Videobearbeitungstechniken: Ein praktischer Leitfaden zum Erstellen visuell ansprechender Bearbeitungen

1. Kurseinführung, los geht es!: Als Video-Editoren ist es Teil unserer Aufgabe, eine unsichtbare Bearbeitung zu erstellen, eine reibungslose, nahtlose Betrachtungserfahrung, die hilft, eine Idee, eine Geschichte zu kommunizieren , ein Produkt zu verkaufen oder Marke zu fördern. Alles während Sie emotional mit einem Publikum verbinden. Wie genau machen wir das erfolgreich? Hi, ich bin Sean Dykink. Ich lebe in Vancouver, Kanada und mache seit etwas mehr als 10 Jahren Videos. Videobearbeitung war schon immer etwas, das ich angezogen habe. Als ich anfing, wusste ich nicht, warum ich bestimmte Bearbeitungsoptionen getroffen habe. Aber schließlich wusste ich nach Versuch und Irrtum, dass sie funktionierten. Wenig wusste ich, dass ich Videobearbeitungstechniken angezapft habe. Wenn Sie mit dem WARUM kämpfen, ob die Bearbeitung gut oder schlecht ist, suchen Sie nicht weiter. Ich bin hier, um Ihnen Videobearbeitungstechniken für eine erfolgreiche Bearbeitung beizubringen. Verschaffen Sie sich ein Verständnis dafür, wie Story eine Bearbeitung formt. lernen Audiobearbeitungstechniken für nahtlose Klangbearbeitungen. Lernen Sie Videobearbeitungstechniken kennen, die das Publikum emotional mit Ihrer Geschichte verbinden. Wir werden all dies tun, indem wir einen 30-Sekunden-Musik-Video-Trailer erstellen. Sie haben unzählige Aufnahmen zur Auswahl. Sie haben endlose Kreativität, wie Sie wählen, um die Geschichte zu erzählen. Wenn Sie ein Projekt haben, an dem Sie gerade arbeiten, ermutige ich Sie, dieses Projekt auch zu öffnen und anzuwenden, was Sie lernen, während Sie gehen. diesen Kurs abschließen, können Sie sich mit mehr Vertrauen an jede Bearbeitung wenden. Sie erhalten ein umfassendes Wissen über Videobearbeitungstechniken, um Ihren Entscheidungsprozess und kritische Problemlösungsfähigkeiten zu schärfen. Diese Klasse ist für Anfänger und Fortgeschrittene. Es wird empfohlen, dass Sie einige Kenntnisse über die Verwendung eines ausgewählten Videobearbeitungsprogramms haben. Es gibt jedoch viele Videobearbeitungstechniken , die Sie nicht mit dem Klassenprojekt folgen müssen. Für Zwischenprodukte wissen Sie vielleicht bereits, wie Sie ein Bearbeitungsprogramm verwenden. Sie möchten Ihr Wissen über Videobearbeitungstechniken auffrischen. Vielleicht kennen Sie einige von ihnen, sind aber offen, sie aus einer neuen Perspektive zu sehen. Ich werde Premiere Pro verwenden, um diese Techniken zu demonstrieren und empfehlen, dieses Programm zu verwenden. Dies sind jedoch große Ideen, die für jedes Bearbeitungsprogramm in jedem Projekt gelten , an dem Sie gerade arbeiten. Seien Sie nicht schüchtern, wenn Sie es vorziehen, ein anderes Programm zu verwenden. Lassen Sie uns voran und geben Sie Ihrer Bearbeitung einen Schub mit diesem praktischen Leitfaden zu Videobearbeitungstechniken. Klicken Sie auf die Lektion. Der nächste... Es ist nur... Irgendwo da unten. Gehen Sie voran. Okay, du bist immer noch hier. Nun, worauf wartest du? Klicken Sie einfach auf die Lektion. Komm schon. Ok. Dann sitze ich einfach hier. Ich habe den ganzen Tag. Ok. Ich habe nicht den ganzen Tag. Klicken Sie einfach auf die Lektion unten. 2. Kursprojekt: Ich bin sehr aufgeregt, dass Sie sich entschieden haben, mich in dieser Klasse anzuschließen. Wir werden mit unserem Klassenprojekt beginnen, das ein 30-Sekunden-Video-Trailer ist. Dies ist von einem Projekt, das ich gefilmt und bearbeitet habe. Was ist großartig an diesem Projekt oder jedem Musikvideo wirklich, ist, dass Sie den Inhalt bereits haben. Sie haben die Musik, die die Geschichte ist, die die meisten unserer Redaktionsentscheidungen leitet. Eine weitere tolle Sache an Musikvideos ist, dass der Rhythmus bereits da ist. Sie haben die Musik, also wird es helfen, Ihre Entscheidungsfindung in der Bearbeitung zu informieren. Gehen Sie weiter und laden Sie die Clips herunter, werfen Sie einen Blick auf sie, überprüfen Sie sie, wenn Sie irgendwelche Ideen haben, die Ihre Phantasie wecken, wie Sie das bearbeiten könnten, schreiben Sie es auf. Es wird sich wahrscheinlich entwickeln, es wird sich wahrscheinlich ändern. Dies ist Teil des Prozesses. Seid bereit, offen für kreative Veränderungen zu sein. Fragen Sie sich immer, was ist, wenn ich das versucht habe? Was ist, wenn ich das versucht habe? Bleiben Sie nicht in einer Art zu denken stecken. Wenn Sie Ideen haben, testen Sie sie aus. Wenn Sie Feedback erhalten, das diese Ideen ändert, lassen Sie es sie ändern. Bleiben Sie offen für den Prozess. Wenn Sie offen für diese Änderungen sein können, wird es Ihren Job so viel einfacher machen. Wenn sich unsere Fähigkeiten weiterentwickeln, entwickeln sich unser Geschmack und unsere Bearbeitungen werden sich ändern. Wenn Sie Premiere Pro verwenden , können Sie auch die Projektdateien herunterladen. Ich würde Ihnen empfehlen, Premiere Pro zu verwenden, da ich es für diese Klasse verwende. Aber wenn Sie es vorziehen, ein anderes Programm und ein besseres und ein anderes Programm zu verwenden, verwenden Sie dieses Programm. Es wird hier weniger geschnitten werden, tun Sie das, tun Sie das, obwohl es etwas davon geben wird. meiste davon wird große Ideen sein, die Sie auf jedes Projekt und jedes Programm anwenden können , in dem Sie arbeiten. Damit möchte ich Sie ermutigen, wenn Sie ein anderes Projekt haben, an dem Sie arbeiten, vielleicht für einen Kunden, einen Freund oder ein persönliches Projekt, an diesem Projekt zu arbeiten. Wenn Sie sich ehrgeizig fühlen, nehmen Sie Ihr persönliches Projekt an und nehmen Sie den Musik-Video-Trailer und am Ende der Klasse, posten Sie beide für Feedback. Mein Ziel ist es, Ihnen Video-Editing-Technik beizubringen, so dass Sie es auf Ihren eigenen Arbeitsprozess, auf jedes Projekt oder jedes Programm, in dem Sie arbeiten, anwenden können. Also, wenn das gesagt wird, lasst uns anfangen. 3. Lege die Grundlage für deine Bearbeitung mit Story fest: Wenn Sie mit der Bearbeitung eines Projekts beginnen, kann es sehr einschüchternd sein, zu wissen, wo Sie anfangen sollen. Hier kommt die Geschichte Ihres Projekts ins Spiel und hilft Ihnen, Ihre Bearbeitungsentscheidungen frühzeitig zu leiten. In dieser Lektion werden wir lernen, welche Geschichte wir erzählen und warum. Wenn Sie wissen, welche Geschichte Sie erzählen und warum Sie sie erzählen, wird es Ihnen enorm helfen, wenn Sie das Projekt bearbeiten. Eine Geschichte hat einen Anfang, eine Mitte und ein Ende, und sie hat die Fähigkeit, sich emotional mit einem Publikum zu verbinden. Was ich gerne mache, ist in einem Satz oder zwei Geschichten zu beschreiben , die ich mit dem Material erzählen möchte, das ich habe. Das hilft mir dabei, mich auf meine Aufgabe zu konzentrieren, Zeit zu verschwenden und effektiv zu kommunizieren. Ich werde auch den Anfang, die Mitte und das Ende der Geschichteidentifizieren und das Ende der Geschichte und wo bestimmte Story-Elemente in diese Geschichte passen. Dies hilft mir, meine Clips zu organisieren, und es wird mir helfen, sehr schnell in der Baugruppe oder grobe Bearbeitung zu legen. Mit diesem Musikvideo-Projekt haben wir bereits die Geschichte, die das Lied ist. Die Geschichte für dieses Projekt war ein Mädchen tanzt im Rampenlicht. Dies ist auch der Ausgangspunkt unseres Abenteuers im Standard-Black-Box-Studiozimmer. Während sie ihre äußere Welt oder die alternativen Orte erforscht, und auch die Mitte unserer Geschichte. Sie beginnt, ihre innere Welt mehr übernehmen zu lassen, was sich durch die rote Kulisse zeigt. Die rote Kulisse wurde verwendet, um ihre innere Welt zu kennzeichnen, die verführerischer und durchsetzungsfähiger ist. Diese rote Kulisse übernimmt mehr und ihr Charakter ändert sich, und das ist das Ende der Geschichte. Im Musik-Video-Trailer erzählt man dieselbe Geschichte, aber in einem verdichteten Format. Um diese kondensierte Geschichte zu erzählen, beginnen wir mit dem Blackbox-Studio, dann bewegen wir uns in die Explorationsphase, die mehrere Standorte ist. Da ihr Charakter sich wirklich verändert, während sie ihre innere Welt entdeckt, können wir sie langsam in den roten Kulissen schleudern und dann letztendlich den Rahmen übernehmen lassen und die intensiveren roten Hintergrundmomente wie die Zeitlupe bekommen. Denken Sie daran, dies ist nur die erste Bearbeitung. Wir verfolgen die grobe Struktur der Geschichtenelemente. Als Redakteure haben Sie Ihre eigene einzigartige Sicht darauf, wie die Geschichte erzählt werden soll. Sie können diese Elemente entsprechend neu anordnen. Die Idee hier ist nicht, es richtig zu machen. Ordnen Sie diese Story-Elemente so an, wie Sie das Gefühl haben, dass die Geschichte ist oder sein könnte. Die Idee hier ist nur, Ihre eigene Interpretation der Geschichte zu entwickeln, so dass Sie ein Framework haben, um Ihre Bearbeitungsmöglichkeiten zu leiten. Jetzt, da Sie verstehen, was die Geschichte ist, ist es an der Zeit, die Ziele und das Gesamtziel des Projekts zu identifizieren. Warum erzählst du die Geschichte? Was versuchst du damit zu sagen? Versuchen Sie, Menschen zu beeinflussen, gesund zu werden, ein Produkt zu kaufen, zu abonnieren? Vielleicht versuchen Sie, Spenden zu bekommen. Was auch immer es sein mag, wir müssen ermitteln, was das Ziel ist, damit wir Ziele schaffen können, um dieses Ziel zu erreichen. Als es um dieses Musikvideo ging, wollten wir, dass der Zuschauer sich für die Musik interessiert und schließlich dem Künstler folgt, und wir versuchten, kleinere Ziele zu definieren, um dieses Gesamtziel zu erreichen. Zum Beispiel wollten wir das Publikum hype. Wir wollten, dass das Publikum von allen Orten des Tanzes fasziniert wird. Wir wollten auch ihre Aufmerksamkeit behalten. Wir wollten die Künstler zeigen, aber wir wollten nicht, dass das Video überwältigt und sich exklusiv wie ein Performance-Stück fühlt. Jedes dieser Ziele weist in gewisser Weise auf unser Gesamtziel hin. Das Gesamtziel und die Ziele helfen uns, unsere Bearbeitungsentscheidungen zu bestimmen. Gehen wir zurück zu diesen Zielen. Wir wollten Leute hypen. Also haben wir schnellere Schnitte verwendet. Wir wollten, dass sich die Menschen vom Tanz und den Schauplätzen fasziniert und fasziniert fühlen. Daher verwenden wir Match-Schnitte, um dem Betrachter dabei zu helfen, schnell von einem Bild zum nächsten zu springen. Es sieht fast wie ein bisschen magisch aus, weil der Körper von einem Ort zum nächsten fließt. In dieser Lektion haben wir herausgefunden, was die Geschichte ist, die wir erzählen und warum wir sie mit unseren Zielen und unserem Ziel erzählen. Als Redakteure haben wir alle unterschiedliche kreative Aussichten. Also haben Sie keine Angst, die Geschichte auf Ihre eigene Weise zu erzählen. Wenn Sie das nächste Mal eine Show oder Werbung ansehen, oder was auch immer, versuchen Sie zu identifizieren, was die Geschichte ist und was der Zweck der Geschichte ist. Versuchen sie, Sie auf ein Produkt zu verkaufen? Wollen sie dich dazu bringen, deine Meinung zu etwas zu ändern? Denk über diese Dinger nach. Da es sich um ein Musikvideo handelt, werden wir zuerst die Musik bearbeiten. In der nächsten Lektion werden wir die Teile des Songs auswählen , die unserer Geschichte am besten dienen. 4. Bearbeiten von Musik, um der Geschichte zu dienen: In dieser Lektion werden wir unsere Musik in ein kondensiertes Video-Trailer-Format bearbeiten . Da die Musik erzählt eine Geschichte von einem Projekt, beginnt mit der Bearbeitung von Musik zuerst. Wir wissen, was die Geschichte für das volle Musikvideo ist. Für diesen Trailer bleibt das Gleiche. Der Zweck ist ähnlich wie das Video in voller Länge, aber das Gesamtziel wird etwas anders sein. Wir möchten, dass sich das Publikum daran interessiert, das vollständige Video nach dem Song anzusehen und in ähnlicher Weise den Rest der Arbeit des Künstlers anzusehen. Die Bearbeitung wird auch in den sozialen Medien verwendet. Ein kürzeres Stück ist das, was wir anstreben. In Ordnung, also lasst uns damit beginnen, die Audiospur niederzulegen. Lassen Sie uns auch Ihre Wellenformen öffnen, damit Sie sehen können, was Sie gerade bearbeiten. Es ist eine großartige visuelle Darstellung der Musik. Normalerweise würde ich herausfinden, was der beste Teil der Strecke ist? Was erzählt eine Geschichte von der Strecke am besten? Dann werde ich herausfinden, wie ich es beenden kann, damit wir diesen Anhänger auf etwa 30 Sekunden schneiden können . Sie müssen in der Regel zwei Abschnitte derselben Spur zusammen schneiden. Wir tun dies, damit unser Projekt kohärent bleibt, so dass wir die besten Teile des Songs auswählen können. Dadurch wird das Stück kürzer und wir können mehr Flexibilität bei welchen Teilen des Songs wir das Highlight auswählen möchten. Das ist es, worauf ich hier gelandet bin. Machen Sie einen Schnitt hier um 55:22 Uhr. Was ich an diesem Teil des Songs mag, ist, dass er eine Geschichte des Songs und der Texte erzählt, und es beginnt langsam. Wir haben ein bisschen Aufbau und dann lässt es den Takt fallen. Es sind bereits einige Gipfel und Täler im Song. Du willst immer darüber nachdenken, wie du dein Publikum auf eine Reise von A nach B mitnehmen kannst, es ist nie ein statischer Beat. Es hat Höhen und Tiefen, schnelles Tempo, langsames Tempo. Du willst interessante einzigartige Teile des Songs auswählen und immer daran denken, die Geschichte gleichzeitig zu erzählen. Jetzt fällt der Beat ab und dann geht der Song nun noch eine Weile so weiter, also wollen wir etwas anderes zuschneiden. Lasst uns es aber weiter spielen, um zu sehen, wo wir das beenden wollen. In Ordnung, also gehen wir voran und beenden diesen Teil der Strecke genau hier. Wenn du zum Ende des Songs gehen würdest, nur um die Idee zu unterhalten, wie vielleicht wollen wir am Ende des Songs enden. Hier ist das Ende des Songs, und weißt du was? Manchmal versuche ich in einer Bearbeitung, das Ende oder das wahre Ende des Songs in die Musikbearbeitung zu integrieren. Aber in diesem Fall habe ich das Gefühl, dass der Song in Energie eintaucht, und für mich fühlt es sich einfach nicht so an, als ob er energetisch nach unten enden sollte. Wenn das irgendeinen Sinn ergibt. Ich möchte, dass das Publikum voller Energie verlässt. Denken Sie daran, wir wollen, dass das Publikum gehypt wird, nachdem sie das gesehen haben. Wir wollen mit einer energetisch hohen Note enden, so voller Energie. Ich fand diesen Teil des Songs um 1:27:22. Der Grund, warum ich das mag, ist, weil es viele interessante Sounds los ist, die Spur ändert sich im Ton und es erzählt auch die Geschichte, ich möchte nur sehen, wie Sie glänzen Baby. Klingt komisch mit der Musik, die aus meinem Mund kommt. Ich mag es, wie DJ diesen Teil des Songs beendet und „Go“ sagt. Es ist fast wie ein Aufruf zum Handeln wie gehen, schauen Sie sich das vollständige Video an. Du denkst vielleicht, ich schaue mir das zu sehr an, aber wir sind hier, um kleine Details zu besprügeln, wo immer wir können und die Geschichte, die wir jedem erzählen, zu rechtfertigen. Es gibt viele Möglichkeiten, aus denen Sie wählen können. Das ist, was ich wählte und das ist, was ich denke, hat gut funktioniert, aber Sie haben wahrscheinlich eine andere Idee. Jeder hat andere Ideen, also mach es. Probieren Sie etwas anderes aus. Ich nehme die Portionen, die wir uns entschieden haben, behalten zu wollen. Wir beschriften sie einfach, damit wir sehen können, und wir löschen den Rest des Clips. Jetzt hören wir uns diesen Schnitt zusammen an und das endet unser vollständiges Audio für den Trailer auf ungefähr 33 Sekunden, was ein großartiger Start ist. Jetzt ist es Zeit für eine Zusammenfassung dessen, was wir in dieser Lektion gelernt haben. Wählen Sie den Teil des Songs, der eine Geschichte der Besten erzählt. Vergessen Sie nicht die kleinen Details, sie fügen Ihrer Bearbeitung Bedeutung hinzu. Wenn Sie Bedeutung in den kleinen Details finden können, wird die differenziertere Bearbeitung sein. Es wird es interessanter machen. Die kleinen Details verleihen Ihrer Arbeit Farbe. Selbst wenn das Publikum nicht all diese kleinen Details aufgreift, gibt es etwas darüber zu sagen, wie wir Dinge auf einer unterbewussten Ebene aufnehmen. Nehmen Sie das Publikum mit auf eine Reise. Jede Bearbeitung, an der Sie arbeiten, muss einen interessanten und spannenden Anfang, Mitte und Ende haben mit vielen Gipfeln, vielen Tälern, vielen Drehungen und Kurven immer halten Ihr Publikum raten, wohin sie bearbeiten wird. In diesem Fall haben wir Teil gewählt. 5. Verbinden von Musiktiteln mit Rhythmus: In dieser Lektion werde ich Ihnen beibringen, wie Sie zwei separate Abschnitte unserer Musik im Rhythmus miteinander verbinden können. Wir müssen dies tun, damit unsere Musik wie ein einheitlicher Track klingt. Erinnerst du dich an eine Grundschule? In der Musikklasse, Ihr Lehrer würde Ihnen das Timing der Musik durch die Verwendung von Klaps und lehrte ta, ta, tt, ta. Ich erinnere mich daran, und es hat mir viel darüber beigebracht, wie man einen Takt Musik zählt, und wir werden im Wesentlichen die gleichen Techniken verwenden , die sie uns im Musikunterricht beigebracht haben. Werfen wir einen Blick auf den Song und fangen an, den Beat zu zählen. Ich werde einfach auf die Timeline doppelklicken, damit wir sehen können, was los ist. Nun, sogar öffnen Sie die Welle bildet ein bisschen mehr. Jetzt werden wir uns den Track anhören und versuchen, den Beat zu identifizieren. Boom, Boom, Boom. Alles bereit natürlich wirst du in der Lage sein, den Beat abzuholen. Das nächste, was zu tun ist, wäre, den Beat zu zählen, 1 und 2 und 3 und 4 und 1 und 2 und 3 und 4, also gibt es vier Schläge pro Maßnahme. Lassen Sie uns es wieder spielen und ich zeige Ihnen 1 und 2 und 3 und 4 und 1 und 2 und 3 und 4 und 1 und 2, und Sie können den ersten Beat, den zweiten Beat und den dritten Beat, den vierten Beat jeder Maßnahme herausfinden den zweiten Beat und den dritten Beat, . Das wird sehr hilfreich sein, wenn Sie versuchen, Musik zu reduzieren und mehrere Teile desselben Titels zusammen zu schneiden. Eine weitere gute Möglichkeit, den Beat zu markieren, ist das Hinzufügen Markern zu jeder Viertelnote und sogar zu jeder achten Note. Also lassen Sie uns auf den Clip klicken und den Beat mit den Markern 1 und 2 und 3 und 4 und 1 und 2 und 3 und 4 und 1 zählen und so erhalten Sie den Punkt. Lassen Sie uns das Ende der Strecke hier zählen, 1 und 2 und 3 und 4 und 1 und 2 und 3 und 4 und 1. Ok. Zählen wir nun den zweiten Teil der Strecke. Lassen Sie uns dies einfach ein wenig verlängern, so haben wir einige Führung nach oben, 1 und 2 und 3 und 4 und 1 und 2 und 3. Ok, gut. Wir haben die Teile, die wir mit dem Beat verbinden wollen. Der Beat ist mit den Markern abgebildet, lasst uns das hier herausfinden. Lassen Sie uns das verlängern, Oh, ich habe einen Beat verpasst, da gehen wir. Du musst die Musik spüren, also das ist der Beat, auf dem wir hier enden wollen. Sie können den Beat mit der Wellenform hier sehen. Wir beenden diesen Clip gleich zu Beginn dieses Beats, und das ist auch Beat eins. Dieser Teil der Strecke ist auch schlagen eins, 1 und 2 und 3 und Sie wollen den Beat jeder Spur zusammen. Beat einer von jedem Track geht zusammen, schlagen zwei von jeder Spur geht zusammen, und so weiter und so weiter. Lasst uns diese ersten Beats zusammenfassen, es braucht etwas Arbeit, und sein letzter Text ist abgeschnitten. Wenn wir diesen Clip einfach nach unten bewegen und wir diesen erweitern, lassen Sie uns einfach ein Hören auf diese soloierte. Immer noch fliegen, sagt er, dass wir wollen, dass das ein bisschen auswringen. Du könntest ihn atmen hören, also ziehen wir es einfach ein bisschen zurück. Lasst uns mal zuhören, das kommt nur ein bisschen früh rein. Lassen Sie uns den Clip über einen Rahmen schieben. Ja, das klingt viel besser, was bedeutet, dass es nur Zeit und Übung braucht, um das richtige Timing richtig zu bekommen. Vielleicht musst du sogar jemanden dazu bringen, es anzuhören und zu sagen, hey, das klingt richtig. Es wird Zeiten geben, in denen Sie etwas zusammen hinzugefügt haben und es wird sich im Moment klingen und am nächsten Tag werden Sie so sein, wie ich dachte? Das ist völlig in Ordnung, es ist nur ein Teil des Prozesses. Hören wir uns das nochmal an. Das verbindet sich wirklich gut, es braucht noch etwas Arbeit, aber es klingt sehr gut, und hier ist die Zusammenfassung. Verwenden Sie Marker, um den Takt der Musiktitel abzubilden. Wenn Sie zwei getrennte Teile desselben Titels zusammen schneiden, stellen Sie sicher, dass Sie entweder den ersten Beat, den zweiten Beat, den dritten Beat oder den vierten Beat jedes Titels schneiden, so dass die Musik nahtlos zusammenschneidet, und dann die Musik fließt zum richtigen Zeitpunkt. Öffnen Sie das Audio, damit Sie die Wellenformen sehen können, es ist eine visuelle Darstellung des Beats und es macht es so viel einfacher, wenn Sie Audio bearbeiten. Wenn Sie noch nicht alles mit diesem Audio fertig sind, machen Sie das jetzt, und wir sehen uns in der nächsten Lektion. Wo wir lernen, wie wir unsere Audio auf dem Nullpunkt bearbeiten werden. 6. Audiobearbeitung am Nullpunkt: In dieser Lektion werden wir die Musik glätten und darüber sprechen, warum Sie möglicherweise Klicks und Pops in Ihrem Audio erleben. Beginnen wir mit dieser Audio-Editing-Technik. Fügen Sie immer Fades für all Ihre Audiodateien hinzu. Lassen Sie mich erklären, warum. Jede Audiospur hat so genannte Samples, und diese Samples sehen aus wie Wellen. Diese Wellen steigen auf und steigen vorbei an dem Nullpunkt , der sich hier befindet. Nun, wenn Sie dieses Audio oben auf der Welle schneiden und es wiedergeben würden, würden Sie einen Pop im Audio bekommen. Wenn Sie den Nullpunkt oder den Punkt, an dem die Welle in der Mitte ist, schneiden hören Sie den Pop nicht. Jetzt werde ich Ihnen zeigen, wie Sie Fades zu Ihrem Audio im Handumdrehen hinzufügen können. Ich habe meine Audioübergänge so eingerichtet, dass es sich um zwei Frame-Auflösungen handelt, und in Premiere würden Sie dies tun, indem Sie zu Bearbeiten, Einstellungen, Zeitleiste gehen. Dann können Sie hier sehen, Audio Transition Default Duration. Ich setze es auf zwei Frames, klicke auf „OK“, und dann muss ich meinen Hotkey einrichten, damit ich schnellen Zugriff auf diesen Standard-Audioübergang habe. Gehen Sie also zu Bearbeiten, Tastenkombinationen, und geben Sie dann in der Suchleiste rechts hier, Übergehen Audio anwenden. Sie können hier sehen, ich habe meinen Hotkey auf Y gesetzt, was auch immer Sie wollen, stellen Sie sicher, dass Sie es einstellen , weil Sie das viel verwenden werden. Klicken Sie auf „OK“. Dies ermöglicht es uns, Audio aufgelöst schnell auf alle unsere Audio hinzuzufügen. In jedem Projekt, an dem Sie arbeiten, können Sie einfach alle auswählen, den „Hotkey“ für den Standard-Audioübergang drücken, und dann erhalten Sie Audioübergänge auf jedem Teil Ihres Audiosignals schnell. Es ist ideal, um Audio-Pops zu verhindern und Ihre Audio sehr schnell zu glätten . Lasst uns mal zuhören. Es klingt schon glatter, aber wir können das Audio immer noch von hier aus optimieren. Jetzt können wir hineingehen und erweitern sind über Auflösungen, um den Klang zu erhalten, den wir wollen. Also, wonach ich hier suche, lass uns das alleine machen. Ich will ihm den Atem rausholen, weil du hörst, dass er noch ein bisschen einatmet. Aber ich möchte auch das Gefühl geben, dass dieser Clip so reibungslos wie möglich endet. Also könnte ich es sogar ein bisschen zurückschieben. Vielleicht mache ich das einfach und straff es ein bisschen ab. Ja, damit geht es mir gut. Dann werde ich meinen nächsten Clip solo machen und sehen, ob das okay klingt. Ich glaube, ich habe sein Wort hier etwas abgeschnitten, also ziehen wir es einfach ein bisschen zurück. Lasst es uns ein bisschen mehr zurückziehen. Also bekommen wir jetzt das ganze Wort da drin, aber ich habe immer noch das Gefühl, dass es etwas mehr glätten könnte, also lasst uns das versuchen. Lasst uns versuchen, es ein bisschen mehr zurückzuziehen. Ja, das klingt gut, denke ich. Lassen Sie uns unsere zweite Audiospur ausschalten und uns das ganze Stück anhören. Ja, nett. In dieser Lektion haben wir gelernt, wie wichtig es ist, Fades für all unsere Audio zu verwenden, um sicherzustellen, dass wir immer am Nullpunkt bearbeiten, um Klicks oder Pops zu vermeiden. Denken Sie auch daran, Ihren Standard-Audio-Übergangs-Hotkey so einzustellen , dass Sie Audioübergänge sehr schnell hinzufügen können.Begleiten Sie mich in der nächsten Lektion, wo wir über Hall und seine Flexibilität in der Audiobearbeitung lernen werden. 7. Hall für flexible Musikbearbeitung: Jetzt haben wir dieses Ende. Es funktioniert einfach nicht. Unser Ende klingt immer noch grob. Warum habe ich mich entschieden, mit diesem Beat zu beenden? Nun, es ist voller Energie und es hält unser Gesamtstück kurz und knackig. Obwohl es wie ein kleines Detail scheint, glaube ich, dass es [unhörbar] auf unsere Ziele und das allgemeine Ziel. Eine Möglichkeit, mit dem peinlichen Ende umzugehen, besteht darin, Hall am Ende unseres Tracks hinzuzufügen. Es wird helfen, die Musik schlüssiger zu fühlen und fast, als wäre es ein natürliches Ende des Songs. Lassen Sie uns den Teil finden, in dem wir verhallen wollen, der das Ende unseres Clips sein wird. Lasst uns mal zuhören. Wenn DJ „Go“ sagt, beenden wir es einfach dort. Optimiere das nur ein bisschen. Gut. Das wird schön klingeln. Wählen wir nun diesen Teil des Clips aus, kopieren Sie Einfügen und platzieren Sie ihn auf Spur drei. Klicken Sie nun auf Fenster, Audio Track Mixer, um das Audiospur-Mixer-Fenster zu öffnen. Audio eins, zwei und drei entspricht der Spur eins, zwei und drei in unserer Timeline. In Premiere füge ich den Hall zum Audiospurmischer hinzu. Auf diese Weise muss ich meine Parameter nur einmal erstellen, und jedes Audio auf dieser bestimmten Spur hat dieselben Filter angewendet. Klicken Sie auf dieses Dreieck und klicken Sie auf Reverb, Studio Reverb und dann auf Effekte bearbeiten. Jetzt werde ich nicht auf viele Details gehen, wie man diese Effekte bearbeiten kann, weil das ein ganzes Video an sich sein könnte. Außerdem habe ich nicht wirklich das Know-how, ich weiß nur, wie man es mit Experimenten gut klingen lässt. Klicken Sie nun auf „Voreinstellungen“. Gehen wir in die Große Halle. Wir wollen viel Reverb, damit es schön klingelt. Wir machen die Raumgröße 100, also ist es schön und groß; fügen Sie dem Audio einige frühe Reflexionen hinzu, nehmen Sie die Breite nach oben. Wir wollen es so groß und boomend wie möglich machen. Wir nehmen die Trockenmischung auf Null Prozent und stoßen die nasse Mischung bis zu 100 Prozent, so dass wir keines der ursprünglichen Audiosignale hören, und wir hören nur die Effekte des angewendeten Filters. Jetzt hört der Spielkopf an diesem Teil an, weil er denkt, dass dies das Ende des Projekts ist, obwohl wir Reverb darauf angewendet haben. Wir wollen den Hall hören, also lassen Sie uns den unteren Clip duplizieren, ziehen Sie ihn über, und dies wird das neue Ende des Projekts. Das wird nur eine vorübergehende Lösung sein, damit wir unseren Hall rausklingeln hören können. Das ist ziemlich boomend. Lasst uns noch etwas mehr optimieren. Gehen Sie weiter und fügen Sie so viel oder so wenig Hall hinzu, wie Sie möchten, stellen Sie sicher, dass es schlüssig klingt. Wenn du lieber nur kopierst, was ich hier mache, ist das völlig in Ordnung. Hier sind die Parameter. Jetzt denke ich immer noch, dass dieser duplizierte Teil des Clips zu viel Audio enthält, bevor DJ „Go“ sagt, also werde ich das ausschneiden und einen Audioübergang hinzufügen. Verwendung von Reverb ist eine großartige Möglichkeit, [unhörbar] zu beenden, wenn du kein natürliches Ende eines Songs hast oder wenn wir einen anderen Teil des Songs bevorzugen. Gehen Sie weiter und beenden Sie die Bearbeitung dieses Reverbs. In der nächsten Lektion lernen wir, wie Sie Musik verwenden können, um Ihre Zielgruppe anzusprechen. 8. Sprich dein Publikum mit Musik an: In der letzten Lektion haben wir Reverb benutzt, um unseren Track zu vereinheitlichen und ihn an einem unangenehmen Ort zu beenden. Wir haben auch unbeabsichtigt das Publikum mit dem Nachhall gekümmert. In dieser Lektion werde ich über dieses Konzept und die Vorteile der Verwendung dieser Technik sprechen . Schauen wir uns das Ende des bearbeiteten Musik-Video-Trailers an. In diesem Fall signalisiert der Nachhall das Ende des Videos. Es verstärkt und bringt Fokus auf den Text. Alles, was du auf dem Bildschirm siehst, sind die Worte, die jetzt draußen sind. Wenn du denkst, dass ich das überanalysiere, ist das in Ordnung, aber lass uns einen Blick auf das Ende des Videos werfen, mit dem die Musik ausgeblendet wird. Dies funktioniert auch auf seine Weise, aber es bringt nicht so viel Fokus auf den Text, was unser Gesamtziel unterstützt. Musikalische Hinweise sind auch eine gute Möglichkeit, Stimmungsschwankungen zu signalisieren, sich von glücklich zu traurig zu bewegen oder von einer Idee zur anderen zu bewegen, oder sogar von einem Song zum anderen. Hier ist ein Beispiel aus meinem Skillshare Intro. Hören Sie eine Geschichte, um ein Produkt zu verkaufen oder um eine Marke zu bewerben. Wie genau machen wir das erfolgreich? Man kann hier sehen, dass ich ernsthaft anfange und dann die Musik verhallt und übergeht zu einer anderen Stimmung, einer anderen Idee, einem neuen Gedanken und dann tritt die Musik wieder ein, um den Titel des Videos einzuführen. Die Idee hier ist, dass die Musik das Publikum mit Reverb signalisiert , um auf eine Stimmungsänderung oder eine neue Idee hinweisen zu können. Es hilft dem Publikum, sich in eine neue Stimmung zu versöhnen, sich in eine neue Idee zu versöhnen. Ich habe dies wieder am Ende des Videos getan, um die Komödie der Situation zu verbessern. Auf Videobearbeitungstechniken. Klicken Sie auf die Lektion. Der nächste, er ist nur irgendwo da unten. Gehen Sie voran. Der Klang hallt heraus, indem er den Raumlärm und die Ungeschicklichkeit des Alleinsitzens in der Stille betont . Die Musik tritt wieder ein, um das Publikum zu denken, dass ich den ganzen Tag dort sitzen werde. Ok. Dann sitze ich einfach hier. Ich habe den ganzen Tag. Die Musik spricht das Publikum zu glauben, dass ein neuer Gedanke oder eine neue Idee passiert und es macht Sie fragen, gibt es mehr zu diesem Video? Okay, ich habe nicht den ganzen Tag. Klicken Sie einfach auf die untenstehende Lektion. Aber dann habe ich natürlich das Video heruntergefahren, die Musik verhallt und es ist lustig, weil ich das Publikum dazu überlege, zu denken, dass das Video für immer weitergehen wird. Wenigstens vielleicht, ein Teil des Publikums. Verwenden Sie Musik in Ihrem Video, um einem Publikum eine neue Idee, einen neuen Gedanken, eine neue Stimmung zu vermitteln. Musikhinweise können dabei helfen, die Struktur Ihrer Bearbeitung hervorzuheben und es einfacher zu verfolgen. Sie können so offensichtlich oder subtil sein, wie Sie es möchten, wenn Sie Ihre Musik bearbeiten. Denken Sie daran, die Musik dient Ihrer Geschichte. Gehen Sie weiter und beenden Sie die Verfeinerung des Audiosignals. In der nächsten Lektion werden wir über die verschiedenen Arten von Videobearbeitungen sprechen. 9. Videoschnitte Teil 1: In dieser Lektion werden wir beginnen, Video-Bearbeitungen zu besprechen. verstehen, wann und warum Sie bestimmte Bearbeitungen verwenden würden, helfen Sie durch den gesamten Bearbeitungsprozess. Video-Bearbeitungen sind wie Magie. Sie können Fehler verbergen, machen Sie eine bestimmte Art und Weise über eine Person, ein Produkt oder eine Sache fühlen. Sie helfen dabei, Geschichten umzustrukturieren und Geschichten voranzubringen. Ich werde hier wie eine kaputte Platte klingen. Wir verwenden Video-Bearbeitungen, um eine Geschichte zu erzählen und den Betrachter emotional zu bewegen. Leistungsstarkes Storytelling kann eine starke emotionale Reaktion erzeugen und dazu führen, dass der Zuschauer dazu inspiriert wird, etwas Neues zu lernen , sich in irgendeiner Weise zu verändern oder gezwungen zu werden, etwas zu tun. Unsere Geschichten können Menschen verändern, weshalb sie es wert sind, zu erzählen. Der Grund, warum wir einige Bearbeitungen über andere wählen, ist, dem Zweck der Geschichte zu dienen. Davon abgesehen, die meiste Zeit wollen wir eine unsichtbare Bearbeitung erstellen, so dass unser Publikum in die Emotionen der Geschichte eingetaucht und nicht aus der Geschichte herausgenommen werden kann , indem es scheußliche Bearbeitungen. Wenn das gesagt wird, lasst uns hineingehen. Der Standardschnitt. Dieser Schnitt ist genau das, wonach es sich anhört. Es ist nur ein Schnitt von einem Schuss zum anderen. Es ist großartig, um die Geschichte vorwärts zu bewegen und neue Informationen zu enthüllen indem sie eine neue Perspektive zeigen. Schneiden auf Aktion. Was wir hier tun, ist, von einem Schuss zum anderen zu schneiden, während ein Subjekt in Bewegung ist. Die Bewegung des Charakters oder Objekts bewirkt, dass sich der Betrachter auf die Bewegung fokussiert und verfolgt, wodurch die Bearbeitung weniger störend ist. Sie können auch kleine Aktionen schneiden. Eine Reihe dieser Schnitte schneiden auf Aktion und im Wesentlichen ist es der Charakter. Es zieht das Publikum tiefer in die Geschichte ein. Der Sprungschnitt. Der Sprung Schnitt ist, wenn wir von einem Teil eines Clips zu einem anderen Teil desselben Clips schneiden, daher springen Schnitt. Sie können auch von einem Schuss zu einem anderen Schuss schneiden , der einen ähnlichen Winkel hat, um den gleichen Effekt zu erzielen. Es ist eine großartige Möglichkeit, schnell in Aktion zu schneiden, um den Lauf der Zeit, diese Zweckmäßigkeit und Energie einer Szene zu zeigen . Es kann auch verwendet werden, um die emotionale Realität eines Charakters hervorzuheben, wie machen Sie diese Angst induzieren Telefonanruf oder mit einem psychischen Zusammenbruch. Dies wird oft in Action-Filmen verwendet und kann sehr subtil sein. Jump Cuts helfen, einen Fluss in die Aktion zu bringen und betont auch die Gewalt der Szene. Zeit-Neuzuordnung. Eine rechtzeitige Zuordnung ist, wenn Sie einen Schuss beschleunigen oder verlangsamen. Beschleunigung einer Aufnahme bei einer Bearbeitung ist eine gute Möglichkeit, einen Schnitt zu verbergen. Bei einer Verlangsamung in der Schnellaufnahme wird die Aufnahme, die Sie verlangsamen möchten, stärker betont, sodass Sie eine Szene oder ein Objekt im Detail sehen können. Sie können auch einen Schuss beschleunigen, um schnell zur nächsten Aktion in der Sequenz zu gelangen. Manchmal kann sich dieser Effekt, kombiniert mit Sprungschnitten, etwas unnatürlich anfühlen und den Charakter übermenschlich erscheinen lassen. Der J- und L-Schnitt. Die J- und L-Schnitte sind nach der Form des Schnitts nur Audio und Video in Ihrer Timeline benannt . Es handelt sich um audio-basierte Bearbeitungen, d. h., Sie hören das Audio von One-Shot, fahren mit der nächsten Aufnahme oder hören das Audio von der nächsten Aufnahme. bevor Sie das Video sehen. Der J-Schnitt schafft Vorfreude und es ist eine großartige Möglichkeit, von einer Szene zur anderen zu wechseln. Ich fürchte, was Sie beschreiben, ist Schizophrenie. Nein, es ist keine Schizophrenie. Vielleicht am wichtigsten ist, dass diese Technik die Aufmerksamkeit auf wichtige Details der Geschichte lenkt, wie in diesem Szenenübergang, wo Neos Wecker von der nächsten Szene zu hören ist, piepend, bevor wir ihn sehen. Es zeigt, dass Neo immer noch in der Matrix steckt und in der realen Welt geweckt werden muss. Mit dem L-Schnitt wird das Audio eines aktuellen Clips bis zum nächsten Clip fortgesetzt. Es ist eine großartige Möglichkeit, zu zeigen, wovon ein Thema spricht, Visuals über ihren Dialog zu zeigen. Das ist eine Menge. - Ja. Du hast nicht nur den Tusa aus dem Ding gedruckt, wir haben eine Menge Juwelen gedruckt. Wie der J-Schnitt lenkt auch der L-Schnitt die Aufmerksamkeit auf wichtige Story-Details. Ich rufe sie an und sie hat ihre Nummer geändert, also bin ich zu Anda Garty gegangen, um ihr etwas zu besorgen. Ich dachte, gib ihr einen frühen Valentinstag. Sowohl J- als auch L-Schnitte werden häufig verwendet, wenn zwei Zeichen miteinander sprechen. Es kann einen nahtlosen Fluss zum Dialog erzeugen. Warte, ist das echt? Ja. Ok. Dann warte, ich entschuldige mich, okay? Ich muss studieren gehen. Monica. Ja. Tut mir leid, ich meine es ernst. Wenn J- und L-Schnitte nicht in einer Dialogszene verwendet werden, kann es sich eher wie eine Transaktion oder unpersönlich anfühlen. Du bist zwei Stunden zu spät. Ich weiß, es ist meine Schuld. Hast du das Geld? Zwei Riesen. Wie Sie sehen können, können diese einfachen Video-Bearbeitungen auf verschiedene Arten für effektives Storytelling verwendet werden . Wir werden wieder auf weitere Video-Bearbeitungen eingehen. Aber bevor wir das tun, lassen Sie uns mit dem visuellen Aspekt unseres Projekts beginnen, indem Sie auswählen. 10. Auswahl wählen: Der erste Teil des Prozesses einer Bearbeitung besteht darin, das gesamte Filmmaterial zu überprüfen und dann die besten Teile dieser Clips auszuwählen, die als Selects bezeichnet werden. Dies gibt uns eine Vogelperspektive, welche Clips am besten in die Projektbearbeitung passen. Es macht die Menge an Filmmaterial viel überschaubarer, wenn wir anfangen, unser Projekt zu bearbeiten. In gewisser Weise ist das Auswählen von Auswahlen der Anfang unserer groben Bearbeitung. Es gibt verschiedene Ansätze, wenn es um die Auswahl geht, meins ist einfach. Zunächst klicke ich auf jeden meiner einzelnen Footageordner und ziehe ihn in seine eigene Sequenz. Klicken Sie auf jeden Ordner und ziehen Sie ihn nach unten auf das Papiersymbol hier unten. Es wird eine neue Sequenz mit allen meinen Clips in der Reihenfolge erstellt, in der sie im Ordner organisiert sind. Die neue Sequenz befindet sich in dem Ordner, in dem die neue Sequenz erstellt wurde. Ich benenne meine ausgewählten Sequenzen um, indem ich die Wortauswahl am Ende meines Sequenztitels hinzufüge und dann in meinen Sequenzordner verschiebe. Ich beobachte das gesamte Material und während ich das Filmmaterial überprüfe, wenn ich etwas sage, das mir gefällt, oder einen Teil, von dem ich denke, der die Geschichte gut erzählen könnte, schneide ich diesen Teil aus und schiebe ihn auf den zweiten Track in meiner Timeline. Alle oben genannten Becherabschnitte sind meine Auswahl, und alle Clips unten sind Clips, von denen ich weiß, dass ich wahrscheinlich nicht verwenden werde , oder sie können später verwendet werden, um ein Problem zu lösen, das ich haben könnte. In diesem Fall sind die meisten der besten Takes bereits für Sie geschnitten. Sie können eine Auswahl aus dem Filmmaterial auswählen , das nicht mit der Musik synchronisiert werden muss. Wenn es um die Performance- und Tanzstücke geht, müssen sie mit der Musik synchronisiert werden. Was ich für diese Clips vorschlagen könnte, ist, sie so zu halten, wie es ist, beachten Sie die Orte, die Sie am besten möchten oder Leistungen, die Ihnen am besten gefallen. Aber für den Moment, halten Sie sich an den Ein- und Ausstieg von Punkten oder machen Sie Schnitte auf die Performance- und Tanzstücke. Ich werde das mehr erklären, wenn wir zur groben Editierstunde kommen. Erstellen Sie Ihre ausgewählten Sequenzen aus Ihrem Footage, gehen Sie dann durch das gesamte Filmmaterial, das nicht mit der Musik synchronisiert werden muss , und wählen Sie Ihre Auswahl aus. Vergessen Sie auch nicht, Ihre Lieblings-Location-Aufnahmen und Performance-Aufnahmen zu beachten . Dieser Prozess macht die Bearbeitung viel einfacher zu verwalten. In der nächsten Lektion werden wir weitere Video-Bearbeitungen durchlaufen. 11. Videoschnitte Teil 2: In dieser Lektion werden wir weitere Video-Bearbeitungen untersuchen. Die Montage. Die Montage ist eine Technik, bei der eine Reihe von Aufnahmen zusammengeschnitten werden, um ein Zeitvergehen zu zeigen. Sie können die Reise eines Charakters von einem Punkt zum anderen zeigen oder einen sich ändernden Charakter im Laufe der Zeit zeigen. Es könnte eine stilistische Wahl sein oder einen Punkt nach Hause zu fahren. Es gibt viele Möglichkeiten, die Montage zu verwenden. Das Kreuz löst sich auf. Das Kreuz auflösen wird hauptsächlich verwendet, um ein Vergehen der Zeit zu zeigen. Viele Anfänger-Editoren werden bei jeder Bearbeitung Cross-Dissolves verwenden. Tu das nicht. Seien Sie beabsichtigt mit jeder gewählten Bearbeitung, blenden Sie ein und aus. Feeds werden normalerweise verwendet, um eine Szene oder einen Film zu beginnen und eine Szene oder einen Film zu beenden. Es ist auch eine gute Option, um schwarz zu schneiden, um die Szene zu beenden und von Schwarz zu schneiden, um eine Szene zu beginnen. Cutaways und Einsätze. Ein Cutaway ist, wenn der Editor zu einem Shot abschneidet, nicht in den gleichen Raum oder die Uhrzeit der aktuellen Szene gehört. Zum Beispiel könnte dies eine Rückblende oder Aufnahme von etwas sein, an das der Charakter denkt oder darüber spricht. Cutaways geben uns die Fähigkeit, die innere Welt des Charakters zu sehen. Sie können auch verwendet werden, um das Publikum an wichtige Stücke der Geschichte zu erinnern und Bedeutung zu schaffen. Eine Einfügung ist, wenn Sie innerhalb des gleichen Raums und der gleichen Zeit auf eine andere Aufnahme zugeschnitten haben . Es könnte etwas mit Charakteren sein, die halten oder detailliertere Aufnahme von jemandem, der eine Aktion abschließt. Einsätze sind eine gute Möglichkeit, dem Publikum zu helfen, die Szene insgesamt zu verstehen , indem sie mehr Details und Informationen anzeigen. Einsätze bauen auf der Welt der Geschichte auf, indem sie die komplizierten Details der Szene zeigen. Querschnitts- und parallele Bearbeitung. Querschneiden ist, wenn der Editor, schneidet zwischen zwei separaten Sequenzen gleichzeitig geschieht. Es wird oft verwendet, um Spannung in der Reihenfolge zu bauen, kann aber oft Parallelen zwischen den beiden Szenen zeichnen. Wie in dieser Szene von Snatch. In einer Sequenz haben wir zwei Hunde, die einem Kaninchen jagen, und dann passiert diese andere Sequenz gleichzeitig mit zwei Schergen, die Tyrone jagen. Streichholzschnitt. Ein Match-Schnitt ist, wenn wir von einem Schuss zum anderen schneiden, wobei beide Schüsse in Komposition oder Aktion übereinstimmen. In einem Musikvideo verlassen wir uns stark auf Match Cuts, um unsere Locations miteinander zu verbinden, vor allem durch die Action und Platzierung unserer Tänzerin. In Momenten der Standortforschung bekommen wir ein Gefühl für die Charaktere, die meist geerdet sind, und ihre Bewegungen, wenn sich die Umgebung ändert. Dies ermöglicht auch schnelle Shot-Änderungen, da der Tänzer sich nicht von der Position bewegt, was die Bearbeitung einfacher macht. Der Streichholzschnitt kann auch so hörbar sein. Oder ein Wort mit der Aktion übereinstimmen, wie in diesem Beispiel von Hot Fuzz. Nein, ich meine, welches willst du zuerst sehen? Du ziehst mein Bein. [ Geräusch]. Der Streichholzschnitt überbrückt zwei Schüsse zusammen und kann Bedeutung schaffen. Der unsichtbare Schnitt. Der unsichtbare Schnitt ist für mich so ein magischer Schnitt und er ist so befriedigend, wenn er richtig gemacht wird. Der unsichtbare Schnitt ist unsichtbar. Du sollst nicht sehen, wo der Schnitt ist. Dies ermöglicht lange aussehende Takes und nahtlose Übergänge zwischen den Szenen. Es kann auch verwendet werden, um den Lauf der Zeit zu zeigen. In Filmen wie Birdman und 1917. Sie behalten den Eindruck, dass es sich um einen Film handelt, aber sie sind übersät mit Schnitte, die brillant im ganzen Film verborgen sind. Smash Schnitt. Hier habe ich Meinungsverschiedenheiten. Ich glaube nicht wirklich, dass ein Smash-Schnitt seine eigenen Schnitte ist. Das geht gleich los. Ich denke, je nach Kontext ein Smash Schnitt, kann nur ein normaler Schnitt oder ein Cutaway sein, oder ein Einsatz oder ein Streichholzschnitt, lassen Sie mich es einfach die Smash-Technik nennen. Dies ist eine Technik, die verwendet wird, um von ruhig zu intensiv zu gehen. Ein menschliches Herz ist so ein Rätsel. Oder beabsichtigt, sie anzurufen. Wirklich, es hängt vom Kontrast zwischen den beiden separaten Aufnahmen ab und wo Sie den Schnittpunkt machen. Es ist abrupt und es bekommt deine Aufmerksamkeit. Jetzt haben wir gerade alle Video-Bearbeitungen durchlaufen und es ist super spannend zu sehen, wie wir diese Ideen auf jede Bearbeitung anwenden können, an der wir gerade arbeiten. Denk daran, jeder Schnitt, den du machst, ist absichtlich. Es sollte der Geschichte dienen, und das Gesamtziel der Geschichte, und die Ziele, die dieses Ziel erreichen. Jetzt gehen wir zurück zu unserem Hauptprojekt und beginnen mit unserer groben Bearbeitung. 12. Erstellen der Grobbearbeitung des Projekts: Jetzt ist es an der Zeit, mit einem groben Schnitt zu beginnen. Dies ist ein sehr wichtiger Teil des Prozesses, weil es uns hilft, unsere Aufnahmen in einer logischen Reihenfolge oder Anfang, Mitte und Ende zu sehen . Es gibt uns einen Platz, von dem wir anfangen können. Wir haben etwas greifbares, mit dem wir arbeiten können. In der groben Bearbeitung legen wir einfach die Struktur der Geschichte fest. Denken Sie daran, dass wir in Lektion 1 die Geschichte dieses Projekts besprochen haben. Wir haben also einen Anfang, eine Mitte und ein Ende, um unsere grobe Bearbeitung zu leiten. Am Anfang beginnt unsere Hauptfigur im Black Box-Studio. Wir fangen vielleicht mit dem Schuss an. In der Mitte erforscht sie mehrere Orte und entdeckt ihr inneres Selbst, das durch die rote Kulisse repräsentiert wird. Wir könnten an mehrere Orte gehen und dann im roten Hintergrund flackern. Dann können wir schließlich eine Zeitlupe verwenden, um das innere Selbst und seine volle Form zu zeigen. Dann findet sie am Ende das Gleichgewicht. Das könnte eine Mischung aus den Locations sein, dem Black-Box-Studio, vielleicht den Performance-Stücken und all dem anderen Büro, das wir alle in einem haben. Dies ist nur eine Vorstellung davon, was die grobe Struktur sein kann, aber es ist ein einfacher Schritt-für-Schritt-Prozess, der leicht zu folgen ist. Wenn ich mit der Bearbeitung des Projekts beginne, richte ich zwei separate Zeitpläne ein. Ich öffne beide Zeitlinien zur gleichen Zeit. Die obige wird meine Auswahl sein und die unten wird meine Hauptsequenz sein. Wenn Sie mit der Bearbeitung Ihrer ersten groben Bearbeitung beginnen, klicken Sie auf den gesamten Clip und ziehen Sie ihn nach unten in die Hauptzeitleiste. Synchronisieren Sie den Clip mit der Musikspur. Alle Performance-Stücke und Tanzstücke werden am Endpunkt mit der Musik synchronisiert. Es sollte so einfach sein, wie das Klicken und Ziehen in die Timeline. Sobald die Clips synchronisiert sind, löschen Sie die Musikspur aus dem Clip, löschen Sie die Teile aus dem Clip, die Sie nicht verwenden möchten, und wiederholen Sie den Vorgang. Setzen Sie die Overlays in eine Zeitlupe, sie müssen nicht synchron sein. Wir können diese Clips überall platzieren, wo wir wollen. Eine andere Sache zu erwähnen, wir müssen auch den Namen des Künstlers, The Castons, den Namen des Tracks, Spotlight und den vorgestellten Tänzer, Joyce Nguyen, enthalten The Castons, den Namen des Tracks, . Sie können diese am Anfang des Videos platzieren. Dann können wir vielleicht am Ende des Videos einen Call to Action einbinden, wie jetzt raus oder was auch immer Sie für gut halten. Fühlen Sie sich nicht darauf beschränkt, diese grafischen Elemente zu platzieren, wenn Sie andere Ideen haben, wo sie auf der Timeline gehen könnten, geben Sie ihm einen Schuss. Machen Sie weiter und erstellen Sie Ihre eigenen grafischen Elemente. Verwenden Sie Animationen, verschiedene Schriftarten, oder Sie können die PNG-Dateien verwenden, die ich in den Projekt-Assets-Ordner aufgenommen habe. Clips auf der Timeline zu bekommen und einen wirklich groben Schnitt zu bekommen, ist so eine gute Möglichkeit, einfach mit etwas zu beginnen. Es ist unvollkommen, aber es ist ein Ort, an dem man anfangen kann. Nutzen Sie den Anfang, die Mitte und das Ende der Story als Karte, um Ihre bevorzugten Clips und grafischen Elemente zu gestalten. In der nächsten Lektion lernen wir mehr über Tempo und Rhythmus. 13. Tempo und Rhythmus: In dieser Lektion werden wir über Tempo und Rhythmus sprechen . Wie die Musik haben die Geschichten, die wir auf dem Bildschirm erzählen, unterschiedliche Tempos, Beats und Gesamtrhythmus. Sie nehmen den Betrachter mit auf eine Reise. Lassen Sie uns über diese Ideen genauer sprechen. Erster. Pacing. He. He. Pacing ist das Timing von Schnitten. Es könnte die Länge eines Schuss sein, Wie läuft es. Gut. Danke, dir? Gut. Gut. Ja. Wirklich gut. Gut. Es könnte der Raum zwischen dem Dialog sein, oder der Raum, der in dem Moment gehalten wird, bevor etwas passiert. Du siehst toll aus. Danke. Es könnte langsam sein, an Punkten oder schnell, oder irgendwo dazwischen. Rhythmus ist das Ergebnis von Tempo. All die verschiedenen Schnitte, Beats, Momente, Räume zwischen Dialog und Aktion, schaffen einen Gesamtrhythmus zu einem Video. Pacing ist wie eine Achterbahn, Sie wollen Momente der Geschwindigkeit, Aufregung, Energie. Sie wollen auch Momente der langsamen Vorfreude, Spannung, einen Moment zum Atmen. Pacing kann einem Publikum helfen, Momente in der Geschichte so zu interpretieren oder zu fühlen, wie sie beabsichtigt sind. Fragen Sie sich das. Wozu ruft diese Geschichte, die ich erzähle? Was verlangt diese Szene? Du willst eindeutig, dass ich etwas sage. Vielleicht versuchen wir, Vorfreude, Absicht in den Pausen zu erreichen . Ich habe nur. Wir warten auf eine Antwort. Also schneiden wir nicht. Ich gehe ins Bett. Der Charakter bleibt mit der Antwort, die er nicht will. Also schneiden wir nicht. Vielleicht ist es ein Streit. Das Tempo der Bearbeitungen imitiert das Hin-und-Her des Dialogs. Jeder wusste, dass du sauer bist. Ernsthaft, so willst du diese Unterhaltung beginnen. Tut mir leid, wie soll ich das Gespräch beginnen? Mach dir keine Sorgen darüber. Richtig. Damit Sie es in drei Monaten aufklären können. Du bist manchmal ein Hintern. Oh, bin ein Hintern. Weil ich mit dir reden will. Weil du weißt, dass ich das jetzt nicht machen will und du es nicht loslassen wirst. Die Geschichte diktiert das Tempo. Ein wirklich gutes Beispiel für Tempo ist aus dem Film Baby Driver. Der Film wird stark von seiner musikalischen Spur beeinflusst und folgt dem Rhythmus der Musik. Alles ist wunderbar zeitlich abgelaufen, aber nicht bis zum Punkt der Vorhersagbarkeit. Es gibt Momente der Vorfreude in den Verfolgungsjagden mit langsamem Aufbau, dann explosiver Energie. Ihr Herz klopft aus der Brust von der wundersamen Flucht, als Baby zieht auf einen sicheren Parkplatz, wir werden mit einem langen Schuss als eine Pause von der Blase Tempo belohnt, wir haben eine Chance zu atmen, aber wir sind immer noch das Gefühl der Spannung, zu wissen, dass wir nach dem Flucht immer noch nicht ganz sicher vor der Polizei sind. Wenn Sie ein wirklich gutes Gefühl von Tempo und Rhythmus Uhr Baby Driver bekommen wollen. Was sind also einige praktische Möglichkeiten zu wissen, wann man einen Schnitt macht? Mit einem Musikvideo haben wir den Rhythmus eines Liedes, um das Tempo der Bearbeitungen zu bestimmen. Die achten Noten, die Viertelnoten, die Halbnoten, die ganzen Noten und die vollständigen Maße des Songs können verwendet werden, um Schnitte abzubilden und uns eine Vielzahl von Links zu unserer Bearbeitung zu geben. Dies könnte eine Möglichkeit sein, sich dem Tempo zu nähern. Wir schneiden nicht nur auf den Takt. Tempo und Rhythmus basieren sehr darauf, die Bearbeitung zu spüren. Mit musikbasierten Bearbeitungen macht es viel einfacher, den Schnitt zu spüren , weil er dem Gefühl der Musik ähnelt. Aber wenn es um Dialogszenen oder Szenen geht, die keine Elemente haben , die offensichtlich das Tempo leiten, könnte es ein intuitiverer Prozess sein, bei dem man den Rhythmus des Dialogs der Erzählung spüren muss , oder die Person, die mit der Kamera spricht. Eine Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, einfach den Clip wiederzugeben und dann die Leertaste zu drücken, um den Clip zu stoppen, wenn ich das Gefühl habe, dass die Bearbeitung vorgenommen werden sollte. Ich werde diesen Prozess fortsetzen, bis er sich richtig anfühlt. Sie könnten eine Pause von der Szene machen und es erneut beobachten, zu erkennen, dass das Tempo noch aus ist, dann würden Sie wieder schneiden und wiederholen Sie den Vorgang, bis es sich richtig anfühlt. Also, wenn gesagt, eine andere Technik könnte für eine Szene ohne Musik sein, man könnte einfach Musik hinzufügen, die sich für die Szene eignet, um ein anderes Verständnis der Szene zu inspirieren und was ihr Tempo sein könnte, und zu experimentieren und informierte Bearbeitungen vornehmen. Das Gegenteil kann auch zutreffen. Indem Sie einfach all Ihre Audiodaten ganz ausschalten, verwenden Sie überhaupt keine akustischen Hinweise. In der Tat verwenden Sie Bewegung der Schauspieler oder der Szene. Die Bewegung ihrer Augen, ihrer Hände und vielleicht noch subtilere instinktuelle Entscheidungen, die Sie treffen könnten, wenn Sie nicht in der Lage, etwas zu hören. In der Tat, die meisten Art und Weise, wie ich editiere, selbst bei aktivierter Musik und Ton, betrachtet die Bewegungen des Schauspielers oder die Bewegung des Dings oder einer Kamera. Diese Bewegungen haben ihr eigenes Tempo und Rhythmus und können auf mögliche Schnittpunkte hinweisen. Ich könnte auch einen Clip Frame für Frame herumschieben und ihn dann wiedergeben, bis er sich richtig anfühlt. Dies beinhaltet natürlich eine Menge Experimente und Versuch und Irrtum. Dies kann für einige von euch super frustrierend sein, aber es ist eher eine Gefühlssache. Vielleicht müssen Sie eine Pause machen und es wieder beobachten, jemanden dazu bringen, es für Sie zu beobachten und ihr Gefühl zu bekommen, ist das Tempo richtig? Fühlt sich das richtig an? Es gibt keine Formel, also üben Sie einfach weiter. Um diese Lektion zusammenzufassen, ist Tempo das Timing von Schnitten und auch das Timing von Momenten zwischen Aktionen und Dialog. Sogar Soundeffekte und visuelle Effekte können darin einbezogen werden. Rhythmus ist das Gesamtergebnis des Tempo, das alles braucht Übung. Gehen Sie zurück in Ihre Bearbeitung und überprüfen Sie das Tempo erneut. Fühlt es sich richtig an? Oder Sie können warten, bis wir zur letzten Lektion über die Verfeinerung der Bearbeitung kommen. Bevor wir darauf hineinspringen, gehen wir zu Lektion 12. Augenspur. 14. Augenspur: Wenn wir eine Story bearbeiten, möchten wir ein reibungsloses visuelles Erlebnis für das Publikum schaffen. In dieser Lektion werden wir über eine Technik sprechen, die Augenspur genannt wird, die genau das tut. Beim Anschauen eines Films werden unsere Augen auf bestimmte Teile des Bildes gezeichnet. Höchstwahrscheinlich sind die Augen eines Charakters, die Bewegung im Rahmen oder vielleicht ein buntes Objekt. Eye Trace ist eine Technik, die verwendet wird, um dasAuge des Betrachters von einem Teil des Bildes zu einem anderen oder von einer Aufnahme zum anderen zu lenken Auge des Betrachters von einem Teil des Bildes zu einem anderen . Diese Szene, die wir beobachten, ist unglaublich glatt. Dein Blick muss sich nicht weit von einem Teil des Rahmens auf der ersten Aufnahme bis zum nächsten Teil des Rahmens beim nächsten Shot bewegen . Meine Augen verfolgen die Zeichen, landen auf den Augen und verfolgen dann die Zeichen und gehen dann in den Text und dann zurück zu den Augen. Es gibt einen natürlichen Fluss zu den Augenbewegungen. Als Redakteure haben wir nicht viel Kontrolle darüber, was der Betrachter in einer kontinuierlichen Bewegung ansieht. Das ist die Entscheidung des Regisseurs. Aber in der Bearbeitung haben wir viel mehr Kontrolle darüber, wo der Betrachter aussieht. In einem Bild werden unsere Augen typischerweise auf das Gesicht einer anderen Person, die Bewegung einer Aktion oder der Kamera, dieFarbe und den Kontrast und die Komposition gezeichnet die Bewegung einer Aktion oder der Kamera, die . Wir können diese Informationen verwenden, um zu bestimmen, auf welchen Teil des Rahmens ein Publikum hingezogen werden könnte. Dies kann uns helfen, eine informierte Bearbeitung vorzunehmen. In unserem Musikvideo sind wir meistens von der Bewegung der Tänzer und ihrem Gesicht angezogen, weil sie sich während der gesamten Sequenz in der gleichen relativen Position befindet, haben wir Augenspuren erreicht. Wir folgen ihren Bewegungen mühelos von einem Frame zum nächsten. Da dieses Video viele ähnliche Aufnahmen verwendet, um seinen magischen Stil zu erreichen, erhalten Sie viele Clips, die mit Eye-Trace verbinden. Gibt es andere Möglichkeiten, dies zu tun? Denken Sie an einige andere kreative Bearbeitungen, die das Auge lenken können. Sie werden immer in der Lage sein, die ganze Zeit Augenspuren zu verwenden. Wollen Sie nicht unbedingt, zwingen Sie es nicht, wenn es die Emotion, Kohärenz oder Rhythmus der Geschichte opfert . Die Eye-Trace-Technik ist ein weiteres Werkzeug, um Aufmerksamkeit des Betrachters auf bestimmte Story-Elemente zu lenken. Denken Sie daran, wir fühlen uns von Gesichtern, Bewegung, Farbe und Kontrast angezogen, und vor allem sind wir von der Suche nach Bedeutung innerhalb des Rahmens angezogen. Welche kreativen und aussagekräftigen Möglichkeiten können Sie Eye-Trace in Ihrer Bearbeitung verwenden, ohne dabei die Emotionen, Klarheit und den Rhythmus Ihrer Geschichte zu opfern ? In der nächsten Lektion werden wir über die Verfeinerung unserer Bearbeitung sprechen. 15. Verfeinerung der Grobbearbeitung: Verfeinerung der groben Bearbeitung erweckt unsere Geschichte zum Leben. Mit einigen der erlernten Bearbeitungstechniken können wir Bedeutung und visuellen Fluss in unser Projekt bringen . Jetzt ist unsere Chance zu experimentieren und einige verschiedene Editierideen zu geben. Fragen Sie sich das. Viel Spaß, experimentieren Sie mit dem Tempo, versuchen Sie verschiedene Bearbeitungen, ordnen Sie die Struktur der Aufnahmen neu an. Während ich editiere, gehe ich immer schnell durch diese drei Schritte in meinem Kopf. Schritt 1, überprüfe ich die Bearbeitung und frage mich, was funktioniert? Was funktioniert nicht? Identifizieren Sie die Probleme, die gelöst werden müssen. Zum Beispiel stimmt etwas nicht ganz mit diesen Schnitten hier, kann nicht ganz herausfinden, was es ist. So langsam wiedergeben. Es sieht lustig aus, weil die Bewegungen nicht von einem Schnitt zum nächsten passen. Das führt mich zu Schritt 2, ich versuche, die Probleme innerhalb der Bearbeitung mit Bearbeitungstechniken zu lösen. Das Problem, mit dem ich hier konfrontiert bin, ist, dass der Schnitt der Aktion nicht ganz auf einen richtigen Teil der Aktion ist. Welche Anpassungen können sicherstellen, dass der Fluss von einem Clip in den nächsten Clip folgt? Los geht's. Es ist besser. Nun, auf dem zweiten Clip, hatte ich das Gefühl, es dort zu decken. Die Reaktion geschieht ziemlich schnell, wie Shambles springt aus dieser Bewegung heraus. Aber das geht mir vorerst gut. Schauen wir uns YouTube-Clips zurück. Sieht ziemlich gut aus. Dann ist sie hier auf diese seltsame Art und Weise. Ich muss zurückgehen und etwas dagegen tun. Vielleicht haben Sie Probleme mit dem Tempo. Nutzen Sie das, was Sie aus dem Schritt- und Rhythmus-Video gelernt haben, und wenden Sie diese Prinzipien an. Vielleicht ist eine Bearbeitung von einem Schuss zu einem anderen schräg, aber nicht wegen eines Cut on Action, sondern wegen eines Eye-Trace-Problems. Welche kreativen Möglichkeiten können Sie das Auge des Betrachters lenken, um sie dort zu sehen, wo Sie sie wollen? Wir gehen ständig durch diese beiden Schritte, identifizieren Probleme und lösen sie dann mit Bearbeitungsverfahren. Schritt 3, wenn ich nicht herausfinden kann, was mit der Bearbeitung falsch ist oder ich immer noch nicht zufrieden bin. Ich werde die Experimentierungsphase nochmals besuchen. Ich fahre weiter durch diese Schritte, bis ich mich mit der Bearbeitung und Struktur zufrieden fühle. Schritt 4, schließlich bekomme ich Feedback durch diesen Prozess. Es hilft, Probleme zu lösen, die Sie nicht bemerken, oder Probleme, die Sie Probleme mit der Lösung haben. Jetzt ist es Zeit für Sie, mit Ihrer eigenen Bearbeitung zu experimentieren. Nachdem Sie mit einer Bearbeitung begonnen haben, mit der Sie zufrieden sind, können Sie feststellen, welche möglichen Probleme die Bearbeitung haben könnte und welche Bearbeitungstechniken diese Probleme lösen könnten. Posten Sie Ihre Arbeit und Fortschritt oder Ihr fertiges Stück. Viel Spaß, experimentiere, probiere neue Dinge aus. Viel Glück. 16. Abschließende Zusammenfassung und Danke!: Ja. Du hast es geschafft. Ich hoffe du hast es geschafft. Hast du es beendet? Ich hoffe wirklich, dass du das Projekt abgeschlossen hast. Wir haben eine Menge Techniken behandelt. Also, wenn Sie immer noch Probleme haben einige der Konzepte zu verstehen. Oder wenn Sie eine Kurzreferenz benötigen, gehen Sie zurück und schauen Sie sich einige der Lektionen Stellen Sie im Kommentarbereich eine Frage. Vielleicht ist da jemand, der die Antwort kennt. Vielleicht. Ich werde versuchen, die Frage rechtzeitig zu beantworten. Es ist Zeit für die letzte Zusammenfassung. Erstens: Die Geschichte Ihres Projekts bestimmt die Bearbeitung. Identifizieren Sie, welche Geschichte Sie am Anfang, in der Mitte und am Ende erzählen , und während Sie sie erzählen, Ziele und welches Gesamtziel Sie haben. Zweitens: Nehmen Sie Ihr Publikum mit Ihren Audio- und Videoaufnahmen mit auf die Reise. Wählen Sie die Teile aus , die die Geschichte am besten erzählen und die emotionalste Wirkung haben. Drittens, zähle den Takt des Musiktracks, um eins und zwei und drei und vier zu schneiden und verschiedene Abschnitte nahtlos miteinander zu verbinden. Viertens: Bearbeiten Sie Audio am Nullpunkt, indem Sie Zwei-Frame-Audiodateien als Ausgangspunkt bei jedem Audioübergang Dadurch werden alle Klicks und Knackgeräusche vermieden. Fünftens ist Reverb ein großartiges Tool für flexible Audiobearbeitung, insbesondere wenn Sie einen Musiktitel an einer ungünstigen Stelle bearbeiten einen Musiktitel an einer ungünstigen Stelle Sechstens: Nutze Musik für dein Publikum. Musik kann Stimmungsschwankungen, neue Gedanken und Ideen signalisieren und dafür sorgen, dass bestimmte Teile einer Bearbeitung leichter nachzuvollziehen sind. Sieben. Wenn sie zielgerichtet eingesetzt werden, können Videoschnitte und -übergänge dabei helfen, deine Geschichte zu erzählen und das Publikum emotional zu bewegen. Acht. Machen Sie Ihre Bearbeitung übersichtlicher, indem Sie Elemente auswählen, die Ihre Geschichte am besten erzählen Neun: Verwenden Sie den Anfang, Mitte und das Ende Ihrer Projekt-Story , um schnell eine grobe Bearbeitung Zehntens: Das richtige Tempo eines Projekts kann dazu beitragen, dem Publikum Geschichte, Emotionen und Ideen so zu vermitteln , wie sie beabsichtigt sind Tempo und Rhythmus sind sehr gefühlsmäßig und erfordern Zeit und Erfahrung , um sie zu nutzen Lenken Sie die Aufmerksamkeit des Betrachters mithilfe von Eye Trace. Denken Sie daran, der Geschichte, ihrer emotionalen Resonanz und ihrem Rhythmus zuerst Priorität ihrer emotionalen Resonanz und ihrem Rhythmus zuerst 12, identifiziere Probleme in der Bearbeitung und löse sie mithilfe von Bearbeitungstechniken Du löst Probleme, 13. Frag dich selbst, was wäre, wenn du experimentierst , spielst, Spaß hast, offen für neue Ideen bist. Ich werde ein letztes Mal wie eine kaputte Schallplatte klingen. Die Geschichte ist dein Leitfaden. Wenden Sie sich im Zweifelsfall der Geschichte Ihres Projekts zu , um die Antwort zu erhalten. Jetzt ist es Zeit für die große Enthüllung. Laden Sie Ihre Projekte auf die Projektgalerie-Seite , damit wir alle Ihre großartigen Arbeiten sehen können. Ich kann es kaum erwarten, die Kreativität und die Ideen zu sehen die Kreativität und die Ideen , die Sie in diese Projekte einfließen lassen. Und wenn Sie persönliche Projekte haben an denen Sie neben diesem Kurs gearbeitet haben, laden Sie diese hoch, damit wir sehen können, wie Sie die Bearbeitungstechniken in der Praxis angewendet haben. Wenn dir dieser Kurs gefällt und du ihn wertvoll findest, hinterlasse bitte deine Bewertung und empfehle ihn einem Freund oder jemandem, den du kennst , der vielleicht auch einen Nutzen daraus ziehen könnte. Stellen Sie außerdem sicher, dass Sie meinem Profil folgen, um auf dem Laufenden zu bleiben. Wir haben viele Techniken zur Videobearbeitung gelernt, aber es gibt noch so viel mehr zu lernen. Okay. Ein großes Dankeschön an Sie, dass Sie an diesem Kurs teilgenommen und Ihr fertiges Projekt veröffentlicht haben. Danke. Wir sehen uns bald.