Transkripte
1. 1-Einführung: [MUSIK]
Wolltest du schon immer ein
Reiseskizzenbuch oder ein Naturjournal starten oder wunderschöne und
inspirierende Landschaften malen ,
wohin du auch gehst, aber du bist dir nicht genau
sicher, wie du anfangen sollst? Wenn ja, bist du
am richtigen Ort. Mein Name ist Sarah und ich bin eine Vollzeitkünstlerin, die
in den schottischen Highlands lebt. Ich bin auf
Landschaftsmalerei spezialisiert und skizziere seit Jahren die
Natur und
dokumentiere die Schönheit, die ich auf der ganzen Welt
finde. Für mich ist das Skizzieren der Natur
viel mehr als nur ein Hobby. Es ist ein großer Teil
meiner persönlichen Freude und künstlerischen Praxis
, die
zu meiner größeren
Arbeit hier im Studio beiträgt . Aber ich liebe es auch einfach durch meine
alten Skizzenbuchseiten zu
strömen. Sie bringen mir so viele erstaunliche
Erinnerungen zurück. Wenn Sie Ihre künstlerische
Reise alleine beginnen, kann
dies sehr überwältigend sein. Welche Materialien brauchst du? Welche Fähigkeiten solltest
du anfangen zu lernen? Wie verbessert man sich weiter? Nun, deswegen habe ich
diesen Stiftungskurs absolviert. Es ist der perfekte
Einsteigerkurs
für alle, die
ihre eigene künstlerische Reise beginnen möchten. In der Kunstschule
beginnen Sie Ihr Studium oft mit einem ganzen Jahr,
das den Grundlagen der Kunst gewidmet ist. Aber da die meisten von
uns sehr beschäftigt sind, habe
ich diesen Kurs entworfen,
um Ihnen
die Grundlagen dessen vorzustellen , was Sie für den Einstieg
benötigen. In drei Stunden
teile ich mit, was ich
über fünf Jahre gedauert hat , um es selbst
herauszufinden. Sie lernen eine Wissensgrundlage
, die Ihnen noch Jahre
dienen wird. Ich stelle Ihnen die Grundlagen
des Skizzierens, der
Aquarellmalerei, Farbtheorie, der
Perspektive und vielem mehr stressfrei
und ermutigend vor. In dieser Klasse geht es nicht nur darum das
zu kopieren, was Sie auf dem Bildschirm
sehen. Es geht darum, ein
tieferes Verständnis dafür
zu erlangen , wie Sie Ihre Welt
aus der Perspektive eines Künstlers sehen aus der Perspektive eines Künstlers und diese in
das Papier übersetzen können. Zusätzlich zu den
Videolektionen können
Sie
einen Hausaufgabenführer herunterladen, können
Sie
einen Hausaufgabenführer herunterladen der Sie durch
einen Schritt-für-Schritt-Prozess
führt , um das, was Sie in
diesem Kurs gelernt haben,
zu
nehmen und auf deine eigene Skizzenbuch-Reise. Außerdem erhalten Sie
meine PDF-Anleitungen für den Einstieg
in Aquarell und Gouache mit Details zu den verschiedenen Tools und
Techniken, die Sie benötigen. Wenn Sie also bereit sind,
Ihre künstlerische Reise zu beginnen, klicken Sie auf den untenstehenden Link und bereiten Sie sich
auf ein Abenteuer vor. [MUSIK]
2. 1.1 Setting: [MUSIK]. Hallo, alle zusammen und willkommen. [GELÄCHTER] In dieser
Lektion geht es darum dich
auf diesen Kurs vorzubereiten und deine Absichten festzulegen. Bevor wir darauf eingehen, möchte
ich
Ihnen nur einen schnellen
Überblick darüber geben , wer ich bin und warum
ich das mache. Ich neige dazu, ein bisschen zu wandern, also werde ich das bearbeiten, so
zerkleinern
, dass es leicht zu verstehen ist und dass ich keine Zeit
verschwende. Meine Malreise begann vor
etwa sechs Jahren. Davor
lebte ich in Denver und war in der
Innenarchitekturbranche. Davor bin ich zur Schule für
Innenarchitektur
gegangen und
davor bin ich zur Kunstschule gegangen. Ich hatte einen allgemeinen
Abschluss in Zeichnen und Keramik und habe mich auch
mit Grafikdesign verdoppelt. Ich hatte immer ein Auge auf eine künstlerische Karriere
und ein künstlerisches Leben. Als ich in Denver
lebte, führte
ich außerdem ein
Vollzeit-Fotogeschäft und
spezialisierte mich auf
Berggärten und Hochzeiten. Es war wirklich wundervoll. Aber als ich das
Malen entdeckte, änderte sich alles. Es war auch die Zeit meines
Lebens, in der ich versuchte, mehr nach draußen zu kommen und einfach in die Natur
einzutauchen. Mir wurde klar, dass ich
kein Stadtmensch bin. [GELÄCHTER] Ich lebte
am Stadtrand von Denver
, einer riesigen Stadt
in Colorado, und es war einfach geistig und körperlich sehr schwer für
mich. Je mehr ich in die Natur hinausstieg, fühlte
ich diesen inneren
Wunsch, sie einzufangen. Nicht nur mit einer Kamera
oder einem Video oder so, sondern weil ich
meinen Hintergrund beim
Zeichnen hatte und mein ganzes Leben lang immer
gezeichnet hatte, fühlte sich
das für mich sehr natürlich an. Ich habe draußen angefangen zu skizzieren. Je mehr ich das tat,
desto süchtig machender wurde es. [GELÄCHTER] Mir
wurde klar, dass es einfach eine wunderbare Möglichkeit war, sich mit der Natur zu verbinden und mich mit dem zu verbinden, was mir
wirklich wichtig war. Langsam fing ich an, Aquarelle
zu integrieren. Ich habe mir ein kleines
Aquarell-Set gekauft und bin
im Sommer fast
jeden zweiten Tag in den
Botanischen Garten von Denver gegangen im Sommer fast
jeden zweiten Tag in den
Botanischen Garten von Denver . Das schneeballte einfach und
ging weiter und dann kaufte ich ein Ölgemälde-Set und bin bis jetzt
schnell vorwärts. Ich lebe in Schottland und Malen ist meine Vollzeitkarriere. Das ist mein Hintergrund. Der Grund, warum ich diesen
Kurs gemacht habe, ist, dass ich in
den letzten sechs Jahren,
als ich meine Fähigkeiten und mein Geschäft weiter ausgebaut habe, immer
mehr Leute hatte, die nur wissen
wollten, wie
ich ihre Reise beginnen kann so wie ich es getan habe. Wenn Sie keinen
Hintergrund in der Kunst haben, kann
es noch entmutigender sein. In den letzten Jahren habe
ich viele Kurse
und Tutorials veröffentlicht,
aber dies ist das
erste Mal, dass ich
einen
umfassenden Stiftungskurs absolviert habe einen
umfassenden Stiftungskurs absolviert und er richtet sich an
jemanden, der es nicht tut
weiß genau, wo ich anfangen soll, wer vielleicht überhaupt keinen
Hintergrund in der Kunst hat. Mein Ziel bei dieser Klasse ist es, Ihnen nicht nur die Grundlagen
beizubringen, sondern Sie
zu ermutigen, eine lebenslange Reise, eine lebenslange Beziehung zu
sich selbst, zu Ihrer Kunst und dem Streben nach
sich mit der Natur verbinden. Wenn Sie sich das ansehen, bin
ich mir sicher, dass Sie es lieben,
draußen zu sein oder es lieben, sich
mit der Natur zu verbinden, und so
wird Ihnen dies nur
eine zusätzliche Möglichkeit geben , in die
Natur
einzutauchen und fange es und setze deinen eigenen kleinen
künstlerischen Dreh drauf. Man kann es
jetzt oder während des Unterrichts zu
jedem Zeitpunkt oder nach dem Unterricht tun , aber eines der ersten Dinge, die
ich vorschlage, ist, Ihre künstlerischen Ziele
aufzuschreiben , und
das kann alles sein, von dem ich lernen möchte, wie man zeichnet ein Baum [LACHEN]
oder ich möchte in Bergen oder
Flüssen oder was auch immer
besser werden. Vielleicht möchte ich jeden
Tag
skizzieren oder ich möchte einmal im Monat
draußen skizzieren. Jeder wird
in einem anderen Tempo gehen
und es wird sich
im Laufe Ihres Lebens entwickeln. Dieser Kurs
soll eine Einführung
in alle Grundlagen sein. Aber auch hier wird diese
Reise ein Leben lang dauern und ich
möchte, dass du sie genießt. Ich sage das ständig, aber ich möchte
dir nicht nur beibringen , wie man etwas kopiert, das
du auf dem Bildschirm siehst. Der springende Punkt, die Art und Weise, wie
ich diese Lektionen entworfen habe, besteht darin, eine
gute Grundlage die Grundlagen zu schaffen, damit Sie
diese Dinge nehmen und nach Ihren Wünschen optimieren
können . Sie werden sich
im Laufe Ihres Studiums definitiv
weiterentwickeln , aber es soll ein kleiner Kickstarter sein,
ein
kleiner Funke, irgendwo, an dem Sie
loslegen können oder wenn Sie
bereits angefangen haben, vielleicht um dich auf
die nächste Stufe zu bringen oder
dir einfach zu zeigen, wie ich Dinge mache. [GELÄCHTER] Wir werden gleich in die Lektionen
einsteigen, aber ich habe eine kleine Geschichte, die
ich dir erzählen möchte. Als ich in der Kunstschule war,
war ich Anfang 20 in meinen späten Teenagern. [GELÄCHTER] Ich hatte keine Ahnung was
ich mit meinem Leben mache. Ich habe mich einfach darauf gefreut, Kunst
zu machen. Es ist witzig, weil
ich jetzt
darauf zurückblicken kann , aber damals war
ich einfach besessen davon, alles
aufzunehmen. Ich habe in allem Unterricht genommen. Obwohl ich
in Keramik und Zeichnen betonte, nahm
ich Glasbläser und Möbeldesign und
Lichtdesign. All diese verrückten
Dinge und all das sich zu einer
sehr wichtigen Lektion zusammengeführt, die einfallsreich sein soll. Wenn ich nicht weiß, wie ich etwas machen
soll, finde
ich einen Weg, es zu wissen. Ich werde einen Weg finden, es zu tun. [GELÄCHTER] Das
erfordert Recherche. Das erfordert Zeit
und viel Mühe. Aber das hat mir im
Laufe meines Lebens gut gedient. Mein ganzes Leben lang habe
ich mir
so viele verschiedene
künstlerische Fähigkeiten beigebracht , die auf diesem Konzept basieren , und das
kannst du auch tun. Selbst wenn du
gerade erst anfängst, möchte
ich, dass du anfängst , einfallsreich
zu sein. Ich möchte dir
diese Lektion auch einflößen. [GELÄCHTER] Eines der besten
Dinge, die Sie für sich selbst
als Mensch und Künstler tun können ,
ist es, niemals aufzuhören zu lernen. Dies könnte Ihre erstklassige
oder Ihre 20. Klasse sein, ich hoffe nur, dass es Ihnen
hilft, zu
jeder nächsten Phase zu gelangen , auf die
Sie sich erhoffen. Aber wir können uns nicht nur
auf das Ziel konzentrieren, wir müssen die Reise wirklich
genießen. Wir wissen nie, wann diese
Reise enden wird. Nicht morbide zu sein, aber es stimmt. Wir müssen
jeden einzelnen Tag genießen, jedes Mal, wenn wir
unser Skizzenbuch abholen oder auf die Leinwand
malen. Dort ist das wahre
Glück im Leben. Ich hoffe, dieser Kurs macht dir Spaß
und du lernst viel. Lasst uns anfangen.
3. 1.2 Malen auf dem Standort: [MUSIK] zuerst Was ist
zuerst Plein Air? Malen auf Plein Air, wie die Franzosen sagen würden, ist einfach draußen malen und im Freien zu malen. Die Impressionisten
taten dies, um
wahre Farbe und Licht
in der Landschaft zu beobachten . Damals konnten Künstler
nur
lernen, wie man malt, was
tatsächlich in der Natur passiert. Das Licht verändert sich ständig und die Vorteile des Malens im
Freien sind zahlreich. Es ist nichts
falsch daran,
aus Referenzfotos zu malen . Wir machen es ständig, besonders wenn das Wetter
nicht zu unseren Gunsten ist, aber Fotos Einschränkungen haben. Zuallererst
sind Kameras Maschinen. Wenn Sie ein Foto machen, entscheidet
die Kamera, was mit den vorliegenden Informationen
zu tun ist. Es versucht, alles so gut wie möglich
im Detail
festzuhalten , aber wenn Sie keine
klassischen
Filmfototechniken verwenden , ist
es wirklich schwierig festzuhalten was tatsächlich vor Ihnen liegt besonders wenn es um Beleuchtung
geht. Die meisten Kameras
werden heutzutage Farben übersättigen, und sie werden auch unsere
Highlights und Schatten
entweder unter oder überbelichten. diesen Bereichen
ist
ein Teil der Magie und wie wir unsere Bilder wirklich zum Leben
erwecken können. die Auswirkungen
von Licht im
Freien auf Plein Air persönlich zu untersuchen ist sehr wichtig, die Auswirkungen
von Licht im
Freien auf Plein Air persönlich zu untersuchen. Ich verstehe es, es ist eine Herausforderung draußen
zu malen. [GELÄCHTER] Es ist sehr demütigend. Auch wenn Sie ein sehr kompetenter
Maler im Studio sind, ändert sich
alles in
dem Moment, in dem Sie nach draußen gehen. Aber ehrlich gesagt, manchmal ist
es gut, sich demütig zu fühlen. Aber mein bester Rat
ist,
es einfach langsam anzugehen und zu versuchen, nicht in
die Denkweise zu kommen , jedes
Mal, wenn Sie nach draußen gehen,
ein Meisterwerk produzieren zu müssen . Stattdessen möchte
ich einfach in die Natur eintauchen und versuchen, kleine Farbnoten
einzufangen. Dies kann beinhalten, nur
einige Farben zu mischen , die ich vor mir sehe
, und es auf ein
kleines Musterblatt zu
legen oder es könnte versuchen, eine Szene
zu malen. Aber meistens geht
es nur um das Skizzieren, um ein bisschen
weiter in meinem Verständnis
zu kommen, und später im Studio kann
ich das Gelernte anwenden. Wenn ich vor
einem Computermonitor sitze und
auf ein Referenzfoto starre, versuche
ich an den
Moment zurückzudenken, als ich draußen war, und versuche mich an die
wahren Farben zu erinnern, die ich gesehen habe, besonders in der Highlights und Schatten, in denen die
Kamera tendenziell liegt. Um mich zu ermutigen, öfter nach
draußen zu gehen und zu malen, behalte
ich eine Tasche in der Nähe der Tür. Ich nenne es meine Paint-Go-Tasche, was bedeutet, dass ich es
einfach schnappen und gehen kann. Es enthält alles, was ich
für einen Skizziertag im Freien brauche . Diese Strategie war für mich ein
Game Changer. Ich bin die Art von Person,
die Dinge überdenkt,
und wenn ich darüber nachdenke ,
wie schwer es ist,
draußen zu malen oder vielleicht wo
meine Materialien sind, werde
ich einfach Ausreden machen,
damit ich es nicht tue. Die Tasche ist immer an
der Tür da und nennt meinen Namen und sagt: „Komm schon, lass uns gehen.“ Denn im Laufe der Jahre, als ich immer mehr
draußen zu malen
begann, sah
ich eine drastische Verbesserung meines Verständnisses von Farbe und Licht und meiner Fähigkeit
, es zu malen. Ich weiß also, wie wichtig das ist, aber manchmal brauche ich nur ein wenig
Ermutigung. [MUSIK] Beginnen wir
mit meinem primären Setup, was
bedeutet, dass
ich fast täglich alles
mitbringe . Dies ist mein Anlauf-Setup
, wenn ich draußen male. Zu dieser Zeit in meinem Leben zeichne
ich
mit verschiedenen Medien, male mit Aquarell und
Gouache und manchmal Tinte. Mein Ziel bei diesem Setup ist es, von allem ein bisschen zu haben. Zuerst
klingt es vielleicht so, als wäre das verrückt, das wird viel zu viel sein, aber lass mich es dir zeigen. Es ist eigentlich sehr überschaubar. Das heißt, wenn ich draußen bin die Stimmung für ein
bestimmtes Medium trifft, ist
es sofort bereit zu gehen. [MUSIK] Das Wichtigste zuerst : Verlasse niemals das Haus
ohne Sonnencreme oder Snacks. Ich behalte auch einen Lappen
oder ein Papiertuch und benutze
das am Ende mehrmals. Dieser faltbare, wasserdichte und thermische Sitz hat
meinen Hintern buchstäblich so
oft gerettet . Oft laufe oder
wandere ich meilenweit, bevor ich einen Platz zum Malen
finde. Ich möchte also keinen großen Stuhl
herumtragen, auch wenn er einer dieser
Campingstühle ist
, weil das nach einer Weile schwer wird. Mein Rucksack ist
nichts ausgefallenes. Tatsächlich denke ich, dass es ungefähr 15 Pfund im
Verkauf
war , als ich es gekauft habe, und
jetzt ist es eingestellt. Aber ich habe tatsächlich ein paar
Optionen für Rucksäcke. Wenn ich meine
Kameraausrüstung
mitnehme und meine Drohnenszenen filme, bringe
ich normalerweise meinen anderen professionelleren
Kamerarucksack mit
, der auch viele Kunstbedarf hineinpassen kann. [MUSIK] Ich verwende eine wirklich
billige Bambusbürstenrolle ,
um meine Pinsel zu schützen, aber auch um sicherzustellen, dass ich sie wirklich
einfach
finde, wenn ich draußen male und meine Pinsel
sich ständig ändern. Also werfe ich,
welche ich an diesem Tag
benutzen möchte , in meine
Pinselrolle, bevor ich rausgehe. Das Gleiche gilt für meine
Zeichenutensilien. Ich behalte gerne
mindestens einen von jedem. Also ein Bleistift, ein Stift, ein Pinsel, ein weißer Marker oder möglicherweise ein Pinselstift
oder ähnliches. Ich habe zwei meiner
Lieblingszeichenutensilien gekauft, also kann ich immer eins in
meiner Tasche und eines im Studio haben. Ich behalte auch ein paar Klammern
oder Klammern in meinem Rucksack weil ich meine Seiten gerne
umfalte oder zusammenhalte,
wenn es wirklich windig ist. Dieser nächste könnte
etwas weniger bekannt sein. Es wird Sucher genannt
und wird verwendet, um eine Komposition
einzugrenzen. Ich benutze es gerne
hauptsächlich, wenn ich
Urban Sketching mache , weil es viel komplizierter
erscheint. Also hebe ich es einfach hoch
und bewege es bis ich mich auf eine Komposition einlasse
, die mir wirklich gefällt. [MUSIK] Jetzt auf das lustige Zeug. Sprechen wir über
Farbe und Paletten. Jetzt ist das das
persönlichste Ding aller Zeiten. Nehmen Sie es also mit einem Salzkorn und ich werde
von keinem Unternehmen gesponsert. Alle meine Empfehlungen
stammen also aus jahrelanger Erforschung und Praxis und Versuch einer Menge
verschiedener Setups. Ich kann ehrlich sagen, dass
seit ich angefangen habe,
den Portable Painter und
den Portable Painter Micro zu verwenden , mein Plein Air-Erlebnis so viel besser
geworden ist
und hier ist der Grund. [MUSIK] Ich bewege mich viel
, wenn ich draußen male. Manchmal
setze ich mich für eine Minute, zwei Minuten, fünf Minuten, 10 Minuten oder mehr als eine Stunde hin. Es variiert
je nach Wetter und Standort und genau
wofür ich da draußen bin. Manchmal mache ich nur schnelle kleine Farbnoten oder
schaue mir bestimmte Formen an, und dann gehe ich
zur nächsten Seite. Also brauche ich ein Setup, das sehr, sehr portabel
ist. Diese kleinen tragbaren
Maler werden treffend genannt. Sie sind so unglaublich schnell und einfach einzurichten und
wiegen fast nichts. So macht es die ganze
Erfahrung für mich viel zugänglicher. [GELÄCHTER] Ich
brauche ehrlich gesagt mehr Zeit, um einen Platz zum Sitzen zu
finden und
all meine Sachen aus meiner
Tasche zu holen , als meinen tragbaren Maler
einzurichten
und mit dem Malen zu beginnen. Was ich in
einem Gouache-Setup suche, ist meinem
Aquarell-Setup
sehr ähnlich. Es muss leicht sein, sehr schnell und einfach einzurichten. Nach unzähligen
Experimenten habe
ich endlich ein
Setup gefunden, das mir wirklich gefällt. Sie erinnern sich vielleicht daran, dass ich
diese luftdichte
Aquarell-Palettenbox für meine Gouache benutzt habe. Es gab eine Zeit, in der dies das perfekte Setup für
mich
war , weil ich mehr
Farben in einem einzigen Gemälde verwendet habe. Heutzutage male ich nur mit einer begrenzten Palette und dafür
gibt es viele Gründe, über
die ich in
vielen meiner Videos spreche. Diese Palettenbox ist
für mich größtenteils übertrieben. Stattdessen
bringe ich einfach 5-8 Tuben Gouache mit und verwende
sie frisch aus der Tube, was so ideal für die
Art ist, wie ich Gouache verwende. Aber natürlich brauche ich etwas,
um die Gouache zu mischen
, wo diese
kleine Palette ins Spiel kommt. Dies sind nur zwei
Kunststoffstücke, die zu
einer luftdichten Palette
zusammenpassen. Wenn du willst, kannst du
einen Stay-Wet Schwamm
und Palettenpapier hinzufügen , aber ich mische einfach direkt auf den Kunststoff, weil ich,
wie ich bereits erwähnt
habe, gerne viel herumfahre. Ich bin also nie so lange
genug
an einem Ort , um den
Schwamm und das Papier zu brauchen. Eine andere Sache, die sich sehr ändert
, sind meine Skizzenbücher. Ich probiere ständig
neue Skizzenbücher, neue Papiere,
verschiedene Größen und Formen aus. Aber
größtenteils behalte ich immer ein oder zwei in meiner Tasche. Wenn ich mich in ein Skizzenbuch verliebe
, kaufe
ich ein paar davon. Da ich gerne eine
Vielzahl von Medien verwende, behalte
ich normalerweise immer ein kaltgepresstes, heißgepresstes und ein gemischtes Medien-Skizzenbuch
in meiner Tasche. Ich habe auch ein
Mini-Zeichenbrett, das ich auf die
Größe geschnitten habe , um mir eine
stabilere Oberfläche zu geben. Wie viel wiegt das Ihrer
Meinung nach? Es nimmt
nur etwa drei Kilogramm oder
etwa sechseinhalb Pfund ein. Das ist alles, was ich für
einen ganzen Tag voller Plein Air
Malen und Skizzieren brauche . [MUSIK] Aber was ist Tagen, an denen ich
noch weniger Energie habe
oder einfach nur
einen kurzen Spaziergang durch
die Nachbarschaft mache ? Hier kommt diese super
stylische Bauchtasche ins Spiel. Normalerweise trage ich es wie eine
Umhängetasche und kann es nach
vorne
schwingen, um meine Vorräte zu greifen. Ich habe dafür gesorgt,
ein wasserdichtes zu kaufen ,
damit ich mir
keine Sorgen machen musste , dass meine
Skizzenbücher ruiniert werden, wenn ich im Regen
gefangen bin, was in Schottland ziemlich
üblich ist. Für dieses Kit habe ich
eine reduzierte Version dessen, was ich dir zuvor gezeigt habe. Dies ist mein kleines Hahnemuhle vier mal sechs Zoll graues
Papier-Skizzenbuch. Ich bringe einfach ein paar
meiner Lieblingsutensilien mit diesem
kleinen Pinselclip an die Außenseite und wähle einfach einen Pinsel
und einen oder zwei Stifte, die ich mitbringen
möchte. Für Farbe verwende ich den
Portable Painter Micro. All dies kann in
meiner Hand gehalten werden , damit ich
stehen und skizzieren kann, was sehr praktisch ist wenn ich nur schnelle Spaziergänge mache. Aber am wichtigsten ist,
dass alles sehr leicht und einfach
einzurichten und zu verstauen ist. [MUSIK] Nichts davon ist in
Stein gemeißelt und ich nehme manchmal
ein ganz anderes Setup
heraus ,
nur um die Dinge zu verwechseln. Außerdem denke ich, dass ich mich
ständig weiterentwickle und meine Bedürfnisse werden sich im Laufe der Zeit
ändern. Zum Beispiel nehme ich
meine
Ölgemälde-Vorräte nicht mehr nach draußen. Der Hauptgrund dafür ist
, dass die Art und Weise, wie ich gerne mit Ölen
arbeite, mit Palettenmessern
viel größer ist mit Palettenmessern
viel größer und ich viel Platz zum
Mischen brauche, und ich nehme
mir gerne Zeit und schichten Dinge auf und geh davon weg und
komm nach einer Weile wieder darauf zurück. Es ist einfach eine ganz
andere Arbeitsweise. Aber ich zeige Ihnen schnell mein Ölgemälde-Setup für diejenigen unter Ihnen, die
daran interessiert sind. [MUSIK] Ich nenne das mein großes Setup , weil es viel
mehr Zeit und Mühe kostet. Egal, ob ich mit
Ölen oder Gouache oder was auch immer male, eine Pochade-Box ist
wirklich großartig, um alles zu
enthalten, was Sie für eine Malsitzung
benötigen. Die meisten von ihnen haben Stauraum im Inneren, sodass Sie ihn
einfach schließen und loslegen können. Ich habe zwei Pochade-Boxen. Man ist ziemlich groß und wiegt fast sechs Pfund von selbst. Aber es ist ein tolles Kit. Aber ich benutze es nur, wenn ich in der Nähe
meines
Autos campiere oder male , weil ich mit diesem definitiv nicht
wandern werde. Meine kleinere Pochade-Box und
die, die ich am häufigsten verwende, ist die Guerilla Painter
Sechs-mal acht Zoll Thumbox. Dieses Ding ist so robust, es etwa 3,5
Pfund oder 1,7 Kilogramm wiegt. Aber lass mich dir sagen,
dieser kleine Kerl hat im Laufe der Jahre viel
überlebt. Ich habe dieses Ding
Wasserfälle und Klippen heruntergeworfen und es hat so viel
überlebt und meine Malerei
und Vorräte darin
geschützt. Obwohl es
auf dem Markt
erstaunliche Pochade-Boxen gibt , die ich gerne ausprobieren
würde, lohnt
es sich einfach nicht, so viel Geld in
ein Kit zu
investieren , das ich nicht
oft verwende, weil
ich wieder viel mehr davon bin ein tragbarer
Künstler, wenn ich draußen bin. Aber in den seltenen Fällen, in
denen ich weiß , dass ich eine Weile an
einem Ort sitzen
werde, ist es
schön, eine Pochade-Box zu
haben,
all Ihre Materialien aufstellen zu können all Ihre Materialien und einfach eine
stabilere Oberfläche zu haben. Es hat Jahre gedauert, bis ich
meine Materialien aufgebaut habe und Dinge
gefunden habe, von denen
ich glaube, dass sie mir auf
meiner Reise wirklich geholfen haben ,
anstatt mich zu behindern. Ich habe
im Laufe der Jahre viel Geld für Dinge verschwendet , die ich wirklich nicht brauchte, nur weil ich gesehen habe, wie andere Künstler sie benutzt haben. Deshalb ermutige ich dich
, klein anzufangen. Ein Skizzenbuch, ein Stift, ein Bleistift, ein kleines
Aquarell-Set. Du brauchst wirklich
nichts zu ausgefallenes. Zuerst werden Sie sich
wahrscheinlich darauf konzentrieren, nur die Gewohnheit aufzubauen, nach draußen
zu gehen.
4. 1.3 Finde deinen Stil: Eine der häufigsten
Fragen, die ich bekomme ist, wie finden Sie
Ihren Kunststil? Ich sage es ungern, aber ich habe eine
der schlimmsten Antworten. Ich sage den Leuten immer, dass
du deinen Stil nicht findest. Dein Stil ist
schon in dir. Die einzige Möglichkeit, Ihren Stil
hervorzuheben um es herauszufinden,
besteht darin, die Arbeit zu erledigen. Es ist, die
Zeitmalerei nach dem Malen einzulegen. Der Grund dafür
ist, dass im Laufe
der Zeit, je mehr Gemälde Sie machen, desto offensichtlicher wird
es, wie Sie malen oder zeichnen möchten, was
bedeutet, welche Werkzeuge Sie
gerne verwenden oder nicht, wie Sie benutze
sie gerne oder benutze sie nicht. Wenn wir wachsen,
ahmen wir oft verschiedenen Stilen nach, die wir online oder in Büchern
sehen,
und dadurch erkennen
wir, ob es
uns gefällt oder nicht. Jeder kann lernen
, etwas zu kopieren , das er online oder in einem Buch gefunden hat. Aber wenn Sie
Ihren inneren künstlerischen Stil,
Ihre innere Ästhetik, wirklich ausdrücken möchten Ihren inneren künstlerischen Stil,
Ihre innere Ästhetik, , müssen
Sie sich eine sehr
wichtige Frage stellen. Was ist dein Warum? Dein Warum treibt dich an. Es ist das, was Sie
begeistert,
den Bleistift oder den Pinsel aufzunehmen
und mit dem Erstellen zu beginnen, egal ob es sich um
Porträts oder Tiere oder städtische Skizzen
oder Landschaften handelt, Sie müssen
darauf zugreifen innerer Brennstoff, der Ihr Feuer durch all
die vielen Stunden des Studiums durchlaufen
würde , die es erfordert. Für selbstgeführte Künstler
oder Künstler, die keine Kunstschule besuchen
oder eine lange Ausbildung absolvieren, ist
es wirklich wichtig, dies zu
nutzen, da es Ihnen helfen
wird,
Ihren Kurs zu gestalten des Studiums. Es wird Ihnen wahrscheinlich
Hunderte von Stunden Fokus ersparen wenn Sie einen
zielgerichteteren Selbststudienplan haben
und wenn Sie bereits wissen, was Ihr Stil ist und wohin Sie
ihn bringen möchten, dann ist das großartig. Aber für diejenigen unter Ihnen
, die keine Ahnung haben, habe ich einige praktische Ratschläge. Öffnen Sie Ihre bevorzugte Anwendung
zum Speichern von Fotos. Für mich ist das Pinterest. Es ist so einfach zu stöbern und wirklich coole neue
Dinge zu
finden. auch immer, was ich gemacht habe, war ein Album namens
Inspiring Artwork zu
kreieren und
im Laufe von ein paar Monaten fing
ich an, Dinge zu retten, die einfach wirklich herausgesprungen und mich im Moment
inspiriert haben. Nach einer Weile ging ich rein
und schaute mir an, was ich hatte. Mir wurde klar, dass dies sehr aufschlussreich
war. Die Antwort lautet in den Zahlen. Der Großteil der
Kunstwerke, die ich gespeichert habe, war extrem ausdrucksstark und
manchmal ziemlich abstrakt. Ja, es gibt ein paar
Ausreißer hier und da, aber wenn ich mir die Mehrheit
ansehe und
alles destilliere, was ich sehe, war
es so offensichtlich, was meine innere Ästhetik
mich anschrie. Es heißt Sarah, sei
einfach ausdrucksstark, sei du selbst und so habe ich angefangen, das zu
ändern, was ich studiert habe. Ich denke, es ist wichtig,
Realismus und Kunstrollen und
all das zu studieren all das ,
und deshalb bist du
hier in dieser Klasse. Aber ich habe viel mehr angefangen zu
experimentieren. Ich fing an, meine
künstlerischen Beine zu strecken, wenn du willst. Ich fing an, meine Liebe
zu fast abstrakten Landschaften anzunehmen . Je mehr ich mich mit dem beschäftigte,
was sich wirklich wie
ich anfühlt, begann ich
Gleichgesinnte anzuziehen,
Menschen, die nicht nur meinen Stil, sondern auch
meine Denkweise
liebten und das ist großartig für das Geschäft,
aber vor allem Ich bin wirklich glücklich. Jeden Tag wache ich aufgeregt auf
zu kreieren und das
liegt daran, dass ich nicht versucht habe,
mich dazu zu zwingen , in
einem bestimmten Stil zu malen. Ich erlaubte mir die
Zeit zu experimentieren, zu sehen, was ich mochte
und nicht mochte ,
und als ich mich im Laufe der Zeit
kennenlernte, klar, was meine
wahren Leidenschaften sind, wohin ich mit meiner Kunst gehen möchte, was ich gerne kreiere
und teile. Der springende Punkt
dieser Geschichte besteht nur darin, Sie zu ermutigen,
nicht mehr
in ein bestimmtes Etikett oder
eine Schachtel
zu passen in ein bestimmtes Etikett oder
eine , und sich einfach selbst kennenzulernen. Lassen Sie sich die Zeit haben
zu erforschen und zu experimentieren. Je mehr Sie sich selbst kennenlernen und wovon Sie sich von
Natur aus angezogen fühlen, desto mehr Klarheit
haben Sie in Ihrem Studium. Das bedeutet, dass Sie jedes Tutorial von
jedem Künstler
ansehen und
die Stücke auswählen können jedem Künstler
ansehen und
die Stücke auswählen , die auf Sie zutreffen
und was Sie gerne tun.
5. Grundlagen des Zeichnens: [MUSIK] Um anzufangen,
brauchst du etwas Papier. Ich benutze nur Computerpapier , weil es wirklich
billig und leicht zu finden ist. [GELÄCHTER] Etwas
zum Zeichnen wie
einem Druckbleistift oder
Ihrem Lieblingsutensil, einem Radiergummi, etwas Tee
und Ihrer Fantasie. Für die Zwecke dieser Lektion werde
ich Holzkohle verwenden, nur weil sie weniger
reflektierend ist und ich nicht
möchte, dass ihr
Schwierigkeiten habt zu sehen, was ich mache. Sprechen wir zuerst über das
Liniengewicht, denn jedes Utensil wird ein anderes Liniengewicht
haben,
was bedeutet, wie dick oder
dünn die Schnur ist. Ich liebe es, mit
Druckbleistiften zu zeichnen, aber wenn man sich die Spitze anschaut, sieht
man, dass es winzig ist. Vergleichen Sie das mit meiner Holzkohle, und Sie können sehen, dass die
Holzkohle mir ein viel
vielseitigeres Liniengewicht geben kann . Linienstärke ist bei der
Landschaftszeichnung wichtig, da eine dicke Linie eine Schattenkante anzeigt
und
eine dünne Linie eine Markierungskante
anzeigt, oder zumindest mache ich das gerne. Zeichnen wir also einfach eine
Grundform, um dies zu demonstrieren. Nehmen wir an, unsere
Lichtquelle kommt von oben rechts, das bedeutet, dass die
untere linke Seite im Schatten
liegt. Ohne eine Schattierung zu machen, kann
ich dies anzeigen, indem ich
die untere linke Kante verdunkle. Ich benutze eine wirklich
dicke dunkle Linie mit starkem Druck
auf das Papier. Wenn es dann näher
an der oberen rechten Seite kommt, lasse
ich es
wirklich leicht und dünn bleiben. Mit sehr minimalem Aufwand können
wir anfangen, Licht auf unsere Formen zu vermitteln. Einer der Gründe, warum
es wirklich praktisch ist und Spaß macht, einen Kohlestift oder
sogar einige
Graphitstifte zu verwenden , ist, dass Sie technisch gesehen so viel Material haben, mit
dem Sie arbeiten können. Du hast nicht nur den Tipp, du hast auch diese
lange flache Seite. Lassen Sie uns also ein Beispiel machen. Wenn ich nur die Spitze benutze, kann
ich eine schöne,
gleichmäßige Linie bekommen, oder ich kann anfangen, sie
leicht zur Seite zu drehen und sie etwas dicker zu
machen, oder ich kann
diese ganze Kante entlang der
Oberfläche drücken von der Zeitung und bekomme eine schöne dicke Linie. Wenn Sie einen
Druckbleistift oder
einen Stift haben , bei dem es
nur eine winzige Spitze ist, können
Sie dennoch
einen ähnlichen Effekt erzielen. Wir haben unseren Kreis sehr chaotisch. Oben rechts
bekommt das Licht, also wird das einfach so
bleiben. Aber dann unten links müssen
wir diese
Linienstärke fälschen, indem wir diese ausfüllen. Jetzt können wir wieder reinkommen und das schön dünn
machen. Ich habe die Dicke
ein wenig übertrieben, damit du immer noch sehen kannst, da sie viel
leichter ist als die Holzkohle, aber du hast die Idee. Wie können wir das Liniengewicht in
einer Landschaft zu unserem Vorteil nutzen? Zeichnen wir einen Felsen, der in etwas Gras
sitzt. Wenn ich angeben möchte , dass ein
Felsbereich hervorgehoben ist, verwende
ich sehr dünne
Lichtlinien und in meinen Schattenbereichen verwende
ich dunkle Linien
sowie Risse und
Spalten und dergleichen. Ich werde keine
Softshading oder Blending verwenden; ich werde nur
Linie und Schraffur verwenden, über
die wir bald sprechen werden. Hier
sitzt mein kleiner Stein im Gras. Indem er diese Linien einfach
viel dicker und dunkler macht,
sowie einige dieser Risse
und Muster auf dem Felsen, einen kurzen Blick das Licht sehen, wird
der Betrachter auf einen kurzen Blick das Licht sehen,
das auf diese Seite trifft. Wenn Sie es dann weiter
gehen möchten, können
Sie ein
wenig Schraffur hinzufügen. Sie müssen
also nicht alles mit
perfektem Mischen und Schattieren erledigen. Sie können eine Form der
Kurzschrift wie
diese verwenden , um Ihr Thema klar zu
kommunizieren, jedoch in einem Bruchteil der Zeit. Jetzt habe ich einen Stift mit einer Spitze von einem Millimeter und
man sieht, dass die Linien
relativ dick sind. Es
ist sehr wichtig, Ihr
Tool und die Arten von
Markierungen kennenzulernen , die Sie erstellen können. Manchmal macht es mir Spaß
, mich selbst herauszufordern. Ich gehe mit einem Stift raus
und das ist alles, womit ich arbeiten muss. Also muss ich
dieses Tool wirklich
gut kennen , um mein Ziel
erreichen zu können. Nehmen Sie ein paar Zettel oder eine Seite in Ihrem Skizzenbuch und
spielen Sie einfach mit den Arten von
Markierungen, die Sie erstellen können. Vergleichen wir den
Graphit mit dem Stift. Noch ein klumpiger Kreis. Aber auch hier müssten wir diese dickere Linie
auf der linken Seite
vortäuschen. Tun wir so, als wäre dies
nur ein Klumpen Platon, da es definitiv
kein perfekter Kreis ist. Es ist wirklich schwierig, einen perfekten Kreis zu
zeichnen, also mach dich nicht auf dich selbst,
wenn du damit zu kämpfen hast. Ich habe keine Ahnung, wie ich
das so kreisförmig gemacht habe. Wie auch immer, ich bevorzuge definitiv eine sehr stilisierte
Art zu skizzieren. Ich neige dazu, eine
Version von Schraffuren , die wie parallele Linien ist. Viele parallele Linien. Wenn ich noch einen Schritt weiter gehen
möchte, ist
es einfach, den Winkel leicht zu ändern und
zu kreuzen. Natürlich kann ich das so
lange fortsetzen, wie es
nötig ist, um den Grad der
Schattierung
darzustellen, den ich anstrebe. Sagen wir, wir haben wieder einen Stein. Wenn ich diesen Stein
beschatten würde, könnte
ich so etwas machen. Dies ist wieder eine sehr
Kurzversion des Skizzierens. Diese Linien sind alle parallel, sie gehen alle in
die gleiche Richtung, und die Nähe zeigt an, wie viel
Schatten es gibt. Wenn ich die Linien
wie dort verteile, ist
es ein bisschen
leichter und dann
ist der weiße Bereich
natürlich mein Highlight. Ich kann das in jeder Form machen. Aber der springende Punkt
ist es, Ihnen einfach zu zeigen, dass Sie es im Grunde
nicht übertreiben müssen. Wenn Sie draußen malen, skizzieren
Sie unterwegs,
manchmal haben Sie Minuten Zeit, manchmal haben Sie Minuten Zeit um festzuhalten, was Sie einfangen
möchten, Sie haben keine Stunden. Daher wird es sehr nützlich sein, in relativ
kurzer
Zeit Wege
zu finden, um
zu kommunizieren relativ
kurzer . Wenn Sie noch einen Schritt weiter gehen
und
kreuzen möchten , um es etwas detaillierter zu machen oder Schatten ein bisschen mehr anzuzeigen, gehen Sie
einfach in die
entgegengesetzte Richtung. Es gibt auch eine lustige Sache, die man
tun kann , Konturschraffur genannt. Sagen wir, das ist der
Umriss unseres Rocks. Anstatt meine Linien
so perfekt gerade zu machen, würde
ich anfangen,
sie um die Oberfläche zu krümmen. So etwas, und das ist eine sehr extreme
Version, würde ich sagen. Aber zurück mit
verschiedenen Blickwinkeln, also hab einfach Spaß damit. Geh einfach mit ein paar Formen spielen
und fange an, sie zu schattieren. Irgendwann werden Sie
sich mit einer Art Kurzschrift begnügen,
die Sie lieben und die Sie wirklich angenehm finden. Wir gehen zurück zu unserer
Kohle-Seite, damit ich
einige weiche Blended
Shading demonstrieren kann . Los geht's. Was ich normalerweise
gerne mache, ist,
die große Kante meines
Graphits oder meiner Holzkohle zu verwenden , was auch immer ich verwende, und fülle so viel wie
möglich mit diesem größeren Bereich aus. Mein Finger übt hier
Druck auf den
Bleistift aus. Ich werde einfach versuchen,
eine schöne gleichmäßige Menge
Graphit auszufüllen , um damit zu beginnen. Machen Sie sich keine Sorgen, wenn Sie
außerhalb Ihrer Leitungen gehen, können
Sie dies später jederzeit
anpassen. Es ist keine Tinte. [GELÄCHTER] Vermeiden Sie es, die Spitze zu verwenden ,
da die Spitze
mehr Druck auf
das Papier ausübt und
eine vollere Linie bildet, die später
möglicherweise nicht entfernt werden kann oder nicht. Ich verwende hier oben leichteren
Druck weil ich weiß,
dass das mein Highlight sein wird. Meine Linien gehen immer noch in
die gleiche Richtung, aber wir werden
das in einer Sekunde ändern. Ein bisschen härterer Druck
hier, um es dunkler zu machen, und leichter Druck,
um das Highlight zu zeigen. Wenn Sie möchten, können Sie sofort
zurückkommen und die Kanten mit
einem Radiergummi aufräumen , oder das
können Sie am Ende tun. Ich werde es nicht
anfassen, weil
es einfach überall verschmiert, aber ich werde mein
Papier auf diese Weise um 90 Grad drehen. Ich übe wieder mehr Druck
auf die Schattenseite aus und
erinnere mich daran, dass dies mein Highlight ist. An diesem Punkt
drehe ich vielleicht einfach mein Papier in jede Richtung
und versuche, verschiedene
Blickwinkel zu bekommen und einfach ein bisschen
mehr von diesem Schatten
auszufüllen. Zu jeder Zeit geht meine
Hand in eine Diagonale in die gleiche Richtung weil ich tatsächlich an meinem Ellbogen
schwenke. Ich benutze
mein Handgelenk nicht wirklich so, es bewegt sich tatsächlich dort,
wo mein Ellbogen ist. So kann ich auf diese Weise sehr
gleichmäßige Markierungen bekommen, anstatt chaotischeren
Druck und Winkel zu haben, wenn ich versuche, mein Handgelenk zu benutzen. Wenn Sie noch einen Schritt weiter gehen
möchten, können
Sie ein Papiertuch verwenden, das
um Ihren Finger gewickelt ist,
und Sie können es mischen. Ich benutze eine kleine Kreisbewegung. Dann kannst du mit einer
anderen Ebene
wieder reinkommen und diese
kontinuierlich aufbauen. Es liegt an dir, es
so weit zu bringen, wie du willst, aber das ist die allgemeine
Idee für die weiche Schattierung. In Anspruch nimmt definitiv viel mehr Zeit in Anspruch, aber Sie können
wirklich coole Ergebnisse erzielen. Einige Leute
fragen sich vielleicht: „Nun, woher
wussten Sie, wo Sie
das Highlight hinstellen müssen und wo Sie den Schatten hinstellen
müssen?“ Das kommt aus der
Beobachtung aus dem Leben. Wenn du damit üben musst, sieh dir noch mehr Sachen an. Schau nicht nur hin, beobachte [LACHEN]
und starre es an und versuche
wirklich zu bemerken wo das Licht
am hellsten trifft, wo sich die Schatten zu bilden beginnen, wo sie am dunkelsten werden. Du kannst eine Orange oder
einen Apfel vor dich
legen sie aus
verschiedenen Blickwinkeln anzünden und auf diese Weise anfangen
zu üben. Aber wirklich, wenn
Sie Ihre interne visuelle
Bibliothek einfach mit allen möglichen
verschiedenen Formen
und
unterschiedlicher Beleuchtung füllen Sie Ihre interne visuelle
Bibliothek einfach mit allen möglichen verschiedenen Formen
und
unterschiedlicher , ist Ihr
bester Lehrer.
6. 2.2 Sketchbook: [MUSIK] Ich bin fest davon überzeugt , dass mein Skizzenbuch
der Hauptgrund dafür ist , dass
ich in den
letzten Jahren so schnell
wachsen konnte wie ich es getan habe. In dieser Lektion teile ich meine Skizzenbuchgewohnheiten
und spreche darüber, warum es wichtig ist, so oft wie möglich
ein Skizzenbuch bei
dir zu haben . Ich habe vielleicht ein wenig
Besessenheit mit Skizzenbüchern. Ich sehe es aber nicht als eine
schlechte Sache an. Skizzenbücher sind ein
Ort zum Experimentieren, um
zu erforschen, ohne
Angst davor zu haben, beurteilt zu werden. Meistens wird
niemand jemals
sehen, was sich in
Ihrem Skizzenbuch befindet es sei denn, Sie möchten es tun. Die Auswahl eines Skizzenbuchs
ist so persönlich. Für mich fühlt es sich gleichbedeutend mit
dem Kauf von Kleidung an. Die Größe und Form und
gleichmäßige Farbe des Papiers hängt davon ab, welche
Bedürfnisse Sie als Künstler haben. Dies ist ein Skizzenbuch
, das ich selbst
mit meinem
Lieblings-Aquarellpapier gemacht habe . Ich habe nicht den besten
Job mit der Bindung gemacht, aber es entspricht meinen Bedürfnissen. Ich neige dazu, bestimmte Materialien in
bestimmten Skizzenbüchern aufzubewahren. Mit einem Skizzenbuch, das
wirklich schönes, hochwertiges
Aquarellpapier enthält , neige
ich dazu, mich in viele
verschiedene Medien zu
verzweigen , die eher für
gemischte Medien verwendet
werden , obwohl die meisten
Leute mir folgen In den sozialen Medien sehe ich meine Bilder nur
wirklich. Die meiste Zeit
damit verbracht zu üben, viele
verschiedene Materialien zu verwenden,
daher ist es entscheidend für mein damit verbracht zu üben, viele
verschiedene Materialien zu verwenden, Wachstum als Künstler, diese in
meinen Skizzenbüchern frei
zu
erforschen . Es gibt dieses Ding, das ich
getan habe , was
andere Künstler getan habe, nämlich das Starten
eines Skizzenbuchs aufzuhalten , weil sie
nur Angst haben, es zu vermasseln. Ich war viele Male dort. Die Art und Weise, wie ich darüber hinwegkomme
, besteht darin, die ersten
Seiten zu verwenden , um viele
verschiedene Materialien zu testen. Das ist nicht nur
wirklich, wirklich nützlich, sondern wird auch zu Ihrer Referenz für die
Zukunft Ihres Skizzenbuchs. Jedes Mal, wenn Sie dort arbeiten,
möchten Sie zu einem neuen Medium wechseln, Sie können sich einfach schnell Ihr Referenzblatt
ansehen und sehen, wie sich dieses Material verhalten
wird. Dies ist eine großartige Möglichkeit, die Angst zu
überwinden,
Ihre erste Seite zu vermasseln , da diese Referenzseiten chaotisch
sind [GELÄCHTER]. Es gibt ihm einen Zweck, der über
etwas hinausgeht, das hübsch aussieht. Zwei meiner Lieblingsbeschäftigungen, die man
skizziert, sind Steine und Bäume. Dieses Skizzenbuch ist
diesen beiden Themen gewidmet. Wenn wir es auf einer Seite öffnen, ist
dies der
Felsabschnitt [LACHEN]. Ich nannte es The Many
Secret Lives of Rocks. Sie haben ihre eigene Sprache. Das ist einfach
voller Experimente, versucht verschiedene Formen zu zeichnen, hat
einfach viel Spaß
damit, denn warum nicht? Aber vieles davon ist
damit ich üben kann, all die verschiedenen Facetten von Felsen zu
zeichnen und zu schattieren. Es
passiert nicht einfach über Nacht. Es hat lange
gedauert, bis ich an diesen Punkt gekommen bin. Etwas, das ich sehr
empfehle, ist ein kleines Skizzenbuch
wie dieses bei sich zu
tragen, es in dein Auto zu
legen
, damit es immer
unterwegs ist. Wenn Sie irgendwo 15 Minuten
auf einen Termin warten , können
Sie ihn einfach herausziehen
und mit dem Skizzieren beginnen. Je mehr du es tust,
desto mehr
baust du dein Muskelgedächtnis auf. Die meisten davon
stammen nur aus der Phantasie. Ich beginne mit einer Symbolform und
versuche von dort aus zu visualisieren was in 3D
im Raum passiert, aber wieder,
das ist seine eigene Fähigkeit
, die mit der Zeit einhergeht, die mit Übung einhergeht. Ich verbringe auch viel Zeit
am Fluss und
balanciere gerne Steine. Es ist eine herausfordernde Aktivität, aber ich finde es sehr entspannend. Eines Tages, als ich da draußen war, fing
ich einfach an, sie zu skizzieren. Wenn wir das Skizzenbuch
umdrehen, drehen wir es um, wir haben den
Baumbereich und ich nannte es The Many Ways of Trees
und ihre Träume. Genau wie bei den Felsen geht
es so sehr ums
Experimentieren. Oft zeichne ich
damit nur eine sehr lockere
Geste eines Baumes zu zeichnen, fast als würde ich
Gestenfiguren zeichnen. Manchmal bringe ich das in den Wald und ziehe aus dem Leben und manchmal es nur aus der Fantasie und ich fordere mich
wirklich gerne heraus, mit meinen Bäumen kreativ zu werden. Etwas, das ich mache, um Bäume zu
zeichnen, ist,
diese sehr einfachen
Formen zu machen und dann
zu versuchen , sie auf 3D-Weise zu rendern. gerade mit
einer einfachen S-Form anfangen, Was kann ich gerade mit
einer einfachen S-Form anfangen, um das so
aussehen zu lassen, als hätte es etwas Volumen? Oft kann
man mit meinen Bäumen das Skelett
meiner Skizze bis
zur Endphase sehen . mir persönlich nichts aus, all diese
kleinen Richtlinien sehen zu
können, ich mag es in der Tat. Sie können auch den Schraffurstil für
parallele Linien sehen , von dem ich Ihnen erzählt habe. Hol dir ein kleines Skizzenbuch, mach es zu deinem besten Freund. (GELÄCHTER)
7. 2.3 Vereinfachte Formen Teil 1: [MUSIK] Alles in der Landschaft kann in
sehr einfache Formen zerlegt werden. Wenn Sie anfangen, diese Formen
in Ihrer Umgebung zu
sehen, bereiten
Sie
sich darauf vor, sie zu zeichnen. Die Grundlage unserer Gemälde, insbesondere bei der
Verwendung von Aquarell, werden starke Zeichenfähigkeiten sein. Ich stelle mir
diese Formen gerne als Skelett unseres Gemäldes vor. Wenn das Gemälde gute Knochen hat, kann
es sein
Thema viel besser kommunizieren. In dieser Lektion zeige
ich Ihnen, wie ich Formen
in der Landschaft
vereinfache. Aber wenn Sie
mehr Details zum
Zeichnen oder Malen von
Bäumen oder Felsen wünschen , habe ich zwei weitere vollständige Klassen
zu diesen Themen. Aber jetzt
fangen wir mit den Grundlagen an. Hallo an alle aus dem sehr
kalten Nordosten Schottlands. [GELÄCHTER] Für diese Lektion werde
ich Sie durch
meinen Prozess führen, werde
ich Sie durch
meinen Prozess führen um draußen herumzulaufen und Objekte wie Steine
oder Äste zu
betrachten und
sie bis zu ihrem Kern zu vereinfachen ,
vereinfacht geometrisch formen. Wir werden
Computerpapier und einen Sharpie benutzen. Der Grund, warum ich
die grundlegendsten Vorräte verwende ist, dass ich das Gefühl habe, dass es sehr
wichtig ist , wenn du
anfängst , die
Angst
zu vermasseln. Wenn Sie ein
teures Skizzenbuch verwenden, ein teures Zubehör, wird das
manchmal allein Sie aufhalten. Zusätzlich zu einem Sharpie, mit einem Marker, kannst
du
[LACHEN] nicht löschen, also musst du sofort
deine Angst loslassen, ein schlechtes
Zeichen zu machen oder eine Linie zu durcheinander zu bringen. Denken Sie daran, dass Sie jedes
Mal, wenn Sie
einen Fehler machen , daraus
lernen. Wenn Sie Hinweise auf
Fehler auf Ihrer
Leinwand oder Ihrem Papier haben , ist
dies nur eine
Lektion Sie beim nächsten Mal besser machen
. Ich laufe einfach um mein Haus herum laufe um den Hof herum. Wenn Sie in einer Stadt leben, können
Sie in einen örtlichen Park gehen
oder einfach
die Straße entlang gehen und einen ruhigen
Ort abseits von Menschen finden. [GELÄCHTER] Es gibt keine
Entschuldigung, egal was passiert. Sie können nach draußen gehen
und
einen Felsen oder einen Zweig finden und skizzieren. Mal sehen, was wir finden können. Ein paar Meter von meiner
Tür entfernt, das ist ein Stein. [GELÄCHTER] Lassen Sie es uns skizzieren. Wenn ich mich hinsetze,
um diesen Stein zu
zeichnen denke ich zuerst darüber nach
, mit welcher geometrischen Grundform ich anfangen würde. Wäre es ein Kreis oder
ein Würfel oder so? In diesem Fall sage ich etwas abgeflachte
Kugel oder Kreis. Das ist in seiner grundlegendsten Form. Damit fange ich an. Sie können jedoch
sehen,
dass der Boden dieses Felsens auf dem
Boden liegt, er ist flach. Es ist kein Ball, der
herumrollt. Wir können dies vereinfachen, indem wir den Boden
abflachen. Schon sieht es viel
mehr wie der Felsen aus, aber wir können sehen, dass es
einige Winkel auf dem
Felsen gibt , die etwas
flacher oder
sogar wie eine Vertiefung haben . Versuchen wir
dies langsam Schritt für Schritt. Auf der linken Seite sehe ich, dass es dort eine kleine
flache Kante gibt. Das ist das erste, was ich tun werde, also werde ich diese Kante abflachen. Die Vorderseite des Felsens kommt auf mich zu und
dann wieder zurück. Es gibt eine Ecke, die vorne sehr
abgerundet ist. In diesem Fall würden wir
diese flache Linie ein
wenig zu uns bringen diese flache Linie ein
wenig zu uns und dann würden wir sie
zurückschicken. Wenn es zurückgeht, ist
diese rechte Seite wieder
etwas abgeflachter. Anstelle einer runden Kante würde
ich es
etwas flacher aufbringen. Dann ist die Oberseite
des Felsens ziemlich flach und es hat eine etwas
abgerundete Verjüngung dazu. Ich werde nicht ganz flach gehen, aber
das werde ich ein bisschen abrunden. Wie finden wir
heraus, wo wir
es schattieren müssen, um ihm ein besseres 3D-Look zu verleihen? Nun, da die Sonne diesen Felsen
nicht
direkt trifft und es
keine super starken
Highlights oder Schatten gibt, kann
ich
das einfach für mich selbst entscheiden. [LACHEN] Wo immer
es hier drüben ein bisschen Schatten auf dieser
Seite gibt, kann
ich das einfach wählen,
da meine Schattenseite und diese obere rechte Seite meine Highlight-Seite sein
wird. Wenn Sie an
die Skizzierstunde zurückdenken, habe ich Ihnen meine
Strategie für das Schraffieren gezeigt, die wie diese parallelen
Linien oder das Crosshatching ist, was dasselbe tut, aber übertrieben geht man im
Gegenteil Richtung. Es liegt an dir zu entscheiden,
wie du es schattieren willst. Aber ich verwende meine normale Methode und füge den Schatten
auf dieser linken Seite hinzu. Zuerst werde ich in einer
dieser ersten Schicht liegen. Eine Sache, die ich merke, ist
der obere Rand des Schattens , denn der Felsen hat
diese große flache Spitze. [GELÄCHTER] Es verjüngt sich
in Richtung dieser vorderen Ecke. Meine Schattierung wird schräg in
Richtung dieser vorderen Ecke verlaufen. Auf
der Unterseite dieser rechten Felsseite
befindet sich auch ein bisschen Schatten . Das werde ich da drüben fortsetzen
. Wir haben eine grundlegende Rock-Form. Wenn wir ihm
noch mehr Charakter verleihen oder es
etwas detaillierter
gestalten möchten noch mehr Charakter verleihen oder , können
wir mehr Schattierungen
oder Kreuzschattierungen hinzufügen
oder eine können
wir mehr Schattierungen
oder Kreuzschattierungen hinzufügen der Linien und
andere Markierungen zeichnen, die wir sehen. Vielleicht hätte ich hier
einen kleinen Schatten weil es
hier im Felsen einen
kleinen Sprung gibt. Vielleicht gibt es eine unterbrochene
Linie, die hier und
da
über den Felsen reist , weil es viele Risse auf diesem Felsen und
viele interessante Muster gibt. Obwohl es ein leichter Stein ist, sieht man das,
wenn
man genau hinschaut. Wenn Sie möchten, können Sie es
genau so belassen , das Grundformular. Dies wäre unser
sehr vereinfachter Rock. [GELÄCHTER] Mal sehen, was wir
sonst noch herausfinden können. [NOISE] Wir haben einige
Zweige, die wir zeichnen könnten. Wir haben noch einen Stein, eigentlich ein Haufen
Steine hier unten. Lasst uns ein
paar dieser Steine aufstellen und zeichnen. Ertragen Sie mich mit der Beleuchtung, denn
wenn ich mein Papier anhebe wird
es das
Video etwas dunkler machen, und wenn ich es senke, wird
das Video viel heller. Zunächst müssen wir entscheiden, welchen Rock wir zeichnen werden. Einer der Felsen, der mir
wirklich auffällt, ist dieser, weil er
viele coole Formen hat. Aber das erste, was mir auffällt,
ist dieses große flache Top. Es hat auch einige flache vertikale Kanten auf beiden Seiten
und hier einen großen Sprung. In diesem Fall ist es ein bisschen sinnvoller, es als
Würfel und Würfel
zu betrachten , auf den
wir herabschauen. Das erste, was ich tun
würde, ist
einen Würfel zu zeichnen , nur um
mir einen Ausgangspunkt zu geben. Wenn wir mit einem Würfel anfangen, wäre
das mein Basiswürfel. Oh mein Gott, das ist so schief. [GELÄCHTER] Wenn Sie
mit dem Zeichnen von Würfeln nicht sehr vertraut sind, können
sie sich zunächst
etwas kompliziert anfühlen. Ich habe einige
Vorlagen bereitgestellt, die Sie
sich ansehen und sogar verfolgen können ,
nur um loszulegen. Aber wie Sie sehen können, ist
die Vorderseite dieses Würfels ein großes flaches Quadrat, und dann gehen die Seiten und die Oberseite ein wenig in die
Ferne zurück. Aber das Problem damit, dass dies mein Ausgangspunkt
ist, ist,
dass dieser Stein größtenteils
kein großes
vorderes Quadrat hat , auf
das wir starren. Wenn überhaupt, hat die
Spitze des Felsens Vorrang und damit sollte
ich anfangen. Was ich stattdessen tun würde, ist einen Würfel zu zeichnen, auf den
ich hinunterschaue. Denken Sie daran, machen Sie sich keine Sorgen,
wenn Ihre Zeilen alle
chaotisch sind , denn dies
ist nur Übung. Ich schaue auf diesen Würfel runter. Also ja, wir hätten solche
Kanten. Dies ist ein bisschen besserer
Ausgangspunkt für meinen Rock. Eine wirklich hilfreiche
Sache ist es zu versuchen es in 3D
vorzustellen, damit
Sie sich vorstellen können, dass
Sie dies durchschauen können, wenn Sie möchten, können Sie
gepunktete Linien darin zeichnen. Wie ich dieses Quadrat
mit den 3D-Linien gezeichnet
habe, habe ich mir diese Form angeschaut
und auf die
Höhe dieser Linie geschaut, und ich habe diese,
die Höhe dieser Linie, gezeichnet . Ich habe das hier kopiert, aber ich habe es in einer gepunkteten Zeile gemacht. Dies ist ungefähr die
gleiche Höhe wie diese, und sobald ich das getan habe, könnte
ich einfach die Leitungen
verbinden und die Leitungen verbinden. Da sind wir los. Ich weiß, dass nicht jeder diese Weise an Formen und die
Umwelt
denkt. Ich denke, es liegt nur
an meinem Hintergrund im Design. Ich denke oft
architektonischer über Dinge nach. Dies hilft mir, Dinge zu visualisieren. Aber wenn du das nicht brauchst, ist
das in Ordnung, du kannst es überspringen. Aber wir benutzen die
Form als Inspiration. Fangen wir mit der Spitze an. Ich kann sehen, dass die
Hinterkante des Felsens nicht schräg
ist, er ist diagonal. Diese Diagonale
geht also nach links, diese leicht nach rechts. Fangen wir mit der Hinterkante und sie ist nicht ganz flach, aber wir beginnen
mit einer vereinfachten Version. Ich kann sehen, dass die ganze Spitze dieses Felsens kein perfektes Quadrat
ist, sondern
hier
einen weiteren Divot hat und
[LACHEN] einrücken, wo er
gebrochen wurde und zurück
zu dieser hinteren Ecke winkt. Es gibt jedoch ein paar Lippen, ein paar Kanten, die ich
nicht ignorieren möchte. Es sieht so aus. Wir haben diese Kanten und
dann winkelt es zurück. Dann kommt es
irgendwie raus und dann runter und diese Seite hier
drüben ist etwas gerader. Dieser ist ein bisschen geradeaus und dieser kommt raus und runter. Dann konnte ich sehen, wo sich
diese Kante nach hinten neigt. Es gibt eine Linie, hier
gibt es einen Bereich. Hier gibt es ein großes flaches Gesicht
, das ich festhalten möchte, das so aussieht. Es gibt ein bisschen eine
Diamantform hier. Ich mache das
und verbinde sie einfach. Dies ist eine sehr
vereinfachte Version. Wenn wir wollen, können wir versuchen, weitere Linien und Facetten
hinzuzufügen. Mach wie viele du brauchst
, um es zu verstehen. [GELÄCHTER] Aber um das zu
rocken, wie ich sagen würde,
ist, um dies eher wie einen Stein
aussehen zu lassen, werde
ich ihn wieder zeichnen, aber ich werde
die Kanten ein wenig aufrauen. Jetzt benutze ich das als Leitfaden
und ich werde aufrauen. Ich zeichne diese
Topform wieder, aber ich mache es ein
bisschen gezackter. Vereinfachen Sie das einfach. Jetzt haben
wir wieder keine starken
Highlights oder Schatten, also werde
ich dieses Mal meine eigenen Regeln ausdenken. Ich werde mir vorstellen, wie die Sonne aus dieser Richtung
kommt. Wenn das der Fall ist,
würde die Sonne auf diese Spitze treffen, sie würde hier
ein bisschen treffen, aber diese ganze Seite
wird im Schatten liegen. Eine wirklich unterhaltsame Möglichkeit, diese Schraffiertechnik anzuwenden, über die ich
gesprochen habe , wo Sie
all diese parallelen Linien haben ,
ist, dass
Sie folgen können , Sie können sie richtungsvoll verwenden. Wenn ich eine vertikale Fläche
habe, kann ich eine vertikale Schraffur verwenden. Wenn ich eine diagonale
oder horizontale Form
habe, kann ich denselben Winkel verwenden. Durch diese
einfachen Richtungslinien können
wir anfangen, die Richtung oder die
Facetten auf dem Felsen zu kommunizieren . Es könnte hier
unten ein bisschen Schatten geben und ein bisschen hier. Wenn ich
weniger Schatten vermitteln möchte, spreize ich meine Zeilen einfach ein
bisschen mehr auseinander. Ich lasse
die Oberkante in Ruhe weil ich tatsächlich oder vielleicht ein kleines bisschen Schatten
hinzufüge. [GELÄCHTER] Zerbrich es
ein wenig. Du kannst total mit
den Richtungen der Linien spielen. Das ist die Grundlagen, wie
ich das in
die vereinfachten Formen aufteilen und langsam den Realismus in
Richtung einer Felsform
aufbauen würde. Jetzt schauen wir uns
ein paar Äste an. Ich wende mich buchstäblich nur nach rechts und wir
schauen uns diesen Baum an. Ich liebe diesen Baum. Meine Katzen lieben es auch. Wie Sie sehen können, haben sie angefangen, es genau dort
zu kratzen. Eines der coolen Dinge an
diesem Baum ist, dass
mehrere Stämme aus der Wurzelbasis herauskommen
. Betrachten wir dies als
unser erstes Beispiel. Für Bäume denke
ich an Zylinder, anstatt über Quadrate oder Kreise über Quadrate oder Kreise nachzudenken. Mit Zylinder meine ich diesen sehr vereinfachten Zylinder. Dies ist die Form, die
ich
immer im Auge behalten werde. Diese langen Röhren sind mir
am ähnlichsten
Baumstämmen und Ästen. Um zu beginnen, wenn
wir uns das ansehen, können
wir sehen, dass es
eine einzigartige Basis
gibt und mehrere Stämme aus
verschiedenen Winkeln herauskommen . Eines der ersten
Dinge, die Sie tun können um Sie zu
erden, ist, über die Basis nachzudenken , und viele Baumstämme Sie daraus
ziehen möchten. Um das zum nächsten Schritt zu bringen, würde
ich
Rohre oder Zylinder zeichnen , wie
Sie sie sehen möchten. In seiner grundlegendsten Form können
wir es so sehen. Wie würde ich diese vereinfachte
Form auf die nächste Stufe bringen? Wenn
man sich das anschaut, sieht
man natürlich , dass diese ziemlich abgewinkelt
sind, sie sind ziemlich ausgebreitet, während der Baum selbst
ein bisschen vertikaler ist. liegt daran, dass man
aus diesem Blickwinkel nicht alle Stämme
sehen kann. [GELÄCHTER] Dieser Hauptkofferraum hier ist auf der
Vorderseite und dann hast du einen hier, der ein
bisschen dahinter steckt und dann gibt es einen
, der hinter all denen steckt. In der Tat müssten wir
einen Hauptstamm haben und dann wären
die anderen etwas zurückgeblieben. Um das zu tun, würde ich
mit einem Hauptstamm beginnen und sie
ein bisschen mehr zusammen zerquetschen, damit Sie die Basis
dieses Stammes
nicht mehr sehen können. Es ist hinter dem Hauptkofferraum. Dann wird
es hier einen geben , den du
nicht einmal alles sehen kannst. So, obwohl das
offensichtlich extrem vereinfacht ist. Aber wir haben genommen, was wir
vorher hatten , war ziemlich
ausgebreitet und wir haben es
ein wenig
zusammengequetscht und wir haben den Winkel
etwas vertikaler gemacht. Um dies auf
die nächste Stufe zu bringen und
ihm vielleicht etwas Schattierung zu geben, würde
ich versuchen, den eigentlichen
Umriss dieses Baumes zu sehen. Statt nur
perfekte Zylinder sehe
ich, dass es eine
etwas raue Kante gibt. Hier und da gibt es ein paar Klumpen. [GELÄCHTER] Die Wurzeln
unten
gehen zur Seite
und in den Boden. Eines der ersten
Dinge, die ich tun würde, ein bisschen mehr von
einer gezackten Kante zu
zeichnen , um
diese klumpige Form darzustellen. Dann
würde ich es unten ausgehen lassen, etwas unten. Man kann
das wirklich übertreiben und es macht Spaß , super übertriebene Wurzeln zu zeichnen. Dann würden
wir den Baumstamm dahinter ein wenig
verklumpfen. Lassen Sie es uns einfach halten
und damit beginnen. Ich denke, wir hätten hier unten
auch
eine kleine Lippe an dieser Wurzel, aber sie ist hinter dem Hauptbaum. Ich kann hier sehen, dass es auf der rechten Seite
des Baumes ein
Highlight gibt, sodass
die linke Seite des Baumes mehr im Schatten liegt. Man sieht, dass dies keine
vollkommen gerade Linie ist. Ich lasse es
viel Abwechslung haben. Sie sind ziemlich nah
beieinander, weil es dort eine ordentliche
Menge Schatten gibt. Dieser hat ein
gewisses Highlight, aber es ist nicht so viel. Also würde ich
diesen in mehr Schlüpfen abdecken. Auch hier konzentrieren wir uns nicht darauf, etwas perfekt
zu machen. Wir schauen uns einfach die Grundform
an und versuchen, Dinge
schnell und einfacher zu erfassen. Ich füge
hier ein bisschen Crosshatching hinzu, um das zu verdunkeln. Los geht's, ein sehr
einfacher Baumstamm. Wenn du
die Baumstämme hinzufügen willst, die dahinter
liegen, liegen
diese alle im Schatten. Ich würde wahrscheinlich so
etwas machen
, wo das Ganze im Schatten liegt. Nur um wirklich zu betonen
, dass
es in den Schatten weit zurück ist. Wenn Sie nur zwei Werte haben
, nämlich Weiß und Schwarz,
tun wir
dies, um es zu vereinfachen. [GELÄCHTER] Wir treffen
sehr starke Entscheidungen über Highlights und Schatten. Jetzt schauen wir uns die Zweige an. Schauen wir uns
diesen Hauptzweig hier an. Schauen wir uns das an und
ein paar
davon , die von der Seite
kommen. Denken wir zuerst
über diesen Hauptzweig nach. Wieder einmal
werden wir uns das
als einen Zylinder oder eine Röhre vorstellen . Ich werde es in
dieser leichten Diagonale zeichnen. Wenn Sie Ihnen helfen möchten, die Winkel der Dinge
herauszufinden, ist es
ein wirklich nützlicher
Tipp,
Ihren Pinsel oder Ihren Bleistift hochzuhalten und den Winkel davon anzupassen. Halten Sie Ihren
Stift oder Ihren Bleistift hoch und ohne mein Handgelenk zu
bewegen, würde
ich das
an meinem Papier halten. Jetzt weiß ich, dass dies der Blickwinkel ist. Meine Hand wird gegen
das Papier gedrückt, also hat es sich nicht bewegt. Aber jetzt weiß ich, dass dies der Winkel
ist, den ich brauche. Es gibt einen.
[GELÄCHTER] Wir haben einen einfachen Zweig gemacht, der davon
abgeht. Wie Sie sehen konnten, habe ich im Grunde
mit einem Zylinder angefangen. Wenn Sie möchten, können Sie die Enden
darauf
zeichnen und versuchen, sich
das als Zylinder vorzustellen. So. Wir haben diese
Filiale abgehauen. Es ist in Ordnung, wenn Ihre Linien Ihre anderen Linien
durchlaufen,
denken Sie daran, dass dies nur Übung
ist um Formen zu vereinfachen. Sie können versuchen, dies auch
als Röhre vorzustellen ,
damit es
eine abgerundete Kante hat , da es am Hauptzweig
befestigt wird. Als es auf uns zukam, könntest du es dir als Röhre
vorstellen. Sie können dies weiterhin
für alle Zweige tun. Sie können
beliebig viele hinzufügen. Wenn sie sich auf der Vorderseite
des Zweigs befinden, der dir zugewandt ist, könntest du eine kleine Kurve sehen , an
der sie anhängen. Wenn sie auf der
Rückseite des Zweigs sind, werden
Sie das nicht sehen,
weil sie hinter dem Zweig
kommen. [GELÄCHTER] Natürlich, wenn Sie eine tatsächliche Zeichnung
machen, würden
Sie diese Linien nicht zeigen, die durch den Zweig
gehen. Sie würden es sehr
leicht skizzieren und am Ende, wenn Sie
alles einfärben oder malen, würden
Sie diese Linie, die durch den
Zweig
geht, offensichtlich nicht einschließen . Ich sehe, dass es am oberen Rand
der
Zweige
ein bisschen Highlight gibt, rechts. Die Unterseite
wird etwas dunkler sein. In diesem Fall würde ich die
Schraffur alle darunter hinzufügen. Ich würde diesen
Zweig vorerst überspringen. Ich müsste
wählen, welche Seite
des Zweiges einen Schatten hat. In diesem Fall hat die rechte Seite
ein Highlight, also würde ich auf
der linken Seite etwas Dunkelheit hinzufügen ,
aber das meiste davon ist in Highlight. Das Gleiche gilt für
diesen. Nur ein bisschen. Normalerweise schlüpfe ich einfach ein,
wenn ich Zweige
zeichne , die
dahinter liegen. Wenn wir uns diesen Zweig ansehen, können
wir sehen, dass er sich sehr gut
zusammendreht. Alle
Kiefernnadeln oder -blätter, was auch immer, sind nach rechts. Wenn ich das zeichne, schaue
ich mir an, wie
das horizontaler ist, und dann geht es fast
vollständig vertikal. Es krümmt sich genau hier hoch und
dann ist es völlig vertikal. Es ist fast wie die
Form eines F. Es geht hoch und dann
geht alles nach rechts oder
nach rechts. Um das zu vereinfachen, habe ich meinen Hauptzweig und dann kommt
dieser kleine gekrümmte Zweig so auf. Sobald es ziemlich hoch ist, fängt
es an,
sich nach rechts zu biegen. Alle kleinen Zweige
machen das Gleiche. Diese haben sogar ihre eigenen
kleinen Zweige und so weiter. Aber um all
dieses Laub zu vereinfachen, zeichne
ich es in Gruppen,
anstatt
hier zu stehen und
jedes einzelne Detail zu zeichnen. Da diese stachelig sind, sind es keine wirklich
großen alten Blätter, ich würde sie mir so ansehen. Sehr vereinfachte
Nadellaufen. Sie gehen alle nach
rechts. So. Du kannst so
viele zeichnen wie du willst. Wir können der Unterseite dieses Zweigs etwas Schatten hinzufügen . So versuche ich
Formen in der Landschaft zu vereinfachen. Aber lasst uns zurück ins Studio gehen und
ein bisschen mehr darüber reden.
8. 2.3 Vereinfachte Formen Teil 2: Ich überzeuge diese
Grundlagen oft und versuche, meine Fähigkeit, grundlegende Formen
in der Landschaft
zu sehen,
weiter auszubauen . Wie beginne ich mit einem Würfel oder
Kreis oder einer Kugel oder einem Zylinder und verwandle diesen dann
in ein glaubwürdigeres Objekt. Wenn es darum geht,
glaubwürdige Objekte zu erstellen, ist
Schattierung eigentlich
ziemlich wichtig. Wenn Sie
es auf die nächste Stufe bringen möchten, empfehle
ich wirklich,
alle Arten von Schattierungen zu üben . Eine wirklich lustige Übung ist es, das Schattieren mit Markern zu
üben. Was ich mache, ist ein Highlight,
einen Mittelton und einen Schattenton zu bekommen . Ich erlaube mir auch nicht, sie miteinander zu
vermischen. Was ich tun muss, ist darüber
nachzudenken, was ist mein Highlight und
Mid-Ton und Schatten. Diese Begriffe beziehen sich auf das
Spektrum von Licht zu Dunkel. An einem Ende haben wir
unsere dunkelsten Dunkelheiten, was unser Schatten ist. Die Mitte dieses Abschnitts ist der Mittelton und der hellste
Bereich ist unser Highlight. Sie können diesen Abschnitten einen beliebigen Ton oder jede
Farbe zuweisen, da sie am Ende
alle relativ zueinander sind. Ich kann schon
vorhersehen, dass einige Leute das
beobachten,
die denken, Mann, das ist so ein seltsamer Stil oder
ein sehr lockerer, klobiger Stil. Das ist nicht jedermanns
Tasse Tee, was ich vollkommen verstehe. Ich bin mir sicher, wenn du anfängst,
mehr Kurse zu diesem Thema zu sehen , wirst
du alle möglichen
Stile finden und irgendwann wird
einer bei dir Resonanz finden. Anstatt sich darauf zu konzentrieren,
wie meine Endergebnisse aussehen, möchte
ich, dass Sie tiefer über
den Prozess nachdenken. Wie können Sie
die grundlegenden Formen und
die grundlegenden Arten der Schattierung
in einen Stil integrieren die grundlegenden Arten der Schattierung , der
wirklich zu Ihnen passt. In dieser Klasse konzentrieren wir uns
offensichtlich auf die sehr minimalen grundlegenden Schritte, die Sie zum
Zeichnen von Felsen und Bäumen unternehmen müssen. Es gibt so viele
andere Dinge in der Landschaft, die
wir lernen müssen aber der Grund, warum ich mich insbesondere auf Felsen und Bäumen
schärfe,
ist, weil man versteht,
wie man sie zeichnet, man kann lernen
, so ziemlich jedes Element in der Landschaft zu zeichnen. Alles beginnt mit grundlegenden Formen. Obwohl ich Ihnen in einer
Weile beibringen werde,
wie man Steine und Bäume malt, möchte
ich auch darauf
hinweisen, dass es
so viele andere Möglichkeiten gibt , dies zu tun. In der anderen Klasse, die
ich über Steine habe, das ist der Stil, den wir abdecken, und das ist der Stil, den wir in der Baumklasse
abdecken. Aber alles kommt von
der gleichen Technik die Formen
in der Landschaft zuerst zu
vereinfachen. Lassen Sie uns damit mehr über Bäume
sprechen. Wenn es darum geht, Bäume zu zeichnen, halte
ich die Dinge gerne viel
fließender und organischer. Ich fange mit einer Gestenlinie an. Damit meine ich, ich versuche
einfach,
eine sehr weiche fließende Linie
ohne harte oder peinliche Winkel zu erstellen . Dies wird der Stamm oder der Mittelpunkt sein, von dem aus
alle Zweige wachsen werden. Ich verwende
Sort-S-Kurve für meinen Stamm aber wenn ich
eine Kiefer zeichnen würde , die
sehr groß und gerade ist, würde
ich definitiv
eher eine gerade Linie verwenden. Wahrscheinlich würde es aber immer noch nicht perfekt
machen. Manchmal stelle ich mir sogar vor, dass
meine Bäume wie Menschen so wie die Äste Arme
sind, die bis zum Himmel reichen. Sobald ich die Grundform oder die zugrunde liegende Struktur
meines Baumes herausgefunden
habe, kann ich die Haut so hinzufügen, wie ich es [LACHEN] nenne,
aber im Grunde
bedeutet dies die tatsächliche
Form des Baumes und des bellen und all die
anderen kleinen Details. Die meiste Zeit
versuche ich, dem Umriss meines Baumes etwas
Textur oder Rauheit zu verleihen Textur oder Rauheit zu , da
die Rinde normalerweise
etwas rauer ist. Ja, es gibt glatte
Bäume, aber das trägt
nur dazu bei, etwas
mehr Charakter zu verleihen. Wenn ich diese Linien zeichne, mache
ich mir keine großen Sorgen, etwas perfekt
zu machen. Ich möchte, dass die Dinge sehr organisch
aussehen, manchmal etwas seltsam. Denn wenn du rausgehst und durch den Wald
spazierst, wirst
du so
viele verrückt aussehende Bäume finden. Ehrlich gesagt denke
ich manchmal, je verrückter,
desto besser, also neige ich dazu,
meinen Stift oder meinen Stift
ziemlich schnell zu bewegen . Dies zwingt mich, schnell
Entscheidungen zu treffen und keine eine
Linie oder einen Bereich zu
überdenken. Denn wenn ich das mache, neige
ich dazu, die Dinge peinlich und steif
aussehen zu lassen. Man sieht manchmal,
dass ich Richtlinien
für mich selbst einzeichne , wie etwa zu
zeigen, wie rund etwas ist oder
vielleicht
die Textur der Rinde
oder einen der großen Risse in einem Baum betone die Textur der Rinde
oder . Natürlich ein bisschen
Schlüpfen hier und da für einige der
schattenhafteren Bereiche. Wenn Sie möchten, dass dies im endgültigen Bild
sichtbar ist, verwenden
Sie einen Marker
oder eine wirklich dunkle Linie aber Sie könnten das alles auch mit einem sehr leichten Stift machen. Wenn Sie es dann übermalen, ist
es kaum sichtbar. Verwenden Sie
also so viele oder so wenige
Linien, wie Sie benötigen, um sich selbst zu helfen,
die Form und die
Details des Baumes wirklich zu sehen . Schauen wir uns schnell
die Form der Äste an. Ich visualisiere
sie immer als Röhren. Der einfachste Weg, um zu
beginnen, besteht darin,
den Start- und
Endpunkt zu zeichnen und sie dann zu
verbinden, aber normalerweise sind
unsere Zweige nicht
perfekt gerade. Zeichne ein paar Punkte und
übe, sie zu verbinden. Je mehr Sie
üben,
die Zweige auf diese Weise zu visualisieren , desto seltener müssen Sie die zugrunde liegende Struktur
für sich selbst
zeichnen , aber wenn Sie
ganz neu im Zeichnen von Bäumen sind, finde
ich, dass diese Übung
hilft wirklich, die Komplexität einer
großen Masse von Zweigen abzubauen. Genau wie beim
Würfel und dem Felsen können
wir üben, die
Highlights und Schatten zu machen. Wenn wir uns vorstellen, dass die Sonne wieder oben links ist
, wird
die hervorgehobene Seite näher an der Sonne
sein und die Schattenseite befindet sich auf der anderen Seite des Zweigs. den Stamm und
die Zweige als Röhren vorstellen wird es etwas
einfacher machen , wenn es um die Schattierung geht. Wenn Sie feststellen, dass diese
Methode zu Zweigen führt , die
etwas zu steif aussehen, können
Sie die
Spiralmethode oder die Slinky-Methode ausprobieren. Ich fing an, einen
großen alten Wirbel zu zeichnen und diesen mit der Haut
oder der Rinde des Baumes zu
skizzieren. Ich finde, dass dies eine wirklich
großartige Möglichkeit ist,
große alte verdrehte Äste
wie auf einer Eiche zu zeichnen . Dies führt zu einigen
wirklich funky Ergebnissen [NOISE] und es kann Ihnen
wirklich helfen,
sich zu lockern und die Dinge etwas
organischer
aussehen zu lassen und dieses
steife Zweig-Syndrom zu vermeiden. Wie gesagt, müssen
Sie irgendwann nicht für
jede einzelne Zeichnung all diese Arbeit
durchlaufen . Aber mit
diesen Übungen zu beginnen, ist eine wirklich großartige Möglichkeit, dieses Wissen,
dieses ganze Konzept,
in deinen Kopf zu
verfestigen . Ich ermutige Sie wirklich, auf diese Details zu
achten , wenn Sie nach draußen gehen. Wenn du das nächste Mal irgendwohin gehst, halte Ausschau nach
Felsen, Bäumen und Ästen. Fangen Sie an, die
kleinen Details zu erfahren, die Sie sehen. Je mehr Sie Ihre
interne visuelle Bibliothek füllen, desto besser werden Sie. Wir wissen, dass Bäume nicht nur
Stämme und Äste
sind, sondern vor allem etwas
los ist. Die Blätter oder das
Laub oder das Baldachin, wie auch immer Sie es nennen möchten. Wir machen eine einfache
Übung, damit Sie, wenn Sie draußen
gehen und einen
Baum sehen, den
Sie zeichnen möchten, mit
einfachen Formen beginnen und
dann langsam das Detail aufbauen können . Wir beginnen mit einer Eiche, die normalerweise
einen großen Stamm hat, sich in
verschiedene Stücke
teilt. Fangen wir mit drei Boxen an. Sie im ersten zwei Zeichnen Sie im ersten zwei oder drei überlappende
Kreise. Zeichne dann ein paar Ovale darunter , die sich mit einem einzigen Punkt verbinden. Sie können dies entweder
erneut im zweiten Feld zeichnen oder einfach das
erste Feld als Referenz verwenden. Aber dieses Mal möchte
ich, dass Sie, anstatt dieselben
einfachen Formen zu
wiederholen , einige
scharfe Linien zeichnen , die diese Kreise umreißen. Versuchen Sie dann, einen organischeren,
natürlich aussehenden Stamm zu zeichnen , diese ursprünglichen Ovale
darstellt. Du siehst, dass ich mir
einen zusätzlichen Zweig hinzugefügt habe. In der dritten Box werden wir dies ein
bisschen mehr
verfeinern und ein bisschen Schattierung
hinzufügen aber wir werden
es immer noch einfach halten. Ich verwende diese einfache
Richtungsschraffur, die ich dir früher
gezeigt habe , um die Schatten
darzustellen. Wenn ich mir vorstelle, dass die Sonne über
dem Baum
liegt , werden
die Schatten unter
den Blättern oder auf der
Unterseite des Baldachins erscheinen . Dasselbe am Stamm
und den Zweigen. Es gibt zumindest einige
große Schatten, die von
der Überdachung oben auf den Baum fallen . Sie können diese Methode verwenden mit sehr
einfachen Formen zu
beginnen und langsam zu
einer detaillierteren Zeichnung zu arbeiten ,
bevor Sie mit dem Malen beginnen. Dies kann Ihnen helfen,
sich mit den Bäumen vertraut zu machen
, die Sie betrachten und einige Übungsläufe mit
der Komposition sowie
Schatten und Highlights zu machen . Wie hell und dunkel
etwas ist oder die Werte werden so wichtig sein,
wenn wir anfangen zu malen. daran zu gewöhnen, diese
schnellen kleinen Studien und Wertskizzen zu machen, wird später
sehr hilfreich sein. Ich zeige dir,
wie ich meine Blätter zeichne. Normalerweise beginne ich
mit einer Katzenaugenform oder vielleicht einer leicht
abgeflachten Zitrone [LACHEN]. Wenn ich
Laubhaufen zeichne, versuche
ich viele
verschiedene Formen und Größen herzustellen. Ich möchte nicht, dass irgendetwas zu
einheitlich
aussieht oder merklich
ein einzelnes Muster wiederholt. Aber selbst mit ein paar dieser
einfachen sich überlappenden Formen können
wir schnell eine Ansammlung von
Blättern
darstellen, können
wir schnell eine Ansammlung von
Blättern
darstellen aber manchmal gehe ich nicht einmal
so detailliert ein. Anstatt
jedes einzelne Blatt zu zeichnen, zeichne
ich diese
schnörkeligen Cluster, die ich im Grunde
nur
die Form all
dieser einzelnen Blätter skizziere . Ich werfe vielleicht ein paar Zeilen oder Kreise und mache
es einfach ein bisschen aufzulösen. Sie müssen nicht
jede einzelne Leitung verbinden. Sie können dort viel
Platz lassen denn wenn Sie dies malen,
werden dies nur
Vorschläge für den Umriss der Blätter sein und
den Schmerz oder die Farben,
die
Sie hinzufügen, den Rest erklären. Zeichnen wir einen sehr
einfachen Baum zusammen. Wir beginnen mit unseren
Gestenlinien und zeichnen die Äste, die sich von
diesem Mittelpunkt aus nach oben
und außen bewegen . Wie Sie sehen können, habe ich meinen Bleistift
ziemlich schnell
bewegt und ich habe
nicht wirklich viel
vom Papier gehoben ,
also bekomme ich viele skizzenhafte verbundene Linien. Dies ist nur die
zugrunde liegende Struktur und wir werden oben etwas Tinte machen. Um die obigen Blätter darzustellen, zeichnen
wir zunächst einige sehr
einfache Kreise. Der richtige Begriff für
diese riesige Blattfläche
über dem Stamm ist übrigens diese riesige Blattfläche die
Krone des Baumes. Die Krone des
Baumes ist oft viel breiter als die Basis oder
der Stamm des Baumes. Jede Art von Baum ist
anders, wie Sie sehen werden, je mehr Sie aus
Lebens- oder Referenzfotos zeichnen. Wenn ich anfange,
mit meinem Stift zu zeichnen, versuche
ich ihn ein
bisschen locker zu halten. Noch einmal versuche ich zu vermeiden, steife, peinlich
aussehende Zweige zu
machen. In gewisser Weise versuche ich mich selbst
mit der Richtung
zu überraschen , in die ich
die Zweige fließen lasse. Ich habe eine allgemeine Vorstellung davon, wohin sie gehen
sollen,
aber im Moment versuche
ich wirklich, es unvorhersehbar zu machen. Im Allgemeinen versuche ich einfach, viele perfekte Winkel zu
vermeiden. Einige der Zweige werden aus der Vorderseite
des Stammes
kommen und einige
von ihnen werden zurückliegen. Wie ich bereits erwähnt habe, müssen wir
nicht hier sitzen und jedes einzelne
Blatt in die Krone des Baumes
zeichnen , aber mit
dem darunter liegenden Kreis
oder
die Anleitung, die ich gezeichnet habe, kann
ich anfangen,
einige der Blätter zu platzieren und verbinden Sie diese dann
auf vereinfachte Weise. Dies geschieht nicht nur um den äußeren Teil der Krone, sondern auch nach innen, wo die
Äste in die Krone hinaufgehen. Einige dieser vereinfachten Blätter befinden sich hinter den
Ästen und einige von ihnen sind
oben auf dem Zweig gezeichnet , wo sie
hinter den Blättern verschwinden. Ich neige dazu,
meine Formen zwischen
kreisförmiger und stacheliger zu wechseln . Es hängt nur davon ab,
welche Art von Baum ich
zeichne und wie grob
er aussehen soll. Ich verwende meine Marker
, um zu demonstrieren, wie ich die
Werte in dieser Studie sehen würde. All diese Blätter
, die ich hinter
den Ästen gezeichnet habe ,
werden ein bisschen beschattet. Es muss zunächst nicht der
dunkelste Bereich sein, wir können mit unserem Mittelton beginnen. Hinzufügen von ein paar einfachen
Markierungen in
die Krone des Baumes wird dazu beitragen, dass die Krone
etwas voller aussieht. Dies sind nur einfache Markierungen die den
Umriss nachahmen, den ich benutzt habe. Denken Sie nun an die
kleine Studie zurück, die wir zuvor gemacht haben, denken Sie darüber nach, wie die
Blätter oben einen Schatten
auf die Zweige
werfen. Da unsere
Baumstämme ohnehin oft
dunkler sind als die oben genannten
Blätter, verwende
ich dort eher eine dunklere Farbe
und dunklere Werte. Mit einem dunkleren Grau kann ich anfangen, einige
dieser Schatten hinzuzufügen. Wenn es um Werte geht,
ist alles relativ. Sie vergleichen ständig
einen Wert mit einem anderen Wert. Wenn ich darüber nachdenke,
wie die Blätter
eines Baumes oft viel
leichter sind als der Stamm, möchte
ich nicht, dass reines Weiß am Stamm
verbleibt. Wenn ich den
Stamm ein wenig verdunkle, werden
die Blätter oben viel heller
aussehen. Eine gute
Hausaufgabe besteht darin,
ein paar verschiedene Arten von
Bäumen mit der einfachen Methode zu zeichnen . Für eine Kiefer beginne ich
vielleicht mit einer Kegelform
statt mit einem Kreis, und der Stamm wird
viel gerader sein. Da Kiefern Kiefernnadeln
haben, verwende
ich eine andere Art von Markierung, wenn ich den Baldachin
zeichne. Anstelle dieser
abgeflachten Zitronen oder [LACHEN] kreisförmigen Blätter werde
ich lange stachelige Markierungen zeichnen. Dies ist nur eine super einfache, vereinfachte Methode zum
Zeichnen von Kiefernnadeln. Das Hinzufügen von etwas
Schatten unter diesen Markierungen wird dazu beitragen, dem Baldachin Tiefe zu
verleihen. Noch einmal unter der Krone füge
ich etwas dunkleren
Schatten auf den Stamm. Dies zwingt den Stamm
im Weltraum rückwärts und
es fühlt sich an, als würde er
unter dieser großen Krone sitzen. Dies war eine lange Lektion und wir haben viel
abgedeckt, aber dies ist eine
der wichtigsten Lektionen ,
die alles andere tun werden. Ich ermutige Sie wirklich
, eine Reihe von
Seiten in Ihre Skizzenbücher zu füllen und diese Techniken zu üben. Wenn es hilft, habe ich
einige Vorlagen und Fotos von
allem, was ich getan habe, in
die Klassenressourcen aufgenommen allem, was ich getan habe, in , damit
Sie darauf verweisen können.
9. 2.4 Value: [MUSIK] Bevor wir
über Komposition sprechen, sprechen
wir über Werte. Denn letztendlich sind Werte das Wichtigste in
unseren Zeichnungen und Gemälden, und ohne
die Bedeutung von Werten zu verstehen können
wir nicht hoffen, Komposition zu
verstehen. Jetzt
wissen Sie das wahrscheinlich schon, aber Werte in Bezug auf Kunst bedeuten, wie hell oder
dunkel etwas ist. Wir neigen dazu,
darüber in Form
eines Spektrums nachzudenken , von Ihrem hellsten bis zu
Ihrer dunkelsten Dunkelheit. Dies kann je nachdem,
welche Materialien Sie verwenden, variieren. Im Fall dieser Zeichnung haben
wir hier unsere dunkelste
Dunkelheit und unser hellstes Licht ist
eigentlich das Papier. Alles dazwischen befindet sich in einem
Spektrum zwischen diesen beiden. Etwas, das ich wirklich nützlich finde,
ist eine Notan-Skizze zu machen. Notan ist ein japanisches Wort, das helldunkle Harmonie
bedeutet. Wenn wir skizzieren, versuchen
wir,
die perfekte Balance
von Licht und Dunkel zu finden . Dies ist eine wirklich großartige Übung, besonders wenn es
darum geht,
die Komposition unserer
Zeichnungen und Gemälde zu gestalten . Aber ein
Referenzfoto zu machen und es in
eine einfache
Schwarz-Weiß-Zeichnung zu verwandeln , kann eine Herausforderung sein. Ich benutze dieses Foto, das ich
im Auto gemacht habe, als Beispiel. Manchmal hilft es, unsere Referenzen zu
entsättigen. Reden wir darüber,
davon zu gehen. Werte können helfen zu kommunizieren , was in einer Zeichnung wichtig ist. Das menschliche Auge wird
vom Kontrast angezogen. Die Hauptsache, an die
ich denke, wenn ich meine Wertestudien mache, ist, zieht dieser Bereich
das Auge an oder nicht? Denn
letztendlich ist das wichtig. Als Künstler erschaffen wir
unsere eigene kleine Welt auf
unserem Papier und wir
haben die Macht, die
Aufmerksamkeit unseres Betrachters dorthin zu lenken, wo wir wollen. Natürlich müssen wir
wissen, was unsere Absichten sind. In diesem Fall fühlte ich mich
wirklich von
den schönen Linien angezogen , die
mich zurück in die Landschaft führten. Um
dies in meiner Zeichnung festzuhalten, konzentriere
ich mich darauf, diese Linien zu
erstellen, sei es durch
Büsche, Bäume, Zäune oder den
Farbunterschied in den Feldern selbst. In der Notan-Skizze haben
wir jedoch zwei Werte, schwarz
oder weiß oder in diesem Fall grau. Sich zu zwingen,
die Dinge in diese
beiden Werte zu vereinfachen , wird dazu beitragen, eine wirklich
starke Wertstruktur
im endgültigen Gemälde zu schaffen . Diese schnellen
Notan-Skizzen zu machen, ist auch eine großartige Gelegenheit,
mit verschiedenen Kompositionen zu spielen. Zum Beispiel
ändere ich hier den Winkel der Linien,
die mich
zurück in die Landschaft bringen. Auf dem Referenzfoto sind
sie viel horizontaler, was in Ordnung ist, aber ich
fand es nicht so interessant. Um alles in
diese beiden Werte zu vereinfachen , schiele ich
meine Augen auf die Referenz. Dies reduziert
die Sättigung, wodurch eine gewisse Ablenkung beseitigt wird. Es vereinfacht alle
Formen und Werte. In meinem Kopf
übersetze ich das, was ich als dunkle Formen
sehe,
in reines Schwarz und alles, was leichter
ist, wird
durch die Farbe des Papiers
oder meinen hellen Wert dargestellt . Notan-Skizzen
sollen schnell und locker sein und die Werte
vereinfachen. Von hier aus können wir noch einen Schritt weiter in eine
detailliertere Wertstudie gehen. Jetzt verwende ich
eine Kombination aus dem Referenzfoto
und meiner Notan-Skizze. Wenn mir etwas
in der Notan-Skizze nicht gefallen hat, ist
jetzt meine Chance, es zu ändern. Ein kurzer Tipp ist, dass
alles in der Ferne tendenziell
etwas weniger kontrastig ist. In unserer Werteskala könnten
Dinge in der Ferne irgendwo
in die Mitte
fallen. Wenn Schwarz unser dunkelstes Dunkel ist
und Weiß unser
hellstes Licht ist, wird
der Mittelgrund
tendenziell ein Mittelgrau sein. Noch einmal muss eine Wertstudie wie diese nicht detailliert beschrieben werden. Sie können sehen, dass ich
eine sehr einfache Form verwende Dinge mit
vertikalen Linien für meine Bäume zu
skizzieren und im Vordergrund zu skizzieren
und zu schattieren vertikalen Linien für meine Bäume , wenn
ich die Gräser mache, vielleicht kann ich ein bisschen mehr gebrauchen diagonale oder sogar
horizontale Formen. Mein Ziel bei einer
Wertstudie ist es, mir
einen Leitfaden oder eine kleine Karte
dafür
zu geben einen Leitfaden oder eine kleine Karte , wie ich Dinge malen werde. Während ich das mache, denke
ich über die Farben nach, die ich später
auf diese Bereiche anwenden werde. Aber natürlich
spreche ich über Farbe, sobald wir in den
Malunterricht einsteigen. Ab jetzt in der Skizze habe
ich so ziemlich bei einem mittleren
Grau und natürlich dem
Weiß des Papiers
geklebt . Das Auge mag aufgrund
dieser diagonalen Linien bereits
durch
die Landschaft fließen , aber ich kann
besser darauf lenken,
das Auge dorthin zu lenken , wo ich mehr Fokus haben
möchte. Wenn ich anfange, die
Vordergrundgräser zu verdunkeln und ihnen mehr Kontrast
und einen tieferen Wert
zu
geben, wird
das Auge dorthin gezogen. Ein sehr häufiger Anfängerfehler oder vielleicht nur eine Lektion, ich auch durchgemacht habe,
ist, dass wir dazu neigen, nicht genug Dunkelheit zu
verwenden, genug Kontrast, entweder in unseren Aquarellen oder
in unseren Zeichnungen. Es gibt ein Zögern
, das passieren könnte. Aber je mehr du dich
dazu drängst, diese dunkleren Dunkeln auszuprobieren, desto mehr wirst du belohnt. Probieren wir das hier aus. Lassen Sie uns in
diesen Vordergrundbereichen noch dunkler werden und sehen, was für einen Unterschied
das ausmacht. Ich drehe meinen Bleistift auf die Seite, um eine breitere
Markierung zu erhalten, und ich verwende viel mehr Druck, um diesen Graphit
wirklich auf die Seite zu
legen. Plötzlich steht unser Vordergrund im
Mittelpunkt. Dieser intensive Kontrast
erregt unsere Aufmerksamkeit. Es ist besonders
auffällig, wenn man das Vorher und Nachher
vergleicht.
10. 2.5 Einführung in die Komposition: Es ist sehr hilfreich
, die Regeln zu kennen bevor Sie sie brechen
oder Ihre eigenen erfinden. Beginnen wir mit
der Drittelregel, denn ich denke, dass dies am
zugänglichsten und am
einfachsten zu verstehen ist zugänglichsten und am
einfachsten zu verstehen und am einfachsten
in einem Ihrer Kunstwerke zu verwenden ist. Hier ist ein klassischer Anfängerzug. Übrigens bin ich in diesem Fall der
Anfänger. Dies ist eine meiner
früheren Landschaften. In dieser Szene
steht der Wasserfall im Mittelpunkt. Ich habe den Wasserfall
direkt in die Mitte gestellt. Das
machen die meisten Anfänger so
ziemlich , weil
unser Verstand so funktioniert. Der Mittelpunkt des Gemäldes oder des Fotos ist
das Wichtigste. Nun, das kann es sein. Eines der Probleme
dabei ist jedoch, dass es ein
statischeres Gemälde erzeugt. heißt, unser Auge konzentriert sich auf das Zentrum und
hat keinen Grund
, woanders hinzugehen. Es ist eine sehr natürlich
bequeme Komposition für menschliche Augen, einfach an einem Ort zu
bleiben. Wenn Sie jedoch
versuchen,
ein dynamischeres
Gemälde zu erstellen , bei dem das Auge des Betrachters
in der gesamten Szene bewegen
soll , können wir einige Tricks verwenden. Die Drittelregel bedeutet einfach, dass die Leinwand
sowohl horizontal als auch
vertikal in Drittel
unterteilt ist . Idealerweise möchten Sie
etwas Fokus,
ein wichtiges Element, das dort
fällt, wo sich diese
Linien kreuzen. Es gibt vier Bereiche, die
passieren könnten. Wie Sie sehen können, habe
ich in diesen Bereichen
nichts von Bedeutung. Versuchen wir, Dinge
ein wenig zu beschneiden
und zu bewegen und zu sehen, ob
wir das schaffen können. Einschneiden von etwa der Hälfte des
Gemäldes gab mir dieses Ergebnis. Jetzt fallen der Wasserfall und die
Bäume unten links in diese Kreuzungen. Wenn wir sie nebeneinander vergleichen, können
wir einige
wichtige Unterschiede erkennen. Im ersten Bild
auf der linken Seite wird der
Großteil der Leinwand von allem anderen
als dem Fokus
aufgenommen. Manchmal ist das in Ordnung. Aber in diesem Fall gibt es
viele Elemente, die die Aufmerksamkeit
aus dem Fokus
nehmen. Zum Beispiel haben wir im
Vordergrund eine riesige Fläche von Gräsern und Feldern, ohne dass viel los ist. Am Himmel passiert etwas
Interessantes mit dem Zickzack der Berge, aber das ist auch der
Fokus und schickt unser Auge vom Rand
der Leinwand nach oben. Die neue beschnittene Komposition bietet dem Betrachter etwas mehr
Richtung. Ob sie es wissen oder nicht, sie werden davon gesteuert, wie Elemente
nebeneinander erscheinen. Zum Beispiel wiederholen sich diese starken
vertikalen diagonalen Elemente auf
sehr einheitliche Weise. Darüber hinaus verlässt die Mehrheit
dieser sich wiederholenden Muster nicht an einer Stelle aus der
Leinwand, so dass das Auge tendenziell im
Mittelbereich und im Fokus bleibt . Während ich über
die Drittelregel sprach, haben
Sie vielleicht gehört, wie ich
dort ein paar andere Begriffe wie Muster und Bewegung
werfen würde. Es gibt so viele verschiedene
Aspekte der Komposition. Es ist wirklich schwierig
,
ein einzelnes Element zu verbessern, weil sie
alle eine wichtige Rolle spielen. Aber lasst uns über eine
andere sprechen, die ich sehr ansprechbar finde, nämlich tonale oder
kontrastreiche Komposition. In diesem Fall spreche ich von Kontrast wie im
Licht und was dunkel ist. Wenn sich ein helles und ein dunkles Element treffen, entsteht
ein hoher Kontrast. Dies ist sehr attraktiv
für das menschliche Auge. Dies ist ein Gemälde,
das ich vor ein paar Jahren gemacht habe, es ist eigentlich ein Remake
meines allerersten
Landschaftsgemäldes. Aber wie auch immer, als ich dieses Gemälde
gemacht
habe, dachte ich nicht wirklich über Komposition nach wie an Farbe. Eines der wirklich
coolen Dinge, die ich jetzt merke,
ist jedoch , dass
diese Elemente aufgrund all der
Übung, die ich gemacht hatte , zu jeder Zeit im Hinterkopf waren. Sie kamen durch
mein Unterbewusstsein heraus. Wenn ich dieses Bild seziere, gibt es definitiv
einige Fehler, die ich beheben
könnte und wahrscheinlich jetzt viel besser
machen könnte. Aber lassen Sie uns über einige
der Funktionsweise der
Komposition sprechen. Wenn Sie den ersten
Blick auf das Gemälde werfen, ging
Ihr Auge wahrscheinlich direkt den Himmel oder vielleicht einige
der großen Felsformationen. Wenn du anfängst, deine Augen wandern zu
lassen, siehst du einige der subtilen
Details im Vordergrund. Vielleicht bemerken Sie sogar das
Zickzack-Muster, das Sie vom Vordergrund
zurück in die Ferne
führt. Aber selbst wenn wir die Farbe
von diesem Gemälde
entfernen, das attraktivste Stück,
der Fokus, liegt
das attraktivste Stück,
der Fokus, auf der hohe Kontrast
, bei dem diese Felsformationen auf die Wolken
treffen. Deshalb wird das Auge so stark dorthin
gezogen. Wenn man
das mit der Farbe kombiniert, ist
es noch leistungsfähiger. Wenn wir in die
Malstunde kommen, werde
ich
über die Farbtheorie sprechen, ich erwähne
kostenlose Farben. Kostenlose Farben fallen auf die gegenüberliegende Seite
des Farbrads
und sie sind sehr attraktiv, wenn nebeneinander
platziert werden. Ich meine nicht, dass
sie wunderschön sind, ich meine, dass sie das Auge
anziehen. Aber wie Sie sehen können, ist
es schwierig, über
ein Element des Designs oder der
Komposition zu
sprechen , ohne über etwas anderes wie Farbe zu sprechen. in der Landschaftsmalerei Wenn wir in der Landschaftsmalerei über
tonale Komposition sprechen, ist
es wichtig zu
verstehen, dass jede Farbe einen Eigenwert oder einen Ton
hat. Einige Farben sind dunkel, und wenn diese Farben neben
anderen dunklen Farben
platziert werden , haben
sie scheinbar einen
sehr niedrigen Kontrast. Ich nutze diese Idee
im Vordergrund. Meine Farbauswahl ist in Bezug auf den Tonwert sehr
ähnlich und erzeugen daher nicht so hohen Kontrast und ziehen
das Auge genauso an. Sie fragen sich
vielleicht, was ist mit
der Drittelregel? Ich dachte, das sei wichtig. Nun, all diese Regeln oder
Konzepte sind nur Werkzeuge. Sie helfen Ihnen dabei,
dynamische Kompositionen zu erstellen ,
wenn Sie sie benötigen, aber Sie müssen sich nicht religiös an
eine der Regeln halten. Lassen Sie uns
dieses Gemälde jedoch so beschneiden, dass es der
Drittelregel
entspricht und sehen, was wir denken. Aber bevor wir das tun, nehmen Sie diese
weitläufige Landschaft auf. Im Moment stehen
Sie weit weg von diesen Felsformationen, Sie können viele Details
im Vordergrund sehen, Felsen und Gräser, und Sie nehmen diesen großen,
weitläufigen Himmel auf. Wenn wir uns so einschneiden, dass die Gesteinsformation an
einer dieser Kreuzungen befindet, entsteht eine sehr
erfreuliche Komposition. Wir verlieren jedoch ein bisschen von expansiven Gefühl
, das
wir zuerst hatten. Es ist einfach etwas
, woran ich denken könnte ,
als ich
das
Originalgemälde entworfen habe , um eine etwas
dynamischere Landschaft zu schaffen. Die Felsformation
fällt nicht nur auf eine dieser
Kreuzungen, sondern die Horizontlinie folgt die
gesamte
Länge dieser Linie. Dies schafft eine schöne
angenehme Balance. Der große, helle, schöne bunte Himmel nimmt den
Großteil des Gemäldes auf, aber das wird durch die dunkleren,
kontrastreicheren Elemente an
dieser Kreuzung im
Endergebnis
ausgeglichen kontrastreicheren Elemente an . Ich bin mir sicher, dass einigen von euch
das Originalgemälde besser gefällt und andere mögen diese
abgeschnittene Version. Wie wir wissen, liegt Schönheit
im Auge des Betrachters. So viele Menschen hängen
an dem Konzept, die perfekte
Komposition zu kreieren, auf. Oder sie denken über die
Geometrieregeln der Komposition nach, wie die Drittelregel
oder den goldenen Mittelwert. Für einen Anfänger können diese Regeln entmutigend und
einschränkend
sein und etwas von der Freude nehmen,
die Sie beim
Erstellen empfinden , weil Sie sich
Sorgen machen , es nicht richtig zu machen. Es gibt Hunderte, wenn nicht Tausende von Büchern zu diesem Thema
geschrieben. Obwohl sie hilfreiche Tools sein können, gehe ich dieses
Thema gerne ganz anders an. Anstatt
über Kompositionsregeln nachzudenken, versuche
ich einfach, eine Szene zu erstellen
, die das Auge in Bewegung hält. Ich kann verschiedene
Methoden wie Farbe,
Kontrast, Skalierung anwenden, und
wenn ich es richtig mache, kann
ich den Blick auf
jeden Punkt auf der Seite lenken, aber hauptsächlich denke ich darüber nach, wie das Auge durch das
Gemälde
lenken kann und behalte es in Bewegung. Ich möchte nicht, dass die Augen von
jemandem ohne Grund in einem Bereich
stecken bleiben. Für mich dreht sich alles um Balance. Aber wenn Sie mehr
Kunst erstellen und sehen, und das ist wichtig, Kunst zu
betrachten, werden Sie
sensibler für erfolgreiche
Kompositionen. Anfangs mag es etwas zufällig
erscheinen, aber oft trifft ein
Künstler während des
Malprozesses Dutzende von Entscheidungen um ein angenehmes Gleichgewicht zu schaffen. Schauen wir uns ein paar Beispiele an und ich erkläre das, während wir gehen. Mein Ziel bei diesem
Gemälde war es,
eine weitläufige
Landschaft zu schaffen und
den Blick durch das
Gemälde zu ziehen , wie von Ihnen oder dem im Auto, der auf der Reise
geht. Die Namensstraße ins Nirgendwo
verrät diese Idee, aber ich musste immer noch Design verwenden
, um den Punkt zu vermitteln. Um das Auge
durch das Gemälde zu bewegen, entschied
ich mich für eine
verdrehte windige Straße, die in Wirklichkeit
genau so ist , wie es
im Hochland ist. Insgesamt
führt Sie diese Straße vom Vordergrund des
Gemäldes und durch den
ganzen Weg nach
hinten und darüber hinaus. Ich ahme diesen Effekt nach, indem die Berge auch
in die Ferne verblassen lasse. Aber ich verwende auch
Perspektive und Skalierung. Die Berge werden kleiner
, wenn sie in
die Ferne zurückgehen und die Straße auch
kleiner und dünner wird . Value spielt auch eine
Rolle in diesem Design. Der Himmel ist hell mit
diesen nebligen Wolken, und diese Helligkeit wird im Vordergrund
nachgeahmt genau dort, wo Sie das
Gemälde auf die Straße betreten. Während es in
den kleinen Tälern steigt und fällt und in die Ferne geht
, gibt es auf
jedem
dieser Berge oder Hügel ein kleines
Highlight . Die Verwendung von Wert
auf diese Weise und das Erstellen dieser wiederholbaren Formen hilft das Auge zurück
in die Ferne zu
führen. Etwas,
worüber ich auch gerne nachdenke, ist, dass ich nicht möchte das Auge des Betrachters aus
irgendeinem Grund vom Rand der Seite
fliegt . Manchmal kann
dies passieren, wenn Sie
einen großen offenen Raum an einer
der Kanten lassen einen großen offenen Raum an einer
der oder keinen
offensichtlichen Weg haben , auf dem ihr Auge wieder in den Fokus kommt. In diesem Gemälde
liegt der Schwerpunkt eigentlich auf negativem Raum. Es geht darum, dass Licht
durch den Wald strömt. Ich verwende diese starken
hellen Sonnenstrahlen in einer Diagonale, um
das Auge des Betrachters durch
das Gemälde zu
bewegen. Aber um das
Auge des Betrachters in diesem Raum zu behalten, verdunkle
ich die Ränder
des Gemäldes mit diesen starken dunklen Bäumen. Diese starken vertikalen Elemente wirken dieser diagonalen
Bewegung der Sonnenstrahlen entgegen. Wenn sich das verbindet, bekommt man einen schönen Fluss zwischen allen
Elementen des Gemäldes. Ich weiß, dass
das Nachdenken während eines einzigen Gemäldes ziemlich überwältigend
sein kann ,
besonders auf den ersten Blick. Aber bitte wisse, dass es
nicht alles auf einmal passiert. Im Laufe der Zeit, je mehr
Gemälde Sie machen, desto mehr Gemälde sehen Sie und je mehr Sie in einem Gemälde entdecken,
was Sie mögen werden
diese Dinge dabei
natürlicher. Hier sind die
Wertestudien über die
wir gesprochen haben, nützlich. Nutze sie als Gelegenheit , verschiedene
Kompositionen zu erforschen. Versuchen Sie, Bäume in
verschiedene Bereiche zu legen und
sehen Sie, was das bedeutet. Lässt es dein
Auge durch
das Gemälde fließen oder bleibst du an bestimmten Elementen
hängen? Diese kleinen Übungsläufe sind großartig, bevor sie
in ein Gemälde springen. Aber denken Sie daran, Sie lernen
mit jedem Bild, also wissen Sie einfach, dass
Sie im Laufe der Zeit besser werden.
11. 2.6 Einführung in die Perspektive: [MUSIK] Wir werden uns auf zwei Arten
von Perspektiven für Landschaften
konzentrieren , von denen
eine eine lineare Perspektive und die andere
atmosphärische Perspektive sein wird, auch bekannt als
Luftperspektive. Wir sprechen in der Farbstunde
in
Modul 3 über Luft- oder Atmosphärenperspektive , aber ich gebe Ihnen den kurzen Überblick,
damit Sie eine Idee haben. Grundsätzlich ist die atmosphärische
Perspektive die Wissenschaft, die
erklärt, warum Elemente, die weiter von uns
entfernt sind, blau,
wertvoller, weniger
detailliert, manchmal sogar verschwommen erscheinen können . Es hat damit zu tun, wie sich
Farbe durch
die Landschaft bewegt und
mit der Atmosphäre interagiert. Zwischen uns und diesen
entfernten Elementen ist viel los. Wenn es um das Zeichnen geht, können
Sie dies tun, indem diese entfernten Elemente
leichter und weniger detailliert halten. In der Malerei können wir
dies noch einfacher darstellen, da wir unsere Farben stärker
zum blauen Ende
des Spektrums neigen können . Aber auch hier werden wir in der Farbstunde
darüber sprechen. lineare Perspektive ist
viel technischer. Es gibt drei Arten
von linearer Perspektive, einen Punkt, zwei Punkte
und drei Punkte. Wenn Sie einen
formellen Bildungskurs absolvieren, werden
Sie wahrscheinlich viel
Zeit damit verbringen , diese Fähigkeit zu entwickeln. Ich weiß, dass das alles sehr technisch klingen wird, aber ich gebe Ihnen
Beispiele für alles. Ein grundlegendes Verständnis
von all dem zu haben,
ist wirklich alles, was
nötig ist, um loszulegen. Ich empfehle dringend
, dass Sie
einige Zeit in Ihrem
Skizzenbuch verbringen , um diese zu erkunden. Es ist wichtig, die Grundlagen der
Perspektive zu
verstehen , bevor wir uns mit der Landschaft
befassen. Wie wenn es darum geht, Schatten
zu malen, fallen
diese Schatten zu jeder Zeit
von der Sonne ab. Wir können die Perspektive verwenden
, um
die Winkel zu verstehen , in
die die Schatten fallen können. Wenn die Sonne hinter einigen Bäumen liegt, können
wir einige
Richtlinien erstellen, die
helfen, zu bestimmen, wo
die Schatten fallen werden. Während Landschaften
etwas verzeihender sind, wird
es besonders wichtig sein, die Grundlagen
der Perspektive
zu verstehen , wenn es um urbanes Skizzieren
geht. Das Wunderbare ist
, dass Sie, selbst wenn Sie keine Richtlinien oder Lineale
oder ähnliches
verwenden, dennoch
glaubwürdige Perspektiven
und interessante Gemälde schaffen können . Über diese grundlegenden Regeln für ein, 2 und 3 Punkte hinaus haben
wir etwas anderes sehr
Wichtiges mit Perspektive, und das ist Größe. Die Größe spielt in diesem Fall eine Rolle. Werfen wir einen Blick auf diese alte
Illustration als Beispiel. Stellen Sie sich vor, Sie laufen durch
den Wald und
stoßen auf dieses verzauberte
Hexenhäuschen. Wenn Sie sich dem Mondtor nähern, hören
Sie ein Kätzchen in den Blättern in der
Nähe
rascheln und riechen etwas, das über dem Feuer
bröstet. All diese kleinen Details, die ich
aufgenommen habe , erzählen
einen Teil einer Geschichte, aber ich musste die
Perspektive verwenden , um
dies etwas glaubwürdig zu machen. Das Konzept, wie groß
oder klein Objekte im
Vergleich
zueinander sind , hat
lange gedauert, bis ich selbst herausfand , und
erst als ich einen
Figurzeichnungskurs nahm , wurde mir klar
, dass Bedeutung davon. Wenn Sie jemals
eine menschliche Figur gezeichnet haben, dann wissen Sie, dass die Hand so groß
ist wie das Gesicht, und wenn sie näher
am Betrachter ist wie
vor der Figur, wird
sie noch
größer erscheinen als manchmal der ganze
Körper. In Landschaften ist es das Gleiche. Hier haben wir dieses Feuer
und wenn wir
das Feuer mit der Größe des
Hauses und der Entfernung vergleichen , offensichtlich im wirklichen Leben wäre
ein Feuer
offensichtlich im wirklichen Leben nicht größer als ein Haus oder zumindest
nicht diese Art von Feuer, Eine Katze wäre auch nicht so
groß wie die Tür, aber kleine visuelle
Hinweise wie diese, selbst in einer Fantasielandschaft, werden wirklich dazu beitragen, die Geschichte zu erzählen
und glaubwürdiger zu machen. Wenn wir über Perspektive sprechen, müssen
wir verstehen, was eine Horizontlinie ist und was
ein Fluchtpunkt ist. Eine Horizontlinie ist eine imaginäre Linie, die in der Ferne
existiert. Es ist im Grunde unsere
Augenhöhe in einer bestimmten Szene. In diesen Zeichnungen repräsentiere
ich das mit dieser rosa Farbe. Unser Fluchtpunkt existiert
an der Horizontlinie. Ein-Punkt-Perspektive
haben wir einen einzigen Fluchtpunkt. Zeichnen wir das in die Mitte unserer
Horizontlinie, um zu beginnen. Da die Horizontlinie vorschreibt, wie wir die Szene
betrachten, unter
die Horizontlinie zeichnen es sich anfühlen, als würden wir über ihnen
stehen und auf sie
herabschauen,
wenn wir Dinge . Wenn wir Dinge über
die Horizontlinie zeichnen, wird
es so aussehen, als würden wir auf die Objekte
starren. Wenn wir Dinge vor
unsere Horizontlinie zeichnen oder
Dinge, die sich kreuzen, wird
es so aussehen, als wir sie direkt anstarren. Zeichnen wir ein
paar Kisten als Beispiele. Mit einer
Ein-Punkt-Perspektive finde ich es am einfachsten, mit
dem Zeichnen der Vorderseite eines Objekts
und in diesem Fall die
Vorderseite der Box zu beginnen . Lassen Sie uns unten und dann
oben und dann vor
der Horizontlinie zurückgreifen ,
damit Sie
den Unterschied in
diesen Perspektiven erkennen können . Als nächstes verwenden wir ein
Lineal und verbinden alle Ecken dieser Objekte mit
dem Fluchtpunkt. Ich verwende eine grüne
Farbe, damit es offensichtlich ist, dass dies unsere Richtlinien
sind. Ein schneller Tipp, um dies schnell und
einfach zu
machen , ist es, Ihren Bleistift
auf den Fluchtpunkt zu legen, das Lineal gegen
die Bleistiftspitze zu
drücken und dann
die andere Ecke
mit dem Lineal
auszurichten und die Linie. Jetzt können wir die
Seiten unserer Kisten zeichnen. Unter Verwendung der Richtlinien, die
ich gerade gezeichnet
habe, verwende ich eine vertikale
parallele Linie, um die Rückseite der Box zu
erstellen und
dann eine Verbindung zur Vorderseite herzustellen. Ich verwende die gleiche
Methode oben, obwohl die Oberseite
offensichtlich eine horizontale Linie sein wird . Versuchen Sie es
nur zum Spaß mit einer
gepunkteten Linie, um
die Rückseite der Box zu zeigen , als würden wir uns
die Box mit Röntgenaufnahmen ansehen. Da ich alle Seiten
der Box ziemlich
gleich tief gemacht habe , sieht
es eher wie ein Würfel aus, aber was ist, wenn wir etwas
Länglicheres wollen? Ziehen Sie einfach die Rückseite
der Box weiter weg, näher an den Fluchtpunkt. Die gleiche Methode
kann angewendet werden, wenn wir eine sehr dünne Box
wünschen. Ziehe die Rückseite der Box näher
an die Vorderseite der Box. Sie können sehen, dass
Sie, wenn
sich das Objekt vor der Horizontlinie befindet, den oberen
oder unteren Teil des Objekts nicht wirklich sehen können. Es ist, als würden wir das Objekt
geradeaus anschauen. Wie wär's mit einem Zylinder? Beginnen wir mit einem Kreis, und mit unserem Lineal werden
wir
die Richtlinien überspringen. Wir platzieren das Lineal an der oberen Kante und am unteren
Rand dieses Kreises
und zeichnen es so weit nach unten, wie wir es wollen. Wenn wir es länger wollen,
werden sie
näher an den
Fluchtpunkt gebracht und wir werden
dieselbe Krümmung am Ende
der von uns gezeichneten Linien nachahmen . Ich schattiere es ein, damit du dir eine Vorstellung davon machen
kannst, wie rund es ist [NOISE]. Wir können diese Methode
für jede gewünschte Form verwenden. Lasst uns versuchen,
etwas wirklich Verrücktes zu zeichnen. Verwende etwas mit
Kurven und Punkten, und dann werden wir sehen, wie
wir uns mit ihnen verbinden können. Um es einfacher zu machen, verbinde
ich normalerweise zuerst
die Außenkanten, und dieses Mal
zeichne ich sie bis
zur Horizontlinie, um die seltsame Form wirklich zu
betonen. [GELÄCHTER] Ich zeichne meistens Linien, wo immer es einen Punkt gibt. Wenn ich eine gekrümmte
Form oder eine gekrümmte Kante
habe, muss ich nicht immer eine Linie zeichnen, manchmal kann dies rein mit Schattierungen
dargestellt werden, die ich Ihnen in einem Moment zeigen werde. Hier zeige ich
ein bisschen Schattierung,
anstatt eine durchgezogene Linie zu zeichnen, und es hat den Punkt, dass
es sich um eine weiche gekrümmte Kante handelt. [NOISE] Jetzt wird die
Zwei-Punkte-Perspektive etwas schwieriger, aber es macht viel Spaß. Mit Zwei-Punkte-Perspektive haben
wir normalerweise eine Ecke
eines Objekts, die uns gegenübersteht. Wir sehen uns in einer
Sekunde was ich meine. Zeichnen wir diesmal zwei
Fluchtpunkte, einen an jedem Ende
unserer Horizontlinie. Ich zeichne
kastenförmige geometrische Formen und zeichne eine unten, oben und wieder vor
die Horizontlinie. Um dies einfach zu halten, beginnen
wir mit
nur einer einzigen Zeile die jede
dieser Formen darstellt. Lassen Sie uns als Nächstes einige Richtlinien zeichnen
, die vom oberen und unteren Rand dieser Linien
zu beiden Fluchtpunkten reichen. Wenn es einfacher ist, die Dinge
gerade im Kopf zu halten ,
kein Wortspiel beabsichtigt, [LACHEN] versuche zuerst
alle Richtlinien auf
einen Fluchtpunkt zu ziehen zuerst
alle Richtlinien auf
einen Fluchtpunkt und dann auf
die andere Seite zu wechseln. Genau wie zuvor werden
wir zuerst
die Seiten unserer Kisten zeichnen . Anhand unserer Richtlinien zeichnen
wir die parallelen
Linien erneut und verbinden diese
dann mit der
vorderen Ecke. [NOISE] Versuchen Sie, diese
parallelen Linien auszubreiten und sehen Sie, wie weit Sie
zurück in die Ferne gehen können. Es erzeugt eher
eine längliche Kante. [NOISE] Lassen Sie uns
einige Richtlinien erstellen uns helfen
, unsere Formen zu vervollständigen. Zuerst verbinde ich
die rechte Seite
meiner Box mit dem linken
Fluchtpunkt. [NOISE] Dann verbinde ich die linke Seite meiner Boxen mit
dem rechten Fluchtpunkt. Jetzt kann ich einfach
die Form verfolgen, die ich gerade gemacht habe. [NOISE] Wieder
einmal können
Sie sehen, dass
Objekte vor
der Horizontlinie nicht wirklich oben oder unten
zeigen. Lassen Sie uns nun zur
Drei-Punkte-Perspektive übergehen, die komplizierteste, aber
derjenige ,
die zum meisten Realismus führen wird. Ich klebe ein
Stück Papier auf die Rückseite dieses
Papiers, um mir mehr Platz zu geben, um
den oberen
Fluchtpunkt weiter weg zu schaffen . Du wirst in einer Sekunde sehen, was ich
meine. Wir können mit einer
Zwei-Punkte-Perspektive beginnen, indem zwei Fluchtpunkte an beiden
Enden unserer Horizontlinie zeichnen. Dann fügen wir so weit wie möglich
einen weiteren Fluchtpunkt weit
oben hinzu. Für diese Demo zeichne
ich einen Turm. Ich möchte damit beginnen,
den Boden meines Turms zu zeichnen, und um es wirklich einfach zu halten, mache
ich nur ein kleines Zeichen für die vordere untere
Ecke meines Turms, und dann zeichne ich
meine Richtlinien von dieser vorderen unteren Ecke
des Turms bis zu den
Fluchtpunkten , die an meiner Horizontlinie existieren. Dann benutze ich meinen dritten
Fluchtpunkt und verbinde der unteren vorderen
Ecke meines Turms. Nach diesen Richtlinien kann
ich nun die Basis meines Turms zeichnen. Wo auch immer diese aufhören, verbinde
ich
diesen Punkt dann mit meinem dritten
Fluchtpunkt. Es sieht fast aus wie eine
Weihnachtsbaumform. Dann kann ich die
hintere Kante meines Turms zeichnen. Ich ziehe es nicht bis zum dritten
Fluchtpunkt, ich halte kurz und zeichne auch
die Mittellinie oder die vordere Ecke meines Turms. Die Spitze dieser Linie wird
ein bisschen größer sein als
die, die ich gerade gezeichnet habe. Um die
Oberkante unseres Turms zu finden, beginnen
wir mit unserem Bleistift ganz oben in der
vorderen Ecke, die wir gezeichnet haben, und verbinden ihn mit dieser unteren
Fluchtpunkte und dann
verfolge diese Richtlinie,
um die obere Kante zu erstellen. Hier sehen Sie, dass ich
einige überschüssige Linien
über den oberen Teil meines Turms habe ,
das lag daran, dass ich ein bisschen
vorangekommen
bin und zuerst nicht alle meine
Richtlinien gezogen habe. Im Laufe der Zeit wird es
viel einfacher,
die verschiedenen Perspektiven
ohne die Richtlinien zu zeichnen , und man kann
viel Spaß haben und manchmal
sogar übertreiben, aber diese Regeln kommen
normalerweise ins Spiel spielen Sie, wenn Sie Gebäude oder Zäune oder eine andere geometrische
Form in Ihrer Landschaft sehen. Wenn es um Bäume
und andere organische Formen geht, ist
es viel verzeihender.
12. 3.1 Einführung in die Farbtheorie: [MUSIK] Value erledigt die ganze Arbeit und Farbe erhält den ganzen Kredit. Aber warum ist das so? Warum ist Farbe so mächtig? Nun, das ist ein riesiges
Thema für sich und etwas, das Sie wahrscheinlich
jahrelang alleine studieren
könnten , aber ich werde Ihnen
eine Einführung in die
Farbtheorie geben , die zumindest bekommen
wird Du hast auf deinem Weg des
Skizzierens der Natur angefangen. Aber lassen Sie uns schnell
darüber sprechen, wie Farbe unsere Wahrnehmung
der Welt um uns herum
verändern kann . In der Designwelt
haben wir untersucht, wie Bewohner in einem Raum von
den von Ihnen gewählten Farben beeinflusst werden. Wenn Sie intensive
Energie oder Leidenschaft hervorrufen möchten, verwenden Sie Rot. Wenn Sie Ruhe und
Harmonie und ein Gefühl von Ruhe hervorrufen möchten, verwenden Sie Blues und Greens. Aber wenn es um das Malen von
Landschaften geht, möchten
Sie einerseits genaue Farben mischen und schöne Weise
darstellen, was vor
Ihnen liegt oder Sie möchten
Ihre eigenen Farben verwenden , die
Sie ausmachen kreiere deinen eigenen Stimmungssinn
oder erzähle eine bestimmte Geschichte. Oft werden
Künstler in Fantasy-Artworks
oder Bilderbuch-Illustrationen eine
Vielzahl von Farben verwenden , die in der realen Welt niemals zu
finden wären, aber sie verwenden Farbe,
um ihre Geschichte zu erzählen. Sprechen wir darüber, wie man Farben in einer Landschaft
mischt. Hast du das jemals gesehen? Es ist ein Farbrad, und viele Leute haben verschiedene Versionen
dieses Rades
gemacht und Sie können
eine Menge davon im
Internet finden . Diese ist insbesondere so
organisiert, dass
eine Idee repräsentiert wird, die in der Landschaftsmalerei äußerst
wichtig ist . Es gibt etwas, das als
Temperatur in Farben bekannt ist. Ohne hier zu
wissenschaftlich zu werden, bezieht
es sich im Grunde darauf, wie
warm oder wie cool eine Farbe ist. Wie Sie vielleicht wissen, besteht
jede Farbe aus
verschiedenen Wellenlängen, und diese Wellenlängen prallen Dingen in unserer
Umgebung
ab und treffen unsere Augäpfel.
So nehmen wir wahr, welche
Farbe das sind sie. Wenn wir das natürliche
Farbspektrum nehmen und es
in eine Radform oder einen
Kreis wickeln , bekommen wir das. Warum habe ich auf
Rot, Gelb und Blau hingewiesen? Nun, diese werden
als Vorwahlen bezeichnet. Primärfarben
bedeuten nur die Farben
, aus denen jede andere Farbe
des Spektrums gemischt werden kann. Wenn Sie Rot, Gelb
und Blau auf Ihrer Palette haben , können
Sie
so ziemlich jede Farbe mischen. Es gibt viele
verschiedene Gelbtöne, viele verschiedene Blaue und viele verschiedene Rottöne. Sie können sehen, dass Sie, wenn Sie
Rot und Gelb mischen , Orange,
Gelb und Blau erhalten , was Ihnen Grün, Blau und Rot verleiht Ihnen Lila, und es gibt so viele Variationen innerhalb dieser Mischungen
, die Sie erstellen können. Zurück zum Farbrad
über warme und kühle Farben, wie Sie sehen können, sind Rot
und Gelb auf der warmen Seite und Blau
ist auf der kühlen Seite. Wenn es um
die Farbmischung geht, je mehr Blau Sie zu einer Mischung hinzufügen, desto kühler
wird die Farbe. Je mehr Gelb du
hinzufügst, desto wärmer. Es wird jedoch
etwas verwirrender, wenn man zwei
Gelbtöne nebeneinander vergleicht, eines ist warm und
eines kühl oder zwei Rottöne, ein kühles
Rot und ein warmes Rot. Aber wenn Rot auf der warmen
Seite des Spektrums ist, wie kann es als cool angesehen werden? Nun, Farbe ist immer relativ. Wenn Sie also
zwei Rottöne miteinander vergleichen, wird
einer von ihnen
wärmer erscheinen und einer wird cooler
erscheinen. Es ist einfach die natürliche
Art, wie unsere Augen funktionieren. Wir vergleichen immer Farben. Wenn Sie jemals
jemanden über
ein warmes Blau oder ein kühles Blau sprechen hören , ist
dies der Grund. Normalerweise
liegt ein warmes Blau daran, dass ein bisschen mehr
Rot darin eingemischt ist. Es erscheint uns immer noch blau, aber es hat ein bisschen mehr Rot. In einer Landschaft werden
Sie sich größtenteils
darum kümmern, die Farben zu verwenden , die
zwischen den Vorwahlen liegen, sehr selten
benötigen Sie eine reine Primärfarbe. Manchmal sieht man dies in künstlichen Gegenständen oder
Blumen oder Tieren, aber viel häufiger verwenden
wir gedämpftere Töne oder
Grautöne oder Brauntöne, und das führt mich
dazu, wie Sie es verwenden können die Farbkarte, um herauszufinden, welche Farben
Sie mischen müssen. Einer der Gründe, warum
Menschen ein Farbrad herstellen oder kaufen und es in
ihrem Studio oder draußen bei sich
behalten , ist ,
dass sie schnell eine Farbe
betrachten und auf die gegenüberliegende
Seite des Farbrads
schauen können die gegenüberliegende
Seite des Farbrads
schauen und sehen Sie, welches kostenlos
ist. Kostenlose Farben fallen auf die gegenüberliegende Seite des Rades. Rot und Grün sind Komplimente. Wenn sie nebeneinander stehen, lassen
sie sich gegenseitig lebendiger
erscheinen. Es gibt eine Vibration, die zwischen ihnen
passiert. Es ist ein faszinierendes
Thema für sich selbst, man kann darüber lesen. Aber hier, lasst uns ein
kleines Experiment machen. Ich möchte, dass du dich
auf diesen weißen Punkt konzentrierst. Während ich rede, starre es einfach so hart du kannst
an. Versuche nicht zu blinzeln und
versuche zu sehen, ob es sich bewegt. Nun, der weiße Punkt
selbst bewegt sich nicht, aber Sie haben vielleicht das Gefühl Ihre Augen ein bisschen
zu jittern beginnen. Manche Leute sagen, dass ihre Augen auf einer Minutenskala
zucken, aber das ist nur eine natürliche
Schwingung, die passiert. Fast fertig, starre weiter auf den weißen Punkt und er ist weg. Jetzt sehen Ihre Augen
wahrscheinlich einen kleinen Schatten, wo der
weiße Punkt früher war. Was ist der Sinn
dieses Experiments? Ehrlich gesagt wollte ich euch nur
zeigen, dass
hinter den Kulissen so viel mehr passiert, was wir als Menschen kaum
wahrnehmen können. Wenn Sie tiefer
in die Farbtheorie und das
Spektrum und all
diese erstaunlichen Themen eingehen möchten , empfehle
ich Nathan
Fowkes auf schoolism.com. Er ist jemand, der
mich umgehauen hat, als ich anfing,
etwas über Farbe zu lernen. Aber jetzt tauchen wir zurück
in die Landschaftsmalerei ein. ist äußerst nützlich, Ihre kostenlosen
Farben zu kennen. zwei Ergänzungen
miteinander mischen, erhalten Sie eine viel gedämpftere
Version dieser Farbe. Wenn Sie
mehr gedämpfte Grüns malen möchten, fügen Sie ein bisschen Rot hinzu. Nicht zu viel, nur ein
winziger Hinweis und das wird diese Lebendigkeit
automatisch
senken. Es wird ein viel
angenehmeres Grün erzeugen, ein viel natürlicheres Grün als ein superhelles Grün
direkt aus der Tube. Haben Sie jemals bemerkt
, dass Objekte weit entfernt in der Ferne unserer
Landschaften wie Berge oder Wälder, was immer
näher am Horizont liegt dazu neigen, etwas
blauer oder verschwommener aussehen? Es sieht einfach anders aus als das, was uns näher liegt. Dies ist die sogenannte
atmosphärische Perspektive. Im Laufe der Geschichte wurde
dies auch als Luftperspektive
bezeichnet. Aber ich wollte es
atmosphärische Perspektive nennen Sie daran
zu erinnern, dass das, was in der Atmosphäre
um uns herum vor sich geht ,
einen großen Unterschied in
den Farben macht , die wir sehen. Wellenlängen springen zwischen
den Objekten und unseren Augen. Wenn sie weiter
durch die Atmosphäre reisen müssen, manchmal Teilchen und
andere Dinge im Weg. Dies ist besonders
an einem nebligen oder nebligen Tag übertrieben. Das Wasser in der Luft
verhindert physisch, diese Wellenlängen
weit weg in der Ferne
zurück zu unseren Augen reisen . Italienische und europäische
Renaissancekünstler waren die ersten, die
dies in ihren Gemälden verwendeten. Sie erkannten, dass
sie, um
dieses Aussehen einer
weitläufigen Landschaft zu erreichen , nicht nur eine lineare Perspektive
verwenden mussten, wie groß oder klein Objekte im Vergleich zueinander
sind, aber sie mussten
ihre Farben mit Bedacht benutzen. Sie können in den fernen
Elementen ihrer Bilder sehen, dass es weit weniger Kontrast,
weniger Sättigung
gibt und die Farben neigen sich mehr zum
blauen Ende des Spektrums. Ich werde
später in den Maldemos etwas mehr darüber
sprechen . Nehmen wir an, wir haben einen braunen Ball
, der unseren Baum darstellt. Dieses Braun ist die lokale Farbe oder die tatsächliche Farbe des Baumes. Unser Baum ist draußen. Wir haben einen Himmel und wir haben
etwas schönes grünes Gras, und wir haben auch eine Sonne, eine Lichtquelle und es ist eine glückliche kleine Sonne. Diese Sonne scheint auf unseren Baum und schafft
ein Highlight. In diesem Highlight sieht
man, dass es etwas wärmeres Braun ist, ein bisschen leichter. Es hat einen Effekt, der
unsere lokale Farbe verändert hat, und es wirft auch einen
Schatten auf das Gras. Die Sonne scheint auf
diesem Gras und es wird all diese grünen
Partikel überall
abprallen, und diese grünen
Partikel werden und diese grünen
Partikel werden
aufprallen und von unserem Baum reflektieren. Wir nennen das Bounce Light, aber es hört dort nicht auf. Die Sonne sendet auch
Licht durch den Himmel und diese blaue Farbe wird
auch herumhüpfen auf unsere
Oberfläche des Baumes
werfen. Wir bekommen etwas von diesem blauen Licht unserer lokalen Farbe
abprallt und ihm einen kleinen blauen Farbton
verleiht. Dies
geschieht nicht nur bei direktem Licht, es kann auch in
einer Umgebungslichtszene
wie in der Dämmerung oder bei Nacht geschehen , wenn es keine
direkte Lichtquelle gibt, sondern das Licht am Himmel leuchtet. Es prallt immer noch all
diese Farben
rundherum, und diese Farben
werden auf unsere lokale Farbe geworfen und diese Farben
werden auf unsere lokale Farbe geworfen, sie leicht
tönen und von allen Objekten oder
Oberflächen in der Nähe
abprallen Bereich wie das Gras. Natürlich können Sie
diese Regeln nach Bedarf
für Ihre Landschaft
biegen und optimieren , aber die Verwendung von aufgepralltem Licht kann unseren Gemälden
wirklich viele Interessen
und Tiefe verleihen. Unabhängig von Ihrer lokalen Farbe können
Sie immer noch
mit dieser Idee spielen. Hier habe ich ein
Dunkelblau als Grundfarbe verwendet, und dann springe ich diese
schattigen Töne auf
der Schattenseite herum und warme
Töne auf der hellen Seite. Ich weiß, dass
das alles viel zu tun ist. Lassen Sie
es uns vorerst
ein wenig wieder auf die Erde bringen und
über das Mischen von Farben sprechen. Ich zeige dir ein paar
Farbkarten, die das Leben so viel einfacher
machen. Denn ohne wirklich
zu wissen, welche Farben wir mit den
Röhren mischen können, die
wir besitzen, werden wir Schwierigkeiten haben, eines
dieser Farbkonzepte
in unseren Landschaften anzuwenden . Das erste, was Sie tun
sollten, wenn Sie
Farbe kaufen , ist ein Musterblatt zu machen. Dies ist eine einfache Übung, um herauszufinden, welche Farben Sie besitzen. Manchmal ist die auf
der Tube gedruckte Farbe nicht so, wie sie auf Papier
aussieht und die
Namen können oft täuschen. wird sehr
wichtig sein, ein Musterblatt als
Referenz zu haben , bis Sie sich mit Ihren Farben
vertraut machen. Irgendwann wird es zur
zweiten Natur und Sie müssen
diese
nicht so oft referenzieren. Musterblätter zeigen uns, wie unsere Farbe
direkt aus der Tube aussieht. Dies ist ein guter
Ausgangspunkt, um sich an
Ihre Farben zu gewöhnen , bevor Sie
überhaupt in das Mischen springen. Um mehr
Vielfalt dessen zu sehen, was mit einer Farbe
direkt aus der Tube
möglich ist , lasse
ich das Papier normalerweise
zuerst nass und verwende dann auf
einer Seite
schweres Pigment und lasse es langsam bluten und
am anderen Ende verdünnter werden. Ich kann sehen, wie es aussieht, sehr pigmentiert und sehr verdünnt. Ich mache genau
das Gleiche für meine Gouache. Sobald ich meine Musterblätter habe, ist
es Zeit für etwas Farbmischung. Ich habe eine Art von
Farbmischtabelle , die ich mehr liebe als jede andere Art und tatsächlich
eine der nützlichsten ist. Es nennt sich eine zweifarbige Grafik. Getreu seinem Namen bedeutet dies, dass wir zwei Farben miteinander
mischen, aber auf eine Weise, die uns
die große Auswahl an Mischungen zeigt die große Auswahl an Mischungen wir zwischen
diesen beiden Farben erreichen können. Wir beginnen mit einer
Farbe auf einer Seite. Das ist Quinacridon Magenta. Die zweite Farbe, die ich verwende,
heißt Anthrachinonblau. Ja, ziemlich verrückter Name, aber es ist ein wirklich
schönes tiefes Blau. Ich beginne auf einer Seite mit hauptsächlich Magenta und jedem
einzelnen Pinselstrich, ich habe nur ein
kleines bisschen Blau eingeführt. Während ich mich
auf die rechte Seite arbeite, füge
ich immer mehr Blau hinzu und schließlich wird der letzte
Pinselstrich reines Blau sein. Auf dem Weg dorthin kann ich
die Farbe verdünnen, wenn ich
noch mehr Abwechslung
sichtbar haben möchte , weil wir dies in
unseren tatsächlichen Gemälden machen. Das übergeordnete Ziel ist es,
ein schönes Spektrum zwischen
den beiden Farben zu haben und so
viel Abwechslung wie möglich zu zeigen. Wenn dir das ein bisschen
zu viel ist, kannst
du so etwas
Kleines machen. Das ist meine Reiseversion. Es sind nur ein paar Farben, aber schauen Sie sich die große Auswahl an Farben
an, die ich mischen kann. das zur Hand habe,
wenn ich draußen bin, besonders an der Küste,
wo ich ständig versuche, eine
Vielzahl von Farben zu mischen, benutze
ich das ständig. [HINTERGRUND]
13. Grundlagen der Malerei: Wenn ich draußen male, bin
ich Hybrid-Maler. Ich verwende Aquarell und
Gouache austauschbar und verwende eine Vielzahl anderer
Materialien wie Bleistift, Stift, Tinte und Marker. Meine Philosophie ist es, alles zu verwenden was nötig ist
, um die Arbeit zu erledigen. Ich arbeite gerne schnell und
ausdrucksvoll, daher bevorzuge
ich Wassermedien,
wenn ich draußen male weil sie sehr
tragbar sind und schnell trocknen. Für die Zwecke dieses Kurses spreche
ich über
diese Materialien. Wenn es um meine Materialien geht, verwende
ich gerne ein minimales
Setup mit maximaler Qualität. Ich kaufe die maximalen
Qualitätsvorräte, die ich mir leisten kann, aber ich brauche keine Tonne
verschiedener Farben oder
jede Menge verschiedener Pinsel. Ich bevorzuge eigentlich eine
begrenzte Auswahl an Farben und ein oder zwei wirklich schöne Pinsel und wenn ich irgendetwas
spritze, wird
es mein Papier sein, denn Papier macht einen großen
Unterschied in Leistung. Wenn Sie jemals
billiges Aquarellpapier verwendet haben und Schwierigkeiten hatten, selbst
die grundlegenden Techniken zu machen, ist
es nicht Ihre Schuld. Papier macht tatsächlich einen großen Unterschied
mit Aquarell. Die Hauptsache, an die Sie
sich erinnern möchten, ist, dass das beste
Aquarellpapier aus 100 Prozent
Baumwollfasern
hergestellt wird . Dies macht das Papier
saugfähiger und je nach Unternehmen und
wie es das Papier fertigstellt, wird
es viel
besser funktionieren und es Ihnen ermöglichen, jede Technik, die
Sie sich vorstellen können, mit Aquarell durchzuführen. Verschiedene Techniken
umfassen
Nass - und Glasur- und Trockenbürste. Ich werde über diese
Techniken sprechen, damit Sie sich
eine bessere Vorstellung davon machen können , wie Sie
die Materialien verwenden können, wenn
Sie draußen sind. Aber lasst uns zuerst über Paletten
sprechen , denn Sie brauchen eine
davon , wenn Sie draußen
malen. Sie können zurückgehen und sich
alle Materialien ansehen, die ich gerne in der vorherigen Lektion
über die einfache Luftmalerei
verwende. Aber lassen Sie mich schnell erwähnen, dass sich
meine Vorräte
ständig weiterentwickeln. Ich probiere immer neue
Dinge aus und im Laufe der Zeit
wurde mir klar,
dass einige Dinge , die früher gut für mich funktionierten, mir nicht
mehr dienen. Ich versuche einfach
offen darüber zu bleiben und benutze das, was
mir im Moment passt. Im Studio verwende ich diese
faltbare Silbenpalette, die 18 Farben enthält und da ich gerne meine eigenen Farben
mische, sind
ein paar davon auf
dieser Palette tatsächlich meine benutzerdefinierten Mischfarben. Sie können etwas
Geld sparen, wenn Sie
die Grundfarben kaufen und
Ihre eigenen Grüns,
Violett und Orangen mischen . Ich gebe dir einen kurzen Überblick über
die Vorräte , die ich
gerne im Studio verwende. Normalerweise habe ich eine
Handvoll Pinsel
aller [LACHEN] verschiedenen
Formen und Größen. Normalerweise verwende ich gerne
runde und spitze Pinsel für Aquarell und die
flacheren Pinsel für Gouache. Aber manchmal ändere ich das. Es ist auch sehr nützlich,
einige Papierhandtücher
oder wiederverwendbare Lappen
zu haben einige Papierhandtücher
oder wiederverwendbare Lappen , um Ihre Pinsel abzuwischen und beim Malen etwas überschüssiges Wasser
aufzusaugen. Sie können sogar alte
Cut-up-T-Shirts verwenden. Wir brauchen irgendeine Art
Wasserschiff. Ich benutze das gleiche seit
vier Jahren und natürlich unsere Farbe und unser Papier. Wenn Sie
Aquarell oder Gouache verwenden , die in
einer solchen Pfanne getrocknet werden, ist es sehr hilfreich,
etwas Wasser darauf zu werfen , damit es vielleicht fünf, 10
oder sogar 15 Minuten weich
werden kann vielleicht fünf, 10
oder sogar 15 Minuten bevor du anfängst zu malen. Ich versuche es nicht in Wasser zu ertränken, aber ich muss genug benutzen,
damit es es
vollständig bedeckt und in dieses Pigment
eindringen kann. Hochwertige Aquarelle
können nass und immer wieder
wiederverwendet werden. Ich bin zwischen den
Malsitzungen jede
Nacht trocken und ich nasse es am nächsten
Tag wieder und es ist bereit zu gehen. Die erste Technik, die ich demonstrieren werde, ist nass
bis nass und speziell wie
man einen Farbverlauf erzeugt. Wir würden einen Farbverlauf
im Hintergrund unserer Bilder verwenden , besonders am Himmel. Für diese Art von Dingen verwende
ich gerne meinen iPad-Halter und neige das Papier in einem Winkel von
45 Grad nach oben. Dies ermöglicht es dem
Pigment, auf natürliche Weise mit der Schwerkraft
nach unten zu fließen und es
erzeugt einen weicheren Gradienten. Eine typische
Faustregel bei Aquarell ist, dass die Farbe überall
fließen möchte, wo das Wasser ist. Egal, ob Sie das
Papier zuerst nass machen oder Aquarell
ablegen und mehr hinzufügen
möchten,
wo immer sich der Rand des Wassers befindet, die Farbe möchte hineinfließen. Für einen Farbverlauf habe ich
gerne etwas Wasser auf dem Papier
, damit die Farbe
sofort fließen kann und einen wirklich weichen Effekt
erzeugen kann. Aquarell trocknet
leichter, und einer
der häufigsten
Anfängerfehler und nicht einmal nur für Anfänger, ich mache es immer noch manchmal, nicht genug Pigment
zu verwenden. Wenn Sie anfangen,
Ihre Pigmentpfütze zu mischen ,
bevor Sie sie verwenden, scheint
es, als würde
sie wirklich hell sein. Aber sobald es getrocknet ist, merkt man oft, dass
es nicht ganz genug war. Aber hier kommt die
Praxis ins Spiel. Bevor ich in ein Gemälde springe, mache
ich einen solchen
Übungslauf, bei dem ich übe, meine Pfützen zu mischen und wirklich zu bemerken, wie
sie auf
der Palette aussehen , bevor ich es auf das Papier
auftrage. Auf diese Weise bin ich besser informiert, wenn
ich in
mein letztes Bild springe . Ich zeige dir tatsächlich, was mit einem Farbverlauf
nicht zu tun ist. In der Regel wollen wir ein
bisschen schneller arbeiten. Wenn wir
unsere Farben nicht schnell genug
ineinander legen, werden
wir am Ende drei separate Farben haben
, die nur miteinander sortiert werden. Dies kann natürlich für bestimmte Dinge
nützlich sein. Aber an einem Himmel
wollen wir normalerweise keine großen Farbsträhnen
wie diese sehen, aber das ist eine großartige
Lernübung. Lass es uns nochmal richtig machen. Diesmal
benetze ich mein Papier nicht vor ,
weil ich
zeigen möchte , dass du
diesen Effekt trotzdem erzielen
kannst , ohne das zu tun. Dieses Mal
beginnen wir mit einer Farbe und führen
langsam die nächste
Farbe in jeden Pinselstrich ein. Nachdem ich mein Gelb niedergelegt
habe, werde ich langsam anfangen,
das kleinste bisschen Rosa einzuführen und
ein oder zwei Pinselstriche zu machen und dann ein bisschen mehr Rosa und
mache noch ein oder zwei weitere. Ich werde diese Strategie über den gesamten Verlauf
hinweg fortsetzen und mich
nur darauf konzentrieren, meine Farbe
langsam einzuführen. Dies wird am Ende zu
einem viel glatteren
Gradienten führen . Es braucht etwas Übung
und Gewöhnung. Aber machen Sie noch einmal ein wenig
Übungslauf wie diesen, bevor Sie in
ein letztes Gemälde springen und
es wird viel besser dran sein. Ein kurzer Ratschlag
ist, zu versuchen, die Farbe nicht zu stören, sobald Sie einen Pinselstrich
beendet haben. Sie können ein oder zwei Mal über dieselbe
Stelle gehen, aber nicht, wenn sich die
Pigmente im Papier festsetzen. Wenn
ich an diesem Punkt zurückgehen und
versuchen würde, alles anzupassen, was
ich getan habe, würde ich am Ende
Streifen und allerlei seltsame Flecken und
Dinge bekommen, die ich nicht will. Aber Sie können sehen, dass
der Farbverlauf,
den ich beim zweiten Mal gemacht habe ,
etwas glatter ist. Aber das rosafarbene Rot
und das Blau sind
optisch immer noch ein wenig merklich getrennt, was nicht ideal ist, also würde ich auf jeden Fall darauf
achten, wenn
ich das in einem
echten Himmelsgemälde mache. Ich verwende
diese spezielle Technik eigentlich nicht für Steigungen, wenn ich meinen Himmel
male, ich bevorzuge es, etwas
lockerer und ausdrucksvoller zu sein. Ich liebe es, das Pigment
schnell fließen zu lassen und
natürlich auf dem Papier zusammenbluten zu lassen. Diese Spontaneität liebe
ich an Aquarell. Lass uns einen Gradienten machen, den ich
gerne an meinem Himmel mache. Dieses Mal fange ich von unten
an und arbeite mich
nach oben. Der Grund ist, dass
dies zu
einem viel aktiveren
Pigmentfluss führen wird. Schwerkraft macht
hier ihr Ding und weil Sie bereits
etwas Pigment ablegen, wird
alles, was Sie darauf und darüber legen, in diesem Fall
schnell über das Papier fließen. Denn denken Sie an diese
Regel, die ich gesagt habe, wie Aquarell gerne fließt,
wo es schon nass ist. Ja, das
sieht man hier auf jeden Fall bei der Arbeit. Ich wurde auch
etwas dunkler, weil ich weiß, dass meine Farbe viel leichter trocknen
wird. Sie können bereits sehen, wie
viel leichter und mehr Pastell die
beiden verbleibenden Beispiele sind. Jetzt für eine trockene
Pinsel-Technik, die eine meiner Lieblingsmethoden
ist interessante Texturen zu erzeugen. Was ich an nassen Medien liebe ,
ist, dass man
diese schöne weiche Farbe mit
einer rauen und
kontrastreicheren Farbe kombinieren kann diese schöne weiche Farbe mit . Um eine trockene Pinselstruktur zu erzeugen, versuchen
wir, zu erzeugen, versuchen
wir eine perfekte Balance zwischen
genügend Pigment auf unserem Pinsel und nicht genug Wasser schaffen,
so dass bei einem Pinselstrich nur die Pigment löst sich ab. Grundsätzlich lässt man
den Pigmentstaub über die Oberfläche dieses rauen Papiers ,
da es weniger Wasser gibt es nicht sofort in die Fasern
eindringt. Es sitzt ein
bisschen mehr oben. Dies ist übertrieben,
wenn Sie
sehr raues oder
kaltgepresstes Papier verwenden , das eine Menge Textur auf
der Oberfläche hat und wenn Sie
viel Trockenpinsel zusammenschichten, können
Sie so
interessant erstellen Auswirkungen. Für mich kombinieren die interessantesten
Aquarellbilder eine schöne Balance dieses weichen
Nasses nasser und trockener Pinselstruktur. Wie bereits erwähnt, verwende ich gerne Gouache und Aquarell zusammen. Es gibt einige Zusätze
, die Gouache
undurchsichtig machen und
vollständig matt trocknen, so dass sie keine Reflexion hat, was ideal für
Illustrationsarbeiten ist, die
fotografiert oder gescannt werden müssen , und verwandelte sich später in ein digitales
Bild. Aber es sieht auch persönlich einfach
so schön aus. Für mich ist es fast
so, als würde man sich flüssige Pastelle ansehen
, wenn das eine Sache wäre. Da Aquarell und Gouache
ein ähnliches Bindemittel
haben, können sie leicht gemischt werden. Normalerweise beginne ich gerne ein
Gemälde mit Aquarell oder einer verdünnten Version von Gouache, wenn ich mein
Aquarell nicht bei mir habe. Wenn ich dann die
Tiefe der Szene aufbaue, füge
ich weiterhin dickere
und dickere Gouache hinzu. Es ist großartig, um Details und
so viele interessante
Texturen
hinzuzufügen , und wie gesagt, ich liebe es einfach, wie Gouache
aussieht, wenn sie trocknet. Die nächsten Lektionen sind
unsere Demos in verschiedenen
Situationen, in denen ich Aquarell
oder Gouache oder beides verwenden
kann, damit Sie sehen können, wie
viel Abwechslung wie möglich ist. Natürlich werde ich, während ich die Demos
durchgehe, auch über all die
anderen Dinge sprechen, die ich in
den vorherigen Lektionen erwähnt habe .
Lasst uns reinspringen.
14. 3.3 Demo: Watercolor: [MUSIK] Für diese erste Demo verwende
ich mein Etchr
Cold Press Skizzenbuch, das ziemlich grobes Papier hat. Es gibt eine Menge
Textur auf diesem Papier. Wie ich bereits erwähnt habe, ist es viel
einfacher, wirklich schöne,
trockene Pinseltexturen zu bekommen , wenn
man ein raueres Papier hat. Wenn es darum geht, Steine zu malen, verwende ich gerne Kaltpressepapier. beim Malen mit Aquarell
immer daran, dass der
hellste Wert, mit dem
wir arbeiten müssen,
die Farbe des Papiers ist. Sie müssen diese Farbe
des Papiers durchscheinen lassen , wenn
Sie hervorheben möchten. Normalerweise beginne ich meine Steine, indem ich etwas Farbe nach unten lege und andere Farben
berühre
, damit sie blutet und zusammen
fließt. Felsen haben viele
Farbabweichungen. Sie also mit einer
mehrfarbigen Schicht wie dieser beginnen, ist der erste Schritt, um einen
Teil dieses Realismus zu erreichen. Da dieses Papier zu
100 Prozent Baumwolle besteht, ich genug Zeit,
um mit meinen Schichten zu spielen. Ich kann wieder reinkommen und
Dinge glätten oder mehr Farbe hinzufügen, aber eine Sache, die ich gerne mache, ist mein Papiertuch so
leicht auf der Oberfläche
des Aquarells zu
berühren leicht auf der Oberfläche
des Aquarells und etwas von der Farbe aufzunehmen. Hier siehst du, wie ich
den oberen Rand
der Felsen berühre und es
gibt ihm ein bisschen Highlight. Wenn du genau
hinsiehst, siehst du immer noch ein bisschen Farbe darunter, wo ich es mit
dem Papiertuch
aufgehoben habe . Das liegt daran, dass einige Farben färbender sind
als andere. In dem Moment, in dem Sie
sie auf das Papier legen, färben
sie diese Papierfasern. Dies ist etwas, das
Sie im Laufe der Zeit lernen und viele Tests
in Ihren eigenen Gemälden machen.
Sie werden herausfinden, welche Farben das
tun und welche nicht. Die andere Technik, die ich gerne mit Steinen
verwende, ist die Verglasung. Also lassen wir das trocknen und dann machen wir
eine weitere Schicht darüber. Das wird viel
leichter trocknen als es gerade aussieht, was Sie in einem Moment sehen werden. Dann können
wir mit der zweiten Schicht beginnen, die Tiefe in den
Schattenteilen des Felsens
aufzubauen . Aber zuerst werde ich
ein paar Grasfarben
um die Felsen herum anfassen . Ich habe nur ein
bisschen gewartet, bis die Farbe getrocknet ist, sie fängt jetzt an,
sich in die Fasern einzutauchen. Aber wenn ich die
Farbe des Grases hinzufüge, blutet
es nur ein
kleines bisschen in meine Steine. Der Zeitpunkt dafür ist
natürlich wichtig. Wenn du nicht willst, dass es
überhaupt in deine Felsfarbe blutet , musst
du etwas länger
warten. Aber ich mag es, dass meine Steine
ein bisschen
Interaktion mit
allem haben , was in der Nähe ist. In diesem Fall
sitzen sie also auf dem Boden, sie sitzen auf dem Rasen. Mir gefällt die Tatsache,
dass es zusammen bluten wird. Während wir die zweite
und sogar dritte Schicht der Felsstruktur machen, wird
sie
die Tiefe aufbauen und wird
sie
die Tiefe aufbauen und die
Felsen so aussehen lassen, als würden sie auf dem Gras
sitzen und nicht nur ein Teil von
der Boden. Als Referenz werde ich
die drei Farben fallen lassen , die ich bisher
in diesem Gemälde verwendet habe. Dies ist eine wirklich großartige Übung wenn Sie anfangen,
damit Sie sich daran erinnern können, was
Sie verwenden, um etwas zu malen. Sobald die Farbe trocken ist, kann
ich die zweite
Schicht auf den Felsen machen. Ich möchte hier keine zu
dunkle Farbe verwenden, ich werde tatsächlich
eine sehr ähnliche Farbe wie
die erste Ebene verwenden . Aber das Coole
ist, dass
es exponentiell
dunkler und dunkler wird, sobald du anfängst, Aquarell zu schichten . Die darunter liegende Farbe wird ein wenig
durchscheinen zur Farbe
und den tieferen Werten beitragen. Das ist die Magie der Verglasung. Wenn Sie an
die Zeichenstunde zurückdenken in der wir
über das Zeichnen von Felsen gesprochen haben, möchte
ich sicherstellen, dass ich
eine Seite auswähle , die
meine Highlight-Seite sein wird, und dann wird
natürlich die andere Seite die Schattenseite. Ich lege mehr von der
zweiten Farbe auf die Schattenseite und in
der Nähe der Felsbasis. Ich muss keine großen,
schweren, soliden Pinselstriche verwenden. Ich kann Kleinen gebrauchen, die
hier und da zerbrochen sind. Tatsächlich denke ich, dass dies
dazu beiträgt, dem Realismus zu verleihen. Jetzt, da wir eine kleine
Studie aus dem Weg haben, möchte
ich Ihnen zeigen, wie ich
dieses Zeug
in eine größere Szene zusammenfüge , damit Sie
ausgehen und ein Feld
oder sanfte Hügel mit
Felsen malen möchten oder was auch immer es ist, Sie haben eine Strategie im Kopf. Das Wichtigste zuerst: Beginnen Sie
mit einer grundlegenden Skizze. Wenn Sie mit
den einfachen Blockstrukturen
oder Zapfen oder Kugeln beginnen müssen , was auch immer Ihnen hilft, diese
Steine zu ziehen, tun Sie es einfach. Machen Sie sich keine Sorgen darüber, wie
seltsam es aussieht und zeichnen Licht genug
, damit Sie
die endgültige Struktur oben zeichnen können , und es spielt auch keine
Rolle ob der Bleistift am Ende
durchscheint. Wenn es nur eine solche Studie ist, denke
ich, dass es tatsächlich hilfreich ist, die Linienarbeit später
zu sehen weil sie mich daran erinnert, was ich zeichnen
musste, um
das Gemälde zu erledigen. Ich denke, das sind später tatsächlich
wertvolle Informationen. Sie können sehen, wenn ich diese Steine
skizziere, meine Hand bewegt sich ziemlich schnell und der Hauptgrund dafür
ist, dass ich es nicht überdenken
möchte. Immer
wenn ich mich hinsetze, um
Steine oder Bäume zu zeichnen oder irgendetwas,
das organischer ist , zeichne
ich die gleichen Formen,
die gleichen Größen und alles
sieht sehr steif aus, wenn ich zu viel
über meine Linien nachdenke zeichne
ich die gleichen Formen,
die gleichen Größen und alles
sieht sehr steif aus, und unnatürlich. Ich lasse den Bleistift einfach fließen, und wenn ich hier und
da
zusätzliche Linien habe, ist es in Ordnung. Sie können diese einfach löschen oder ignorieren, wenn
Sie malen. Aber die Hauptsache, an die
wir
bei Aquarell denken , ist, wo unsere Highlights sein werden , denn das Papier ist
unsere Highlight-Farbe. Das ist das hellste, was wir in dem Gemälde kriegen
können. Sie von Anfang an
darüber nach, wo das
Licht in der Szene ist. Welche Seite des Felsens wird
die Highlight-Seite sein? Diese bleiben
die helleren Bereiche und Sie können langsam
die Dunkelheit um sie herum aufbauen. Ich verwende
eine Mischung aus Blau, ein bisschen Rosa und ein bisschen Schwarz. Also bekomme ich einen gräulichen Ton und meine erste Schicht ist
sehr mit Wasser verdünnt. Nachdem ich diese Grundfarbe gemalt
habe, werde ich
hier und da einige Variationen mit
der gleichen Farbe berühren , nur ein bisschen
weniger Wasser, damit Sie sehen
können, dass es etwas dunkler ist. Ich lasse das zusammen fließen
und bluten , weil ich diese
natürliche Variation will. Während ich das mache,
erinnere ich mich , dass es leichter trocknen
wird, also mache ich mir noch nicht unbedingt
Sorgen um die Highlight
- und Schattenseite. Das wird nur die Unterschicht
sein, und ich male später die
Schatten. Denken Sie vorerst nur
darüber nach, eine schöne Variation
der zugrunde liegenden Farbe zu erhalten. Die Felsen können
hier und da variieren. Sie müssen nicht alle genau
die gleichen Farben haben. Selbst Felsen, die nahe
beieinander liegen, stimmen nicht immer überein. Um zu vermeiden, dass eine harte Linie an der
Basis der Felsen liegt, verwende
ich einen sauberen
Pinsel und fege eine Linie darunter und lasse
diese Farbe abbluten. Es wird einfach
dahin verblassen , wo das Gras sein
wird, und es ist sehr leicht,
also wird es keine Rolle spielen. Es macht sehr viel Spaß,
mit verschiedenen
Farben in unseren Felsen zu spielen . In diesem Fall habe ich beschlossen, ein bisschen warmen Ton
hinzuzufügen. Ich mische ein kleines bisschen von
meinem verdünnten venezianischen Rot ein. Die Pigmente bluten langsam zusammen und setzen sich ab,
wo sie wollen, und ich denke,
hier kann man wirklich
anfangen zu sehen, wie diese Textur durchscheint. Ich benutze eine Heißluftpistole, um
den Trocknungsprozess zu beschleunigen, und ich werde
das Video tatsächlich etwas beschleunigen, damit Sie
sehen können , wie viel Wertverschiebung
es von nass zu trocken gibt. Noch einmal mache ich
kleine Farbnoten, um mich daran zu erinnern , welche Farben ich
früher gemalt habe. Jetzt, da die
Unterschicht meiner Steine trocken ist, ist
es Zeit für das Gras. Ich verwende ein sehr
verdünntes Grün und male um
meine Felsformen herum. dies zu tun, braucht es ein wenig
Sorgfalt, aber mit einem schönen spitzen Pinsel ist
es ein bisschen einfacher. Es ist in Ordnung, wenn ich
die Felsen hier und da ein
wenig überlappe , aber ich
möchte besonders sicherstellen, dass ich mich nirgendwo überlappe, was ein helles
Highlight auf den Felsen sein wird. Aber trotzdem arbeite ich
ziemlich schnell daran, hier
ein paar nette kaputte und
ausdrucksstarke Noten zu bekommen . Sie können sehen, dass ich
bis zum Grund des Felsens male , und diese grüne Farbe überlappt
sich ein wenig von der
Grundfarbe der Felsen. Denken Sie daran, als ich meinen Pinsel
unter den Felsen
fegte und diese Farbe ausbluten
ließ und
ins Nichts verblassen habe, deshalb. Es erzeugt einen schönen Fluss zwischen der Felsfarbe und dem Boden. Hier und da berühre ich etwas mehr Pigment oder variiere
das Pigment leicht, indem ich vielleicht wärmere Töne wie
Gelb oder kühlere Töne wie
Blau
hinzufüge Gelb oder kühlere Töne wie und einfach versuche, diese große Grasfläche
aufzubrechen. Ich füge besonders gerne
Gelb und Orangen zu
meinen Grasfarben hinzu , um
sie ein wenig aufzuhellen und
sie sich etwas wärmer anfühlen zu lassen, als würde die Sonne auf das Gras
fallen, und dann gehe
ich dem mit Blues im Grün auf der
Schattenseite der Felsen. Ich mache ein bisschen davon
in der ersten nassen Schicht, also ist es ein Nass-In-Nass-Effekt, und sobald das getrocknet ist, kann
ich mit
noch schattenhafteren Tönen zurückkommen und diese Tiefe aufbauen. Eine Sache, die ich
über die nasse nasse Schicht erwähnen möchte ,
ist, dass
Ihre Farben möglicherweise
zu stark miteinander bluten, wenn Sie eine Tonne Wasser
verwenden . Es ist eine gute Balance zwischen genug Pigment und genug
Wasser, damit die Farbe fließt, aber nicht über
Bord geht, so dass Sie einfach ein
großes, wässriges Durcheinander haben. In Bezug auf meinen
Pinselstrik-Stil verwende
ich einen sehr spitzen
Pinsel und fege die Farbe nach oben, um Grashalme
nachzuahmen. Jetzt werde ich diesmal
die großen Felsformen mit
etwas mehr Schatten aufbrechen , indem ich ein sehr verdünntes Schwarz
verwende. Es ist im Grunde reines Grau. Ein Teil dieser zugrunde liegenden Farbe
wird durchscheinen, insbesondere je
verdünnter das Pigment ist, aber ich möchte Sie
davor warnen Schwarz in Ihren Gemälden zu
verwenden. Schwarz ist in Ordnung und es ist eigentlich eine wirklich großartige Mischfarbe, aber es entsättigt
und neutralisiert Ihre Farbe automatisch . Wenn Sie die Sättigung
senken oder gedämpfte
Töne erzeugen möchten, ist dies perfekt. Aber wenn Sie nur versuchen, Ihre Werte
zu verdunkeln, daran,
dass Sie etwas von dieser Sättigung
verlieren werden . Sie können ein dunkleres Blau
oder Violett oder sogar Rot
oder eine Vielzahl dieser
Farben verwenden , die miteinander gemischt werden um Ihre Werte zu verdunkeln,
anstatt nur Schwarz. Aber in diesem Fall wollte
ich mit einer neutraleren Farbe wählen. Mein Ziel bei diesen Pinselstrichen
ist es,
diese festen Formen einfach aufzubrechen und den Felsen etwas mehr
Dimension zu
verleihen. In dieser Szene
kommt das Licht von hinten links, daher befindet sich der Großteil meiner
Schattenfarbe vorne rechts. Ich könnte das Gemälde wahrscheinlich
hier
lassen und damit zufrieden sein, aber ich zeige
dir noch eine Ebene. Jetzt können Sie sehen, wie
leicht diese Schicht getrocknet hat. Ich denke, dieses Bild
könnte
von einer weiteren Schattenschicht profitieren . Insgesamt wird dies meine Gesamtschicht
auf dem Felsen auf drei Schichten
bringen . Diesmal verwende ich eine bläuliche, schwärzliche, gräuliche Farbe, sehr verdünnt, aber
ich werde sie nur dort
fokussieren, wo ich meine dunkleren Dunkeln haben
möchte. Zum größten Teil wird es unten rechts auf dem Felsen
sein oder wo
der Felsen
das Gras berührt,
und dies wird dazu beitragen, die Felsen ein bisschen mehr zu erden. Denn im Moment schwimmen
sie nur
und mischen sich etwas zu sehr ins
Gras. Weil ich diesen
zusätzlichen Schritt gemacht habe und den Felsen weitere dunkle
Schatten
hinzugefügt
habe, denke ich, dass es dazu
beitragen wird, den Gräsern, die
sich
direkt neben dem Felsen befinden, etwas mehr Schatten zu verleihen. So wird ein Schatten
direkt
unter dem Felsen auf den Boden geworfen . Ich verwende die gleiche grüne Farbe wie am Anfang, aber diesmal ein
bisschen mehr Pigment, etwas weniger Wasser,
damit es etwas dunkler wird. Ich möchte nicht, dass meine Gräser dunkler sind als die
Felsen selbst, ich möchte der Szene nur etwas
mehr Tiefe verleihen. Auch hier verwende ich eine trockene
Pinsel-Technik und staube dieses Pigment
über das Papier, damit diese Textur
des Papiers durchscheinen kann, was tatsächlich
sehr gut für Gräser funktioniert. Dann sind wir ziemlich fertig. Wenn du das selbst ausprobierst, empfehle
ich,
mit einem Felsen,
vielleicht zwei Felsen, zu beginnen und dann langsam die
Komplexität deiner Szenen aufzubauen. Es gibt viele Schritte
und es wird mit der Zeit
einfacher werden, aber es kann zunächst ein bisschen
überwältigend sein. Ja, ich beginne gerade mit einer sehr einfachen Szene, um den Dreh
aus diesen Schritten herauszuholen und langsam diese Bürstenmeile
aufzubauen.
15. 3.4 Demo: Watercolor: [MUSIK] Für diese Demo möchte
ich, dass Sie an die Lektion
über die Vereinfachung von Formen
in der Landschaft
zurückdenken . Mit Kreisen oder
Quadraten zu beginnen, ist der einfachste Weg. Aber bei Bäumen benutze ich
öfter als keine Kreise. Beginnen wir damit, einen Kreis zu zeichnen. Wir werden versuchen
, uns unsere Lichtquelle oder die Sonne oben links vorzustellen. Aus diesem Grund wird
der
Schatten nach unten rechts
nach unten geworfen. Ich werde in
meinem Schatten schattieren, nur mit
meiner vereinfachten
Version des Schraffierens mit den parallelen Linien, die
ich Ihnen zuvor gezeigt habe. Wir geben ihm einen
kleinen Kofferraum und ja, mir ist bewusst, dass das im Grunde wie ein Lutscher
aussieht. Dann
verwenden wir diese Form als
Leitfaden, um unseren Baum daneben zu zeichnen. Anstatt diesen Kreis zu zeichnen, verwenden
wir die vereinfachte
Version unseres grünen Baldachins. So spitz zulaufende, schnörkelige Linien, die sich um
die kreisförmige Form wickeln. Anstatt unten rechts einen soliden
halbmondschattigen Bereich zu machen, verwende
ich
einen gebrochenen Schatten. Ich versuche mir sehr anschaulich vorzustellen, wo all diese
Blattgruppen sein würden. Indem es hier und
da
ein bisschen zerbricht , gibt es ihm ein
bisschen mehr Realismus. Natürlich ist dies eine
super vereinfachte Version, aber ich möchte nur, dass
ihr
einfach anfängt und dann arbeiten
wir uns in Richtung Realismus vor. Wenn ich den
Kofferraum ziehe, gebe ich ihm auch
ein paar zusätzliche Zweige. Diese Art von schneller Skizze ist perfekt, bevor Sie in ein Gemälde
springen, nur damit Sie
die Gesamtformen
des Baumes herausfinden können . Als Nächstes springen wir
ins Gemälde und
folgen der gleichen Strategie. Auf der linken Seite machen wir unseren vereinfachten Kreis mit
dem Halbmondschatten, und rechts machen wir unseren Baum mit
etwas mehr Details. Aber natürlich ist es
immer noch sehr vereinfacht. Zuerst werde ich
in meiner Highlight-Farbe liegen, die ein warmes Grün ist. Mit warmem Grün
meine ich einfach, dass es viel mehr Gelb
gibt als Blau in dieser Mischung. Man sieht, dass es ein helles, fast olivey, gelbliches Grün ist. Dann werde ich ein
bisschen von meinem schattigen Grün anfassen, das viel mehr Blau enthält. Aber ich werde
das nur rechts und unten anfassen . Ich lasse das einfach
auf natürliche Weise zusammenbluten. Ich verwende die gleiche Strategie auf
dem Baum auf der rechten Seite. Diesmal werde
ich natürlich dem
schrocken Rand des Baumes folgen, [LACHEN], also wird
es kein perfekter Kreis sein. Ein kurzer Tipp zum
Bemalen dieser vereinfachten, belaubten Vordächer ist
die Verwendung der Pinselspitze
für die spitzen Kanten, die spitzen Seiten der Blätter. Ein runder Pinsel mit etwas Punkt ist perfekt für
einen Baum, da Sie die Spitze
verwenden können , die viel schärfer und viel spitziger
ist, um
diese spitzen Blattformen zu erzeugen. Aber die Basis der Bürste, der fette Teil der Bürste,
hält viel Wasser und Pigment, sodass Sie nicht ständig nachladen
müssen. Sie können also sehen, dass ich normalerweise
die Spitze meines Pinsels
auf den äußeren Rand dieses Kreises dieses Baumes zeige
, um diese
spitzen Blattformen zu erzeugen. Der fette Teil des Pinsels bleibt nahe
der Mitte dieses Kreises. Für meinen Schatten werde
ich noch einmal ein bisschen mehr
Blau hineinmischen, damit es kühler wird und ich bleibe an
der rechten und unteren Kante. Es ist verlockend,
viel Schatten hinzuzufügen, aber denken Sie daran, dass er in Ihre andere nasse Farbe bluten wird. Versuchen Sie also zunächst ein
bisschen eingeschränkt
zu sein und sehen Sie, wie
schnell es fließt. Wir wollen immer noch etwas
von diesem hellen, warmen Grün am Ende
durchscheinen. Ich werde nicht darauf
warten, dass das trocknet bevor ich meinen
Stamm male, weil ich persönlich mag, wenn der Baum in den Stamm
fällt. Aber Sie möchten
vorsichtig sein, wenn Sie
dies tun , denn wenn Ihr oberer Bereich, wenn Ihr Grün noch sehr nass ist, könnten
Sie möglicherweise einen Großteil
des Braunes in diesen Baum
bluten lassen. Es ist wichtig,
dass Sie Ihr Papier kennen
und wissen, wie nass es
ist, wenn Sie dies tun. Ich beginne mit etwas
englischem venezianischem Rot
, einem sehr orangefarbenen Rot, und ich füge ein bisschen Lila hinzu,
nur um es leicht stumm zu schalten. Dann male ich das auf
und lasse es natürlich trocknen. Wenn Sie Ihre Farbe dazu
ermutigen möchten in eine bestimmte Richtung
zu fließen, können
Sie auch
Ihr Papier anheben und kippen. Lass uns das Gleiche
mit einer Kiefer machen. Beginnend mit einer sehr
vereinfachten Kegelform und dann dem Zeichnen einer
stacheligen, schrocken Version davon, werden
wir die
Form des Baumes angeben, genau wie ich es in
der vereinfachten Form gezeigt habe Lektion
, als ich über Bäume sprach. Diesmal fange
ich für Farbe mit
einem etwas kühleren Grün an. Dies liegt vor allem daran, dass sich die immergrünen Bäume
etwas mehr auf die
kühlere Seite des
Grüns
lehnen, wenn Sie
den
Farbunterschied
zwischen Laubbäumen gegenüber immergrünen Bäumen beobachten Sie
den
Farbunterschied
zwischen Laubbäumen gegenüber immergrünen . Ich verwende Diopside
Genuine als
Basisgrün und es ist ein wirklich schönes Grün in der
Mitte der Straße. Aber wenn ich meine Schatten hinzufüge, mische
ich diesmal mein
dunkleres Blau
ein, das Anthrachinonblau genannt wird. Es wird ihm diesen wirklich
tiefen schattigen Ton geben. Für den Baum
rechts verwende
ich erneut die
Spitze meines Pinsels, um diese stacheligen
Äste zu erstellen. In diesem Fall ist es eine
sehr vereinfachte Version von Tannennadeln. Meine Pinselstriche beginnen tendenziell von der Mitte
des Baumes aus und
fächern sich dann nach außen
und breiter zur Basis hin. Hier und da
muss ich
mehr Pigment aufnehmen , aber
wenn ich das mache, versuche
ich schnell zu arbeiten, damit er sich leicht in den alten
einfügt,
wenn ich den
neuen Pinselstrich hinzufüge. Der Vorteil von
100% Baumwollfaserpapier besteht erneut darin, dass Sie ein bisschen länger mit Ihren Farben spielen,
mit Ihren Wäschen
und Pinselstrichen spielen können. Es trocknet nicht sofort
und es gibt Ihnen am Ende nicht so viele Probleme mit so viele Probleme mit
sichtbaren Pinselstrichen, obwohl ich
erwähnen werde, dass dies
eigentlich auch eine Stilwahl ist . manche Leute
sehen gerne einzelne Pinselstriche. Aber wenn Sie diesen
sehr weichen Farbverlauf haben möchten, sollten Sie 100% Baumwollpapier
verwenden. Kaltgepresstes Papier ist auch ein
bisschen verzeihender. Heißgepresstes Papier zeigt tendenziell mehr Pinselstriche, auch
wenn es 100% Baumwolle ist. Es ist nur etwas, das beachten sollten, wenn Sie Ihr Papier kaufen. Was ist mit einer
Szene mit vielen Bäumen, die sich ziemlich
berühren oder überlappen? Dies ist eine Art von Szene, auf die ich in
Schottland ständig stoße und ich liebe es,
Felder
zu malen, die von Bäumen gesäumt sind. Zuerst
zeige ich Ihnen, wie ich das zu
einer Baumgruppe
vereinfachen würde , und dann zeige ich
Ihnen ein bisschen
ausgezoomter , was ich in einer Szene
tun würde, in ich das Feld male und die Bäume säumen die
Ränder des Feldes. Ich fange mit den
gleichen kreisförmigen Formen an. Hier und da kann ich eine Kiefer
hineinwerfen, die natürlich
eher eine Kegelform hat,
und ich könnte versuchen, die Form leicht zu variieren als würde ich sie
abflachen oder ein wenig zerquetschen. Aber das Wichtigste ist , dass sie sich überschneiden. Wenn es
etwas einschüchternd ist, eine große Baumgruppe zu machen, fangen Sie
vielleicht einfach mit zwei und fügen Sie dann noch einen
und dann noch einen hinzu. Fangen Sie also sehr
klein, ganz einfach und arbeiten Sie
sich dann auf
eine Reihe von Bäumen hin , die sich überlappen. Lerne auch aus meinem Fehler und gib dir ein bisschen mehr
Platz, um deine Bäume zu zeichnen. Ich habe meine Bäume hier an
den Rand meiner Seite gequetscht, aber es ist okay, es hat
am Ende geklappt. Ich finde, dass es
viel einfacher ist,
die Vordergrundbäume und
dann die Hintergrundbäume zu zeichnen , denn dann weißt
du, wo du deine Linien stoppen musst, damit sie nicht
durch die Vordergrundbäume fließen. Aber wenn es um das Malen geht, male
ich zuerst meine
Hintergrundbäume. Ich glaube nicht, dass es
einen besseren Weg gibt, ich habe es in beide Richtungen gemacht, aber es funktioniert einfach besser für mich. Es ist nur so, dass ich gerne weiß, wo meine
Hintergrundbäume sein werden, bevor ich
in meine Vordergrundbäume male. Möglicherweise stellen Sie jedoch
fest, dass es viel
einfacher ist , zuerst Ihre
Vordergrundbäume zu malen. Ich schlage vor, beides auszuprobieren und zu sehen, welches besser für dich
funktioniert. Seit ich
mit meiner Kiefer angefangen
habe, habe ich ein bisschen kühlere grüne Farbe verwendet, und dann berührte
ich den Schattenton
, der wieder mein
kühler Blauton war, und ich ließ das bluten und
fließen im
Hintergrund. Eine Sache, an die man sich erinnern
sollte, ist , dass Aquarell eher
leichter trocknet. Wenn Sie Ihren
Schattenton einsetzen und dann super leicht
trocknet, kann
er immer noch in Ihrer Szene funktionieren. Es ist eigentlich schön,
Hintergrundelemente weich
und in der Ferne verblasst zu haben . Wenn Sie jedoch Wert
und Kontrast zu Ihrem Vorteil verwenden , müssen Sie, wenn dieser Hintergrundbaum
etwas dunkler ist, damit der
Vordergrundbaum dagegen auftaucht, müssen Sie
etwas mehr hinzufügen Pigment. Sie müssen ein bisschen
mutiger sein und sicherstellen, dass Sie ersten Wäsche genügend Pigment
hinzufügen. könntest
du immer
wieder reinkommen und
deine Schichten mit
einem weiteren Farbwasch verdunkeln , aber ich persönlich mag es, alles auf einmal zu
erledigen. Ich liebe es einfach, wie dieser weiche Beschnitt aussieht, ohne wieder
reinzukommen und damit zu spielen. Wenn ich jemals einen Fehler mache oder die
Dinge nicht dunkel genug mache, benutze
ich es einfach als
gelernte Lektion und mache weiter. Apropos Weitermachen, ich benutze eine Heißluftpistole, um diese erste Schicht zu
trocknen, ich benutze eine Heißluftpistole, um diese erste Schicht zu
trocknen,
damit
die Farbe nicht in
diese Hintergrundbäume blutet, wenn ich meine
Vordergrundbäume mache. Für meine Vordergrundbäume beginne
ich mit einem warmen
Grün und werde in diesem gesamten Bereich
malen
, der derzeit leer ist. Ich versuche vorsichtig
zu sein, dass den Hintergrundbaum nicht überlappt, aber es passiert nur,
weil ich schnell gearbeitet habe. Es wird einen leichten Umriss geben denn wenn sich diese Farben überlappen und übereinander trocknen, verdunkeln
sie ihre Werte, und es passiert nur etwas,
das passiert, wenn Sie
es sind
besorgt darüber, müssen
Sie an diesen Rändern sehr
vorsichtig sein. Ich möchte
diese Gelegenheit auch nutzen, um meine gewonnenen Lektionen
zu besprechen. In dieser Szene habe ich persönlich nicht
viel Tiefe vor sich. Es ist in Ordnung für eine schnelle Skizze, und es ist etwas,
das ich tun würde, um Farbnotizen zu
machen,
wenn ich draußen bin oder einfach nur um mir
eine Entschuldigung dafür zu geben , bei
schönem Wetter zu malen, aber wenn es so ist kommt zum
Realismus oder zur Schaffung einer Szene , die viel
schöne Tiefe
hat , sie ist ein bisschen flach. Eine Sache, die ich
tun könnte, um
zu beheben, ist ,
mit mehr
Farbschichten zurückzukehren und
den Kontrast oder die
tieferen Farben ein bisschen mehr aufzubauen , nur um
den Vordergrund von der Hintergrund ein bisschen
mehr, und wenn ich das täte, würde
ich wahrscheinlich
ein sehr verdünntes
Ultramarin oder ein Blau verwenden , egal welches Blau du hast. Nur weil ich
persönlich denke, dass Schatten schön
sind, wenn sie einen
kleinen blauen Farbton haben. Aber wenn du
anfängst, geht es nur darum, es langsam zu machen. Wenn Sie sich entscheiden, die Farbe weiter in Ihr Gemälde zu
berühren, tun Sie es nach und nach. Beobachten Sie, wie die Dinge trocken sind und
wie dunkel oder hell die Dinge trocknen, wie viel Wasser Sie
in jedem Pinselstrich haben. Das sind die Dinge, die dir helfen
werden, nach jedem
einzelnen Bild
voranzukommen. Eine Sache, die ich getan habe, um Vordergrund
und Hintergrund etwas mehr zu
trennen,
ist, ein
bisschen mehr Sättigung
in den Vordergrundbäumen hinzuzufügen , besonders in den Baumstämmen, sie sind viel wärmer und
heller und gesättigter. Apropos gelernte Lektionen:
Ich habe das Gefühl, dass dies eines
der wichtigsten
Dinge ist , die Sie
tun können , wenn Sie als Künstler wachsen, ein Gemälde fertigstellen und
mentale Notizen machen oder
sogar physisch über das, was du gelernt hast. Die Vor- und Nachteile
des Gemäldes und der Erfahrung machen ich nach
den meisten meiner Bilder. Zurück zu diesem Gemälde. Jetzt werden wir eine leicht
verkleinerte Version
dieser Szene machen ,
damit Sie sehen können, wie ich mich
einer vereinfachten Landschaft nähern würde , in der ich ein Feld mit vielen Bäumen
habe und wann ich sagen Sie vereinfacht, ich meine wirklich vereinfacht. Oft, wenn
ich draußen bin und das schon
oft gesagt habe, habe
ich ein paar Minuten. Ich sitze vielleicht 5-10,
15 Minuten dort und bevor ich
es weiß, hat sich das Licht verändert. Wenn ich ein sonniges
Feld malen möchte, arbeite ich schnell. Wenn ich am Ende
mehr Zeit habe und ich noch ein Bild
machen kann , dann großartig. Aber manchmal
bekomme ich diese Chance nicht. Es gibt zwei Dinge, auf die ich mich auf diese Szene
konzentrieren würde. Man wäre zu vereinfachen wie viele Felder ich habe und
wie die Bäume aussehen. Zum größten Teil würde
ich viele Bäume zusammenreißen, aber sie sind so weit weg
, dass
ich ihnen auf keinen Fall so viele Details hinzufügen
werde. In gewisser Weise werden sie fast
nur zu kleinen Blobs. Wenn ich es zeichne, sieht es aus wie kleine Kieselsteine, die auf einem Hügel
sitzen. In dem Gemälde kann ich ihm
etwas mehr Kontext geben ,
indem ich am Himmel male. Mit sehr verdünntem
Ultramarinblau werde
ich lange
horizontale Pinselstriche einkehren, aber achten Sie darauf,
um die Baumformen herum zu malen. Dies ist hauptsächlich so
, dass ich,
wenn ich möchte,
einige Highlights an
diesen Baumrändern malen kann ,
einige Highlights an
diesen Baumrändern und mir
keine Sorgen um die Lackverglasung
über der blauen Farbe machen kann. Ich werde auch eine Vielzahl von
warmen und kühlen Grüns auf
den Feldern selbst einkehren , und normalerweise verwende ich ein warmes Grün für ein Feld
und dann ein kühles Grün für das Feld daneben, nur um betonen die Tatsache, dass es
sich um separate Felder handelt. Es ist eine sehr häufige
Sache hier in Schottland. Sie sehen diese
hellgrünen Felder neben dunkelgrünen Feldern. Dann warte ich, bis das trocknet. Dann fange
ich mit einem viel kleineren Pinsel an, in die Baumgruppen zu legen. Ich kann entweder
ein dunkleres Grün verwenden und dann etwas warmes Grün
hinzufügen, oder ich kann mit
einem helleren Grün beginnen und dann etwas kühles Grün
hinzufügen. Meine Pinselstriche sind
schnell und sehr locker. Ich versuche nichts zu
überdenken, ich versuche nur,
es sehr organisch aussehen zu lassen. Wenn du
wirklich detailliert gehen willst, kannst
du sogar
winzige kleine Baumstämme einmalen, und manchmal füge ich lange geschwungene Schatten
oder sogar Schafe hinzu. Es hängt ganz davon ab,
wie detailliert ich gehe. Aber hoffentlich bekommen
Sie inzwischen die Idee, dass
Sie einfach mit
diesen sehr vereinfachten Formen beginnen diesen sehr vereinfachten Formen und langsam die Tiefe aufbauen können. Um Ihnen noch mehr
Ideen oder Inspiration zu geben, hier sind einige meiner
Postkartenbilder ich in der Vergangenheit gemacht habe, in denen ich diese Baumgruppen an den Rändern
von Feldern hervorgehoben Baumgruppen an den Rändern
von Feldern manchmal
etwas detaillierter und einige sind fast abstrakt.
16. 3.5 Demo: Plein Air Air Color: [MUSIK] Ihre Fähigkeiten und Ihre
Geduld
werden auf jeden Fall getestet, sobald Sie draußen
mit dem Malen beginnen. Ich persönlich mache es
, weil ich die Natur liebe. Ich liebe es, in
diese wunderschönen wilden Orte einzutauchen, und für mich ist es eine Möglichkeit, mich tiefer
mit dem Land zu verbinden. Aber zugegebenermaßen kämpfe ich so
sehr, wenn ich draußen male. Der Hauptgrund, warum es
schwieriger ist vom Leben bis zum Malen draußen zu malen,
ist zunächst, dass sich die
Elemente ständig ändern. Das Licht wird sich
innerhalb derselben Sitzung ändern, sodass sich die Sonne hinter
einigen Wolken versteckt oder es
fängt an zu regnen. Sie haben Wind und all diese
Bewegung um sich herum, und Sie müssen auch das,
was vor Ihnen liegt, nämlich 3D, in ein
2D-Gemälde auf dem Papier verwandeln. Du starrst diese
Objekte vor
dir an , die 3D sind, und
du
musst das irgendwie abflachen und alle Details und alle Farbinformationen
destillieren. Treffen Sie eine Wahl, wie Sie
diese Farbe mischen und auf
das Papier legen. Lassen Sie uns aber
über einige Erfolgsstrategien sprechen. Beginnend mit einigen
Linienskizzen helfen einige Wertskizzen, Spielen mit verschiedenen
Kompositionen und
das erste Kennenlernen mit das
Spielen mit verschiedenen
Kompositionen
und
das erste Kennenlernen mit
Ihrem Standort wirklich. Einer der größten Kämpfe, die ich finde, ist, dass sich das
Licht verändert. Als ich das erste Mal hier ankam, war
es hell und sonnig. Während der Malsitzung versteckte sich
die Sonne eine Weile hinter
einigen Wolken und gegen Ende kam
die Sonne wieder heraus, so dass sich die Schatten und die Farben, die ich sah, ständig
änderten. Mein größter Ratschlag, egal wo Sie malen oder wie das Wetter ist,
ist, von Anfang an zu entscheiden, ob
Sie bei dem bleiben was Sie sehen, wenn Sie es bekommen dort oder wenn du es irgendwann ändern willst. Wenn es bei Ihrer Ankunft sonnig ist,
machen Sie eine sehr schnelle Skizze die die
hellen Lichter, die Schatten
und
alles andere darstellt , und bleiben Sie während
des gesamten Gemäldes dabei, egal was passiert. Machen Sie auch ein paar Referenzfotos von diesem Lichtzustand. Manchmal spare ich
Zeit und überspringe einen Schritt. Wie Sie hier sehen können, habe ich mit einem Gemälde
aus reinem violettem Pigment angefangen. Ich benutze dies, um im Grunde
eine Wertstudie meiner Szene zu malen, nur ich bin in den
dunklen Bereichen nicht super dunkel geworden. Es war eher eine Möglichkeit
für mich,
die wichtigsten Formen zu blockieren und darüber
nachzudenken, wo
meine Schatten sein würden. Ich habe ein bisschen
Schatten auf den Felsen und ein bisschen auf dem Wasser und natürlich die Berge. Ich verwende auch sehr
minimale Pinselstriche und werde
nirgendwo im Bild sehr detailliert. Es geht mehr darum,
die Bewegung des Wassers einzufangen, einige der Farben, die
ich persönlich sehe, aber selbst dann übertreibe
oder ändere ich sie ein wenig. Wenn ich über die
verschiedenen Elemente in meiner Szene nachdenke, habe ich versucht, diese als
Inspiration dafür zu verwenden , welche Arten
von Markierungen ich mache. Vielleicht sind die Gräser und
die Dinge, die
um das
Wasser herum wachsen , sehr weiche Bereiche, und ich lasse die Farben natürlich zusammen
bluten. Die Felsen selbst
werden etwas geometrischer sein. Sie werden härtere Kanten haben, und zum größten Teil wird auch ein bisschen mehr von
meinem Schatten sein. Meine hellsten Bereiche
des Gemäldes werden die Highlights
auf dem Wasser sein, und da es
ein Wasserfall ist und ich dieses
Bewegungsgefühl einfangen
möchte, verwende
ich schnelle
gerichtete Pinselstriche um die
Bewegung des Wassers nachzuahmen. Aber vorher versuche
ich nur, etwas von der Felsfarbe
einzulegen. Das wird trocknen und dann komme
ich später mit ein paar
Schattenfarben darauf zurück . Um meinen Bergen etwas mehr
Tiefe zu verleihen, verwende
ich eine sehr
vereinfachte Version von Schatten und Highlights. Auf der rechten Seite
des Berges, wo er nach unten kaskadiert, füge
ich ein bisschen dunkleres Violett hinzu. So die gleiche Farbe, nur
ein bisschen mehr Pigment, und ich fege es
nach links. Aber ganz oben und die
linke Seite dieser Gipfel werde
ich in Ruhe gehen. Das unter der Farbe wird ein wenig
durchscheinen und das Aussehen eines
Highlights auf dem Berg
nachahmen. Die Mehrheit der Gräser im Tal ist erdiger, vielleicht etwas wärmer
wie orangisches Gelb. füge ich der
Basis
der Bergfarbe ein bisschen hinzu,
während sie nass ist
, so dass sie nur eine weiche Blutung hat. Dadurch fühlt sich der
Berg nur
geerdeter und mit
dem Vordergrund verbunden an. Da ich
nass in nass arbeite und viele meiner Farben zusammen
bluten,
besteht das Potenzial, besteht das Potenzial schaffen, was die Leute als schlammigen Farben
bezeichnen. Wenn Ihre Farben anfangen zu bluten
und sich auf
dem Papier zu vermischen und
sich schließlich nur in Schlamm verwandelt, wie ein bräunlicher oder grauer Ton, verlieren
Sie etwas von
dieser Anfangsfarbe, etwas von der Lebendigkeit. Das ist definitiv eine Möglichkeit , wenn Sie
nass in Nass arbeiten. Aber da ich mit meinem Papier besser
vertraut bin, weiß
ich, wie viel
Pigment ich hinzufügen kann, wie viel Wasser ich hinzufügen kann, und stelle sicher, dass nicht
alles nur blutet und
zu einem großen Fleck wird. Nur wegen
dieser Erfahrung
weiß ich, was ich mit meinem Papier machen kann. Im Laufe der Zeit werden Sie das
auch bei Ihren Lieblingszeitungen
feststellen . Werfen wir einen Blick auf
das sich bewegende Wasser. Wenn man genau hinschaut, wo
der Wasserfall ist, sieht
man, dass das Aquarell etwas grünlich
ist, manchmal sogar ein
wenig bräunlich. Es ist nicht nur blau, es ist nicht schwarz, es ist
kein reines Weiß. Es gibt etwas Farbe dort. Ich füge ein bisschen
von dieser Farbe hinzu,
wo sich die Wasserfälle
in meinem Gemälde befinden. Wie ich bereits erwähnt habe, ändere ich
gerne die Farben, übertreibe die Farben in meinem Kunstwerk ein
wenig, also verwende ich hier eine sehr
stilisierte Farbpalette. Aber wenn Sie versuchen würden, dies realistischer zu
malen, würde sich
Ihr Aquarell wahrscheinlich mehr in Richtung Graublau
neigen. Die Farbe des Wassers
ist viel gedämpfter. In den Bereichen des
sich schnell bewegenden Wassers sieht
man etwas mehr Farbe, aber meistens sieht dieses Wasser
etwas grauer aus. Wenn ich jemals Schwierigkeiten habe,
die wahre Farbe oder die Werte
in dem zu sehen , was vor mir liegt, besteht kleiner Trick darin,
ein Objekt
einer Farbe hochzuhalten , von dem
Sie wissen, dass Sie es mischen können. Also entweder reines Weiß oder Schwarz oder sogar ein
Mittelgrau, was auch immer es ist. Vergleichen Sie dann, was vor
Ihnen liegt , mit diesem Objekt
mit dieser Farbe. Es ist, als würde ein
Lichtschalter ausgehen und Sie können
aufgrund dieses Vergleichs
plötzlich sehen ,
welche Farbe dieses Objekt hat. Aber ich wusste von
Anfang an, dass ich ein
sehr dunkles Blau als
Schattenfarbe verwenden wollte , und ich verwende oft Blau
oder Dunkelviolett oder
dunkelbräunliches Rot als meine Schatten
als mein dunkelster dunkler wird. Denn für mich ist es
einfach interessanter,
einen bunten Schatten zu haben . Ich werde
diese dunklere Farbe
auf die rechte Seite der Felsen auftragen , also auf die Schattenseite der Felsen
und irgendwo auf dem Wasser, das
nicht in voller Schnellbewegung ist. Wie wir in einer
Kompositionsstunde besprochen haben, ,
wenn Sie
das Auge des Betrachters auf sich ziehen möchten Kontrast ein großartiges Werkzeug,
wenn Sie
das Auge des Betrachters auf sich ziehen möchten. Wenn ich diese dunkle
Farbe direkt
neben den hellen Bereichen
des sich bewegenden Wassers verwende , zieht
dies das Auge auf sich. Wenn ich meine Farbe mische, mache
ich es nach und nach. Ich möchte mit
dem Kontrast nicht über Bord
gehen , weil es
schwieriger ist, ihn wegzunehmen, aber ich versuche mich daran zu erinnern, dass die Wasserfarbe etwas heller
trocknet. Gerade jetzt habe ich der
Schattenseite meiner Felsen ein bisschen
Violett hinzugefügt der
Schattenseite meiner Felsen ein bisschen
Violett um ihnen ein
bisschen mehr visuelle Trennung
zwischen dem Wasser selbst zu geben . Der letzte Schritt besteht darin, einige
der Büsche am
Rande des Wassers zu verdunkeln . Dies wird dazu beitragen, sie in der Ferne von
den Bergen zu
trennen .
17. 3.6 Demo: Gouache Wald: Waldszenen sind komplex. Sie können sehr einschüchternd , weil einfach
so viel los ist. Da ich
Tonnen von Wäldern zeichne und male, ist
es heutzutage etwas einfacher
für mich. Ich dränge
mich jedoch
immer noch dazu, neue Szenen,
neue Arten von Wäldern und
Bäumen und verschiedene
Kompositionen auszuprobieren neue Arten von Wäldern und
Bäumen und , und ich fange immer genauso an. Ich benutze einen sehr leichten
Bleistift, um meine Hauptbäume zu
kartieren. Die meiste Zeit
male ich am Ende meine Zeichnung und ändere viele Dinge vor dem Ende des Gemäldes. Aber das
bringt mich zumindest dazu, anzufangen. Wenn es darum geht,
Aquarell und Gouache
austauschbar zu verwenden , müssen
wir uns nicht allzu
viele Sorgen um die Erhaltung
unserer Highlights machen. Sobald ich meine allgemeinen Bäume
und alles abgebildet
habe, kann ich mit der
Hintergrundebene beginnen. Manchmal male ich eine
Farbe über das Ganze, also habe ich eine schöne Unterschicht, oder ich mache
so etwas, wo ich einfach anfange, zuerst die
helleren Bereiche zu malen. In diesem Fall ströme ich etwas helles Licht
durch den Wald, und ich verwende ein helles gelblich-grün als
helle Highlight-Farbe. Wenn es dann noch nass ist, fange
ich an,
mehr von dem schattenhaften Zeug einzumalen. Es ist eine Möglichkeit, mit
der Platzierung meiner
Haupthighlights und
Schatten zu experimentieren der Platzierung meiner
Haupthighlights und , da all dies bei Bedarf geändert oder
vertuscht
werden kann . Ich wollte dieses Bild
wirklich besonders
zeigen , weil es
von Anfang an zeigt ,
wie wild und chaotisch es ist. Es zeigt, dass Sie in Ihren Gemälden
spontaner sein können . Ich beschleunige es ein
wenig, damit du
siehst , wie chaotisch es ist. Dann bin ich bereit für meine
erste Squash-Layer. Ich verwende Weiß, Zitronengelb, gebrannte Umbra, Quinacridon
Magenta und preußisches Blau. Sehr begrenzte
Palette, aber ich
kann alles, was ich
brauche, mit diesen Farben mischen. Wie geht man davon hin? Reden wir es langsam durch. Zuallererst hatte ich keine
super klare Vorstellung davon, wie sich
dieses Gemälde entwickeln würde,
wenn ich mich hinsetzte, um es zu malen. Ich hatte nur eine Idee. Ich hatte die Idee,
einen Weg zu malen, der von
einem hellen sonnigen
Teil des Waldes
in einen dunkleren und
gruseligeren Teil des Waldes führt einem hellen sonnigen
Teil des Waldes . Um dies zu erreichen, würde ich
warme Grüns im Vergleich zu kühlen Grüns verwenden . Auf der linken Seite
, wo die Sonne durch den Wald
fließt, habe ich viel mehr Gelb benutzt. Auf der rechten Seite, die viel dunkler
und gruseliger ist, habe ich viel mehr von dem Blau benutzt. Wenn Sie
an die Lektion über
Farbmischung und Farbtheorie zurückdenken , habe ich ein wenig darüber gesprochen wie Sie viel mehr Kontrolle haben, wenn
Sie eine
begrenzte Palette verwenden . Dies ist ein perfektes Beispiel
, da ich
drei Primärfarben verwende , um die meisten
Farben zu mischen, die Sie hier sehen. Diese drei Farben
erscheinen
zumindest irgendwo in jedem
Teil des Gemäldes. Selbst wenn ich von
hellem sonnigen Licht
zu dunklem gruseligem Licht gehe , spielt
es keine Rolle. Die Gesamtatmosphäre
des Gemäldes wird sich
immer noch verbunden fühlen. Ich besitze viele verschiedene
Gelbe und Blau- und Rottöne. Hätte ich viele
verschiedene Farben verwendet , um diese Farben zu
mischen, könnte
das ganze Gemälde
schnell unzusammenhängend werden und ich würde etwas
von dieser Harmonie verlieren. Reden wir über Strategie. Da ich meine kleine Skizze bereits
gemacht hatte
und wusste, wo die meisten meiner größeren Bäume
sein würden und wie der Weg selbst
ist, ging es nur darum
, einige
der Grundfarben dieses Majors einzulegen ist, ging es nur darum
, einige
der Grundfarben dieses Majors einzulegen -Elemente. Wenn ich anfange zu malen, wirst
du sehen, dass ich
die Hintergrundfarbe
nur als großes grünes Durcheinander blockiere . Obwohl Gouache undurchsichtig ist und ich kein Element
wie einen Baumstamm
ummalen muss , mache
ich es trotzdem,
weil ich
meine Gouache
beim ersten Start sehr verdünnt verwende . Die ersten oder zwei Schichten
werden mit Gouache verwässert, und wenn ich
die Tiefe der Szene aufbaue, verwende
ich weniger Wasser und mehr
eine dicke Gouache-Schicht. Ich konzentriere mich mehr darauf, diesem Hintergrundbereich nur
Abwechslung hinzuzufügen . Ich mache eine Vielzahl von Markierungen. Egal, ob sie Baumstämme
oder Blätter oder Gräser oder Steine
imitieren , es werden viele dünne Schichten
übereinander liegen. Meine allgemeine Erfahrung
mit Gouache ist, dass es viel schwieriger ist,
mehr Gouache
darauf zu legen, wenn man
mit einer dicken Schicht beginnt . Im Gegensatz zu anderen Farbmedien ist
Gouache nicht dauerhaft. Selbst in 10 Jahren, wenn Sie etwas Wasser
auf ein Gouache-Gemälde fallen lassen, können
Sie die Farbe reaktivieren und bewegen oder darin einmischen, und das ist eigentlich
etwas, das ich daran liebe, dass Fähigkeit, mich so oft darin
einfügen zu können, wie ich möchte, auch wenn ich Tage brauche,
um ein einziges Bild zu machen. Aber die Pigmente selbst
können färben. Wenn Sie es für
die ersten paar
Schichten mehr
verwässert verwenden , färben
Sie Ihr Papier im Wesentlichen , so dass es etwas schwieriger ist, Dinge
zu bewegen. Deshalb verwende ich gerne
dünnere Waschungen für meine Unterschichten, damit sie etwas dauerhafter
sind, und ich kann leicht
dickere und dickere
Gouache darüber hinzufügen . Im Moment male ich
um meine Bäume, aber du wirst
später sehen, dass ich ihnen
viel mehr Dunkelheit und schattige
Töne und Tiefe hinzufüge . Dies ist auch eine Möglichkeit, schlammigen Farben
zu vermeiden , wo ich sie nicht will. Grün und Rot sind
Komplementärfarben. Sie stehen
einander auf dem Farbrad gegenüber. Das heißt, wenn ich
diese miteinander mische, werde
ich je
nach Pigmenten selbst braun oder sogar grau sein. hier in dieser Waldszene Wenn ich hier in dieser Waldszene einen soliden
Grünblock als
Hintergrundebene malte und diese Leerzeichen
für die Baumstämme nicht verlassen habe, später als ich
mit meinen bräunlichen Tönen zurückkomme, die sich ein
bisschen mehr in Richtung Rot neigen, werde
ich im Wesentlichen Rot auf Grün
hinzufügen. Denn mit der
Natur der Gouache wird
es sich in sich selbst einfügen, diese
Komplementärfarben werden sich vermischen
und ich könnte mit
Farben enden, die ich wirklich nicht will. Mein Brushstroke-Stil ist, naja, was ich als Chunky bezeichnen würde. Es ist ein Stil, den ich einfach liebe. Chunky Pinselstriche
bedeuten, dass ich mich nicht
darauf konzentriere , jedes einzelne
Blatt oder jede Form zu malen, die ich sehe Ich verwende fette Markierungen, um die Dinge als Ganzes
darzustellen. Ein einzelner Pinselstrich oder ein paar
Pinselstriche zusammen werden einen Busch oder
das Laub eines Baumes darstellen. Dies beinhaltet einen gewissen Glauben. Sie müssen dem Prozess vertrauen und aus
Erfahrung
wissen, dass
es sich als sehr
interessante Waldszene erweisen wird, wenn Sie beginnen, all diese
verschiedenen Elemente zu schichten . Jetzt, da ich etwas mehr
von diesem Hintergrund gemacht
habe, kann ich anfangen,
über diese Bäume nachzudenken. Ich fange mit
sehr gedämpften Versionen meines Braunes, meiner lokalen Farbe an. Es ist ein gräulicher bräunlicher Ton. Es passieren auch alle anderen
Dinge, wie Felsen und der Weg, beginnend mit der
Grundfarbe der Felsen als nur einem sehr
gräulich-blauen Ton. Zu wissen, dass
ich später zurückkomme und ihnen einige moosige
Texturen hinzufüge. Wenn ich die
Schatten auf meinen Baumstämmen male, denke
ich darüber nach,
was
das Licht in diesem Bereich noch
mehr hervorbringen würde . Was würde diesen Kontrast
verstärken, um dort
Aufmerksamkeit zu erregen? Wenn ich ein bisschen von meinem preußischen Blau mit meinem Braun und sogar ein
bisschen Rosa vermische, kann
ich einen tiefen kühlen Ton erzeugen. Wenn ich eine wärmere
Highlight-Farbe verwende, wird
sie noch mehr auffallen. Je dunkler ich mit meinen Schatten gehe, desto heller
werden die Highlights erscheinen. Um den gestörten
Lichteffekt nachzuahmen , den wir oft
im Wald finden, verwende
ich einen warmen, neutralen Ton und
staube ihn an bestimmten Bereichen über die Oberfläche der
Rinde. Nicht über das Ganze hinweg, nur
hier und da drin punktiert. Um einige der Schatten auf
den
Bäumen und Felsen einzumalen , verwende
ich eine coole Version der Farben, die ich bereits benutzt habe. Ein kühles Grün für die Schatten auf
dem Boden und ein
kühles bläuliches Grau für die Schatten auf den Felsen. Vielleicht sogar ein bisschen
Violett dort. Ich mache das Gleiche auf
dem Weg, weil das Wegmaterial viel
anders ist als das Gras. Es ist wie ein Rudel unten der Erde. Um diese
visuelle Trennung mit etwas anderen Farben zu erreichen, hilft
das wirklich. Sie können sehen, dass ich sehr leicht Farbe
über den Weg
staube. Es ist eine Anweisung, ihm
einen sehr gebrochenen
Pinseleffekt oder ein grobes
Aussehen zu verleihen einen sehr gebrochenen
Pinseleffekt oder ein grobes , verglichen mit einigen der darauf umgebenden
Softwareelemente. Wie ich bereits erwähnt habe, ich sie
neben einen dunklen Ton stellen,
wenn
ich möchte, dass meine Highlights
auffallen muss ich sie
neben einen dunklen Ton stellen,
wenn
ich möchte, dass meine Highlights
auffallen. einen dunkleren Schatten hinzufügst ich meinen Baumstämmen auf der
Seite, die von der
Lichtquelle
wegzeigt, einen dunkleren Schatten hinzufügst, wird der hervorgehobene
Abschnitt
wirklich herausspringen. Ich mache
dasselbe für einige der Vordergrundelemente
wie die Felsen, die
näher am Betrachter liegen , und einige der Felsen an der
Seite des Weges. Aber hier fange ich mit einer sehr schwärzlich-grauen
neutralen Grundfarbe
an, und dann komme ich mit
einigen grünen Moosen
und anderen Züchtern wieder darauf . Die linke Seite ist noch nicht fertig, aber ich werde auf
der rechten Seite
arbeiten , um
ein vollständigeres Bild von meinem
aktuellen Fortschrittszustand zu erhalten . Zunächst füge ich diesem
Hintergrundbereich etwas mehr Dunkelblau hinzu. Ich werde später
die Tiefe mit
mehr Baumstämmen und anderen
Dingen davor aufbauen . Anstatt nur eine dunkle Farbe oder
Schwarz in meine Farbe zu mischen , um sie dunkler aussehen zu
lassen, verwende
ich eine verdünnte Version
meines preußischen Blaues. Dies bedeutet, dass sich meine
schattigen Töne
immer noch sehr
bunt und lebendig anfühlen werden , anstatt
entsättigter zu sein, wenn ich Schwarz verwendet hätte. Ein kleiner Tipp, den
ich über die Farbe in Waldwegen habe, ist, dass oft, wenn der
Weg eher
ein irdenes Material oder Schmutz ist , Kiefernnadeln, all
so etwas, es ist nicht nur ein grüner Weg. Wenn Sie die
Grundfarbe eines bräunlichen Tons haben, Verwendung eines violetten Tons als fühlt es sich bei
Verwendung eines violetten Tons als
Schatten wirklich
lebendig an. Dadurch fühlt es sich
leuchtender an. Ja, es ist ein Schatten, aber es hat
immer noch viel Farbe im Leben und wenn Sie
diese Farben persönlich studieren, werden
Sie feststellen, dass diese Schatten oft bläulich-violett
sind. Zeit für eine Kaffeepause. Lassen Sie uns beurteilen, wo wir sind. Bisher haben wir viele
Schatten und Highlights begonnen, aber es gibt immer noch viel, was
wir mit Details tun können und den Kontrast überall dort
vorantreiben, wo
wir einen Fokus ziehen wollen. Auf der rechten Seite, die
schattenhafter sein wird, kann
ich wirklich helfen
, diese Bäume aus den Schatten
herauszukommen , indem ich den Hintergrund
verdunkle. Indem ich dies auf eine Weise mache, in der ich das Laub male, die Züchter, die
sich hinter diesen Bäumen befinden, anstatt nur feste Markierungen, wirklich dazu beitragen, dass es sich
eher wie ein voller Wald anfühlt ein sehr üppiger Wald. Wieder einmal verwende ich immer noch diesen klobigen Pinselstrich-Stil. Mein Pinsel bewegt sich ziemlich
schnell über das Papier, aber das ist hauptsächlich so, dass ich vermeide, sich wiederholende Markierungen zu machen. Etwas, womit ich Probleme habe, ist, Dinge zu einheitlich zu
machen, und das
möchte ich in einer Waldszene wirklich vermeiden, besonders in einer, die
sich
sehr wild und überwuchert anfühlen möchte . Eine Strategie, damit der Wald
üppiger und
voller anfühlt , besteht darin, Variationen
derselben Farbe zu verwenden, vielleicht ein Grün oder ein Blau, um viele überlappende Bäume zu
schichten . Ob Pflanzen oder Bäume, es geht nur darum, diese
verschiedenen Elemente langsam zu
schichten. Es braucht viele Patienten. Ich gebe zu, dass ich ein großes Waldgemälde
aufgegeben habe nachdem ich mich gerade so geärgert habe, wie
lange es gedauert hat, dass ich
meine eigenen Patienten üben muss. Aber wenn ich das tue,
liebe ich die Ergebnisse immer. Eine schnelle Strategie für das Malen
für andere Pflanzen besteht
darin , mit einem zentralen
Stiel oder einem zentralen Stiel zu beginnen und dann mit einem flachen Pinsel schnell kleine
Markierungen zu machen, die die kommenden
Farnblätter darstellen aus diesem zentralen Stiel heraus. Wenn Sie diese
übereinander legen, können Sie wirklich einen Bereich
Ihres Gemäldes
ausfüllen und
es sich sehr üppig anfühlen. Ich werde daran arbeiten,
meinen Fokus wieder auf den Weg zu lenken. Um dies zu tun,
füge ich
den Seiten meiner Felsen einen Schatten hinzu , die
sich in der Nähe des Weges befinden. Ja, Ihre Ansicht wird über das Gemälde
fließen. Aber wo immer Sie
diesen hohen Kontrast haben, es
definitiv den Fokus auf sich ziehen. Diese ständige Balance aus dunklen Schatten und
hellen Highlights liebe ich in einer Waldszene. nach kann
ich etwas trockene
Pinselstruktur über meinen Baumstämmen und
meinen Felsen mit einer
hellgrünen Farbe abstauben meinen Felsen mit einer
hellgrünen Farbe abstauben und ihm das
Lichtfunkeln verleihen. Wenn Sie an
die Lektion der Farbtheorie zurückdenken , als ich über gepralltes Licht sprach, dies besonders Spaß in einer Waldszene. Wenn die rechte Seite
meines Gemäldes
schattenhafter ist und viel
mehr Blautöne enthält, wirft
das
Licht auf die andere
Seite des Gemäldes. Einen bläulichen Ton über
die Schattenseite meiner hellen
Bäume zu stauben , wird dazu beitragen
, das Gleichgewicht von warm
und kühl zu machen , und meine Schatten fühlen sich immer noch so an, als
hätten sie viel Farbe
und Leben für sie. Einer der letzten
Schliffe, die ich für
meine Bäume mache , ist mit einem sehr
winzigen Detailpinsel, ich mache lange gewundene Linien mit einem Highlight
oder einer Schattenfarbe. Dies zerbricht nur einige
der größeren
Farbstücke und verleiht der Rinde etwas
mehr Tiefe. Als ich mich dem
Ende dieses Gemäldes näherte, hatte
ich das Gefühl, dass der Weg nicht
ganz auffiel, also beschloss ich, ihm etwas
mehr rosa-rote Töne hinzuzufügen. Ich habe es eingemischt, verwende
aber auch etwas
trockene Pinselstruktur. Grün und Rot sind
Komplementärfarben. Jedes Mal, wenn sie
nebeneinander erscheinen, fühlen
sie sich gegenseitig ein bisschen lebendiger. Der Weg
fiel natürlich auf, nachdem ich das getan habe. Aber erinnern Sie sich an die Idee der
Zeichnungsverschiebung Nun, wenn ich das
Bild ein wenig beschleunige,
schau mal, wie dunkel der Weg
wird, sobald er getrocknet ist. Vergleiche das damit. Sie können es während
des ganzen Gemäldes sehen , dass dies passieren
wird. Deshalb gehe ich
gerne langsam und baue meine Schichten nach
und nach auf.
18. 4 Kursprojekt: [MUSIK] Dieser Foundations Course hat eine
Vielzahl von Themen abgedeckt. Ich weiß, dass das
alles
sehr einschüchternd sein kann, wenn du
anfängst . Als Unterrichtsprojekt möchte
ich Sie ermutigen, ganz einfach
anzufangen. Das erste
, was Sie tun müssen, ist, Ihr eigenes Natur-Skizzenbuch zu erstellen. Betrachte es als deinen
neuen besten Freund. Nimm es überall hin mit. Dekoriere das Cover, schreibe ein paar inspirierende
Zitate hinein und
tu alles, was du tun musst. Aber am wichtigsten ist, versuchen Sie, ein
paar Stunden
pro Woche zum Üben zu nehmen. Ich habe diesen
Spickzettel für Hausaufgaben gemacht
, damit Sie
die Schritte durchlaufen können, die ich Ihnen in
dieser Klasse gezeigt habe , um
Ihr Verständnis für
die Landschaft zu entwickeln und sich so
viel Zeit zu nehmen , wie Sie für
jeden dieser benötigen themen. An einer Kunstschule ist es eigentlich ziemlich üblich, jedem
dieser grundlegenden Themen
mehrere Wochen zu widmen . Aber je früher Sie
diese Liebe zum Lernen und
Experimentieren entwickeln und
wirklich anfangen , die Welt um Sie herum
zu beobachten, desto angenehmer wird Ihre lebenslange
Reise. Innerhalb des Hausaufgaben
gibt es viele Vorschläge, um voranzukommen, sowie einige Vorlagen, mit denen Sie loslegen
können. Vergiss nicht, ich habe unzählige Videos auf YouTube, die
du dir kostenlos ansehen kannst. Alles über mein Planerabenteuer, wie ich es genieße, die Natur zu skizzieren und einige der Höhen
und Tiefen auf dem Weg zu teilen. Wenn Sie sich entscheiden, eine
Ihrer Hausaufgaben oder nur
zukünftige Skizzen zu teilen , würde
ich sie gerne sehen. Verwenden Sie also unbedingt meinen
Hashtag SARAHBURNSTUTOR, denn ich überprüfe
dies häufig in den
sozialen Medien und es hellt meinen Tag
wirklich auf. Wenn Ihnen der Unterricht gefallen
und etwas gelernt hätte, würde
ich mich sehr
freuen, wenn Sie sich einen Moment Zeit nehmen würden, um auch
eine Bewertung abzugeben. Ich lege auch ein paar Links
in die Beschreibung für meine anderen Landschaftsklassen ein. Aber meine tiefste Hoffnung ist
, dass Sie ausgehen und die Natur gerne skizzieren und nicht
vergessen, die Reise zu genießen. [MUSIK]