Verborgene Schätze im Garten: Kresse in Aquarell malen

1. Willkommen: Willkommen zu meinem Skillshare-Kurs. In diesem Tutorial werden wir Schritt für Schritt den komplizierten Prozess der Erstellung eines atemberaubenden Blumengemäldes untersuchen Schritt den komplizierten Prozess der Erstellung eines atemberaubenden Blumengemäldes Ich bin Chris, ein Aquarellkünstler und Online-Lehrer, und Online-Lehrer Sie durch das Skillshare-Tutorial führen Heute konzentrieren wir uns darauf, wunderschöne Sturtien zu malen , die ihre einzigartigen Formen, einfachen Blattformen, komplizierten Adern und ihre heitere Farbkomposition einfangen . . Egal, ob Sie ein Anfänger oder ein erfahrener Künstler sind, dieses Tutorial vermittelt Ihnen die Techniken, die Sie benötigen , um diese Blumen auf Papier zum Leben zu erwecken Während des gesamten Kurses werde ich Sie durch jeden Schritt des Malens dieser schönen Blumen Ihnen dabei hilfreiche Ressourcen und Anleitungen zur Verfügung stellen. Das Tutorial ist sorgfältig in überschaubare Abschnitte unterteilt Jeder Teil wird einen bestimmten Aspekt des Gemäldes vergrößern einen bestimmten Aspekt des Gemäldes ihn nach und nach wie ein Puzzle zusammensetzen Begleiten Sie mich auf dieser kreativen Reise und lassen Sie uns eintauchen. 2. Projekt und Ressourcen: Vielen Dank, dass Sie sich entschieden mit mir Teil dieser künstlerischen Reise zu sein. Ich habe einige hilfreiche Ressourcen für Ihr Projekt vorbereitet, die Sie im Bereich Projekte und Ressourcen zugreifen können . Dort findest du ein paar hilfreiche PDF-Dateien. Eines davon enthält eine Liste der Materialien, die ich für dieses spezielle Gemälde verwendet habe, und Sie finden dort auch mein fertiges Gemälde als Leitfaden. Strichzeichnungen sind in verschiedenen Größen erhältlich , die Sie ausdrucken und auf Ihr Aquarellpapier übertragen können , sodass Sie die Größe wählen können, die Ihren Vorlieben entspricht Ich habe das auf einer Größe von 12 mal neun gemalt. Fühlen Sie sich frei, diese Ressourcen zu erkunden und sie zu nutzen, um Ihr eigenes einzigartiges und wunderschönes Gemälde zu kreieren . Es wäre toll, Ihre Ergebnisse zu sehen. Bitte zögere nicht, deine Fortschrittsfotos und das fertige Bild im Bereich Projekte und Ressourcen mit der Klasse zu teilen das fertige Bild im Bereich Projekte und Ressourcen mit der Klasse . Ich empfehle Ihnen auch dringend , sich Arbeiten der anderen in der Projektgalerie der Schüler anzusehen. Es ist immer inspirierend , andere bei der Arbeit zu sehen und es ist äußerst beruhigend, die Unterstützung Ihrer Kommilitonen zu erhalten Vergiss nicht, die Arbeit der anderen zu liken und zu kommentieren. Abschließend empfehle ich dringend, sich jede Lektion anzusehen , bevor Sie mit dem Malen beginnen. Auf diese Weise können Sie besser verstehen, was in den einzelnen Teilen des Tutorials erwartet. Wenn Sie diesen Kurs hilfreich finden, würde ich mich sehr freuen wenn Sie eine ehrliche Bewertung abgeben könnten. Ihr Feedback hilft mir, bessere Inhalte zu erstellen und anderen Schülern bei der Entscheidung zu helfen , ob sie an diesem Kurs teilnehmen möchten. Vielen Dank im Voraus. 3. Meine Kunstmaterialien: In diesem Video möchte ich Ihnen einen allgemeinen Überblick über meine Künstlerutensilien geben einen allgemeinen Überblick über , die ich regelmäßig verwende. Ich denke, ich sollte zunächst erwähnen , dass ich nicht der Typ bin, der ständig neue Kunstgegenstände kauft und damit experimentiert Ich benutze die ganze Zeit dieselben Materialien. Sie funktionieren gut für mich und ich habe gelernt, das Beste aus ihnen herauszuholen, was mir auch hilft, Geld zu sparen, anstatt fünf neue Farben zu kaufen, von denen ich vielleicht nur für die Erstellung eines Farbmusters verwende Ich investiere zum Beispiel lieber in Bücher Versteh mich nicht falsch. Das Experimentieren mit neuem Kunstbedarf und regelmäßige Kauf neuer Materialien können Künstlern viele Vorteile bieten Schauen wir uns einige Vor- und Nachteile des Ausprobierens neuer Kunstmaterialien Es kann zu neuen Ideen und Inspirationen führen. Verschiedene Medien, Farben und Texturen können zu einzigartigen künstlerischen Ausdrucksformen führen und dazu beitragen, kreative Blockaden zu durchbrechen Erkundung neuer Kunstgegenstände erfordert oft das Erlernen neuer Techniken und Herangehensweisen Dieser kontinuierliche Lernprozess trägt zur Entwicklung künstlerischer Fähigkeiten bei und erweitert das Instrumentarium der Künstler Ein vielfältiges Angebot an Kunstbedarf ermöglicht größere Vielseitigkeit beim Ein Künstler kann je nach den spezifischen Anforderungen eines Projekts zwischen verschiedenen Medien und Werkzeugen wechseln , was zu dynamischeren und vielfältigeren Kunstwerken führt Experimentieren mit neuen Materialien kann einen Künstler aus seiner Komfortzone herausdrängen, die Bereitschaft, Dinge zu erforschen und Risiken einzugehen, persönliches Wachstum fördern und die Das Experimentieren mit neuen Materialien kann einen Künstler aus seiner Komfortzone herausdrängen, die Bereitschaft, Dinge zu erforschen und Risiken einzugehen, sein persönliches Wachstum fördern und die künstlerische Entwicklung fördern. Die Kunstwelt entwickelt sich ständig mit neuen Technologien und neuen Materialien die neuesten Kunstmaterialien auf dem Laufenden bleiben , wird sichergestellt , dass ein Künstler in der zeitgenössischen Kunstszene relevant bleibt in der zeitgenössischen Kunstszene relevant Ausprobieren neuer Kunstgegenstände beinhaltet oft die Lösung von Problemen. Ein Künstler muss möglicherweise herausfinden, wie er ein neues Medium manipulieren oder seine Techniken anpassen kann, um seine Denken zu verbessern Fähigkeiten zur Problemlösung und sein kreatives Die Begeisterung, ein neues Kunstangebot zu nutzen oder eine neue Technik zu entdecken , kann Motivation und Leidenschaft für das Schaffen von Kunst wiederbeleben Diese Begeisterung ist für die Aufrechterhaltung einer konsistenten und erfüllenden künstlerischen Praxis unerlässlich Aufrechterhaltung einer konsistenten und erfüllenden künstlerischen Praxis technologischen Fortschritt nehmen auch die Qualität und die Fähigkeiten des Kunstbedarfs zu. Ausprobieren neuer Produkte ermöglicht es Künstlern, verbesserte Rezepturen zu erforschen , die zu potenziell besseren Ergebnissen in ihrer Arbeit führen . Verschiedene Kunstmaterialien bieten einzigartige Möglichkeiten, Emotionen und Botschaften zu vermitteln, und das Experimentieren mit einer Vielzahl von Materialien ermöglicht es Künstlern, diejenigen zu finden , die am besten zu ihrem persönlichen Stil passen , und es ihnen ermöglichen , sich authentischer auszudrücken Das Wenigste geht weiter. Auf der anderen Seite sind hier einige mögliche Gründe, warum manche vielleicht argumentieren, dass es nicht immer gut ist. Künstlerbedarf kann teuer sein, und der ständige Kauf neuer Materialien ohne Plan oder Zweck kann Ihr Budget belasten. Es ist gut, auf Ihre Ausgaben zu achten , vor allem, wenn Sie nicht alle Materialien verwenden , die Sie angesammelt haben Sich auf neues und vielfältiges Kunstzubehör zu verlassen, könnte von der Entwicklung grundlegender künstlerischer Fähigkeiten ablenken grundlegender künstlerischer Fähigkeiten Ein kompetenter Künstler kann mit einfachen Werkzeugen beeindruckende Werke schaffen mit einfachen Werkzeugen beeindruckende Werke Der Schwerpunkt sollte auf der Beherrschung der Techniken liegen, anstatt sich auf bestimmte Materialien zu verlassen Anhäufung einer Vielzahl von Kunstgegenständen kann zu Unordnung und Lagerproblemen führen Zu viele Materialien können es schwierig machen, das zu finden, was Sie benötigen Ständig neues Künstlerzubehör zu kaufen, trägt zur Verschwendung bei, insbesondere wenn die Materialien nicht vollständig genutzt werden. Es ist wichtig, die Umweltauswirkungen Ihrer künstlerischen Praktiken zu berücksichtigen und zu versuchen, unnötigen Konsum zu minimieren. Einige Künstler argumentieren, dass die Arbeit mit Einschränkungen, wie z. B. einer begrenzten Anzahl von Materialien, die Kreativität tatsächlich fördern kann. Einschränkungen können Sie dazu zwingen, um die Ecke zu denken und innovative Lösungen innerhalb Ihres vorhandenen Instrumentariums zu finden innovative Lösungen innerhalb Ihres vorhandenen Instrumentariums Zu viel Wert auf das Ausprobieren neuer Materialien kann vom Kern des künstlerischen Ausdrucks ablenken Kern des künstlerischen Das Konzept oder die Botschaft, die Sie mit Ihrer Kunst vermitteln möchten Es ist wichtig, sich auf die Bedeutung Ihrer Arbeit zu konzentrieren , unabhängig von den verwendeten Materialien. ständige Suchen und Kaufen neuer Vorräte kann eine Konsummentalität fördern , in der die Freude eher aus dem Erwerb neuer Artikel als aus dem Schöpfungsprozess selbst entsteht eher aus dem Erwerb neuer Artikel als aus dem Schöpfungsprozess Dies kann zu einem Kreislauf führen, in dem Sie dem nächsten trendigen Material hinterherjagen dem nächsten trendigen Material anstatt Ihre künstlerische Stimme zu verbessern Kann auch zu unrealistischen Erwartungen die transformative Kraft von Hochwertige Materialien können zwar Ihre Arbeit verbessern, der Schlüssel zum künstlerischen Erfolg liegt jedoch in Ihren Fähigkeiten, Techniken und Ihrer kreativen Vision sich zu sehr auf den Glauben verlassen, dass neue Materialien Ihre Kunst drastisch verbessern werden Ihre Kunst drastisch verbessern kann dies zu Enttäuschung und Frustration führen. ständige Erkunden und Anpassen neuer Kunstgegenstände kann zu einer unbeabsichtigten Verlagerung hin zu beliebten Trends führen einer unbeabsichtigten Verlagerung hin , anstatt einen einzigartigen persönlichen Stil zu entwickeln Wie Sie sehen können, gibt es viele Elemente, die meiner Meinung nach eine Überlegung wert sind, und letztendlich ist es eine persönliche Entscheidung Früher wollte ich jeden Kunstbedarf kaufen, den ich mir leisten konnte. jedoch merkte, dass ich nicht alle brauchte und Materialien gefunden hatte, mit denen ich wirklich zufrieden bin, hörte ich auf , unnötige Gegenstände zu kaufen Stattdessen habe ich mich auf die konzentriert, die ich habe und tatsächlich benutze. Schauen wir uns jetzt an, was ich habe. Fangen wir mit Papier an. Unter Pinseln, Farben und Papier halte ich Papier für das wichtigste Kunstprodukt. Die Qualität des Papiers beeinflusst Ihr Malerlebnis und Ihre Ergebnisse erheblich . Verwenden Sie Arches-Papier, das zu 100% aus Baumwolle besteht. Baumwollpapier wird unter Künstlern oft als erste Wahl angesehen Es hat eine hervorragende Saugfähigkeit, Festigkeit und Haltbarkeit und eignet sich daher für verschiedene Aquarelltechniken Es liefert die besten Ergebnisse, da sich Farbe darauf viel besser verhält als auf billigeren Zellulosepapieren Das hochwertige Papier ist außerdem fehlerverzeihender, sodass Fehler leichter korrigiert werden können Nun zu den Farben Ich verwende professionelle Farben von Windsor und Newton Professionelle Farben, egal welche Marke Sie verwenden, bieten eine hervorragende Qualität Sie haben mehr Pigmente, sattere Farben und eine längere Lebensdauer als Farben für Schüler. Professionelle Farben sind zwar teurer als Farben für Schüler, aber sie sind die Investition wirklich wert Ich habe einige Zeit gebraucht, um alle Farben zu sammeln, die ich brauchte. Ich kaufte nach und nach ein oder zwei Tuben gleichzeitig , bis ich ein komplettes Set hatte. Jetzt muss ich selten neue Röhren kaufen. Sie halten lange. Ich kaufe vielleicht ein- oder zweimal im Jahr ein oder zwei Farben. Derzeit habe ich 17 Farben auf meiner Palette, obwohl einige nur zu Testzwecken dienen. In den Unterrichtsmaterialien findest du PDF-Dateien mit zusätzlichen Informationen über meine Farben, warum ich sie ausgewählt habe und wie ich sie auf meiner Palette angeordnet habe. Es gibt auch eine hilfreiche Umrechnungstabelle, falls du ähnliche Farben von verschiedenen Marken haben möchtest. Lassen Sie mich ganz kurz erklären wie ich Farben für meine Palette auswähle. Ich mache das in vier Hauptschritten. Mein Ausgangspunkt bei der Farbauswahl ist immer eine geteilte Primärpalette, ein Wurm und ein kühles Gelb, ein warmes und ein kaltes Rot sowie ein warmes und ein kaltes Blau. Und ich denke, es ist ein guter Zeitpunkt, um zu erwähnen , dass das Ultramarinblau, das ich verwende, der grüne Farbton ist Es ist kein französisches Ultramarin. Es gibt vier Hauptunterschiede zwischen Ultramarinblau, dem Grünton und französischem Ultramarin . Sie sind jedoch sehr klein. Ultramarinblau, der grüne Farbton hat einen Es sieht cooler aus. Es erzeugt kühlere Violett- und Grautöne und ist weniger granulierend Beide Scheiben haben dieselbe Pigmentschicht, P B 29. verwende Ultramarinblau, den grünen Farbton hauptsächlich aus Gewohnheit, da ich ihn schon immer verwendet habe und an den ich mich gewöhnt habe Außerdem finde ich es weniger granulierend als französisches Ultramarin granulierend als französisches Ultramarin, eine Qualität, die ich sehr schätze. Aber auch hier sind die Unterschiede zwischen den beiden Im zweiten Schritt suche ich nach Farben aus derselben Farbfamilie mit bestimmten Eigenschaften, z. B. wenn sie aus einem einzigen Pigment hergestellt werden, eine gute Lichtechtheit aufweisen nicht granulieren. Mit einigen Ausnahmen bevorzuge ich die Verwendung von Farben, die nicht granulieren Und transparent oder halbtransparent zu sein. Ich verwende hauptsächlich einpigmentierte Farben mit einer Ausnahme, nämlich grauen Farben Farben in dieser Gruppe müssen sich deutlich von der ersten Gruppe unterscheiden Wenn sie sich zu ähnlich sind, entferne ich sie. Ich sehe keinen guten Grund, sagen wir, sieben sehr ähnliche Gelbtöne auf der Palette beizubehalten sagen wir, sieben sehr ähnliche Gelbtöne auf der Palette Ich wähle die, die am einzigartigsten sind, und ich kann andere Farben mischen Im dritten Schritt füge ich Farben hinzu, die mir einfach gefallen oder von denen ich weiß, dass ich sie häufig verwenden werde. Burnt Sienna ist ein Muss auf meiner Palette, denn es ist ein vielseitiges Basis-Braun Es erzeugt wunderschöne neutrale Farben mit Blautönen, dämpft einige Grüntöne erzeugt verschiedene Gelbtöne Es ist eine sehr vielseitige Farbe. Da Grün meine Lieblingsfarbe ist, habe ich außerdem gerne zwei fertige Farben , die als gute Grundlage für das Mischen anderer Farben dienen. Der vierte Schritt ist optional. Auf meiner Palette sind noch drei Stellen übrig, die für neue Farben oder Farben reserviert sind , die ich gerade teste die sich im Laufe der Zeit ändern können. Neben Aquarellfarbe habe ich auch eine Tube mit weißem Guash Ich verwende es oft für winzige Details oder Highlights. Ich bewahre meine Farben in einer Porzellanpalette mit 17 Vertiefungen und zwei großen Mischbereichen auf. Porzellanpaletten eignen sich hervorragend, weil sie leicht zu reinigen sind und keine Flecken hinterlassen wie Kunststoffpaletten. Bevor ich diese Palette verwendet habe, habe ich lange Zeit eine Kunststoffpalette mit 33 Vertiefungen verwendet. Ich habe sie gewechselt, als mir klar wurde, dass ich nicht die Hälfte dieser Farben verwendet Ich fülle immer die gesamte Mulde mit Farbe und fülle sie nach, wenn mir die spezifische Farbe ausgeht Normalerweise kaufe ich fünf Millilire-Röhrchen , weil ich die gesamte Röhre in den Brunnen drücken kann Gehen wir zu den Pinseln über. Meine Hauptpinsel sind runder silberschwarzer Samt in verschiedenen Größen. Ich fand, dass sie sich hervorragend für die Nass-in-Nass-Technik eignen , die ich oft verwende. Sie kommen auch zu einem perfekten Punkt. Ein Pinsel, den ich immer zur Hand habe und den ich liebevoll meine Geheimwaffe nenne , ich liebevoll meine Geheimwaffe nenne , ist der Galleria-Pinsel Galleria von Windsor und Newton Es ist meine Scheuerbürste, und ich verwende sie in Ich habe auch einen kleineren Princeton-Snapshader Größe 4, mit dem ich sehr kleine Details wie winzige Adern dem ich sehr kleine Details wie winzige Adern sehr kleine Details wie Ich habe auch Spotter-Pinsel von Rosemary and Co, speziell aus der 307-Serie. Sie sind klein Sie halten nicht viel Wasser eignen sich daher nicht für Nass-/Nasslackierungen, aber sie eignen sich hervorragend zum Streichen kleiner Flächen, nass auf trocken und zum Hinzufügen winziger Details. Ich verwende sie immer, um visuelle Texturen mit der Stipling-Technik zu erzeugen visuelle Texturen mit der Stipling-Technik Gelegentlich verwende ich Designerpinsel, Rigger-Pinsel oder Skriptpinsel Sie haben unterschiedliche Namen und sind sich sehr ähnlich. Diese Pinsel haben dünne, lange Borsten und eignen sich zum Malen langer dünner Linien oder natürlicherer Linien wie Äste Endlich habe ich einen großen Flachpinsel, mit dem ich Wasser auf große Flächen auftragen oder manchmal sogar große Flächen streichen Ich muss auch zwei zusätzliche Pinsel erwähnen. Einer davon ist ein billiger alter Pinsel, den ich nur zum Auftragen von Maskierflüssigkeit verwende Das Auftragen von Maskierflüssigkeit mit einem Pinsel kann Ihre Pinsel beschädigen . Verwenden Sie daher keine guten Pinsel für diesen Zweck Der andere ist ein billiger Flachpinsel , mit dem ich die Farben auf meiner Palette vorbereite Wenn ich größere Farbmengen vorbereiten muss, eignet sich dieser Pinsel hervorragend dafür, da er es ermöglicht größere Farbmengen vom Brunnen in den Mischbereich zu übertragen . Der Nachteil dieses speziellen Produkts ist , dass er Borsten verliert, sodass ich etwas Besseres kaufen muss Gator Board, ich befestige mein Aquarellpapier immer mit Heftklammern und Klebeband an einem Gatorboard Dieses Board ist leicht und wasserdicht und ermöglicht es mir, mein Bild nach Bedarf zu bewegen und zu neigen. Dies ist für mich von entscheidender Bedeutung, insbesondere wenn ich glatte Hintergründe mit der Nass-in-Nass-Technik male glatte Hintergründe mit der Ich verwende immer einen Bürohefter, um mein Papier am Gatorboard zu befestigen Nach dem Heften habe ich das Papier an allen vier Seiten mit Klebeband befestigt , um einen sauberen Rand um das Ich bevorzuge Lavendel-Klebeband, das für empfindliche Oberflächen entwickelt wurde Mir ist aufgefallen, dass es beim Malen gut haftet, und wenn es sich jemals löst, das wahrscheinlich daran, dass ich übermäßig einen Haartrockner benutze Dieses Klebeband hat mein Papier nicht beschädigt. Ich mag seine Oberfläche. Es ist leicht glatt, was sehr praktisch ist , um Farbtropfen leicht zu entfernen. Mein einziger Wunsch ist, dass es in Weiß erhältlich ist. Hier sind andere Materialien, die ich mehr oder weniger häufig verwende. Lichtpad, ich verwende es eigentlich für jedes Bild. Dieser ist der billigste, den ich bei Amazon gefunden habe. Ich benutze es, um ein Bild auf mein Aquarellpapier zu übertragen. Maskierflüssigkeit von Windsor Newton. Dies ist ein unverzichtbares Medium für viele meiner Bilder, Werkzeuge zum Auftragen von Maskierflüssigkeit wie ein alter Pinsel, Linealstift, Prägewerkzeuge und Diese Werkzeuge können neben dem alten Pinsel auch zum Auftragen von Farbe und zum Erzielen bestimmter Effekte verwendet werden zum Auftragen von Farbe und zum Erzielen bestimmter Effekte verwendet Ein Stück Seife und eine alte Kappe aus einer alten Maskierflüssigkeit. Wenn ich Maskierflüssigkeit verwende, tauche ich das Bürstenwasser ein, reibe es auf ein Stück Seife, sodass eine Schutzschicht auf den Borsten entsteht, und tauche es dann Dadurch wird verhindert, dass die Maskierung die Borsten zusammenklebt . Gießen Sie immer etwas Maskierung in einen alten Becher und verschließen Sie die Flasche schnell , um getrocknete Klumpen in der Flasche zu vermeiden Gummi-Maskierungs-Aufnahmewerkzeug zum Entfernen von Maskierungsflüssigkeit, ein sehr praktisches Werkzeug, Haartrockner, nützlich, um die Trocknungszeit zu beschleunigen. Besprühen Sie die Flasche mit sauberem Wasser, um das Papier sanft zu benetzen oder die Farbe zum sanft Ich sprühe auch Farben in meine Palette, bevor Normaler HB-Bleistiftradierer und benötigter Radiergummi. Ich verwende einen normalen HB-Bleistift für meine Skizze und verwende oft einen benötigten Radiergummi, um den überschüssigen Graphit zu entfernen und die Bleistiftlinien heller zu machen Wasserbehälter muss ich beim Malen dabei haben. Ich habe oft zwei, einen für sauberes Wasser und einen für schmutziges Wasser. Papiertuch, es ist immer gut, es zu haben. Endlich ein weißes Handtuch, dass es nicht mehr so weiß ist. Apropos Handtücher, ein großes liegt auf meinem Schreibtisch unter meinem Gatorboard verteilt Ich mache das, um zu verhindern, dass das Gatorboard beim Malen rutscht, sich bewegt oder dreht Das sorgt nicht nur für Stabilität, sondern schützt auch meinen Schreibtisch und verleiht meinem Arbeitsplatz ein schönes Spielfeld Das zweite kleinere Handtuch befindet sich immer neben meiner Palette und meinem Wasserbehälter dient als spezieller Bereich für die Reinigung meiner Pinsel. Ich lasse meine Pinsel auf diesem Handtuch liegen. In der Vergangenheit, als ich meine Pinsel auf meinen Schreibtisch legte, schien Magie zu geschehen. Sie verwandelten sich in Lebewesen, die sich vor mir versteckten, vom Schreibtisch sprangen und sich bewegten, sodass ich sie nicht finden konnte. Jetzt lege ich sie immer auf das Handtuch und sie bleiben an Ort und Stelle, immer hier bei mir. Das ist also mein derzeitiger Kunstbedarf. Obwohl es in Zukunft Änderungen geben könnte, verwende ich das jetzt. 4. Inspiration: Hallo und willkommen zu diesem wunderbaren Tutorial zum Malen von Nosturtien Dieses Gemälde ist von zwei Künstlern inspiriert. Eine von ihnen ist eine meiner liebsten polnischen Künstlerinnen, Stansva Vespinski wurde 1869 in Graco, Polen, geboren . Er studierte einen Mateo an der School of Fine Arts Seine Arbeit war vielseitig. Als Maler spezialisierte er sich auf das Schaffen von Kunst anhand von Gemälden in Pastelltechnik. Als Architekt wurde er auch berühmt, weil er unter anderem Polys für die Kirche des Heiligen Franziskus von ACC in Craco schuf Polys für die Kirche des Heiligen Franziskus von ACC in Bekannt wurde er auch als Schöpfer von Dramen über die Geschichte und die Perspektiven der polnischen Gesellschaft vielen Jahren habe ich versucht, seine Mutterschaft in Pastellmalerei zu reproduzieren Ich habe das mit Ölfarben gemalt. Zu seinen bemerkenswerten Leistungen gehört der Entwurf des exquisiten Glasfensters in der Kirche des Heiligen Franziskus von Assisi in Craco, ein Beweis für seine Fähigkeit, Kunst mit spiritueller Symbolik zu Kunst mit spiritueller Symbolik Diese besondere Kirche in Craco ist etwas ganz Besonderes. Jedes Mal, wenn ich dort bin, habe ich sie besucht. Der Grund dafür ist, dass die Wände in der Kirche von Vespinski bemalt wurden Er schmückte die Wände mit wunderschönen polychromen oder Wandmalereien, wenn Sie so wollen, die florale und geometrische Motive zeigen, aber und Eines dieser Wandbilder zeigt wunderschöne Sturtiu-Blumen wunderschöne Sturtiu-Blumen, die mir als erste Inspiration für unser Gemälde dienten. Der Jugendstil ist generell einer meiner Lieblingsstile. Es fasziniert mich immer wieder, wie einfache Formen, die mit so genannten Flachfarben in der Aquarellmalerei gemalt wurden, zu so schönen Mustern führen können . Ich liebe Muster Beachten Sie, dass die Blätter mit einer grünen Grundfarbe bemalt sind mit einer grünen Grundfarbe bemalt und dann nur die Adern mit weißer Farbe bemalt sind. Es gibt keine Details, Lichter, Schatten, nur einfache Formen voller Farben. Außerdem können wir in den Blüten sehr subtile Orangetöne und ein paar Adern sehen , mehr nicht. Bei seinen anderen Blumen, die wir an den Wänden der Kirche bewundern können, verwendete er manchmal etwas mehr Schatten Diese Rosen haben zum Beispiel einige Schatten auf den Blütenblättern, aber die Blätter haben einfache, flache Farbschichten Und doch sind sie so schön. Die Stärke dieser Designs liegt in der Komposition und dem Muster , das all diese Formen erzeugen. Sie sind unglaublich. Vespanski Sturtium erinnerte mich an einen Künstler aus Japan, Conan Er wurde in der Präfektur Hyogo geboren und wird in Japan als bedeutender Maler gefeiert. Bekannt wurde er durch die Erstellung von fünf Bänden mit Fotoalben , in denen westliche Pläne dargestellt Diese Alben wurden insbesondere als Holzschnitte vom renommierten On Sodo-Verlag in Kyoto veröffentlicht Holzschnitte vom renommierten On Sodo-Verlag Kopien dieser Alben befinden sich in der angesehenen Sammlung der British Library Sein Einsatz von Farben ist subtil und doch wirkungsvoll. Er verwendet sanfte Pastelltöne und lebendige Farbtöne, verwendet sanfte Pastelltöne und um seinen Kompositionen eine traumhafte Qualität zu eine traumhafte Ähnlich wie bei Vespanskis Werk. In den Gemälden von Tani Game sehen wir klare Kanten der Formen, die mit Farbe gefüllt sind Es gibt einige tonale Variationen, aber wenn wir diese Gemälde durch die Linse der Aquarellmalerei betrachten, könnten wir dennoch sagen, dass sie in einer oder maximal zwei Schichten gemalt wurden einer oder maximal zwei Schichten ohne zu sehr auf Details Noch wichtiger ist in seinen Arbeiten die Komposition. Eines von Tan Gamis Werken zeigt Sturtium. Obwohl es sich bei den Pflanzen um westliche Pflanzen handelt, ist die künstlerische Behandlung eindeutig japanisch ein wunderbares Gefühl für asymmetrische Ausgewogenheit und einen feinen Kontrast zwischen Blüten und ist die künstlerische Behandlung eindeutig japanisch und bietet ein wunderbares Gefühl für asymmetrische Ausgewogenheit und einen feinen Kontrast zwischen Blüten und Blättern. Diese beiden Werke von Spanki und Tani Gami waren meine Inspiration für meine Malerei 5. Skizze vorbereiten: Zuerst habe ich mit der Erstellung einer Komposition begonnen. Ich habe die Drittelregel angewendet meine Arbeit in drei gleiche Teile aufgeteilt, sowohl horizontal als auch vertikal. Die Punkte, an denen sich diese Linien schneiden, dienen als Brennpunkte Dort wollte ich die Hauptblumen platzieren Sturtien wachsen in verschiedene Richtungen. Ich stellte mir die Zersetzung so vor, als ob die Blüten bogenförmig von oben rechts zur unteren linken Seite kaskadieren würden bogenförmig von oben rechts zur unteren linken Seite kaskadieren von oben rechts zur unteren linken Seite kaskadieren Ich habe große Formen skizziert, um die Blüten und Blätter darzustellen, wobei ich orange und grüne Farben verwendet habe, um die Hauptkomposition festzulegen. Dadurch konnte ich verschiedene Farbkombinationen testen. Nachdem ich mit dem Gesamtlayout zufrieden war, konzentrierte ich mich auf die Detaillierung der Blumen Anfangs habe ich grobe Formen entworfen, die nicht zu detailliert waren. Sobald ich ein solides Fundament hatte, verfeinerte ich die Linienzeichnung und achtete dabei genau auf die Formen Ich habe zwar auf einige Referenzfotos zurückgegriffen , um die Struktur der Blüten und Blätter zu verstehen, aber ich habe keine direkt kopiert. Diese Interpretationen sind meine eigenen. Zu diesem Zeitpunkt war meine Strichzeichnung abgeschlossen. im Voraus wusste, dass ich auf einem Papier im Format 12 mal neun arbeiten würde , legte ich die Abmessungen in procreate entsprechend Als Nächstes habe ich die Zeichnung in eine App namens Affinity Publisher übertragen , die ich zum Entwerfen von PDF-Dateien verwende Hier habe ich der Zeichnung einen schwarzen Rahmen hinzugefügt , indem ich ein Rechteck erstellt habe, die Haptik entfernt habe und einen dünnen Rand hinterlassen Sobald ich fertig war, habe ich die Datei gespeichert. Es gibt einen wichtigen Grund für diesen Prozess. Hier ist der Grund. Ich habe zwei Versionen der Zeichnung, eine mit Rahmen und eine ohne. Wenn ich die Version ohne Rahmen in einer App wie Split Print öffne , wird deutlich, dass der Zeichnung die Grenzen nicht klar erkennbar sind. Das macht es schwierig zu bestimmen, wo geschnitten werden muss und welche Ränder erforderlich sind. Genau aus diesem Grund habe ich die Grenze aufgenommen. Wenn ich die Datei mit dem Rand öffne, wird alles klar, was den Zuschneidevorgang viel einfacher macht den Zuschneidevorgang viel einfacher Jetzt rechne ich in dieser App die Maße in Zoll um und zeige , dass meine Zeichnung genau 12 mal 9 Zoll misst und genau auf zwei Seiten passt In dieser App habe ich jedoch die Flexibilität , die Größe nach Bedarf anzupassen Wenn ich mich zum Beispiel dafür entscheide, es auf ein Papier der Größe 16 x 12 zu malen , kann ich diese Änderung mühelos vornehmen Dadurch verteilt sich die Zeichnung auf weitere Blätter kann sie so anordnen, wie ich es bevorzuge, und sogar die Ausrichtung der Seiten ändern, wodurch sich die Gesamtzahl, die für das Drucken in dieser Größe erforderlich ist, verringern könnte für das Drucken in dieser Größe erforderlich ist auf die Seiteneinrichtung zugreife und zum Querformat wechsle, kann ich jetzt sehen, dass sich meine Zeichnung über vier Seiten erstreckt Da ich jedoch beabsichtige, es auf Papier im Format 12 mal neun zu malen , kehre ich zur Ausrichtung im Hochformat zurück , da meine Zeichnung jetzt auf zwei Seiten und meine Zeichnung jetzt wieder auf zwei Seiten ist Normalerweise positioniere ich die Zeichnung so, dass alle komplizierten Formen in der Nähe der Mitte zur Seite verschoben werden sodass sie sich nicht über zwei Seiten erstrecken Jetzt kann ich meine Strichzeichnung ausdrucken und im nächsten Teil werden Sie sehen, wie ich sie auf mein Aquarellpapier übertragen werde . Okay. 6. Das Bild übertragen: Nachdem ich meine Strichzeichnung fertiggestellt hatte, habe ich sie ausgedruckt. Jetzt werde ich es verfeinern, indem alle unnötigen Teile abschneide Da sich das Bild über zwei Blatt Papier erstreckt, muss ich sie zusammenkleben. Okay. Ich werde um 12 mal 9 Uhr auf Arches-Papier malen .“ Der Block, den ich verwende, misst zehn mal 14". Dieser zusätzliche Raum rund um das Gemälde bietet Platz für Heftklammern und Klebeband Um das Bild auf mein Papier zu übertragen, verwende ich einen Leuchtkörper Zuerst befestige ich das Bild auf der Rückseite meines Aquarellpapiers Wenn ich dann alles auf das Leuchtpad lege, kann ich durch das Licht von unten das Bild durch das Aquarellpapier deutlich sehen Mit einem normalen HB-Bleistift beginne ich mit dem Zeichnen, indem ich zunächst die vier Ecken markiere Diese Referenzpunkte sind von entscheidender Bedeutung, da sie mir beim genauen Anbringen von Klebeband Sobald die Ecken markiert sind, übertrage ich das Bild langsam auf das Papier Ich kann die Linien von unten deutlich erkennen, sodass ich sie leicht nachzeichnen kann. Sobald dieser Schritt abgeschlossen ist, entferne ich das gedruckte Bild von der Rückseite des Papiers und kann das Papier dann an meinem Gatorboard befestigen Ich positioniere das Papier mehr oder weniger in der Mitte. Es ist erwähnenswert, dass ich mich entscheide, das Papier vorher nicht nass zu Ich halte das für unnötig, weil die Heftklammern das Papier sicher an seinem Platz halten Beim Malen dehnt sich das Papier auf natürliche Weise und schrumpft. Der Schlüssel hier sind jedoch die Heftklammern. Klebeband allein bietet möglicherweise nicht genügend Festigkeit, um das Papier an Ort und Stelle zu halten Deshalb verwende ich immer Heftklammern. Ich hefte das Papier vorsichtig an allen vier Seiten an mein Gatorboard und achte darauf, dass die einzelnen Heftklammern nicht mehr als 1 Zoll voneinander entfernt Okay. Danach trage ich an allen vier Seiten Klebeband auf Die Markierungen in den Ecken sind nützlich für die genaue Positionierung und stellen sicher, dass das fertige Gemälde genau 12 mal neun misst Außerdem verwende ich in diesem Stadium häufig einen benötigten Radiergummi Dieser vielseitige Radierer kann nach Belieben geformt werden. Ich ziehe es vor, es über meine Skizze zu rollen , um überschüssiges Graphit zu entfernen, wodurch die Skizze etwas leichter wird und Nachdem die Skizze fertig ist, können wir mit dem Bemalen des Hintergrunds beginnen. Okay. 7. Hintergrund: Bevor wir uns mit der Malerei befassen, möchte ich Ihnen meinen Ansatz und meine Vision für dieses Stück Nach einigem Überlegen habe ich beschlossen, einen wasserfarbenähnlichen Look anzustreben Schließlich malen wir mit Wasserfarben. Aber dieses Mal werde ich in einem lockereren Stil als in meinem üblichen Stil malen einem lockereren Stil als in meinem üblichen Stil Ich verwende bewusst erzeugte Blüten und zufällige harte Kanten, aus einer weniger präzisen Technik resultieren Dieses Mal verwende ich einen lockereren und einfacheren Ansatz Mein Ziel ist es, schöne Aquarelltexturen auf den Blättern zu erzielen und mich dabei ein bisschen mehr darauf zu konzentrieren , die Blumen präzise zu bemalen Ich versuche, wo nötig, ein Gleichgewicht zwischen lockerer Malerei und Präzision In meinem Prozess lasse ich mich von der Einfachheit der Werke von Spanskis und Tanigams inspirieren der Einfachheit der Werke von Spanskis und Tanigams Wir beginnen unsere Reise durch das Malen , indem wir im Hintergrund beginnen und die Schichten im Laufe der Zeit schrittweise aufbauen Zunächst malen wir den Hintergrund, gefolgt von schwachen Blättern im Hintergrund, fügen dann Stängel und Hauptblätter hinzu und konzentrieren uns schließlich auf die Blüten, die uns am nächsten stehen Als letzten Schliff fügen wir den Blüten und Blättern vorsichtig Adern hinzu Um den Hintergrund zu malen, verwende ich einen Pinsel der Größe zehn Ich habe mich dafür entschieden, keine Maskierflüssigkeit zu verwenden, um die weißen Flächen für die Blumen zu erhalten Stattdessen male ich einen Hintergrund , der sehr hell ist. Selbst wenn ich die Bleistiftlinien übergehe, ist das kein Problem, da die Blüten und Blätter dunkler sind als der Hintergrund. Die dunklere Farbe deckt alle Überlappungen nahtlos ab und sorgt so für eine harmonische Komposition Ich glaube, wenn man eine gedämpfte Version von Orange verwenden würde, wäre das Braun, weil Braun eigentlich eine gedämpfte Version von Orange ist Für den Hintergrund wäre das ideal. Diese Farbauswahl sollte die Gesamtkomposition ergänzen und einen weichen, gedämpften Hintergrund schaffen , der die Blütenfarben widerspiegelt Durch das Hinzufügen von Grüntönen wird der Hintergrund weiter an die Blätter gebunden Wiederholung der Farben des Hauptmotivs im Hintergrund ist ein hervorragender Ansatz, Zusammenhalt fördert Genaue Übereinstimmungen sind zwar nicht erforderlich, Variationen im Farbton oder Intensität können die Einheit des Stücks verbessern Ziel ist es, dass der Hintergrund die Farben des Hauptmotivs wiedergibt und so für eine visuelle Harmonie sorgt Beginnen wir mit der Zubereitung von verbrannter Siena mit nur einem winzigen Hauch von tiefgelbem Wind Fügen Sie viel Wasser hinzu, um eine sehr leichte Konsistenz zu erreichen. Fast wie ein Waschgang mit einem Hauch von Braun. Diese verdünnte Mischung wird als hervorragende Basis dienen. Fangen Sie an, es in der oberen linken Ecke anzuwenden. Die Wasserinkonsistenz trägt zu einer gleichmäßigen Wäsche bei. Machen Sie sich jedoch keine Sorgen, wenn Sie auf Blüten oder harte Kanten stoßen Wir können sie als Teil des Prozesses annehmen. Außerdem ist es kein Problem, wenn Sie versehentlich die Bleistiftlinien überschreiten. Durch die dunkleren Töne des Hauptmotivs lassen sich Überlappungen leicht überdecken Nach der ersten leichten Waschung füge ich in einigen Bereichen etwas mehr Braun hinzu , um die Tonwerte zu variieren Ich lasse die Farbe sogar leicht über die Blattränder fließen, sodass leicht über die Blattränder fließen, eine nahtlose Verbindung zwischen dem Blatt und dem Hintergrund entsteht zwischen dem Blatt und dem Hintergrund zur oberen rechten Ecke und Gehen wir zur oberen rechten Ecke und malen den Hintergrund im Uhrzeigersinn Beginnen Sie erneut mit einem sehr hellen Braunton und fügen Sie dann in bestimmten Bereichen einen etwas dunkleren Ton In der Nähe der Blätter überlege ich, einen Hauch von Grün einzuarbeiten, um das Laub widerzuspiegeln Das Mischen von Burn mit Grüngold hat zunächst nicht den gewünschten Farbton erzielt Ich führe den Gelbton Windsor Green für einen kräftigeren Grünton Grün gemischt mit Braun ergibt einen natürlichen, harmonischen Stein Es ist wichtig, alle Farben beizubehalten. Ich möchte , dass der Hintergrund als sanfte, subtile Ergänzung zu den Blumen dient . Vor allem in der Nähe der Blätter füge ich mehr Grün als Braun hinzu, um eine einheitliche Farbpalette zu erhalten eine einheitliche Farbpalette zu und einige Grüntöne von den Blättern zu reflektieren In der unteren linken Ecke entscheide ich mich für mehr Braun, um einen passenden Hintergrund für die Blume zu schaffen einen passenden Hintergrund für , die im Vordergrund stehen wird Ein letzter Blick auf den Hintergrund. Ich überlege, ob ich in irgendwelchen Bereichen mehr Farbe hinzufügen soll. Zum Beispiel habe ich beschlossen, an bestimmten Stellen etwas mehr Braun zu nehmen. Es ist wichtig, daran zu denken, dass die Farbe beim Trocknen heller wird. Zusätzlich füge ich hier eine einfache grüne Silhouette einer Blattform hinzu. Sobald Sie mit Ihrem Hintergrund zufrieden sind, können wir alles mit einem Fön trocknen. In letzter Zeit verwende ich häufiger einen Haartrockner, außer in Fällen, in denen ich größere Hintergründe mit der Nass-in-Nass-Technik male . In solchen Fällen, in denen ich sanfte Farbübergänge und weiche Grundrisse anstrebe, lasse ich die Farbe lieber auf natürliche Weise trocknen. das Gemälde kippe, bis sich die Farbe absetzt ein reibungsloser Trocknungsprozess möglich, ohne dass die Gefahr besteht, dass der nasse Stahllack beschädigt und unerwünschte Spuren oder ungleichmäßige Oberflächen entstehen Wenn ich jedoch kleinere Elemente mit weniger Farbe lackiere, wie in diesem Fall, bevorzuge ich es, die Trocknungszeit mit einem Fön zu beschleunigen Sobald der Hintergrund trocken ist, können wir mit dem nächsten Schritt fortfahren und schwache Blätter in den Hintergrund malen 8. Hintergrundblätter: Okay. In diesem kurzen Teil malen wir nur ein paar zarte Blätter in den Hintergrund. Ich finde, dass der Kontrast der Tonwerte zwischen den hellen Blättern im Hintergrund und den dunkleren grünen Blättern im Vordergrund eine faszinierende Illusion von Tiefe erzeugt das visuelle Gesamtinteresse der Komposition verstärkt Um diese Blätter zu malen, benötigen wir mehr von unserem natürlichen Grün Ich bereite eine Mischung aus Windsorgrün und gebrannter Siena zu, wodurch eine stark verdünnte Mischung , die einen hellgrünen Ton ergibt Im oberen Teil dieser Mischung füge ich einen Hauch von Pains Grey hinzu, um einen etwas dunkleren Grünton für zusätzliche Abwechslung Jetzt malen wir dieses Blatt mit ruhiger und ruhiger Hand langsam mit der Nass-auf-Trocken-Technik. Versuchen Sie, innerhalb der Bleistiftlinien zu bleiben, und sich von Tanigams akribischer Ausführung der Nosturtien inspirieren, bei denen die Farben genau innerhalb der Nosturtien inspirieren, bei denen die Farben lassen Sie sich von Tanigams akribischer Ausführung der Nosturtien inspirieren, bei denen die Farben genau innerhalb der Linien gehalten wurden. Von jetzt an, bis wir die letzten Details hinzufügen, stellen Sie sich das so vor, Farbe füllen Unser Ziel ist es einfach, diese Formen mit Grün zu füllen. Diese grüne Schicht muss nicht perfekt glatt sein. Tatsächlich streben wir einen Aquarell-Look an, insbesondere auf den Blättern Umarmen Sie alle Blüten oder Unregelmäßigkeiten, die auftreten. Da sie zum organischen Gefühl des Gemäldes beitragen. Das Hauptanliegen ist es, innerhalb der Bleistiftlinien zu bleiben. Beachten Sie, wie das Grün harmonisch mit dem Braun interagiert, das während der Hintergrundmalerei aufgetragen Dieses Zusammenspiel fügt eine zusätzliche Ebene der Farbvielfalt verstärkt das visuelle Interesse der Komposition Verwenden Sie für zusätzliche Faszination in ausgewählten Bereichen einen etwas dunkleren Grünton Dies dient als zusätzlicher Blickfang und verleiht dem Gemälde Tiefe und Dimension Es ist wichtig zu beachten, dass ich hier keine bestimmte Lichtquelle in Betracht ziehe. Diese Sturtien sind stilisiert und das soll keine absolut realistische Darstellung der Blumen sein Ähnlich wie bei Vespanskis Polychromie und Tani Igams Arbeiten sind die Farben relativ flach. Da wir jedoch mit Wasserfarben arbeiten, haben wir die Freiheit , diesen charakteristischen Hauch von Wasserfarben einfließen zu lassen . Mein Ansatz besteht darin, mehr Farbvariationen innerhalb der Blätter einzuführen und Blüten einzubeziehen , die für die Aquarellmalerei typisch sind. Dies wird besonders bei den dunkleren Hauptblättern deutlich , da es sich bei diesen hellen Blättern im Hintergrund im Wesentlichen um helle Silhouetten Wesentlichen Antwort: In der unteren rechten Ecke verwende ich eine Mischung aus gebranntem Ciena mit einem Hauch grauer Nadeln, um eine Textur zu erzeugen Mit der Seite meines Pinsels wende ich zufällige Pinselstriche an, ich zufällige Pinselstriche um für Abwechslung in den Farbtönen Darüber hinaus werden Sie einige absichtliche Lücken bemerken , die Kanten erzeugen Ich finde, dass dieser Effekt der Ecke Interesse und Dimension verleiht Ecke Interesse und Dimension Ich wollte es nicht ganz flach stehen lassen. Hier füge ich etwas mehr Grün hinzu, um die Lebendigkeit zu verbessern In Bezug auf die untere linke Ecke habe ich darüber nachgedacht, eine weitere Blattsilhouette im Hintergrund hinzuzufügen eine weitere Blattsilhouette im Hintergrund Nach reiflicher Überlegung kam ich jedoch zu dem Schluss, dass das Blatt hinter den beiden Vordergrundblättern als unser Hintergrundblatt ausreicht. Also male ich es mit unseren hellen Grün- und Brauntönen. Ja. Nachdem wir diese Blätter gestrichen haben, können wir sie schnell mit einem Fön trocknen , bevor wir mit dem Bemalen der Hauptblätter fortfahren. 9. Hauptblätter: Jetzt gehen wir zu einem weiteren einfachen, aber unterhaltsamen Schritt bei dem Perfektion nicht im Mittelpunkt steht, dem Bemalen der Hauptblätter Beginnen wir mit der Vorbereitung einer Vielzahl von Farben. Auf der linken Seite habe ich Burnt Ciena mit Windsor Yellow Deep gemischt Burnt Ciena mit Windsor Yellow Ich werde diese Mischung nur ein wenig über die Blätter verteilen Auf der rechten Seite habe ich mein primäres Grün mit einem windsorgrünen Gelbton gemischt mit verbrannter Siena zubereitet mit einem windsorgrünen Gelbton gemischt mit verbrannter Siena Im oberen Teil meiner Palette habe ich der grünen Mischung graue Farben hinzugefügt, was zu einem dunkleren Grünton was zu einem dunkleren Grünton mit einem Pinsel der Größe zehn Beginnen wir mit einem Pinsel der Größe zehn von der linken Seite aus zu malen und bewegen uns dann allmählich zur rechten Seite. Wenn Sie Linkshänder sind, ist es einfacher für Sie, von der rechten Seite des Gemäldes zu beginnen und sich nach links zu bewegen. Mit unseren grünen und braunen Mischungen besteht unsere Aufgabe nun darin, die Blattformen mit diesen Farben einfach zu erfühlen Dieser Schritt ist unkompliziert. Der Schlüssel besteht darin, innerhalb der Bleistiftlinien innerhalb der Grenzen der Blattform zu bleiben . Ihre Interpretation hier liegt ganz bei Ihnen. Fühlen Sie sich frei, mit verschiedenen Farben zu experimentieren. Ihre Ebene wird wahrscheinlich anders aussehen als meine, und das ist völlig in Ordnung. Achte auf eine sehr wässrige Farbkonsistenz und fülle langsam die gesamte Form mit Farben Wir könnten uns auch hier für eine Nass-in-Nass-Technik entscheiden. Ich werde das letzte Blatt mit dieser Methode malen , nur um es zu demonstrieren. Mit der Nass-auf-Trocken-Technik, die wir jetzt verwenden, haben wir jedoch Nass-auf-Trocken-Technik, die wir jetzt verwenden, mehr Kontrolle über die Farbe und die Kanten der Form, die wir malen. Darüber hinaus führt das Nass-Trockenlackieren Beginn zu einem dunkleren Ton, da sich unter der Farbe keine zusätzliche Wasserschicht befindet , die sie verteilt Dadurch können wir leichter einen dunkleren Ton erzielen. Darüber hinaus kann die natürliche Variation der Feuchtigkeit auf dem Papier zur Bildung von Blüten führen, den Effekt, den wir mit diesem Gemälde eigentlich erzielen wollen Antwort: Nachdem wir das Grün aufgetragen haben, erhöhen wir das Interesse, indem wir einige unserer Brauntöne hinzufügen Diese braunen Flecken sorgen für Abwechslung in den Farben und passen wunderbar zu den orangefarbenen Blüten Ich gehe zum nächsten Blatt über und werde den Vorgang wiederholen. Hier habe ich mit einem helleren Grünton begonnen , um einige tonale Variationen einzuführen Diese Variante kann auch darauf hindeuten , dass die Lichtquelle von links kommt, wodurch dieses Blatt etwas heller näher wir uns den Blüten nähern, desto mehr Braun füge ich hinzu , um Tiefe und Dimension zu verleihen Als das erste Blatt zu trocknen beginnt, stelle ich fest, dass die Oberfläche immer noch leicht feucht ist. Ich möchte diese Gelegenheit nutzen, um einige Wassertröpfchen absichtlich zu einige Wassertröpfchen absichtlich mehr Textur und Blüten zu erzeugen Nun zum Blatt unter den Blüten Hier möchte ich für mehr Abwechslung in der Ich bin zusätzlich braun und habe ein etwas dunkleres Grün, besonders unter den Blüten. Antwort: Um die Textur weiter zu verbessern und gezielte Blüten zu erzeugen, kann ich meinen Pinsel mit Wasser füllen und die Borsten vorsichtig zusammendrücken, sodass Wassertröpfchen auf die Oberfläche fallen Wie Sie sehen können, strebe ich auch hier nicht nach einer perfekten Ausführung Normalerweise strebe ich eine sorgfältige Lackierung an, um glatte Waschungen und makellose Farbübergänge zu erzielen In diesem Gemälde mache ich mir jedoch all diese Unvollkommenheiten des Aquarells zu Dieser Ansatz gibt mir mehr Freiheit und weniger Stress, da ich diese Unvollkommenheiten als beabsichtigt und wünschenswert betrachte diese Unvollkommenheiten Mein Hauptaugenmerk liegt weiterhin darauf, innerhalb der Bleistiftlinien zu bleiben und klare Unterscheidungen zwischen den Formen zu gewährleisten Oh. Zurück zum vorherigen Blatt Ich spritze immer mehr Wassertröpfchen Ich möchte flache, uninteressante Waschungen vermeiden und strebe stattdessen faszinierende Aquarelltexturen an Ich bin sehr gespannt, ob Ihnen dieser Ansatz und dieser Effekt gefallen oder nicht. Lass es mich wissen. wechsle zu einem kleineren Pinsel in Größe vier Ich wechsle zu einem kleineren Pinsel in Größe vier und male die winzigen Bereiche zwischen den Blütenblättern mit einem dunklen Grün Blätter hinter den Blüten kennzeichnet Ich wechsle zurück zu einem Pinsel der Größe 10. Dann male ich das Blatt hinter dieser bestimmten Blume. Ich habe hier vor dem Blatt ein kleines Band hinzugefügt, also muss ich es vorsichtig ummalen. Gegen Ende lasse ich ein paar Wassertröpfchen hineintropfen, in der Hoffnung, dass sie Blüten oder Texturen erzeugen Für das letzte Blatt habe ich mich entschieden, nass auf nass zu malen Für diese Wahl gibt es keinen besonderen Grund. Ich möchte nur zeigen , dass es auch eine Technik ist , die wir hier anwenden können. Nachdem ich eine Schicht Wasser aufgetragen habe, fange ich an, meine Farben aufzutragen. Das Endergebnis wird dem Malen von nass auf trocken ähneln , es spielt also keine Rolle, für welche Technik Sie sich entscheiden. Ich finde jedoch, dass Nass/Trocken einfacher ist und mehr Unvollkommenheiten zulässt , was wir in diesem Fall erreichen wollen Außerdem müssen Sie nicht übermäßigen Wassermengen umgehen Lassen Sie jetzt alles trocknen. Sie können einen Wäschetrockner verwenden, wenn Sie möchten, aber lassen Sie ihn zuerst etwa 10 Minuten lang an der Luft trocknen . Sobald der Glanz von der nassen Farbe verschwindet, was darauf hindeutet, dass sie sich abgesetzt hat, können Sie den Trocknungsvorgang mit einem Trockner abschließen 10. Stiele und Sepals: Da wir immer noch die grüne Farbe auf der Palette haben, lassen Sie uns alle grünen Teile fertigstellen, bevor wir mit dem Bemalen der Blumen fortfahren In diesem Schritt werde ich zeigen, wie man die Stängel und Kelchblätter der Blüten mit einer bestimmten Pinselgröße bemalt Kelchblätter der Blüten mit einer bestimmten Pinselgröße bemalt Beginnend mit den Stielen trage ich zunächst einen extrem hellgrünen Ton auf, wobei ich sehr darauf achte, präzise zu sein und innerhalb der Bleistiftlinien zu bleiben Sobald diese erste Schicht aufgetragen ist, wechsle ich zu einem dunkleren Grünton und füge sie sparsam hinzu, wobei ich mich auf Bereiche in der Nähe der Blätter und an den Fugen konzentriere Konzentrieren wir uns nun auf die untere linke Ecke. Hier möchte ich mit einem wärmeren Grünton beginnen, also füge ich der Mischung einen Hauch von Grüngold hinzu. Ich fühle zunächst die Formen der Kelchblätter und bemale dann den Stiel Um mehr Tiefe zu erzielen, füge ich einen Schatten unter der Blüte und am Stiel hinzu, wobei ich einen dunkleren Grünton verwende setze bei den Stängeln und Kelchblättern verwende verschiedene Grün- und Brauntöne , um die Formen zu füllen In dieser Phase konzentriere ich mich darauf, Flachwaschmittel aufzutragen , ohne Details hinzuzufügen Später werde ich vielleicht einige zusätzliche Details hinzufügen, aber im Moment konzentriere ich mich darauf, die Grundfarben festzulegen M. Nachdem ich einen Stiel gemalt hatte, bemerkte ich, dass er ziemlich einsam aussah, also beschloss ich, zwei weitere Exemplare vorzustellen Mit einem HB-Bleistift zeichnete ich einfache Linien, um die Seiten der Stängel zu kennzeichnen Ich habe nur eine Linie gezeichnet, um eine Seite des Stängels darzustellen , da die Stängel ziemlich dünn sind. Diese Bleistiftlinien dienen als Orientierungshilfe für die Form und mit dem Pinsel kann ich die gewünschte Dicke der Stängel entsprechend der Form der Linien malen. Zum Schluss male ich die letzten Stängel und Kelchblätter auf der rechten Seite In diesem Stadium sieht das Gemälde so aus. Im nächsten Teil werden wir die Basisschicht auf die Blütenblätter der Blüten auftragen . Okay. 11. Blumen - Ausgangsschicht: Jetzt fangen wir an, diese atemberaubenden orangefarbenen Blumen zu malen. Da wir zu verschiedenen Farben wechseln, ist es am besten, die Palette mindestens auf einer Seite zu reinigen Wir behalten das Grün für die spätere Verwendung, also lasse ich es unberührt Ich reinige jedoch die linke Seite meines Mischbereichs, wo ich gelb, orange und rot werden werde Das ist auch ein guter Moment , um das Wasser zu wechseln. Zuerst werde ich das schöne, durchsichtige Orange zubereiten, eine wunderschöne Farbe, die perfekt zu den Sturtiumblüten Zusätzlich werde ich Windsor-Gelb tief mischen, damit die Blütenblätter mehr Wärme bekommen Schließlich benötigen wir ein warmes Rot und ich habe Windsorrot für diesen Zweck gewählt Wir werden dieses Rot in der Mitte der Blumen verwenden. Beginnen wir mit der kleineren Blume in der unteren linken Ecke mit einem Pinsel der Größe 4. Nehmen Sie zuerst Windsor-Gelb in der Tiefe auf und füllen Sie die Blütenblätter mit dieser Farbe Dieses Gelb wird als Grundlage dienen , auf der wir weitere Farbvariationen aufbauen werden Sie nun mit der flachen gelben Farbe Nehmen Sie nun mit der flachen gelben Farbe die durchsichtige Orange auf und tragen Sie sie von der Mitte aus auf die Blütenblätter auf. Die Idee dabei ist, die Mitte der Blüte oder die anderen Teile der Blüte orange zu machen . Tragen Sie die gleichen Farben auf die Blütenblätter , die hinter den Blättern darüber sichtbar sind. Beginnen Sie mit der gelben Basis und fügen Sie dann etwas Orange hinzu, um Tiefe und Dimension zu erzielen. Gehen wir nun zu den größeren Blumen über. Das Hauptprinzip bleibt dasselbe. Tragen Sie zuerst eine gelbe Schicht und fügen Sie dann Orange zu den Blütenblättern Konzentrieren Sie sich dabei hauptsächlich auf die Mitte der Blüte, die schließlich dunkler wird. Machen Sie sich zu diesem Zeitpunkt keine Sorgen um einzelne Blütenblätter. Unser Ziel ist es, die Blüten mit Gelb- und Orangetönen zu füllen. nächsten Teil werden wir uns darauf konzentrieren, einzelne Blütenblätter zu verfeinern einzelne Blütenblätter Tragen Sie die Farbe vorerst auf die gesamte Blume auf einmal auf. Nachdem wir diese Blume gemalt haben, gehen wir woanders weiter. Wir sollten es vermeiden, die Blume direkt daneben zu malen , da die hellere Farbe in das dunklere Orange dieser ersten Blume übergehen und unseren beabsichtigten Effekt stören könnte das dunklere Orange dieser ersten Blume übergehen und unseren beabsichtigten Effekt stören Wir werden später zu dieser Blume zurückkehren, wenn sie trocken ist. Nun zu den nächsten beiden kleineren Blumen, hier gibt es nichts besonders Neues. Ich male sie einfach mit Gelb und füge mehr Orange in der Nähe der Kelchblätter hinzu Für die größeren Blüten habe ich auf einen größeren Pinsel der Größe zehn umgestellt Dadurch wird es einfacher, größere Bereiche schneller abzudecken. A. Nachdem ich das Gelb auf die Blume auf der linken Seite aufgetragen habe, lasse ich das Orange in der Mitte und unten fallen . Es ist wichtig, dass sich das Zentrum befindet, um die Dimensionalität der Blume zu vermitteln Gehen wir nun zur Blume unten rechts über und wiederholen den Vorgang Ich habe beschlossen, hier mit den Tonwerten herumzuspielen, sodass diese Blume im Vergleich zu den anderen Blumen einen helleren Ton auf den Blütenblättern Warum nicht? Das ist ein stilisiertes Gemälde also kann ich alles so verändern, wie wir Trage das Grundgelb auch auf die drei kleinen Fledermäuse auf. Lassen wir nun alles vollständig trocknen. Nach dem Trocknen können wir die beiden verbleibenden Blumen malen. Beginnen wir mit der Blume auf der linken Seite. Hier ist nichts sehr Überraschendes. Nachdem ich das Gelb aufgetragen habe, werde ich das Orange auftragen. Ich werde den gleichen Vorgang für die Blume wiederholen. Hier ist das Ergebnis zu diesem Zeitpunkt. Wir haben eine solide Basis sowohl für die grünen als auch für die orangefarbenen Elemente. Jetzt können wir einige Details hinzufügen. 12. Blumen - Farben vertiefen: In Ordnung, konzentrieren wir uns darauf, die Blumen zu verfeinern. Wir haben zwar eine wunderschöne Basis, derzeit gibt es keinen Unterschied zwischen einzelnen Blütenblättern In diesem Teil werden wir etwas mehr Zeit mit den einzelnen Blütenblättern verbringen , um ihre Farben zu vertiefen und eine Differenzierung zwischen ihnen herzustellen In diesem Stadium können wir entweder nass nass oder nass auf trocken verwenden entweder nass nass oder nass auf Ich beginne mit Nass auf Nass, nur um es Ihnen zu zeigen, und später werde ich zu Nass auf Trocken wechseln und die Vor- und Nachteile von beiden besprechen. Beginnen Sie mit nass auf nass und tragen Sie eine Wasserschicht auf eines der Blütenblätter auf. Nehmen Sie dann eine Orangenmischung und tragen Sie sie in der Nähe der Mitte und entlang der Kanten der benachbarten Blütenblätter auf, um einen Unterschied zwischen ihnen zu erzielen. Zusätzlich können wir Wind- oder Rottöne in der Mitte der Blüte hinzufügen , um einen noch dunkleren Farbton zu erzielen Es ist wichtig zu beachten, dass ich eine analoge Farbe verwende, um einen dunkleren Ton zu erzeugen ich eine analoge Farbe verwende Da wir orangefarbene Blumen malen, verwende ich in diesem Fall eine analoge Farbe mit einem breiteren Tonwertbereich, nämlich Dieser Ansatz ermöglicht es mir, die Lebendigkeit der Farbe beizubehalten und gleichzeitig einen etwas dunkleren Ton zu erzielen Wenn das Windsorrot nicht dunkel genug ist, wie es später der Fall sein wird, verwende ich eine andere Methode , um eine Schattenfarbe zu erzeugen, z. B. das Hinzufügen einer Komplementärfarbe oder die Verwendung von Panes-Grau Das Hinzufügen von Windsorrot zur Mitte des Blütenblattes sorgt für Lebendigkeit und die dunklere Mitte verleiht der Jetzt werde ich von einem Blütenblatt zum anderen wechseln und etwas mehr Zeit darauf verwenden, diese Orange- und Rottöne vorsichtig einzuführen Ich male Blütenblätter, die sich nicht berühren um zu verhindern, dass die feuchte Farbe in benachbarte Blütenblätter fließt Sobald ich die Blütenblätter gemalt habe, die ich malen könnte, werde ich sie alle mit einem Fön trocknen und weiter malen. Der Zweck dieser Phase besteht darin den Blütenblättern mehr Tiefe zu verleihen, deutliche Abstände zwischen ihnen zu schaffen und die Farben zu intensivieren Die zweite Schicht sollte den Reichtum und die Lebendigkeit der Farben verbessern den Reichtum und die Lebendigkeit Anstatt einen dunkleren Ton nur in der Nähe der Mitte aufzutragen, können wir ihn auch in verschiedenen Bereichen der Blütenblätter auftragen Ein dunklerer Ton weist entweder auf einen sichtbaren Schatten zwischen den Blütenblättern oder auf eine Vertiefung auf dem Blütenblatt Je nachdem, wo wir den Ton anwenden, können wir daher die Form des Blütenblattes ändern Da wir keine Referenzfotos verwenden, haben wir die Freiheit, den Eindruck einer Blume auf eine Weise zu erwecken , die wir am ansprechendsten finden Jetzt wechsle ich zu einem kleineren Pinsel, da es vier sind , und male den Turm in der unteren linken Ecke. Ich werde auch zur Nass-auf-Trocken-Technik übergehen. Lassen Sie uns unseren Pinsel mit etwas orangefarbener Farbe beladen und auf das Blütenblatt auftragen Okay, Regen und Blut, den Pinsel und mit einem sauberen Pinsel die Kanten der aufgetragenen Farbe vorsichtig weich machen die Kanten der aufgetragenen Farbe vorsichtig weich Wiederholen Sie diesen Vorgang am zweiten Blütenblatt. Es ist wichtig zu beachten, dass wir mit dieser Technik zunächst harte Kanten erzeugen und dann flexibel entscheiden können, ob wir sie alle weicher machen oder einige beibehalten möchten, um einen zusätzlichen Effekt zu erzielen Im Gegensatz zur bisher verwendeten Nass-in-Nass-Technik , bei harte Kanten nicht erreicht werden konnten, weil sich die Farbe in der nassen Schicht auflöst Hier haben wir mehr Kontrolle über die Kanten. Wir können uns für scharfe Linien entscheiden oder sie weicher machen, um eine Vielzahl von Effekten zu erzielen , z. B. eine zusätzliche Unterscheidung zwischen Blütenblättern oder stärkere Schattenwürfe mit scharfen Kanten Bei diesem Topf können wir beispielsweise mit harten Linien die Falten der Blütenblätter effektiv abgrenzen Mit einer Nass-in-Nass-Technik, bei der die Erzeugung derart definierter Kanten schwieriger oder einfach unmöglich ist, wäre es nicht möglich, diesen Detaillierungsgrad zu erreichen einer Nass-in-Nass-Technik, bei der die Erzeugung derart definierter Kanten schwieriger oder einfach unmöglich ist, wäre es nicht möglich, diesen Detaillierungsgrad Nass-in-Nass-Technik, bei der die Erzeugung derart definierter Kanten schwieriger oder einfach unmöglich ist, derart definierter Kanten schwieriger oder einfach unmöglich ist schwieriger oder einfach Verfeinern Sie die Blütenblätter mit derselben Technik weiter und beziehen Sie sich dabei auf mein fertiges Gemälde, beziehen Sie sich dabei auf mein fertiges Gemälde um ein ähnliches Ergebnis zu erzielen Stellen Sie sich vor, dass die Blütenblätter keine Adern haben. Alles unter den Adern ist das Ergebnis dieser Malphase. Halten Sie sich an die drei Farben tiefes Windsorgelb, transparentes Orange und rote Winde Verwenden Sie dunklere Töne, insbesondere mehr Rot in der Mitte der Blüten, um den Eindruck von Tiefe und Trompetenform der Wenn du die zweite Schicht auf den Blüten fertiggestellt hast, solltest du erwägen, den Kelchblättern Schatten und Details hinzuzufügen , um sie abzurunden Da an den Kelchblättern nicht mehr viel zu tun ist, können Sie den Schritt relativ schnell abschließen Verwende einen dunkleren Grünton, um die Schatten auf die Kelchblätter zu malen, und konzentriere dich dabei darauf, konzentriere dich dabei darauf einzelnen Kelchblätter voneinander zu unterscheiden Stellen Sie sich vor, die Lichtquelle kommt von links Schatten sollten auf die rechte Seite jedes Kelchblattes fallen, sodass die linke Halte es einfach und effektiv, vermeide zu viele Details und suggeriere mit dem dunkleren Grünton nur Schatten Damit ist diese Phase abgeschlossen. Im nächsten Schritt werden die Adern auf den Blütenblättern und Blättern gestrichen. Fahren wir mit dem nächsten fort, wo wir uns mit dem Bemalen der Adern auf den Blütenblättern befassen werden. 13. Venen - Blumen: In den letzten beiden Abschnitten des Tutorials werden wir uns darauf konzentrieren, die Adern der Blüten und Blätter zu malen . Diese Phase ist besonders unterhaltsam, da sie relativ einfach ist und die zusätzlichen Details unserem Gemälde mehr Charakter verleihen werden. Für diesen Schreibtisch verwende ich einen Designerpinsel der Größe Null. Dieser Pinsel ist außergewöhnlich dünn. Diese Idee für präzises Arbeiten. Sie ähnelt zwar einer Riggerbürste, bietet aber mit ihren kürzeren Borsten noch Wenn Sie diesen Pinsel, diesen speziellen Pinsel, jedoch nicht haben , machen Sie sich keine Sorgen, ein normaler Rundpinsel mit einer feinen Spitze erledigt Der Schlüssel ist, ein Werkzeug zu haben , das komplizierte Details ermöglicht Beginnen wir mit einem orangefarbenen Farbton und diesem kleinen Blütenblatt, das sich hinter dem Blatt befindet Dieser Bereich dient als perfektes Testgelände für unsere Anlagen Wie Sie sehen können, sind die mit diesem Pinsel erstellten Linien sehr dünn. Die Richtung dieser Linien ist sehr wichtig. Sie machen die Blütenblätter nicht nur interessanter. Sie zeigen uns auch die Form der Blütenblätter. Je nachdem, wie wir sie malen, können wir die Blütenblätter anders aussehen lassen. Sie können sich kräuseln, biegen und verdrehen. An diesem Punkt müssen wir etwas mehr von unserer Vorstellungskraft einsetzen Ich stelle mir gerne vor, wie das Blütenblatt gekrümmt ist, und male die Linien so, als würde ich auf die Oberfläche des Blütenblattes malen Gerade Linien reichen nicht aus. Sie müssen sich ein wenig krümmen und der Form der Blütenblätter folgen. Diese Linien oder Adern helfen uns dabei, aus einem flach aussehenden Blütenblatt eine coole Drei-D-Form zu machen einem flach aussehenden Blütenblatt eine coole Drei-D-Form zu Wenn ich einen dunkleren Rotton benötige weil der Wind nicht dunkel genug ist, füge ich etwas Dunkelgrün Grün, wenn es mit Rot gemischt wird, ergibt es ein gedämpfteres Rot oder Braun Es ist genau die richtige, perfekte Farbe für uns. Ich werde dieses dunklere Rotbraun verwenden, um die Adern in der Mitte der Blütenblätter zu malen Diese dunklere Farbe bildet auch den Mittelpunkt der Blüte. Wir müssen nicht zu viele Adern malen. Nur ein paar, die hier und da verstreut sind, reichen aus. Aber in diesem Fall denke ich, dass Adern sowohl an den Blütenblättern als auch an den Blättern zu einem schönen Gesamtdesign führen. Nehmen Sie sich jetzt Zeit und malen Sie die Adern auf allen Blütenblättern langsam und vorsichtig. werde den Schritt an einigen Blütenblättern demonstrieren, aber wenn Sie diese Linien exakt nachbilden möchten, können Sie meinem fertigen Bild folgen wenn Sie diese Linien exakt nachbilden möchten, können Sie meinem fertigen Bild diese Linien exakt nachbilden möchten Eine wichtige Sache , die Sie beachten sollten, ist, dass Sie die Adern nicht zu dick streichen Sie müssen sehr dünn sein, um die zarte Natur dieser Blüten zu zeigen. Verwenden Sie einen Pinsel mit einer scharfen Spitze und versuchen Sie, mit nur einer Spitze zu malen, oder verwenden Sie einen ähnlichen Pinsel wie meinen. Dieser Vorgang erfordert vielleicht ein gewisses Maß an Konzentration, aber das Ergebnis wird ein wunderschönes Gemälde sein. In diesem Stadium können Sie bei Bedarf auch einige Schatten hinzufügen. Vielleicht möchten Sie die Blütenmitten leicht abdunkeln Dies ist ein guter Moment dafür. Es ist wirklich erstaunlich, wie einfache Linien diesen Blütenblättern so viel Leben einhauchen können. Antwort: So sieht mein Bild aus nachdem ich die Adern zu den Blütenblättern hinzugefügt habe. Jetzt können wir mit dem letzten Schritt fortfahren, dem Bemalen der Adern auf den Blättern. 14. Venen - Blätter: Okay, jetzt sind wir beim aufregenden Teil angelangt, dem Hinzufügen von Adern zu den Blättern. Unser Bild ist fast fertig. Für diesen Teil verwende ich weiße Acryltinte. Das ist nur eine Option. Normalerweise würde ich Weißguasch verwenden, aber ich weiß, dass viele von Ihnen Schwierigkeiten haben die richtige Konsistenz mit Weißguasch zu finden Deshalb möchte ich Ihnen diese Acryltinte zeigen , weil sie direkt aus der Flasche eine perfekte Konsistenz hat direkt aus der Flasche eine perfekte Konsistenz Acryltinte ist eine Acrylfarbe , die auf eine schöne flüssige Konsistenz verdünnt wird Sie ist lichtecht, undurchsichtig und trocknet sehr schnell. Es verblasst nicht und eignet sich hervorragend für unseren Zweck. Hier habe ich zwei ähnliche Blätter zum Testen gemalt. Wenn Sie mit Acryltinte nicht vertraut sind, empfehle ich dringend, sie zu testen bevor Sie sie in Ihrem eigentlichen Gemälde verwenden. Okay. Lass mich dir zeigen, wie es funktioniert. Sie können auch mit weißen Stiften experimentieren, aber meiner Erfahrung nach hat mir keiner von ihnen das gewünschte Ergebnis gebracht, nach hat mir keiner von ihnen das gewünschte Ergebnis gebracht da sie nicht intensiv und undurchsichtig genug für Sie können jedoch einige Stellen mit einem weißen Stift markieren, wenn Sie Sie können beispielsweise leicht Linien zeichnen , an denen Sie die Adern malen möchten. Kommen wir nun zurück zur Acryltinte. Ich habe hier einen kleinen Teller und werde ihn als Palette verwenden. Acryltinte wird in einer Augentropfflasche geliefert, sodass es sehr einfach ist, eine kleine Menge auf die Palette zu übertragen Wie Sie sehen, ist die Konsistenz bereits flüssig und perfekt für den sofortigen Gebrauch Im Gegensatz zu Guash müssen Sie sich keine Gedanken darüber machen, wie viel Wasser Sie verwenden möchten Denken Sie jedoch daran, dass Acryltinte ziemlich schnell trocknet. Irgendwann müssen wir möglicherweise etwas Wasser hinzufügen , damit es wieder flüssiger wird. Wir können auch etwas Aquarellfarbe hinzufügen , um die Farbe zu ändern Es funktioniert gut mit Wasserfarben, aber im Idealfall wäre es großartig, Acryltinte in verschiedenen Farben zu haben , damit wir sie mischen können, um neue Farben zu kreieren Hier habe ich etwas Grün hinzugefügt, und wie Sie sehen können, können wir die Farbe leicht auf Grün ändern. Wenn wir Aquarellfarbe hinzufügen, sieht die resultierende Farbe natürlich immer pastellfarben aus, da die Tinte weiß ist Wenn Sie kräftige, lebendige Farben erzielen möchten, müssen Sie lediglich andere Farben der Acryltinte verwenden Für unsere Zwecke reicht jedoch weiße Tinte aus. Wie Sie sehen können, deckt diese Farbe sehr gut ab. Es ist sehr undurchsichtig und ist sehr angenehm, mit seiner Konsistenz zu arbeiten Ich tauche meinen Pinsel häufiger in Wasser , wenn die Konsistenz zu dick wird oder die Tinte austrocknet Jetzt werde ich zu meinem Gemälde übergehen. Ich dachte, ich würde hier etwas tiefes Windsor-Gelb und etwas Grün hinzufügen , um eine schöne warme grüne Farbe Und wir können hier anfangen, die Adern zu streichen. Ich sehe mir kein Referenzfoto an. Das ist nicht nötig. Ich muss nur entscheiden, wo sich die Adern treffen. fange an dieser Stelle an Ich fange an dieser Stelle an und male die Linien bis zu den Rändern. Die Linien werden und. Ich denke, dass rein weiße Farbe dafür zu hell ist, um sie zu kühlen. Deshalb habe ich etwas Grün und Gelb hinzugefügt und verwende reines Weiß sehr sparsam Nach einiger Zeit werden Sie vielleicht feststellen, dass sich auf Ihrer Palette einige kleine Klumpen befinden , und das ist nur Bauen Sie nun ganz langsam die Ader auf jedem Blatt auf. Beginne von der Mitte und male die Venen nach außen. Beeil dich nicht Verwenden Sie einen Designerpinsel oder einen Pinsel oder einen Pinsel mit einer sehr scharfen Spitze. Meine Venen sind sehr ausgeprägt, sehr gut sichtbar und ziehen die Aufmerksamkeit auf sich. Genau so wollte ich es malen. Ich wollte diese Adern hervorheben, weil ich finde, dass sie wirklich interessant aussehen. Das ist nur meine Idee für dieses Design. Du musst mir jedoch nicht folgen. Wenn Sie der Meinung sind, dass diese Adern zu stark ausgeprägt sind, sollten Sie je nachdem, was Sie verwenden, die Tinte oder die Tinte verdünnen je nachdem, was Sie verwenden, die Tinte oder Viel mehr, um es viel transparenter zu machen und die Adern zu malen , die viel weniger sichtbar sind Sie können sie dünner streichen, wenn Sie möchten. Fühlen Sie sich frei, zu tun, was Sie wollen. Es ist dein Bild und ich zeige dir nur eine Idee. Ich finde, diese Adern sehen besonders schön und ich liebe den starken Kontrast zwischen ihnen und der dunkelgrünen Farbe der Blätter. Da diese Tinte sehr schnell trocknet, können wir auch zu einigen Bereichen zurückkehren und die Farbe bei Bedarf erneut auftragen Eine Sache, die ich gerne mache, ist , die Winkel in der Mitte abzurunden Wenn wir ein paar Hauptadern malen die aus der Mitte herauskommen, bilden diese Linien in der Mitte scharfe Winkel. Ich mag es, diese Winkel abzurunden. Das ist nur ein winziges Detail. Arbeiten Sie jetzt weiter an jedem Blatt. Y. Sie können entscheiden , ob Sie den helleren Blättern im Hintergrund weitere Adern hinzufügen möchten helleren Blättern im Hintergrund weitere Adern Ich habe beschlossen, dort sehr helle, dünne Adern hinzuzufügen, aber ich habe einige Silhouetten ohne Adern gelassen Die Blätter auf der Rückseite müssen nicht so viele Details haben wie die Blätter auf der Vorderseite Mit diesen Adern können wir das Bild fertigstellen. Jetzt kannst du es unterschreiben, vom Gatorboard nehmen und es stolz an deine Wand hängen oder online teilen Herzlichen Glückwunsch zum Abschluss dieses Projekts. Im nächsten Teil werden wir zusammenfassen, was wir gelernt haben. 15. Zusammenfassung: Lassen Sie uns zusammenfassen, was wir in diesem Tutorial behandelt haben. Die wichtigsten Lektionen, die wir gelernt haben, lassen uns von Stanisva Vespinskis und an Tanigams Werken inspirieren von Stanisva Vespinskis und an Tanigams Werken inspirieren . Balance zwischen lockerer Malerei präzisen Details folgt einem mehrschichtigen Ansatz vom Hintergrund zum Vordergrund und beinhaltet absichtliche Blüten und Die Balance zwischen lockerer Malerei und präzisen Details folgt einem mehrschichtigen Ansatz vom Hintergrund zum Vordergrund und beinhaltet absichtliche Blüten und Überlappungen. Zubereitung von Farbmischungen für Blätter und Blüten. Füllen Sie Formen mit wässriger Farbe und integrieren Sie absichtliche Textur und Variation zu und Variation verwenden Sie die Techniken nass und trocken und nass auf Zur Kontrolle und Variation verwenden Sie die Techniken nass und trocken und nass auf nass, wechseln die Pinselgrößen für detaillierte und größere Bereiche und verwenden Sie einen Haartrockner zum Trocknen zwischen den Schichten. Tragen Sie Basisschichten auf Blumen auf, wobei der Schwerpunkt auf der Verdunkelung der Mitte liegt, trennen Sie Blütenblätter mit dunkleren Tönen und vertiefen Sie die Farben mit der zweiten Schicht und verwenden Sie dünne Pinsel für Basisschichten Blumen auf, wobei der Schwerpunkt auf der Verdunkelung der Mitte liegt, trennen Sie Blütenblätter mit dunkleren Tönen und vertiefen Sie die Farben mit der zweiten Schicht und vertiefen Sie die Farben mit der zweiten Schicht und wechseln die Pinselgrößen für detaillierte und größere Bereiche und verwenden Sie einen Haartrockner zum Trocknen zwischen den Schichten. Tragen Sie Basisschichten auf Blumen auf, wobei der Schwerpunkt auf der Verdunkelung der Mitte liegt, trennen Sie Blütenblätter mit dunkleren Tönen und vertiefen Sie die Farben mit der zweiten Schicht und verwenden Sie dünne Pinsel für präzise Adermalerei Experimentieren mit weißer Acryltinte oder Guash Vielen Dank, dass Sie mich auf dieser kreativen Ich schätze die Zeit, die du mit mir verbracht hast. Ich ermutige Sie, dieses Bild auszuprobieren Es hat Spaß gemacht, es zu malen, und ich bin mit dem Ergebnis zufrieden. Wenn Sie Ihr Bild bereits fertiggestellt haben , herzlichen Glückwunsch, gut gemacht. Ich hoffe, du bist stolz auf dein Ergebnis. Vielen Dank fürs Zuschauen und viel Spaß beim Malen von