Grundlagen der Fotografie: Erstellen beeindruckender Fotos mit Kompositionstechniken | KC Nwakalor | Skillshare
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Grundlagen der Fotografie: Erstellen beeindruckender Fotos mit Kompositionstechniken

teacher avatar KC Nwakalor, Documentary Photographer & Producer

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Einheiten dieses Kurses

    • 1.

      Einführung

      2:33

    • 2.

      Kursübersicht

      1:48

    • 3.

      Auswahl des richtigen Objektivs

      6:56

    • 4.

      Erkunden der Szene oder des Motivs

      7:16

    • 5.

      Drittel-Regel

      2:02

    • 6.

      Ausgeglichenheit

      4:52

    • 7.

      Standpunkt

      4:07

    • 8.

      Einfachheit

      2:22

    • 9.

      Linien

      5:01

    • 10.

      Schlussbemerkung

      2:57

  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Jedes Niveau

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

1.396

Teilnehmer:innen

19

Projekte

Über diesen Kurs

In diesem Kurs erklärt die Dokumentar-Fotograf und Fotojournalist KC Nwakalor die verschiedenen Kompositionstechniken, die du anwenden kannst, um ein besseres Ergebnis bei deinen Fotos zu erzielen.

Komposition bezieht sich auf die Platzierung und Beziehung zwischen Elementen in einem Bild. Die Anordnung von Elementen in einer Szene, der Winkel, aus dem sie aufgenommen wurden und die Höhe und Distanz, aus der wir fotografieren, können das Endergebnis des Fotos komplett verändern. Die Komposition kann letztendlich den Unterschied zwischen einem guten und einem schlechten Bild ausmachen.

Als professioneller Fotograf mit mehr als 5 Jahren Erfahrung mit dem Fotografieren von Geschichten für zahlreiche internationale Publikationen und Organisationen bringt dir KC die verschiedenen Kompositionstechniken bei, die er selbst anwendet und mit denen er bedeutungsvolle Fotos schießen kann.

In diesem Kurs lernst du:

  • Die Wahl des richtigen Objektivs: Verschiede Objektive interpretieren die gleiche Szene auf unterschiedliche Weise.
  • Erkunden des Motivs oder der Szene: Den perfekten Winkel, die perfekte Distanz und Höhe für die Aufnahme finden.
  • Drittel-Regel: Eine klassische Kompositionstechnik! Platziere dein Motiv entlang der Schnittpunkte, um ein starkes Bild zu erzeugen.
  • Balance: Verteile das visuelle Gewicht deiner Elemente.
  • Blickwinkel: Gib deinen Betrachtern eine neue Perspektive.
  • Einfachheit: Ein minimalistischer Ansatz für das Einfangen von Schönheit.
  • Linien: Lerne die fünf Arten von Linien kennen und nutze sie.

Dieser Kurs ist ideal für Anfänger-Fotograf:innen.

Schau dir auch meinen Kurs „Wenn Fotos Geschichten erzählen: Ein Leitfaden für das Erstellen von Fotostorys“ an!

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Teacher Profile Image

KC Nwakalor

Documentary Photographer & Producer

Top Teacher

KC Nwakalor is a Documentary Photographer, Producer & Educator based between Manchester, UK and Abuja, Nigeria. He has worked extensively across West Africa, and through his work, he humanizes real socioeconomic, health and environmental issues within Africa and the African diaspora.

He has been commissioned by notable International publications and Organizations like The New York Times, Bloomberg, The Financial Times, CNN, Le Monde, USAID, UNICEF, World Food Programme (WFP), Médecins Sans Frontières (MSF), Adobe, Seplat Energy, OSIWA, OXFAM, Global Citizen, NPR, Rest of World, Open Government Partnership, Sightsavers, Mines Advisory Group (MAG), International Rescue Committee (IRC), Amnesty International, ... Vollständiges Profil ansehen

Level: Beginner

Kursbewertung

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Transkripte

1. Einführung: Haben Sie sich jemals gefragt, was ein gutes oder schlechtes Bild ausmacht? Könnte es die Qualität der Ausrüstung sein? Könnte es die Fotobearbeitungssoftware sein? Obwohl es so viele Dinge gibt, die das Ergebnis Ihrer Bilder beeinflussen könnten, liegt ein Faktor definitiv in Ihrer Kontrolle als Fotograf, und das ist die Komposition. Komposition ist eine jener Komponenten in Fotografie, die tatsächlich den Unterschied zwischen einem guten und einem schlechten Bild bestimmen könnte . Mein Name ist KC Nwakalor. Ich bin Dokumentarfotograf mit Sitz in Abuja, Nigeria, aber ich arbeite ausgiebig in Westafrika. Durch meine Arbeit versuche ich, reale Probleme innerhalb des Kontinents zu humanisieren. Die meisten dieser Fragen sind sozioökonomische, ökologische oder gesundheitliche Fragen. In dieser Klasse werde ich über verschiedene bewährte Kompositionstechniken sprechen , die letztendlich das Ergebnis in Ihren Fotografien verbessern könnten. Du fragst vielleicht, was bedeutet Komposition wirklich? Komposition ist einfach die Platzierung und Anordnung oder Beziehung von Elementen in Ihrem Bild. Also, woher Sie das Bild nehmen, welcher Winkel, welcher Abstand, könnte sich letztendlich auf das Ergebnis Ihrer Bilder auswirken. Bilder werden innerhalb eines sehr begrenzten rechteckigen Rahmens aufgenommen. Möglicherweise wird in der Szene viel los sein, aber was Sie erfassen und was Sie in dieser Szene in diesem Frame einschließen möchten , ist das Einzige, was Ihre Zuschauer sehen können. Bewaffnet mit den richtigen Kompositionstechniken, sind Sie in der Lage, Bilder zu produzieren, die mit Ihren Zuschauern so kommunizieren können , dass es sehr, sehr klar für sie ist zu verstehen, was auf dem Bild vor sich geht. Denken Sie daran, diese Regeln sind nicht auf Stein gegossen. Du kannst sie zerbrechen. Sie können sie kreativ brechen. Aber man kann nicht wirklich eine Regel brechen, die man nicht kennt. Wenn Sie das tun, werden Sie als ungelernter Fotograf, der im Grunde versucht und Irrtum. Aber mit den richtigen Fähigkeiten, diese Kompositionstechniken zu verstehen, können Sie diese Regeln kreativ brechen und ein sehr interessantes Ergebnis hervorbringen. Wollen Sie also bessere Bilder, Bilder, die klar mit Ihren Zuschauern kommunizieren? Oder Sie haben wahrscheinlich meine andere Klasse besucht und möchten mehr über meine Techniken erfahren, dann ist dies die richtige Klasse für Sie. Tauchen Sie ein und fangen wir an. 2. Kursübersicht: In dieser Klasse werde ich fünf bewährte Kompositionstechniken unterrichten , die Ihre Arbeit letztendlich verbessern könnten. Im Bild eines Begrüßungsbeitrags ist das Hauptthema sehr klar und deutlich. Sie könnten leicht auf das Bild schauen und verstehen, was los ist. Wo soll ich mich ansehen? Sie haben wahrscheinlich Bilder gesehen und Sie fragen sich, was hier los ist? Was soll ich mir ansehen? Was ist das Thema? Was versuchen sie mit mir zu kommunizieren? Dies ist ein klassisches Beispiel für eine gescheiterte Komposition, eine schlechte Komposition. Am Ende dieser Klasse sollten Sie in der Lage sein, bessere Entscheidungen zu treffen, wie Sie Ihre Bilder komponieren. Um das beste Preis-Leistungs-Verhältnis zu erhalten, gönne ich Ihnen wirklich, dem Klassenprojekt zu folgen. Das Klassenprojekt ist sehr einfach. Ich würde verlangen, dass Sie ausgehen und die Kompositionstechniken, die in dieser Klasse diskutiert werden, verwenden , um mindestens drei Bilder zu produzieren und sie hochzuladen, so dass ich einen Blick werfen und Ihnen Feedback geben kann. Denken Sie daran, Übung macht perfekt. Du kannst nicht besser werden, indem du einfach zuhörst. Du musst rausgehen und schießen. Ich will, dass du dich drängst. Ich möchte, dass du am Tatort arbeitest. Ich möchte, dass du tust, was du bisher noch nicht getan , um das bestmögliche Ergebnis aus deinen Bildern zu erzielen. Für diese Klasse benötigen Sie auch eine Kamera. Sie können eine DSLR oder ein Smartphone verwenden. Was auch immer Sie haben, das anständige Bilder aufnehmen kann, das ist in Ordnung. Sie benötigen auch eine Fotobearbeitungssoftware wie Lightroom oder Snapseed auf Ihrem Mobiltelefon. Ich bin super aufgeregt, mit dir auf diese Reise zu gehen. Also komm schon, lasst uns sofort reinspringen und das loslegen. 3. Auswahl des richtigen Objektivs: Die Kamera und das Auge mögen sehr ähnlich sein, aber in vielerlei Hinsicht sind sie anders. Eine dieser Möglichkeiten ist, wie Sie Objektive in Kameras wechseln können, insbesondere in DSLRs, wo Sie verschiedene Objektive haben. In dieser Klasse werden wir darüber sprechen, wie jedes Objektiv Ihre Bilder verarbeitet und wie man jedes von ihnen für verschiedene Arten von Fotografie verwendet. Es gibt immer eine sehr schwierige Entscheidung zu treffen. Wann mag ich eine Vielzahl von Linsen? Sie müssen wissen, welches Objektiv Sie für die Art der Fotografie, die Sie tun, benötigen. Linsen sind breit in zwei Gruppen gruppiert. Dies basiert auf der Fähigkeit zu zoomen; das sind die festen und primären Objektive, und Zoomobjektive. Feste oder Primobjektive sind Objektive, die nicht in der Lage sind zu zoomen, sie haben im Grunde ein Fokusobjektiv. Wenn Sie zoomen möchten, müssten Sie sich buchstäblich nah bewegen, weit weg von der Szene bewegen, um zoomen zu können. Zoomobjektive sind, wie der Name schon sagt, in der Lage zu zoomen, und sie haben eine Reihe von Fokusobjektiven. Du würdest etwas als 18-55 sehen, was auch immer, aber sie sind in der Lage, dich zu vergrößern und zu verkleinern. Objektive werden auch nach ihrem Brennweitenbereich und ihrer Verwendung unterteilt. Dies bringt uns zur Definition der Brennweite. Brennweite ist im Grunde der Abstand zwischen der Mitte des Objektivs und dem Fokus. Grundsätzlich wird es normalerweise in Millimetern gemessen. Ich bin sicher, dass Sie wahrscheinlich auf Ihrem Kameraobjektiv gesehen haben, wenn sie 50 Millimeter geschrieben, das ist im Grunde die Brennweite. Basierend auf der Brennweite sind Objektive grundsätzlich in fünf gruppiert. Dies sind die Fischaugen-Objektive, die Weitwinkelobjektive, die Standardobjektive, die Teleobjektive und das Makroobjektiv. Fisheye-Objektive sind im Grunde Objektive, die ein Fokalobjektiv im Bereich von 4-14 Millimetern haben . Wie der Name schon sagt, sieht die Bilder, die aus einer Fischaugenlinse hergestellt werden, wie die Vision des Fisches, ist ein wenig verzerrt an den Rändern, und sie werden normalerweise für abstrakte Fotografie oder Kunstfotografie verwendet. Dann haben Sie das Weitwinkelobjektiv. Weitwinkelobjektive haben eine Brennweite von 15 Millimetern bis etwa 35 Millimetern. Sie werden standardmäßig für Architekturfotografie, Umweltfotografie und manchmal Umweltporträts verwendet. Die nächste Art der Linse, die wir haben, sind die Standardlinsen, die im Grunde dem menschlichen Auge sehr ähnlich sind. Es reicht von 36 Millimetern bis rund 85 Millimeter. Dies sind die typischen Objektive, die Fotojournalisten verwenden würden, Dokumentarfotografie, Straßenfotografie, Porträts, weil sie der Art, wie wir sehen, sehr ähnlich sind. Es ist besser geeignet für diese Art von Fotografie. Dann sind die nächste Art von Objektiv die Teleobjektive. Dies sind Objektive, die ein Brennobjektiv haben, das 85 Millimeter und höher ist. Sie sind sehr schwer. Die sehr längeren können sehr schwer sein. Ich bin sicher, Sie haben Leute auf Fußballplatz oder Sportplatz gesehen , die diese Art von Objektiven verwenden. Es wird mehr für Sport und Tierwelt verwendet, weil sie nicht wirklich nah an die Szene oder an die Action kommen können , also müssen sie ihre Kamera ein wenig weit montieren und dann vergrößern. Makroobjektive werden optisch modifiziert, um kleine oder kleine Objekte oder Tiere zu vergrößern. Sie haben eine Brennweite von etwa 35-200 Millimeter, und wird oft in der Werbung, kommerzielle Fotografie und manchmal abstrakt verwendet . Welches Objektiv Sie verwenden, hängt stark von der Art der Fotografie ab, die Sie tun, und von der Art des Ergebnisses, das Sie mit Ihrer Fotografie erreichen möchten. Wie in meiner eigenen Praxis verwende ich meist Weitwinkelobjektive und Standardlinsen. Nun, normalerweise, wenn ich auf Aufgaben bin, arbeite ich normalerweise mit 28 Millimeter für meine Weitwinkelaufnahmen, weil ich gerne Weitwinkel erfassen, aber mit Leuten auf dem Bild, und 28 gibt mir genau das. Für meine Porträts verwende ich 50 Millimeter. Was ich verwenden kann, hängt ganz davon ab, was ich fotografiere. Wenn ich fotografiere wie Proteste, muss ich die meiste Zeit wirklich nah am Geschehen sein. Aber wenn ich aus irgendeinem Grund nicht nah an der Aktion sein kann, dann muss ich ein Teleobjektiv verwenden, das ich kaum benutze. Ich ziehe es vor, Prime Linsen zu verwenden und ich mag es, nah an die Action zu kommen. Für Fotografen, die beginnen, empfehle ich dringend Prime-Objektive, weil es Sie zwingt, sich zu bewegen. Beginnend mit der Fotografie könnten wir faul werden. Man könnte einfach nur in einer Ecke sitzen und das Bild machen wollen, aber während man sich tatsächlich bewegen und bessere Ergebnisse erzielen kann. Prime Linsen zwingt Sie, sich zu bewegen. Es zwingt dich nach rechts, nach links zu bewegen , um näher zu kommen, weiter weg. Diese Aktivität hilft, Ihr Foto zu brauen und Sie erhalten ein besseres Ergebnis. Ich empfehle Prime-Objektive für Fotografen ab. Idealerweise sind 35 oder 50 Millimeter vollkommen in Ordnung, wenn Sie mit der Fotografie beginnen. In dieser Klasse diskutieren wir die verschiedenen Objektivtypen basierend auf der Zoomfähigkeit, die Hauptlinsen und Zoomobjektive sind, und die verschiedenen Objektivtypen basierend auf ihrem Brennweitenbereich und ihrer Verwendung. Dies sind die Fischaugen-Objektive, die Weitwinkelobjektive, Standardobjektive, Teleobjektiv und Makroobjektive. Ich bin sicher, mit dem richtigen Wissen, ich bin sehr zuversichtlich, dass Sie wissen welche Art von Objektiv Sie für die Art der Fotografie, die Sie tun, und die Art der Arbeit, die Sie zu erfassen versuchen. Du musst jetzt ausgehen, das Objektiv nutzen, auf das du Zugriff hast, Bilder aufnehmen und mir sagen, welchen Unterschied du siehst. Ich möchte sehen, wie Sie Bilder mit verschiedenen Objektiven aufnehmen und sehen, wie das Ergebnis ist, basierend auf dem, was Sie Zugriff haben. Begleiten Sie mich in der nächsten Klasse, während wir darüber sprechen, wie Sie die Szene und das Thema erkunden können, bevor Sie den perfekten Schuss bekommen. Wir sehen uns. 4. Erkunden der Szene oder des Motivs: In dieser Lektion werden wir diskutieren, um das Thema oder die Szene zu erkunden. Die meisten Menschen, die nicht als Fotografen ausgebildet sind , könnten wahrscheinlich etwas sehen, das ihre Aufmerksamkeit erregt, und sie ziehen ihre Kamera heraus und zeigen darauf. Was, wenn ich Ihnen sage, dass Sie vielleicht nach links gehen oder nach rechts gehen oder nach hinten gehen, bessere Ergebnisse in Ihren Bildern geben? Das ist die Essenz der Erkundung der Szene. Wir werden diskutieren, wie Sie sich bewegen und das bestmögliche Ergebnis aus dem Thema, das Sie aufnehmen und in welcher Szene Sie gerade arbeiten, erzielen können. Wenn ich in eine Szene gehe, erforsche ich normalerweise die Szene. Normalerweise schaue ich mich um, bewege mich und versuche zu wissen, was der beste Aussichtspunkt oder der beste Blickwinkel wäre, von dem ich mein Foto machen könnte. Wenn ich eine Szene bearbeiten möchte, betrachte ich normalerweise drei Dinge. Die erste ist die Lichtquelle. Ich betrachte die Lichtquelle, weil ich nicht mit externen Lichtern oder künstlicher Beleuchtung arbeite , wenn ich in meiner Fotografie arbeite. Ich nutze die Umgebungslichter, das Licht, das in der Szene verfügbar ist. Wenn ich zur Szene komme, analysiere ich zuerst, woher kommt das Licht? Wo ist das Fenster? Wo ist die Glühbirne? Was auch immer es ist, ich muss das in Betracht ziehen, wenn ich mein Bild einrahmen. Sobald ich die Lichtquelle aussortiert habe, weiß ich bereits, muss ich mich in diese Richtung stellen, was im Grunde ich die Lichtquelle unterstütze, weil ich möchte, dass das Licht auf das Gesicht oder das Objekt trifft, das ich fotografiere. Nach der Lichtquelle, das nächste, was ich betrachte, ist der Hintergrund. Ich möchte sicher sein, dass der Hintergrund dem Kontext meiner Bilder beiträgt. Denn für mich muss jedes einzelne Element in meinem Rahmen in irgendeiner Weise beitragen. Es muss dem Bild Kontext oder Wert hinzufügen, also muss ich den Hintergrund berücksichtigen. Zum Beispiel, wenn ich ein Foto von einem Arzt in einem Krankenhaus mache, macht es keinen Sinn, die Person zu fotografieren, ohne vielleicht ein Stethoskop oder einen medizinischen Kalender, was auch immer Kontexte geben könnte, wer das Person ist, dass kommuniziert besser, wer er ist, Ich möchte in der Regel, dass in meinem Hintergrund enthalten. Nachdem ich die Lichtquelle herausgefunden habe, beginne ich mich umzusehen, was hinten ist? Was ist der Hintergrund dieses Bildes? Wie kann ich es einrahmen, um gut mit meinen Zuschauern kommunizieren zu können? Das dritte, was ich betrachte, ist der Raum, weil ich groß bin, muss ich überlegen, wie hoch die Decke ist, damit ich meine Hand nicht hebe und sie auf meine Kamera trifft. Ich muss auch meinen Wanderweg in Betracht ziehen, weil ich in Situationen war, in denen ich eine Ecke gehe und Leute anfangen, in den Raum zu kommen und ich mich nicht mehr bewegen kann. Das ist wirklich schrecklich, weil es dich dazu bringt, als Fotograf nicht mobil zu sein. Sie haben im Grunde am Ende die meisten Ihrer Bilder aus nur einer Ecke des Raumes. Ich betrachte wirklich den Raum und wie ich navigieren kann. Ich plane schon, ich werde in dieser Ecke sein und sobald ich fertig bin, Bilder von dieser Ecke zu bekommen, kann ich in die nächste Ecke bewegen. Das ist im Grunde verstehen Sie, was der Weg sein würde? Wo würden die Leute weiterlaufen? Wo würden die Leute sitzen? Wie kann ich mich bewegen, ohne zu unterbrechen war los? Sobald ich diese Sache sortiert habe, dann freue ich mich, mit dem Schießen zu beginnen. Wenn ich mit dem Fotografieren beginne, erforsche ich verschiedene Winkel, verschiedene Positionen. Das ist es, worüber wir in nachfolgenden Lektionen sprechen werden. Im Idealfall möchte ich, wenn ich Fotos mache , eine Vielzahl von Aufnahmen bekommen. Die Art der Geschichte, an der ich arbeite, wem ich fotografiere, könnte letztendlich die Art der Bilder oder die Art der Winkel bestimmen, aus denen ich fotografiere. Zum Beispiel, Schießen aus einem hohen Winkel, was im Grunde Sie nach unten schauen, könnte den Zuschauern übersetzen, dass diese Person verwundbar ist, diese Person ist machtlos, diese Person ist schwach, diese Person ist in Not. Dies ist, was Sie häufiger in NGO Fotografie oder Wohltätigkeitsfotografie sehen, wo sie versuchen, Geld für Menschen, für Kinder, für schutzbedürftige Menschen zu sammeln und Sie neigen dazu, die Fotografen zu sehen wo sie versuchen, Geld für Menschen, für Kinder, fürschutzbedürftige Menschen zu sammeln und Sie neigen dazu, die Fotografen zu sehen, die Bilder von einem hohen -Position. Es schaltet die Machtdynamik, wo Sie das Gefühl bekommen, dass diese Person schwach ist, diese Person ist verletzlich, und diese Person braucht Hilfe. Ein weiterer Winkel, aus dem Sie schießen können, ist aus einem niedrigen Winkel, was im Grunde ist, dass Sie in Ihren Bildern nach oben suchen. Das Thema in diesem Bild sieht aus oder fühlt sich an wie mächtig, stolz, selbstbewusst, stark. Man würde Menschen in Machtpositionen auf diese Weise fotografieren sehen. Das sind Menschen wie Präsidenten und Mitarbeiter könnten auch fotografiert werden. Auch sportliche Persönlichkeiten werden auf diese Weise fotografiert. Es gibt so viele Winkel, aus denen Sie Ihre Bilder aufnehmen können, aber es ist wichtig, dass Sie verstehen, wie es sich auf das Bild auswirkt, wie Menschen das Bild verarbeiten und verstehen würden, wenn sie es betrachten. Einfach ausgedrückt, aus einem hohen Winkel zu nehmen übersetzt in Verwundbarkeit, schwach, arm, verletzlich. Aber das Schießen von einem niedrigen Winkel nach oben, übersetzt in Kraft, Stärke, Vertrauen, all diese guten Sachen. Die Art der Geschichte zu verstehen, an der ich arbeite, würde mich definitiv wissen lassen, welche Art von Bildern ich aufnehmen möchte. Sie müssen verstehen, wie diese Winkel kommen, um zu spielen, und stellen sicher, dass Sie es verwenden, um die Art, wie Sie kommunizieren wollen, zu kommunizieren. In dieser Lektion haben wir die Art und Weise diskutiert, wie Sie Ihre Szene unter Berücksichtigung Ihrer Lichtquelle, Ihres Hintergrunds und des Raums, in dem Sie arbeiten, damit Sie sich bewegen können. Wir haben auch die Auswirkungen von Schießen aus einem niedrigen Winkel betrachtet, aus einem hohen Winkel, was auch immer es ist, sie alle haben Konsequenzen. Sie als Fotograf müssen sich dieser Konsequenzen bewusst sein und wie die Menschen sie verarbeiten. Ich möchte, dass Sie ein Foto von jemandem aus einer hohen Position machen und auch ein Bild von derselben Person aus einer niedrigen Position machen und mir sagen, wie Sie über jedes Bild fühlen. Du bekommst, was ich meine, wenn du das machst. sehen uns in der nächsten Lektion, während wir uns mit den kompositorischen Techniken befassen , die ich in dieser Klasse besprechen werde. Komm schon, lass uns gehen. 5. Drittel-Regel: In dieser Lektion werden wir eine interessante kompositorische Technik mit dem Namen „Regel der Dritten“ diskutieren . Regel der dritten basiert auf dem Konzept, dass ein Bilderrahmen im Wesentlichen durch zwei horizontale Linien und zwei vertikale Linien in neun A4-Teile unterteilt ist . Grundsätzlich sagt das Konzept, dass Sie anstatt Ihr Motiv in die Mitte des Rahmens zu platzieren, eine bessere Komposition erstellen, indem Sie sie auf einer der Linien oder deren Schnittpunkte platzieren. Das ist ziemlich Standard und einfach. Sie hätten das gleiche Spiel in Ihrer Standard-CV-Präsentation gesehen, auf Nachrichten, wo Sie sehen, wie der Nachrichtensprecher auf eine Seite des Rahmens geht. Aus irgendwelchen Gründen kommen Bilder besser auf, wenn die dritte Regel befolgt wird. Bei einigen Kameras gibt es Funktionen oder Einstellungen, mit denen Sie die Rasterlinien auf dem Sucher oder auf dem LCD-Bildschirm aktivieren können. Sie müssen sich Ihr Kamerahandbuch ansehen, um zu wissen, wie es gemacht wird. Aber es ist sehr hilfreich, wenn Sie diese Rasterlinien jetzt mental visualisieren und Ihre Objekte in diesen Schnittpunkten oder innerhalb dieser Linien platzieren können. Inzwischen bin ich sicher, dass Sie verstehen, wie Regel der dritten funktioniert und wie Sie es auf Ihre Fotografie anwenden können, vorwärts. Ich möchte, dass du rausgehst und ein Foto von einem Thema machst und es in die Mitte stellst. Versuchen Sie auch, die kompositorische Technik anzuwenden, die Regel der dritten im Bild genannt wird, und schauen Sie beide nach und sagen Sie mir, was das Ergebnis ist und welche Sie bevorzugen. Während Regel der dritten könnte sehr einfach sein, könnte es letztendlich das Ergebnis Ihrer Bilder verbessern. Wenden Sie es in Ihrer Arbeit an und sehen Sie das Ergebnis. Springen Sie direkt in die nächste Lektion und wir besprechen eine weitere interessante Kompositionstechnik. 6. Ausgeglichenheit: In dieser Lektion werden wir über Balance sprechen, die eine sehr interessante kompositorische Technik ist. Es baut auf dem Konzept auf, dass jedes einzelne Element in Ihrem Foto ein visuelles Gewicht hat. Im Gegensatz zu den sehr physischen Gewichten, die Sie sehen können, ist dieses Gewicht visuell. Ein Beispiel ist, wenn Sie sich ein Bild ansehen und sehen, dass Ihr Auge mehr Zeit auf einem Teil dieses Rahmens verbringt. Es bedeutet, dass das Bild nicht ausgewogen ist. Bei Balance müssen Sie also berücksichtigen, dass verschiedene Dinge ein höheres visuelles Gewicht haben, also müssen Sie das Gewicht im Rahmen so verteilen, dass die Zuschauer jeden Aspekt des Bildes betrachten können , anstatt nur in einer Ecke des Bildes stecken bleiben. Visuelle Gewichte können als Folge von Licht sein, könnte als Folge von Schatten im Bild sein, könnte es als Folge von Tönen sein, könnte es als Folge von Farben sein. Was auch immer es ist, es gibt so viele Dinge, die mehr Gewicht haben könnten als die anderen auf Ihrem Foto. Aber als Fotograf ist es Ihre Pflicht, die verschiedenen visuellen Gewichte in Ihrem Bild zu verstehen und zu verarbeiten , um diese Gewichte in einem Rahmen zu verteilen, in einer Weise, die ausgewogen ist und die Menschen können genießen und haben eine volle Erfahrung von Ihrem Bild. Zum Beispiel haben helle Bereiche ein geringeres visuelles Gewicht als dunkle Bereiche. Farbe Rot ist sehr, sehr schwer wie eine Farbe im Vergleich zu seinen Gegenstücken wie gelb oder grün. Also müssen Sie dies im Hinterkopf behalten, denn mit dem mehr visuellen Gewicht, das auf einen Teil des Bildes geworfen wird, werden Menschen, Zuschauer mehr Zeit damit verbringen, in dieser Ecke zu schauen. Als solche berauben Sie ihnen jeden anderen Aspekt Ihres Bildes, der interessant zu betrachten sein könnte, aber sie würden es nicht sehen, weil das visuelle Gewicht zur Seite neigt. Die Art der Balance, die Sie auf Fotografien erleben können, ist weitgehend in zwei unterteilt, und dies ist symmetrisches Gleichgewicht und asymmetrisches Gleichgewicht. Symmetrisches Gleichgewicht, wie der Name schon sagt, ist im Grunde eine Foto- oder Kompositionstechnik, bei beide Seiten des Rahmens identisch oder sehr ähnlich sind. Dies wird auch die formale Balance genannt. Dies könnte impliziert oder real impliziert sein, wenn Sie Schatten verwenden, um identische Elemente zu erstellen, und es sieht ähnlich aus. Echt ist, wenn beide Seiten nur das gleiche Zeug sind. asymmetrische Balance unterscheidet sich von symmetrischen Balance in dem Sinne, dass beide Seiten des Rahmens nicht identisch sein müssen. Dies könnte im Grunde verschiedene Elemente verwenden, aber haben ein ähnliches visuelles Gewicht, um Aspekte Ihres Bildes auszugleichen. Das klassische Beispiel ist, wenn Menschen Dinge fotografieren und in den Vordergrund stellen und ein anderes Element verwenden, um es im Hintergrund auszugleichen. Es ist wichtig zu bedenken, dass jedes einzelne Element in Ihrem Bild ein bestimmtes visuelles Gewicht hat. Die ganze Aktion geht nicht in eine Ecke Ihres Bildes , so dass Ihre Zuschauer eine vollständige Erfahrung aller Elemente innerhalb dieses Rahmens haben können, im Gegensatz dazu, dass sie nur in eine Ecke schauen und in dieser Ecke stecken bleiben. Nun, ich glaube, Sie verstehen, was Balance ist und wie Sie es auf Ihren Fotos erreichen können. In Anbetracht der verschiedenen Arten von Gleichgewicht, die symmetrische Balance und asymmetrische Balance ist, wie Sie es mit implizierten oder realen identischen Aspekten des Rahmens erreichen können, oder asymmetrische Balance in dem Sinne, dass Sie verwenden -Objekte, die eine ähnliche visuelle Gewichtung haben und sie in Ihrem Rahmen verteilen. In der Regel setzen Sie eine in den Vordergrund und die andere im Hintergrund. So dass am Ende Ihre Zuschauer eine vollständige Erfahrung mit Ihrem Foto haben, im Gegensatz zu ihnen, dass sie in nur einer Ecke Ihres Fotos stecken bleiben. Also geh raus und mach ein Bild unter Berücksichtigung der visuellen Gewichte der Elemente in deinem Bild, und versuche, es so zu verbreiten, dass du eine Form des Gleichgewichts erreichst. Denken Sie daran, der einfachste Weg zu wissen, dass Ihr Bild aus dem Gleichgewicht ist wenn Sie am Ende suchen und stecken in nur einer Ecke des Bildes. Wenn das gesagt wird, springen Sie zur nächsten Lektion, während wir eine andere interessante kompositorische Technik diskutieren. 7. Standpunkt: In dieser Lektion werden wir eine weitere kompositorische Technik diskutieren , die als Standpunkt bezeichnet wird. Der Standpunkt besteht darin, Bilder aus einem Blickwinkel zu machen , aus dem Ihre Zuschauer idealerweise nicht schauen würden. Das bedeutet, dass Sie Ihren Zuschauern eine Erfahrung geben Dinge aus der Perspektive zu betrachten, die sie vorher nicht betrachten würden. Nur die bloße Tatsache, dass dies nicht das ist, was Ihre Zuschauer gewohnt sind, gibt ihnen das Gefühl. Es macht es automatisch zu einem guten Bild. Dies wird beispielsweise verwendet, wenn Sie Kinder fotografieren, wenn Sie Tiere fotografieren. Idealerweise würden die Menschen von ihrer Position fotografieren wollen. Wenn Sie ein Foto von einem Hund oder einer Katze machen, anstatt das Tier von Ihrer Position aus zu fotografieren , kommen Sie auf ihre Augenhöhe, um das Bild zu machen. Es gibt eine völlig neue Erfahrung für Ihre Zuschauer. Weil sie Dinge sehen, die sie noch nicht gesehen haben. Die Möglichkeiten, verschiedene Aussichtspunkte zu erkunden ist, indem man tief runtersteigt oder einen Baum hinaufklettert oder eine Leiter hinaufsteigt, was auch immer. Aber wenn man Dinge von einem Aussichtspunkt betrachtet, dem man sie nicht idealerweise betrachten würde, gibt es Ihren Zuschauern eine interessante Perspektive und ein immersives Gefühl dessen, was in Ihrem Bild vor sich geht. Ist ein völlig neues visuelles Erlebnis für Ihre Zuschauer. Eine andere Möglichkeit, Blickwinkel zu nutzen, besteht darin, verschiedene Blickwinkel zu erkunden, aber auch echte Objekte zu fotografieren. Du könntest buchstäblich durch einen Tisch schießen, um jemanden zu fangen. Es gibt einen kleinen Blick wie es sich anfühlt, in dieser Position zu bleiben, um diese Person zu betrachten. Vielleicht sieht die Katze dort aus, vielleicht sieht der Hund dort aus. Es ist immer wichtig, wenn Sie versuchen, den Blickwinkel zu erkunden, die verschiedenen Winkel zu betrachten, aus denen Sie das Bild machen können. Nun, die einzige Idee dahinter ist, das Bild so zu erfassen , dass die Leute das Zeug kaum sehen würden. Die Leute würden kaum wahrnehmen, was vor sich geht. Was auch immer Sie wählen, um Menschen zu fotografieren, wie ich bereits erwähnt habe, müssen Sie auch die Machtdynamik verstehen. Denken Sie daran, wenn Sie aus einem hohen Winkel auf Menschen schießen, sie sehen verletzlich aus, sie sehen schwach aus, sie sehen aus, als wären sie in Not. musst du wirklich vorsichtig sein. Wenn Sie Menschen von einer niedrigen Position bis zu einem hohen Winkel schießen, geben Sie ihnen das Gefühl, dass sie stark sind, sie sind größer, sie sind mächtig. Sie müssen auch verstehen, wie es sich abspielt. Grundsätzlich bietet die Sichtweise Ihren Zuschauern eine neue Erfahrung. Erkunden Sie die Szene und kennen Sie verschiedene Blickwinkel, aus denen Sie schießen können. In dieser Lektion haben wir bereits verschiedene Ansichten besprochen und wie Sie damit Ihren Zuschauern ein immersives Erlebnis Ihrer Bilder geben können. Indem Sie tief hinuntergehen , hochklettern, zur Seite stehen, durch Objekte schießen, können Sie verschiedene Blickwinkel erkunden, um Ihren Zuschauern ein interessantes Gefühl zu geben, wenn sie sich Ihre Bilder ansehen. Ich möchte, dass Sie ausgehen und verschiedene Standpunkte ausprobieren. Geh runter, um ein Tier zu fotografieren, eine Eidechse, eine Katze, was auch immer. Schießen Sie aus der Augenhöhe oder wahrscheinlich aus einem niedrigen Winkel. Was auch immer es ist, schießen Sie so, dass die Menschen idealerweise Dinge nicht sehen würden, und sagen Sie mir, was das Ergebnis ist. Begleiten Sie mich in der nächsten Lektion, während wir eine andere interessante Kompositionstechnik diskutieren . Komm schon, lass uns gehen. 8. Einfachheit: Manchmal möchten Sie einfach nur Ihren Zuschauern ein interessantes visuelles Erlebnis bieten. Du versuchst nicht, die Welt zu verändern. Du versuchst nicht, alles einzufangen. Sie wollen nur Schönheit einfangen, und Sie möchten, dass Ihre Zuschauer ein Gefühl davon haben, ein gutes visuelles Erlebnis. Das ist, wo die kompositorische Technik Einfachheit ins Spiel kommt. Einfachheit bedeutet einfach, dass Sie Fotos auf eine sehr einfache Art und Weise machen. In einer sehr minimalen Weise, sehr ähnlich wie Minimalismus. Grundsätzlich ist Ihr Ziel als Fotograf nicht, die ganze Welt zu kommunizieren. Du versuchst nicht, die Welt zu verändern. Sie möchten nur, dass Ihre Zuschauer ein gutes visuelles Erlebnis haben. Dies ist die Art von Kompositionstechniken, die abstrakte Fotografen, Stilllebenfotografen und Kunstfotografen in ihrer Fotografie anwenden. Manchmal sogar Naturfotografen. Sie wollen nur, dass du den Frieden auf dem Bild spürst. Sie wollen nur, dass du dir das Bild ansiehst und es einfach genießst. Wenn Einfachheit das Ziel in der Zusammensetzung dieses Bildes ist, könnte man leicht erkennen, weil es weniger Ablenkung gibt. Es gibt weniger Elemente auf dem Bild, so dass Sie einfach schauen und genießen Sie das Bild. Könnte so einfach sein wie das Boot auf dem Teich oder auf dem Fluss. Könnte so einfach sein wie eine Blume. Einfachheit geht es darum, Ihren Zuschauern ein gutes visuelles Erlebnis zu geben. Nachdem ich etwas über Einfachheit gelernt habe und wie es sich ausspielt und Ihren Zuschauern eine interessante Erfahrung bietet, möchte ich, dass Sie ausgehen und schießen und einfach etwas auf eine sehr einfache Art und Weise festhalten. Versuchen Sie nicht, zu viel zu tun. Nur die Verwendung aller kompositorischen Techniken, aber das Ziel ist es im Grunde, es sehr einfach und minimal zu halten. Springen Sie in die nächste Lektion, während wir eine weitere kompositorische Technik besprechen . Komm schon, lass uns gehen. 9. Linien: In dieser Lektion werden wir über eine andere interessante kompositorische Technik sprechen , Linien. Fast im Grunde ist alles aus Linie gemacht. Je früher Sie beginnen, Dinge zu verstehen und zu sehen, basierend auf den Linien, die sie machen , desto bessere Ergebnisse, die Sie auf Ihrem Foto haben können. Wir werden darüber sprechen, wie Sie Linien in Ihrer Komposition verwenden können und wie Sie sie zu Ihrem Vorteil nutzen können , um Ihre Bilder besser zu werden und ein besseres Ergebnis zu erzielen. Linien in der Fotografie sind weitgehend in fünf Kategorien unterteilt. Dies sind die vertikalen Linien, die horizontalen Linien, die diagonalen Linien, führenden Linien, implizierten Linien und eine Vielzahl anderer. Vertikale Linien geben ein Gefühl von Wachstum, Vertrauen, Stärke. Wenn du Fotos machst und deine Motive vielleicht an einer vertikalen Linie oder an einer Wand oder einem Baum gelehnt hast, fühlt es sich an, als wären sie unterstützt. So kommuniziert es mit Ihren Zuschauern. Sie können dies nutzen, um zu kommunizieren, was Sie in Ihren Fotos wollen. Horizontale Linien geben ein Gefühl von Stabilität. Wenn Menschen sich hinlegen, sind in der Regel fast alles, worauf wir uns hinlegen oder wir bleiben, in der Regel horizontale Linien. Es gibt ein Gefühl von Stabilität. Es fühlt sich nicht so an, als könntest du umfallen. Wenn Sie dies in Ihre Bilder integrieren, könnten Ihre Zuschauer dieses Gefühl von Stabilität aus dem Bild bekommen. Diagonale Linien sind auch eine weitere interessante Linie, weil sie dieses Gefühl von Spannung oder Energie in Ihren Bildern erzeugen. Im Gegensatz zu vertikalen und horizontalen Linien, die ziemlich stabil sind und sich solide anfühlen, fühlen sich diagonale Linien ein bisschen an, als gäbe es Spannungen , gibt es Konflikte, die Sie auch in Ihren Fotos nutzen können. Eine Sache, die Sie auch erkennen müssen, wenn Sie Linien in Ihren Bildern verwenden, ist, dass Sie die Linien gerade machen müssen, es sei denn, es ist beabsichtigt, Sie wollen es diagonal oder wo auch immer. Aber in den meisten Fällen müssen Sie sicherstellen, dass Ihre Linien gerade sind. Wenn es nicht gerade ist, fühlt sich die Bilder an. Denn im wirklichen Leben sind Häuser gerade gebaut, Bäume sind gerade. Wenn Sie nicht sicherstellen, dass Sie Ihre Bilder so umrahmen, dass Sie das geradlinige Gefühl Ihrer Linien behalten, wird es abkommen, es sei denn, es ist beabsichtigt. Eine andere Art von Linien sind die implizierten Linien. Dies sind Linien, die in der Natur entstehen, aber sie sind nicht unbedingt reale Linien. Zum Beispiel, Menschen, die in einer Warteschlange stehen, sieht es wie eine Linie aus. Wolkenkratzer reihen sich auf den Straßen, Reihen von Bäumen. Diese Dinger bilden eine Linie. Sie müssen immer beobachten und bemerken, wie diese Linien in der Natur gebildet werden, damit Sie sie in Ihren Fotos nutzen können. Eine weitere interessante Möglichkeiten, Linien zu verwenden, sind führende Linien. Führende Linien dienen im Grunde als Linien, die Sie nutzen können , um Ihre Zuschauer zum Hauptthema zu führen. Grundsätzlich gestalten oder komponieren Sie Ihre Bilder so, dass sich Ihr Motiv in einem Pfad der Linie befindet, die natürlichen Linien in Ihrem Rahmen, wo es sich anfühlt, als würde die Linie sie zu diesem Thema führen. Als Fotograf habe ich mich im Laufe der Jahre trainiert, Linien zu sehen. Wenn ich in eine Szene gehe, wenn ich ein Foto machen möchte, beobachte ich alle Linien und wie sie sich ausspielen. Ich versuche, das zu nutzen, um für meine Fotografien die bestmögliche Entscheidungskomposition treffen zu können. Nun, da Sie über verschiedene Arten von Linien gelernt haben und wie Sie es verwenden können, um Ihre Bilder besser zu machen; verstehen, wie Menschen vertikale Linien, horizontale Linien, diagonale Linien, führende, und implizierte Linien Ich bin sicher, Sie sind eingerichtet, um diese Zeilen in Ihren Fotos zu verstehen und zu nutzen, um ein besseres Ergebnis zu erzielen. Gehen Sie raus und machen Sie Fotos und beobachten Sie, wie Linien in Ihrer Umgebung, in Ihrem Hinterhof, auf Ihren Straßen abspielen . Machen Sie Fotos und nutzen Sie einige der Konzepte, über die wir hier gesprochen haben. Ich bin sicher, dass, wenn Sie sich dieser Linien bewusst sind und wie sie spielen, Sie sind auf dem Weg, viel bessere Bilder zu machen, als Sie jemals getan haben. Vielen Dank. 10. Schlussbemerkung: Herzlichen Glückwunsch. Ich bin super aufgeregt, dass du zum letzten Teil dieser Klasse gekommen bist. Ich bin sicher, Sie haben neue Dinge gelernt, die Ihre Fotos verbessern können. Ein kurzer Rückblick auf all die Dinge, über die wir in dieser Klasse gesprochen haben. Wir sprachen darüber, wie man das richtige Objektiv wählt. Denken Sie daran, wenn Sie mit dem von Ihnen gewählten Objektiv keine gute Entscheidung treffen, werden Sie kein besseres Ergebnis haben. Wir haben auch darüber gesprochen, wie man die Szene und das Thema erforscht. Es ist sehr wichtig, dass Sie nicht nur Bilder von wo Sie sind, sondern Sie bewegen sich und sehen, wie das Licht abspielt, wie der Hintergrund ist, wie der Raum ist und all diese Dinge zusammen, um besser zu haben Ergebnisse in Ihren Fotografien. Wir haben auch über verschiedene Kompositionstechniken gesprochen, und ich bin sicher, dass, wenn Sie all diese Dinge, die Sie in Ihren Fotos gelernt haben, in Ihrer Arbeit einprägen , Sie viel besser werden werden als Sie, als Sie mich kennengelernt haben. Es war eine sehr interessante Reise mit Ihnen, und ich hoffe, dass Aids jede Sekunde Ihrer Zeit wert waren. Ich freue mich darauf, Ihr Klassenprojekt zu sehen, dem Sie im Grunde drei Bilder hochladen , eine der kompositorischen Techniken verwenden, die in dieser Klasse diskutiert wurden, und es hochladen, weil wir nicht besser werden können, bis wir fangen an, Dinge zu tun. Ich würde gerne Ihr Klassenprojekt sehen, es hochladen und Sie erhalten Feedback von mir. Denken Sie daran, dass die Regeln in dieser Klasse gebrochen werden sollen. Jetzt, wo Sie die Regeln verstehen und verstehen, wie es funktioniert, können Sie sie kreativ brechen, aber lassen Sie es absichtlich sein. Das ist der Unterschied zwischen einem professionellen Fotografen und einem Hobbyfotografen. Denken Sie immer daran, dass diese Regeln nicht auf Stein gegossen werden, Sie können sie kreativ brechen, aber ich empfehle dringend, dass Sie die Regeln verstehen, bevor Sie beginnen, sie zu brechen , so dass Sie nicht als ungelernter Fotograf kommen. Jetzt, da Sie alle diese Regeln verstehen, können Sie sie in einer Weise brechen, die es funktioniert, aber denken Sie daran, dass die Essenz des Fotografierens ist es, mit Ihren Zuschauern kommunizieren zu können. Nutzen Sie alles, was Sie über verschiedene Kompositionstechniken wissen , die wir besprochen haben, um in der Lage zu sein, das beste Ergebnis in Ihren Bildern zu bringen und Ihren Zuschauern ein einmaliges Erlebnis zu geben. In kurzer Zeit werde ich auch eine neue Klasse zu fortgeschrittenen Kompositionstechniken veröffentlichen. Achten Sie darauf, damit wir mehr Kompositionstechniken lernen können , die unsere Fotografie letztendlich verbessern können. Willkommen zu einer neuen Phase in Ihrer Fotografie. Ich wünsche Ihnen alles Gute, bis wir uns wiedersehen. Vielen Dank.