So meisterst du Emotionen in deiner Musik

1. Deine Reise zum Beherrschen von Emotionen in der Musik: Hallo und willkommen Musik-Schöpfer. Als Musikkomponist und Künstler bist du Dirigent von Instrumenten. Du bist ein Regisseur der Emotionen. Du erschaffst eine erstaunliche Geschichte von Klängen, und am Ende erschaffst du die mächtigste Kunstform im Universum. Die einzige Sprache, die im Herzen eines jeden Menschen auf der Welt verstanden und gefühlt werden kann. - Musik. Also möchten Sie ein Meister der Schaffung, Kontrolle und Gestaltung der Emotionen in Ihren Knien werden. In diesem Kurs erhalten Sie Techniken, um Emotionen Musik zu meistern, fortgeschrittene Tipps und Geheimnisse, Live-Beispiele und Demonstrationen. Sie lernen die besten und mächtigsten Wege in der Musikkomposition und -produktion, mit denen Sie die emotionale Handlung Ihrer Musikkomposition gestalten können. Und wenn Sie Musik für visuelle Arbeit und Soundtracks wie Filme, TV, Videospiele oder jede Art von Produktionsmusik für kommerzielle Zwecke machen möchten. Dann müssen Sie diese wesentliche Fähigkeit meistern. Musik-Schöpfer, lernen, wie man die Emotionen der Musik zu steuern und zu gestalten, Ihre Geschichte der Klänge. Also, wenn Sie bereit sind, ein Meister der Emotionen in der Musik zu werden, Lassen Sie uns handeln, gespeichert Ihre Lernreise und Abenteuer zur Beherrschung der Macht der Emotionen in der Musik. Sofort. 2. Die Emotion Diagramm der Musik: Die Emotion kurz vor Musik. Um Ihnen dabei zu helfen, die emotionale Geschichte Ihrer Musik zu kreieren, zu gestalten und Freunde zu formen, habe ich etwas entwickelt, das Sie als Leitfaden verwenden können. Ich nenne es die Emotion kurz vor Musik. Und es basiert auf der Spannung und dem Energieniveau jedes Aspekts Ihrer Musik. Ich werde die Begriffe Energie und Spannung in diesem Kurs sehr nutzen. Aber in der Praxis haben beide in den meisten Fällen eine ähnliche Bedeutung. Und diese Kern-Emotion basiert darauf, wie sie unseren Seinszustand von friedlicher und perfekter Harmonie bis hin zu stressigen, intensiven und hochspannenden Emotionen beeinflusst. Die praktische Anwendung dieses Gefühlstabs besteht darin, alle grundlegenden Emotionen zu beschreiben und wie sie in diesem Diagramm platziert werden , basierend auf dem Energie- und Spannungsgrad, den sie haben, zu beschreiben. Sie können sich vorstellen, ist Emotion kurz als eine Skala, die von Kamm bis zum Chaos geht. Wir sind die niedrigste Energieniveau wäre, als hättest du eine Schlaftablette genommen oder meditiert. Und das höchste Energieniveau wäre, als hätten Sie gerade die falsche Art von Pilz gegessen. Das würde dich halluzinieren lassen wie ein Verrückter. Nun lassen Sie uns einen Blick auf diese Emotion kürzere Musik. Und das entsprechende Schlüsselwort, das die Energie und das Spannungspegel beschreibt. Hier ist die Emotion kurz von Musik. Ebene eins, Mais, friedlich, Stille. Ebene zu Harmonie, Glück und Ermächtigung. Level 3, traurig, emotional oder nostalgisch für spannende, spannende oder spannende Level. Level 5, Chaos, Panik, Angst und Terror. Also im Grunde, alles, was Sie in Ihrer Musik tun , kann auf diese Emotion ohne Musik angewendet werden, oder das Hinzufügen oder Reduzieren der Spannung und, oder das Energieniveau. Sie werden alle Aspekte lernen, die Sie verwenden können, um die Emotionen in dieser Emotion, kürzere Musik in diesem Kurs zu steuern und zu formen . Aber lassen Sie mich damit beginnen, Ihnen einige praktische Beispiele zu geben. Beginnen wir also mit der niedrigsten Spannung und der niedrigsten Niveauenergie. Sie können sich diese als stimmungsvolle, atmosphärische oder meditierende oder entspannende Musik vorstellen . So ist die stabilste Harmonie ein perfektes Fünftel wie diese. Sagen wir, ein F-Power-Akkord. Und wenn du sie mit Valmy-Noten spielst, wird das weniger Energie sein. Obwohl Dynamik wird weniger Energie als auch und niedrige Spannung, weil es nur ein Power-Akkord, die Wurzel und Perfektiv, und dann geht, sagen wir die B flach zwischen diesen beiden Power-Akkorden. Lange gezogene Notizen für eine lange Zeit und gehen Sie wieder zum F zurück. Ok? Jetzt etwas, das auf der gegenüberliegenden Seite sein würde. So sehr hohe Spannung und viel Energie wäre es Harmonien und Intervalle und Akkorde, die mehr Spannung hinzufügen. Nehmen wir an, wir fangen mit d-Moll an. Dann gehen Sie auf diese Note, die tatsächlich D verminderte Akkord und das Triton hier ist. Und fügen Sie auch viel mehr rhythmische Bewegung hinzu, um Energie hinzuzufügen , die mehr von dieser chaotischen, intensiven Stimmung erzeugt. So etwas wie das. Man kann wirklich die Spannung von diesem verminderten Kern und dem Augmented hören. Tun Sie es in der Basis, vielleicht gehen Sie von d2. Der kleinere zweite Satz oder so, dass könnte auf der gegenüberliegenden Seite sein. Natürlich könnten Sie andere Instrumente verwenden, rhythmische hohe Mercado-Artikulationen pro massivem Chaos spielen und so weiter, um wirklich das höchste Maß an Spannung und Energie zu erreichen. Und dann hast du alles dazwischen. Also zum Beispiel, wenn Sie einen Major-Akkord wie F-Dur spielen und dann zu B-Dur gehen. So und dann vielleicht zu sehen. Also alle wichtigen Akkorde, das ist natürlich niedrige Spannungspegel wegen der großen klingenden Stimmung. Aber Sie können das Energieniveau erhöhen oder verringern, je nachdem wie rhythmisch Sie diese spielen und wie viel Kraft, Dynamik, die Sie in jede Note drücken. So dass diese Ballpark CO2-Akzente fügt mehr Energie, auch wenn alle Akkorde oder Major. Aber wenn ich sie leise spiele, vielleicht mit einem Arpeggio, es hat weniger Energie, dann kommt man auf die anderen Ebenen. So stellen Sie eine Moll Akkorde, die ein bisschen mehr Spannung als große Akkorde hat. Aber nicht so hohe Spannung wie zum Beispiel Moll mit einer zusätzlichen Minor Six wie diesem. Und noch höhere Spannungsharmonie wäre der verminderte Akkord. Oder vielleicht gehst du von der Moll und dann auf der Basis. Denken Sie also an all diese Aspekte. Das Hormon sind die Akkorde, die Intervalle, die Sie verwenden, das Energieniveau aus der Dynamik, der Rhythmus , der Spielstil, die Artikulationen, alles zählt und summiert sich, wenn Sie die emotionale Handlung Ihrer Musik formen. Und Sie werden all diese Aspekte in späteren Videos in diesem Kurs lernen. Aber das ist der Ausgangspunkt. Die Emotion kürzer Musik, das Niveau der Spannung, und das Niveau der Energie. 3. Emotion aus Skalierung: Emotion aus der Skala, die Kernsprache Ihrer Musikkomposition wird den emotionalen Ausgangspunkt definieren. Und der erste Aspekt dieser Stiftung ist die Skala oder der Modus, den Sie verwenden. Hier ist eine gute Richtlinie in Bezug auf den emotionalen Charakter des Skalentyps, den Sie verwenden. Jede Skala kann eines der folgenden Hauptmerkmale aufweisen. Eins, Major Vibe to Moll Vibe, drei, Mixed Vibe, und vier, Spannungsvibe. Wie definieren Sie nun, welche Gesamtvibe diese Skala, die Sie verwenden, hat? Als Richtlinie können Sie den diatonischen 15 Akkord der Skala oder des Modus, den Sie den Tonic Akkord verwenden, überprüfen . Ein Akkord wird den größten Einfluss auf die gesamte Emotion haben, gefolgt vom dominanten Akkord, dem Fünf-Akkord. Wenn beide Hauptakkorde sind, dann wird die Skala einen Gesamtklang wie diese Standard-Haupt-Skala, auch Ionischer Modus genannt, haben. Hier sehen Sie also alle sieben diatonischen Triadakkorde der Major Skala, auch Ionischer Modus genannt. Also in diesem Fall ist dies der Schlüssel C. Also haben Sie den C-Dur als ersten Akkord oder den Tonic Akkord. So erhebende Major Vibe ist die Wurzel Vibe der Major Skala, aber auch der fünfte Akkord, oder er wird dominant Akkord genannt, ist in diesem Fall G-Dur. Also, diese beiden Major plus Dur, natürlich schafft eine große klingende Stimmung. Also zurück, um zu sehen, ob beide oder kleinere, der Skalarmodus hat einen kleinen Klang wie die natürliche Moll-Skala, auch der Äolische Modus genannt. Also werde ich dies im Schlüssel von D. demonstrieren, also ist dies die D-Moll-Skala, auch Eolan-Modus genannt. Und wie Sie sehen können, ist der Tonikakord, der erste Akkord ein Moll, also d-Moll in diesem Fall. Okay, also eine kleine Stimmung, basierend auf dem Wurzelakkord, dem Tonikum. Und auch da der fünfte Akkord oder dominante Akkord hier in diesem Fall ist ein Miner sind auch Moll, Moll, Moll für den Tonic Akkord und dominant 15 Akkord schafft eine sehr emotionale Moll klingende Gesamtvibe der Skala. Wenn einer Major und der andere Minor ist, erhalten Sie eine Mischung aus einem Haupt- und Nebenzeichen, wie zum Beispiel der Mixolydian-Modus. Also hier haben wir die sieben diatonischen Triaden des Mixolydian-Modus ist. Diese Skala hat also eine große Gesamtvibe basierend auf dem Tonic Akkord, der in der Taste G. gemessen wird. Dies ist G-Dur. G-Dur. Die große Stimmung. Aber da der dominante Akkord, der fünfte Akkord ein Moll ist, bekommt man eine gemischte Art von Stimmung. Es ist Major, aber mit einer kleinen Berührung. So wie Sie sehen können, die Major Vibe von der G, aber dann geht es zu D-Moll und dann zurück zu den Tonic g Majors oder Major. Und das schafft wirklich den gemischten schönen Charakter, einen insgesamt großen erhebenden Wurzelakkord mit einem emotionalen, eher einem kleinen klingenden fünften Akkord zu haben einen insgesamt großen erhebenden Wurzelakkord mit einem emotionalen, . Und wenn entweder der eine Akkord oder der fünf Akkord eine verminderte oder erweiterte Triade ist, wird Ihre harmonische Grundsprache eine Build-Intention Vibe haben, wie der Phrygische Modus oder der Locrian Modus. Hier haben Sie also die Phrygischen Modus Akkorde. Also habe ich mich entschieden, es in E. zu demonstrieren. So ist e-Moll der Wurzelakkord, das Tonikum das dem Kern grundlegende lebensfähig diesen Modus oder Skala, der phrygische Modus. Dunkler, emotionaler Minderjähriger. Allerdings ist der fünfte Akkord in diesem Fall B vermindert, was gibt, gibt den zusätzlichen Charakter oder hohe Spannung. Warum? Weil eine verminderte Triade ein kleines Drittel ist , mit weiteren kleinen Dritteln darauf gestapelt, was dieses Intervall zum Triton innerhalb des Codes macht, was eine sehr hohe Spannung darstellt. Gehen wir also von e-Moll, vermindert um zwei. Das ist die Kernvibe des phrygischen Modus. Die Spannung vibe. Locrian ist in der Tat so hohe Spannung, dass es in der Musik kaum verwendet wird , da es aufgrund seines verminderten Tonakkord eine richtige Kadenz fehlt. Hier haben Sie also den Locrian Modus , der einen Tonic Akkord hat, eigentlich ein verminderter Akkord ist. Also in diesem Fall, B verminderte. Und es ist sehr selten, dass Musik diesen Modus während der gesamten Komposition benutzt denn wie beendet man einen Akkordprogression und löst ihn mit einem verminderten Akkord auf? Wie der verlorene Akkord. Es ist wirklich selten, wahrscheinlich für sehr gruselige Musik, es könnte funktionieren, aber man bekommt den verminderten Tonic Koordinaten Fall und dann einen großen tatsächlich dominanten Akkord. der Zeit fängst du an, diese anderen Akkorde zu spielen. Der Zuhörer wird wirklich wollen, um eine andere Skala Tab und Typ zu hören und nicht zurück zu der B vermindert. Aber es gibt zumindest, es ist die höchste Spannungsform der Skala. Jede Skala, die einen verminderten oder erweiterten Tonikakkord hat. Hier ist eine kurze Referenzkarte für Sie, wo ich die sieben Hauptmodi von den hellsten, erhebendsten, bis zur dunkelsten Spannung mit jeder diatonischen Triaden pro Skala Grad für jeden Modus bestellt hellsten, erhebendsten, bis zur dunkelsten Spannung habe. Nun, wie Sie aus diesem Diagramm sehen können, Ich habe mit den Farben markiert, die Tonic Akkord von jedem Modus, sowie die dominante, die fünfte Kälte. Also der hellste, erhebendste, wenn Sie so wollen, Modus in Musik oder Maßstab, weil die meisten sind eigentlich ziemlich viel Skalen. Mit dem Unterschied ist, dass in Modi die gleichen Noten teilen, aber in einer anderen Reihenfolge, unterschiedliche Tonic, und so weiter. Also der Lydian-Modus, Lassen Sie uns es in der Taste F tun, So erhalten Sie die wichtigsten klingenden Tonic. Und dann ist der fünfte Akkord auch Major. Also c in diesem Fall. Aber wenn ich nur 151 spiele, das ist das gleiche wie die Ionische Modus Standard Major Skala. Der Unterschied hier ist, dass die Lydian haben den zweiten Akkord als Dur, während die Ionischen haben die fünfte, vierte, fünfte. So bekommen Sie das Video und mit der zweiten, so dann g. Und dann sehen Sie wie die fünfte goldene. Zurück zu diesen 12 Hauptakkorden, Triaden für den 1 ersten zweiten Grad bestimmt tatsächlich den Charakter dieses Modus. Die Ionischen haben das Haupttonikum, in diesem Fall, dann das fünfte. Und ich habe eigentlich einen großen Major. Der Unterschied hier ist, dass ein vierter Akkord ebenfalls groß ist. Also f wie die vier Akkord, und dann G, und dann zurück zu eins. Und wie ich vorhin gezeigt habe, haben Sie den Mixolydian-Modus , der einen großen Klang hat, Tonika, also g. Und dann ist der fünfte Akkord eigentlich ein Mollakkord. Also, wenn ich hier etwas von G2, d-Moll finde, ist das der Mixolydian-Sound. Als nächstes gelangen wir zum dorischen Modus, der einen Tonikakord hat, der klein ist. Also d Moll in diesem Fall. Der fünfte Akkord ist ebenfalls Nebenakkord. Also in diesem Fall bekommst du einen Minderjährigen. d-Moll. Das wird jedoch auch mit der natürlichen Nebenskala, dem nächsten Modus, eolian, geteilt . Was also diese beiden unterscheidet , ist , dass der dorische Modus tatsächlich einen großen vierten Akkord hat. Also, wenn Sie spielen die Moll und dann eine vierte Dur, so in diesem Fall G-Dur. Dass ein Mollakkord zum Viertel-Dur-Akkord tatsächlich den Charakter des Dorian-Modus definiert. Also ein Moll, vier, Major, Minor Fünfter. Und die nächste haben wir den Äolischen Modus, die natürliche kleinere Skala, wo beide, wo alle 154 Akkorde oder Minderjährige. Also, jetzt kommen wir in super emotionale Stimmung. Also lasst uns es in einem Moll spielen. Ein Minderjähriger ist es. Kleiner Akkord und der vierte Moll. Also in diesem Fall haben wir die d-Moll. Und die Glaubensschnur ist ebenfalls klein, in diesem Fall e-Moll. Und dann eine kleine Entschlossenheit, dass die Akkordprogression. Und dann haben Sie den Phrygian, wo der Wurzelakkord klein ist, wie Sie hier sehen können. So ist E-Moll Akkord in der Tonart E vermindert, man bekommt a, B vermindert, wie man schon gehört hat. Und dann zurück zu E. Also, das verminderte fünfte Akkord, ist es wirklich die Eigenschaften des phrygischen Spannungsmodus? Und dann ist ein Locrian, wie Sie sehen können, es ist der einzige, der einen Tonic Akkord hat, der nicht klein oder groß ist, es ist vermindert, so dass Sie das B als Tonikum vermindert. Deshalb ist es super selten, wirklich in der Musik überhaupt verwendet. So können Sie so ziemlich überspringen, aber ich empfehle Ihnen wirklich, dass Sie üben, in die Stimmung, die coole Stimmung aller anderen sieben Hauptmodi der Musik. So können Sie in diesem Fall eine Skala, einen Typ oder einen Modus wählen , wirklich die Vibe Call Vibe bekommt, die Sie für Ihre Musikkomposition wollen. Um zusammenzufassen, der erste Aspekt Ihrer gesamten emotionalen Sprache Ihrer Musikkomposition auf dieser Skala oder Modus basieren, die Sie verwenden. Es kann einen Gesamt-Sound, kleinen Klang, gemischten Klang oder Spannungston haben. Und dies wird hauptsächlich durch die Kombination des einen Akkord, des Tonikums, entschieden. Wir haben den größten Einfluss, gefolgt von den fünf Akkord, dem Dominanten und einem letzten Punkt. Und das ist sehr wichtig. Sie müssen sich daran erinnern, dass die Skala oder der Modus, den Sie verwenden , einfach die Grundlage für Ihre harmonische Sprache sein wird. Die Akkorde und Harmonien, auf die Sie als Komponist fokussieren, werden immer den größten Einfluss haben. Zum Beispiel, selbst wenn Sie eine kleine klingende Skala verwenden, sagen wir D-Moll, können Sie sich mehr auf die wichtigsten Aufzeichnungen dieser Skala in Ihren Kernprogressionen konzentrieren , um die Emotionen in Richtung zu drücken, die Ihre klingende Stimmung, die harmonische Handlung deiner Musik wird immer den größten Einfluss auf die emotionale Reise deiner Musikkompositionen haben . Lassen Sie mich das also demonstrieren, während wir diese Akkord-Charts für alle sieben Hauptmodi der Musik ansehen . Und denken Sie daran, Modi oder einfach Skalierungen, die alle die gleichen Noten teilen, aber in einer anderen Reihenfolge. So ändern sich die Grade des Gerichtshofs für jeden dieser Modi. Lassen Sie uns also einen sehr hellen klingenden Modus wie Ionisch nehmen, der der Stand ein weiteres Wort für diese Standard-Major Skala ist. Also C-Dur. Wenn Sie sich also nur auf den 14 oder fünf Akkord, Akkorde, 145 Grad konzentrieren , erhalten Sie eine sehr erhebende, helle mag Ihre klingende Stimmung. Aber sagen wir, Sie würden anfangen, einige der anderen Viertelgrade einzuführen , die hier geringfügig sind. Dann schiebt man die emotionale harmonische Handlung in Richtung einer kleineren klingenden Stimmung, obwohl die Skala immer noch eine große klingende Skalen ist. Also beginnen wir mit C. Gehen wir zum zweiten Akkord, dem Moll, D-Moll, und dann zu einem Moll, e-Moll, zurück zu C. Also dort sehen Sie das Tonic hier ist Dur. Aber du kannst mehr von diesen anderen kleinen Akkorden in deiner Progression spielen. Und das drängt tatsächlich auf eine emotionalere Gesamtstimmung zu verfolgen, obwohl sie immer noch groß sind. Und Sie können es in einer anderen entgegengesetzten Sache tun, Skala oder Modus, wie, sagen wir, der Eolian, die eine sehr emotional klingende Scanline ist. So beginnt es mit einem kleinen Tonikum. Nehmen wir an, Sie gehen zum C-Dur, dem dritten Major. Die Sechs mit diesem für Factorising. So erhalten Sie eine erhebendere Major klingende Stimmung, obwohl wir in einem Moll sind, was eine sehr emotionale kleinere klingende Skala ist. Wie Sie sehen können, die Entscheidungen, die Sie für Ihre harmonische Handlung treffen, die Akkorde und Harmonien, auf die Sie sich für Ihre Progression konzentrieren, einen noch größeren Einfluss als die tatsächliche Skala oder den Modus, den Sie verwenden. Dennoch ist es wichtig zu erkennen, dass der Skalentyp oder -modus die grundlegende, grundlegende Sprache und Emotion für Ihre Musikkomposition hat . 4. Emotion vom Meter: Emotion von einem Meter. Wir neigen dazu, vor allem an diesen Maßstabstyp, Akkorde und Harmonie zu denken , wenn wir die emotionale Geschichte unserer Musik herstellen. Aber es sollte auch das Messgerät berücksichtigen, das Sie verwenden. Meter wird häufiger als Zeitsignatur in der Musik bezeichnet, und es ist mit den beiden Werten beschriftet. Die erste Zahl ist die Anzahl pro Kennzahl, und die zweite Zahl ist der Knotenwert, den Sie zählen. Diese Werte definieren die grundlegende rhythmische Sprache Ihrer Musik. Und es kann tatsächlich einen großen Einfluss auf die emotionale Stimmung als auch haben. Zum Beispiel ist die häufigste Zeitsignatur 44, wird sogar als gemeinsame Zeit bezeichnet, weil, wie viel sie verwendet ist und wie natürlich es sich für uns anfühlt. Sie zählen einfach vier Beats, Viertelnoten mit gleicher Betonung auf jeden Beat, um vorher für Vibe wie diesen zu bekommen, 12341234 und so weiter. Hier ist eine kurze Referenzkarte für das, was ich als die wichtigsten Typen im Laufe der Zeit Signaturen auf der Grundlage der emotionalen, rhythmischen Grundlage betrachte. Eins, Zeitsignaturen mit einer geraden Stimmung, zum Beispiel, für 422, Diese Zeitsignaturen basieren auf, dass natürliche Street Groove als emotionale haben , rhythmische Grundlage. Es kann manchmal sogar als der Marschmesser bezeichnet werden, da es sehr militärisch klingen kann aufgrund dieser gerade und starr der Klang. Also hier habe ich zwei Beispiele für eine Zeitsignaturen mit einer geraden Stimmung erstellt. Die erste ist 44 und die zweite ist 22. Also lasst uns zuerst mal zuhören und dann werde ich es erklären. Das waren 44. Und das hier ist intuitiv. Der Grund, warum diese Zeiten gefährlich mit einer geraden Stimmung uns so natürlich klingt, ist, wenn du dir das anhörst, lass mich zählen. 1, 2, 3 4 1, 2, 3, 4 oder 2, 2, 1, 1. Also 22 funktioniert großartig für das Marschieren. Von. Also denken Sie an 12, als hätten wir zwei Füße, also links, rechts, links, rechts. Oder wenn wir klatschen, Wir haben zwei Hände oder wir haben einen Herzschlag, unser Puls, alles ist gerade so. Und deshalb wird es so viel in Popmusik, Rockmusik, elektronischer Musik verwendet . Und jedes Mal, wenn Sie diese gerade Art von Puls für den Kerngroove, den grundlegenden Rhythmus Ihrer Musik, zu Zeitsignaturen mit einer groovigen Stimmung wollen. Beispiel: 3, 4 oder 6, 8. Diesmal Signaturen basierend auf der Nummer drei. Haben Sie diese groovige Stimmung, die eine Art Schwung und ein Gefühl von Wellen in Ihrer Musik sein kann. 3 vier wird oft als Walzerzeit bezeichnet. Und 6, 8 eignet sich besonders gut für Action-Musik mit viel Energie und Antrieb. Aber immer noch damit wuchs die Stimmung. Also wir die Zeitunterschriften mit einer groovigen Stimmung, Sie haben diese teilbar durch drei Arten von Richtlinien. Wir sollten uns völlig von der natürlichen Straight Vibe, dem geraden Puls, unterscheiden. So haben Sie diese 123123123123. Und ich habe zwei Beispiele aufgezeichnet. Der erste von 34, so wie dieser. Das ist also 2, 3, 4. Und dann habe ich ein weiteres Beispiel hier in 68. Also hier werden wir kurz. Es ist immer noch die Art von teilbar durch drei, die den Puls hier wuchs. Aber da es auf sechs Achteln basiert , ist es viel schneller und mehr Action Vibe. So können Sie Rate hören, wenn ich die kurzen Saiten hier spiele und Shorts laden. Also hier haben wir, anstelle von 123123, Sie haben die 123456123 Zwecke. Man hört es viel in filmischer Action-Musik, eigentlich in Soundtracks und Filmen. 123456123456123456, und auch im progressiven Gestein und so weiter. Sie erhalten diesen sehr intensiven Energietrieb in der Musik, wenn Sie sechs Sites verwenden. Also eigentlich, jetzt lassen Sie mich beide dieser Beispiele spielen, diese kurzen Gespräche. Der erste ist in 3 4 hier. Also hören Sie zu und wir können tatsächlich überprüfen die, die Klavierrolle zur gleichen Zeit. Das sind 34. Und du fühlst wirklich diese schwingende, groovige Art von Stimmung, la, la. Denken Sie an den Tanz in einem Kreis oder so. Das ist eine Art und Weise, wie Sie es sich vorstellen können. Aber ich neige dazu, beide, 3, 4 und 6, 8 als groovigen Kreis, eine wellenförmige Art von Zeitsignaturen zu denken 8 als groovigen Kreis, . Sechs-Achtel können also so klingen. Dreimal Signaturen mit chaotischer Stimmung. Beispiel: 7, 8 oder 54. Grundsätzlich sind alle Zeitsignaturen, die fast, aber nicht perfekt durch zwei teilbar sind. Seit der gemeinsamen Zeit für vier und jede Variation von geraden Metern haben eine so starke natürliche Verbindung zu uns. Wann immer Sie eine Zeitunterschrift hören, dass entweder Russland wie 78 ist. Oder Dregs, wie vier oder fünf. Sie werden Intensität und Aktion aus dem Chaos wie es mit unserem natürlichen Zustand und unserer Sammlung verwirrt, zur gemeinsamen Zeit hinzufügen. Diese zusätzliche Intensität und stressige Stimmung macht diese Art von Zeitsignaturen erstaunlich für dramatische Musik wie intensive Action oder chaotische Chase Musik oder Kampfmusik. So können Sie wirklich hören, diese stressigen hinzugefügt die chaotische Intensität Vibe, wenn Sie diese Zeitsignaturen zählen. Also 7 Achte ist 123456781234567123. Es ist, als würde ich schneller in die nächste stolpern, weshalb ich es nenne, dass es stürzt, weil anstatt diese letzte achte Note hinzuzufügen, also ist es 8, 8 oder 4 für sie. Du steigst in die nächste Maßnahme. Also 1, 2 3 4 5 6 7, 1 2 3 4, 5, 6, 7. Und zum Beispiel 54, was ich einen Ziehtyp nenne. Typ ist ganzzahlig. Also ziehen Sie, bleiben Sie auf dem Wildschwein. Eine Viertelnote extra. So 44 ist 1234, aber 54 ist 1234512345. Es zieht sich, und du erwartest es nicht. Du wolltest wirklich auf diese natürlichen, geraden Pfade zurückgreifen, weshalb diese Art von Zeitsignaturen mit dieser chaotischen Atmosphäre, entweder rauschend oder schleppend, hervorragend für dramatische Musik, Action, Musikintensität , Chaos, Kampf, und so weiter. Also hier ist das erste Beispiel, das ich in sieben Achteln erstellt habe. Aber man kann es wirklich hören, wenn man nur auf das Metronom hört. Also, das ist nur stumm, für jetzt. Hören Sie einfach auf das Metronom. 1 2 3 4 5 6 7 1 2 3 4 5 6 7, 1 2 3 4 5 6 7, 1 2 3 4 5 6, 7 eins. Es ist, als wäre es vorher in die nächste Bar gestolpert. Und hier für 54 haben Sie 1, 2, 3, 4 Pi Bindung. Anstelle von 123411 hört man also wirklich diesen zusätzlichen Beat, 1234512345123451. Es ist überraschend, überraschend extra Beat im Grunde. Hören wir uns nun diese Beispiele an. Sie können ein Gefühl für sie bekommen. Das nenne ich Zeitsignaturen mit einer chaotischen Stimmung. Also hier sind sieben Achtel. Okay, hören wir einfach auf die Perkussion mit, machen wir die Basis. Und kurze Saite ist nur das. Um es noch klarer zu machen. Sokann es wirklich spüren, kann es dass Energie hinzugefügt wird, um in die nächste Bar, jede Bar, es bewegt wirklich die Musik entlang und treibt die Energie. Sehr viel in intensiver Action-Musik und dramatischer Musik verwendet. 54 ist auf andere Weise stressig, weil es zieht. Und lassen Sie uns in der Tat zuerst das erste Lochbeispiel hören. Ok? Wie Sie gehört haben, hat es immer noch diese chaotische Stimmung. Aber anstatt zu hetzen, es zieht sind 1234512. Lassen Sie uns Jazz hören die Percussion wie die Basis Low Shorts. Und lassen Sie uns auch diese kurzen Saiten machen. Nur Tage. Und veröffentlicht in die 12345123451234123. Und dieser zusätzliche Beat fügt die chaotische intensive Kluft vom Ziehen hinzu. Also denken Sie an diese Beispiele und es gibt andere, natürlich, wann immer Sie diesen extra Beat oder einen Strand kurz vor der natürlichen geraden Atmosphäre haben, fügen Sie diese chaotische Vibe Art im Laufe der Zeit Signatur hinzu. Zusammenfassend können Sie also Ihre Zeitsignatur wählen, um die rhythmische, emotionale Grundlage für Ihre Musikkomposition zu gestalten . Gerade vibe teilbar durch zwei, zum Beispiel für vier und 22, wuchs die vibe teilbar durch drei. Zum Beispiel 3, 4 oder 6, 8 oder chaotische Stimmung, die Zeitsignaturen wie 7, 8 oder 54 rauscht oder zieht. 5. Emotion aus Tempo: Emotion aus dem Tempel. Unser Tempo und der Zeitfluss in der Musik wirken sich stark auf unsere emotionale Reaktion auf sie aus. Und es gibt zwei Aspekte, wie Tempo Emotionen in der Musik erzeugt. Erstens, das Überregeltempo legt das Energieniveau fest. So wird der BPM Ihrer Musik den allgemeinen Ton für das Energieniveau festlegen. Je langsamer der BPM, desto niedriger wird der Energie- und Handlungssinn sein. Und je höher der BPM, desto mehr Kernenergie wird in der emotionalen Grundlage Ihrer Musik bereitgestellt. Was ich faszinierend finde, ist, dass die BPM der Musik sehr eng mit der BPM deines Herzens verwandt ist . Zum Beispiel, wenn wir still sitzen oder sich hinlegen, ist Ihre Herzfrequenz entspannt und Ihre Freunde mit etwa 60 BPM oder so. Und um diese Reihe von BPM ist, wo Entspannung und Musikstile sein werden. So können Sie die Verbindung dort sehen. Wenn wir tanzen oder uns bewegen, wird unsere Herzfrequenz irgendwo zwischen 120 und 140 liegen, wo die meisten Up-Tempo Musik sein wird. Hier ist eine Kurzübersicht, die ich für die BPM-Bereiche der Musik und ihren allgemeinen Sinn für Kernenergie erstellt habe . Aber bedenken Sie, dass Ihre Spielstile und Rhythmen bei jedem Tempo immer den größten Einfluss auf dieses Gefühl von Energie in Ihrer Musik haben. Alles klar, hier ist meine allgemeine Energiekarte basierend auf dem BPM Ihrer Musik. Unter 50 BPM ist das, was ich meditative Energieniveau nenne. Von 50 bis 70 BPM ist entspannende Stimmung. 70 bis 90 BPM oder so ist Down-Tempo Gefühl. 90 bis 120 ist mittleres Tempo. 120 bis 140 ist Up-Tempo. Vibes. 140 bis 160 ist mehr Action Vibe. Und schließlich, über 160 BPM ist Intensität. Energieniveaus der Musik auf das Tempo ändert Sie erstellen. Indem Sie das Tempo an bestimmten Abschnitten oder Übergängen in Ihren Musikkompositionen ändern, können Sie die emotionale Reaktion noch weiter gestalten. Es gibt zwei Arten von Tempoänderungen in der Musik. Die erste ist eine sofortige Veränderung. Zum Beispiel, gehen Sie von Ihrem Vers bei, sagen wir 128 BPM, und ändern Sie es sofort, wenn Ihr Chor auf, sagen wir, 132 BPM trifft . Diese kleine Veränderung wird das Gefühl des Energieniveaus in eurem Chor erhöhen , weil wir spüren, dass der Kontrast im Tempel sich von vielfältig ändert. Einige der gebräuchlichsten Möglichkeiten, Tempoänderungen oder langsameres Tempo im Intro und im Vs zu implementieren . Etwas höheres Tempo im Chor. Kurze Verlangsamung kurz vor einem Höhepunkt, und allmählich langsam, verlangsamen Sie sich am Ende Ihrer Musik. So werde ich jetzt tatsächlich alle verschiedenen Ebenen des Tempo demonstrieren alle verschiedenen Ebenen des und wie es den emotionalen Charakter Ihrer Musik beeinflusst. Beginnend mit unter 50 BPM , den ich meditativen Tempel nenne. Hier können Sie die Tempoänderungen für jedes Beispiel in diesem Schritttypenmuster sehen. Also, beginnend mit 50 BPM, was ich meditativ nenne, funktioniert großartig für ambiente, atmosphärische Musik, die so klingen kann. Und wie Sie hören können, die Verwendung von langen Noten, niedriger Dynamik und steigenden Übergängen zwischen funktioniert die Verwendung von langen Noten, niedriger Dynamik und steigenden Übergängen zwischen jeder Note hervorragend für diese Art von Musik in den sehr niedrigsten BPM-Bereichen. Weil er diese stimmungsvolle, atmosphärische Stimmung haben wollte. Wie Sie auch gehört haben, gibt es hier keine Perkussion, weil in diesen Arten von Tempeln, Perkussion ist wirklich nicht vorteilhaft für die Art von Atmosphäre, die Sie schaffen. Das ist also die erste Tempostufe für Ihr emotionales Energieniveau unter 50 BPM, meditative, umgebende Kernenergie. Der nächste ist zwischen 50 und 70. Mal sehen, was ich mit Haaren ging. Also ging ich mit 70 BPM. Und das ist eher eine entspannende Atmosphäre. Es kann so klingen. So fügte der ihm sein filmisches Klavier hinzu. Lass uns einziehen und sehen, was wir haben. Es klingt also so. In Ordnung, also wieder, längere Nase und niedrigere Dynamik funktionieren am besten, wenn Sie eine entspannende Stimmung zwischen 50 und 70 BPM haben wollen . Kein Perkussion in diesem Beispiel auch, weil ich wirklich dafür gegangen bin. Entspannend, schieben Sie es mehr in die atmosphärische Atmosphäre. Denn wenn man zum nächsten Level kommt, 760 BPMN. Denken Sie daran, dass diese nicht gestreift sind wie gebundene Rasse oder Schwellen. Es ist nur eine Richtlinie. Es ist kurz, dass ich meine kreativen Entscheidungen bei der Wahl der gesamten Tempelstufe zugrunde lege. Also 70 bis 90 BPM ist das, was ich ein Down-Tempo-Register nenne. Und hier ging ich, wo, mal sehen, 80 BPM. Es ist also immer noch entspannend. Es ist nach unten Tempo vibe, aber ein bisschen mehr Push in Energie im Vergleich zu den entspannenden Levels. Und hier tatsächlich einige Vorsichtsmaßnahmen zusammen mit einer Basis und ein paar Tasten verwendet , nur um etwas Stimmung in Gang zu bringen. Es kann so klingen. Und wie Sie hier aus diesem Beispiel können, viel mehr Verwendung von Staccato, kurze Noten, Coming und rhythmische Muster. Also nicht nur diese lang aufsteigenden Noten aus dem entspannenden Register des Tempels, sondern tatsächlich etwas Rhythmus. Und natürlich hatte ich auch einen Schlag. Diese Grundlinie, anstatt nur lange Note, haben wir tatsächlich eine Groove darin. Das ist also das Down-Tempo, Temp, Register oder Tempo zwischen 70 und 90 BPM, oder Rousseau, oder richtig. Also geht es weiter zum nächsten Tempo , den ich Mid-Tempo nenne. Ist es irgendwo zwischen dieser Groovy Down-Tempo Vibe und erhebendem Up-Tempo Vibe, haben Sie das Mid-Tempo und es ist die Leitlinie hoch dafür ist zwischen 90 und 120 BPM. Ich ging mit 105 Jahren, also im unteren Bereich hier, aber im Grunde bekommst du einen Mix, Mischung aus Downsample, Upsample irgendwo dazwischen. Ich habe einen perkussiven Groove vor sich. Ich hatte die Grundlinie, habe einige lange Streicher, einige Staccato-Streicher hier, und eine Arpeggio-Art Piano-Vibe und einige Tasten. Und es kann so klingen, so. Okay, Also hier bekommen Sie ein bisschen wie ein Up-Tempo Lift, aber es ist nicht aus dem Tempo auf eigene Faust, weil diese müssen Sie erkennen, sowie die Spielstile tatsächlich nicht gegessen schlechte Auswirkungen auf die emotionale, Energieniveau und zeitliche -Felder. Da ich also diese kurzen Strings hier verwendet habe, fügen sie ein Gefühl von Stimmung hinzu. Fahren. Und dann habe ich hier das Arpeggio-Muster. Fügen Sie auch ein Laufwerk hinzu. Vergleichen Sie diese beiden spielen nur lange Blockplätze zum Beispiel. Nehmen wir an, die Schlüssel haben auch eine kleine Nut. Aber natürlich habe ich die Perkussion erzeugt die meiste Energie und hier habe ich auch einige Shaker. Und diese Grundlinie hier. Je mehr Knoten Sie verwenden, desto rhythmischer Sie Teile sind, desto mehr Energie werden sie auf das gesamte Stück haben. Aber es ist immer noch in diesem mittleren Tempo Bereich für Tempo hier. Dann kauen wir tatsächlich das Up-Tempo zwischen 120 und 140 BPM, wo die meisten Pop-Musik ist und die beliebte Rockmusik und so weiter, dass hier im Radio. Es ist also, weil es in der Regel die Herzfrequenz, der Puls, der BPM Ihres Herzens, wenn Sie tanzen und sich bewegen und Sie wissen, in der App heben Art von Stimmung. Also hier habe ich zwei Grundlagen, einen SaaS-basierten und E-Bass, aber es ist wichtiger. Dieses Studio Piano, Klavier Comping Muster ist, was die Haupt VIA schafft. Okay, also generell bekommst du dieses Aufwärtstempo wie so. Und natürlich kommt das Haupt-Up-Tempo für, für Groove von der Vorsichtsmaßnahme, 1, 2, 3, 4. Das ist wie hier. Der Standard für, für Gruppen, die Sie in den meisten Popmusik, elektronische Musik, und so weiter. Und nun, du bekommst diese energetischere, erhebende Art von Stimmung aus dem Tempel. Natürlich kann es etwas höher gehen, aber in den meisten Fällen würde ich zwischen 120 und 140 oder so sagen. Weiter, um zum nächsten Level hier zu kommen, wo ich gegangen bin. Das waren also 130. Also dazwischen für das Up-Tempo, dann zwischen 140 und 160, würde ich sagen, die Reichweite für Action, Vibe, Energieniveau im Tempo. Ich ging mit 150 hier. Und hier konzentriere ich mich viel mehr auf rhythmische Muster, wie Sie für alle Knoten sehen können, sogar die Baseline hier. Um diese Art von Stimmung zu bekommen, Lassen Sie uns tatsächlich beobachten und gleichzeitig zuhören. So viel intensiveres Handeln. Energie davon ist in 150. So setzt das Temperament selbst das Kernrhythmisches Fundament. Aber natürlich, beobachten Sie spielen und wie schnell Sie rhythmischen Parser. Und die Dynamik der Mall und. Spielstile und so weiter, natürlich, schafft insgesamt, dass Action und Energie vibe. Aber das ist im Aktionsbereich des Tempels 114, 116, irgendwo dort. Schließlich, wenn Sie über 160, das ist, was ich Intensität oder dramatische Reichweite von Tempeln nennen. Also hier bin ich mit 175 gegangen und du hörst es wirklich. Ich, selbst wenn ich hier nur das Perkussion spiele, bekommt man wirklich dieses Gefühl von dramatischer Handlung. Und insgesamt kann es so klingen. So eine intensive dramatische Stimmung. Wenn du das haben willst, überlegen Sie, den Kern BPM deines Tracks um 160 und höher zu haben. Und das ist, wo Sie diese super energetische Stimmung aus dem Tempel bekommen. aber natürlich auch Betrachten Sieaber natürlich auchden rhythmischen Aspekt jedes Teils, den Sie schreiben. Aber wenn Sie ein bestimmtes Tempo wählen, fühle ich, dass Sie automatisch dazu neigen, in Richtung dieser spezifischen Spielweise zu bewegen. Also, wenn Sie in 175 beginnen und einfach das Tempo hören. Eins. Hinzugefügt Einfluss auf unseren Campus. Tragen Sie jedoch ein Rechenzentrum. So schreiben Sie schnellere Ports für Ihre Instrumente. Während, wenn Sie nur haben, sagen wir 70 BPM, wie am Anfang hier. Ich meine, nur vom Metronom allein, spürt man wirklich diese langen Knoten, so niedrige bewegliche Teile, die diese meditative, ambiente, atmosphärische Atmosphäre erzeugen. Und dann natürlich, alle BPM-Bereiche dazwischen. Betrachten Sie also immer die Emotionen, die Sie aus dem Tempo Ihrer Musik bekommen. Nun werde ich auch die Kraft des anderen Aspekts des Tempo in der Musik demonstrieren, nämlich die zeitliche Automatisierung. Also hier habe ich eigentlich eine kurze Komposition mit einer, im Grunde einer Akkordprogression und einigen rhythmischen Mustern. Aber man sieht hier den Tempotrack, beginnend bei 84, etwas nach oben geht und dann bis zu 110 rampt, dann nach und nach nach oben bewegt, und dann in den zweiten Teil hier des Chors 125, die energetischen Aufbau auf 150. Und dann, um die Strecke zu lösen, Ich reduziere das Tempo hier allmählich, aber sehr kurz Weg als auch. Es liegt also unter einem Balken, der von 150 auf 85 VPM reicht, um es für die endgültige Trittfrequenz wirklich zu verlangsamen. Und das kann wirklich einen großen Unterschied machen. Also keine Tempoänderungen. Und Samstag um 115 klingt so. Aber mit der Kraft einer Tempoautomatisierung können Sie die energetische emotionale Kurve für Ihre Musik gestalten. Wie Sie hier sehen können, beginnend bei sehr niedrigen, Hochsteigen, Gebäudeintensität, der zweite Teil, Bau noch mehr, es ist ein riesiger Bereich der Temp Automation. Und dann diese aufgelöste Trittfrequenz zu schaffen. Und hörte wirklich zu, wie unterschiedlich der emotionale Aspekt in Bezug auf das Energieniveau über die Handlung dieser Komposition ist . Das ist also der zweite Aspekt des Tempo, um das emotionale Energieniveau der Immunisierung zu gestalten , schrittweise oder schnell. Tempelautomatisierung wie diese. Zusammenfassend können Sie also die Emotionen Ihrer Musik mit Tempo, also dem allgemeinen BPM, sowie mit Tempoänderungen, die entweder plötzlich oder schrittweise sein können, gestalten also dem allgemeinen BPM, . Stellen Sie also sicher, dass Sie immer die Verwendung von BPM und Tempoänderungen berücksichtigen, um den emotionalen Sinn für Fluss und Energie in Ihren Musikkompositionen zu gestalten. 6. Emotion aus Intervallen: Emotion aus Intervallen, den wichtigsten Elementen der Musik oder den eigentlichen Bausteinen, die verwendet wurden, um sie zu schreiben. Und diese grundlegende Zutat sind die Intervalle, die Sie verwenden. Sie können an Intervalle und Musik wie Bausteine oder Lego Stücke denken, wenn Sie wollen. Auch wenn es nur eine Handvoll einzigartige Intervalle in der Musik gibt, können sie eine unendliche Menge an Variationen, Emotionen und Geschichten des Klangs erzeugen , je nachdem, wie Sie sie verwenden. Lassen Sie mich also einen Quickie-Leitfaden über alle grundlegenden Intervalle in der Musik teilen und wie ich sie persönlich in Bezug auf Kern-Emotion beschreibe. Hier sind meine Musikintervalle. Schnelles Diagramm. Das erste und das kürzeste Intervall in der Musik ist also die kleine Sekunde, die einen halben Schritt ist. Wenn Sie also einen Knoten nehmen, sagen wir C und gehen zum nächsten Knoten, entweder nach oben oder unten, so. Das ist ein halber Schritt, also ist das ein kleines zweites Intervall oder steigt von C nach C scharf. Nun, das Spannungspegel hier ist sehr hoch. Ich nenne dieses Intervall sogar die kleine Sekunde, das Spannungsintervall, denn obwohl es andere Intervalle und Musik gibt, die auch sehr hohe Spannung haben, ist das kleine zweite Intervall die Mutter der Spannung in der Musik. Denn sagen wir, du nimmst das Triton. Der Grund für die hohe Spannung ist eigentlich, wenn man sie ansieht, ist es ein halber Schritt von der stabilen perfekten fünften Harmonie hier. Man könnte also sagen, dass die Nebensekunde tatsächlich für alle anderen Arten von Spannungsintervallen in der Musik verantwortlich ist . Also lassen Sie mich demonstrieren, das kleine zweite Intervall in der Basis zu spielen, wie dies in Oktaven. Und Sie haben das Jaws Filmthema. Oder Sie haben es auch gehört. Das Klischee Moll zweite Harmonie. Und harmonisch bedeutet, die beiden Knoten so zusammenzuspielen. Also, wenn Sie eine sehr hohe Spannung in Ihrer Musik hinzufügen möchten, sollten Sie die kleinere Sekunde verwenden, die Mutter aller Spannung mit Intervallen in der Musik. Als nächstes haben wir die große Sekunde, die ich das aufregende Intervall nenne. Es sind zwei halbe Schritte. Also, wenn Sie am Senior Skip Tag beginnen Nein, überspringe ich das. Ich gehe hierher und du hast die große Sekunde oder so unten. Und das Spannungsniveau ist hier niedrig bis mittel. Es ist ziemlich niedrig, wenn Sie nur in einem melodischen Intervall gehen, ohne Harmonie oder Aufnahme hinzuzufügen. Aber sagen wir, Sie haben einen großen Akkord und setzen dann den dritten, die SAS bis hierher. Dann bekommst du. Mittlere Spannung, leichte Spannung, die bindet, um die Aktivität zu lösen. Aber Sie werden die hören, dieses spannende Intervall. Warum ich es so nenne, weil es ziemlich aufregend ist. Sowohl als Harmonie oder Akkord wie diese. Auflösen oder Intervall ist oft so ein Nervenkitzel wie dieser, was spannend und spannend klingt. Deshalb nenne ich es das aufregende Intervall. Es hat diesen großen erhebenden Klang. Und das Spannungsniveau ist niedrig bis mittel. Wenn Sie es benutzen. Hängender Akkord. Als nächstes haben wir das kleine Drittel, das ich das emotionale Intervall nenne, weil es im Grunde der Hauptbestandteil für alle emotionalen, melancholischen oder traurigen Sounds in der Musik bewegt ist. Also sind es 3,5 Schritte, 123. Wenn Sie also das fünfte Jahr hinzufügen, aber in Moll, C-Moll Akkord ist ein kleines Drittel, das den Klang erzeugt. In kleiner Triade. Fügen Sie ein Spannungsniveau niedrig ist, also ist es ein stabiles Intervall, aber es hat diesen dunkleren, emotionaleren Klang. Okay. Das ist also die kleine dritte. Die Mutter aller emotionalen und traurig klingenden Hormon ist in Quartalen in der Musik. Als nächstes haben Sie das Hauptdrittel, das ist das Gegenteil des kleinen dritten Intervalls. Ich nenne dieses Gefühl gut Intervall, weil es hat, dass erhebend und macht Sie fühlen sich gut. Es kann motivierend, mächtig und so weiter sein. Und beachte, dass ich es nicht das glückliche Intervall nenne, dass ich sie nicht als Minor Third bezeichnete, das eingestellte Intervall, obwohl es nicht sein kann. Denn Major, der Major Sound muss nicht super erhebend und glücklich sein. Es kann sehr mächtig, edel, majestätisch und so weiter sein. Deshalb nenne ich es das „Wohlfühl-Intervall“. Es besteht aus vier Halbschritten. Also hier von C, 1, 2, 3, 4. Und das ist es, was zum Beispiel die Basis für diese C-Dur-Triade schafft . So können Sie es auf eine glückliche Art und Weise spielen. Aber Sie können auch diese sehr majestätischen und edlen Sounds bekommen, oder sagen wir, es gibt einen F-Dur. Das ist also das Hauptthema des Thor-Soundtracks, Film-Soundtrack, der eigentlich nicht in F-Dur ist, aber es klingt, klingt nicht glücklich und optimistisch. Es klingt majestätisch, edel und mächtig. Das wichtigste Drittel ist also der Hauptbestandteil. Der grundlegende Kern. Fühlen Sie sich gut Intervall in Musik. Das nächste Intervall ist die perfekte vierte, die 5,5 Schritte ist, zum Beispiel, von C bis F Und das Spannungspegel ist wie die große Sekunde, niedrig bis mittel, so niedrig, wenn Sie einfach reingehen. Integrale wie diese für Melodien und Themen und Riffs. Aber wenn Sie eine Harmonie oder Aufnahme mit dem Glauben erstellen, zum Beispiel, sehen Sie hier, und verwenden Sie die vierte hier, um einen suspendierten vierten Akkord zu erstellen. Sie erhalten mittlere, leichte emotionale Aufmerksamkeit, weil es den 23. lösen will, genau wie die SO2. So niedrige Spannung, wenn spitz wie Integrale, ernst wie diese. Ein bisschen mehr Aufmerksamkeit, wenn Sie es als Kern spielen. Okay, also nenne ich diesen Diderot jedes Intervall, weil er wirklich in einem melodischen Thema, Motiv und so weiter vorankommen will . Also, wenn du C bis F spielst, also willst du nicht sofort wieder zurück. Sie haben das Gefühl, dass Sie die Bewegung fortsetzen wollen, die Reise, sozusagen, der Musik. So hören Sie wirklich , dass Pool, um eine Art von Reise und Abenteuer zu schaffen. Und so weiter. Das ist also das perfekte Vierte, das Fahrtintervall. Als nächstes haben Sie das Tritonintervall, das ich das Intervall des Teufels nenne. Und ich bin nicht allein darin. Es wurde eigentlich als teuflisches Intervall der Musik in alten Kirchenzeiten bezeichnet, weil sie so viel Spannung in sie steckt. Also, wenn Sie eine, C, eine Mango, nicht zu perfekt vierte, oder den vollkommenen Glauben spielen eine Mango, nicht zu perfekt vierte, , aber dazwischen haben Sie dieses sehr hohe Spannungsintervall. Und Sie können es verwenden, um sehr gruselige, böse klingende. Thema ist Melodien und Harmonien, oder um schrullig zu klingen, es wird im Simpsons-Thema verwendet. Ein Lied für Musik, zum Beispiel, weil es in diesem Fall so alt klingt. So ist das Triton sehr schön zu verwenden, um super hohe Spannung zu erzeugen. Wenn Sie zum Beispiel einen verminderten Akkord nehmen, der ein minderwertiges Drittel ist, minderwertiges Drittel. Die hohe Spannung kommt tatsächlich aus diesem Tritonintervall innerhalb des verminderten Akkord. Also, wenn du zwischen dem Moll und irgendwann dem Vermindern gehst, bekommst du das dreifarbige Teufelsintervall. Hinzugefügt, dass böse, gruselige Klang bewegt sich in Ihre Musik. Richtig? Dann kommen wir zum perfekten Fünften, das 7 Halbschritte ist. Also ab c 1234567, G hier. Und ich nenne das Leistungsintervall. Es ist eine stabile Intervalle, also nicht viel Spannung. Und es fügt nicht wirklich viel emotionalen Handel hinzu. Es ist also nicht erhebend, Wohlfühl-gut. Es ist nicht emotional und traurig. Es ist in der Tat eine der wichtigsten Zutaten, aus denen man Kerne baut. Sie haben die Wurzel Perfect fünfte, und dann fügen Sie eine dritte oder eine suspendierte keine Träne, um eine Triade zu erstellen, Hinzufügen. Möchten Sie eine siebte Kontrollbezirke oder ein beliebiges Intervall oben hinzufügen. Aber im Grunde, alle Coords beginnen von diesen Zutaten, Wurzel plus die perfekte fünfte. Und warum ich es das Leistungsintervall nenne, ist aus zwei Gründen. Erstens wird es tatsächlich verwendet, da es so stabil ist und keine echte emotionale Farbe hat, verwenden Sie es in Power-Akkorde, so dass der Wurzel-Pass, perfekter Glauben, Versprechen, Potenzial, extra Oktamer der Wurzel, Erstellen Sie ein Netzkabel. Also, wenn Power-Akkord, das ist, was Sie hören auf, zum Beispiel, E-Gitarren, viel zu Musik und so weiter. Und der nächste Grund ist, weil es eine Art kraftvolle Stimmung hat. Also, wenn ich es als Intervalle in einer Melodie oder einem Thema spiele, sagen wir von C bis G Again, Sie fühlen dieses Gefühl der Macht und Sie können entweder eine lange Zeit auf dieser Note bleiben , da es so stabil ist, oder Sie fühlen sich vielleicht, die Reise der Melodie. Aber dieses Intervall ist wirklich ein Gefühl der Macht, entweder Ihre Themen oder Ihre Akkorde, und auch Stabilität. Als nächstes kommen wir zu einem weiteren kleinen klingenden Intervall, das ist die kleine Sechste, die acht Halbschritte ist, oder von C nach hier haben Sie die perfekte fünfte und gehen einen weiteren halben Schritt hoch, acht Halbschritte. Also das sind die kleinen Fehler, die ich das Geheimnis Intervall nenne, ist es eine Art mittlere Spannung und es hat diese kleine klingende Vibes oder dunkler, emotionaler oder ich würde jemals, Sie wollen es nennen. Aber wenn Sie es in einer Reihe von Knoten in einer Melodie oder Thema spielen, haben Sie das Gefühl, dass Sie die Reise fortsetzen wollen, weil es eine mittlere Spannung hat. Also vielleicht bis zum perfekten Fünften, oder oben, oder so hoch, bis zum Oktett oder was auch immer. So haben Sie eine Art mittlere Spannung und auch das Gefühl des Geheimnisses mit seinem kleinen sechsten. Also, wenn schätzen hoch erscheinen als Harmonie, es will zu einem perfekt zu lösen. Also wieder, Sie können sehen, dass es tatsächlich dieses Intervall ist, in gewissem Sinne, hat die Spannung einer halben oder kleinen Sekunde darin. Genau wie Sie zuvor in dieser Lektion gelernt haben. Nun, wenn Sie es in einem Akkord verwenden, entweder in einem Arpeggio oder Blockakkord, können Sie von einem großen Akkord. Also, wenn Sie spielen, das ist eine große Wohlfühl-Atmosphäre. Aber wenn Sie diese kleine sechste oben hinzufügen, so bekommen wir diese magische, magische und geheimnisvolle Stimmung. Wenn Sie es auf einer kleinen Triade hinzufügen, so dass Sie mehr gruselig. Das ist also ein kleines Sechstel, das Geheimnisintervall. Dann haben wir die große Sechste, die natürlich, wie Sie aus dem Namen hören können,eine allgemeine Stimmung hat, eine allgemeine Stimmung hat, aber ich nenne es das aufregende Intervall. Es sind neun Halbschritte. Also zum Beispiel von C hier auch. Das ist ein großer Sechster im Moment. Es hat eine niedrige Spannung Niveau, aber das Gefühl der Aufregung ist ähnlich, wie es ist eine große Sekunde hat eine spannende, erhebende und große klingende, genau wie die große sechste, die das spannende Intervall. Und es kann wirklich dieses Gefühl der Aufregung hören. Also, wenn ich hier einen Akkord von C spiele und F-Dur Akkord mache, bekommst du dieses Intervall. Die Aufregung kommt also von der Haupt klingenden Gesamtvibe, aber auch, wenn man es ansieht, wenn man wieder ein perfektes fünftes Intervall nimmt und dann diese perfekte Passform mit dem a hier vergleicht, das ist die große Sechs. Das ist eigentlich ähnlich. Es ist eigentlich ein Geist oder eine große Sekunde. Deshalb hat es einen ähnlichen Ton wie die große Sekunde, die das spannende Intervall ist. Es ist offener mit dieser extra Länge. Es hat einen noch spannenden Charakter, sowohl in Intervallen, Frühling, Melodien und Themen, als auch in Akkorden. Jetzt kommen wir zum kleinen siebten, was ich das Jesse Intervall nenne, weil es fügt hinzu, dass elegans und Krallen, aber eine Art süße Spannung. So hat es ein mittleres Spannniveau. Es ist zehn Halbschritt. So zum Beispiel, C zu B flach. Es will auflösen, weil es ein mittleres Spannungsniveau hat. Aber es hat auch diese süße emotionale Spannung Ebene zwei. Und wenn Sie zum Beispiel einen C-Dur-Akkord nehmen , ist die Anzeige B flach. Sie bekommen tatsächlich einen C7 oder C dominanten siebten Akkord. Und diese dominanten siebten Akkorde sind so ziemlich Fundament im Jazz. Und elegante Musik wie diese, denn sie hat diese elegante, süße Spannung. So, zum Beispiel, von C7 nach F-Dur, ging die Top-Stimme hier von B flach zu a, was die Spannung in einem eleganten, süßen Wir sind Art und Weise löst. Aber selbst wenn Sie es in einer Melodie oder Thema verwenden, dieses Integral hat wirklich, dass Klasse ist Schweden, elegante Spannung, um es. Dann kommen wir zum Major Siebter, was ich diese seltsame Intervall nenne. Denn obwohl es ein großer Klang ist, da es 11 Halbschritte ist, ist fast bis zur perfekten Oktave, was bedeutet, wenn man von z.B. C nach B hier geht , bekommt man wirklich sehr hohe Spannung weil es so nah am Oktett ist. Und das ist dasselbe, wie Sie bereits gelernt haben, wenn es eine kleine Sekunde aus einem stabileren Intervall ist oder perfekt involviert ist, wie von C bis zur Oktanbasis hier, ist die große Siebte tatsächlich hoch in Spannung. Also, wenn Sie spielen, zum Beispiel, ist C-Dur, und fügen Sie dann die Haupt-Sound 7 hat. Aber dieser große Siebte will sich wirklich entweder zu einem anderen Akkord wie diesem oder zur Oktave auflösen . Weil es ein bisschen seltsam und hohe Spannung klingt. Und es ist selten, dass man es in Melodien hört, aber man kann es zum Beispiel in diesem Superman-Filmthema hören. Weil es so seltsam ist. Es ist nicht das Spannungsniveau der bösen Stimmung, aber es hat eine sehr seltsame Spannung. Und das kommt aus der Tatsache, dass es tatsächlich so nah an der perfekten Oktave ist. Also ist die große siebte das seltsame Intervall. Schließlich haben wir die perfekte Oktave, die ich dieses stabile Intervall nenne, weil es tatsächlich die gleiche Note, nur eine Oktave unterhalb oder darüber. Also 12 Halbschritte. So hat es ein stabiles Spannniveau, also kein Spannungspegel, genau wie das perfekte gerettet. Es eignet sich hervorragend für Melodien, Akkorde, Harmonien oder irgendetwas in der Musik. Wann immer Sie mehr Leistung hinzufügen möchten, mehr Fokus darauf. Hinzufügen des perfekten Oktans, weil es so stabil ist. Das ist also die perfekte Oktave, das stabile Intervall. Musik. Jetzt können Sie natürlich über einen Oktan für Ihre Intervalle in der Musik hinausgehen, aber die Hauptintervalle werden immer innerhalb der Oktave liegen. Warum? Nun, denn es gibt nur 12 Noten in der Musik, die im Oktavius wiederholt werden. Also, wenn Sie gehen, zum Beispiel, nehmen wir das kleinere neunte Intervall. Also C, und dann hier, C scharf und oben speichern. Das hat die gleiche oder ähnliche Stimmung, emotionalen Charakter wie die kleine Sekunde, weil, warum? Nun, sieh dir das an. Nimm diese Notiz eine Oktave hier. Also ist das eigentlich nur eine kleine Sekunde, und dann eine Oktave nach oben geschoben. So wird die kleine Neunte eine sehr hohe Spannung haben, genau wie die kleine Sekunde. Die gleichen Ziele für die große Neunte. So c zu dem d oben hat, dass spannende Aspekte und milde Spannung wie die große Sekunde. Sie haben also dieses aufregende Intervall, die große Sekunde, und das ist die große Neunte. Aber dieses d ist eine Oktave oben. Also, im Grunde, wenn Sie ein Intervall nehmen, das über den Oktan geht, wie die große Neunte, nehmen Sie einfach das, gehen Sie runter, OK, speichern Sie das. Und Sie werden sehen, dass dies eine große Sekunde ist. Und Sie wissen, welche emotionale Farbe und Charakter es hinzufügen wird, obwohl es jenseits einer Oktave ist. Also hat es Technisch eine große 9 in diesem Fall genannt. Aber es hat den emotionalen Charakter sehr ähnlich wie eine große Sekunde. Und Sie können dies für jedes Intervall tun, das über eine oktavianische Musik hinausgeht. So können Sie die Kette von Intervallen in einer Melodie wählen, diese Stapelung von Intervallen, um Harmonien in Akkorden zu schaffen. Sie können an Layer-Instrumentierung, Spielstile und so viele weitere kreative Optionen denken, um Ihre Musik-Arrangements mit diesen Bausteinen der Musik zu gestalten . Grundsätzlich basiert also jeder einzelne Teil, außer Percussion, auf den Bausteinen der Musik. Die Intervalle, Intervalle werden anders klingen, wenn Sie spielen sie gehen nach oben, nach unten, alle spielen zusammen in Harmonie. Und wenn Sie über die zweiteilige Harmonie in Gerichte hinausgehen, schaffen Sie noch komplexere Beziehungen in Ihrer Musik. Denn das ist, was Intervalle oder harmonische Beziehungen. diesem Grund können Akkord-Inversionen und Stimmen von Gerichten so ganz anders klingen, obwohl sie technisch die gleichen Noten verwenden. Weil Sie die Art und Weise ändern, wie sich die Intervalle über den gesamten Bereich von Knoten in Ihrer Musik beziehen, Ihre Fortschritte, und Sie eröffnen eine völlig neue Dimension Kreativität, wenn Sie sehen, wie sich die Intervalle im Laufe der Zeit in Ihr Arrangement. Lassen Sie mich dies also mit einem sehr einfachen Beispiel demonstrieren. Nehmen wir an, Sie wollen von einem F-Dur-Akkord gehen, einem C-Dur-Akkord. Wenn Sie beide in der Wurzelposition wie diese spielen, müssen Sie überprüfen, was die einzelnen Bände des Akkord tun, wenn er zum nächsten Akkord fortschreitet. Also hier geht die oberste Stimme von diesem Knoten zu diesem Knoten, der tatsächlich perfekt vierte nach unten ist. Das geht zu einem perfekten vierten nach unten. Und diese Jungs, um alle Stimmen zu sehen, gingen in einem perfekten vierten Intervall, voran von einem F-Dur, um Major zu sehen. Nun, wenn eine Stimme anders, wie diese Inversion hier von F-Dur, bleibt diese Stimme in beiden Kernen und den anderen beiden Stimmen gleich. Dieser geht von A nach G, also eine große zweite Bewegung eines Intervalls dort, während dieser von geht. Also ein kleines zweites Intervall. So wird der Bolzen einen völlig anderen Charakter und emotional kälter, vergleichender haben. Und wenn jede einzelne Kette von Intervallen in jedem einzelnen Port, ändert sich ein Instrument in Ihrer Musik im Laufe der Zeit in Ihrer Komposition. Die gesamte harmonische Handlung deiner Musik fließt wie eine Geschichte. Das heißt, wenn Sie die wahre großartige Kraft der Gebäude Bücher oder Musik sehen , die Intervalle. 7. Emotion aus Akkorde, Emotion: Emotion von Akkorden, Akkordprogressionen oder dem Stuhl, der sich auf Ihre Musik stützt, hat einen extrem großen Einfluss auf die emotionale Stimmung Ihrer Musik. Und Akkorde beginnen von den Bausteinen der Musik. Die Intervalle können Sie Akkorde als im Wesentlichen Stapel von Intervallen übereinander vorstellen . Die Ursache, die Sie verwenden, ist einer der ersten Hauptaspekte, die Sie berücksichtigen sollten, wenn Sie die emotionale Stimmung Ihrer Musikkomposition, die Emulsionsquadranten, gestalten. Ich habe mein eigenes System entwickelt, Kurzführer oder wie auch immer Sie es nennen wollen, um die vier grundlegenden Kern-Emotionen in der Musik zu klassifizieren, dann wird jede spezifische emotionale Farbe in verschiedenen Orten innerhalb dieser vier fallen oder Emotion Quadranten, wie ich sie nenne. Die vier Emotion Quadranten, oder eine Major Vibe to Moll Vibe, drei, zweideutige Stimmung und für dissonante Stimmung. Das erste, was Sie über diese Emotion Quadranten der Musik lernen müssen, ist, dass, obwohl sie hauptsächlich von den Akkorden und Harmonien geformt sind, die Sie in Ihrer Musik spielen, Sie können die emotionale Stimmung auf so viele andere Arten formen, wie Spielstil, Artikulation, Stimme, Akkord Voicing, Inversionen und so weiter. Und am häufigsten haben Sie eine Mischung, eine Mischung, wie wenn Sie eine gute Mahlzeit erstellen, mischen Sie verschiedene Zutaten. Allerdings, wenn wir zurück zu den grundlegenden Akkorden in der Musik, die Triaden. Also sagen wir, ein C-Dur, Sie haben die Wurzel und die fünfte. Weil beide so stabil sind, fehlt ihnen viel emotionaler kälter. Die emotionale Farbe kommt hauptsächlich von der dritten hier in diesem Fall. Also, wenn Sie hier ein großes Drittel haben, wird eine große Triade im Grunde nur im Major Vibe Quadranten sein. Wenn Sie jedoch den Minor Quadrant, den Minor Third, nehmen wir es im Minor Vibe Quadrant. Jetzt haben Sie auch eine andere Stimmung, wenn Sie in einer Inversion wie dieser gespielt haben. Ok? Denn jetzt ist die Wurzel eigentlich ein vollkommenes Viertel über dem Glauben. In diesem Fall ist die Wurzel, die perfekte fünfte ist ein perfektes Fünftel auseinander. So ändern Sie tatsächlich die Beziehungen zwischen den einzelnen Intervallen, die sich bilden und Akkord als Ganzes. Und wenn du eine Notiz hinzufügst oder außerhalb einer Triade wie eine Sieben gehst. Jetzt wird hier die Dinge super komplex, weil Sie hier tatsächlich ein kleines siebtes Intervall hinzufügen . Aber wenn man hier das gesamte Intervall überprüft, dem C7-Akkord zustimmt, bekommt man tatsächlich so viele verschiedene Beziehungen in den Harmonien zwischen den Noten dieses Akkord. Hier bekommt man tatsächlich ein kleines Drittel auf der Haupttriade. Aber du bekommst auch. Wie gesagt, ein kleiner Siebter. Also, okay, du bekommst ein bisschen extra lebensfähig hier oben auf dem großen Akkord. Aber Sie erhalten auch dieses Intervall, das ein Triton ist , das eine Menge Spannung darin hat. Aber insgesamt, es sitzen Deal vor allem immer das Bild Kern-Emotion von der dritten. So mag deine Stimmung, aber mit einer zusätzlichen Spannung und einigen kleineren Feldern damit. Jetzt fängst du an zu sehen, wie komplex alles wird, wenn du diese Emotionen erschaffst und die verschiedenen Emotionen-Quadranten für jeden Akkord kombinierst. Und natürlich, wie Sie jeden Akkord spielen, was bedeutet Spielstil, Instrumentierung, Code, Voicing und sogar, wie Sie jede Stimme in Ihrem Arrangement schichten. Nehmen wir an, Sie möchten diesen C7-Akkord nehmen und dieser Harmonie mehr Gewicht hinzufügen, dieses Intervall einer Moll 7. Nun, wenn Sie mehr Gewicht hinzufügen, was mehr Schichtung bedeutet, dynamischere Hydrodynamik, und im Grunde machen Sie diese lauter in der Anordnung, die Wurzel und die siebte. Nun, natürlich werden Sie die gesamte Platte mehr in Richtung der Moll Vibes des Moll Siebenten gedrängt . Wenn Sie nun mehr von der dritten hinzufügen und weniger Fokus auf die siebte haben, erhalten Sie mehr. Dein Akkord. Sie werden mehr in Richtung der Major Vibe, Emotion Quadrant gedrängt, während Sie nur einen leichten Hauch von diesem kleinen siebten Schrägstrich Triton Spannung hinzufügen. Eine andere Möglichkeit, den Akkord in den Emotion Quadranten zu formen, ist es, ihn in einer anderen Stimme zu spielen, eine weitere Inversion. Also lasst uns die C7 nochmal nehmen. Nehmen wir diesen Wurzelknoten und schieben ihn um eine Oktave höher, spielen den Akkord in einer Inversion. Nun, sieh mal, was passiert ist. Sie haben nicht mehr diese kleine siebte Harmonie oder beteiligt. Aber stattdessen haben Sie es geschoben, indem Sie dies in Oktave gemietet die siebte und die Wurzel eine große Sekunde auseinander zu machen. Sie haben also diese Emotion, die in das geht. Ok? Nun, Sie ändern tatsächlich die unabhängigen, unabhängigen Integrale. Sie haben also ein kleines Drittel hier und ein anderes kleines Drittel dort, und dann eine große Sekunde hier. Und das größte Intervall ist stattdessen ein kleiner, kleiner Sechster. Ok? Das ist also eine ganz andere Emulsion, nur durch die Art, wie Sie es äußern. Also, das ist etwas anderes, das Sie in Betracht ziehen müssen. Die Akkorde, die Sie verwenden, werden die grundlegenden Emotionen in einem dieser Emotion Quadranten haben. Aber Sie können auch einen Hauch von anderen Emulsionskoordinaten hinzufügen , wie Sie es tun, wenn Sie hinzufügen, ist sieben zum Beispiel, oder für diese Angelegenheit, um zu sehen, fügen Sie sechs hier hinzu. Anzeigen. Machen Sie Ihre Stimmung einer Krippe secants und Aufregung. Und Sie können es auch ändern, indem Sie die Schnur mit Akkordstimmungen formen , sogar Schichtung. Ok? So Ihre Ebene und eine einzelne Stimme mehr als eine andere, oder sogar Ebene in Oktaven. Sie haben so viele kreative Möglichkeiten, jeden Akkord in diesen Emulsionsquadranten zu formen , indem Sie einen Mix kreieren, sich in Ihrer emotionalen Geschichte der Musik verändert. Das ist also alles. Anpassen. Ein Beispiel für den C7-Akkord und eine Hoffnung, die Ihre Augen für Ihr riesiges Potenzial bei der Gestaltung der Emotion, Geschichte Ihrer Musik durch die Schnüre auf der Grundlage der Harmonien jeder Stimme und wie Sie sie in Ihrer Musik spielen. Lassen Sie mich nun einige Beispiele für alle vier Emotions-Koordinaten der Musik zeigen und nennen. Eins, der Major-Quadranten. Im Major-Quadranten werden Sie alle Emotionen haben, die eine grundlegende Major-Atmosphäre haben. Hier sind einige Beispiele für gemeinsame emotionale Farben in diesem Quadranten. Glücklich, erhebend, motivierend, inspirierend, großartig, heroisch, abenteuerlustig. Der grundlegende Kern des Major-Quadranten ist natürlich eine große Triade. Also sagen wir C-Dur, D-Dur und so weiter. Aber du hast auch gelernt, dass jede Stimme in deinem Akkord zählt. Wenn Sie also ein zusätzliches Hormon hinzufügen, wie ein C7, fügen Sie tatsächlich eine Mischung aus einer kleinen Stimmung aus diesem Intervall hinzu. Retention Vibe aus diesem Intervall. Eigentlich bietet eine zusätzliche Meile von dieser Harmonie hier, die ein kleines Drittel ist und so weiter. Auch der Spielstil und die Progression natürlich. Also, wenn Sie spielen und wie Sie spielen, so können Sie es super glücklich spielen, sagen wir C bis D-Dur. Oder Sie können es in einem sehr heroischen spielen, oder sagen wir eine große mächtige, sehr wie. Okay, das waren also alle Hauptakkorde, aber ich benutzte hier einen Sus4-Akkord, weil das eine leichte Spannung hinzufügt, während es immer noch hatte. Ein bisschen eine große Vide von der großen Sekunde. Ok? Also, wenn ich spiele und c sus4, Sie bekommen diese Harmonie hier, die eine große Sekunde ist. So hat es, dass Ihre Stimmung gemacht, aber immer noch einige Spannung, um es, weil es zu lösen will. Das ist also der Hauptquadranten des kleinen Quadranten. Wenn wir also weiter in den kleinen Quadranten gehen, werden die emotionalen Farben dieser Akkorde eine kleine Stimmung haben. Hier sind einige Beispiele für emotionale Farben in diesem Quadranten. Traurig, tragisch. Schön, emotional, sehnsüchtig, weich, süß. Und der Grundakkord des Moll-Quadranten ist natürlich eine kleine Triade. wir also den d-Moll Akkord. Und hier kann man leise spielen, wie seine traurige und melancholische Stimmung so entweihen. Oder Sie können etwas Süße und Sehnsucht hinzufügen, indem zum Beispiel sus suspendierte Akkorde in der Stimme führen. Sagen wir mal wieder D-Moll, vielleicht fügen Sie eine siebte hinzu, um mehrdeutige Wipe zu erstellen. Drei, der zweideutige Quadranten. Hier finden Sie emotionale Farben, die weder klein noch groß, aber mehrdeutiger in ihrer Stimmung sind. Mysteriös, ambient, Jesse, unheimlich, eindringlich, gruselig, schrullig. Nun, das ist wirklich wichtig. Ich nenne das den zweideutigen Quadranten. Aber jedes Mal, wenn Sie tatsächlich über eine Standard-Major Triade im Major Quadranten, Minor Triade und ein Minor Koordinator hinausgehen. Jedes Mal, wenn Sie darüber hinausgehen, indem Sie zum Beispiel einen siebten hinzufügen oder den dritten ändern, zum Beispiel einen suspendierten Akkord oder sogar den fünften senken, schaffen Sie tatsächlich eine mehrdeutige gemischte Stimmung. Es ist weder ganz groß noch ganz klein. Nehmen wir zum Beispiel, wenn Sie eine geheimnisvolle Atmosphäre schaffen wollen, könnten Sie mit einer großen Triade beginnen, dann fügen Sie dieses kleine sechste Intervall, das diese Art von geheimnisvoller Stimmung hat. Ok? Wenn Sie also ein Arpeggio wie dieses spielen, und es wird tatsächlich in einigen der Elvin-Gesetz in der Musik in einem Herr der Ringe verwendet, dieser große Klang, die kleinere sechste Ausgabe. Wenn Sie es noch mehr gruselige Stimmung schaffen wollen, beginnen Sie mit einer kleinen Triade und fügen Sie dann diese kleinen Sechstel wie folgt hinzu. Ok? Nun, da Sie bekommen ist eigentlich das Hauptthema aus der alten X-Files TV-Show, TV-Serie. Ein Moll Akkord mit einem zusätzlichen Minor Sechstel. Und Sie können tun, zum Beispiel, wenn Sie diese hinzugefügt große siebte hinzufügen, die, wenn Sie die Lektion über Intervalle erinnern, eine große sieben klingt wirklich seltsam. Und hohe Spannung. Also, wenn Sie spielen, zum Beispiel, eine kleine Triade und fügen Sie die meine große siebte, fügt es hinzu, dass eindringliche Stimmung als auch. Denn wenn Sie dies nochmals überprüfen, erhalten Sie tatsächlich dieses kleine Minor-6-Intervall vom dritten der Mollakkord und dem siebten. Wie Sie sehen können, gibt es so viel, was Sie tun können, wenn Sie über Standard-Haupt-Triade hinausgehen, Minor Triade gestartet, Sie erschaffen, wenn es zum Beispiel einen Standard dominanten siebten Akkord, einen C sieben. In diesem Fall ist dies im mehrdeutigen Quadranten, aber es hat immer noch eine große coole Stimmung aus dem großen Drittel. Aber fügt ein bisschen Mehrdeutigkeit hinzu, weil Sie ein kleines Drittel auf der Haupttriade hinzufügen. Und das Gegenteil ist, wenn Sie mit einem Moll beginnen, so dass Sie die Kern-Emotion von der dritten bekommen, und dann färben Sie es mit einer anderen Intervallharmonie. So minderwertig mit einem Minor Siebtel oder einem Moll mit einem Major. Major Siebtel klingen etwas seltsamer. Es hat wirklich eine hohe Spannung und will x2 lösen, zum Beispiel die Oktave. So können Sie auch zum Beispiel mit dem Triton gehen . Nehmen wir an, Sie beginnen mit einem großen Akkord und senken dann den Glauben flach auf den fünften. So bekommt man diesen skurrilen oder klingenden Klang des Tritons, der eigentlich sehr hohe Spannung ist. Aber da Sie einen noch haben, können sie Major. Drittens, Sie bekommen eine große klingende coole Stimmung mit einem skurrilen, seltsamen Gefühl. So können Sie hier im zweideutigen Quadranten so viel tun. Ich halte das für wahr, den mächtigsten Quadranten der Schallplatten und die Ganzheit in der Musik für den dissonanten Quadranten. So wird der ferne Quadranten, die emotionalen Farben, eine hohe Spannung zu ihnen haben, wie diese emotionalen Farben. Spannende Spannung, beängstigend, Horror, Dunkelheit, Angst, Böse. Im dissonanten Quadranten, vier Akkorde und Harmonien, konzentrieren Sie sich hauptsächlich darauf, Ihre Musik zu verspannten. Und Sie erinnern sich aus der Intervallstunde, dass die Mutter aller Spannungsintervalle die kleinen Sekunden ist, also der halbe Schritt. Also, wenn Sie zum Beispiel eine kleine Triade nehmen und dann Sie flach, glätten Sie die fünfte so. Du erschaffst eine verminderte Triade mit, weil sie aus einer kleinen dritten Harmonie mit einem kleinen dritten Schaden besteht und oben gestapelt ist. Also eine kleine Triade mit einer Abflachung. Sie können auch verwenden, wie Sie alle anderen Hochspannungsintervalle neu gestartet haben Sie die Nebensekunde, zum Beispiel, in der Basis. Also, wenn Sie einen Moll spielen hier und dann in der Basis gehen Sie eine halbe Schritt-Mikrosekunde, entweder nach oben oder unten. Hier, die hohe Spannung oder nach unten. Oder Sie können das weniger erlernte Triton verwenden. Also, wenn Sie, selbst wenn Sie eine große Triade verwenden, flachen Sie einfach die fünfte. Es ist ein bisschen zweideutig. Aber ja, die Spannung, der Disziplin Quadranten, Teil der Emotion von diesem Triton, und die Haupt-Core-Vibe aus dem großen Drittel. Sie können auch verwenden, wie Sie gelernt haben, diese große siebte, weil es eine hohe Absicht hat. Wenn Sie also eine kleine Triade mit einem zusätzlichen Major Siebtel verwenden, das eine hohe Spannung hinzufügt, können Sie sogar eine verminderte Triade mit dem zusätzlichen Major Siebtel verwenden. Oder verwenden Sie ein vermindertes Siebtel. So wurden drei kleine Drittel übereinander gestapelt, was auch diese sehr gruselige und eindringliche und hohe Spannung erzeugt. Auch wenn Sie hoch als eine Oktave gehen, ist ein sehr hohes Spannungsintervall diese und kleinere neun. Versuchen Sie also, zum Beispiel das kleinere Neunte auf Standard-Moll hinzuzufügen. Hier. Super hohe Spannung Eine andere Möglichkeit, ein bisschen mächtiger, böser Vibe, böser Boss Kampf zu verwenden , ist es, mit einer kleinen Triade zu beginnen. Das Riff um das perfekte Fünfte auf dem Triton und das kleinere Sechste so. Und dann vielleicht die Basis, können Sie in einem kleinen zweiten Intervall so gehen. Dann fügen Sie vielleicht die Haupt- 7 oder das kleine Messer hinzu. Schon Angst um den Oktan und Minor Neunte. Aber die Mutter aller Spannung basiert auf der kleinen Sekunde oder der Halbstufe. Also, wenn Sie in halben Schritten gehen, fügt das diese dissonante Quadrantenstimmung hinzu. Richtig? Also, wenn Sie die Wurzel hier tun, gehen Sie hoch, runter, oder die Basis, vielleicht in halben Schritten zu Fuß. Und dann vielleicht zwei, ein kleiner, kleiner Siebter. Und die Basis ist eigentlich eine gute Möglichkeit, diesen dissonanten Quadranten hinzuzufügen , während er immer noch die Kern-Emotion hat, vielleicht einen kleinen Quadranten. In diesem Fall in der eigentlichen Schnur. Die Basis ergänzt sie mit einer dissonanten Quadrantenstimmung aus der zweiten Nebenharmonie. Hier hast du also viel zu tun. Erinnerung an die zweite, der Tri-Ton, ein bisschen Spannung auch von diesem Bouquet. Minus 6, Sie haben die kleinen 7 bisschen Aufmerksamkeit, aber viel mehr Haare auf der großen siebten. Sie haben auch die minderjährige Neunte. All diese können Sie in Ihren Akkorden und Harmonien verwenden, um ein bisschen Geschmack des dissonanten Quadranten in Ihre emotionale Geschichte der Musik hinzuzufügen . Mischen von emotionalen Farben in der Musik. Jetzt, natürlich, Musik ist wie eine Geschichte und alle Geschichten sind eine Mischung aus Emotionen, sowie ein Fortschritt der gesamten emotionalen Stimmung, die sich durch jede Szene entwickelt. Was bedeutet, dass Sie als Komponist Ihre emotionale Geschichte in der Musik kreieren, nicht nur basierend auf den Akkorden und harmonischen Progression, sondern auch, wie Sie sie mit welchen Instrumenten und Klängen spielen, und wie Sie alles mischen zusammen. Grundsätzlich, wie bei einer Geschichte oder einem guten Essen, ist es sehr selten ganz auf nur eine Zutat konzentriert. Und Sie werden über all diese anderen Zutaten auf Musik lernen , die Sie verwenden können, um die emotionale Stimmung Ihrer Musik zu gestalten. In weiteren Videos in diesem Kurs. 8. Emotion von Progression: Emotion aus der Progression. Es gibt also mehrere Möglichkeiten, die emotionale Stimmung Ihrer Musik mit Fortschritten zu gestalten. Erstens, Emotion von Akkord ändert sich, die Akkorde, die Sie wählen, äh, einer der wichtigsten Aspekte der Gestaltung der Kern-Emotion in Ihrer Musik, was bedeutet, dass jeder Akkord an sich hat eine eingebaute Kern-Emotion, aber von gleich oder vielleicht sogar mehr Bedeutung, ist der emotionale Aspekt jeder Akkordänderung, die Sie machen. Lassen Sie mich Ihnen ein Beispiel geben. Wenn Sie Ihre Strecke in C-Dur fahren und von C-Dur nach F-Dur gehen, dann nach G-Dur. Diese Akkordprogression wird sehr erhebend und mit Wohlfühl-Atmosphäre klingen. Aber wenn Sie einige kleinere Akkorde in die gleiche Progression einführen, werden Sie die gesamte harmonische Geschichte in eine emotionalere Atmosphäre verwandeln. Und lassen Sie mich das demonstrieren. Wenn ich C-Dur, F-Dur und G-Dur auf eine sehr erhebende Weise spiele . Und da die Progression nur Ihre Akkorde gemacht wird, wird dies sehr erhebend und positive Stimmung fühlen. Also hören Sie sich das an. Nun, wenn ich ein paar kleine Akkorde oder sogar siebte Akkorde oder andere Schallplatten einführe, außer Standard-Major Triaden. Ich kann es zu einem emotionaleren Kleinklang treiben, mehrdeutiger, geheimnisvoller Klang. Was auch immer Sie sich fühlen, wird für Ihre emotionale Geschichte der Musik arbeiten. Also fangen wir an und sehen uns wieder. Gehen wir zur EMA Moll. Und dann zu, sagen wir ein Moll, F-Dur. Lasst uns F-Dur mit einer zusätzlichen Sieben machen. So ist eine große siebte, so große siebte ist mehrdeutiger und hat diese süße Art von Spannung, auch wenn es immer noch eine große Kern-Emotion ist. Die große siebte, die diesen seltsamen, seltsamen Charakter hat , fügt diese super süße Spannung hinzu. Dann können Sie von vorne anfangen mit C-Dur. Machen wir einen Minor mit einer zusätzlichen Sieben. Wir können einige sind suspendierte Akkorde vorstellen. Und Sie können schon hören, dass Sie die kleine Stimmung von diesen kleinen Akkorden bekommen, dass Bergleute eine suspendierte oder Absicht Stimmung aus den Siebensteln. Die schwebende Spannung, die erhebend ist, während immer noch die Sehnsucht Art von Spannung von der SAT Partituren und so weiter. Jeder Akkord in der Sequenz zählt also, wenn man sich fühlt, wenn man die emotionale Handlung seiner Musik rasiert. Hier ist ein weiteres Beispiel. Wenn Sie eine überraschende große Platte in einer ansonsten kleinen fokussierten Komposition einführen, wird der Hörer diesen plötzlichen Kontrast als eine neue Art von Hoffnung und Licht fühlen , die in Ihrer Musikgeschichte eingeführt wird. Dies gilt insbesondere dann, wenn dieser Major-Akkord nicht zu den diatonischen Akkorden deiner Skala gehört. Nehmen wir an, Ihre Komposition ist in einem Moll. Okay, dann bekommst du diese Sequenz von diatonischen Triaden. Also der ganze weiße Fall, ein Minderjähriger. Nun, wenn Sie eine Progression als Schriftsteller spielen, e-Moll, F-Dur, und dann gehen Sie zu D-Dur. Das ist Major. Erhebender Sound ist wirklich das Gefühl, dass eine Spur hebt in Energie zu positiveren, hoffnungsvollen Stimmung. Denn der D-Dur Akkord ist nicht Teil der diatonischen Akkorde der a-Moll-Skala. So ein überraschendes schnurgebundenes Gehen und gehen in die entgegengesetzte Richtung. Nehmen wir an, Sie spielen in C mater. Ok? So, Nehmen wir an, Sie gehen zu einem Major, eine überraschende große Aufzug dort. Oder wenn du zu einer kleinen Erkältung gehst, wo es ein wichtiger Corso sein soll. Sagen wir mal, Moll F schiebt es mehr in Richtung dieser kleinen emotionalen Ton. Auch wenn es sich bei der von Ihnen verwendeten Skalierung um einen Standardmaßstab handelt. Zur Emotion von Stimme, Bewegung. Ein weiterer Aspekt der Emotion ist die Bewegung jeder einzelnen Stimme des Hofes selbst. Sie können dies wählen, indem Sie verschiedene Akkord-Inversionen und Voicings wählen. Denn wenn Sie Ihre tatsächlich Änderung der Stimmbewegung in Intervallen für jeden Akkordwechsel tun. Lassen Sie mich Ihnen ein interessantes Beispiel dafür geben. Nehmen wir an, Sie spielen einen geraden G-Dur-Akkord in der Wurzelposition. Natürlich hat diese Koordinate selbst eine große, unsere emotionale Kernstimmung. Vergleichen wir das mit einem F scharfen Hauptversuch. Das könnte an sich ist auch eine große klingende Emotion. Aber wenn Sie spielen sie gehen von der Wurzelposition G zu einer Wurzelposition, F-Sharp Dur. Sie nehmen tatsächlich jede unabhängige kalte Stimme in einem Intervall von einem halben Schritt. Also eine kleine Sekunde, die eine hohe Spannung hat. Also der Fortschritt vom G zum F-Sharp Dur Akkord, oder eigentlich. Drei Progressionen, eine pro Stimme geht in einem kleinen zweiten Satz. Auch wenn diese beiden Akkorde einen großen Klang haben, dieser Übergang aller Stimmen in kleinen zweiten Sätzen mit einer Art hinterhältigen oder geheimnisvollen Stimmung aus der Progression selbst zu schaffen. Mein Punkt ist, dass Sie sowohl die Kern-Emotionen als auch alle einzelnen Intervalle für jedes Quartal geändert denken müssen Kern-Emotionen als auch alle einzelnen Intervalle , wenn Sie Ihre harmonische Handlung oder Musik in einer Weise, die die emotionale Wirkung passt, Sie möchten, dass deine Musik drei Emotionen aus harmonischer Richtung hat. Schließlich, wenn Sie sich die kompletten Akkorde betrachten, können Sie die Emotionen basierend auf der Überherrschungsrichtung und Bewegung formen. Ich nenne diesen harmonischen Antrag. Durch harmonische Bewegung spreche ich nicht von der individuellen Stimmbewegung und Übergängen für jeden Akkordwechsel. Stattdessen müssen Sie einen Schritt zurück machen und die gesamte Akkordprogression als Ganzes wieder sehen . Und schauen Sie sich die Geschichtenkurve und Bewegung aller Stimmen in Ihrem Hormon ist, dass sie zusammen zu schaffen, Energie mit Aufwärtsbewegung aufzubauen. Wenn die harmonische Geschichtenkurve eine allgemeine Aufwärtsbewegung hat, bauen Sie Energie und Tangente in der Musik auf. Dies ist eine großartige Technik, kurz bevor wir in einen neuen Abschnitt übergehen, wo Sie Vorfreude erzeugen und die Intensität und Energie einfach aus Ihrer harmonischen Geschichtenkurve wachsen wollen . Lassen Sie mich zunächst kurz erklären, was ich mit harmonischer Bewegung meine. Also, wenn Sie eine Akkordprogression haben, können Sie die tatsächliche Bewegung der einzelnen Stimmen zu gestalten , um eine Aufwärtsbewegung für das Hormon zu machen ist so. Nach unten mehr Bewegung, wenn Sie wollen oder halten Sie es, desto mehr gerade. Indem man im Grunde alles transponiert, eine durchschnittliche Richtung oder die gesamte harmonische Progression erzeugt. Richtig? Also das erste, was das erste Beispiel hier ist diese Staccato-Zeichenfolge ist, wo ich eine Aufwärtsbewegung in Richtung erstellt habe. Dies sind nur die Bassnoten und Basen tut, was sie unabhängig tun, aber im Grunde überprüfen, was Ihre gesamte Akkordprogression Staub über, Laufe der Zeit wie diese. Also hier können wir tatsächlich hören, wie Energie und Aufregung zu bauen , indem wir diese Aufwärtssozial haben. Und oft funktioniert diese großartig in Kombination mit zunehmender in diesem Fall, wenn Sie in Richtung gehen, die durchschnittliche Dynamik im Laufe der Zeit im Grunde ein leichtes Crescendo hier zu schaffen, lösen sich mit Abwärtsbewegung. Dies führt also natürlich in die entgegengesetzte Richtung, eine allgemeine Abwärtsbewegung Ihrer harmonischen Progression, die ein Gefühl der Entschlossenheit Moment schafft, das sich niederlässt. Und es ist toll, einen Chor mit zu beenden, wenn Sie mit einem niedrigeren Energiebereich folgen wollen, sowie im letzten Outro und Trittfrequenz Ihrer Musik. Wenn Sie Ihre Komposition mit einer entspannten und aufgelösten Stimmung beenden möchten. Also, hier habe ich die gleiche Akkordprogression genommen, sie haben gewonnen. Sie können hier oben sehen B-flat, g-Moll, F, B-flat, und so weiter. Und ich nahm und andere Aufträge auf Klavier auf, nicht so statisch und steif wie langweilige Ein-Blockakkorde, sondern eine eigentliche Performance. Und Sie können sehen, dass ich hier Abwärtsbewegung für den Fortschritt verwende. Und wenn wir uns das anhören, und übrigens habe ich auch eine leichte Abnahme der Dynamik. Wenn wir uns das im Kontext oder einfach nur einzeln anhören, können Sie übrigens hören, wie es die Energie auflöst und beruhigt. So spielen in 321, Stabilität mit der geraden Bewegung, wenn Sie die Akkordstimmen so formen, dass die harmonische Bewegung ziemlich eine gerade Linie ist. Sie werden eine sehr stabile Stimmung schaffen. Es kann eine gute Möglichkeit sein, sicherzustellen, dass die Akkordprogression sich in den Hintergrund verschmilzt, für subtile Unterstreichungen, Ambiente- und atmosphärische Tracks werden einfach alle harmlosen auf die Rückseite Ihrer Musik drücken. Grundsätzlich können Sie gerade harmonische Bewegungen verwenden, wann immer Sie möchten, dass Ihre Akkorde und Harmonien in den Hintergrund Ihres Mixes verschmelzen. Also habe ich hier Streicher und die gleiche Zusammenarbeit aufgenommen, die ich hier oben geschrieben habe. Aber ich habe Akkord-Inversionen und Stimmungen verwendet , um es eher wie eine gerade Linie zu machen, wie Sie sehen können. Und im Falle von zwei Akkorden, die die gleichen Noten teilen, habe ich sie gerade angeschlossen, um noch weniger Bewegung zu bekommen , weil dieser Knoten zum Beispiel in diesen beiden Akkorden gleich bleibt. Hören wir uns an, wie sich das verkaufen kann. Intensität mit der chaotischen Bewegung. Ich bin sicher, Sie haben immer gehört, dass Sie versuchen sollten, die Sprachbewegung zu minimieren und kleinere Intervalle beim Übergang von Viertelakkord zu verwenden. Und dass Sie die harmonische Geschichtenkurve im Laufe der Zeit machen sollten, langsam und schrittweise, wie Atmen. Nun, jede Regel hat eine Ausnahme, was bedeutet, dass Sie tatsächlich verrückt mit der harmonischen Bewegung, um den Bordstein fast chaotisch zu machen, vor allem für rhythmisches Schreiben, natürlich, das harmlose. Dies wird eine sehr intensive und energetische Atmosphäre schaffen , die in einigen Kontexten großartig funktionieren kann. Zum Beispiel chaotische Action-Musik. Wie immer werden Ihre kreative Vision und NGO Ihrer Musik Ihre Wahl leiten. Gestalten Sie also Ihre harmonische Handlung mit Bewegung und Bewegung in Ihren Fortschritten, die zu Ihrer Musikkomposition passen. Um dies zu demonstrieren, habe ich diesen Teil hier auf kurzen Streichern aufgenommen. Und wie Sie sehen können, ist die harmonische Bewegung chaotisch, um diese Action Vibe zu kreieren. Also lassen Sie uns das hören und Sie werden es in Aktion hören. Sehen wir es gleichzeitig in 321 spielen. Um zusammenzufassen, haben Sie drei Möglichkeiten, die emotionale Geschichte Ihrer Musik mit dem Fortschreiten Ihrer Akkorde und Harmonien zu gestalten . Eine Emotion aus Akkord ändert sich von der individuellen Stimmbewegung zu Emotion, und drei, Emotion aus der harmonischen Richtung. 9. Emotion aus Rhythmus: Emotion aus dem Rhythmus. Sie können die emotionale Stimmung steuern, indem Sie bestimmen, wie viel Action und Energie Ihre Musik hat. Und es gibt keinen besseren Weg, diesen Aspekt zu kontrollieren als mit dem Rhythmus. Rhythmus kann in vielen Formen kommen, aber natürlich, Ihre Perkussion-Tracks, wir werden den größten Job machen. Aber auch, wie rhythmisch Sie Ihre Spielstile oder für jedes Instrument spielen Akkorde und Harmonien. Sogar deine Melodien haben die rhythmische Seite, je nachdem, wie viele Noten pro Takt du dafür hast. Eine Emotion aus rhythmischer Dichte. Dieser erste und wichtigste Aspekt, wie viel Action und Energie Ihre Musik hat, ist die rhythmische Dichte. Dies ist im Grunde, wie viele Knoten oder Treffer für jedes Maß von Musik Sie haben. Wenn Sie beispielsweise nur eine niedrige Trommel haben, die zwei Schläge pro Takt spielt, die Action und der Energieniveau niedrig. Aber wenn Sie mehr Knoten und mehr Instrumente mit noch schnelleren Rhythmen hinzufügen, wie High Hats, Shaker, et cetera, werden Sie das Energieniveau erhöhen. Denken Sie daran, jedes Instrument zählt. Also, wenn Sie Medal die langen aufsteigenden Noten des Spiels führen, wird es weniger Aufregung und Energie haben. Aber wenn man sich zum Beispiel traditionelle irische Musik anhört , wird die führende Melodie oft sehr schnell und energiegeladen sein. Betrachten Sie jede Leistung. Es kann ein Klavier oder Piaggio Streichmuster auf Gitarre und so weiter sein. Die rhythmische Gesamtdichte, was bedeutet, wie viel rhythmisch in deiner Musik vor sich geht, wird die emotionale Wirkung von Aktion und Energie in deiner Musikkomposition stark beeinflussen. Lassen Sie mich dies also demonstrieren, indem ich Ihnen diese drei Beispiele zeige, die ich mit unterschiedlichen Mengen rhythmischer Dichte erstellt habe , von minimaler bis niedriger bis hoher rhythmischer Dichte. Das erste Beispiel klingt also so. Ok? Und warum hat es so minimale Energie? Weil es so einfach ist. Die rhythmische Dichte ist sehr, sehr niedrig, also ist es für 120 BPM voll. Aber die Kick Drum oder Low Drums Perkussion hier ist nur auf 13, also zwei Hitzen pro Bar, die Pads und U-Bahnen und Saiten hier, wenn wir überprüfen Sie schauen oder niedrige Noten zu Bars, oder eine Bar lang, wenn ich die Perkussion entferne Gesamt. Dies ist natürlich die niedrigste rhythmisch Dichte, die Sie im Grunde haben können. Es sind also sehr wenige Notizen hier. Gehen Sie zum nächsten Beispiel, wo ich eine Drum-Kit-Baseline habe. Wie Sie sehen können, gibt es mehr Notizen für hier, für diese Bar vier hier, drei. Und ich habe auch ein komisches Klavier, das ein bisschen Arpeggio-Vibe spielt, und es klingt so. Ok? Es ist also immer noch ziemlich geringe rhythmische Dichte. So kann man übrigens von diesem Drum-Kit hören. So haben Sie mehr Luft und Lücken zwischen den Treffern, wenn ich es erhöhen oder verringern Sie die Energie hier. Also all die Komplexität. Ok? Und wenn ich es noch steigere, höhere Energie, formst du die Emotion aus der rhythmischen Dichte hier und der Basis. Ich hätte nur lange Bassnoten mit einem Takt gehen können. Aber ich habe mehr von einer Basislinie erstellt. Natürlich fügt das ein höheres Gefühl von Energie hinzu. Und dann schließlich, wo ich im Grunde alles mit sehr hoher rhythmischer Dichte ging. So spielt das Drum-Kit mit der größten Komplexität. Ich werde Shaker hier ansprechen, also nur 120 BPM. Aber du wirst ein wenig trocken. Philip. Und die Grundlinie geht jetzt für achte Noten Muster. Wie viel Energie. Dann habe ich diese Saiten hier machen ein bisschen wie ein Arpeggio in hoher Reichweite. Nun, die flachen und kurzen Saiten oder mehr B-C-Muster hier. Und dann ein paar niedrige Shorts Genau als x. Und so alles in allem kann man die Fahrt wirklich spüren. So können wir das Bewegungs-Energieniveau von der rhythmischen Dichte Ihrer Komposition bis hin zu Emotion, von rhythmischer Komplexität. Einfache und gerade Beats fühlen sich natürlicher für unsere Ohren an. So neigen wir dazu, mehr in Harmonie zu fühlen, wenn wir Rhythmen in voller Höhe hören , ohne Synkopation oder große Variation. Aber wenn Sie Ihre Musik in einer anderen Zeitsignatur schreiben, können Sie komplexere Rhythmen erstellen, die sich energischer anfühlen. Andere Aspekte in Ihren Rhythmen, die sie komplexer machen und damit die Aktion und Energie erhöhen können . Leichter oder einzelner Patient spürt Übergänge, Geisternoten und Gnadennoten und schnelle rhythmische Veränderungen. So habe ich auch drei verschiedene Beispiele geschaffen die emotionale Energie aus rhythmischer Komplexität zu gestalten. Die erste hier ist das Hinzufügen von mehr Variation im Rhythmus. Schauen wir uns also die Grundlinie an, anstatt nur gerade achte Noten. Ich habe Variationen im rhythmischen Muster. Und das fügt ein Gefühl von Energie aus all dieser Variation hinzu. Wenn Sie sich das Perkussion hier ansehen, ging ich mit mehr Füllungen, also schauen Sie sich das Muster an. Okay, wenn ich also die Felder hier vergrößere, können Sie sehen, dass es hier aktualisiert wird, indem Sie einige zusätzliche Felder hinzufügen, auch als Variation zu Auswirkungen aufpeppen. Hier. Ich würde die flachen und die kürzeren Saiten hier überprüfen. Sie können sehen, dass es viele Variationen gibt. Und sie imitieren tatsächlich nicht vollständig bei irgendeiner Variation dazwischen. Alles in allem, alles zusammen, bekommt man wirklich eine Menge Variation, die die emotionale Energie aufpeppt. Und im nächsten Beispiel, Deal 120 BPM. Aber hier verwende ich sechs Achtel und eine Menge zusätzlicher Komplexität zum Beispiel in der Perkussion hier. All diese superschnellen fühlt sich also gut an. So fühlen Sie wirklich, dass die Energie offen ist, sehr hohe Energie, obwohl es nur in 120 BPM ist. Fügen Sie einige Symbole nur für Akzente hinzu. Und es würde ein Hören auf die kurzen Saiten und Gelbe hier dauern. Und du siehst hier ein Arpeggio-Muster in den Kanälen. Während wir das Staccato-Muster hier mit Variation in den kurzen Saiten haben. So wie Sie hier können, haben Sie diese hohe Komplexität in den rhythmischen Mustern. Alles, was wirklich das Energieniveau erhöht, hört sich so an, oder? Und schließlich, in diesem Beispiel, habe ich einige Synkopation hinzugefügt. Nun, ich habe auch hier eine Synkopation, aber hier benutze ich tatsächlich eine Triplettnote, um aufzupeppen und einige überraschende Variation in dem Beispiel hinzuzufügen , damit Sie es hören können. Sagen wir mal hier. Also, wenn du es anhörst, höre auf die Drillinge. Okay, Hoppla, das sollte da hin. Und ich habe auch das Triplett in der Grundlinie hier nachahmen. Also, wenn Sie Basislinie zu hören, und insgesamt mit einem kurzen Saiten, niedrige Shorts und Set, et cetera, Sie haben hohe Energie oder hohe Komplexität, sowie Variation in der Synkopation, was im Grunde Hinzufügen Variation in der rhythmischen Groove im Laufe der Zeit. Und überraschende Wendungen und vor allem diese Behandlung hier. Also lassen Sie uns ganz zuhören. Zusammenfassend kann man also die emotionale Wirkung von Energie und Handlungsgefühl nutzen , indem man sowohl die rhythmische Dichte als auch die rhythmische Komplexität formt. Und denken Sie daran, dass alle Instrumente und Auftritte in Ihrer Musikkomposition zählen, wenn Sie den Gesamtrhythmus betrachten. 10. Emotion aus Energie: Emotion aus der Macht, die Intensität Ihrer Instrumente und Klänge in Ihrer Musik sowie die Art und Weise, wie wir sie spielen, wird den emotionalen Machtsinn oder Machtmangel stark beeinflussen. Zum Beispiel, wollen Sie, dass Ihre Musik klingen, leicht und minimal, oder gehen Sie den ganzen Weg zu Epic und mächtig. Eins, Macht aus Schalldichte. Einige Instrumente sind in Bezug auf Ton und Charakter einfach stärker als andere. Aus Mangel an einem besseren Wort könnte man sagen, dass ihr Klang dicker ist. Zum Beispiel große Blechblasinstrumente, niedrige Saiten, Pfeife, Orgeln usw. Sie alle haben einen sehr starken Klang, auch wenn sie in mittlerer Dynamik gespielt werden. Auf der gegenüberliegenden Seite der Skala finden Sie die leichtesten Instrumente, die weniger Platz in der Mischung nehmen , weil sie einen dünneren Frequenzbereich, weniger Oberschwingungen oder einfach mehr Sinn für Luft haben . Dinge wie gezupfte Saiten, hohe Holzbläser, Schlägel, Rechnungen, et cetera. So werde ich nun den großen Leistungsunterschied anhand der Klangdichte verschiedener Instrumente und Klänge demonstrieren . Ein großes Blechbläserensemble kann also so klingen. Pfeifenorgel wie diese. Okay, das sind also starke Sounds mit hoher Dichte. Während ein Pferd, zum Beispiel, oder eine gezupfte Schnur, es ist ein CARTO oder eine Glocke. Alle sind sehr leichte Instrumente. Zwei, Strom von Abschnittsgröße. Ein weiterer Aspekt der Leistung in der Musik basiert auf der Abschnittsgröße, die Sie für jedes Instrument wählen, das in Ihrer Musik gemeint ist. Ein Soloinstrument wird immer das leichteste und je größer das Ensemble im Einklang spielt, desto dicker und kraftvoller. Es wird basierend auf der Frequenz, Dichte und Pegel in der Mischung klingen . So fühlt sich beispielsweise ein Solo-Cello weniger stark an als ein großer Seller, der dieselbe Phrase spielt. Sogar verstopfte Tracking geht in diese Kategorie. Sie spielen im Grunde den Instrumenten- oder Gesangsaufsatz. Ein weiteres häufiges Beispiel ist, eine einzelne elektrische Rhythmusgitarre zu vergleichen und diese mit zwei Gitarrenaufnahmen mit der klassischen Doppelspuren-Links-und Rechts-Technik zu vergleichen. Der Unterschied in der Macht ist riesig. Lassen Sie mich nun demonstrieren, wie Sie Strom aus der Abschnittsgröße hinzufügen können. Also hier habe ich ein Solo-Cello. Spielen wir die Nase eines d-Moll-Akkords. Und dann mit einem großen Verkäufer kurz, Ensemble, acht Celli spielen im Unisono so. Viel dicker und kühner Klang. Und wenn Sie Schicht, zum Beispiel, ist sagen, niedrig bearbeitet und Shambhala mit Hörnern auf ihre eigenen, sie klingen so, aber Sie bekommen einen größeren Abschnitt und damit mehr Macht durch Schichtung, wie so. Und hier habe ich eine E-Gitarre ohne Doppel-Tracking, also nur eine Gitarre wie diese. Aber hören Sie mit Kopfhörern, wenn ich Spur verdoppelt, Sie erhalten, dass breite Klang in der linken und rechten. Ohne. Lasst uns Power-Akkorde spielen. Ohne. Mit einem IV, können Sie natürlich, verdoppelt Spur noch mehr. Ein Quad-Stapel. Für einen noch stärkeren Sound, drei Power von dynamischen Exons. Wenn Sie eine Linie in Ihrer Musik in einer akzentuierten Artikulation spielen, werden Sie das Gefühl der Macht erhöhen. Zum Beispiel, mutige Marcato Saiten, große sforzando, Atemstiche, oder einfach fortissimo Dynamik der Rolle. Alle Arten von Acts und Stil, Artikulationen und Spielstile funktionieren hervorragend, um ein Gefühl von Macht hinzuzufügen. Und das Gegenteil ist, leicht ohne Betonung und schwere Akzente zu spielen. Lassen Sie mich also die Kraft von Akten und Artikulationen demonstrieren , indem ich zuerst auf einer normalen Dauernote spiele, oder gehen Sie hier mit den vollen Saiten in Oktaven. Nun, auf den niedrigen Saiten hier habe ich mehr Costco gewählt, was eine kühnere, akzentuiertere Art von Klang hier auch auf dem vollen Saitenensemble ist , und alle Blechbläser. Ich benutze diese akzentuierte S4 Rosato Artikulation. Also lasst uns sie spielen. Nun, wenn du es dir anhörst. Und hier, und hier, dass mehr gewagter Angriff betont hat. Und wenn ich sie ganz spiele, außer dieser normalen Saite ist es, diese super leistungsstarke Zone für Strom aus der Produktion zu bekommen diese super leistungsstarke Zone . Zwei der besten Effekte in der Musikproduktion zu verwenden, um die Leistung oder Sättigung Schrägstrich Verzerrung, sowie Kompression zu erhöhen die Leistung oder Sättigung Schrägstrich Verzerrung, . Wenn Sie Verzerrung verwenden, erhöhen Sie die harmonische Dichte, was den resultierenden Klang dicker und leistungsfähiger macht. Das hört man zum Beispiel in schweren E-Gitarren. Aber Sie können es in weniger Grad verwenden, um jeden Ton weniger verzerrt zu machen, aber immer noch den analogen Phat-Sound oder jedes Instrument in Ihrer Produktion zu erhalten. Komprimierung komprimiert im Grunde den Dynamikbereich, so dass Sie den Gesamtpegel eines beliebigen Sounds erhöhen können. Hier habe ich also eine Mischgruppe, die ich Produktion mit epischer Percussion nenne. Klingt so. Okay, und etwas Messing Staccato mit Schichtung mit einigen niedrigen Saiten auch Staccato. So klingt es also, ohne Energie aus der Produktion hinzuzufügen. Was ich dann tat, war, diesen Sättigungsverzerrungseffekt hinzuzufügen. Und wenn ich es einschalten und es einfach von 00 erhöhen, so wird es leistungsfähiger. Aber nach einer Weile hört man diese hässlichen, verzerrten Effekte. Sie wollen es wirklich nur ein wenig einwählen, um den Gesamtklang dicker und reicher zu machen. Und dann benutze ich auch diesen Kompressor , den ich auf parallele Modi eingestellt habe oder ich komprimiere das Signal und dann mische ich es mit dem trockenen Signal. Dies ist auch cool Effekt auf diese Macht, während immer noch diese Dynamik blieb etwas so es klingt ohne sie. Also, jetzt, ohne diese beiden Effekte, schalte ich es ein. Sie können Ihre Sounds super kraftvoll machen. Und natürlich hängt es davon ab, welche Art von Instrumenten Sie es auf Perkussion und Bass und Instrumenten wie diesem verwenden, Sie können mehr Sättigung und Kompression verwenden, und Sie sollten vorsichtiger mit dynamischen Instrumenten wie Streichern, So, um zusammenzufassen, können Sie Emotion durch dieses Gefühl der Macht Ihrer Musik gestalten. Und Sie können dies tun, indem Sie die Leistung basierend auf Schalldichte, Abschnittsgröße, dynamischen Akzenten,Produktion und Mischeffekten steuern Abschnittsgröße, dynamischen Akzenten, . 11. Emotion aus Farbe: Emotion aus der Farbe. Sie können die Bewegung Ihrer Musik erstellen und gestalten, indem Sie sich auf Farben konzentrieren. Nach Farbe spreche ich von Note, Reichweite und Frequenz, Fokus und Verteilung. Es kann von super dorky und einer tiefen Farbe bis zu einer hellen und luftigen Farbe gehen. Eins, Form Farbe aus Ton. Verschiedene Instrumente haben eine unterschiedliche Tonfarbe, was bedeutet, dass ein mittleres C auf einem Instrument wärmer oder heller klingen kann , als das gleiche mittlere C auf einem anderen Instrument zu spielen. Es hängt davon ab, wie stark die harmonischen Obertöne sind, und natürlich hängt auch von Ihrem Spielstil ab. Sie können den Ton auch mit Dynamik formen, wobei niedrigere Dynamik einen wärmeren Ton hat. Wenn wir also nur den Unterschied in der Tonfarbe von verschiedenen Instrumenten auf Mittelstufe Cvergleichen Tonfarbe von verschiedenen Instrumenten auf Mittelstufe C hier auf Mitteldynamik, Pfeife, Orgel, Klarinette, Koffer und Cello-Sektion. Man kann wirklich das Gefühl haben, dass einige Instrumente dunkler sind, wärmer und einige sind heller und härter. Und was wichtig ist, ist, dass viele Instrumente tatsächlich ihren hohen Frequenzbereich und Ton erhöhen. Wenn Sie die Dynamik erhöhen, spielen Sie sie lauter. So zum Beispiel, Atemzüge gehen, kann von sehr niedrigeren Dynamik natürlich gehen ist Software in Volumen. Aber wenn ich die Dynamik steigere, öffne ich auch die Tonfarbe in Richtung der höheren helleren Frequenzen. Und wenn Sie zum Beispiel die Orgel nehmen, ist dies eine Kathedrale, eine Domorgel. Tiefes Organ haben eine völlig andere Tonfarbe. Klarinette. Die meisten Holzbläser umkreisen Software in Ton. Tasten wie eine Straße oder sehr weich, anschaulich CR ist heller. Flache Saiten können auch von warm bis hell gehen. Und es gibt natürlich verschiedene Artikulationen, die Sie auf verschiedenen Instrumenten verwenden können, die Tonfarben beeinflussen, wie zum Beispiel Nachrichten über Atemzüge, Spielen im Konzert DO oder gedämpfte Artikulationen auf Streichern und so weiter. So zum Beispiel, mit diesen Schatten, wenn ich hier Jazz Record spiele, ein aktiviertes Sortino, kann man hören, dass es wie eine weiche Decke auf den Saiten ist, die es wärmer in der Tonfarbe macht, um die Farbe aus dem Bereich zu formen. Wenn Sie Ihre Ports schreiben, können Sie die emotionale Farbe Ihrer Musik gestalten, indem Sie sich auf bestimmte Notenbereiche in Ihrem Arrangement konzentrieren . Wenn Sie zum Beispiel möchten, dass Ihre Musik einen dunkleren und wärmeren Ton hat, konzentrieren Sie sich mehr auf die Noten unter der Mitte C. Natürlich wird dies dazu führen, dass mehr Instrumente verwendet werden, die einen grundlegenden Bereich am unteren Ende haben, wie Basis, flach, basierend auf Knochen, et cetera. So zum Beispiel, niedrigere Instrumente und Basis von Kernen oder dunkler, als ob ich im sehr niedrigen Bereich spielen. Es hat bei super bösen dunklen Ton, flache gehen ein bisschen mehr. Und Geigen, lasst uns über der Mitte spielen. C. Piccolo, Flöte, sehr hoch. Sie haben Horner's im mittleren Bereich, niedrig bis Mitte, und Trompeten natürlich heller, weil sie hoch sind. So können Sie tatsächlich die emotionale Farbe aus dem Bereich, auf den Sie sich in Ihrer Musik konzentrieren, von der niedrigsten, dunkelsten und bösesten Bereich sollte wärmer aber vermeiden, Mitten oder den ganzen Weg bis zu den hohen spannenden Bereich. Zum Beispiel, wie eine Piccolo Flöte. Aber natürlich müssen Sie je nach Fähigkeiten anpassen, welchen Bereich die einzelnen Instrumente haben, wenn Sie sie in Ihre Musikkomposition einfügen. Drei, Formfarbe aus dem Mischen. Sie können auch die emotionale Farbe aus der Misch- und Produktionsphase formen. Hier werden wir feststellen, dass Equalizer und Filter Ihre besten Freunde sind. Hohe oder niedrige Regale können die Frequenzfarbe drastisch ändern. Sie können auch Produktionseffekte verwenden, die harmonische Obertöne in der Mischung erhöhen, wie Verzerrungs- und Sättigungseffekte, harmonische Erreger usw. Also hier habe ich ein kleines Beispiel mit niedrigen Strings erstellt. Eine Saite im Sample, Blechbläserensemble und Hausbesitzer, die so klingt. Okay, also sagen wir, das sind die Stützharmonien in Gerichten für deine Musik. Und Sie wollen sie machen, schieben Sie sie mehr in den Hintergrund. Während Sie die Farbe beispielsweise mit einem EQ und Filtern formen können . Also habe ich hier einen Hochregalfilter, diesen hier. Und ich füge auch einen EQ-Schnitt hier im ein bis zwei Kilohertz-Bereich hinzu, denn das ist die meisten Fokusfrequenzen, die ich nenne, weil wir sie am meisten hören. Unsere Ohren nehmen sie auf, weil das ist, wo die meisten Informationen in den menschlichen Stimmen. Also mache ich hier schon mal einen Schnitt. Und wann. Wieder, es ist fast so, als würden Concertino-Streicher eine Decke auf sie legen. Und ich mache das auf der ganzen Gruppe, um die, machen den Ton Farbe wärmer. Natürlich können Sie in die entgegengesetzte Richtung gehen, wenn Sie zum Beispiel auf Ihre führenden Riffe und Themen, Themen und so weiter wollen. Eine andere Möglichkeit besteht darin, etwas Sättigung hinzuzufügen. Und dieser warme oder helle Charakter ist im Grunde nur ein Filter, der in diesem spezifischen Plugin gebacken wird. Aber sagen wir, Sie wollen mit einem sehr warmen Gefühl gehen. Es ist das gleiche wie der EQ vorher. Und beide zusammen wird sehr warm. Sie können in die entgegengesetzte Richtung gehen. Lass es uns stattdessen hell machen. Etwas mehr Sättigung, ohne dass Sie diese hohen Frequenzen öffnen. Wie Sie sehen können, gibt es eine Menge, die Sie mit der Form und Farbe Ihrer Instrumente, Gruppen und desgesamten Mixes von der Produktionsseite aus tun können der Form und Farbe Ihrer Instrumente, Gruppen und des . Also EQs, Filter, Sättigung, und so weiter. Zusammenfassend können Sie also die Bewegungen Ihrer Musik gestalten, von der Gestaltung der Gesamtfarbe, Form, Farbe aus dem Ton Ihrer Instrumente und Sounds, vom Fokusbereich mit Ihren Noten und von Produktions- und Mischeffekten. 12. Emotion aus Dynamiken: Emotion aus der Dynamik. Die Dynamik, wie du spielst, jede Note, jeder Angriff und jeder, der für jedes Instrument und jede Performance in deiner Musik aufrechterhalten wird, wird einen tiefen Einfluss auf die emotionale Stimmung haben. Kurz gesagt, lautere Dynamik fühlt sich mutiger, kraftvoller und stärker an, während sich weichere Dynamik intimer, süßer und sanfter anfühlt. die Dynamik im Laufe der Zeit erhöhen, werden wir Energie und abnehmende Dynamik im Laufe der Zeit aufbauen. Wir rufen die Dinge ab. Und es gibt im Grunde zwei Formen der Dynamik. Angriffsdynamik für jeden Knoten und Aufrechterhaltung der Dynamik für Knoten im Laufe der Zeit. Erstens: Gestalten Sie die Dynamik mit der Angriffsebene. Die Dynamik für die Speicherung jedes Knotens wird durch die Kraft gesteuert, die Sie spielen. Die Note, dass beim ersten Angriff Teil des Sounds. Es gibt zwei Möglichkeiten, dies in der Medienwelt zu gestalten. Die erste, die am häufigsten ist, ist durch die Geschwindigkeitsstufe für jeden Knoten. Der zweite Weg besteht darin, eine Artikulation auf dem Instrument zu wählen, die einen ausgeprägten Angriff wie Marcato, Sforzando, et cetera hat . Wenn Sie also zum Beispiel einen Klavieranschluss spielen, bei dem die durchschnittliche Dynamik pro Knoten im unteren Bereich liegt, erhalten Sie einen weicheren und intimeren Klang. Und das Gegenteil kann sein, einen Bolzen für einige neue Atemzüge auf einem sehr hohen dynamischen Niveau zu spielen , die Ihnen einen kraftvollen und kraftvollen Klang geben wird. Hier ist also eine Klavieraufführung, und wenn ich die Automatisierung öffne, können Sie alle verschiedenen Geschwindigkeitsstufen für jede Note sehen. Und diese Art von Variation in der Dynamik, Angriffsdynamik durch Geschwindigkeit, ist einer der Schlüsselaspekte, die diese lebensähnliche menschliche Qualität zu einer Performance hinzufügt. Nun steuert Dynamik oder Angriffsdynamik hauptsächlich zwei Dinge. Erstens, die Lautheit. So können Sie hier sehen, die durchschnittliche Dynamik ist etwa in der Mitte, aber es steuert und formt auch den Angriff, Helligkeit oder Weichheit des Tons. Also, wenn ich das abnehme, wird es sowohl leiser, aber auch weicher im Ton, wärmer. Und wenn ich das nach oben ziehe, ist es lauter, aber auch heller. Und das ist dasselbe, auch wenn ich hier zum Beispiel kurze Artikulationen auf Strings wie Staccato nehme . Und Sie können auch in diesem Beispiel hier sehen, ich habe auch darauf geachtet, wirklich mehr die Hauptakzente. Wie Sie hier sehen können, sind diese Geschwindigkeitswerte für diese B-Stufe viel höher als diese dazwischen. Und dann haben wir hier wieder in Maine Akzent. Was sich so anhört. Und Sie können auch sehen, dass es ein wenig von einer Steigung durchschnittliche Dynamik gibt, Angriffsdynamik geht hier hoch, um in den nächsten Akzent zu rollen. Dies sind also einige Möglichkeiten, wie Sie die Geschwindigkeitsvariation verwenden können, um die Angriffsdynamik zu gestalten. Und das ist das gleiche für gezupfte oder gestrummte Instrumente wie Gitarre, Hure und viele andere Instrumente. Während eigene lange anhaltende Note, kommt hier die andere Art der Gestaltung der Dynamik ins Spiel um die Dynamik mit dem Sustain-Level zu prägen. So viele Instrumente können die Dynamik im Laufe der Zeit verändern. Für jede anhaltende Note zum Beispiel sowohl Streicher als auch Blasinstrumente wie Blechbläser und Holzbläser. Sie tun dies, indem Sie einfach die Kraft der Luft oder Ihren Bogen auf den Saiten erhöhen oder verringern , um die dynamische Kurve im Laufe der Zeit zu ändern. In den meisten Fällen können Sie dies tun, indem Sie automatisiert auf einen CC-Wert in Ihrer DAW aufzeichnen oder schreiben. Für Dynamics ist dies meistens Ihr Mod-Rad, das CC1 ist. In diesem nächsten Beispiel ich mich auf das Hinzufügen von Bewegung und Bewegung auf diese anhaltenden Noten, da konzentrierteich mich auf das Hinzufügen von Bewegung und Bewegung auf diese anhaltenden Noten, da ich die Dynamik im Laufe der Zeit geprägt habe. Wie Sie aus dieser Kurve sehen können, die das Modulationsrad oder CC1 ist, die Steuerung der Dynamik dieser bestimmten String-Bibliothek. Und es macht einen großen Unterschied, wie Sie hier aus diesem Beispiel können. Ich mache das auch auf dem Blechbläser, der hier spielt. Ich mache es auf den Winden hier in geringerem Maße, aber immer noch diese Wellen hier. Und dann ein riesiger Grad an diesem Chor hier. Ebola ist die Verpackung, die Ihnen gegeben wurde, ist, wenn Sie noch dynamischere Variation hinzufügen möchten, nur die Lautstärke steuern, können Sie dies tun, indem Sie eine andere Modulationsquelle für den Ausdruck hinzufügen. Ausdruck steuert also nicht den tonalen Charakter, sondern nur die Lautstärke. So können Sie die dynamische Variation und den Kontrast gegenüber dem Nachhaltigen erhöhen. Oder vielleicht möchten Sie die gesamte Performance etwas in lauter und silberner Zeit wie diese aufbauen lassen. Dies geht nun in Kombination mit der tatsächlichen dynamischen Formkurve. Okay, also alle zusammen. Und übrigens, ich möchte Ihnen auch zeigen, dass ich auf dem Klavier tatsächlich entschied, die Geschwindigkeit sehr niedrig zu verringern , um diesen super weichen Sound zu bekommen, weil ich nur im Hintergrund wollte. Ok? Und da sich jetzt alles im Laufe der Zeit bewegt, kann man es auch hier sehen. So kannst du sehen. Und dann kommt es nach unten und Dynamik. So gestalten Sie die Dynamik eines anhaltenden Knotens im Laufe der Zeit. Bauen Sie und gehen Sie zurück. In der Dynamik. In den meisten Fällen möchten Sie es in Wellen wie diese tun, gehen auf und ab, Crescendo, Decrescendo. Aber Sie können es natürlich gestalten, wie Sie wollen, und auch Sie müssen es nicht perfekt Zeit. Das kann es sein. Das ist also, dass Saiten hier am lautesten werden, während das Messing hier am lautesten wird, um Variation in der Gesamtbewegung zu bekommen. Dies kann einen großen Unterschied machen, da sich die tonale Farbe Ihres Gesamtstücks im Laufe der Zeit auch ändern wird. Auf diese Weise können Sie die Emotion Ihrer Musik durch Erstellen von Crescendos, was bedeutet zunehmende Dynamik, Diminuendo, abnehmende Dynamik, und Schaffung verschiedener Arten von Schwellungen und Wellen der dynamischen Ebene im Laufe der Zeit. Jetzt mit anderen Instrumenten wie Klavier, Schlägeln, Zupfsaiten, et cetera, können Sie dies nicht für anhaltende Noten tun. Sie können diese Dynamik jedoch im Laufe der Zeit gestalten, indem Sie die Ports so abspielen, dass die durchschnittliche Dynamik für alle Knoten in der Geschwindigkeitsstufe im Laufe der Zeit nach oben oder unten geht. Das letzte Beispiel, ich möchte Ihnen diese kurze drei Takt-Akkord-Progression zeigen, C-Dur, G-Dur zu sehen und wie Sie Dynamics und Bewegung verwenden können , um es interessanter zu machen, weil es nur eine einfache C-, G- und C-Progression ist. Also auf dem Klavier habe ich mich entschieden, einfach reinzugehen und hier einen Blick zu werfen. Haben nicht nur Variation hier und Dynamik, weil ich es gespielt, nahm es manuell auf meinem Midi-Keyboard. Aber wie Sie sehen können, Ich zeigt auch zwei, erhöhen Sie die Dynamik der Geschwindigkeit im Laufe der Zeit kann im Grunde ein wenig Crescendo, aber mit dynamischen Verbindungen aus der Geschwindigkeit. Ich habe das auch auf diesem Pferd gemacht. Arpeggio. Nimm das alles in das. Sie können es auch hier sehen. Es geht allmählich nach oben, beginnend bei den niedrigsten, schärferen und lauteren Zupfen am Ende. Und natürlich auf den Saiten. Hier. können Sie die Automatisierungsdynamik sehen. Ich habe das mit einem Fader auf meinem Midi-Keyboard aufgenommen, der weiß ist, sieht so aus. Ich habe es auf dem Blechbläser, den Winden und dem Chor. Aber anders hier. Daraus ergibt sich, wie Sie sehen können, in den meisten Variationen, wenn Sie tatsächlich verschiedene dynamische Kurven für die erhaltenen Noten aufzeichnen . Und insgesamt, obwohl es eine super einfache Akkordprogression ist, klingt es schön. Um zusammenzufassen, können die Emotionen Ihrer Musik durch die Steuerung der dynamischen Ebene für jedes Instrument, Teil und Note. Und Sie können dies von der Angriffsdynamik für jeden Knoten sowie von der Sustain-Dynamik für Noten im Laufe der Zeit tun. 13. Emotion aus Kontrast: Emotion aus dem Kontrast. Kalter Frost in der Musik kann wirklich erstaunlich sein, um ein Gefühl der Überraschung oder Richtungswechsel für die emotionale Geschichte Ihrer Musik zu schaffen . Und es gibt so viele Möglichkeiten, Kontrast in deiner Musikkomposition zu schaffen. Eins, Kontrast zu Dynamics. Eine der grundlegendsten Möglichkeiten, Kontraste in der Musik zu schaffen, ist die Dynamik. Wenn Sie zum Beispiel ein ziemlich niedriges dynamisches Niveau spielen und dann plötzlich laut spielen, desto mehr kulturelle Unfälle, werden sich diese aufgrund des großen Kontrastes in Intensität und Stufe 2, Kontrast zum Rhythmus stärker fühlen . Indem Sie das rhythmische Gefühl ändern, können Sie den Charakter völlig von einem Port zum nächsten verschieben. Oder für einen neuen Abschnitt in deiner Musik. Zum Beispiel, gehen von einer geraden und stetigen für, für Groove in, sagen wir, eine achte Note, schwingende Groove oder vielleicht Triplett-Synkopation. Drei Kontraste vom Spielstil. Sie können auch den Spielstil von beispielsweise einem rhythmischen Staccato-Abschnitt in eine lange aufsteigende Legato-Noten verschieben , Spielstil. Oder vielleicht von wunderschönen wirbelnden Wellen oder Arpeggios in südliche Ausbrüche lauter Akzente mit Stichen über mehr CTO-Artikulationen. Für den Kontrast zur Harmonie. Hier können Sie die Richtung ändern, etwas Unerwartetes in Bezug auf die Kerne bei Harmonie hinzufügen oder eine vollständige Modulation zu einem neuen Schlüssel durchführen. Betrachten Sie die vier Emotion Quadranten, vier Kerne und Harmonie, die Ihren Quadranten, kleinen Quadranten, zweideutigen Quadranten und dissonanten Quadranten gemacht haben. Wenn Ihre Musik in einer Haupttaste geschrieben ist und Sie plötzlich einen Akkord verwenden, der nicht diatonisch ist. Sie werden Kontrast von der unerwarteten harmonischen Veränderung erzeugen. Fünf, Kontrast zu einem Arrangement. Layering-Instrumente und wechselnde Abschnittsgrößen können auch viel Kontrast in Ihrer Musik erzeugen. Nehmen wir zum Beispiel an, Sie beginnen mit einer ausdrucksstarken Solo-Performance. Dann können Sie dieses Thema wiederholen, aber fügen Sie Kontrast und Kraft von einem kompletten Abschnitte gespielt ein Thema in Unisono, Oktaven oder sogar Harmonie. Sechs, Kontrast zur Farbe. Sie können sogar Kontrast aus Ton, Farbe und Reichweite Ihrer Musik erstellen . Vielleicht speichern Sie den Abschnitt im unteren Bereich mit Instrumenten, die einen wärmeren und dunkleren Ton haben. Dann öffnen Sie die Luft und Helligkeit durch die Einführung von Instrumenten spielen in höheren Bereichen und spielen sie in einer Weise fügt mehr High-End-Frequenzen und Oberschwingungen. Sieben, Kontrast zur Produktion. Es gibt auch so viele Dinge, die Sie tun können, um Kontrast in Ihrer Musik, in der Musikproduktions- und Mixing-Bühne zu schaffen . Zum Beispiel, Pegelautomatisierung, Doppel-Tracking, Schwenken für eine breitere Stereo-Bühne, Hall und Verzögerung für das Hinzufügen von Tiefenfilter, eine EQ-Automatisierung, Tempelautomatisierung als cetera. Zusammenfassend können Sie also Kontrast erstellen, um die emotionale Geschichte Ihrer Musik zu verschieben, oder sogar unerwartete Dinge in vielerlei Hinsicht einführen, wie Kontrast von Dynamics, Kontrast zum Rhythmus, Kontrast zum Spielstil. Kontrast zur Harmonie. Kontrast zu Ihrem Arrangement. Kontrast von Farbe und Kontrast zu Ihrer Musikproduktion. 14. Emotion aus Vibrato: Emotion von Vibrato. Das Hinzufügen eines Vibrato zu jeder anhaltenden Note in deiner Musik ist eine der mächtigsten Möglichkeiten, eine wirklich ausdrucksstarke und emotionale Atmosphäre hinzuzufügen und ausdrucksvoll eine Gebühr zu bringen, als würde die Note fast auf schöne Weise singen. Und mit dem leidenschaftlichen, emotionalen Spiel, allen Vibrato-Noten, können Sie sogar Tränen fühlen, die sich aufgrund seiner Rolle, emotionale Kraft bilden. Warum wir die Musik mitgebracht haben, ist so emotional. Lassen Sie uns zuerst überlegen, was Vibrato ist. Eine Note, die mit dem Vibrato gespielt wird, ist tatsächlich schwankend und pulsierend in der Tonhöhe. Das bedeutet, dass statt zu versuchen, Pitch Perfect zu bleiben, der Sänger oder Instrumentalist die Note absichtlich mit pulsierender Bewegung in Tonhöhe aufführt . Der Grund, warum diese Felder so emotional sind, ist vor allem der zusätzliche Ausdruck, den man von dieser Bewegung erhält, sowie die Lichtspannung, die die pulsierende Tonhöhenstimmung erzeugt. Aber auch, wenn Sie darüber nachdenken, wie es klingt, wenn eine Person, die weint, versucht zu sprechen, werden Sie hören, dass die Tonhöhe der Wörter mehr einen schwankenden Ton mit pulsierender Tonhöhe haben wird . Also in einem Sinne, dass, wenn man eine Platte auf einem Instrument oder Gesang mitbringt tatsächlich irgendwie nachahmt, wie eine weinende Stimme klingt. Denken Sie nun an das zerbrechliche und reine Herzgeräusch von jemandem, der weint. Das Hinzufügen dieses Charakters zu deiner Musik mit leidenschaftlichem Vibrato an den Knoten wird erklären, warum es eine traurige, ausdrucksstarke und emotionale Stimmung hinzufügt , verschiedene Arten von Vibrato in der Musik. Wenn Sie also ein Vibrato durchführen, können Sie es spielen und im Laufe der Zeit auf unbegrenzte Weise formen. Hier sind die wichtigsten Aspekte von Vibrato, die Sie steuern können. Vibrato Stärke, was bedeutet, tat Tiefe, die Breite des Vibrato in Tonhöhe. Vibrato-Geschwindigkeit, d.h. die Pulsfrequenz der Vibrato- und Vibrato-Kurve, was bedeutet, dass Sie das Vibrato während der Note nicht verzögern und die Tonhöhe, Geschwindigkeit und Tiefe im Laufe der Zeit anpassen können, um eine Kurve für Ihr Vibrato zu erstellen. Lassen Sie mich das demonstrieren, indem Sie diesen Tuner hier zeigen. Wenn du also auf dem Spielfeld ohne Vibrato spielst, solltest du so ziemlich hier sein, gerade bei 0. Wenn Sie die Tiefe des Vibrato erhöhen, bedeutet dies, dass Sie eine breitere Kumpels in Bezug auf das Gehen flach und scharf erstellen, so wird es breiter schwanken. Das ist die Tiefe des Vibrato. Also lass mich hier meine Flöte spielen und ich werde dir zeigen, was ich meine. Ich würde versuchen, ein gerades g zuerst zu spielen. Das war also ohne Vibrato. Wenn ich den Luftdruck, Druck und Freigabe erhöhen, den Luftdruck in Impulsen verringern, erschaffe ich ein Vibrato, das das Volumen und die Tonhöhe ändern wird. Also überprüfe, was passiert. Ich werde versuchen, sehr breit mit langsamen Impulsen zu tun. Okay, das war also sehr breit oder tief vibrierend. Die nächste Sache ist die Vibrato-Geschwindigkeit, weil man tatsächlich die Pulsfrequenz des Vibrato ändern kann. Haben Sie eine langsamere Pauls See ist Viertelnote oder eine Datei, die pro Maßnahme für den Vibrato Ehepartner oder noch schneller schlägt zu sagen . Also werde ich versuchen, wieder Vibrato hier oder meine Flöte zu machen. Also steigere ich die Geschwindigkeit dort am Ende. Und dann führt uns das zu dem letzten Punkt, den Sie mit einem Vibrato formen können, das ist die Kurve. Zuerst kannst du das Vibrato verzögern. Also beginnst du den erhaltenden Knoten mit einer geraden Note, richtig? Wenn ich von so gehen, so haben Sie keine Vibrato zuerst und dann Vibrato hinzufügen. Und dann können Sie auch die Vibrato-Tiefe und Geschwindigkeit für die anhaltende Note variieren. Und so erhalten Sie alle drei Aspekte oder Vibrato-Ausdruck, um einen wirklich emotionalen Klang für Ihre Musik zu schaffen. Jetzt müssen Sie auch lernen, dass Sie das breitere auf unterschiedliche Weise auf verschiedenen Instrumenten ausführen . Zum Beispiel kann ein Klavier nicht einfach keinen Vibrato machen weil man den pH-Wert der anhaltenden Note nicht ändern kann. Vibrato schwankt also die Tonhöhe und die Lautstärke gleichzeitig. In Richtlinien, die Sie mit Ihrem ausdrucksstarken, einfachen Stil steuern. Also, wenn wir diese Violine oder beide Saiten nehmen, zum Beispiel, schauen Sie, wo das Griffbrett hier, ob der Marker ist, wenn ich nur kaufen Ihre D ohne Vibrato. Nun, wenn ich mich hinzufüge, verweisen Sie darauf. Wie Sie sehen können, geht der kleine Punkt hier auf und ab, und das ist, was ein Streicher macht, wenn er oder sie Vibrato hinzufügt. Ok? Und auf einer Gitarre müssen Sie diesen Ring stattdessen die Impulse biegen und, und so weiter, auf Ateminstrumente, natürlich, wie ich gerade gezeigt habe, variiert man den Luftdruck in Pulsen, aber einige Instrumente können sie einfach nicht tun. Jetzt haben Sie bei den meisten Softwareinstrumenten und Sample-Bibliotheken oft nur einen Schieberegler für die Vibratos. Sie können die Rate und Tiefe nicht wirklich ändern. Aber im Grunde Crossfade in den Vibratos. Wenn ich es einfach so ohne Vibrato spiele, und dann vermehre ich es. Wirklich vibrato immer stärker und schwächer, wenn ich es wieder nach unten schiebe. Und einige Instrumente, Vibrato wird tatsächlich in die Probe aufgenommen, was ein bisschen traurig ist, weil Sie dann nicht Ihren eigenen Ausdruck zu den Noten hinzufügen können. Sie vollständige Kontrolle über Vibrato-Tiefe, Geschwindigkeit und Kurve ist ein Grund, warum Live-Instrumente und Gesang oder viel ausdrucksvoller als Software-Instrumente sein können. Zusammenfassend können Sie die Emotionen Ihrer Musik mit Vibrato, Vibrato Stärke, die die Tiefe der Vibrato Vibrato Geschwindigkeit, die pulsierende Frequenz des Vibrato und der Bravo Kurve, verzögert und variiert das Vibrato während der anhaltenden Note. 15. Emotion aus Artikeln: Emotion von Artikulationen. Bei den Artikulationen in der Musik geht es darum, wie man jede Note spielt, die Performance. In Softwareinstrumenten können Sie oft die Autokorrelationen über Tastenschalter oder CSE-Automatisierung steuern und gestalten. Manchmal kann auch der Geschwindigkeitspegel für jeden Knoten mit Strom versorgt werden. Was prägt den Artikel Asiaten? Aber der Hauptpunkt hier ist das Wie. Denn wie Sie die Noten spielen, wird einen großen Einfluss auf die emotionale und ausdrucksstarke Stimmung Ihrer Musik haben. Es gibt so viele verschiedene Artikulationen, um Musik zu verwenden. Und jede Instrumentengruppe wird ihre eigenen Arten von Artikulationen haben , je nachdem, wie Sie das Instrument tatsächlich spielen können. Zum Beispiel gibt es auf einer Gitarre eine Artikulation, die als Biegung bezeichnet wird, weil Sie diese Ringe physisch biegen können, weil Sie diese Ringe physisch biegen können, was die Tonhöhe beeinflusst. Aber auf, zum Beispiel, ein Klavier, können Sie nicht die Bilder der Tasten, die Sie auf einem gebeugten Instrument drücken, ein Streichinstrument, ändern , da es keine Bünde gibt, können Sie tatsächlich auf der gleichen Saite mit einem glissando gleiten. Dies sind nur einige Beispiele für Artikulationen. Aber um Ihnen weitere Ideen zu geben, habe ich einen Leitfaden und einen Überblick über die verschiedenen Kategorien von Artikulationen in der Musik erstellt . Erstens, Artikulationen, die sich auf Dynamik konzentrieren. Dies sind Artikulationen, die ändern, wie die Dynamik oder gesteuert und geformt kann sowohl die Angriffsdynamik als auch dynamische Kurve im Laufe der Zeit für anhaltende Noten, zum Beispiel, Marcato, Sforzando, Crescendo, Diminuendo und schwills. Zwei Artikulationen, die sich auf Knotenlänge konzentrieren. Es gibt viele Möglichkeiten, kurze Noten auf Maulwürfelinstrumenten zu spielen, zum Beispiel auf beiden Saiten. Sie können auf viele Arten steuern, wie eine kurze Note klingt. Hier sind einige der Kurznotenartikulationen zu verschiedenen Instrumentengruppen. Staccato, spiccato, pizzicato, und nennen Sie es linear. Drei Artikulationen, die sich auf Tonhöhe konzentrieren. Dies sind Artikulationen, die die Tonhöhe der Note ändern, entweder in der Geschichte der Note, am Ende der Note oder über dem Sustain des Knotens. Zum Beispiel, Vibrato, Biegungen, Stürze, Risse, Schaufeln, et cetera, für Artikulationen, die sich auf Übergänge konzentrieren. Dies sind Techniken, die sich darauf konzentriert, wie Sie von einer Note zur nächsten gehen, von einer völlig separaten Noten ohne Übergang, zu lange, glatte Gleiter zwischen ihnen. Und die Geschwindigkeit und Kurve oder wie Sie zwischen den Knoten wechseln, ist wirklich wichtig. Zum Beispiel, legato, portmanteau, Gillies, einige obwohl, Hammer Zimmer, Pool offs, et cetera, fünf Artikulationen konzentrieren sich auf eine Spezialeffekte. So gibt es auch eine Menge spezieller Techniken, die Sie Instrumente spielen können , wo die Konzentration auf eine bestimmte Energie, Stimmung, Spannung oder Stimmung basierend auf der sehr Artikulation selbst. Zum Beispiel, Oberwellen, Tremolo, Trills, Concertino, stumm, knurrt, flattern, et cetera. Zusammenfassend gibt es so viele Möglichkeiten, Artikulationen zu spielen abhängig von dem Instrument und den verfügbaren Techniken, die Sie verwenden können. Aber der Hauptpunkt hier ist, dass Sie als Komponist, unbegrenzte kreative Möglichkeiten hatten, um die Emotionen Ihrer Musik zu gestalten, basierend darauf wie Sie jede Note auf den Instrumenten und Anschlüssen in Ihren Musikkompositionen spielen. 16. Der Major: In diesem Video werden wir den großen Quadranten der Musik-Emotionen erforschen. Also hatte ich hier drei kurze Beispiele erstellt, jedes mit einem anderen Feld. Der erste ist aufgehellt, glücklich als erhebend und erleuchtend, und dann motivierend und wohlfühlen. Also verwende ich natürlich viele der Techniken, die Sie bereits in diesem Kurs über die Gestaltung der Emotionen für den großen Quadranten gelernt haben. Also lassen Sie uns das erste Beispiel hören und dann werde ich meine kreativen Entscheidungen erklären. Richtig? So wie Sie hier können, sehr leichter und optimaler und glücklicher Sound. Sie können sehen, dass das Gericht hier oben ist, D-Dur a und G, und dann die, also alle großen Akkorde. Und man kann auch hören, dass es hier einen sehr staccato, fokussierten Spielstil mit vielen kurzen Noten hat. Auch auf den Saiten hier. Diese schaffen also mehr, diese rhythmischen Staccato-Spielstile erhalten mehr Licht, optimistisch, spielerisch. Okay, Sie können auch sehen, dass es eine Richtung nach oben gibt, die diesen erhebenden Klang erzeugt und ihn mehr dazu drängt, den Klang zu erhellen. Und auch mit Harmonischen auf der Gitarre. Sehr ähnlich dem gemeinsamen Muster auf den Saiten. Auch ein Schlag nach oben Richtung hier, wie Sie sehen können. Und es fügt diesen leichten Charakter hinzu, denn wenn man Harmonien spielt, bekommt man nicht viel vom Grundton des Knotens, sondern von den höheren Oberschwingungen. Ich benutze hier auch eine Glocke, weil, naja, eine hohe Reichweite Glocke, die man über Mitte C sehen kann, auch als dieser leichte, kindliche Charakter. Und dann habe ich einige Softkeys im Einklang mit der Glocke hinzugefügt. Also, wie ich ein sehr helles Patch benutze, Patch hier mit einem Live-Straßen und Klavier. Mal sehen, kleiner Schimmer im Reverb da. Nur, und ich wollte nur im Grunde diese verträumte Rechnung machen , weil ich es eine Oktave unten spiele, nur um diese Melodie zu erweitern, es mehr Fokus zu geben. Also die Trommeln hier. Okay, aber es hat ein paar verspielte Füllungen. Also bekommst du diese visuelle Synkopation. Und die Basis fühlt sich diese sehr rhythmische Platte irgendwie darauf an? Und natürlich, wenn wir hier nicht nur die Taste sehen, D-Dur mit nur den 145 Akkorden. Man muss also, es wird auf einem Klavier gespielt, in einer sehr erhebenden Stimmung gespielt. Ok? Es gibt auch das Tempo 135, was mehr in der Up-Tempo Vibe für BPM ist. Und insgesamt schafft es diese sehr erhebende, leichte, glückliche, verspielte Atmosphäre. Richtig? Dann das nächste Beispiel, das ich erhebend und erleuchtend nenne. Es ist ähnlich wie dieses Licht und glücklich, aber nicht so kindlich, leicht und glücklich, mehr erhebend und erleuchtend zu wissen, mehr magischen Sinn für die Stimmung. Also hier verwende ich auch Oberschwingungen. Lassen Sie uns zuerst die Akkordprogression überprüfen. Also sind wir in G, also haben wir G, a, C, D, alle wichtigen Akkorde. Wieder ein extra Korea für sie. Aber, oh ja, übrigens, wenn wir also in G sind, gibt es nicht ganz G-Dur, denn wie Sie sehen können, gibt es hier vier Akkorde, die Major sind. Und natürlich haben wir am 3. Mai Aufzeichnungen in einem großen Maßstab. Also haben wir ein G und dann können Sie das A sehen. Also das bedeutet, wenn Sie den einen Kern haben ein Major und die zweite Koordinate auch Major. Doch dieser Lydian, Lydian, der die hellste und erhebendste Art der Musik ist. Und Sie können es bereits hören, wenn Sie eine Standardmaßstab nehmen. Also haben Sie, sagen wir C-Dur, C, F, G. Die hellste Akkordänderung ist eigentlich zwischen f hier und GE. Nehmen Sie einen großen Akkord und spielen Sie dann die medizinische Station ganz darüber. Es ist wirklich diese erhebende, lydische Farbe der Stimmung. Das ist also die erhebende Stimmung und Erleuchtung, weil ich hier noch eine Aufwärtsprogression benutze, um Aufregung aufzubauen. So sind die Saiten auch rhythmische Art und Weise. Aber wenn Sie sich den ersten hier anhören, haben wir mehr Synkopation, mehr rhythmische Groove. Während dies eher eine gerade Dr. Hayes Notizen ist. Überall und Aufbau eines solchen Aufwärts. Klavier, knifflig. Hier sieht man einen kleinen Aufstieg in Richtung oben. Und wenn wir es im Solo anhören, hat es dieses aufschlussreiche, erhebende Gefühl. Vergleichen wir es mit dem vorherigen Klavier. Das fühle ich mich leichter und verspielter. Dies ist immer noch die große Stimmung, aber aufschlussreicher, nicht so leicht und verspielt. So können Sie sagen, das ist erhebend, aber in Sie würde ernstere Art und Weise schlagen. Dann haben wir diese Gitarre hier etwas Schwarz hinzufügen. Ok? Und das bringt ein bisschen Interesse für Sie, weil es nicht so einfach ist wie dieses erste Beispiel für eine Probe und für die Basis, die wir haben. Also habe ich noch mehr Gruppe gemacht, sie ändern sich. Und dann haben wir die Trommeln, die Video von diesem klassischen Rock Pop Drive mit der Snare und dann ein bisschen wie ein Shaker, um einige Aufregung Serie hinzuzufügen. Alles in allem kommt ein Großteil der erhebenden Erleuchtung tatsächlich von der Gitarre und Mundharmonika. Vor allem diese nach oben oder Arpeggio hier am Anfang wirklich fügt, dass magisch. Alles in allem, erhebend und erleuchtend, ist das Tempo natürlich nicht so hoch wie es Up-Tempo ist. Es ist immer noch im oberen Temporalbereich, aber näher am mittleren Tempo 125. Wie Sie sehen können, wenn ich diese beiden addieren 135, Ich werde dies mehr in Richtung dieses leichter schieben, glücklich von Homosexuell und vor allem, dass Lichter erleuchtet mich, beenden Sie hier mit einer sehr hohen Reichweite. Auch auf den Saiten, wie man hier sehen konnte, bewegt sich dort ein volles Oktett hoch. Und das letzte Beispiel ist der große Quadranten. Ich nenne es motivierend und fühle mich gut. Sie können sehen, dass sich ein kleiner Akkord darin befindet. Und noch wichtiger ist, der schlichte Stil sieht aus, wie es ernster ist, hat mehr von einem nicht, nicht so leicht und erhebend. Nun, lassen Sie uns zuhören und ich werde es später erklären. So können Sie sofort hier, dass es viel glatter in einfachen Stil, viel Staccato, rhythmischen Fokus, aber tatsächlich längere Noten, Legato, und mehr eine glatte Fahrt, sozusagen. Deshalb nannte ich Motivations-Wohlfühl-ist immer noch ein wichtiger Schlüssel, ein mein A-Major. Mal sehen, ob wir hier das Klavier nehmen können. Dann gehen wir zu F scharf und so weiter. So können wir mit Strings beginnen. Sie erzeugen eine Menge von diesen mehr C oder verwenden eine schöne Art von Emotion in langen Noten. Sie können die Akkorde hier sehen, die ich zusammengebunden habe. Also diese hier teilt tatsächlich alle Partituren dazwischen. Und wir besorgen dir den Moll Akkord hier. Wieder Major. Und sehen Sie es ist auch in der niedrigen bis mittleren Bereichsdynamik hier mit der Automatisierung oder der dynamischen Kurve. Und mal sehen. Ich füge etwas Gewicht mit dem Kleid hinzu, spielen, mit der Dynamik hier, aber ich wollte einfach ein bisschen mehr Push-Fokus auf das Unternehmen hinzufügen. Und du bekommst mehr von dieser Rolle. Sie werden edlen Charakter von der Brust, lange Noten auf den Hörnern gibt. Aber immer noch auf dem Klavier. Ich hatte ein bisschen mehr kompensierender Rhythmus. Aber man kann auch sehen, es ist mehr im unteren Bereich. Wenn wir diese beiden vergleichen. Während hier sind wir niedrigere Reichweite. Und auch hallo zu mir Dynamik. Und es gab viele Male, in denen ich hier nur eine Note auf einmal spiele, um etwas Luft zu geben. Also ein oder zwei Noten, anstatt mit vielen Noten und Rhythmen fertig zu werden und so weiter. Dann, wenn wir uns die Oberschwingungen ansehen, wollte ich sie auch hier einbeziehen. Wo die Gitarre, diese sind wahrscheinlich die leuchtendsten heben, teilweise löslich. Dann habe ich diese Softkeys hier hinzugefügt, was die gleichen Leidenschaften vor den Broads mit dem Piano-Hybrid ist. Gefährdung, auch im unteren Bereich, wie Sie hören können. Niedriger Schmidt. Aber es fügt dem Klavier hier etwas mehr Gewicht hinzu. Und ein bisschen mehr magischen Sinn in diesem Hybrid-Sound. Dann habe ich diese Basis. Sehr einfach, die Asteroiden Bergarbeiter zweiten Satz dort. und wieder für ein gewisses Interesse. Und die Trommeln spielen diesen sehr einfachen weichen Beat. Und ich sehe auch das Tempo hier ist den ganzen Weg nach unten 115. Und alles in allem, das schafft diese Art von motivierenden, erhebenden, aber Wohlfühl-Atmosphäre mit dem ernsteren Ton als Farbe der Bewegungen im Vergleich zu diesen anderen Lichtbeispielen. Minor Aktivator. Also, wenn ich dies mehr schieben wollte, wo tut die spielerische, erhebende, aufschlussreiche und vibe, die ich verwenden könnte, staccato string, zum Beispiel, anstelle dieser langen Saiten, mehr Lesen auf der Basis, vielleicht ein paar Messingstiche statt nur Longhorn-Knoten hier. Und wenn ich es mehr in Richtung des mehrdeutigen oder kleinen Quadranten schieben wollte, hätte ich vielleicht ein oder zwei weitere Moll Akkorde hier einbinden sollen, oder einen siebten Akkord oder irgendetwas, um mehr Komplexität hinzuzufügen. Und stattdessen, über im Grunde nur große Gerichte. Aber diese drei Beispiele, empfehle ich Ihnen, mit allen Techniken zu experimentieren, die Sie in den vorherigen Videos dieses Kurses gelernt haben, sowie in diesem Video, um den großen Quadranten der Musik, Emotionen zu erkunden. 17. Der kleinere Quadrant: Also in diesem Video werden wir die Bergleute Rekord mieten oder Musik Emotionen zu erkunden. Also hatte ich diese drei Beispiele geschaffen, jedes mit einer anderen Stimmung von Moll, der Moll Quadrant zuerst ist traurig und einsam, dann introspektiv und melancholisch und schließlich dunkel und hoffnungslos. Also fangen wir mit dem ersten an. Ich werde zuerst das Beispiel spielen und dann meine kreativen Entscheidungen für diese Art von traurigen und einsamen Emotionen im kleinen Quadranten erklären . Ich hoffe, du fühlst diese traurige und einsame Stimmung wirklich. Und das erste ist natürlich die, der Schlüssel und die Harmonien, der harmonische Fokus, den Sie verwenden würden. Das ist also in einem Moll, aber Sie können sehen, dass ich tatsächlich einige Hauptakkorde darin verwende. Der Schlüssel ist jedoch der Hauptpunkt, also ein kleiner Schlüssel. Wenn wir nur spielen, mal sehen, wir hatten das Klavier hier, also ein Moll. Und dann zum D-Daemon. Ok? Also sind diese beiden Akkorde am Anfang real und setzen die Stimmung. Wenn Sie den Tempel hier überprüfen, benutze ich tatsächlich ein sehr langsames Tempo, aber auch eine gewisse Automatisierung. So fängt es hier sehr niedrig an. 59 geht bis zu 65 und dann Abnahme am Ende zurück auf 59. So ein langsames Tempo. Das einsame Gefühl. Und andere Sache sind die eigentlichen Notizen, die ich benutze. Ist es nicht, nicht rhythmisch. Dieses Stück überhaupt. Es ist mehr Solo-Ring und lange fegende Noten, vor allem für die führende Melodie, aber auch die Backing-Spur, ja, bessere Backing-Saiten. Und übrigens, der eigentliche Klang hier für die Saiten, wenn Sie hier einen Blick werfen, hoops , es ist eigentlich eine weiche Bodenstoß-DO-Saite. Geräusch. So sehr weich im eigentlichen Charakter Colmar des Tons. Die Basis tut einfach, ist lange Notizen auf dem Wurzelknoten. Aber du hörst diesen Angriff, wo immer sich ändert. Also gibt es auch nichts ReadMe. Und vor allem kann man von der führenden Melodie hören, sie auf der Violine gespielt hören. Und Violine. Du fragst vielleicht, es ist die erste Stuhlgeige, also ist das eigentlich eine Solo-Geige. Ich entferne auch den zusätzlichen Hall und einen Hall-Reverb, um ihn näher an dich zu machen , weil er den ausdrucksstarken Fokus des Instruments hinzufügt , wenn du es näher fühlst, in deiner Nähe. So hört es sich also an. Also Solo-Violine zuerst, Sharon, man hört wirklich diesen ausdrucksstarken Vibrato , der natürlich auch diesen expressiven emotionalen Push hinzufügt. Und wenn wir einen Blick auf die melodische Linie werfen, haben Sie einige größere Sprünge, die tatsächlich mehr emotionale Spannung erzeugt, zwei zur traurigen Stimmung hinzufügt. Und ich glaube, ich habe genau das Gleiche in den Flüssigkeiten hier auf dem hohen Register gespielt. Auch viel Vibrato auf den längeren Noten. Das ist also eine sehr traurige und einsame Melodie. Hi registrierte Holzbläser wie Flüssigkeiten sind dafür großartig, ebenso wie Solo-Violine. Und ich glaube, in diesem Fall hatte ich gerade eine Oktave tiefer auf den Bratschen benutzt. Denn ich wollte wirklich, dass diese Melodie im Mittelpunkt dieses Stückes steht. So wird Ihnen viel Schichtung dabei helfen. Auch zuerst, nein, nicht im ersten Jahr diese zusätzlichen Kammern. Also für Gewalt, ein sehr kleiner Abschnitt, Viola. Und ich benutze ihn, Sir Dean oder hier, weil ich wollte eine sehr warme Klänge hier statt, Lassen Sie uns dieses Arduino und Loch entfernen, so dass Sie als die Violine sehen können und Sie bekommen diese aus. Ich dachte, das wäre zu viel im Voraus, weil ich wollte , dass die Solo-Violine diesen Schwerpunkt im Vordergrund steht. Also habe ich Sardinien gesetzt, das ist eine gedämpfte, weichere Artikulation und enthalten den ganzen Hall. Also oben auf den Flüssigkeiten und Geigen. Okay, das kümmert sich also um die führende Melodie, super lange ansteigende Legato-Knoten mit viel Vibrato. Und dann loben diese Cellolinie die Harmonie, niedrigere Harmonie. So sind Streicher sehr gut für diese ausdrucksstarke, einsame Stimmung, emotionale Stimmung, und das Klavier spielt im Grunde sehr spärliche Arrangement. Wenn du dir das anhörst. Nicht einmal ein volles Gericht wie der Octavius hier und die Melodie oben. Und das alles. Natürlich ist die Akkordprogression und eine harmonische Story Line sehr kleiner Quadranten. Aber das, die viel Luft zwischen den Knoten, die Pausen tragen zu diesem einsamen Aspekt bei. Und schließlich wollte ich dem Stück nur etwas mehr Gewicht hinzufügen , indem ich die Akkorde und die Basis hier auf dem Sofa habe. Keys Patch diese Broads plus Piano Hybrid Stil mit einigen Tremolo Medien, die gehen links, rechts, bitter. Ja, der Akkord ändert sich. Alles in allem bekommt man diese sehr traurige und einsame Stimmung. Das ist also der erste Aspekt und eines der ersten Beispiele, traurig und einsam. All das sind kreative Entscheidungen. Gehen wir zum nächsten Beispiel, das ich im kleinen Quadranten erstellt habe, das heißt, ich nenne es introspektiv und melancholisch. So erhöhe ich hier das Template-Bit auf 70. So ist es immer noch Downsample, aber nicht so entspannend, Ambient, einsamer Charakter wie 50, 1965 Jahr war 63 oder was auch immer es war. Also lasst uns zuerst dieses Beispiel anhören. Okay, hier sind wir in d-Moll und die ersten beiden Akkorde hier, oder beide Moll setzen den Ton, diese kleinen Quadranten Ton. Wenn Sie es mit dem vorherigen Beispiel vergleichen, ist es ein bisschen schneller, nicht nur in Tempeln 70, sondern auch einige der Änderungen haben diese Oberschwingungen hier gemacht und die verträumte Glocke hier tatsächlich geht MLA jede halbe Bohrung. Es ist also kein Rhythmus, das ich sagen würde, aber es ist mehr als auf jeder Bar, wie dieser hier. Hier ist ein bisschen. Je schneller. Auf diese Weise. Dann überprüfen Sie einfach die Akkordprogression hier gespielt auf den alkoholfreien Getränken wieder. Und wenn Sie hier überprüfen, ist es in der sehr niedrigen zwei niedrigen Mann-Dynamik, die übrigens auch der Fall für die vorherigen Beispiele hier sehen. Aber es ist im Grunde ampeln die Energie Beat mehr von diesem traurigen, super traurig und sehr niedrig zu introspektiven und Melancholie. Sie sind ähnlich, aber nur ein bisschen mehr Energie, ein bisschen mehr passiert. So zu sagen, hier in den Notizen. Die Basisjustiz, genau wie im vorherigen Beispiel. Eine, lange Bar Noten und die y yo Beleuchtung Platz zu führen. Malaria. So lange Noten, aber im Grunde, vor allem mit einem langsamen Tempo, fühlt es sich noch länger an. Cello nimmt die Harmonie. Hallo. Okay, und dann haben wir das Klavier. Lassen Sie uns den tatsächlichen einfachen Stil hier hören. Es ist also spärlich, aber nicht so spärlich wie die vorherige. Hier können wir tatsächlich den vollen Kurs sehen wie hier und hier. Ok. Ich habe etwas mehr Gewicht hinzugefügt wie beim vorherigen Beispiel hier auf dem weichen Fall, aber der Unterschied ist, dass ich ein bisschen mehr zusätzliche Noten für etwas mehr Interesse hinzufüge. Okay, verglichen mit dem vorherigen, das war nur ein Takt-Akkorde. So können Sie sehen, es ist eine weitere Ebene weiter hier. Gehen zu diesem introspektiven und melancholischen immer noch sehr, es ist immer noch Leihweg, aber nicht so traurig super lang wie der erste. Dann habe ich diese Messingschnur hier spielen auch lange Noten. Also zusammen mit den führenden Melodien, im Grunde Harmonie. Okay, also immer noch lange aufsteigende Notizen, Legato. Und dann nur für einige zusätzliche rhythmische Interesse ist die grundlegende am wenigsten Harmonien und verträumte Glocke hier, die es zu einem Ort und Einzelgänger zu introspektiven und einem melancholischen nimmt. Diese Jungs hier machen einen großen Unterschied, weil es alle zwei Mal jede Bar ist. Alles in allem bekommst du das. Meine Aufzeichnungen sind nicht mehr in der introspektiven und melancholischen Stimmung. So macht Sie das Gefühl, philosophieren über das Leben und so weiter. Es ist introspektiv. Es ist, es ist eine andere Ebene zwischen hier, traurig und einsam und der nächsten. Also das letzte Beispiel hier, ich nenne diesen Dork und hoffnungslos, weniger krank, Hören Sie, der Tempel ist zurück auf 65 Jahr. Und es hört sich so an. Warum fühlt sich das so hoffnungslos an? Es ist, Fangen wir an. Warum? Es ist so dunkel. Warum ist es in erster Linie im kleinen Koordinator? Es ist also alles ein kleiner Schlüssel. Und wie Sie sehen können, gibt es überhaupt keinen großen Akkord. Es ist nur geringfügig. Whoops, es sind nur kleine Akkorde und natürlich suspendiert. Aber das kümmert sich um den kleinen Quadranten. Die Vorlagen langsam und weiß dork. Nun, wenn Sie überprüfen, überprüfen Sie die Bereiche hier. Es wird gespielt, okay, also sind diese Saiten ein Beatle pro Jahr, aber sie, da sie eine weiche Artikulation verwenden, klingt es. Wärmer, dunkler in der Farbe. Und das ist die Sache hier. Es spielt im Grunde hauptsächlich in den unteren Bereichen, niedrigere Dynamik. Lassen Sie uns Sektor führende Melodie plus Harmonie hier. Ok? Also unter Mitte C hier außer der Flöte dort. Ich meine, ja, hören Sie auf die führende Melodie plus Harmonische. Ohne Anhaltspunkt. Ja, die Viola-Schatten liegen unterhalb der mittleren C. Auch sehr lange Noten. Ich meine, hier haben Sie 1,5 bar. Das hier ist zwei Balken. Es ist also, als hätte das zwei, die ganze segne Stimmung. Die Dunkelheit ist das niedrige Register und die warme dunkle Farbe aus dem unteren Registerfokus im eigentlichen Notenregister und die niedrige Dynamik und auch die weichen Artikulationen. Ich habe sogar das Messing hier unten hinzugefügt. Also das ist Mitte C und das ist, und Harmonie. Sogar eine Oktave unterhalb des mittleren C. Nur um der Progression etwas mehr Gewicht hinzuzufügen. Und ein weiterer Aspekt, der die ganze segne Vibes bringt, sind keine großen Akkorde. Es ist alles Hoffnung im Gesetz. Beachten Sie keine größere Einbeziehung in die Kernprogression. Stattdessen verwende ich diese suspendierten Akkorde, die zurück zu einem Moll Akkord gehen, E sus4 zurück zu e-Moll. So ist es wie, wenn Sie das Gefühl, dass eine Hoffnung sein könnte , gibt es nicht, weil es geht um kleinere und alles in allem. Das nimmt dieses kleine Quadrantenbeispiel zu EcoRi nennen dork und hoffnungslos. Wie Sie hier sehen können. Das ist Mitte C. Also gibt es praktisch alle diese Flüssigkeit mit einem sehr niedrigen dynamischen weichen Ton, der über der Mitte C liegt . Alles andere ist um Mitte C und darunter, was uns in die dunkle Farbe führt. Und das ist der Grund, warum ich fühle, das ist der Jorg und hoffnungslos und Reichweite des kleinen Viertels. Und so empfehle ich, dass Sie üben, verschiedene emotionale Farben in den Geist Aufnahmen selbst jetzt zu finden , beginnen Sie mit der Schaffung einer Akkordprogression und die Instrumente spielen Stile, Bereiche, Artikulationen, Farben, um es in jeder Form zu formen Typ des kleinen Quadranten. Dann gibt es natürlich mehr als diese drei Beispiele, aber zumindest als Ausgangspunkt können Sie mit erkunden. 18. Der Ambiguous: Alles klar, in diesem Video werden wir einen Blick auf die mehrdeutigen Quadranten der Musik-Emotionen werfen, oder gemischten Quadranten, wenn Sie es vorziehen. Es ist also weder klein noch groß, sondern eine Mischung aus der Röhre und manchmal sogar ein Hauch des dissonanten Quadranten. Also habe ich drei verschiedene Farben innerhalb des mehrdeutigen Quadranten gemacht. Ich nenne diese Nostalgie und Erinnerungen das erste Beispiel dann geheimnisvoll und verträumt, und schließlich bitter, süß und hoffnungsvoll. Also fangen wir mit dem ersten an. Das hört sich so an. Alles klar, also fängt es hier in C-Dur an, also hat es einen überwältigenden positiven Klang, aber mit einer kleinen Berührung. Denn wenn man hier schaut, waren C bis G Manieren 15. Und der Fünf-Akkord, dominante Akkord ist klein. Das ist eine Mixolydian-Farbe, die Mischung zum Mixolydian-Modus. Und das ist ein bisschen eine Mischung aus einer großen Stimmung, aber mit einem kleinen Touch. Also oben darauf, was macht es nostalgisch und Erinnerungen Art von Stimmung, emotionale Farbe ist der langsame Tempel. Sie haben auch diese niedrigen Bereichsfokus, weichere und weichere Dynamik, so dass es nicht schrill und hohe Register ist sehr geringe Dynamik. Und im unteren Register. Dann haben Sie diese Solo-Violine Plots das Essen, kümmert sich um die Kosten Viola oder die Harmonie. Das Low-Register-Essen mit einem Legato und ein bisschen Vibrato auf den langen Noten als viel von diesem leichteren Sound. Und die Saiten, die sehr weich und fegend sind. Und mit diesem beruhigenden Klavier hier. Mischen zwischen einem Arpeggio und einem Video, das rhythmisch hier dazwischen. Ein sehr sanfter Klang auch auf diese Weise. Das Messing hier ist sehr niedrig. Ich denke, das ist nur im Einklang mit der Basis und Oktave oben. Also insgesamt, nicht sehr rhythmisch, konzentrierte sich mehr auf lange Sonne im Garten. Niedrige Registerdynamik. Langsames Tempo, der Mixolydian. Für den Moment, T und Skala. Ein bisschen Major, Minor. Major wieder, vor allem die Mixolydian-Vibe mit einer niedrigen Dynamik, die Lungen steigenden Legato-Noten, das Lastregister, und der Schwerpunkt ist die Solo-Violine und Flüssigkeiten hier im niedrigen Register oder die Flüssigkeiten, um diese sehr nostalgischen vibe. Also das nächste Beispiel nenne ich geheimnisvoll und neu gemacht und es klingt so. Okay, hier haben Sie tatsächlich mehrere Dinge vor sich. Erstens ist der verträumte Zustand aus dem langsamen Tempo, diese verträumten Bell. Und im Grunde dieser sehr langsame Spielstil. Viel Luft und Lücken zwischen den Knoten in ihnen klingeln so aus. Aber der geheimnisvolle Teil davon kommt vor allem davon aus, hier mit einer großen Tonart zu beginnen, D-Dur, D-Dur Akkord. Es fügt eine kleine Sechs darüber. Und man kann es hier auf dem DRI wirklich hören und Gürtel sind der kleine Klang vor Gericht. Und dann fügen Sie diese kleinen sechs hinzu. Okay, du hörst es auch hier auf dem Klavier. Also fängt es an. Und auch hier gehen wir von einem großen Sound von Anfang an und dann zu einem Moll, ein perfektes Vierter oben. Es ist also ein großer Klang. Was hat der geheimnisvolle Ton? Und dann bringen wir dich klein zwischen Luft. Und dann zu einem großen Aufzug. Dann wieder Minderjährige. Und dieser Dur, D-Dur mit einer zusätzlichen flachen 9, so kleinen Linie. Und die Trittfrequenz ist auf Moll. Es ist also eine Mischung zwischen Major und Moll, die hier vor sich geht. Und Sie haben wieder, diese langen Noten, Legato, Übergänge, niedrige Dynamik, und auch fokussiert auf den unteren Bereich mit weichen Saiten oben. Und es kann wirklich hören, hier und Kindertagesstätte und Aufenthalt hinzugefügt Moll 6, die diese geheimnisvolle Stimmung schafft. Und der verträumte Zustand kommt aus dem niedrigen Tempo, dem niedrigen Register, der Luft und der Lücke, die das Sustain auch auf vielen Noten an den weichen Artikulationen herausklingeln lassen. Aber er kann es wirklich spüren von der tatsächlichen Akkordprogression, der harmonischen Handlung. Major Moll, Major, Major Moll. Und diese fügten geheimnisvolle Intervalle für das Plus minus 6 da und auch eine kleine Neunte hier oben. Das ist also das zweite Beispiel. Mysteriös und verträumt. Wir sind übrigens noch im zweideutigen Quadranten. Und mal sehen, wir haben hier das letzte Beispiel, das ich bitter, süß und hoffnungsvoll nenne. Also lasst uns mal hören, wie das klingt. Okay, also hat es diese sehr bittere, süße, melancholische, emotionale Farbe dazu. Ausgerüstete noch wie diese Hoffnung Stimmung. Und Sie haben auch das Gefühl gegeben, dass Sie sich auch weitermachen. So sehr mehrdeutig, gemischte emotionale Farbe zwischen Dur und Moll. Es beginnt in einem Moll, geht aber dann sofort zu einem Major-Akkord hier. Und dann haben wir, wenn F-Dur sieben. Und wenn man das Gefühl hat, ist das Tempo auch wirklich langsam. Und es ist tatsächlich am meisten los in den ersten paar Node CRC, wie das Essen, Gewalt und Bass und das Klavier, wirklich die Anfänge Teil. Dann beginnt es sich zu verlangsamen. Es mehr mehr Notizen. Und das Klavier kümmert sich wirklich um. Der Akkord ändert sich hauptsächlich. Ich lautete einfach keine Politik. Und dann, oh ja. Also der letzte Teil dort, wo wir fertig auf einem Moll, aber tatsächlich gehen von den fünf Akkord e-Moll zu einem Dur oder einem großen Lift als diese Datei hoffnungsvollen Aspekt dieser Akkordprogression. Und wenn wir nur den Progressionsteil wie die weichen Strings und den anderen String-Abschnitt hier hören nur den Progressionsteil wie . Und das Klavier. Es hat diesen sehr romantischen, süßen Klang. Und das ist, warum ich immer bittersüß, weil es immer noch eine Menge von Minor Feld hat, vor allem, da es den Minor Key gestartet. Und da dieser F-Dur siebte Akkord , der diesen großen siebten hat, wissen Sie, das ältere Intervall, seltsam klingenden Intervall der Aufmerksamkeit darin, und dann geht direkt zu einem kleinen siebten Akkorde sind eine Menge von Moll -Feld dort. Eigentlich ein Minderjähriger. Aber dann fängt es an, zu Ihrem Nachbarn hier zu heben, aber G und F. Und es geht zurück zu Ihnen, der seltsame Major siebte hinzugefügt und dann e-Moll. Also fängt an, diese Traurigkeit wieder zu spüren. Und dann drängt es zu einem Dur statt als die letzte Trittfrequenz. Das ist also, dass dies drei Beispiele dafür sind, was Sie in der mehrdeutigen Viertel und nostalgische und Erinnerungen tun können, geheimnisvoll und verträumt und bitter, süß und hoffnungsvoll. 19. Der Dissonant Quadrant: Im Moment werden wir in diesem Video drei verschiedene Beispiele des dissonanten Quadranten von Musik, Emotionen oder Spannungs-Quadranten erkunden , wenn Sie wollen. Also schuf ich diese drei Beispiele dunkel und gruselig, chaotisch und mächtig und bedrohlich und böse. Fangen wir mit dem ersten an. Das hört sich so an. Also, was macht diesen Dreck und gruselig? Nun, natürlich spielen wir hauptsächlich im unteren Bereich. Wenn Sie zum Beispiel einfach das Klavier ausschließen. Oder eine dunkle und warme Farbpalette für die Sounds und die Noten oder im unteren Bereich. Und wir verwenden auch überall nur kleine Akkorde, wie Sie hier sehen können, G-Moll, G-Moll mit einem Major Siebtel oben und Sie wissen, das große siebte Intervall, wenn Sie das hinzufügen, fügt es eine Menge Spannung hinzu, weil wie nah es an der perfekten Oktave ist. Und da wir nur kleine Akkorde verwenden, sollten einige davon große Akkorde gewesen sein. Wenn Sie in einer richtigen Moll-Taste sind, aber mit einigen Modulationen dort, wie das Ausleihen von Akkorden aus einem anderen Modus, können Sie einfach jeden Akkord so klein verwenden wie ich es hier getan habe. Eine andere Sache ist, dass wir in einem sehr langsamen Tempo spielen. Und im Grunde ist die einzige wirkliche rhythmische Bewegung das Klavier und die Basis. Aber Sie bekommen wirklich, dass gruselige Stimmung von der Moll bis nur Moll ist ein Moll, Moll , Major Siebter und der Moll auf der fünften. Und dann sollte die a groß sein, wenn wir in G-Moll sind, begann Schlüssel hier, aber es ist eigentlich klein. Also ging ich auf den Bergarbeiter, um dieses sehr dunkle Gefühl zu erzeugen. Und wenn Sie einen Blick darauf werfen, was die Instrumente hier tun, lassen Sie uns einfach alle Saiten überprüfen. Also gehen diese Tracks hier rein und schauen Sie sich an. Sie können sehen, dass sie so spielen, wie diese, und eine sehr niedrige Dynamik alles und jeder, jeder Track hier hat seine eigene dynamische Kurve. Vom sehr niedrigen bis zum niedrigen Mittelbereich für Dynamics. Und wenn wir alles abnehmen und nur hören, außer dem Klavier, Bass. Und hören Sie wirklich, wie der Fokus auf sehr langen, fegenden, hochsteigenden, dükeren Knoten im unteren Register liegt. Und wieder, wenn Sie nur einen Blick auf die, was sie tun, kurze Intervalle, schließen Stimme führen, um sie zwischen einander zu fegen, jede Stimme in der Akkordprogression. Und wie Sie sehen können, fügt diese zusätzlichen kleinen siebten Jahr wirklich eine Menge Spannung. Also bekommst du diesen Ton hier. Die Bergarbeiter dann zu einer Angelegenheit. Aber alle, die auf diese Weise kleine Akkorde verwenden, können einen sehr dunklen und gruseligen Aspekt erzeugen. Natürlich sind es seine Türen in einem kleinen Schlüssel. Das nächste Beispiel, das ich habe, ist eigentlich, es ist chaotisch und mächtig. Also hier ging ich mit einem 6, 8 Mal Unterschriften. Ich stelle einen Kopf ein, wenn ich das erste Mal tatsächlich ändere Zeit Center von 44. Ich entscheide mich auch für das Tempo, mal sehen, was es ist. Stattdessen sind es 100. Und ging mit einem viel rhythmischeren Spielstil, vor allem Felder in die Saiten hier. Und die Akkordprogression ist f-Moll. Und ich bin eigentlich Heroin, der in dir einen verminderten Kurs anfängt. Und verminderte Gerichte sind sehr hohe Spannung Gerichte. Also, wenn Sie einen Blick hier werfen, da, hier, gibt es keinen großen Akkord im Inneren. Nur kleine Akkorde und sogar verminderte Akkorde, was es sehr dunkel, sehr kraftvoll macht. Aber wo ein kommt der chaotische Aspekt. Es ist also sehr mächtig, da wir dieses leistungsstarke Modell haben, mehr gefangene Artikulationen hier am Anfang und dann beginnen Ketose. Also mehr Viertel oder sehr mutige Akzente oder Vorschriften. Die Hörner spielen diese akzentuierte Art von Löwen. Ich glaube, ich benutze hier jemanden für Totto. Eigentlich. So sehr mutige Notizen. Und du hörst den Atem unten hier, eigentlich in Octavius, um ihn noch stärker zu machen. Whoops. Das alles ist im unteren Bereich im Grunde, außer den wenigen im mittleren Bereich hier, um C4 und blasen für diese Staccato Saiten. Und wenn man sich die Harmonien hier anhört, der Vorsitzende Biola in Oktaven spielt. Also, was macht es so mächtig? Nun, weniger als dieser hier, dieser und dieser, alles, ist voll Oktave Messing geschichtet mit flachen und Viola SaaS eigentlich Für, naja, man kann sagen, das ist das führende Motiv, aber es gibt auch ein Hormon im Hinweis in dort. Ok? Aber es macht es sehr mächtig. Und dann kommt der chaotische Aspekt nicht nur von den chaotischen Modulationen hier in den Akkordprogressionen, um all diese kleinen Akkorde zu bekommen. Auch vom verminderten Klang und dieser rhythmischen Action-Gruppe. Und da es eine 68 ist, könnte sie tan, tan, tan, tan, tan, sehr mächtig. Und Chaos aus der harmonischen Progression sowie dieser Groove macht es wirklich sehr mächtig, böser Boss Art von Stimmung. Und das letzte Beispiel, ich ging zurück auf 44, es ist bedrohlich und böse. Also, während das ist chaotisch und mächtig böse, mehr Aktion orientiert Böse, das ist mehr bedrohlich wie denken Sie an die Kiefer, desto gruseliger Film, wenn, wenn es sehr dunkel ist und Sie warten, bis die bösen Monster herauskommen. Nun, es hört sich so an. Okay, irgendwie eilig, bedrohlich und sehr böse. Also, was ich hier benutze, hauptsächlich für dieses super böse, Tony ist ein großer Fokus auf die kleinere Sekunde, D bis C scharf, G scharf, a, und so weiter. Und wenn wir die Basis und die Untiefen überprüfen, glauben Sie, ich spiele nur eine Oktave, also nur mehr, mehr Macht. sehen Sie die Mikrosekundenbewegung hier und wieder zurück. Und dann hier können Sie es am Ende sehen. Das ist also sehr böse Offenheit gespeichert. Und hier hört man wirklich, was ich auch hier benutze, sind sehr große dynamische Schwellen, die hier oben gehen, besonders hier, und dann wieder runter und runter und runter, besonders hier in den ersten drei Noten. Und dann fügte ich das hinzu. Dort, diese Hornschicht, auch Oktave. Ich denke also, wenn wir alle sehr fokussierte, kraftvolle Klangschicht im Unisono und vor allem Oktaven wollen , und vor allem in geringer Reichweite wie dieser. Und machen Sie viel dynamischen Kontrast mit dem Schreiben der dynamischen Kurve. Dann bekommst du dort diese überraschende Aufwärtsbewegung. Und ein weiterer Aspekt dessen, was es macht, ist sehr gruselig, meiner Meinung nach ist, dass ich immer Cembalo gefunden habe, um eine Art gruselige Vampire Art von Stimmung hinzuzufügen , besonders wenn Sie es mit diesen dissonanten Akkordänderungen verwenden. Ok? Und dann fügte ich die verträumte Glocke hinzu, weil Glocken, wir verwenden Glockengeräusche, wenn Sie eine sehr niedrige Tür haben, obdachlose, niedrige Saiten, niedrige Messinginstrumente, es hat diese unschuldige, unschuldige Atmosphäre der Glocke, was sehr gruselig ist, weil es so ist, als ob es nicht tut, es ist verlegt. Sie können das in vielen wie all den Horrorfilmen hören. Und dann ein großer Schwung am Ende dort mit einer gepoolten Kraft, der Octavius, eine Schichtung dort. So sehr ominöse und böse klingende Hauptfokus auf, einen sehr großen Fokus auf diesen kleinen zweiten Satz und super großen Kontrast in dynamischen Kurven, sowie die Dichotomie der Glocke zwischen all diesen niedrigen Bereich fokussierten Instrumenten, Basen und Schatten und niedrige Häuser. Und dieses sehr gruselige Cembalo oben drauf. Das heißt, das sind drei verschiedene Beispiele für Farben innerhalb des dissonanten Quadranten. Dork und gruselig, chaotisch und mächtig, mehr Aktionsfeld und ominös und böse. Also geh voran und experimentiere mit all diesen für Emotion Quadranten der Musik. Ich habe gerade drei Beispiele von jedem gemacht. Aber Sie können in jede Richtung gehen, die Sie mischen und mischen möchten. Gehen Sie von super glücklichsten von Happy zu den dunkelsten dunklen und hohen Spannungen und alles dazwischen. 20. Avengers – Hauptthemas: Ordnung, also jetzt werden wir die emotionalen Aspekte aus dem Hauptthema analysieren, von der Avengers Hauptbesitz beenden das Spiel, das es heißt. Also fangen wir mit dem Zuhören an. Ich werde pausieren, wie ich erklärt habe, die emotionalen Aspekte. Okay, also fängt es eigentlich im Major Quadranten 4 an, dass Victorias Stimmung ist. Also denke ich, wir sind in G0. Okay, also ist es Major, Major, sehr Major, genau hier. Und dann geht es noch das Ballgras dort weiter. Und dann übergehe ich in dich. Okay, also ein Aufzug, er geht hier hoch. Die Stimmen gehen hoch und du bekommst ein Symbol. Crashes wirklich verstärkt die emotionale Kraft für die Vibe Victorias. Noch weiter. Nimm es eine Kerbe hoch. Die Messingantwort und fängt an, dass Fanfare als Spielstil zu spielen. Es kommt mehr hier. Also diese Fanfare, Blechbläser Spielstil bringt wirklich bei Royal edle Stimmung hervor. Fast so, als würde hier ein König gekrönt. So siegreiche Stimmung mit der königlichen edlen Atmosphäre. Und hier bekommen wir von der Fanfare in diese akzentuierten kahlen Übergang Noten ist wie Lee Sin up jetzt ist die Musik sagen hier, Basis Bedeutung. Okay, dann zurück zur Wiederholung dieser großen siegreichen Stimmung. Sehr große zeigen. Und wieder, dieser akzentuierte Übergang. Glatze, lange Noten mit mehr CO2, große, kraftvolle Noten. Super-akzentuierter Übergang. So wie das. Diese Marcato-Notizen bringen diese Superkräfte wirklich aus diesen Helden heraus. Jetzt hören wir, dass etwas Neues auftaucht und Sie mehr Aufregung bekommen. Diese Staccato-Strings fügen etwas Laufwerk hinzu. Und das ist wichtig. Der Track geht, das Thema geht von diesem G-Dur, dem Major-Quadranten in einen Moll Key tatsächlich. Also e-Moll. Aber wie Sie sehen können, sind wir mit ADC, E-Moll, aber es geht von e-Moll nach C, dann zu einem. Und dass a eigentlich ein dorischer Modus ist. Es ist nicht Teil der EMA Minor Skala. Und dann geht es zu C-Dur. G-Dur ist alle Hauptakkorde erwarten, außer dass e-Moll. Es hat also diesen emotionalen Kern, aber bringt noch eine Menge von dieser siegreichen Stimmung hervor. Und Sie hatten Daten, Daten, Daten, Daten. Diese Staccato String ist etwas Antrieb und Aufregung hinzufügen. Aber das Hauptthema ist, dass mutige, kraftvolle Marcato-Noten für das Hauptthema und die Melodie, die es wirklich dazu bringt. Kenne beide Superhelden mächtigen Vibe. Und Sie hören, dass der Atem schwer auf dem Messing hier bringt diese Kraft und auch etwas Aufregung, indem Sie die Dynamik hier steigern. Er hatte also die Brust, die die Praxis wirklich eröffnete. So Wiederholung über zu halten. Und das zweite Mal, wenn Sie hören, dass der Atem öffnet die Helligkeit und die Dynamik. Und dann eine Wendung hier am Ende mit den Hörnern. Und das fügt Art von einer Stimmung, die, okay, Also haben wir es getan, aber die Geschichte ist nicht vorbei und geht in den endgültigen Übergang von n. Wiederholung des Hauptthema. Hier. Es stoppt abrupt, abrupt das Hauptthema und geht in diese akzentuierten Aufregung Stiche. Ich rufe sie in der NBA an. Hören Sie es, es, es ruft fast diesen Story-Solver aus. Aber was wird als nächstes kommen? Es wird erwartet, dass Sie das fortsetzen. Es ist fast so, als würde man in die Musik stecken, dass es mehr Avengers-Filme kommen wird oder Superhelden-Filme in dieser Welt. Das ist also die emotionale Analyse des Haupt-on-End-Thema aus dem finalen Avengers Endgame Film. 21. LOTR – Das Shire Thema: Jetzt werden wir die emotionalen Aspekte des Shire analysieren, ein Thema des Herrn der Ringe. Okay, das erste, was, es ist sehr stark auf die große Rekordmiete für diese erhebende und positive Vibes konzentriert . Sie haben also D-Dur, G-Dur, einen Dur, zurück zu D-Dur und einen Moll Dur. Und dann geht es wieder um. Und Sie haben diese sehr ausdrucksstarke Solu, Essen spielen in einer großen Stimmung für diese fröhliche und einfache Live-Art von Stimmung. Lasst uns weitermachen. Testen Sie die süße und unschuldige Art von Stimmung, um es. Und dann Übergänge in der heutigen kurzen Soloviolinphrase CSU über diese Pausen, diese Pausen dazwischen und diese spielerischen Phrasen-Artikulationen. Drucken Sie diese spielerische unglücklich durch durchden Übergang in diesen vollen String Abschnitt, die für mich, schafft es ein Gefühl für die Hobbits, Liebe zum Leben und die üppige Landschaft. So sind sie üppig, voller String sexuelle, romantische idealerweise bieten, so dass spielerische Stimmung, aber es geht in den Übergang in der heutigen. Diese langen Noten im Übergang, die Art der Pause und reflektieren den Moment. Das ist nur, dass es aufgenommen wird. Und dann zurück zum Staccato-Rhythmus. Saiten. Dieses Cembalo, glaube ich, ist es. Und dann bekommt man auf dieser Staccato-Saite und Rhythmus das Staccato-Essen. Sehr verspielt. Wieder. Denken Sie an die Major Koordinate Vibe. Seitdem wechseln zwischen dieser üppigen Süße und der fröhlichen Verspieltheit. Wieder zurück zu fröhlich, verspielt. Als ob sie wirklich das einfache Leben hier im Shire genießen. Und dann übergeht es wieder in dieses Ende, das ist die Soul Food, sehr ausdrucksstark. Wirklich. Spüren Sie diese Freude, aber immer noch diese völlige Unschuld. Und wie schön es war einfach und unberührte Lamm am Himmel. Sich wirklich niederzulassen, auflösen, Dinge stilvoll nennen. Und das ist ein, das ist der Herr der Ringe, das Shire Thema. Diese emotionale Analyse. 22. The LionKing – Mufasa stirbt Theme: Ich werde damit beginnen, ein bisschen von dem Thema zu spielen und dann werde ich innehalten, wie ich jeden Punkt hier erklären, der zu den Emotionen beiträgt. Also das ist nur Angebot mehr Fossa sind gestorben. Okay, also dieser Anfang ist ein Major. Siebter fängt an, also ist es wie in e-Moll. Aber anstatt das Oktan hier zu haben, geht man vom Oktan zum Siebten. Und das ist ein sehr seltsames und altes Intervall, besonders in einem kleinen, da es sich um nicht-diatonische Note handelt. So fügt es ein bisschen Verwirrung hinzu, Symbole hier verwirrt. So hier können Sie wirklich spüren, dass die Harmonien, die Akkorde und Harmonien, oder stark auf den Moll Quadranten 4, diese traurige, emotionale Stimmung. Also haben Sie einen Minor, Sie haben b-Moll, Sie haben hier e-Moll. Und so weiter. Ein paar große Gerichte natürlich auch, aber definitiv im kleinen Quadranten. Okay, Sie werden also auch hören, dass es ist, hat sehr minimale Anordnung. Es ist nur ein bisschen Lust, Saiten. Und dann hörst du die Flöte hereinkommen und du hast eine sehr langsame. Das fügt hinzu, die minimale Anordnung fügt dieser einsamen Stimmung hinzu. Und ein langsames Tempo macht es sehr sanft. Und jetzt hören Sie diese ausdrucksstarke Solo-Flöte , die sich wirklich wie The Innocence und zerbrechliche Moment anfühlt, sowohl der Moment als auch Simba selbst. Und er hatte für den ersten Teil mit einer Saitenanordnung auf der Oberseite der, hinter der ausdrucksstarken Seele Essen. Ich würde sagen, es hat ein kahles Gewicht des Augenblicks Art von Gefühl. Und jetzt ist es ein Übergang in den zweiten Teil, in dem die Zeichenfolge ausdrucksvoller genommen wird. Arktis spielt Stil für einen emotionalen Schub. Etwas mehr Vibrato, dynamischere Bewegungen. Super emotionale ausdrucksstarke Luft. Also ist er wie er, er, wenn er versucht aufzuwachen, Fossa zu bewegen und den Jet nicht zu erkennen, dass er tot ist oder er nicht erkennen will. Und jetzt ist der letzte Teil, wo die höchsten Saiten übernehmen, entfernt die niedrigen Saiten. Es ist fast wie schneller zu bewegen, sind jetzt gestorben. Echt. Cbo hat das erkannt. Und es sind nur die hohen Saiten und die hohen Holzbläser. Und Sie wirklich das Gefühl, dass kauft jetzt geben Sie diesen Zustand der Trauer und Trauer. Super emotionale Holzbläser hier. Die kleinen Intervalle. Und die ferne Vorsichtsmaßnahme ist wie ferne Erinnerungen. So minimal, so ausdrucksstark. Okay, also werde ich hier enden, weil es in den nächsten Track auf dem Soundtrack übergeht. Aber das ist meine Analyse für die Emotionen der Musik des MOOC. Fossa stirbt Thema aus dem König der Löwen. 23. Congratulations: Herzlichen Glückwunsch, mein Freund. Sie haben nun die Kerngrundlagen, die fortgeschrittenen Techniken und Richtlinien gelernt . Die Hormone sind Klänge, Farben, Spielstile und Verlust von kreativen Möglichkeiten, um die Emotionen durch Ihren Musikladen zu gestalten. Ich empfehle, dass Sie jetzt auf alles, was Sie in diesem Kurs gelernt haben, Maßnahmen ergreifen, gehen Sie zurück und schauen Sie sich die Lektionen erneut an, wenn Sie schreiben. Aber das Wichtigste ist, dass du jeden einzelnen Aspekt praktizierst , den du wirklich in deiner DAW und mit deinen Instrumenten meistern willst , weil nichts das Lernen aus dem Tun übertrifft. So. Welche Emotionen wirst du in deinen Musikgeschichten erschaffen? Mein Name ist Mike, und ich wünsche Ihnen viel Erfolg auf Ihrer Reise und Musik.