So komponierst du fantastische Akkordfolgen

1. Dein Abenteuer mit Chord: Hallo Musik-Schöpfer, möchten Sie ein Meister eines Akkord-Fortschritte und die Gestaltung der Geschichte, natürlich, und Harmonien in Ihrer Musik zu werden. Wollen Sie Ihre Akkordprogressionen schreiben, formen und ausdrücken, damit sie sich inspirierend für Ihre Zuhörer fühlen. Sind Sie müde von einfachen und langweiligen eine Bar Block Akkorde und mit den gleichen alle drei oder vier Akkorde und Variationen in Ihrem gesamten Track. Dann lade ich Sie ein, auf eine Reise und Abenteuer zu gehen die wahre Kraft eines Akkord Fortschritte und Harmonie in der Musik zu meistern, werden Sie die Grundlagen der Akkordprogressionen und Harmonie, professionelle Richtlinien und Techniken lernen , Einblicke und Geheimnisse aus Live-Beispielen. Und am Ende werden Sie in der Lage sein, Musik in allen Arten von Klang, Farben und Emulsionen zu machen, indem Sie die Macht der Gerichte und Harmonie auf unbegrenzte Weise nutzen, um diese Geschichte Ihrer Musik auszudrücken. Tun Sie jetzt Maßnahmen und werden Sie ein Meister der Akkordprogressionen. Es Musik. 2. Was ist eine Chord: Was ist eigentlich eine Akkordprogression? Lassen Sie uns einen Moment darüber nachdenken. Denn obwohl es eine einfache Antwort auf diese Frage gibt, ist die Wahrheit etwas komplexer. Die kurze Antwort ist also, dass ein Kernprogression eine Kette von Akkorden ist , die ein Muster von Codeänderungen erstellen. Angenommen, Sie verwenden die folgenden Akkorde in einem Track: C-Dur, F-Dur, G-Dur und ein Moll. Dann ist deine Akkordprogression einfach das Muster dieser Akkorde, die du in deinem Track verwendest. Und oft wird diese Sequenz von Akkorden für die verschiedenen Abschnitte Ihres Songs unterschiedlich sein . Lassen Sie mich Ihnen ein praktisches Beispiel für eine Akkordprogression für einen Introvers und Chor geben, aber nur mit diesen vier Akkorden, die ich gerade erwähnt habe. Als allgemeine Richtlinie möchten Sie Ihre Intros weich und einfach halten, weil Sie diese Aufregung und Variation für spätere Teile in Ihrer Komposition speichern möchten . Und das ist auch Grund, warum Sie sie kurz halten wollen, weil sie sonst für die meisten Zuhörer langweilig sind. Also lasst uns, lasst uns einfach ein einfaches Muster von F nach C verwenden, und dann von F nach C, wieder so etwas. Das ist also das Intro. Lasst uns jetzt mit dem Vers fortfahren. Und nun stellen wir die beiden anderen Akkorde vor, ein Moll und g, aber lassen Sie uns die Energie noch fair oder mittel halten. Energieniveau. Nicht zu spannende Compening-Muster und rhythmische Muster, hat aber immer noch etwas mehr Energie. Also lasst uns von C Now gehen. Ein Moll, zweimal F, C, eine Art und Weise. Also, das ist der letzte Akkord, sagt dem Hörer, dass es eine Änderung kommt , weil das war das erste Mal, dass aufgerufen wurde verwendet. Und jetzt gehen wir zum Refrain. Wir haben alle diese vier Akkorde bereits. Machen wir es in einigen Fällen etwas länger, schnellere Kernänderungen, so dass nicht alle Kosten die gleiche Länge vor der Änderung haben. Lasst uns etwas mit dem MIT machen, etwas mehr Aufregung. So etwas wie das. Dies sind die absoluten Grundlagen der Akkordprogressionen, was bedeutet, dass Ihre Akkordprogression nur die Sequenz der Akkorde beschreibt. Jede Akkordänderung, die das Muster der Codes definiert. Es beschreibt nicht, wie lange jeder Akkord gespielt wird, bevor er zum nächsten Akkord wechselt. Es beschreibt nicht den Spielstil jedes Akkord, die Instrumentierung und die Stimmanordnung, die Akkord-Inversionen und die Stimmen und so weiter. Es gibt so viel mehr zu Akkordprogressionen als die Akkorde, die Sie verwenden. Als Musik-Schöpfer haben Sie unbegrenzte kreative Kraft, um die Harmonien Tory in Ihrer Musikproduktion zu gestalten , indem Sie Dinge wie Akkord-Inversionen, Sprachführung, Spielstile, ausdrucksstarke Artikulationen, Instrumentierung, Arrangieren, Layering und vieles mehr. Selbst wenn du dich dafür entscheidest, nur drei Akkorde in deinem gesamten Track zu verwenden, hast du immer noch unendliche kreative Freiheit und Wahlmöglichkeiten, um deine Akkordprogressionen einzigartig zu machen. Ordnung, also werde ich Ihnen jetzt diese zwei kurzen Beispiele zeigen , die ich erstellt habe, um Ihre unbegrenzte kreative Kraft als Musikkomponist zu demonstrieren , wie Sie Ihre Musikgeschichten ausdrücken, also Ihre Akkordprogressionen und harmonische Fortschritte in deiner Musik. Und so spielen Sie Ihre Musik ab, nicht die Akkordprogressionen, die Sie verwenden, weil diese beiden Beispiele genau den gleichen Akkordverlauf aufweisen. F-Moll, C und D-Dur sind die einzigen drei Kurse, drei einfache Akkorde, die exakt gleiche Reihenfolge hier, das Muster und die Länge, bevor es zum nächsten Akkord wechselt. Der Unterschied ist, wie ich diese Fortschritte im Spielstil spiele. Die Stimme führt, die Instrumentierung, Artikulationen, Übergänge und so weiter. Lassen Sie mich also den ersten und dann den Vergleich zeigen wie drastisch anders der emotionale Klang und Charakter im nächsten ist. Spielt in 321. Richtig? Das hatte also eher einen traurigen, emotionalen, aber dennoch Pop-Stil. Meiner Meinung nach. Mit nur einigen akustischen Drums und E-Bass und einem Klavierspiel und rhythmischem Compening-Muster. Lassen Sie uns es mit dem nächsten vergleichen, der im Tempel niedriger ist, können Sie tatsächlich unterschiedliche Tempo und Zeitsignatur haben, um auch die Stimmung zu ändern. Ich benutze immer noch das gleiche Schlagzeug, aber geringere Dynamik der Rolle und dann mehr leichtere Instrumente wie Hure, Pizzicato-Streicher, kürzere Vorschriften über Holzbläser. Und anstelle des E-Basses verwende ich einen niedrigen Saiten, lange aufsteigende Knoten hier. Es klingt also so. Wie Sie hören können, unterscheiden sich drastisch im Vergleich zum ersten Beispiel, obwohl beide den exakt gleichen Akkordverlauf aufweisen. Das ist also die kreative Kraft, die Sie als Komponist in der Art und Weise haben, wie Sie Ihre Musik ausdrücken. Und ich werde auch zeigen, dass Sie das verwenden können. Auch wenn Sie alle nur ein Instrument verwenden. Denn man könnte sagen, nun, man benutzt hier verschiedene Instrumente und Artikulationen. Aber lasst uns ein einfaches Klavier machen. Sie können die gleiche Akkordprogression auf so viele verschiedene Arten spielen. Also lassen Sie uns mit etwas beginnen, wenn weich wie diese, Lasst uns F-Moll gehen. Also ein Übergang da draußen, und so weiter, im Vergleich zu spielen mehr rhythmisch, vielleicht ein bisschen so, oder vielleicht etwas mehr mit Wellen und fließen wie in Arpeggio. Wie Sie hören können, was auch immer Sie in Ihrer Musik tun möchten, können Sie es mit der Art, wie Sie jede Performance spielen, auch wenn Sie genau die gleichen Akkorde und die exakt gleiche Akkordprogression verwenden. Stellen wir uns diese Frage noch einmal. Was ist eine Akkordprogression? Die komplexere Antwort darauf ist, dass deine komplette Story-Linie in deiner Musikkomposition durch das Zusammenspiel und die Beziehungen all deiner Harmonien entsteht und wie alles zusammen fließt und klingt. Deshalb nenne ich einen Akkordfortschritt die Handlung der Musik. Und das werden Sie lernen, in diesem Kurs zu meistern. Also lasst uns weiter lernen. 3. Die Kraft der Harmonie in der Musik: Die Kraft der Harmonie in der Musik. Warum oder codiert Harmonie und Akkordprogressionen so unglaublich mächtig in der Musik? Nun, betrachten Sie eine einfache Schlaflied-Melodie. Es mag schön klingen, aber es wird auch einfach, schwach und kindlich klingen. Ich werde dies nun demonstrieren, indem dieses kurze Beispiel, das ich erstellt habe, nur mit einem Drum Track , einer Baseline, und dann einer führenden Melodie auf Harfe mit Glaucon Spiel gelegt. So können Sie hören, wie viel es hinkt, dass Tiefe, Reichtum und Komplexität und Emotion, die Harmonie und Gerichte zur Musik hinzufügen. Also lasst uns es uns anhören. Erster. Akkorde und Harmonien machen die Musik tiefer, voller, komplexer und interessanter. Grundsätzlich ist Hormon, wird Ihre Musik füllen und machen es klingen leistungsfähiger und vollständiger. In Ordnung, also lassen Sie uns dasselbe Beispiel verwenden, aber beginnen, einige Harmonien und Akkorde hinzuzufügen, um eine Akkordprogression zu machen, die diesem Musikstück Tiefe, Reichtum, Komplexität und Emotion hinzufügt . Das erste, was ich hinzugefügt habe, war dieses Klavier hier. Okay, ein bisschen wie eine rhythmische Commissioning-Linie dort. Dann habe ich diese Strings mit diesen längeren Noten hinzugefügt. In einem vollen Kurs. Die glatten Übergänge. Dann würde ich eine Messinglinie hier zwei der Knoten pro Akkord verwenden, im Grunde eine zweiteilige Harmonie wie diese spielen. Und ich habe das gleiche auf diesen Lagen hier gemacht, aber benutze zwei verschiedene Noten des Akkords . Und das ist für jeden Benutzer völlig kostenlos. Du kannst es benutzen. Nehmen wir an, Sie haben einen Standard-Triadenakkord. Verwenden Sie einfach zwei der Knoten von diesem Gericht, angewendet ein Hormon, eine Linie. Und dann können Sie es aufpeppen, indem Sie verschiedene zwei Noten wählen. Also füllen sie zusammen den kompletten Akkord aus. Nun, alle in Kontexten, wenn wir die Stummschaltung aufheben und sie sind, wird Ihre Musik auf die nächste Stufe gebracht. Im Vergleich zu ohne Gericht und Harmonie. Riesiger, großer Unterschied. Ich persönlich nenne Harmonie die Tiefe der Musik. Ohne Harmonie wird Ihre Musik flache Sache und Weizen sein. Ich werde euch jetzt eine Zusammenfassung geben, was Harmonie zu eurer Musik beiträgt. Meiner Meinung nach schafft Harmonie Emotion zu Ihrer Musikgeschichte. Harmony verleiht Ihrer Musikkomposition Tiefe. Harmony unterstützt Ihre Melodien. Was ist mit Akkorden? Sie können fragen, naja, Akkorde und Harmonien sind fast das Gleiche. Der einzige Unterschied besteht darin, dass Stapel von Harmonien aus drei oder mehr Noten oder Akkorde genannt werden. Also müssen Sie dieses Konzept wirklich lernen. Nun, Schnüre sind Stapel von Harmonien, und Harmonien sind im Grunde zwei Intervalle, die zusammen gespielt werden. Also, wenn Sie eine einfache Notiz wie diese nehmen, siehe und fügt ein Intervall von einem Major Drittel über a. Also vier Halbschritte, 1234, dieses E hier. Jetzt spielen sie zusammen eine große dritte Harmonie. Dann, wenn Sie dieses E nehmen und ein Intervall von einem kleinen Drittel hinzufügen, 1, 2, 3 oben. Dies ist eine kleine dritte Harmonie. Zusammen bilden sie einen Stapel von zwei harmlosen Dur Third, Moll Third oben, was einen C-Dur Akkord erzeugt. Sie können ein weiteres Intervall oben hinzufügen, Nehmen wir an, eine kleine siebte. Das hier, von hier. Das ist eine kleine Sieben. Gut zusammen spielen Sie einen C7 oder C dominanten Sieben Akkord. Das ist, was Akkorde oder in der Musik. Und deshalb musst du jede Linie als eine deiner harmonischen Stimmen behandeln , die jeden Akkord ausmacht. Es spielt also keine Rolle, ob wir von Harmonien, Akkorden oder Akkordprogressionen sprechen . Es ist immer noch das Gleiche. Praktische Umsetzung der Harmonie in Ihrer Geschichte der Musik. Jetzt werde ich Ihnen praktische Live-Beispiele für die drei grundlegenden Kräfte der Harmonie in der Musikkomposition geben. Beispiel eins, Harmonie schafft Emotionen, um Ihre Musikgeschichte. Nehmen wir an, Sie haben eine einfache Melodie wie diese. Natürlich wird jede Melodie oder ein Thema wie dieses ihre eigene Emotion haben , je nachdem, welche Intervalle Sie verwenden, wie Sie sie spielen, das Geschriebene , den einfachen Stil, die Artikulation , das Instrument usw. Aber Harmonie und Akkorde, wir werden so viel mehr Tiefe zu Ihrer emotionalen Geschichte Ihrer Musik hinzufügen. Also, wenn Sie dies nehmen und mit f-Moll beginnen, zum Beispiel. Weil wir zwischen diesen Knoten gehen, die die F-Moll-Kernkoordinaten sind. Dann gehen wir hierher. So können wir zum Beispiel zu einem flachen Dur oder vielleicht zu D-Dur gehen, indem wir diesen Knoten hier oben bewegen. Also ist es im Grunde das in einer solchen Umkehrung. Also, wenn es darum geht, gehen wir nach B-Moll, Es-Dur. Oder er möchte zum Beispiel einige Knoten hinzufügen. Gehe zu, lasst uns eine B-Moll machen, aber fügte diese Notiz so hinzu. Was als das noch jazzy elegante Stimmung, denn wir verwenden eine B flache dominante siebte Jahr. Oder ein B-Moll sieben ist noch besser. So wie Sie sehen können, können Sie eine Menge Emotionen hinzufügen, abhängig von Ihren ganzen Akkorden und Harmonien Darlehen und wie Sie sie spielen, natürlich. So können Sie in unserem Schlafzimmer spielen oder wie Sie wollen. Aber es fügt hinzu, dass emotionale Handlung in Ihrer Musik, je nachdem, welche Akkorde und Harmonien Sie verwenden. Beispiel zu. Harmonie, verleiht Ihrer Musikkomposition Tiefe. Also zuerst, Ihr Kurs und Ihre Ganzheit füllen die Musik. Also, aber noch wichtiger ist, dass Sie alles im Basisregister berücksichtigen sollten. Die Grundlinie besteht also darin, tatsächlich eine Harmonielinie im Vergleich zur Melodie zu spielen. Also nur mit einer Melodie und einer Basis spielt tatsächlich eine Art Harmonie, aber nicht voller Akkord. So zum Beispiel, so. Ich spiele nur die Basslinie hier in Oktaven auf dem Klavier, aber Sie verstehen den Punkt. Es fügt wirklich Tiefe zu Ihrer Musikkomposition. Beispiel 3, Harmonie bietet Unterstützung für Ihre Melodien. Sagen wir mal, wir fangen mit dieser Melodie an und ich hätte den Rhythmus und die Groove verändert, aber es klingt so. Also natürlich hat jede Melodie ihr eigenes Muster im Rhythmus jeder Note, das Sie tatsächlich betonen und unterstützen können , denn jedes Mal, wenn sie den Kern geändert hat, tun Sie etwas rhythmisch mit Ihrem Akkord. Sie schaffen im Grunde einen Akzent. So können Sie diese ONE verwenden, zum Beispiel, nicht nur Ursache, sondern auch tun Sie Ihre Baseline. Also, wenn wir dieses Beispiel beginnen, indem wir einfach die langen Akkorde und lange Basis-Nase so spielen . Doch diese Emotion, Reichtum und Tiefe aus der Harmonie. Aber du bekommst die Unterstützung deiner führenden Melodie nicht. Also, was ich hier getan habe, ist, wenn wir uns die Basislinie ansehen, nur lange Noten, dieser Wurzelknoten für jeden Akkord würde das andere Beispiel überprüfen, das ich dafür gemacht habe. So wie das. Ich überprüfe diese Zeile gleichzeitig mit der Basisschicht. Sie können sehen, dass ich die Basisnote grundsätzlich auf jeder, in seinem Fall, auf jeder Änderung, fast jede Änderung für die Melodie ändere. Also lasst uns einfach den Bass mit der Melodie-Linie spielen. So können Sie sehen, in diesem Fall bin ich eigentlich alles rein und benutze den Rhythmus, genau den gleichen Rhythmus auf der Basis wie die Melodie-Linie. Nur um meinen Standpunkt hier zu beweisen. Und während der Klavierpart hier, spielt der erste Teil nur den langen Akkord. Also lassen Sie uns die andere Version überprüfen, die ich daraus gemacht habe. Also, wenn wir in die Pianorolle gehen und beide Teile prüfen, jetzt die Melodie-Linie hier oben und ich sehe tatsächlich essen pro Farbe pro Region jetzt, so dass Sie sehen können, also ist dies das Klavier, das die Akkordprogression spielt, die Wärme. Und das sind immer noch führende Melodie. Wie Sie sehen können, änderte ich die Schnur oder den Rhythmus hier. Ich mache es hier, ich mache es hier, die eigentlich die Melodie unterstützen. Vergleichen Sie das also vorher und mit diesem Rhythmus. Also nicht alle melodischen Noten, aber so ziemlich fast alle von ihnen. Ich ändere tatsächlich den Rhythmus oder ändere den Akkord hier, um diese Melodie-Linie zu betonen. Und das sollten Sie für all Ihre melodischen Teile, die Harmonien oder Höfe spielen, und Ihre Musik, zum Beispiel, Ihre Baseline wieder denken. Bevor wir dies haben, hat eine Version Kalt- oder Bassnote jeden Takt hier geändert. Aber wenn ich es ändere, um tatsächlich respektieren oder sogar unterstützen die Melodie, Rhythmus. Okay, also ein bisschen tief auf dem Klavier, aber du verstehst den Punkt hier. Jetzt Maßnahmen ergreifen, öffnen Sie Ihre DAW und schreiben Sie einen kurzen Abschnitt mit acht Takten, beginnend mit einem Schlagzeug und Percussion wuchs eine Grundlinie plus eine Melodie. Hören Sie, wie dünn, einfach und flach es ohne Codes, ohne Harmonie klingt. Als nächstes verwenden Sie ein Klavier oder vielleicht eine unlösliche Saite Voreinstellung. Um diese drei grundlegenden Aspekte der Harmonie zu praktizieren, fügen Sie Stimmung, Tiefe und Unterstützung mit Harmonie hinzu. 4. Skalierung, Schlüssel und Diatonic: Skala, Tonart und die diatonischen Akkorde. Bevor Sie mit dem Hinzufügen von Codes und Harmonie in Ihre Musik beginnen, müssen Sie wissen, welche Sprache Sie Titel verwenden. Und diese Sprache basiert auf der Skala und dem Schlüssel, den Sie für Ihren Song wählen. Nehmen wir zum Beispiel an, Sie möchten einen Track schreiben, der emotional und traurig klingt, dann möchten Sie vielleicht wählen, ihn mit der natürlichen Minor Skala zu schreiben. Aber du musst auch wählen, auf welchem Schlüssel dein Track basiert. Zur Vereinfachung verwenden wir das Beispiel der A-Minor-Skala, da diese Taste nur die weißen Tasten auf Ihrer Tastatur verwendet. Also, wenn Sie mit einem Knoten a beginnen und dann auf alle weißen Tasten wie diese gehen, B, C, D, E, F, G, und a. Sie haben jetzt in der A-Moll-Skala nach oben gespielt. Du kannst es spielen, wenn du runtergehst. Also diese Noten, und als das tonale Zentrum, die Heimat Ihrer harmonischen Geschichte, werden die Hauptsprache für Ihre Komposition sein, wenn Sie es in einem Moll schreiben. Nun, da Sie die Hauptmusiksprache Ihres Tracks, Skala, natürliche Minor Skala und Schlüssel a haben. Das führt uns zu den Codes basierend auf der Sprache Ihrer Musik. Und diese Akkorde werden diatonische Akkorde genannt. Die goldene Regel ist, nur Schnüre zu verwenden waren alle Noten von jedem Viertel US, oder innerhalb der Skala und Schlüssel Ihrer Musikkomposition, die Sprache Ihrer Musik. Diese Akkorde werden als diatonische Akkorde bezeichnet, weil das Akkorde innerhalb der Tonart bedeutet. Sie können natürlich über diatonische Akkorde hinausgehen. Aber das ist immer in fortgeschrittenere Hormon ist. Also lassen Sie uns vorerst bei der Hauptregel bleiben. In diesem Fall basiert die Sprache Ihrer Musikkomposition auf den Knoten a, B, C, D, E, F und D. Denn dies sind die sieben Noten einer natürlichen Moll-Skala. Alle Akkorde in deinem Track basieren also auf diesen sieben Scale-Lasten, wenn du nur diatonische Akkorde verwendest. Lassen Sie mich das für Sie klarer machen. Sie haben sich entschieden, Ihren Track in einem Moll zu schreiben, was bedeutet, ein wird das Tonic sein, die Heimat Ihrer Musik. Und dann werden Sie nur den Wide Case verwenden, da diese der Fall innerhalb der a Minor Skala sind. Wenn Sie nun Codes für Ihre Komposition in Ihren Akkordprogressionen auswählen, die goldene Regel darin, alle Viertelnoten innerhalb der Tonart und Skalierung zu verwenden, also alle weißen Noten. Nehmen wir zum Beispiel D-Dur, das diesen schwarzen Schlüssel hier verwendet. Das ist in diesem Fall kein diatonischer Akkord, auch E-Dur. E-Moll ist, weil es hier nur weiße Tasten verwendet. So wichtige Notizen aus dem Schlüssel und Maßstab Ihrer Musik. Als Nächstes. welchen diatonischen Akkorden können Sie wählen? Nun, lassen Sie uns beginnen, indem wir uns an den grundlegendsten Kurs über Musik halten, die Unruhen genannt werden. Dies sind drei Noten Akkorde basierend auf Stapelintervallen von Dritteln, entweder ein kleines Drittel oder ein großes Drittel. Und da man diese Harmonien in vier Variationen stapeln kann, landet man mit vier verschiedenen Akkorden in der Musik. Also lasst uns diese vier Arten von grundlegenden Triaden in der Musik lernen. Verwenden wir also die Note C als Wurzelknoten für all diese Beispiele, die vier Triaden in der Musik. Die erste ist also eine große Triade. Es ist der Root-Schlüssel, gefolgt von einem großen Drittel. So 1234 Halbschritte, Sie haben eine große dritte, große dritte Harmonie, und dann oben darauf gestapelt ist ein kleines Drittel. Von diesem, 1, 2, 3, ist dies ein kleines Drittel, das Ihnen eine große Triade gibt, die ich den Wohlfühl-Sound oder glücklicher Klang nenne, wenn Sie so wollen. Der nächste ist eine kleine Triade. Also gehen wir zurück, beginnen mit dem Root-Key, dann gehen wir oben ein kleines Drittel hoch. Ursache erinnern Sie sich an alle Triaden oder basierend auf Stapeln von zwei Dritteln, zwei Harmonien von Dritteln übereinander. Und es gibt nur zwei Versionen, eine kleine dritte oder eine große, große dritte. Also hier haben wir den Root-Schlüssel, wuchs in Moll Drittel auf. So 123 Halbschritte ist eine kleine dritte, kleine dritte Harmonie. Und darüber hinaus stapeln Sie ein großes Drittel oben, 1234, und Sie bekommen hier ein großes Hormon, ein großes, großes Drittel. Und zusammen schafft das eine kleine Triade, die ich als emotionale Zone oder trauriges Geräusch bezeichne, wenn du es vorziehst. Die nächste ist also eine verminderte Triade, die hier C wieder vom Wurzelknoten beginnt und dann ein kleines Drittel, 123, hoch geht. Und dann gehst du noch eine Erinnerung dritter. Also hier, 123 und Sie haben, hier ist ein kleines Drittel, Hier ist ein kleines Drittel. Also, so dass zwei Stapel oder kleinere Drittel schafft, verringern eine verminderte Triade. Und das nenne ich einen gruselig klingenden Akkord. Und dann erhalten Sie die letzte vierte Variation, die eine erweiterte Triade genannt wird, so root und dann ein großes Drittel, 1234, ME, große dritte Harmonie. Und dann von diesem, wieder, ein weiteres großes Drittel, 1234. Major große Harmonie. So große Harmonie mit einem großen dritten Hominin-Top schafft eine erweiterte Triade. Und das schafft, was ich den geheimnisvoll klingenden Akkord nenne. Das sind die vier Triaden in der Verwendung, denn es gibt nur vier Möglichkeiten, um zwei Drittel des Forums zu stapeln. Drittens ist das dritte Hormon übereinander. Major, Minor, Moll, Major, Minor, Moll oder Major plus Dur. Schauen wir uns nun an, aus welchen diatonischen Triaden Sie auch in der natürlichen Nebenskala und in der großen Skala wählen können . Weil diese beiden Skalen, oder durch vier, die beiden häufigsten Skalen in der Musik verwendet. Schauen wir uns also die natürliche Moll-Skala an, alle sieben diatonischen Akkorde. Eine Skala in der Musik ist also einfach ein Muster von Knoten, das auf bestimmten Intervallen zwischen jedem Skalengrad basiert. Also lassen Sie uns eine kleinere verwenden, in diesem Fall a, B, C, D, E, F, G und a. Nun, lassen Sie uns das Skalenmuster jedes Schrittes der Skala überprüfen. Die erste, beachten Sie, wenn ein dann B für einen natürlichen Minderjährigen, was bedeutet, dass Sie einen Schritt hier überspringen. Also nicht gesetzt haben, sondern einen ganzen Schritt von eins zu zwei. Und dann von zwei bis drei gibt es eine halbe Stufe Luft. Dann von drei bis vier, Es gibt einen ganzen Schritt, weil Sie einen hier übersprungen haben. Dann noch ein ganzer Schritt. Dann sehen Sie hier einen halben Schritt und dann einen ganzen Schritt. Ganze Stufe, die das Muster für die Skala bildet. Das Gleiche gilt für die diatonischen Akkorde. Sie werden automatisch aus der Verwendung, im Falle von Gerichtsgerichten, Stapeln von Dritteln erstellt. Also, wenn Sie einen Moll nehmen, ist die Wurzelnote zum Tonikum a. Die zweite Note der Skala ist b, aber da Sie es drittens stapeln werden, müssen Sie zum dritten Schritt gehen , der ein C in diesem Fall. In diesem Fall ist es eine kleine dritte Harmonie. Also 1, 3, und dann überspringen Sie die vierte und gehen Sie zu fünf weil wir gehen, um ein Drittel auf die erste Triade Akkord stapeln. Sie erhalten in der Minor Skala ist ein Minor. Der nächste, beginnend auf der zweiten Skala Grad entfliehen dem dritten, gehen Sie zum vierten, um den Glauben zu halten , gehen Sie zum 6., und doch automatisch verringert werden. Also ein Moll und vermindert, C-Dur. Und so warm. Und eine tolle Sache an diatonischen Akkorden ist wie Skalen. Es spielt keine Rolle, mit welchem Schlüssel du anfängst. Also überprüfe das noch einmal, du bekommst einen kleinen Wurzelakkord. Zum einen ist der eine Akkord ein Moll, in diesem Fall ein Moll, dann ein B vermindert, dann ein C-Dur, D-Moll und e-Moll, und so weiter, so weiter. Nehmen wir an, Sie beginnen stattdessen mit D, d-Moll, gleiche Skala, D natürliche Moll, aber eine andere Taste. Nun, wie bei einem Moll, bekommt man einen Moll Akkord als ersten Akkord. Und wenn Sie sich hier erinnern, hat sich das zweite Quartal verringert, so dass B während der Kasse abgenommen hat. Wieder d-Moll. Sie haben also die Skalare oder D, E, F, G, a, B flach. Lassen Sie uns das nochmal überprüfen. Der erste Akkord ist d-Moll, dann beginnt der zweite Akkord auf der zweiten Skala Grad überspringen eine Skala Note. Skala Grad gehen zu G, überspringen Sie eins, gehen Sie zu B, aber das ist eine flache Note. So flachen Sie es flach zu sein, und Sie erhalten E automatisch verringert, als die zweiten Akkorde, die d-Moll, E verminderte dritte ist F-Dur. Vierter ist hier. A G und eine Wohnung zum B. So bekommt man G-Moll, einen Moll und so weiter. Sehen wir uns nun den diatonischen Triadenkurs für die große Skala an. Also noch einmal, um dies zu erleichtern, werde ich dies mit der C-Dur-Skala demonstrieren, weil das nur Großbuchstaben C, D, E, F, G, a, B und C verwendet D, E, F, G, a, B . Also fangen wir mit dem ersten Skala Grad an, stapeln Sie ein Drittel. Also überspringen Sie die zweite Skala Grad nicht in einem Drittel. Überspringen Sie den vierten Skala Grad. Geh zum Glauben und du bekommst den ersten Akkord, den Tonikakkord von C-Dur. C-Dur. Dann gehst du zum nächsten, beginnst auf der zweiten, dritten und vierten Straße, Sex, und du bekommst D-Moll. Also für jede größere Skala in der Musik, erhalten Sie dieses Muster von diatonischen Triaden, Dur, Moll, Moll, Dur, Moll, Dur, Moll, und dann wird das siebte verringert. Also da hast du es. Dies sind die sieben diatonischen Triaden Kurs, mit denen Sie Ihre Kernprogressionen erstellen können , wenn Sie Ihre Musik in einem Moll schreiben. Und da der verminderte Akkord sehr seltsam klingt und hohe Spannung aufweist, werden Sie ihn selten für die meisten Musikstile verwenden. Deshalb habe ich es in Klammern markiert, was Ihnen nur sechs Wahlmöglichkeiten, drei Moll Akkorde und drei Major Akkorde lässt . Lassen Sie mich abschließen, indem Sie Ihnen schnell drei einfache Beispiele für Kernprogressionen für Rückzug zeigen , die in einem Moll geschrieben wurden. Also zuerst müssen Sie lernen, dass sehr oft eine Akkordprogression in Musik Stärke auf dem Wurzelakkord, das Haus oder Tonic, ein Minor in diesem Fall, da wir einen Moll als Schlüssel und eine Skala und Ende auf dem gleichen. Wie würden wir nicht immer, Sie können auf einem anderen Akkord beginnen, sagen wir. Aber im Grunde jedes Mal, wenn Sie die Akkordprogression so beenden wollen , dass es sich aufgelöst fühlt. Du willst mit dem Tonikum enden. Home-Court in diesem Fall eine Mine. Okay, also lass mich schnell diese drei verschiedenen Beispiele spielen. Die ersten beiden beginne ich mit dem Wurzelakkord und endend mit dem Straßencode. Während das dritte Beispiel, Ich beginne am fünften und endend auf dem Tonic das ganze Viertel. Also lasst uns das spielen. a-Moll, e-Moll, c, g, d-Moll, a-Moll und e-Moll. Ein Minderjähriger. Und Sie haben wirklich gespürt, wie viel Acht in Richtung der Heimakkord gezogen ist, ist dort ein Minderjähriger. Und das liegt daran, dass ich den fünften Akkord der Skala benutzt habe, kurz bevor ich nach Hause ging. Und das ist der stärkste Pool, die stärkste Spannung, um sich auf den einen Akkord zu lösen. Also im Falle eines Minderjährigen, Sie haben den einen Akkord als minderjährig, der Glaube wäre e-Moll. Wenn du also von gehst, fühlst du dich den Druck, dich zu einem Minderjährigen zu lösen? Lassen Sie uns mit dem zweiten Beispiel gehen. Lass uns etwas nur improvisieren, beginnend mit einem Moll, C, G, d-Moll, F , G, so. Okay, also hier bin ich eigentlich von G gegangen und mache dann einen Minor. Okay, also das dritte Beispiel, ich beginne nicht mit einem Moll, e-Moll. Also der fünfte Akkord in diesem Fall , der einen starken Pool zum Tonic Akkord hat, ein Moll. Also gehe ich sofort dorthin, so. So wie das. Nun können Sie natürlich beliebige diatonische Akkorde in Ihrer Akkordprogression verwenden. Und lassen Sie uns sagen, verwenden Sie in kleinen Skala ein Moll. Also der Start genannt Whitby Moll, ein Minor in diesem Fall. Aber ein Bonus-Tipp hier für Sie ist, dass der eine Akkord in diesem Fall ein Moll, und dann der vierte , der in diesem Fall D-Moll ist. Und dann ihr Vertrauen in die kleinere Skala hier, die 145 Kernzone drei Partituren nenne ich die starken Höfe oder Musik, weil diese die stärkste harmonische Wirkung auf jede Akkordprogression haben , unabhängig von der Skala Typ Sie verwenden. Im Falle einer Nebenskala sind diese alle geringfügig, so dass ein Moll d-Moll, e-Moll ist. Und wenn Sie eine große Skala verwenden, wird der 145 Kurs Major, A, C-Dur, F-Dur und G-Dur sein. Das ist der Grund, warum viele Popsongs nur drei oder vier Akkorde verwenden. Wenn sie also auf einer Moll-Skala basieren, werden dies die 45 Moll Akkorde sein und dann vielleicht einen F-Dur dort für etwas Gewürz hinzufügen. So ist es, unabhängig von der Akkordprogression und unabhängig von der Skala, immer sicherer, die 145 Akkorde häufiger zu verwenden als andere Schallplatten. Und dann denken Sie an die anderen Akkorde als Gewürz und Ecke für Ihre Akkordprogressionen. 5. Über die Triads: Über die Triaden hinaus, die Standard-Triadakkorde und speziell die Hauptakkorde und die Mollakkorde oder die absoluten Grundlagen für Harmonie in der Musik. Die beiden anderen Arten von Triaden, die verminderte Triade und die Augmented Triade, oder nicht so viel in populären Musikstilen aufgrund ihrer zusätzlichen Spannung und Dissonanz verwendet. Werfen wir einen Blick auf diese vier Arten von Triaden Akkorden in der Musik. Und denken Sie daran, dass eine Triade zwei Drittelstapel übereinander bedeutet, was natürlich bedeutet, dass Sie vier Möglichkeiten haben, sie zu stapeln. Zuerst haben Sie die große Triade, die Wurzel plus Hauptdritter ist, und ein weiteres großes drittes Intervall oben. Und das ist der Wohlfühl- oder glücklich klingende Akkord. Die nächste Triade ist die kleine Triade, die Wurzel plus Minor Drittel ist. Und dann ein großes Drittel darüber, was der emotionale oder traurig klingende Akkord ist. Dann haben Sie die verminderte Triade, die die Wurzel ist, plus ein kleines Drittel, und dann ein weiteres kleines Drittel oben, das ist der gruselige, beängstigend klingende Akkord. Und schließlich haben Sie die Augmented Triade, die Wurzel plus Major Third ist, und ein weiteres großes Drittel an der Spitze, die geheimnisvoll würdig klingende Akkord ist. Was ist, wenn du über diese Triaden hinausgehen willst? Es gibt Hunderte, wenn nicht Tausende von Arten von Kernen, die Sie in der Musik verwenden können. Aber seien wir ehrlich, du brauchst sie nicht alle. Ich habe es für Sie einfach gemacht, indem ich eine Zusammenfassung dessen, was ich die sieben am häufigsten verwendeten Akkorde in der Musik halte, einschließlich der Patron der Intervalle, die diesen Kurs ausmachen. Nummer 1, die große Triade, Wurzel plus Hauptdritter plus perfektes Fünftes. Nummer 2, die kleine Triade plus ein kleines Drittel hat das perfekte Fünfte. Drei, suspendiert vierte, die Wurzel ist. So perfekter Vierter, perfekter Fünfter. Nummer 4, suspendierte zweite, die Wurzel letzte große Sekunde plus perfekte fünf, die dominante siebte Akkord, die die am meisten verwendeten siebten Akkord in der Musik, die Wurzel ist, übergeben Major dritte, perfekt fünften, und eine kleine siebte an der Spitze. Dann haben Sie den sechstfundamentalsten Kern, der der große siebte ist, Wurzel plus Hauptdritter, perfekter Fünfter, plus ein großes Siebtel an der Spitze. Und schließlich Nummer sieben, das ist die kleinere sieben, Wurzel plus kleine dritte, perfekte fünfte und eine kleine sieben. Zu der Zeit. Ich würde sagen, dass man, wenn man nur diese sieben Arten von Akkorden benutzt, so ziemlich jedes Stück Musik schreiben kann, das man sich vorstellen kann. In der Tat können Sie sogar nur die ersten vier dieser Kerntypen als Hauptakkorde halten , die Sie für Ihre Kernprogressionen verwenden können. Das Tolle an der sus4 und SAS, zwei Akkorde, übrigens. Dass sie eine schöne emotionale Lichtspannung in Ihre Akkordprogressionen hinzufügen können. Wenn wir also den sus4 Akkord weniger hören, sehen Sie sus4. Sie suspendiert vierte will zurück zu den Dritteln in diesem Fall zu lösen, kann zurück zu den C-Dur-Akkord gehen oder sieht uns auf diese suspendierte zweite will, um die dritte als auch zu lösen. Sie können dies auch für Moll Akkord tun, also sagen wir f-Moll. Und dann verwenden Sie SAS zurück zum oder F sus4 und zurück zum F-Moll. Aber wie und wann kannst du diese anderen Akkorde in deiner Musik verwenden? Erstens besteht die Hauptregel darin, nur die diatonischen Akkorde in deinen Gruppenfortschritten zu verwenden. Stellen Sie also sicher, dass der Core-Typ, den Sie verwenden, nur Noten aus dem Schlüssel Ihres Songs verwendet. Lassen Sie mich Ihnen hier einige Demonstrationen geben, die über Triaden hinausgehen. Lasst uns einen Minor als Skala UND Tor verwenden. Und Sie haben bereits gelernt, dass der erste Versuch und Akkord ein Moll ist, dann bekommen Sie B vermindert, C-Dur und so weiter. Nehmen wir an, Sie wollen einen abgehängten Akkord versuchen. Beginnen wir mit dem Tonikum, dem Wurzelakkord. Sie können es suspendiert machen, aufgehängt , weil root perfekte vierte, perfekte Papiere ist aufgehängt vierten Akkord. Und in diesem Fall verwenden Sie Noten aus der Skala oder so, dass akzeptiert wird, das ist eine diatonische Akkorde innerhalb der Taste eines Molls, wie die suspendierte zweite, in diesem Fall, ein SUS 2. Lassen Sie uns nun überprüfen, dass am fünften Akkord der e-Moll Akkord, E hinter perfektem Vierter, perfekter Fünfter, als vier ist. Ja, das ist diatonisch. E-Dur Sekunde plus perfekt Ethos zwei ist nicht diatonischer Akkord. Okay, also können Sie das Ethos eines Zweiakkord nicht verwenden, wenn Sie diatonische Akkorde in Ihrem Kernprogression verwenden möchten , wenn Sie in einem Moll schreiben. Und gehen wir darüber hinaus. Machen wir einen siebten Akkord. So wie bei den Triaden, die Sie einfach aussuchen, indem Sie 3rds im diatomischen Fall stapeln. Also 1, 3, 5 ist ein Minderjähriger. Stapeln Sie einfach ein Drittel oben, überspringen Sie diesen, gehen Sie zu diesem, und Sie erhalten automatisch eine kleinere sieben. Gehen Sie zum nächsten zweiten Maßstab Grad, überspringen Sie alle anderen Knoten, so dass Sie den einen oder 246 erhalten. Und dann zur Oktave hier. So erhalten Sie B halb vermindert, mit einem weiteren Drittel gestapelt auf der Oberseite vermindert werden. Das ist der zweite diatonische siebte Akkord in der Tonart eines Molls. Der nächste, C-Dur Siebter. Der Moll siebte, e-Moll siebte. E, F-Dur sieben, F und G dominant siebte, kurz auch G7 genannt. Also, um es Ihnen leichter zu machen, habe ich das erstellt. Eine Vorlage oder ein Spickzettel für die häufigsten diatonischen Akkorde, die Sie in der Minor-Skala und der Major Skala verwenden können. Also, um mit einer kleinen Skala zu beginnen, wenn Sie zum Beispiel einen Bergmann verwenden, wird der erste Wurzelakkord klein sein,in diesem Fall ein Minor zum Beispiel einen Bergmann verwenden, wird der erste Wurzelakkord klein sein, , Sie können hier nicht wählen, um mit SaaS 2 zu gehen, weil, wie Sie sehen können, root plus eine große Sekunde hat perfekt. Dave ist ein SUS 2 Akkord, und dieser verwendet nur Knoten innerhalb des Spiels, wie dies in diesem Fall verlangt wird. Und wenn du ein Drittel auf die Triade stapelst, erhältst du die 7. Luft. Anwendungsfall ein kleiner Siebter. Also all diese vier Akkorde, Moll sagt zwei und Sus4 und Moll Siebter. Wenn der Root-Key hier ein ist, wenn Sie Ihren Song in einem Moll schreiben, wird der nächste vermindert, in diesem Fall vermindert werden. Und hier verwenden Sie praktisch nie diese cis überall verminderte Kern Triade, aber Sie können ein Drittel auf der Oberseite hinzufügen, um einen siebten Akkord zu machen, in diesem Fall eine kleine siebte mit einer flachen fünf, die auch als halb verminderte siebte Akkord. Also diese beiden Versionen, die Sie für das zweite Quartal Grad in einem Moll verwenden können, dann ist der dritte Akkord major. Sie können eine SaaS 2 für alle großen sieben tun. Gehen wir zu, gehen wir durch die fünfte. Es ist also e-Moll und Sie können dieses nicht verwenden. Es gibt SUS 2, weil das keine diatonische Reihenfolge ist, aber Sie können eine sus4 verwenden. Schließlich gehen wir mit einem Sechs-Akkord, der F-Dur ist, und hier ist es das Gegenteil. Sie können dies als zwei verwenden, aber nicht als SAS für, da dies nicht nur Schlüssel innerhalb der Skala verwendet. Also lasst uns das überprüfen. Ein paar Beispiele aus der großen Skala. Also der letzte Gebrauch C-Dur Akkord ist Major. Sie können eine SAS zu SAS für Major siebte verwenden. Gehen wir weiter und versuchen Sie die dritte Koordinate, die e-Moll ist. Sie können SaaS-T-Zellen nicht auch verwenden, da sie ein unbekanntes außerhalb der Skala verwendet. Also, das ist nicht ein diatomic oder, aber Sie können die sus4 und Stapeln ein Drittel auf der Triade schafft eine kleine siebte, oder die dritte Skala Grad. Versuchen wir es mit dem vierten Akkord, F-Dur. Hier können Sie Fs 4s2 verwenden, schrieb Hauptsekunde. Perfekter Fünfter. Partei kann nicht unhöflich plus perfekte vierte, perfekte fünfte verwenden , weil es nicht, nicht innerhalb der Schlüssel von C-Dur. Und wenn Sie einen siebten Akkord erstellen möchten, fügen Sie oben einen dritten Akkord hinzu. Und Sie erhalten natürlich einen großen siebten Akkord für die vierte Skala Grad von C-Dur. So können Sie beide Spickzettel für die kleinere Skalierung Animatoren auf einen beliebigen Schlüssel dieses Maßstabstyps anwenden . Wenn Sie also verwenden, sagen wir D-Moll, ist die erste Koordinate gering, aber Sie können einen SAS verwenden, um sus4 oder eine kleine siebte zu hören. Und die, sagen wir den fünften Akkord D-Moll, 1, 2, 3, 4, 5. Also hier haben Sie ein, ein Minor, Sie können eine SaaS verwenden. Partei kann einen SAS nicht benutzen, um seinen Fall so umzuwandeln , dass er nicht weiß, weil der Schlüssel von d-Moll eine B-Wohnung hat. Also sollte diese Note geflacht sein. Ist ein SAS 2 ist kein diatonischer Akkorde in der Tonart D-Moll. Wenden Sie diese Vorlage also immer dann an, wenn Sie Ihre Kernfortschritte erstellen, entweder für die neun Nebenskala oder die Hauptskala. Und Sie können im Grunde jede Art und Emotionen von Musik, die Sie wollen, mit allen diese Akkorde pro Skala Grad erstellen. Ein weiterer Leitfaden ist, dass Sie über die Triaden hinausgehen können, wenn die hinzugefügte Akkordstimme Ihrer melodischen Linie entspricht. Nehmen wir an, Sie spielen in einem Moll und Sie möchten einen C-Dur sieben Akkord in Ihrer Progression verwenden. Das könnte eine gute Wahl sein. Wenn Sie melodische Linie berührt die B-Note, die die obere Stimme dieses C-Dur siebten Akkord ist. Lassen Sie mich das also demonstrieren, indem Sie den Schlüssel eines Minderjährigen erneut verwenden. Also Dach genannt eine Melodie geht so und Wiederverwendung eines Mannes oder als Startakkord. Nun, wenn Sie hier zu diesem B gehen wollen, können Sie natürlich in e-Moll Akkord so verwenden, aber wenn Sie es aufpeppen wollen, um einen siebten Akkord hinzuzufügen, versuchen Sie den C-Dur siebten, weil das auch diese Note verwendet, die ein guter Punkt in Ihrer Komposition, um es auszuprobieren. Also hier, sagen wir, Sie wollen einen sus Akkord verwenden ist G Note. Wenn Sie ein verwenden, nehmen wir an, D Salesforce verwendet auch dieses Genom oder geht so. Verwenden Sie also diese Richtlinie für jederzeit in Ihrer Komposition. Deine Melodie-Linie geht nur etwas zu einer bestimmten Note. Probieren Sie den Code aus, der diese Notiz verwendet. Es muss nicht sieben Viertel sein kann als SaaS für uns hinzufügen sucht, jede Art von Akkordfarbe, die Sie verwenden möchten. An jedem bestimmten Punkt. Ihre Melodie geht zu einem bestimmten Knoten. 6. Die Stimmen: Die Stimmen der Musik. Lassen Sie uns nun Ihre Reise in Akkordprogressionen und Harmonie fortsetzen, indem wir etwas tiefer gehen. Lassen Sie uns über das hinausgehen, was Harmonie und Akkorde sind und ihre Beziehung zur Skala und einem Schlüssel. Und lassen Sie uns in praktische Anwendungen der Harmonie in der Musikkomposition eintauchen. Harmony dreht sich alles um Stimmen. Also werde ich dir jetzt den wohl wichtigsten Aspekt der Harmonie beibringen , der das ist. Harmony dreht sich alles um Stimmen. Jetzt bei Voices rede ich nicht von menschlichen Stimmen. Eine Stimme in Musik bedeutet einfach einen der Ports die in der harmonischen oder melodischen Handlung Ihrer Musik gespielt werden. Nehmen wir zum Beispiel an, wir haben eine einfache Akkordprogression über Triaden-Codes. Diese drei Noten Akkorde oder aufgeteilt in drei Stimmen, die jeweils ihre eigene Linie spielen. Innerhalb der Akkordprogression. Du kannst dir einen Chor vorstellen. Der gesamte Chor spielt eine Akkordprogression oder Harmonie zusammen, aber die Gerichte werden in verschiedene Linien aufgeteilt, und jede Zeile des Codes wird dann einem Abschnitt des Chors zugeordnet. Lassen Sie uns Abschnitt führt seine eigene Stimme in der vollen Harmonie. wir einen Blick auf dieses einfache Beispiel, das ich auf Klavier erstellt habe, von einem F-Dur, C-Dur, G-Dur und zurück zu C. Ordnung, also anstatt an Ihre Akkordprogressionen als Blöcke wie diesen zu denken, denken Sie an einen jeden -Zeile als separate Stimme. Also in dieser Top-Zeile hier, könnte von, zum Beispiel, Geigen gespielt werden. Diese könnten zum Beispiel von Bratschen gespielt werden , und dies durch Untiefen. Sie können auch verdoppeln oder dass flache und Französisch Hörner spielen dies, oder denken Sie es als Stimmen in einem Chor. Also dieser obere Abschnitt ist die Tenöre, Soprane, und Sie haben die Altos und so weiter. Aber es ist deutlicher, wenn ich Ihnen ein echtes Beispiel zeige, zusammen zu spielen, denn alle Stimmen als Familie sind das, was Ihre Akkorde und harmonische Progression schafft. Also, wenn Sie eine lose etwas Platz nehmen. Also habe ich tatsächlich einen String Abschnitt hier, spielen der Narr versucht Anrufe f-Moll zu D flach hier und so weiter. Aber selbst wenn ich das ausschließe, sollten Sie jedes Melodieinstrument betrachten, jedes Instrument, das einen Tonton spielt. Also die Basis hier, mit der Harfe spielt die Melodie. So ist die Melodie tatsächlich Teil der harmonischen Progression, auch wenn man nicht daran denkt. Die Blechbläser hier spielen, um Harmonie zu bemerken. So können Sie sehen und den Chor hier. Das ist nur Schichtung im Herzen. Also werfen Sie jetzt einen Blick hier, wo Sie den Abspielkopf platzieren. Sie müssen jede Stimme spielen zählen. Überprüfen Sie die Noten und sehen Sie, dass dies der aktuelle Akkord ist. Also hier haben wir ein weiteres F, also die Wurzelnote, G scharf, die ein kleines Drittel ist, und F Wieder, der Wurzelknoten verdoppelt hier kann man in der New York Times sehen und dann noch eine D scharfe Stücke, die die Minor Drittel. Und dann, wenn du hierher gehst. Die Melodie geht tatsächlich runter. Technisch gesehen ist das ein Add neun im Grunde, oder fügen Sie dem hinzu, wenn Sie es bevorzugen, aber es ist technisch ein Add neun. Du bist immer noch auf dem F-Dur Akkord. Aber wenn sich die Melodie dort ändert, ist es das gleiche für die Baseline. Sobald eine Baseline geht zu diesem Knoten hier. Technisch gesehen ist es eine andere Platte, ganz kurz hier, es Übergangsschnur, aber es ist technisch und andere Akkord aus der Stimme gemacht, die hier mit der Basslinie führt , geht Baseline hier runter zum nächsten Akkord, die eine D-Dur ist. Da steht Charpy über seine D-Wohnung hier, hier. Und dann haben Sie eine f, die ein großes Drittel oben ist. Sie haben wieder eine D-Wohnung und F, und so weiter. Man muss also alles addieren, natürlich auch die Saiten hier, um zu überlegen, welcher Akkord in jedem Moment spielt. Und alles zusammen spielt als eine Familie von Stimmen, die Ihre harmonische Handlung kreiert. Also all der Code, Spielinstrumente, alle Hormone, Stimmen, alle Baseline, die melodische Stimme, alles zählt, wenn man es addiert, um die Akkordprogression zu bilden. Lassen Sie uns nun über das tonale Zentrum sprechen, den Anker der Harmonie. Also, was der Hörer in Ihren Akkordprogressionen und Hormon einrastet, ist das, was das Tonzentrum genannt wird. Dies ist im Grunde der Anker Ihrer harmonischen Geschichte. Das wichtigste Tonzentrum ist der Grundton deines Tracks. Wenn Ihre Spur beispielsweise in d-Moll geschrieben ist, wird D das Haupttonzentrum sein. Also lassen Sie mich Ihnen das schnell zeigen, indem ich so etwas in d-Moll spiele. Also beendete ich dort mit D-Moll wieder, weil die Gleason ihn halten, Gravitation fetalen einen Pool, um wieder zu diesem süßen Haus, süßes Haus, das ist d in diesem Fall. Es spielt also keine Rolle, welche Skalierung Sie verwenden. Die Wurzel notieren Sie den Schlüssel. Also d in diesem Fall, wird immer die wichtigsten tonalen Zentren für Ihre Musik sein. Sie haben jedoch auch ein tonales Zentrum, fließt und schreitet durch Ihre Komposition, die der harmonische Anker ist entschieden durch welche Akkorde und Harmonien Sie spielen, die Stimme, Anordnung und Verteilung jeder Stimme, Der Fokus pro Stimme usw. Eine allgemeine Regel ist, dass Sie dem Hörer das ausgeprägte tonale Zentrum zum Sperren bereitstellen möchten , weshalb der Wurzelknoten jedes Akkords in Ihrer Akkordprogression ist. Shoot in den meisten Fällen haben das meiste Gewicht und Fokus. Sie können dies erreichen, indem Sie sicherstellen, dass die Basis. Konzentriert sich hauptsächlich auf die Wurzelnote pro Datensatz, und dass der Wurzelknoten auch in Oktaven geschichtet ist. Also lasst uns wieder D-Moll nehmen. Das ist ein d-moll Akkord. Sie können es in einer Inversion spielen, zum Beispiel, so oder so. D ist immer noch das tonale Zentrum dieses Akkord, aber Sie müssen alle ein größeres Gewicht auf dem Tonzentrum zur Verfügung stellen, um diesen harmonischen Anker für Ihre Musik zu bieten, was in den meisten Fällen ist,dass was in den meisten Fällen ist, Sie vor allem die Wurzelnote spielen wollen des Akkords im Basisregister. Also, wenn ich eine Inversion wie diese spiele, kann ich das tonale Zentrum handeln, indem ich hier in den unteren Oktaven das D spiele oder es sogar eine Oktave oben verdoppelt. Sie haben also drei D's in diesem Fall. So können Sie natürlich Ihre Basislinie so laufen lassen. Aber sobald Sie die Basis hier verschieben, um das tonale Zentrum des Hofes zu sehen. Die D, die Wurzelnote des Akkords ist nicht so klar, so dass Sie nicht zu lange da sein wollen. Es erzeugt hier ein bisschen Spannung. Mehr als eine Parsing- oder Übergangszeit. Also würde ich sagen, 80 Prozent der Zeit, die Sie Ihre Basis auf der Root-Note behalten möchten. Genauso wie eine allgemeine Richtlinie. Und immer mehr Gewicht darauf legen. Und Sie können dies tun, indem Sie es eine Oktave oben verdoppeln, oder sogar eine Oktave hier oben, wenn Sie wollen. Das ist also das tonale Zentrum pro Akkord in deiner Akkordprogression. Sie können auch sicherstellen, dass der Tonmittelpunkt den größten Fokus hat , indem Sie mit mehreren Instrumenten verdoppeln. Also, wenn Sie dieses Beispiel noch einmal nehmen. Also beginnt es mit, wenn man die Saite überprüft, sagen wir, oder es spielt tatsächlich den vollen Akkord in f-Moll hier. F ist also das tonale Zentrum genau dort. Und Sie können sehen, dass es ein F im Bass gespielt wird. Es wird auch als eine der beiden nicht Harmonien hier auf dem Messing hier verdoppelt. Also F und die kleine dritte dort. Und der Chor ist eigentlich ein Spiel der kleinen dritten Pause direkt dort auf dem Platz. Und das f, hi Rob hier, also verdoppelt es dort. Wie Sie sehen können, können Sie es auf mehreren Instrumenten verdoppeln. Und das sorgt für ein stärkeres, ein Gefühl für das tonale Zentrum für jeden Rekord in Ihrer Progression als auch. Und auch durch die Verwendung von Produktionstechniken, um es prominenter in der Mischung zu machen. Und die beiden wichtigsten Produktionstechniken, um dem tonalen Zentrum mehr Gewicht zu geben, ist zunächst die Dynamik des Geschwindigkeitsniveaus hier pro, zum Beispiel, oder Expression-Steuerdynamik für Instrumente, die dynamische Steuerung für anhaltende Noten, sowie im Grunde nur die Erhöhung des Niveaus. Sagen wir also die Grundluft, wenn Sie das Niveau auf dieser Strecke erhöhen, wird es natürlich mehr Gewicht in der Mischung haben. Und damit ein besseres Gefühl für das tonale Zentrum. 7. Akkorde vs. Melody: Akkorde gegen Melodien. Wie soll man also über die Beziehung zwischen Akkorden und Melodien nachdenken? Nun, die wichtigste Regel, wenn es um Akkorde, Melodien und Intervalle in der Musik geht, ist dies. All die melodischen Stimmen all Ihrer Instrumente, oder das, was die aktuelle Schnur an einem bestimmten Punkt Ihrer Musikkomposition erzeugt. Ich glaube wirklich, dass dies der wichtigste Aspekt der Akkorde Harmonie und Akkordprogressionen in der Musik ist. Also achte jetzt auf. Sagen wir mal, wir haben diesen Klavierpart hier. So wie Sie beide hören und sehen können, spielt dies offensichtlich eine Akkordprogression. Eine Folge von Akkorden hier in Halbbalken ändert sich. Nun, lassen Sie uns einfach mu-das für jetzt komplett und überprüfen Sie alle diese anderen Instrumente spielen. Das spielt die Akkorde, aber als ich es stummgeschaltet habe, spiele ich immer noch eine Akkordprogression mit all diesen zusammen. Also, richtig? Und wenn ich reingehe und alles in Kombination wie diese betrachte, lass es uns zusammenbrechen, damit du es hier jede Note sehen kannst. Wo auch immer Sie Ihren Spielkopf hier setzen. Das ist der aktuelle Akkord. Also ist die Akkordprogression eigentlich komplexer, als Sie vielleicht zuerst denken. Selbst wenn Sie ein Instrument haben, das die Akkorde spielt, trägt jeder melodische Teil Ihrer Musik zu Ihrem harmonischen Fortschritt bei. Also hier haben Sie ein F, C, F, D scharf. Also, okay, diese Formen zusammen. Wenn mein Mollakkord, dann haben wir ein bisschen eine Stimme, die hier in den Lagen führt. Hier bekommt man also ein F, D scharf, F, C, F und G, das bildet einen weiteren Akkord, und dann geht die Basis hier hoch. Mit wie einer wandelnden Basslinie erstellen Sie tatsächlich einen neuen Code genau dort an dieser Position. Also, wenn Sie dies betrachten, behandeln Sie alle Ihre Stimmen als Teil der Familie der Instrumente, die eine melodische Linien spielen. So aufgeteilte Noten als das, was Ihre komplette Akkordprogression in Ihrer Musik ausmacht. Dies erfolgt automatisch durch ihre Beziehungen aller Intervalle zwischen den Noten in Ihren Teilen. So sollten Sie immer jede Zeile und jeden Teil Ihrer Komposition als eine Stimme in einer ganzen Familie anderer Stimmen behandeln , die alle zusammen spielen, um die Geschichte Ihrer Musikkomposition zu gestalten. Wenn Sie nun zum Beispiel auf Klavier einen Akkordprogression spielen, wechseln Sie normalerweise zu langsam Akkorde damit die inneren Stimmen der Gerichte selbst als Melodie betrachtet werden. Also im Grunde die übliche Art, Akkorde in der Musik zu betrachten. Wie ein harmonisches Fundament, ein Rahmen für Ihre Musikgeschichte. Lassen Sie mich Ihnen ein weiteres Beispiel zeigen, um dies zu demonstrieren. Also habe ich zwei Tracks, die hier Klavier spielen, spielen nur die Melodie-Linie, aber in Oktaven für mehr Fokussierung Klarheit geschichtet. Richtig? Und dann habe ich dieses andere Klavier, das Akkorde spielt. Aber da ich nur Akkorde in jedem Takt ändere, wird es sich eher wie Gerichte und nicht einzelne Linien anfühlen. Denn wenn wir das hier überprüfen, wenn ich hier nur die oberste Zeile auswähle, können Sie das in Betracht ziehen. Es ist eine eigene Stimme in Ihrer harmonischen Familie, die die Akkordprogression schafft. Dies könnte zum Beispiel auf Saiten gespielt werden, während diese mittlere Stimme hier, diese Mittellinie könnte beispielsweise von einigen Hörnern gespielt werden. Und Sie können die verschiedenen Stimmen der Schallplatten arrangieren , um als Familie gespielt werden, die Schaffung Ihrer Firma. Und wenn Sie dies tun, können Sie zum Beispiel sprachführende erstellen, machen, machen, machen Sie die eigentliche Linie mehr in Ihrem harmonischen Fortschritt machen. Und je mehr du hinzufügst, desto mehr fühlt es sich an, als ob einzelne melodische Linien miteinander spielen. Also Kontrapunkt Harmonie im Grunde. Aber dieses erste Beispiel spielt nur die Akkorde hier in Blöcken. Wenn Sie jedoch sehr oft Akkorde wechseln, wie zum Beispiel jede Viertelnote oder schneller, wird sich Ihre Kernprogression eher wie Kontrapunktharmonie anfühlen, was bedeutet, dass mehrere unabhängige melodische Linien miteinander spielen. Je öfter Sie also Akkorde wechseln, desto melodischer wird sich Ihre Akkordprogression anfühlen und desto stärker wird es an das Zusammenspiel zwischen Ihren Akkorden und Ihren Melodien gebunden sein. Gehen wir nun zurück zu diesem Beispiel und das ist auch wirklich wichtig. Also überprüfen Sie hier. Sie können die Gerichte hier in Blöcken sehen, aber das ist nicht Ihre Akkordprogression. In foo erhalten Sie die komplette harmonische Progression, wenn Sie zählen, addieren Sie alle melodischen Stimmen in Ihrer Musik. bedeutet zum Beispiel in diesem Fall die Melodie-Linie hier. Sie müssen also in jedem bestimmten Moment jede einzelne Stimme in Ihrer Musik addieren, aber hier wieder a, C, F, a und F. Das ist also ein Major. Aber dann gehen wir hierher und die melodische Stimme geht tatsächlich nach G, wo der F-Dur hier noch die Akkorde spielt. Nun ist dies eigentlich ein anderer Akkord weil Ihre melodische Stimme hier zu einem anderen Knoten geht, in diesem Fall G. Also, das zaubert in Add nicht f bei neun Akkord, und so weiter und so weiter. Sie müssen auch Ihre Baseline addieren, jede einzelne melodische Stimme in Ihrer Musik. Denn die Beziehung zwischen Ihren Akkorden, Melodien, jeder melodischen Linie ist das, was kommt, wenn Sie definieren, was Ihre Hormone, Ihre Akkordprogression wirklich ist. Wie entscheidest du nun, welche Akkorde mit deinen Melodien gut klingen? Also lasst uns das hier überprüfen. Wenn Major, also da Sie, ich benutze hier F, G und a, müssen Sie die Beziehung zwischen all Ihren, all Ihren harmonischen Linien, die Ihre Akkordprogression und Ihre melodische Linie ausmachen, betrachten . So steht die Melodie immer im Rampenlicht. Das sind also die Noten, die ich hier spiele. Sie müssen also nach den Akkorden suchen, die einige dieser Melodie verwenden. Also es, da ich F, G und ein hier, F und a benutze , lass uns diese wählen. Könnte mit einem F-Dur-Akkord gehen. Also, nachdem ich hier unten gesehen habe, könnte ich auch wählen, eine D-Moll zu verwenden, weil das auch zwei dieser Knoten verwendet, die Teil dieser Zeile hier in der Melodie waren. Also, die geben wird ein Moll fühlt sich erhebend, F-Dur. Oder wenn Sie noch tiefer gehen wollen, Lasst uns das überprüfen. Wenn ich hier die B-Wohnung hinzufüge, da das auch Teil der Linie ist, gehe ich tatsächlich nach B flat, du bekommst B-flat major sieben. Du bekommst Jesse Vibe da. Sie können natürlich eine Inversion verwenden und dann einfach fortfahren. Und hier könnte ich zum Beispiel zu B-Dur gehen, wenn ich bei d-Moll anfange. Sie sehen die Beziehung hier. Du musst überprüfen, was deine melodischen Noten tun. Welche Knoten sind das? Konzentriert es sich auf und landet auf? Es ist also ein langes Ethanol. Und dann entlang B oder B flach. Nehmen wir jedoch an, Sie möchten zu einem großen Feld gehen. Eine weitere Modulation zum Beispiel. Also habe ich die G und B Wohnung hier. Konzentriere dich auf diese. Gehen wir zu Es-Dur. Lasst uns eigentlich einen passierenden Akkord machen. Also d-Moll. Also tatsächlich wechseln Sie hier von d-Moll zu F. Weil wir uns immer noch hauptsächlich auf diese beiden Knoten konzentrieren. Gehen wir zu etwas, das das benutzt. Sie könnten nach B-Dur gehen. Oder was ist mit diesem d-Moll? Es-Major? Und das ist eine Überraschung, aber es funktioniert auch für diese Melodie-Linie, weil sie sich auch auf diese beiden Knoten konzentriert hat, die Teil davon waren. Denn diese melodische Phrase sind diese Generäle und diese beiden Noten. Wie Sie sehen können, haben Sie viel Freiheit dafür, wie Sie welche Bedeutung harmonisieren, welche Akkorde Sie für Ihre melodische Linie wählen. Und das ist es, was tatsächlich schafft. Alles ergibt sich aus der emotionalen Geschichtenkurve, die Sie für Ihre Musik wünschen. Das führt uns also zurück zu diesem Beispiel. Hier habe ich die Melodie-Linie in Oktaven. Okay, wir fangen hier an mit F-Dur, g-Moll, d-Moll, f-Moll, d-Moll. Aber ich habe hier tatsächlich eine andere Harmonisierung dafür geschaffen, immer noch Blockakkorde. Aber ich fange hier an, statt F-Dur mit D-Moll geht zu Es-Dur, genau wie ich Ihnen gezeigt habe, was ich live gezeigt habe. Und dann zu f so. Also, wenn es hier eine andere Akkordprogression ist. Und jetzt ist dies immer noch mit Block Kurs, aber Sie haben gerade gelernt, dass Sie mehr Kontrapunkt Harmonie fühlen melodische Unterstützung erhalten können , wenn Sie mehr Akkorde Änderungen hinzufügen. Also hier habe ich tatsächlich mehr Akkordänderungen hinzugefügt, die hier von F nach G-Moll gehen. g-Moll. Und da ich den Kurs hier genau an der Position geändert habe, wo sich die melodische Linie ändert, schafft das eine Art mehr Betonung und Unterstützung für Ihr führendes mittleres Hören. Also diese Melodie notiert, wo ich tatsächlich den Code hier geändert habe, irgendwie mehr akzentuiert oder betont ohne. Besonders hier können Sie haben. Also, wenn ich den Code hier nicht geändert habe und nur das habe, wie Sie hören können, verliert er. Das betonte hier. Gerichte gegen Melodie-Faktor. Also nenne ich das den Courts versus Melodie-Faktor, weil du dies zu deinem Vorteil nutzen kannst , um deine Melodie noch mehr Unterstützung zu verleihen. Denn jedes Mal, wenn sich eine Notiz in Ihrem Code ändert, sogar eine einzige Stimme, ist es wie ein Mikrounfall. Und dieser Mikro-Akzent kann Ihre Melodie unterstützen, wenn Ihre Melodie die Note auch zur genauen Zeit ändert. Wenn Sie den gesamten Akkord ändern, ist das noch mehr ein Akzent, oder Sie beginnen zu sehen, was Sie hier tun können. Sie können Ihre Akkordänderungen und die Stimme, die in den Akkorden führt , verwenden, um Ihre Melodien zu betonen und zu unterstützen. Vor allem, wenn Sie Sprachführung verwenden, die eine der Stimmen innerhalb des Codes auf die gleiche Note wie die Melodie bringt , gleichen Zeit, dass Melodie-Noten in Ihrer Komposition eintreffen. Okay, also lassen Sie uns dieses Beispiel noch einmal überprüfen. Also hier habe ich tatsächlich die ganze Kohorte geändert, aber sagen wir, ich behalte das und das und ändere das einfach. Das ist, was ich in meiner Crew Akzent der Harmonie nenne. Ich habe mich geändert, weil ich das als Blockschnur haben kann. Und das unterstützt nicht. Aber wenn ich mich zu dir ändere, musst du nicht die Stimme oder die Tonhöhe der Note ändern, du kannst sie einfach wiederholen. Und das schafft auch Zentrum. Richtig? So, um den Laptop wieder zu schneiden. Denn wenn ich jeden Knoten hier im Code wiederhole oder ändere, schafft das einen stärkeren Akzent. Und lasst uns hier nachsehen, was die Melodie hier tut. Okay, hier gehen wir zu einem A mal sehen, was wir hier haben? Also haben wir einen d-Moll. Da ist ein f, k hier. Lassen Sie uns eine Axon-Stufe erstellen. Also lasst uns das aufsteigen. Also, jetzt erhalten Sie ein Axon nur von der Wiederholung dieser Knoten. So ist es der gleiche Akkord, aber es wird erweitert Unterstützung Ihre Melodie. Ok? Es ist also ein „Hier“. Aber sagen wir, es geht zu einer anderen Notiz. Dann können Sie den tatsächlichen Code ändern. Nehmen wir an, Sie gehen zu den siebten Akkorden. Was haben wir hier? Wir haben eine d-Moll, D-Moll sieben wäre ein C oben. Also dieser Knoten jetzt, okay, also sagen wir, die Melodie-Linie ging hier tatsächlich zu einem C. So wie das. Okay, so wie das. Gehen wir zurück zur verdichteten Ansicht. Jetzt, da ich hier zu sehen war, benutze ich immer noch den d-Moll Akkord, aber ich fügte das siebte Jahr hinzu, also schaffe ich einen D-Moll siebten. Denn diese Note hier betont, was die Melodie-Linie tut, weil sie im Grunde nur verlegt oder sie mit der Melodie-Linie überlagert. Denken Sie also darüber nach, wenn Sie einen siebten Akkord hinzufügen und 9 Coordinator hinzufügen möchten, der über Feuer hinausgeht, ist es immer ein guter Anwendungsfall, wenn die melodische Linie zu einer bestimmten Note geht dann mit einem Akkord wie diesem unterstützt wird. So unterstützt es es harmonisch. Aber auch da ich den gesamten Akkord gewechselt habe, unterstützt er ihn rhythmisch. Indem Sie also häufiger Akkorde wechseln, gelangen Sie in Ihrem Kernprogression mehr in das Reich der Kontrapunktharmonie. Und das kann Ihre führenden Melodien noch mehr unterstützen. Okay, also lass mich dir das zeigen. Je mehr Sie den Kurs ändern, desto mehr diese internen Linien, denn es sollte immer über Ihre harmonischen Fortschritte als mehrere denken. Klemmenleitungen hier. Okay, das bildet zusammen Ihren Kernfortschritt. Wenn ich nun zu dem letzten Beispiel gehe, das ich hier erstellt habe, ändere ich tatsächlich Akkorde oder wiederhole den Code jedes Mal, wenn hier eine neue Melodie-Note eintrifft. Es kommt rein, wie man hier den ersten Akkord sehen kann. Da. Ich wiederhole es nur für rhythmischen Akzent. Ändern Sie es hier, ändern Sie es dort wieder. Und jetzt sind wir wirklich anfangen, mehr in Kontrapunktharmonie zu bekommen weil ich es so schnell hier geändert, in der Tat war weniger sogar zu erhöhen. Lassen Sie es uns einfach halten. Oder ich, wie Sie dort gehört haben, gibt es so viel Hormon irgendetwas los, denn jede Stimme, die Zeile hier ist ihre eigene Stimme. Natürlich könnte ich ein bisschen mehr Bewegung hinzufügen, um es realer zählbarer Kontrapunktharmonie zu machen . Aber es ist immer mehr in dieses Reich oder diesen Stil, weil es viel mehr los ist im Vergleich zum ersten Beispiel wieder, das lange langweilige Block war. Ok? So haben Sie nun sowohl die harmonisch harmonische Beziehung zwischen der Melodie-Linie und Ihren Gerichten gelernt und wie Sie sich entscheiden, sie zu harmonisieren, als auch wie es zusammen geht, um die Familie der Stimmen zu bilden , die Ihre wahre vollständige harmonische Progression. Und wie Sie diese Gerichte gegen Melodie-Faktor verwenden können, um sowohl die Harmonie zu betonen, Mal sehen, und die Rhythmen Ihrer Melodien. Probieren Sie das jetzt selbst aus. Schreiben Sie eine Melodie-Zeile mit vier Takten. Sie dann zuerst Codes hinzu, die jeden Ball ändern. Versuchen Sie als Nächstes, Akkordänderungen dazwischen hinzuzufügen, beginnend mit den Halbbohrungsmarkierungen. Und wenn Sie es verwalten können, tun Sie es auch auf den Viertelnoten. Hier ist der Bonus-Tipp. Ein Akkordwechsel muss kein ganz anderer Kern sein. Veränderte Bassakkorde, hängende Akkorde und verlängerte Akkorde funktionieren oft großartig. Nehmen wir zum Beispiel an, Ihre Melodie geht so. Okay, also fangen wir mit F-Dur an. Da konzentrieren wir uns auf diese beiden Knoten auf die Melodie. Dann gehen wir zum G hier, anstatt den Akkord komplett zu ändern, sagen wir g. Bewegen Sie einfach eine der Nase, um die F-Dur ist suspendiert Akkord. Also und dann, wenn die Melodie so geht, ist, können Sie gehen, um zu sehen, und wenn Sie einen anderen Akkord hinzufügen wollen, anstatt unvollständig den anderen Kern zu verwenden, verwenden Sie SAS, zum Beispiel hier. Also suspendierte Version dieses Codes. Also, so etwas ist viel angenehmer und interessanter harmonischer als nur die Verwendung dieser F und C Korps. 8. Der Ton der Harmonie (Solo): Der Klang der Harmonie im Solo. Also jetzt werde ich einige Live-Beispiele für Gerichte Harmonie und Akkordprogressionen in Aktion demonstrieren . Im Wesentlichen die Klänge der Harmonie. Es ist sehr wichtig, dass Sie die Kraft nutzen, die Sie als Komponist haben, um eine Form zu wählen, die Klangpalette für Ihre harmonischen Stimmen, die Ihre Anrufe und Fortschritte ausmachen, denn dies wird einen großen Unterschied im Stil Ihrer Musik machen. Also werde ich die gleiche Akkordprogression für all diese Beispiele verwenden, um Ihnen zu zeigen, wie das Instrument und der Toncharakter und Ihr Spielstil einen großen Unterschied im Gesamtklang ausmacht. Es geht also so, von einem Moll, so zu e-Moll, dann bis hin zu G-Dur und bis zu D-Dur. Und ich hoffe, Sie erkennen diese Akkordprogression. Es ist vom Soundtrack bis zum Film Inception komponiert von Hans, ähnlich. Beginnen wir also mit einem sanft klingenden Klaviere. Ich wähle den Ton herunter und machte ihn mit diesen Zifferblättern weicher, damit es so klingt. Okay, also lasst uns diese Akkordprogression in einem sehr intimen Spielstil wie diesem spielen, beginnend in einem Moll. Und dann fängt es von vorn an und geht herum mit mehr Instrumenten, diesen magischen Saiten und so weiter. Das war also ein sanfter und intimer Spielstil auf einem Klavier, auf diesem Akkord Fortschritt zu mächtig als göttlich, wie ein großer Chor in einem Orchestersaal. Also habe ich diese Chor-Sample-Bibliothek mit männlichen und weiblichen Gesang geladen. Lass es uns spielen. Und ich benutze das Modulationsrad, um die Dynamik zu fahren, während ich diese Kerne halte, die gleiche Akkordprogression, eine kleine bis lyrische und üppige, wie eine Saitenanordnung. Also hier verwende ich eine andere Beispielbibliothek, die eine überflutete Strings mit den Chamber Strings, Lungen, minimalistisch, Patch genannt wird. Und ich arrangierte die gleiche Akkordprogression, aber deutlicher mit den Legato-Noten. Und diese Automatisierung hier. So gleiche Akkordprogression, ein Moll, e-Moll , D-Dur. Also klingt es jetzt so. Ganz anderer Klang, gleiche Akkordprogression, zu elegant und göttlich, wie ein Arpeggio auf einem Konzertsaal. Also hier benutze ich eine Harfe aus Pellets in Phonics Sketchpad mit all den Mikes auf. Und ich nahm diese Arpeggio-Muster aus der gleichen Akkordprogression auf, beginnend in einem Moll. Ihre Möglichkeiten, Ihr Hormon zu formen, ist mit der Instrumentierung und Spielstile oder wirklich unbegrenzt. Tun Sie nun Maßnahmen, üben Sie Akkordprogressionen mit verschiedenen Instrumenten zu spielen und Stile auf eigene Faust zu spielen. Wie diese Beispiele in Solver, hören Sie genau den Unterschied in klanglichen Charakter und allgemeine Emotion, die sie erzeugen. Als Komponist sollte man einen Instinkt für diese Klangeigenschaften entwickeln. Jedes Instrument, jede Familie und jeder Spielstil kann Ihrer Musik hinzugefügt werden. 9. Der Klang der Harmonie (Familie): Der Klang der Harmonie, Familie. Jetzt werde ich einige Live-Beispiele für einen Akkord Progressionen demonstrieren , die mit verschiedenen Instrumenten, Kombinationen gespielt werden. Denn das ist es, worum es bei der Musik geht. Eine Kombination aus Instrumenten und Klängen, die als Familie zusammen spielen , um Ihre komplette Musikgeschichte zu erzählen. Also hier hatte ich ein Beispiel geschaffen, wo jeder dieser Tracks hier ihre Rolle in ihrer harmonischen Rolle in der Familie der Harmonie spielen, die Ihre harmonische Handlung oder Kernprogression schafft. So können Sie die eigentliche Kernprogression hier oben sehen, E-Dur, ein Dur, ein Moll, E sus4, E-Dur, E-Dur C, D und E. Also, wenn Sie wollen, können Sie mit der genauen Akkordprogression üben, die ich habe hier gewählt. Nun, um die Dinge interessanter zu machen, entschied ich mich auch für verschiedene Spielstile auf jeder dieser Performances. Also das Klavier hier, anstatt einfache Blockkurs so zu spielen, wo unser E-Dur zu einem Dur als eins. Ich habe eine Art Variation zwischen Arpeggios-Stilen geschaffen, etwas rhythmisches Coming, eine Stimme, die dazu führt, diese Art von Groove zu schaffen. Es ist weich und intim. Und mit dieser nationalen menschlichen Timing-Variation, die als die Seele zu Ihrer Musik loben. Richtig? Also quantisieren Sie niemals alle melodischen angetriebenen 100 Prozent, das ist ein Tipp, den ich Ihnen geben kann. In Ordnung, das ist also das Klavier, sehr weich im Hintergrund. Diese kurzen Saiten spielen hier eine Art rhythmisches Ostinato, aber mit vollen Akkorden. Und Sie können Variationen in der Geschwindigkeit und den Akzenten sehen, die die Hauptrille erzeugen. Und es hört sich so an. Okay, dann habe ich dieses harte Spiel, aber Harfen machen normalerweise ein Arpeggio sehr hoch in Reichweite. Um das Gefühl von Schimmer und Luft hinzuzufügen. Die Saiten hier spielen. Ja, sie spielen die Akkorde mit diesen langen Kordeln, glatte, schimmernde, hohe Saiten. Schön. Das Blechbläser spielt eigentlich keine Vollgerichte, sondern um Harmonien zu beachten, um zwei aus dem Knoten zu wissen. So aus dem Kurs kann man den ersten Akkord sehen. Wo bist du? Arrangement Spur hier? Was ist ein E-Dur? Also hier bin ich mit und G-scharf, also die Wurzel und die dritte. So spielt das Blechbläser, um Harmonie zu bemerken. Ich schätze, okay. Klingt ein bisschen seltsam auf eigene Faust, aber es ist nur das Hinzufügen dieser beiden keine beendet, um seinen eigenen Ton, Charakter zur gesamten Familie hinzuzufügen . Denken Sie daran, dieses Fett, es dreht sich alles um Familie in der Musik. Also, dann haben wir diesen Wind splaying zu beachten, im Grunde ein ostinato-typisches Muster. Aber mit diesen e, da alle Akkorde, im Grunde, die meisten Gerichte verwenden E in ihnen. Also habe ich mich dafür entschieden, das als eine Art rhythmische Drohne zu verwenden, wenn du kannst. Label ist, dass es dort auf dem II. bleibt. Auch wieder, um Scham dort zusammen mit dem Pferd hinzuzufügen. Also, das sind diese beiden fügt der Familie der Harmonie hinzu. Als nächstes fügte ich diesen Chor hinzu, auch die Akkorde spielt. Also lasst uns solo. Also hier spiele ich tatsächlich die Narren langen Blockcodes mit Animation und Bewegung aus dem dynamischen Ausdruck. Und dann schließlich habe ich auch einige elektrische Schlüssel aufgenommen. Ich denke, das ist ein Rhodos-Klavier in Schlüssel Escape einige glatte, Low-End-verzerrte Gefühl der Farbe, um den Klang zu haben . Ok? Alles klar, das sind alle Farben. Dann lasst uns vorerst neu zu diesen. Und ich werde den Bass und das Schlagzeug hinzufügen. Ich erinnere mich, die Grundlinie wird auch bieten, bieten ihre eigene Rolle in der harmonischen Progression Ihrer Musikgeschichte. Aber lassen Sie uns einfach auf die Familie der Stimmen hören. Hören Sie Instrumente, die die gesamte Akkordprogression erzeugen, klingt so. Schön. Und schließlich habe ich noch ein paar Drums und diese Baseline hinzugefügt, die insgesamt einen vollen Sound erzeugt. Stellen Sie sich Ihre Kraft als Komponist vor, wenn Sie Instrumente kombinieren teilen, welche Stimmen sie spielen, sowie den Spielstil jedes Instruments und jeder Linie, die Dynamik, den Ausdruck usw. Sie können zu einfache Triade Akkorde auf eine Milliarde verschiedene Arten spielen, indem Sie wählen, wie Sie die Noten im Kontext all Ihrer Instrumente und Ports als Familie spielen. Lassen Sie mich das auch schnell demonstrieren. Also spiele ich hier wieder nur c-Moll bis g-Moll bis c-Moll. Also zwei einfache Triade Akkorde. Das erste Beispiel hier ist ein Klavier. Es klingt so, und Sie können die Knoten hier und den einfachen Stil sehen, richtig? Das gleiche Instrument, Klavier, aber weicher, intimer und konzentrierter auf Akkorde, richtig? Also c-Moll, g-Moll, zurück nach c-Moll. Hier verwende ich kurze Strings mit einigen Marcato-Noten und, und der Rest kurz. Die kurzen Noten oder Staccato, so etwas. Okay, als nächstes habe ich hier ein Streichensemble, das die Akkorde spielt, lange, üppige Noten und diese wachsende, diese Welle der Dynamik und es klingt so. Und schließlich habe ich es auch auf den elektrischen Schlüsseln gespielt, dem Straßeninstrument hier in Schlüsselentzug. Und einige Variationen zwischen, Lasst uns gehen und einen Blick werfen. Also benutze ich hier das Sustain-Pedal, aber eine Ration zwischen ein bisschen Arpeggios-Stil mit einigen Blockakkorden. Und dann bauen wir hier am Ende ein Arpeggio um diese Glocke wie Klang und Schimmer zu bekommen, so etwas wie das. jetzt Maßnahmen, speichern Sie Ihre DAW und üben Sie die Kombination verschiedener Instrumente und Spielstile, um den klanglichen Charakter und die Emotionen Ihres Kernfortschritts zu prägen. Dies ist eine unglaublich wichtige Fähigkeit, die Sie als Komponist entwickeln müssen. Denn Orchestrierung und Arrangement werden einen enormen Einfluss auf das Endergebnis Ihrer Musikkompositionen haben. 10. Einführung – So verbesserst du deine Chord: Also, wie schreiben Sie, führen und drücken Sie Ihre Akkordprogressionen und Harmonie Teile in Ihrer Musik dynamisch, interessant als Sound, erstaunlich. Ich werde Ihnen meine besten Techniken, Richtlinien und Tipps beibringen. Und ich hoffe, Sie werden sie alle ausprobieren, so dass Sie diese Tricks in Ihrem Songwriting und Musikkompositionspeichern können Ihrem Songwriting und Musikkomposition um Ihre Akkorde und Hormon ein Schreiben zu verbessern. Fangen wir sofort an. 11. Erstelle eine Groove mit deinen Akkorde: Erstellen Sie eine Groove mit Ihren Akkorden. Lange Blockakkorde, oder die langweiligste Art, Akkorde und Harmonie in der Musik zu spielen. Stattdessen versucht, etwas Rhythmus in die Spielstile hinzuzufügen. Alle Instrumente, die sie verwenden, um die Akkorde und Harmonien in Ihrer Komposition zu spielen. Das beste Beispiel, das ich geben kann, ist eine Akustikgitarre. Haben Sie jemals gehört, Gitarrenspieler nur einen langen Akkord pro Tür oder die Kernprogressionen spielen ? Wahrscheinlich nicht richtig? Sie spielen ein Schlagmuster, um die Kernprogression interessanter mit einem Rhythmus zu machen und wurden gespeichert, indem sie diese Denkweise eines Strumming-Musters anwenden, auch wenn Sie Ihre Karten auf Klavier, elektrischen Tastaturen oder sogar spielen Orchestersaiten, stellen Sie sicher, dass Sie Artikulationen verwenden, mit denen Sie kürzere Knoten spielen können , da es besser für Rhythmus und Groove auf Kurs in Harmonie funktioniert. Nehmen wir also diese Zeichenfolge in der Probe, zum Beispiel etwa so. Jetzt in unserer Zielposition oder Sustain oder lesen Legato Artikulationen, werden Sie nicht in der Lage sein, rhythmisch zu spielen. Verwenden Sie also zum Beispiel eine Artikulation, Staccato, Marketo, und so weiter, wie diese. Nehmen wir an, Sie möchten ein Klavier in Ihrer Komposition hinzufügen, anstatt lange, langweilige und Blockakkorde wie diese zu verwenden , C-Dur, G-Moll, F-Dur, und zurück zu C, wenden echte Frauen Groove. So können Sie dies zum Beispiel rhythmisch pro Platte so abspielen. Oder Sie können einige Variationen hinzufügen oder Arpeggios wie diese spielen. Oder eine Kombination aus beiden. Semi gebrochen, wie ich es nenne. Also nicht gebrochen wie Arcadia, aber so. Und jede Kombination, die Sie sich vorstellen können, dass Rhythmus und Groove in Ihre harmonischen Fortschritte auf dem Klavier. Also kompensierend statt lange einzelne langweilige Buchplätze. Und als zusätzlicher Bonus, wenn Sie dies tun, ist, dass es viel einfacher und natürlicher ist, diese pulsierenden Noten hinzuzufügen, die außerhalb des Hauptakkord sind . Also, wenn wir zum Beispiel diese C, E, G-Moll F-Progression wieder nehmen , hier haben wir die C-Dur. Aber Sie können zum Beispiel das. Beachten Sie, wenn Sie auf den kleinen Anruf gehen, ein SaaS hier sagt Jesus für und dann gehen Sie in f. und Hinterlegung. Beachten Sie hier, F sub zwei. Und dann c sus4, da ich zwei war und dann C, Also alle diese zusätzlichen Noten oder natürlicher, um in dieser Anzeige so heiß auf die Variation und das Interesse an Ihrer Akkordprogression und oder harmonische Handlung hinzuzufügen . Wie Sie hier im Vergleich zu diesem Marine Corps können, erhalten Sie ein. Dann gibt es einige Instrumente, bei denen Sie automatisch diesen Spielstil von Freiheit und Groove erhalten. Zum Beispiel, eine Harfe, natürlich gespielt mit oder produzieren so etwas , und so weiter. Sie können auch Spielstile verwenden, die mehr Luft und die Stille zwischen den Knoten hinzufügen , um beispielsweise die Hauptbeats, Akzente in Ihren Kernrhythmen zu markieren beispielsweise die Hauptbeats, . Nehmen wir an, auf einem Messing können Sie Sport Asado spielen und nicht einmal eine CPU-Kerne gespielt, aber nur zwei Noten zu einer Zeit der Schnur wie diese. Und denken Sie auch daran, dass eine wahre Magie passiert, wenn einige Instrumente längere Noten und Linien für ihre harmonische Rolle spielen, während andere einen rhythmischen Groove spielen. Die Kombination beider schafft diese Variation und das Interesse an Ihren Harmonien. Also hier habe ich ein weiteres Beispiel für Sie geschaffen, um die Macht der Gruppe zu demonstrieren, sie zu lesen und Stile zu spielen, vor allem in Kombinationen, wenn Sie Ihre harmonischen Geschichten und Musikgeschichten ausdrücken. Also habe ich die gleiche Akkordprogression verwendet, a, C, E, g-Moll, F und C. Also hören wir sie zuerst einzeln an. Also auf dem Klavier habe ich ein bisschen gepaartes Jahr gewählt. Es wird schneller, wirklich schnell in unserem Ped Jahr sein, um eine Gruppe Schnur dort zu bekommen und etwas Variation hier, Mitte spät dort. Aber ich habe mich entschieden, Timing-Variationen zu halten, um noch mehr menschliche Groove und so in die Musik auf den kurzen Saiten hier hinzuzufügen , die auch somatische Saiten sind. Ich habe Staccato statt Stuckkünstler E-Mail gewählt, weil ich das ein bisschen länger wollte. Noten für den Rhythmus. Haben Sie etwas Schwanz in den Ton. Hier bin ich im Wesentlichen spielen die Narren coords in einem kompetitiven Rhythmusmuster auf der Harfe während, aber Sie haben Arpeggios in den meisten Fällen nicht harfen. Okay, und ich habe mich dafür entschieden, nur die Koordinaten zu verwenden. Dann auf den Saiten spiele ich hier, das Unternehmen mit den langen, üppigen Noten. Das ist also nicht so rhythmisch, um ehrlich zu sein. Ich meine, das ist wirklich das, was diesen Schleier von schafft, ABER in diesen Gesamtklang. Dasselbe auf Blechbläsern hier habe ich mich entschieden, lange Akkord zu verwenden. Aber der Unterschied ist, dass ich so weit wie Staccato Artikulation gewählt habe , dass scharf oder Angriff, um diesen Blaserton zu markieren. Okay, und schließlich auf den Flügeln spiele ich diese folgenden langen Noten, Arpeggio-Stil. Aber im Grunde sind es die Akkordnoten Rescore mit einem anderen, lesen Sie sie für jeden EINEN, das eigentliche Arpeggio für jeden Akkord hier. Und in Kombination als Familie. Mit all dem bekommen Sie diese Art von Stil. 12. Akkorde in den Balken ändern: Wechseln Sie Akkorde innerhalb der Balken. Die Verwendung des gleichen Akkord für einen oder sogar zwei volle Takte kann sich in Ihrer Musik sehr langweilig anfühlen. Hier habe ich also ein Beispiel mit einem Klavier mit langen Ein-Blockakkorden mit dieser Akkordprogression hier oben erstellt . Also hören wir es zuerst an. Wenn Ihre Melodien und die Art und Weise, wie Sie Ihre Karten spielen, viel Variation, Rhythmus und Bewegung in jedem Akkord haben. Sie können natürlich den gleichen Kurs für eine längere Dauer nutzen und trotzdem eine tolle Musik machen. Nehmen wir also dieselbe Akkordprogression, die auf Klavier gespielt wird, aber wenden Sie einige Redmond-Groove auf den Peststil jedes Akkord an. Also wird jeder Akkord für einen Takt dauern, aber ich füge etwas Interesse mit dem Groove und dem Spielstil hinzu, so etwas, sei flach, d-Moll. Und sieh mal. Und natürlich, wenn Sie viel Animation und Bewegung hinzufügen, wie ich es bei diesen Saiten getan habe, die immer noch Ein-Blockakkorde wie diese spielen, B flach bis D-Moll. Aber du bekommst eine dynamische Bewegung. Und natürlich, wenn Sie weitere Instrumente spielen hinzufügen, sagen wir, ich füge ein Klavier darüber hinzu. Dann bekommt man natürlich mehr Variation davon. Also immer noch den gleichen einen Balken pro Datensatz verwenden. Aber Sie erhalten Animation, Bewegung und Variation und mehr Tiefe aus dem einfachen Stil und der Bewegung Ihrer Musik. Aber experimentieren Sie damit, über einen Takt Akkorde hinaus zu gehen , um mehr harmonische Variation in Ihrer Musik hinzuzufügen, sollten Sie erwägen, ein paar weitere Akkordänderungen in Ihrem Fortschritt hinzuzufügen. Die besten Momente sind in der Regel am halben Takt oder auf einem Beat, einer Viertelnote. Okay, also gehen wir zurück zu diesem Klavier hier. Ich habe das erste Beispiel mit One-Bar-Blockplätzen gemacht. Als nächstes habe ich hier eine weitere Demonstration für dich aufgenommen, bei der ich die Akkorde zweimal pro Takt austausche. Also zuerst kommen wir von B-Dur, B-Dur sieben, dann von d-Moll zu d-Moll sieben, dann F Sus zu zwei. Also eins, und du bekommst mehr Variation. Ich benutze übrigens das Sustain-Pedal. Also klingt es jetzt so. Richtig? Ein bisschen steifer Stahl, denn nur mit Blockakkorden, jede Note zur gleichen Zeit der Schnur zu spielen, ist ziemlich steif auf, vor allem auf Klavier. Also, wenn ich das Klavier heraufbringe, so können Sie es hier sehen, wenn wir das spielen. Also, beginnend mit der B-Wohnung, dann ging ich zu B-Wohnung, Major sieben, dann d-Moll. Und dann die Minor Sieben so. So, und Sie können beginnen, einige rhythmische Groove in Ihrem Spielstil dieser hinzuzufügen. Also dann, zum Beispiel, von F, G, vielleicht, wenn Sinn für Sie. Und dann sehen Sie vielleicht SaaS tun. Auf diese Weise können Sie viel ruhigere und harmonische Tiefe zwischen, zwischen den Balken hinzufügen . So erhalten Sie mehr harmonische Variation sowie einige Groove in den Planungsstil. Ich hatte das tatsächlich auf dieser kurzen Saite gemacht ist hier. Also spielen sie Baseballkurs, aber wir haben Variation in den Akkordänderungen hier auf dem letzten Beat hinzugefügt, wie Sie sehen können. Dann auch hier auf dem letzten Beat. Dann habe ich es an der halben Balkenlinie hier gewechselt, damit Sie sehen können, und dann schlug der letzte Quartal Notenverlust dort. Und es hört sich so an, sagen wir solo, ja. Und so weiter. Und schließlich, lassen Sie mich Ihnen zeigen, was ich hier mit diesem Saiten-Arrangement gemacht habe. Es klingt also wunderschön. Und wenn Sie interessante Melodien hinzufügen, die den Fokus nehmen, könnte dies völlig in Ordnung sein, aber es entwickelte sich mehr harmonisches Interesse. Dann lassen Sie uns dieses Beispiel nehmen, wo ich habe, Ich habe die Noten aufgeschnitten und einige Bewegung hier statt Bündel lange Notiz gemacht. Provost, einige Stimme führende hinzufügen. Dann können Sie sehen, dass dies mit einem B-Dur beginnt, dann geht es zu B-Dur sieben dort. Wenn wir hier nehmen, können Sie sehen, dass es ein F Sus ist, in ein F zu gehen, in C zu gehen und dann diese, und diese Stimme ändert sich. Es ist also ein C um neun. Und Sie bekommen viel interessantere Bewegung in der Akkordprogression. Ihre Musik wird harmonisch reicher, wenn Sie Akkorde innerhalb eines Wildschweins wechseln, und nicht nur bei den exakten Board-Übergängen . 13. Transition: Fügen Sie Übergangskorde hinzu. der Musik geht es darum, eine Geschichte mit Klängen anstelle von Visuals zu erzählen. Und was für jede gute Geschichte wirklich wichtig ist. Der Fluss Ihrer Story-Linie. In diesem Fall nehmen Sie Ihren Zuhörer auf eine Fahrt, die sich wie eine Achterbahn mit Höhen und Tiefen, Drehungen und Kurven anfühlt. Aber immer bewegen sich in einem Fluss, der Ihre Musikgeschichte von Anfang bis Ende nimmt. Und das gilt auch für deine Akkordprogressionen. Eine Möglichkeit, den Fluss zu verbessern, ist mit Stimme führend für eine glattere Fahrt, aber auch mit Freunden Session Akkorde und pulsierende Akkorde, um die Reise zwischen den Schnüren interessanter zu machen. Lassen Sie mich also demonstrieren, indem Sie Übergangsakkorde verwenden, um Ihre Kernprogression aufzupeppen und die Übergänge zwischen Akkorden interessanter zu machen. Nehmen wir an, Sie sind ein Unternehmen ist flach. In Ordnung? Nun, das erste ist, dass Sie von C-Dur zu F-Dur gehen. Was Sie tun können, ist eine Akkord-Inversion zu verwenden. So spielte zum Beispiel F-Dur so. Also, diese Topsy hier unten zu machen. Jetzt bin ich hier von C-Dur zu tun, F-Dur wird glatt, ER, aber Sie können auch einen Übergangsakkord wie diesen hinzufügen, C. Und dann sagen wir c sus4, denn das ist eine F-Note ist auch im EF-Kern offensichtlich. Bieten Sie es so an. Okay, wieder, C und so einen letzten Beat. Und Sie können auch einen anderen Akkord verwenden oder einen siebten Akkord machen, sagen wir, sehen, dass C-Dur 7. Und dann gehen Sie bald wieder zu Ihnen. Und du hast gehört, dass der letzte Akkord im letzten Takt vor den Hofketten ist. Und dann sind Sie bei F, F sus4. Wenn Sie zu B-Dur gehen, wie Sie hören können, schafft es interessanter und im Grunde bindet die Akkorde glatter zusammen. Anstatt nur Akkordwechsel, sie sind die besten Momente, um diese kurzen Akkorde hinzuzufügen , ist in der letzten Viertelnote vor dem nächsten Takt, wo ein neuer Akkord ins Spiel kommt. Die Übergangskabel muss sich nicht einmal sehr von den beiden Hauptgerichten unterscheiden. Aber es kann sehr oft einfach eine Variation von einem von ihnen sein. Zum Beispiel ein siebter Akkord, ein abgehängter Akkord, veränderte Basisschnur. Hinzugefügt Notenakkord oder andere Variationen eines dieser beiden Hauptakkorde im Übergang zwischen ihnen. Lassen Sie mich also schnell die zwei verschiedenen Arten von Übergangskurs demonstrieren. Das erste habe ich bereits demonstriert, was ein, ein anderer Code kälter ist , aber immer noch den gleichen Wurzelknoten verwendet. So C bis F. Sie können zum Beispiel sus4 tun. Sie können sehen, lassen Sie uns die sechs Träne hinzufügen. Also CC, C große Forschung. Sie können C sieben tun, dieses Haar, so erstellen Sie einen C-siebten Dur-Sieben-Akkord, und so weiter. So verschiedene Farben, aber mit der gleichen Wurzelnote des Akkord oder sogar der nächste Akkord. Aber Sie können auch einen Übergangskoord machen. Die andere Möglichkeit besteht darin, einen völlig anderen Koordinierungsknoten, einen völlig anderen Routenknoten zu verwenden . Von C nach F können Sie beispielsweise möchten, da dies E und G im Inneren verwendet, da dies E und G im Inneren verwendet wenn Sie diesen Knoten einfach verschieben, erstellen Sie eine E-Moll. So können Sie das als Übergangsakkord tun. Man hört, dass hier eine völlig andere Akkordprogression ist. Da es so kurz ist, Das ist die Bedeutung von Übergangsakkorden abstoßenden Kurs. Sie sind nur der Zwischenschritt zwischen Hauptgang, in diesem Fall C-Dur und F-Dur. Aber sie können eine Menge interessanter Farben zu Ihrer Akkordprogression hinzufügen , indem sie entweder die Farbe des gleichen, also die gleiche Wurzelnote, aber einen anderen Geschmack davon, oder einen abgeschlossenen anderen Akkord für einen kurzen Moment, während die Übergang geschieht so. Jetzt habe ich auch ein paar Demonstrationen hier in der DAW erstellt. Also fangen wir hier an. Dies ist die Akkordprogression, d-Moll, C, d-Moll usw. Und man kann hier nur Blockakkorde sehen, also kein Übergangskurs. Das hört sich so an. Oder zwei Bars, D-Moll hier und dann flach zu sein. Ok? Nun, die nächste Sache ist, ich kopiere das hier im Grunde auf eine andere Spur, und dann schneide ich es auf und schuf hier im letzten Beat einen anderen Akkord oder eine andere Farbe hier, hier, hier, und so weiter. Und das sind Übergangsakkord. Also lasst uns jetzt auf den Unterschied hören. Okay, also viel mehr Interessen, interessante Bewegung und Variation in der Akkordprogression. Also mal sehen, wir gehen von d-Moll hier. Und dann habe ich mich entschieden, D-Moll zu verwenden, 11 hinzuzufügen. Und hier, C bis C sieben, d-Moll, D-Moll sieben, und so weiter. Du spielst natürlich kein Buch. So auf Klavier, weil es steif klingt, aber Sie können Ihre gesamte Akkordprogression als Skizze an der Spitze Ihres Sequenzers schreiben und alle diese Übergangsplätze einschließen und sie als visuelle Anleitung verwenden, wenn Sie Ihre Musik arrangieren. Aber ich habe auch dieses Beispiel erstellt, wo, denn hier habe ich tatsächlich jede Note in der Koordinate geändert oder wiederholt , die diese Blöcke so erzeugt. Vergleichen wir das also mit dem vollen Akkord. Also jede Änderung, alle Knoten ändern oder wiederholen. Aber hier an den Streichern habe ich euch gezeigt, wie viel mehr eine lyrische und schöne Art , Harmonie zu vollbringen ist, dass die einzelnen Stimmen ihre eigenen individuellen Linien machen. Und man erzeugt normalerweise keine Akkordänderung wie diese, wie ein Block, sondern als einzelne Stimmen. So haben Sie individuelle Stimmbewegungen. Hier sehen Sie also die d-Moll hier, die Top-Stimme bleibt gleich, auch die niedrigste. Dieser ändert sich im letzten Takt. Heutige. Und dieser geht hinunter, um diese Sprachbewegung hinzuzufügen, denn jedes Mal, wenn sich sogar eine einzelne Stimme ändert. Zum Beispiel, sagen wir, hier haben Sie ein C und dann geht dieses Top g bis b. Und das ist verrückt. C7 ist nur eine Stimme oder ändert sich. Die anderen Zustände sind die gleiche R, die diese lyrische schöne Art einer harmonischen Progression hinzufügt . Und wieder, wie bei den Übergangskorden hier, können Sie als Richtschnur den letzten Takt jedes Taktes oder den halben Takt hier haben , um diese stimmigen Bewegungen hinzuzufügen. Und in den meisten Fällen wollen Sie nicht, dass sich alle Spannungen gleichzeitig bewegen, sondern nur eine einzelne Stimme oder vielleicht in einigen Fällen hier, denn wenn alle Änderungen, die für Ihre Hure Harmonie etwas schlammig klingen können. Und Sie können den Zusammenhalt der verlieren, der Fokus dessen, was jeder Code tatsächlich in Ihrer harmonischen Geschichte ist. Aber das ist die Essenz eines Übergangsakkorde in der Musik. Also experimentieren Sie mit diesem, gehen Sie von langen Buchakkorden und beginnen Sie, Übergangskurs hinzuzufügen, entweder der gleiche RootNode mit einer anderen Farbe, der Akkord, siebte Akkord, suspendierte Akkord, fügen Sie sechs Akkord und so weiter, oder einen ganz anderen Akkord. Und denken Sie auch daran, dass Sie auch nur eine oder zwei Stimmen gleichzeitig ändern können und so eine Harmonie als Übergang in den nächsten Akkord erzeugen können. 14. Bessere Stimmführung: Verwenden Sie eine bessere Sprachführung. Voice Leading in der Musik ist die Kunst, zu wählen, wie man den Fluss jeder Stimme in den Akkorden und Harmonien im Laufe der Zeit spielt und verbindet. Zum Beispiel, wenn Sie einen C-Dur-Akkord spielen, die Noten oder C, E und G, aber Sie können mit jeder dieser Noten in einer anderen Reihenfolge als die Standard-Wurzelposition spielen . Wenn Sie sie als E, G und C spielen , wird es erste Inversion genannt. Und wenn Sie sie als G, C, E spielen , wird es die zweite Inversion genannt. Und wenn Sie Akkorde mit vier Knoten spielen, wie zum Beispiel siebte Akkorde, können Sie auch eine dritte Inversion bekommen. Zum Beispiel, wenn Sie einen C-dominanten siebten Akkord haben, C, E, G, B flach. Nun ist die erste Umkehrung nach oben, mal sehen wir hier, die zweite Umkehrung, die dieses E hier nach oben bewegt. Und die dritte Inversion, weil Sie eine zusätzliche dritte Inversion bekommen, wenn Sie einen Vier-Tonen-Akkord haben , der dieses G hier oben bewegt , alle von ihnen, oder C7, aber drei verschiedene Umkehrungen. Meistens möchten Sie Ihren Kurs auf eine Weise spielen , die den Kernprogressionsfluss glatter macht, was bedeutet, dass Sie Inversionen für Ihre Akkorde wählen. Das erzeugt immer kürzere Sprünge der internen Kernstimmen. Nehmen wir an, Sie wollen von C nach F gehen. Nun, das ist ein großer Down. Nun, Sie könnten entweder eine Inversion des C-Akkord verwenden, bevor Sie zum F gehen, so. Bewegen Sie das eine Oktave nach oben. Also haben Sie den C-Dur in der ersten Inversion. Und dann wird das C bleiben, weil diese beiden anderen Stimmen einfach so nach oben gehen, um den F-Akkord zu erzeugen. Auf diese Weise bekommt man eine glattere Stimme, die zwischen diesen Gerichten führt. Oder Sie können wählen, ob Sie Glow in die andere Richtung verwenden, mit C-Position beginnen und dann eine Inversion des F-Dur Akkord verwenden. Also bewegen Sie das eine Oktave nach unten, so. Und das ist auch ein F-Maßnahmen-Quartal. So geht's so. Aber Sie können einen Schritt darüber hinaus gehen. Wenn Sie beginnen, einige der Kernstimmen in der Schnur zu verdoppeln, und ändern Sie dann, wie Sie die Akkorde sprechen, während Sie spielen. Zum Beispiel ist C, E, G ein basischer C-Dur-Akkord. Nun, wenn Sie dann ein weiteres C hinzufügen, eine Oktave darüber, also C, E, G und C, können Sie eine glatte Stimme erzeugen, die zum Beispiel zu einem C-dominanten siebten Übergang führt . Danach C, E, G, B flach. Nun, sagen wir, Sie folgen, indem Sie zu F sus4 gehen und dann sagen lassen, ob Major davon. Nun, herzlichen Glückwunsch, Sie haben gerade eine große kleine Akkordprogression mit kreativer Stimme geschaffen , was fügt, dass schöne und reibungslose Übergang zwischen Ihren Gerichten. Also hier habe ich ein Beispiel für eine Akkordprogression erstellt nur mit Standard-Wurzelposition Akkord verwendet. Also CGD-Moll, ein Minderjähriger. C, F und C. Und es klingt so sehr nervös und steif, weil man für jede Stimme bekommt. Das erste, was Sie tun können, ist einfach aufhören, diese wie diese eine Oktave unten zu transponieren, um eine Inversion davon zu machen. Und Sie können es tatsächlich sehen, jetzt teilen, so dass Sie eine weniger erhalten, springen Sie auf die Stimme Übergang zum nächsten Akkord. So wie das. Aber sagen Sie, dass einer unten ist vielleicht oben. So können Sie sehen, dass Sie beginnen, jedes Blatt oder Stimmen wie diese zu reduzieren. Richtig? Das ist also der erste Schritt. Der nächste Schritt, den Sie tun können, ist hinzuzufügen, wenn Sie große Sprünge bekommen, die Sie nicht vermeiden können. Wie zum Beispiel, hier, ist dies der Wurzelknoten von Basen ein C-Akkord, aber es geht zu G. Dann als nächstes als der Kern. Das ist also nur die Wurzelnote in Oktaven oder den Gerichten hier. Sie können beginnen, tatsächlich einige Übergänge wie Voice-Leading hier zu erstellen. Nehmen wir also an, das C geht hier so, um glatt ER zu gehen, zur nächsten Note. Und all diese zusammen können eine viel glattere Akkordprogression erzeugen. Also, wenn Sie dies hier überprüfen, habe ich das genommen und ich bereite dieses Beispiel vor, wo ich diese verwendet habe, beide dieser Techniken. Und Sie können auch, es muss nicht die gleichen Sprünge hier sein. Also hier ist es verloren geschlagen, wo ich eine Änderung hinzugefügt. Aber hier habe ich alles geschafft. Die untere Note hier, halber Balkenstrich. Ich meine, du bist völlig frei. Stellen Sie nur sicher, dass Sie nicht zu viel von einem Chaos für das aktuelle Kabel schaffen , wo immer Sie beginnen, diese Art von Sprachführer hinzuzufügen. Also hier bekommen wir von einem C. Und wenn Sie sich entscheiden, nach unten oder nach oben für irgendeine Stimme in Ihrem Code zu gehen, stellen Sie sicher, dass Sie keine verrückte Art von natürlich erstellen, das ist nur eine C-Dur 7. Hört sich so an. Die wichtigste Lektion, die Sie lernen müssen, ist, jede Zeile zu behandeln , hat ihre eigene Stimme in Ihrem Code. Und wenn ich zum Beispiel einfach die oberste Zeile hier, drei auswähle, hat das seine eigene Stimme oder in deiner Harmonie. Sie möchten also, in den meisten Fällen haben weniger Sprünge. Das ist also die Säure. Haben Sie Schritte oder einen Ton? Bewässerter Halbton, und so weiter. Und ich habe das bei allen Stimmen gemacht. Du bekommst keine großen Sprünge. So erhalten Sie diese glatteren Fortschritte. Und es ist besonders wichtig bei Instrumenten mit lang anhaltenden Noten, wie Streichern und anhaltenden Blechbläsern und so weiter. Also hier habe ich das gleiche Beispiel an einer Saite in Samba Patch und seinem Arm jetzt so gemacht. Also, wenn Sie diese zusätzlichen Noten hinzufügen, um eine glattere und bessere Stimme für Ihre Akkordprogressionen zu schaffen. Sie sollten vorsichtig sein, zu viel gleichzeitig zu tun. So, zum Beispiel, hier, diese Stimme geht hier unten, während diese bleibt die gleiche, bis das Gericht ändert. Und hier kommt man auf die halbe Handfläche. Ok. Führen Sie nicht alle Änderungen gleichzeitig durch. Oder es wird wie sein eigenes Kernwort behandelt. So können Sie das natürlich tun, ebenso wie Übergangsgerichte und pausierende Gerichte. Aber hier, wenn wir über Sprachführung sprechen, behandeln Sie sie individuell, die Stimmen, aber machen Sie nicht zu viele Veränderungen gleichzeitig. Also hier habe ich mit diesem zu da und diesem auch dort gemacht. Aber dieser hier, dieser, und dieser bleibt gleich. Und auch, wenn wir über die Wurzelnote für das Kabel Solar sprechen, wird es in den meisten Fällen in der Basis gespielt. Und manchmal auch der Oktan der Bassnote. Das ist die Stimme, mit der Sie am besten vorsichtig sein möchten , denn das bietet den tonalen Anker für den Hörer, den Wurzelknoten jedes Akkords. Stellen Sie also sicher, dass Sie das in den meisten Fällen länger halten und tun Sie die Stimme, die mehr auf der dritten und fünften und anderen Stimmen Ihrer Aufzeichnungen führt. So können Sie jetzt üben, wenn Sie Ihre Kernprogression schreiben, um Ihre Stimmen anzuordnen und zusätzliche Passnoten hinzuzufügen, um glattere Übergänge von Stephen zu schaffen, blockieren Akkorde wie diese, in etwas mit interessanterem glatterem Übergang der inneren Stimmen. Das macht Ihren Kernfortschritt aus. 15. Benutze kreative Chord: Verwenden Sie kreative Akkord-Voicing, so genannte Inversionen und Sprachführung ist der grundlegende Weg, um Ihre Kernprogressionen reibungsloser fließen zu lassen. Aber lassen Sie uns das noch einen Schritt weiter machen. Stellen Sie sich einen Gitarrenspieler vor, der einen Akkord mit allen sechs Saiten einer akustischen Gitarre spielt . Dies bedeutet, dass einige Akkordnoten verdoppelt werden. Und in einigen Fällen kann der Gitarrenspieler wählen, stumm zu schalten, was bedeutet, dass Sie nicht eine oder mehrere der Saiten spielen. Lassen Sie mich diese auf diesen Akustikgitarren Plugin schnell demonstrieren. Also werde ich einen e-Moll Akkord spielen. Also lassen Sie uns einfach eine Down-Cord-Software spielen. Und Sie können sehen, wie die Saiten schwankend alle diese niedrigsten drei Saiten gespielt werden, diese offene Saite, und diese beiden auf dem zweiten Bund. Wenn ich etwas härter drücke, ist es immer noch die gleiche Kohorte, aber jetzt trumpfst die Gitarrenspieler jeden Akkord. Also alle sechs, oder jede Saite, alle sechs Saiten. Was bedeutet, dass einige der Schnurstimmen verdoppelt werden. Und wenn ich einen Aufschlag mache, geht in die andere Richtung, und drei verschiedene Saiten hier. Diese vier Saiten jetzt, so können Sie sehen, dass es der gleiche Akkord, E-Moll, aber es ist eine andere Farbe abhängig von der Stimme. So können Sie sehen, dass Sie die Akkordstimmungen erstellen können , mit denen Noten Sie in Ihren Codes verdoppeln. Nehmen wir an, Sie haben einen F-Dur-Akkord, F, a und C. Nun, denken Sie wie ein Gitarrenspieler, welche dieser Kernstimmen Sie verdoppeln wollen und wo? Nehmen wir also die C, die Kopfnote und verdoppeln eine Oktave darunter. Nehmen wir die Wurzelnote und verdoppeln, dass eine Oktave darunter ebenfalls. Also haben wir F, C, F, A, C Analyten. Fügen Sie einfach ein weiteres F hinzu und darüber hinaus. Das ist jetzt derselbe Akkord. Aber mit und Akkordstimme als die einfachen drei Noten Akkord hier. Hat Akkorde verursacht. Zuerst müssen Sie den Unterschied zwischen geschlossenen und offenen Akkordstimmungen verstehen. Ein geschlossenes Voicing, für die Aufnahme ist einfach, dass alle Knoten über der Schnur verteilt sind, so dass es keine Lücke zwischen den Noten gibt, was bedeutet, dass keine übersprungenen Noten Teil des Akkord sind. Und eine offene Schnur ist jedoch, wenn Sie sich entscheiden, die Stimmen des Akkords so zu verteilen, dass es tatsächlich einen Raum zwischen einigen Koordinaten gibt , die Sie verwenden. Lassen Sie mich also den Unterschied zwischen einer geschlossenen Schnur und einer offenen Akkordstimme demonstrieren. Nehmen wir also einen C-Dur-Akkord, C, E und G. Okay? Also, wenn Sie das so spielen, ist dies eine geschlossene Akkordstimme, weil die Noten C, E und G, gibt es kein C, E oder G zwischen einer dieser Noten. Und selbst wenn ich es mit einer anderen Umkehrung ausspreche und das hier oben schiebe, gibt es immer noch kein C, Nein. Die internen Kernstimmen dazwischen, man überspringt nichts. Aber sobald Sie so gehen, nehmen Sie diesen Knoten zum Beispiel eine Oktave oben. Nun sind die Kernnoten C, E und G. Aber wie Sie sehen können, ist hier eine der tatsächlichen Koordinaten, die übersprungen wird. Und das c hier wird auch übersprungen, was bedeutet, dass dies eine offene Akkordstimme ist. So können Sie auch weitere Knoten hinzufügen. Nehmen wir an, Sie haben die Wurzelnotiz das C unten, schreiben Sie das. Dann nimmst du das dritte, sag es da drüben. Und dann nehmen Sie, sagen wir wieder die Wurzel, ihr Glaubenspaar und die Wurzelhaare. Das ist also eigentlich ein C-Dur-Akkord mit offenem Akkord. Und vergleichen Sie das mit einem geschlossenen Akkord, was so etwas sein könnte. Selbst wenn Sie alles so verdoppeln. Das ist immer noch eine geschlossene Kohorte Kurse. Und wieder, ein offener Akkord-Stimmen ist immer dann, wenn man eine der internen Gerichtsstimmen überspringt. So zum Beispiel, C-Dur gesucht. Wir sehen, ob Sie eine Notiz hier als Teil der Koordinate wie folgt überspringen. Dies ist eine offene Akkord-Voicing und Sie können es aussprechen, wie Sie wollen, wie weit Sie wollen, wie JB oder Dritte. Und das ist ein sehr weiträumiger Akkord-Voicing. Natürlich schafft dies natürlich einen offeneren Klang mit besserer Trennung zwischen den Stimmen und als Luft für andere Instrumente, um melodische Linien, Themen, Riffe oder was auch immer Sie hinzufügen möchten. Aber zu viel Abstand kann die Schnur locker machen. Es ist gekühlt, Foundation und Verbindung. Und stattdessen fühlen Sie sich wie völlig getrennte Linien statt einer Erkältung. Man muss also vorsichtig sein, wie weit man die Kernstimmen ausräumt. Lassen Sie mich dies also auf dieser Klavierakkordprogression in e-Moll demonstrieren. Also fange ich in e-Moll an, gehe zu e-Moll sieben, um Jesus für G zu sehen und so weiter, klingt so. Okay, hier benutze ich nur wieder geschlossene Akkorde, es bedeutet, dass jede dieser quadratischen Stimmen, ich überspringe keine interne Akkordstimme. Es gibt zum Beispiel hier keine E-Moll, E, G und B. Also haben wir hier E, G und B. Es gibt also keine EEG- oder B-Notiz zwischen diesen Noten. Sobald Sie einen Knoten davon nach oben oder unten transponieren, erstellen Sie ein offenes Voicing. Nehmen wir zum Beispiel die untere Linie hier eine ganze Oktave wie diese. Jetzt haben Sie einen offenen Akkord der sich so äußert. Und sagen wir, Sie transponieren die obere Linie eine Oktave. Das wird ein bisschen zu breit. Es wird nicht mehr nach einer Erkältung klingen. Weil es zu weit Platz ist. Natürlich, wenn Sie dies verwenden und füllen Sie es mit anderen Instrumenten, das wahrscheinlich funktionieren kann, aber seien Sie vorsichtig mit, wie weit Sie jeden Akkord ausräumen und wenn Sie sie ausräumen, können Sie auch, zum Beispiel, verdoppeln Sie die Linien. Nehmen wir an, Sie nehmen diese untere Linie und dann verdoppeln Sie die hier oben. Nun, da wir noch eine offene Akkordstimme haben. Aber Sie beginnen, einige der Lücken zu fühlen, um den Stahl fühlen sich wie eine Akkordprogression und nicht nur einzelne Stimmen. So können Sie diese Konzepte verwenden, die geschlossene Position Akkorde und die offenen Position Akkorde, und die Stimmen genannt. Sie verdoppeln auf kreative Weise für Ihre Akkorde in Ihren Kernprogressionen. Und eine gute Richtlinie ist es, sicherzustellen, dass der Wurzelknoten jedes Akkords das meiste Gewicht und den Fokus in Ihrem Akkord hat, was in den meisten Fällen bedeutet, ihn als niedrigste Note zu verwenden und sogar eine Oktave darüber zu vertuschen. Nehmen wir an, Sie möchten ein C Stimme geben, neun Akkord in Ihrem Akkordprogression hinzufügen. Anstatt es gerade zu spielen, ohne so zu verdoppeln. Und dann ist das Add 9 eigentlich das D hier, obwohl die neun Punkte Zahler sind, aber in geschlossener Position ist es eine, D, E und G. Also C89, geschlossene Position. Experimentieren Sie mit der Stimme. Zum Beispiel, lassen Sie uns den Wurzelknoten verdoppeln, also eine Oktave Biao, Also lassen Sie uns C und dann eine andere C eine Oktave oben, dann gehen Sie zum perfekten Fünftel des Akkord. Also die G, und dann gehen Sie zum d, das ist eigentlich die Add neun. Und dann können Sie, sagen wir mal wieder die perfekte fünfte G, die Wurzelnote wieder für noch mehr Fokus auf das Tonikum oder die Wurzelnote des Akkord nehmen. Also C, und beenden Sie dann mit der endgültigen Last e, die in diesem Fall die dritte ist. Ordnung, also lassen Sie mich jetzt diesen großen Unterschied in Ton und Colmar demonstrieren , indem ich Akkordstimme so kreiere. Also hier habe ich Sie sehen, fügen Sie neun Akkord in geschlossener Position, C, D, E und G. So. Aber hier, wie ich Ihnen gerade gesagt habe, habe ich mich dafür entschieden, dass der Wurzelknoten hier im Bass eine Oktave darüber verdoppelt. So sehen wir uns wieder. Dann der perfekte Drehpunkt, die g, dann die Neun hinzufügen, die d, Dann das perfekte Geschenk wieder. Also g, dann die Wurzelnote hier, C, und dann die dritte ist E, was so klingt, vorher. Und jetzt danach. Völlig unterschiedlicher Ton und Farbe, exakt der gleiche Akkord. Sie daran, dass es normalerweise empfohlen wird, sich auf den Wurzelknoten zu konzentrieren, und oder perfekte Fünftel im unteren Bereich, würde ich sagen, unter Mitte C. Für Ihre Kernprogressionen sollten Sie in den meisten Fällen nur die Wurzel Knoten jedes Akkord und, oder perfekte fünfte Harmonien und Stimmen. Und dann über dem mittleren C, können Sie kreativer sein mit den Stimmen und den Intervallen, die Sie hinzufügen. In deinen Kernstimmungen. Na gut, sagen wir, Sie haben einen D-Dur-Akkord. Also hier ist Mitte C. Also unter dem mittleren C, empfehle ich, dass Sie vorsichtig mit dem Hinzufügen von Hormonen außer der Wurzelnote des Akkords sind . Also d in diesem Fall, und die perfekte fünfte, so ein in diesem Fall. Nehmen wir an, Sie beginnen hier am unteren Ende mit einem D und dann einer Oktave darüber. Und dann der vollkommene Glaube hier. Und dann die eigentliche D, F scharf und a, die noch klar und fokussiert ist. Und wenn Sie hier schauen, Ich habe tatsächlich die Wurzelnote in der verdoppelt, erhält. Hier unten Mitte C. Ich habe keine andere Harmonie oder die Stimme des Akkord außer der Wurzel und die perfekte fünfte, Wurzel, Wurzel, Perfektiv, und dann den Rest des Kerns. Also, jetzt gebe ich dir einen Tipp, wie du mit kreativem coolem Voicing üben kannst. Also empfehle ich Ihnen, Klavier zu üben, wie ich es hier getan habe, richtig? Ihr Kernfortschritt. Und dann verwenden Sie die Wurzelnote jedes Akkord in Oktaven mit der linken Hand und spielen den eigentlichen Code mit der rechten Hand. Und hier können wir Inversionen verwenden, wenn Sie möchten, aber halten Sie sich an die Wurzelnoten hier unten. Lassen Sie mich Ihnen das auf Klavier zeigen. Also, wenn Sie hier C-Dur spielen, warum? So sehen Sie in Octavius dort. Und dann, selbst wenn Sie eine Inversion verwenden, also nehmen Sie dieses C eine Oktave wie diese hoch. Spielen Sie hier immer noch die Wurzelnote. Dann nehmen wir an, Sie gehen zu einem Minderjährigen, spielen das in einer Inversion wie dieser, gehen Sie zu RootNode Sinopterus hier, also sagen Sie so. Und sobald Sie diesen Kernprogression aufgezeichnet haben, quantisieren Sie ihn einfach zu Balken oder haben Sie Balken, wie ich es hier getan habe. Und dann beginnen Sie zu experimentieren, indem Sie eine der Stimmen nach oben oder unten bewegen , um offene Akkordstimmungen zu erstellen, um die Inversionen zu erzeugen, die Sie mögen. Sagen wir mal, du willst das so nach oben bewegen. Lasst uns das nach oben bewegen. Nun, das ist eine glattere Stimme, die hier führt. Hoppla, Typ, so. Und sagen wir, Sie erkennen, dass Sie sich zum Beispiel diese Akkordstimme hier betäuben wollen. Also das ist g, w, h, indem Sie es kopieren und eine Oktave hinunter bewegen. Also haben Sie das. Und sagen wir, Sie wollen das haben, doppelt so. Zum Beispiel, eine Oktave oben so. Die Schwung und Oktave oben und Raum es aus, wie Sie es mögen. Darum geht es also darum, Akkord-Voicings zu schaffen. Geschlossene vs. offene Akkordstimmungen. Und welche Stimmen Sie verdoppeln wie ein Gitarrenspieler, verdoppeln, indem Sie mehrere Saiten der gleichen Noten spielen, aber verschiedene Oktaven. Und wie weit man es im Bereich der Oktaven in der Musik ausräumt, und so weiter. 16. Voice pro Instrument: Stimmanordnung pro Instrument. Das Tolle an Kurs und Harmonie in der Musik ist, dass Sie völlig frei sind , alle einzelnen Akkordstimmen zu teilen, so genannte Notizen, die auf jedem Instrument in Ihrer Komposition gespielt werden. Angenommen, Sie haben eine Standard-C-Dur-Triade, C, E und G, dann können Sie wählen, die Wurzelnote zu spielen. So sehen Sie auf der Basis, die C, eine Oktave oben auf den Untiefen, das E könnte von der Bratschenpartie und das G auf Violinen gespielt werden. In Ordnung, also lassen Sie mich Ihre kreative Freiheit mit Stimme Arrangement pro Instrument demonstrieren . Und ich habe diese kleine einfache Akkordprogression von C-Dur zu G-Dur und dann zurück nach C erstellt . Also ist die Stimmanordnung, die ich hier gewählt habe, auf der Basis, ich benutze einfach den Wurzelknoteneintrag, also C nach G und zurück, um hier zu sehen. Ok, sehr einfach. Dann auf den Saiten entschied ich mich, die Wurzelnote zu spielen, aber eine Oktave höher wie diese, verdoppelt sich mit den Banken. Okay, als nächstes habe ich etwas Messing hinzugefügt, und hier habe ich mich entschieden, was sehen, ich habe ein E hier. Also der dritte des C-Dur-Akkord, der B, das ist dieser dritte des G-Dur-Akkord, und dann wieder der dritte. Also lasst uns das übrigens so quantisieren. Also lasst uns sie jetzt einfach übereinander stapeln. So haben wir die Wurzelroute eine Oktave höher und das Messing ist die dritte, dritte. Dann fügen Sie die Flügel oben drauf. Und hier werden verwendet, Mal sehen. Beginnend mit dem G, dem perfekten Fünftel des C-Dur-Akkord. Dann gehen Sie in, lasst uns das quantisieren, übrigens. Whoops. Dann gehen wir zu, sagen wir das d, ist das perfekte Fünftel des G-Dur-Akkord, und dann sehen, welche tatsächlich die Wurzelnote des Akkord ist. So eine andere Reihenfolge hier. Also schließlich benutze ich nur zwei Solozeilen, eine Note zur gleichen Zeit, aber im Chor hier habe ich tatsächlich mehr Noten verwendet. Also lassen Sie uns sagen, gegen sollte einen Blick auf das hier nehmen. Ich begann mit dem E und dem G, das ist der dritte und ein perfektes Fünftel des C-Dur-Akkord. Dann nenne ich das g, das die Wurzel des nächsten Akkord ist, G-Dur. Und fügte eine Stimme führende, hatte die d, das ist das perfekte Fünftel der G-Dur-Akkord. Und dann endet es mit einem C-Dur-Akkord. Und hier benutze ich eine Wurzel und eine dritte. Es geht also so. Ok, so super einfach. Aber mit all dem zusammen, beginnt es interessanter zu werden. Einfach durch die Verwendung kreativer Stimmanordnung für jeden Akkord pro Instrument. Dann können Sie immer noch ein Klavier spielen den Code rhythmisch mit allen Koordinaten und verdoppeln die Wurzel und fünfte, zum Beispiel, um Harmonielinie auf einem Blechbläser und Sample-Spur zu spielen und so weiter. Okay, also lasst uns einfach versuchen, etwas live auf dieser Klavier-FAQ oben auf diesem Stimmarrangement aufzunehmen . Also werde ich nur C-Dur zu G-Dur bis C-Dur spielen. So etwas wie das. Ich meine, etwas Nut hinzufügen und einige interessante Färbung der Schnur hinzufügen. Sie daran, dass viele Instrumente nur mono phonisch spielen, was eine Note nach dem anderen bedeutet, während andere Instrumente, wie Klavier oder Gitarre, alle Vierteltöne spielen, einschließlich der Verdoppelung einiger Kernstimmen. Und manchmal spielt ein Instrument eine 2-Knoten-Harmonie über 2, oder die Kernstimmen, oder sogar nur relevant für die Skala Ihres Songs. Wie Sie sehen können, gibt es hier keine Einschränkungen für Ihre kreativen Entscheidungen. Ordnen Sie Ihre Code-Stimmen wie Sie wollen auf jedem Instrument, Sie möchten einen Teil der harmonischen Familie in Ihrer Musikgeschichte spielen. Nehmen wir also ein anderes Beispiel hier. Erinnern Sie sich an die Progression in e-Moll Also fange ich mit der Bassstimme hier in Wurzelnoten an, richtig? Hinzufügen eines Klaviers, das die Narren Akkorde spielt, einschließlich der Verdoppelung der Basis nach unten. Dann kommen wir zu den Saiten hier, wo ich spielen drei der Stimme ist sehr verteilt. Also offene Akkord-Stimme wie diese. Als nächstes fügen wir Messinglinie hier hinzu, auch auseinander Wähler zum größten Teil. Und so wiegen. Fügen Sie hier einige Fenster hinzu, wo ich auch Terminus kennenlernte. Sagen wir, wir können sie nicht herkriegen. Irgendwie verteilte, offene Akkordstimmen, aber andere Stimmen als die Blechbläser. Und schließlich erworben, wo ich eine zweiteilige Harmonie hier basierend auf, natürlich, die tatsächlichen Koordinaten aus der Akkordprogression. So erhalten Sie insgesamt diese kreativen Akkordstimmungen pro Instrument, das so spielt. Also gehen Sie weiter und experimentieren Sie jetzt mit kreativen Akkordstimmungen pro Instrument. Ordnen Sie die Stimmen an, Ihre tatsächlichen Akkordprogressionen. Also von Ihrem verursacht in Ihrer Progression, zwei verschiedene Instrumente, entweder monophon spielen, was eine Note zu einer Zeit bedeutet, die vollen Akkorde wie eine Klaviergitarre, oder um Harmonien wie die Blechbläser hier und Holzbläser zu notieren, und erwerben Sie Ihre kreative Freiheit mit Stimme, Arrangement pro Instrument und Teil ist unbegrenzt. 17. Voice: Voice-Performance-Stile Sie haben völlige Freiheit, jede Akkordstimme, ihr Instrument und ihren Anspruch in Ihrer Komposition zu arrangieren . Aber lasst uns weiter gehen. Sie haben auch unbegrenzte Möglichkeiten, wie Sie jedes Instrument spielen , das die Akkorde oder Harmoniestimmen in Ihrer Musik spielen. Das bedeutet, dass Sie Ihr Arrangement mit einer beliebigen Anzahl von Instrumenten Ihre Rolle in Ihrem Kernprogression spielen lassen können. Aber jedes Instrument kann auch auf andere Weise gespielt werden und sich sogar während seiner Leistung verändern, was den Spielstil und die Leistung seiner Macht bedeutet. Zum Beispiel können Sie ein Klavier spielen, sagen wir den Kurs als acht Arpeggio. Nehmen wir an, Ihre Akkordprogression ist d-Moll, F-Dur, C-Dur. Dann könnte Ihr Klavier so etwas wie eine 8-Note oder Stammbaum spielen. Sie können Staccato-Streicher zwei der Kernstimmen als Harmonie mit einem rhythmischen Groove spielen lassen. Nehmen wir also an, wir verwenden hier die gleiche Akkordprogression. A-Moll, F-Dur, C-Dur, d-Moll. Und ich werde den Bass und Architekten mit meiner linken Hand spielen und Ihre kurzen Saiten spielen, spielen Stil mit, um Terminus zu kennen, aber mit einem Bass hier. Mit einer Gruppe wie dieser. Ihre Basis spielt möglicherweise eine treibende Baseline ab, hauptsächlich auf der Akkordwurzelnote, aber mit Übergangsnoten, die eine der anderen Koordinaten vor einer Codeänderung verwenden. Also auf der gleichen Akkordprogression, DFC und Vektor d, könnte Ihre Baseline rhythmisch spielen, stimmen hauptsächlich mit der Verwendung der Noten des Akkord überein, aber fügen Sie einige Noten dazwischen hinzu und um die Interesse der Basislinie, so etwas. Ein Blechbläserensemble könnte die Wurzel und das fünfte eines jeden Akkord als kulturelleres X spielen und am Anfang jedes Akkord etwa so etwas. Und so weiter. Ist Cello könnte eine monophone Spiccato spielen, kurze Artikulation in einem ostinato-Rhythmus, folgt hauptsächlich der Akkordprogression. Also die Stimmen von jedem Akkord. Auf der gleichen Akkordprogression, wieder, d-Moll, F, C und D-Moll, könnte es etwa so etwas spielen, zum Beispiel. Wieder, Ihre kreativen Möglichkeiten oder unbegrenzt. Selbst wenn Sie den gleichen Akkord für spielen, sagen wir vier Takte, können Sie erstellen. Unendliche Variationen mit verschiedenen Spielstilen und Performances auf den verschiedenen Instrumenten für die harmonischen Teile Ihrer Musik. Nehmen wir zum Beispiel an, Sie haben einen d-Moll-Koordinator. Und ich spiele das geschrieben aus der Hornhaut und Oktaven in der Basis. Ok, so etwas. Nehmen wir an, deine Baseline spielt dies auf demselben Akkord. Nehmen wir an, die Untiefen oder tun eine Art von Ostinato besitzen die d-Moll hier. Und dann haben Sie ein Klavier, das ein beruhigendes Muster spielt wie diese alle Knoten des d-Moll-Akkord sind. Du könntest dein Bläser spielen lassen. Nur. Das hier. Könnte ein Arpeggio auf einer Harfe oben haben. Wie Sie sehen können, Ihre Entscheidungen für jede Stimme. Was es in Artikulation und Spielstil tut, ist unbegrenzt. So werde ich nun endlich ein Beispiel demonstrieren, das ich dafür geschaffen habe. Hier ist die Hauptakkordprogression, die auf Klavier gespielt wird, nur auf dem einfachen Blockkurs wie diesem, wobei der Wurzelknoten in Octavius hier von d-Moll nach F-Moll geht. Und ja, hören wir es uns erst mal an. Sie können den Kurs hier oben sehen. Okay, das sind also die Gerichte und die Stimmen hier. Das erste, was Sie tun können, ist natürlich, die Auswahl von Versionen, um eine bessere Sprachführung zu schaffen. Und dann können Sie beginnen, die einzelnen Zeilen zu arrangieren, jede der Stimmen hier für den Kurs, was ich bereits getan habe. Also das erste, was ich tat, war, mehr davon kompensierendes Muster hier zu spielen um ein gewisses rhythmisches Interesse am Klavier hinzuzufügen, die gleiche Akkordprogression. Und so weiter. Dann habe ich beschlossen, die kurzen Saiten spielen eine 2-Knoten-Harmonien in einem Rhythmus, verschiedene Stimmen, Stimmen, und noch wichtiger, anders in der Spielwissenschaft hinzuzufügen verschiedene Stimmen, Stimmen, und noch wichtiger, . Die Harfe spielt, was Harfen normalerweise tun. Ein Arpeggio, wie dieses Klavier für den Moment, nur damit man die anderen Instrumente hören kann. Der Strom ist hier mit sehr bestandenen Akkordstimmungen mit lang genug Messing, wie ich Ihnen gerade gezeigt habe, Platz in diesem Fall, ist für Sandale oder Kartoffel, ich denke, ja, toto, mit diesem Akzent. Und dann haben wir die Winde hier nur eine Stimme spielen. Lasst uns das Messing vorerst stumm schalten. Ok. Lassen Sie uns die Kraft des Messings reduzieren, ihre Dynamik. Und dann haben wir diese Lust hier, wir sind, es zeigt, dass wir den Reno-Endpunkt hier haben. Hoppla, wie desinteressiert an Solo. Sehr weich. Dann spielen die Tasten den Bass und die Oktave oben, denke ich. Als ich endlich Pizzicato Saiten habe, so gezupfte Saiteninstrumente, die Plaque Geigen in diesem Fall haben. Und ich habe gerade die Oktave gemacht, also die dd, nur die Oktaven jeder Koordinate. Und insgesamt schafft es schöne Anordnung mit Variation und Interesse daran, wie das Gericht Stimmen oder verteilt, und auch die Unabhängigkeit der Ebene Stile jeder Koordinate und jedes Instrument. All das waren also nur die harmonische Progression, eine Akkordprogression, die inneren Stimmen für die harmonische Handlung. Aber wie Sie sehen können, können Sie unendlich Variation, Zinsrhythmen und Bewegungen für jede Stimme pro Instrument erstellen und so eine sehr komplexe Anordnung schaffen, obwohl es nur eine Akkordprogression ist, Es gibt keine echten führenden Melodien und Riffe oder Motive hier, aber es klingt immer noch interessant tun, diese kreative Anordnung der Stimme Performance-Stile pro Instrument. 18. Formdynamik und Füge Bewegung hinzu: Gestalten Sie die Dynamik und fügen Sie Bewegung hinzu. Musik braucht Bewegung und Variation, um interessant zu klingen. Dies wird natürlich hauptsächlich aus Ihren Notizen stammen. Wir nannten die Akkorde, Harmonien und Melodien. Aber wenn Sie schreiben und nehmen Sie Ihre Ports spielen Akkorde und Harmonien für Ihre Akkordprogressionen. Sie sollten auch Variationen in der Dynamik und Bewegung im Laufe der Zeit hinzufügen. Es gibt zwei Hauptaspekte der Dynamik in der Musik. Die Angriffsdynamik, was die Stärke des Anfangs jedes Knotens bedeutet. Und die aufrechterhaltende Dynamik, was bedeutet, wie sich die Lautstärke und Dynamik im Laufe der Zeit verändert. Bei einigen Instrumenten wie einem Klavier kann man die Dynamik im Laufe der Zeit nicht kontrollieren. Während mit gebeugten Streichern wie einer Violine und Blasinstrumenten wie einem Essen oder einer Trompete die Dynamik für jede anhaltende Note prägen kann, wie immer Sie wollen. Aber beide Aspekte sind gleichermaßen wichtig. Um die Angriffsdynamik zu gestalten. Sie verwenden hauptsächlich den Midi-Velocity-Level pro Note. Hier ist also eine Klavieraufführung. Und wenn ich die Automatisierung öffne, können Sie alle verschiedenen Geschwindigkeitsstufen für jede Note sehen. Und diese Art von Variation in der Dynamik, Angriffsdynamik durch Geschwindigkeit, ist einer der Schlüsselaspekte, die diese lebensähnliche menschliche Qualität zu einer Performance hinzufügt. Nun steuert Dynamik oder Angriffsdynamik hauptsächlich zwei Dinge. Erstens, die Lautheit. So können Sie hier sehen, die durchschnittliche Dynamik ist etwa in der Mitte, aber es steuert und formt auch den Angriff, Helligkeit oder Weichheit des Tons. Also, wenn ich essen verringern diese, wird es sowohl leiser, aber auch weicher im Ton, wärmer. Und wenn ich das nach oben ziehe, ist es lauter, aber auch heller. Und das ist dasselbe, auch wenn ich hier zum Beispiel kurze Artikulationen auf Strings wie Staccato nehme . Und Sie können auch in diesem Beispiel hier sehen, ich habe auch darauf geachtet, die Hauptakzente wirklich zu markieren. Wie Sie hier sehen können, sind diese Geschwindigkeitswerte für diese B-Stufe viel höher als diese dazwischen. Und dann haben wir hier wieder in Maine Akzent, was sich so anhört. Und Sie können auch sehen, dass es ein wenig von einer Steigung durchschnittliche Dynamik gibt, Angriffsdynamik geht hier hoch, um in den nächsten Akzent zu rollen. Dies sind also einige Möglichkeiten, wie Sie die Angriffsdynamik mithilfe von Geschwindigkeitsvarianten gestalten können. Und das ist das gleiche für gezupfte oder gestrummte Instrumente wie Gitarre, Hure und viele andere Instrumente. Während eigene lange anhaltende Note, da kommt die andere Art der Gestaltung der Dynamik ins Spiel. Und um die Dynamik im Laufe der Zeit zu gestalten. Für anhaltende Noten verwenden Sie meistens das Mod-Wheel auf Ihrem Midi-Keyboard oder einen Fader, der den ACC-Wert in Ihrer DAW steuert. Es hängt vom eigentlichen Softwareinstrument ab. In diesem nächsten Beispiel ich mich auf das Hinzufügen von Bewegung und Bewegung auf diese anhaltenden Noten, da konzentrierteich mich auf das Hinzufügen von Bewegung und Bewegung auf diese anhaltenden Noten, da ich die Dynamik im Laufe der Zeit geprägt habe. Wie Sie aus dieser Kurve sehen können, die das Modulationsrad oder CC1 ist, die Steuerung der Dynamik dieser bestimmten String-Bibliothek. Und es macht einen großen Unterschied, wie Sie hier aus diesem Beispiel können. Ich mache das auch auf dem Blechbläser, der hier spielt. Ich mache es auf den Winden hier in geringerem Maße, aber immer noch diese Wellen hier. Und dann ein riesiger Grad an diesem Chor hier. Ein Bonus-Tipp, den ich Ihnen geben kann, ist, wenn Sie entweder noch dynamischere Variation hinzufügen möchten, nur die Lautstärke steuern, können Sie dies tun, indem Sie eine weitere Modulationsquelle für den Ausdruck hinzufügen. Ausdruck steuert also nicht den tonalen Charakter, sondern nur die Lautstärke. Auf diese Weise können Sie die dynamische Variation und den Kontrast über die anhaltenden Griffe erhöhen. Oder vielleicht möchten Sie die gesamte Performance etwas in lauter und silberner Zeit wie diese aufbauen lassen. Dies geht nun in Kombination mit der tatsächlichen dynamischen Formkurve. Okay, also alle zusammen. Und übrigens, ich möchte Ihnen auch zeigen, dass auf dem Klavier, Ich tatsächlich entschied, zu verringern, oops, die Geschwindigkeit sehr niedrig , um diesen super weichen Klang zu bekommen, weil ich wollte nur im Hintergrund. Ok? Und da sich jetzt alles im Laufe der Zeit bewegt, kann man es auch hier sehen. So kannst du sehen. Und dann geht es nach unten und Dynamik. So gestalten Sie die Dynamik einer anhaltenden Noten im Laufe der Zeit. Bauen Sie und gehen Sie zurück. In der Dynamik. In den meisten Fällen möchten Sie es in Wellen wie diese tun, gehen auf und ab, Crescendo, Decrescendo. Aber Sie können es natürlich gestalten, wie Sie wollen, und auch Sie müssen es nicht perfekt Zeit. Das kann es sein. Das ist also, dass Saiten hier am lautesten werden, während das Messing hier am lautesten wird, um Variation in der Gesamtbewegung zu bekommen. Dies kann einen großen Unterschied machen, da sich die tonale Farbe Ihres Gesamtstücks im Laufe der Zeit auch ändern wird. Was Sie wollen, ist sowohl Variation in der Dynamik, sondern auch das Erstellen dynamischer Kurven im Laufe der Zeit mit den verschiedenen Teilen. Das Abwägen der Hormone Ihrer Unternehmen, Sie oder in Geschäften, oder wie Sie Ihren Musikladen wollen, ist zu klingen und was sollte in jedem Augenblick im Fokus sein. Es ist die ganze Erfahrung für den Hörer, die zählt, nicht die einzelnen Instrumente allein. Denken Sie also daran, dass jedes Instrument in jedem Teil einfach seine Rolle in der Familie aller Instrumente spielt , um Ihre Musikgeschichte zu gestalten. Das letzte Beispiel, ich möchte Ihnen diese kurze drei Takt-Akkord-Progression zeigen, C-Dur, G-Dur zu sehen und wie Sie Dynamics und Bewegung verwenden können , um es interessanter zu machen, weil es nur eine einfache C-, G- und C-Progression ist. Also auf dem Klavier habe ich mich entschieden, einfach reinzugehen und wenig Pflege zu haben. Habe hier nicht nur Variation in der Dynamik, weil ich es gespielt, nahm es manuell auf meinem Midi-Keyboard. Aber wie Sie sehen können, Ich zeigt auch zwei, erhöhen Sie die Dynamik der Geschwindigkeit im Laufe der Zeit kann im Grunde ein wenig Crescendo, aber mit Dynamik aus der Geschwindigkeit. Ich habe das auch in diesem Herzen getan. Arpeggio. Hören Sie sich das an. Sie können es auch hier sehen. Es geht allmählich nach oben, beginnend am niedrigsten. Schärfere und lautere Zupfungen am Ende. Und natürlich auf den Saiten. Hier. Hier können Sie die Automatisierungsdynamik sehen. Ich habe das mit einem Fader auf meinem Midi-Keyboard aufgenommen, der weiß ist, sieht so aus. Ich habe es auf dem Blechbläser, den Winden und dem Chor. Aber anders hier. Daraus ergibt sich, wie Sie sehen können, in den meisten Variationen, wenn Sie tatsächlich verschiedene dynamische Kurven für die erhaltenen Noten aufzeichnen . Und insgesamt, obwohl es eine super einfache Akkordprogression ist, klingt es schön. 19. Formen der Haupthöfe und Akzente: Formen Sie die Hauptrille und Akzente. Da Akkordprogressionen jeden Rhythmus haben können, haben Sie volle kreative Freiheit im Rhythmus und ihm Spielstil für jeden Instrumententeil und kalte Stimme, ist es wichtig, dass Sie sicherstellen, dass Ihre Haupt-Groove und noch wichtiger, Ihre Akzente oder respektiert und betont für jede Rolle spielen eine Harmonie Stimme oder Stimmen in Ihrem Akkord Fortschritte. Nehmen wir zum Beispiel an, Sie spielen kurze Artikulationsstämme wie diese. Ok? So die Hauptakzente, können Sie sie beide mit der Dynamik der Geschwindigkeit markieren. Je härter Sie also so drücken, desto lauter ist der Akzent im Gegensatz zum Rest. Aber auch durch die Verdoppelung von Stimmen. Wie Sie sehen können, wenn ich den Octavius in der Basis hier gleichzeitig mit dem vollen Akkord verwende , der mehr Gewicht bekommt und durch die harmonische Schichtung zu einem Unfall wird. So etwas wie das. Und die Hauptgruppe wird oft durch die Basislinie oder niedrige Rhythmen wie diese zur Verfügung gestellt werden. Und so können Sie auch in Kombination mit der Dynamik verwenden. In der Regel. Ihre Akkordänderungen sollten ausgenommen werden. Dies kann sowohl mit Dynamics auf Geschwindigkeitsstufen geschehen, was bedeutet Angriff, Lautstärke, aber auch mit dynamischen Kurven auf anhaltenden Noten. Und natürlich, mit Schichtung über mehr Instrumente. Schauen wir uns dieses Beispiel an. Ich habe diese Akkordprogression zuerst auf Klavier erstellt. Der Blockcode für jeden Akkord ändert sich. Dann führe ich die Part auf Klavier auf. Und wie Sie von hier aus sehen können, wenn ich also die Geschwindigkeit hier aufbringe, und Sie sehen können, haben einige andere Noten als Akzente. Also hier, diese hier sind akzentuiert. Ein bisschen mehr erhöht, weil ich wirklich die in der Gesamtleistung mit den anderen Instrumenten erweitern möchte. Aber auch, wenn Sie hier sehen können, hier ist eine Koordinate, dann spiele ich einzelne Noten oder PDO bis zum nächsten Akkordwechsel und greife auf die Kernketten zu, indem ich all diese Stimmen gleichzeitig so habe. Aber Sie können auch noch weiter gehen, indem Sie stärkere, akzentuiertere Artikulationen für Ihre Instrumente auf den Hauptunfällenverwenden stärkere, akzentuiertere Artikulationen für Ihre Instrumente auf den Hauptunfällen , zum Beispiel Marcato, Sforzando oder jede Akzent-Artikulation. Sie können das auf bestimmten Instrumenten verwenden, auf bestimmten Beats in Ihrer Komposition, bei denen die Hauptakzente für Ihren Rhythmus landen. Also lasst uns das nochmal überprüfen. Also, wenn es angebracht ist, hier. Diese werden sowohl über die Dynamik akzentuiert, aber auch ohne Verwendung der anhaltenden Blütenblätter dieser Knoten werden sehr kurz. Und ich möchte diese auf andere Instrumente ausdehnen. Sagen wir mal das Messing hier. Wenn Sie hier überprüfen, dieser Knoten ist entlang, aber diese Knoten sind sforzando, so eine akzentuierte Artikulationstyp auf dem Messing hier. Ok, so wie das. Ich mache es auch auf diesen kurzen Saiten hier. Also spielen hier Staccato, aber dann sagen wir Staccato, aber dann Marketo, die erweitert werden, eine akzentuierte Artikulation. Und auch auf dieser letzten Trittfrequenz. Also alle Instrumente oder nur ein Teil dieser Familie für Ihren Kern, Groove und Rhythmus, sowie die Akzente. Wenn wir also hier auch am Anfang des Klaviers einen Blick werfen , haben wir dieses, Nein, kein Klavier. Die kurzen Saiten hier, Sie haben dieses wenig schnellere Ding hier, dass APA. Und du hast wieder eine Träne, addiere dich. Ok? Du, ich respektiere diesen kleinen Rhythmus, weil ich diesen Rhythmus auf andere Instrumente erweitern will, also und hier, aber oben, okay, sowie diese als Marcato statt Spiccato. Ich bin auch bei den Holzbläsern hier abgewichen, aber hier und hier oben. Betrachten Sie also immer den Hauptgrund, den Hauptgroove Ihrer Musik, und respektieren Sie dann, dass auf Ihren Instrumenten jede Stimme der Harmonie oder Melodie in Ihrer Musik spielen. Also lassen Sie uns alles in Kombination hören und Sie können das bereits hören. Ich habe es übrigens auch auf der Basis. Also die Basis macht diese digitalen Daten. Und dann das hier. Und sie fingen an. Und auf diese Weise erhalten Sie die Kombination von allem wie diesem. Ein Tipp, den ich Ihnen bezüglich des Hauptgroove geben kann, ist, einen Rhythmus-Skizziertrack in Ihrer Musiksoftware zu haben , den Sie einfach als Mock-up und visuelle Anleitung für Ihren allgemeinen rhythmischen Groove Ihrer Musik verwenden . Es kann zum Beispiel eine Baseline, eine strummende Gitarre, rhythmisches Piano oder vielleicht ein rhythmischer Staccato Streicherspur sein. Ich empfehle die Verwendung von Basisspur für dieses Mockup. Denn auf diese Weise erhalten Sie sowohl das Haupt-harmonische Tonzentrum als auch eine Kerngruppe zur gleichen Zeit. So wie das. Dann können Sie dieses Haupt-Rhythmus-Mockup sowohl als visuelle Anleitung als auch als Audioguide verwenden , wenn Sie Akkorde oder harmonische Rhythmus-Part in Ihrer Musik aufnehmen. Wenn Sie also beispielsweise eine Grundlinie oben im Sequenzer als Mockup- oder Skizzierspur für den Anrufrhythmus verwenden , erhalten Sie hier auch den grundlegenden Tonmittelpunkt, insbesondere wenn Sie nur den Akkordwurzelknoten verwenden. Also F, C, G, D, und so weiter. Auf diese Weise ist es viel einfacher, wenn Sie dies verwenden, um den tatsächlichen Kern geschrieben und die tonalen Zentren zu überprüfen. Also können wir es so machen. So können Sie sehen und dann etwas Neues aufzeichnen. Zum Beispiel kurze Strings wie diese. Und so weiter. Und dann können Sie in die kürzeren Strings hier und vielleicht Arbeitsblatt in Kombination mit dieser anderen Spur gehen, um zu sehen, wirklich überprüfen, ob Sie die grundlegende Groove hier haben, damit Sie es besser sehen können. Bam, okay. Aber Sie wollen die auch ändern. Zum Beispiel, Marcato, erweitern Sie diese. Sie jetzt auf diese Weise, Sie erhalten, um die Kern-Groove und Rhythmus zu respektieren. Sie können auch wählen, in die Geschwindigkeitsstufen gehen, erhöhen Sie diese, um wirklich die Hauptakzente zu erhöhen. Nehmen wir an, Sie haben hier Extraktionen auf jeder Akkordänderung, also auf diese beiden als auch, und diese, um diese zu erhöhen und wie Sie dies bekommen und so weiter. 20. Anpassen der Zeitungen und Anmerkungen: Passen Sie die Timings und Notenlängen an. Genau wie statische Blockakkorde oder super steif und langweilig. Mit perfekten Roboter-Timings und exakten Notenlängen klingen wie Musik ohne Seele. Also habe ich hier eine Akkordprogression auf Klavier geschaffen. Und der erste Fehler ist, dass jeder Knoten genau die gleiche Geschwindigkeit hat. Sie haben bereits gelernt, dass die Variation Dynamik für Geschwindigkeitsstufen hier sehr wichtig ist, aber auch das Timing jeder Note beginnt bei genau denselben Millisekunden für jeden Akkord hier und hat die exakt gleiche Knotenlänge. Über all diese drei Dinge machen eine Leistung , die robotisch und steif ist und diesen menschlichen, organischen und lebensechten Charakter fehlt . Sie müssen Variationen in den Timings für alle Akkordnoten auf jedem Instrument und Port haben. Aber du willst nicht, dass es aus der Zeit klingt. Die fragte einige menschliche Variation in Timing ist die beste. Also, also nicht Quantisieren Sie Notizen und Ports 100%. Ich finde, dass irgendwo zwischen 50 Prozent und 90 Prozent Quantisierung Stärke ausreicht. Ich benutze engere Quantisierung, mehr Quantisierung, je rhythmischer die Parteien und weniger Quantisierung, desto melodischer ist es. Lassen Sie mich also den großen Unterschied demonstrieren, indem ich Ihnen diesen anderen Klaviertrack zeige , den ich aufgenommen und live aufführte, um zu erhalten , dass Shimon Variation die gleiche Akkordprogression ist, wie Sie hier oben sehen können, aber eine komplett unterschiedliche Leistung. Wenn ich heranzoomen, sieht man hier tatsächlich gestaffelt im Akkord wie ein Strum fast. Dann erhalten Sie die Variation, die menschliche Variation hier einige sind Notizen oder vor dem Sommer Autor der Note hier. Und es macht einen großen Unterschied, weil man diesen Live-Charakter bekommt. Also hören Sie sich das auch an. Sie können sehen, dass ich es auf 75 Prozent quantisiere, weil ich es nicht perfekt will. Und das gleiche Konzept gilt auch für Notenlängen. Zum Beispiel ein Klavier oder PDO mit genau acht Tonlängen bis zur Millisekunde auf jeder Note wird auch Roboter und Soldaten klingen. Also sieh dir dieses Arpeggio an, das ich gerade auf dem Klavier aufgenommen habe, mit der gleichen Akkordprogression. Sie können den Timing-Unterschied im Startpunkt sehen, aber auch der Längen-Reach-Knoten unterscheidet sich von der Live-Aspekt hier. Wenn ich sie alle auf die exakt gleiche Notenlänge setze, so. Es klingt sehr robotisch und so wieder. Und Sie können wirklich sehen, dass der Asif zu der Leistung zurückkehrt , die ich hier für dieses Beispiel aufgezeichnet habe. Sie können sehen, das ist kurz, das ist mittel, das ist sehr kurz. Dies sind auch unterschiedliche Notenlängen, so dass sich dies ein wenig vom Farbverlauf erstreckt. Wenn ich diese erweitern und ein anderes Feld bekomme, ist dies kürzer. So notieren sie Längen und die individuelle Variation oder jede macht auch einen großen Unterschied. Der beste Weg, um all diese Timing- und Knotenlängenvariationen zu erhalten , ist natürlich, jeden Port manuell in Ihre Musiksoftware aufzunehmen, z. B. mit einem Midi-Tastaturcontroller. So wie Sie auf diesen anderen Fakten sehen können, haben sie auch individuelle Timing-Variation. Hier. Wie Sie sehen können, ist es nicht perfekt in der Klasse. Und es macht wirklich einen Unterschied. Für jede einzelne Stimme, für jedes Instrument. Einige Instrumente, die Sie wirklich vor dem Beat starten möchten , weil sie einige längere Angriffe haben, wie zum Beispiel weiche Saiten. Wir wollen nicht, dass sie hier anfangen, denn dann dauert es zu lange, um den Klang des Instruments wirklich zu hören. Behandeln Sie sie wie Pads auf da zum Beispiel. Und Sie können sehen, dass Sie auch Variation bekommen , indem Sie unterschiedliche Mengen an Luft in Stille zwischen den Noten. Vernachlässigen Sie nicht auch Luft und Stille. Also lassen Sie uns alles in Kombination hören. Denn alles, all diese winzigen Variationen, nicht nur in der Geschwindigkeit und Dynamik, sondern auch Ausgangspunkte für jede Note, Timing und die Knotenlängen. So hört es sich also an. Aber wenn Sie sich entscheiden, die Knoten mit Ihrem Computer, Maus und Tastatur im Pianorolle-Editor oder Partitur-Editor zu schreiben. Sie können die Vorteile einer Humanisierungs- oder Randomisierungsfunktion in Ihrer Software nutzen, die die meisten DAWs haben. Diese Art der Humanisierung Funktion erzeugt Variationen in Timing, Notenlängen und sogar Geschwindigkeit der Werte automatisch für Sie. Also, wenn wir hier zurück zu diesem Klavier-Arpeggio gehen, das hier mit meiner Maus geschrieben ist. Also das Noten-Timing, Startpositionen und die Knotenlänge oder genau bis zur Millisekunde wie ein Roboter, ebenso wie die Geschwindigkeitswerte. Sie müssen also Ihre DAW überprüfen. Aber in der Logik, ins Klavier gehen, rollen, Ihre eigenen Funktionen hier oben, Mitte Transport Form und Humanisieren. Und jetzt können Sie auswählen, wie viel Randomisierung, was auf der Position. Also lasst uns mit 20 gehen. Nehmen Sie Schalter. Ein kleinster Wert kann alles ändern. Minute, Stunden. Lassen Sie uns für Geschwindigkeit mit 15 und Länge gehen. Lass uns mit 30 gehen. Nimmt Auswahl nicht, richtig? Und Sie können sehen, wie die Geschwindigkeitswerte Stuhl ändern. Dann kannst du immer reingehen und es einstellen. Also einige Notizen, ich meine, einige der Levels hier manuell anpassen. Ich würde wahrscheinlich im Falle eines Arpeggio, erhöhen Sie die Länge des Bettes für alles. Aber du bekommst viel lebensechter Charakter. Auf diese Weise. Es ist immer noch, ich bevorzuge, und ich empfehle, wenn Sie es manuell zurückrufen können. Auch in diesem Fall möchten Sie wahrscheinlich etwas anhaltendes Pedal hinzufügen, damit es besser fließen kann. Aber man bekommt hier den Hauptpunkt, Variation der Geschwindigkeitsstufen, die ich mache, aber auch die Ausgangspositionen für jede Note sowie eine Notenlängen ist. Es macht einen großen Unterschied in der gesamten lebensechten menschlichen Charakter und macht Ihre Musik sozusagen musikalischer. 21. Harmonische Bewegung in deinen Progressionen: Harmonische Bewegung in Ihren Fortschritten. Durch harmonische Bewegung spreche ich nicht von der individuellen Stimmbewegung, alle Übergänge für jeden Akkord ändern sich. Stattdessen müssen Sie einen Schritt zurück machen und die gesamte Akkordprogression als Ganzes sehen. Und schauen Sie sich diese Geschichtenkurve an und Bewegung aller Stimmen in Ihren Harmonien schaffen zusammen, bauen Energie mit Aufwärtsbewegung auf. Wenn die harmonische Geschichtenkurve Ihrer Stimmen eine allgemeine Aufwärtsbewegung hat, bauen Sie Energie und Spannung in Ihrer Musik auf. Dies ist eine großartige Technik kurz vor einem Übergang in einen neuen Abschnitt, in dem Sie mehr Intensität und Energie erzeugen möchten. Zum Beispiel, ein in die Macht Chor oder etwas, indem Sie einfach Ihre harmonische Geschichtenkurve nach oben bewegen. Lassen Sie mich zunächst kurz erklären, was ich mit harmonischer Bewegung meine. Wenn Sie also eine Akkordprogression haben, können Sie die tatsächliche Bewegung der einzelnen Stimmen so gestalten , dass eine Aufwärtsbewegung für die harmlosen wie diese, nach unten mehr Bewegung, wenn Sie wollen oder halten Sie sie gerader. Indem man im Grunde alles transponiert eine durchschnittliche Richtung für die gesamte harmonische Progression schafft. Richtig? Also das erste, was das erste Beispiel hier ist diese Staccato-Zeichenfolge ist, wo ich eine Aufwärtsbewegung in Richtung erstellt habe. Dies sind die, wie die Basisnoten und Basen tun, was sie unabhängig tun, aber im Grunde überprüfen, was Ihre gesamte Akkordprogression DUS über, Laufe der Zeit wie diese. Hier können wir also tatsächlich hören, wie Energie und Aufregung durch diese Aufwärtsbewegung aufbauen . Und oft funktioniert diese großartig in Kombination mit zunehmender in diesem Fall, wenn Sie in Richtung gehen, die durchschnittliche Dynamik im Laufe der Zeit im Grunde ein leichtes Crescendo hier zu schaffen, lösen sich mit Abwärtsbewegung. Dies führt also tatsächlich in die entgegengesetzte Richtung, eine allgemeine Abwärtsbewegung Ihrer harmonischen Stimmen in Ihrer Akkordprogression, die ein Gefühl des Nachsortiments erzeugt, sich niederlässt und eine gute Möglichkeit ist mit wenn Sie mit einem niedrigeren Energiebereich folgen wollen, sowie im letzten Outro und Trittfrequenz Ihrer Musik. Wenn Sie wollen, Ihre Komposition mit der entspannten und aufgelösten Stimmung. Also, hier habe ich die gleiche Akkordprogression genommen, sie haben gewonnen. Sie können hier oben sehen B-flat, g-Moll, F, B flach, und so weiter. Und ich nahm und andere Aufführungen auf Klavier auf, nicht so statisch und steif wie langweilige Ein-Blockakkorde, sondern eine tatsächliche Performance. Und Sie können sehen, dass ich hier Abwärtsbewegung für die Progression verwende. Und wenn wir uns das anhören, und übrigens habe ich auch eine leichte Abnahme der Dynamik. Wenn wir uns das im Kontext oder einfach nur einzeln anhören, hört man übrigens, wie es die Energie auflöst und beruhigt. Spielt in 3, 2, 1. Stabilität bei gerader Bewegung Also, wenn Sie Ihre Akkord Voicing ist so, dass die harmonische Bewegung ziemlich eine gerade Linie ist. Sie werden eine sehr stabile Stimmung schaffen. Dies kann eine gute Möglichkeit sein, sicherzustellen, dass die Akkordprogression in den Hintergrund verschmilzt, da sie so statisch ist. Dies wird großartig für subtile, unterstreitende, ambiente, atmosphärische und entspannende Musik, et cetera. Grundsätzlich können Sie gerade harmonische Bewegungen verwenden, wann immer Sie möchten, dass Ihre Akkorde und Harmonien in den Hintergrund Ihres Mixes verschmelzen. Also habe ich hier Saiten und die gleiche Akkordprogression aufgenommen, wie ich hier oben geschrieben habe. Aber ich habe Akkord-Inversionen und Stimmungen verwendet , um es eher wie eine gerade Linie zu machen, wie Sie sehen können. Und im Falle von zwei Akkorden, die die gleichen Noten teilen, habe ich sie gerade angeschlossen, um noch weniger Bewegung zu bekommen , weil dieser Knoten zum Beispiel in diesen beiden Akkorden gleich bleibt. Hören wir uns an, wie sich das verkaufen kann. Intensität mit chaotischer Bewegung. Nun ist die wichtigste Leitlinie für die Sprachführung, dass Sie versuchen sollten, die Sprachbewegung zu minimieren und kleinere Intervalle zu verwenden, wenn Sie von Akkord zu Akkord wechseln. Und auch, dass Sie die harmonische Kurve im Laufe der Zeit langsam und schrittweise machen sollten, wie Atmung oder Wellen in der Natur. Aber jede Regel hat eine Ausnahme, was bedeutet, dass Sie tatsächlich verrückt mit der harmonischen Bewegung machen können , um Ihre Progression chaotisch und intensiv klingen zu lassen. Um dies zu demonstrieren, habe ich diesen Teil hier auf kurzen Streichern aufgenommen. Und wie Sie sehen können, ist die harmonische Bewegung chaotisch, um diese Action Vibe zu kreieren. Also lassen Sie uns das hören und Sie werden es in Aktion hören. Lassen Sie uns es gleichzeitig in 321 spielen. Dies ist besonders gut für rhythmisches Schreiben, natürlich, und harmlos. Und wir schaffen eine sehr intensive und energetische Atmosphäre, die in einigen Kontexten großartig funktionieren kann. Zum Beispiel, chaotische Action-Musik, langweilige Musik und so weiter. Wie immer wird Ihre kreative Vision und Ihr Endziel für Ihre Musik Ihre Wahl lenken. Stellen Sie also sicher, dass Sie Ihre harmonische Handlung mit Bewegung und Bewegung gestalten , die zu Ihrer Musikkomposition passt. 22. Low: Geringes Gewicht und Klarheit. Wie erreichen Sie so niedrig und Klarheit in Ihrer Musik? Und was hat das mit Akkorden und Harmonien zu tun? Nun, in der Musikkomposition haben Sie viele Oktaven, in denen Sie alle Knoten verteilen können. Aber was sehr wichtig ist zu lernen, ist, wie die Verteilung der Frequenzen in den verschiedenen Bereichen funktioniert. Erste und Oktavianische Musik entspricht einer Verdoppelung der Frequenz. Also, wenn ich hier unten ein C spiele, und dann das nächste hier, ist das eine doppelte Frequenz. Und für jedes C verdopple ich. Die Grundfrequenz der Note. Obwohl wir Reichweite haben, hat weniger Platz. Zum Beispiel beträgt die Note a oberhalb des mittleren C auf dem Klavier 440 Hertz. Das ist in der Tat der Standard für unser Tuningsystem. Nun, wenn Sie eine Oktave oben auf den nächsten Tag gehen, ist das die doppelte Frequenz. Also 880 Hertz. Wenn Sie stattdessen nach unten gehen, die a unten ist 220 Hertz Gold auf einem anderen Octavian, er bekommt 110, dann 255, und dann auf 27.5 Hertz. Dies ist in der Tat die Grundfrequenz der niedrigsten Tonart eines Klaviers. Haben Sie hier etwas aufgefallen? Je niedriger Sie in Reichweite in den Oktaven der Musik gehen. Diese kleiner und enger, wird der Unterschied in den Frequenzen zwischen den Noten. Dies ist einer der Gründe, warum die niedere oktavianische Musik so leicht schlammig im Mix wird. Wenn Sie also einen Akkord im verbalen Bereich auf Ihrem Klavier spielen, probieren Sie es aus. Es wird schlammig und unfokussiert klingen. Wenn Sie dies nicht als Effekt verwenden, sollte es in fast allen Situationen vermieden werden. Machen Sie die unteren Oktaven Rumi. Wie können Sie dieses Problem lösen? Als Komponist wird einfach sicherstellen, dass Sie größere Lücken für die Noten, die Sie im unteren Bereich Ihrer Komposition verwenden. Dies wird diese Klarheit und Macht im Basisregister schaffen. Wenn Ihre Basis eine Linie spielen, lassen Sie Ihre Schatten zum Beispiel die gleichen Knoten und Oktave oben zahlen, verdoppeln Sie sich in Oktaven. Als allgemeine Richtlinie sollten Sie sehr vorsichtig sein, um andere Harmonien als die perfekten Oktaven und die perfekten Fünftel hinzuzufügen . In den unteren Oktaven deiner Musik würde ich sagen, unter mittlerem C oder so. Lassen Sie uns also ein praktisches Beispiel machen, eine Übung. Nehmen wir an, Sie wollen einen Akkord spielen, Ihr Klavier oder Midi-Keyboard nehmen und den eigentlichen Code mit der rechten Hand abspielen. wir also einen C-Dur-Akkord. Dann spielen Sie den Bass in Oktaven mit der linken Hand. Das Low-End ist vor allem in der Musik vorhanden, um Kraft, Tiefe und ein fokussiertes Tonzentrum für Ihre Hormone, Ihre Akkordprogression zu bieten. Üben Sie das also und Sie können sehen, dass es oft am besten klingt. Wenn Sie mit der linken Hand an den Wurzelknoten und Octavian das Basisregister halten und dann den Rest des Akkord oder den vollen Akkord mit der rechten Hand spielen. Sie können auch experimentieren, indem Sie die perfekte fünfte Harmonie in der Basis Low End hinzufügen, wie sie so ein F-Dur hier sind, da er eine Wurzelposition ist, spielen Sie ein F in der Basis und fügen Sie die perfekte 5. So wie das hier. Kann auch gut klingen. Aber wie Sie tiefer hören können, bekommen Sie. Umso wichtiger ist es, sich nur an den Octavius zu halten. Aber Sie können verwenden, zum Beispiel, Flugpreis, perfekte fünfte. Und auf der Straße wie dieser, niedriger Sie gehen, desto mehr Platz benötigen Sie zwischen den Knoten. Also hier im extremen Basisregister empfehle ich nur die Verwendung von Base plus Octavia so. Abschließend möchte ich Ihnen ein Beispiel zeigen, das ich erstellt habe, um die Bedeutung von Vo und Klarheit zu demonstrieren. Also habe ich diese Akkordprogression hier auf Klavier erschaffen. Wie Sie sehen können, verwende ich hier einige zusätzliche Bassnoten. Und was wirklich wichtig ist, ist, wenn Sie Ihre Bassnote ändern, vor allem im unteren Ende, registriert wie Grundlinie, Sie wollen einen Respekt diese Stimme ändert sich für Ihre anderen Low-End-Instrumente lesen . Die Grundlinie läuft also hier so. Und wenn man das hier in Kombination mit dem Klavier sieht, sieht man, dass ich diese Stimmänderungen respektiere. Das Pentagon ist da unten. Wann genau, wenn die Basis geht runter, um hier und hier zu sehen. Die Basis. Und selbst auf anderen Instrumenten, die anhaltende Noten wie das Saitenhaar spielen, respektiere ich auch die gleiche Veränderung, um dies in Kombination mit der Grundlinie, den unteren Saiten hier zu beobachten . Also lasst uns es uns anhören. Und es ist, es mag subtile Daten anfühlen, aber es summiert sich wirklich. Denn sobald Sie einige, irgendetwas erstellen, besonders von S3 und darunter Symbole, betrachte ich alles von S3 und unten als das niedrige und Register von Musik. Dort möchten Sie wirklich sicherstellen, dass Sie die Sprachänderungen respektieren , um das Low-End sauber zu halten. Ich habe das für das Messing getan, so gut Sie hier sehen können. Wenn Sie sich das in Kombination mit der Basislinie ansehen. Also lasst uns nur das ist die Baseline hier überlagert. Du kannst so sehen. Alles klingt klar und fokussiert im Low End. Da Sie nicht über diese kollidierende, einen Schlamm mit geringer Reichweite, den Sie erhalten, wenn zum Beispiel das Klavier, das Bläser, diese Note auf der Grundlinie nicht respektiert hat, die eine temporäre erstellt hätte, auch wenn es kurz ist hier, Schlamm im unteren Bereich Ihrer Musik. 23. High: High-End-Fokus. Wie wählen Sie also aus, welche Inversionen und Voicings Sie für Ihre Akkorde in Ihren Fortschritten verwenden sollten. Nun, das hängt natürlich davon ab, wie Sie die harmonische Erzähllinie Ihrer Musik gestalten wollen. Sie sind der Komponist der Rolle, aber es gibt einen sehr wichtigen Aspekt, der sich darauf bezieht, wie unsere, unsere Ohren nehmen die Frequenzen und Tonhöhen in der Musik. Sie haben also bereits gelernt, dass der Low-End-Bereich normalerweise die Grundnote in Oktaven in der Basis ist, um die Tiefe, Kraft und den fokussierten tonalen Mittelpunkt Ihrer Progression bereitzustellen . Das Gegenteil dazu ist die hohe Reichweite Ihres Hormons ist im Grunde unsere Ohren konzentrieren sich am meisten auf die höchste Stimme eines jeden Akkord, so dass die Kopfnote jedes Akkord ist, was wir am meisten hören. Es ist natürlich abhängig von der Lautstärke und Dynamik jeder Stimme und den Ebenen in der Mischung Ihrer Gesamtmusik und so weiter. Aber für jeden Akkord nehmen wir im Allgemeinen die höchsten Noten auf. Nehmen wir an, wenn Sie zum Beispiel eine d-Moll spielen und dann in g-Moll und vielleicht auch B-flach gehen. Nun, wenn Sie Ihre Akkorde in einer Weise sprechen, so dass diese Top-Stimme hier ist, was führt und führt den Hörer. Du kannst so etwas tun. Zum Beispiel, beginnen Sie hier vielleicht auf dieser Inversion des D. Dann, wenn Sie wollen, dass die Stimme führt, dass Sprachfokus von F nach G gehen, na ja, verwenden G-Moll in dieser Inversion, so, und dann wollen Sie zu dieser Notiz hier gehen. Verwenden Sie also B flat in dieser Konvertierung. So, vielleicht zurück zu f. Also das ist die, jetzt die Top-Stimme, die Focus Boys, der High-End-Fokus. Und dann zu g, so etwas. Das Tolle daran ist, dass Sie als Komponist Aufmerksamkeit des Zuhörers mit Ihren Akkorden lenken können , indem Sie auswählen, welche Note Sie oben spielen. Lassen Sie mich Ihnen ein praktisches Beispiel geben. Nun ist dies die führende Melodie aus dem Thor-Film-Soundtrack aus dem Avengers-Universum. Also geht es so etwas, von einem TA, flach zu F und E zu sein, und so weiter. Wenn Sie also jetzt Ihren Kurs äußern, können Sie Ihre höchste Stimme verwenden, um diese führende Melodie-Note zu akzentuieren und wirklich vorwärts zu treiben. Es beginnt also mit F-Dur. Aber da dies die Spitze ist, die melodische Stimme, wählen Sie diese Umkehrung. Und dann gehst du hier zu F. Und Sie können B-Dur verwenden. Und dann geht es hier rauf. So können Sie direkt gehen. Das, die gleiche Kohorte, B flach. Aber von diesem, und bewegen Sie diese auf eine Oktave höher, und dann auf F und E. Nun, in diesem Fall ist die Akkordprogression c sus4 und dann auf C-Dur, so wieder, und so weiter. Lassen Sie mich Ihnen hier ein praktisches Beispiel in meinen DAWs zeigen, ich habe die führende Melodie auf Streichern gespielt. Ok? Dann verdopple ich das auf dem Wind. Crc kann sehen, dass diese tatsächlich im Unisono spielen. Also beide wenden sich an. Jetzt ist, dass etwas Farbe, um es oder Eis, dann habe ich eine Grundlinie. Aber der Punkt ist, hier sind die Kernprogressionen auf dem Klavier. Also, was ich getan habe, ist, dass ich den Code hier habe und hier aufnehme, aber ich beschließe, Akkord Voicing. Das ist also diese Top-Stimme. Sie hören, ist genau die gleiche Melodie wie die Saiten hier beim Lesen von Melody. Und so hörst du dir alles an, während wir in der Pianorolle zuschauen. Sie betonen wirklich diese führende Melodie. Also lasst uns mal zuhören. Und natürlich in diesem Fall spiele ich einfach die Blockquartiere, was sehr steif und langweilig ist, um ehrlich zu sein, aber es ist nur zu Demonstrationszwecken, Ihnen jeden Akkordwechsel hier zu zeigen. Und an der obersten Stimme lenkt die Aufmerksamkeit des Zuhörers. Denken Sie daran, dass das High und der Fokus für Ihre oberste harmonische Stimme ist, was der Hörer am meisten hören wird. Nutzen Sie das also zu Ihrem Vorteil, wenn Sie Ihre Musik komponieren. Sie nun daran, dass ich in diesem konkreten Beispiel tatsächlich alles in der Bedeutung ging, dass ich jede einzelne melodische Note in der Akkordprogression betonte , indem ich den High-End-Fokus benutzte, um mit der melodischen Sequenz zu schichten. Aber das ist nicht das, was du normalerweise tust. Was Sie als Komponist tun, ist natürlich, kreativ zu wählen, wo und wann und wie lange. Die Noten in Ihrer melodischen Sequenz, möchten Sie Akzent mit Ihrer harmonischen Handlung betonen. Also, wann immer Sie das tun, das ist, wenn Sie die meiste Aufmerksamkeit und den Fokus für diese Melodie jetzt bekommen, also möchten Sie vielleicht das High-End verwenden, die Stimme, die führt, um diese Noten hier zu erweitern, aber dann haben Sie die verschiedenen Voice-Leading, zum Beispiel, hier. Und dann erweitern Sie diese Knoten und so weiter. Und natürlich gibt es keine Regel, dass Sie diesen High-End-Fokus zu Schicht verwenden müssen, würden Sie überhaupt Melodie führen? Es ist nur ein weiteres Werkzeug, das Sie als Komponist haben. Probieren Sie dies auf Ihrem Midi-Keyboard oder Piano aus, indem Sie die gleiche Akkordprogression mit verschiedenen Inversionen für jeden Akkord spielen die gleiche Akkordprogression mit , um zu formen, welche Note die höchste ist. Sie werden sofort hier, wie die Top-Stimme wirklich Ihre Aufmerksamkeit lenkt und Sie durch die Akkordprogression führt. 24. Voice: Stimme, Gewicht, das Gewicht all Ihrer Noten für alle Instrumente und Sounds ist ein unglaublich wichtiger Aspekt für den Gesamtklang. Das nenne ich Sprachgewicht. Und es ist im Grunde, wie viel Macht jede Stimme Ihres Unternehmens bekommt. Also lassen Sie mich Ihnen schnell zeigen, wofür ich auf Klavier meine. Nehmen wir an, Sie haben Standard-C-Moll-Triadeakkord wie diesen. Nun, wenn ich jetzt die Wurzelnote hier mit einer lauteren Dynamik spiele, und das sind die beiden niedrigeren Dynamiken, die Stimme wird mehr Stimmgewicht haben. Auch wenn ich es in Oktaven wie hier in der Basis verdopple, und Sie erhalten 33 Schichten Cs hier, was ihm natürlich mehr Gewicht geben wird. Und wenn ich hier ein anderes Instrument verwende, um dies zu schichten, zum Beispiel eine Brustposaune oder etwas, um diese zu schichten. Diese sehen in der, im ganzen Hof hören, dass Stimme wird noch mehr bekommen, warten, warten Sie von Geräuschen. Eine der wichtigsten Möglichkeiten, das Gewicht einer Stimme in Ihrem Kernprogression zu kontrollieren , ist, welche Instrumente Sie zugewiesen haben, um sie zu spielen. Einige Instrumente sind harmonisch reicher und dichter, oder mit anderen Worten, leistungsfähiger, während andere entspannter, sanfter und leichter sind, wie ein dicker Messing-Sound im Vergleich zu einem Licht oder. So. Zum Beispiel, sagen wir, eines der Instrumente eine harmonische Stimme in Ihrer Progression spielen, wir spielen diese Linie ist C, E flach, G und B flach. Nun, wenn du das auf einem dicken Messing-Patch spielst, wird das mehr Gewicht für diese Stimme in deiner harmonischen Handlung haben als ein leichter Schaden. Warten Sie, von der Verdoppelung. Eine andere Möglichkeit, das Gewicht einer bestimmten Stimme in Ihrer harmonischen Progression zu erhöhen , besteht darin, sie mit mehr Instrumenten zu verdoppeln. Nehmen wir zum Beispiel an, Sie haben ein Cello, das eine Ihrer Stimmen spielt. Sie können ein Französisch Horn hinzufügen, das die gleiche Linie spielt, was natürlich gibt, dass harmonische Stimme mehr Gewicht in Ihrer Musikkomposition. Je mehr Schichten Sie eine Linie verdoppeln, desto mehr Gewicht wird die Stimme bekommen. Und Sie können dies im Unisono oder in Oktaven tun. Nehmen wir an, eine Ihrer Stimmen in Ihrer harmonischen Handlung geht so etwas um den c-Moll herum. Ok? Nehmen wir nun an, Ihre Hauptstimme wird von Untiefen im unteren Bereich wie folgt gespielt. Nun, wenn Sie es auf Französisch Hörner verdoppeln, die im Einklang spielen. Also der gleiche Bereich hier, wird es dicker sein und mehr Gewicht haben als zu hören, wenn die Hörner kommen. Und wenn Sie es eine Oktave unter oder über jeder Oktave Schichtung mit auch geben, dass Jungen mehr Gewicht. Also habe ich gewählt o Verbeugung hier eine Oktave höher. Ich werde wahrscheinlich gesenkt die Dynamik hier auf der Oboe spielen nur live hier, aber Sie bekommen den Hauptpunkt hier, die Stimme Gewicht von Schichtung, Gewicht von Dynamics. Ein weiterer Aspekt, den Sie das Gewicht jeder Stimme Ihrer Kernprogressionen gestalten können , ist durch die Dynamik, die die Instrumente jede Note spielen. Werfen wir einen Blick auf dieses Beispiel hier, ich habe flache, Bratschen und Geigen, die alle einen Standard-C-Moll Akkord bilden, C, E flach und G. Nun habe ich das Gewicht der Stimme geprägt, indem ich mich dafür entschieden habe, dass die Bratsche die dritte auf einer niedrigeren dynamischen Ebene, wie Sie hier sehen können. Wenn man sich diese Kurven anschaut, die Kanäle und die Geigen, die durchschnittlich lautere Dynamik spielen, bezeichnen Violine, Viola uns, die die dritte spielen, spielen viel niedrigere Dynamik und es klingt so. Warten Sie, vom Mischen. Schließlich können Sie das Gewicht jeder Stimme in Ihrer Musik mithilfe von Produktions- und Mischtechniken steuern . Die Spur Ebene ist natürlich die offensichtlichste, aber auch schwenkende EQ in Sättigung, Kompression, et cetera. Grundsätzlich zu gestalten, wie dick versus dünn das Instrument, das diese Stimme in Ihrem Kernprogression spielt, ist in Ihrem Mix. So können Sie zum Beispiel Levels hier für jeden Titel verwenden , der eine harmonische Stimme in Ihrer Musik abspielt. Sie können einen EQ-Filter, ein Schwenken usw. Stereobreite verwenden. Also lassen Sie mich Ihnen zeigen, was ich hier im Harmoniegruppenordner getan habe. Also wird jede Spur in dieser Gruppe behandelt. In den meisten Fällen möchten Sie also Ihre Harmonien wieder in den Hintergrund Ihres Mixes schieben , um Platz in der hohen Reichweite für Ihre melodischen Riffe, Themen und so weiter zu lassen . Also hier verwende ich ein Plug-in und eine warme Einstellung. Sie können einen EQ oder Filter verwenden, um einfach die hohen Frequenzen in der Mischung nach unten zu drücken. Oder. Und auch in einigen Fällen möchten Sie vielleicht etwas hier in den Fokusfrequenzen um ein bis drei Kilohertz ausschöpfen, denn das ist, wenn wir unsere Ohren am meisten hören zwischen irgendwo hier, 12 auf die Gesamt, Sie bekommen eine viel wärmeren Ton für Ihre Hominis. Sie möchten sie zurück in den Hintergrund schieben. Ich verwende auch Stereo-Bilder, um sie an die Seiten zu schieben und die Breite zu erhöhen. Hier verwende ich einen Kompressor, um die Dynamik zu zähmen , damit sie nirgendwo im Mix zu prominent werden. Und wie gesagt, können Sie auch einen EQ oder Filter verwenden. Also ohne alles, es klingt so. Jetzt mit allem, was aktiv ist. Und ich werde es Ihnen auch in der Klavierrollen-Redakteurin zeigen. Und wir werden uns das anhören. Also lasst uns das entfernen. Und wenn ich jetzt hineinzoomen, können Sie die tatsächlichen Codestimmen sehen. Zum Beispiel, hier haben wir eine d-Moll gehen in g-Moll. Lassen Sie uns die Schichtung überprüfen. Sie haben D an der Unterseite und Oktave oben. Dann noch ein D hier. Perfekter Fünfter. Also ein A hier. Hier kommt wieder ein D, und so weiter. So können Sie wirklich sehen, wie Klingeln für die Stimme Gewicht, die ich gewählt habe. Auch die unterschiedlichen dynamischen Dynamiken. Die Basis geht also so. Der Chor geht so weiter und so weiter. So bildete ich mich mit Dynamics nicht nur auf den anhaltenden Noten, sondern auch dafür auf der und Geschwindigkeitsstufe. Und natürlich, wenn Sie kurze Artikulationen verwenden, gibt dies mehr Luft zwischen den Knoten wie diesen, die nicht so viel Platz in Anspruch nehmen. Dauerhafte Note. Wenn ich jetzt alles im Kontext verwende, einschließlich all dieser zusätzlichen Misch- und Produktionstechniken, klingt es so. Schauen wir uns das an. Und Sie können wirklich hören, wie warm der Gesamtklang für die gesamte Harmonie-Mischgruppe ist, die viel Platz für Ihre führenden Melodien, Riffe und Motive zum Durchschneiden in Ihrem Mix lässt . 25. 7 Geheimnisse zum Schreiben erstaunlicher Akkordsätze: Hallo Musik-Schöpfer, möchten Sie Akkordprogressionen fahren, die erstaunlich klingen, gehen von einem Symbol, steife und langweilige Akkordprogression wie diese. Ziemlich schlecht, richtig? In etwas Schönes, sich entwickelndes, ausdrucksstarkes und dynamisches wie dieses. In diesem Video lernen Sie sieben Geheimnisse, um erstaunliche Akkordprogressionen zu schreiben. Lasst uns direkt in Tipp Nummer eins tauchen, Akkord-Umkehrungen. Also, wenn wir uns dieses Beispiel nochmals ansehen, diese Skizzenspur für die Gerichte, das geht g-Moll, g-Moll und dann C. Aber ich benutze sie in der Wurzelposition, was bedeutet, dass ich die niedrigste Note des Akkords spiele, das D, dann das F und dann das a für die d-Moll. Aber Sie können die Note in der Tat eine Oktave nach oben oder unten transponieren , um einen glatteren Übergang zu erzeugen. Also zum Beispiel hier, wenn ich diese Kopfnote auf dem zweiten Akkord nehme, sie eine Oktave runter transponiere, dann bekommt man diese riesigen Sprünge nicht. Lass es uns auch dabei machen. Jetzt klingen sie viel glatter, wenn sie so verbunden sind. So können Sie natürlich in Reichweite nach oben oder unten transponieren und diese Umkehrungen erstellen , um glattere Übergänge zu erzeugen, die besser klingen. Und ich empfehle auch, dass Sie die Geschwindigkeit reduzieren, um sie weicher zu machen. Okay, also das ist Tipp Nummer eins. Der nächste ist Akkordstimmungen. Das ist also wichtig, weil der erste hier nur die Umkehrungen sind. Aber wenn Sie die Stimmen überprüfen, hier ist, wo Sie tatsächlich einige der Stimmen verdoppeln können. Wenn Sie also einen D-Moll Akkord, D, F und a haben , können Sie den Wurzelknoten D auf der Basis verdoppeln, um ihn prominenter und fokussierter zu machen. Und Sie können sie auch auf verschiedene Arten arrangieren. Hier haben Sie also zwischen der Bassnote und der nächsten Note, es gibt viel Platz, der anderen Instrumenten und Klängen in Ihrer Musik, wie Melodien, Riffs usw., mehr Spielraum gibt anderen Instrumenten und Klängen in Ihrer Musik, wie Melodien, . So können Sie, wenn Sie die Herznote nehmen möchten, zum Beispiel die Mittellinie hier. Hören wir uns das zuerst an. Nur das Basisjahr hinzufügen. Nun, das ist geschlossene Position, geschlossener Akkord Voicing. Zwischen diesen. Hier haben Sie offene Voicings, weil Sie Koordinaten von diesem d-Moll-Akkord haben , die nicht verwendet werden, um diesen Raum hier zu schaffen. Nehmen wir an, Sie nehmen diesen Knoten in der Mitte hier und transponieren ihn nach oben, ein Oktett, das mehr Luft, mehr Lücke, mehr Raum zwischen den Hofstimmen schafft, was offeneren Klang schafft und Raum für Ihre wichtigen Themen gibt, Riffe, Melodien und so weiter. So etwas zu erschaffen. Immer noch glatte Stimme führt, aber offenere Stimme. Das sind also die Akkordstimmungen. Und übrigens, eine wichtige Lektion hier ist, dass ich nur auf Klavier spiele, aber Sie können diese Akkordstimme verwenden, um diese auf Blechbläsern spielen zu lassen. Und so weiter. Tipp Nummer 3 ist die Stimme führend. Also wieder, die Akkord-Inversionen schaffen die Stimme führenden. Aber ein anderer Weg ist, dass Sie zwischen den Schnüren das zum Beispiel nicht zwischen diesem und diesem haben können , sondern tatsächlich eine Notiz aus der Skala dazwischen verwenden , um einen ungleichmäßigen, glatteren Übergang zu erzeugen. Und wenn wir das vorherige Beispiel hier überprüfen, sehen Sie, dass ein Kern pro Bar hier genannt wird. Aber wenn man Akkord-Inversionen so benutzt , dass sie dieselbe Note haben, wie ich es hier mit Akkord-Inversion getan habe, nehmen sie, diesen hier, prahlen sie, transponieren in einer Oktave nach unten. Dann können Sie sich diesen Notizen anschließen, um einen noch glatteren Übergang zwischen dem Kurs zu erstellen einen noch glatteren Übergang , da sie diese Note teilen. Und dann nahm ich diese Bassnote so. Also war es schon mal so. Ich schneide es auf. Und dann verwenden Sie eine andere Skalennotiz als Übergang, wodurch mehr Sprachschleifen erstellt werden. Hören wir uns das so an. Und hier wieder, schließen Sie sich diesem und diesem Übergang dort an. Und natürlich können Sie auch Tage an den internen Stimmen verwenden. Die Basis ist übrigens großartig dafür. Dann kommen wir zum nächsten Schritt, der Tipp Nummer 4 ist, Stimme geschrieben. Das ist also wirklich wichtig, denn was wir mit Blockakkorden, einem Akkord, jeder Stimme innerhalb eines Kernplatzes für die volle Verlängerung des Akkords angefangen haben. Also ein Takt Akkorde, was langweilig und steif ist. Wenn Sie dies überprüfen, können Sie rhythmisches Comping auf Gitarre oder Klavier verwenden, um ein Muster zu erstellen. Und dann kann jede Akkordstimme ein anderes Muster haben. Sie sind unabhängig voneinander. Hier ist ein Beispiel, ich habe auch auf Klavier. Gleiche Akkordprogression, d-Moll , g-Moll, F und C usw. So können Sie damit verschiedene Reise-Rhythmen auf den Stimmen erstellen und auf verschiedenen Instrumenten anordnen. Der nächste ist, was ich Transition Akkorde nenne, Tipp Nummer fünf. Anstatt also nur einen Akkord hier pro Takt zu verwenden, oder sagen wir zwei Akkordkerne pro Takt. Lassen Sie uns überprüfen, was passiert, wenn Sie tatsächlich Übergangsakkord verwenden. Also sagen wir, wenn ich D spiele und dann zu einem G-Moll gehe, könnte ich hier zwischendurch eine SAS-Note verwenden. Und wenn ich von G-Moll nach F gehe, könnte ich das abgeflacht halten, um hier einen SAS-Code für F zu erstellen, was ich hier getan habe. Wie Sie sehen können, geht die Stimme von dort nach da und schreibt dies. Also von diesem, die nur die einfachen Gerichte verwenden, aber mit Rhythmus, keine Übergangsgerichte, Ich füge einen Übergang Akkorde. Und es schafft schon so viel mehr Emotion. Dann kommen wir zu Tipp Nummer sechs, glaube ich, das ist Stimmanordnung. Und jetzt kommen wir zu den coolen Sachen. Also, wenn Sie überprüfen, werden Sie diese einfachen Klaviergeräusche los und gehen Sie in die volle Harmoniegruppe hier, wo ich eine Basis habe. Volle Streicher erhalten Posaunen, kurze Samba-Streicher und kurze Bratschen. Also mit Gesangsanordnung meine ich, dass man die Stimmen für jeden Akkord arrangieren kann, Akkord völlig unabhängig auf verschiedenen Instrumenten solo nimmt die Bassspur hier natürlich, Pflege der Grundlinie. Dann habe ich die vollen Saiten spielen hier sowohl die Bassnote als auch die Akkorde hier. Aber es spielt nicht den vollen Kurs. Ich glaube, es spielt die Harmonie und dann die zusätzlichen Basisnoten. Und hier siehst du die ganze Stimmenführung ich auch in der Mittelnote hinzugefügt habe, Mittellinie dort. Und dann habe ich für die Kuh-Acquirer eine Zwei-Noten Harmonie aus den gleichen Akkorden verwendet. Du musst also nicht alle Akkorde spielen. Sie können alle Stimmen für jedes Instrument einstellen. Und dann spielen Posaunen eine andere Zeile von der Stimme, von den Höfen. Und Sie können auch verschiedene Rhythmen völlig unabhängig voneinander haben. Diese spielen also lange Legato-Noten, aber diese kurzen Saiten hier spielen, um Tom zu kennen, jede Zeile an der Spitze mit einer zusätzlichen Octavia der Basis hier unten und schaffen dies. Richtig? Und dann habe ich das mit kurzen Biologos verdoppelt, die ein ähnliches Muster spielten, aber nicht genau so. Also arbeiten sie in der Synkopation, um diese all diese unabhängige Variation zu schaffen . Aber immer noch die Pum, Pum, Pum, Pum, Pum, Pum Core Groove dort. Das ist also Stimmanordnung. Tipp Nummer 7 ist Dynamik und Ausdruck. Das ist also wirklich wichtig. Sie möchten hier dynamische Variationen in den Geschwindigkeitsstufen auf rhythmischen Teilen haben. Und du wolltest Bewegung in der Dynamik haben, den sich entwickelnden Sound erschaffen, ich hier auf den Saiten das Mod-Rad benutze, um wie Wellen in der Natur anzuschwellen. Gebäude. Und dann eine Rampe hier oben, die diese schöne oder Bewegung schafft. Und Sie sollten das für alle Stimmen verwenden. Wie Sie sehen können, habe ich es in den Chören getan und so weiter hier. Das sind also die sieben Hauptbänder. Ich habe ein paar zusätzliche Bonus-Tipps. Also zuerst, der erste Bonus-Tipp ist niedrig, Mitte Range. Also, was meine ich damit? Nun, in den meisten Fällen, die führenden Melodien und Motive und Slips, oder im mittleren Bereich, wo in der Regel Ihre, die gleiche Reichweite, eine menschliche Stimme singt. In den meisten Fällen. Also, was Sie in den meisten Fällen tun möchten, ist für die Harmonie, dies so zu arrangieren, dass Sie in der Low mit der Basis und flachen, zum Beispiel, oder Rhythmusgitarre oder, und so weiter auf Mittelklasse spielen zum Beispiel, oder Rhythmusgitarre oder, . Aber beachten Sie, dass normalerweise nicht zu viel los ist. Wie zwischen C 4 und C6 hier, denn wenn du den Platz dort hältst, lass mich dir einfach zeigen, was ich meine. Wenn ich das hier nehme, dann nehme ich die obere Zeile. Dann sagen wir, wenn ich das auch aufnehme, weiß ich es nicht. Etwas. Wie Sie hören können, ist es viel heller und stärker fokussiert auf diese Weise. Aber das, das wäre die wichtigsten führenden Melodien. Wenn ich sie hierher bringe, schaue, ob ich sie gesehen habe, habe ich sie ausgeladen. Jedenfalls. Ich denke, du kannst verstehen, was ich hier meine. Also, was Sie tun wollen, ist, sie so zu arrangieren , dass sie in einem niedrigeren Register spielen. In den meisten Fällen. Also, das ist Bonus-Tipp Nummer 1. Halten Sie es in der niedrigen bis niedrig gemacht und Mitten unter C4 für den größten Teil, 4, wenn Sie gekauft, dass Hintergrund Art von Ton für das Hormon ist in Zitaten, die in den meisten Fällen tun Sie Tipp Bonus. Tipp Nummer 2 ist Performance-Variationen. Also auf der Grundlinie können Sie schlagen, Sie können Polstumme verwenden, wenn Sie einen elektrischen oder akustischen Bass verwenden. Oder Sie können mehr Kulturen auf einigen Notizen verwenden, wissen Sie, wechseln Sie es nach oben. Die meisten. Das beste Beispiel dafür ist, wo ich diese kurzen Strings hier verwende. Denn was ich getan habe, ist das mit der Artikulation zu schütteln. Ich habe hier und hier mehr Fotos zu den wichtigsten Beats hinzugefügt. Dann verwende ich Stockfotos auf diesen hellblauen. Und das ist eigentlich der Laufmodus für Ashley-Vorträge. Benutze sie hier. Nur für diese Gewürze. Schauen Sie sich dies im Run-Modus an, der dies erstellt. Und das führt uns zum nächsten Teil dieser Performance-Variation. Also die Artikulationen. Und auch das Hinzufügen von Gewürzen und fühlt sich an, als hätte ich hier mit dem Lehrer getan, dass, dass, dass, dass, dass, dass, dass, dass, dass, dass, dass, dass, dass, dass, dass , dass, dass, dass, dass, Und dann idealerweise auch hier mit der Gewalt. Und so weiter. Das sind Performance-Variationen, die Artikulationen und Spielstile, um es aufzupeppen. Und Wellness-Tipp Nummer 3 ist mischen Sie Ihre Akkorde und Harmonien in den Hintergrund, was sie, in einer Weise, dies zu tun ist, um sie tatsächlich in den unteren Bereichen zu spielen. Also von rund C4 oder da und unten. Aber auch in der unteren Dynamik spielen. heißt, wenn wir das hier überprüfen, spielen Sie keinen Mann. Wenn ich dies den ganzen Weg hier aufnehme, sagen wir, sie sind viel zu hoch in der Dynamik. Lassen Sie mich sehen, ob ich sie in der Geschwindigkeit überprüfen möchte oder so. Ich meine, wenn du so gehst, gibt es zwei prominente. In den meisten Fällen möchten Sie also, dass Ihre Harmonien eine niedrigere Dynamik haben, besonders bei langen Tönen wie diesem. Anfrage und Posaunen. Du willst also gehen, wenn wir hier nachsehen, ist das wie so weiter erfüllt. Sie wollen im Grunde die höchste Position um die Metapher haben. Ja, um die Mitte, oberen Medien und dann unten. Ich kann sogar tiefer gehen, wenn du wolltest, lass es uns so noch tiefer bringen. Denn dann werden sie weicher sein. Wieder Platz für Ihre Melodien Slips in den Hauptthemen und Haken zu lassen. Und auf andere Weise tun dies Osten im Produktionsaspekt, zum Beispiel auf diesen Saiten hier, wenn wir sie sehen und ich die Bibliothek laden, die diese von Flatus voll Strings Lungen ist. Ich habe die nahen Mike Positionen ausgeladen. Lassen Sie mich Ihnen hier den Unterschied zeigen. Also die engen Mikes Positionen. Und ich habe eigentlich Solo de Know als Artikulation verwendet, die eine weichere Artikulation auf Saiten ist. Bevor ich das tat, wird es viel konzentrierter auf die Küste klingen. Spielen von Sardinen Artikulation lässt sie klar erscheinen , dass das Entfernen der nahen Mikes sie zurückschiebt. Und insgesamt erzeugt das diesen weicheren Klang. Sie können natürlich auch Filter und EQ verwenden, um dies zu tun. Der Push it in den Hintergrund , der uns zum letzten Bonus-Tipp führt , der hier der Overrule Production Aspekt ist, verwende ich gerne. Ich benutze dieses Plug-in oft, aber im Grunde können Sie einen Filter verwenden oder rekey dafür verwenden und ich werde es auf die warme Einstellung einstellen. Vergleichen wir, im Vergleich zu, sagen wir, ich benutze es ein helles, was im Grunde ein EQ-Boost im höheren Bereich ist. Nun, ich will es wärmer, so dass im Vergleich zu es entfernt diese hohen scharfen fokussierten Frequenzen. Ich mag auch ein wenig Sättigung zu verwenden, um nur in den Mix mit auch einigen gemischt , um es zur Seite zu schieben, ist auch Raum für Ihre fokussierten mittleren Sounds wie die Klänge in der Mitte zu geben , was in den meisten Fällen Ihr Haupt Gesang, führende Melodien, Haken, Riffe, und so weiter. Also benutze ich eine Stereoanlage , erweiterte sie nur ein bisschen um 20 Prozent oder so, weil du es auf der ganzen Gruppe hier verwendest, was etwas Tiefe hinzufügt, ich schalte es jetzt ein. Nur ein bisschen mehr Platz und Tiefe, um es so zu schieben. Und dann eine letzte Kompression. Sie können es wahrscheinlich im parallelen Knoten wie 5050 hier verwenden. Behalten Sie es immer noch. Behalten Sie etwas von der Dynamik. Seien Sie übrigens vorsichtig mit der Kompression auf Orchesterinstrumenten, so dass das alles meine besten Tipps sind, um Kernprogressionen zu schreiben, die erstaunlich klingen. Ich hoffe, Sie werden das selbst ausprobieren und ich werde Sie im nächsten Video sehen. 26. Congratulations: Herzlichen Glückwunsch, mein Freund. Sie haben jetzt die Grundlagen, die fortgeschrittenen Techniken und Richtlinien, die Klänge, Farben, Spielstile und ein wenig kreative Möglichkeiten, um die Geschichte Linie Ihrer Musik zu gestalten, was Hormone und alle Fortschritte wirklich alle. Ich empfehle, dass Sie jetzt auf alles, was Sie in diesem Kurs gelernt haben, Maßnahmen ergreifen, zurückgehen und Lektionen erneut ansehen, wenn Sie möchten. Aber das Wichtigste ist, dass du jeden einzelnen Aspekt praktizierst, den du wirklich meistern willst , weil nichts das Lernen aus dem Tun übertrifft. Mein Name ist Mike, und ich wünsche Ihnen viel Erfolg Ihrer Reise in der Musik.