Musikproduktion: Erklärung melodischer Konzepte

1. Einführung: Hallo, und willkommen zu meinem Kurs über melodische Konzepte in der Musikproduktion Im Laufe der Jahre kamen viele Studenten zu mir fragten: Wie erstelle ich eine Melodie Ich bin großartig darin, Beats oder vielleicht Baselines zu kreieren. Aber wenn es um einige der technischeren harmonischen Funktionen und Melodien geht , einige der eher theoretischen Dinge , brauchen viele Schüler ein bisschen Deshalb habe ich diesen Kurs ins Leben gerufen , um sicherzustellen, dass Sie ein gutes Verständnis dafür haben , wie Sie eine einprägsame Melodie kreieren , die in Ihren Produktionen funktioniert Wir werden zwar über einige melodische Konzepte sprechen , die eher produktionsbezogen sind, wie zum Beispiel Swing anzuwenden oder einen geraden Rhythmus zu halten, meiste davon steht tatsächlich ein bisschen zu dem Harmoniekurs, den ich entwickelt habe, wo es mehr um Produktionstechniken rund um Harmonie ging . Hier wird es ein bisschen mehr um die Theorie gehen, wie man eine Melodie kreiert und Wir werden über die rhythmische Dichte von melodischen Themen, breite und schmale Melodien und vieles mehr sprechen rhythmische Dichte von melodischen Themen, breite und schmale Melodien und Die Idee ist, sicherzustellen, dass, wenn Sie eine Produktion haben die so ziemlich alles außer einer überzeugenden Melodie hat, ich Ihnen eine Reihe von Schritten geben kann , damit Sie verstehen, wie Sie sie stilistisch einpassen , was Sie tun sollten , um sich den richtigen Noten und Rhythmen innerhalb Ihrer Melodie zu nähern , und generell nur darauf achten, dass Sie sie so einmassieren , dass sie Ihnen hilft. vervollständigen Sie den vollständig produzierten Sound. Nun, es gibt viele Stile da draußen. Es gibt viele verschiedene Möglichkeiten, an dieses Zeug heranzugehen. Ich werde versuchen, Ihnen etwas Universelles zu geben , das Sie in Zukunft verwenden können, auch wenn Sie etwas Klassisches ausprobieren möchten , Klavier oder eine Melodie für einen Popsänger oder eine Chiptune-Melodie oder ein Ostinato für einen Hip-Hop-Beat kreieren Ostinato für einen Was auch immer es ist, ich möchte sicherstellen, dass das, was ich Ihnen gebe, nicht nur zeitlos ist, sondern dass es sich auch in den Stil einfügt, den Sie produzieren Nun, in diesem Kurs wird es ein Klassenprojekt geben . Stellen Sie also sicher, dass Sie sich den Kurs ansehen, der Ihnen alle Details zu diesem Projekt enthält. Die Idee ist, dass Sie eine von Ihnen erstellte Melodie aufschlüsseln und besprechen, wie sich die verschiedenen Tipps und Tricks, die ich Ihnen in diesem Kurs gegeben habe , auf die von Ihnen erstellte Melodie anwenden auf die von Ihnen erstellte Melodie Aber schauen Sie sich natürlich den Kurs an, in dem alle Details beschrieben werden, damit ich mich eingehend mit der Beschreibung dieses Projekts befassen kann der Beschreibung dieses Wenn du also versuchst, dein Melodieschreiben als Produzent zu verbessern , dann ist dieser Kurs genau das Richtige für dich Stellen Sie sicher, dass Sie bereit sind, diese Techniken in Ihren eigenen Produktionen anzuwenden , und üben Sie wirklich, dass Sie diese Konzepte zur Selbstverständlichkeit machen müssen diese Konzepte zur Selbstverständlichkeit machen Ich freue mich darauf, das mit Ihnen zu beginnen. Ich treffe dich in der ersten Klasse. 2. Kursprojekt: Für dieses Klassenprojekt werden Sie etwas verwenden, das bereits vorhanden ist, und Sie werden sehen, wie das Material aus diesem Kurs in etwas aufgeteilt wird , das Sie bereits erstellt haben. Nehmen wir an, Sie haben einen Song, an dem Sie gerade arbeiten und der bereits eine Melodie hat Ich möchte, dass du die Melodie einfach solo spielst. Du kannst vielleicht Melodie und Harmonie wählen, aber wir denken momentan nicht an die Produktion eines großen Ganzen Wir denken über die Theorie deiner Melodie nach. Ich möchte, dass du anhand dieser Melodie die verschiedenen melodischen Konzepte aufschlüsselst , die ich dir gegeben habe und wie sie in dieser bestimmten Melodie verwendet werden Vielleicht ändert sich also zum Beispiel die rhythmische Dichte im Laufe der Zeit Gegen Ende benutzt du etwas Chromatik, und du merkst dir auch an, und du merkst dir auch wie du Dinge wie Nachbarton-Passtöne usw. verwendest Nachbarton-Passtöne Sie analysieren Ihre eigene Melodie, sodass Sie später die Möglichkeit haben, dies mit den Melodien anderer Künstler zu tun dies Wenn Sie es schon immer geliebt haben, wie Chopin Melodien kreiert oder wie Hans Zimmer Melodien kreiert, nach diesem Kurs und speziell nach diesem Projekt über die Werkzeuge verfügen, Sie nach diesem Kurs und speziell nach diesem Projekt über die Werkzeuge verfügen, um analysieren zu können , was jemand anderes getan hat, sodass Sie dieselben Techniken im Wesentlichen in Ihrer eigenen Melodie nachbilden können werden Sie nach diesem Kurs und speziell nach diesem Projekt über die Werkzeuge verfügen, um analysieren zu können, was jemand anderes getan hat, sodass Sie dieselben Techniken im Wesentlichen in Ihrer eigenen Melodie nachbilden können. unseren eigenen Stil zu kreieren, müssen wir auch hier herausfinden, was uns von anderen Künstlern gefällt , und kleine Möglichkeiten finden, diese Techniken zu stehlen und sie mit den Techniken anderer Künstler zu verschmelzen mit den Techniken anderer Künstler , sodass wir am Ende des Tages unseren eigenen Stil kreieren. Bonuspunkte für dieses Projekt sind nun, wenn Sie die Melodie , die Sie bereits erstellt haben , und zwei Techniken aus diesem Kurs nehmen , die Sie in dieser Melodie noch nicht angewendet haben , und versuchen, sie anzuwenden Nehmen wir an, in Ihrer Melodie gibt es keine Chromatik und Sie sind neugierig, sie auszuprobieren und zu sehen, wie das Ihre Melodie verbessern kann oder nicht Dann würden Sie die Melodie mit etwas Chromatik und möglicherweise auch einer anderen Technik aus diesem Kurs erneut aufnehmen etwas Chromatik und möglicherweise auch einer anderen Technik . Nehmen Sie also die bereits existierende Melodie, erweitern Sie sie und sehen Sie, wie das Hinzufügen einiger dieser und sehen Sie, wie das Hinzufügen anderen Techniken Ihre Melodie verändert hat. Sobald du die Dinge aufgenommen und vorzugsweise als MP Three exportiert hast, wirst du mir einen öffentlichen Link schicken , entweder über SoundCloud, über YouTube, verwende einen schwarzen Hintergrund, über Google Drive, was auch immer du als Medium verwenden möchtest, um es mit mir zu teilen. Achte nur darauf, dass du einen öffentlichen Link teilst , damit ich leicht auf dein Projekt zugreifen kann. Von dort aus gebe ich Ihnen Feedback dazu, was Sie meiner Meinung nach am besten gemacht haben und welche Verbesserungsmöglichkeiten bestehen. Nehmen Sie sich jetzt Zeit dafür. Es ist nicht dazu gedacht, überstürzt zu werden. Ich möchte sichergehen, dass Sie mit dem, was Sie einreichen, zufrieden sind, aber am Ende des Tages muss es kein Meisterwerk sein Finden Sie also den süßen Punkt, dass ich etwas Arbeit hineingesteckt habe, aber ich bin froh genug zu wissen, dass es nicht perfekt ist , und reichen Sie es dann ein. Wenn Sie unterwegs Fragen haben, können Sie sich natürlich gerne an uns wenden und fragen. Ich wünsche dir viel Spaß mit diesem Projekt und wir sehen uns im nächsten Kurs. 3. Metall und Magnete: Okay, gleich zu Beginn werden wir über Metall und Magnete sprechen, wie Akkorde und Melodie in einer produzierten Umgebung zueinander stehen. Schauen wir uns das an Also gleich von Anfang an möchte ich erwähnen, dass ich einen Schlagzeugpart und eine grundlegende Akkordfolge habe einen Schlagzeugpart und eine grundlegende Akkordfolge Sie können sehen, dass unsere drei Hauptelemente hier Schlagzeug, Akkorde und Melodie sind Schlagzeug, Akkorde und Melodie, mit der wir noch nicht gearbeitet haben, weil wir sie heute gemeinsam kreieren werden Aber was ich bis jetzt habe, ist ein einfacher Disco-House-Drumbeat im Kana-Stil. Und dann ist die Akkordfolge g-Moll sieben, Es-Dur sieben, c-Moll sieben Wir sind also in der Tonart G-Moll. Es ist ein One Flat 64. Jetzt weiß ich, dass ich in G-Moll bin , weil das die Akkordfolge ist, die ich erstellt habe Wir hätten jede Tonart wählen können, aber wir wollen sichergehen, dass unser Skalenmodus hier oben auf G-Moll eingestellt ist Das wird vor allem den Anfängern helfen , die an diesem Kurs teilnehmen , weil es uns helfen wird bestimmte Knoten hervorzuheben, die in unserem Schlüssel wichtig sind. Also haben wir uns in G-Moll eingerichtet. Hören wir uns den Loop an, den wir haben. Zur Erinnerung: Du kannst auf einige Kanäle in Ableton die Shift-Taste drücken und wenn du mit der rechten Maustaste klickst, um Clips eine Du kannst auf einige Kanäle in Ableton die Shift-Taste drücken und wenn du mit der rechten Maustaste klickst, Spurfarbe zuzuweisen kannst du sehen, dass unsere Clips auf der gelben Spur gelb und auf der violetten Spur lila sind , dass unsere Clips auf der gelben Spur gelb und auf der violetten Spur lila Genug geredet. So klingt es. Okay, das ist also unser grundlegender Loop. Wir werden diesen Bereich hervorheben. Wir könnten einfach etwas spielen, wir könnten hier oben die Aufnahmetaste drücken und dann könnten wir eine Art Melodie einspielen Vorerst werde ich in diesem Bereich Control-Shift M machen. Wenn Sie auf einem Mac arbeiten, ist es Command Shift M. Und jetzt haben wir diesen Midi-Bereich , in dem wir arbeiten können, egal ob wir Notizen mit Bleistift machen wollen oder ob wir sie jetzt in unseren beiden Optionen abspielen wollen. Das Tolle daran ist, dass wir, sobald wir eine Melodie erstellt haben, kontrollieren können, indem wir auf die Harmonie klicken, um zu sehen, wie die beiden zueinander stehen Das ist wirklich wichtig bei Dingen wie Orchesterpartituren, und Sie sehen diese Art von Es ist in der Logik und in der Cue-Basis sehr verbreitet. Und wenn Sie diesen Control-Click zwischen mehreren Clips , haben Sie in Ableton auch Zugriff darauf Was meine ich also mit Metall und Magneten? Ich möchte, dass du dir Harmonie als einen Haufen Magnete für deine Melodie Und deine Melodie ist wie kleine Metallstücke , die sich in Richtung dieser Magnete bewegen wollen Mein erster Akkord, den ich erwähnte, war G-Moll Sieben. Ich denke, technisch gesehen g-Moll neun. Unsere Noten sind also G-, D-, F-, A- und B-flach, was am Ende so klingt Also sollte jede dieser Noten, , weil es dieselben Noten sind, nur nach oben oder unten verschoben und Okta wenn ich sie hoch und oktav oder runter und oktav spielen würde, mit diesem originalen Notensatz ziemlich gut klingen , weil es dieselben Noten sind, nur nach oben oder unten verschoben Also, wenn ich sie hier spiele und es klingt gut und ich spiele sie hier, klingt es genauso, nur höher, und dann hier klingt es genauso, tiefer Wenn ich sage, dass es gleich klingt, meine ich nicht klanglich oder textlich, sondern nur in Bezug auf die Tonhöhe textlich, sondern nur in Bezug auf Wenn also eine Gruppe von Noten okay klingt und ich sie um Oktave nach unten oder oben bewegen kann und sie sich okay anhört, was ist, wenn ich einfach eine dieser Noten aus dieser Gruppe auswähle Das würde sicherlich gut klingen, oder? Es ist sehr sicher, wenn überhaupt, und wir können diese einzelne Note aus diesem Cluster nehmen und sie als unsere Melodie darstellen Als einfachere Version, wenn ich einen C-Dur-Akkord habe, sieh dir das kleine Midi-Keyboard direkt unter mir Hier ist unser C-Dur-Akkord CEG. Wenn ich hier einen C-Dur-Akkord spiele, klingt er immer noch gut. also jede dieser drei Noten für die rechte Hand spielen, Ich könnte also jede dieser drei Noten für die rechte Hand spielen, die mit meinen Noten für die linke Hand identisch sind Also, ob es C, E oder G ist, es wird großartig klingen. Das ist also die Melodie, die auf einem der Magnete landet. Sie landet auf einer der Akkordnoten. Und wenn ich Akkordnoten sage, meine ich zwischen der gesamten Tastatur Wenn mein Akkord C-Dur ist und ich CEG habe, dann könnten alle Cs, alle Es, alle Gs funktionieren Aber denken Sie daran, dass eine Melodie dazu tendiert, dem Bereich der menschlichen Stimme zu entsprechen, wo unsere Ohren etwas empfindlicher sind Ich sage also nicht , dass du deine Melodie im tiefsten Teil des Klaviers herunterspielen solltest. Wenn du am Klavier sitzt, solltest du generell sagen, deine rechte Schulter einen großen Tonumfang für deine Melodie darstellt einen großen Tonumfang für deine Sie befindet sich quasi in der Mitte des Violinschlüssels. Aber davon abgesehen, noch einmal, diese Noten (CEG) funktionieren überall mit Sie werden es also merken, wenn wir wissen, in welcher Tonart wir uns befinden, und im Moment sprechen wir nur in C-Dur Aber wenn wir wissen, in welcher Tonart wir uns befinden, und Sie alle Noten in dieser Tonart kennen, oder Sie kennen, anderen Worten, die Skala für diese Tonart, dann kennen Sie die Noten, die verfügbar sind. wird also CEG gespielt, also wären CE oder G großartige Melodietöne D, F, A und B sind die anderen vier Töne dieser C-Dur-Skala Also müssen wir uns überlegen, ob ich ein D spiele, es bunter klingt, und es wird sich zu einem der Magnete bewegen wollen, entweder C. Jetzt klingt es gelöst oder wir haben diesen farbenfrohen Klang. Bis zum E, noch ein Magnet. Das Gleiche mit F. F ist nicht in unserem Kabel. Es gibt etwas mehr Spannung und es will an einem der Magnete ziehen. Es kann nach unten oder in diesem Fall nach oben ziehen. Nun, A ist wiederum kein Magnet. Es wird nach G ziehen wollen. Es könnte zum nächsten C gehen , aber das wäre ein Sprung, was in Ordnung ist, oder wir können uns einfach einen Knoten nach dem anderen hocharbeiten , bis wir diesen Punkt erreichen. Das Gleiche gilt für den B, den letzten Knoten. B ist nicht in unserem Wort, also wird es zu einem Kordelton wechseln wollen, zu einem der Magnete, und vielleicht wäre es eine gute Option, zu C zu wechseln, aber es könnte auch funktionieren, ein paar Noten runterzugehen . Nun, es gibt bestimmte Bewegungen, die Sie berücksichtigen müssen und die häufiger vorkommen. D würde also zwei Halbtöne nach unten zu C oder zwei Halbtöne nach oben zu E bewegen. Mit anderen Worten, es bewegt sich ein Ton, der zu einer dieser zu C oder zwei Halbtöne nach oben zu E Tonhöhen aufgelöst Aber etwas wie F ist nur einen Halbton von E entfernt . Es ist auch einen Ton von G entfernt. Es ist also näher am E. Wenn man über diese Analogie mit Metall und Magneten nachdenkt, möchte das F natürlich ein bisschen mehr zum E ziehen zwei Dritteln der Fälle wird es sich zur näheren Note bewegen wollen, aber in etwa einem Drittel der Zeit könnte es genauso gut zur anderen Note bewegen Nachdem wir das alles gesagt haben, wird das B oben auch zu C wechseln wollen, weil es deutlich näher an C liegt als an G. Sollte es um einen Halbton nach oben oder um vier nach unten gehen? deutlich näher an C liegt als an G. Sollte es um einen Halbton nach oben oder um vier nach unten gehen Selbst wenn wir uns schrittweise nach unten vorarbeiten, ist es immer noch ziemlich weit von Also das sind alles leichte Regeln. Sie können alle Regeln brechen wenn Sie sich mit ihnen vertraut gemacht haben, aber das ist ein guter Ausgangspunkt. Und das Letzte, was ich sagen werde, bevor wir uns hier mit unserer Melodie befassen , ist, dass Sie ziemlich viel um diese Akkordnoten herumspringen um diese Akkordnoten herumspringen und mit einem anständigen Sound davonkommen Wie viel alte Militärmusik und Signalhornrufe, wie frühe Trompeten Sogar die Partituren von John Williams sind von dieser Art von Sound beeinflusst Das sind nur Akkordnoten. Das sind nur Magnete, und doch klingt es gut. Also lass uns ein kleines Experiment machen. Ich werde eine kleine Melodie kreieren, und dann schauen wir uns an, wie die Harmonie und die Melodie zusammenhängen, und dann besprechen wir das in dieser metallischen und magnetischen Atmosphäre Lass es uns versuchen. Eins, zwei, drei, vier. Für das, was wir jetzt tun, sollte das funktionieren. Ich mache Control A, um O auszuwählen, Control U, um zu quantisieren Also ist alles ein bisschen mehr im Raster. Sie werden also sehen, was ich meine, wenn ich diesen MIDI-Clip auswähle, wieder den oberen Bereich der Leiste hier oben und dann die Harmonie-Taste betätige. Und Sie können beginnen , die Melodie und die Harmonie zu sehen und zu sehen, wie sie zusammenhängen Wie Sie sehen können, wird die Melodie als blaue Note dargestellt, und die Harmonie wird durch diese violetten Noten dargestellt Auch hier die Farben, die wir für diese einzelnen Kanäle ausgewählt haben für diese einzelnen Kanäle ausgewählt Ableton ist also ziemlich intelligent darin, uns diese Informationen zu zeigen. Ein Teil des Problems besteht nun darin, dass einige der Notizen blockiert sind Sie werden zum Beispiel feststellen, dass diese Harmonienote über dieser Melodienote blockiert ist Also wenn ich zu der Stelle scrolle, wo sich diese blaue Melodielinie befindet. Es zeigt mir alle Melodienoten, und ich werde einfach darauf klicken, sodass sie jetzt über den harmonischen Informationen angezeigt werden jetzt über den harmonischen Informationen angezeigt Erwähnenswert ist, dass all die violetten Tasten auf der linken Seite hier die Noten sind, die sich innerhalb von G-Moll befinden Erinnerst du dich, als wir in unserem Skalenmodus G-Moll ausgewählt haben? Nun, all diese violetten Noten werden Noten sein, die innerhalb der Tonart funktionieren. Und Sie werden feststellen, dass ich keine Noten ausgewählt habe , die nicht lila sind. Das Violett erstreckt sich bis ganz nach unten durch die Taste, also sieh dir das an. Violett, Violett, Violett. Es ist alles lila. Wenn ich eine Note ausgewählt habe, die nicht lila ist, klingt das vielleicht etwas zu abenteuerlich, aber versuchen Sie einfach, sie zu einer der lila Noten zu bewegen, besonders wenn es eine der Akkordnoten Also direkt aus dem Tor, ich werde mich einfach hier rüber bewegen , damit du die Dinge ein bisschen besser sehen kannst Aber Sie werden feststellen, dass wir hier diese vier harmonischen Noten haben , und die Melodie ist tatsächlich genau über dieser Harmonienote, und diese überlappt sich und diese überschneidet sich Sie können sehen, dass ich mit diesen Magneten anfange. Nun, der Akkord ist ein bisschen jazzig. Aber wenn Sie einem Akkord einige jazzige Noten hinzufügen, werden diese jetzt zu diese jetzt Es spielt also keine Rolle, ob es sich um einen grundlegenden Dur- oder Moll-Akkord oder Neun-Moll-Akkord oder um einen dominanten Nebenakkord oder etwas Ausgefallenes oder etwas Es spielt keine Rolle. Alle Noten im Akkord sind als Magnete erhältlich Jetzt werden Sie feststellen, dass ich wirklich auf Nummer sicher gegangen bin. Alles ist lila. Jede meiner Melodienoten ist lila. Allerdings befindet sich nicht jede einzelne Melodienote auf einer harmonischen Note oder einer der ausgewählten Akkordnoten Dieser Es-Dur ist hier also ein gutes Beispiel. Sie werden feststellen, dass es auf einem lila Zettel steht. Es ist in unserer Tonart, aber nicht in einer dieser Akkordnoten hier. Also, was habe ich getan Kurz darauf bin ich von diesem E auf ein D heruntergefahren, bis hin zu einer der harmonischen Tonoptionen Klar, ich ziehe es wieder hoch, um ein bisschen Spannung zu erzeugen Dann gehen wir runter zu diesem C, das auf den ersten Blick so aussieht , als würde es nicht auf einer Akkordnote landen Aber das ist nur für dieses Register. Wenn ich nach unten scrolle, werden wir sehen dass der Akkord tatsächlich ein C Es ist letztendlich ein c-Moll-Akkord. Es gibt hier tatsächlich ein paar Cs. Hier ist einer. Hier ist einer. Es ist nur in dieser Oktave, es gibt kein C, aber die Melodie funktioniert zu diesem Zeitpunkt wirklich sicher Und dann lösen wir zugegebenermaßen einen kleinen Sprung auf, aber wir entscheiden uns für eine der Noten in Von dort aus springe ich zu einer anderen Akkordnote. Wir weichen zu einer weiteren violetten Note aus. Es ist nicht in unserem Akkord, aber dann geben wir uns wieder damit zufrieden, mit einer unserer Akkordnoten fertig zu einer unserer Akkordnoten fertig Also haben wir mit einer Akkordnote angefangen. Wir endeten mit einer Akkordnote, und ein, zwei, drei, vier Noten waren nicht Teil des Akkords, der gerade passiert , sondern es waren lila Sie waren innerhalb der Tonart, und irgendwann, ziemlich kurz danach, entschieden sie sich für eine passende Note So klingt die Melodie noch einmal, wenn man all diese Informationen berücksichtigt Ja, die Quantisierung hat den Rhythmus ein bisschen versaut. Ich glaube, ich habe es anfangs mit etwas mehr Groove oder Flare gespielt Groove oder Flare Ich gehe einfach rein und repariere das, weil wir vielleicht ein bisschen mehr mit dieser Melodie arbeiten werden ein bisschen mehr mit dieser Melodie Also hören wir es uns noch einmal an, nur um dir zu zeigen, wie ich so ein rhythmisches Ding aufräumen würde ein rhythmisches Ding aufräumen Das sollte hier sein. Es ist also wie Ist das das? Nein. Vielleicht das. Jetzt geht's los. So etwas wie das hier. Da haben wir's. Okay, das ist, ich glaube, die Melodie, an die ich gedacht habe , als ich sie noch einmal von oben gespielt habe, nur um die Dinge ein bisschen ins Gleichgewicht zu bringen Nun, Sie werden feststellen, dass bis zu diesem Punkt alles ziemlich zusammenhängt, und dann gibt es eine kleine Pause, und dann beenden wir mit dieser kleineren kleinen Phrase Wir werden später mehr über die Formulierung sprechen. Aber was ich sagen werde , ist, dass kleine Pausen in deiner Melodie keine schlechte Sache sind , wenn deine Melodie zum Beispiel acht oder 16 Schläge lang ist zum Beispiel acht oder 16 Schläge lang Wir haben also darüber gesprochen , sehr bewusst zu sein, was der Akkord in diesem Moment Der Akkord wird sich im Laufe der Zeit ändern. Das ist Teil der Akkordfolge. C-Dur G-Dur, A-Moll F. Es gibt vier Grundakkorde In dem Moment, in dem ich meine Melodie spiele, wollen wir uns fragen, welcher dieser Akkorde gerade passiert wollen wir uns Und was auch immer die Noten in diesem Akkord sind, als Magnete zur Verfügung, zu denen sich unsere Melodie bewegen möchte Wenn wir uns nicht auf einer magnetischen Note befinden, nicht auf einer der Noten des Akkords, anderen Worten, wir wollen auf einer der violetten Noten sein, einer der Noten, innerhalb der Tonart In diesem Fall sind wir in G-Moll, also wollen wir zumindest in dieser Tonart oder Tonart von G-Moll herumspielen in dieser Tonart oder Tonart von G-Moll Wenn wir keine Akkordnote spielen , wollen wir irgendwann zu einer der Akkordnoten wechseln, und wir wollen uns auch bewusst sein und darüber nachdenken, ich einen Halbton von einer Akkordnote entfernt bin? Fühlt es sich angespannt an oder bin ich ein Tonfall weg? Ist es ein bisschen bunter? Das sind also die grundlegenden Konzepte, die ich in diesem Kurs behandeln wollte. Als Nächstes werden wir über Nachbartöne und Übergangstöne sprechen . Sie sind schon irgendwie in dieses kleine melodische Beispiel integriert , also machen wir weiter Wir werden es weiter aufschlüsseln und wir sehen uns in der nächsten Klasse 4. Nachbarnotizen und Weiterleitungsnotizen: Gut. Lassen Sie uns als Nächstes über Nachbartöne und Übergangstöne sprechen. Nachbartöne sind eine Art Umweg zu einer Note , die nichts mit einem Akkord tun hat, und dann zurück zu einer Akkordnote und Übergeben von Noten bedeutet, an einem sicheren Ort zu beginnen, eine der Akkordnoten zu durchlaufen und über eine nicht so sichere Note zur nächsten sicheren Note zu gelangen Also Akkordnote, Nicht-Akkordnote zu einer anderen Akkordnote. Nachbarn, Noten weiterreichen. Wir sprechen über beide. Lass uns reinspringen. Vorerst lasse ich meinen Bildschirm hier oben hoch. Ich denke, das steht den MIDI-Informationen nicht im Weg, und hoffentlich gibt es später auf der rechten Seite nichts , was ich detailliert zeigen müsste, aber im Moment fühlt sich das sicher an. Wie im Intro kurz erklärt, ist eine Nachbarnotiz im Grunde so, als ob du zum Haus deines Nachbarn gehst und zurückkommst Nehmen wir an, ich habe eine Melodie und beginne mit einem sicheren Akkordton Der Akkord ist also C-Dur, CEG, und meine Melodie, ich, ich bin ein C. Ich bin an einem sicheren Ort. Nun, vielleicht möchte ich die Sicherheitszone ein wenig verlassen, vielleicht bis zur nächsten Note auf der Skala, die D ist, oder vielleicht eine Note auf der Skala nach unten, was ein B ist. Ich kann mich in beide Richtungen bewegen, ich kann nach oben oder nach unten gehen, aber der Punkt ist, dass ich zu meiner Sicherheitsnote zurückkehre , der gleichen, die ich angefangen habe. Die Notiz des oberen Nachbarn würde zum D und zum B verschoben werden. Eine Notiz des unteren Nachbarn würde sich bis zum B und zurück bewegen. In diesem Beispiel hier können Sie also sehen, dass wir mit einem Akkordton beginnen Wir gehen runter zu einem Nachbarn und zurück. Dieser Nachbar ist wirklich sicher , weil dieser erste Akkord so viel Farbe hat Es sind zusätzliche Notenoptionen verfügbar, aber die Idee ist dieselbe. Ich würde das eigentlich für eine stabilere Note in G-Moll halten . Dies ist eine der drei Hauptnoten eines G-Moll-Akkords. Dies wird als Zwei oder Neun bezeichnet. Es war in dem Akkord , den ich gespielt habe, aber es hat eher eine Farbe Das ist quasi seine Funktion. Also Stabilität, untere Nachbarnote und dann wieder hoch. Das Gleiche gilt hier, aber es ist jetzt irgendwie umgekehrt Mein Akkord hat in diesem Moment keine E-Dur. Ich fange tatsächlich mit einem Moment der Spannung an, runter zu einem Moment der Auflösung und dann wieder hoch zur Spannung, bevor ich mich zu diesem C entscheide. Nun, ich habe es in der letzten Klasse irgendwie vermasselt Ich sagte, das wäre mehr Farbe. Als ich drüber fuhr, zeigte ich, dass es kein C gibt. Hier ist ein C. war es also etwas Moment, in dem ich mir selbst Anerkennung schenkte , war es also etwas kalkulierter. Weil diese Es-Dur den Klang des c-Moll-Akkords vorwegnimmt Ich denke im Moment des G nicht an diesen Es-Dur, und Sie werden feststellen, dass der G-Akkord auch etwas Platz hat Da gibt es also wirklich keinen Konflikt, aber ich gehe davon aus, dass dieser Es-Dur in den nächsten Akkord übergeht Sie werden feststellen, dass Es-Dur eine der Noten in unserem c-Moll-Akkord Wir haben hier also diese Art von merkwürdigem Nachbar, E-Flat bis zu einem Moment der Auflösung und wieder zurück zu dem, was wir Spannung nennen könnten Aber das bezieht sich nur auf diesen Akkord hier, den G-Akkord Auch hier betrachte ich es als Vorfreude auf diesen nächsten Akkord Hier geht es also wirklich darum, Ihnen zu zeigen, dass Sie einen traditionellen Nachbarton haben können einen traditionellen Nachbarton bei dem Sie mit Stabilität beginnen , zur Farbe übergehen und dann zurückkommen Sie können auch mit Instabilität beginnen und zu einer Ihrer Akkordnoten und dann zurück gehen Das ist letztlich besser, als nur eine Note zu halten, die die ganze Zeit angespannt ist, denn Sie werden diese Erleichterung oder zumindest vorübergehende Erleichterung nicht erreichen, wenn Sie zu einer Note übergehen oder zumindest vorübergehende Erleichterung , die mit der Kordel funktioniert, bevor Sie zurückgehen Also, ehrlich gesagt, werden Sie in 80, 90% der Fälle diese erste Methode anwenden, bei der Sie sicher beginnen, Sie stürzen sich in Gefahr, Sie tauchen in Farbe ein, wie auch immer Sie es nennen wollen, und dann kommen Sie zurück. Sie können es auch andersherum versuchen, aber Sie werden vielleicht feststellen, dass es ein wenig Versuch und Irrtum und Experimentieren erfordert ein wenig Versuch und Irrtum und Experimentieren Ich glaube, das hat vor allem funktioniert, weil diese E-Wohnung dieses C hier vorwegnahm Das sind also zwei Beispiele für Nachbarnoten oder Nachbartöne, austauschbare Begriffe Wir haben auch Notizen weitergegeben, und wir können sehen, dass hier irgendwo eine Nachricht weitergegeben wird. Kannst du es finden? Ist es hier? Ist es hier? Aber Bingo. Es ist hier drüben. Wir beginnen also mit einer stabilen Note, einer der Noten in unserem Akkord, dann gehen wir zu einer farbigeren Note über, die sich immer noch auf der violetten Spur befindet Es ist immer noch Teil unserer Tonart G-Moll. Und dann gehe ich zu einer anderen stabilen Note über. In diesem Fall G, das auch Teil unseres Akkords ist. Und noch einmal, wenn Sie wirklich überlegen möchten , ob Sie eine bestimmte Melodienote haben und nicht wissen, ob sie im Akkord enthalten ist und Sie sehen, dass sie nicht perfekt zu einer dieser Akkordnoten ausgerichtet ist. Stellen Sie sicher, dass Sie nach unten scrollen und prüfen, ob noch andere Da sind sie, dann ist es völlig in Ordnung, diese Melodie zu spielen, während dieser Akkord passiert , und es wird sich wie dieses magnetische Erlebnis anfühlen Es wird stabil sein, es wird sich ruhig anfühlen Nun, etwas anderes, das wir beachten sollten, ist, dass wir mit dieser B-Dur und der weitergeleiteten Note bis G auch zur nächsten verfügbaren Akkordnote hätten gehen zur nächsten verfügbaren Akkordnote Von der B-Dur gehe ich also durch eine weitere violette Note, eine weitere Note innerhalb der Tonart, bis zur nächsten Akkordnote. Es würde so klingen Und das funktioniert immer noch, oder? Jetzt werde ich es wieder dahin zurückbringen, wo es war nur damit wir unsere ursprüngliche Melodie intakt halten Egal, ob Sie eine weitergebende Note nach unten oder eine weiterleitende Note nach oben machen , beide klingen völlig akzeptabel, beide klingen völlig akzeptabel, aber Sie sollten bedenken dass Sie manchmal auf einer Note sind, Sie nicht einfach eine Note durchgehen , um zur nächsten stabilen Note zu gelangen Hier ist ein Beispiel, C, E und G. Wir können auf der kleinen Tastatur unter mir sehen, dass sich zwischen jeder dieser blau hervorgehobenen Noten eine Note befindet. Aber was ist, wenn ich mein nächstes C hinzufüge und hier einfach den Patch-Sound ändere? Da ist also unser Top C. Die nächste Note innerhalb dieses Akkords, wenn ich hier oben noch einen Akkord mache, wirst du feststellen, dass dieses G bis C zwei Noten dazwischen hat Manchmal müssen Sie also vielleicht eine doppelte Passnote machen , bei der Sie zwei violette Noten durchspielen , die kein Akkordton sind, bis Sie den nächsten Akkordton getroffen haben Wenn ich zum Beispiel diesen C-Dur-Akkord habe und G in meiner Melodie ist, möchte ich vielleicht zwei Noten durchgehen , bevor ich auf meiner nächsten stabilen Tonhöhe Das Gleiche funktioniert, wenn C nach unten geht, ich habe zwei Noten, die ich durchgehen muss Bevor wir zum G kommen, sollten Sie also beachten, dass Sie ab und zu diese doppelten Passtöne hören, und zwar diese doppelten Passtöne hören, von der Quinte bis zur Wurzel der Kordel oder vom Grundton bis zur Quinte, wenn Sie nur mit grundlegenden Dur - und Moll-Akkorden arbeiten In diesem Beispiel, das ich Ihnen hier gegeben habe, ist G die Quinte unseres Akkords C ist der Grundton, aber Sie werden feststellen, dass B-Dur als eine der Akkordnoten hinzugefügt wurde Dies wird die siebte genannt. Das ist eine tolle, kleine, jazzige, farbenfrohe Art, die Akkorde einzufärben Also, weil das verfügbar ist, müsste ich diese Double-Pass-Töne nicht machen. Es ist, als ob es unterwegs eine kleine Raststätte gäbe, die verfügbar geworden ist. Um es noch einmal zusammenzufassen, Nachbartöne Sie beginnen mit einer Akkordnote Du startest mit einem Magneten. Du bist auf einer lila Note und zurück oder runter auf einer lila Note und zurück. Die violetten Noten sind eine Note in Ihrer Tonart, die in diesem Fall keine Akkordnote ist Jetzt können Sie auch mit der violetten Note beginnen, die keine Akkordnote ist, und dann zu einer Akkordnote und zurück gehen Und das ist wohl die meiste Zeit besser, als einfach die Spannung der Nicht-Akkordnote zu halten , um Popmelodien willen und für Leute, die nicht sehr abenteuerlustig sind, was Harmonie angeht, wirst du sicherstellen wollen, dass du sie manchmal akzeptierst, damit du in eine Auflösung abtauchst , bevor mit wie viel Spannung herumspielst Sie werden sicherstellen wollen, dass Sie ihnen gerecht werden, indem Sie sich manchmal in Momente der Auflösung stürzen, damit Sie nicht die ganze Zeit Spannung Ich würde sagen, dass wir nicht mit einer Note beginnen sollten, die kein Akkord ist wie wir es mit Nachbartönen gemacht haben Selbst das ist ziemlich selten. Aber beim Durchgeben von Tönen würde ich sagen, beginnen Sie mit einer sicheren Akkordnote, arbeiten Sie sich durch eine Note in Ihrer Tonart, eine lila Note, bis zur nächsten Akkordnote Du kannst nach oben gehen, du kannst nach unten gehen. Wir haben obere Nachbarn, untere Nachbarn, obere und untere Passagen. Denken Sie daran , dass Sie manchmal zwischen der fünften und der höheren Wurzel diese doppelten Noten bekommen diese doppelten Noten . All das ist kontextuell. Wie viele Noten enthält der Akkord? Was für einen farbenfrohen Sound strebst du harmonisch an. Dadurch werden mehr Noten geöffnet , sodass sie in Ihrer Melodie verfügbar sind Vielleicht möchtest du auch Spannung haben. Vielleicht möchtest du einen C-Dur-Akkord mit F in der Melodie haben. Das ist okay. Wenn du Spannung magst und etwas Abenteuerlicheres suchst, dann ist das absolut eine Option Ich glaube, meine Aufgabe hier ist es, Ihnen einen sicheren Ansatz zu bieten, und von dort aus können Sie wählen, so viel zu experimentieren, wie Sie möchten Das war's also für diesen Kurs über Notizen von Nachbarn und das Weitergeben von Notizen In unserer nächsten Klasse werden wir über Formulierungen sprechen . Wir sehen uns dort 5. Formulierung: In diesem nächsten Kurs wird es nur um Formulierungen Es wird ein kürzerer Kurs sein, weil Formulieren ein relativ einfaches Konzept ist Ich wollte zu Beginn dieses Kurses über die Formulierung sprechen , weil es ein wirklich wichtiges Konzept , das meiner Meinung nach viele Anfänger übersehen Aber auch hier wird es ein etwas kürzerer Kurs sein, weil das Konzept selbst nicht so schwierig ist Lassen Sie uns über die Formulierung sprechen. Lass uns reinspringen Kurz gesagt, die Phrasierung ist sozusagen die Länge Ihres melodischen Satzes Denk darüber nach, wie wir Sprache aufbrechen. Es ist eine Art Informationsflut. Und dann wurde uns als Kinder gesagt , wenn es eine Periode gibt, ist es ein kurzer Moment, um innezuhalten bevor wir zum nächsten Punkt übergehen Wir haben alle diese Person gehört, die ständig und ohne Pausen spricht, und irgendwann fühlt es sich einfach an wie diese Flut von Informationen, wir haben keine Art von Atempause oder Pause zwischen ihren Gedanken, und das alles, was sie zu sagen versucht, wird irgendwie verwässert In der Musik ist es dasselbe. Wenn du schwafst, wenn du einfach überall ohne Pausen spielst , irgendwann, ich meine, am Anfang, klingt das vielleicht toll, aber irgendwann wird es so sein, okay, sie haben keine wirklichen Ideen Es sind einfach eine Menge Dinge, die alle miteinander verbunden sind. Wir wollen unsere melodischen Ideen in Informationsfluten mit etwas Abstand dazwischen zeigen Informationsfluten mit etwas Abstand Und Sie erinnern sich vielleicht, bevor ich darüber gesprochen habe , dass ich in dieser Melodie absichtlich etwas Platz gelassen habe All diese blauen Noten hier wären eine etwas längere Phrase Dieser hier ist ein kürzerer Satz. Nicht alle Phrasen müssen gleich lang sein. Aber im Allgemeinen werden Sie ein, zwei, drei, vier, fünf, sechs, sieben, acht Noten bemerken . Nehmen wir für den Moment an, versuchen Sie in der Regel, Ihre Sätze etwa 12 Noten oder kürzer und am kurzen Ende drei Noten oder länger zu halten oder kürzer und am kurzen Ende . Hören wir uns die Melodie noch einmal an, nur um sie im Gedächtnis zu behalten Sie können also hören, dass fast dieser Moment in dem die Melodie einatmet, genau hier passiert Und wenn Sie an Sänger und Hornisten denken, müssen sie tief durchatmen Ein wirklich guter natürlicher Ruhepunkt in Ihren Melodien ist also , wenn Sie sowieso Luft holen müssten Nun, es mag gut klingen, wenn das alles eine Phrase wäre, aber wir wollen sicherstellen, dass wir unser eigenes Schreiben von Melodien, sei es am Klavier, an der Gitarre oder in der Musikproduktion, auf dieselben Einschränkungen beschränken sei es am Klavier, an der Gitarre oder in der Musikproduktion, auf , die Menschen haben würden , wenn sie den Atem verwenden, um diese Melodie zu kreieren Also, wenn ich das da da da di dee da dum durchsinge. Da ist so ein natürlicher Atemzug , den ich an diesem Punkt brauchen muss. Jedenfalls. Einer der Gründe, warum dieser Satz kürzer ist, ist, dass ich ihn für eine lange Phrase gehalten habe , aber ich habe mir ein wenig Luft gegönnt, bevor ich die letzten Noten gespielt habe. Ich hätte diese Note halten und hier Luft holen können, aber hören wir uns an, wie das klingt. Es fühlt sich an, als würde ein kleines Kind mit dir reden und sagen: Hey, habe ich dir neulich gesagt , dass es das gibt? Und sie atmen an den seltsamsten Stellen wie mitten im Satz. Sie möchten über den Fluss nachdenken, in diesem Fall, wenn die Melodie nach oben und dann wieder nach unten bewegt, wir atmen ein und dann eine kleine Art kleiner Höcker und ab. Wir sind wach Wir sind unten. Der Satz ist fertig. Der zweite Satz ist viel kleiner. Und wieder ist es okay, dass der zweite Satz kleiner ist. Vielleicht die Sätze, Hey, habe ich dir erzählt , dass ich neulich ins Pfandhaus gegangen bin und am Ende Rollschuhe gekauft habe ? Es war ein toller Deal Es muss also nicht immer so sein, dass wir bei Sprache jedes Mal mittellange Sätze oder lange Sätze haben. In diesem Fall können wir, genau wie bei der Formulierung, Mittel-, Kurz - und Langwörter miteinander kombinieren. Nun möchte ich Sie ermutigen, bei der Formulierung bis zu einem gewissen Grad Ihrem natürlichen Instinkt zu vertrauen Formulierung bis zu einem gewissen Grad Ihrem natürlichen Instinkt zu Wir haben alle Tonnen von Musik gehört, und am Ende hören wir immer wieder wo sich diese Phrasen von Natur aus auflösen oder wo sie auf natürliche Weise ihre Pausen einlegen Ich könnte das durchgehen und eine Pause einlegen. Ich könnte auf dieser Notiz eine Pause einlegen, und ich verspreche dir, sie würden sich alle komisch anhören. Es gibt einfach diese natürliche Neigung, nach der Kontur dieses Auf und Ab eine Pause einzulegen, bevor man einen weiteren Sprung nach oben einzulegen, bevor man einen weiteren Sprung , das schien mir ein natürlicher Ort dafür zu sein. Aber wenn ich ehrlich bin, habe ich nicht über die Formulierung nachgedacht, als ich das geschrieben habe Ich habe als Pianist genug gearbeitet, um zu wissen, wie sich Phrasierung auf natürliche Weise anfühlen sollte Also, wenn du kein Sänger bist und nachfragen willst, ist mein Satz angemessen lang oder ist er zu Wenn du dir Sorgen machst, dass es zu lang ist, möchte ich, dass du während des Satzes auf natürliche Weise ausatmest Nicht so, wenn du die ganze Luft schnell ausatmest, oder wenn du es wirklich langsam machst, sondern einfach etwas Natürliches es wirklich langsam machst, sondern einfach etwas Vielleicht so etwas , wo wir eine gewisse Spannung haben, einen gewissen Widerstand für den Luftstrom, aber das fühlt sich nicht wirklich signifikant Lass uns das versuchen, während wir diesen Satz durchspielen. Wow, ich war fast außer Atem, als G zuschlug. Auch das ist ein bisschen subjektiv. Wie viel Luftdruck sollten Sie haben? Ich würde sagen, ungefähr ein mittlerer Luftdruck, ähnlich wie wenn Sie dieselbe Menge an Luftstrom sprechen dieselbe Menge an Luftstrom Aber das hört man bei Jazz-Solos, vor allem bei jemandem, der kein Instrument spielt, das Luft benötigt. Das hört man oft bei Kontrabassisten, Das hört man oft bei Kontrabassisten wenn sie solo Das wird mit Galle erledigt sein, tu es. Geh, tu, tu, tu, mach Boo, ich tue es. Und du wirst diese Sätze dazwischen auf diesen alten Aufnahmen hören . Was für eine großartige Möglichkeit, die passende Phrasenlänge auf natürliche Weise zu spüren . Wir schränken uns in Bezug auf Luftstrom ein, genauso wie wir es tun würden, wenn wir Sänger wären Also für jeden da draußen, der Noten liest , sind unsere Phrasenmarkierungen dieselben wie die Legato-Verunglimpfungen Das sind schwarze Regenbögen oben oder ein kleiner Smiley unten unter einer Wir spielen diese Noten nicht nur glatt und zusammenhängend, sondern am Ende dieses kleinen Lächelns oder Regenbogens oder welcher Form auch immer, das bedeutet, kurz durchzuatmen, eine kleine Pause Selbst wenn ich am Ende dieser Phrase eine Eintaktnote habe, gefolgt von einer weiteren Taktnote, um die nächste Phrase zu beginnen, würde ich diese eine Taktnote immer noch ein wenig betrügen, vielleicht um ein Viertel oder sogar die Hälfte ihres Werts, um den Raum für den Beginn der nächsten Phrase zu schaffen. Es geht nur darum, deine melodischen Ideen zu unterteilen, sodass du nicht schwafst, aber du kreierst auch nicht einen Sie möchten sicherstellen, dass die Melodie und die Phrasierung der Melodie genau wie die Sprache natürlich fließen, aber auch hier sollten Sie Ihren natürlichen Instinkten vertrauen. Du hast tonnenweise Musik gehört. Sie werden eine ziemlich gute Neigung zu einer sich anfühlenden Phrase haben, die sich wie eine zu lange oder zu kurze Phrase anfühlt. Wenn Sie sich festgefahren fühlen, folgen Sie meinem Rat, versuchen Sie auszuatmen und achten Sie einfach darauf, dass Sie irgendwann eine Pause in Ihrer Melodie haben irgendwann eine Pause in Ihrer Melodie falls es sich um eine etwas längere Melodie Das war's für diesen Kurs über Phrasierung für unseren nächsten Kurs, wir werden über melodische Themen sprechen Ich treffe dich in dem Kurs. 6. Melodische Konzepte: Gut. Gut, lassen Sie uns über melodische Konzepte sprechen Wir werden über drei verschiedene Formen sprechen : Frage und Antwort, Ruf und Antwort sowie Thema und Variante Dies sind drei sehr beliebte melodische Ansätze. Lass uns über sie sprechen. Lass uns reinspringen. Lassen Sie uns also zuerst über Frage und Antwort als melodisches Konzept sprechen als melodisches Konzept Wir werden Beethovens Ode an die Freude als Analysequelle verwenden Freude als Analysequelle Die Melodie klingt ungefähr so. Sie werden feststellen, dass es zwei verschiedene Teile gibt : da da, da, d, d, d, d, d, d, d, d, d, d. Da ist unsere Frage. Aber, y, bi, bi, wir, wir, wir, beißen, buh. Da ist unsere Antwort. Aber was macht die eine zur Frage und was macht die andere zur Antwort? Nun, wir müssen uns überlegen, in welcher Tonart wir uns befinden. Ich habe diese Melodie in der Tonart C-Dur gespielt. Und so haben wir darüber gesprochen, dass C, E und G, wenn wir einen C-Dur-Akkord spielen, sehr wichtige Noten sind Das sind unsere Magnete, aber die wichtigste Note wäre das C. Wir spielen in C-Dur C ist die Heimatbasis. Es ist der Star der Show. Es ist der wichtigste Hinweis. Daher fühlt sich das Beenden eines Satzes auf C wie diese Antwort an. Es fühlt sich sehr entschlossen und sicher und abgeschlossen an. Aber mit einer Frage fertig zu werden, heißt, vielleicht mit einer der Noten neben dem C zu beenden, wie ein B oder ein D. Beide sind in der Tonart C-Dur, und sie liegen nahe genug am C, dass ein gewisses Maß an Und wenn wir dann unseren Satz wiederholen, können wir mit dem C als Antwort enden Nun, es müssen nicht das B und das D sein. Das sind nur sichere Notizoptionen. Aber die Idee ist, dass es wahrscheinlich eine leichte Spannung oder Farbe wäre leichte Spannung oder , um den ersten Satz zu beenden und ein Entschluss, den zweiten Satz zu beenden. Wenn wir also zuhören, wenn ich es dort beende, fühlt es sich noch nicht abgeschlossen Es fühlt sich an, als ob diese Frage andauert. Wenn ich jetzt ans Meer gehe, kann man hören, auch wenn man diesen Satz mit dem Meer beenden will , fühlt sich das jetzt fertig Um diese beiden zusammenzufügen, hören Sie es sich an. Es fühlt sich fertig an. Diese Idee von Frage und Antwort hat also wirklich damit zu tun , dass zwei Sätze ähnlich sind. Der erste endet mit etwas Farbe oder Spannung und der zweite endet mit einer größeren Auflösung. Nun, es ist wirklich üblich, die Frage zu beenden, nicht mit dem ersten Akkord Wir sind also in der Tonart C-Dur. Dieses D, er denkt in diesem Moment nicht über einen C-Dur-Akkord Ich werde die Sounds ändern, um mehr Harmonie hinzuzufügen. Aber hier ist unsere Frage. Dieses D soll nicht mit einem C-Dur-Wort passieren. Es passiert mit einer der Kordeln, die ein D hat. Also für sich genommen ist es in diesem Moment gelöst, aber es spielt mit einer Kordel , die an sich schon Spannung darstellt Dieser Fünfakkord, CDEFG, der fünfte Akkord in C-Dur, eignet sich hervorragend zur Darstellung von Spannung. Es ist immer noch hoch und will runter. G ist also der angespanntere Akkord und C der aufgelöste Interessant ist, dass Sie mit nur diesen beiden Akkorden für diese ganze Frage und Antwort in diesem Song davonkommen können nur diesen beiden Akkorden für diese ganze Frage und Antwort in diesem Song Achte also einfach auf die kleine Tastatur unter mir. Unser C-Akkord hier ist unsere Auflösung. Unser G-Akkord ist hier unsere Spannung. Also da ist unser Tense-Akkord mit einer Note, die dazu passt, wir halten ein D und unser G-Akkord hat ein D. Jetzt beenden wir mit wir halten ein D und unser G-Akkord hat ein D. Jetzt dem C-Akkord und enden mit einem C. Ich könnte ungefähr an diesem Punkt zu tief in das Harmonie-Wurmloch eintauchen , aber was ich erwähnen möchte, ist das mit Frage und Antwort als deinem melodischen Ansatz, solange du am Ende eine gewisse Spannung hast Mit der ersten Phrase und einer Auflösung am Ende der zweiten sind Sie im richtigen Baseballstadion. Es gibt Möglichkeiten, das falsch zu machen. Es gibt Möglichkeiten, es fantastisch klingen zu lassen. Aber als Gesamtkonzept ist es wichtig zu erkennen, ist es wichtig zu erkennen dass eine Phrase nicht jedes Mal, wenn Sie sie beenden, fertig klingen sollte. Diese Frage und Antwort haben etwas Nettes an sich. Sie teilt die Dinge so auf, dass nicht immer alles gelöst ist. Und wenn Sie an einige der besten Geschichten denken, sogar an Kindersendungen, wird es einige Spannungen geben. Es gibt einen Bösewicht. Es gibt einige Turbulenzen. Es gibt einige Fehler Und im Allgemeinen werden die Dinge am Ende berichtigt. Der Bösewicht geht ins Gefängnis, die Fehler wurden wiedergutgemacht, was auch immer es sein mag Phrasen funktionieren genauso. Es ist schön, ein bisschen Spannung und dann etwas von dieser Auflösung zu haben. Und genauso funktionieren unsere Phrasierung und Melodie mit Spannung und Auflösung Wie ich bereits erwähnt habe, tun das auch die Akkorde. C ist in diesem Fall ein Auflösungsakkord und G ein Spannungswort Es ist eine leichte Spannung. Es funktioniert immer noch gut. Aber in der Welt der Harmonie eignen diese fünf Akkorde, in diesem Fall G-Dur, sehr gut als Ruheplatz für eine leichte Spannung, bevor wieder dem einen Akkord zuwendet, in diesem Fall C-Dur in diesem Fall Das ist also Frage und Antwort, aber was ist Ruf Es klingt irgendwie ähnlich. Nun, wenn wir die Idee in Betracht ziehen, dass Blues-Sänger ziemlich oft eine Zeile singen und dann die Leute darauf antworten lassen, also so etwas wie auf den Markt gehen, auf den Markt gehen. Ich werde ein paar Äpfel kaufen. Ich werde ein paar Äpfel kaufen, oder? Das ist der Anruf und die Antwort. Das ist ein fantastischer Ansatz , wenn du ein bisschen mehr riffst Ich verwende diesen Ansatz zum Beispiel etwas häufiger, wenn ich pentatonische oder Blues-Skalen verwende pentatonische oder Blues-Skalen verwende Nehmen wir an, ich spiele c-Moll und meine Akkordfolge ist c-Moll bis F-Moll Ich habe vielleicht etwas wie: Es nicht exakt dieselben Noten, aber Sie werden sehen, dass es sich wie eine Antwort auf den ersten Anruf anfühlt , da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, und dann da da, da, da, da Rhythmisch gesehen ist es dasselbe. Wir würden das also ein rhythmisches Motiv nennen. Ich verwende denselben Rhythmus, aber ich ändere ihn in einen anderen Notensatz Ich könnte auch mit demselben Notensatz herumspielen, aber den Rhythmus ein wenig ändern. Vielleicht so etwas wie Also es ein bisschen hinauszögern und dann die ganze Phrase durchgehen Dies sind zwei großartige Möglichkeiten , einen Anruf zu tätigen und zu antworten. Ein rhythmisches oder ein melodisches Motiv. Behalte ich den gleichen Rhythmus oder behalte ich die Melodie Du könntest sogar beides machen, aber mit generellen Registerwechseln, etwa so, dass du siehst, dass ich die gleichen Noten spiele, aber nur um eine Oktave nach unten Call and Response geht es also im Allgemeinen darum , eine kürzere Phrase zu haben, auf die mit einem ähnlichen Rhythmus, ähnlichen Tönen in Bezug auf die Melodie reagiert wird, oder bei einer Registerverschiebung ist alles genau gleich Wenn Sie das Register nicht verschieben, funktioniert es trotzdem. Technisch gesehen ist es immer noch Anruf und Antwort. Es ist nur ein bisschen langweiliger, finde ich. Es würde so klingen. Wirklich, das ist nur ein wiederholter kleiner, kurzer Satz. Für mich fühlt es sich nicht wie das klassische Call and Response an, bei dem wir etwas damit gemacht haben. Selbst in den Bereichen, in denen sich die Arbeiter gegenseitig vorsingen, hat man eine Person, die ruft und in der Regel antworten ein paar Leute. Okay, das ist also ein Unterschied. Wir haben eine Stimme bis hin zu mehreren Stimmen. Der Anruf und die Antwort erfordern im Allgemeinen einen gewissen Unterschied in der Antwort, aber meistens wollen sie sich auch rhythmisch oder melodisch an den Anruf binden meistens wollen sie sich auch rhythmisch oder melodisch an den Anruf Wenn deine Stärke also Rhythmus ist, dann würde ich sagen, bleib bei den gleichen Noten und spiele mit rhythmischen Variationen herum Wenn deine Stärke in melodischen Tönen liegt und ich meine, du nimmst an diesem Kurs teil, also nehme ich an, dass du dabei etwas Hilfe brauchst Nehmen wir an, Ihre Stärke sind melodische Noten, dann würden Sie den Notensatz für Ihre Antwort ändern, aber Sie würden den gleichen Rhythmus beibehalten, weil ich davon ausgehe, dass Sie rhythmisch nicht zu abenteuerlustig sein möchten , also ändern Sie einfach den Notensatz, mit dem Sie arbeiten Lassen Sie uns hier also unseren Melodiekanal duplizieren, und ich werde den obersten stummschalten, und wir werden mit Call and Response eine neue Melodie erstellen . Okay, wir schauen uns das an, ich mache die Steuerung A, wähle alles aus und kontrolliere U, um zu quantisieren Da da, da, da, da, Noten wechseln. Da da, da, da, da, da, da, dann sind wir zurück. Da da, da, da, da, da und dann D D, D D D tief. Nun, warum habe ich diesen Rhythmus nicht beibehalten , außer ihn nur hier und hier zu wiederholen, warum habe ich ihn nicht ganz am Ende beibehalten? Nun, für mich fühlte es sich nach einer guten Antwort an. Wenn wir das als die Frage betrachten, haben wir ein nettes, wirklich gelöstes Liedchen, das wirklich mit den Akkordnoten herumspielt . Dieser Akkord ist c-Moll Es-Dur und C sind Teil dieses Akkords. Die meisten Informationen hier beziehen sich also sehr genau auf diesen Akkord Wir könnten diesen Teil des Themas und der Variation auch in Betracht ziehen, worüber wir als Nächstes sprechen werden Aber die Hauptsache ist, dass du nicht zu überflüssig sein willst, wenn du Dinge wiederholst. Wir haben Okay. Oh, darauf gibt es eine Antwort. Wir sind wieder bei der ersten Idee und schließen die Idee dann quasi ab, indem wir zeigen, dass die Melodie zu Ende geht, indem wir etwas variieren Am Ende des Tages fühlen sich die Leute gerne klug. Sie möchten es irgendwie wissen, wenn sie Musik hören. Oh, das fühlt sich an wie das Ende dieses Satzes, das Ende dieser Melodie, das Ende dieser Phrase, wie auch immer Sie es sehen möchten Aber sie wollen in der Lage sein , Dinge mit der einen oder anderen Überraschung zu antizipieren Dinge mit der einen oder Ja, wir lassen uns gerne ein bisschen überraschen, aber wir wollen uns auch irgendwie schlau fühlen, wenn wir wissen, wohin sich etwas in der Musik entwickelt aber wir wollen uns auch irgendwie schlau fühlen, wenn wir wissen, wohin sich etwas in der Musik Wenn ich dir also etwas sagen würde wie: Oh mein Gott, das Verrückteste ist heute passiert, würdest du nicht glauben, was beim Mittagessen passiert ist Es war die verrückteste Sache aller Zeiten. Bist du bereit? Am Ende, bist du bereit? Das ist so, hätte ich dreimal dasselbe gesagt. Das Verrückteste ist heute passiert. Du würdest nicht glauben, was beim Mittagessen passiert ist. Oh mein Gott, es war so verrückt. Ich habe über diesen ersten Punkt hinaus noch nichts gesagt , aber bist du bereit? Das macht dich als Zuhörer irgendwie verrückt. Oh, da kommt es. Ich bin in diesem Moment klug, weil ich weiß, dass die Geschichte jetzt passieren wird. Vielleicht ist das eine etwas obskure Analogie, aber wenn ich über diese spezielle Melodie nachdenke und darüber , wie sie sich auf die Sprache bezieht , dann würde ich mir diese kleine Abschottung der Melodie irgendwie vorstellen diese kleine Abschottung Du bist nicht verpflichtet, jedes Mal den exakt gleichen Rhythmus beizubehalten Wir hatten unseren Anruf, wir hatten unsere Antwort. Unser erster Anruf kam zurück und dann wurde die melodische Idee abgeschlossen Das ist also im Grunde ein Anruf und eine Antwort. Das ist die Verwendung eines rhythmischen Motivs. Versuchen wir es noch einmal mit einem melodischen Motiv. Lass es uns versuchen. Eins, zwei, drei, vier. Wir haben also dieselben drei Notizen. Bum, Bum, Bum, aber , ähm, aber, äh, m. Und dann, nochmal, habe ich am Ende einige Variationen gemacht, um die Idee zu beenden. So etwas wie eine längere Frage und eine endgültige Antwort. Obwohl ich mit etwas Farbe fertig geworden bin, ist es sozusagen eine farbenfrohe Antwort, aber davon abgesehen, hören Sie noch einmal zu , wir haben unseren ursprünglichen Rhythmus. Der Rhythmus ändert sich, er ändert sich wieder, aber ich habe die gleichen drei Noten beibehalten. Auch hier werden wir quantisieren. Hören wir es uns an. Nun, das klingt tendenziell besser, wenn Sie Wörter hinzufügen weil es sich anfühlt , als ob einige Dinge zu spät kommen, aber es ist beabsichtigt, und der Rhythmus macht immer noch Sinn genug, dass er sich nicht falsch anfühlt Aber mit Worten könnte man so etwas sagen wie, den Club gegangen und habe nach diesem speziellen D gesucht, aber, bumm, aber, bumm, was auch immer es sein mag Aber mit Worten fühlen sich all diese kleinen, wiederholten Noten mit rhythmischen Veränderungen viel natürlicher ist also zu beachten, dass es bei der Erstellung einer Melodie für einen Instrumentenstimm und für einen Gesangsstimm einige subtile Unterschiede gibt Ich würde genauso vorgehen, aber wenn man mit Liedtexten oder Wörtern arbeitet, lenkt etwas anderes den Sie hören sich die Geschichte an. Die Vorstellung von der Einfachheit dieser drei sich wiederholenden Noten wird also ein bisschen von der Vorstellung umhüllt, dass, Oh, ich höre mir auch diese andere Dimension der Melodie an , die Einen Saxophonisten, einen Gitarristen, einen Klavierspieler, den wir jetzt nicht haben, vielleicht knurrt ein Saxophonist bei einigen Noten oder ein Gitarrist knallt auf ein Distortion-Pedal oder macht ein paar Kurven. Wir finden Wege, unseren Grundmelodien mehr Faszination und Interesse zu verleihen unseren Grundmelodien mehr Faszination und Interesse zu , da wir nicht mit so komplexen Dingen wie Wörtern arbeiten. Und schließlich kommen wir zu Thema und Variation. Thema und Variation sind Call and Response sehr ähnlich. Wir haben eine Art Thema, bei dem eine Menge Informationen eingespielt und dann variiert werden Vielleicht ist diese Variante rhythmische Variation. Das haben wir gerade gemacht, oder vielleicht ist es eine melodische Variation. Vielleicht ändern wir die Noten behalten aber den gleichen Rhythmus bei Und das haben wir auch gemacht. Sie können sehen, dass Anruf und Antwort sowie Thema und Variante sehr ähnlich sind. Aber Thema und Variation können etwas tiefer gehen. Was wäre, wenn ich die Melodie nehmen und sie auf den Kopf stellen würde? Was wäre, wenn ich den Rhythmus umkehren würde, sodass die lange Note am Ende jetzt die lange Note am Anfang ist Das fühlt sich nicht wie ein natürlicher Anruf und eine natürliche Antwort an. Es fühlt sich etwas theoretischer und tiefgründiger an. Für mich haben Thema und Variation also viele Überschneidungen mit Call and Response, aber es kann viel tiefer gehen wenn man wirklich mit Stift und Papier arbeitet und sieht, wie ich verschiedene Variationen dieses Themas machen kann verschiedene Variationen dieses Themas , die einzigartig und interessant sind. Und ich denke, das beste Beispiel dafür ist Beethovens Fünfte Symphonie. Bump up, bum, bump up, up, bum, hör dir das an und sieh, auf wie viele Arten er das Thema variieren konnte Er arbeitet mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten. Anfangs bewegt sich das Thema nach unten. Hat es funktioniert? Hat es getan? Aber dann später, D da da da da da da doo da da da do. Es steigt höher. Also hat er sich all diese Möglichkeiten ausgedacht, eine sehr kurze Phrase oder ein Thema zu nehmen und es zu variieren Nun, im Kurs über Phrasierung, habe ich darüber gesprochen, dass wir nicht viele kurze Phrasen haben wollen . Es wäre, als würde man die ganze Zeit so reden. Aber wenn man anfängt, etwas so Interessantes wie Thema und Variation zu machen , fühlen sich die Dinge bewusst genug an und verbinden sich, sodass sie sich immer noch wie eine richtige melodische Phrase anfühlen Stell dir das als di da dum vor. Das ist die wichtigste Miniphrase, aber eigentlich Daten ta da da dum. Das fühlt sich an wie die ganze Phrase, die gesungen werden würde. Sie können also diese Art von kleineren Phrasen in diesen größeren Phrasen Solange es sich natürlich anfühlt und Ihr Zuhörer sich wohl fühlt, diese kleinen Phrasen in dieser Umgebung zu hören , ist alles in Ordnung. Ich sage nicht, dass Sie niemals kleine Phrasen spielen können , aber wenn Sie das tun, versuchen Sie, ein bisschen kreativ mit ihnen umzugehen, indem Sie etwas wie Thema und Variation verwenden Ich denke zwar , dass unser letztes Beispiel in dieser Thematik - und Variationsatmosphäre funktioniert, lassen Sie uns sehen, ob ich etwas anderes spielen kann, das auch in Bezug auf Thema und Variation recht gut funktioniert. Lass es uns versuchen. Eins, zwei, drei, vier. Okay, ich denke, das funktioniert gut. Also haben wir unser anfängliches Thema, das aus einer Note besteht, rauf, rauf, runter, eine Wiederholung. Wir haben das in einem anderen Register gemacht, angefangen mit einer anderen Note. Wir haben es invertiert. Wir sind einen Sprung runter gegangen, statt rauf, einen Sprung runter, und dann haben wir den Rhythmus gegen Ende verlangsamt sind alle in unterschiedlichen Registern, aber ich habe die ganze Zeit über den Akkord nachgedacht In diesem Moment ist unser Akkord g-Moll Gs und B-Flatten sind sichere Noten. Es sind Magnete, und wir haben eine vorübergehende Notiz. Der nächste Akkord ist Es-Dur. Auch hier können Sie sehen, dass ich Es-Dur und G habe, die sich im Akkord und einer vorübergehenden Note befinden Dann gehen wir zu c-Moll. Hier denke ich c-Moll sieben. Wir haben also die Sieben, also B-Dur, die A bis hinunter zu einem G geht . Diese Noten hier sind alle im Akkord enthalten und wir haben eine richtige Passnote Und zum Schluss haben wir c-Moll, C, das von D nach Es-Dur geht Das sind alles Akkordnoten. Drei unserer vier Noten sind also Akkordnoten mit einer vorübergehenden In dem Moment, in dem du dir Themen und Variationen ausdenkst und die Akkorde überlegst, die du spielst, kommt ein Teil davon aus der Erfahrung , sie vor Ort zu spielen Ich hatte das Glück, dass ich das zum ersten Mal gemacht habe, und ich habe dir ein gutes Beispiel gegeben Aber normalerweise würde ich bei Thema und Variation eher einen Ansatz mit Stift und Papier in Betracht ziehen oder mit MIDI-Informationen arbeiten und so lange experimentieren , bis Sie mit den Variationen, die Sie sich ausgedacht haben, zufrieden sind den Variationen, die Sie sich ausgedacht haben Das Thema können Sie sich vielleicht sehr schnell ausdenken, aber die Variationen können im Moment etwas schwierig zu erkunden sein im Moment etwas schwierig zu erkunden , es sei denn, Sie haben eine Menge Erfahrung mit dem Instrument Das ist es also. Wir haben Fragen und Antworten, Anruf und Antwort sowie Thema und Variante behandelt. Ich möchte eine kleine Änderung vornehmen. Als ich beim vierten Akkord sagte , dass wir irgendwie antworten würden, dann antwortest du nicht wirklich dort Das ist normalerweise der Fall, wenn man zurückgeschleift wird, um einen zu schlagen. Und wenn sich ein Loop bis zum ersten Takt wiederholt, ist das wie ein letzter Akkord Das ist in der Regel der Ort, an dem Sie Ihre Antwort erhalten. Aber worüber ich mit dem Anruf und der Antwort gesprochen habe, da dieser vierte Satz etwas anders ist, ist, dass er ähnlich wie eine Antwort funktioniert, da er sich in diesem Moment nach einer gewissen Spannung gelöst anfühlt in diesem Moment nach einer gewissen Spannung gelöst nach einer gewissen Spannung Wenn du eine richtige Frage und Antwort willst, wirklich mit den Grundlagen perfekter Kadenzen befassen Ein Akkord und fünf Akkorde und Melodien enden mit einer ungelösten Note , Melodien enden mit einer ungelösten Note , also mit den fünf Akkorden, und das zweite Mal mit einer aufgelösten Note enden, mit dem einen Akkord. Das ist alles etwas außerhalb des Kontextes für diesen speziellen Kurs, aber ich wollte sichergehen, dass ich alle meine Grundlagen so gut wie möglich abdecke. Ich habe viele andere Kurse , die tief in die Harmonie eintauchen. Wenn Sie daran interessiert sind , würde ich empfehlen, sich die Akkorde und Akkordfolgen 101-20-1301 anzusehen, damit Sie daran interessiert sind , würde ich empfehlen, Sie wirklich weit durch dieses Harmonie-Wurmloch kommen, sodass Sie , wenn Sie zu diesen melodischen Konzepten zurückkehren, einen besseren Rahmen haben , Sie mit dem Sie harmonisch arbeiten können. In unserem nächsten Kurs werden wir über deine Melodie sprechen, die zu dem Musikstil passt, den du deine spielst. Wir sehen uns in der nächsten Klasse. 7. Melodie passt zum Stil: Gut. Lassen Sie uns als Nächstes über Ihre Melodie sprechen , die zu dem Musikstil passt , den Sie produzieren Bisher stammen die grundlegenden Konzepte, die ich Ihnen gegeben habe, aus westlichen klassischen Musik und finden häufig ihren Weg in die moderne Einige Musikstile verfolgen jedoch leicht unterschiedliche Herangehensweisen, wenn es darum geht, wie sie ihre Melodien kreieren Wir werden über zwei spezifische Stile sprechen , weil ich letztendlich nicht jeden Stil in diesem Kurs behandeln kann, aber wir werden über Funk und Trance sprechen , also lassen Sie uns eintauchen Bei Funk-Musik und auch bei Dubstep verwenden sie also eine Technik namens Hocket und ein Hockett besteht im Grunde aus ein paar kurzen Noten von jedem Melodieinstrument, und zusammen ergeben sie eine Melodie und zusammen Es könnte also so einfach sein eine Melodie zu kreieren, wie wir sie in der letzten Klasse hatten , und die ersten paar Noten an eine Gitarre zu delegieren, die zweiten paar Noten an ein Horn, wie die Trompete Die nächsten paar Noten könnten mit einer Gesangsbesetzung oder einer Basspartie gemacht werden mit einer Gesangsbesetzung oder einer Basspartie gemacht Es gibt viele verschiedene Optionen. Aber ich werde etwas Neues spielen und ein paar neue Sounds hinzufügen. Lass uns ein bisschen synthischer werden und Serum reinbringen. Ich werde den Anruf als Antwort löschen und das Thema und die Variationen , die wir vom letzten Mal gemacht haben Ich behalte meine ursprüngliche Melodie bei, werde sie aber vorerst stummschalten Und jetzt, damit ich weiß, dass du hier nicht viel von dem sehen kannst , was hinter meinem Video passiert, aber ich habe gerade drei neue Instanzen von Serum erstellt, und ich werde jede davon durchgehen und einen Sound finden, der mir gefällt Also gib mir einen Moment und ich melde mich wieder. Okay, ich habe also drei Sounds. Sie sind nicht alle nivelliert. Ich müsste wahrscheinlich zuerst den Hock erstellen und dann die Level ein bisschen überarbeiten , aber sie klingen so Der zweite ist viel, viel, viel lauter. Ich werde es um etwa 5 Dezibel senken. Und der letzte wird zwei senken nur als kurzen Ausgangspunkt Jetzt werde ich tatsächlich diesen ersten Akkordpart duplizieren, sodass ich zusätzlich zu dem , was wir bereits haben , einige Akkorde spielen zusätzlich zu dem , was wir bereits Und das ist auch im Funk wirklich üblich, so wie De de, de de zu hören so wie De de, de de Bob, Chuk Chuk, Kumpel. Bit x Punkt. Das kleine Chicka-Chicka-Gespräch auf der Gitarre , dieser kleine Funkgitarrenpart wird irgendwie Teil der Melodie Während du es in deinem Kopf singst, spielst du diese kleine Chia-Chukacha Also fange ich damit an, einen kleinen Akkordstich auf den dritten Akkord zu machen einen kleinen Akkordstich auf den dritten Akkord Also kommen wir in eins, zwei, drei, vier rein. Nichts allzu Verrücktes. Ich steche nur mit ein paar Akkorden rein. Das könnte man einen Akkordstich nennen. Ich werde das Timing ein bisschen bereinigen. Und jetzt gehen wir zu unserem ersten Synthesizer und kreieren einen Teil einer Melodie Okay, wir haben hier ein paar Notizen. Wir machen uns auf den Weg zu unserem nächsten Synthesizer. Okay, du kannst schon anfangen zu sehen, wie sich das zusammenfügt. Dritter Sohn. Ich möchte die Akkorde nicht zu sehr überlappen. Ich möchte das ehrlich gesagt noch einmal hören. Es hat wirklich gut geklappt mit dem erneuten Anruf als Antwort auf den zusätzlichen kleinen Teil, den ich hinzugefügt habe. Also hier ist unsere Anruf-Antwort, Anruf, Antwort. Also klingt es am Ende so. Also das ist so eine Art Eishockeyansatz. Wenn ich nun Synthesizer-Sounds verwende, vor allem, wenn sie wie Web-Synthesizer-Sounds mit schweren LFOs sind, wirst du eine Art Dub-Step-Ansatz bekommen Ich habe gerade keine Gitarre angeschlossen , um dir den funkigeren Ansatz zu zeigen , aber Sie hätten zum Beispiel, sagen wir, Saxophon, und dann haben Sie hier Trompete, und dann haben Sie hier eine Gitarre, vielleicht einen zweiten Gitarristen, der einen funky Rhythmus spielt, und einen Leadgitarristen , der ein Stück einer Melodie Was auch immer es sein mag, die Instrumentierung ist das Einzige, was sich geändert hat. Das Grundkonzept dessen, was ein Hocket ist, ist immer noch sehr fragwürdig. Meine bevorzugte Verwendung eines Hockets im Dubstep ist der Song Vancouver Beat Down von Vancouver Beat Down von Zomboe ZOMBOY. Schau dir das Lied Wenn ich mir den Drop anhöre, kann ich ihn mir immer wie eine ganze Melodie durch den Kopf spielen , aber es gibt so viele verschiedene Instrumente, aus denen sich der gesamte Drop zusammensetzt , dass er ein gutes Beispiel für einen Hocket im Dubstep ist ein gutes Beispiel für einen Hocket im Funk angeht, können Sie sich so ziemlich alles von James Brown ansehen so ziemlich alles von Ich würde wetten, dass selbst der erste Song, den Sie von ihm hören , eine Hocket-Technik verwendet Lassen Sie uns als Nächstes über Trance sprechen. Wir werden uns einen wirklich einfachen Trance-Synth-Teil einfallen lassen einfachen Trance-Synth-Teil Im Serum haben wir also ein initialisiertes Preset. Nur mit ein paar Sägezahnwellen werde ich sie stark verstimmen. Und schon sind wir in dieser Art von Transy-Atmosphäre. Wir können unter anderem berücksichtigen, dass die Geschwindigkeitsempfindlichkeit, wie hart ich die Note spiele, den Filter beeinflussen kann Also mache ich weiter und senke die Geschwindigkeit bis zum Grenzwert. Also, wenn ich leise statt laut spiele, öffnet sich der Filter Ich möchte also einen ersten Ausgangspunkt haben, an dem wir es leicht hören können, wenn ich leise spiele , und wenn ich es lauter spiele, können Sie hören, wie sich die Frequenzen stärker öffnen Darüber hinaus könnten wir ein bisschen Hall hinzufügen. Vielleicht eine Verzögerung. Und mit der Verzögerung sollten wir das Feedback notieren. Ich werde auch die Achtelnoten sowohl im linken als auch im rechten Lautsprecher auf Achtelnoten umstellen Achtelnoten sowohl im linken als auch im rechten und den Mix deutlich runterschalten. Etwas wirklich Kurzes. Also ein bisschen Delay, ein bisschen Hall, ziemlich viel Detuning auf einer Sägezahnwelle Das ist ein Ausgangspunkt für einen Trance-Synthesizer. Womit wir hier arbeiten werden, ist ein sogenannter homophoner Ich werde die Akkorde skizzieren, die wir bereits hatten. Also g-Moll, Es-Dur bis C, und ich werde auch den gleichen Rhythmus für die Melodie spielen Was auch immer mein Rhythmus ist, sagen wir, es ist da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, ich würde so etwas spielen wie Also meine Akkorde stechen und die Melodie oben spielt einen homophonen Rhythmus, den gleichen Rhythmus wie die Akkorde. Lassen Sie uns vorerst all die alten Teile stummschalten, die wir hatten Trance ist ein Ich will nicht die alten Retro-80er oder irgendwelche Wurlitzer-Sounds Wir sind dem Trance-Sound also ein bisschen näher gekommen. Wir haben zwar keinen Trance-Drum-Beat, aber er bringt uns ein bisschen näher Also lass es uns versuchen. Es klingt so. Nachdem ich das quantisiert habe, möchte ich vielleicht darüber nachdenken, alles auf Gatto einzustellen , sodass alles glatt und miteinander verbunden ist Es ist ein bisschen zu glatt Sobald ich also alles berührt habe, kannst du einfach ein subtiles Maß an Trennung erzeugen Und dann möchte ich wirklich einen automatischen Filter einsetzen und diesen Filter im Laufe der Zeit einfach langsam öffnen Also lass uns so etwas versuchen, bumm, bumm, draufdrehen. Also, das ist die Grundidee. Und ich sollte erwähnen, dass ich nicht speziell ein Trance-Produzent Ich habe meine Zehen ein bisschen in Trance und Citrance getaucht in Trance Mein Sounddesign für diesen Synthesizer war also ziemlich elementar, Und den eigentlichen Teil selbst möchte ich mit der Zeit ein bisschen mehr herausarbeiten Aber das Wichtigste, was ich Ihnen zeigen soll, ist, dass die Akkorde und die Melodie genau den gleichen Rhythmus haben Du könntest dann zu ein paar anderen lila Noten wechseln, und ich weiß einfach nicht mal, wie das klingen wird. Lass uns einfach zu ein paar anderen lila Noten übergehen . Klingt immer noch ziemlich gut, oder? Purple Notes sind also dein Freund. Es ist derselbe Rhythmus wie die Harmonie. Und dann versuche zu überlegen, welche Noten in meinem Akkord vorkommen, und meine Melodie sollte diese Noten ziemlich häufig umreißen diese Noten ziemlich häufig umreißen Das sind also zwei Beispiele für eine spezifische Herangehensweise an Ihre Melodie, die auf dem Stil basiert, den Das Beste, was Sie jetzt tun können ist rauszugehen und sich einen Großteil des Stils anzuhören , den Sie zu produzieren versuchen, und Sie zu fragen, was die Melodie macht Wie hängt das mit der Harmonie zusammen? Wie arbeiten all die einzelnen Instrumente zusammen? Mit anderen Worten, was passiert mit der Melodie und wie kann ich sie nachstellen Normalerweise sind es ein oder zwei einfache Tricks, und wenn man sie einmal verstanden hat, kann man sich wirklich auf das jeweilige Genre Es ist nicht so, dass es jeden einzelnen Song verändern wird , es sei denn, es ist etwas sehr Abenteuerliches, wie Neoklassik oder so Aber in den meisten Fällen wirst du in der Lage sein, ein paar einfache Melodietechniken wie Hokets und homophone Rhythmen zu erlernen ein paar einfache Melodietechniken wie und diese in Zukunft anzuwenden, sodass dein Stil überzeugender und akkurater klingt . Das war's also für diesen Kurs, wenn es darum geht, deine Melodie an den Stil anzupassen, den deine Melodie In unserem nächsten Kurs werden wir über rhythmische Dichte sprechen . Wir sehen uns dort 8. Rhythmische Dichte: Gut. In diesem Kurs werden wir über rhythmische Dichte sprechen Es ist einfach ein lustiger Begriff, der sagt , wie schnell die Rhythmen sind Wie schnell ist der Rhythmus in der Strophe im Vergleich zum Rhythmus im Refrain , wenn es darum geht, was deine Melodie tut Wie schnell spielt der Rest der Band? Wenn es meine Aufgabe ist, eine Melodie zu kreieren, wie schnell sollte meine Melodie im Verhältnis zum Rest der Band sein Das sind die Arten von Konzepten, über die wir sprechen werden. Lass uns reinspringen. Also als Erstes werde ich unseren kleinen Mini-Song in zwei Abschnitte erweitern . Der Trommelschlag wird vorerst gleich bleiben. Er würde sich wahrscheinlich zwischen den Abschnitten ändern, aber im Moment konzentrieren wir uns hauptsächlich auf Harmonie und Melodie und ihre Beziehung Im zweiten Teil des Songs werde ich also die Progression leicht ändern, und ich werde auch die rhythmische Dichte ändern Hört euch die Harmonie hier an. Alles bewegt sich ziemlich langsam, oder? Wir haben quasi diese Akkorde, die wirklich durchhalten. Was ich in diesem zweiten Abschnitt machen werde, und jetzt merkt man, dass sich das wiederholen will Das sind sehr kurze Abschnitte. Im zweiten Abschnitt werde ich etwas andere Akkorde kreieren und etwas Pulsierenderes spielen Die rhythmische Dichte hat sich also für die Harmonie geändert. Also lass es uns ausprobieren. So etwas wie eins, zwei, drei, vier. Okay, es gibt also einen kleinen Puls. Wir wecken ein gewisses rhythmisches Interesse. Steuerung A, Steuerung, um all diese Informationen zu quantisieren. Nun, was unsere Melodie ist, ich werde diesen Hacket von vorhin loswerden Was unsere Melodie in Bezug auf diese Harmonie bewirkt, ist, dass die Dinge fließender und länger sind, was uns oft etwas mehr Raum gibt , rhythmisch dichter zu sein und zusätzliche Noten hinzuzufügen diese Harmonie bewirkt, ist, dass die Dinge fließender und länger sind, was uns oft etwas mehr Raum gibt, rhythmisch dichter zu sein und zusätzliche Noten hinzuzufügen . Aber dafür gibt es eine Schwelle. Wenn die Leute leichte Ballladen-Akkorde und du eine Ballade spielst, kannst du natürlich auch ein bisschen rhythmisch dichter drüber spielen bisschen rhythmisch dichter drüber Aber wie weit könntest du gehen, bevor es einfach zu viel Energie für eine Ballade gibt Also nochmal, das ist alles stilspezifisch, aber ich sage nur, wenn eine Band rhythmisch viel macht und deine Melodie rhythmisch viel macht, dann ist das manchmal ein bisschen zu viel, um dich darauf zu konzentrieren Wenn du mit dem Rest der Band einen homophonen Rhythmus machst , wie das Trance-Beispiel aus dem letzten Kurs, mag das gut funktionieren, aber du musst in der Lage sein, das richtig zu verfeinern. Nun, langsam mit langsam funktioniert. Schnell mit schnell funktioniert, aber wenn Sie befürchten, dass ein Song überladen wird, versuchen Sie es Wenn die Band die Harmonieparts langsamer spielt, hat Ihre Melodie etwas mehr Platz, um melodisch und rhythmisch dichter zu sein Also zurück zum 80er-Sound, nehmen wir an, wir haben so etwas wie W, zwei, drei, vier Nun, zum nächsten Abschnitt, den wir jetzt haben könnten, können Sie in beiden Hälften dieses Beispiels sehen, je schneller die rhythmische Dichte, desto langsamer die rhythmische Dichte kontrastiert, langsamer die was auch immer die Harmonie tut Hören wir es uns ohne Schlagzeug an . Es klingt so. Es gibt also zwei wichtige Dinge , die ich Ihnen hier zeige. Das eine ist der Kontrast. Was macht die Band in Bezug auf ihre rhythmische Dichte Und meine Aufgabe als Melodienschreiber ist es, im Grunde eine subtile Version des Gegenteils zu machen Nicht jedes Mal, es ist einfach ein ziemlich sicherer Ansatz. Und wenn wir dann die verschiedenen Abschnitte durchgehen und Sie die verschiedenen Abschnitte wirklich definieren wollen, ändern Sie die rhythmische Dichte der Teile Beginne mit deiner Rhythmusgruppe wie Schlagzeug und Bass. Darauf können auch Akkorde folgen, und deine Melodie geht ziemlich oft dahin sie einen tollen Kontrast zwischen den Abschnitten bietet Die Leute fragen sich also nicht, ist das eine Variante der Strophe? Stattdessen sagen sie: Oh nein, das klingt wie ein Vorchor Es ist ganz anders als das, was wir gerade in der Strophe gehört haben, aber es ist in derselben Tonart Es folgt einigen rhythmischen und melodischen Motiven. Es fühlt sich insofern verbunden an, als ob es im selben Song ist, aber in Bezug auf den Abschnitt fühlt es sich anders an Also wirklich, das ist es. Es ist ein kurzer Kurs. Es gibt zwei Blickwinkel der rhythmischen Dichte. In einem bestimmten Abschnitt kann ein bisschen Kontrast eine gute Sache sein, und zwischen Abschnitten kann ein Kontrast eine gute Sache sein Höre dir innerhalb eines Abschnitts an, was die Band tut, und mache eine subtile Version des Gegenteils , was die rhythmische Dichte angeht Wenn du diesen Abschnitt angelegt hast und bereit bist, zu einem anderen Abschnitt überzugehen , aber nicht weißt, was du in Bezug auf diese rhythmische Dichte tun sollst, versuche, ihn zu Bezug auf diese rhythmische Dichte tun sollst, versuche, kontrastieren und zu sehen, wie das klingt Das war also nicht unser intensivstes Konzept. Es ist relativ einfach, aber es ist etwas, das meiner Meinung nach ziemlich oft übersehen wird. Überlegen Sie, wie sich Ihre rhythmische Dichte in bestimmten Abschnitt und zwischen den Abschnitten auswirkt, einem bestimmten Abschnitt und zwischen den Abschnitten auswirkt, und als Ergebnis werden Ihre melodischen Parts und Ihre Abschnitte viel stärker hervortreten Das war's also für diesen Kurs über rhythmische Dichte. In unserem nächsten Kurs werden wir anfangen, die nicht violetten Noten zu spielen, die Noten zwischen den Noten unserer Tonleiter oder unserer Tonart Dies wird mit dem Wort Chromatik dargestellt. unserer nächsten Klasse werden wir über Chromatik sprechen In unserer nächsten Klasse werden wir über Chromatik sprechen. Wir sehen uns dort 9. Chromatik: In Ordnung, lassen Sie uns über Chromatizismus sprechen. Noten zwischen den Noten deiner Skala spielen. Es wird ein bisschen bunter klingen, ein bisschen abenteuerlicher Lass uns reinspringen. Okay, lassen Sie uns dort weitermachen, wo wir aufgehört haben. Wir haben einen gewissen rhythmischen Dichtekontrast zwischen Abschnitten und zwischen Teilen erzeugt Am Ende klang es ungefähr so. Ich versuche das zu glauben , wie Sie sehen können, gibt es in dieser Melodie keine einzige Note, die nicht auf einer violetten Notenspur befindet Mit anderen Worten, jede einzelne Note, die ich ausgewählt habe, lag in der Tonart g-Moll Und wir können sehen, dass unsere Haupttonart hier oben g-Moll ist und jede einzelne dieser Noten auf der violetten Spur liegt. Das bedeutet also, dass nichts davon tatsächlich chromatisch ist. Chromatisch wird durch diese schwarzen Noten repräsentiert , nicht unbedingt durch die schwarzen Tasten am Klavier, sondern durch diese schwarzen Linien, die wir sehen können , wie sie alle MIDI-Informationen durchdringen Wir könnten einfach jede dieser Noten umgehen und zu einer schwarzen Note wechseln und sehen, wie sie klingt, aber ich verspreche Ihnen, dass sie falsch klingen wird. Ich werde es überprüfen. Sehr beunruhigend. Die Akkorde und die Melodie passen nicht zusammen. Wir können nicht sagen, in welcher Tonart wir uns befinden, , welche Skala wir verwenden Es gibt also bestimmte Möglichkeiten , wie wir uns dem Spielen dieser Noten nähern wollen , die nicht in der Tonart sind Es sind nicht die lila Noten. Nun, das Erste, was ich erwähnen möchte, ist, dass chromatische Bewegungen bei optimistischen Tönen besser funktionieren Wenn wir eins und zwei zählen und drei und vier Wir haben unsere Haupt-Downbeats, eins, zwei, drei, vier und die Upbeats und und und und und und, und diese chromatischen Noten ans Ende zu setzen , wird ein bisschen besser funktionieren, weil es ja die abenteuerlicheren Töne sind ja die abenteuerlicheren Wenn wir sie also in den weniger stabilen Rhythmus bringen , bedeutet das, dass der stabile Takt eins und der stabile Takt zwei, stabilere Noten bekommen Der Optimismus bietet einen gewissen Spielraum für Experimente innerhalb Das ist also nur eine Art Randnotiz , die Sie berücksichtigen sollten Aber worüber wir sprechen werden , chromatische Nachbarnoten und chromatische Passnoten, eine Fortsetzung dessen, worüber wir zuvor gesprochen haben Ich bin mir nicht sicher, ob ich in diesem Kurs den Begriff diatonisch erwähnt habe, aber diatonisch bedeutet tonartgetreu Das bedeutet, dass du alle lila Noten spielst und alle Akkorde, die du spielst, richtige Noten innerhalb dieser Tonart sind Es gibt also diatonisch, tonartgetreu und chromatisch. Alle Noten können berücksichtigt werden. Der Ansatz, den wir hier verfolgen, wird diatonisch sein mit etwas Chromatik, einigen Farbexperimenten mit einigen dieser Noten, die wiederum auf diesen schwarzen Linien in den Midi-Informationen landen Ausgehend von den chromatischen Nachbartönen nehmen wir eine der Noten , die sich auf einer violetten Note befindet, und verschieben sie auf eine schwarze Das ist also ein oberer Nachbarton, und er ist chromatisch, weil er nicht auf eine der violetten Noten in der Tonart fällt . Hören wir es uns an Okay, irgendwie abenteuerlustig. Es klingt nicht schrecklich, aber es ist nicht unbedingt großartig Man muss wirklich aufpassen, wo man Chromatik in Bezug auf Stile verwendet Wenn du so etwas wie Neo-Soul, Funk, Hip Hop, RMB machst , wirst du Lage sein, mit Chromatik ein bisschen mehr durchzukommen. Wirklich alles, was vom Jazz inspiriert ist. Wenn du etwas geradliniger spielst, wie einen Song wie diesen, wie eine elektronische oder Popmusik, wird es etwas schwieriger sein, diese Noten für die Ohren , die diesen Stil hören wollen, ankommen zu lassen diese Noten für die Ohren , die . Jemand, der Popmusik hören möchte, ist nicht unbedingt bereit für tonnenweise Chromatik Aber auch hier schweife ich ab. Ich wollte dir zeigen, dass du mit einer Notiz beginnen kannst, die zum Beispiel lila ist Es ist in Tonart, bewegen Sie sich nach oben oder unten zu einem Nachbarton, einer Nachbarnote, wie auch immer Sie es nennen wollen, zu einer nicht diatonischen Note, einer Note, die nicht in Hier ist das Beispiel eines niedrigeren Nachbartons. Okay, so abenteuerlich für diesen speziellen Song. Aber es gibt tatsächlich eine tolle Gelegenheit für uns , über einen chromatischen Vorbeiklang zu sprechen, und das ist hier oder hier. Wir wechseln wirklich jederzeit von einer violetten Note zu einer anderen lila Note mit einer schwarzen Note dazwischen Das trifft auf den Schlüssel zu. Dieser hier ist es nicht. Das ist originalgetreu. Deshalb möchte ich hier versuchen, mit diesem Teil zu experimentieren und eine chromatische Passnote einzufügen . Hören wir es uns an Okay, das klingt langsam ein bisschen passender. Es klingt auch ein bisschen nach Videospielen. Ein Großteil der Musik im Videospiel Mario, das quasi die Grundlage für viele andere Videospiel-Musik bildete, war stark vom Jazz beeinflusst , der ziemlich viel Chromatik verwendete Wenn Sie sich dem nähern, werden Sie das Gefühl haben, dass Sie ein bisschen weniger EDM oder elektronische Standardmusik bekommen ein bisschen weniger EDM oder und Ihre Zehen ein bisschen mehr in Nun, das kann schnell übertrieben werden. Fangen wir an, einige dieser Noten mit chromatischen Passnoten auszufüllen dieser Noten mit chromatischen Passnoten Es sieht so aus, als ob es in diesem Abschnitt immer nach unten gehen Hier im nächsten Abschnitt haben wir die Möglichkeit, eine obere chromatische Passnote zu eine obere chromatische Passnote Also hören wir uns die ganze Sache an. Es wird nicht perfekt klingen, aber das ist die Grundidee. Das hat mir besser gefallen. Ich denke, es funktionierte besser als ein langsamerer chromatischer Passton, noch einmal Das ist also ein Ende, zwei Enden, drei Enden, vier Enden Ist ein Ende, zwei, drei d. Also hier sind unsere drei Enden dieses bestimmten Beats, und wir können sehen, dass die chromatische Note am Ende passiert Einer der Gründe, warum sich das durchaus angemessen anhörte. Alles hier drüben war auf 16th Notes. Es war ein bisschen schnell und hektisch. schnell und hektisch ist nichts auszusetzen, so wie Flight of the Bumblebee zum Beispiel, zum Beispiel, Es ist sehr schnell und hektisch. Aber man muss ein bisschen experimentieren und um sicherzugehen, dass diese chromatischen Noten nicht auf die Haupt-Beats fallen, vor allem nicht zu oft Und zweitens, dass es einfach richtig klingt. Manchmal sieht es so aus, als würde es funktionieren und es klingt nicht fantastisch. Chromatik kann sehr empfindlich sein, wenn es darum geht, warum sie funktioniert und warum sie das Ohr etwas zu sehr herausfordert Gehen wir also zurück und machen einen Haufen von dem rückgängig, was ich gerade gemacht habe, all diese verrückten zusätzlichen Dinge Hoppla, zu weit. Und ich würde sagen, lassen Sie uns diese kleine Notiz hier nur zum Spaß behalten, nur für ein bisschen mehr Geschmack Denken Sie also daran, dass Sie immer noch Noten mit oberem Nachbarn, unterem Nachbarn oder oberem, unterem Nachbar haben können In diesem Fall wechseln Sie jedoch nicht von lila über lila zu einer anderen violetten Note. Wir bleiben nicht im Schlüssel. Wir wechseln von lila zu einer Note, die nicht lila ist, zu einer anderen lila Note. Wir gehen also von einer Tonart, vorübergehend nicht in der Tonart, zur Schlüsselfigur über . Und die Note, die vorübergehend nicht in der Tonart ist, sollte am besten gleich im Optimismus landen. Warum kreiere ich nicht etwas völlig Neues? Und ich werde versuchen, mehr Chromatik einzubauen. Und für mich wird das ein sehr natürlicher Prozess sein, weil ich viel Jazz-Piano gespielt habe, aber dann können wir es ein wenig aufschlüsseln weil ich viel Jazz-Piano gespielt habe, aber dann können wir es ein wenig aufschlüsseln. Hören wir es uns an. In eins, zwei, drei, vier klingt es vielleicht so . Okay, das ist für unseren ersten Abschnitt. Es ist chromatischer, als ich es normalerweise für diesen Stil spielen würde , aber Sie werden die Grundidee verstehen Also breche ich hier schon eine Regel. Es ist eins und zwei, und ich habe recht bei den beiden , dem Haupt-Downbeat von B zwei, und ich bin chromatisch Aber soweit ich weiß, ist eine der sichersten chromatischen Noten, die man spielen kann Ich dachte eigentlich an die G-Moll-Blues-Skala, und die Note, die ich spielte, war die blaue Note Es ist also ein D oder scharf C, bekannt als die blaue Note. Das könnte eine Zeit sein, in der Sie es auf einen Downbeat setzen könnten, aber ich würde davor warnen, mit dieser Art von Chromatik bei einem Mainbeat zu arbeiten dieser Art von Chromatik Aber das zeigt dir auch, dass es okay klingen kann und dass es Jetzt, in der zweiten Hälfte, haben wir. Okay. Also nochmal, ich breche ein paar Regeln in dieser D-Wohnung, hier ist es wieder schlecht. Aber auch hier ist es, glaube ich, die sicherste chromatische Note, die man Ich habe da drüben noch eine chromatische Note. Das ist etwas, das man ein Gehege nennen könnte. Ich versuche im Grunde, auf dieser sicheren Notiz zu landen, und das mache ich, indem ich das Spielfeld umzingle. Wir haben eine stabile Note, ein chromatisches Gehäuse, das uns zu einer anderen diatonischen oder sicheren Note führt uns zu einer anderen diatonischen oder Aber dieses Mal bin ich am Ende des Beats. Also, wenn das eins und zwei und drei und vier und eins ist und ich am Ende des zweiten Takts eins bin , in diesem Fall. Wenn Sie also chromatische Noten auf Downbeats setzen wollen , versuchen Sie, sichere Töne auszuwählen, wie solche, die bereits in Tonleitern existieren B. B-Bop-Skalen und blaue Skalen außerhalb des Kontextes dieses Kurses, aber Sie können sich diese gerne ansehen Es gibt kleine Momente zwei Halbtöne hintereinander auftreten, und dieser kleine Halbton in der Mitte kann eine chromatische Note sein, mit der Sie bei Downbeats herumspielen Wir haben uns auch ein wenig mit Gehäusen befasst, mit dieser Idee, eine Zielnote zu haben und sie zu umgeben, eine Note über einer Note unten und dann anzukommen Manchmal könnte es eine Notiz unter einer Notiz oben sein und dann Sie können sogar damit beginnen, zwei Notizen auf die obigen oder die unteren Abschnitte zu schreiben. Es gibt viele verschiedene Möglichkeiten, wie Gehege auch außerhalb des Kurses gebildet werden können außerhalb des Kurses gebildet Es wäre zum Beispiel für Jazz-Improvisation. Ich habe in meinem Kurs über Jazz-Klaviertricks Anlagen angesprochen , aber Sie können sich das gerne ansehen. Das musst du nicht Das ist nur möglich, wenn Sie wirklich mehr über Gehäuse erfahren möchten , die einen großen Teil dieses Jazzsounds ausmachen sollte also bedenken, dass wir in der Barockmusik ziemlich viel Chromatik hatten Es gab nicht unbedingt volle Akkorde , die bei anderen Noten vorkommen. Es gab viele Kontrapunkte. Also einzelne Notenlinien und andere einzelne Notenlinien normalerweise wie auf einem Cembalo Denken Sie zum Beispiel an JS Bach. Wenn man sich seine Musik anschaut, ist es einfach das , was aussieht wie eine wirklich intensive Melodie und weitere sehr intensive Melodie und ein paar kleine Noten, die irgendwie dazwischen stochern , was wir als innere Stimmführung bezeichnen könnten Aber die Dinge wurden tatsächlich ziemlich chromatisch. Ich fand sogar heraus, dass es, als die klassische Musik, die Chromatik, auf den Markt kam , das Gefühl hatte, dass es weniger Chromatik gab Und ich weiß nicht , ob das daran liegt, dass blockierte Harmonien eingeführt wurden und das Reiben einer Note an der Harmonie etwas stärker zu spüren Aber es hat sich irgendwie von der Chromatik entfernt. Und dann, in der romantischen Ära, haben sie jemals wieder Farben und Chromatik zurückgebracht und eine Menge Möglichkeiten , mit den Klängen von Melodie und Harmonie zusammen zu experimentieren haben sie jemals wieder Farben und Chromatik zurückgebracht und eine Menge Möglichkeiten , mit den Klängen von Melodie und Harmonie zusammen zu experimentieren? man einen Blick nach vorne wirft, kommt man ein bisschen weiter in das zeitgenössische Klavier und das Jazzklavier, und die Chromatik war zu diesem Zeitpunkt einfach voll verfügbar. Ein kleiner chromatischer Trick, zu dem ich Sie ermutigen werde, und ich verstehe ihn von Chopin und anderen romantischen zu dem ich Sie ermutigen werde, und ich verstehe ihn von Chopin und anderen romantischen Komponisten. Du spielst also einen Akkord, und das funktioniert sehr gut mit Nehmen wir an, wir spielen a-Moll. Und mit der rechten Hand spielst du den Fünften. Also die oberste Note des Akkords. Sie können auf beiden Seiten dieser Quinte mit Halbtönen herumspielen , und das ist ein großartiger Ort, um mit chromatischen Nachbartönen zu experimentieren . Es klingt also so Es klingt einfach irgendwie unheimlich, ein bisschen unheimlich. Es ist eine wirklich lustige Gegend, mit der man herumspielen kann. Stimmt? Es erinnert mich ein bisschen an Chopin, aber auch an Danny Elfman, der sich der dunkleren Seite von Moll nähert dunkleren Seite von Moll nähert Und das geschieht durch Chromatik. Nun, ganz ehrlich, die Note über der Quinte. Über diesem E haben wir also ein F, einen Halbton nach oben. Das ist nicht chromatisch. Das ist tatsächlich Teil der Skala Aber wenn wir einen Halbton unter die Quinte fallen, ist das die chromatische Es ist tatsächlich dieselbe Note, die ich in dem Beispiel von vorhin aufgesetzt habe , um eins zu schlagen Aber all das soll heißen, dass es bestimmte Stellen gibt, an denen diese Chromatik am besten funktionieren wird Sie möchten herausfinden, wie Chromatik in dem Genre funktioniert , das Ist es überhaupt erlaubt? Wird es überhaupt bevorzugt? Und wenn ja, ist es ungefähr in einer bestimmten Tonhöhe? Wird es häufig oder selten verwendet, sind dies die Fragen, die Sie sich stellen Das ist also im Grunde Chromatik, wenn man Ihre Midi-Informationen betrachtet Wir spielen die Noten zwischen den violetten Noten und sind vorsichtig, was die Art und Weise angeht, wie wir das Wir versuchen, die chromatischen Noten auf Upbeats zu legen, das sind die und dazwischen unseren Haupt-Beats Es sei denn, es handelt sich um eine chromatische Note, von der Sie sich sicher sind, dass sie bei einem Downbeat okay klingt Wir haben über chromatische Nachbartöne oben oder unten, chromatische Durchgangstöne darüber oder darunter gesprochen Nachbartöne oben oder unten, und sind sogar ein wenig in die Gehäuse eingetaucht Das war's also für diesen Kurs. Im nächsten Teil werden wir darüber sprechen , eine breite und eine enge Melodie zu wählen. Wir sehen uns dort 10. Schmal oder breit: Zwei. In Ordnung, als Nächstes werden wir über breite und schmale Melodien sprechen Wenn wir unsere Melodie in Bezug auf die Sprünge zwischen den Noten nicht sehr stark bewegen , wäre das eine engere Aber wenn ich etwas um eine Quarte, eine Quinte oder höher überspringe, würde das als breitere Melodie angesehen werden Wir mögen es, das Schmale und das Weite auszubalancieren, und es gibt bestimmte Möglichkeiten, dies zu erreichen. Lass uns darüber reden. Also habe ich hier eine Melodie kreiert , die zu den beiden Teilen passt , die wir zuvor geschaffen hatten Ich beginne mit mehr rhythmischer Dichte weil die Harmonie ein paar einfache Dinge macht, und ich beende mit weniger rhythmischer Dichte weil die Harmonie pulsierender ist Mit anderen Worten, wenn die Harmonie mehr rhythmische Dinge tut, macht die Melodie weniger Außerdem werden Sie feststellen, dass es in dieser Melodie viele schmale Abschnitte gibt , die sich schrittweise, vielleicht auch übersprungen, bewegen Und dann sind da noch diese seltsamen Sprünge, diese großen Sprünge zwischen den Noten, wie dieses A zu diesem F. Aber insgesamt werden Sie feststellen, dass Narrow der Gewinner ist. Denk mal darüber nach. Wenn ich eine Melodie wie diese spiele, ist das sehr eng, aber es funktioniert. Sie ist sehr singbar Wenn ich es diesmal mit einer sehr breiten Melodie versuche , viel Glück beim Singen Das wird so schwer werden. So knapp ist der Gewinner am Ende des Tages. Also wollen wir sagen: Okay, wie kann ich zu 80 bis 90% schmal sein und einige große Sprünge angemessen nutzen? schmal sein und einige große Sprünge angemessen nutzen Also, was habe ich getan, nachdem ich hochgesprungen bin? Ich bin in einen engeren Gang gegangen und bin zur Mitte zurückgekehrt , sodass dieser Sprung ein bisschen ausgefüllt ist Das passiert auch hier, da es sich quasi um eine wiederholte Version des Satzes handelt. Die erste Hälfte klingt also so. Sie können also wieder sehen, dass wir nach diesen großen Sprüngen auf dem richtigen Weg sind, und es gibt wirklich nur einen großen Sprung innerhalb dieses Abschnitts Jetzt, später im langsameren Abschnitt, springen wir ein bisschen weiter Sprünge sind etwas verzeihender, wenn wir nicht so rhythmisch dicht sind. Denk mal darüber nach. Möchtest du oft zwischen Notizen hin- und herspringen? Wahrscheinlich nicht. Willst du es schnell machen? Wahrscheinlich nicht. In den Momenten, in denen Sie die Melodie etwas langsamer spielen, können Sie also mit etwas mehr Sprüngen oder einer breiteren Melodie davonkommen In den Momenten, in denen Sie die Melodie etwas langsamer spielen, können Sie also mit etwas mehr Sprüngen oder einer breiteren Melodie Mit anderen Worten, es gibt weniger rhythmische Dichte. Die zweite Hälfte unserer Melodie klingt so. Jetzt können Sie auch die Chromatik hören, die in diesem kleinen Bereich stattfindet Wie Sie sehen können, befindet sich dieses kleine C auf einer dieser schwarzen, nicht diatonischen Das passiert hier nicht direkt in dieser Leitung. Es passiert nicht so sehr bei diesem Downbeat sondern eher bei einem spontanen oder optimistischen Ton Also, das ist wieder das Fünftel der Tonart, das ist ein D-Halbton über Halbton unten, diese Art von chopinskem Trick Diese Sprünge hier, zum Beispiel, A, runter nach D, D ist das Fünftel der Taste und G ist die Wurzel des Schlüssels und G Ich bin also wirklich bei einigen sicheren Notizen in dieser Taste verankert , obwohl ich ein bisschen mehr springe als sonst, und das ist Wenn du darüber nachdenkst, springe ich hier runter, ich gehe von hier oben und dann gehe ich wieder Also drei Sprünge, aber mit sichereren Noten und in einer Umgebung, in der die Dinge langsam genug sind , dass die Sprünge immer noch besser singbar Das Ganze zusammen klingt so. Es ist also noch zu beachten, dass dieser Sprung von dieser Notiz zu dieser Notiz zwischen den Abschnitten ziemlich groß ist. Aber es liegt so viel Zeit dazwischen , gesanglich oder auf unserem Instrument Wir haben diese Zeit, um uns auf diese hohe Tonhöhe vorzubereiten, sei es mit Lippenspannung und Konzentration auf die Trompete oder ob es mit vokaler Spannung als Sänger Dieser Kurs muss nicht besonders lang sein. Halte deine Melodien enger. Warum? Also sind sie besser singbar. Wenn du rhythmisch dichter sein willst, mit anderen Worten, mehr Noten in einem Raum zusammenhalten willst, ist das besonders wichtig, ist das besonders wichtig denn wenn du keinen Sänger hast, der sehr agil ist und tonnenweise Sprünge in sehr schnellem Tempo machen kann, wird es schwierig sein, schnell und gleichzeitig sprunghaft zu sein schnell und darum geht, deinen Melodien mehr Breite zu verleihen , wird es im Allgemeinen eher zwischen einigen schmaleren Abschnitten liegen. Leicht zu singender Teil, ein bisschen Agilität als Sänger, zurück zu einem leicht zu Wenn du nach oben springst, füllst du im Allgemeinen ein bisschen nach unten ein , und wenn du nach unten springst, füllst du ein bisschen nach oben auf, normalerweise mit Schritten oder Sprüngen füllst du ein bisschen nach oben auf, , was ein bisschen freundlicher und leichter Das ist alles, wenn Sie versuchen, eine singbare Melodie zu kreieren , könnte Ihnen der Klang von Etwas wie dem gefallen von Nennen wir es eine Melodie? Das würde ich nicht unbedingt, aber wenn du nach einem melodisch beeinflussten Teil suchst und bereit bist, ihn sehr sprunghaft zu machen, würde ich einfach sagen, erwägen Sie, das in der Instrumentalmusik zu tun und denken Sie nicht daran, dass Ihr Sänger in der Lage sein wird, mit einer solchen und bereit bist, ihn sehr sprunghaft zu machen, würde ich einfach sagen, erwägen Sie, das in der Instrumentalmusik zu tun und denken Sie nicht daran, dass Ihr Sänger in der Lage sein wird Melodie Schritt zu halten Das war's also für diesen Kurs über schmale und breite Melodien. Es ist einfach Ich habe dir einen großartigen Rahmen gegeben, innerhalb dessen du arbeiten kannst. Wenn deine Melodie aus irgendeinem Grund nicht funktioniert, schau dir an, wie schmal und wie breit sie ist und wie oft du diese Sprünge machst und wie schnell deine Noten spielen Das sind alles Dinge, die es zu beachten gilt. Und obwohl es ein einfaches Konzept ist, würde ich empfehlen, diesen Kurs ein paar Mal zu wiederholen , weil ich denke, dass dies etwas ist , das durch das Raster rutscht und viele Melodie-Anfänger übersehen könnten In unserem nächsten Kurs werden wir über gerade und geschwungene Melodien sprechen . Wir sehen uns dort 11. Gerade oder geschwungene: Ordnung, lassen Sie uns über gerade und geschwungene Melodien sprechen gerade und geschwungene Melodien Zuallererst, weißt du, was ein gerader Rhythmus ist? Wissen Sie, was ein geschwungener Rhythmus ist? Und wenn ja, wissen Sie, welche Stile generell geradlinig und welche geschwungen gespielt werden sollten solche Dinge werden wir in diesem Kurs sprechen . Lass uns reinspringen. Wenn Sie also nicht wissen, was ein gerader Rhythmus im Vergleich zu einem geschwungenen Rhythmus ist, lassen Sie mich das auf eine der einfachsten Arten beim Klatschen demonstrieren der einfachsten Arten beim Klatschen Ein gerader Rhythmus wäre etwa eins und zwei und drei und vier enden Beachten Sie, dass die Zahlen lauter sind als das Ende von S Eins und Zwei und Drei und Vier Wenn wir schwingen, verlängern wir die Zahlen und verkürzen das S. Das Verhältnis ist grundsätzlich zwei Drittel zu einem Drittel, aber der Schwung kann von dort aus entsprechend angepasst werden Am Ende erhalten wir so etwas wie eins und zwei und drei und vier und Beachten Sie auch, dass die Hände lauter sind als die Zahlen eins und zwei und drei und vier und Diese beiden Dinge, die rhythmische Anpassung und die Art und Weise, wie wir Akzente setzen, welche Töne lauter gespielt werden, bilden die Grundlage dessen, was Swing Nun, was das Anwenden von Groove oder Swing mit Ableton angeht, gibt es jede Menge Variationen Wir können den Jdilla Drunk Beat quasi wie MPE-Swing wirken lassen. Aber letzten Endes sprechen wir über Melodien und darüber, wie man es sich leicht machen kann, in diesen Melodien zu spielen oder zu programmieren Wir werden auch mit dem Groove-Pool herumspielen, aber ich wollte sicherstellen, dass das gleich zu Beginn erwähnt wird Wir werden auch mit dem Groove-Pool herumspielen, aber damit werden wir nicht beginnen. Nun, ob Ihre Melodie gerade oder geschwungen sein soll , hängt vom Stil Im Jazz zum Beispiel schlägt die Trommel. Ist geschwungen. Wir wollen also sicherstellen, dass auch alle anderen Instrumentalelemente gesungen werden. Es klingt ziemlich schlecht, wenn dein Trommelschlag geschwungen wird, du aber eine gerade Melodie spielst Es besteht also Einigkeit darüber , dass die gesamte Band entweder in einem geraden Rhythmus oder in einem geschwungenen Rhythmus zusammenspielt entweder in einem geraden Rhythmus oder in einem geschwungenen Rhythmus zusammenspielt Nun, ob Sie einen starken oder einen leichten Schwung haben, wie stark passen Sie diese zwei Drittel an, ein Drittel Nochmals, das ist etwas, worauf sich die ganze Band einlassen würde. Wenn es so etwas wie eins und zwei und drei und vier ist, und das ist ein ziemlich heftiger Schwung. Alternativ könntest du so etwas wie eins und zwei und drei und vier und haben. Das ist eine ziemlich leichte Schaukel. Das ist fast 50 50. Aber im Allgemeinen solltest du denken, eins, zwei, drei, eins, zwei, drei, eins, zwei, drei , eins, zwei, drei, eins, wobei , zwei leicht und drei schwerer ist. Eins, zwei, drei, eins, zwei, drei, eins, zwei, drei, eins, zwei, drei. Also werden wir hier gewissermaßen in die Tiefsee gehen. Wir werden eine Melodie kreieren, die mit einem G beginnt, und ich werde den Skalenmodus ausschalten Wir wollen momentan kein Violett sehen. Wir fangen an, hoffentlich etwas selbstbewusster zu werden, was unsere Notenauswahl angeht. Ich sage nicht, dass Sie es bis zum Ende dieses Kurses oder bis zu diesem Zeitpunkt sein sollten, aber nehmen wir an, dass Sie das schon eine Weile machen und selbstbewusster werden, schalten Sie diese so schnell wie möglich aus. Es ist wie eine Krücke Du willst keine Krücke benutzen, nachdem dein Bein verheilt ist. Leg sie in den Schrank, baue Kraft auf. In diesem Fall ist die Stärke, von der ich spreche , Ihre Musiktheorie, Ihr Wissen. Im Moment werde ich also eine Melodie kreieren , die einen geraden Rhythmus verwendet Diese Melodie wird nichts Fantastisches sein. Es geht meistens nur darum, die Noten innerhalb unserer Skala rauf und runter zu bearbeiten , vielleicht mit einer Note, die ein bisschen hält Also haben wir so etwas wie, Nan zwei , drei und vier und eins. Also, etwas, das du beachten solltest, ist, dass du weder Straight noch Swung spielst wenn du nur Downbeats spielst So, eins, zwei, drei, vier. Obwohl es ziemlich einfach klingt, ist alles sehr gleich. Der Swing passiert auf der S, richtig? Also wenn unser Trommelschlag nur Bum, Bum, Bum, Bum ist. Man könnte darüber gerade Achtelnoten oder geschwungene Achtelnoten spielen darüber gerade Achtelnoten oder geschwungene Achtelnoten Also, ich werde es ein bisschen hinterhältig machen, aber ich werde es einfach tun und ich würde das nicht unbedingt empfehlen, aber ich werde diesen kleinen Teil hier stummschalten , der quasi auf der vierten 16. Note ist Und das hat zur Folge, dass wir am Ende einen viel geradlinigeren Trommelschlag bekommen , und das werden wir auch für die hintere Hälfte tun Nun, das Schlagzeug klingt so. Okay, da ist immer noch ein extra leiser Sound drin. Also nochmal, vielleicht möchten wir sogar noch detaillierter werden, nur um sicherzugehen, dass ich klarstelle, dass, wenn dein Schlagzeug gerade ist, auch deine Melodie gerade sein sollte Wenn Ihr Schlagzeug geschwungen wird, sollte auch Ihre Melodie geschwungen werden. Wir entfernen alle geraden oder geschwungenen Elemente aus dem Schlagzeug, damit ich die geschwungene Melodie in einem solchen Bereich demonstrieren kann geschwungene Melodie in einem solchen Es klingt also so. Fein. Nur ein Kick. Das ist vorerst in Ordnung. Ich wollte dir nur nicht einen geraden Trommelschlag geben und eine geschwungene Melodie übertreiben Ich wäre ein bisschen heuchlerisch, wenn ich das tun würde. Also, was wir jetzt tun werden , um diese Melodie zum Schwingen zu bringen , wenn du sie einfach spielen könntest, zum Beispiel, wenn du etwas wie Dann spielen könntest Spiel es geschwungen. Gehen wir aber vorerst davon aus, dass Sie keine Tastaturkenntnisse haben und hoffen, alles mit dem Stift programmieren zu können hoffen, alles mit dem Stift programmieren zu Ich würde empfehlen, dass du zum Triplett-Grid gehst. Sie klicken mit der rechten Maustaste und wählen Triplett-Raster, und dann legen Sie fest Es ist schwer zu erkennen, aber es ist da oben . Schauen Sie sich das an. Sie werden dieses 64. Noten-Triplett auf Achtel-Tripletts setzen Achtel-Tripletts Und sieh dir an, wie viel das das Raster so viel größer macht Wir können die zwei Drittel und das eine Drittel an dieser Stelle sehr deutlich sehen das eine Drittel an dieser Stelle sehr deutlich Bum, Bum, und dann ist da noch unsere nächste Notiz. Das Gleiche hier. Wir werden uns anpassen, das Gleiche hier. Und das werden wir für jede dieser Notizen tun. Und dann, wenn du schon merkst , wird es schwingen. Lass es uns überprüfen. Es ist ziemlich geschwungen, oder? Aber du kannst das nehmen und anpassen, sodass es an diesem Ende ein bisschen daneben oder ein bisschen spät ist, um einen ziemlich extremen Schwung zu erzeugen Und dieser extremere Swing ist eigentlich ziemlich üblich bei Tanzmusik aus den 90ern, die Tick Tack Titi Tack Tack, Tick Tack, Tick Tack, Tack, Tack quasi speichern bei der Glocke und ich weiß nicht, einfach richtig alte 80er und Swing in die 90er Sehr übertrieben, vielleicht ein kleiner Rückschlag auf den grundlegenderen Swing des Jazz Aber Sie können hier sehen, dass wir an zwei Drittel eines Beats denken , an ein Drittel eines Wenn du genauer sein wolltest, würdest du das auch hochziehen und etwas lauter sein Nun, dieser spezielle Synthesizer ist nicht geschwindigkeitsempfindlich. Es spielt keine Rolle, wie hoch oder niedrig ich sie stelle, es wird immer die gleiche Lautstärke sein Aber wenn du mit etwas wie einem Wurlitzer oder Rhodes arbeitest , all diesen kurzen Notizen, kannst du einfach die Umschalttaste gedrückt halten und sie alle auswählen Wenn du die Alt-Taste über einer von ihnen hältst, klickst du und ziehst sie nach oben, und dann kannst du diese S, diese Offbeats, anpassen , sodass sie etwas lauter sind Wenn die wichtigsten Töne zu laut sind, wählen Sie erneut all diese langen Downbeat-Noten Klicken Sie bei gedrückter Umschalttaste, halten Sie die Alt-Taste gedrückt, und ziehen Sie dann nach unten. Aber auch hier ist dieser Synthesizer nicht antriebsempfindlich, also funktioniert er damit nicht ganz Wenn ich es bis zu den Akkorden hochziehe, hätten wir, man kann das wirklich heftig schwingen hören Von dort aus solltest du dich vielleicht entsprechend anpassen und Sweetspot finden, der für dich funktioniert Also etwas wie Jazz, Soul, Neo-Soul, Hip Hop, das werden Stile sein, die traditionell gesungen werden , dass etwas wie Disco oder Funk Man könnte annehmen, dass etwas wie Disco oder Funk geschwungen ist, weil es ziemlich groovig ist, aber der Wenn man mit Popmusik anfängt, ist sie meistens hetero, aber manchmal ist sie so stark von einem anderen Swung-Genre beeinflusst , dass sie ein bisschen geschwungen ist Rock wird fast zu 100% hetero sein, klassische Musik, dieselbe Idee Du willst also sichergehen , dass du überlegst, welchen Stil ich versuche, Produce zu komponieren? Und ist es geschwungen? Wenn ja, wie schwer fühlt sich diese Schaukel an? Sogar so etwas wie die pentatonische Skala, etwa wenn ich das gerade oder geschwungen spiele, möchte ich, dass du mir sagst, kannst du mir sagen, kannst du die Nationalität für beide angeben Zum Beispiel, wie verändert es sich in Bezug auf die Musikregion , an die Sie denken , an die Sie denken? Schau es dir an, so etwas wie. Lass es uns dieses Mal mit Swing etwas anders versuchen. Der erste Weg klingt ein bisschen mehr nach traditioneller asiatischer Musik, wohingegen sich der zweite Weg ein bisschen mehr wie ein irischer Jig anfühlen wird ein bisschen mehr wie ein irischer Jig Selbst bei demselben Notensatz bestimmt also, ob Sie swingen oder nicht ob Sie swingen oder nicht , den Stil , den Sie spielen Nun, ich sage nicht, dass man Hip Hop nicht pur spielen kann, und ich sage nicht, dass man nicht einen Ansatz wählen kann , der sich ein bisschen geschwungener anfühlt Tatsächlich, wenn man in der klassischen Musik auf 68, eins, zwei, drei, vier, fünf, sechs kommt, dann ist man jetzt in einem Grid, das ziemlich gut funktionieren könnte, um Swing zu schwingen oder Swing nachzuahmen Aber der große Unterschied besteht darin, dass man beim Schwingen zwei Achtelnoten nicht als gleichwertig liest Wenn Sie also zwei Achtelnoten sehen, sind es normalerweise eins und zwei und drei und vier in kleinen Paaren Ein Ende, zwei Enden, drei, vier Enden. Wenn Sie ein Jazzmusiker wären, wüssten Sie das, aber wenn Sie im Jazz zwei Achtelnoten sehen , die immer wieder gepaart werden, lesen Sie nicht bei eins und zwei. Du liest es eins und zwei. Der Schwung ist also in diesen Achtelnoten impliziert. In diesem klassischen Beispiel von 68 ist es technisch gesehen nicht geschwungen Es ist buchstäblich eins, zwei, drei, vier, fünf, sechs, wenn es darum geht, wie sie über diese Rhythmen denken Auch die optimistischen As haben keinen Akzent. In der Klassik würde sie immer noch die schwächeren Töne akzentuieren In diesem Fall eins und vier, eins, zwei, drei, vier, fünf, sechs, eins, zwei, drei, vier, fünf, Das Äquivalent im Jazz oder einem Swung-Genre wäre eins, zwei, drei, vier, fünf, sechs Der dritte Takt jeder dieser kleineren Dreiergruppen wäre der akzentuierte Takt wäre der akzentuierte Jetzt, wo unsere Trommeln ziemlich neutral sind. Jetzt, wo unser Schlagzeug ziemlich neutral ist, lassen Sie uns in der ersten Hälfte des Songs einen geraden und einen geschwungenen Teil finden ersten Hälfte des Songs einen geraden und einen geschwungenen Teil funktioniert es nicht der zweiten Hälfte funktioniert es nicht, weil ich diese Noten nicht schwinge , wenn ich dieses Inchin Gen Chin Chin Chin Chin Chin spiele dieses Inchin Gen Chin Chin Chin Chin Chin Bei den Akkorden könnte ich das jetzt allerdings anpassen, wenn ich den Triplett-Modus einstelle Es würde so klingen. Stimmt? Also wird es ein bisschen geschwungener sein Aber wir versuchen hier nicht, einen ganzen Song zu entwickeln. Auch hier gebe ich nur Beispiele. Also werden wir mit der ersten Hälfte arbeiten, in der wir nur die Akkorde halten Lass uns eine einfache Melodie spielen, was ich schon oft gemacht habe, aber ich mache eine gerade Melodie und dann mache ich eine Ordnung, sieh es dir an. So etwas in eins, zwei, drei, vier Ziemlich geradeaus. Ich verwende die pentatonische Skala, ähnlich dem, was ich in dem Beispiel Irish Jig von vorhin gemacht habe Beispiel Irish Jig von Hier ist ein gutes Beispiel für eine Frage und eine Antwort, also da ist die Frage, und da ist die Antwort etwas besser geklärt Wenn ich dasselbe Konzept verwenden würde, vielleicht nicht die exakt gleichen Noten, aber geschwungen spielen würde, würde es in eins, zwei, drei, vier so klingen Wieder andere Noten, aber dieselbe Tonleiter, die pentatonische G-Moll-Skala, und jetzt klingt es so Die Schaukel könnte ein bisschen aufgeräumt werden. Gehen Sie nicht sofort zur Quantisierung, weil Sie sehen können, dass jeder Takt in Viertel aufgeteilt ist Wir wollen es in Drittel aufteilen, was wiederum das Triplett-Raster ist Und ich empfehle generell , dass Sie das Achtel-Triplett-Raster verwenden, wenn Ihre Melodie Wenn Sie also Dinge von Hand korrigieren möchten, gehen Sie in dieser Ansicht so vor Aber wenn Sie mit der rechten Maustaste auf die Quantisierungseinstellungen klicken oder einfach in den Transformationsbereich auf der linken Seite hier drüben gehen , können Sie mit dieser kleinen Schaltfläche auch das Triplett-Raster einstellen, nämlich Tripletts mit der achten Note Wenn ich jetzt alles auswähle und quantisiere, erfolgt die Quantisierung nach Raster Hören wir es uns an. Also, welcher hat dir besser gefallen? Hast du die gerade Melodie oder die geschwungene Melodie bevorzugt? Das könnte Ihnen sagen, welche Art von Stilen Sie im Hinblick auf die Stile, die Sie vielleicht produzieren möchten , genauer untersuchen möchten Wenn Sie die geschwungene Melodie mehr mögen, schauen Sie sich Hip Hop an. Schauen Sie sich Jazz an, schauen Sie sich R&B und Soul an. Wenn du die direkte Version mehr magst, Pop, Rock oder Klassik vielleicht mehr für dich Schließlich werden wir den Groove-Pool nutzen, um etwas Swing zu erzeugen. Ich werde eigentlich nur das Rückgängigmachen bearbeiten , bis wir zur direkten Version zurückkehren. Ich werde die Quantisierung zurücksetzen. Es ist also auf den 16. Noten und nicht auf dem Triplett. Es klingt so. Lassen Sie uns diesen Noten nun etwas Schwung verleihen. Wir machen es zuerst am hinteren Ende und dann am vorderen Ende, und dann am wo Sie den Schwung visuell sehen können . Erlauben Sie mir, es zu erklären. Also du kannst hier nach links gehen und du wirst nach Rillen suchen. Und wenn Sie Grooves auswählen, werde ich in den meisten Fällen empfehlen, MPC-Grooves zu Sie können hier oben sehen, dass dort MPC Swing steht und wir gerade mit einem Achtelnotenraster swingen einem Achtelnotenraster Siehst du, dass das zum Beispiel ein EN ist? Es ist unser Haupt-Beat, aufgeteilt in vier Töne, aber normalerweise spielen wir auf diesem zweiten oder vierten kleinen Quadrat keine Noten . Es sind immer die ersten beiden oder die letzten beiden, der eine oder der oder in diesem Fall die Vier und der, egal in welchem Takt du dich gerade befindest. Also wirklich, wir wollen uns das in Bezug auf den Swing als Achtelnoten vorstellen, weil wir nur Achtelnoten spielen. Warum das wichtig ist, ist ein Blick auf die linke Seite. Sie werden feststellen, dass dort Swing MPC Eight und Swing MPC Eins EN bis zwei eNA drei eNA vier Eanda, eins und zwei und drei und Also nehmen wir 64, was eine ziemlich solide Wirkung haben wird Stellen Sie sich 54 als den geringsten Schwung und den höchsten Wert 74 als den stärksten Schwung vor. 64 ist irgendwo in der Mitte , aber ziemlich auffällig. Nun, es gibt drei Hauptpunkte, die du grooven oder in diesem Fall swingen kannst, sobald du den gefunden hast, mit dem du herumspielen möchtest. Auch hier können Sie sie jederzeit anklicken und dem Swing einfach zuhören, bis es sich anfühlt , als würde er so schwingen, wie Sie es wollten Sie können es auf die MIDI-Informationen selbst ziehen. Sie können es nach unten in den Groove-Bereich ziehen , der sich auf der linken Seite der MIDI-Informationen befindet. Und wenn Sie es an eine dieser beiden Stellen gezogen haben und Sie diesen Groove-Pool noch nicht sehen konnten, ist er jetzt verfügbar, aber normalerweise können Sie ihn sehen Und das ist ein weiterer Ort, an dem Sie auch Ihre Grooves ziehen können. Sie können mehrere Rillen haben und dann zwischen ihnen wählen, um zu sehen , welcher Ihnen am besten gefällt. Oder wenn Sie einen gefunden haben, der Ihnen gefällt, und später entscheiden, dass Sie einen anderen mehr mögen, ziehen Sie den anderen einfach über den ersten, und er ersetzt alle Elemente in Ihrem Song, die diesen Groove nutzen. In diesem Fall haben wir also MPC 3.864 hinzugefügt. Auch hier ein ziemlich spürbarer Schwung. Hören wir uns diese Melodie mit dem jetzt angewandten Swing an. Man kann also auf diesen Achtelnoten hören , was passiert, sie sind nicht gerade Es ist nicht da, da, da, da, es ist d, d, d, d, richtig? Wir haben diesen Schwung im Gange. Aber sehen wir den Schwung in den MIDI-Informationen? Nein, wir hören es nur im Backend. Es wird gespielt, als ob es geschwungen wäre, aber wir sehen es direkt So funktioniert das Notenbeispiel , das ich zuvor erwähnt habe Du siehst gerade Achtelnoten auf der Seite, aber du spielst sie geschwungen basierend auf einer Anweisung , die sie dir auf der Seite geben werden Sie werden sagen, spielen Sie Ihre Achtelnoten geschwungen, diese Art von Idee Was wirklich cool ist, ist, dass Sie diese Änderungen auch sehen können , wenn Sie direkt über diesem kleinen Rillenbereich diesen Pfeil auswählen Das ist die Commit-Schaltfläche, und wenn Sie darauf klicken, möchte ich, dass Sie sehen, was mit all diesen MIDI-Informationen hier passiert. Ich werde darauf klicken und bumm, es gibt einige Anpassungen. Schau dir das an. Das wurde ein bisschen angepasst. Dieser wurde ein bisschen angepasst, also passt er nicht in das Raster. Wenn ich jetzt das Triplett-Grid einschalte, sieh es dir an. Liegt das genau auf der Linie des Tripletts? Nein, ist es nicht. Das sagt mir also, dass 64 immer noch nicht so geschwungen ist wie ein normales Triplett-Grid Nun, etwas zu beachten ist, dass sobald Sie den Groove festgeschrieben haben, feststellen werden, dass er zu diesem Zeitpunkt nicht mehr in diesem kleinen Groove-Auswahlwerkzeug ist diesem kleinen Groove-Auswahlwerkzeug , weil sie nicht wollen, dass Sie Swing über Swing auf Swing hinzufügen. Es wird verwirrend. Stellen Sie immer sicher, dass Sie von einem Punkt mit einem geraden Rhythmus ausgehen, und versuchen Sie dann, verschiedene Schwünge auf diesen geraden Rhythmus anzuwenden Schwünge auf diesen geraden Rhythmus Wenn der Schwung nicht funktioniert, machen Sie ihn rückgängig und versuchen Sie es mit einem anderen. Wenn das nicht funktioniert, machen Sie es rückgängig und versuchen Sie es mit einem anderen. Sie werden jedoch feststellen, dass selbst im Triplett-Raster die gespielten Noten nicht perfekt im Raster stehen Mit anderen Worten, 64 als Groove passt nicht perfekt zu einem Triplett-Raster , was den Schwung angeht. Es ist ein bisschen leichter Machen wir es rückgängig, sodass unsere Schaukel wieder verfügbar ist. Versuchen wir es mit 68 und versuchen dann, sie anzuwenden. Oh, 68 ist ein bisschen übertrieben. Aber auch hier sind es ungefähr zwei Drittel der Taktmarke Mir gefällt es irgendwie, dass einer ein bisschen vorne ist, einer ein bisschen hinten, weil es für mich einfach ist, es von Hand zu machen, damit alles stimmt. Aber als Menschen sind wir nicht perfekt. Es ist also ziemlich üblich, dass wir auf der einen oder anderen Seite dieses Beats spielen , im Gegensatz zu perfekt im Grid. Sie haben also gelernt, dass gerade Rhythmen, eins und zwei, drei und vier, Down-Beats akzentuiert und alles in halbe Takte aufgeteilt wird Swing besteht im Allgemeinen aus eins und zwei und drei und vier und. Wir akzentuieren die Ands oder die Upbeats, und wir spielen ungefähr zwei Drittel eines Beats, ein Drittel eines Was Sie in Bezug auf Swing oder Straight wählen, hängt vom Stil ab Sie sollten also sicherstellen, dass Sie, bevor Sie mit der Produktion beginnen, eine Vorstellung davon haben, ob Sie Ihren Rhythmus ändern möchten Eine weitere Sache, die ich erwähnen möchte , ist, dass wir zu unserem grundlegenden Trommelschlag zurückkehren , den wir vorher hatten, und verstehen, dass er fast ein bisschen geschwungen klingt Ich weiß nicht, ob es das technisch gesehen ist. Nun, als letzten Punkt, noch einmal. Wir werden wieder zu einem vollen Trommelschlag zurückkehren. Diesmal ist es geschwungen. Hör es dir an Jack, Chip, Jack, Chick, Jack, Chi, Jack, Check, Jack, Chick Chat Es ist kein perfekt gerader Trommelschlag. Man kann ziemlich oft sehen, man kann einige dieser Noten sehen oder diese , man kann sehen, dass einige dieser Schlagzeugschläge nicht perfekt auf den Takt abgestimmt sind Einige von ihnen sind wie unsere wichtigsten Downbeats, aber sie sind ein bisschen geschwungen Es ist ein bisschen groovig. Also werde ich den Groove aus diesem Schlagzeugbeat extrahieren Sie können das tun, indem Sie hier unten in diese Art von zerlegter Version des Drumbeats oder entlang dieses gelben Balkens nach oben klicken, in diesem Fall auf den oberen Teil des Clips, rechten Maustaste auf eine dieser Stellen klicken zerlegter Version des Drumbeats oder entlang dieses gelben Balkens nach oben klicken, in diesem Fall auf den oberen Teil des Clips, mit der rechten Maustaste auf eine dieser Stellen klicken und dann „ Extrahieren“ auswählen Von dort aus analysiert es den Loop und fragt: Ist da ein Schwung im Gange? Ist da ein Und wenn ja, wie ist die Schaukel angelegt? Bum, wir haben hier jetzt einen neuen Algorithmus , den wir auf unsere Melodie anwenden können Wir könnten es auch mit der Harmonie versuchen. Ich glaube nicht, dass es viel bewirken wird, aber wir können es dort anwenden. Und dann können wir es auch hier anwenden. Und wieder suchen wir nach diesem Groove-Bereich und bis zu diesem HKDRM 125. Das ist der Name des Schlagzeugschlags, falls es Ihnen nicht Jetzt sollte es ziemlich eng mit der Melodie und der Harmonie klingen , weil alles auf demselben Groove läuft Wenn du also einen Loop hast und da ein Groove eingebaut ist und du sagst, ich bin mir nicht sicher, welchen Algorithmus ich aus meinen Swing-Algorithmen wählen soll , extrahiere einfach den Groove aus dem Beat selbst und wende ihn dann auf die anderen Parts an Es klingt ungefähr so. Die Schaukel ist wirklich leicht, aber ich merke, dass sich die Dinge ziemlich verschlossen anfühlen. Das ist also etwas, mit dem Sie herumspielen können, je nachdem , wie viel Groove Sie in Ihrem Schlagzeugbeat haben. Wenn du dir nicht einmal sicher bist, ob dein Schlagzeugbeat schwingt oder nicht, extrahiere den Groove trotzdem Wenden Sie ihn auf Ihre reinen MIDI-Daten an. Wenn es keinen Swing gäbe, würde er keinen anwenden. Wenn es eine gab, dann wird sie es tun. Es ist also so, als würde man auf die eine oder andere Weise mit sehr niedrigen Einsätzen den Groove herausziehen und diesen Groove benutzen. du den Groove-Pool oder die Swing-Algorithmen in Ableton verwenden möchtest die Swing-Algorithmen in , ist, wenn du alles von Hand machst, sagen wir, du bist derjenige, der diese Loops erstellt, dann würdest du weitermachen und Dinge ausprobieren, die das Generell empfehle ich bei Swing nicht, alles mit einem Bleistift aufzuschreiben. Ich würde sagen, entweder spielen Sie es mit Swing oder spielen Sie es geradeaus und fügen Sie dem dann eine Art Groove hinzu Wenn Sie noch einmal zu den Grooves übergehen, werden Sie außerdem feststellen, dass oben ein Genre-Button steht, Tanzsaal, Disco, Funk, Hip Hop. Je nachdem , welchen Stil Sie kreieren, wird es also einige Swing-Algorithmen geben die mit diesen Genres verknüpft sind. Ich habe erwähnt, dass Disco und Funk nicht immer viel swingen, aber sie können. Auf diese Weise sind sie ziemlich vielseitig , besonders Disco. Disco ist sehr oft hetero, aber sie taucht auch ziemlich oft in ein gewisses Swing-Gebiet ein. Das war's für diesen Kurs über gerade und geschwungene Melodien Denken Sie an das Genre, auf das Sie das alles anwenden Vergewissern Sie sich, dass Sie die Idee verstehen, dass geraden Beats Downbeats akzentuierte Downbeats, eins, zwei, drei, vier, und geschwungene Beats generell akzentuierte Upbeats haben, nämlich die von eins, zwei, die von eins Straight ist wie ein halber Beat, ein halber Beat. Schwung ist etwa zwei Drittel, ein Drittel, aber das kann je nachdem, wie geschwungen es sich anfühlen soll, angepasst werden je nachdem, wie geschwungen es sich anfühlen soll, diesen Tagen wende ich Swing immer häufiger, wenn auch nur ein kleines bisschen, auf meine Produktionen an Sie neigen dazu, ein bisschen mehr Groove und ein bisschen mehr ein menschlicheres Gefühl zu verleihen ein bisschen mehr ein menschlicheres Gefühl zu Ich hoffe, du hattest Spaß in diesem Kurs. In unserem nächsten Kurs werden wir über eine Melodie sprechen, die auf Astonado basiert. Wir sehen uns dort 12. Ostinato basierte Melodien: Lassen Sie uns als Nächstes über die Erstellung einer auf Astonato basierenden Melodie sprechen Erstellung einer auf Astonato Ein Astonato, das man sich in der lateinamerikanischen Musik als eine Art Bassstimme vorstellen kann in der lateinamerikanischen Musik als eine Art Bassstimme , ist oft der Ursprung dafür Ich mache das irgendwie, Alter, Papa, Hund, ich mache Hundedoo Es funktioniert wie eine Melodie, aber es funktioniert auch ein bisschen wie ein Riff Es ist singbar, aber es ist sehr lupös und wiederholt sich. Es ist wie Refrains, die einen wiederholten Gesang haben. Ist es ein Ostinato? Ist es eher eine kurze Phrasierung in einem Refrain? Es wird so oder so ein bisschen grau, wir werden darüber sprechen, eine auf Astonato basierende Melodie zu kreieren eine auf Astonato Nun, das sind einige meiner Lieblingsmelodien, weil sie sehr lupig sind und sich sehr gut für elektronische Musik eignen Nehmen wir an, ich nehme einen Synthesizer und kreiere eine Melodie Es könnte in, eins, zwei, drei, vier ungefähr so klingen eins, zwei, drei, vier Und es könnte sich einfach so wiederholen. Wir könnten im Laufe der Zeit Filter oder andere Dinge anwenden , sodass wir am Ende so etwas bekommen, aber wir können Wege finden, die Melodie oder in diesem Fall das Ostinato zu formen die Melodie oder in diesem Fall das Ostinato Kannst du es singen? Klar, es ist singbar Es muss aber nicht singbar sein. O Sonados können auch ziemlich viel herumspringen, und du kannst auch auf diese Weise mit Dingen herumspielen, weil es sich so oft wiederholt, obwohl es für uns schwierig ist, es in unseren Köpfen zu singen Wenn es oft genug passiert, wird es ein bisschen einfacher Vielleicht so etwas, eins, zwei, drei, vier. Also lasst uns das duplizieren, und wieder verwenden wir unseren kleinen Filtertrick , damit es ungefähr so klingt. Man kann es sich also wie ein „ob“ vorstellen , und es funktioniert wirklich gut in elektronischer Musik, aber es muss nicht unbedingt eng sein. Man kann mit diesen Melodien auch ziemlich breit sein. Natürlich können Ostinatos auch gerade oder geschwungen sein. Wir könnten den gleichen Groove nehmen , den wir hier haben, und in der letzten Klasse haben wir tatsächlich diesen Groove extrahiert, diesen HK diesen Wenden wir ihn an und schauen wir, ob wir einen großen Unterschied hören können Aber zuerst möchte ich die Informationen, die mir zur Verfügung stehen, quantisieren , damit wird der Swing richtig auf diese bereinigten MIDI-Informationen angewendet Es klingt so. Der Swing ist sehr subtil, was auch immer wir aus diesem Trommelbeat genommen haben , um diesen Groove herauszuholen Aber wir können hören , dass das Schlagzeug und dieser instrumentale Teil sehr gut zusammenpassen Nun, alles, was ich gespielt habe, hatte größtenteils gleiche Notenwerte. Sie müssen nicht alle die gleichen Notenwerte haben. Du könntest so etwas haben, drei, vier. Du wirst ganz am Ende feststellen, ich die Dinge wieder geändert habe. In der Musik ist es wirklich üblich, eine Idee zu haben, sie zu wiederholen, zu wiederholen und sie dann zu ändern. Auch hier werden wir quantisieren, Bush, und wir werden den Groove hinzufügen. Schauen wir es uns an. Dieser letzte Teil wird sich wahrscheinlich ziemlich verrückt anhören , aber wir werden es versuchen. Selbst mit den Sprüngen klingt es gut, denn was wir wirklich hören, ist Bum, Bum, Bum, Bum, Bum, Bum. Bum, Bum, Bum. Dee. Richtig? Diese tiefen Töne hier unten fühlen sich eher wie ein Basspart an. Sie fühlen sich etwas getrennt von der Melodie an. Hier oben haben wir gefühlt kleine melodische Fragmente, aber alles funktioniert irgendwie Es ist, als ob der Bassteil und die oberen Töne alle zusammenarbeiten Wenn Sie dem nun eine Bassstimme hinzufügen möchten, müssen Sie sicherstellen, dass Ihr Ostinato Platz dafür lässt Vielleicht filterst du einige tiefe Frequenzen heraus oder machst so etwas wie all diese tiefen Töne und bringst sie in Oktave hoch Es wird anders klingen, aber es könnte funktionieren. Es klingt so. Jetzt werden Sie feststellen, dass diese Notiz hier gelöscht wurde. Das liegt daran, dass sich diese Notiz leicht überschneidet, wenn sie aufgerufen wird leicht überschneidet, wenn sie aufgerufen also sein , dass du die Dinge ein wenig bereinigen musst , um sicherzugehen, dass du diese Überschneidungen nicht bekommst, bevor du weitermachst, die Informationen aufnimmst und sie die Oktave nach oben bringst Seien Sie also vorsichtig, damit Sie das Midi nicht so überlappen , dass einige Noten verloren gehen. Es. Es ist eine auf Ostinato basierende Melodie Es ist wirklich so, ich meine, es ist die Büchse der Pandora. Es ist weit offen. Bei elektronischer Musik ist meistens alles möglich, vor allem, wenn man diese kleinen Loops mit vier oder acht Beat wiederholt , auch wenn sie nicht fantastisch sind, man wiederholt sie oft genug. Irgendwann legitimiert es den Sound dieses Loops. Es könnten Lasergeräusche sein. Es könnte einfach verzerrter Müll sein, was auch immer es sein mag. Übrigens, ich liebe verzerrte Müllteile. Alles Schmutzige mit viel Verzerrung. Ich liebe das Aber davon abgesehen kann man mit diesen Ostinatos mit viel davonkommen diesen Ostinatos mit viel davonkommen Wir versuchen also nicht immer, die nächste Melodie von Phantom of the Opera oder was auch immer es sein mag, zu kreieren die nächste Melodie von Phantom of the Opera oder Manchmal will es einfach einfach sein. Es muss nicht immer komplex sein. Das sind einige meiner Lieblingssachen, weil ich einfach herumspielen und auf den Tasten spielen Und je nachdem, für welche Art von Preset Sie sich entscheiden, ändert sich die Art des Ostenato, das Wenn ich eine Taste drücke, höre ich sofort einen Ton? Wenn ja, kann ich mit der Art und Weise, wie ich meinen Astanato spiele, flink umgehen. Aber wenn sich der Sound im Laufe der Zeit langsam weiterentwickelt, bin ich irgendwie gezwungen, langsamere Teile zu spielen Wenn ich zu schnell spiele, entwickelt sich kein Sound jemals so weit, dass er überhaupt gehört wird Sie können sich also vom Preset, das Sie wählen, oder vom Sounddesign, das Sie erstellt haben, quasi diktieren lassen wählen, oder vom Sounddesign, das Sie erstellt haben , quasi diktieren wie das Astonao am besten funktioniert Das war's also für diesen Kurs über Melodien im Astonao-Stil. In unserem nächsten Kurs werden wir darüber sprechen, eine Melodie in Ihrer Komfortzone zu kreieren Wir haben viele verschiedene Techniken durchgesehen, viele verschiedene Konzepte Ich möchte sichergehen, dass das, was auch immer Sie am Ende des Tages beantragen , etwas ist woran Sie sofort arbeiten können, etwas, mit dem Sie sich wohl fühlen Wir werden demnächst einen ganzen Kurs darüber veranstalten Ich sehe dich dort. 13. Melodische Komfortzone: In diesem letzten Kurs werden wir einfach so reden Wir müssen jetzt nicht in Abelton sein , denn wir werden darüber sprechen, dass du in deiner melodischen Komfortzone komponierst Zuallererst würde ich fragen Bist du ein guter Wenn ja, versuche, mehr deiner Melodien auf den Tasten zu spielen und vermeide es, alles mit Bleistift zu Der Hauptgrund, warum ich das sage, hat mit der Berührung zu tun, also damit, wie laut du jede Note spielst Wenn du MIDI-Informationen eintippst, wird alles dieselbe Geschwindigkeit und dieselbe Lautstärke haben Und Sie können die Geschwindigkeiten ändern . Das intuitive Wissen darüber zu haben, wie man sie ändert und welche laut und welche leise sein sollten, wird bei Ihnen wahrscheinlich eine Menge Versuch und Irrtum erfordern Versuchen Sie also, einige Melodien auf dem Klavier zu spielen. Wenn du kein guter Pianist oder Keyboarder bist, dann halte sie einfach und mache es dir zum Ziel, im Laufe der Zeit die Komplexität deiner Melodien zu erhöhen Lassen Sie sich von anderen Keyboardern, anderen Sängern, anderen Saxophonisten beeinflussen , wer auch immer es sein mag, von jemandem, dessen Melodie Sie beeinflussen , und versuchen Sie, ihren Sound im Laufe der Zeit langsam zu transkribieren oder nachzuahmen oder Mit transkribieren meine ich, buchstäblich ihre Soli aufzuschreiben und zu versuchen, sie auf die gleiche Weise zu spielen. Und mit emulieren meine ich, hören Sie einfach zu und versuchen Sie Ihr Bestes, um ihren Stil zu kopieren Kurz gesagt, halte deine Melodien einfach, aber übe außerhalb deiner Komfortzone, sodass du, wenn du wieder in einer Produktion bist, etwas von dem anwenden kannst, was du geübt hast Zeit mag deine melodische Komplexität zunehmen, muss es aber nicht Es gibt keinen Grund, schnell und auffällig zu spielen. Wenn du es einfach halten willst, halte es einfach. Aber deine Finger an den Tasten, je mehr du spielst, desto flinker werden sie sein und du wirst in der Lage sein, schnellere Passagen oder breitere Arten von Arpeggios oder Sprüngen zu spielen , wenn du willst sein und du wirst in der Lage sein, schnellere Passagen oder breitere Arten von Arpeggios oder Sprüngen zu spielen schnellere Passagen oder breitere Arten von Arpeggios oder , wenn Aber auch hier kann Ihre Komplexität das Potenzial haben, zu wachsen, aber das hängt von dem Stil ab, den Sie produzieren möchten , und davon, ob Sie diese Komplexität überhaupt erhöhen möchten Für mich hatte ich eine Art Glockenkurve, weil ich als einfacher Spieler angefangen habe. Ich wurde zu komplex und habe es dann wieder eingegeben Wenn ich damals gewusst hätte, was ich heute weiß, hätte ich meine Melodien vielleicht etwas einfacher gehalten meine Melodien vielleicht etwas einfacher und mich darauf konzentriert, andere Bereiche meiner Produktion zu verbessern Aber am Ende des Tages wusste ich nicht, dass ich keine komplexen Melodien wollte, bis ich anfing, komplexere Melodien zu spielen Ich mag Astonados. Ich mag Loops Sie eignen sich gut für elektronische Musik und Hip Hop , zwei der Stile , die ich gerne produziere. Aber wenn ich eine Orchesterpassage mache und eine Geige brauche , um etwas auffälliges Run Over Top zu machen, etwas, das irgendwie auf Melodien basiert, bin ich froh, dass ich hier und da etwas von der komplexeren Melodie nutzen kann komplexeren Melodie , wenn ich sie brauche Finden Sie also heraus, welchen Stil Sie spielen möchten. Schreiben Sie die Melodie in Bezug auf Komplexität aus zehn und versuchen Sie, innerhalb dieses Sweetspots Ihr eigenes Spiel zu finden Wenn es eine Acht von zehn oder eine Sieben von zehn ist, du aber ein Spieler mit drei von zehn bist, übe so, dass du dein Level immer weiter ausbaust übe so, dass du dein Level immer weiter , bis Komplexität erreichst, die du anstrebst Mit anderen Worten: Produziere in deiner melodischen Komfortzone, übe aber etwas außerhalb dieser Zone, damit du dich in der Umgebung mit niedrigen Einsätzen verbessern kannst in der Umgebung mit niedrigen Einsätzen verbessern Das war's also für diesen Kurs über melodische Konzepte und Musikproduktion Wir werden ein Outtro-Video machen in dem ich dich gebührend verabschieden werde, aber ich möchte dir nur sagen, ob du es bis hierher geschafft hast , herzlichen Glückwunsch Ich hoffe, dass sich dein Melodieschreiben verbessert und dass du tonnenweise kleine Informationen gesammelt hast , die dir helfen werden, als Produzent voranzukommen Es war wie immer ein Vergnügen. Ich sehe dich im Outtro-Video. 14. Outro: Vielen Dank, dass Sie an diesem Kurs über melodische Konzepte in der Musikproduktion Inzwischen sollten Sie eine ziemlich genaue Vorstellung davon haben, welchen Ansatz Sie wählen möchten, wenn Sie Melodien für Ihre eigenen Produktionen kreieren Auch hier sollten sich diese Techniken auf viele verschiedene Stile erstrecken Stellen Sie also sicher, dass Sie sich einen Großteil des Stils anhören , den Sie produzieren möchten und sehen Sie, wie diese Techniken in diesem Stil umgesetzt werden. Wenden Sie jede dieser Techniken mehrmals an, damit sie zur Selbstverständlichkeit werden. Und du denkst nicht so viel über rhythmische Dichte oder weite oder enge Sprünge oder gerade gegen Schwung nach, sondern du hast ein gutes Verständnis dafür, was für diese bestimmte Produktion benötigt wird, und du denkst nicht zu viel über die Theorie nach, du fühlst nur die Melodie heraus, wir meiner Meinung nach alle als Produzenten oder als Interpreten kommen wollen als Interpreten kommen wollen Aber am Ende des Tages braucht es Übung und natürlich einige gute Anweisungen, um Ihnen zu helfen, dieses Ziel zu erreichen. Vergiss nicht, dass es für diesen Kurs ein Klassenprojekt gibt. Alle Details werden in der Klasse für dieses Projekt beschrieben . Schauen Sie es sich also an, stellen Sie sicher, dass Sie ein Projekt einreichen damit wir uns ein bisschen verbinden können, und ich kann Ihnen nicht nur Feedback geben , wie Sie mit dem Projekt umgegangen sind, sondern Ihnen auch ein gutes Verständnis dafür welche Tricks und Techniken Sie in Ihrem eigenen Melodieschreiben verwenden, um Ihnen zu helfen Ihren melodischen Schreibstil als Produzent zu erkennen Außerdem verdienen Sie herzlichen Glückwunsch , dass Sie diesen Kurs bestanden haben Es war nicht unbedingt einfach. Es gab eine Menge Theorie auf dem Weg. Aber selbst wenn Sie diesen Kurs belegen, zeigen Sie sich selbst, dass Sie die Musikproduktion sehr ernst nehmen und wirklich versuchen jeden Stein auf dem Weg umzudrehen, um sicherzustellen, dass Sie alle Komponenten verstehen, die Sie benötigen, um ein großartiger Produzent zu werden. Sie sich also ruhig die Kurse an , die ich erstellt habe, um zu sehen, ob andere bei Ihnen Anklang finden, und dann langsam die Bausteine verbessern, die Ihnen helfen, sich als Musiker die Kurse an , die ich erstellt habe, um zu sehen, ob andere bei Ihnen Anklang finden, und dann langsam die Bausteine verbessern , die Ihnen helfen, von der Masse abzuheben Ich möchte mich noch einmal bei Ihnen für die Teilnahme an diesem Kurs bedanken und noch einmal Wenn Sie Kursvorschläge haben, kontaktieren mich und lassen Sie es mich wissen. Das war mir ein Vergnügen. Ich werde dich im nächsten Kurs treffen.