Aquarellfarben für Anfänger:innen – So malst du Landschaften – Teil 3

1. Einführung: Hallo und herzlich willkommen in meinem Atelier. Mein Name ist Rachel Bradwell und ich bin ein Kunstlehrer hier auf dem Fähigkeitsanteil. Willkommen zu Teil drei von Aquarell für Anfänger. In dieser Klasse werden wir auf die grundlegenden Anwendungen und Konzepte aufbauen, die wir in Teil 12 gelernt haben und beginnen, einige einfache Strategien zur Landschaftsmalerei mit Aquarell zu erforschen. Alle Aquarellbilder, egal wie komplex aussieht, basieren auf einfachen Anwendungen und Variationen in Wert und Kanten. Und jetzt schauen wir uns auch eine Farbtheorie an, um ein Gefühl der Tiefe in unseren Landschaften zu schaffen. Viele neue Künstler fühlen sich eingeschüchtert, indem sie für ihre Gemälde zeichnen. Aber in diesem Kurs werde ich Ihnen zeigen, dass Sie zeichnen muss nicht komplex oder sogar schrecklich genau sein , um schöne Aquarellbilder erstellen wird den Kurs beginnen, indem Sie sich einige Aquarellbilder von den Meistern , um zu sehen, wie sie sehr einfache Techniken und Konzepte verwendet haben, um erstaunliche Werke zu schaffen. Dann werden wir diese Ideen auf unsere eigenen Gemälde anwenden dabei einen lockeren und spielerischen Ansatz betonen. Wie in Teil 12 werden wir eine minimalistische Reihe von Materialien verwenden, um diese Konzepte zu erforschen. Die Projekte in diesem Kurs werden von einfach zu schrittweise komplexeren voranschreiten. Ich werde jedoch die Verwendung grundlegender Techniken während des Kurses betonen , weil wir auf diese Weise Gemälde erstellen können, die fortgeschritten scheinen. Für das Capstone-Projekt werde ich Ihnen zeigen, wie selbst die grundlegendste Darstellung menschlicher Figuren Ihrer Landschaftsmalerei einen Sinn für Kontext und Erzählung vermitteln kann. Diese Klasse ist Teil drei meiner Serie über Aquarell für Anfänger. Also achten Sie darauf, Teile 12 zu überprüfen, und denken Sie daran, mir hier auf Skill Shares zu folgen, so dass Sie benachrichtigt werden, wenn ich mehr Kurse veröffentlichen. Alles klar, lass uns Painting holen. 2. Eine kurze Umfrage von Aquarellfarben durch die Masters: Bevor wir heute anfangen zu malen, möchte ich ein paar Minuten dauern, nur um einen kurzen Überblick über einige Aquarellbilder von Meisterkünstlern zu machen . Also werde ich ein paar Folien durchmachen. Diese sind nicht in einer bestimmten Reihenfolge. Ich ging zu Wiki art.org, um diese Bilder zu bekommen. Und so werden Sie sehen, dass der Name des Künstlers links unten oben ist, und dann ist der Titel des Gemäldes auf der rechten Seite. Aber was ich tun werde, ist, dass wir durch einige dieser Aquarellbilder gehen und ich werde hineinzoomen, nur um Ihre Aufmerksamkeit auf einige Dinge zu lenken, von denen ich denke, dass diese Aquarellbilder sehr interessant sind. Und ich möchte auch auf einige der grundlegenden Techniken hinweisen , die wir gelernt haben und wie sie auf diese Bilder angewendet wurden. Und das große Takeaway, das ich hoffe, dass Sie daraus bekommen ist, wie einfach diese Anwendungen sein können. Und so sollte Aquarellmalerei wirklich nichts einschüchternd sein , das Sie Angst vor Fehlern macht. Sie sollten sich wirklich Aquarellmalerei aus der Sicht der nur Spaß und Entspannung nähern . Also lasst uns hier auf dieses Bild hineinzoomen. Und ich möchte, dass Sie sehen, wie einfach diese Formen sind. Jetzt denke ich, dass dieser Künstler wahrscheinlich Inc kombiniert, vielleicht mit seinem Aquarell. Aber schauen Sie sich all diese Zahlen jetzt an, wieder aus der Ferne. Wir können deutlich sehen, dass dies eine Menge Leute ist, die ein Pferderennen beobachten. Aber wenn wir mehr Aufmerksamkeit schenken, können wir sehen, wie einfach das ist, sogar bis zu dem Punkt, dass dieses Pferd grün ist. Und doch die Grundform dieser Beine, die irgendwie ausgedehnt sind und der Fahrer oben. Wir bekommen nur den allgemeinen Eindruck eines Pferdes. Und das gleiche mit diesen Zahlen können wir einige Hinweise auf Regenschirme sehen. Aber wirklich, wenn wir uns diese Zahlen ansehen, sind sie nur eine Reihe von Linien, fast Strichfiguren. Ich hoffe, dass Sie das im Hinterkopf behalten werden, wenn wir diesen Kurs durchlaufen. Denn selbst eine sehr komplexe und vielleicht einschüchternde Komposition kann auf diese Weise vereinfacht werden. Nun möchte ich, dass Sie Aufmerksamkeit in diesem Gemälde von John Singer Sargent zahlen, der ich denke, viele Leute übersehen, dass er viele Aquarellbilder gemacht hat , weil er am bekanntesten für seine Ölgemälde ist. Aber er war ein sehr produktiver Aquarell malt sie und so ermutige ich Sie, seine Aquarellbilder zu überprüfen. Ich möchte, dass du hier bemerkst, dass das Gesicht dieser Frau beinahe Nichtexistenz ist. Es ist sehr impressionistisch. Es ist sehr viel nur ein Hinweis auf Schatten. Und das ist genug, um das als eine Phase lesen zu können. Und dann, wenn wir uns einige der Striche ansehen, die er im Wasser angewendet hat, sehr, sehr einfach und dennoch gibt diese Anzeige von Wellen im Wasser. Und es sind diese einfachen, grundlegenden Farbapplikationen, die uns wirklich begeistern und unsere Bilder sehr interessant machen. Hier ist ein Gemälde, das wirklich, ich denke, liest so sehr stürmisch und dunkel. Und doch, wenn wir es wirklich betrachten, gibt es hier einfach nicht viel, um anzuzeigen, was vor sich geht, aber wir bekommen dieses allgemeine Gefühl für Stimmung und Energie. Und das ist alles durch viele dieser Anwendungen von Nass in Nasswäschungen geschaffen, so dass die Farben wirklich auf unerwartete Weise miteinander verschmelzen. Es fühlt sich sehr chaotisch und energisch an. Und für das Bootfahren fast. Und doch musste dieser Künstler nicht viel wörtliche Trocknung oder Hinweise auf eine Landschaft oder ein C verwenden , das er nur als Sturm über einige sehr aktive Gewässer liest. Nun, das ist ein interessanter Künstler, und ich denke, wir alle erkennen Mondrian von dieser Arbeit hier auf der rechten Seite mit den Gittern und den Quadraten in den Primärfarben. Und ich denke, viele Leute halten diesen Künstler für selbstverständlich und verstehen nicht ganz, was er zu erreichen versuchte. Nun, die Quadrate und Rechtecke und Raster. Das waren seine späteren Werke. Seine früheren Arbeiten waren eher so, und er machte viel Arbeit in Aquarell. Also habe ich einige dieser zusätzlichen Bilder für ihn reingeworfen, nur um dir zu zeigen, wie er sich als Künstler entwickelt hat und wie er die Welt gesehen hat. Und ich denke, dass Sie beginnen, das in einigen seiner Gemälde zu sehen , wo er beginnt, die Welt durch die natürlichen Gitter zu betrachten , die geschaffen werden. Aber er machte auch viele seiner Studien und Gemälde in Aquarell. Und Sie können sehen, dass er sich dem ganz anders näherte. Dann war dieser Künstler, dieser Künstler, glaube ich, ausdrucksvoller. Er war mit seinem Aquarell etwas kontrollierter. Und wir werden eine Menge Variationen zwischen diesen Künstlern in ihren Techniken und ihrer Herangehensweise an dieses Medium sehen . Und ich warf dieses Bild hier rein, um Ihnen zu zeigen wie viele Informationen mit nur wenigen Strichen kommuniziert werden können. So können wir deutlich sehen, dass es sich um ein Bild von einigen kargen Bäumen handelt. Und im Wesentlichen ist das Papier nur übrig, wie es ist, um Schnee anzuzeigen. Und doch kommuniziert es so viel. Ein Aquarellgemälde ist also keine Frage, stundenlang alles, was man in einer Landschaft sieht, akribisch detailliert zu machen. Es geht wirklich darum, einen Eindruck zu geben und eine Stimmung zu schaffen. Dies ist vom selben Künstler und ich habe dies eingeschlossen, weil offensichtlich das Gemälde sehr schön und minimalistisch ist. Aber ich kontrastiere das auch mit dem sehr langen Titel, den er diesem Gemälde gab, das Footprints in the Snow neben dem neuen Peer on the Cooper River ist. Und doch ist das Gemälde selbst so minimalistisch und doch liest es sich wie eine verschneite Landschaft. Und dann hier ist eine monochromatische Landschaftsstudie. Und wir werden eines davon in dieser Klasse machen weil ich wirklich noch einmal betonen möchte wie wichtig es ist, über Wert- und Kantenkontrolle im Aquarell nachzudenken. Noch mehr als Farbe, weil wir wirklich eine sehr effektive Zusammensetzung nur durch Wert und unsere Kanten kommunizieren können. Und wir müssen uns nicht wirklich zu sehr um Farbe kümmern. Wir können das irgendwie loslassen. Wir brauchen uns keine Gedanken darüber zu machen, dass wir Farben zu dem passen, was wir in einem Fotoreferenz beobachten, oder wenn wir aus dem Leben malen, ist es wirklich wichtiger, sich auf Ihre Werte und Ihre Kanten zu konzentrieren. Hier ist ein Gemälde von Anders Zorn. Er ist ein weiterer impressionistischer Künstler, der für seine Ölgemälde am bekanntesten ist. Aber er hat viele seiner Studien in Aquarell gemacht, und sie sind sehr schön. Und was ich möchte, dass Sie hier bemerken, ist der Kontrast zwischen dem großen, hellen Himmel, dem See, der diesen Himmel reflektiert, und dann wirklich nur ein trockener Pinsel über die Bereiche, die Landmassen zeigen. Und ich möchte nicht hineinzoomen, weil ich weiß, dass es sich um ein Foto handelt, das eigentlich eine sehr niedrige Auflösung hat. Ich werde, Ich werde ein wenig zoomen, aber Sie können sehen, dass wir einen Eindruck von einer Menge von Booten im Wasser bekommen, einige Strukturen auf dem Land, einige Bäume, aber diese sind alle wirklich durch Stolpern und trockene Bürste und mit dunkle Werte, anstatt hineinzugehen und jedes einzelne Element akribisch zu zeichnen. Hier ist ein anderes Gemälde, das fast realistischer ist. Und doch ist es sehr einfach. In der Tat, wenn wir nur auf den Hintergrund schauen, können wir wirklich drei Hauptwerte sehen. Es gibt diesen Lichtwert des Himmels und dann gibt es zwei Werte, die diese fernen Berge erschaffen. Der Tiger ist wirklich irgendwie nur ein paar Spritzer Orange, ein leichterer Wert zeigt durch. Und dann wird dem Tiger Struktur gegeben, indem diese dunkleren Markierungen oben hinzugefügt werden. Und dann haben wir einige Trockenpinsel-Technik im Vordergrund, um ein wenig Textur zu geben. Und es macht eine sehr effektive Malerei, obwohl es insgesamt sehr einfach ist. Hier ist ein weiteres Gemälde, das ich denke, ist ein großartiges Beispiel dafür wie wir einfach Spaß mit unserem Aquarell haben können und sich nicht zu sehr darum kümmern, perfekte Zeichnungen zu haben und sehr detailliert zu sein. Werfen wir einen Blick auf diese Figuren in diesem Gemälde. Sie können sehen, dass, ich meine, wirklich das sind im Grunde Strichfiguren, die mit einem Pinsel bemalt sind. Sehr einfach. Und wenn wir uns die Komposition als Ganzes ansehen, ist es sehr offensichtlich, dass dies eine Komposition ist die mit vielen Menschen bevölkert ist, die viel Aktivität und Energie dafür haben. Und doch sehr, sehr einfache Anwendungen. Und sogar die Bäume in der Ferne, können Sie sehen, wie einfach sie sind. So oft mit Aquarell, und natürlich wird es von Ihren Ambitionen als Künstler abhängen und was Ihnen wichtig ist. Aber ich denke, dass das, was ich hoffe, dass Sie daraus bekommen, eine sehr entspannte Denkweise ist , um zu wissen, dass eine Komposition als Ganzes zusammenkommt. Und Sie werden nicht über Ihre Fähigkeit beurteilt werden, Gegenstände im Leben in eine Zeichnung zu replizieren, die Sie dann darauf malen. Es ist ein sehr sorgloses Medium, und ich denke, dass wir das annehmen sollten. Hier ist eine realistischere Malerei und ja, ich möchte Ihre Aufmerksamkeit darauf lenken, wie einfach es ist. Schauen wir uns nur die Farben dieses Gemäldes an. Es ist im Grunde eine Menge Grüns, etwas Gelb, und ein bisschen Wärme hier in der Scheune, um ein wenig Kontrast zu geben. Aber ich glaube, dass die Art und Weise, wie dies wahrscheinlich gemalt wurde, nur mit vielen Spritzern von Grün und einigen Lichtwäschen, vielen weichen Kanten war. Und dann könnte der Künstler später kommen und einige der dunkleren trockenen Pinselstriche hinzufügen , um mehr Textur zu geben. Zum Beispiel zu den Details der Scheune, zu den Stämmen der Bäume. sind Dinge, die wir wahrscheinlich alle gegen Ende des Malprozesses hinzugefügt werden. Und wenn wir uns das ansehen, bevor diese hinzugefügt wurden, und ich denke, dass das, was wir sehen würden, nur eine Menge Spritzer von Grün- und Gelbtönen, einige Variationen zwischen den Werten. Aber wirklich insgesamt, ein sehr abstraktes Bild. Hier ist ein schönes Gemälde, das wirklich weiche Kanten umarmt. So hat der Künstler entschieden, wirklich zu minimieren, wie viele harte Kanten er in diesem Gemälde hatte. Also schauen wir hier rüber, wo wir nur sehen, wie der Himmel mit diesen fernen Hügeln und Gipfeln verschmilzt. Aber dann haben wir hier einen Gipfel, der diesen Dunst durchbricht. Und so lenkt das viel Aufmerksamkeit auf sich. Es ist sehr schön. Unten im Wasser haben wir weichere Kanten und dann haben wir nur einige sehr kleine harte Kanten, denke ich, die ein wenig menschliche Aktivität im Vordergrund zeigen. Aber es gibt einfach nicht genug Details für uns, um wirklich zu bestimmen, was los ist. Und doch gibt es diesem Gemälde eine Menge Kontext. Hier ist noch ein Aquarell von John Singer Sargent. Und genau das Gleiche geht hier vor sich, das wir auf dem anderen Gemälde der Frau auf der Gondel gesehen haben . So können wir deutlich sehen, dass dies ein Gemälde der Sphinx ist. Und doch, wenn wir wirklich genau auf das Gesicht schauen, Er ging nicht da rein und versuchte, in den Augen, der Nase, dem Mund zu bezahlen und es wie ein Porträt der Sphinx aussehen zu lassen. Er hat es sehr allgemein hinterlassen. Und ich denke, dass das ein Gemälde wirklich sehr interessant macht , weil es unseren Geist aktiviert. Es lädt uns ein, am Gemälde teilzunehmen. Und wieder, ich denke, dass das eine gute Möglichkeit ist, über die Annäherung an ein Bild nachzudenken, zu wissen, dass es nicht alles an dir als Künstler ist, alles für deinen Betrachter zu buchstabieren. Denn als Zuschauer beschäftigen wir uns gerne mit der Kunst. Wir mögen es, ein bisschen Geheimnis zu geben. Also sollten Sie das als eine Art Erlaubnis verwenden, nur um sehr locker und skurrisch in Ihrer Herangehensweise zu sein. Hier ist ein schönes Gemälde. Und ich möchte, dass Sie sehen, dass es hier wirklich so viel Kontrast im Wert und viel Kontrast und Kanten gibt. Wenn wir also in den Himmel schauen, können wir viele weiche Kanten sehen. Und dann, wenn der Künstler mehr im Vordergrund dieses Gemäldes aufbaut, verwendet er dunklere Werte, härtere Kanten. Und ein weiterer Grund, warum ich dieses Bild eingeschlossen habe, ist eigentlich weil es offensichtlich ein Bild eines Regenbogens ist. Aber es sieht aus. Oh, verblasst und blass und du fragst dich vielleicht, warum der Künstler es so gemalt hat. Nun, ich vermute, dass er es wahrscheinlich getan hat. Er hat wahrscheinlich einige sehr helle Farben für diesen Regenbogen verwendet. Aber eine Sache zu wissen, über Aquarellmalerei und Aquarellpigmente ist, dass viele Male diese hellen, lebendigen Farben, neigen sie dazu, flüchtiger in Bezug auf ihre permanente C zu sein, was bedeutet, dass sie im Laufe der Zeit verblassen. Und ich denke, das ist wahrscheinlich das, was mit diesem Regenbogen passiert ist. Daher ist es wichtig, auf die permanente C-Bewertung der Farben zu achten , die Sie wählen. Ich weiß, dass, als ich anfing, Aquarelle zu malen und ich wirklich preiswerte Studenten-Grade Pigmente verwendet. Ich habe bemerkt, dass diese Bilder, die ich noch Jahre später habe, fast zu nichts verblasst sind. Daher ist es wirklich wichtig, darauf zu achten, weil Sie vielleicht etwas malen, das Sie wirklich lieben. Und im Laufe der Zeit kann es verblassen, wenn Sie nicht auf die permanente C-Bewertung Ihrer Bilder achten . Aber für einige Pigmente, die nicht geholfen werden können, Es gibt einige Pigmente, die gerade gehen, um flüchtig sein, egal wie hohe Ungleichheit Sie kaufen. Hier ist ein anderes Gemälde, denke ich, dass zeigt eine Menge erstaunlicher Kontrast zwischen den weichen Kanten, vor allem in den Himmel. All diese Farben verschmelzen diese ausgeprägten Klippen wirklich eine weiche Kante zwischen dem Himmel, so dass sie atmosphärischer, ein wenig verschwommener erscheinen . Und dann, wenn wir uns in den Vordergrund bewegen, haben wir einige härtere Kanten, einige dunklere Werte. Beachten Sie aber auch, wie einfach diese Zahlen sind, selbst die Figur, die am meisten im Vordergrund steht. Er ist sehr simpel. Und doch, wenn wir die Komposition als Ganzes betrachten, Reifen, können wir sehen, dass dies zusammenkommt und dass wir all diese menschliche Aktivität haben, obwohl keine dieser Figuren detailliert herausgezogen oder detailliert gemalt werden. Hier ist ein anderes Bild, das ich nur vier zeigen wollte, wirklich seine Einfachheit, denn wenn ich darüber nachdenke, dieses Gemälde zu dekonstruieren, was ich sehe, sind Spritzer von Gelb, Grün und Orange. Und dann, wenn das alles trocknen durfte, konnte der Künstler hineingehen und später die Stämme und die Äste dieser Bäume hinzufügt . Und so ist es wichtig zu wissen, dass Sie sind, Aquarellbilder werden fast immer beginnen, sehr abstrakt, sehr weich. Und wir werden Struktur und unsere dunkleren Werte hinzufügen, während wir gehen. Hier ist ein anderes Gemälde, von dem ich denke, wirklich zeigt, wie einfach Zeichnung für ein Aquarellgemälde im Allgemeinen sein sollte. Ich möchte, dass du all diese weichen Kanten an diesen fernen Bäumen bemerkst. All diese Bäume verschmelzen irgendwie zusammen. Heizung gehen hinein und versuchen, jeden Baum einzeln voneinander zu malen. Er ging einfach rein und ließ diese Farben irgendwie miteinander verschmelzen. Und dann schuf er einen bemerkenswerteren Blick als er später die Stämme und die Äste der Bäume hinzufügte. Und bemerkte auch, wie er erlaubte, diese Zweige zu zerbrechen, wo Blätter sie überlappten. Und das gibt einen wirklich schönen organischen, natürlichen Sinn. Also das Gesamtbild. Und beachten Sie auch in der Reflexion, dass er nicht jede Markierung, die er in den Bäumen gemacht hat, genau in die Reflexion kopieren musste. Wirklich, was wir tun, sind nur allgemeine Hinweise, allgemeine Eindrücke, anstatt sehr akribisch in unseren Zeichnungen zu sein. Und dann, um mit vielen anderen Gemälden zu kontrastieren, habe ich dieses hier reingeworfen, weil es sehr, sehr detailliert und sehr eng gerendert ist. Dies hat viel trockenes Bürsten darin. Und offensichtlich ist das Trocknungselement in diesem Gemälde viel stärker. Und wieder wird es von Ihrem persönlichen Stil abhängen und was Ihre Ziele als Künstler sind, wie viel Detail Sie wollen, wie genau Sie Ihre Zeichnung sein wollen, weil Sie wirklich jede Richtung gehen können. Aber ich würde Sie ermutigen, auch wenn Ihr letztes Ziel es ist, ein sehr realistischer Maler zu sein, dass Sie Aquarell mit einer sehr sorglosen Denkweise nähern sollten weil ein Großteil des Realismus in einem Gemälde am Ende aufgebaut wird. Und es hilft wirklich, eine unbeschwerte Grundlage für jedes Aquarellbild zu haben. Und ich denke, dass man hier drinnen sehen kann, da gibt es einige lose Markierungen, besonders in der Ferne. Ich bin sicher, dass er mit einer sehr schönen leichten Waschung von weichen Kanten begonnen hat. Und dann baute er die ganze Struktur auf dem Fundament. Und dann ist das letzte Gemälde, das ich Ihnen zeigen möchte , nur ein großartiges Beispiel für negative Malerei. Wie ich bereits sagte, in dieser Serie, wenn wir in Aquarell malen, bauen wir uns aus unseren leichtesten Werten auf und arbeiten dann an unseren dunkleren Werten , die ein bisschen eine Herausforderung darstellen können, wenn Sie eine Hintergrund, der dunkler als der Vordergrund ist, bedeutet dies, dass Sie um die Elemente, die sich in Ihrem Vordergrund befinden, malen werden . Und genau das geht hier vor sich. Also für all diese beleuchteten Ballons sind Lampen hier, diese wurden alle zuerst gemalt, und dann wurden die dunkleren Werte tatsächlich um diese schönen hellen Farben hinzugefügt. Also, das ist es für unsere Umfrage über Meister-Aquarelle. Und gehen wir weiter und gehen in die Malerei. Sollen wir? 3. Projekt: Das erste, was wir heute tun werden, ist ein wenig Aufwärmwert und Randstudie basierend auf einigen der Prinzipien, die wir im vorherigen Kurs gelernt hatten. Und ich werde Ihnen zeigen, wie Sie wirklich jedes Thema vereinfachen und es besser verstehen können , indem Sie zuerst eine einfache Wert- und Kantenstudie durchführen. Also, selbst wenn Sie ziemlich erfahren mit der Malerei sind, aber Sie sich von einem bestimmten Thema eingeschüchtert fühlen, würde ich wirklich empfehlen, auf diese Weise zu beginnen , wo Sie nur eine Farbe verwenden und Sie nur an das Verständnis dieser sehr wichtigen Konzepte von Wert und Kanten. Denn wieder, das macht wirklich so viel aus, was Aquarellmalerei ist. Und wenn Sie eine Komposition in diese Kernprinzipien aufteilen können, dann werden Sie es wirklich viel besser verstehen. Und Sie werden diesen Farbfaktor nicht sofort in die Mischung werfen lassen. Das kann die Entscheidungsfindung etwas schwieriger machen. Also mache ich gerne meine Wertestudien in Blau, nur weil ich einen vollständigeren Wertebereich bekomme, ich kann sehr dunkel damit gehen, und ich kann auch sehr hell. Also würde ich nie eine Wertestudie mit sagen, gelb, vielleicht lesen. Aber du wirst einfach nicht die tiefsten Werte bekommen. Und in der Tat, in diesem Bild, wenn ich meinen dunkelsten Wert brauche, werde ich feststellen, dass selbst mein Blau nicht ganz dunkel genug ist. Also werde ich tatsächlich ein bisschen Rot hinzufügen nur um diesen Wert ein wenig zu verdunkeln. Hier beginne ich also mit meinen leichtesten Werten und meinen weichen Kanten. Und wenn wir Landschaften malen, eine Sache, an die wir immer denken wollen, ist atmosphärische Perspektive. Und mit atmosphärischer Perspektive werden wir typischerweise sehen, dass unser leichtester Wert in der Komposition am Himmel sein wird. Das ist natürlich fast die ganze Zeit wahr, außer wenn Sie eine Nocturne malen, die ein Landschaftsbild ist, das Sie mit einem Nachthimmel malen. Oder wenn Sie einen sehr stürmischen Himmel mit vielen Sturmwolken als Ihr Himmel haben, vielleicht dunkler als andere Elemente in der Malerei. Aber zum größten Teil, wenn wir eine Tagesszene machen, wird unser Himmel unsere leichtesten Elemente sein, also neigen wir dazu, das zuerst zu malen. Und ich kann einfach voran gehen und eine Art leichtes Medium Waschmittel über das gesamte Gemälde auftragen. Denn im Aquarell malen wir von unseren hellsten Werten zu unseren dunkelsten Werten. Und das bedeutet, dass wir unsere dunkleren Werte immer auf alles andere anwenden können. Wenn wir also ein Aquarellgemälde beginnen, werden wir sehr allgemein bei der Suche nach diesen helleren Werten sein. Also hast du gesehen, dass ich meinen Fön benutzt habe, um das ein bisschen zu trocknen , damit diese Kanten ein bisschen härter werden. Ich erlaubte mein Papier nur ein wenig feucht zu bleiben, weil ich nicht möchte, dass diese Kanten zu hart sind, weil dies irgendwie der Mittelgrund ist. Also schaue ich mir die Bäume an, die irgendwie im mittleren Bereich sind. Und Sie können sehen, dass in dieser Fotoreferenz wir eine wirklich schöne Hayes los haben. Und das hilft, diese atmosphärische Perspektive wirklich zu steigern, weshalb ich mich für dieses Foto entschieden habe. Und ich möchte auch erwähnen, dass all diese Fotoreferenzen Ihnen zum Download oder zum Betrachten zur Verfügung stehen werden. Und diese Foto-Referenzen, die ich für diesen Kurs verwende, stammen alle von einer Website namens pixabay.com. Es ist eine großartige Ressource für Künstler, weil es gebührenfrei ist, was bedeutet, dass Sie nicht für die Verwendung der Bilder bezahlen müssen, und es ist auch urheberfrei, so dass Sie sich keine Sorgen über rechtliche Auswirkungen der Verwendung dieser Fotoreferenzen machen müssen. Und wenn Sie auf die ursprüngliche Quelle für all diese Fotoreferenzen gehen, die ich benutze. Sie werden feststellen, dass sie ein bisschen anders sind als das, was Sie hier auf dem Bildschirm sehen. Das ist nur, weil ich sie zugeschnitten habe, so dass die Komposition ein wenig mehr im Einklang mit dem, was ich einmal. So können Sie sehen, dass ich jetzt, wo ich diese Mittelklasse-Bäume an Ort und Stelle habe, meinen Fön wieder benutzt hatte, nur um sie zu trocknen, denn jetzt möchte ich wirklich mit meinen härteren Kanten reingehen und etwas Textur schaffen. Und ich werde eine Menge Trockenbürste verwenden. Und das funktioniert zufällig sehr gut mit den dunkleren Werten, weil ich mehr Pigment auf meinen Pinsel laden möchte und nicht so viel Wasser auf meinem Pinsel haben möchte, so dass ich diese dunkleren Werte bekomme. Und ich werde auch in der Lage sein, mehr Textur zu erreichen. Es kann ein wenig schwierig sein, die Farbe von Ihrem Pinsel auf Ihr Papier zu übertragen , wenn Sie eine Trockenpinsel-Technik verwenden. Aber es ist nur eine Frage der vielleicht Zugabe ein wenig Wasser kann nur die Spitze Ihrer Bürste in das Wasser tauchen , so dass Sie genug Flüssigkeit bekommen, um diese Übertragung zu machen. Und Sie können auch hier sehen, hier habe ich nur ein bisschen Rot in diesen Mix hinzugefügt, nur damit ich diese Werte von diesen Mittelklassewerten ein bisschen besser unterscheiden kann . Und so können Sie hier sehen, dass ich bei dieser Trockenpinsel-Technik nicht viel Wasser auf meinem Pinsel habe. Und wenn ich viel Wasser auf meiner Bürste hätte, würde ich nur meinen Brüsseler auf ein Papiertuch blockieren , um etwas von dieser Feuchtigkeit zu entfernen. Und ich halte meine Bürste in einem sehr niedrigen Winkel. Und ich benutze das wirklich, um diese Stolpertechnik über den Rest des Gemäldes zu machen, damit ich eine schöne Textur bekomme. Ich möchte sicherstellen, dass ich beim Aufbau meines Gemäldes nie vollständig vertuschen werde diese bisherigen Wertenie vollständig vertuschen werde, weil ich sie natürlich aus einem bestimmten Grund angewendet habe. Sie sind wichtig. Aber wir wollen genug Variation und Schichtung schaffen, um ein Gefühl von Atmosphäre und Tiefe in unseren Gemälden zu vermitteln. Und Sie können hier sehen, dass wir auch ohne Farbe wirklich eine starke Botschaft bekommen können. Und Sie können beginnen, über die verschiedenen Techniken nachzudenken, die Sie in Ihrem endgültigen Gemälde verwenden möchten. Und Sie beginnen, einige der Probleme zu erarbeiten, die Sie mit dem Gemälde begegnen könnten. Es ist also wirklich toll, immer eine Wert- und Kantenstudie durchzuführen, bevor Sie einem Thema nähern, das Sie vielleicht ein wenig herausfordernd finden oder sicheinem Thema nähern, das Sie vielleicht ein wenig herausfordernd finden oder Sie sind sich nicht ganz sicher, wie es funktionieren wird. Und dann mache ich auch ein wenig Stolper- und Trockenbürste hier im Gras, nur um hier ein wenig Textur zu geben. Und es ist wirklich wichtig, wenn Sie Landschaften malen, vor allem zu beginnen, darüber nachzudenken, wie Sie verschiedene Effekte erzeugen, ohne in und versuchen zu malen. Zum Beispiel sind einzelne Blätter einzelne Zweige sind Grashalme. Also, was ich gerne tun, nur um ein wenig Textur hinzuzufügen und dieser Eindruck von Gras im Vordergrund ist nur ein wenig trockenes Bürsten oder Scrambling zu tun, um ein wenig Textur zu geben, bis diese Werte in der Ferne leichter sein und die Kanten viel weicher zu sein. Und während ich mich in den Vordergrund ziehe, kann ich mehr harte Kanten und meine dunkleren Werte verwenden. Und das gibt dem Gemälde viel Kontext und hilft wirklich, alles zusammen zu kommen. Hier können Sie das endgültige Gemälde sehen. Und obwohl wir wirklich nur blaues winziges Bit oder Lesen verwendet haben, kam es wirklich zusammen. 4. Projekt 2: Hazy Bäume: Und jetzt, da wir eine schnelle Wertestudie durchgeführt haben, lassen Sie uns voran gehen und versuchen, die gleiche Komposition mit Farbe. Also, was ich tun werde, ist ein wenig über das Zeichnen für Aquarellbilder zu sprechen , weil ich weiß, dass dies etwas ist , das neue Künstler sehr eingeschüchtert fühlen. Sie fühlen sich nicht so, als wären sie starke Schubladen. Sie sorgen sich, dass sie an ihren Zeichenfähigkeiten arbeiten müssen , bevor sie ins Aquarell kommen. Und vielleicht sind manche Leute einfach nicht sehr am Zeichnen interessiert. Nun, ich habe einige wirklich gute Nachrichten für Sie, weil wir oft besser dran sind, unsere Zeichnungen sehr locker und einfach zu haltenund nicht zu viel wir oft besser dran sind, unsere Zeichnungen sehr locker und einfach zu halten über Details zu arbeiten oder in der Lage zu sein , alles zu zeichnen, was wir denken, in eine gute Bemalung. Und ich hoffe, dass Sie gesehen haben, als wir durch diese Umfrage von Meister-Aquarellgemälden gegangen sind, dass die Zeichnungen wirklich sehr locker und sehr verzeihend in diesem Prozess sein können. Denn worauf wir uns wieder wirklich konzentrieren , sind die Werte, die Kanten. Und jetzt werden wir auch dazu kommen, einige sehr interessante Farben zu bauen. Wenn ich also eine Landschaftsmalerei in Aquarell mache, beginne ich meine Zeichnung normalerweise, indem ich die Horizontlinie finde, die einfüge und vielleicht die Hauptlinie finde, die den Himmel von einigen der anderen Themen trennt. Und ich mache es gerne ziemlich leicht, dass Sie hier sehen können. Und keine Sorge, wenn Ihre Bleistiftmarkierungen durch Ihr Aquarellgemälde zeigen, werden Sie ein Gefühl dafür entwickeln, wie viel Druck Sie mit Ihrem Bleistift im Laufe der Zeit anwenden. Und ehrlich gesagt, einige Leute wirklich mögen die Bleistiftmarkierungen durch es gibt ein wenig Struktur und hilft dem Aquarell Malerei nur sehr locker und einfach und entspannt fühlen. Und das wollen wir mit unseren Aquarellbildern wirklich erreichen. Nicht nur im Ergebnis des Gemäldes, aber wir wollen sehr entspannt sein und einen sehr leichten Geisteszustand haben, wenn wir Aquarellgemälde machen. Mach dir also keine Sorgen um die Zeichnung. Mach dir keine Sorgen, dass deine Bleistiftmarken durchscheinen. Und geh einfach zum Malerteil, denn deswegen sind wir hier. Ich denke. Also wieder beginne ich mit meinen leichtesten Werten und meinen weichsten Kanten, aber jetzt arbeite ich mehr mit Farben. Also ging ich voran und ich fand die hellste, hellste Farbe in dieser Komposition, die dieser kleine Streifen von Gelb am Himmel ist. Und so würde das die erste Säule für mich sein, die ich bewerben sollte. Und du hast gesehen, dass ich mein Papier gemacht bevor ich eine Farbe aufgetragen habe, nur um sicherzustellen, dass ich einen wirklich schönen weichen Rand zwischen all diesen Farben bekomme einen wirklich schönen weichen Rand zwischen all , damit dieser Himmel sich anfühlt, als ob er leuchtet und lebendig ist. Und auch wenn alles noch nass ist und ich werde voran gehen und die entferntesten Bäume hineinlegen. Und ich habe im Grunde ein schönes weiches Pastellviolett verwechselt. Und ich halte den Wert sehr leicht. Also habe ich viel Wasser in dieser Mischung. Und ich möchte, dass diese entfernten Bäume sich nur ein wenig mit dem Himmel verschmelzen. So können Sie feststellen, dass, wenn Sie nass in nassen Farben arbeiten, beginnen Sie, sich auf eine Weise zu verschmelzen, die Sie nicht erwartet haben oder einmal. Aber ich würde Sie ermutigen, die einfach gehen zu lassen. Denn je mehr du deinen Pinsel in dein Gemälde eintauchst und versuchst, diese Farben so zu verschieben , wie du denkst, dass sie gehen sollen. Je mehr Ihre Farben tatsächlich werden am Ende aussehen sehr schlammig und überarbeitet. Also, egal was passiert, verpflichten Sie sich, die Farben so zusammenfließen zu lassen, wie sie gut, denn ich garantiere, dass Sie am Ende vergessen werden, dass das jemals etwas war, das Sie nicht passieren wollten. Und Sie werden mit einer Menge dieser unerwarteten Mischungen enden , die Aquarellbilder so interessant machen. Also ermutige ich Sie wirklich, das loszulassen. Jetzt habe ich alle meine Lichtwerte an Ort und Stelle. Und Sie können sehen, dass ich eine schöne leichte Wäsche über die gesamte Zusammensetzung aufgetragen habe. Ich wollte nicht wirklich etwas Weißes dafür lassen. Und es gibt wirklich keinen Grund dazu, weil ich meine dunkleren Werte oben aufbauen werde. Und während diese Zeitung noch ein wenig nass ist, dann würde ich nicht sagen, was? Ich würde sagen. Vielleicht feucht. Ich werde weitermachen und ein paar dieser mittelgroßen Bäume reinlegen. Und wenn Sie sich an meiner Wertestudie erinnern, habe ich meinen Haartrockner benutzt und diesen ausgetrocknet bevor ich diese in diesem Wert stetig angewendet habe. Aber ich entschied von diesem Versuch und Irrtum Prozess der Durchführung dieser Wertestudie , dass diese tatsächlich besser als ein bisschen weicher gedient werden könnten. Und deshalb entschied ich mich, diese in zu legen , während mein Papier noch ein wenig nass war , so dass ich immer noch ein bisschen mehr Distanz aufgebaut und etwas mehr atmosphärische Perspektive. Und noch einmal, während das noch gut ist, werde ich voran gehen und anfangen, einige sattere Farben hinzuzufügen, einige etwas dunklere Werte in den Vordergrund, so dass ich meine Trockenpinsel-Technik darüber aufbauen kann. Und hier trockne ich das endlich, bevor ich in meine dunkelsten Werte komme. Also jetzt möchte ich viel Pigment haben, nicht viel Wasser in meiner Bürste, aber genug, dass ich wenigstens eine gute Abdeckung bekommen kann. Also versuche ich es irgendwie nur hier, nachdem ich das auf meinem Papiertuch abgetupft habe, möchte ich, dass einige dieser mittleren Werte durchscheinen, um ein Gefühl dafür zu geben , dass diese Bäume nicht vollständig feste Blöcke sind, aber vor allem, wenn sie näher an die Spitze kommen es wird ein wenig mehr zerbrochene Formen geben. Also verwende ich mehr von dieser Trockenpinsel-Technik oben an der Spitze der Bäume. Und dann, wenn ich auf den Boden des Baumes komme, wird es ein bisschen fester sein? Und so kann ich tatsächlich mehr Wasser auf meiner Bürste haben und größere Striche machen. Aber hier kann man sehen, dass ich meine Trockenpinsel-Technik mache bei der ich meinen Pinsel in einem sehr niedrigen Winkel halte, fast flach, fast parallel zur Maloberfläche. Und ich benutze einfach die breite Seite der Bürste, um kurze Schwungbewegungen zu machen. Einige dieser trockenen Bürste und Stolpertechnik. Und ich arbeite hart daran, meine Werte ziemlich dunkel zu halten , hinzugefügt viel mehr blau zu dieser Mischung. Während oben auf diesen dunkleren Bäumen, war es ein bisschen violetter. Und jetzt möchte ich näher an einem Schwarz arbeiten, also muss ich tatsächlich ein bisschen mehr Gelb einmischen. Denn denken Sie daran, wenn wir mischen Neutrale und Schwarze waren dabei, eine Kombination aus allen drei Primärfarben zu haben. Und wenn wir wirklich ein schönes sattes Schwarz wollen, dann wollen wir , dass sich diese Mischung etwas näher an Blau lehnt. Aber wir müssen auch etwas Rot und etwas Gelb drin haben. Und hier bin ich wieder, indem ich ein wenig stolpernde und trockene Bürste auf das Gras im Vordergrund auftrage, um ihm ein wenig Textur zu geben. Und Sie können hier sehen, dass die Dinge noch ein bisschen leicht sind. Aber wenn Sie den Himmel und dann die entferntesten Bäume bemerken, sind sie wirklich sehr schön miteinander vermischt und sie erzeugen eine sehr subtile atmosphärische Effekte. Also werde ich das noch einmal komplett trocknen, bevor ich mit meinem tiefsten dunkelsten Wert und meinen härtesten Rändern reingehe . Also werde ich mit Gelb anfangen, nur um sicherzugehen, dass ich genug davon drin habe. Es spielt keine Rolle, in welcher Reihenfolge Sie Ihre Farben mischen , wenn Sie versuchen, eine neutrale oder eine schwarze mischen. Aber ich denke, dass Sie etwas voraus denken wollen, ein wenig darüber, Sie das mehr von einem warmen braunen neutral sein müssen oder brauchen Sie dies, um ein kühles schwarzes neutral zu sein , denn das wird beeinflussen, wie viel von jeder Farbe Sie setzen in die Mischung. Also wollte ich eigentlich, dass das etwas wärmer wird. Deshalb begann ich mit meinem Gelb und meiner Fahrt und fügte dann etwas Blau hinzu. Damit dies etwas näher an die wärmeren Farben lehnen und ein bisschen mehr braun sein würde. Und das gibt auch einen schönen Kontrast zu den Bäumen, die meist violett im Mittelgrund sind. Hier ist, wo ich beginne, die solideren Formen in diesem Vordergrundbereich aufzubauen. Und Sie können hier sehen, dass ich mehr stolpernde, trockenere Bürste oben an der Spitze, wo dieser große Baum sein wird. Es ist jetzt nicht so dunkel, wie es sein wird, aber ich möchte leichter anfangen. Wenn du Aquarell malst. Wenn Sie sich über einen Wert nicht sicher sind, ist es immer am besten, auf der Seite zu irren, da wir mit Aquarell immer unsere Dunkelheit hinzufügen können, aber wir können keinen helleren Wert zurückbringen. Also ist es besser, wenn Sie einen Fehler machen wollen, den Fehler zu machen, die Dinge zu leicht, und dann können Sie es später bewerten und es bei Bedarf verdunkeln. Also wieder, ich möchte, dass die Formen ein wenig mehr zerbrochen sind in Richtung der Spitze dieser Bäume. Und dann, wenn es auf den Grund kommt, wo die Dinge ein wenig kondensiert sind , weil es eine Art Mischung aus kurzen Pflanzen mit den hohen Pflanzen gibt, so bekommen wir hier eine solidere Form. Aber Sie können sehen, dass, obwohl wir hier viel Farbe hinzugefügt haben und wir viele Neutrale verwendet haben, dass wir wirklich, wieder, effektiv kommuniziert diese Landschaft durch die Verwendung von primär Wert und Kanten. mache ein wenig mehr trockene Bürste unten unten, bevor ich das fertig bin, füge ein wenig mehr dunkel hinzu. Also hier bin ich einfach mit etwas Blau reingegangen und ich lege das einfach auf diese wärmeren Neutralen, nur um diesen Bäumen ein wenig mehr Tiefe zu geben , damit sie nicht ganz flach aussehen. Und jetzt schaue ich mich nur irgendwie um die Komposition herum, um zu sehen, ob es irgendwelche letzten Anpassungen gibt, die ich vornehmen muss, bevor ich das Band abziehe. Vielleicht nur ein bisschen trockener Bürsten, um diese Formen hier unten ein wenig fester zu machen. Aber das sollte es im Grunde sein. Dafür ist es wirklich wichtig zu beginnen, darüber nachzudenken, an welchem Punkt Sie aufhören möchten. Und genau wie bei all meinen Malkursen betone ich wirklich, dass Sie sich etwas Zeit von Ihrem Gemälde nehmen , wenn Sie anfangen, sich zweifelhaft darüber zu fühlen, ob es fertig ist oder nicht, kommen Sie mit frischen Augen darauf zurück und bewerten Sie es an diesem Punkt. Denn oft werden Sie feststellen, dass weniger mehr beim Malen ist. Und das Schlimmste, was zu tun ist, ist, ein Gemälde mit Aquarellen zu überarbeiten. Wir wollen sie auf jeden Fall sehr einfach und skurrlich und entspannt halten. 5. Projekt: Für unser nächstes Projekt möchte ich Ihnen zeigen, wie im Grunde der gleiche Ansatz für Aquarell auch dann gelten wird , wenn Sie eine Landschaft haben, die nicht so viel Tiefe und atmosphärische perspektivische Präsenz hat. Also werden wir diese schöne Herbstszene malen. Und wieder, diese Fotoreferenz ist von pixabay.com. Es wird in den Projekten verknüpft sein. Und Sie werden feststellen, dass ich hier etwas zugeschnitten habe, nur um die Komposition ein wenig einfacher zu machen. Viele Male, wenn wir malen, ist es nicht wirklich wichtig, wie erfahrene Sie sind. Viele Male, eine einfachere Komposition zu haben, wird besser sein und manchmal übersetzt das nicht auf Fotografien. Und so oft, wenn wir eine Fotoreferenz verwenden, ob Sie das Foto selbst gemacht haben oder Sie eine Website wie pixabay.com verwenden, werden Sie feststellen, dass Sie oft viel davon profitieren werden, indem Sie hineingehen und die Foto in eine Komposition, die ein wenig einfacher ist. Es wird Ihre Malerei besser übersetzen lassen. Es wird natürlich einfacher zu malen und leichter zu verstehen sein. Ich ermutige Sie, immer damit herumzuspielen. In meinem Gemälde hast du also gesehen, dass ich damit begonnen habe, mein Papier zu benetzen , und dann habe ich nach dem leichtesten Wert auf dem Foto gesucht, was ich auf dem Foto tatsächlich so aussieht, als wäre es weiß. Und viele Male mit Fotografien wurden ausgeblasen Bereiche, die aussehen, als wären sie weiß. Mit der Malerei wollen wir diese in der Regel in einen sehr leichten Wert umsetzen. Und so wählte ich ein sehr hellgelb. Und während ich mich in diesem Gemälde bewege, halte ich alle meine Kanten sehr weich und meine Werte natürlich sehr leicht. Aber ich bin auf der Suche nach einem kleinen Hinweis auf die Farben, die ich auf diesem Gemälde aufbauen werde. Und so genau in der Mitte des Gemäldes hast du gesehen, dass ich irgendwie eine schöne warme, neutrale Farbe vermische , fast ein Grau. Und dann darunter und als nächstes ein nettes neutrales Grün. Und dann unten unten, ist es eine sehr schöne erdige Orange. Und ich werde das komplett trocknen, bevor ich weitermache. Mit mehr rot und gelb hier, weil ich nicht nur den nächsten Wert betrachte, so irgendwie im Mittelwert, aber ich schaue auch an, welche Farbe wirklich das Zentrum dieses Gemäldes sein wird, der Fokus Punkte, und ich sehe natürlich eine Menge Orange und eine Menge Rot. Also fange ich mit meiner Orange an. Und Sie können hier sehen, ich benutze eine Art Kombination aus einem wenig Wasser in meinen Borsten. Aber während ich diesen Schlag nach außen schiebe, erlaube ich, dass dieser Schlag etwas trockener wird , so dass ich einige dieser schönen harten Kanten bekomme. Und das bringt viel Energie in das Gemälde. Und das ist etwas, das wirklich Spaß macht, denke ich, vor allem mit Bäumen und Laub. Beginnen Sie also mit etwas Wasser auf Ihren Borsten. Aber dann, wenn Sie den Pinsel über Ihr Papier bewegen, werden Sie natürlich etwas von dieser Feuchtigkeit verlieren. So lassen Sie einfach, dass der Strich in einen härteren Rand Stift eines Stolpers zerstreut. Ich werde das einfach ganz sorglos auf dem ganzen Bild machen. Ich habe mehr Gelb in diese Mischung hinzugefügt, um ein wenig Variation zu geben. Und ich bin nur auf der Suche nach Bereichen, in denen ich eine Menge von dieser wirklich schönen hellen Farbe hinzufügen kann. Also an dieser Stelle verwirre ich nicht wirklich irgendwelche Neutralen, aber es wird eine Menge Neutralen in diesem Bild insgesamt geben. Also, jetzt werde ich ein bisschen Grün vermischen. Ich möchte, dass es sich wirklich lehnt An dieser Stelle in Richtung Gelb, denn wenn ich dem Grün mehr Blau hinzufüge, wird es zu einem dunkleren Wert kommen. Und natürlich schaue ich im Moment nur auf mittlere Werte, aber Sie können definitiv sehen, dass ich viele dieser helleren Werte durchscheinen lasse. Und wenn du oben in der rechten oberen Ecke nachsiehst , wo ich die leichte Gelbe gewaschen habe. An dieser Stelle sieht dieser Bereich fast weiß aus, aber Sie werden sehen, wenn ich das Band am Ende des Malprozesses entferne , dass dies ein schönes leuchtend gelb ist. Es ist nicht ganz weiß, aber es gibt dass schöne leuchtende Eindruck von einem hellen Himmel in diesen Bäumen sind ein wenig hinterleuchtet. Also hier vermische ich mehr Neutralleiter. Ich habe etwas Blau in diese Mischung hinzugefügt und ich werde voran gehen und anfangen, ein paar Zweige leicht zu putzen. Und eine Sache, die ich gerne über das Bemalen von Bäumen erzähle, ist, dass man nicht versuchen sollte jeden Zweig und einen Zweig, den man in der Fotoreferenz sieht, zu kopieren, denn natürlich nimmt ein Foto alles auf und wir müssen das nicht kopieren. Also, was ich sagen würde, ist nicht zu viel Wasser in Ihrem Pinsel, aber genug für Sie die Farben oder fließen und verwenden Sie Art von scharfen, zaggedy Linien. Mach dir keine Sorgen wegen gerader Linien. Und lassen Sie diese Linien zu brechen, vor allem, wenn Sie an die Spitze des Baumes zu bekommen, kann es tatsächlich ein schönes Gefühl von Lichtern hier Bilder bringen oder haben diese zerbrochen, so dass Sie keine durchgehenden Linien brauchen. Und für diese Bäume, die mehr in der Ferne sind, kann man sehen, dass ich ziemlich viel Wasser in diese Mischung hinzugefügt habe , so dass sie sich ein wenig mit dem Hintergrund mischen. Das wird also einen sehr subtilen Eindruck von Bäumen in der Ferne geben , ohne zu viel Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen. Und hier füge ich nur ein bisschen mehr Blau hinzu, um diesen Wert ein wenig dunkler zu machen. Und ich mache ein wenig trockene Bürste unten unten wo wir einige dieser gefallenen Blätter haben, die sich ansammeln. Und das wird uns ein schönes Gefühl der Tiefe in diesem Gemälde geben, das, wissen Sie, weil wir all diese Bäume haben, die so nah am Betrachter sind. Es gibt nicht viel Tiefe in Bezug auf die Atmosphäre hier, aber wir können das schaffen, indem wir mehr von unserer Textur verwenden und härtere Kanten im Vordergrund stehen. Und dann in der Ferne, die wir verwenden, sind hellere Werte und sind weichere Kanten. Also wieder, diese Bäume, die mehr in der Ferne sind, Ich bin sehr vorsichtig, nicht zu haben. Sehr gesättigte Farben für diese, weil ich möchte , dass sie da sein, um ein wenig von dieser Textur in der Ferne zu geben. Aber ich möchte nicht, dass sie da hinten zu viel Kontrast hinzufügen, denn das wird unsere Aufmerksamkeit in die Ferne ziehen und ein Bild schaffen, das sich ein wenig chaotisch anfühlt. Also alles, was ich mehr in der Ferne male, werde ich einen leichteren Wert hinterlassen und es erlauben, nur irgendwie mit der Umgebung zu verschmelzen. Und wieder, als ich einige dieser Zweige male, mache ich mir überhaupt keine Sorgen darüber, die Bäume zu kopieren, die ich auf dem Foto sehe. Ich benutze nur mehr einen gestischen Ansatz. Also gehe ich einfach mit meiner Bürste rein und ich flick's. Ich erlaube der Farbe und dem Pinsel, genau das zu tun , was sie tun wird, und das wird natürlichere Markierungen schaffen. Dann, wenn ich versucht habe, jeden einzelnen Zweig, den ich sehe, akribisch in Kopie zu zeichnen. Und ganz ehrlich, füge ich viele Zweige in mein Bild ein, nur weil ich das Gefühl habe , dass die Fotoreferenz ein wenig in Bezug auf die Struktur dieses Gemäldes fehlt. Also fühlen Sie sich frei, einfach tun, was Sie wollen. Vielleicht möchten Sie Ihre Bäume minimaler halten und sich mehr auf das Laub und die Farben konzentrieren , indem Sie nur ein wenig von dieser subtilen Struktur in der Ferne haben wollen. Also, wenn ich mich zu den Objekten bewege , die mehr im Vordergrund dieses Gemäldes stehen, werde ich mehr Pigment zu meiner Mischung hinzufügen, also weniger Wasser, schwanger, viel mehr von meinem Blau, obwohl dies immer noch sehr stark auf die rote Seite lehnt. Bis jetzt füge ich hier viel Blau hinzu, ein bisschen mehr Rot. Und du wirst finden, weißt du, welche Farben du verwendest. Du wirst feststellen, dass eines deiner Pigmente viel stärker ist als all deine anderen Pigmente. Und in meinem Fall ist Rot sehr überwältigend. Also, selbst wenn ich ein wenig rot hinzufüge und es nimmt es wirklich auf die rote Seite dieser Mischung. Also, wenn ich möchte, dass es sein soll, sonst muss ich in diesem Fall normalerweise mehr Blau hinzufügen, damit ich diesen dunkleren Wert bekomme. Jetzt fange ich an, an den Baumstämmen zu arbeiten, die mehr im Vordergrund stehen. Also natürlich brauche ich diese, um viel dunkler, viel gesättigter zu sein. Und ich erlaube, dass die Kanten viel definierter und härter sind. Und es ist wichtig, diese Bäume einfach zu erden. Also füge ich ein wenig Schatten hinzu, wo sie sich mit dem Boden treffen, damit sie nicht so aussehen, als ob sie schweben. Und nochmal, beachte die Geste, die ich mache, wenn ich die Äste male. Das ist nicht etwas, das Sie vielleicht als Zeichnen denken. Also halte ich meinen Pinsel sehr locker, irgendwie zum hinteren Ende des Pinsels. Und ich ermutige Sie wirklich, dies zu tun, weil dies Ihre Schläge lockern wird. Und Sie werden tatsächlich mehr naturalistische Markierungen bekommen , indem Sie einen sehr lockeren Griff auf Ihrem Pinsel verwenden. Und ich habe nicht viel Wasser hier drin, also kann ich diese härteren Kanten bekommen, aber ich versuche nicht, diese Linien zu sehr zu kontrollieren. Und während ich mich auf die Unterseite einiger dieser Zweige und Stämme zu bewegen, werde ich mehr Blau dort verwenden, nur damit es sich ein wenig dunkler anfühlt. Und mach dir keine Sorgen, wenn nicht jeder Zweig, den du auf deinem Baum bezahlst , mit dem Stamm in Kontakt kommt. Denn wieder geht es nicht darum, die exakte Ähnlichkeit dieser Bäume zu kopieren. Es geht wirklich darum, die Geste der Bäume einzufangen und einen Eindruck und eine Textur zu erzeugen. Und auf diesem Baum, der auf der rechten Seite der Komposition vorbei ist, wird er von einigen Blättern, die davor liegen, ein wenig zerbrochen. Es ist also wirklich wichtig, dass ich keinedurchgehende Linie von der Unterseite der Komposition bis nach oben bezahle durchgehende Linie von der Unterseite der Komposition , weil ich den Eindruck erwecken möchte, dass es tatsächlich Blätter gibt, die diesen Baum überlappen. Also werde ich eine Menge gebrochener Linien in diesem Bereich benutzen, viel Stolpern. Und jetzt schaue ich mir einfach an und versuche zu überlegen , wenn ich noch etwas anderes tun muss, ist es wichtig, wieder einen Schritt von deinem Bild weg zu gehen. Machen Sie eine Pause, kommen Sie zurück und sehen Sie, wie Sie sich darüber fühlen. Denn es könnte getan werden, oder Sie könnten einige Bereiche sehen , die nur ein wenig mehr Verbesserungen benötigen. Also entschied ich, dass ich hier tun musste, war nur, einige dieser Gelbe aufzuhellen. Jetzt Aquarell von Kursen, ein sehr transparentes Medium. Also diese Gelben, die ich hier anwenden, während sie nass sind, es sieht so aus, als würde es einen großen Unterschied machen, aber wenn es trocknet , wird es sehr transparent in diesem Effekt wird viel subtiler sein. Ich werde einige Stolpern mit etwas Rot hier unten machen, weil ich weiß , dass ich ein paar dunklere Werte an der Unterseite brauche, so dass dieses Bild wieder ein schönes Gefühl von Tiefe und Textur hat. Und ich habe auch beschlossen, dass, weil ich all diese Orangen und Gelbe habe und ich brauchte ein wenig mehr Variation in den Blättern selbst. Also stolpere ich mit nur ein bisschen Rot hier. Und ich werde auch etwas mit dem Rot spritzen. Und das ist eine Technik, die wirklich Spaß machen kann, in Aquarell zu verwenden. Ich habe es nicht in der Basistext-Technik-Klasse behandelt, weil es nicht wirklich eine Möglichkeit gibt , es auf einem kleinen Quadrat zu demonstrieren. Sie können hier sehen, dass ich meine Bürste geladen habe. Es hat ziemlich viel Pigment und ziemlich viel Wasser darin, weil wir dieses Pigment brauchen , um irgendwie von den Borsten und auf das Bild abblättern zu können. Es ist also ein Gleichgewicht zwischen genügend Wasser und genügend Pigmente, damit es auftaucht. Und mit einer Szene wie dieser, wo wir viel Laub haben, Dies ist eine gute Möglichkeit, nur ein wenig mehr Textur in die oberen Teile der Bäume hinzuzufügen . Und Sie müssen einfach experimentieren, um zu wissen, wo das Wasser landen wird, wenn Sie spritzen. Und natürlich möchten Sie in einem Arbeitsbereich sein, in dem es Ihnen nichts ausmacht, dass die Dinge ein bisschen chaotisch werden. Aquarellfarben können sehr färbend und dauerhaft sein. Also, wenn Sie diese Technik machen, stellen Sie sicher, dass Sie nichts in der Nähe haben, das Sie nicht spritzen wollen, weil es ziemlich schwierig ist, genau zu kontrollieren, wohin die Gründer gehen. Und ich denke damit, und vielleicht nur ein wenig mehr Wert auf einige dieser Zweige, vor allem die Vordergrundzweige. Und eigentlich habe ich hier entschieden, dass dieser Zweig oder dieser Stamm nur ein bisschen dicker sein musste , weil ich nicht dachte, dass es genug Variationen zwischen der Dicke der Stämme gibt. Also habe ich dort ein wenig Dicke mit einem sehr dunklen Wert hinzugefügt. Und das nur ein bisschen mehr mit etwas Gelb neutralisieren. Geh einfach hier rein, es gibt ein paar Blätter in der oberen Ecke. Vielleicht hätte ich die auslassen sollen, aber du weißt schon, du triffst Entscheidungen im laufenden Betrieb und manchmal funktionieren sie und manchmal nicht. Also denke ich, dass dieses Bild insgesamt ziemlich gut funktioniert hat. Und das, denke ich, ist nur ein Teil davon zu wissen wann man aufhören soll und wann wirklich die Dinge gut genug aussehen, wenn man sieht , dass es Dinge in Ihrer Fotoreferenz gibt , die nicht unbedingt in Ihr Gemälde gehen müssen, damit es funktioniert. Also würde ich sagen, dass das dort der Fall war. Ich musste die letzten Striche nicht wirklich hinzufügen, aber du weißt schon, du tust, was du tust, und du lernst. Und insgesamt hat diese Komposition, glaube ich, ziemlich gut geklappt, und es ist ziemlich einfach. 6. Projekt 4: Grand Canyon: Nun, da wir einige einfachere Kompositionen gemalt haben, lassen Sie uns weitermachen und beginnen, uns einige komplexere Kompositionen anzuschauen, um zu sehen, wie wir all diese sehr einfachen Konzepte und Techniken verwenden können , um sie auf jede Komposition anzuwenden. Und für diesen hier werden wir den Grand Canyon malen. Und der Grand Canyon ist so ein großartiges Thema und Sie werden natürlich viele Künstler finden, die den Grand Canyon malen, idealerweise aus dem Leben, wenn Sie tatsächlich gehen und besuchen. Aber in unserem Fall werden wir nur eine andere Fotoreferenz von pixabay.com verwenden. Und wieder, wenn Sie sich die ursprüngliche Fotoreferenz ansehen, werden Sie sehen, dass ich das ziemlich viel beschnitten habe. Das war wirklich ein sehr Panoramablick. Aber der Grund, dass der Grand Canyon so erstaunlich für Farben ist, ist, weil wir so eine erstaunliche Aussicht auf so viel Entfernung haben . So können wir für Meilen und Meilen sehen, weil wir so hoch sind und wir haben einen sehr klaren Aussichtspunkt in der Regel. Und was wir bekommen werden, ist eine Menge wirklich starke atmosphärische Perspektive, die das Bild so interessant macht. Und die Farbvariationen werden sehr nuanciert und Spaß zu mischen und natürlich schön zu betrachten sein. Also wieder beginne ich mit einer sehr, sehr einfachen Zeichnung, wobei meine Formen im Vordergrund starr und zaggedy gehalten werden. So halten Sie meinen Bleistift natürlich sehr locker, genau wie ich es mit meinem Pinsel tue. Denn wieder, wir sind nicht wirklich für eine sehr enge Zeichnung oder seine Höhe Malerei gehen. Wir wollen es sehr skurrilen und leichtfertig halten. Also wieder, lassen Sie sich nicht zu in die Zeichnung einwickeln, finden Sie nur einige dieser grundlegendsten Kanten, die wir unterscheiden müssen. Und ich weiß, dass Sie es kaum sehen können, aber ich habe nur sehr leicht in der entferntesten Spitze der Schlucht mit Bleistiften. Und wieder, nicht versuchen, diese Form genau zu kopieren. Und ich denke, ein guter Weg, um sich in Schach zu halten, um sicherzustellen, dass Sie nicht zu sehr mit Genauigkeit in Ihrer Zeichnung beschäftigt sind, ist, dass die Fotoreferenzen nur ein Sprung aus Punkt für Sie. Die Leute werden in der Lage sein, auf Ihr Gemälde zu schauen und zu wissen, was Sie gemalt haben. Und sie werden nicht sagen, hey, weißt du, es gibt einen Winkel, den du nicht richtig verstanden hast , weil sie dir dein Bild ansehen werden. Sie werden nicht auf Ihr Gemälde als nächstes schauen, Fotoreferenz und vergleichen sie. Das ist einfach nicht das, was wir tun. Wir liebten Gemälde, weil sie von uns mit unseren Händen gemacht werden und sie haben diese Qualität für sie. Also werde ich weitermachen und anfangen, den Himmel zu malen. Es gibt eine Menge Cloud-Abdeckung hier hinten. Also möchte ich ein wenig Wertsteigerung in meinem Himmel. Also habe ich ein wenig leichtere Werte der oberen rechten Ecke dieses Skype. Also habe ich das ein bisschen leichter gelassen und dann ging ich mit mehr Violet's auf der linken Seite rein. Und jetzt, während das immer noch ist, werde ich nur sehr locker anfangen, in die Spitze der entferntesten Schlucht zu setzen. Ich werde zulassen, dass das einfach mit dem Himmel verschmilzt, wo immer es auch tun wird. Ich werde es einfach lassen. Mit mehr Pigment und weniger Wasser reingehen. Und das wird helfen, diese Kante nur ein wenig zu kontrollieren. Aber natürlich, weil alles nass ist, wird alles einfach miteinander verschmelzen und eine wirklich schöne weiche Fusion schaffen. Und jetzt schaue ich mehr auf die Kenianer, die ich sagen würde, ist im mittleren Bereich. Also haben wir eine Schlucht wirklich weit in der Ferne , die als ein bisschen mehr als ein blaues Violett lesen wird. Und dann im mittleren Bereich haben wir eine Schlucht, die etwas wärmer ist. Also fügte ich viel mehr Orange und Gelb hinzu. Also, aber wir werden es ein wenig neutralisieren, damit unsere gesättigtesten Farben im Vordergrund stehen, wo die Blickpunkte sind. Also wieder, diese sehr abstrakt, sehr locker zu halten, ist alles nur eine große Wäsche von Lichtwerten, weichen Kanten und hellen Farben an dieser Stelle. Und das wird die Grundlage dafür sein, worauf wir dieses Gemälde aufbauen können. Das ist also sehr wichtig, nicht zu versuchen, einzelne Elemente in der Malerei an dieser Stelle zu malen, sondern um das allgemeine Gefühl von weichen Kanten, hellen Farben, Lichtwerten zu erfassen . Und wirklich, selbst wenn die Dinge an dieser Stelle nicht so gehen, wie Sie dachten, dass sie sollten. Vielleicht verschmelzen einige Farben auf eine Weise, die Sie an dieser Stelle nicht unbedingt mögen. Das werden alle so Lichtwerte sein, dass sie am Ende nicht einmal auffällig werden. Jetzt habe ich gerade einen kleinen Tupfer Blau hier zu diesem entferntesten Canyon hinzugefügt, während dieser noch weich ist, so dass ich hier ein paar wirklich schöne weiche Kanten bekommen kann. Aber ich will das Blau nicht übertreiben, also muss ich es ziemlich leicht halten. Und ich werde ein paar Blüten bekommen. Und noch einmal, das ist nur eine andere Sache, die Sie vielleicht nicht planen. Aber ich würde sagen, lass es einfach passieren. Weil ich denke, am Ende des Gemäldes, vor allem, es wird nicht zu viel Aufmerksamkeit auf sich ziehen, und es wird viel Charakter zu Ihrem Gemälde hinzufügen. Jetzt, wo ich das ausgetrocknet habe, werde ich reingehen und ich werde einige dieser deutlicheren Kenianer ein bisschen mehr definiert von ich muss vorsichtig sein, dass ich meine Werte sehr leicht halte. Also viel Wasser in der Mischung, weil ich nicht zu viel Kontrast zwischen dem Himmel und diesen entferntesten Canyon-Rändern haben will . Denn wieder, das wird einfach zu viel visuelle Aufmerksamkeit in die Ferne ziehen und das scheinen lassen, als wäre es der Mittelpunkt wenn wir wirklich wollen, dass es für den Kontext da ist. Aber es ist nicht wirklich der Schwerpunkt. Im Vordergrund stehen dabei die Schwerpunkte. Also, jetzt füge ich einige wärmere Töne zu dieser Canyon-Seite in der Mitte hinzu, mache ein wenig trockenes Bürsten, nur um einige der Streifen aller Gesteinsformen zu erfassen . Und was ich wirklich für diese Schlucht tun muss , die irgendwie im mittleren Bereich ist, ist, dass ich sie jetzt neutralisieren muss. Es ist ein bisschen zu warm. Keine große Sache an diesem Punkt, weil wir über diese warmen Farben mit einigen neutralen Farben gehen und ein wenig Verglasung machen können , um diese etwas nach unten zu straffen. Aber das ist etwas, worüber ich an dieser Stelle anfangen muss. Denn wenn wir so viele Formationen haben, welche natürlich alle diese Schluchten im Wesentlichen aus den gleichen Materialien bestehen. Und so bekommen wir diese bläuliche, violette, trübe Farbe nur wegen der Partikel in der Atmosphäre, die sich zwischen dem Aussichtspunkt und diesen Klippen ansammeln. Und das ist es, was unsere Wahrnehmung der Farbe verändert. Und wenn wir malen, müssen wir daran denken, dass, obwohl all diese näher aus dem gleichen Material gemacht, und wenn wir auf einer anderen Klippe stehen, es sehr warm aussehen würde und irgendwie dass rötlich orange Farbe, genau wie der Vordergrund hier. Aber weil es so viele Partikel oder Moleküle der Atmosphäre, Sauerstoff zwischen uns und diesen Klippen gibt, wird das sein, was diesen schönen atmosphärischen Dunst erzeugt. Und so müssen wir sicherstellen, dass wir diese Farben entsprechend dem Konzept der atmosphärischen Perspektive neutralisiert halten . Und als ich mich jetzt in den Vordergrund ziehe, gehe ich mit einer wirklich lebhaften warmen Farbe, viel Gelb, ein bisschen Rot und nur ein bisschen Blau rein. Ich werde anfangen, ein bisschen von dieser Textur aufzubauen. Also würde ich diesen trockenen Pinsel nicht unbedingt nennen. Ich würde diese Art von nass auf Drive nennen, weil ich kein Stolpern mache. Aber ich erlaube, dass etwas von diesem leichteren Wert nur durchscheinen kann. Aber was ich hier tun muss, ist wirklich anfangen, diese lebendigeren, gesättigten Farben aufzubauen , so dass sie sich von den Klippen und den Schluchten unterscheiden , die mehr in der Ferne sind. Und etwas, das ich hoffe, dass Sie beginnen, als Muster zu bemerken , während wir durch all diese Bilder gehen , ist , dass wir die meiste Zeit und Mühe in den Bereichen des Gemäldes verbringen werden, die mehr der Schwerpunkte sind. Also, wo wir mehr visuelles Interesse wollen , dann werden wir wirklich die meiste Zeit verbringen. Und ich erwähnte das, weil es wichtig ist zu wissen, dass mit Teilen des Gemäldes, die nicht Ihr Schwerpunkt sind, sie vielleicht mehr in der Ferne sind. Es ist wirklich wichtig, sich davon abzuhalten mit diesen Bereichen zu viel zu fummeln, weil sie überlastet werden können. Und je mehr Zeit wir auf einem Bereich des Gemäldes verbringen, desto mehr Aufmerksamkeit wird auf sich nehmen weil wir im Grunde zu viele Informationen dahin gelegt haben. Also müssen wir sicherstellen, dass wir diese Bereiche wirklich mehr auf der Seite halten , dass sie rückgängig gemacht werden oder unvollendet werden. Und sehr leicht und nicht sehr viele visuelle Informationen in diesen Bereichen. Und dann in der Gegend, wo wir wollen, dass der Betrachter die meiste Zeit mit der Suche verbringen. Dort werden wir die meiste Zeit mit dem Malen verbringen. Also an diesem Punkt werde ich gehen. Alles, was in der Ferne und im Mittelgrund allein ist. Und ich werde den Rest meiner Zeit damit verbringen, im Vordergrund dieses Gemäldes zu arbeiten, interessante Texturen aufzubauen, einige schöne dunkle Werte. Und Sie werden auch bemerken, dass wir viele Pflanzen im Vordergrund haben, und ich habe noch nicht einmal angefangen, irgendwelche von denen zu malen. Und das liegt daran, dass ich mich wirklich mehr auf die Bereiche im Vordergrund konzentrieren möchte , die einen leichteren Wert darstellen. Natürlich sind diese Pflanzen so ziemlich alle ein dunkler Wert und so muss ich mich nicht um sie überhaupt kümmern, nur die Tatsache willen, dass ich in dunkleren Werten über all diese helleren Werte in der Aquarellmalerei malen kann . Was wiederum, ist wirklich die erstaunliche Sache über Verwendung eines transparenten Medium wie Wasserfarbe. Weil wir nicht alles im Voraus planen müssen. Wir können uns zuerst auf das große Ganze konzentrieren. Und dann, wenn wir durch das Gemälde fortschreiten, können wir mehr in die Details der Fertigstellung eingehen. Moment konzentriere ich mich auf den Aufbau der Chroma oder Sättigung all dieser Felsformationen im Vordergrund, wo der Aussichtspunkt ist. Und dann, nachdem ich all das an Ort und Stelle habe, werde ich voran gehen und anfangen, einige dieser kleineren Details hinzuzufügen. Also ging ich voran und ich habe das vollständig getrocknet, weil jetzt, wo ich eine Menge der Software-Kanten an Ort und Stelle habe, die ich einmal habe, ich werde anfangen, mehr Pigment, weniger Wasser zu verwenden und wirklich einige der Details hier in der Vordergrund. Das erste, was ich tun werde, ist, dass ich ein schönes gelbes Grün vermischen werde. Also viel gelbes Pigment, und wir müssen viel von diesem gelben Pigment verwenden, weil das Hinzufügen zu viel Wasser in das gelbe Pigment einfach dazu führt, dass das auf unserem Papier verschwinden wird, weil es zu leicht wird. Da ich also etwas Gelb auf einige dieser Features im Vordergrund setzen wollte , brauche ich viel Pigment. Und an diesem Punkt, nicht sehr viel grün, weil wir, tut mir leid, nicht so viel blau, weil wir mehr blau hinzufügen können, wie wir gehen. Wieder. Blau hat einen dunkleren lokalen Wert. Und so ist es wirklich wichtig, auf der Seite zu leicht für uns zu sein , weil wir mit den Dunkelheiten wieder eingehen können, aber wir können nicht wieder hineingehen und leichtere Werte mit einem Aquarellbild hinzufügen. So können Sie hier jetzt sehen, dass ich irgendwie blockiert in einigen der Pflanzen, die mehr im Vordergrund sind dort fangen ein wenig mehr Lichter. Und so werden sie ein wenig gelber sein. Ich habe die an Ort und Stelle. Jetzt habe ich ein bisschen mehr Blau zu dieser Mischung hinzugefügt und ich kann anfangen, an einem Teil des Pflanzenlebens zu arbeiten, das mehr in der Ferne ist. Und es wird etwas dunkler. Und dann das hier, das auch ein bisschen mehr im Vordergrund steht. Und Sie können sehen, dass ich Anpassungen von der Fotoreferenz auf mein Bild vornehme. Ich muss die Pflanzen nicht genau dort malen, wo sie sich befinden. Ich kann das ändern, um einer besseren Komposition willen. Das mache ich also und zog eine dieser Pflanzen wirklich den unmittelbaren Vordergrund, so dass es nicht so viel Leerraum genau da in diesem unmittelbaren Vordergrundbereich gibt. Und wie ich diese hinzufüge, würde ich nicht, wieder nannte dies eine Trockenpinsel-Technik, weil sie ziemlich viel Wasser in den Borsten haben. Aber das wird eine trockene oder es tut mir leid, eine nasse auf trockene Technik, so dass ich in der Lage bin, den Fluss des Wassers in der Farbe, die ich auftrage, zu kontrollieren , weil hier nicht viel Wasser ist. Ich habe viel Schmerz bei vielen Pigmenten und genug Wasser, um einen schönen Transfer von meinem Pinsel auf mein Papier zu bekommen. Aber ich bin an dieser Stelle nicht für eine Trockenpinsel-Technik. Ich werde wirklich an dieser Stelle beginnen. Und jetzt füge ich einige dunklere Wert zwei hinzu, die Unterseite dieser Pflanzen, weil das wird helfen, sie ein wenig mehr zu erden, so dass sie nicht unzusammenhängend aussehen oder wie sie schweben. Gibt ihnen ein wenig mehr Tiefe. Natürlich, sicher zu sein, die helleren Werte, die ich angewendet hatte, nicht zu überwältigen. Viele dieser Lichtwerte durchscheinen lassen. Also bin ich ein wenig minimalistischer mit diesen dunkleren Werten. Und oft, wenn ich einen dunkleren Wert für ein Objekt brauche, das grün ist, ist es eine gute Idee, tatsächlich viel mehr gelesen in diese Mischung hinzuzufügen , weil Rot die Komplementärfarbe von Grün ist. Und so werden wir einen schönen Kontrast zwischen den Grüns und dann diesen dunkleren Werten bekommen . Und es wird auch das Aussehen der Grüns zu steigern , um ein wenig Rot in der Mischung zu haben. Und hier fange ich an, ein wenig mehr trockene Bürste zu machen. Also gehe ich nicht sehr in mein Wasser. Nur genug, nur damit die Farbe formbarer ist und von meinem Pinsel auf mein Gemälde übertragen kann. Und ich gehe hinein und ich schaue auf einige der Spalten im Boden und wieder, füge ein wenig mehr Tiefe zu einigen der Pflanzen direkt an der Basis von ihnen, nur um ihnen ein wenig mehr von einem soliden Fundament zu geben. Und das ist der Punkt, an dem ich anfangen werde, Dinge zu bewerten , nur um zu sehen, ob ich wirklich genug Tiefe erreiche. Und wenn nicht, weißt du, beginne darüber nachzudenken, was ich tun kann, um das zu überwinden. 7. Projekt 5: Sonnenaufgang über den See: An diesem Punkt hoffe ich wirklich, dass Sie beginnen zu sehen, dass, egal wie komplex das Thema auch erscheinen mag, es wirklich eine Frage der Anwendung dieser sehr grundlegenden Techniken ist, die wir bereits gelernt haben. Und dann diese Konzepte der Wert- und Kantenkontrolle, die wirklich machen oder brechen Sie Ihre Malerei. Und wenn Sie anfangen, über das Gemälde nachzudenken, das Sie in Bezug auf den ersten Wert und die nächste Kante tun möchten . Ich denke, dass Sie feststellen werden, dass Sie sehr leicht jede Angelegenheit vereinfachen können. Also für dieses Projekt möchte ich eine Komposition machen, die ein wenig komplexer erscheinen könnte , nur weil es einige menschliche Subjekte darin hat. Und ich möchte Ihnen im Moment zeigen, wie einfach Ihre Zeichnungen sein können. Also werde ich nicht reingehen und versuchen, Ticulate meistens die exakte Form des Bootes oder der Leute zu kopieren. Ich betrachte im Grunde die Größe des Bootes und seine relative Form. Und dann sogar für die Leute, was ich im Grunde einen kleinen Kreis haben werde , wo der Kopf sein wird und dann, wo der Körper ist. Es wird nur ein Rechteck sein. Und ich werde das nur in der Art, wie der Körper unsere Position ist, und das wird wirklich sein, die Arme sind wirklich nichts mehr als nur ein paar Linien. Und was ich am Hinzufügen von Figuren zu einem Gemälde liebe, besonders wenn die Figuren irgendwie in der Ferne sind, ist, dass wir mit sehr einfachen Markierungen wirklich den Eindruck von Menschen erzeugen können, und wir können ihnen sogar eine Handlungssinn sehr leicht. Und wir müssen uns keine Gedanken darüber machen, dass ein detailliertes oder intimes Wissen der menschlichen Anatomie haben, um das abzuziehen, es ist sehr, sehr einfach. Und wir wollen das sehr locker halten, denn das gibt dem Bild viel Leben. Ich hoffe, dass Sie diese Zahlen sehen können, wie einfach sie gezeichnet werden. Ich bin nicht reingegangen und habe kleine Krümmungen gezeichnet , um anzuzeigen, wo ihre Muskeln sind oder so etwas. So sehr, sehr einfach. Und dann wieder, für einige dieser primären Bruchpunkte, wo wir einige Kanten haben, bin ich sehr, sehr locker und ich kann ein wenig dunkler und schwerer mit meinem Schlag an den Rändern, wo der Wert am dunkelsten sein wird. Und wenn ich mich zurückziehe, kann man sehen, dass ich einen viel leichteren Strich benutze, weniger Druck auf meinen Bleistift, so dass diese Linien nicht zu dunkel sind. Ich werde nicht im Kreis für den Sohn zeichnen. Ich werde Ihnen stattdessen zeigen, ich denke, eine einfachere Möglichkeit, so etwas zu malen, anstatt den Kreis zu zeichnen und dann zu versuchen, um diesen Kreis zu malen. Also, was ich tun werde, ist, dass ich mit einem wirklich schönen mutigen Hauch von Gelb anfangen werde . Und als ich damit anfing, versuchte ich tatsächlich einen Kreis zu malen, aber dann wurde mir klar, dass ich das nicht tun muss. Also werde ich im Grunde nur etwas von dem Gelben nehmen und einfach da gehen wir. Machen Sie einfach ein Chaos direkt da, weil ich das mit diesem schönen leuchtend Orange umhergehen werde . Das Wichtigste hier ist, dass, wenn Sie einen schönen harten Rand wollen , um anzuzeigen, wo Ihr Sohn ist, Sie müssen zuerst das Gelb trocknen, damit Ihre Orange nicht in das Gelb blutet. Aber ganz ehrlich, du könntest in beide Richtungen gehen. Du könntest da einen schönen weichen Rand haben. Und dieser Sohn würde nur ein bisschen verschwommener aussehen und es würde immer noch sehr, sehr schön aussehen. Also, was ich hier getan habe, ist, dass ich nur ein bisschen Rot zu diesem Gelb hinzugefügt habe. Es ist immer noch ein sehr leichter Wert. Und was ich am Ende herausfinden werde, ist, dass es fast zu leicht von einem Wert ist. Ich brauche mehr Kontrast zwischen diesem orangefarbenen Himmel und der schönen leuchtend gelben Sonne, um wirklich dieses Gefühl von Licht zu schaffen. Aber das wird vorerst tun. Wieder, wie ich bereits gesagt habe, ist es immer besser in der Aquarellmalerei, auf der Seite des Lichtes zu irren, denn wir können das immer mit lebendigeren Farben, dunkleren Werten sehr, sehr leicht übergehen . Also hier habe ich ein bisschen mehr rot hinzugefügt, aber ich werde für eine allgemeine Berichterstattung über diese ganze, ganze Komposition gehen , weil ich wirklich darüber nachdenke, dass alles wirklich in diesem schönen warmen Licht sonnen. Also werde ich die ganze Komposition durchgehen. Die Zahlen werden ein dunklerer Wert sein. Also, natürlich muss ich keinen Platz für sie lassen, weil ich den dunkleren Wert direkt auf all diese helleren Werte anwenden kann. Und ich füge sogar ein wenig Blau in diese Mischung für diesen Bereich des Himmels, der etwas weiter von der Sonne entfernt ist. Wieder, nur um ein wenig Variation zu geben, denke ich nicht, dass es notwendig ist, zu versuchen, hineinzugehen und die gleichmäßigste Abdeckung über das gesamte Gemälde zu haben. Ich denke, eine Menge Leute Stress darüber. Ein bisschen zu viel. der Lage, eine schöne gleichmäßige Wäsche zu erreichen. Aber in der Natur sehen wir das fast nie. Wir sehen immer ein wenig Verschiebungen der Farbe, Variationen im Wert. Ich denke, es ist wichtig, nur sehr experimentell zu sein, besonders in diesem Stadium des Gemäldes, wo alles wirklich unverbindlich ist. Wir können viel Spaß haben und sehr locker in dieser Phase des Gemäldes sein. Und es wird keinen großen Einfluss auf das Endergebnis haben. Und die Auswirkungen, die es hat, finde ich normalerweise, dass es universell positiv ist. Also jetzt gehe ich mit einem etwas dunkleren Wert für die entferntesten Bäume, die irgendwie oben auf einem entfernten Hügel da hinten sind. Hinzugefügt ein bisschen mehr Blau da drin. Aber wieder, typischerweise mit atmosphärischer Perspektive, was wir sehen werden, ist, dass die Objekte im Hintergrund einen kühleren oder mehr blauen Ton zu ihnen haben . Aber das gilt vor allem für Tagesgemälde. Für ein Gemälde wie dieses, wo es am frühen Morgen ist, geht die Sonne auf und der Himmel ist sehr warm. Dinge in der Ferne werden den gleichen warmen Ton haben. Also wollen wir nicht mit einem Bündel Blau für die entfernteren Bäume dorthin zurückgehen , weil das tatsächlich einen großen Kontrast zwischen dem orangefarbenen Himmel und dann einigen blauen Bäumen schafft. Und das wird, wieder zu viel Aufmerksamkeit in die Ferne lenken, zu viel von einem unbeabsichtigten Brennpunkt zu schaffen. Und es wird sich ein bisschen peinlich anfühlen. Es ist also wichtig zu bemerken, dass es beim Malen einige allgemeine Prinzipien gibt. Wie ich schon sagte. Im Allgemeinen werden die Dinge in der Ferne mit atmosphärischer Perspektive ein blaues, trübes Aussehen haben. Aber das wird nicht wahr sein, wenn wir einen Sonnenaufgang oder Sonnenuntergänge malen. Und wenn ich mich näher an die mittelerdigen Bäume herankomme, gehe ich einfach ein bisschen mehr mit diesem Violett lasse dort viele Rottöne zurück. Wieder, weil wir wollen, dass diese Bäume aussehen, als ob sie sich in diesem schönen warmen Morgenlicht sonnen . Wenn du wieder auf meinen Sohn schaust, kannst du sehen, dass es jetzt tatsächlich einige Blüten gibt, weil ich versucht habe, mit etwas weißer Farbe um die Sonne zu gehen, also gibt es Bloom's erscheint. Ich will die nicht unbedingt, aber ich werde mir darüber keine Sorgen machen. In der Aquarellmalerei müssen wir einfach die Dinge passieren lassen, wie sie gehen. Denn je mehr wir mit unserem Pinsel wieder reingehen und versuchen, Dinge auf eigene Faust zu manipulieren, desto mehr werden wir schlammige Farben bekommen. Und es gibt fast immer ein Heilmittel für jedes Problem, auf das Sie stoßen könnten, dass Sie wirklich das Gefühl haben, wird ein Problem sein. Leider, weil ich meinen Himmel zum Licht eines Wertes gemalt habe, muss ich tatsächlich mit einem lebendigeren rötlichen Orange über den ganzen Himmel zurückgehen. Also, jetzt habe ich alles vollständig trocknen lassen und ich kann wieder reingehen und das Schild neu definieren. Und weil ich diese helleren Werte mit einem dunkleren Wert übergehe , der viel mehr Chroma oder Sättigung enthält. Es ist sehr einfach, diese Kanten neu zu definieren und Sie werden diese Blüten nicht einmal mehr bemerken. Im Vergleich dazu, wie ich diesen Kerl vorher gemalt habe, scheint das wirklich dramatisch zu sein. Aber ich erkannte, dass ich, um dieses schöne Gefühl der Leuchtkraft im Zeichen zu schaffen, wirklich so viel Kontrast haben muss. Also werde ich hier sehr mutig und sehr experimentell sein. Ich werde einfach über den ganzen Himmel glasieren mit dieser Mischung, die meistens rot ist, klein klein klein gelb. Und dann, wenn ich mich zu den äußeren Rändern des Sohnes bewege, werde ich noch mehr Sättigung des Lesens in diese Farbe hinzufügen. Und da alles noch nass ist, wird es nur ein paar wirklich schöne Fusionen schaffen. Und dann als eine Bewegung in Richtung des Randes des Gemäldes weiter weg von der Sonne, habe ich nur ein bisschen mehr Blau hinzugefügt, um ein wenig Variation zu geben. Und jetzt, da ich den Himmel neu angepasst habe, muss ich auch die entferntesten Bäume neu ausrichten. Also einfach wieder da rein mit einem etwas dunkleren Wert und Verglasung direkt über diesen Bäumen. Und weil diese Komposition den eigentlichen Sohn enthält, muss der Himmel um ihn herum ein dunklerer Wert sein, und das wird den Wert des gesamten Gemäldes ein wenig mehr in Richtung der dunklen Kante schieben . Wenn ich also zu den Bäumen komme, die dem Aussichtspunkt am nächsten sind, werde ich wirklich viel Mühe geben müssen, um den Wert aufzubauen. Es ist also dunkel genug, um zu geben. Es kontrastiert dazwischen. Es ist selbst in dieser Art von Mittelklasse-Bäumen hier, die Sie jetzt sehen können, ich male ziemlich dunkel. Ich erlaube, dass diese Kanten ein bisschen weich sind. Ich habe das nicht getrocknet, seit ich die entferntesten Bäume gemalt habe, also werden diese irgendwie sehr schön miteinander verschmelzen. Und jetzt muss ich auch das Wasser haben, das der Intensität des Himmels entspricht. Und das ist etwas, was ich denke, wenn man Wasser malt , das sich ein wenig einschüchternd anfühlt. Viele Male fühlen sich die Menschen, besonders wenn es eine Reflexion im Wasser gibt, dass sie ein exaktes kopfüber Duplikat von allem erzeugen müssen, was reflektiert wird. Aber ich möchte, dass du an das Wasser denkst , so dass du es so malen wirst, wie du den Himmel malen würdest. Und so wird es im Grunde nur eine Nachbildung dessen sein, was wir am Himmel sehen, besonders wenn es noch Wasser ist wie das, was wir hier haben. Also werde ich versuchen, diese Intensität der Farbe ins Wasser zu passen. Und während das trocknet, werde ich weitergehen und anfangen, an einigen der dunkleren Werte zu arbeiten. So viel Blau, viel Rot, winziges bisschen Gelb, um es zu neutralisieren. Es ist also nicht nur komplett violett. Und dann werden wir sehen, ob das ein dunkler Wert sein wird. Natürlich möchte ich sicherstellen, dass alles wirklich trocken ist, denn hier ist wo ich möchte, dass einige meiner härteren Kanten ein wenig mehr gelb hinzufügen , weil ich schon sagen kann, dass ich diese Farbe und Wert ein wenig mehr unterscheiden muss von diesen mittleren Bäumen. Und das wird hier eine kleine Herausforderung sein. Also werde ich eine Menge Pigmente verwenden müssen. Dies wird im Grunde eine Basisschicht sein, und ich werde einen Wert darüber aufbauen müssen. Und das ist wieder eine andere tolle Sache über Aquarell. Damit wir irgendwie eine Basisschicht erstellen können. Wir sind vielleicht nicht in der Lage, so dunkler Wert zu bekommen, wie wir sofort brauchen, aber wenn wir auf unser Pigment schichten, wir in der Lage sein, ein schönes Gefühl für einen dunklen Wert zu schaffen , nur indem wir Pigment auf Pigmente schichten. Und oben an der Spitze dieser Bäume erlaube ich ein bisschen mehr von dieser Trockenpinsel-Technik, durch zu kommen und ein paar schöne gebrochene Linien für die Spitzen dieser Bäume zu schaffen. Und so werde ich nicht über Bord gehen in Bezug auf all das Pflanzenleben, das wir sehen können, durch das Wasser stochern. Aber ich möchte ein wenig einen Sinn für dieses Pflanzenleben geben. Und so benutze ich einen trockenen Pinsel, nur um etwas davon hinzuzufügen, nicht alles, was ich auf dem Foto sehe, sondern nur ein paar Hinweise darauf, wo einige dieser großen Gräser durch das Wasser zeigen. Denn das denke ich, gibt viele wirklich schöne Kontexte. Und ich warte auch nur darauf, dass diese Vordergrundbäume fahren, so dass ich etwas mehr Pigment einlegen und den Wert dort intensivieren kann. Also werde ich voran gehen und die gleiche dunkle Mischung verwenden , um den Bogen in den Figuren zu blockieren. Und eine Sache, die Sie vielleicht bemerken, ist, dass, wenn Sie sich die Fotoreferenz genau ansehen, die Ihnen wieder im Projektbereich zur Verfügung gestellt wird. Sie können feststellen, dass die Farbe des Bogens gelb ist. Aber das bedeutet nicht, dass wir reingehen und das Gelb malen, weil die Sonne in der Ferne ist, wir bekommen einen hintergrundbeleuchteten Effekt auf diese gesamte Komposition, was bedeutet, dass das Boot tatsächlich erscheinen wird dunkler im Wert als das, was ein Gelb erlauben würde. Also werden wir das Boot nicht gelb malen. Aber ich denke, dass das sehr verwirrend sein kann, weil wir in der Lage sind, das zu betrachten und zu sehen, dass es gelbes Boot ist. Aber das übersetzt sich nicht unbedingt in seine tatsächliche Farbe. So ist es die tatsächliche Farbe ist nicht die gleiche wie seine lokale Farbe. Die lokale Farbe ist gelb, aber die tatsächliche Farbe, weil es ein wenig wie eine Silhouetten ist, wird viel dunkler als das, was wir malen könnten, ein Gelb zu b. ein Gelb zu b. Fahren, nur gehen über sie mit mehr Pigment, mehr trockenes Bürsten, nur um zu beginnen, dass dunklere Werte , so dass wir die entsprechende Menge an Kontrast zu bekommen. Und Sie können sehen, dass ich die Zahlen im Boot und das Boot selbst an dieser Stelle sehr unvollendet gelassen habe, weil ich nur diesen Bereich blockiere. Und an dieser Stelle versuche ich nur zu überlegen, wie man sich einigen dieser Farben nähert. Zum Beispiel, die Fischer auf dem Boot oder tragen Rettungswesten, sie sind sehr leuchtend rot. Ich weiß nicht, dass ich sie unbedingt diese leuchtend lebendige rote Farbe malen möchte , weil ich wirklich möchte, dass der Schwerpunkt auf den Figuren als Ganzes liegt und nicht auf der Farbe ihrer Westen. Und jedes Mal, wenn wir menschliche Figuren zu einer Komposition hinzufügen, werden sie automatisch zu den Schwerpunkten, auch wenn sie sehr, sehr klein und nicht detailliert sind. Das ist nur die Art, wie unser menschliches Gehirn funktioniert. Wir werden menschliche Formen aussuchen, und das wird eine Menge unserer Aufmerksamkeit anregen. Es ist wichtig, das im Hinterkopf zu behalten. Und ich denke, das wird dir helfen, auch nicht das Gefühl zu haben, dass du hineingehen und ein sehr detailliertes Gemälde dieser Figuren erstellen musst. Denn gerade diese allgemeine Form einer menschlichen Form wird unsere Aufmerksamkeit anregen und unser Gehirn kann das einfach automatisch lesen und verstehen, was vor sich geht. Dass da ein menschliches Element drin ist und das die meiste Aufmerksamkeit antreibt. Und unser Gehirn wird das nur als wichtige Information lesen, weil es die allgemeine Form des Menschen ist. Also müssen wir uns definitiv keine Sorgen machen, viele Details hinzuzufügen oder zu viel Aufmerksamkeit auf diesen Bereich zu lenken. Weil wir wollen, dass es hier als eine Art Erzählung liest. Wir wollen mehr über das Gefühl oder die Stimmung des Gemäldes nachdenken, dann über ein detailliertes Porträt zweier Fischer, die früh am Morgen ausgehen. Also, das ist nur eine Erinnerung, um Ihren Geist irgendwie auf das große Bild zu halten und nicht zu in diese Details eingewickelt zu werden. Also, jetzt haben wir im Grunde die Fischer an Ort und Stelle. Ich könnte noch ein paar Anpassungen an ihnen vornehmen, wenn wir gehen. Eine Sache, die ich zu tun habe, ist, diese Küste hier zu trennen , so dass sie nicht ganz direkt über ist. Also hier drüben auf der linken Hand, es nur ein wenig runter zu bringen, so dass wir mehr von einer gebrochenen Küstenlinie haben, nicht nur eine gerade Horizontlinie. Und ich erkannte auch, dass wir in vielen anderen Gemälden, die ich für diese Klasse gemacht habe, nur eine gerade Horizontlinie hatten, außer vielleicht das Grand Canyon Gemälde. Also wollte ich das nur ein bisschen aufbrechen es ein bisschen runterbringen. Und jetzt werde ich ein bisschen mehr von einem dunklen Pigment hinzufügen. Also nur ein paar Bereiche der Fischer, vor allem die Köpfe und dann die Arme, und dann einige Details in den Rettungswesten. Weil ich denke, dass das ein bisschen mehr Kontexte gibt , dass das Rettungswesten sind und nicht nur rote Hemden. Also denke ich, dass wir das an dieser Stelle erledigen werden und wir gehen weiter und schauen uns einfach genauer an, wie sich das herausstellte. Und ich hoffe wirklich, dass Sie sehen können, dass, obwohl alles, was wir getan haben auf all den einfachen Techniken basiert , die wir im ersten Teil dieser Serie gelernt haben. Und dann konzentrierten wir uns auf unsere Werte und unsere Grenzen. Wir waren in der Lage, ein sehr vollständiges Bild zu vermitteln. Und das menschliche Element macht eine Komposition einfach automatisch ein wenig interessanter für uns Menschen, und fügt der Gesamtkomposition ein Gefühl des Geschichtenerzählens hinzu. Fühlen Sie sich also nicht eingeschüchtert, kleine Figuren im Vordergrund oder gar im Mittelgrund Ihrer Bilder hinzuzufügen . Sie müssen sicherlich kein Experte für menschliche Anatomie sein um im Grunde ein wenig Strichfiguren in Ihr Bild zu bringen. Und das schafft so viel Kontext und macht das Gemälde einfach so viel interessanter. 8. Schlussbemerkung: Vielen Dank, dass Sie diesen Kurs besucht haben. Ich weiß es wirklich zu schätzen. Ich hoffe wirklich, Ihre Projekte in Gemälden im Projektabschnitt dieses Kurses zu sehen. Und wieder, wenn Sie Fragen haben oder eine weitere Klärung benötigen, zögern Sie nicht, alle Fragen zu posten, die Sie im Diskussionsbereich dieses Kurses haben. Und denken Sie daran, meinen Katalog von anderen Malkursen hier auf Geschicklichkeitsbeteiligung zu überprüfen, werden Sie eine Menge Informationen finden und ich füge immer neue Kurse hinzu, also achten Sie darauf, mir zu folgen. Und wie immer, glückliche Malerei.