Orchestrierung

1. Course: Ja. Ja. 2. Kursstruktur: Dieser Kurs ist in zwei Teile unterteilt. Teil eins ist auf Instrumentierung, und Teil zwei ist die Orchestrierung. Besetzung ist wichtig und notwendig für Schritt, da man nicht für Orchester schreiben kann. Wenn man die einzelnen Instrumente des Orchesters in Teil 1 nicht kennt, lernt man, wie jedes Instrument konstruiert ist, wie es Klang erzeugt, wie es richtig notiert wird. Sie spielen in Klangbereichen, Registereigenschaften, dynamischen Fähigkeiten und gängigen Spieltechniken. Zum Teil haben Sie grundlegende Konzepte für das Schreiben für Orchester gelernt, einschließlich wie man verschiedene Tambor und Texturen erstellt und effektiv verwendet. Die besten Methoden zum Scoring von Schnüren, die Rollen jedes Instrument und Abschnitt innerhalb des Ganzen spielen, wie man die Punktteile richtig vorbereitet und wie man vor der Veröffentlichung des Kurses beweisen endet mit einem ganzen Abschnitt von hilfreichen Orchestrierung, Tipps und Techniken. Es gibt auch eine Reihe von nützlichen Referenzdiagrammen im Anhang. Am Ende jedes Abschnitts erhalten Sie Partiturlese- und Höraufträge, Komponieren Zuordnung und oder ein Quiz. Eine wichtige Komponente für das Studium der Orchestrierung ist die Punktebewertung, und so werden Sie während des Kurses gebeten, Partituren zu lesen. Es gibt einige Partiturauszüge im Kurs, aber die Mehrheit der Partiturlesung wird auf eigene Faust durchgeführt. Dafür gibt es einen wichtigen Grund. Einen Kurs in Orchestrierung zu absolvieren, ist ein guter Anfang, um das Schreiben für Orchester zu lernen. Aber der einzige Weg, wie es wirklich kenntnisreich und kompetent in dieser sehr komplexen Kunstform geworden ist durch eine lebenslange Partiturstudie durch eine lebenslange Erfahrung aus dem eigentlichen Schreiben für Orchester gewonnen , dies kann nicht genug betont werden. Dies ist kein Musiktheoriekurs oder Musikkompositionskurs. Dieser Kurs wurde für Personen geschrieben, die bereits über eine Grundlagenbasis in der Musiktheorie , einschließlich Musiknotation und Musikkomposition. Wenn Sie Ihr Wissen in diesen Bereichen benötigen oder weiterentwickeln möchten, sehen Sie sich bitte meine folgenden Kurse an. 3. Ressourcen: Beim Studium der Orchestrierung ist es wichtig, dass Sie Zugang zu Partituren und Aufnahmen haben. Ihr Zugriff auf Partituren wird über das International Music Score Library Projekt oder ich bin slp I'm S O. P ist eine Online-Datenbank von Partituren, die öffentlich zugänglich sind. Die Datenbank enthält Hunderttausende von Partituren von Tausenden von Komponisten, und sie ist völlig kostenlos zu verwenden. Sie können nach Komponisten suchen oder einfach den Namen des Friedens eingeben. Die Website ist. Ich bin die Notiz von slp dot org. Einige der Partituren, auf die Sie stoßen, können Instrumentennamen und Abkürzungen in anderen Sprachen als Englisch enthalten . Bitte beachten Sie den Anhang für eine Tabelle mit englischen Übersetzungen. Sie finden auch im Anhang eine Liste von Tipps und Strategien, um Sie in Ihrer Partitur Studien zu helfen . Obwohl ich SLP manchmal Aufnahmen hat. Ihr primärer Zugriff auf Aufnahmen wird über Spotify Spotify als digitaler Streaming-Dienst mit Neunern von Songs, und es ist ein völlig kostenloser Service. Sie können Spotify auf Ihrem Computer verwenden oder die bis zur Verwendung auf Ihrem Mobilgerät herunterladen. Die Website ist Spotify dot com. Die endgültige Ressource, die Sie benötigen, ist eine Art von Notenschreibungssoftware, um die Komponierungsaufträge abzuschließen . Wenn Sie derzeit keine Notationssoftware besitzen, können Sie eine kostenlos bei Muse score DOT oder GTA herunterladen. 4. Wissenschaftliche Pitch Notation: eine der Methoden, die in diesem Kurs zur Spezifizierung von Instrumentenbereichen verwendet werden, ist die wissenschaftliche Tonhöhennachahmung, auch bekannt als internationale Tonhöheninitiation. Wenn Sie nicht mit ihm vertraut sind, müssen Sie es sein. Hier ist ein Diagramm einer Klaviertastatur, um zu veranschaulichen, wie die Methode funktioniert Octaves Air unterscheidet sich durch eine Zahl und einen Buchstaben. Der niedrigste siehe auf dem Klavier ist C ein Tonhöhen rechts von C eins markiert sind auch mit der Nummer eins D eins e eins F eins etcetera. Tonhöhen rechts von C zwei sind auch mit der Nummer zwei de zwei e zwei F zwei etcetera, die niedrigste Aund B auf dem Klavier oder Etiketten mit Null beschriftet etcetera, die niedrigste A . Hier ist, wie die Methode in Notenschrift Form aussieht. 5. Quiz 1 1: 6. Bau- und Tonproduktion (Saiten): 7. Bowing: Der Bogen wird normalerweise auf halbem Weg zwischen Steg und Griffbrett über die Saite gezogen , um die Klangqualität zu verändern. WHO-Darsteller kann den Bogen auch an einer Vielzahl von anderen Orten über die Schnur ziehen? Dies wird in den Videos über Spieltechniken behandelt werden. Wenn der Darsteller den Bogen über die Saiten von der Ferse bis zur Spitze zieht, wird er als Daunenbogen bezeichnet. Ein Abwärtsbogen wird notiert, wobei das folgende Symbol oberhalb der Note platziert wird. Wenn der Darsteller den Bogen über die Saiten von der Spitze bis zur Hölle zieht, wird er als Up-Bogen bezeichnet . Ein ne Po wird notiert, wobei das folgende Symbol oberhalb der Noten in Streichmusik platziert wird. Das Slur Symbol wird auch verwendet, um zu wissen. Nehmen Sie Boeing alle Noten unter einmal für oder gespielt in einer Bogenrichtung. In diesem Beispiel die ersten 2 Noten, die mit einem unten Bogen gespielt. Die nächsten vier Noten werden mit einem Aufwärtsbogen auf dem letzten bemerkten Spiel mit einem Abwärtsbogen gespielt. Verwenden Sie keine Bögen, um Sätze in der Musik anzuzeigen. Dies wird nur den Darsteller verwirren. Slur sollte nur verwendet werden, um Boeing's anzuzeigen, wenn keine Böcke vorhanden sind. Ein Ausführender ändert die Bogenrichtung bei jeder Note. Hier ist das gleiche Beispiel. Ohne Böcke würde es nach unten, oben, unten, oben, unten, oben, unten, oben, unten gespielt oben, unten, oben, unten, oben, unten, oben, oben, werden. Es gibt natürlich natürlich ein Limit. Wie? Maney bemerkt einen Darsteller, beschwerte sich einen Bogen. Dies hängt von ein paar Faktoren ab, am offensichtlichsten von Reichtum Tempo. Je schneller das Tempo, desto mehr Noten kann ein Darsteller mit einem Bogen spielen. Der andere Faktor ist die Dynamik. Je leiser die Dynamik ist, desto mehr Noten kann ein Darsteller mit einem Bogen spielen. Dies liegt daran, dass weniger Bootsdruck benötigt wird, um leise zu spielen. Plus, Druck ist mehr Zeit, um von hier zu Trinkgeld zu reisen. Mehr Druck bedeutet weniger Zeit, um von hier nach Trinkgeld zu reisen. Zum Beispiel könnte folgendes in einem Bogen gespielt werden. Wenn Allegro und Klavier gespielt wird, kann es nicht 21 Bogen gespielt werden, wenn gespielt. Addazio und Forte. Wenn Sie möchten, dass eine Passage llegado gespielt werden, aber denken Sie nicht, dass Sie alle Noten passen können. Eine Stimme. Mach dir keine Sorgen. Ein guter Darsteller kann sich ändern. Bogenrichtung ohne Vorankündigung wird hörbar Bruch für den Zuhörer. Das ist einer der Vorteile von Saiten gegenüber Holzbläsern und Messing. Da es für den Darsteller keine Notwendigkeit gibt, einen Atemzug zu nehmen. Sie können weiterhin eine Note auf unbestimmte Zeit spielen. Es ist wichtig zu vermeiden, Ihre Partitur mit Boeing für jede einzelne Note auf einem Stück hier überladen , zwei Beispiele für übermäßig markierte Boeing's Diese wäre im Grunde eine Beleidigung für den Darsteller . Alles, was in diesen Beispielen wirklich benötigt wurde, war der erste nach unten, Bemerkung und irgendwelche Böcke. In der Tat hätte sogar die erste Markierung des Schiffes aufgegeben werden können, und die Darsteller hätten immer noch gewusst, was zu dio. Denken Sie daran, dass String-Spieler gehen, seit sie mit dem Unterricht begonnen , und sie verstehen, fast instinktiv, wenn man bro Richtung ändern. Zum Beispiel spielen Darsteller normalerweise einen Auftakt mit einem Aufwärtsbogen, da ein Auftakt ein schwächerer Strand ist, der aufspielt, aber Sinn macht, da es schwieriger ist, Bootdruck auf die Saiten auszuüben, wenn Sie Ihre Spitze spielen. Dies liegt daran, dass der Druck von Ihrer Hand kommt, die die Ferse des Bogens hält. Der Downbeat hingegen wird normalerweise mit einem Jambo gespielt, da der Downbeat ein stärkerer Beat ist. Einen Daunenbogen zu spielen macht Sinn, da es einfacher ist, beide Druck auf die Saiten anzuwenden, die in der Nähe der Ferse spielten. Das gleiche Prinzip gilt für Crescendos und, ähm, Annuendos. Performer werden einen Up-Bogen für Crescendo verwenden, so dass mehr und mehr über Druck auf die Saiten angewendet wird, wie es Nachrichten von T heilen unten ist normalerweise für dim Annuendos, dass immer weniger Bootsdruck auf die Ströme angewendet wird, wie es bewegt sich von der Hölle zu Spitze. Wenn die Darsteller also schon verstehen, wann sie die Bogenrichtung ändern müssen, warum schreiben Sie Boeing in alles gut, einen Komponisten, Orchestratorrechte und Boeing, weil sie wollen, dass Dinge gespielt werden und klingen eine ganz bestimmte Art und Weise. Eine einzige Passage könnte sein, unzählige mögliche Möglichkeiten, die jeder Weg etwas anders klingen . Eine unschätzbare Übungen. Ein beginnender Komponist für Orchester ist es, die gleiche Passage mit vielen verschiedenen Boeings auszuschreiben und sie dann von einem Streichspieler für Sie vorführen zu lassen. Auf diese Weise erhalten Sie ein Gefühl dafür, wie verschiedene Boeing den Weg der Passage stark beeinflussen könnte . Klänge 8. Quiz 2: 9. Violine: Die Violine ist das am höchsten klingende gebogene Saiteninstrument. Eine volle Größe Violine ist 14 Zoll lang und hat gut gespielt. Zwischen dem Kinn und der linken Schulter versteckt, wird es mit der linken Hand gefingert und mit der rechten Hand geneigt oder gezupft. Ein Orchester in Standardgröße hat typischerweise 32 34 Spieler mit 16 18 1. Violinen und 14 bis 16 2. Gewalt. Musik für Violine ist in Schwierigkeiten geschrieben, Clough und Sounds wie geschrieben. Es handelt sich um ein nicht transponierendes Instrument. Hier ist der Bereich der Violine, die auf dem Notensystem und auf der Tastatur mit wissenschaftlicher Tonnotation gezeigt wird . Es sollte beachtet werden, dass, sobald ein Spieler über eine Sechs kommt, es schwieriger wird zu spielen, weil es weniger Platz für die Finger auf dem Griffbrett. Und weil der Daumen die Hand in unseren Zolleinstellungen nicht mehr richtig stabilisieren kann, ist es in der Regel am besten nicht rechts über die sieben. Da alles darüber ist wirklich besser für Kammerspieler und Solisten geeignet. Die Violine hat vier Saiten, jeweils 1/5 auseinander gestimmt, G. D. A. Und das folgende Diagramm zeigt die Nummerierung der Saiten. Die höchste Saite ist nummeriert, ist eins auf allen gebeugten Streichinstrumenten, alle Streichinstrumente haben in der Regel die gleichen Registereigenschaften. Der untere Teil des Bereichs ist stark. Der mittlere Teil ist wärmer und der obere Teil ist heller. Neben den Eigenschaften des General Registers hat jede der vier Saiten einen eigenen Klang. Viele verschiedene Wörter wurden verwendet, um die Unterschiede in den Merkmalen zu beschreiben. Hier sind einige der häufigsten Beschreibungen für die vier Violinsaiten. Die G-Saite bezieht sich auf seine tiefe und volle. Die D-Saite wird als schwächere, aber warme bezeichnet. Die A-Zeichenfolge wird auf eine süße bezeichnet. Die E-Saite wird als brillant bezeichnet. String-Spieler werden automatisch von String zu String wechseln ist notwendig. Der Komponist Orchestrator muss in der Partitur nicht angeben, wann auf welcher Saite abgespielt werden soll. Hierbei gibt es eine Ausnahme. Wenn ein Komponist Orchestrator einen bestimmten Sound wünscht, kann er den Player bitten, eine ganze Passage auf einer einzigen Saite auszuführen. beispielsweise Wennbeispielsweiseder Komponist Orchestrator eine bestimmte Geigenpassage intensiver klingen möchte, kann er den Interpreten bitten, die gesamte Passage auf der G-Saite zu spielen. Dies wird durch die Wörter, die g über den Noten in der Partitur oder einer Seele verkauft werden, angezeigt. A. beispielsweise Wenn Sie beispielsweisedie gesamte Passage Platte auf der A-Saite wünschen, wenn der Komponist Orchestrator nicht mehr wünscht, dass die Performerspitze nur auf einer bestimmten Saite spielt , wird der Begriff ord gewöhnlich, sollte über den Noten in dieser Partitur in der Regel platziert werden und Instrumente dynamische Fähigkeiten sehr innerhalb seines Ebenenbereichs. Eine schöne Sache an Saiten im Vergleich zu Holzbläsern und Messing sind die dynamischen Fähigkeiten. Ändern Sie nicht mit der Registerdynamik von Triple P. Zwei Doppel-F konnte im gesamten Bereich des Gewalttätigen durchgeführt werden. 10. Viola: Die Viola ist das zweithöchste klingende gebogene Streichinstrument. Es ist tiefer, schickt ihnen die Geige, aber höher klingend als das Cello. Eine große Villa ist etwa 16 Zoll in der Länge. Es wird auf die gleiche Weise gespielt wie die Violine. Ein Orchester in Standardgröße hat in der Regel 10 bis 12 Spieler. Musik für Viola ist in Altschlüssel geschrieben. Wenn Sie mit Clough nicht vertraut sind, müssen Sie sich damit vertraut machen, um Musik für die Villa zu schreiben. Grundsätzlich sehen für oder mittlere C ist die Mittellinie in Auch, Cliff. Schreib niemals Viola Teile in Basis. Clough. Nur weil es einfacher für Sie ist, die alte ist in der Regel nicht wissen, wie man basierend Husten und Ärger zu lesen. Clough sollte nur dann verwendet werden, wenn nötig, um zu viele Buchpositionen zu vermeiden. Wechseln Sie Klippen, wenn Sie Notizen über drei oder vier Buchlinien über dem Notensystem schreiben. Hier ist der Bereich der Viola auf dem Notensystem und auf der Klaviertastatur gezeigt. In der wissenschaftlichen Tontonnotation hat das Video vier Saiten, jeweils auf den fünften auseinander abgestimmt sind, C, G D und A. Die niedrigste Saite C ist die einzige Saite, die die Villa nicht gemeinsam mit der Violine. Wie bei allen gebeugten Saiteninstrumenten wird die höchste Saite berücksichtigt. Die erste Saite hat bereits die Villen erwähnt. C-Saite ist die einzige Saite, die das Instrument nicht mit der Violine gemein hat. diesem Grund ist der Klang der Seesaite der einzigartigste Viola-Sound. Es wird oft auf eine düstere bezeichnet oder die beiden mittleren Saiten verbietet. G und D haben eine ähnliche Qualität wie die entsprechenden Saiten auf der Violine, aber dunkler. Viele Begleitmuster werden auf diesen beiden Saiten gespielt, und so werden sie manchmal als begleitende Saiten bezeichnet. Der Blick ist höchste String A ist brillant. Obwohl sie nicht so brillant ist wie die höchste Saite der Violine, hat sie eine härtere, nasale Qualität. Wie bei allen gebeugten Saiteninstrumenten ändern sich auch die dynamischen Fähigkeiten nicht. Mit Registerdynamik von Triple P konnten zwei Doppel-F im gesamten Bereich der Villa durchgeführt werden 11. Cello, Violett: Das Cello ist das zweitniedrigste klingende gebogene Streichinstrument. Es ist tiefer verkauft in der Viola, aber höher klingend als der Kontrabass. Ein Cello in voller Größe ist etwa vier Meter hoch. Das Cello wird in sitzender Position gespielt. Das Instrument wird zwischen den Knien gehalten, wobei der Hals des Cello auf der linken Schulter ruht. Wie bei allen Bogensaiteninstrumenten wird er mit der linken Hand gefingert und mit der rechten Hand verbeugt. Es gibt einen verstellbaren Stift, der von der Unterseite des Cello herauskommt und auf dem Boden ruht um zu verhindern, dass das Cello beim Spielen herumrutscht. Ein Orchester in Standardgröße hat typischerweise 10 bis 12 Cellospieler. Musik für Cello ist in Basis Clough und Sounds wie geschrieben geschrieben geschrieben geschrieben geschrieben. Es ist ein nicht transponierendes Instrument Tenorschlüssel und Schwierigkeiten Clough werden nur verwendet, wenn nötig, um zu viele gesetzliche Schaltspalten zu vermeiden. Wenn Sie Notizen schreiben, die höher als drei oder vier Notenlinien über dem Notensystem sind, haben ältere Partituren manchmal Cellomusik in Schwierigkeiten. Clough und klingen eine Oktave niedriger als heute geschrieben, alles erzählende Musik, die in Reisehustengeräuschen geschrieben wird, wie hier geschrieben ist, ist der Bereich des Cello auf dem Notensystem und auf der Tastatur mit wissenschaftlicher Tonnotation gezeigt wird. Oh, der hier angegebene Bereich ist der Standardbereich für die Cello-Sektion. Obwohl einige professionelle Spieler so hoch wie E sechs sein können,hat das Cello vier Saiten,die jeweils auf hat das Cello vier Saiten, den fünften auseinander gestimmt sind. C G D N A. Diese vier Saiten Luft stimmten ein tiefer geklopft als die vier Saiten der Viola. Obwohl das Cello die gleiche Stimmung hat, ist die Viola nur eine Oktave niedriger? Es klingt viel reicher und sehr ausgeprägter. Hier sind einige gängige Beschreibungen der Tonqualität der einzelnen Saiten. Die C-Saite bezieht sich auf seine Reichen und sah lästig. Die G-Saite bezieht sich auf seine schwächere, aber warme. Die D-Saite bezieht sich auf seine üppige und fesselnde. Die A-Saite wird als brillant und Piercing bezeichnet. Beachten Sie, dass Muschelmelodien in der Regel auf einer Saite gespielt werden. Der erste Aktiv der Saite eignet sich hervorragend für ausdrucksstarke Melodien, aber oberhalb der ersten aktiven Intonation werden Probleme auftreten. Dynamik von Triple P zwei Doppel-F konnte im gesamten Bereich des Cello gespielt werden 12. Double: Der Kontrabass, auch bekannt als Basis des aufrechten Basses, ist das größte und klingendste Bogensaiteninstrument. Es ist etwa sechs Meter hoch. Anders als das Cello ruht auf einem verstellbaren Pin an der Unterseite des Instruments. Um das Instrument zum Spielen an Ort und Stelle zu halten, führt die Basis während des Stehens oder Sitzen auf dem Stuhl. Ein Orchester in Standardgröße hat typischerweise 8 bis 10 Kontrabassspieler. Musik für einen Kontrabass ist in Basis Clough Tenor Clef In Trouble Club geschrieben für nur verwendet wenn nötig, um zu viele Ledger Linien zu vermeiden Der Kontrabass ist das einzige gebeugte Saiteninstrument, das eine Oktave niedriger klingt als geschrieben. Das heißt, wenn dies geschrieben wird, wird dies gespielt. Im Gegensatz zu Violine, Viola und Cello, die ihre Saiten 1/5 auseinander gestimmt haben, kehrten die Saiten des Kontrabass 1/4 auseinander. E A. D und G helfen Ihnen, die Saiten auswendig zu lernen. Aufgefallen, dass dort einfach die umgekehrte Reihenfolge der Geigensaiten G d. A. Any. Hier ist der Standardbereich des Kontrabass. Die meisten professionellen Orchesterbasen haben eine C-Erweiterung, die den Osten nach unten ein großes Drittel erstreckt, um einen zu sehen. Einige Kontrabassinstrumente erweiterten den Bereich durch die Zugabe von 1/5 Saiten, die auf eine abgestimmt sind. Manchmal ist diese fünfte Saite auf Null eingestellt. Um noch tiefer spielen zu können, hat eine beginnende Orchestrierung Student. Sie sollten nicht direkt unter der e-Zeichenfolge aus . Der Stellplatz wird auf dem Jean produziert. De Strings sind auch im Chela-Sortiment. Sie haben eine härtere Qualität am Kontrabass. Die A-Saite ist klar klingend, während die E-Saite extrem dunkel und bedrohlich ist. Die E-Saite hat eine so große Lautstärke, dass sie die Basis des gesamten Orchesters stützen kann. Es sollte beachtet werden, dass die unteren Tonhöhen am Kontrabass eher etwas träge sind und zusätzliche Zeit brauchen, um zu klingen. Außerdem gibt es ziemlich viel Nachhall nach dem Spieler Subs Ebene bis zu 10 Sekunden auf der höchsten offenen Saite. Spieler müssen die Saiten oft physisch mit ihren Händen stoppen, und der Nachhall ist erforderlich. Dynamik von Triple P zwei Doppel-F kann im gesamten Bereich des Kontrabassdurchgeführt werden Kontrabass 13. Quiz 3: 14. Score und Listening (Sek.3): 15. Vibrato (strings): haben wir bereits gelernt, die vibrierende Saite mit einem Finger gegen das Griffbrett zu stoppen . Wenn der Finger beim Drücken der Saite hin und her schaukelt, bereichert er den Ton. Das nennt man Vibrato. Je schneller der Performer mit dem Finger hin und her rockt, desto schneller ist der Vibrato. Je langsamerer Performer mit dem Finger hin und her rockt, desto langsamer. Das Vibrato für breitere ist so alltäglich für Streichspieler, dass es nicht einmal ohne Vibrato notiert wird. Der Ton ist langweilig und blass Sandy. Wenn der Komponist Orchestrator einen blassen Klang wünscht, müssen sie Tate, non vibrato oder Sinn für Ausland kennen . Oh über den Noten in der Partitur. Um wieder mit Vibrato zu spielen, setzen Sie das Wort vibrato oder norm oder ord in die Partitur. Für einen ausdrucksstarken romantischen Sound mit vielen Labrada wissen, dass Tate multi vibrato librato leicht auf allen Booten durchgeführt wird. Saiteninstrumente, technisch gesehen ein Streichspieler, können nicht jemals auf eine offene Saite gebracht spielen, da ihr Finger die Saite nicht stoppt und daher nicht hin und her rocken kann. Sie können jedoch jedoch einen Vibrato-ähnlichen Effekt auf eine offene Saite erzeugen, während Boeing, die offene Saite des Performers, die gleiche Tonhöhe inaktiv, höher oder niedriger auf benachbarten Schnur und schaukeln mit dem Finger. Die sympathischen Schwingungen werden es klingen lassen, als würde die offene Saite für breitere gespielt . 16. Legato und Detache: alle gebeugten Saiteninstrumente sind in der Lage, Llegado und Daten zu spielen. Shea Llegado spielt reibungslos, so dass die Tonhöhen Luft aufgereiht, nahtlos verschlungen oder verwendet, um Tate llegado alle Noten unter einem Slur zu kennen, werden in einer Richtung mit dem Bogen gespielt und wird llegado klingen. In der Vorlesung über Boeing haben wir gelernt, dass es eine Grenze gibt, wie viele Noten in einem Bogen gespielt werden können , was je nach Tempo und Dynamik variiert. Sie sich keine Sorgen über eine Passage mit vielen aufeinanderfolgenden Bögen nicht klingen llegado wegen all der Änderungen in Bogenrichtung, ein guter Saitenspieler kann Bogenrichtung ohne eine spürbare hörbare Pause wechseln. Hat O. Shea ist im Grunde nicht McGarr spielen, wo jeder Zettel mit einer separaten Bogenrichtung gespielt . Es wird durch den Mangel an Böcken notiert. Dieses Beispiel würde im Wechsel zwischen unten und oben gespielt werden Oh, Violine, Viola, Cello, Kontrabass, Violine, Viola, Violoncello , Kontrabass 17. Portato: Apartado ist im Grunde Llegado spielen mit einer sehr leichten Trennung von Noten. Es wird durch eine Kombination von Tenuta-Markierungen und Bögen notiert. In diesem Beispiel würden die ersten 4 Noten nach unten gespielt werden, und die nächsten vier weiß, würde Bo gespielt werden. 18. Staccato und Spiccato: sowohl Staccato als auch sprechen Otto werden mit dem Punkt notiert, der über oder unter dem Notenkopf platziert ist. Die geschriebenen Noten werden für etwa 1/2 ihrer Dauer gespielt, wodurch ein Leerzeichen dazwischen entsteht. Der Klang, sowohl Staccato als auch sprechen Otto werden mit kurzen separaten gespielt, beide Schläge und ihre Möglichkeit auf allen gebeugten Streichinstrumenten. Der Unterschied zwischen den beiden Techniken besteht darin, dass das Boot mit Staccato die Schnur nicht verlässt, während mit sprechen Otto das Boot an und ab der Schnur springt. Der Darsteller erreicht dieses Springen, indem er das Boot hin und her in einer V-Form schaukelt, oder Sie formen oder einen Halbkreis. Ein Darsteller wird in der Regel bestimmen, wann Staccato gegen Picado spielen soll, aber Dinge wie Tempo und Dynamik. Wenn der Komponist Orchester er möchte, dass eine Passage mit einem Abprallen von der Saite gespielt wird, dann sollten sie die Worte Speak Otto in die Partitur schreiben. Glurred, staccato und slur speak Otto sind ebenfalls möglich. Anstatt für jede Note separate Bogenstriche zu verwenden, spielt der Darsteller alle verschlungenen Noten in einer Bogenrichtung ab. Die Noten werden immer noch 1/2 ihrer Dauer gespielt, um Raum dazwischen zu schaffen, jeder Ton verschlungen, staccato und beginnt picado werden in der folgenden Weise notiert. Violine, Viola, Violoncello , Kontrabass 19. Trills (Besetzung): ein Trill ist ein schneller Wechsel zwischen der notierten Tonhöhe und der Tonhöhe eine Stufe höher in diesem bestimmten Dur, ein Moll. Er das Bild einen Schritt höher in der er heißt die Eier Ilya. Sehr reiche Schüttelungen Luft notiert mit dem TR oder einem TR mit einer Wellenlinie über der Note platziert. Hier ist eine Annäherung, wie dies wahr gespielt werden könnte. Die genaue Anzahl der Alternations natürlich von der hängtnatürlich von derLänge der Note ab, und das Tempo der Passage zeigt sie auf allen gebeugten Streichinstrumenten möglich, einen Trill zu spielen . Die schriftliche Notiz, die im angrenzenden Finger auf die Saite gefingert wurde, drückt und löst die berauschende Tonhöhe für die gesamte Dauer der roten Note sehr schnell ab. Die meisten Schüttelfrost werden mit zwei gestoppten Tonhöhen gespielt, aber ein Trail kann die Verwendung einer offenen Saite beinhalten. Wenn dies der Fall ist, muss die andere Tonhöhe mit der Stopp-Saite gespielt werden. Beachten Sie, dass der Klang einer offenen Saite eine andere Qualität hat als die eines Stoppzeichens . Die Hin und Her zwischen den offenen und Stopp-Töllhöhen klingen im Vergleich zu einem Troll auf zwei gestoppten Tonhöhen seltsam . Wenn Sie wissen wollen, um Trill. Dazu gehört eine berauschende Tonhöhe, die nicht in der jeweiligen Tonart ist. Schreiben Sie in Sie müssen eine scharfe, flache oder natürliche oberhalb der Wanderstelle in der Taste von C-Dur hinzufügen . Zum Beispiel wäre die aufregende Tonhöhe zu sehen D. Wenn Sie die aufregende Tonhöhe auf B C anstatt D scharf wollen, müssen Sie ein scharfes Zeichen über der Kälte platzieren. Diese Show würde C C scharf in der Taste von B-Dur gespielt werden. Die Hilfs Pitch flach wäre sehen, wenn Sie wollen, dass die Eier Ilary Pitch BC flach und sagte von C eine Wohnung über dem Trail Zeichen verlegen. Diese Chill würde B flat C flach in der Tonart F-Dur gespielt werden. Der Hilfsantrieb a wäre B flach. Wenn Sie möchten, dass die Hilfsteilung natürlich statt B flach ist, müssen Sie ein natürliches Schild über dem Wegschild platzieren. Dieses Beispiel würde eine B natürliche Violine gespielt werden, Cello 20. Tremolos (strings): Es gibt zwei Arten von Trimmen. ILO's für gebeugte Streichinstrumente, Bodrum Lows und Finger Travelers. Abode Tremolo ist eine einzelne Tonhöhe, die so schnell wie möglich für die Dauer der schriftlichen Noten wiederholt wird. Der Performer erreicht dies, indem er in schnellen kurzen Bewegungen zwischen oben Oh und unten Bogen abwechselt . Tremolo zehr leicht auf allen Booten durchgeführt, Streichinstrumente aber Trimbles Luft notiert mit drei Schrägspuren durch den Magen. Die Noten im Falle der gesamten Note, drei Schrägstriche über oder unter der Note ersetzt. In diesem Beispiel würde das Meer während der Dauer der Viertelnote so oft wie möglich gespielt, und die D würde während der Dauer der 1/2 Note so oft wie möglich gespielt werden. Ein Fingertremolo ist der schnelle Wechsel zwischen zwei Tonhöhen. Ofenintervall. Dieses Intervall sollte sich auf der gleichen Saite befinden, so dass ein Finger gedrückt bleibt. Die untere der beiden Noten wird der andere Finger schnell, alle Straits zwischen Drücken und Loslassen der höheren Noten. Da Intervalle beteiligt sind, ein Finger Trimble tatsächlich ähneln einem Trill und Ton gut trimmen ILO häufig beteiligte Intervall des dritten. Es gibt jedoch Einschränkungen, wie weit Spieler Finger zu erreichen. Schreiben Sie keine Finger Ärger schuldet größer als die folgenden Grenzen. Fingertrimmen Tiefen, bestehend aus ganzen Noten. Quartalsnotizen. Ihre Tochter Viertelnoten werden mit drei Schrägstrichen zwischen den beiden Noten des Intervalls notiert. Ein Slur sollte auch notiert werden, um anzuzeigen, dass der Tremolo in einem Bogen gespielt werden soll. Die Dauer des Zitterns oh ist gleich der Dauer einer einzelnen Note des Tremolo, und nicht der kombinierten Belüftung der beiden Noten in diesem Beispiel, und kann aussehen, als ob der Zittern für insgesamt acht Schläge gespielt wurde. Aber eigentlich wechselt der Performer schnell zwischen den Tonhöhen D und B für nur vier Schläge. Finger Trumbo, bestehend aus Halbnoten gepunkteten Halbnoten oder Balkennoten, sind ähnlich unterschiedlich notiert . Halbnoten und gepunktete Halbnoten sind durch einen Balken und zwei Schrägstriche verbunden. Luft zwischen den Netzen platziert Balken Noten haben Balken ist normal, aber zwei Schrägstriche werden zwischen achten Noten Traumata und einem Schrägstrich zwischen allen anderen Strahlen Noten platziert . Violine, Viola, Violoncello , Kontrabass, Violine, Viola, Violoncello , 21. Spezielle Bow: Normalerweise die Saiten Airboat an der Mitte direkt zwischen dem Griffbrett und der Brücke. Aber gelegentlich bleiben die Saiten an ungewöhnlichen Orten, um einen anderen Klang zu erzeugen. Wenn Saul Tosta in der Partitur geschrieben wurde, verbeugt sich der Spieler auf dem Griffbrett. Dadurch entsteht ein gedämpfter, flötenähnlicher Klang, bei dem die Anzahl der Obertöne abnimmt. Wenn Seife Monticello in der Partitur geschrieben wurde, verbeugt sich der Spieler in der Nähe der Brücke. Dies schafft einen unheimlichen, blassen Klang, in dem die oberen Partials oder mehr Präsenz ist es üblich, Seife Monticello in Verbindung mit dem Tremolo verwendet zu sehen . Vergessen Sie nicht, Ord oder Norm zu schreiben, wenn Sie möchten, dass die Spieler auf die übliche Weise zu Boeing zurückkehren . Violine, Viola, Violoncello , Kontrabass. 22. Glissando (strings): Dies ist eine Technik, bei der die Darsteller ihren Finger entlang der Saite von einer Tonhöhe zur anderen gleitet , so dass auch alle Tonhöhen zwischen der Start- und Endtonhöhe verletzt werden . Es wird entweder mit einer Wellenlinie oder einer geraden Linie zwischen der Anfangs- und Endtonhöhe notiert . Die Abkürzung Bliss ist nicht notwendig, kann aber zusätzlich zu der Linie Cassano Luft möglich auf allen beiden Saiteninstrumenten verwendet werden und möglicherweise in beiden Richtungen ausgeführt werden, gleitend nach oben auf der Saite oder nach unten auf dem Saitenlook. Lisandro wird normalerweise auf einer Saite gespielt, aber wenn der Abstand zwischen der Start- und Endtonhöhe sehr groß ist, muss er möglicherweise über Streicher gespielt werden. Nehmen wir an, die Gasana beginnt hoch auf der E-Saite. Sobald die offene E-Saite erreicht ist, muss der Performer zur nächsten Saite wechseln, um weiterhin über die offene e gleiten zu können. Dies ist keine wahre Glückseligkeit, da der Klang beim Wechsel von einer Saite zur anderen unterbrochen wird. Violine, Viola, Violoncello , Kontrabass 23. Portamento: Diese Technik ist sehr ähnlich und oft mit Cassano verwechselt. Mit Port Aumento gleitet der Performer immer noch zwischen den Tonhöhen, aber die Tonhöhen zwischen der Start- und Endpartie sind nicht als einzelne Tonhöhen oder mit vollem Klang zu hören . Denken Sie an Port Aumento als vorgeschlagen gehen Sando oder 1/2 Herz gehen Sando Port Aumento wird oft verwendet, um melodische Noten zu verbinden, die sehr weit auseinander sind. Es ist möglich auf allen Booten, Saiteninstrumente. Parlament ist es wie Lisandro bemerkt, aber mit der Abkürzung Port über der Linie platziert, um es von go Sando Violine , Viola, Cello, Kontrabass zu unterscheiden Violine , Viola, Cello, , Viola, Cello . 24. Col Legno: Colonia bedeutet mit dem Holz. Diese Technik erfordert, dass der Darsteller ihr Boot auf den Kopf stellen und mit dem Holz des Bogens spielen und nicht mit dem Bogenhaar. Spielen mit dem Wort des Bogens kann das Holz möglicherweise beschädigen, und so tragen Künstler manchmal ein separates, weniger teures Boot. Für Passagen mit Kalina gibt es zwei verschiedene Arten von Colin Yah Kaleena Toronto und Kaleena Ba Tuto. Wenn Sie Doppelpunkt spielen, versuchen Sie, dass der Darsteller das Wort ihres Bogens über die Saiten ziehen wird. Die Tonhöhe produziert wird kratzig und wispy klingend. Beim Spielen von Kelowna Batu Zeh wird der Darsteller das Wort des Bogens auf den Saiten hüpfen. Dies verleiht dem Sound ein perkussives Crosby. Diese Technik ist die häufigste der beiden und ist weniger schädlich für das Holz, um eine dieser Techniken anzuzeigen . Nein, nimm den Doppelpunkt, du bist über den Noten in der Partitur. Geben Sie immer an, ob Sie möchten, dass Toronto zu Fuß sind, wo die Darsteller nicht wissen , welche zu spielen. Wenn Sie möchten, dass der Darsteller wieder normal, Boeing sicher sein, Schwert oder Norman die Partitur zu spielen. Es ist wichtig, darauf hinzuweisen, dass Sie beim Spielen mit Holz nicht so viel Volumen bekommen, wie Sie es mit Haaren tun würden. Da das Haar aufgrund dieser Tatsache mehr Widerstand gibt, sollten Sie Dynamik oberhalb von Forte vermeiden. Außerdem ist es am besten, Colonial beim Abendessen des Orchesters zu verwenden, da es während einer bis T Sektion sehr schwer zu hören wäre, wenn alle oder die meisten Instrumente spielen. Viola Cello, Kontrabass Äh , Violine, Viola, Cello, Kontrabass. 25. Umstände: in Stummschaltung ist ein Gerät, das auf der Brücke eines beliebigen gebogenen Saiteninstruments platziert werden könnte , um die Tonqualität zu ändern. Es tut dies, indem sie einige der Vibrationen Mutar aus Kunststoff, Gummi, Metall oder Holz absorbiert , um Tape spielen mit einem Stumm zu wissen. Die Wörter Concertino werden über den Noten in der Partitur platziert, um zu wissen. Nehmen Sie die Entfernung einer Stummschaltung. Die Worte Sinn von Sir Gino werden verwendet. Denken Sie daran, den Performern genug Zeit zu geben, die riesigen von ihren Instrumenten zu platzieren oder zu entfernen Es sollte auch beachtet werden, dass es einige Geräusche gibt, die durch eine Platzierung und Entfernung von Dämpfen erzeugt . werden. Stellen Sie sicher, dass während dieses Punktes in der Partitur andere Instrumente spielen, um die Geräuschmusik zu vertuschen , die normalerweise für leise Passagen verwendet wird, aber sie können auch für laute Passagen in ruhigen Passagen verwendet werden. Die Klangqualität hat eine Traurigkeit oder Unheimlichkeit und laute Passagen, die Klangqualität klingt eingeschränkter, intensiver, als ob sie zurückgehalten wird. Violine. Viola, ja, Cello, Kontrabass. Alles klar, 26. Natürliche Harmoniken: 27. Künstliche Harmoniken: In der letzten Vorlesung lernten wir etwas über Obertöne und die harmonischen Siri und wie man Obertöne auf gebeugten Streichinstrumenten erzeugt . Wir haben gesehen, dass der Saitenspieler mit natürlichen Oberschwingungen auf die harmonische Reihe jeder offenen Stärke beschränkt ist. Aber wenn man künstliche Oberschwingungen verwendet, kann man auch viele andere Tonhöhen als Oberschwingungen spielen. Wie ist das möglich? Durch das vollständige Stoppen der Saite mit einem Finger erzeugt der Spieler eine neue Saitenlänge. Dieser neue Link. Die Saite wird zur Grundtonhöhe und hat eine völlig andere Harmonische. Siri mit einem anderen Finger, der Ercan ausführen, berühren leicht die Saite an verschiedenen Punkten, um Harmonix aus diesem neuen harmonischen Siri zu schaffen. Der einzige Nachteil dieser Methode ist, dass sie dadurch begrenzt ist, wie weit ein Spieler mit seinen Finger dehnen kann . Die gebräuchlichste und praktischste Art, künstliche Oberschwingungen zu spielen, ist mit der Berührung. Vierte Methode in dieser Methode des Spielers wird die Stärke eines Fingers zu stoppen und dann leicht die Tonhöhe des vierten darüber mit einem anderen Finger berühren. Dies erzeugt eine harmonische zwei Oktaven oberhalb der Stocknote. Berühren Sie vierte Harmonien, Luft notiert mit einem normalen Notenkopf und einer Rautenform Note. hatte 1/4 oben in diesem Diagramm. Die untere Note ist die Fingernote, die die Saite vollständig stoppt, und die Diamantformnote ist die Tonhöhe, die mit einem anderen Finger leicht gedrückt wird. Das Ergebnis ist das Meer harmonische, zwei Oktaven über dem Meer, die gefingert wurde. Künstliche Oberwellen haben die gleiche flötenähnliche Qualität wie natürliche Oberschwingungen, aber mit einem subtilen Unterschied. Künstliche Oberwellen sind nicht so voll klingend, da sie eher auf Stoppsaiten als auf offenen Streichern gespielt werden. Künstliche Bemerkungen haben einen Vorteil gegenüber nationalen Oberschwingungen. Natürliche Oberwellen sind nur beim Spielen einzelner Tonhöhen nützlich, da es auf die harmonische Reihe der offenen Saiten beschränkt ist. Wenn Sie also eine Phrase mit Harmonischen spielen möchten, möchten Sie stattdessen künstliche Oberschwingungen verwenden. Obwohl die Touch-vierte Methode der Herstellung von künstlichen Oberschwingungen ist die häufigste und praktischste, gibt es ein paar andere ähnliche Methoden, um eine harmonische zu erzeugen, die in der fünften über dem Zeug aktiv ist, um Tonhöhe zu verwenden berühren fünfte Obertöne, um eine harmonische zwei Aktiven und das große Drittel über dem stecken zu Tonhöhe zu erzeugen, verwenden Sie berühren große dritte Oberschwingungen, um eine harmonische zwei Oktaven in der fünften oberhalb der gestoppten Tonhöhe zu erzeugen. Verwenden Sie die Berührung. Kleine dritte Oberschwingungen. Es gibt Grenzen, wie hoch Sie künstliche Oberschwingungen schreiben sollten. Künstliche Oberschwingungen, die höher sind als die in diesem Diagramm aufgeführten, erzeugen nicht sehr gut Klang. Violine, Viola, Violoncello , Kontrabass, normale natürliche Harmonische, künstliche Harmonische. 28. Pizzicato: 29. Snap Pizzicato: Snap Pizzicato ist eine Art Pizza Kado, den die Saiten so hart gezupft haben, dass sie wieder schnappt und auf das Griffbrett trifft. Es ist 1/20 Jahrhundert Gerät, und es wird manchmal als Bartek pizzicato bezeichnet, weil er einer der ersten Komponisten war, die es häufig nutzen, um Tate Snap Pizzicato kennen. Das folgende Symbol wird über den Noten Violine, Viola, Violoncello, Kontrabass, Violine, Viola, Violoncello, Kontrabass platziert Viola, Violoncello , Kontrabass, Violine, Viola, Violoncello , . 30. Mehrere Stops: 31. Divisi: 32. Bowed String: 33. Quiz 4: 34. Score und Listening (Sek.4): 35. Schreibaufgaben (Sek.4): 36. Harfe: Die Harfe ist ein Mitglied der Saitenfamilie. Es wird eher gezupft als Boot. Die moderne Harfe, die heute im Orchester verwendet wird, ist als Doppel-Action-Pedalharfe oder Konzertharfe bekannt . Es wurde um 18 20 entwickelt und war das erste Herz, das in allen 12 Tasten spielen konnte, aufgrund seines Doppel-Action-Pedal-Mechanismus , der später in diesem Video erklärt wird. Die Saiten sind typischerweise mit Draht gewickelt, und es ist ungefähr sechs Meter hoch und wiegt fast 80£. Ein Orchester in Standardgröße hat mindestens eine Harfe, aber größere Orchester können bis zu zwei haben. Musik für Harfe ist auf einem großen Stab geschrieben. Normalerweise reißt die Harfenistin rechte Hand die höheren Saiten und den linken Plex. Die unteren Saiten nehmen nicht die rechten Handnoten im oberen Notensystem und die linken Handnoten in der unteren Basislinie ändern die Tücher nach Bedarf. zum Beispiel Wennzum Beispielbeide Hände das höhere Register spielten, müssen beide Steffes möglicherweise eine schwierige Klippe haben oder wenn beide Hände im unteren Register spielten . Beide Staffs müssen möglicherweise einen Bassschlüssel haben. Das Herz ist ein nicht transponierendes Instrument. Es klingt wie geschrieben, verwenden Sie Oktavzeichen, wenn nötig, um zu viele Buchlinien zu vermeiden. Das Herz hat 47 Saiten, jeweils auf einen anderen Buchstaben des musikalischen Alphabets abgestimmt sind, beginnend mit C und endend mit G. Mit so vielen Saiten wäre es schwierig für Harfenisten zu schnell bestimmte Tonhöhen zu lokalisieren und zu platzieren Bezugspunkt. Und so bestimmte Saiten Luft gefärbt auf einer modernen Konzertharfe alle Seestreicher oder Code rot. Nun, alle G-Saiten oder blau gefärbt. Einige Harfen haben die S-Saiten blau oder schwarz statt der G-Saiten blau gefärbt. Es gibt sieben Pedale, die die Tonhöhe einer Saite in Halbschritten erhöhen oder senken können. Jedes Blütenblatt steuert alle Strings desselben Buchstabens. Zum Beispiel steuert das Pedal alle Saiten des Herzens. Jedes Blütenblatt hat drei Positionen. Die Pedale rasten ein und müssen nicht mit dem Fuß fixiert werden. Wenn die E Pedale in der oberen Position, alle östlichen Ringe auf dem Herzen klingen ist e flach Wenn das Pedal in der mittleren Position ist . Alle Ost-Ringe im Harpal-Sound sind natürlich. Wenn das Pedal in der niedrigsten Position ist, werden alle östlichen Ringe auf dem Herzen klingen ist die scharfe. Drei der Pedale waren auf der linken Seite des Instruments und gesteuert mit dem linken Fuß für die Pedale waren auf der rechten Seite des Instruments und sie mit dem rechten Fuß gesteuert. Die Pedale, in der Reihenfolge von links nach rechts, sind D C B E F g A. Das übliche pneumonische Gerät zur Erinnerung an die Pedalreihenfolge ist, Hat Columbus genug Nahrung nach Amerika gebracht? Der Grund, warum Komponisten Orchestratoren sich an die Reihenfolge der Pedale erinnern müssen, ist, weil sie Tate am Anfang der Partitur kennen müssen, die Positionen jedes Pedals. Sie müssen auch Tate in der Partitur kennen. Jedes Mal der Pedalposition hat sich geändert. Es ist wichtig sich daran zu erinnern, dass nur ein Pedal mit einem Fuß nach dem anderen gedrückt werden konnte. Die Harpers zum Beispiel konnten nicht gleichzeitig Änderungen an den DNC-Pedalen vornehmen, da der linke Fuß beide steuert, muss der Komponist Orchestrator genug Zeit in der Musik für die Ernte des ersten drücken, ein Pedal und dann das andere. jedoch Wenn sich die Pedalejedochauf gegenüberliegenden Seiten des Herzens befinden, kann die Ernte zwei Pedale gleichzeitig drücken. Zum Beispiel könnten die DND Pedale gleichzeitig den tiefen Kerl mit dem linken Fuß auf das Pedal mit dem rechten Fuß gedrückt werden. Die zwei gebräuchlichsten Möglichkeiten, Tate Pedalpositionen zu kennen, sind mit Buchstaben oder mit einem Graph. Obwohl einige Harfenistin eine Methode gegenüber der anderen bevorzugen, sind beide allgemein anerkannte Praktiken. Wenn die Buchstaben verwendet werden, die Startpedalpositionen am Anfang der Partitur über dem Harfenstab notiert . Die folgenden Pedalpositionen zum Beispiel geben Ihnen zum Beispiel die Tonhöhen der Hauptskala. Der Schrägstrich bezeichnet die Trennung des linken und rechten Pedals. Wenn sich ein Pedal ändert, um andere zufällige Zor ändern Tasten zu spielen, sollte es in der Partitur notiert werden. Stellen Sie sicher, dass Sie der Ernte genügend Zeit geben, um die Pedale zu wechseln. Es besteht keine Notwendigkeit, alle sieben Pedalpositionen jedes Mal neu zu schreiben, wenn ein Pedalwechsel stattfindet. Schreiben Sie einfach die neuen Pedalpositionen für die Pedale, die geändert werden müssen. Zum Beispiel, wenn F scharf in C scharf müssen zu Staatsangehörigen geändert werden. Sie platzieren das Folgende ein wenig vor dem Pedalwechsel in der Partitur. Die andere Möglichkeit, Bandpedalpositionen zu kennen, ist mit dem Diagramm. Die große vertikale Linie in der Mitte stellt die Teilung zwischen den linken oder rechten Pedalen dar. Linien über dem horizontalen Liegen stellen die Pedale auf der oberen Position dar. Die flachen Linien unterhalb der horizontalen Linie stellen die Blütenblätter der niedrigsten Position dar. Die Scharfe und Linien, die von der horizontalen Linie halbiert werden, stellen Pedale in der Mitte der Position dar. Das Natürliche. Dieser Graph mit daher stellt D. C scharf, sei er flach F g vorne, eine flache. Hier ist der Bereich des Hafens, der auf dem Personal und auf der Tastatur mit wissenschaftlicher Pitch-Imitation gezeigt wird . B Null ist eine C flache für Herzmusik notiert. Da die niedrigste Saite ein C ist, ist es wichtig, sich daran zu erinnern, dass die niedrigsten C- und D-Saiten nicht von den Pedalen betroffen sind und die meisten zwischen manuell vor einer Performance auf einigen Harfen. Auch die höchste G-Saite wird vom Pedal nicht beeinflusst. Die untersten beiden Aktiven haben einen vollen Klang, sind aber eher dunkel und qualitativ hochwertig. Diese Bilder haben eine sehr lange Resonanzzeit von bis zu sechs Sekunden. diesem Grund sollten Sie vermeiden, schnelle Akkordänderungen im untersten Register zu schreiben. Andernfalls wird der Klang eines Akkord immer noch resonieren. Nun, das nächste Gericht hat gespielt. Spieler werden die Saiten natürlich mit ihren Händen dämpfen, um die Residenz zu stoppen, wenn nötig, aber Sie müssen immer genug Zeit geben, um dies zu tun. Die mittleren beiden Oktaven haben einen helleren, aber wärmeren Klang. Tonhöhen werden für bis zu drei Sekunden resonieren, und diese Aktiven meisten der melodischen Schrift für unsere findet in diesem Register als das, was war Akkorde, Arpeggios, Single Sandoz, die höchsten zwei plus Oktaven des Herzens werden immer brillanter. Je höher du gehst. Auch die Resonanzlänge wird von etwa einer Sekunde auf etwa eine halbe Sekunde kürzer und kürzer . Oh oh oh oh oh! Die Harfe ist eines der leisesten Instrumente des Orchesters. Es wird nicht gehört und laute Passagen oder Passagen, wo das gesamte Orchester spielt. Wenn Sie möchten, dass das Herz gehört wird, stellen Sie sicher, dass die Orchestrierung dünner ist, dass die anderen Instrumente, die unseren Markt spielen, ein dynamisches Niveau erworben haben. In den nächsten Videos werden wir uns die Spieltechniken ansehen, die auf der Harfe möglich waren, zusammen mit Audiobeispielen 37. Quiz 5: 38. Harp: Schnüre Luft möglich auf das Herz, muss aber auf vier Nächte pro Hand begrenzt werden. Dies ist aufgrund der Tatsache, dass die Ernte nicht mit dem fünften Finger spielt. Sie müssen eine Halterung vor der Schnur platzieren, wenn Sie möchten. Das Gericht spielte als Blockakkord, wobei alle Noten gleichzeitig klingen. Die Ernte wird in der Regel alle Schnüre spielen, die leicht von unten nach oben geschätzt werden. Wenn es keine Klammer neben dem Gericht gibt, legen Sie eine Wellenlinie vor das Gericht. Wenn Sie eine langsamere, ausdrucksstärkere AARP als Sie für Änderungen in Richtung ihrer Precio an einer Pfeilspitze bis zum Ende der Wellenlinie wollen, würde die Ernte diesen Akkord von oben nach unten spielen. Sehr große Schnüre möglich, da eine einzelne Hand kann leicht Akkorde spielen 1/10 Spannweite. Hier ist ein Diagramm, das die durchschnittliche maximale Dehnung für jedes Paar Finger zeigt. Positives Video, um das Diagramm zu studieren oder eine Kopie unter der Ressource herunterzuladen, ist für diesen Vortrag . Oh, oh, 39. Harfe Glissando: Cassano wird leicht am Herzen durchgeführt, indem man die Finger über die Saiten strummt. Achten Sie darauf, Tate die Anfangs- und Endtöne, das Glas Sando liegend und die Pedalstimmen kennen. Die Harfe ist eines der einzigen Instrumente, das Lisandro auf mehr als einer Tonhöhe gleichzeitig kleben kann. Hier ist ein Beispiel für eine drei Noten Lisandro. Aufgrund der Pedalstimmungen alle B, E und A flach sein. In dieser Nähe konnte Sando Cassano in beiden Händen gleichzeitig aufgeführt werden, diese könnten in die gleiche Richtung oder entgegengesetzte Richtungen sein. 40. Harp: es gibt zwei Möglichkeiten der Ernte durchführen kann. Eine Trail-Show könnte mit zwei Finger auf einer Hand durchgeführt werden, oder sie könnte mit einem Finger auf jeder Hand gespielt werden. Das Spielen der Schwierigkeiten mit zwei Händen ist viel einfacher und ermöglicht viel schnellere Trills. Der einzige Vorteil, einen Trail für eine Hand zu schreiben ist, dass Sie in der Lage sind, zwei Trails gleichzeitig zu schreiben . 41. Harfe Tremolos: ein Tremolo mit einer einzigen, schnell wiederholten Tonhöhe kann mit zwei Finger einer Hand gespielt werden. Dies ist nicht die beste Option, da es nicht sehr schnell gemacht werden kann. Eine zweite Möglichkeit besteht darin, die gleiche Schnur mit abwechselnden Händen zu pflücken. Dies erzeugt einen schnelleren Tremolo, aber es ist schwer, gleichmäßig zu spielen. 1/3 Option, die Harfenist gerne verwenden, ist es, zwei Saiten auf die gleiche Tonhöhe zu stimmen und jede Saite mit einer anderen Hand zupfen . Ein Beispiel wäre die Einstellung der C-Zeichenfolge, um scharf auf der D-Zeichenfolge auf D Flat zu sehen. Tun Dinge auf diese Weise macht es ein wenig einfacher für die Harfenistin angewendet Tremolo sehr schnell und gleichmäßiger. Ein Tremolo mit mehr als einer Seillänge, ähnlich einem Finger Tremolo auf einem Boot. Saiteninstrument hat auch gespielt, mit zwei Händen bis zu vier Noten oder möglich auf jeder Hand. Denken Sie daran, dass je größer die Anzahl der Stellplätze das Herz des Tremolo sein wird. Für den Darsteller und dieses Beispiel würde die Ernte schnell zwischen den beiden Noten in der linken Hand und den beiden Noten in der rechten Hand wechseln . Für insgesamt zwei Beats 42. Harp: Die Harfe ist, wie alle Saiteninstrumente, wie alle Saiteninstrumente,in der Lage, natürliche Obertöne zu erzeugen. Herp-Oberwellen sind noch leiser als die Harfen, schon sanfter Ton, so dass ungleichmäßige, dünnere Orchestrierung als üblich erforderlich wäre, wenn man sie überhaupt hören möchte. Sind Oberschwingungen Luft mit einem kleinen Kreis notiert? Abovenet. Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass sie eine Oktave höher als das Raster in der Tonhöhe klingen. Dies unterscheidet sich von der Notation natürlicher Oberschwingungen für gebeugte Streichinstrumente, die in der Tonhöhe notiert wurden, die Sie als Harmonische klingen möchten. Der einfachste Bereich für die Herstellung von Oberschwingungen ist zwischen G zwei, und sie sind fünf. Rechtshänder und Oberschwingungen der linken Hand werden auf etwas unterschiedliche Weise produziert. Dies ist aufgrund, wie die Hände oder positioniert, wenn das Herz spielen, um eine harmonische mit der rechten Hand zu produzieren . Der Harfenist berührt die Mitte der Saite mit der Stelle des Zeigefingers und reißt dann die Saite mit dem Daumen. konnte nur eine Harmonische mit der rechten Hand gespielt werden, um eine Harmonische mit der linken Hand zu erzeugen . Der Harfenist berührt die Mitte der Saite mit der Handfläche der linken Hand und dann Plexusstrahl mit dem Daumen und anderen Finger. Je nach Anzahl der Oberschwingungen konnten bis zu drei Oberschwingungen gleichzeitig mit der linken Hand im Intervall von 1/6 gespielt werden . Es gibt einige Dinge, die man sich merken muss, wenn man Harper's bittet, gleichzeitige Oberschwingungen zu spielen. Geben Sie den Spielern viel Zeit, um ihre Hände zu positionieren. Mit anderen Worten, schreiben Sie nicht einen Haufen Gedankenakkorde in einem schnellen Tempo. Gespielt wird Oberschwingungen. Oh, Harmonic sollte Pedale in der gleichen Position haben. Der Grund dafür ist, dass sich die Mitte einer Saite leicht ändert, wenn ein Pedal gedrückt wird . Zum Beispiel, wenn ein Pedal in der oberen Position ist und ein anderes in der unteren Position ist, werden die Zentren der Saiten weiter voneinander getrennt sein, und dies wird es für den Harfenist schwieriger. Positionieren Sie ihre Hände so, dass sie die Mitte jeder Saite berührt. Kleinere Intervalle oder einfacher. Es ist am besten, mit Intervallen unter 1/5 Profi-Spieler in der Lage zu spielen, um Noten Harmonischen bis zu 1/7 und drei Noten Harmonischen bis 1/6 hier ist komfortable Reichweite für gleichzeitige linke Hand Harmonischen. Wenn Sie schreiben, werden für jede Note mehrere Oberwellen des Kreises benötigt, ein einzelner Kreis über einem Gericht oder Intervall zeigt an, dass nur die Kopfnote als Harmonische gespielt werden soll , während die anderen Tonhöhen gespielt werden sollen ist ein normaler Krüge. In diesem Beispiel wird nur das Meer als harmonische gespielt. Hier sind einige Dinge, die man sich merken muss, wenn man Oberschwingungen mit normalen Tonhöhen kombiniert. Die rechte Hand ist in der Lage, gleichzeitig normale Noten und eine harmonische Note bis 1/5 zu spielen . Die höchste Note ist immer die Harmonische. Linke Hand ist in der Lage, gleichzeitig drei normale Nüsse und eine harmonische Note bis 1/10 zu spielen . Das Gericht wird gerollt werden, und die höchste Note ist immer die harmonische Sie normale harmonische. 43. Harp: 44. Quiz 6: 45. Score und Listening (sec.6): 46. Schreibaufgaben (Sek.6): 47. Holzbau- und Soundproduktion: 48. Umsetzen: 49. Quiz 7: 50. Flöte: die Flöte ist der Sopran der Holzbläser-Sektion des Orchesters. Es ist ein Trans-Vers gewinnen würde, was bedeutet, dass es horizontal statt vertikal gespielt wird. Wie die meisten anderen. Moderne Flöten Luft typischerweise aus Metall und würde Konstruktion wird selten verwendet. Die Flöte ist ein Relis-Holzblasinstrument, und der Klang wird erzeugt, indem Luft über einen Hinterhalt bläst. Deine ganzen Flötenspieler verwenden mehr Luft als Holzbläser mit Lesevorgängen, da ein Großteil der Luft nicht direkt in das Loch eindringt, verschwendet wird. Seien Sie sich dessen bei Ihren Orchestrierungen bewusst und geben Sie den Flötenspielern mehr Platz zum Atmen. Ein Orchester hat typischerweise zwei Flöten, obwohl größere Orchester bis zu drei haben können. Musik für Flöte ist in Schwierigkeiten geschrieben, Clough und Sounds wie geschrieben. Es handelt sich um ein nicht transponierendes Instrument. Die meisten professionellen Flöten haben, was man als B Fuß bezeichnet. Das bedeutet, dass der Schlauch ein längeres Fußgelenk hat, und es gibt einen zusätzlichen Schlüssel, so dass B drei möglich ist. Die praktischen Bereiche bis zu sehen sieben, obwohl D sieben möglich ist, werden Tonhöhen über einer sechs härter und härter sollte produzieren, und Nicht-Profis haben in der Regel Probleme mit der höchsten und niedrigsten vierten Ah ah ah! Hier ist ein Diagramm, das die allgemeinen Registereigenschaften einer Flöte zeigt. Das folgende Diagramm zeigt die lauteste und leiseste, die das Instrument überall in seiner Reichweite spielen kann . Komponisten markieren ihre Partituren oft so, als ob jedes Instrument eine beliebige Dynamik in jedem Bereich spielen kann. In Wirklichkeit, wenn Sie markieren Alosi auf einer Flöte als Triple F, Sie beginnen nur Mezzo Forte. Obwohl der Darsteller in einer Anstrengung setzen wird, die Triple F entspricht. Wenn Sie ein hohes A als Triple P markieren, haben Sie nur Klavier begonnen. Obwohl der Darsteller wird in einer Anstrengung setzen, die Triple P entspricht, die folgenden Grenzen basieren auf einem Mittelweg mit durchschnittlicher Akustik ist wichtig zu beachten , dass die Linien zwischen der Dynamik und dem Diagramm stellt eine allmähliche Änderung in Fähigkeiten, nicht eine plötzliche Änderung. Wie Sie aus dem Diagramm sehen können, können Sie nicht so viel Volumen der Lebensmittel niedrigsten Oktave zu bekommen. Eine dünnere Orchestrierung ist erforderlich, wenn Sie möchten, dass sie gehört wird. Wenn Sie sich im Register höher bewegen, wird es schwieriger und schwieriger, mit einer leisen Lautstärke zu spielen 51. Piccolo: Der Piccolo ist das höchste Mitglied der Grippefamilie und erweitert den Bereich der Flöte um eine Oktave höher. Wie die Flöte, war das Piccolo, ein Trans-Vers würde Lese Lis gewinnen und aus Metall gebaut. Ein Orchester hat in der Regel nur einen Piccolo Spieler. Dieser Spieler ist manchmal einer der Flötenspieler, die auf Piccolo verdoppelt wird benötigt. Sehr selten. Orchestrierung nicht zwei Gurken? Der Piccolo ist eines der Instrumente, die Athey aktiv transponiert. Dies ist kein echtes Transponierinstrument, da es nicht in einer anderen Tonart als geschrieben klingt. Es klingt einfach von höher als geschrieben, um übermäßige Buchlinien zu vermeiden. Musik für Piccolo ist in Schwierigkeiten geschrieben. Cliff hier ist ein Diagramm, das den schriftlichen Bereich des Piccolo und den Klangbereich des Piccolo illustriert. Äh, der Piccolo ähnelt der Flöte in Registereigenschaften, außer dass das niedrigste Register eher hohl klingend als üppig ist. Eine dünnere Orchestrierung ist erforderlich, um das Piccolo in seiner untersten Oktave zu hören. Wenn Sie sich im Register höher bewegen, wird es schwieriger und schwieriger, mit einer leisen Lautstärke zu spielen 52. Oboe: die Oboe ist einer der doppelten Schilf Holzbläser. Ein Oboenspieler macht normalerweise seine eigenen Lesevorgänge und verbringt jeden Monat unzählige Stunden. Bei dieser Aufgabe. Die Oboe benötigt weniger Luft als die Flöte oder Klarinette, und deshalb, oh, Spieler, Spieler, vor allem Profis, sind in der Lage, sehr lange zu erhalten. Notizen. Oboen Luft, typischerweise aus Holz, aber manchmal aus synthetischen Materialien hergestellt. Ein Orchester hat typischerweise zwei OBO-Spieler. Die größeren Orchester können bis zu drei haben. Einer der Oboenspieler verdoppelt sich oft auf Englischhorn. Musik für Oboe ist in Schwierigkeiten geschrieben. Clough und klingt wie Ricin. Es handelt sich um ein nicht transponierendes Instrument. Hier ist der Bereich der Oboe. Es sollte angemerkt werden, dass eine Sechs möglich ist, aber auch für Profis sehr schwierig ist. Ah, die OBU ist sehr das Gegenteil der Flöte in Bezug auf die Eigenschaften ihres Registers, während die höheren Tonhöhen der Flöte oder Brighton intensiv, je höher Sie auf dem Obo gehen, desto dünner der Klang. Die Oboe ist ein großartiges Soloinstrument, weil sie einzigartig ist. Nasale Qualität schneidet die anderen Klänge durch und verschmilzt nicht mit den anderen Instrumenten sowie den anderen Holzbläsern. Dio. Nun, es ist sehr einfach, ruhig im unteren Register der Flöte zu spielen. Es ist schwieriger, ruhig im unteren Register der Oboe zu spielen. 53. Englisch Horn: Das Englischhorn ist ein Mitglied der anderen Familie. Ein Orchester hat typischerweise nur ein englisches Horn. Dieser Spieler ist manchmal einer der Oboe-Spieler, die auf Englisch Horn verdoppelt wird benötigt. Die Konstruktion des Englischhorns ist ähnlich wie Vata Diogo, aber es ist größer und erweitert daher den Bereich der Oboe nach unten. Musik für Englischhorn ist in Schwierigkeiten geschrieben. Clough. Es ist ein transponierendes Instrument, das 1/5 niedriger klingt als hier geschrieben, Cem Diagramme zeigen den schriftlichen und klingenden Bereich des Englischhorns. Ah ah, wie die Oboe, das Englische Horn fühlt sich dünner in seinem oberen Register, so sehr, dass es schwierig wird, die beiden Instrumente zu unterscheiden. Komponisten und Orchestratoren sollten daher das obere Register beim Schreiben für Englischhorn vermeiden und stattdessen langsamere Register ausgenutzt werden. Die niedrigste Sechste ist sehr Sana rece mit viel Tragleistung. Die sich ändernden dynamischen Fähigkeiten in seinem gesamten Bereich ähneln denen der Oboe 54. Klarinette: die klarinette ist ein einzelnes stimmzunge instrument. Anders als die Oboe, die aus dem Instrument herausragen, ist das Klarinettenblatt am Mundstück befestigt. Klarinetten sind in der Regel aus Holz, aber manchmal aus Metall, Kunststoff, Kunststoff, Hartgummi und sogar Elfenbein. Sie transponieren Instrumente, und jedes Mitglied der Klarinettenfamilie hat eine andere Transposition. Das moderne Orchester verwendet sowohl die flache B-Klarinette als auch eine Klarinette. Ursprünglich wurde die B-Klarinette hauptsächlich für Stücke verwendet, die in flachen Tasten geschrieben wurden, während die A-Klarinette hauptsächlich für Stücke verwendet wurde, die in Sharkeys moderner B-Wohnung geschrieben wurden. Klarinetten sind sehr fähig, in jeder Tonart zu spielen, und eine Mehrheit der heutigen Komponisten schreibt für B-Flachklarinette. Unabhängig vom Schlüssel des Friedens. Alle Klarinetten verwendeten das gleiche Griffsystem, was es dem Interpreten ermöglicht, jedes Autonetz zu spielen. In der Klarinettenfamilie hat ein Orchester typischerweise zwei Klarinetten. Größere Orchester können bis zu drei Spieler verwenden, mit 1 bis 2, Verdoppelung als Bassklarinettenspieler und oder ein E-flacher Klarinettenspieler, wo andere Klarinette Musik für Klarinette benötigt hat, hat in Schwierigkeiten Cliff geschrieben. Wie bereits erwähnt, ist die Klarinette ein transponierendes Instrument auf einer B-Klarinette. Ein Schriftstück wird auf einer Klarinette als B-Dur Sekunde tiefer klingen. Ein schriftliches Bild wird auf einer E-Klarinette als ein kleines Drittel tiefer klingen. Ein schriftlicher Blick wird wie jede Wohnung klingen. Ein kleiner, dritter höherer Ton. Jedes Mitglied der Klarinettenfamilie hat den gleichen Schriftbereich mit Ausnahme der Basis. Klärung des hier angegebenen Klangbereichs ist der der der B-Klarinette. Es ist hilfreich, sich daran zu erinnern, dass die B-Klarinette vier Ledger Linien unter und über dem Notensystem spielen könnte . Ah, äh, hier die Registereigenschaften der B-Flachklarinette. Aufgrund ihrer hervorragenden dynamischen Kontrolle sind Klarinetten die einzigen Holzblasinstrumente, die ein echtes dreifaches P. 55. Bass: Ein weiteres Mitglied der Klarinettenfamilie ist die Bassklarinette. Das Instrument ist typischerweise aus Holz gefertigt und sieht ein bisschen wie ein Saxophon aus. Ein Orchester hat in der Regel nur eine Bassklarinette. Dieser Spieler ist manchmal einer der Klarinettenspieler, die bei Bedarf auf der Bassklarinette verdoppelt . Musik für Bassklarinette ist in Schwierigkeiten Cliff geschrieben. Es ist ein transponierendes Instrument und klingt eine große Neunte niedriger als geschrieben. Am häufigsten und nicht ratsam, ist es, in Basis Clough und Transpose zu schreiben, eine große Sekunde niedriger. Hier ist der schriftliche und klingende Bereich der Bassklarinette klingende Tonhöhen bis zu fünf oder möglich, aber schwer zu produzieren. Außerdem verfügen die meisten modernen Instrumente über vier zusätzliche Tasten, die das Spielen bis zu B flach machen. Ein mögliches Ach ah ah! Das Register Eigenschaften der Bassklarinette sind ähnlich denen der Klarinette. Die dynamischen Fähigkeiten der Bassklarinette ähneln auch denen der Klarinette 56. Fäulnis: Wie die Oboe. Das Fagott ist ein Doppelrohrinstrument. Der ABS-Schlauch ist bald etwas mehr als 8 Fuß lang, was dieses Instrument viel schwerer macht als die Flöte, Oboe oder Klarinette. diesem Grund, Aber Souness, die oft einen Schultergurt verwenden, helfen, das Gewicht des Fagott zu unterstützen. Ein Orchester hat typischerweise zwei Fagotte, obwohl größere Orchester bis zu drei haben können. Musik für Fagott ist in Grundgewebe geschrieben. Tenorschlüssel wird nur verwendet, um mehr als drei oder vier Buchpositionen zu vermeiden. Trouble Clough wird mit mehr und mehr Frequenz in modernen Partituren anstelle des Tenorschlüssel verwendet , und so ist dies jetzt auch akzeptabel. Es ist ein nicht transponierendes Instrument und klingt wie geschrieben. Ah uh ah, hier sind die Registereigenschaften des Fagott. Es ist wichtig zu beachten, dass der Klang des Fagotts tendenziell sehr gut mit anderen Instrumenten harmoniert und oft durch den Klang anderer Instrumente verdeckt wird, besonders in seinem höheren Register. Das niedrigste Fünftel und das höchste Fünftel sind beide schwieriger zu kontrollieren. Bitten Sie nicht, Pianissimo im niedrigsten Fünftel zu spielen 57. Contrabassoon: Ein weiteres Mitglied der Fagottenfamilie ist das Contra Fagott, auch bekannt als das Doppel wird bald. Die Kontroverse ist bald das niedrigste klingende Holzblasinstrument und erweitert die Reichweite des Fagotts um eine Oktave. Es ist ein doppeltes Stimminstrument, mit Röhren doppelt so lang wie das Fagott, etwa 16 Fuß auf sich selbst geschwungen. Zweimal wird viel Luft benötigt, also achten Sie darauf, den Spielern viel Ruhezeit dazwischen zu geben. Die Kontroverse bald zu schwer für einen Schultergurt allein zu spielen, so dass das Instrument auf einem in Pin ruht, ähnlich wie Cello und Kontrabass. Ein Orchester hat typischerweise nur eine Kontroverse. Bald ist dieser Spieler manchmal einer der Fagott-Spieler, die sich verdoppeln. Die Kontroverse ist bald notwendig. Musik für Kontroverse wird bald in Basis Clough geschrieben und klingt eine Oktave niedriger als Ricin . Äh ah ah ah ah. Obwohl die Kontroverse bald ein paar Tonhöhen höher als die hier angegebene Reichweite spielen kann, ist es nicht zu empfehlen. Die Tonhöhe ist nicht nur schwieriger zu produzieren, sondern das Instrument im höheren Register wird wie eine schwächere Version der Rechnung klingen . Bald, als Komponist und Orchestrator, sollten Sie das untere Register nutzen, vor allem Lois 12. Die niedrigsten Töne haben einen summenden Klang. Es ist wichtig zu beachten, dass die unteren Tonhöhen dazu neigen, etwas träge zu sein und mehr Zeit zum Klingen zu nehmen . diesem Grund sollten Sie vermeiden, schnelle Staccato-Passagen in das untere Register zu schreiben. Abgesehen davon sind die Registereigenschaften und dynamischen Fähigkeiten ungefähr die gleichen wie die des Fagotts. 58. Quiz 8: 59. Score und Listening (Sek.8): 60. Woodwind: librato ist auf allen Holzbläsern möglich und wird verwendet, um die Qualität des Tones zu bereichern, ohne für die Drehung gebracht ist langweilig und Pfund klingend für breite zu produzieren. Oh Spieler ziehen die Luft mit den Lippen und Kiefer, werfen Muskeln, die Bauchmuskeln oder mit einer Kombination von Obst und Bauchmuskeln. Es gibt keine Notwendigkeit, für gebracht in der Partitur, da Frauen Spieler in der Regel mit librato spielen. Die Klarinette ist die einzige Ausnahme. Klassische Klarinettenspieler, um Vibrato nicht zu verwenden, da dies für den Einsatz in Jazzmusik reserviert ist. Wenn Sie einen dumpfen, blassen Klang wünschen , ging ich zu bestimmten Durchgang in der Musik mit Alvarado gespielt werden. Legen Sie die Worte Sinn von Alvarado oder nicht für in der Partitur gebracht. Stellen Sie sicher, dass Sie angeben, wann die Spieler wieder normal für etwa eine Sache, indem con vibrato oder Norman die Punktzahl. Ja, 61. Woodwind: Holzblasspieler sind in der Lage, Tonhöhen durch eine Technik zu artikulieren, die Zunge ing genannt wird. Zunge ist im Grunde das Starten und Stoppen des Luftstroms eines Spielers mit der Zeit. Dies wird in der Regel erreicht, indem ein T-Sound mit der Zeit alle Noten erzeugt werden, die mit einer ausgeprägten getrennten Artikulation gespielt werden . Solch ein Staccato oder Marcano werden von Zunge gespielt, jeweils einzelne Noten. Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass, wenn eine Passage keine spezifische Artikulation anzeigt , der Spieler auch jede einzelne Note zungen. Zunge wird ein bisschen anders verwendet, und der Gott der Passagen, wenn Böcke Luft notiert nur die erste Seillänge innerhalb jeder Böcke mal . In diesem Beispiel wird der Luftstrom kurz gestoppt. Zu der Zeit alle drei Noten. Es gibt drei grundlegende Arten von Timing. Einzelgespräch, Doppel-Timing und Dreifach-Timing. Einzelne Zunge ist leicht auf allen Holzbläsern ausgeführt. Dies wird erreicht, indem der Tee klingt, wie bereits erwähnt, um eine sehr schnelle Prozession von Tonhöhen zu erzeugen. Doppelte Zeit. Diese verwendet Dies wird durch schnelle Wechsel zwischen A T und im Fall Ton getan. Triple Tony wird verwendet, wenn Drillinge Double und Triple Tunney in der Regel auf Relis-Instrumenten wie Flöte und Piccolo durchgeführt werden. Obwohl Doppel- und Dreifachbindung von einigen Performern auf Oboe, Klarinette und Fagott möglich ist, werden sie selten verwendet, weil die Artikulation durch das Lesen uh behindert wird. 62. Woodwind Zunge: flatternde Zunge ist im Grunde die Holzblasversion eines gebogenen Tremolo für Streichinstrumente . Diese Technik wird durch Rollen und unsere beim Blasen von Luft in die Instrumente erreicht. Durch das Rollen in unserer Zunge erzeugt die Zunge schnelle Pulsationen von Luft, was zu einem Flattern der Tonhöhe führt. Es ist auch möglich, einen flatternden Zungeneffekt mit einem guttural in den Hals gerollt zu erzeugen . Flattern Zunge ist auf allen Woodman's möglich, aber es ist schwieriger, auf doppelten Stimminstrumenten wie Oboen und Fagotten zu spielen. Die Schreibweise für flatternde Zunge ist die gleiche wie die Notation für ein gebeugtes Tremolo auf dem Saiteninstrument. Platzieren Sie drei Schrägstriche durch den Stamm der Note oder, im Falle von auf den drei Schrägstrichen, über oder unter der Note platziert. Eine andere Möglichkeit, Tate Flattern Zeit einfach durch die Platzierung der Wörter Flattern Zeit, wo die Abkürzung für weitere Zeit über den Noten und Partitur wissen . Wenn Sie diese Option wählen, sollten Sie Tate Order oder Norm kennen, wenn Sie möchten, dass der Spieler aufhören, Vaterzeitflöte , Oboe , Klarinette zu verwenden , Oboe , , . Aber bald 63. Holzblasinstrumente: wählte Luft spielbar auf allen Holzblasinstrumenten für eine vollständige Diskussion über Trails und Trumpfnotation, siehe die Vorlesungs-Trills unter der Rubrik Spieltechniken für beide Streichinstrumente . Hier sind einige sichere Richtlinien zu folgen beim Schreiben Trolle für Holz gewinnt, die Tonhöhe ist angegeben beziehen sich auf die niedrigste Note des Trails. Shows sind gut geeignet für die Flöte und sind sehr häufig Halbschritt. Ganze Step-Trails zwischen D vier und B sechs können leicht gespielt werden. Vermeiden Sie Muscheln, die irgendwelche Tonhöhen darunter beinhalten. Defour. Der Piccolo kann leicht einen halben Schritt spielen. Whole Step zeigt bis zu sieben auf dem obo Halbschritt. Ganze Stufe schüttelt von B flach drei. T six kann leicht gespielt werden, obwohl Sie Shows von B Flat 32 D vier vermeiden sollten. Da diese Luft etwas träge ist, kann das Englischhorn von den klingenden Tonhöhen E drei bis G fünf auf der Klarinette Halbschritt in Hufeisenschalen spielen . Ganze Stufentrills aus geschriebenen Tonhöhen E drei bis F sechs können leicht gespielt werden. Bassklarinette kann alle Halb Steppin hält es überall in seinem Bereich Trills oder nicht so leicht auf der per bald durchgeführt spielen . Im Vergleich zu den anderen Holzblasinstrumenten ist die beste Trail-Reihe G zwei zu vier. Vermeiden Sie Schalen im niedrigsten Fünftel und Schalen über C fünf. Schüttelfrost sind möglich, aber nicht auf dem Contra Fagott empfohlen, weil der Klang so träge ist . Flöte, ja, Oboe kennt keine Klarinette, aber bald weiß ich es. 64. Woodwind Tremolos: während Flattern Zunge ist das Äquivalent von verbeugten Tremolo für Saiten gewinnen würde. A würde Tremolo gewinnen, ist das Äquivalent eines Fingers Ärger ihrer Saiten. Kein Taito würde Tremolo auf die gleiche Weise gewinnen, wie Sie Tate Finger Tremolo auf einem Boot Saiteninstrument kennen würden . Denken Sie daran, eine Slur beizufügen, um anzuzeigen, dass der Tremolo gespielt werden soll, ohne den Luftstrom mit der Zunge auf jeder Note zu stoppen . Hier sind einige Richtlinien und Schreiben Zittern schuldet für Holz gewinnt. Die Tonhöhe ist angegeben beziehen sich auf die niedrigste Steigung des Tremolo. Obwohl Probleme sind leicht, die Flöte zu spielen, sollten Sie vermeiden, Scheinlasten in beiden Extremen des Bereichs zu schreiben. Diese Betrachtung des Platzes, um Piccolo auch nicht schreiben. Trumbull ist größer als 1/5 in der niedrigsten Auktion im oberen Bereich. Trim Tiefs von 1/4 sind möglich ist weit als fünf, und einige Tiefs eines großen Drittels sind möglich. Als faras, Sie flachen sechs schreiben nicht einen Tremolo größer als 1/5 irgendwo im Rba-Bereich. Trimble ist über dem Notensystem sind ziemlich schwierig für die Spieler, und je größer das Intervall, desto langsamer ist das Zittern in der Lage, gespielt werden. Die gleichen Überlegungen gelten für das Englischhorn als auch für Klarinette, alle Tremmels Luft möglich, obwohl die über dem Personal für ein wenig schwieriger tremolo Sa ist eine aktive machbar sind, solange keine Tonhöhen über gehen Meer. Sechs. Shambles für Bassklarinette haben schwierige Fingerringe im unteren Register und schwieriger zu spielen Tremolo Zehr, nicht gut geeignet für das Fagott und sollte nicht größer als ein großes Drittel höchstens vier sein. Ihre beste Verwendung in vier Passagen, so dass das Orchester einen Teil des Klangs bedeckt Gemmill verdankt zwischen C drei und G vier sind für Spieler am einfachsten. Trammells Luft nicht auf die Kontroverse bald geraten, weil der Ton so träge ist. Flöte, Oboe, Klarinette. Aber bald. 65. Woodwind Glissando: Obasanjo ist eine Rutsche von einer Tonhöhe zur anderen, so dass alle Tonhöhen zwischen den beiden Tonhöhen oder mit gebeugten Saiteninstrumenten verletzt werden. Wir haben gelernt, dass dies sehr leicht erreicht wird, indem wir einen Finger entlang der Saite schieben. Aber die Herstellung eines Glassandro auf einem Holzblasinstrument ist aufgrund ihrer Mechanik viel schwieriger , und es gibt einige Einschränkungen. Als Anfang, Komponist und Orchestrator, sollten Sie generell vermeiden, Grisanti für Woodmans zu schreiben. Wenn Sie möchten, rücksichtslos auf die hier sind ein paar Dinge, die Sie beachten sollten. Douglas Oddo erreicht entweder durch Rollen der Finger langsam aufzudecken oder decken die offenen Löcher des Instruments, oder durch Ändern der auf Fisher Gasana durch wechselnde Anker, wird als Lipgloss bezeichnet. Sandra Lipgloss Sando sollte nur für Dias in kleinen Abständen von nicht größer als einem zweiten Ton verwendet werden. Sandy sind am einfachsten auf der Klarinette und aufsteigend in Tonhöhe kein typischer Weihnachtsmann mit einer Wellenlinie oder gerade Linie zwischen den Start- und Endbildern. Die Ableitung Glückseligkeit kann auch verwendet werden. Äh, 66. Woodwind: 67. Woodwind: 68. Quiz 9: 69. Score und Listening (Sek.-9): 70. Schreibaufgaben (Sek.9): 71. Brass und Soundproduktion: 72. Quiz 10: 73. Trompete: der Trumpf. Es ist das am höchsten klingende Blechblasinstrument. Es ist insgesamt. Die Schläuche sind fast fünf Meter. Es könnte mit drei Kolbenventilen gewechselt werden. Die Standardtrompeten des modernen Orchesters sind die Meertrompete und die B flache Trompete die Meertrompete. Es handelt sich um ein nicht transponierendes Instrument, während die B-flache Trompete ein transponierendes Instrument ist. Eine vollständige Diskussion über die Umsetzung finden Sie in der Vorlesung „Transposition“. Im Abschnitt Einleitung zu Woodman's ist es Sache des Komponisten Orchestrators zu wählen, welche Art von Trompeten verwendet werden soll. Die Meertrompete hat einen helleren Klang. Wo ist das B? Flache Trompete hat einen satteren Klang. Es ist sicherer, für die B-Flachtrompete zu schreiben, da sie das gängigere Instrument ist. Und weil die meisten nicht-professionellen Spieler nicht einmal eine C-Trompete besitzen, hat ein Orchester typischerweise drei Trompetenspieler. Die größeren Orchestrierungen können bis zu sechs Spieler erfordern. Musik für Trump, es ist in Schwierigkeiten geschrieben. Clough Die Seetrompete klingt wie in B flache Trompete geschrieben klingt ein ganzes Zeug niedriger als geschrieben. Ein geschriebener See wird ihren ersten Klang als B-flache Orchestermusik für Trump. Es wird ohne Tastensignaturen geschrieben. Alle Sharps und Flats sind direkt in die Partitur geschrieben. Diese Methode der Notation geht auf den Anfang des Orchesterschreibens zurück. Wenn Sie eine Schlüsselsignatur in der Partitur schreiben, werden die Darsteller eine schwierige Zeit haben, ihren Teil zu lesen und können versehentlich die Sharps und Flats verpasst . Da sie nicht daran gewöhnt sind, Musik zu lesen, die mit Schlüsselsignatur für Trompete geschrieben wurde für Bands wie Wind, Militär oder Jazz geschrieben wurde, würde typischerweise mit Schlüsselsignaturen geschrieben werden. Hier ist der Bereich der Meertrompete Ah, hier ist der schriftliche Bereich und der klingende Bereich der B-Flachtrompete. Wie bei allen Brüsteninstrumenten, je höher Sie gehen, desto brillanter wird der Klang. Der höchste Teil des Registers kann leicht durch den Rest des Orchesters geschnitten werden und sollte sparsam verwendet werden, wie oder kulturelle Höhepunkte. Das untere Fünftel ist etwas weniger leistungsstark als der Rest des Bereichs. Im oberen Fünftel ist es schwierig, leise zu spielen. Seien Sie sich bewusst, dass nicht-professionelle Spieler es schwer haben, leise überall im Bereichzu spielen Bereich 74. Horn: Das Horn ist das zweithöchste klingende Blechblasinstrument. Der Schlauch des modernen Horns ist etwa 12 Fuß lang. Drei Drehventile, die mit Lovers betrieben werden, ändern die Länge des Schlauches. Das moderne Horn ist eigentlich ein Doppelhorn, das zwei Hörner in einem Horn und in allen Zehe B flache Horn Komponisten forderten Hornspieler immer höhere und höhere Tonhöhen zu spielen, aber die höheren Partials waren für die Spieler schwieriger zu produzieren auf der F Eins. Anstatt Instrumente zu trennen, wurden diese beiden Hörner zu einem zusammengefasst. 1/4-Hebel, mit der Thung betrieben wird, verwandelt Thea Foreign in ein B flaches Horn durch einen alternativen Satz von Schläuchen. Ein Orchester hat in der Regel vier Hornspieler. Größere Orchestrierungen erfordern aufgrund seiner sehr großen Reichweite möglicherweise bis zu acht Spieler. Musik für Horn ist in beiden Schwierigkeiten geschrieben. Kleiner oder basierter Cloth Change Close wurden benötigt, um zu viele Buchpositionen zu vermeiden. Das Horn ist ein transponierendes Instrument und klingt eine perfekte fünfte Etage als in einigen älteren Partituren geschrieben . Tonhöhe ist in Basis geschrieben, Clough transponiert von perfektem vierten. Dies ist nicht jemals getan heute auf allen Tonhöhen klingen ein perfektes Fünftel niedriger als geschrieben. Egal der Clough, wie bei der Trompete oder Custom Musik für Horn wird ohne Keysänger Truce geschrieben. Alle Sharps und Flats sind direkt in der Partitur geschrieben. Diese Methode der Notation geht auf den Anfang des Orchesterschreibens zurück. Wenn Sie eine Schlüsselsignatur in der Partitur schreiben, werden die Darsteller eine schwierige Zeit haben, ihren Teil zu lesen und können versehentlich die Sharps und Flats verpasst . Da sie nicht daran gewöhnt sind, Musik zu lesen, die mit der Schlüsselsignatur geschrieben wurde für Bands wie Wind, Militär und Jazz geschrieben wurde, wird typischerweise mit Schlüsselsignaturen geschrieben. Äh, äh. Das Horn hat die am wenigsten messingähnliche Qualität aller Blechblasinstrumente, die es oft als Brücke zwischen den Blechbläsern und den Holzbläsern bezeichnet wird. Da er etwas wärmer ist, lässt er sich sehr gut mit Woodman-Instrumenten kombinieren. Obwohl das Horn hat eine große Reichweite, die Noten entweder extrem oder schwer zu produzieren eine komfortable Spielbereich ist C drei bis vier klingende Tonhöhen. Tonhöhen im unteren Register klingen etwas schwach und unfokussiert, vor allem für nicht-professionelle Spieler. Die niedrigste Arktis sollte für die Erhaltung von Teilen und nicht schnell beweglichen Teilen verwendet werden. Wenn Sie einen fokussierteren, kraftvolleren Klang wünschen , lassen Sie diese unteren Tonhöhen für die Posaune, nie direkt im höheren Register für längere Zeiträume. Dies erfordert viel Energie von den Spielern, so stellen Sie sicher, dass sie Plätze, in denen die höchste fünfte ist schwer zu produzieren als Klavier geben . 75. Brennen: die Posaune ist die zweite zu niedrig. Ein klingendes Blechblasinstrument. Es ist das einzige Blechblasinstrument, das keine Gelübde verwendet. Anstelle von Ventilen verwendet es einen Schiebermechanismus, bei dem ein Schlauchstück das zweite Stück des Schlauches , wodurch das Gesamtstück für die Schläuche verkürzt oder erhöht wird. Die Gesamtlänge der Schläuche beträgt etwa 9 Meter. Es gibt insgesamt sieben verschiedene Positionen für die Seite. Jede Position erzeugt eine andere Grundtonhöhe. Die grundlegenden Tonhöhen selbst werden selten in unserer Custom Music verwendet. Aber indem man den Hinterhalt ändert, kann ein Spieler die Tonhöhen in den harmonischen Siri erzeugen, die von den Fundamentaldaten abgeleitet sind . Ein Orchester hat typischerweise drei Posaunenspieler, zwei Tenorposaunen und eine Bassposaune. Größere Orchestrierungen können bis zu sechs Spieler erfordern, von denen 1 bis 2 Posaunenspieler basieren würden. Die Posaune ist ein nicht transponierendes Instrument und klingt wie geschrieben. Musik für Posaune wird in Grundgewebe geschrieben, aber Tenorschlüssel wird nach Bedarf verwendet, um zu viele Buchlinien zu vermeiden. Im Gegensatz zu den Trompeten- und Hornteilen ist der Posaunenteil mit einer Tastenunterschrift geschrieben. Der hier angegebene Bereich ist die praktische Palette der Tenorposaune Profis können etwas höher spielen bis F fünf mit Schwierigkeitsgrad. Viele Tenorposaunen verfügen nun über einen F-Trigger, ein Drehventil, das sofort zusätzliche Schläuche verbindet, um den Bereich nach unten zu verlängern. diesem Grund kann die Tenorposaune oft den gleichen Bereich haben wie die Bassposaune, die auf der nächsten Folie gezeigt wird . Mir wurde gerade klar, dass es nicht ganz sein Bewohner im unteren Register als echte Bassposaune klingen wird. Will ah ah in Ordnung. Ah ah Im Folgenden sind die Registereigenschaften der Tenorposaune. Die Bassposaune klingt ähnlich, aber sie ist niedriger. Register ist voller klingender. Es sind mittlere Register dunkler, und es ist hoch. Registrieren ist schwer zu spielen. Der Bereich der Posaune ist ziemlich homogen und ändert die Eigenschaften nicht so sehr wie einige der Woodman's tun. Wenn Forte gespielt wird, klingt das untere Register bedrohlich. Nun, die mittleren und oberen Register klingen heroisch, wenn Klavier gespielt. Die unteren und mittleren Register klingen geheimnisvoll oder gravierend. Nun, das obere Register klingt voll und brillant. Dynamische Fähigkeiten werden durch Register in der Tenor- oder Bassposaune nicht sehr beeinflusst 76. Tuba: mit fast 18 Fuß Schläuche. Die Tuba ist das am niedrigsten klingende Blechblasinstrument. Es gibt überall von 4 bis 6 Ventile. Die Änderung, die Länge des Schlauches gibt, viele Größen von Tuben. Und basierend auf dem, was ein Frieden verlangt, wählen professionelle Orchesterspieler oft verschiedene Tubas für verschiedene Musikstücke im selben Konzert. Die gebräuchlichsten Tuben sind die F-Tuba und die Meertuba. In den Vereinigten Staaten. Der C two, mit vier Ventilen, wird als eine Art von Allround Instrument verwendet. Aufgrund ihrer Größe benötigt die Knolle mehr Luft, Erde und andere Blechblasinstrumente. Achten Sie darauf, den Spielern viele Ruhezeiten zu geben. Ein Orchester hat in der Regel nur 12, aber größere Orchestrierungen für Spieler können bis zu zwei Spieler erfordern . Die Tuba ist ein nicht transponierendes Instrument und klingt wie geschriebene Musik für Tuba immer in Basis geschrieben wird . Clough ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass die zu einem Teil wie Posaune Teile mit Schlüsselsignaturen geschrieben werden , wo sein Horn und Trompete Teile keine Tastensignaturen verwenden. Ähm, die Noten im unteren Register sind etwas träge und langsamer, um bald wie das untere Register der Kontroverse zu klingen . Daher sollten Sie vermeiden, sehr schnelle Passagen in das untere Register zu schreiben. Das obere Register ist sehr voll klingend in weichen Llegado-Passagen und beginnt etwas der Qualität des Horns zu ähneln . In der Tat klingt die Röhre im Horn sehr ähnlich. Wenn Klavier gespielt und leiser, lauter sie werden, desto weniger klingen sie wie einander. Das untere Register klingt voller und lässt sich auf größeren Tuben leichter spielen. Nun, das obere Register klingt für und ist einfacher zu spielen. Kleinere Röhre ist Dynamik sind nicht sehr durch Register beeinflusst. 77. Quiz 11: 78. Score und Listening (Sek.11): 79. Brass: die Flugzeugtechnik eines breiteren ist auf allen Blechbläsern möglich, sehr wenig für gebracht Es war notwendig und seine hauptsächlich für Solopassagen reserviert. Es gibt keine Notwendigkeit, Teva breiter in der Partitur zu kennen, da die Spieler wissen und selbst entscheiden, wann und wie viel für die Schwerkraft. Wenn Sie möchten, dass eine bestimmte Passage in der Musik ohne Vibrato gespielt wird, legen Sie die Wörter Sinn für Ausland über nicht vibriert mit Partitur. Stellen Sie sicher, dass Sie angeben, wenn die Spieler wieder normal für brutale spielen, indem Sie Botto oder Norman konvertieren. Die Partitur für breitere Blechblasinstrumente könnte auf verschiedene Arten gespielt werden. Lippe für einen breiteren ist wahrscheinlich die häufigste und wird durch Ändern des Hinterhalts getan. Sicher, eine andere Methode des Spiels mit Feuer brachte ich durch sanftes Schütteln Instrument mit den Händen dort durch Variieren des Drucks gegen das Mundstück erreicht wurde . Diese Art von für brachte es hieß Hand Vibrato. Obwohl möglich, ist die am wenigsten gebräuchliche Art, mit für breitere auf einem Blechblasinstrument zu spielen, indem Sie die Bauchmuskeln verwenden , um sich zu ändern. Der Luftstrom ist gekommen mit Holz gewinnt gemacht werden 80. Messing und Flutter: auf Blechblasinstrumenten, alle Noten, die mit einer ausgeprägten getrennten Artikulation gespielt werden. Solch ein Staccato oder Marcano werden gespielt, indem jede einzelne Note gedreht wird, wenn eine Passage keine bestimmte Artikulation anzeigt. Der Spieler wird auch jede einzelne Note in Llegado Passagen nur die erste Seillänge innerhalb jeder Bögen Zunge . Zeit für eine vollständige Diskussion über Drehen Bitte beachten Sie die Vorlesungszunge ing unter der Rubrik Spieltechniken für Frauen. Viele Bereiche, die benötigt werden, um ein Blechblasinstrument zu spielen, und so sollten verschlungene Passagen nicht so lang sein wie die für Woodman. Denken Sie daran, den Spielern Zeit zum Atmen zu geben. Hmm. Einzel-Doppel- und Dreifach-Timing ist in allen Brüsten Instrumente möglich und hat in der gleichen Weise wie unwissentliche Gewinne erreicht . Weitere Informationen finden Sie in der Vorlesungssprache unter Spieltechniken für Holzbläser. Trump es Maisposaune, Ah, Tuba und ich trumpfen es Maisposaune, Tuba. Trump es Maisposaune. Obwohl die flatternde Zunge auf allen Blechbläsern spielbar ist, ist sie leichter auf Horn und Trompete, dann auf Posaune oder Tuba. Flutter Time ist auch schwieriger in den extremen Registern. Es wird in der gleichen Weise erreicht, wie un würde gewinnt und wird in der gleichen Weise notiert. Trump es Mais, Posaune, Tuba. Äh, 81. Brass und Tremolos: alle Blechblasinstrumente sind in der Lage, Trills Schulter in der Regel mit den Ventilen durchgeführt zu spielen . Obwohl einige Shows im höheren Register mit der Amish produziert werden können. Sicher, man nennt sie Lippentrills. Je mehr Ventile in die Show involviert sind, desto schwieriger ist es zu spielen. Zum Beispiel ist das Trolling mit einem einzigen Ventil am einfachsten. Zwei Ventile sind unbequem und drei sind sehr schwierig. Trolle werden typischerweise nicht mit der Posaune gespielt, da die Posaune keine Ventile hat. Die Posaunen Licht kann verwendet werden, um troll, aber es ist sehr langsam und peinlich klingend. Alle Brüste Instrumente sind in der Lage, Trim ILO's zu spielen, da der Tremolo auf einem Blechblasinstrument zwei Tonhöhen beinhaltet, die tatsächlich eher wie ein Trill klingen, wenn Sie klingen wollen , die einem Bogen ähneln. Dremel auf einer Schnur, sie verwenden flatternde Zunge statt. Typischerweise könnte ein Blasspieler reibungslos spielen ein Zittern von einem kleinen Drittel, indem sie ihren Amateur ein großes Drittel oder vierte oder ein bisschen langsamer und peinlich ändern. Schreiben Sie nicht Zittern größer als 1/4, da sie sehr langsam und ziemlich lächerlich klingend wie bei Trillern, je mehr Ventilsitter am Spielen des Tremolo beteiligt sind, desto schwieriger ist es für den Spieler, die Posaune Beschwerden von zusammen mit Rutsche, aber es ist langsamer und peinlich klingend. Trumpf's. Mais, Posaune, Tuba. Uh, trumpfst es. Ok, Posaune, Tuba. 82. Messing Glissando: aller Blechblasinstrumente gehen Sando ist aufgrund seines Schiebemechanismus am einfachsten auf der Posaune durchzuführen . Die Folie erzeugt eine wahre Glückseligkeit auf dem Klang, ähnlich dem, wenn Sie Ihren Finger über eine Saite auf dem Bogensaiten-Instrument gleiten. Es ist sehr wichtig, sich daran zu erinnern, mit dem größten Intervall spielbar als ical Sando ist die Handelszone. Dies ist das Intervall zwischen der ersten und siebten Folienposition und ist so weit, wie Sie möglicherweise bewegen können. Die leichten Trompeten und Hörner verwenden Olympic Lysander, um ein Glas auf den Effekt zu erzeugen. Durch den schnellen Wechsel ihrer Amish ER können die Spieler schnell durch die Tonhöhen der harmonischen Siri laufen. Dies funktioniert am besten höher im Instrumentenbereich, wo die Teilstücke Luft näher beieinander, aufsteigend gehen Sandoz sind einfacher, die absteigenden durchzuführen. Gasana ist auch auf der Posaune und Tuba möglich, aber es ist schwieriger und wird selten verwendet. Trump it Mais, Posaune, Tuba 83. Messeleitung, die Bruch: gibt es verschiedene Dämpfer, die in den Glocken von Blechblasinstrumenten platziert werden könnten. Diese Fleischsorten verändern sowohl den dynamischen Charakter als auch die klangliche Qualität der Klänge. Zum Beispiel, der Passage gespielt fortissimo, mehr gedämpft gut, nicht nur klingen etwas leiser als eine normale fortissimo Passage, aber die Tambor wird auch anders als gut. Teoh Tape spielt mit einer Stummschaltung. Die Wörter Concertino werden über den Noten in der Partitur platziert, um Tate die Entfernung einer Stummschaltung zu kennen . Die Worte Sinn von Sir Gino werden verwendet. Denken Sie daran, den Performern genügend Zeit zu geben, um den Stumm von ihren Instrumenten zu platzieren oder zu entfernen . Es bedeutet, dass sie nicht ganz ein weicher in oder benutzerdefinierte Musik als Jazz-Musik verwendet werden, wenn sie verwendet werden . Am gebräuchlichsten ist die Stummschaltung der Straße. Dies ist die Stummschaltung, die Spieler in der Regel verwenden, wenn sie Konzertina in der Partitur sehen. Auf dem Horn gibt es eine Alternative zum Spielen mit einer Stummschaltung, die einen etwas ähnlichen Effekt hat. Es wird gestopptes Horn genannt. Wenn ein Hornspieler spielt gestoppt, legte er seine rechte Hand in den Gürtel, um den größten Teil des Klangs zu stoppen. Das Ergebnis ist eine weichere, mehr nasale Qualität, um anzuzeigen, dass ein Darsteller sollte gestoppt spielen. Einfach wissen, dass Tate gestoppt oder wählen Sie über dem Personal. Achten Sie darauf, Tate das Wort offen in der Partitur zu wissen, wenn Sie wollen, dass der eine Spieler den Krieg nicht mehr mit ihrer Hand stoppen. Eine alternative Möglichkeit, gestoppte Horn zu beachten, ist, ein Pluszeichen über jedem zu platzieren. Nein, Sie möchten als gestoppt gespielt werden. Trumpf's. Hornposaune Äh, äh. - Tuba. Ach... 84. Brass: 85. Quiz 12: 86. Score und Listening (Sek.12): 87. Schreibaufgaben (Sek.12): 88. Percussion: 89. Quiz 13: 90. Timpani: auch bekannt als Kesseltrommeln, die Pauken, oder eines der ältesten Mitglieder der Schlagzeug-Abteilung. Im modernen Orchester sich in der Regel um eine Reihe von vier Paukentrommeln, von einem Pauker gespielt werden. Jede Trommel hat eine andere Größe und hat somit ein anderes Register. Manchmal wird 1/5 Trommel verwendet, um den Bereich höher oder niedriger zu verlängern. Der Stier der Trommel besteht aus Kupfer oder Messing, und der Kopf der Trommel besteht aus Tierhaut oder Kunststoff. Ein Vorteil bei der Verwendung von Kunststoff ist, dass der Kopf nicht durch Feuchtigkeit oder Temperaturschwankungen beeinflusst wird, wie Tierhaut ist. Wenn Tierhaut verwendet wird, muss der Pauker während eines Konzerts die Stimmung seines Instruments mehrmals überprüfen . Frühe Methoden, die Tonhöhe der Trommel zu ändern, waren zeitaufwendig. Etwa 10 Schrauben um die gesamte Trommel mussten angezogen oder gelockert werden, um die Spannung der Trommeleinzustellen die Spannung der Trommel und somit die Tonhöhe zu verändern. Um 18 70 wurde die Pedaltrommel erfunden, die es dem Pauker erlauben, sich einzustellen. Die Spannung der Trommel hatte sehr schnell mit einem Fußpedal. Alle modernen Paukentrommeln haben diesen Pedalmechanismus. Es sollte beachtet werden, dass der Pauker eine besondere Art von Schlagzeuger ist, der sich auf das Spielen der Unternehmenssprünge spezialisiert hat. Mit anderen Worten, die Pauken nur von einem Pauker gespielt. Der Pauker kann manchmal helfen, andere Perkussionsinstrumente zu spielen, aber andere Perkussionspieler sind sehr selten erlaubt, die Firma zu spielen. Musik für Pauken wird auf einer einzigen Basis Kreuzstab notiert. Es ist ein nicht transponierendes Instrument und klingt wie geschrieben. Hier ist die Auswahl eines Standardsatzes von vier Pauken-Trommeln. Oh, oh! Jede Trommel hat einen Bereich von etwa 1/5. Die hier angegebenen Abmessungen sind typische Größen, aber diese können sehr leicht, je nach Instrument, je nach Instrument, mit einem 20-Zoll-Piccolo zu Video-Drum Tonhöhen bis zu sehen, für mögliche Markierung der Stimmungen für jede Trommel über dem Notensystem der Anfang der Partitur vom niedrigsten zum höchsten hier, würde der Pauker die Trommeln um C, D und G stimmen . Alle Tuning-Änderungen müssen ebenfalls markiert werden. Zum Beispiel, um den D Tony zu ändern, würden Sie Tate de Dashi über dem Personal am frühestmöglichen Ort kennen. Ein Darsteller könnte die Änderung vornehmen. Eine andere Alternative ist, Tate zu kennen, ein oberer Down-Fehler zwischen den Tonhöhen, und einige bevorzugen diese Methode. Sie können auch wissenschaftliche Tonhöhennotation verwenden, aber dies ist seltener, wenn es mehrere Änderungen gibt, rechter Daumen, übereinander von der höchsten zur niedrigsten Einstellung. Änderungen sind am besten während der Pausen, aber es ist möglich, eine Tonhöhe auf einer Trommel zu ändern, während Sie auf einer anderen spielen. Ein guter Pauker hat Muskelgedächtnis erworben und kann das Tuning mit seinem Fuß einfach durch Gefühl noch sicherer einstellen , damit der Spieler 1 bis 2 Sekunden mündlich stimmen kann. Stimmend beinhaltet die 10 Minuten Platzierung ihrer hier neben der Trommel und klopfen sie sanft, während das Pedal eingestellt. Vollständige Stille ist nicht erforderlich, um zu stimmen. In der Tat kann die Stimmung sogar während eines vollen Zwei-T-T im Orchester stattfinden. Vermeiden Sie es, Stimmungsänderungen in sehr ruhigen Passagen zu schreiben, damit das Publikum die Pauken nicht hört , die gedreht werden. Die Tim Paneer, in der Lage, dreifache P zwei dreifache F überall in ihrer Reichweite, dauert es etwa 3 bis 5 Sekunden, bis eine Note wegstirbt, je nachdem, wie hart das Drama schlug. Ein Pauker kann das Holz des Spielfeldes ändern, indem er die Trommel an verschiedenen Stellen schlägt. Der Sweet Spot, an dem die Kurve reinste und definitivste ist, ist etwa sechs Zentimeter von der Kante entfernt. Wenn Sie näher an die Mitte der Trommel kommen, wird der Ton weniger rein und weniger klar, bis er mehr wie ein Schlag klingt. Das Holz kann auch mit verschiedenen Arten von Stimmzetteln gewechselt werden. Jetzt kommen wir in weich bis mittel und hart. Je härter der Malot, desto heller, der Klang weicher als Malot, desto dunkler der Klang. Auch Holzstäbchen werden manchmal verwendet. Wenn Sie die genaue Härte und Materialart kennen, die Sie verwenden möchten, geben Sie dies nach innen über den Notizen auf dem Notensystem an. Zumindest sollten Sie harte Schlägel, Medienschlägel oder weiche Schlägel angeben . Immer wenn es während eines Friedens eine Änderung des Mala-Typs gibt, stellen Sie sicher, dass Sie dem Darsteller genügend Zeit geben, um den Schalter zu machen. Und wenn Sie den Schlägertyp nicht angeben, entscheidet der Pauker, welcher Typ für jede bestimmte Situation am besten geeignet ist. Hier sind einige Audiobeispiele für Mallet Typen. Mittlere Ellen. Harte Menge, dann wäre, äh eine der idiomatischsten Flugzeugtechniken für Tim Petit ist die Trommelrolle. Mädchen ähneln gebeugten Tremolo Zahn Streichinstrumenten und sollten für eine vollständige Diskussion auf die gleiche Weise notiert werden. Entre malos und ihre Notation finden Sie in der Vorlesungsvorlesung. Melo's unter der Rubrik Spieltechniken für gebeugte Streichinstrumente. Vor dem 20. Jahrhundert wurden Generäle mit dem Wegschild notiert, um eine einzelne Seillänge zu rollen. Der Pauker wird sich schnell zu Mel wechseln. Es ist auf einer einzigen Trommel. Zittern, bestehend aus zwei verschiedenen Tonhöhen, werden auf zwei verschiedenen Trommeln gespielt. Rollen haben in der Regel einen abgeschnittenen Hub , der der letzte Strich der Rolle ist. Achten Sie darauf, Tate die Länge des abgeschnittenen Schlaganfalls zu kennen. In diesem Beispiel ist der abgeschnittene Strich 1/4 Note. Der Pauker muss den Klang stoppen, indem er seine Hand auf die Trommel im Viertel Rest hatte . Hier ist ein Audiobeispiel für die Paukenrolle. Spielen einzelner Tonhöhen ist in Tim Pretty Musik sehr häufig, aber es ist auch möglich, zwei Tonhöhen gleichzeitig zu spielen, mit zwei Trommeln. Da der Pauker einen Hammer hat und du Chand, können sie zwei Trommeln gleichzeitig schlagen. Hier ist ein Beispiel, das die Summe der drei Trommeln abgestimmt FCF gespielt zwei auf einmal durch Änderung der Tonhöhe mit dem Pedal, ein Glas Sando von etwa 1/5 wie möglich auf der Tempe. Sie können bei jeder Dynamik ausgeführt werden und können auf- oder absteigend sein. Allessandro kann auch während des Rollens ausgeführt werden. Hier sind einige Audiobeispiele. Oh, oh! 91. Xylophone: Xylophon ist eine Idiotenfirma von definitiver Tonhöhe. Es war das erste der Mela Instruments, das Teil der Schlagzeugabteilung des Orchesters wurde. Einige der ersten Orchesterauftritte des Xylophons, die in 18 75 in 18 86 sind. Die Namen, die ich das Telefon kommt aus dem Griechischen. Das Instrument besteht aus vielen Holzstäben unterschiedlicher Größe, die man mit einem Hammer geschlagen hat, verschiedene Tonhöhen erzeugen. Die Holzstäbe liegen je nach Größe drastisch an. Je größer die Bar, desto niedriger die Tonhöhe, ihr Platz in zwei Sätzen von Rose, wie die weißen Tasten und schwarzen Tasten auf einem Klavier. Die Moderns I. Das Telefon hat auch Resonanzrohre für jede Bar, die dazu beigetragen, den Klang zu vereinfachen. Musik für Zyla Telefon wird auf einem einzigen Personal in Schwierigkeiten notiert. Clough. Es ist ein transponierendes Instrument und klingt eine Oktave höher als geschrieben. Das leise Telefon kommt in verschiedenen Größen, die häufigste ist die drei aktive Version. Das Xylophon ist in der Lage, dreifach P zwei dreifach F überall in seiner Reichweite. Das Instrument hat sehr wenig Resonanz, und alle Noten klingen grundsätzlich staccato. Sein Gesamt-Tambor ist ein heller Holzton Aber wie alle Mala-Instrumente ist das Holz im unteren Register wärmer und wird heller. Ist ein Ort höher? Zyla Telefonschlägel haben in der Regel etwas flexible Griffe und kleine runde Köpfe. Die Köpfe sind aus Gummi, Holz oder Kunststoff. Weichere Schlägel können Köpfe im Hof eingewickelt haben. Das Holz von O'Malia Instrumenten kann mit verschiedenen Talenten verändert werden. Wenn Sie die genaue Härte und Materialart kennen, die Sie verwenden möchten, geben Sie dies nach innen über den Notizen im Notensystem an. Zumindest sollten Sie harte Stimmzettel, Medienschlägel oder Soft Mounts angeben . Und wenn es eine Änderung des Mala-Typs während eines Stückes gibt, stellen Sie sicher, dass Sie dem Darsteller genügend Zeit geben, um den Schalter zu machen. Wenn Sie den Schlägertyp nicht angeben, entscheiden Perkussionisten, welcher Typ für jede bestimmte Situation am besten geeignet wäre. Bevorzugte Mala Typ für sein Inseltelefon diese hart wegen der besonders hellen Tonqualität bietet mit dem harten Mellat. Der Klang des Xylophons kann in der Regel durch das Orchester geschnitten werden. Spieltechniken umfassen die Trill, Tremolo Arpeggio und Dalesandro. Schwarze Akkorde und Akkord-Tembloren sind auch möglich, wenn der Spieler zwei Melonen in jeder Hand hält . Der Standard ist eine Hirse pro Hand Intervalle bis zum 11. oder möglich, Melonen in einer Hand . Aber einige Spieler mit größeren Händen und längere Schlägel erreichen können bis zu 1/13 Garn weichen Kunststoff Hartplastik, dann würde mehr. 92. Marimba: die Marambra ist ein idiotisches Telefon von definitem Tonhöhe. Es ist im Grunde eine größere, niedrigere Version von Design ein Telefon. Die erste Einführung in die Schlagzeug-Sektion des Orchesters fand 1947 statt. Denken Sie daran, Mallett's kommen hart, mittel und weich, und während härtere Schlägel dafür bevorzugt werde ich ein Telefon. Weichere Schlägel Luft bevorzugt für die Marimba. Dies liegt daran, dass Merima Riegel empfindlicher sind. Die Melonenköpfe bestehen aus Gummi, Holz oder Kunststoff und sind typischerweise mit Urin bedeckt. Wie immer sollte der Komponist Orchestrator in der Partitur notieren, ob der Spieler harte, mittelweiche Schlägel verwenden sollte und ihm genug Zeit geben, wenn er Melonen während eines Stückes wechseln . Musik von Marimba wird auf den einzelnen Mitarbeitern in beiden Reise-Club für basierend Clough Wechsel Tücher nach Bedarf notiert . Es wird auch manchmal auf einem großen Stab notiert, und viele Marimba-Spieler scheinen diese Methode zu bevorzugen. Es ist ein nicht transponierendes Instrument, und Töne werden geschrieben. Die Merima gibt es in verschiedenen Größen. Die gebräuchlichsten sind die vier aktiven und fünf Octa-Versionen. Hier ist der Bereich der fünf aktiven Marambra, desto mehr MBAs. Holzstäbe sind weicher und dünner als Xylophonstäbe und haben daher einen dunkleren Britcher-Ton im oberen Register, dass Marambra dem Klang der Firma Zyla beim Schreiben von Marimba ähnelt , es ist das untere Register, das ausgenutzt, da diese Register Ton ist einzigartig für das Instrument. Nicht nur die unteren Bilder sind dunkler und reicher, sie schwellen auch viel länger, 2 bis 3 Sekunden. Die Mitglieder in der Lage, dreifach P zwei dreifach F und Sie waren in seinem Bereich. Alle Spieltechniken, die auf Xylophon möglich sind, sind auch auf Marimba möglich. Es ist Standard für die meisten Marimba-Spieler, mit zwei Schlägeln in jeder Hand zu spielen. Dies bedeutet nicht, dass alle Mitglieder schreiben sollten herzlich sein. Einzelschläge können auch gut gespielt werden halten sich an Schlägeln in jeder Hand. Sie beim Schreiben von Intervallen und Akkorden daran, dass die Breite der Balken dünner wird, je höher Sie spielen. Im Gegensatz zu Zyla Telefon, wo alle Balken sind gleich mit inaktiven ist etwa 24 Zoll in der niedrigsten aktiven des Instruments und etwa 16 Zoll in der höchsten aktiven. Dies bedeutet, dass größere Intervalle und Akkorde Luft möglich sind. Je höher Sie hier spielen, die durchschnittlichen maximalen Intervalle möglich, Millionen pro Hand Neuntel vom Meer zu Zelten von mir auch. 11. von mir drei und 12. von C vier softy auf mittlerem Garn, Hartgarn Gummi, dann würde oh. 93. Glockenspiel: das Glockenspiel ist ein idiotisches Telefon als definitive Tonhöhe. Der Name Glockenspiel ist Deutsch für Glockenspiel. Im Gegensatz zu diesem Isla Telefon von Marambra, das aus Holzstäben besteht, besteht das Glockenspiel aus Metallstäben. Wie bei allen Mala-Instrumenten die Balken dramatisch nach Größe angeordnet und kommen in zwei Reihen wie eine Klaviertastatur . Im Gegensatz zu den anderen Mala-Instrumenten kommt das Glockenspiel in einer Art und Weise eine Größe und hat einen kleineren Bereich. Schlägelköpfe kommen in verschiedenen Materialien härter. Melonen werden aus Metallen wie Messing hergestellt. Weichere Schlägel bestehen aus Holz, Kunststoff und Gummi. Es ist typisch, dass ein Glock Ishmael mit Metallschlägeln gespielt wird, da die Stahlstäbe luftdichter sind als Holzstäbe und mehr Kraft nehmen, um sie zu vibrieren. Ein einzigartiger Aspekt des modernen Glockenspiels ist das Dämpferpedal. Wenn das Pedal nicht heruntergedrückt wird, die Metallstäbe durch eine Filzschiene luftgedämpft. Dies ermöglicht es einem Darsteller zu spielen wählen, um Katar Nüsse. Wenn das Pedal gedrückt wird, wurden die Dämpfer angehoben und die Tonhöhen können für eine lange Zeit resonieren. Pablo sollte unter dem Personal mit einer der folgenden Methoden beachtet werden, da Metall viel länger resoniert als Holz, das ein Darsteller erreichen kann. Ich botto durch Bewegen einer geschröpften Hand nach oben und unten über die vibrierende Bar, um für breite Oh anzuzeigen , rechts mit, für eine breite über dem Stab, um eine Rückkehr zum normalen Spiel rechts ohne Vibrato über Stab Musik für glockenspiel wird auf einem einzigen Stab in Schwierigkeiten notiert. Clough. Es ist ein transponierendes Instrument und klingt zwei Oktaven höher als geschrieben. - Das Glockenspiel ist in der Lage, Triple P two triple off überall in dieser Reihe. Sein Gesamt-Tambor ist eine helle, metallische Glocke wie Klang, Aber wie alle Mala-Instrumente, der Tambor ist wärmer im unteren Register und wird heller als ein Ort höher. Alle Flugzeugtechniken, die auf Xylophon Marimba möglich sind, sind auch in der schwärzlichen Rechnung möglich. In der Regel wird nur ein Schlägel pro Hand verwendet, aber Spieler können bis zu zwei pro Hand für größere Gerichte verwenden, die größte Intervall möglich, Schlägel in einer Hand. Seine beiden Aktiven, plus eine Sekunde wäre Hartplastik als Metall Sie , nein 94. Vibraphone: das Vibraphon ist ein idiotisches Telefon von definitiver Tonhöhe. Es ist eine amerikanische Erfindung, die um die Zeit des Weltkriegs entwickelt wurde. Obwohl es immer häufiger verwendet wurde, hat es nie die gleiche Stellung erreicht wie die anderen Mala-Instrumente, der Vibraphonist ähnlich der Blockade, und dass seine Stäbe aus Metall und nicht aus Holz bestehen. Schlägelköpfe oder andere runde oder elliptische. Harte Schlägel werden typischerweise beim Spielen von Vibraphon verwendet, da es mehr Kraft braucht, um Metallstäbe zu vibrieren. Gewöhnliche Materialien sind Messing und Hartgummi. Weichere Schlägel umfassen Kunststoff und Holzbutter. Selten verwendet. Das Vibraphon hat ein Dämpferpedal, wie das Glockenspiel, das auf die gleiche Weise notiert wird. Es hat auch Resonanzröhren unter jeder Bar, wie die Marambra und Xylophon oben auf jedem Bewohner YouTube. Es handelt sich um kleine rotierende Scheiben, die von einem Motor gesteuert werden, die rotierenden Scheiben, kreativer Vibrato-Effekt. Die Motordrehzahl ist einstellbar und die Scheibe und drehen sich irgendwo von 0 bis 12 mal pro Sekunde , was die Punktzahl, wenn der Motor verwendet werden soll. Und wenn ja, wird die Geschwindigkeit der Motormusik für Vibraphon auf einem einzigen Notensystem in Schwierigkeiten Tuch notiert. Es ist ein nicht transponierendes Instrument und klingt wie geschrieben. Das Vibraphon ist in verschiedenen Größen erhältlich. Die gebräuchlichste ist die drei aktive Version, mit dem Bereich von F drei bis F sechs. Uh, - Vibraphon ist in der Lage, dreifach P zwei dreifach F überall in seiner Reichweite. Der Tambor ähnelt dem Glockenspiel, aber viel weicher. Die meisten Metallic- und Brights, es ist Klang, wurde als glasig und ätherisch bezeichnet. Das Vibraphon ist in der Lage, alle gängigen Spieltechniken, die für ein Xylophon, Marimba und Glockenspiel verwendet werden. Wie die Marimba hat das Vibraphon Bars haben mit Dies bedeutet graduiert. Je höher Sie gehen, größer ist das Intervall möglich. Hier sind die durchschnittlichen maximalen Intervalle möglich mit zwei Meilen pro Hand Neuntel von F drei 10. von G drei, 11. von D vier 12. von einer vier weichen Mela, dann harten Schlägel. 95. Tubular: Dieses Instrument ist ein idiotisches Telefon mit bestimmter Tonhöhe, auch bekannt als Glockenspiel oder symphonische Glockenspiele. Die Röhrenglocken wurden ursprünglich in Opern verwendet, um den Klang von Kirchenglocken nachzuahmen. Einige der frühesten Auftritte waren in 18 53 18 59 und 1900. A Standards of Tubular Glocken besteht aus 18 klimatisch, zwei zylindrischen Röhren. Sie hängen am Irak und arrangieren sich in Rose. Die hintere Reihe entspricht den schwarzen Tasten auf dem Klavier, während die vordere Reihe den weißen Tasten entspricht. Die Rohre werden mit Hammerschiffen, Schlägeln aus Holz oder Kunststoff geschlagen . Es gibt auch Metallmünder, aber diese Luft in der Regel nicht verwendet, weil sie die Rohre beschädigen können. Die Berge sind bedeckt und Filz oder Leder, um unterschiedliche Härtegrade zu erreichen . Ein Dämpferpedal ermöglicht es dem Spieler, den Klang aller Röhren auf einmal zu dämpfen. Ein Spieler kann auch den Klang einer bestimmten Röhre dämpfen, indem er seine Hand auf die Röhre . Musik für Röhrenglocken wird auf einem einzigen Notensystem in Schwierigkeiten notiert. Clough. Es ist ein nicht transponierendes Instrument und klingt wie geschrieben. Die Standard-18 Röhren gibt eine Reihe von C vier Zehe F fünf. Größere Orchester haben oft ein Set mit mehr Röhren, so dass ein Bereich von F drei bis G fünf möglich ist. Äh, äh. - Die Röhrenglocken sind in der Lage, dreifach P zwei dreifach F überall in ihrer Reichweite. Der Sound besteht aus zwei Teilen. Der Streikschein und die Residenz. Die Schlagnote ist der Ton oder das Ohr als Tonhöhe wahrgenommen und entspricht der Tonhöhe, die in der Partitur geschrieben wurde. Die Bewohner enthalten die grundlegenden a klopfte von niedrigeren und vielen Obertönen. Es ist ein sehr reicher Ton. Wenn er getroffen wird, wird der Klang für eine extrem lange Zeit Resonanz, es sei denn, gedämpfte Spieltechniken beinhalten Einzelschläge. Single Notre Melo spielte mit Schlägel auf einer einzigen Röhre. English Sandoz in der Nähe. Sandoz in der Regel gespielt, indem Sie einen Stock über die Röhren laufen. Zwei gleichzeitige Tonhöhen Luft möglich, wenn der Spieler verwendet, um zu montieren. Eins. Jeder Gesang. Wenn eine drei Noten oder Ausländer Mais gewünscht ist, ist ein anderer Spieler notwendig. Beide spielen auf dem gleichen Instrument fühlte sich dann plastisch. Die O Way 96. Quiz 14: 97. Score und Listening (Sek.14): 98. Schreibaufgaben (Sek. 14): 99. Snare Trum: die Snaredrum ist ein Mitglied und ein Telefon von unbestimmter Tonhöhe. Es ist auch bekannt als die Seite Drum, weil es ursprünglich auf seiner Seite und militärische Bands gespielt wurde , wo es an den Trommlern links Hüfte hing. Möglicherweise war sein erster Auftritt im Orchester 17 49. Die Snare Trommel muss tatsächlich Köpfe trommeln. Der obere Kopf, auf dem der Schlagzeuger spielt, wird als Schlagkopf bezeichnet. Der Boden hatte, wo die Schlingen befestigt sind, wird der Snare Head genannt. Normalerweise sind sie 8 bis 18 Jahre alt. Snares aus Seide oder Nylon mit Draht umwickelt. Die Hohnen könnten mit einem Schalter mit Snares ein- oder ausgeschaltet werden. - Ausschalten. Diese Near Drum klingt wie ein typischer Tom Tom aus einem Drum-Kit mit eingeschalteten Hohnen. Diese Snaredrum hat einen sehr einzigartigen Klang, der hell metallisch ist. Snare Drums haben spezielle Holzstäbchen, die Luft dünn, verjüngt sich in der Nähe der Spitze und haben entweder um ovale Spitze. Manchmal wurden Schlägel verwendet, so eine kleine Pauke, Schlägel oder Marambra Schlägel. Die Art der Stick Verwendung verändert die Art und Weise, wie die Trommel klingt, wenn sie geschlagen , zum Beispiel kleine Paukenschlägel, die typischerweise für Snares verwendet werden, und erzeugen einen kurzen Schlag. Die Snaredrum kann auch mit Drahtbürsten gespielt werden. Dies ist im Jazz üblich. Drahtbürsten haben viel weicher klingende Holzstäbchen. Dort gibt es zwei Möglichkeiten, mit Pinseln zu spielen. Der erste ist, den Kopf der Deutschen zu schlagen, der er normalerweise mit einem Stock würde, und der zweite Weg ist, die Bürsten in einer kreisförmigen Bewegung auf dem Trommelfell zu reiben. Nein Tate, das Wort Pinsel in der Partitur, wenn Sie wollen, dass die Trommel mit Drahtbürste geschlagen werden, und wenn Sie eine kreisförmige reiben wollen, wissen Tate das Wort swish. Einzelstriche und Rollen sind typische Spieltechniken, sehr schnelle Rhythmen möglich durch den kurzen Aufenthalt des Instruments. Hier sind einige gemeinsame Striche der flam, der Drag, die drei Strich rau, die vier Strich rau und die Rolle. Ein weiterer Schlag ist die Raumaufnahme, um einen Raumschuss zu erzeugen. Dieser Perkussionist legt einen der Drumsticks auf die Trommel. Die Spitze ruht auf dem Trommelfell und der Griff ruht auf der Felge. Sie trafen dann diesen Stick mit dem zweiten Drumstick, und dies schafft UNIX Stadt, die in einem Pistolenschuss mike wurde. Es sollte beachtet werden, dass die Orchesterraumaufnahme anders ist als die Felgenaufnahme der Pop-Rock-Welt . Diese Art von Raumaufnahme wird durch das gleichzeitige Schlagen der Grim und des Kopfes erreicht . Dies hat einen stärkeren Klang, aber es ist schwieriger, Präzision auszuführen. Die Snare Drum ist in der Lage, Doppel P zwei Triple F Musik für snare Drum ist in der Regel auf einer einzigen Linie Stab mit der Perkussion Klasse notiert, entweder die folgende Perkussion schließen ist akzeptabel. 100. Bass: die Bassdrum ist ein Mitglied und ein Telefon von unbestimmter Tonhöhe. letzten Drittel des 19. Jahrhunderts wurde sie als Teil der Orchesterpercussion-Sektion fest etabliert . Die Trommel sitzt senkrecht und hat auf beiden Seiten ein Trommelfell. Eine Seite ist der Schlagkopf, wo der Spieler trifft und der andere Kopf ist der Resonanzkopf. Der Teig hatte seine dicker, aber beide Köpfe sind aus dem gleichen Material, in der Regel Kalb Angst gemacht. Die Bassdrums schlugen typischerweise mit dem Schlägel, ähnlich einem Paukenschlägel, nur größer, mit einem weicheren, gefühlten Kopf. Manchmal wurden Holzstäbchen verwendet. Die markante Stelle, die den vollen Klang erzeugt, ist etwa eine Hand mit aus der Mitte. Einzelstriche und Rollen sind typische Spieltechniken. Schnelle Einzelschläge sind nicht so häufig, weil die große Resonanz des Instruments den Klang verwischt . Wenn jeder Schlag deutlich zu hören ist, könnte ein Tuch über das Trommelfell gelegt und würde Sticks verwendet. Die Bassdrum ist in der Lage, Triple P zwei Triple F zu spielen und kann den Rest leicht überwältigen . Das Orchester an seinem lautesten. Der Klang der Bassdrum war wie in den Klang der Donnermusik für die Bassdrum ist auf einer einzigen Zeile Staff mit der Percussion Clough Oh, oh! 101. Dreieck: Das Dreieck ist ein idiotisches Telefon von unbestimmter Tonhöhe, das es verwendet. Das Orchester stammt aus der Mitte des 18. Jahrhunderts. Das Dreieck ist rund um die Stange. Typischerweise aus Stahl. Es wurde in die Form eines Dreiecks gebogen und an einem Ende offen gelassen. Das Instrument hängt an einem Stück Saite oder Draht, der an der oberen Ecke befestigt ist. Das Dreieck kommt in verschiedenen Größen, aber der häufigste oder 68 und 10 Zoll Sound wird auf einem Dreieck erzeugt, indem das Instrument mit einem Metallschlägel geschlagen wird. Schlägel gibt es in verschiedenen Stärken. Je dicker der Schläger, die Menge des Klangs spielt an verschiedenen Stellen auf dem Dreieck kann auch die Qualität des Klangs ändern . Markieren in der Nähe der Mitte einer der drei Seiten gibt die reinste, die meisten Glocke wie Klang. Auffällig in der Nähe der Ecken gibt ihm oder schimmernde Qualität, um den Klang. Spieltechniken sind auf einzelne Treffer und Trimmen beschränkt. Ilo's a Tremolo wird erreicht, indem man schnell mit Streiks von Seite zu Seite in einer der Ecken abwechselt . Das Instrument hat eine sehr lange Zerfallszeit, aber es könnte mit der nicht auffälligen Hand für kürzere Nüsse für schnelle komplizierte Rhythmen gedämpft werden. können zwei Schlägel verwendet werden. Das Dreieck ist in der Lage, Triple P zwei Doppel-F-Musik für Dreiecke zu spielen, notiert auf einer einzigen Linie Stab mit einem Schlagtuch. 102. Becken: Die Symbole sind ein Nydia Telefon von unbestimmter Tonhöhe. Das Instrument ist eines der älteren, nicht tonförmigen Instrumente des Schlagzeugs, mit einer der frühesten Verwendungen in 17. 82 Symbole sind aus Messingdraht, sie Messing, Nickel, Silber oder Bronze Verbündeten. Der Durchmesser reicht von 16 bis 24 Zoll. In der Mitte jedes Symbols befindet sich ein Loch, an dem eine Lederhandschlaufe befestigt ist. Das Instrument kommt in einem Paar, und die Perkussionisten halten jeweils ein Symbol in jeder Hand. Mit den Handstreifen stürzt das Becken die idiomatischste, einfache Technik ab. Der Crash konnte von Doppel P zwei Triple F. Glatt laut gespielt werden. Ein Becken Crash kann leicht über das gesamte Orchester zu hören. Die Symbole haben eine sehr lange bis K Zeit, aber diese Zerfallszeit könnte durch Dämpfung der Klänge verkürzt werden. Dies wird dadurch erreicht, dass der Spieler die Symbole gegen seinen Körper, in der Regel ihre Brust, berührt . Es ist wichtig zu wissen, wie lange das Symbol klingen soll und wann es gedämpft werden soll . normalerweise Wenn Sie Pausen in der Partitur platzieren, dämpft der Spielernormalerweiseden Ton. Aber nicht immer. Es gibt eine spezielle Art von Notation, die dem Darsteller mitteilt, wann er den Sound dämmern sollte und ging , um ihn weiter vibrieren zu lassen. Wenn Sie möchten, dass der Ton in Resonanz, Sie sollten wissen, Tate a Krawatte oder LV lassen Sie vibrieren über die Muttern. Die folgenden beiden Maßnahmen würden genau auf die gleiche Weise gespielt werden 4/4 Noten gespielt werden, und der Darsteller würde den Klang zwischen jeder Note nicht dämpfen. Wenn Sie wollen, ist die Schalldämpfung dazwischen jetzt. Du könntest einfach die Bindungen weglassen, dass dies mehrdeutig sein könnte. Es ist besser, Tate Seiko über jedem jetzt zu kennen. Die falschen zwei Takte würden genau auf die gleiche Art und Weise gespielt werden 4/4 Noten gespielt werden, und der Darsteller würde den Klang zwischen jeder Note dämpfen. Andere Techniken neben dem Standard-Crash, Unsere Rollen Instru Shadow Rollen werden durch Reiben der beiden Becken zusammen in einer schnellen kreisförmigen Bewegung durchgeführt . Sie sind in der Regel als allgemeine notiert, wäre Herrin Schatten, indem Sie mit den beiden Becken zusammen beginnen und dann schnell schieben sie auseinander, um einen zing oder Zischen Ton zu erstellen durchgeführt . Es wird typischerweise mit wellenförmigen Trolllinien notiert. Im Orchester können auch hängende Symbole verwendet werden. Diese Luft hängt auf einem Ständer und werden mit Stöcken, Schlägeln oder Bürsten geschlagen und können sogar mit einem Kontrabass oder Cellobogen verbeugt werden. Geben Sie immer in der Partitur an, ob die Symbole als Crash-Becken oder Suspension-Symbole gespielt werden sollen . 103. Tam-tam: die Tam Tam ist ein idiotisches Telefon von unbestimmter Tonhöhe. Obwohl es ein Mitglied der Gong-Familie ist, unterscheidet es sich von Boss Gongs, die Luft in der Mitte knauf und produzieren bestimmte Tonhöhen. Das Instrument ist eine kreisförmige, leicht konvexe Scheibe aus gehämmertem Bronze-Gussbronze Tam Tams in der Größe von sieben Zoll über 60 Zoll. An Stellen, die nicht vibrieren, wurden Löcher in die Felge gebohrt, um das Instrument per Draht aufzuhängen . Spieltechniken umfassen Einzelstriche, Wiederholungen und Rollen. Die Tam Tam wird typischerweise mit einem speziellen Malik namens Agong Schläger geschlagen. Andere Techniken umfassen das Reiben der Oberfläche des Instruments mit einem Dreieckschlägel in einer kreisförmigen Bewegung. Dies könnte als Tremolo mit Dreieck reiben über dem Stab notiert werden. Sie können auch den Raum des Instruments mit dem Dreieckschläger kratzen. Dies wird als Tremolo notiert, wobei Dreieck über dem Notensystem abgekratzt wird. Eine andere interessante Technik ist keine Verbeugung. Der Rand des Instruments mit einem Kontrabassbogen oder Cellobogen einfach kein Band Boot bis zum Stab. Dies ist nur ein effektives, ruhigeres, dynamisches Niveau. Die Resonanzlänge könnte über 30 Sekunden betragen, also achten Sie darauf, eine sehr klare Notation zu verwenden. Wie bei Symbolen müssen anhaltende Noten Marsch sein, entweder mit Krawatten oder viel vibrieren. Verdammte Bananen sollten Sekou markiert werden. Die größeren Tandems Luft schwer zu stoppen vibrieren, und der Darsteller wird typischerweise haben, um das Instrument mit beiden Armen zu greifen und es für eine halbe Sekunde gegen ihren Körper zu ruhen. Das Tantal ist in der Lage, Triple P zu vervierfachen F. A True Vergnügen Bluff ist möglich und Crescendos durch die Ansammlung von Energie und wiederholte Schläge. Musik für 10 Tim ist auf einer einzigen Linie Stab mit einer Percussion Klippe notiert. 104. Tambourine: die Tam Marine ist ein meme Brenna Telefon von unbestimmten Pitch seinen Namen in der kleinen Trommel. Obwohl das Instrument seit Mitte des 19. Jahrhunderts einen Platz in der Schlagzeugabteilung des Orchesters hatte , das Tamburin in den späten 17 Hunderten noch früher Orchesterauftritte auf. Das Instrument besteht aus einem hölzernen Reifen, über dem ein Kalbsleder oder Kunststoffkopf um den hölzernen Reifen gestreckt hat . Unsere Schlitze mit kleinen Brustscheiben könnte es überall von 4 bis 20 Paar Scheiben in zwei Reihen geben. Das Tamburin ist in verschiedenen Größen erhältlich, 10 Zoll ist der Standard. Andere Größen sind 6 Zoll und 15 Zoll. Die Manipulation wird typischerweise in einer Hand gehalten und mit der anderen Hand geschlagen, aber es kann auch mit den Finger Nichols oder Handfläche geschlagen werden. Wenn es auf dem Ständer platziert wird, kann es mit Schlägeln geschlagen werden. Eine gängige Spieltechnik für Manipulation ist der Tremolo, um einen Tremolo zu erzeugen, das Instrument wird schnell geschüttelt, wodurch die kleinen Brustscheiben rasseln. Eine andere Art von Tremolo ist die Daumenrolle, um ephemere durchzuführen, ein Spieler wird ihren Daumen benetzen und dann reiben Sie es in einer kreisförmigen Bewegung um den Rand des Trommelkopfes Dies schafft Reibung, die die kleinen Brüste Scheiben rasseln macht. Die Dynamik wird durch die Menge des Drucks aus dem Daumen gesteuert und die Geschwindigkeit der kreisförmigen Bewegung ephemere gibt ihnen oder intensive Tremolo-Effekt. Aber der Nachteil ist, dass es nur für ein paar Sekunden dauert. Etwa drei Sekunden gespielt. Forte und acht Sekunden Klavier gespielt, um eine Standard-Tremolo zeigen, legen Sie das Wort schütteln über dem Tremolo, um eine Daumenrolle anzuzeigen. Platzieren Sie das Wort Daumen über den Tremolo. Die Manipulation ist in der Lage, Triple P zwei Triple F. Ein echtes Triple P ist nur möglich, wenn Sie leicht auf ein einzelnes Paar von Discs tippen. Musik für Tampering wird auf einem einzigen Stab mit der Percussion Klippe notiert. 105. Percussion: 106. Quiz 15: 107. Score und Listening (Sek.15): 108. Schreibaufgaben (Sek. 15): 109. Einführung in Keyboards: 110. Klavier: Ton wird auf einem Klavier produziert. Wenn harte Filzhämmer auf die Saiten stoßen, diese Hämmer Luft aktiviert, indem sie die Tasten auf der Tastatur drücken, die Saiten Luft über einen sehr großen Gusseisenrahmen gestreckt. Dieser Rahmen ist so stark, dass er 20 Tonnen Spannung von den Saiten tragen kann. Der Fehler und das Bild zeigen die Dämpfer an. Wenn ein Schlüssel getroffen wird, wird der entsprechende Dämpfer von der Schnur angehoben, kurz bevor der Hammer auf den Hammer trifft, der die Saite trifft, aufdie Saite trifft, wodurch er vibriert. Wenn der Schlüssel losgelassen wird, kehrt der Dämpfer zur Saite stoppt die Vibration und ihren Klang. Die Dämpfer ermöglichen es, echte Staccato auf dem Klavier zu spielen. Es gibt zwei grundlegende Teilungen von Klavieren. Das aufrechte Klavier und der Flügel. Die aufrechten Klaviere, Streicher, Rahmen und Soundboard sind vertikal. Wo sind die Flügel? Streicher, Rahmen und Soundboard oder horizontal? Der Flügel war sowohl in seiner Mechanik als auch im Klang überlegen und ist daher die einzige Art von Klavier, die im Orchester verwendet wird. Ein Flügel und die meisten aufrechten Klaviere haben dort drei Pedale von links nach rechts. Die U. N Accord ein Pedal, die Aufrechterhaltung des Pedals und das Dämpferpedal. Einige Betätigungen haben nur das rechte und linke Pedale. Das Dämpferpedal ist das am häufigsten verwendete Pedal. Es wird manchmal als das Sustain-Pedal bezeichnet. Wenn das Dämpferpedal mit dem Fuß gedrückt wird, werden alle Dämpfer des gesamten Klaviers von den Saiten gehoben. Dies ermöglicht es dem Darsteller, seine Finger von den Tasten zu entfernen und bei Bedarf andere Tasten abzuspielen , und die Noten werden weiterhin klingen. Es ermöglicht auch sympathische Schwingungen von anderen Saiten, die nicht getroffen wurden, verbessert so den Klang des Klaviers. Ein guter Pianist weiß instinktiv, wenn er das Dämpferpedal losgelassen hat. Wenn Sie ein bestimmtes Peddling des Dämpferpedals in der Partitur wollen, sollten Sie Tate it kennen. Nein. Nehmen Sie die Abkürzung Haustier, um anzugeben, wann ein Darsteller das Pedal drücken soll, und das Sternchen zeigt an, wann ein Darsteller das Pedal auf einem alternativen Pedal loslassen soll. Markierung ist die Halterung. Die kurze vertikale Linie auf der linken Seite bedeutet Pedal nach unten. Die lange horizontale Linie bedeutet weiterhin, das Pedal zu halten. Tod auf der kurzen senkrechten Linie auf der rechten Seite bedeutet Pedal nach oben. Überlappendes Pedal, manchmal auch Llegado Pedal genannt, ist, wenn das Pedal sehr schnell nach oben und zurück geht. Der Stempel endet die vorhergehenden Klänge und hält die nächsten Klänge ohne Pause in der Kontinuität des Klangs, Es wird verwendet, um nahtlos Harmonien zu verbinden und löschen Sie unerwünschte Entfernungen. Der Punkt in der Mitte zeigt, wo der Darsteller schnell den Fuß nach oben und unten verlassen würde . Das U. N Accord ein Pedal ist das zweithäufigste Pedal. Es wird verwendet, um dem Darsteller zu ermöglichen, leiser zu spielen, und die Mechaniker arbeiten auf zwei Arten. Durch Drücken dieses Pedals auf einem aufrechten Klavier werden die Hämmer näher an die Saiten gebracht . Dies reduziert die Geschwindigkeit, die Hammer gewinnen könnte, wodurch die Lautstärke reduziert wird. Das Drücken der ein Viertel-Pedal auf einem Flügel funktioniert sehr unterschiedlich und um den Mechanismus zu erklären, von dem wir zum ersten Mal erwähnt wurden, wirklich, in der Tat, über die Klavierbolos Noten auf einem Klavier haben eine Saite für Hammer. Die Herznoten haben zwei Saiten. Brammer und der Höchste von uns haben drei Saiten pro Hammer. Diese Anordnung der Saiten hält die dynamischen Fähigkeiten im gesamten Bereich des Klaviers gleichförmig . Zum Beispiel, wenn Sie eine im unteren Register des Klaviers präsentieren. Der Hammer ist auffällig. Eine einzelne Fixsaite drehte sich um eine. Wenn man ein in das mittlere Register des Klaviers drückt, schlägt der Hammer zu dünneren Saiten. Zwei in ein einziges A. Wenn man in einem in der oberen Register des Klaviers drückt, schlägt der Hammer drei sehr dünne Saiten, die auf ein einzelnes A abgestimmt sind. Sie wurden auf einem Flügel Pedal zugestanden, weil die Hämmer sich leicht zum richtig, so dass die Hämmer, die Luft treffen mehrere Saiten treffen eine weniger Stärke. Dies macht die Klänge etwas leiser und ermöglicht es dem Darsteller, mit größerer Leichtigkeit ausdrucksstark niedrigere Dynamikstufen zu spielen . Nein, nehmen Sie diese von diesem Pedal mit Wörtern in 1/4 zurück, um ohne dieses Pedal zu spielen. Nein, nehmen Sie die Worte Trey Corta ermordet Pedal ist das am wenigsten häufig verwendete Pedal. Es funktioniert in ähnlicher Weise wie der Dämpfer Powell, aber hält nur die Noten, die zum Zeitpunkt des Pedals gespielt werden, und ist nicht Wirkung und sogar Ausdruck danach. Dies macht es möglich, auf Gegenstellplätze zu platzieren, während die zuvor gespielten Tonhöhen aufrechterhalten werden . Das ist etwas, was mit dem Dämpferpedal nicht möglich ist. Beachten Sie das Mittelpedal auf einigen minderwertigen Grands und aufrecht. Panoz trägt nur die Noten im Basisregister und einige Pfosten. Das Mittelpedal senkt ein Stück Filzgewebe zwischen den Hämmern und den Saiten, die alle Noten eines Schraubenschlüssels stummschalten. Dies wird als Übungspedal bezeichnet und ermöglicht es den Schülern, mit einer geringeren Lautstärke zu üben. Musik für das Klavier ist kein Lehrer auf einem Grand Staff und Sounds wird geschrieben. Das Klavier hat die größte Auswahl aller Standardinstrumente. Das moderne Orchester, - das Holz des Klaviers, ist durchweg ziemlich homogen. Ein seltsames von der unteren Ende ist dunkler und desto höher und wird heller, desto höher ein Ort. Die Resonanzzeit beträgt etwa 20 Sekunden des unteren Endes und nimmt ab, wenn Sie sich höher und höher bewegen , bis sie um eine Sekunde wird. Verwendung einzelner Noten. Das Klavier ist in der Lage, Triple P zwei Doppel-F überall in seinem Bereich zu spielen. Aber mit der Verwendung des Pedals und mehrerer gleichzeitiger Tonhöhen konnte ein dreifaches F erhalten werden 111. Celesta: Die Celesta ist eines der am häufigsten verwendeten Tasteninstrumente des Orchesters , das 18 86 in Paris in 18 92 erfunden wurde. Tschaikowsky machte das Instrument populär, indem es es im Tanz der Zuckerpflaumenfee aus seinem Ballett Der Nussknacker“ benutzte. Der Name des Instruments stammt von der französischen Celeste, was himmlisch bedeutet. Wenn die Instrumententasten gedrückt werden, schlagen Filzhämmer Stillstangen an, die dann über Holzresonatorboxen vibrieren. True Staccato ist nicht möglich. Im Gegensatz zum Klavier hat das Celesta nur ein Pedal. Das Dämpferpedal. Durch Drücken auf das Dämpferpedal werden die Dämpfer von den Stahlstäben entfernt, so dass die Tonhöhen länger resonieren können, als sie normalerweise würden. Das Anheben des Fußes vom Pedal bewirkt, dass die Dämpfer zu den Standbalken zurückkehren, wodurch der Ton gestoppt wird. Musik für die Celesta wird auf einem großen Stab notiert und klingt um eine Oktave höher als geschrieben. Hier ist der schriftliche Bereich der Celesta auf dem Notensystem gezeigt, und der Schleifbereich der Celeste wird auf der Tastatur gezeigt. Ein fünf Oktave deutsches Modell erweitert den Bereich nach unten um eine aktive, und es beginnt, den Standard für aktive Französisch Modell zu ersetzen. Äh, besonders in seinem höheren Bereich. Der Klang der Celesta erinnert an ein Glockenspiel nur filigraner und Dynamik im Holz. Der Celestätische Celestätische spielt Pianissimo überall in seiner Reichweite. Je höher man spielt, desto einfacher ist es, schön zu spielen. E o mehr du, äh 112. Quiz 16: 113. Score und Listening (Sek.16): 114. Schreibaufgaben (Sek.16): 115. Vorbereitung: 116. Quiz 17: 117. Teilchen vorbereiten: 118. Quiz 18: 119. Methode zum Nachprüfen von Punktestand und Teile: 120. Doublings: eine Vertrautheit mit verschiedenen Tambors der einzelnen Instrumente und die Fähigkeit, Holz gut wichtige Teile der Orchestrierung zu verwenden . Tambor ist die Farb- oder Tonqualität eines Instruments. Es wird weitgehend durch einen Instrumentenoberton bestimmt und ist der Grund, warum wir in der Lage sind, den Unterschied zwischen einer Flöte und einer Oboe zu erkennen, die die gleiche Tonhöhe spielen, oder sogar zwischen zwei verschiedenen Flöten, die die gleiche Tonhöhe spielen. Es gibt zwei grundlegende Arten von Holz. Reines Kammer- und Verbundholz. Im strengsten Sinne ist Pure Tambor der Klang eines Instrumententyps, der Tonhöhen spielt, die nicht durch ein anderes Instrument oder Kompositholz aus zwei oder mehr verschiedenen Instrumenten mit derselben Tonhöhe dupliziert durch ein anderes Instrument oder Kompositholz aus zwei oder mehr verschiedenen Instrumenten werden. Lassen Sie uns ein wenig tiefer in das mit einigen Beispielen eintauchen. Hier ist ein Beispiel für eine einzelne Flöte, die melodische Linie spielt. Dies wäre ein Beispiel für reines Holz. Wenn zwei Flöten die gleiche melodische Linie spielen, würde es auch als reine Kammer betrachtet werden, obwohl etwas weniger rein, da keine zwei Flöten genau das gleiche Holz haben, hier ist das gleiche Beispiel, diesmal in perfekter Unison durch eine Grippe, um Bo zu kennen. Dies wird als Unisono-Verdoppelung bezeichnet und ist ein Beispiel für eine Verbundkammer in unisono-Doppelzonen . Das einzelne Holz jedes Instruments fügt sich zusammen und schafft eine neue Verbundtemperierung . In Ordnung. Je homogener die beiden Instrumente sind, desto vollständiger wird der Composite-Sound. Lassen Sie uns die Oboe durch die Klarinette ersetzen und den Unterschied anhören. Beachten Sie, wie sich der Biss der Oboe im vorangegangenen Beispiel gegen die Flöte abhebt. Nun, die Wärme einer Klarinette in diesem Beispiel vermischt sich besser. Denn die Tambor einer Flöte und Klarinetten sind homogener als die Hölzer der Flöte und der Oboe. Jetzt hören, was passiert, wenn Netzwerk erwerben, um die gleichen Linien zu spielen. Das Essen, aber eine Oktave niedriger, wenn zwei Instrumente die gleiche Linie in Oktaven spielen, und es wird Oktavverdoppelung genannt. Aktive Verdoppelung ist eine sehr verbreitete Technik und Orchestrierung. Sowohl die Unisono-Doppelungen als auch die aktiven Dublin's werden verwendet, um Tambor zu vermischen, aber die Oktavverdoppelung erlauben jedem Tambor mehr von seiner eigenen Identität zu bewahren. Denken Sie an Einheiten und verdoppeln Xas, Mischen von zwei Farben Farbe, um eine neue Farbe wie gelb und blau mir grün zu erhalten. Denken Sie nun an Oktave, die Xas zwei Farben nebeneinander auf der Leinwand verdoppelt, die verwendet wurden, um sich gegenseitig zu ergänzen oder zu kontrastieren. Oktavverdoppelung muss nicht immer zwei verschiedene Instrumente sein, die die gleiche Linie induktiv auseinander spielen . Sie können auch eines der folgenden zwei des gleichen Instruments sein, das die gleiche Linie eine Oktave auseinander spielt , zwei von demselben Instrument spielen die gleiche Linie, zwei oder mehr Aktionen von Teilen, zwei verschiedene Instrumente spielen die gleiche Linie, Tour Marokkaner auseinander oder mehrere Instrumente, die die gleiche Linie in mehreren Oktaven spielen, sind aktiv. Verdoppelung gilt als reiner oder zusammengesetzter Tambor Brunnen, Technisch gesehen spielt jedes Instrument eine andere Reihe von Tonhöhen, und in dieser Hinsicht ist der Tambor rein. Aber da jedes Instrument in diesem Fall das gleiche musikalische Element spielt, ist die Melodie, auf die das Holz stößt, etwas zusammengesetzt, und so sehen wir, dass das Musikliement, das jedes Instrument spielt, einen großen Einfluss auf ob das Holz stoßen wird, ist rein oder zusammengesetzt klingend. Zum Beispiel, wenn Flöte und Klarinette völlig andere und unterschiedliche Melodien spielen würden, wäre der daraus resultierende Klang, der reine Kontrast. Tambor, die nicht über ein klingendes Komposit wie 121. Doublings in einer homophonen Textur: Obwohl Textur wird im nächsten Abschnitt untersucht werden, ist es notwendig, es hier kurz zu erwähnen, da es sich um Holztextur bezieht sich auf die Anzahl und Art der musikalischen Elemente in der Partitur. In diesem Vortrag werden wir eine der häufigsten Texturen mit einer phonischen Textur nach Hause nehmen und die verschiedenen Möglichkeiten betrachten , wie wir reines und Verbundholz innerhalb dieser Art von Textur verwenden können. Diese Unterschiede könnten sich begleichen, besonders wenn Sie Ihr Ohr noch nicht trainiert haben, um Unterschiede im Holz zu erkennen, um Ihnen zu helfen. die subtilen Unterschiede hören, wird empfohlen, dass Sie an einem ruhigen Ort auf eine gute Reihe von Lautsprechern hören. Hier spielen die Viola die Melodie und das Cello die Begleitung. Jeder Teil ist erschienen. Hambor I Hier haben wir das Video, die Melodie zu spielen, während das Fagott das Cello im Einklang auf der Begleitung verdoppelt . Dies fügt Farbe hinzu und verstärkt die Begleitung leicht, macht aber gleichzeitig den reinen Tambor des Videos zu einem herausragenden. Im Gegensatz dazu gibt es hier das Cello, das die Begleitung gut spielt. Die Oboe verdoppelt Viola und Unisono auf der Melodie. Das fügt Farbe hinzu und verstärkt die Melodie leicht, lässt aber gleichzeitig den puren Tambor des Cello auffallen. Im Gegensatz dazu haben wir hier die Viola und Oboe, die im Einklang auf der Melodie verdoppeln. Nun, das Fagott und Cello Doppel und Unisono auf der Begleitung. Der Klang ist voller, da sowohl Melodie als auch Begleitung verdoppelt werden, aber jetzt fehlt es an reiner Kammer. Hier. Alle Teile sind wieder einmal im Einklang als Beispiel für verdoppelt, außer dieses Mal haben wir ein Klopfen der Verdoppelung eingeführt, indem die Flöte die Melodie-Oktave höher spielen als die Oboe und Viola. Dies fügt Farbe hinzu und verstärkt die Melodie noch mehr. Es ist auch ein wenig Helligkeit zur Melodie, da die Flöte durch die Oktavverdoppelung mehr von ihrem eigenen Tambor behält, anstatt sich zu verschmelzen und zu einem echten Composite zu werden, wie bei der Unisono-Verdoppelung. Hier haben wir das gleiche Beispiel ist Beispiel fünf. Außer dieses Mal haben wir eine weitere aktive Verdoppelung hinzugefügt. Der Kontrabass verdoppelt bestimmte Tonhöhen im Sell auseinander, aber ein oder zwei Oktaven tiefer. Denken Sie daran, der Kontrabass klingt eine Oktave niedriger als diese EDS-Farbe geschrieben und verstärkt die Begleitung noch mehr. Die Pizzicato-Artikulation. Auch als ein gewisser Grad an Helligkeit behält der Kontrabass mehr von seinem eigenen Holz. Durch den Unterschied in der Artikulation und auch durch die Oktavverdoppelung ist ein geschickter Orchestrator in der Lage, die Verwendung reiner Tambor und Composite-Temper effektiv auszugleichen , um den gewünschten Sound oder Composite zu erhalten. Tambor könnte anders und neu sein. Denken Sie daran, dass Sie, wenn Sie ständig Tambor's mit der Unisono-Verdoppelung mischen, den Kontrast und den berauschenden Klang des reinen Tambors verlieren. Es ist abscheulich, den Tambor in einem Stück zu variieren, um eine fade, flach klingende Orchestrierung zu vermeiden . Aber seien Sie sich bewusst, dass sie sich ständig ändern. Tambor könnte Justus werden, eintönig wie selten Tambors ändern. 122. Doublings in einem Chord: Sehen wir uns jetzt Dublins im Kontext der Vereinbarung an. In der Orchestermusik ist die Option Verdoppelung im Inneren. Schnüre gut durch Notwendigkeit, vorhanden sein aufgrund der großen Anzahl von Instrumenten und deren Bereichen. Hier ist ein Beispiel für den Saitenabschnitt, der einen Akkord abspielt. Der Pitch D wird durch erste Violinen, das Cello und den Kontrabass in Oktaven verdoppelt , wobei die Oktave Zin verdoppelt, dieses Gericht als Verbundholz oder reiner Tambor betrachtet werden. Jedes Instrument spielt eine andere Tonhöhe, und so, technisch gesehen, ist der Tambor rein. Aber wieder einmal sehen wir die Wirkung, die musikalische Elemente auf Tambor haben können, da jedes Instrument in diesem Fall eines Teils von Accord das gleiche musikalische Element spielt , auf das das Holz stößt, etwas zusammengesetzt ist. Hier ist der gleiche Akkord mit Holzbläsern und Blechbläsern hinzugefügt. Jetzt haben wir sowohl aktive Doppel- als auch Einheiten und Dublins. Ich bemerkte, dass jede Tonhöhe die Verwendung von Unisono-Verdoppelung beinhaltet, um ein Verbundholz zu schaffen , mit Ausnahme des oberen D, gespielt von der Flöte, die ein reiner Tambor und eine Vier von der zweiten Trompete gespielt wird, die erschien auch. Tambor 123. Gründe für die Verdoppelung: 124. Ungleichheit aufgrund der Registrieren: ob Sie perfekte Unisono oder Oktavverdoppelung verwenden, muss er immer aufmerksam auf jedes Instrument sein. Registrieren Sie die Eigenschaften. So ist es nicht, ein Ungleichgewicht zu schaffen. Wenn schlechte Register gewählt wurden, können bestimmte Tonhöhen in Übereinstimmung auffallen, andere werden begraben und nicht verletzt. Die Wahl des Registers kann sich auch auf eine melodische Linie auswirken. In diesem Beispiel wird das Over am Anfang deutlich zu hören sein, da es sich in einem starken Register befindet, während sich die Flöte in einem schwächeren Register befindet. Gegen Ende der Linie wird die Grippe stärker zu hören sein, da sie in ihrem höheren Register am stärksten ist. Diese Art von Ungleichgewichten, manchmal gewünscht, es könnte ihn eine Menge klettern oder interessant machen, da verschiedene Instrumente mehr oder weniger prominent über die Dauer der Linie. Wenn auf der anderen Seite Sie auf der anderen Seitenach einer vollständigeren Mischung suchen, müssen Sie bei der Auswahl der Instrumente und Register vorsichtig sein 125. Ungleichheit aufgrund dynamischer Fähigkeit: 126. Gemeinde Doublings und Instrumentenkombinationen: 127. Quiz 20: 128. Score und Listening (Sek.20): 129. Schreibaufgaben (Sek. 20): 130. Monophone Textur: In den nächsten Vorträgen werden wir verschiedene Arten von Orchestertexturen diskutieren. Textur bezieht sich auf die verschiedenen Elemente, aus denen Musik besteht, wie Melodie und Harmonie und die Art und Weise, wie diese Elemente verwendet oder kombiniert werden. Textur zu verstehen ist ein wesentlicher Bestandteil des Schreibens für Orchester. Wir werden mit der einfachsten Art von Textur beginnen, die eine Monta-Textur ist. Das Wort „Monta phonic“ bedeutet einen Ton. Amman. Eine phonische Textur ist eine Textur, die ein einzelnes Element einbezieht. Die Melodie, die in der Kategorie der Modifizierung der Textur enthalten ist, unser perfektes Unisono, arktische Verdoppelung und parallele Verdoppelung. Beginnen wir mit perfektem Unisono, das die erste und grundlegendste Art von Modell Phonic Textur ist, die wir zuerst getroffen haben. Unison ist, wenn wir Unisono-Double ings in diesem Abschnitt auf Holz diskutiert Perfekte Unisono tritt auf, wenn jedes Instrument zu einem bestimmten Zeitpunkt in der Partitur spielt die gleichen Tonhöhen in der gleichen Oktave. Hier ist ein Beispiel für Amman, eine phonische Textur, die perfektes Unisono verwendet. Alle Transponierinstrumente sind geschrieben worden. Klang, Tonhöhen erzählen visuell illustrieren das perfekte Unisono. Perfect Unison wird oft verwendet, um eine kraftvolle Aussage eines melodischen Themas zu schaffen, das Ergebnis so vieler Instrumente, die die gleichen Tonhöhen spielen, erzeugt eine gemischte massive Farbe. In diesem Beispiel sehen wir, dass Busy so viele Instrumente wie möglich verwendet hat, um das Eröffnungsthema zu sehen. Wegen der Melodien wurden bestimmte Instrumente ausgelassen. Diese besondere Melodie ist zu niedrig für die Flöten und Oboen und zu hoch für den Kontrabass . Perfektes Unisono ist selten. Unsere kundenspezifische Musik. Wenn es auftritt und normalerweise nur für einen kurzen Zeitraum dauert, sind sie ein paar Gründe dafür. Erstens ist es eine besonders vereinfachte Textur. Sie können uninteressant werden, wenn sie länger als ein oder zwei Phrasen verwendet werden. Zweitens ist es schwierig, eine Melodie zu den Bereichen zahlreicher Instrumente gut geeignet ist zu schreiben . Bestimmte Instrumente spielen möglicherweise zu hoch oder zu niedrig in ihrer Reichweite. daher nicht sicher heraus, Heben Sie sichdaher nicht sicher heraus,indem Sie sich mit dem Ganzen vermischen. Die nächste Art von Monta phonic Textur ist Oktavverdoppelung. Wir stießen zum ersten Mal auf eine aktive Verdoppelung im Holzabschnitt. Hier sprechen wir davon in Bezug auf die Textur. Aktive Verdopplung gilt immer noch als modifizierende Textur, da keine neuen Elemente hinzugefügt wurden . Das eine Element, das die Melodie einfach inaktiv abgespielt wird. Ein Vorteil der Oxford-Verdoppelung ist, dass es dem Komponisten ermöglicht, jedes Instrument in einem geeigneten Spielbereich zu platzieren , so dass es nicht auffällt. Hier ist ein Beispiel für Amman, eine phonische Textur mit arktischer Verdoppelung. Beachten Sie, dass die melodische Linie zu Beginn über vier Oktaven verteilt ist, - eine Textur, die - eine ausschließlich aus Oxford besteht. Verdoppelung ist selten in unserer Custom Music, aber nicht so selten wie perfekt. Unison, wenn es auftritt, dauert der Regel nur für einen kurzen Zeitraum und wird als dramatischer T-Effekt verwendet. In diesem Punktebeispiel sehen wir, dass der Ochse der Verdoppelung der Textur nicht sehr lange hält. Puccini ist durchsetzt mit Schnüren für eine Vielzahl von Texturen. Eine andere Art von Monta phonic Textur kann in der Technik der parallelen Verdoppelung gesehen werden. Obwohl aktive Verdoppelungszonen technisch auch Eltern Geschwister sind, ist der Begriff parallele Verdopplung für andere Intervalle als inaktiv reserviert. Die häufigste parallele Verdoppelung Zehr stieg in sechs weniger häufig oder Viertel und Fünftel parallele Verdoppelung Werke am besten, wenn sie von der gleichen Art von Instrument oder zumindest von meist homogen klingenden Instrumenten gespielt werden. Dies ist besonders wichtig, wenn andere Texturen gleichzeitig auftreten, wie bei komplexen Texturen. Aber wahr, um in Kürze mit den gleichen Instrumenten zu lernen, die Textur ist mir klarer durch Tambor. Hier ist ein Beispiel für Amman, eine phonische Textur. Sie verwenden parallele Verdoppelung, gespielt von drei Trompeten. Parallele Verdoppelung gilt immer noch als mono-phonische Textur, da es keine tatsächlichen neuen Elemente gab. Das eine Element, die Melodie wird einfach gebetet, mit Intervallen bei der Verwendung von perfektem Unisono und Arktis Verdoppelung der Melodien verstärkt, aber mit paralleler Verdoppelung wird die Melodie in einer anderen Weise verstärkt, wird verstärkt harmonisch. 131. Homophonic: eine der häufigsten Arten von Textur und Musik ist zu Hause eine phonische Textur. Das Wort Homo phonic bedeutet die gleichen Töne. Diese Textur besteht aus einer einzigen Melodie mit harmonischer Begleitung, obwohl Melodie und harmonische Begleitung zwei sehr unterschiedliche Elemente sind. Wir bezeichnen sie als die gleichen Klänge, weil sie so zusammengefasst sind, dass einen ganzen und vollständigen Klang bilden. Hier ist ein Beispiel für zu Hause eine phonic Textur Flöte. Man spielt die Melodie gut, Flöte zu den Klarinetten und die Person sorgen für die harmonische Begleitung. Harmonische Begleitungen könnten entweder stützend oder bewegend sein wie gebrochene Akkorde und andere harmonische Figuren. In diesem Beispiel hält die harmonische Begleitung in einem Haus, eine phonische Textur. Die Melodie hat immer Vorrang vor der harmonischen Begleitung. Die Melodie kann durch verschiedene Mittel in den Vordergrund gebracht werden, unter anderem mit einem Kontrastinstrument Tambor für die Melodie, mit einer lauteren Dynamik für die Melodie, indem sie die Melodie und ah, ihr registriertes als die Begleitung. Durch die Verdoppelung der Melodie in Oktaven oder eine Kombination dieser Techniken, 132. Polyphonic: eine polyphone Textur ist eine Textur, die aus zwei oder mehr unabhängigen melodischen Linien für sie gleichzeitig besteht, das Wort polyphone bedeutet viele Klänge. Obwohl es keine harmonische Begleitung in einer polyphonen Textur gibt, ergeben sich Harmonien aus der vertikalen Interaktion der Noten. Melodische Linien und polyphone Texturen können ähnlich sein, wie in einigen, aber häufiger sind sie völlig unterschiedliche melodische Themen gleichzeitig zu hören. Diese völlig unterschiedlichen Themen können zuvor im Stück getrennt gespielt worden sein, und sie dann später zusammen gespielt, oder sie können aus völlig neuem Material bestehen. Hier ist ein Beispiel für nachahmende Polyphonie. Das melodische Thema beginnt mit der ersten Gewalt alle vier Maßnahmen. Das gleiche Thema hat wieder begonnen, mit einem anderen Satz von Instrumenten in einem anderen Intervall oder aktiv. Der daraus resultierende Klang ist kompliziert und ziemlich beeindruckend. Hier ist ein Beispiel für nicht nachahmende Polyphonie. Das Hauptthema wird von den Videos und Untiefen gespielt, während Fagott und Kontrabass zwei verschiedene Gegenmalmaladies gespielt. Gegenmelodien sind untergeordnete Melodien oder sekundäre Melodien. Wann immer Sie Gegenmelodien schreiben, müssen Sie sicherstellen, dass Sie nicht überschatten die primäre Melodie. Es gibt ein paar Möglichkeiten, um sicherzustellen, dass dies nicht geschieht. Markieren Sie die primäre Melodie mit einer Leiter Dynamik wurden die primäre Melodie und eine stärkere und auffälligere Register als die sekundäre Melodie platziert . Oder verstärken Sie die primäre Melodie mit Unisono, Dublins oder besser noch mit Doctor of Dublin's Wenn Sie eine polyphone Textur für Orchester schreiben , kann dies aufgrund der schier Anzahl von Instrumenten auftreten. Es kann überlappende Tonhöhen geben, die auftreten, wenn zwei Melodien Fleisch auf der gleichen Tonhöhe in der gleichen entschieden für einen kurzen Moment. Es kann auch eine Kreuzung von Linien geben, was bedeutet, dass entweder eine höhere Linie unter eine untere Linie fällt oder eine untere Linie über eine höhere Linie steigt . Für einen kurzen Moment sollten Sie versuchen, diese beiden Szenarien so weit wie möglich zu vermeiden, insbesondere Linien zu kreuzen, so dass jede Linie deutlich zu hören ist und der Ton nicht schlammig wird . Eine Möglichkeit, Kreuzlinien zu vermeiden, besteht darin, keine Oktavverdoppelung für die Zwischenlinien zu verwenden . Verdoppelung in ihren Linien wird fast immer zur Kreuzung von Linien führen. Jede aktive Verdoppelung wird verwendet. Sie sollten die höchste Linie um eine Oktave darüber mit dem niedrigsten Vorzeichen verdoppeln, eine Oktave darunter. Wenn Sie genug tun, haben Sie keine Überlappungen oder Kreuzlinien. Sie können helfen, einige der Verwirrung zu beseitigen, die Liste oder können erleben, indem Sie Instrumente mit merklich unterschiedlichen Hölzern für jede Linie verwenden. Denken Sie daran, Textur wird durch die Kammer klarer gemacht. 133. Chordal: weil das Thema Scoring Schnüre ist langwierig , mit Diskussionen über Tambor Voicing Abstand und Balance. Wir werden den gesamten nächsten Abschnitt diesen Themen widmen. In dieser Vorlesung. Wir werden natürlich im Allgemeinen sprechen, natürlich im Allgemeinen sprechen, im Allgemeinen sprechen, da sie sich auf die Textur beziehen. Sie sind im Grunde zwei Arten von Quartiltexturen, diejenigen, die ein streng harmonisches Element ausdrücken, und diejenigen, die beide ein harmonisches Element ausdrücken . Tier aus dem Element. Hier ist ein Beispiel für eine Cornel-Textur, die ein streng harmonisches Element ausdrückt. Quartil-Texturen sind typischerweise zu Hause arrhythmisch, was bedeutet, dass jede Linie am meisten ist. Die Linien werden den gleichen Rhythmus haben. Wenn sie auf ein Panel reduziert wird, wird die Punktzahl sehr leicht, um die Quartil-Textur zu sehen. Es gibt ein harmonisches Element und eine rhythmische Elemente, aber nicht wirklich ein melodisches Element vorhanden. Hier ist ein Beispiel für eine quartile Textur, die sowohl ein harmonisches Element Tier aus Elementen ausdrückt . Dieser Auszug aus Mueller ist eine Illustration des Teilschreibens Teil Writing besteht in der Regel aus vier einzigartigen Teilen genannt Stimmen. Die Top-Stimme umreißt meist eine Melodie, die anderen darunter liegenden Stimmen tragen zu einer vertikalen harmonischen Struktur bei. Obwohl diese anderen Stimmen Teil der harmonischen Struktur sind, sind sie auch Ursache, dass ich melodische Natur. - Auf den ersten Blick mag es so aussehen, als ob es im Mahler Beispiel fünf Stimmen gibt, aber die Tuba und Kontroverse, die hier nicht gezeigt werden, verdoppeln nur die vierte Posaune Müssen sich die Zeittrumpfungen auf zwei und drei auch im ersten Linienmaß ? Nur in der zweiten Maßnahme zu lügen, um einen wahren Geschmack von fünf verschiedenen Teilen zu bekommen. Hier ist eine Reduktion, so dass Sie leichter sehen können, wie sich jede Stimme innerhalb des Ganzen bewegt, - einige klassifizieren fälschlicherweise Teilschreiben als ein Zuhause, eine phonische Textur. Es mag ähnlich wie zu Hause eine feine Textur erscheinen, weil es eine bestimmte Melodie und wahrgenommene zugrunde liegende Harmonie hat . Aber da diese zugrundeliegende Harmonie tatsächlich aus einzelnen, quasi melodischen Stimmen besteht, die der Melodie ungefähr gleichwertig sind, ist sie nicht wirklich, ah, harmonische Begleitung. Part Schreiben ist auch manchmal wurde es als polyphone Textur über beide Verwendung von gleichzeitigen melodischen Stimmen genommen. Es gibt eine wichtige Unterscheidung geben Bewertung. Jede Stimme, alle getrennt und einzigartig, setzt auf die anderen Stimmen, um eine beabsichtigte vertikale harmonische Struktur zu schaffen. Diese Stimmen Luft miteinander verbunden. Es würde nicht sehr gut für sich allein als unabhängige Maladies stehen. Mit Ausnahme der Hauptstimme, die typischerweise die Top-Stimme und wahrscheinlich Fonda ist, ist das Erstellen jeder Stimme völlig unabhängig von den anderen und könnte sehr gut alleine stehen . Ja, Harmonien können sich aus der vertikalen Platzierung der Noten ergeben, aber die primäre Absicht eines Dichters feine Textur ist melodisches Schreiben, nicht ihre Monica Schreiben Jeder Orchestrator sollte Wissen und Erfahrung haben und vier Teil schreiben. Wenn Sie mit dem vierteiligen Schreiben nicht vertraut sind, ist es dringend empfehlenswert, dass Sie einen Kurs in ihm nehmen. Traditionelles vierteiliges Schreiben wird weiterhin an Universitäten gelehrt und ist ein wesentlicher Bestandteil der Musik. Bildung, natürlich, in für Portraying ist auf Ihnen zur Verfügung, von diesem Lehrer. 134. Komplexe Textur: die endgültige Art der Textur, werden wir auf seine komplexe Textur aussehen. Komplexe Textur ist eine beliebige Kombination von zwei oder mehr Arten von Texturen. Eine der häufigsten komplexen Texturen ist die Kombination eines Hauses, einer phonischen Textur mit der polyphonen Textur. Diese Art komplexer Textur erscheint typischerweise und punktet im folgenden Format eine primäre Melodie, eine sekundäre Melodie und eine harmonische Begleitung. Hier ist ein Beispiel für eine komplexe Textur. Hier sehen wir die Klarinette, die die Primärmelodie gegen die sekundäre Melodie der Flöte kurz davor spielt . In der Partitur war die Textur streng zu Hause. Ein Phonic und die Flöte hatten die primäre Melodie gespielt. Beachten Sie, dass die harmonische Begleitung aus drei verschiedenen Elementen besteht. Violine, Viola und Violoncello sorgen für ein nachhaltiges Element. Die Harfe bietet ein bewegliches Element, und der Kontrabass Pizzicato sorgt für eine Verstärkung und Färbung der Keller. Dies sorgt für Abwechslung und trägt zur mündlichen Dimension der harmonischen Begleitung bei. - Wenn alle Elemente in der Textur gleich gewichtig sind, dann wird es keinen Tod für die Textur geben, nur ein massiver Klang. Ein geschickter Komponist Orchestrator weiß, wie man jeden Teil der Textur ausbalanciert, so dass bestimmte Teile prominenter sind als andere. Dies ist eine sehr wichtige Aufgabe. Dies bringt uns zum Thema der drei Gründe Vordergrund-Mittel- und Hintergründe. Lassen Sie uns definieren, jedes Vordergrundmaterial ist das, was bedeutender als alles andere gehört werden soll. Dies ist typischerweise die Melodie. Obwohl Sie Vordergrundmaterial lauter als alles andere markieren können, sollten Sie sich nicht einfach auf dynamische Ebene verlassen, um es in den Vordergrund zu bringen. Sie können dies auch erreichen, indem Sie ein kontrastreiches oder lebendiges Holz verwenden, indem Sie ein Instrument stärkste Register verwenden oder die Melodie höher als die anderen Instrumente platzieren. Mittelgrundmaterial ist das, was weniger prominent sein soll als das Vordergrundmaterial , aber immer noch ziemlich auffällig ist. Dies ist typischerweise ein Gegenmal-Maliti oder wichtiges Motiv IQ-Material. Obwohl Mittelgrundmaterial auf einer niedrigeren dynamischen Ebene als das Vordergrundmaterial markiert werden könnte , um es weniger prominent zu machen, sollten Sie sich nicht allein auf diese Praxis verlassen. Andere Methoden umfassen die Verwendung von weniger lebendigen Tambor schwächeren Instrumentenregistern. Wir platzieren das Mittelgrundmaterial niedriger als das Vordergrundmaterial Hintergrundmaterial ist das, was am wenigsten dauerhaft verletzt werden soll. Dies ist typischerweise die harmonische Begleitung. Die harmonische Begleitung könnte nachhaltig, bewegend oder beides sein. Wenn es sich bewegt, denken Sie daran, dass je aktiver auseinander ist, desto mehr Aufmerksamkeit wird es auf sich ziehen. Obwohl Sie Hintergrundmaterial auf einer niedrigeren dynamischen Ebene als im Vordergrund des mittleren Grundmaterials markieren können , sollten Sie sich nicht einfach auf dynamische Ebene verlassen, um es weniger prominent zu machen. Sie können dies auch erreichen, indem Sie weniger aktives Material verwenden, indem Sie milde Tambor verwenden oder indem Sie mittlere Register von Instrumenten in der Mitte der Register Luft verwenden, die gut für Hintergrundmaterial geeignet ist, da sie weniger auffällig sind als extreme Register. Nun, da wir Vordergrund-Mittelgrund und Hintergrund diskutiert haben, schauen wir uns ein ausführlicheres Beispiel für komplexe Textur an. Um all diese Stiche auf den Bildschirm zu passen, musste die Größe reduziert werden, und so steht Ihnen ein großes Beispiel mit dieser Vorlesung als Download zur Verfügung. Das Vordergrundmaterial besteht aus vier Trompeten, die die Melodie spielen. Das Mittelgrundmaterial besteht aus zwei Posaunen, die Luft spielen die Zähler Maliti. Das Hintergrundmaterial besteht aus Violinen, oberen Holzbläsern und Glockenspiel, die das bewegliche harmonische Begleitbild spielen . Die unteren Saiten und es gab Holzbläser spielen die Kordell harmonische Begleitung. Wir spielen das Audio dreimal jedes Mal ab. Achten Sie auf ein anderes Element. Hören Sie zuerst auf den Vordergrund. Hören Sie nun auf den Mittelweg und hört schließlich auf den Hintergrund. Schreiben einer komplexen Textur mit der richtigen Balance des Vordergrund-Mittelgrunds auf dem Hintergrund dauert viele Jahre des Studiums, der Orchestrierung, um qualifiziert zu werden. Aber im Allgemeinen, was Sie sich daran erinnern müssen, ist es. Der Hörer folgt typischerweise dem lautesten Teil, dem melodischsten Teil, dem höchsten Teil. Der Teil mit dem lebhaftesten Tambor und dem aktivsten Teil. Die meisten Orchesterkompositionen bestehen nicht aus einer einzigen Art von Textur. Verwendung einer einzigen Textur für ein ganzes Stück wäre absolut eintönig. Für den Zuhörer ist es notwendig, zwischen den verschiedenen Arten von Texturen zu wechseln, um Abwechslung und anhaltendes Interesse an der Musik zu schaffen . Obwohl es wichtig ist, die Textur in einem Stück zu variieren, um eine fade und flach klingende Orchestrierung zu vermeiden , können sich ständig verändernde Texturen zu Justus eintönig werden, da sie die Textur wirklich verändern. Als Komponist muss man die richtige Balance zwischen diesen beiden Extremen finden. Wir werden mehr über Textur im letzten Abschnitt des Kurses sprechen 135. Quiz 21: 136. Score und Listening Listening Listening: 137. Schreibaufgaben (Sek. 21): 138. Abstände: 139. Gesangs: In der letzten Vorlesung haben wir etwas über Abstände erfahren. Die andere grundlegende Komponente, die bei der Scoring-Schnüre berücksichtigt werden muss, ist Voicing. Voicing ist die Art und Weise, in der verschiedene Instrumente mit einem Akkord angeordnet sind. Es gibt fünf Arten von Voicing. Wir werden jeden der fünf Typen hier definieren, bevor wir uns ansehen, wie Schnüre in verschiedenen Sektionen des Orchesters typischerweise geäußert werden. Sie kennen die folgenden Beispiele. Paar eins bezieht sich auf zwei der gleichen Art von Instrument. Paar Zwei bezieht sich auf zwei von einer anderen Art von Instrumentenprüfungen zur Positionspaare von ersetzten Instrumenten , eines über der anderen ineinandergreifenden. Die untere Note des oberen Paares befindet sich unter der oberen Note des unteren Paargehäuses . Ein Instrumentenpaar ist von einem anderen Instrumentenpaar umgeben, eine oder mehrere Tonhöhen überlappt. Luft verdoppelt sich im Unisono durch die Paare von Instrumenten Single-Voicing. Jede Tonhöhe des Platzes wird von einem anderen Instrument gespielt 140. Chord für Voicing: jetzt, da wir die fünf Arten von Stimmen definiert haben, wir einen Blick darauf, wie Schnur Sie typischerweise in den verschiedenen Abschnitten des Orchesters sprechen . Wir fangen mit der Woodman-Familie an. Gegenüberstellung ist wahrscheinlich die am häufigsten verwendete Voicing für Holzbläserakkorde, typischerweise die Paare oder die Platzierung der Reihenfolge des Registers, wobei die höheren Instrumente die höheren Tonhöhen der Schnur spielen und die unteren Instrumente die unteren Stellplätze des Gerichts nach der Gegenüberstellung. Interlocking ist wahrscheinlich die zweithäufigste Voicing für Whitman Gerichte. Einige finden die Definition von Verzahnung als langwierig und verwirrend. Es kann einfacher sein, einfach der Verzahnung als Wechsel zwischen Instrumentenpaaren zu denken , wie in diesem Beispiel, von oben nach unten, Wir haben Oboe, Klarinette, Oboe, Klarinette ineinandergreifend, ermöglicht die Tambor von verschiedenen Instrumenten mit einem Akkord in einer einzigartigen Art und Weise neu gemischt. Aber mit dieser Mischung kommt das Risiko eines Ungleichgewichts und das folgende Beispiel. Der Ellbogen würde sich über der Flöte abheben, weil die Oboe in diesem unteren Register stärker ist , während die Flöte schwächer ist und ihr niedriges Register. Dies ist ein Grund, warum es so wichtig ist zu wissen, die einzigartigen Stärken und Schwächen jedes Instrumentenregister Gehäuse trägt das gleiche Risiko der Unbalance wie Verriegelung. Das Stimmen des Instrumentenpaares beim Schließen des anderen Paares ist normalerweise eine Oktave oder mehr auseinander. Dies bedeutet, dass die niedrigste Note in der höchsten Ehre unterschiedliche Stärken und Holz haben wird , weil sie höchstwahrscheinlich verschiedene Register insgesamt und geschlossen waren. Voicing vermischt sich nicht so gut wie ineinandergreifendes Voicing für Holzbläser und wird nicht so häufig überlappend verwendet . Voicing war vor dem 20. Jahrhundert häufiger. Heute ist es vor allem für benutzerdefinierte t Passagen verwendet, wenn Überlappung verwendet wird, äußern ihre beiden Fragen, um die ersten Geschäfte mit reinem und Verbundholz zu betrachten. In diesem Beispiel lüften die oberen und unteren Krüge rein. Während die mittlere Tonhöhe zusammengesetzt ist, kann sich dies auf die Gesamtfarbe auswirken, die Sie innerhalb des Platzes erreichen wollten. Das andere Problem mit der überlappenden Stimme ist, dass die im Einklang gebeteten Seillänge etwas mehr Volumen haben werden . Die Bilder, von einzelnen Instrumenten gespielt werden, die mittlere Tonhöhe in diesem Beispiel, heben sich leicht hervor, da sie doppelt durch Flöte und Oboe ist. Manchmal könnte dieses Ungleichgewicht genau das sein, was wir beabsichtigen. zum Beispiel versuchen, Wenn wirzum Beispiel versuchen,die Wurzel eines Gerichts zu betonen, könnten wir Probleme lösen und ausgleichen, die durch Überlappung verursacht werden, wenn drei verschiedene Instrumentenpaare verwendet werden. Hier sind ein paar gängige Optionen. Wie Sie in diesen Beispielen sehen können, wird jede Tonhöhe von zwei Instrumenten gespielt. Wenn Sie für drei von jedem Holzbläser geschrieben haben, anstatt für zwei von jedem, das Ungleichgewicht, das durch Überlappung verursacht wird, noch leichter weich. Zum Beispiel mit drei Flöten und drei Klarinetten können wir mit drei Flöten und drei Klarinetteneinfach einen Akkord mit drei Noten überlappen, und das Holz wird vollständig zusammengesetzt sein. Einzelstimme sollte in Schreibgerichten für Holzbläser vermieden werden, es wird in der Regel nur in kleinen Ensembles verwendet, wo es nur eines von jedem Holzblasinstrument gibt . Wenn Sie unbedingt ein Wort oder vor Gericht und einzelne Stimme schreiben müssen, verwenden Sie keine Nahposition. Wenn Sie dies tun, die verschiedenen, Tambor wird schwer zu balancieren, und die Spieler werden es schwer finden, in zwei miteinander zu spielen. Stattdessen sollte er immer einstimmige Akkorde in offener Position richtig machen. Dies wird eine viel bessere Balance haben und desto einfacher zu spielen 141. Chord für Messing: 142. Chord für Stränge: beim Punktieren von Schnüren für Holzbläser oder Messing, sahen wir, dass es Probleme mit der Mischung und Balance mit Saiten gab, diese Probleme oder weniger ein Problem. Dafür gibt es zwei Gründe. Die erste ist, dass Saiten viel homogener sind und Holz daher leicht miteinander verschmelzen kann. Der zweite Grund ist, dass sie stehen. Stärke ist ziemlich gleichmäßig in den Registern, von niedrig bis hoch in den folgenden Dias, der Kontrabass würde notiert werden, es klingt Tonhöhe, so dass der Abstand der Schnüre in der Regel gesehen werden kann. Gegenüberstellung ist die häufigste Art von Voicing für das Scoring von Saitenakkorden. Saitenakkorde wie Schnüre für Holzbläser oder Messing sind in der Regel Raum, um dem Abstand in den harmonischen Siri Intervallen oder größer in der Nähe der Unterseite der Kordel zu ähneln . Ich denke, es ist kleiner, kleiner in der Nähe der Spitze. Sie können feststellen, dass in diesem Beispiel von sechs an der Oberseite der Schnur verwendet wird. Dies ist oft wirksam, da es vor dem Hauptgericht gefunden werden kann, das in harmonischen Reihen skizziert wird. Interlocking Voicing ist wahrscheinlich die zweithäufigste Voicing für Streichakkorde und wird oft mit Doppelstopps oder DIV verwendet . Einfaches Gehäuse ist extrem selten. Fakturierung von String-Courts. Überlappung wird selten verwendet, aber wenn sie verwendet wird, schafft es eine einzigartige Mischung aus Holz. Alle Tonhöhen in diesem Beispiel wären gleichzeitig zu hören. Sie wurden gerade ausgebreitet, so dass Sie leichter sehen können, welche Instrumente sich überlappen. Denken Sie daran, dass beim Schreiben in visi Sie beim Schreiben in visinicht jeden Streicherabschnitt in mehr als zwei Gruppen unterteilen dürfen, es sei denn, Sie haben für ein professionelles Orchester geschrieben , das genug von jedem Instrument hat, um Abschnitte in Gruppen zu unterteilen . von drei oder vier. Einzelstimme eines Instrumentes pro Stimme, das nicht für Holzbläser oder Blechbläser verwendet werden soll, kann in Scoring-Courts für Streicher verwendet werden, da es weniger Probleme mit Mischung und Balance gibt. 143. Akkorde für Orchester: 144. Quiz 22: 145. Score und Listening (Sek.22): 146. Schreibaufgaben (Sek.22): 147. Wer was und wie lange: 148. Sektion spielst Frequenz: ein häufiger Fehler. Der Beginn der Orchesterkomponisten bedeutet, dass alle oder die meisten Instrumente die ganze oder die meiste Zeit spielen . Es gibt zwei Probleme damit. Erstens, wenn zu viel los ist. Gleichzeitig wird der Hörer oft Teile der Musik übersehen oder vermissen. Zweitens kann jeder Abschnitt des Orchesters vom Hörer nur für einen bestimmten Zeitraum toleriert werden . Vor sind alle Müdigkeit setzt in, es wird nützlich sein, sich an die folgenden zu erinnern. Je größer die Intensität des Klangs ist, desto schneller wird es am Ohr tragen. Wenn Becken Abstürze, zum Beispiel, wurden für 30 Minuten gerade gespielt, der Sohn würde unerträglich werden, weil der Klang des Becken sehr intensiv abstürzt. Wenn andererseits 30 Minuten lang die Violine gespielt werden sollte, würde es uns gar nichts ausmachen, weil es im Orchester mild klingt. Jeder Abschnitt hat einen gewissen Grad an Intensität, die Reihenfolge der Abschnitte von intensivsten bis am wenigsten intensiv. Seine Perkussion presst Holzbläser, dann Streicher. Die Intensität eines Abschnitts hat eine direkte Korrelation zum Prozentsatz der Zeit, die ein Abschnitt normalerweise während eines Stücks spielt. Also nach dieser Liste sollte der Perkussion-Sektion für die geringste Menge an Malen spielen, da es die intensivste ist, der String-Sektion für die größte Menge an Zeit, da es die Leasingintensiv ist, können wir sehen dass dies in der Regel der Fall ist, wenn wir analysiert oder Zoll Partituren der großen Komponisten. Schauen wir uns die berühmte Symphonie an, um ein Gefühl davon zu bekommen, wie häufig jeder Abschnitt des Orchesters in den folgenden Charts Platz hat. Jeder Satz von Tschaikowskys Symphonie Nummer sechs wurde gemessen für Maß analysiert, um den Prozentsatz der Zeit jeder Abschnittplatte zu bestimmen. Obwohl diese Zahlen für jedes Stück, Komponist und jeden Zeitraum etwas anders sein werden. Dies gibt Ihnen eine allgemeine Vorstellung davon, wie oft Sie Abschnitt Platz. Unterbrechen Sie das Video, um die Diagramme hier zu studieren, die Prozentsätze für alle vier Bewegungen kombiniert. Wie Sie sehen können, je intensiver Abschnitt ist, desto seltener ein Ort bedeutet dies, dass Sie, wenn Sie ein Musikstück schreiben, verfolgen müssen, wie viele Maßnahmen jeder Abschnitt spielt. Natürlich nicht. Als Jackowski diese Symphonie schrieb, zählte er nicht die Anzahl der Messgrößen, die die Blechbläser spielten, um festzustellen, ob er zu viel oder zu wenig Brüste hatte. Er wusste nur instinktiv, was eine gute Menge Messing sein würde. Als beginnender Komponist für Orchester, behalten Sie diese Prozentsätze einfach als Leitfaden im Auge, und versuchen Sie, sich bewusst zu sein, wie oft Sie jede Sektion verwenden. Sie haben vielleicht bemerkt, dass die Saiten fast 100% der Zeit spielen. Neben ihrem milden Klang gibt es noch eine Reihe anderer Gründe für diese Saite. Spieler mussten nicht wie Holzblas- oder Bläserspieler atmen und können daher für längere Zeiträume spielen. Saiten sind sehr agil, sind in der Lage, mehr Spieltechniken als jedes andere Instrument. Sie haben ein extrem großes Sortiment, sowohl einzeln als auch als Gruppe. Es gibt fast keine Probleme mit dem Mischen oder Ausgleich. Dynamik wird nicht durch Register wie Holzbläser und Messing beeinflusst. Und nun wenden wir uns der Frequenz von zwei T zu. Wie oft sollte das gesamte Orchester zusammen zu T gespielt werden, bedeutet nicht unbedingt, dass jedes einzelne Instrument spielt. T. bezieht sich auch auf Fälle, in denen eine Mehrheit der Ebene des Orchesters in der gleichen Symphonie. Wir finden die folgenden Prozentsätze von zwei T Passagen. Wenn Sie diese Grafik mit den vorherigen Graphen vergleichen, sehen Sie, dass der Prozentsatz der Zeit, die eine Mehrheit des Orchesters zusammen spielt, viel geringer ist als der Prozentsatz der Zeit, die die Streichholzbläser oder Blechbläser spielen, um zu reißen in der Regel in Höhepunkten und anderen Schlüsselmomenten in einem Stück verwendet. Wenn die Mehrheit des Orchesters die meiste Zeit spielt, dann gibt es absolut keine Möglichkeit für Höhepunkte oder Kontraste, und das Publikum wird schnell erleben oder Müdigkeit. 149. Section: 150. Instrument: nur ein Z. Jede Sektion des Orchesters hat einen unterschiedlichen Intensitätsgrad, Art von Instrumenten in jedem Abschnitt. Daher können wir die gleiche Richtlinie in Bezug auf alle müde auf einzelne Instrumente anwenden. Je größer die Intensität des Klangs ist, desto schneller wird es in der Luft tragen. Wir werden erneut Tschaikowskys Symphonie Nummer sechs als unseren Fall verwenden, diesmal berechnen wir den Prozentsatz der Zeit, die jedes Instrument spielt. Unterbrechen Sie ein Video, um die einzelnen Grafiken zu studieren. - Hier sind alle vier Bewegungen kombiniert. Was können wir aus diesen Informationen lernen? Die Gurke wird viel seltener verwendet als die anderen Woodman. Es klingt zu intensiv, um über längere Zeit gehört zu werden. Die Oboe ist bald intensiver als die Flötenklarinette, und so wird sie etwas seltener verwendet, da der Klang des Horns weniger intensiv ist und die anderen Blechblasinstrumente, wird das Horn typischerweise häufiger spielen als jede der Brüste. Da das eine auch die Brücke zwischen dem Holzbläser und dem Blechteil ist, wird es oft so oft spielen wie einige der Wälder. Die Pauken spielen in der Regel häufiger als jedes andere Schlaginstrument, manchmal genauso viel wie das schwere Blechbläser. Die Trompeten, Posaunen und Tuba unbestimmte Tonhöhe Perkussion spielen sehr selten, da unbestimmte Tonhöhen intensiver sind und schnell dort, wo im Jahr alle Streicher ungefähr die gleiche Zeit spielen. Denn im Gegensatz zu den Holzbläsern und Blechbläsern sind die Saiten fast gleich intensiv. Alle Unterschiede sind in erster Linie auf die Arten von Aufgaben zurückzuführen, die sie ausführen, und nicht auf die Unterschiede in der Intensität. Diese Analyse betrachtete nur die allgemeine Intensität jedes Instruments. Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass alle Instrumente tendenziell intensiver in ihren extremen Registern sind. Wie oft sie in ihren Extremregistern spielen, muss auch bei der Entscheidung berücksichtigt werden , wie häufig sie gehört werden sollen. Ein weiterer Faktor ist die dynamische Intensität. Ein gestampft ihn, zum Beispiel, könnte häufiger verwendet werden, wenn Pianissimo gespielt. Dann, wenn es gespielt wird fortissimo 151. Instrument: 152. Quiz 23: 153. Score und Listening (Sek.23): 154. Schreibaufgaben (Sek.23): 155. Andere Aufrufe und Textur: 156. Verdoppelung in der Harmonic: im Abschnitt über Scoring Schnüre haben wir gesehen, wie die harmonischen Siri als Modell für Spacing Courts verwendet wird. Es ist auch ein Vorbild dafür, wie oft wir die Tonhöhen in Übereinstimmung verdoppeln sollten. Viele beginnende Komponisten und Orchestratoren machen den Fehler, das dritte von Accord so häufig oder öfter zu verdoppeln , dann die Wurzeln oder das Fünfte von Accord. Sie denken fälschlicherweise, dass alle Stellplätze haben keine gleiche Bedeutung und sollten gleich oder noch schlimmer gehört werden , dass da die dritte bestimmt die Qualität des Gerichts große Erinnerung. Es sollte daher hervorstechen. Werfen wir einen weiteren Blick auf den Beginn der harmonischen Siri auf See und zählen die Seillänge des C-Dur Hofes. Wir finden, dass C fünfmal auftritt, G tritt dreimal auf und e tritt nur zweimal auf. Daraus können wir folgendes schließen. Innerhalb jeder grundlegenden Tonhöhe gibt es ein natürliches Auftreten von doppelten Tonhöhen. Die Wurzel eines großen Akkord ist die am häufigsten doppelte Tonhöhe, die fünfte und dann die dritte. Nun, da Sie sich dieser Tatsache bewusst sind, werfen wir einen Blick auf das, was tatsächlich passiert, jedes Mal, wenn Sie sich entscheiden, eine Tonhöhe in Übereinstimmung für jedes G zu verdoppeln, das Sie in einem C-Dur-Akkord verdoppeln. Sie im Wesentlichen fügen im Wesentlichen auch alle Obertöne aus der harmonischen Serie von G in den Gesamtklang ein. Dies ist kein großes Problem, weil die meisten unteren Partials, bis 11, im Schlüssel von C-Dur stehen und daher nicht zu viel Dissonanz erzeugen werden. Höhere Teilbereiche Luft nicht so hörbar wie niedrigere Partiale und verursachen nicht so viel von einem Problem . Nun schauen wir uns an, was passiert, wenn Sie das Drittel des Dur Akkord für jedes E verdoppeln, das Ihr Doppel- und einen C-Dur-Akkord Sie sind, im Wesentlichen auch alle Obertöne der harmonischen Syriza e in den Gesamtklang hinzufügen. Dies wird zu einem Problem wegen der Teilnummer fünf, die ziemlich laut ist, weniger ein Problem wegen der höheren Partialen 9 10 11 und 15. Dies wird viel mehr Dissonanz in Ihrer Schnur erzeugen. daher Um die akustisch reinsten glänzenden Schnüre zu konstruieren, sollten wirdahernicht nur Schnüre nach den Abständen, die in den harmonischen Siri umrissen sind, sondern sie auch modellieren, nachdem, wie häufig die Hoftöne in den Siri wiederkommen. Hören wir uns einige Beispiele an, um zu hören, wovon wir eigentlich sprechen. Hier ist Accord für Saiten mit schlechtem Abstand und Doug Ling. Der dritte tritt dreimal auf. Die fünfte tritt einmal auf, und die Wurzel tritt zweimal die unteren Tonhöhen auf oder nicht weit genug auseinander. Hier ist der gleiche Akkord mit Abstand und Verdoppelung, der dem harmonischen Siri ähnelt. Die dritte tritt auf, sobald die fünfte zweimal auftritt, und die Wurzel tritt dreimal die unteren Tonhöhen Luft weit genug auseinander. 157. Contrasting Markierungen: 158. Instrumente hinzufügen: 159. Satzung: Es ist nicht immer notwendig, eine ganze Linie zu verdoppeln, um Farbe hinzuzufügen. Es kann auch effektiv sein, Farbe hinzuzufügen, indem Schlüsselteile der Linie unterbrochen werden. Das folgende Beispiel stammt aus der Eröffnung des Zauberlehrlings, meines Geflügelhauses. Hier sehen wir den Piccolo und die Flöte, die die Tonhöhen in der Linie verdoppeln, gespielt von der ersten und zweiten Geige. Statt einfach nur Piccolo und Flöte die gleiche Tondauer wie die Geigen spielen zu lassen. 1/4 Note Tiger 16. Acosta gibt ihnen ein rhythmisches Motiv, das nicht nur die einzelnen Tonhöhen färbt , sondern macht ihn noch mehr in der Linie. 160. Verwendung von Vivid Timbre: 161. Marking: 162. Pitch Verteilung von Elementen: Wenn zwei musikalische Elemente in der gleichen allgemeinen Tonhöhe platziert Luft Luft, wird sie weder deutlich sein. Im folgenden Beispiel spielte die Melodie und die zweite Geige Luft die harmonische Begleitung in der gleichen Tonhöhe. Das ist ein schlechtes Schreiben und wird klingen, als ob jedes Element darum kämpft, über das andere gehört zu werden . Wenn wir das einfach über eine Oktave nach oben bewegen, ist es Tonhöhe. Die Lage würde nicht mit der der zweiten Geigen kollidieren, und jedes Element wäre deutlicher zu hören. 163. Kontrast durch Artikeln: Kontrast ist ein wesentlicher Bestandteil interessanter Orchestrierungen. Wir haben bereits gesehen, wie durch die Verwendung von reinen Tambor unterschiedlichen Texturen Kontrast erzeugt werden kann und Registerkontrast auch durch das Signieren verschiedener Artikulationen erzeugt werden kann. Zwei verschiedene musikalische Elemente. Nehmen Sie zum Beispiel, ah, ah, nach Hause, eine phonische Textur von Melodie und harmonische Begleitung. Wenn beide Elemente Luft gespielt llegado, gibt es keinen Kontrast der Teile. Hören Sie, was passiert, wenn die Melodie llegado gespielt wird und die harmonische Begleitung staccato gespielt wird . Beide Teile werden plötzlich viel definierter und viel interessanter durch die Kontraste . Dies ist nicht zu sagen, dass Sie nie alle Teile spielen llegado sind alle Teile Ebenen Art einfach tun es sparsam oder für besondere Wirkung die Mehrheit der Zeit, sollten Sie für eine Vielzahl von Artikulationen gleichzeitig gespielt Ziel. Neben Artikulationen, um Kontrast zwischen verschiedenen musikalischen Elementen zu erzeugen, können Sie auch Artikulationen verwenden, um Kontrast innerhalb eines einzelnen Elements zu erzeugen. Hier ist die Melodie aus dem vorherigen Beispiel. Es gibt keinen Kontrast innerhalb der Linie haben ganz llegado gespielt. Es gibt keinen Kontrast innerhalb der Linie des komplett gespielten Staccato. Jetzt hören Sie, wie die Linie viel interessanter ist, wenn sie mit einer Kombination aus Llegado und Staccatogespielt wird Llegado und Staccato 164. Kontrast durch Antiphony: und Tiffany ist der Wechsel von musikalischen Ideen zwischen zwei Gruppen. Seine Grundstruktur ist ein Aufruf gefolgt von einer Antwort, einem Instrument oder einer Gruppe von Instrumenten, Zuständen und musikalischen Idee und dem anderen Instrument oder einer Gruppe von Instrumenten. Da zurück die gleiche musikalische Idee oder Variation der Idee und Tiffany wurde Comin von den frühesten Tagen der Orchestrierung, finden Sie viele Beispiele in den Partituren von Tschaikowsky. Der Kontrast ist am stärksten, wenn die Ameise, wenn es Material wird, durch Instrumente aus verschiedenen Hölzern präsentiert wird, wie Instrumente aus verschiedenen Familien. Hier sich der Messingzustand der musikalischen Idee und die Ströme wider. Obwohl dies nicht notwendig ist, liegt die Reaktion in der Regel in einer höheren oder unteren Oktave, um den Kontrast zu verstärken. Der Kontrast ist subtiler, wenn die Ameise, wenn es 'll Material von Instrumenten der gleichen Familie präsentiert wird. Wenn zum Beispiel wir zum Beispieldas Messing durch niedrige Saiten ersetzen, wäre der Kontrast weniger stark. Hier. Der Kontrast ist mehr von Register, es sei denn, aus Holz und Tiffany muss nicht isoliert zu hören ist auch effektiv zu kombinieren, und Tiffany mit einem anderen musikalischen Element, wie einem harmonischen Hintergrund. Hier ist ein Beispiel aus der Eröffnung der Scheidung Shocks Serenade für Streicher. Die Videos spielten eine harmonische Begleitung. Nun, die zweiten Geigen und Celloschulden spielen in einem Tiffany. Denken Sie daran, Die Antwort muss kein striktes Echo sein. Hier sehen wir das Cello Echo zurück für Themen, die auf E und nicht auf G scharf beginnen. 165. Wann du Oktave Schilder verwendest: 166. Variation der Pitch Verteilung: 167. Dovetailing: Verzahnung ist auch als Überlappung bekannt. Es wird für eine Vielzahl von Zwecken verwendet. In diesem Vortrag werden wir einen Blick auf einige der häufigsten Verwendungen werfen, Verzahnung , um eine technisch schwierige Passage leichter zu spielen. Obwohl dies von einer einzigen Flöte gespielt werden könnte, könnte eine technisch schwierige Passage zwischen zwei des gleichen Instruments aufgeteilt werden, um das Spielen zu erleichtern. Dies verringert die Wahrscheinlichkeit von Problemen mit Rhythmus, Tempo und Intonation. Hier ist das gleiche Beispiel von zwei Flöten gespielt. Um die Passage nahtlos klingen , verschrauben wir sie, überlappen die Teile gleichzeitig eine Flöte endet. Das andere Essen beginnt sich zu verzahnen, um eine Passage mit einem Bereich zu groß für ein einzelnes Instrument zu ermöglichen . Wenn eine Passage angeordnet ist, die für ein einzelnes Instrument zu groß ist, könnte sie zwischen verschiedenen Instrumenten aufgeteilt werden. Das funktioniert Beste der Instrumente sind aus der gleichen Familie oder Sektion. Die folgende Passage erstreckt sich fünf Wirkstoffe und wäre unmöglich für jedermann Instrument. Durch die Verwendung verschiedener Mitglieder der Stringfamilie wird diese Passage möglich. Um den Durchgang zu machen, klingt nahtlos. Wir verzahnen oder überlappen die Teile, wenn das Cello endet, die Viola beginnt. Als das Video endet, beginnt die Violine und so weiter und so weiter und so weiter, verzahnt für einen anhaltenden Pedaleffekt. Wenn dies auf dem Klavier gespielt würde, würde das Sustain-Pedal alle Tonhöhen aufrechterhalten. Obwohl das Orchester kein anhaltendes Pedal hat, können wir den Effekt annähern. Eine Lösung wäre, ein anderes Instrument für jede Tonhöhe zu signieren und sie einfach ihre eigene Tonhöhe aufrechtzuerhalten. Obwohl dies schafft eine nachhaltige, es ist eine schlechte Lösung, weil wir das Gefühl der Bewegung und Kontinuität der Linie Verzahnung Consol verlieren . Dieses Problem. Der Trick besteht darin, dass sich einige Instrumente bewegen und dann aufrechterhalten, während er verschiedene Teile verzahnt hat, erhielt er Verzahnung in den Cello und Viola Parts. Die achten Noten, die sie spielen, trugen dazu bei, das Gefühl von Bewegung und Kontinuität der Linie aus der ursprünglichen Klavierversion zu schaffen . Während die Höllentöne den Effekt des Sustain-Pedals annähern, um Farbe zu sagen, könnte eine einzelne Tonhöhe Verzahnung verwendet werden, um das Holz einer einzelnen Tonhöhe fast nahtlos zu ändern , wenn verschiedene Instrumente abwechselnd die Tonhöhe spielen. Dies funktioniert am besten mit Instrumenten aus der gleichen Familie oder Abschnitt und wenn Crescendo und Diminuendo hinzugefügt werden, um zu überblenden, der Klang Verzahnung Wechselwirkungen von Holz zu schaffen. Wenn Sie orchestrieren, so dass Abschnitte Luft ständig zusammen spielen, wird der Sand eintönig, da es an Änderung des Schnittholzes fehlt. Wenn Sie so orchestrieren, dass nur ein Abschnitt gleichzeitig spielt, werden Sie eine Veränderung in Schnittholz haben, aber es fehlt Ihnen eine Mischung von sexuellem Temperament. Dies kann auch mühsam werden. Wir können die Technik der Verzahnung verwenden, um eine Art Hybrid zwischen diesen beiden Arten des Schreibens zu schaffen . Hier wird zuerst das Holz der Saiten isoliert verletzt, gefolgt von einer Mischung aus Tambor zwischen Holzbläsern und Saiten, die dann das Holz der Holzbläser isoliert folgt. Dieser Wechsel von Sektionalen, Hambor hat eine viel interessantere Art der Orchestrierung. Diese Technik kann auch auf einzelne Instrumententemente angewendet werden, indem sie einen Subito-Piano-Effekt erzeugen. Wenn eine Gruppe von Instrumenten laut gespielt wird, können Sie eine andere Gruppe von Instrumenten beginnen, leise zu spielen, bevor die laute Gruppe aufhört zu spielen. Der resultierende Klang ist ein Subito-Piano-Effekt 168. Bass mit Cello.: der Kontrabass voll, oft verdoppeln Sie den Cellopart im Unisono oder eine Oktave tiefer. Wenn der Cello-Teil schnell oder kompliziert ist, kann die Zugabe des Kontrabass aufgrund der langsameren Angriffszeit des Kontrabass zu einem träge Klang führen . Eine gängige Lösung besteht darin, nur die Hauptnoten des Cello-Teils zu verdoppeln. 169. Bewegung- und stationäre Stimmen: Verwenden Sie immer ein Holz für die stationäre Stimme und ein anderes Holz für die bewegte Stimme. Verwendung verschiedener Tambor hilft, die Stimmen zu differenzieren. Die Stimme im folgenden Beispiel ist unklar, da die Oboe sowohl die stationäre Stimme als auch die bewegte Stimme spielt. Wenn wir dem Ellbogen die stationäre Stimme und die beweglichen Stimmen der Klarinette geben, wird die Linie sehr klar. 170. "Solo" vs „A 2“: 171. Klarheit und Oboe: 172. Brass: 173. Dissonance: Sie können Dissonanz und Akkord intensivieren, indem Sie die gleichen Instrumente verwenden, um die Dissonanz zu spielen . Sie können Dissonanz auch in Übereinstimmung schwächen, indem Sie verschiedene Instrumente verwenden, um die Dissidenten zu spielen . Hier spielen zwei Trompeten eine Sekunde, gefolgt von einer Trompete und Klarinette, die das gleiche Intervall spielen. Der Kontrast von Tambor im zweiten Beispiel schwächt die Dissidenten des zweiten. Dies funktioniert zu Hause eine phonic Texturen als auch. Hier haben wir die Trompeten, die sowohl Melodie als auch Begleitung spielen. Der Abstand zwischen dem D, gespielt von Trompete drei und The IV Goodbye Shumpert. Einer ist sehr hart. Hier ist das gleiche Beispiel, diesmal mit dem Fagott spielt die Melodie. Der Abstand zwischen D und E ist jetzt aufgrund der Kontraste und Tambor weniger hart. 174. Instrumentelle Bewegung: ein häufiger Fehler, den Anfänger oder Kunden Komponisten machen, ist das Schreiben mit einem Mangel an Instrumentalbewegung. Eine gute Faustregel ist, jeden Teil mit genügend Instrumentalbewegung zu schreiben, so dass, wenn er von selbst gespielt würde, es immer noch interessant klingen würde. Mit anderen Worten, selbst der kleinste unbedeutende Teil sollte interessant sein. Wenn Sie der Himmelsrebe folgen, dann sollte das Orchester als Ganzes eine ausreichende Menge an Instrumentalbewegung haben. Hier ist ein Beispiel für eine unzureichende Menge an Instrumentalbewegung. Der Cello-Teil ist sehr langweilig, da er im Grunde nur jeden starken Takt des Meters markiert. Wenn wir dem Cello-Teil nur etwas mehr Bewegung hinzufügen, wird der Durchgang interessanter und etwas weniger leere oder hohle Schleifen. Wenn wir noch mehr instrumentelle Bewegung zu der Kälte auseinander hinzufügen, ist es jetzt interessant genug, dass es auf eigene Faust stehen könnte. Der hohle Klang aus Mangel an instrumentaler Bewegung ist jetzt verschwunden. Wir wollen auch darauf achten, zu viel Instrumentalansatz zu haben. Zu viel Instrumentalbewegung könnte genauso schädlich sein wie zu wenig zu haben. Verschiedene musikalische Elemente könnten verschwommen und unklar werden, wenn zu viel los ist Haben Sie keine Instrumente, die beschäftigt arbeiten. Nur um viel zu tun, sollte es immer einen Grund oder Zweck für Ihre Entscheidungen geben. 175. Dinge für Künstler:innen leichter machen: 176. Quiz 24: 177. Tipps zur Analyse von Scores und Aufnahmen: 178. Congratulations: