, wenn Sie eine dieser Einstellungen anpassen. Ich habe in der Lektion über die Verwendung von Blende erwähnt, dass wir Licht in so genannten Stopps messen. Ein Stopp besteht darin, die Lichtmenge, die die Kamera einlässt, zu verdoppeln oder zu halbieren. Wenn ich meinen Blendstopp von f2.8 auf f4 ändern würde, würde das einen Lichtstopp verringern oder die Lichtmenge , die meine Kamera einlässt, halbieren. Jetzt gilt das Gleiche für die Verschlusszeit. Wenn ich meine Verschlusszeit von 1/50stel einer Sekunde auf 1/100stel einer Sekunde ändere , würde ich auch die Lichtmenge, die meine Kamera einlässt, halbieren , was wiederum die Lichtmenge um einen Stopp verringern würde. Schließlich gilt das Gleiche für ISO. Wenn ich meine ISO von 200 auf 100 ändere, würde ich die Lichtmenge halbieren und die Lichtmenge um einen Stopp verringern. Wenn Sie also eine Ihrer Belichtungseinstellungen ändern, können Sie schnell feststellen, ob Sie eine andere Belichtungseinstellung halbieren oder verdoppeln müssen , um die richtige Belichtung aufrechtzuerhalten. Sobald Sie verstehen, dass Sie einfach die Lichtmenge verdoppeln oder halbieren, können Sie schnell herausfinden, welche Einstellung Sie in einer bestimmten Situation ändern müssen. So zum Beispiel, in dieser Aufnahme hier, drehen wir mit 30 Bildern pro Sekunde, 1/60stel einer zweiten Verschlusszeit, Blende bei f4 und ISO bei 1.600. Wir entscheiden dann, dass wir unsere Bildrate für Zeitlupe auf 60 Bilder pro Sekunde ändern möchten. Dadurch müssen wir unsere Verschlusszeit auf1/120stel Sekunde oder so nah wie unsere Kamera es zulässt,ändern 1/120stel Sekunde oder so nah wie unsere Kamera es zulässt, . Denken Sie daran, um eine filmische Bewegungsunschärfe beizubehalten, ist die Regel, mit einer Verschlusszeit zu schießen, die doppelt so hoch wie unsere Bildrate ist. Indem wir unsere Verschlusszeit von 1/60 auf 1/120 ändern, verringern wir das Licht um einen Stopp. Wenn ich unsere Blende von f4 auf f28 ändere, würde das das Licht um einen Stopp erhöhen. Oder ich kann unsere ISO ändern, von 1.600 auf 3.200, was auch das Licht um einen Stopp erhöhen würde. Weil ich während dieser beiden Aufnahmen eine konstante Blende beibehalten möchte, bleibt mir ISO übrig. Wenn Sie nun diese Aufnahmen nebeneinander betrachten, können Sie sehen, dass sie unterschiedliche Einstellungen haben, aber identische Belichtung. Ein weiteres Beispiel wäre diese Szene hier. Wir filmen mit 24 Bildern pro Sekunde, 1/50. Verschlusszeit, Blende ist auf f5.6 und ISO bei 800 eingestellt. Ich möchte eine noch flachere Schärfentiefe erstellen, also ändere ich meinen Blendenstopp auf f2.8. In diesem Fall verringern wir unsere Blende von f5.6 um einen Stopp auf f4 und dann einen weiteren Stopp auf f 2.8. Wir haben die Gesamtbelichtung um zwei Stopps verringert. Um die gleiche Belichtung wie unsere vorherige Aufnahme aufrechtzuerhalten, müssen wir eine unserer anderen Belichtungseinstellungen, ISO oder Verschlusszeit, anpassen . Denken Sie daran, dass der einzige Grund für die Anpassung der Verschlusszeit ist, wenn Sie die Bildraten ändern oder wenn wir eine bestimmte Art von Bewegungsunschärfe wollen. Wir ändern die Bildrate nicht und wir wollen einen Film wie Bewegungsunschärfe beibehalten, also bleiben wir mit ISO übrig. Dann werden wir die ISO von 800 auf 400 reduzieren. Das ist nur ein Halt. Dann von 400 bis 200, was ein weiterer Halt ist. Auch hier haben wir zwei Aufnahmen mit unterschiedlichen Einstellungen und gleicher Belichtung. Je mehr Sie schießen, wird dies zur zweiten Natur werden und Sie werden keine Berechnungen in Ihrem Kopf machen. Sie werden nur beginnen, die Einstellungen automatisch nach Ihren Wünschen anzupassen. Zum Beispiel, wenn Sie eine Hochzeit oder ein Firmenvideo filmen, etwas, wo Sie laufen und Pistolen müssen, vertrauen Sie mir, Sie werden keine Zeit haben, sich zu setzen und diese Berechnungen zu machen, werden Sie sich zu schnell bewegen und werden nicht wollen den perfekten Schuss verpassen. Aber wenn Sie sich entscheiden, Ihre Bildrate zu wechseln, wissen Sie genau, was Sie tun müssen, um die passende Belichtung aufrechtzuerhalten. Dies ist eine einfache Idee und es ist unglaublich vorteilhaft zu verstehen, dass wir bei der Anpassung der Belichtung einfach die Lichtmenge verdoppeln oder halbieren. Also versuchen Sie es. Konzentrieren Sie sich auf verschiedene Objekte in einer Vielzahl von Beleuchtungssituationen. Stellen Sie Ihre Belichtung für Ihre bevorzugten Einstellungen ein, machen Sie ein Bild oder nehmen Sie ein Video auf. Dann verwirren Sie eine der drei Einstellungen. Entweder stoßen Sie es ein paar Stopps nach oben oder unten ein paar Stopps, und versuchen Sie herauszufinden, welche anderen Einstellungen Sie anpassen können , um die richtige Belichtung von Ihrem vorherigen Schuss beizubehalten. Also, jetzt haben wir verschiedene Einstellungen, aber die gleiche Belichtung. Dies ist Teil Übung und Teil praktisch. Dies könnte mehr für Menschen in laufenden Gewehrfilmen Situationen gelten, mit sehr geringen Mengen an Ausrüstung oder Kontrolle über die Beleuchtung. Idealerweise werden wir versuchen, unsere Blende in einer Szene Aufnahmen konstant zu halten. Wir werden unsere Verschlusszeit beibehalten, wo wir filmische Bewegungsunschärfe haben, was nur wirklich erfordert, dass wir sie ändern, wenn wir unsere Bildrate ändern. Sie werden höchstwahrscheinlich versuchen, Ihre Beleuchtung und ND zu ändern. Wenn Sie diese Dinge nicht haben, Ihre ISO. Der beste Weg zu lernen ist, rauszugehen und Sachen zu filmen. Sie werden natürlich beginnen, herauszufinden, wie Sie Ihre Einstellungen anpassen und welche Einstellungen wo und mit welcher Art von Licht funktionieren . Um zusammenzufassen, ist ein Stopp eine Messung des Lichts. Sie halbieren oder verdoppeln die Lichtmenge, die die Kamera einlässt. dieses Konzept verstehen, können Sie feststellen, was Sie schnell einstellen möchten. Arbeiten Sie daran, bis es zur zweiten Natur wird. In der nächsten Lektion lernen wir etwas über den Weißabgleich. 15. Weißabgleich: Die Verwendung der Weißabgleicheinstellung in Ihrer Kamera ist von größter Bedeutung, wenn Sie die Farbgenauigkeit anstreben, und kann einzigartige Blicke in der Kamera erzeugen. Um den Weißabgleich zu verstehen, müssen wir zuerst über Farbtemperaturen lernen. Farbtemperatur ist die Wärme oder Kühle einer Lichtquelle. Verschiedene Lichtquellen haben unterschiedliche Farbtemperaturen. Zum Beispiel erscheinen Glühbirnen warm und Tageslicht erscheint kühler. Farbtemperatur wird in dem, was Kelvin genannt wird, gemessen. Seltsamerweise, je wärmer die Farbe, desto niedriger die Zahl und umgekehrt. Die Weißabgleich-Einstellung ist die Art und Weise, wie wir unserer Kamera sagen , was die Farbtemperatur einer Gesamtszene ist. Wenn wir den Weißabgleich einstellen, sagen wir unseren Kameras, wie Weiß unter einem bestimmten Licht aussieht, so dass die Farben so aussehen, wie sie sollten. Wenn ich beispielsweise Tageslicht ausfülle, würde ich den Weißabgleich meiner Kamera auf 56,00 Kelvin einstellen, was ungefähr der Farbtemperatur des Tageslichts entspricht. Wenn ich in meinem Wohnzimmer filmen, mit Wolfram-Glühbirnen, würde ich meinen Weißabgleich auf 3.200 Kelvin einstellen, was die Farbtemperatur einer Wolframbirne typischerweise ist. Der Grund, warum ich ungefähre Werte verwende, liegt darin , dass die Temperatur der Beleuchtung stark variiert. Tageslicht ändert sich dramatisch mit Sonnenaufgang und Sonnenuntergang zwischen 2.000 und 3.000 K, wobei die Dämmerung zwischen 7.500 und 10.000K liegt. Die Beleuchtung am Nachmittag ist etwa 5.500K, und bewölkt, etwa um 6.500K, es variiert. Wenn Sie nicht wissen, wie die Farbtemperatur der Beleuchtung an einem bestimmten Ort oder einer bestimmten Szene ist, benötigen Sie eine weiße Karte oder eine 18-prozentige graue Karte. Um einen benutzerdefinierten Weißabgleich zu erfassen, platzieren Sie Ihre weiße oder graue Karte unter das gleiche Licht, in dem Sie filmen möchten. Jede Kamera ist ein bisschen anders. Suchen Sie also nach der Einstellung für den Weißabgleich, wählen Sie dann Benutzerdefiniert aus, und richten Sie dann Ihre Kamera auf die weiße Karte in der Heck Capture. Sie können hier sehen, es sagt mir, dass das Licht, das von der Karte reflektiert wird, bei 8.300 Kelvin kommt, vor allem weil es bewölkt ist, und die Tageszeit, die während des Sonnenuntergangs war. Lassen Sie uns versuchen, hier einen Weißabgleich für dieses Licht zu setzen. Wählen Sie benutzerdefinierten Weißabgleich, drücken Sie Capture, und wir erhalten einen Weißabgleich von 3.100K, aber warten Sie, was ist das? Da steht M6. Es gibt eine andere Einstellung für die Farbgenauigkeit, und das nennt man Tönung. Die Farbtöne in einem Bild passen entweder die Farbe Grün oder Magenta an. Sonnenlicht hat entweder eine grüne oder eine magentafarbene Tönung, und es ist sehr schwer, auf diesem winzigen LCD-Bildschirm zu sehen. Wenn ich gerade meinen Weißabgleich dort eingestellt habe, heißt es, dass das Licht einen grünen Farbton hat. Durch Anpassen der magentafarbenen Tönung um sechs Punkte wirkt die Kamera dem grünen Farbton entgegen, der von diesem Licht kommt. Jetzt hat die Kamera einen richtigen Weißabgleich für alles, was unter diesem Licht beleuchtet wird. Deshalb ist es so wichtig, den Weißabgleich in verschiedenen Situationen einzustellen, man kennt nie die Qualität des Lichts, mit dem man es zu tun hat, und dies ist der beste Weg, um den genauesten Weißabgleich zu erzielen. Was ist mit all diesen anderen Weißabgleich-Voreinstellungen? Was ist mit Schatten und automatischem Weißabgleich? Ich benutze sie nicht wirklich. Es ist in Ordnung, wenn Sie wirklich eine Voreinstellung verwenden möchten, können Sie. Aber in dieser Klasse wollen wir die volle manuelle Kontrolle haben. Wenn Sie die volle manuelle Kontrolle über Ihre Kamera und präziser mit Ihrem Weißabgleich haben und präziser mit Ihrem Weißabgleich sind, können Sie sich nicht auf Voreinstellungen verlassen und Laufe der Zeit ein tieferes Verständnis der Kelvin-Temperaturen in verschiedenen -Umgebungen. Wenn Sie Ihre Weißabgleichkarte verwenden, werden Sie beginnen, einen Trend in verschiedenen Beleuchtungssituationen zu sehen. Zum Beispiel, bei Tageslicht, will ich mit 5.600K filmen, in bewölkter oder Form, ich fotografiere mit etwa 6.500K, oder sogar 7.000 K. Innenbeleuchtung, kann ich mit Aufnahmen bei 3.200K davonkommen, manchmal schieße ich sogar auf 3.600K. Studieren Sie Kelvin-Diagramme, erhalten Sie eine Weißabgleich-Karte oder eine 18-prozentige Graukarte. Sobald Sie sich mit den Mustern der Lichttemperaturen an verschiedenen Orten und Situationen vertraut gemacht haben, können Sie Ihren Weißabgleich ganz in Ordnung bringen, ohne einen Wagen zu verwenden. Lasst uns zusammenfassen. Weißabgleich ist eine Einstellung, die der Kamera mitteilt wie Weiß unter einer bestimmten Lichtart aussieht. Es passt sich auf warme und kühle Farbtemperaturen und kompensiert zudem einen grünen oder magentafarbenen Farbton. Verwenden Sie eine Weißabgleichkarte, lernen Sie die Kelvin-Skala und merken Sie sich die Farbtemperaturen bestimmter Lichtverhältnisse, damit Sie schnell auf dem Zifferblatt sein können, wenn Sie fotografieren. In der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, welchen Weißabgleich in verschiedenen Beleuchtungssituationen zu wählen ist. 16. Weißabgleich: Praktische Anwendung: In der letzten Lektion haben wir diskutiert, was Weißabgleich ist, wie man es einstellt und wie wichtig eine Weißabgleichkarte ist. Aber es gibt noch ein paar andere wichtige Faktoren, die bei der Auswahl des Weißabgleichs für Ihr Shooting berücksichtigt werden müssen. Schauen wir uns einige Tipps an, wie man Weißabgleich in realen Drehsituationen anwenden kann. Gemischte Beleuchtung ist unglaublich verbreitet. Sie werden in Situationen mit Leuchten aller Art filmen. Es ist nicht ideal, aber manchmal gibt es keinen Weg um ihn herum. Wenn Sie können, schalten Sie die Lichter im Innenbereich aus und verwenden Sie das natürliche Licht, das von außen hereinkommt. Natürliches Licht macht die schönsten und natürlichsten Farben. Sie müssen sich keine Sorgen über seltsame Farbstiche machen, die Ihr Motiv treffen und Sie müssen nicht mit den Kopfschmerzen umgehen, die gemischte Beleuchtung in der Post verursachen kann. Dies gilt insbesondere, wenn es um gemischte Beleuchtung geht, Hauttöne trifft. Die beste Option für einen Raum besteht darin, ihn auf eine Lichtquelle zu beschränken. Aber es gibt viele Situationen, in denen dies nicht möglich ist. Besondere Veranstaltungen und Hochzeiten sind berüchtigt für diese Art von Situationen. Nehmen wir an, Sie haben Split-Beleuchtung mit zwei verschiedenen Farbtemperaturen, Wolfram und Tageslicht. In diesem Fall müssen Sie das eine oder andere auswählen. Stellen Sie Ihren Weißabgleich auf 3.200 K ein und das Wolfram-Licht, das auf die linke Seite meines Gesichts trifft wird ausgeglichen und das Tageslicht, das auf die rechte Seite meines Gesichts trifft, wird kühler. Die Gesamtszene sieht auch cooler aus. Stellen Sie Ihren Weißabgleich auf 5.600 K. Das Tageslicht, das auf die rechte Seite meines Gesichts trifft wird ausgeglichen und der Wolfram, der auf die linke Seite meines Gesichts trifft, wird wärmer. Die Gesamtszene sieht wärmer aus. Gemischte Beleuchtung kann sehr interessant sein und kann verschiedene Arten von Ideen kommunizieren. Wir werden in dieser Klasse nicht darauf eingehen. Aber viele Filme verwenden Farbe, um einen bestimmten Ton oder ein Gefühl zu erreichen. Es ist einfach wirklich cool. Kein Wortspiel beabsichtigt. Wenn Sie eine gemischte Beleuchtung haben, die Ihr Motiv von allen Seiten trifft und es sich um eine Mischung aus gemischtem Licht handelt, dann wählen Sie den Weißabgleich aus, der beide ausgleicht. Zum Beispiel, hier haben wir eine Wäsche von Tageslicht und Wolfram traf unser Thema von der gleichen Seite. Wenn wir es für Tageslicht balancieren, kommt es zu warm heraus. Wenn wir es für Wolfram ausgleichen, zu kalt. Lassen Sie uns unseren Weißabgleich auf 4.300 setzen, so dass wir zwischen 3.200 K und 5.600 K landen. Wenn Sie den Weißabgleich richtig anpassen, um die vermeintliche Kelvin-Temperatur einer Szene zu kompensieren, Sie möglicherweise fest, dass der richtige Weißabgleich weniger wünschenswert ist als ein angepasster Weißabgleich. Zum Beispiel liegt die Farbtemperatur von Kerzenlicht etwa 2.000 K. Wenn Sie die richtige Balance einstellen, erhalten Sie ein Bild, das nicht ganz richtig aussieht oder zumindest nicht mit der Wärme des Kerzenlichts übereinstimmt. In diesem Fall ist es vorzuziehen, einen höheren falschen Weißabgleich zu schießen , um das warme Ambiente zu erhalten. Ein anderes Beispiel wäre die Drehung eines Sonnenauf- oder Sonnenuntergangs, bei dem der vermeintliche Weißabgleich irgendwo zwischen 2.000 und 3.000 K liegt. Wenn ich meinen Weißabgleich auf 2.500 K setze, erhalten wir einen unglaublich blauen Farbton , der sehr sein kann interessant. Es ist auch wichtig zu beachten, dass, ja, die Sonne hat einen Weißabgleich von 2.500 K. Aber wenn man sich das Ambiente der Szene als Ganzes anschaut, trifft das Licht der Sonne nicht wirklich alles. Deshalb ist die Gesamtfarbe blau. Sie müssen berücksichtigen, wie viel von der Lichtquelle einer bestimmten Temperatur Ihre Umgebung trifft. Auch, wenn man näher hinschaut, könnte man sehen, dass es in der Aufnahme auch bedeckt ist. So sollte der gesamte Weißabgleich wärmer sein, um dies zu kompensieren. Setzen wir unseren Weißabgleich auf die andere Seite des Spektrums, auf 9.500 Kelvin. Schau dir das an, wir bekommen ein sehr warmes Bild. Ich bevorzuge das mehr, weil ich so einen Sonnenaufgang interpretiere, um warm in der Farbe zu sein. Es ist wichtig, über die Lichtquelle und den Weißabgleich nachzudenken, aber auch über das Umgebungslicht und was dieser Weißabgleich ist. Abhängig von Ihrer Geschichte, können Sie wählen, um einen kühleren Ton zu filmen, und das ist eine weitere gute Option. Sie können auch einen Platz irgendwo dazwischen finden, sagen wir, 5.600 K, was ich normalerweise gerne tun, und dann kann ich kleine Anpassungen an der Farbe in post vornehmen. Kleine Anpassungen des Weißabgleichs sind in Ordnung. Sie können ein Bild in der Post aufwärmen oder abkühlen, aber Vorsicht, wenn Sie versuchen, große Änderungen an Ihrem Bild Weißabgleich in der Post zu machen, müssen Sie mit potenziellen seltsamen Farben umgehen, Biegen, Farben nicht genau aussehen, und einfach nicht genug Flexibilität aus dem Bild zu haben, um eine Aufnahme in der Post zu korrigieren. Es könnte zu einem unbrauchbaren Schuss führen. Der Grund dafür ist, dass die meisten dieser Spiegelreflexkamerasysteme 8-Bit sind, während einige Farben mit 10 Bit rendern. Die Fachbegriffe sind hier nicht unbedingt wichtig. Aber was wichtig ist, ist zu verstehen, dass je mehr Bits Ihre Kamera aufnehmen kann, desto mehr Farbinformationen kann sie erfassen. Dies führt zu einem glatteren Übergang zwischen Farben und mehr Flexibilität beim Bearbeiten von Farben im Post. diesem Grund haben Sie vielleicht viele Filmemacher gehört, die den Film im Rohformat bevorzugen. Raw bietet unglaubliche Flexibilität, so dass Sie Ihren Weißabgleich im Post ändern können. Wenn Sie roh schießen, machen Sie sich keine Sorgen. Sie können es in der Post reparieren. Wenn Sie nicht in Rohform filmen, stellen Sie sicher, dass Sie die beabsichtigten Farben in der Kamera zu bekommen , damit Sie nicht mit den Kopfschmerzen umgehen müssen, die auftreten, wenn Sie versuchen, es in der Post zu beheben oder wenn Sie einen bestimmten geschossen aufgrund unerwünschter Farbstiche. Ich hatte ein paar Aufnahmen in einer Kathedrale, die ich anfangs wirklich mochte und dann merkte ich zu spät , dass ich eine dieser Aufnahmen in 3.600 K gefilmt und die andere in 4.300 K, Ich dachte, ich würde den richtigen Weißabgleich einstellen, aber offensichtlich nicht. Ich habe versucht, es in der Post zu reparieren, hatte eine wirklich grobe Sache. Wenn es ein nächstes Mal gibt, würde ich es mehr unterbelichten, um einen Silhouettenlook zu bekommen, benutzerdefinierten Weißabgleich zu setzen und vielleicht sogar ein Licht zu bringen, um zu kompensieren, wie hell das Fenster ist. Fehler passieren. Wir leben und lernen. Wir scheitern. Wir versuchen, Gewinn zu machen. Kleine Änderungen in Kelvin für acht oder 10 Bit Bilder sind in Ordnung. Große Veränderungen. Seien Sie sich bewusst. Um zusammenzufassen, die Mehrheit der Zeit, werden Sie den richtigen Weißabgleich verwenden wollen. Aber es könnte bestimmte Lichtverhältnisse geben, bei denen Sie vielleicht lieber einen falschen Weißabgleich verwenden, um in einem anderen Look zu wählen. Wenn Sie können, versuchen Sie bei gemischter Beleuchtung, es auf eine Farbtemperatur zu begrenzen, um eine Farbwäsche zu vermeiden. Wenn Sie keine andere Wahl haben, als eine Wäsche von gemischtem Licht zu filmen, versuchen Sie, den Weißabgleich zu finden, der zwischen den beiden verschiedenen Lichtquellen landet. Wenn es gleichmäßig ist und aus zwei getrennten Richtungen kommt, wählen Sie eine Temperatur und lassen Sie die andere warm oder kühl bleiben. Dies ist ein kniffliger, und es braucht Übung und Erfahrung. Bringen Sie Ihre Kamera mit, wohin Sie auch gehen. Üben Sie, Ihren Weißabgleich für verschiedene Aufnahmen oder Szenen einzustellen. Versuchen Sie, Ihre Weißabgleich-Karte zu Hause zu lassen und verwenden Sie Ihre Kelvin-Diagramme, um die beste Weißabgleich-Einstellung zu bestimmen. Du musst nur üben, üben, üben. In der nächsten Lektion werden wir über Bildprofile sprechen. 17. Bildprofile: Bildprofile können einen langen Weg gehen, um Ihre Aufnahmen im Post flexibler zu machen oder ein Aussehen zu schaffen, das Ihnen in Ihrer Kamera gefällt. Es ist wichtig zu verstehen, welches Bildprofil für Ihren Workflow zum Filmen geeignet ist, damit Sie das beste Bild aus Ihrer Kamera holen können. In den Kameraeinstellungen finden Sie ein Menü mit einer Reihe von Bildprofilen oder Bildstilen. diesen Einstellungen können Sie Parameter anpassen und ändern , die die Eigenschaften eines Bildes bestimmen. Diese Eigenschaften steuern die Sättigung, den Kontrast, die Schärfe und die Farbe eines aufgezeichneten Bildes . Jede Kameramarke hat ihre eigenen Bildprofile, mit jeder ihrer Kameras ausgeliefert werden, und bietet eine Vielzahl von Looks für bestimmte Szenen. In Canon-Kameras haben wir eine Reihe von Bildstilen, die alle für eine bestimmte Art von Bilddaten entwickelt wurden. Landschaft hat einen Schub in der Sättigung, um die Farben einer Landschaft Shot Pop zu machen. Dann haben wir Porträt, das offenbar großartig für Porträts ist. Diese werden als Standard-Bildprofile bezeichnet, und sie sehen in der Kamera ziemlich gut aus. Das einzige Problem ist, dass, sobald Sie das auf einen großen Monitor werfen, Sie sehen, dass Sie eine Menge Details in den Lichtern und Schatten verlieren. Nicht alle Bildprofile sind gleich erstellt, einige sind besser als andere in der Bereitstellung eines guten Dynamikbereichs, während auch ein anständiges In-Kamera-Aussehen. Wenn Sie eine korrekte Belichtung und einen Weißabgleich haben, benötigen Standardbildprofile nicht so viel Arbeit im Posteingang, bieten aber weniger Flexibilität im Dynamikbereich und bei der Farbkorrektur. Es gibt andere Profile, die Log-Profile genannt werden, die Ihnen ein flacheres Bild mit geringem Kontrast und niedriger Sättigung geben. Jede Marke hat ihre eigene Version davon, C-Log, S-Log, V-Log, und so weiter. Der Grund dafür ist, dass es entworfen wurde, um einen großen Dynamikbereich zu erfassen. Sie können weitere Details innerhalb Ihrer Glanzlichter und Schatten beibehalten. Ein Log-Profil ermöglicht auch mehr Flexibilität in der Postproduktion. Wenn Sie in Situationen filmen, in denen Sie einen hohen Dynamikbereich oder viele helle Lichter und dunkle Schatten innerhalb desselben Bildes erfassen müssen, ist dieses Profil eine gute Wahl. Der Nachteil zu protokollieren ist, dass Sie mehr Arbeit in der Post tun müssen , um das Bild wieder normal aussehen zu lassen, was eine Kunst an sich ist. Wenn Sie die Zeit und das Wissen haben, wie Sie Protokollmaterial einfärben können, oder einen anderen Kurs zur Farbkorrektur haben, an dem Sie interessiert sind, dann gehen Sie dafür. Wenn Sie sich über die Farbkorrektur nicht sicher sind und sich keine Sorgen darüber machen, dass Sie diese zusätzliche Flexibilität haben, dann versuchen Sie, in einem Standardprofil zu filmen. Ich habe sowohl mit Standardprofilen als auch mit Protokollprofilen gearbeitet und genieße es, beides zu verwenden. Alles hängt von der bestimmten Szene oder dem Projekt ab, an dem ich arbeite. Persönlich filme ich im Moment auf einer Sony Kamera. Ich habe es nie genossen, in Sonys Log-Profilen zu filmen und fand, dass die Farbkorrektur der Aufnahmen ziemlich schwierig ist. Ich habe ein benutzerdefiniertes Profil namens E-O-S-H-D Pro Color verwendet. Ich filme gerne mit der Standardversion, und es gibt auch eine Log-Version, die ich filmen kann, um meine Standard-Profilaufnahmen zu passen. Für Projekte mit einer schnellen Turnaround und niedrigerem Budget, ich fotografiere meist in Standard. Bei diesen schwierigen Aufnahmen, bei denen ich den Dynamikbereich maximieren möchte, wechselte ich zu Protokoll und passte das Aussehen meines Standardprofils im Post an. Dieses spezielle Profil, obwohl es ein Standardprofil ist, ist viel besser als die meisten anderen, und es ist spezifisch für Sony Kameras. Auf meiner Canon-Kamera habe ich kein C-Log zur Verfügung, aber ich habe ein kostenloses Log-Profil namens Cinestyle installiert , das auf Technicolors Website zu finden ist. Ich habe auch in einem neutralen Bildstil gefilmt und ein benutzerdefiniertes Profil angepasst, um eine niedrige Sättigung, einen niedrigen Kontrast und eine geringe Schärfe zu erhalten , um ein Protokollprofil zu emulieren. Der Himmel ist die Grenze, wenn es um Bildprofile geht, und es kommt wirklich auf persönliche Vorlieben, oder Sie können einfach meine Präferenz und Google die beste Bildprofileinstellung folgen. Es ist toll, in Standard für Leichtigkeit und Geschwindigkeit zu filmen, aber ich würde sehr empfehlen, in einem Log-Profil zu schießen, und nehmen Sie sich die Zeit, wenn das Budget es erlaubt, in Ihrem Look in der Post wählen. Um zusammenzufassen, Wenn Sie mehr Flexibilität wollen, haben die Zeit, Budget, und die Fähigkeiten oder Wunsch, in der Farbkorrektur qualifiziert zu sein, dann schießen mit dem Log-Profil. Wenn Sie Zeit in der Post sparen möchten und ein wenig Dynamikbereich opfern möchten, halten Sie sich an ein Standardprofil. In der nächsten Lektion dreht sich alles um den Fokus. 18. Den Fokus verstehen: Kontrolle über Ihr Bild ist nicht einfach nur auf Belichtung beschränkt, und Farbe, Fokus ist ein weiterer sehr wichtiger Aspekt beim Filmen. Das Verständnis des Schwerpunkts in Theorie und Praxis wird Ihrer Arbeit sehr zugute kommen. Der Fokus ist im Wesentlichen, wie scharf oder weich ein aufgenommenes Bild ist, abhängig von Ihrer Blendeneinstellung. Wenn Sie den Fokusring nach rechts oder links drehen, drücken oder ziehen Sie die Schärfentiefe. Wenn Sie sich an die Lektion über die Blende erinnern, sprachen wir über die Schärfentiefe und wie sie beeinflusst wird, welche Blende Sie wählen. Wenn Sie auf eine kleine F-Zahl, wie f2.8, schießen , haben Sie eine flache Schärfentiefe, und wenn Sie den Fokusring drehen, ist es sehr auffällig, dass Sie Dinge in und außerhalb des Fokus bewegen. Bei einer höheren f-Zahl bemerken Sie es nicht so sehr, weil Sie mehr Schärfentiefe haben, mit denen Sie arbeiten können. Die Schärfentiefe hat unterschiedliche Stufen der akzeptablen Fokussierung. Es gibt den schärfsten Punkt eines Objektivs, auf den wir zielen wollen, wenn wir den Fokus erhalten, und dann gibt es die akzeptablen Fokusteile, die diesen schärfsten Punkt umgeben. Diese Punkte sind akzeptabel, aber nicht so gut wie der schärfste Punkt des Schwerpunkts. Schauen wir uns einige Objektive an, um den Fokus ein bisschen besser zu verstehen. Ältere Vintage-Linsen haben Markierungen für eine visuelle Darstellung des Fokus. So zum Beispiel, auf dieser Linse hier, können Sie viele Markierungen sehen, nicht überwältigt werden, es ist nicht so verwirrend, wie es aussieht. Hier haben wir einen Blendenring. Unter dem Fokusring zeigt unsere Hyperfokal-Distanzskala die Messung in Fuß und Metern an. Die weißen Markierungen sind Meter, und die gelbe in den Füßen. Dies zeigt Ihnen, in welcher Entfernung etwas im Fokus steht. Wenn ich mein Objektiv auf fünf Fuß bewege, wird alles, was fünf Meter entfernt ist, im Fokus stehen. Sie können auch hier sehen, dass dieses Objektiv so nah an 0,45 Meter fokussieren kann, das ist, was die Linsen minimale Brennweite genannt wird. Jedes Objektiv hat eine MFD, und einige haben sogar Makrofähigkeiten. Makro ist unglaublich hilfreich für die Flexibilität während der Aufnahme auf einem Objektiv. Nun, was an diesen Vintage-Linsen cool ist, dass sie uns sagen , in welcher Entfernung wir akzeptabel Fokus haben. Zum Beispiel, wenn ich bei f8 fotografiere und ich mich auf das Thema konzentriere, das fünf Meter entfernt ist, schau dir die entsprechenden Achter hier an, sie schaffen einen schönen kleinen Raum zwischen ihnen. Alles zwischen diesen Achten, wenn bei f8 schießen, wird ein akzeptabler Fokus sein. So wird der schärfste Punkt des Fokus auf fünf Fuß sein, und die akzeptablen Fokuspunkte werden etwa zwischen viereinhalb Fuß und secheinhalb Fuß liegen. Dies ist auch ein Vintage-Objektiv, das als ziemlich weicher im Fokus betrachtet wird als die meisten neueren Objektive, so dass die Ergebnisse variieren. Grundsätzlich ist dies eine visuelle Darstellung der verfügbaren Schärfentiefe. Auf diesem Vintage-Zoomobjektiv sehen Sie, dass der Zoomfaktor auch die Schärfentiefe beeinflusst. Bei [unhörbaren] Winkeln haben Sie eine größere Schärfentiefe. Bei den Dreharbeiten bei f11 und den ganzen Weg aus 35 Mill gezoomt, liegt unser Bereich der akzeptablen Fokussierung jetzt etwa etwas über drei Fuß bis knapp sechs Fuß. Wir können aus der Sicht der Kamera sehen, dass die Vintage-Kamera bei fünf Metern im Fokus steht. Das Objektiv mit vier Fuß ist scharf, aber das Objektiv mit drei Metern ist nur unscharf. Bei längeren Zoomlängen haben Sie eine geringere Schärfentiefe. Im Grunde genommen, weil beim Filmen auf einem langen Objektiv die Elemente eines Bildes zusammen mit der Schärfentiefe komprimiert werden. Wenn wir wieder zum Vergrößern zurückkehren, können Sie sehen, dass bei f11 die Markierungen langsam zu schrumpfen beginnen, bis wir knapp vier Fuß auf etwa viereinhalb Fuß einen akzeptablen Fokus haben . Aus Sicht der Kamera können Sie sehen, dass die Kamera mit vier Metern scharf scharf fokussiert ist, die Vintage-Kamera nur unscharf ist und das Objektiv mit drei Füßen auch nur unscharf ist. Beachten Sie, dass bei der Einstellung des Fokus die Distanzmarkierungen vom Motiv zum Kamerasensor und nicht zur Vorderseite des Objektivs berechnet werden. Deshalb haben Kameras diese Markierungen, diese Markierung wird als Film-Ebenenmarkierung bezeichnet. Bei Digitalkameras befindet sich hier Ihr Kamerasensor. Vielleicht haben Sie einige Aufnahmen hinter den Kulissen gesehen, bei denen Fokusabzieher Messbänder verwenden, um den Fokus zu setzen. Sie messen den Abstand von einem Motiv zum Kamerasensor oder Filmebene, um zu bestimmen, wo der perfekte Fokus eingestellt werden soll. Jetzt werden Sie höchstwahrscheinlich kein Maßband verwenden, um einen kritischen Fokus in Ihrer DSLR- oder spiegellosen Kameras zu gewinnen, aber es ist gut zu wissen, wie diese Dinge funktionieren, damit Sie sich mit dem Fokus noch komfortabler machen können. Um zusammenzufassen, wird Ihnen das Verständnis dieser Konzepte helfen , besser über die Funktionsweise des Fokus und sich beim Fokussieren insgesamt komfortabler zu machen. Lernen über die Markierungen auf Objektiven hilft uns, zu wissen, wie der Fokus funktioniert, und gibt uns ein besseres Verständnis dafür, wie Blende und Objektivlängen beeinflussen, was scharf und in akzeptabler Fokussierung sein wird. In der nächsten Lektion lernen wir den besten Weg, den Fokus zu setzen. 19. Fokus einstellen: Abgesehen davon, dass Sie ein Maßband mitnehmen oder die Markierungen auf Ihren Kameraobjektiven für die Fokussierung verwenden, gibt es einige andere hilfreiche Werkzeuge und Einstellungen, um den Fokus zu erhalten. Die Verwendung der Zoom-Funktion auf Ihrer Kamera ist eine der besten Optionen, um scharfe Fokussierung zu erzielen. Vergrößern Sie digital den ganzen Weg und lassen Sie das Bild so scharf wie möglich aussehen. Einige Kameras ermöglichen es Ihnen, während der Aufnahme zu zoomen, andere nicht. Es ist großartig, die Zoomfunktion während der Aufnahme zu haben , da sich Ihr Motiv manchmal bewegt oder wenn Sie Probleme haben, auf diesem kleinen Bildschirm zu sehen, ob Ihr Auslöser noch fokussiert ist, können Sie immer hineinzoomen, während -Aufnahme, um zu fokussieren. Einige Kameras haben das, was man als Fokuspeaking bezeichnet. Grundsätzlich ist alles, was es tut, die Teile eines Bildes hervorzuheben, die im Fokus sind. Manchmal führt das Setzen Ihres Fokusspitzes auf „niedrig“ zu den größten Ergebnissen. Auf diese Weise wird die LCD-Anzeige Ihrer Kamera nicht mit roten Umrissen übersät und Sie werden nur die schärfsten Punkte des Bildes angezeigt. Fokusspitzen werden Kanten mit dem höchsten Kontrast in der Szene erkannt. Wenn Sie feststellen, dass Sie nicht genügend Kontrast haben, können Sie die Fokusspitzen erhöhen, damit die Kanten leichter erkannt werden können. Autofokus ist in einigen Fällen völlig in Ordnung. Zum Beispiel ist es sehr schwierig, jemanden zu filmen , der auf die Kamera zugeht, manuell zu fokussieren. Es kann getan werden, aber Sie sollten sich dafür am Autofokus halten. Eine weitere gute Option für den Autofokus ist die Verwendung eines Gimbal. Es ist großartig, wenn Sie jemandem folgen, während komplexe Bewegungen ausführen und den Abstand zwischen Ihnen und Ihrem Motiv ändern. Eine Sache, auf die man achten muss, ist die Fokusjagd. Fokusjagd ist, wenn Ihre Kamera versucht, herauszufinden, worauf sie sich konzentrieren soll. Wenn Sie den Vordergrund in Ihren Aufnahmen verwenden, z. B. Bäume oder Blätter, ändert Ihre Kamera den Fokus in der Mitte Verwenden Sie daher den Autofokus mit Sorgfalt. Eine Sache, die mir beim Einstellen des Fokus geholfen hat, ist herauszufinden, auf welche Weise Sie Ihren Fokusring drehen müssen, um den Fokus oder den Fokus zu erreichen. Wenn Sie das herausfinden, stecken Sie es in Ihrem Gehirn fest, dass, wenn Sie sich auf etwas weit konzentrieren, Sie Ihr Objektiv auf diese Weise drehen und wenn Sie schließen, drehen Sie Ihr Objektiv auf diese Weise. Ich weiß, das klingt super einfach und unkompliziert, aber ich habe viele Male beim Bearbeiten von Aufnahmen gesehen, bei denen der Kameramann auf eine wichtige Aufnahme in Panik geraten kann und sich nicht erinnern kann, wie man den Ring drehen kann, um den richtigen Fokus zu erhalten. Davon abgesehen braucht der Fokus viel Übung. Das Größte, was ich über den Fokus sagen kann, ist, es zu benutzen, um deine Geschichte zu erzählen. Verwenden Sie es, um das Auge der Zuschauer zu lenken, verwenden Sie es, um die Aufmerksamkeit auf die Emotionen eines Charakters zu lenken. In diesem Schuss, ohne Spoiler zu verschenken, können wir sehen, dass Homelander eindeutig über etwas verärgert ist. Der flache Fokus lenkt die Aufmerksamkeit auf seine innere Welt, zeigt aber auch, dass der Fokus auf ihn liegt, dass er selbstzentriert ist. Während er landet, konzentrieren sich die Kamera-Racks auf das Haus, wo er seine Kraft und Energie ausüben will. Auf diese Weise fungiert der Fokus als Behälter für seine Wut. Das ist nur meine Interpretation. Du könntest diese Serie anschauen und selbst entscheiden. Wenn Sie versuchen, Details anzuzeigen, stellen Sie sicher, dass sie im Fokus stehen. Wenn Sie versuchen, das Auge des Betrachters durch Rackierung des Fokus zu lenken, stellen Sie sicher, dass Sie eine absichtlich sanfte Fokusverschiebung von einem Motiv zum nächsten erhalten. Alles, was etwas außerhalb des Fokus oder schlampige Fokuspose ist, kann wie ein unbeabsichtigter Fehler aussehen. Das ist fokussiert, das ist unscharf. Der Betrachter beginnt sich zu fragen, was war das? Sie werden abgelenkt und Ihr Schuss verliert seinen Zweck, den Fokus und die Aufmerksamkeit des Betrachters zu lenken. Das bedeutet nicht, dass Sie die Dinge nicht aus dem Fokus schießen können. Ich liebe den Out-of-Focus Look, aber nur, wenn es beabsichtigt aussieht oder wenn es der Geschichte dient. Stellen Sie sicher, dass Ihre Fokusoptionen absichtlich aussehen. Probieren Sie das aus. Setzen Sie sich auf Ihren Lieblingssessel oder Sofa oder vielleicht eine Parkbank, zielen Sie Ihre Kamera auf Objekte in verschiedenen Entfernungen. Versuchen Sie, den Fokus zuerst anzupassen, falls verfügbar, indem Sie die Fuß- und Zählermarkierungen auf Ihrem Objektiv verwenden. Nicht jedes Objektiv hat diese. Versuchen Sie dann, den digitalen Zoom zu verwenden, um den richtigen Fokus für ein Objekt zu erhalten. Versuchen Sie, sich weiter weg zu bewegen, versuchen Sie näher zu kommen. Testen Sie die minimale Brennweite Ihres Objektivs oder Objektivs. Passen Sie die Blende so an, dass Sie mehr Fokusprobleme erstellen können. Dies ist eine großartige Praxis und geben Ihnen eine gute Vorstellung von Ihren Linsen Einschränkungen und Stärken, wenn es um den Fokus geht. Um diese Lektion zusammenzufassen, verwenden Sie die Zoomfunktion Ihrer Kamera, um den Fokus festzulegen. Wenn Sie den Fokusspitzen zur Verfügung haben, verwenden Sie diesen zusammen mit der Zoomfunktion. Üben Sie Ihre Fokussierung Fähigkeiten. Stellen Sie sicher, dass Ihr Fokus, egal ob in oder außerhalb des Fokus, bewusst ist und der Geschichte dient, die Sie erzählen. Als nächstes werde ich einige Tipps zur Drehung Ihrer Storysequenz teilen. 20. Filmen deiner Story-Sequenz: Der Grund, warum wir über die technischen Aspekte des Drehens auf Digitalkameras lernen, ist, dass wir effektivere Geschichten erzählen können. Die Zeit, die Sie mit dem Lernen und Anwenden dieser Techniken und Einstellungen verbracht haben, wird in der praktischen Anwendung zu einem besseren Storytelling beitragen. Ich hoffe auch, dass Sie sich viel wohler und sachkundiger fühlen, wenn es darum geht, jede Kamera mit manuellem Modus zu bedienen. Jetzt kommt der nächste große Schritt, der darin besteht , Ihre Kurzgeschichtensequenz zu erstellen, damit Sie zeigen können, was Sie gelernt haben. Denken Sie daran, dass eine Geschichte einen Anfang, eine Mitte und ein Ende hat , und idealerweise verbindet sie sich mit ihrem Publikum. Der Sinn dieses Kurses ist, ein tieferes Verständnis Ihrer Kamera und ihrer Einstellungen zu haben , um den Zweck der Geschichten zu erfüllen, die Sie erzählen möchten. Der Zweck eines Shots, einer Sequenz oder der Gesamtgeschichte liegt bei Ihnen. Für den Zweck dieses Kurses sind wir nicht auf der Suche nach Perfektion. Du experimentierst, trainierst, probierst Dinge aus, um Dinge auszuprobieren und aus der Erfahrung zu lernen. Bitte seien Sie während dieses Prozesses freundlich zu sich selbst. Es gibt eine Tonne von Variablen, die dazu beitragen, eine effektive Geschichte zu erzählen. Wir haben nicht alle von ihnen behandelt, da diese Klasse hauptsächlich auf Kameraeinstellungen konzentriert ist. Denken Sie daran, dass Sie, wenn Sie an diesem Projekt arbeiten, hauptsächlich zeigen, was Sie gelernt haben, Kameraeinstellungen klug und wie es auf die Geschichte Ihrer Sequenz oder Aufnahme zutrifft. Sie sind Framing, Drehbewegungen, Bearbeiten von Musik, sie alle tragen dazu bei, aber sie sind sekundär zum Hauptziel dieses Kurses , der ein Verständnis des gelernten Materials zu präsentieren ist. Tun Sie Ihr Bestes, um Ihre Kameraeinstellungen zu verwenden, um die Geschichte zu erzählen. Das bedeutet, eine richtige Belichtung, einen bewussten Fokus, eine bevorzugte Farbe, eine Temperatur zu erreichen , zusammen mit der Auswahl der saubersten ISO, Bearbeitung der Schärfentiefe, die Auswahl von Frameraten und deren Bewegungsunschärfe. Keine Sorge, du wirst es großartig machen. Damit gesagt, hier sind einige Tipps, was zu filmen und wie man es filmt. Deine Geschichte muss nicht aufwändig sein. Gehen Sie zu einem Ort. Denken Sie an drei Aufnahmen, die die Geschichte der Menschen an diesem Ort oder den Ort selbst erzählen könnten . Oder vielleicht folgen Sie einem Tier oder einem Insekt, beschränken Sie sich darauf, drei Aufnahmen zu filmen, die Ihrer Meinung nach die Geschichte am besten erzählen. Gehen Sie weit zurück und schließen Sie einen Großteil der Szene ein, die Sie filmen, damit das Publikum sehen kann, wo Sie näher kommen. Erfassen Sie einige wichtige Details, die mehr über die Geschichte, die Sie erzählen, enthüllen könnten . Halten Sie es einfach. Sie können die Geschichte sogar in zwei Schüssen erzählen, oder sogar in einem Schuss. Was passiert am Anfang, in der Mitte und am Ende? Jemand gräbt ein Loch, pflanzt dann einen Samen und wässert schließlich den Boden. Super-einfach, nichts Verrücktes. Oder filmen Sie jemanden, der etwas tut , Kekse macht, Gitarre spielt oder vielleicht arbeitet. Vielleicht haben Sie die Zeit und Ressourcen, um eine emotionale Verbindung herzustellen, und das ist großartig. Wenn nicht, machen Sie sich keine Sorgen darüber, sondern versuchen Sie, sich darauf zu konzentrieren, wie die Techniken, die Sie in diesem Kurs gelernt haben , die Geschichte, die Sie erzählen, und ihre Zwecke unterstützen können. Schauen wir uns zum Beispiel die Sequenz an, die ich gefilmt habe. Ich wollte den ersten Frühlingstag filmen und ein wenig Ruhe und Inspiration in die Tage der Menschen bringen . Ich dachte, meine Absichten für das Shooting würden durch die Verwendung extremer, flacher Schärfentiefe mit F2 gut ergänzt werden. Dreharbeiten in Zeitlupe, 120 Bilder pro Sekunde, mit filmischen Bewegungsunschärfe 1-250stel Sekunde und Dreharbeiten bei 5600 K Weißabgleich, aber ich fügte auch zusätzliche Wärme in Post. Ich hätte meinen Weißabgleich vor Ort auf etwas näher an 6500 K ändern können , um ein wärmeres Aussehen zu erzielen, aber ich tat es nicht. Wenn ich nun alles mit einem tieferen Fokus in 24 Bildern pro Sekunde gefilmt und meinen Weißabgleich in etwas Cooleres geändert hätte, würde das das gesamte Gefühl der Aufnahmen verändern, die Geschichte und ihr Zweck leiteten meine technischen Entscheidungen. Wir schauen immer zuerst auf die Geschichte, wenn wir technische Entscheidungen treffen. Davon abgesehen, können Sie vor Herausforderungen wie Lichtverhältnisse, mit zu wenig, oder vielleicht haben Sie zu viel Licht, um Ihre Geschichte am besten zu dienen. Wir müssen uns anpassen, ändern und leider manchmal Kompromisse eingehen. Du wirst nicht lachen. Du wirst nicht weinen. Oder tun Sie, was Stanley Kubrick tut und begnügen Sie sich nicht mit etwas weniger. Er ist dafür bekannt, verschiedene Objektive anzupassen, um unterschiedliche Fähigkeiten zu haben. Zeiss schuf ein ganz eigenes ultraschnelles Objektiv, ein f/0.7, damit Cooper unter Kerzenlicht filmen konnte. Ich glaube, er modifizierte auch die Linsen in Vollmetall-Jacke verwendet, so dass er einen tiefen Fokus halten konnte, um die Idee, dass jeder Soldat war wichtig in den Rahmen passen . Ich meine, ich bin hier Zunge in der Wange. Offensichtlich sind wir nicht alle Kubricks mit der ganzen Zeit und Budget, um unsere Ausrüstung anzupassen, um bestimmte Einstellungen zu erreichen, um die Geschichte anzupassen. Aber das zeigt nur die Länge, Filmemacher gehen, um eine Geschichte in der Art zu erzählen, wie sie es für richtig halten, ohne technische Einschränkungen ihre Vision enttäuschen zu lassen. So können wir uns wenigstens davon inspirieren lassen, vielleicht andere Wege zu finden , herausfordernde Drehsituationen zu überwinden. Um zusammenzufassen, hat eine Geschichte einen Anfang, eine Mitte und ein Ende, und sie kann einen emotionalen Einfluss haben. Das ultimative Ziel einer Geschichte ist es, Veränderungen zu schaffen. Halten Sie Ihre Projekte einfach. Versuchen Sie, es auf ein paar Schüsse zu beschränken. Denken Sie darüber nach, was am Anfang, in der Mitte und am Ende Ihrer Sequenz passiert . Überlegen Sie, wie Sie möchten, dass Ihre Sequenz Ihr Publikum trifft. Was sind deine Absichten, die Leute zum Lachen zu bringen, zum Weinen zu bringen? Um sie wütend zu machen? Viel Spaß. Experimentieren Sie und machen Sie Fehler, damit Sie von ihnen lernen können, und stellen Sie sicher, dass Sie Ihre fertigen Projekte im Projektfenster posten, damit jeder Ihre Arbeit sehen kann und Sie Feedback erhalten können. Wir sehen uns in der nächsten Lektion für die letzte Zusammenfassung. Viel Glück. 21. Abschließende Zusammenfassung und Danke!: - Ja. Du hast es geschafft. Ehrlich gesagt, das war eine Menge Material, das wir abgedeckt haben. Ich hoffe, du wurdest inspiriert, dein Filmemachen auf die nächste Stufe zu bringen. Fühlen Sie sich nicht schlecht, wenn Sie eines der Materialien überprüfen müssen , die Sie vielleicht zu verstehen haben, oder wenn Sie irgendwelche Fragen haben, gehen Sie vor und fragen Sie sie in der Diskussions-Tab, und ich werde sie so schnell wie möglich beantworten. Los geht's. Die letzte Zusammenfassung. Wählen Sie zuerst Ihre Kameraeinstellungen basierend auf Ihrer Story und ihrem Zweck aus. Aber denken Sie daran, es gibt praktische Gründe, Einstellungen zu wählen, besonders wenn Sie durch Licht oder Ausrüstung eingeschränkt sind. Blende ist der Öffnungsmechanismus in der neuen Linse, die das Licht steuert. Je größer die Blende oder kleiner die f-Zahl, desto mehr Licht ist und desto geringer ist die Schärfentiefe. Je kleiner die Blende oder je größer die f Zahl, desto weniger Licht wird eingelassen und desto größer ist die Schärfentiefe. Neben der Blende sind weitere Faktoren, die die Schärfentiefe verändern, die Nähe eines Objekts, die Brennweite des Objektivs und die Größe des Kamerasensors. Tiefer Fokus bringt Kontexte in Ihre Szenen, Umgebung und Charaktere äußere Welt. flache Fokus lenkt das Auge des Betrachters und kann Aufmerksamkeit auf Details der Charaktere in der inneren Welt lenken. Native ISO ist die Gesamtempfindlichkeit einer Kamera gegenüber Licht. Je niedriger die ISO, desto dunkler wird das Bild weniger Rauschen erzeugen und in der Regel den größten Dynamikbereich bei besserer Farbgenauigkeit bieten . Je höher die ISO, desto heller wird das Bild, wodurch mehr Rauschen und weniger Dynamikbereich mit reduzierter Farbgenauigkeit erzeugt Halten Sie sich an Aufnahmen im nativen ISO Ihrer Kamera. Andernfalls würde ich empfehlen, mit der niedrigsten ISO zu schießen, die Ihre Kamera gehen kann. Wählen Sie Ihre primäre Bildrate für Filmen und Wiedergabe basierend darauf, wo Sie Ihr endgültiges Projekt liefern. Zeitlupe betont Bewegung, bringt die Aufmerksamkeit auf Momente und Geschichte zeigt mehr Details einer Aktion und kann ein Werkzeug sein, um Handheld-Aufnahmen und Post zu glätten. Verschlusszeit steuert Bewegungsunschärfe und Belichtung. Je höher die Verschlusszeit oder niedriger der Verschlusswinkel ist, desto weniger Zeit wird ein Bild freigelegt, was zu weniger Bewegungsunschärfe führt. Je niedriger die Verschlusszeit oder größer der Verschlusswinkel ist, desto länger wird ein Bild freigelegt, was zu mehr Bewegungsunschärfe führt. Dies ist ein Werkzeug, um eine Geschichte zu erzählen. Verwenden Sie mit Vorsicht und erinnern Sie sich an die Bedeutung der 180-Grad-Regel und ihre Wirkung auf filmisch aussehende Bewegungsunschärfe. Vertrauen Sie Ihren Belichtungswerten, den Histogramm-, Wellenform- und Zebrawerkzeugen sind ideal, um sicherzustellen, dass Sie nicht die Details eines Bildes verlieren, wie beispielsweise das Beschneiden der Glanzlichter oder das Zerdrücken der Schatten. Bei der Einstellung von Blende, ISO oder Verschlusszeit um einen Halt verdoppeln oder halbieren wir die Lichtmenge. Die Weißabgleich-Einstellung ist die Art und Weise, wie wir unserer Kamera sagen , was die Farbtemperatur einer Gesamtszene ist. Verwenden Sie Ihren Weißabgleich oder eine 18-prozentige Graukarte, um einen richtigen Weißabgleich der Szene zu erzielen. Standardprofile sind ideal für Schnelligkeit und Leichtigkeit. Oder wenn Sie durch Zeit und Budget begrenzt sind, führen sie zu einem niedrigeren Dynamikbereich, verlieren Details in Ihren Schatten und Glanzlichtern und haben weniger Flexibilität im Posteingang. Filmen in LOG ist die beste Option für Flexibilität und Post, was einen hohen Dynamikbereich, mehr Details innerhalb von Bildern, Schatten und Highlights bietet. LOG braucht Zeit, um sich anzupassen und zu posten. Ja, es ist sehr cool, dass Sie das Maßband verwenden können, um den Fokus zu setzen oder sogar die Markierungen auf Ihrem Objektiv zu verwenden, um den Fokus zu erhalten. Aber größtenteils, verwenden Sie bitte Ihre Zoomfunktion auf Ihrer Kamera, um den Fokus zu erhalten. Peeking ist auch ein großartiges Werkzeug. Überprüfe immer deinen Fokus. Viel Spaß, experimentieren, versuchen Sie Ihr Bestes. Scheitern Sie und lernen Sie aus Fehlern, die Sie nicht lernen können, ohne es zuerst zu versuchen, laden Sie Ihre fertige Shot-Sequenz auf die Projektseite hoch, damit andere Schüler inspiriert werden können, ihre eigenen zu erstellen, und so können Sie Feedback erhalten. Wenn Sie diese Klasse genossen haben und sie wertvoll finden, hinterlassen Sie bitte eine Rezension und empfehlen sie einem Freund oder jemandem, den Sie kennen, von dem Sie denken, dass er auch Wert daraus finden könnte. Bitte folgen Sie auch meinem Profil, um mit neuen Kursen auf dem Laufenden zu bleiben. Wenn Sie meinen Kurs über Videobearbeitungstechniken noch nicht gesehen haben, geben Sie ihm eine Uhr und wenden Sie die Lerntechniken auf die Sequenz an, die Sie gerade für diese Klasse aufgenommen haben. Auch vielen Dank für das Anschauen. Ich bin sehr dankbar für die Antworten, die ich bekommen habe, seit ich angefangen habe, Kurse zu erstellen, und ich bin einfach wirklich glücklich, dass die Leute lernen und in ihrer Arbeit wachsen. Ich fühle mich großartig, dass ich Teil dieser Reise sein kann. Ein großes Dankeschön an Sie, dass Sie sich in den Lektionen engagiert und Ihre Arbeit veröffentlicht haben. Vielen Dank. Wir sehen uns bald. 22. Bonuseinheit: Einführung in das Film-Breakdown: Mir wurde klar, dass ich eine großartige Gelegenheit verpasst habe, meinen eigenen Denkprozess mit Story- und Kameraeinstellungen zu teilen , indem ich meinen Introfilm als Beispiel benutzte. In dieser Lektion werde ich also den Introfilm für diesen Kurs durchsprechen. Auf diese Weise hoffe ich, dass ich helfen kann, weiter zu illustrieren, wie Geschichte und andere Hindernisse Kameraeinstellungen und Filmemachungsentscheidungen beeinflussen können. Dieser Introfilm hatte ein paar Schichten. Es sollte zeigen, was die Schüler im Kurs lernen würden, also wollte ich, dass der Betrachter das Gefühl hatte, Teile von sich selbst in der Figur zu sehen. Das Klassenprojekt besteht darin, eine kurze Sequenz zu erstellen. Dieser Introfilm war fast wie mein eigenes Klassenprojekt für diese Klasse, es ist eine Art Meta. Ich wollte auch etwas anderes machen als ein Talking Head Intro Video und mein Bestes tun, um zu üben, was ich predige, die Geschichte verwendet, um sich mit Ihrem Publikum zu verbinden. Ich wusste für diese Klasse, dass ich eine Kurzgeschichtensequenz erstellen wollte die ich zur Projektgalerie hinzufügen konnte, um Dinge für Studenten zu starten. Aber dann wurde ich natürlich ein bisschen mitreißen und dachte, wie toll es wäre wenn mein Intro mein Kurzgeschichten-Sequenz-Projekt wäre. Natürlich folgte ich meinen Ideen und ließ sie wachsen und schrieb es als loses Drehbuch auf. In Lektion 3 haben wir diskutiert, was eine Geschichte ist. Eine Geschichte hat Anfang, Mitte und Ende und hat die Fähigkeit, sich emotional mit ihrem Publikum zu verbinden. Lasst uns den Introfilm aufbrechen. Am Anfang stellen wir unsere Hauptfigur und den Erzähler vor, den wir auch einen anderen Charakter in dieser Geschichte betrachten können. Der Anfang stellt auch das Problem dar, dass er seine Kamera und seine Einstellungen nicht so gut versteht , was nicht zu den größten Aufnahmen führt, und dies führt zu dem, was als Aufruf zum Abenteuer bekannt ist. Entweder kann die Hauptfigur Niederlage akzeptieren und seine Kamera im Müll lassen oder den Anruf beantwortet, um mehr über seine Kamera zu erfahren und in dieser Fähigkeit zu wachsen. Die Mitte der Geschichte stellt die Reise oder die Lösung dar, die meine Klasse ist. Ich versuche nicht zu implizieren, dass meine Klasse all deine Filmprobleme lösen wird , ich hoffe, es ist hilfreich, aber im Intro ist es offensichtlich absichtlich über die Spitze, so dass die Komödie davon. Die Mitte enthält auch, worum es in der Klasse geht, weil ich den Schüler brauchen, um zu verstehen, worauf sie sich einlassen. Typischerweise in der Mitte haben wir, was heißt steigende Aktion, die ist, wo der Charakter mit Hindernissen präsentiert wird und überwindet sie, und dann mehr Hindernisse, und dann überwindet diejenigen, bis wir den Höhepunkt der die Geschichte. In diesem Fall ist die steigende Aktion der Charakter, der neue Informationen absorbiert und praktisch in verschiedenen Drehsituationen umsetzt. Wir sehen hier nicht unbedingt die Hindernisse explizit, und zum größten Teil ist die steigende Aktion schnell und meist schmerzfrei für unseren Charakter, weil ich wollte, dass die Schüler ermutigt und begeistert sind, mehr als über die Probleme nachzudenken, denen sie ausgesetzt sind, wenn sie den Kurs nehmen und ihn auf Drehsituationen anwenden. Es gibt so viele Hindernisse, die uns als Filmemacher im Weg stehen, also wollte ich den Betrachter nicht mehr belasten. Wir wollen, dass es spannend und ermutigend ist. Um das Positive zu betrachten, war in diesem Fall wichtiger. Die Mitte unserer Geschichte umfasst auch den Höhepunkt, der ist , wenn unser Charakter geht zurück an den ursprünglichen Ort, wo alle seine Probleme begannen. In diesem Fall filmt er die Sequenz neu wählt geeignetere Kameraeinstellungen für sein Projekt aus, damit er sein Ziel erreicht. Dies ist, wenn wir bis zum Ende der Geschichte, die ist, nachdem unser Charakter hat den Hauptkonflikt beigelegt. Er hat herausgefunden, wie man diese Kamera benutzt, er ist gut zu gehen. Dieser Teil der Geschichte umfasst, wenn er fantastisches Feedback bekommt und neue Projekte mit seinem neuen Wissen filmt, und dann die letzte Titelkarte mit seiner Reaktion. Diese Endreaktion in vielen Film-Trailern würde als der Knopf betrachtet werden. In der Regel ärgert es das Publikum und das Publikum ein bisschen mehr zu begeistern. Der Grund, warum ich das hineinlegte, war, weil ich wollte, dass die Hauptfigur auch auf die Titelkarte selbst reagiert. Es ist eine letzte Sache, das Publikum über diesen tollen Kurs zu begeistern. Als ich das ursprünglich schrieb, hatte ich nicht alles genau so, wie es in der letzten Bearbeitung war. Jede Phase des Produktionsprozesses umfasst das Hinzufügen oder Subtrahieren von Elementen der Story. Ich hatte jedoch einen Zweck für die Geschichte, nämlich für Leute, sich für meine Klasse anzumelden. Als ich durch den Prozess des Schreibens und Drehens und der Bearbeitung ging, wiegte ich ständig meine Optionen darüber ab, welche Elemente der Geschichte behalten und loslassen sollten. Das wurde durch den Zweck meiner Geschichte bestimmt. Ursprünglich hatte ich zum Beispiel ein ganz anderes Segment, in dem ich auf meiner Couch saß und meine Kamera betrachtete und mich dann schließlich entschied, eine Sequenz zu filmen. Du sitzt da und starrst deine Kamera an. Deine Kamera starrt dich an. Du starrst auf deine Kamera. Deine Kamera starrt dich an. Du bist bereit, etwas Episches zu machen. Nachdem ich es gefilmt und in die grobe Bearbeitung gesetzt hatte, entschied ich, dass es nicht notwendig war, weil es nicht dem Zweck der Geschichten diente. Erstens, es hat nichts hinzugefügt, was wir nicht bereits über den Charakter wissen. Diese Szene hier, denke ich, enthüllt Charakter besser. Die Szene mit mir auf der Couch zu halten, die Kamera zu betrachten, wäre überflüssig. Zweitens, das Ausschneiden half uns, schneller ins Fleisch der Geschichte zu kommen und stellt das Problem schneller dar, was ich hoffe, auf den Betrachter bezieht. Es hilft, die Aufmerksamkeit des Betrachters zu behalten und hält sie engagiert. Fragen Sie sich im Zweifelsfall, ob sich diese Elementidee auf die Kameraeinstellung auswirkt usw.? Dient es dem Zweck der Geschichte? Ich habe keine Menge Erfahrung, mich selbst zu filmen, also war das sehr herausfordernd. Weil ich mich selbst gefilmt habe, habe ich ein paar Dinge getan, um mir das Leben zu erleichtern. Diese Dinge dienen sowohl der Geschichte als auch nicht notwendigerweise der Geschichte. Lassen Sie mich erklären. Zum größten Teil habe ich mit 24 Bildern pro Sekunde gedreht. Ich habe auch bei 60 Bildern pro Sekunde für einige dieser Arten von Aufnahmen hier geschossen, und ich habe bei 120 Bildern pro Sekunde für diese beiden Aufnahmen hier geschossen. Zum größten Teil blieb ich einem 180 Grad Verschlusswinkel für alle Bildraten mit Ausnahme dieser, die bei einer Vierhundertstel Sekunde gedreht wurde. Du fragst vielleicht warum, und der Grund war zunächst, dass ich dramatischer sein wollte. Ich wollte, dass die Kamera wirklich heraussteht. Ich fragte mich auch, wie es aussehen würde, wenn ich die Verschlusszeit weiter nach unten nehme und die Bewegungsunschärfe der Bewegung erhöhen würde. Das hätte auch interessant sein können. Ich habe mich für eine ISO 1600 entschieden, weil es die native ISO meiner Kamera ist. Ich hätte vielleicht keinen Blendstopp von 5,6 gewählt, wenn ich die Kamera bedienen konnte. Da ich nicht in der Lage war, mich selbst zu füllen und gleichzeitig zu arbeiten, wählte ich eine Blende, die mich besser fokussiert. Ich hatte nicht die besten Werkzeuge für die Fokussierung, also benutzte ich diese Schaumstoffrolle, um den Fokus zu bekommen und vertraute darauf, dass ich, wenn ich den Rahmen beantwortete und mich auf diesen Stuhl setzte, innerhalb der akzeptablen Kamera-Bereich sein würde, um mich zu fokussieren. Sie können in einigen der Aufnahmen sehen, es ist nicht die schärfste, es könnte schärfer sein, es könnte schärfer sein, aber die Wahl eines höheren Blenden-Stops gab mir ein bisschen mehr Tiefe und ein bisschen mehr Raum für Fehler, wenn es um den Fokus ging. Als es um den Weißabgleich ging, benutzte ich Tageslicht ausgeglichene Lichter bei 5600K, also habe ich meinen Weißabgleich auf 5600K eingestellt. Deshalb ist dieses Licht hier hinten so warm, denn es ist eigentlich 2800K. Aber was das hier tut, ist es gibt uns einen schönen Kontrast zur Farbe, und fügt auch ein wenig Wärme in die Szene. Eine weitere interessante Sache an diesem Licht hier, und ich habe das zu der Zeit nicht bemerkt, aber wenn Sie diesen Schuss mit einer anderen Geschwindigkeit wiedergeben, können Sie sehen, dass es ein sehr schwaches Flackern hat. Auch das Flackern, zum Glück, war nicht auf meinem Gesicht, es ist nur an den Wänden hier, und das macht es nicht zu einer großen Sache für mich. Ich habe auch in 4K-Auflösung gefilmt. Wir haben dies in diesem Kurs nicht angesprochen, aber was 4K uns erlaubt, ist, einen 4K-Clip in einer HD-Sequenz zu platzieren und das Bild zu beschneiden und digital in das Bild zu zoomen, ohne die Qualität zu verlieren. 4K-Auflösung ist doppelt so groß wie die HD-Auflösung. Sie können das Bild entweder im Maßstab von 50% behalten, und Sie erhalten die Gesamtheit des Bildes zu sehen , oder Sie können bis zu 100% vergrößern, um dasBild effektiv zu beschneiden, wo Sie möchten, ohneQualität zu verlieren, wenn Sie Ihr Video in Bild effektiv zu beschneiden, wo Sie möchten, ohne HD ausgeben. Da ich nicht in der Lage war, die Kamera zu bedienen, habe ich 4K-Auflösung verwendet, um mir die Möglichkeit zu geben neu zu beschneiden und zu posten, falls mein Framing ausgeschaltet war. selbst einzurahmen ist super schwierig, also brauchte ich diese Flexibilität. In dieser Aufnahme mit mir in Zeitlupe hatte ich keine 4K zur Verfügung, und Sie können sehen, dass ich weiter rechts vom Rahmen bin , weil ich mich nicht sehen konnte. Ein weiterer Vorteil der Dreharbeiten in 4K, die das Geschichtenerzählen unterstützte, war, dass es mir erlaubt, diese schnellen, verrückten Zooms. Diese Klasse sieht wahnsinnig aus. Diese Zooms warten im Wesentlichen einige von dem, was als komödiantische Momente oder Charakterrealisierungen gedacht sind . Diese kleinen Bewegungen sammeln sich an, bauen Vorfreude auf, setzen Charakter und Geschichte hervor und sind wirklich da, um den Fokus und die Aufmerksamkeit des Publikums zu lenken, sowohl auf dem Bildschirm als auch auf emotionale Weise. Wow. So können Sie es hier sehen, ich benutze die 4K, um die Maus und mein Gesicht neu zu beschneiden , um die Panik zu zeigen, die der Charakter erlebt. Wenn ich das einfach schneiden würde, ohne jedes Mal zu zoomen, sieht die Sequenz flacher aus. Mit dem digitalen Zoom kann ich damit durchkommen, fast wie ein völlig neuer Schuss. Dies veranschaulicht auch die Idee, dass Sie dem Frame immer etwas Neues hinzufügen möchten, wenn Sie auf dieselbe Aufnahme zurückschneiden möchten , sodass Sie dem Publikum neue Informationen zur Verfügung stellen , die für die Story relevant sind. Wenn du dir keine neuen Informationen gibst, solltest du vielleicht den Schuss schneiden oder einen neuen Schuss verwenden. Eines der letzten Elemente, die ich hinzugefügt habe, war die Verwendung von Zeitlupe. Ich benutze ein wenig Bewegung, um Momente wie der Mausklick hervorzuheben und zu überdramatisieren. Wir haben den Aufbau und die übertriebene Vorfreude, die mit der Realität oder der Echtzeitwiedergabe des Filmmaterials kontrastiert. Es ist lustig, weil Sie erwarten, epische Aufnahmen zu sehen, und dann bekommen Sie diese schrecklichen Karate-Moves und untergeordnete Aufnahmen. Die Verwendung von Zeitlupe zu überdramatisieren und Vorfreude zu schaffen, hilft es, die Komödie zu verkaufen. Auch dies dient meiner Absicht, mit dem Publikum mit Humor verbinden, drehen Sie diese Absichten, um den Zweck meiner Geschichte zu dienen, die Menschen zu ermutigen, meinen Kurs zu nehmen. Das ist es für diese Lektion, Leute. Ich hoffe, es war hilfreich, und ich hoffe, es hilft zu veranschaulichen, wie jedes Element des Produktionsprozesses durch den allgemeinen Zweck der Geschichte bestimmt wird, die Sie erzählen. Vielen Dank für das Zuschauen. Vielen Dank für die erstaunlichen Bewertungen Jungs. Ich freue mich darauf, Sie bald in meinem nächsten Kurs begrüßen zu dürfen.