Composição para ilustradores: como expressar ideias com história, estrutura e estilo

1. Trailer: Essa classe é chamada de Composição para ilustradores. É sobre como organizar as coisas em nossa arte, para que fique ótima, conte a história certa e tudo pareça se encaixar perfeitamente na página Atualmente, não há aulas que ensinem composição diretamente para ilustradores da maneira específica que eu ilustro, que é em um estilo gráfico mais plano, em vez em uma forma mais tridimensional ou realista Eu criei essa aula para ajudar a tornar as regras de composição mais fáceis de entender e, o mais importante, para torná-las mais fáceis de usar. Esta aula é para quem quer finalmente entender o que diabos é a composição e como ela funciona Meu nome é Sr. Tom Rose. Sou uma ilustradora premiada e uma das melhores professoras do Skillshare Se você quiser se tornar mais confiante e magistral em suas composições, fiz esta aula para Espero que você se junte a mim no Skillshare. Te vejo na aula. 2. Sobre o curso e o projeto: Esta aula é sobre composição para ilustração. Se você é ilustrador e quer aprender mais sobre composição, esta aula é para você Esta aula é baseada em minha própria abordagem de ilustração. O que é mais plano e gráfico e não é tão realista ou tridimensional. Preciso dessa aula porque sempre achei ensino tradicional de composição opressor E muito disso é baseado em uma abordagem mais fotográfica ou realista Meu objetivo com esta aula é tornar a composição o mais fácil de aprender possível e começar a usar o que você aprende o mais rápido possível. Ao fazer este curso, você aprenderá como a composição funciona para ilustradores, especialmente aqueles que trabalham de uma forma gráfica mais estilizada Quais são os princípios mais importantes a serem aprendidos e como eles podem ou não ajudá-lo a criar uma arte melhor. Você também aprenderá apenas duas grades simples para dar mais estrutura às suas composições Obviamente, você poderá juntar tudo isso no projeto final, uma série de seis selos ilustrados com base no país e no tema de sua escolha Em termos de requisitos, você receberá este curso se for um ilustrador iniciante ou imediato, ter alguma experiência em trabalhar com ilustração de alguma forma e conhecer as ferramentas definitivamente ajudaria Mesmo que você tenha mais experiência, talvez aprenda muito nesta aula se você tende a trabalhar em um estilo mais realista. Claro que todos são bem-vindos. Se você não tem experiência ou muitos, muitos anos. Eu acredito que você vai aprender muito nesta aula. Não importa o que aconteça. Isso não é uma aula técnica. Não vou te ensinar todas as etapas do meu processo de ilustração no projeto. Na verdade, trata-se dos princípios em si e de como aplicá-los. No entanto, se você estiver curioso sobre minhas ferramentas e técnicas de processo, vou compartilhá-las em um rápido tutorial para mostrar os pincéis e as técnicas básicas que estou usando no Photoshop No projeto da aula, a turma é dividida em duas partes, a cartilha e o projeto Na cartilha, você aprenderá sobre composição uma forma mais teórica em uma série de aulas. No final de cada aula, incluí exercícios curtos chamados Experimente isso Eles são totalmente opcionais, mas são uma chance de você se aprofundar um pouco mais em cada assunto antes de prosseguir com o próximo. Então, é claro, no projeto você poderá colocar tudo o que aprendeu nas aulas. Eu acho que você vai se divertir muito com este agora. Não me interpretem mal, só porque são pequenos selos, não significa que seja um pequeno projeto Sua tarefa é criar seis tipos diferentes de composições Então, essa vai te levar até o limite, mas se você se esforçar, você será recompensado com um belo conjunto de ilustrações para compartilhar na página de projetos da turma E, claro, onde quer que você compartilhe nas redes sociais. Certifique-se de usar a composição da hashtag para ilustradores ao fazer isso 3. O que é composição?: Simplificando, composição é juntar um monte de coisas diferentes para criar algo novo. Uma cadeira, por exemplo, é uma composição feita de diferentes peças de madeira e metal. Um sanduíche é uma composição feita de dois pedaços de pão e algum tipo de ingrediente entre eles que não são pão A ideia única do sanduíche aparece magicamente quando os vários ingredientes finalmente se juntam Para ilustradores, composição significa criar uma ilustração, uma imagem feita a partir de várias marcas, símbolos e ideias Juntamos todas essas coisas para fazer uma imagem que conta uma história, transmite uma mensagem, que nos faz sentir algo Uma imagem singular emerge de todas essas partes separadas, e essa é a composição O difícil para muitos de nós é saber como fazer composições melhores em nossa arte Parece que todos nós percebemos quando uma composição funciona ou não. Mas quando se trata de fazer uma composição funcionar de propósito, nem sempre é tão fácil. Na história da arte, EH Gombrich escreve essa pequena anedota e qualquer pessoa que tenha tentado arrumar um buquê de flores experimentou essa estranha sensação de equilibrar essa estranha sensação Sem sermos capazes de dizer exatamente que tipo de harmonia ele está tentando alcançar, sentimos que uma mancha vermelha aqui pode fazer toda a diferença. Ou esse azul está bem por si só, mas não combina com os outros. E então, de repente, um pequeno caule de folhas verdes pode parecer fazer com que apareça, certo? Não toque mais, exclamamos. Agora está perfeito. Isso é exatamente o que muitos de nós pensam sobre composição. Isso é algo em que só precisamos trabalhar até que pareça certo. Mas se fosse esse o caso, não há nada que eu possa te ensinar e seria inútil que você fizesse essa aula Obviamente, existem muitos ensinamentos sobre os princípios da composição. Mas o grande problema é que existem muitos princípios vagos e é difícil reuni-los todos de uma forma que os torne fáceis de entender e usar. Essa definitivamente tem sido minha luta. Eu vejo todos os princípios diferentes que existem, como equilíbrio, unidade e harmonia, e muitos deles parecem tão abstratos. Tipo, qual é a aparência da união? Eu posso ver como alguns princípios funcionam quando são apontados para mim, mas eles não me orientam na tomada decisões no meu processo criativo. Agora, na citação de Gombrich que acabei de ler para você, há uma pista sobre o que precisamos fazer com esse problema Ele descreve essa experiência de não saber exatamente o que está tentando alcançar. Conseguir é a palavra-chave aqui. Essa é uma ótima pergunta. O que ele está tentando alcançar? Essa é a maior pergunta que podemos fazer. Quando se trata de elaborar nossas próprias composições. Entendemos que a composição existe e sabemos o que ela significa. Você já deve saber muito sobre a teoria da composição, mas está se perguntando: O que você está tentando alcançar? Essa pergunta me guiou por muitas ilustrações ao longo dos anos. E até me orientou a montar ou compor esta aula para você O que você está tentando alcançar com sua arte orientará todas as suas decisões à medida que você as toma. Se eu tenho uma palavra favorita, provavelmente é específica. Quando você está tentando resolver um problema, sempre precisa ser específico sobre os detalhes. Caso contrário, você só pode girar em um sentido vago. E nesta aula, vamos ser muito específicos sobre o que é composição, não em um sentido universal. Mas apenas para ilustradores como nós esta aula, que provavelmente trabalham de uma forma mais gráfica ou estilizada para organizar essa aula, tive que basear tudo em como eu trabalho da minha Essa foi a única maneira de descobrir como ensinar a você o que eu sei nesta aula. Veja como vamos entender a composição. A composição é inferida. É o ato de escolher o que incluir e onde colocá-lo em uma ilustração. Também é um substantivo, é o resultado desse ato de composição A composição é a ilustração final. Outra forma de entendermos a composição é que ela é específica de maneiras diferentes. Primeiro, a composição é específica para quem você é como artista. forma como você aborda a composição realmente dependerá do seu estilo, que lhe interessa e do seu senso único do que deve ir para onde. Qual abordagem específica pode parecer boa em um estilo pode não ficar bem em outro. Nesta aula, vamos nos concentrar muito especificamente em um estilo de ilustração mais gráfico, sobre o qual aprenderemos tudo na próxima lição. Outra forma pela qual a composição é específica é no contexto. O que pode funcionar em um projeto de ilustração pode não funcionar em outro. O que pode parecer bom em um livro pode não ficar bem em um mural de parede ou em um selo postal No projeto da aula, vamos nos concentrar em um tipo específico de projeto de ilustração, um conjunto de selos postais Isso nos dá objetivos específicos que devemos buscar em nossas composições E isso guiará todas as outras decisões relacionadas a isso. A terceira forma pela qual a composição é específica é em relação à história, ideia ou mensagem, ou ao sentimento que você gostaria de evocar Basicamente, qual é a mensagem ou a sensação da ilustração? Colocar algo na parte superior ou inferior da sua página realmente depende do que você quer dizer com colocá-lo lá. Nesta aula, vamos nos concentrar em como usamos técnicas de composição para contar histórias e comunicar ideias No projeto da aula, você pensará em como contar sua própria história de seis maneiras diferentes. Cada um exigirá uma estratégia de composição diferente O que é composição? São todas essas coisas. Contando histórias, criando imagens criadas com propósito. E também é uma expressão única de sua intuição, seu senso de como as coisas deveriam parecer enquanto não são fáceis E como pastor nesta aula, você aprenderá como chegar o mais perto possível sabendo mais especificamente o que você está tentando alcançar. 4. Não compita com sua câmera: Um ponto problemático que ouvi de outros ilustradores é que é difícil ilustrar sem usar fotos de referência Um objetivo em minha vida foi eliminar a necessidade de usar fotos de referência e tirar mais proveito da minha imaginação. Quero desenhar menos com fotos e mais com o que está dentro da minha cabeça ou do meu coração. Agora, embora eu esteja muito confortável desenhando só de coração, meu pequeno segredo sujo é que ainda preciso usar imagens de referência o tempo todo. A diferença é que eu não estou usando as fotos diretamente. Eu os uso mais como uma forma de aprender sobre a aparência das coisas que estou tentando desenhar que eu possa desenhá-las com mais confiança , do meu jeito e do coração Agora, às vezes eu uso apenas uma imagem como referência, e às vezes eu uso um monte inteiro e o que sai é uma espécie de mistura de todas as minhas referências Sabe, houve um trabalho que tive que fazer uma vez em que tive que ilustrar um aconchegante apartamento francês E eu realmente não sabia o que era isso, não ser francês ou morar em um apartamento. Mas fui procurar várias fotos diferentes desse assunto e fiz uma mistura delas no conceito final que apresentei ao cliente e que apresentei ao cliente e que acabou se tornando a ilustração O que eu não quero fazer é encontrar uma cena e desenhá-la diretamente, mesmo que eu a desenhe no meu estilo. Portanto, seria quase plágio encontrar uma foto de um apartamento francês e desenhá-la exatamente como eu Como ilustradores, geralmente somos convidados a expressar uma ideia única ou contar uma história única, sempre à nossa maneira Em vez de simplesmente imitar o que vemos em uma foto, precisamos agregar algum tipo de valor ao que estamos ilustrando Um desafio que me coloco é como posso criar uma imagem usando ilustração que não seria possível em apenas uma foto normal. Qual é a maneira única de representar essa ideia ou história como ilustradora Outro ponto problemático que ouço dos ilustradores é que eles gostam da aparência de seus esboços, mas quando tentam transformá-los em ilustração, as coisas parecem dar errado Embora isso possa ter a ver com suas habilidades ou nível de experiência, também se trata muito de composição. É algo que encontramos particularmente quando tentamos representar a perspectiva e a tridimensionalidade usando um estilo de ilustração simples O que funciona com um esboço cuidadosamente desenhado, com sombreamento sutil e linhas soltas, simplesmente não se traduz quando você tenta usar formas planas e cores sólidas na O que eu gostaria de saber há muito tempo é que não apenas alguns estilos de ilustração são mais realistas e outros mais gráficos, mas que há uma diferença fundamental em como eles podem ser criados. Eles são modelados em dois paradigmas diferentes. Um é gráfico e o outro é mais fotográfico. Embora um estilo gráfico de ilustração pareça mais fácil de fazer, ele só funciona se entendermos como funciona. É mais natural para a maioria de nós desenhar as coisas como elas são na realidade. E é por isso que é difícil sair disso e ilustrar de uma forma mais abstrata e estilizada Agora vamos dar uma olhada nos tipos ou paradigmas de composição fotográfica e gráfica para ver eles se parecem e quais são as diferenças Vamos começar com a composição fotográfica. Quando as ilustrações são mais realistas e tridimensionais, podemos dizer que elas seguem paradigmas fotográficos Nesse paradigma, pensamos em termos de coisas como enquadramento, iluminação de nossa foto, ângulos de câmera e profundidade de campo Aqui, as ilustrações são mais como pequenas janelas para um mundo além Agora, dizer que uma ilustração é fotográfica, isso não significa que ela precise parecer realista ou mesmo fotográfica, como se até mesmo uma história em quadrinhos ou uma história em quadrinhos pudesse ser muito E também use a composição fotográfica usando certos ângulos de câmera ou mostre cenas de perto ou afastadas, como se houvesse uma câmera se aproximando ou se afastando do objeto no espaço físico Agora, a composição do estilo fotográfico pode ser muito apropriada em certos ambientes, como imagens narrativas, como podemos ver em muitos livros infantis ou histórias em quadrinhos, por exemplo. Agora vamos dar uma olhada na composição gráfica. Aqui temos ilustrações que são planas e simbólicas, e podemos dizer que elas seguem um paradigma gráfico Fotográfico significa escrever. Com luz, gráfico realmente significa escrever. E nesse sentido, os ilustradores escrevem com símbolos, formas e outros tipos de elementos visuais, seguindo assim um paradigma mais gráfico ou até mesmo de design gráfico Em retrospectiva, eu poderia ter chamado essa composição pictográfica Como estamos escrevendo com fotos, com composição gráfica, podemos pensar mais em termos de layout do que de cenas, mesmo quando ilustramos cenas aqui, não estamos pensando em enquadrar uma foto como se houvesse toda essa cena além de onde estávamos quando tiramos nossa foto Estamos projetando uma nova imagem, não a estamos encontrando por meio de um visor Na composição gráfica, trabalhamos uma forma mais estilizada e plana para estilizar significa representar algo de uma forma menos E pode até ser estereotipado. Podemos representar os vários objetos, personagens e símbolos de uma forma mais simbólica e simplificada. Agora, embora uma abordagem gráfica ilustração seja mais contemporânea, podemos encontrar composição gráfica na arte pré, moderna e até antiga, como na iconografia bizantina, na arte decorativa em cerâmica grega e, claro, nos hieróglifos e Na composição gráfica, não estamos criando pequenas janelas para outros mundos, mas combinando elementos em uma página, incluindo a própria página, como a superfície da página, para criar um novo objeto. Dessa forma, a página ou superfície faz parte da imagem em si, não é algo em que acabamos de colocar a imagem. Em muitos casos, é difícil separar o contexto da ilustração e a ilustração em si . ilustração de estilo gráfico comercial tem uma relação muito confortável com as superfícies em que se insere. Freqüentemente, são produtos em si mesmos. É difícil separar a ilustração da superfície. Os selos que criaremos neste projeto de classe. Um ótimo exemplo dessa relação de contexto e ilustração. Embora as ilustrações estejam nos selos, é difícil diferenciar o selo da arte Eles trabalham juntos para criar um novo objeto que chamamos de carimbo Agora, minha dicotomia entre os tipos de composição gráfica e fotográfica serve para Há dois paradigmas que são significativamente diferentes um do outro quando estamos tentando criar uma imagem Ao entender as diferenças, podemos saber mais facilmente quais paradigmas funcionarão melhor para nosso próprio estilo e para outros fatores em determinado trabalho Às vezes precisamos ser um pouco mais fotográficos e às vezes precisamos ser mais gráficos É claro que sempre haverá alguma sobreposição. Cada um de nós tem uma variedade estilos e técnicas que usamos. E então também descobriremos que certos trabalhos exigirão mais de uma abordagem ou de outra. À medida que nos desenvolvemos como artistas, começamos a entender como é nossa mistura particular de gráfico e fotográfico, ou estilização e realismo Agora que estamos no final desta lição, aqui está algo para você experimentar. Procure dois ou três pares de ilustrações. Cada par deve lidar com um assunto ou tema comum, mas uma imagem deve ser mais fotográfica e a outra mais gráfica Por exemplo, você pode procurar uma ilustração de uma paisagem ou edifício popular, como Al Capitan ou o Empire State Building Ao fazer este exercício, você terá uma melhor noção das diferenças entre composição gráfica e fotográfica Você pode até começar a pensar em como gostaria ilustrar esses assuntos à sua maneira Divirta-se experimentando isso e, se quiser, você pode compartilhá-lo na página de projetos da classe. Te vejo na próxima aula. 5. Os princípios de aspiração: Um dos grandes problemas teoria da composição tradicional é que alguns dos princípios são completamente inacionáveis. Por melhor que pareçam, princípios como unidade, harmonia e equilíbrio são tão abstratos que não nos dão muita ideia sobre o que fazer para que essas coisas aconteçam muita ideia sobre o que fazer para que essas Por exemplo, como você se une? Ao mesmo tempo, acho que todos podemos nos identificar com o desejo de que nosso trabalho seja mais unido, harmonioso e equilibrado Talvez tenha sido sua busca por alcançá-los em seu trabalho que o levou a uma aula de composição como essa em primeiro lugar. Minha solução é reformular esses princípios menos acionáveis Como princípios aspiracionais. Existem metas que temos para nossas composições, mas não podemos realmente alcançá-las diretamente. É isso que são os princípios acionáveis, que abordaremos na próxima lição, pois os princípios aspiracionais são ideais são ideais Eles são como uma estrela do norte que pode nos levar adiante, mas nunca podemos realmente chegar até eles porque não há uma expressão única definitiva dessas coisas. Mas ainda acho que vale a pena descrever como elas podem parecer ou o que são como metas ambiciosas Então, vamos começar com a união. Em termos artísticos, unidade significa que todos os elementos em uma imagem funcionam juntos perfeitamente Eles formam um todo coeso. Uma maneira de pensar sobre a unidade é uma coisa. Quando uma ilustração está unida, ela está fazendo uma coisa e se trata de uma coisa. Vemos uma ilustração como uma imagem ou ideia singular , em vez de um monte de pequenos pedaços. Quando nós, humanos, estamos unidos em algo como um grupo, isso significa que concordamos com certos princípios e, portanto, podemos trabalhar juntos em direção a um objetivo comum. Da mesma forma, sentimos que uma ilustração é unificada quando vemos a imagem como um todo. Antes de qualquer detalhe específico dentro dele. Nada parece fora do lugar. Não há nenhum elemento que seja meio desonesto em fazer suas próprias coisas Tudo está funcionando em conjunto. Se você já sentiu que uma ilustração sua é óbvia, é como se você pudesse ver todas essas pequenas partes e todas elas E você não vê tudo junto ou sente que falta coesão, provavelmente está sentindo falta de O desafio da unidade como princípio está em sua imprecisão A pergunta que tenho é a unidade do que está sendo unido. Assim como nós, humanos, exigimos princípios e metas compartilhados sejam unidos e ilustrações, os elementos precisam ser organizados em direção a um único objetivo É mais difícil alcançar a unidade em sua arte diretamente. É mais uma questão de entender o propósito fundamental da ilustração e almejar isso Em vez disso, quanto mais especificamente entendermos o que estamos tentando fazer e o que estamos tentando dizer, mais claramente entenderemos que tipo de união estamos tentando alcançar em primeiro lugar. Isso nos leva de volta ao conceito de um resumo do projeto em que definimos as metas e intenções de qualquer ilustração que devemos fazer. Obviamente, você terá a chance de ver como isso funciona no projeto da classe. Não chamamos isso de resumo, apenas o chamamos de configuração ou declaração do projeto, mas é a mesma coisa. Agora, para mim, união e ilustração significam que tudo se encaixa perfeitamente e se sente em casa na página Para ilustradores, especialmente aqueles que trabalham em um estilo gráfico, unidade geralmente é alcançada por meio de simplicidade e moderação Cada elemento, cor, imagem ou ideia adicional que você tentar inserir na composição pode ameaçar seu senso geral de unidade Para ilustradores gráficos, a chave para alcançar a unidade é ter um objetivo específico para o trabalho, além de trabalhar em um estilo mais restrito e usar o mínimo de elementos possível Agora, embora isso possa parecer limitante, na verdade é uma meta que todo artista deve ter para cada obra de arte que faz, não importa quão complexo seja o estilo ou os detalhes, devemos sempre buscar uma coisa abrangente acima de todas as outras em cada obra de arte que Agora vamos analisar a harmonia. Harmony soa bem, não é? Mas o que isso significa? A harmonia é um tipo de unidade, mas está principalmente relacionada à cor. Também pode estar relacionado à forma como certas formas ou qualidades sutis funcionam juntas ou não. É assim que coisas separadas parecem funcionar bem juntas. Algumas combinações funcionam e outras não. Na música, entendemos harmonia como sendo duas ou mais notas que soam bem juntas como um acorde As notas podem estar em harmonia ou em dissonância. Não sabemos por que certas notas soam harmoniosas, mas geralmente concordamos quando elas detectam ou não harmonia, especialmente em nossas cores É praticamente o mesmo. Percebemos isso, mas não o entendemos da mesma forma que alcançar a unidade geral. A chave para alcançar a harmonia é ter menos cores ou tipos diferentes de elementos que precisam funcionar juntos. Outra forma fundamental de obter mais harmonia é desenvolver sua compreensão da teoria das cores. Para saber mais sobre isso, você pode conferir minha turma, a única ilustradora de paletas Acho que há muito em comum entre arte visual e música. Quanto mais complexa uma música, mais difícil é fazer com todas as notas se harmonizem da mesma maneira Quanto mais complexa a paleta de cores e todas as partes diferentes que compõem uma ilustração, mais difícil é harmonizá-las todas juntas Por fim, vamos ver o equilíbrio como uma meta ambiciosa. Todos nós queremos ter composições mais equilibradas, certo? Acho que todos podemos dizer por experiência própria que uma composição equilibrada nos faz sentir equilibrados. Se uma composição está desequilibrada, nos sentimos desequilibrados. Então, o que significa alcançar o equilíbrio? Bem, é fácil conseguir isso em uma composição simétrica Mas é mais difícil quando tentamos fazer algo mais assimétrico Um conselho típico, se você está tentando não ser simétrico, é imaginar os vários elementos na página como pesos em A escala é assim, equilibrada uniformemente em toda a página. E então, o que quer que você faça de um lado, talvez com uma coisa maior que você faça do outro. Se forem coisas menores, todas essas coisas pequenas devem ser iguais ao peso das coisas grandes. E então a escala em nossa imaginação se equilibra. Agora eu acho que o equilíbrio é muito mais fácil entender do que a união ou a harmonia. Mas também é difícil de conseguir porque não há uma maneira física de medir exatamente o equilíbrio da composição. É muito subjetivo. Esse é realmente um daqueles princípios perfeccionistas que precisamos desenvolver com nosso próprio senso de equilíbrio Alguns de nós se sentirão mais confortáveis quando as coisas estiverem mais precárias em uma imagem e outros simplesmente não conseguirmos suportar a tensão E precisamos que tudo se sinta firme e superequilibrado É claro que não queremos ser demais de um ou de outro. Não queremos ser muito desequilibrados ou caóticos, e não queremos ser super chatos , superequilibrados e super simétricos A ilustração é sempre um ato de equilíbrio. É um ato de equilíbrio dos elementos com os quais temos que trabalhar na página, bem como a forma como essas coisas se relacionam com a mensagem e o propósito geral da arte Agora que estamos no final desta lição, aqui está algo para você experimentar. Encontre um ou dois exemplos de suas próprias ilustrações descrevendo suas próprias palavras, quer você ache que a composição funciona ou não E por que não se preocupar em usar termos artísticos adequados, pois ainda não os aprendemos nesta aula. Mas depois de fazer essa aula, leia novamente suas observações desse exercício. Agora, tente descrever suas observações usando seu novo vocabulário e compreensão Dessa forma, você verá até onde chegou em sua compreensão de como a composição funciona. Este exercício é como uma cápsula do tempo. Então, você vai avaliar sua própria arte com suas próprias palavras agora. E então você verá como pensa sobre essas mesmas coisas. Depois de saber mais sobre composição, divirta-se experimentando isso. E, novamente, sinta-se à vontade para compartilhá-lo na página de projetos da turma. Caso contrário, nos vemos na próxima lição. 6. Os princípios úteis (versão corrigida): Considerando que os princípios aspiracionais são metas mais abstratas, todos devemos buscar em nosso trabalho Os princípios acionáveis são muito mais práticos. Embora existam dezenas e dezenas de princípios, escolhi apenas dez pela forma como eles se relacionam especificamente com uma abordagem mais gráfica da composição. Você pode pensar nisso como um kit inicial para aprender sobre composição Um dos maiores problemas com teoria da composição é que há muita informação. E é difícil usar tudo isso quando você está no trabalho. Se você puder manter em mente apenas os princípios que aprenderá aqui para um determinado projeto, especialmente no projeto de classe, acho que eles são mais do que suficientes. O primeiro princípio é a hierarquia. Na ilustração, hierarquia é a organização dos elementos na página de acordo com sua importância No topo dessa hierarquia está o que é o foco principal Esse é o aspecto mais importante da sua imagem, seguido por outros elementos em ordem decrescente de importância Essa estrutura cria um senso de ordem e orienta os espectadores sobre o que observar primeiro e como navegar pela composição. Sem uma hierarquia clara, uma ilustração pode se tornar confusa ou avassaladora, ou pode simplesmente parecer A essência de uma ilustração deve girar em torno de uma história, tema ou ideia singular Falamos sobre isso em nossa aula sobre união. Todos os elementos da imagem devem contribuir para essa mensagem central. hierarquia ajuda a enfatizar o assunto principal, apoiando os elementos e aprimorando a mensagem Em ilustrações mais simples com um único objeto, a hierarquia é naturalmente É só uma coisa: na verdade, talvez nem exista uma hierarquia No entanto, em um trabalho mais complexo, como uma montagem, e falaremos sobre o que são montagens, quando falamos sobre os seis tipos de composições, é crucial estabelecer uma hierarquia clara para evitar Uma das perguntas que podemos fazer em nossas ilustrações é: o que é mais importante É a imagem geral ou um elemento ou momento específico dentro dela? Por exemplo, ilustrações que retratam multidões semelhantes às de um livro de Wars Waldo geralmente usam uma hierarquia plana em que nenhum elemento deve se destacar Nesse sentido, nem toda imagem exige uma hierarquia forte Em meu trabalho pessoal, normalmente me concentro em um elemento dominante apoiado por três ou quatro níveis de menor proeminência Os elementos mais altos na hierarquia são detalhados e maiores, enquanto os mais baixos na hierarquia são menos detalhados. Essa abordagem é especialmente evidente em meus mapas ilustrados, onde a hierarquia começa com o título seguido pelos ícones primários e secundários especialmente evidente em meus mapas ilustrados, onde a hierarquia começa com o título seguido enquanto os mais baixos na hierarquia são menos detalhados. Essa abordagem é especialmente evidente em meus mapas ilustrados, onde a hierarquia começa com o título seguido pelos ícones primários e secundários. E tudo isso está integrado em uma rede de estradas ou símbolos geográficos. Você pode ver uma ordem de informações. E isso guia você pelo mapa. E mesmo que haja muita coisa acontecendo, ela ainda se mantém firme e parece ordenada Acredito firmemente que a hierarquia é o princípio mais importante Na ilustração, aplicá-la de forma eficaz pode melhorar significativamente a composição e a narrativa de seu trabalho O próximo princípio aqui é a simplicidade. Este vem de um conjunto de princípios chamado Teoria de Gitald, que tenta explicar como percebemos e entendemos o mundo complexo ao nosso redor Gitauld é um tópico super interessante que eu gostaria de abordar em uma Mas estou roubando a simplicidade da Teoria da Gestalt porque acho que é um princípio muito útil A lei da simplicidade afirma que tendemos a interpretar as coisas da maneira mais simples possível. Nossas mentes farão o possível para simplificar as coisas para que possamos dizer, sim, entendi E então podemos passar para a próxima coisa. Quando estamos do lado de fora e vemos um monte de árvores em um só lugar, chamamos isso de floresta. E quando fazemos isso, estamos simplificando todas essas coisas individuais na forma mais simples que conhecemos Nesse caso, a maneira mais simples de entender o que vemos é como um grupo, e não como árvores individuais Nós vemos o grupo e o chamamos de floresta. Você provavelmente já ouviu o ditado: o todo é maior do que a soma das partes. Esta é uma declaração gestaltista e fala sobre como um grupo de coisas de repente se torna algo totalmente novo Agora, curiosamente, às vezes a maneira mais simples de ver um grupo de coisas é por suas partes individuais Basicamente, o que for mais fácil para nós percebermos no momento, é isso que vamos ver. Por exemplo, ver uma imagem de três formas distintas agrupadas próximas umas das outras ou até mesmo em camadas por cima É provável que você as perceba como formas individuais e não como uma única bolha combinada Isso acontece porque nossa mente está mais acostumada a reconhecer as formas familiares, separadas ou mais simples do que a forma abstrata Eles fazem quando são combinados. Esse princípio de simplicidade é uma ferramenta de composição valiosa, especialmente para discernir se nossas imagens são claramente compreensíveis Se uma ilustração for excessivamente complexa ou complicada, ela corre o risco de ser mal compreendida ou totalmente ignorada ela corre o risco de ser mal compreendida A complexidade pode ser assustadora. E se for preciso muito esforço para descobrir o que é uma imagem ou o que ela significa, é provável que as pessoas sigam em frente em vez de se envolverem com ela. Em meu próprio trabalho, aplico esse princípio com frequência, especialmente ao representar objetos específicos. Meu objetivo é sempre encontrar um equilíbrio entre tornar esses objetos reconhecíveis e, ao mesmo tempo, infundi-los com um elemento de Essencialmente, quero que minhas representações sejam facilmente compreendidas, mas visualmente atraentes Ao aplicar o princípio da simplicidade ao seu trabalho, considere como as várias formas e como elas se juntam são tão legíveis por outras pessoas quanto você pretende Você pode perguntar: outras pessoas reconhecerão esse símbolo ou as pessoas verão isso claramente imediatamente? Procure composições que encontrem um equilíbrio entre serem familiares e legíveis dessa maneira E interessante porque às vezes precisamos adicionar um pouco de ruído a uma imagem ou um pouco de caos ou falta de clareza para torná-la interessante, só queremos encontrar um equilíbrio em que o que pretendemos que o espectador veja esteja realmente sendo visto. O terceiro princípio aqui é escala e proporção. Agora, a escala em proporção é diferente, mas elas também estão muito relacionadas. Eu os estou tratando como um cenário aqui. Na composição, a escala se refere ao tamanho percebido de um elemento. Podemos dizer que um objeto ou figura é grande ou pequeno em comparação com outra coisa. Quando pensamos em um trem de modelo em escala, por exemplo, entendemos que é uma versão menor da coisa real, mas, por outro lado, tem as mesmas proporções. Quando estamos fazendo um desenho em escala, como se você estivesse em arquitetura, todos os tamanhos têm as mesmas proporções que estariam na construção final. Agora, tendemos a trabalhar com escala sem realmente precisar pensar nisso É um princípio muito fácil. As coisas que estão mais próximas tendem a parecer maiores, e as que estão longe são menores. Mas podemos usar a escala de forma mais proposital para mostrar que uma coisa é mais importante do que a outra. Como fazemos quando criamos diferentes níveis de hierarquia, geralmente no nível superior da hierarquia, essas coisas são maiores do que todas as outras abaixo. Também podemos usar a escala para criar contrastes em nosso trabalho. Quanto maior formamos um elemento dominante, por exemplo, em comparação com todos os outros, mais dominante ele parecerá e mais dinâmica será a composição geral. A proporção, por outro lado, se refere à relação dos elementos, independentemente de seu tamanho. Bem, um modelo em escala de um trem pode ser maior ou menor. Suas proporções são as mesmas, não importa o que aconteça. Mas, por outro lado, pense em um trem de brinquedo infantil. Provavelmente não foi projetado proporcionalmente a um trem da vida real. Vai ser meio distorcido e desproporcional para ser mais divertido e extravagante Proporcionalidade não tem a ver apenas com o tamanho de uma coisa, mas com outras coisas, como altura, magra, agachada Todas essas são qualidades proporcionais. Portanto, quando usamos um estilo gráfico de ilustração, podemos brincar livremente com as proporções do que estamos desenhando e a forma como um artista usa a proporção pode ser uma característica definidora de seu estilo. Em meu próprio trabalho, brinco livremente com a proporção de minhas figuras para criar inesperados ou exagerar um gesto ou a forma como a pessoa está de pé Eu poderia fazer a mão deles maior do que o corpo inteiro, por exemplo. Agora, tudo realmente depende do propósito da obra de arte. Às vezes, escolho ser mais proporcional e às vezes escolho ser mais desproporcional em tudo o que estou desenhando em suas Você pode usar sua compreensão de proporção e distorção para tornar certos elementos maiores de propósito, mesmo que não seja assim que eles pareçam na luz real Você pode distorcer proporções para dar ênfase ou até mesmo preencher um espaço vazio na composição, se for isso que você precisa fazer Você também pode brincar com proporções para criar algo mais engraçado, como uma caricatura Brincar com proporções é uma ótima maneira de transformar uma cena ou figura comum em algo mais extraordinário. Em resumo, aqui, tanto a escala quanto proporção são elementos-chave na composição. escala se concentra mais no tamanho dos elementos individuais, enquanto a proporção lida com o tamanho ou a relação dos tamanhos das coisas dentro de um elemento. O próximo princípio aqui é a repetição. E semelhança. A repetição é outro princípio muito útil porque é fácil saber quando a estamos usando A repetição pode trazer uma sensação de unidade e harmonia a uma composição imediatamente. Também pode dar uma sensação de movimento ou equilíbrio, dependendo de como é usado. A repetição está intimamente relacionada ao princípio de similaridade da Gestalt, que afirma que tendemos a associar elementos visualmente semelhantes Vimos pássaros da mesma pena e os vemos como um rebanho. modo geral, a menos que haja apenas um elemento, uma composição precisará alguma repetição para obter um senso de ordem Se houver vários elementos sem qualquer repetição entre eles, isso seria um caos total Como regra geral, se você fizer algo em um lugar, provavelmente deverá usá-lo em outro lugar. Você pode repetir um elemento, como um símbolo ou marca, ou pode repetir uma cor, uma textura padrão ou qualquer outra qualidade visual. A repetição é como alcançamos padrões, fluxo, movimento e até harmonia em nosso trabalho Também usamos a repetição para definir a hierarquia, repetindo uma determinada qualidade da mesma forma em todos os elementos do Repetir essas mesmas qualidades em outros lugares nos diz que grupos semelhantes estão de alguma forma relacionados O oposto da repetição é a variação. Normalmente, queremos alcançar um equilíbrio entre repetição e variação, mas a quantidade exata sempre depende da situação Uma maneira de alcançar esse equilíbrio é repetir um elemento, digamos, em algum tipo de padrão. Você pode torná-los todos relativamente semelhantes, mas basta redesenhá-los a cada vez Ou varie um pouco a forma para que você identifique todas como do mesmo tipo de forma ou elemento. Mas você também vê que eles não são apenas recortados e colados. Nesse sentido, você obtém um bom equilíbrio na tensão entre repetição e variação Em um estilo gráfico de ilustração, em que nos limitamos a apenas alguns elementos diferentes, inclinamos bastante para a repetição Trabalhar com um estilo limitado requer um equilíbrio muito criativo entre repetição e variação forma como usamos isso se torna uma parte importante de nossas ideias, conceitos e, claro, de nossas composições Em seguida, temos agrupamento e proximidade. Podemos usar o agrupamento para organizar certos elementos na página colocando-os mais próximos Os mesmos elementos em uma página podem parecer caóticos ou ordenados, dependendo de como estão Se todos estiverem flutuando uniformemente na página, talvez não vejamos nenhuma relação específica com eles e , portanto, não saibamos onde procurar ou o que tirar do que estamos vendo Por outro lado, se eles estiverem organizados em grupos de algum tipo, começaremos a sentir um senso de ordem, percebendo efetivamente menos coisas na página Essa é a lei da simplicidade no trabalho. Por exemplo, talvez precisemos contar apenas cinco grupos de coisas, em vez de centenas ou milhares de elementos contidos nesses grupos. agrupamento está relacionado ao princípio de proximidade de Gestel, que afirma que tendemos a perceber elementos que estão mais próximos como Isso quer dizer que, quando as coisas estão próximas, vemos isso como um grupo. agrupamento pode ajudar a associar elementos, mas também pode criar espaços ao redor desses elementos que permitem que o olho se mova ou flua pela imagem Quando penso em agrupar, penso como organizar as coisas em uma prateleira Se você tiver livros e bugigangas diferentes para exibir na sua prateleira Se você espaçá-los todos uniformemente sem agrupá-los em grupos menores, acho que pareceria caótico, simplesmente pareceria estranho Em vez disso, podemos convocar nossa Martha Stewarts interior para agrupar nossos pertences na prateleira de várias maneiras, nossa Martha Stewarts interior para agrupar nossos pertences na prateleira de várias maneiras, talvez por tema de cores. Além disso, podemos fazer arranjos interessantes combinando uma mistura de livros e objetos. Neste exemplo, cada cluster se torna um pequeno momento na proverbial O princípio em ação aqui é o agrupamento. Podemos contar histórias mais interessantes pela forma como agrupamos certos objetos na página. E podemos criar momentos visuais entre os quais o olho pode se mover em vez de ficar preso em uma massa mais plana de coisas na parede. Agora vamos dar uma olhada no enquadramento. O enquadramento é uma técnica para dar ênfase a parte de uma ilustração Embora a ideia de uma moldura possa lembrar uma borda que circunda uma imagem inteira ou uma página inteira, trata-se mais de chamar a atenção para um momento dentro da imagem. O enquadramento pode ser muito direto ou mais indireto. Podemos literalmente enquadrar algo em uma janela ou porta, ou até mesmo em uma moldura real. Ou podemos enquadrar algo de uma forma mais sutil, como colocar um ponto de interesse na clareira entre duas árvores Podemos usar o enquadramento para criar um ponto focal em uma imagem ou para compartimentar áreas diferentes De uma imagem que precisa ser visualizada separadamente. Também podemos usá-lo para situar o espectador ou contar uma determinada história Por exemplo, enquadrar alguém em uma janela pode nos dar a sensação de que essa pessoa está dentro de casa e nós do lado Olhar para dentro dá uma sensação de intriga à imagem. Nós nos perguntamos o que está acontecendo naquela sala pela janela. Referindo-se aos princípios de agrupamento e proximidade, um grupo de elementos pode ser relacionado sem a necessidade de enquadrá-los Mas você também pode considerar o espaço que está ao redor deles como uma moldura. Mas, ao enquadrar certos elementos de propósito ou de forma mais direta, eles são forçados a formar um grupo Essa relação desse grupo específico de objetos é muito explícita Cada área emoldurada em uma ilustração é como uma composição menor Em uma imagem maior, você pode criar uma sensação de consistência repetindo esse enquadramento em toda a imagem O próximo princípio aqui é o alinhamento. alinhamento é uma ótima maneira de ter uma ideia da estrutura da página quando determinados elementos correspondem um eixo ou caminho invisível Podemos dizer que eles estão alinhados quando as coisas estão distantes umas das outras, mas eles estão alinhados, o alinhamento cria uma relação entre E também traz uma sensação de unidade na composição geral quando as coisas estão alinhadas e mais próximas Por outro lado, especialmente quando combinado com a repetição, alinhamento pode criar uma sensação de movimento e fluxo conduzindo o olho pelo mesmo caminho quando os elementos estão muito alinhados, como se houvesse muitas coisas nos alinhamentos e você pudesse realmente ver a sensação de uma grade Realmente começará a parecer rígido se os elementos não estiverem nem um pouco alinhados Por outro lado, a composição pode parecer derreter ou parecer uma bolha como agora Qualquer um desses cenários pode estar certo dependendo do que você está tentando fazer na imagem. Às vezes, você realmente quer uma estrutura em grade e às vezes não quer ter a menor noção de uma grade O alinhamento pode ser muito vagamente baseado em coisas que estão apenas se alinhando, seja de forma horizontal ou vertical Ou podemos fazer isso de uma forma mais forçada, tendo algum tipo de grade. E então temos todos esses diferentes intervalos regulares nos quais as coisas podem se alinhar E veremos mais sobre isso na lição sobre princípios estruturais. Em seguida, o próximo princípio é figura e fundo, também conhecido como espaço positivo e negativo. Figura e fundo descrevem a relação entre o que percebemos como sujeito ou figura e o espaço ou fundo circundante. O princípio da figura e do fundo afirma que tendemos a perceber os elementos como o assunto principal ou como parte do plano de fundo. Onde há ambigüidade entre figura e fundo, podemos ficar momentaneamente confusos ou O exemplo clássico desse efeito é a ilusão óptica de duas faces de perfil, que podem ser lidas como um vaso ou uma banheira de pássaros Dependendo de como você olha para isso, podemos usar nossa compreensão de figura e fundo para avaliar se nosso assunto destaca do fundo, se essa for nossa intenção. Isso é mais fácil de fazer em uma composição mais simples e gráfica, onde pode haver apenas um fundo sólido Mas é muito mais complicado quando temos uma composição complexa com um primeiro plano e um plano de fundo e há elementos e cores sobrepostos e adjacentes acontecendo na mesma área Podemos usar a figura e o fundo para nos ajudar a perguntar: a figura e o fundo estão claros o suficiente? Caso contrário, podemos usar contraste e escala para diferenciar nossa figura do fundo. Agora, normalmente, veremos coisas maiores e mais escuras como figuras e coisas menores mais claras como chão Podemos brincar com esse relacionamento para criar ambigüidade, intenção de propósito E às vezes isso é algo queremos em uma imagem por algum motivo. Por exemplo, alguns ilustradores como Noma Bar ou Malaka Fab são muito intencionais sobre essa relação entre E eles são muito habilidosos em combiná-los para significar uma coisa e depois outra, dependendo de como você está vendo a imagem Ainda mais ilustradores representacionais como Miroslav Shashek, usarão essa relação de figura e fundo de uma forma uma Agora, exemplos clássicos de figura e fundo geralmente têm imagens nítidas em preto e branco Tudo está muito nítido. Mas a relação entre figura e fundo nem sempre é tão simples. Como já vimos em cenas mais complexas, figura e fundo são apenas mais sutis e precisamos encontrar maneiras fazer com que a figura se destaque do fundo sem se misturar O próximo princípio aqui é o fechamento. O princípio do fechamento afirma que tendemos a perceber os objetos como completos, mesmo que não estejam. Quando você percebe uma forma, isso pode ser sugerido, mas na verdade não existe. Essa é a lei do fechamento no trabalho. Basta olhar para muitos logotipos conhecidos e você verá o encerramento em jogo. O círculo interno implícito do logotipo da Starbucks ou o corpo do pavão que não está realmente no logotipo da NBC E o mesmo acontece com a forma esférica que percebemos. Ao juntar as quatro formas separadas no logotipo do Xbox, podemos usar esse princípio para criar uma imagem dinâmica que se completa não na página, mas na mente do espectador Usar o fechamento de forma muito proposital é uma forma fundamental de obter uma aparência gráfica em sua Apenas omitindo uma parte e deixando o espaço em branco sugerir uma presença ou ideia, você pode criar uma imagem poderosa e cativante Agora, o encerramento é meio que um oxímoro. Na verdade, funciona melhor quando algo é deixado aberto ou aberto e nem um pouco fechado Na minha opinião, fechar completamente uma forma, como com um contorno grosso, pode significar que ela é cortada do resto da imagem Ele o fecha do suprimento de ar do resto da composição uso habilidoso do fechamento em nosso trabalho pode criar uma conexão poderosa entre a imagem e a superfície, resultando em uma sensação mais forte de unidade E, claro, também criará uma conexão mais forte entre a imagem e o espectador. O próximo princípio aqui é movimento e fluxo. Esse é outro par de princípios, mas ambos significam praticamente a mesma coisa Fluxo é como eu descrevo a forma como o olho se move. Na ilustração, é o mesmo princípio que é mais tradicionalmente conhecido como movimento. Eu prefiro o fluxo porque se trata mais de como o olho flui ao redor de uma composição do que de sugerir um movimento real. Como pássaros voando ou carro dirigindo rápido em uma estrada. O fluxo em uma imagem pode ser intencional ou acidental , tanto quanto possível Devemos estar no controle de como os olhos se movem em torno de nossas composições Isso pode ser feito sem rodeios, como adicionar desenhos animados, como linhas de movimento ou setas Ou isso pode ser feito de forma mais sutil, deixando que os gestos e a direção de certas linhas nos levem sem perceber a princípio. O movimento também pode ser sugerido pelos efeitos que um objeto deixa em seu rastro. Se houver um objeto em movimento em nossa ilustração e ele deixar algum rastro atrás dele, é claro que isso dará à nossa imagem uma sensação de movimento. E podemos usar a linha criada por esse objeto em movimento para nos levar a outro lugar na imagem. E isso cria mais um fluxo visual. O que eu chamo de fluxo está relacionado a outros princípios, como a Lei de Continuação da Gestalt, que diz que objetos ao longo do mesmo caminho parecerão estar relacionados E o princípio das linhas principais, onde certos elementos conduzem nossos olhos de forma mais sutil ao assunto principal Em suas composições, você pode usar o fluxo para manter o olhar se movendo pela página da maneira desejada. Lembre-se de que mais movimento ou fluxo em uma imagem fará com que pareça mais dinâmica e menos movimento fará com que pareça mais estática. Qualquer um deles pode ser mais apropriado para seu propósito específico. Uma ilustração de uma tempestade que você vê à noite surgirá. Uma visão é mais do que uma calma ao nascer do Você pode julgar qual desses tipos de sentimentos você precisa em qualquer contexto em que esteja trabalhando. E uma imagem pode ir em qualquer direção ou seguir qualquer caminho. Pode ser horizontal, vertical, diagonal, circular, em ziguezague ou qualquer outra forma O fluxo pode estar em uma direção ou em várias direções ao mesmo tempo. Não há uma forma correta para o fluxo em uma composição. Apenas tente não mandar o espectador para fora da página antes que ele tenha visto tudo. No meu trabalho, uso linhas principais, alinhamento, hierarquia e até gestos E onde os olhos estão olhando em meus personagens para levar o espectador ao assunto principal ou ao redor da imagem. Então, isso resume nossos princípios acionáveis. Agora é a sua vez. Aqui está um pouco de lição de casa. Faça uma caça ao tesouro composicional . Veja se você consegue encontrar exemplos de cada um dos princípios acionáveis nas ilustrações que você encontra on-line Ao procurá-los ativamente em arte e ilustração, você começará a aprender mais sobre como eles funcionam para contar histórias diferentes e em diferentes contextos. Você também terá uma ideia melhor de como eles podem funcionar para você. Aproveite para experimentar isso e, quando terminar, fique à vontade para publicá-lo na página de projetos da turma. E então nos vemos na próxima lição. 7. Os princípios estruturais: Agora vamos dar uma olhada no que eu chamo de princípios estruturais. Enquanto os princípios acionáveis tratam principalmente do arranjo e da ordem dos elementos individuais, os princípios estruturais tratam de como essas coisas se mantêm unificadas como um todo unificado Quando você olha para o espaço sideral, o que mantém todas as estrelas, planetas e galáxias no lugar onde estão, os astrônomos realmente acreditam que existe algo chamado matéria escura Essa é a cola que mantém todas essas galáxias juntas. A força invisível que mantém uma composição unida é muito parecida com a matéria escura. Sabemos o que está lá, embora não possamos vê-lo, e podemos definitivamente sentir quando não está lá. Os cientistas podem dizer que a matéria escura provavelmente existe, mesmo que não possam medi-la diretamente. , podemos ver as evidências propósito, podemos ver as evidências de que as coisas se mantêm unidas. Nosso sistema solar se mantém unido devido à matéria escura. Da mesma forma, os artistas podem dizer que há uma cola invisível que mantém nossas composições unidas, dando a elas uma sensação indescritível de unidade Todos nós almejamos em nosso trabalho o que é essa cola composicional, E para dar estrutura à nossa composição, olhamos para grades. As grades são uma ótima maneira de dar uma sensação de estrutura à página onde, de outra forma, não a encontraríamos Embora existam milhares de grades e outras formas possíveis de estruturar nossas composições Nesta lição, veremos apenas três. Vamos fazer duas grades, regra dos terços e armaduras harmônicas E então veremos o que eu chamo de composições autoestruturadas Vejamos primeiro a regra dos terços. A regra dos terços é como uma grade com instruções sobre como usar essa grade Ele nos diz onde podemos colocar nosso assunto em uma imagem para torná-la mais interessante. Também nos dá uma diretriz sobre como estruturar a página em termos de proporção, como quanto da página devemos preencher com figura versus fundo Como grade, é bem simples. Há apenas duas linhas horizontais e duas linhas verticais que dividem a página em três linhas e três colunas, o que dá nove quadrados iguais. Em termos de posicionamento, a ideia geral é que você coloque o assunto no terço esquerdo ou direito da composição, ou em uma das interseções dessas linhas Agora, em termos de proporção, a regra dos terços sugere que a proporção entre a figura e o fundo deve ser de 13 a 23 Ou uma parte da figura e duas partes do chão, ou o contrário. Para paisagens e outras cenas, a regra dos terços sugere que você coloque a linha do horizonte ao longo de qualquer uma das linhas horizontais Você vai dar 23 ou um terço da imagem para o céu, dependendo de onde você coloca essa linha. Normalmente, colocamos a linha do horizonte ao longo do terço inferior. Agora, essa regra prática é ótima por causa de sua simplicidade e é realmente testada e comprovada Muitos especialistas dizem que a regra dos terços funciona, e acho que devemos acreditar neles. Quando não temos um forte senso de composição, podemos confiar que a Regra dos Terços funciona para a maioria das situações Isso não quer dizer que não devamos pensar por nós mesmos aqui também. Às vezes, basta centralizar o assunto e aumentá-lo no quadro. Basta perguntar a Wes Anderson, que baseou toda a sua carreira fazendo isso. Agora vamos dar uma olhada nas armaduras harmônicas. Uma armadura harmônica é uma grade geométrica de linhas. Não apenas nas direções retas para cima e para baixo e de um lado para o outro, mas também nas diagonais Dessa forma, as armaduras harmônicas nos fornecem um sistema de grade mais flexível E isso nos dá mais opções para construir estruturas em nossas composições de maneiras mais dinâmicas Uma armadura harmônica tem a grade da regra dos terços embutida, mas é como a regra dos terços nos esteróides porque oferece muito mais opções com todos esses ângulos extras com Pessoalmente, nunca ouvi falar de armaduras harmônicas até Na verdade, não até pesquisar para esta aula. Eu sei qual é a ciência por trás das armaduras harmônicas, mas elas realmente parecem funcionar bem para Gosto do fato de me dar a grade de três por três além de todos esses vários espaços e interseções interessantes para alinhar as coisas mais em diagonais Também acho muito interessante colocar grades de armadura harmônica sobre obras de arte existentes, como de outros artistas, para ver como eles são intencionais usar essas regras em suas composições Por exemplo, quando eu coloquei isso acima do trabalho de Miroslav Sasek ou Paul Rand, eu imediatamente Entre essa grade e suas composições, isso me faz pensar que eles devem ser muito intencionais usar esse tipo específico de Agora a pergunta é: isso é verdade? Eles estão realmente usando armaduras harmônicas de propósito? Ou é uma coincidência? armaduras harmônicas são tão flexíveis e captam tudo isso como Eles parecem se aplicar independentemente da situação. De qualquer forma, comecei a usá-los em meu próprio trabalho, apenas como um experimento, mas também para ajudar a criar uma estrutura mais complexa e invisível em minhas composições Agora, existe o risco de você utilizar demais essa grade e suas ilustrações serem tão fortemente influenciadas por ela que ficará muito óbvio O que deveria ter sido uma fonte invisível de unidade em sua arte poderia, nas palavras do designer Al Robert, acabar sendo mais como uma jaqueta de rua Então, a última fonte de estrutura sobre a qual vou falar é o que chamo de composição autoestruturada. Ao estruturar nossas composições, podemos criar essa sensação de que tudo mantém unido artificialmente, como fizemos com Ou podemos encontrar algo no conteúdo que estamos realmente usando na ilustração como estrutura da ilustração. Isso é o que eu chamaria de estrutura intrínseca ou estrutura própria, que pouca ou nenhuma ajuda é necessária para realmente ajudar a ilustração a se manter Então, um exemplo do que estou falando aqui é talvez um prédio de apartamentos com muitas janelas, onde em cada uma vemos uma cena diferente. E temos esse prédio de apartamentos como o objeto dominante na cena. Então, temos apenas essa grade natural de janelas torno da qual podemos estruturar nossa ilustração ou história. Outro exemplo de autoestrutura está em uma ilustração figurativa, que a figura simplesmente domina a composição e, portanto, fornece toda a estrutura de que precisamos A ilustração se mantém unida apenas pela forma como o corpo ou a figura preenche o espaço Uma ilustração também pode ser considerada autoestruturada se for muito simples, se houver apenas um objeto e ele for muito grande, ou se for um objeto dominante e todos os outros gravitarem em torno dele, quase como luas ao redor de um planeta Este é um exemplo de um tipo mais orgânico de autoestrutura. Um mapa ilustrado também é uma composição autoestruturada porque as estradas ou outras características geográficas na camada inferior fornecem uma estrutura para os ícones e letras ilustrados e tudo o mais que está Mesmo ao criar uma ilustração com letras ou tipos, como a capa de um livro, nem sempre é necessário impor uma grade Pode ser suficiente que a ilustração em si domine a página e a equilibre com um título e uma linha muito menores Então, esses são seus três princípios de estrutura. Temos a regra dos terços, armaduras harmônicas, e depois Então, agora que chegamos ao final desta lição, aqui está algo que você mesmo pode experimentar. Reúna de cinco a dez ilustrações que você gosta da Internet e analise a estrutura da composição a seguir, usando a regra dos terços, quatro grades de armaduras harmônicas que Veja quantas ilustrações estão em conformidade com uma dessas grades O que você encontrou? A maioria das composições estava alinhada com qualquer uma dessas grades ou eram Divirta-se tentando isso. E, novamente, se quiser, você pode compartilhar o que encontrou aqui neste exercício na página de projetos da classe. Quando estiver pronto, nos vemos na aula final. 8. Seis tipos de composição para ilustradores: À medida que nos aproximamos do projeto final, quero apresentar a vocês seis tipos comuns de composição como você verá no projeto. Eles podem ser muito úteis como pontos de partida ao tentar descobrir nossas ideias e, claro, nossas composições Se você pesquisar tipos de composição ou exemplos de composição on-line, encontrará muitos exemplos de pequenos desenhos em miniatura com diferentes formas, símbolos Alguns deles têm a forma de círculos ou triângulos, ou sua forma de letra, como S, curvas ou Você também pode encontrar pequenos desenhos em miniatura de pequenas cenas, como barcos em um porto ou uma paisagem com Acho que o objetivo é dar aos artistas pontos de partida composicionais Mas como existem muitos deles e geralmente são mostrados sem nenhum contexto, nunca os achei muito úteis para mim. Eles parecem colocar a carroça na frente do proverbial cavalo porque sugerem uma solução antes de entendermos completamente o problema que estamos tentando resolver com O risco é tentarmos adaptar nossas ideias a um desses exemplos pré-fabricados, em vez de desses exemplos pré-fabricados, em vez encontrar a melhor solução para nossa Dito isso, os tipos de composição que examinaremos em breve são como esses exemplos pré-fabricados Eles sugerem uma solução antes de entendermos o problema. Mas acho que são mais úteis porque são específicos para ilustração. E eles são específicos para ilustrar ideias e histórias de maneiras específicas Eles não nos dizem exatamente como nossas composições devem ser organizadas ou mesmo como nosso estilo deve ser, mas nos dão uma estrutura com a qual trabalhar A comparação mais próxima que consigo pensar é na música, onde temos padrões bem conhecidos como dois versos, depois um refrão, depois mais dois versos, e depois repetir o refrão novamente, e talvez uma ponte, e depois voltar ao refrão Esse tipo de coisa. Você pode contar milhões de histórias únicas em vários estilos musicais usando a mesma estrutura básica. Outro exemplo mais simples seria o haicai ou o limerick. Como estruturas de poesia, são estruturas bem conhecidas às quais você pode adaptar suas você pode Você pode ter todos os tipos de ideias e se expressar ou contar histórias nesses poemas dentro das restrições que eles É assim que os seis tipos de composição podem ajudá-lo a criar melhores ideias e composições em sua arte Agora vamos dar uma olhada neles. O primeiro tipo de composição é o objeto único. O único objeto é exatamente o que parece. É uma ilustração de um único objeto na página. Essa é a ilustração mais simples, pois não há um conceito profundo e o problema de composição é muito Há apenas uma coisa na composição geral, sendo a única coisa na página. Provavelmente será centralizado e nos concentraremos na forma geral e nos detalhes do próprio objeto O desafio com um único objeto é representar o objeto de uma forma que seja ao mesmo tempo reconhecível e interessante para essa classe Parte da solução é escolher um objeto que possa ser facilmente representado em um estilo mais plano E também para escolher o ângulo ou lado mais reconhecível ou interessante Algo de um ângulo pode não parecer tão claro ou reconhecível quanto visto de outro único objeto As ilustrações são frequentemente usadas como ilustrações pontuais em contextos editoriais ou editoriais Se um objeto tem significado ou significado particular para uma determinada subcultura, ele também pode ser usado como estampa de camiseta ou como motivo em cartões comemorativos Um único objeto pode ser mais simples ou mais expressivo Pode ser mais proporcional e literal, ou pode ser mais estilizado Agora vamos dar uma olhada na natureza morta. Uma natureza morta é um desenho, pintura ou fotografia de um arranjo de objetos inanimados no espaço físico tão chato quanto uma tigela de frutas ou um arranjo de que pareça, as pessoas parecem não se cansar de naturezas-mortas. Para ilustradores, a natureza morta apresenta uma forma possível de contar uma história Embora tenhamos a tendência de pensar nas pinturas de naturezas-mortas como estudos ou algo que um artista faz para praticar, uma natureza morta pode conter muitas informações que assumirão significados específicos dependendo do contexto. Pode até sugerir algo sobre os próprios artistas como algo indireto. Auto-retrato. Ou pode sugerir uma audição desejável ou uma combinação de objetos relacionados, como alimentos que combinam bem. Agora, os desafios de criar naturezas-mortas incluem o que incluir no arranjo e como organizar os objetos aos quais você está referenciando de uma forma agradável Quais objetos contarão melhor a história que você deseja contar e qual é a melhor maneira de representá-los Como cenário Em algum tipo de espaço, uma natureza morta pode ser extraída de um arranjo físico real das coisas. Por exemplo, você pode colocar uma banana, uma maçã e algumas uvas em uma tigela e começar a desenhar ou ilustrar isso Ou você pode simplesmente ilustrar um conjunto de objetos como se fosse uma natureza morta a partir de sua imaginação Para ilustradores gráficos, o desafio será como apresentar ou representar uma natureza morta sem ser excessivamente dimensional. Assim como acontece com um objeto simples, uma natureza morta pode ser muito simples ou mais expressiva Ele pode apresentar os objetos mais ou menos como estão, mas com um pouco de estilo. Ou pode ser um estudo muito mais abstrato de cor, forma e espaço. Agora vamos dar uma olhada na posição plana. Uma disposição plana é uma ilustração de um grupo de objetos em um arranjo plano cuidadosamente espaçado Uma configuração plana é muito parecida com uma natureza morta, mas em vez de representar o arranjo uma forma mais orgânica ou sobreposta, os objetos são representados em sua totalidade sem qualquer camada e, muitas vezes , sem Por exemplo, em um desenho de material de arte, um lápis pode ocupar toda a altura da página. Já um caderno de esboços, que é na vida real, maior que o lápis, pode ocupar apenas um quarto, como uma natureza morta Uma apresentação plana é uma ótima maneira de contar uma história sobre algo de forma indireta. É por isso que às vezes chamo de flat lays de histórias de objetos. Eles também são ótimos para mostrar a ideia de algo de forma temática Se a ilustração for sobre garotas saindo à noite, você pode pensar em quais objetos são mais emblemáticos da ideia, como vinho, passeio de Uber e talvez Não sei por que escolhi isso como meu exemplo, já que nunca fui convidada para sair à noite com garotas. Camadas planas são uma ótima opção para livros infantis simples, como livros alfabéticos ou pôsteres, ou até mesmo como base para um padrão ilustrativo para embrulhos de presentes ou tecidos Embora geralmente o flat lay seja um arranjo de objetos inanimados simples, também pode ser um arranjo de personagens, criaturas ou até cenas em miniatura O principal é que todos os objetos no apartamento juntos contem uma história ou sugiram um tema. As camadas planas podem ser muito rígidas e ter uma grade semelhante tudo em um arranjo perpendicular Ou podem flutuar mais livremente, como se estivessem suspensos em gelatina O próximo tipo de composição que veremos é a figura. A figura humana é de longe o assunto mais comum em arte e ilustração, o que faz sentido porque somos pessoas e gostamos desenhar pessoas e gostamos de ver pessoas em desenhos. Quando uma ilustração é baseada principalmente na figura humana, nós a chamamos de figurativa O elemento-chave na ilustração figurativa é, obviamente, o foco em um ser humano, geralmente um humano, seja na íntegra, da cabeça aos pés, ou em parte, talvez do peito ilustração figurativa pode ser mais diretamente sobre a pessoa na foto, como em um retrato Ou a pessoa pode estar lá como um dispositivo mais simbólico e metafórico A pessoa pode estar muito ativa na cena ou pode estar em repouso sem fazer nada além de olhar para você. ilustração figurativa pode ser simples e direta ou pode ser expressiva e altamente estilizada A ilustração figurativa pode ser simples e direta ou pode ser expressiva e altamente estilizada como uma estrutura de contar histórias. Uma figura pode ser sobre uma pessoa em particular, seja real ou fictícia Por outro lado, pode ser mais sobre o que a pessoa está fazendo ou interagindo Nesse caso, a figura é apenas um suporte ou apenas uma forma de chamar sua atenção para outra coisa na imagem. Uma figura também pode ser mais integrada à ilustração, fornecendo toda a estrutura e até mesmo se tornando uma grade na qual outras ideias são sobrepostas O maior desafio ilustração figurativa, eu acho, é que muitos ilustradores simplesmente têm dificuldade em desenhar pessoas É por isso que, quando comecei a ilustrar, evitei a todo custo a ilustração figurativa Eu simplesmente não sabia como desenhar pessoas ou não tinha uma maneira consistente de fazer isso. Mas em um ponto eu tive uma descoberta. Eu realmente não precisava desenhar pessoas proporcionalmente. Eu percebi isso. Foi minha escolha na época. Embora meu estilo fosse muito gráfico estilizado e irreal, sempre que tentava incluir pessoas em meu trabalho, inconscientemente voltava Assim que comecei a brincar com as proporções da figura, dobrá-las e esticá-las, eu quisesse, meu trabalho de repente ficou muito mais figurativo e também muito mais expressivo Foi pouco depois dessa época que publiquei corpos estranhos aqui no skill share, que hoje continua sendo uma das minhas aulas de ilustração mais populares Então, o próximo tipo de composição que vamos ver é a cena. Esse é outro tipo popular de ilustração. É uma ilustração de um lugar ou espaço. Uma cena pode ser externa ou interna, e pode ter pessoas ou personagens nela, ou nenhuma. Uma cena sem personagens ou um objeto central seria uma paisagem ou uma paisagem urbana, ou talvez um interior se Nesse caso, a cena é o assunto. O desafio para os ilustradores trabalham em um estilo gráfico é como representar uma sensação de espaço mesmo quando trabalham de forma plana Como lidamos com elementos sobrepostos com uma paleta de cores muito limitada, pouca ou nenhuma perspectiva ou sombreamento Agora, aqui temos que sair da nossa mentalidade fotográfica natural, vez de pensar em termos de ângulos de câmera, perspectivas e ver as coisas como próximas ou distantes de uma Queremos pensar mais sobre como contar a história em um layout plano. Como podemos representar as coisas de uma forma que maximize a forma do espaço ou da página em que estamos trabalhando É aqui que podemos lutar contra nossa tentação de competir com nossas câmeras Como podemos criar uma representação mais gráfica dessa cena? A primeira pergunta para uma cena é que história você está tentando contar? Do que trata essa ilustração? O que está acontecendo na foto? Ou o que você está dizendo sobre a cena? Qual é o significado aqui? Agora, por mais importante que a história seja para nossas cenas como ilustradores gráficos, não é tanto o quão interessante é o assunto, mas como você o representa Isso é o que é interessante sobre isso. É aqui que nossas decisões sobre escala, proporção, uso da figura e do fundo e como contornamos as restrições estilísticas de maneira inteligente começam a brilhar restrições estilísticas Ok, então o sexto tipo de composição é a montagem. Uma montagem é uma montagem de várias imagens, marcas, símbolos e outros elementos que se reúnem em torno de uma única ideia ou tema Na ilustração, a montagem é uma abordagem muito comum, especialmente quando pode ser difícil expressar uma ideia em apenas um símbolo ou cena Isso talvez seja mais convencional. Uma montagem geralmente é específica o suficiente para se relacionar com uma ideia ou tema geral sem ser tão específica sobre a mensagem Isso não quer dizer que as montagens não possam ser profundamente comoventes ou significativas, mas como são um pouco mais abertas à interpretação, é mais difícil errar como estrutura de contar histórias montagens são ótimas para associação gratuita quando você não precisa que o espectador chegue a nenhuma conclusão específica, talvez seja mais sobre uma vibração ou um sentimento O desafio das montagens é encontrar seu limite. É possível adicionar muitas ideias ou elementos à composição dessa forma. É semelhante ao flat lay, que você deseja escolher a quantidade certa de símbolos ou objetos a serem incluídos para contar a história. Ao fazer uma montagem, recomendo que você adicione apenas o mínimo possível de elementos separados necessários para contar sua história e se concentre em como compô-los de uma forma inesperada Talvez certos objetos sejam extraordinariamente grandes ou tudo se encaixe como peças de um Em meu trabalho anterior de ilustração, muitos dos meus conceitos adotaram uma abordagem de montagem Isso ocorreu em parte porque era uma maneira mais fácil de representar um tema, mas também porque meu estilo particular era melhor em contar histórias dessa maneira, em vez de incluir diretamente coisas como a figura humana. Na verdade, existem muitas maneiras diferentes fazer uma montagem, desde que você siga a fórmula de combinar vários símbolos ou elementos em uma única composição em torno de uma ideia ou tema comum As montagens podem ser completas, ultrapassando algumas ou todas as bordas da página Ou podem ser mais um agrupamento de elementos flutuando no espaço da própria página ou contra um fundo sólido. Agora, a escada é muito mais comum e, para esta aula, eu recomendaria como ponto de partida Ok, aqui está mais uma coisa para você experimentar antes de prosseguirmos com o projeto. Veja se você consegue encontrar exemplos de ilustrações para cada um dos seis tipos de composição Procure especificamente exemplos que sejam mais gráficos e planos. Obviamente, este exercício ajudará a ver como esses seis tipos de composição realmente estão em toda parte, se você observar. E eles também lhe darão alguma inspiração para o projeto final. Como sempre, quando terminar de tentar isso, compartilhe o que você encontrou na página de projetos da turma e nos vemos no projeto. 9. Introdução e configuração do projeto: Neste ponto, examinamos todos os fundamentos da composição e agora é hora de colocar tudo em ação No projeto da aula de hoje, você poderá criar um conjunto de seis selos postais ilustrados com base no país e no tema de carimbos não são apenas muito divertidos de ilustrar, mas também uma ótima maneira de praticar composição Por serem muito pequenos, eles nos ajudarão a manter o foco na composição geral, em vez de ficarmos presos em pequenos detalhes Outra grande vantagem dos selos é que eles geralmente vêm em conjuntos Então, teremos a chance de criar um conjunto de seis ilustrações diferentes, cada uma com base nos seis tipos de composição que aprendemos na lição anterior Essa é uma ótima maneira de ver como os diferentes princípios de composição funcionam em diversas situações. Como você verá na minha demonstração, o que parece funcionar em um tipo de composição, eu não em outro. Igualmente importante. Você verá como cada um dos diferentes tipos de composição permite que você conte uma história de uma maneira diferente. Na minha demonstração, pude usar cada tipo de composição para inspirar uma ideia diferente para cada uma das minhas ilustrações Agora, aviso justo, temos muito o que fazer nos próximos vídeos, mas farei o possível para orientá-lo em cada etapa do processo. Então, a primeira coisa que precisamos fazer é criar nosso plano de projeto. É aqui que declaramos nosso país e tema, e depois discutimos ideias para nossos seis Vamos fazer nosso plano agora mesmo e, mais tarde, analisaremos mais sobre o processo real de ilustração. Para fazer o planejamento do seu projeto, você só precisa de um pedaço de papel ou do equivalente digital. Eu fiz o meu em procreate com um pincel básico no topo da página Escreva meu plano de projeto Em seguida, anote seu país. Claro, eu escolhi o país. Eu moro no Canadá. Eu recomendo escolher seu próprio país porque é mais pessoal dessa forma. Mas você pode ir para qualquer país que quiser em seguida. Escolha um tema. Pode ser um hobby ou um assunto favorito, ou um feriado como o Natal ou o Halloween Originalmente, eu queria escolher o espaço como meu tema, mas como era novembro quando fiz essa aula, comecei a pensar no inverno. Achei que seria divertido tentar fazer uma série de selos com base nas minhas memórias de ser criança no inverno, crescendo em uma pequena cidade na década de 1980 Então, meu tema é inverno na minha infância. Agora, só porque é um selo para um país inteiro, é divertido pensar em como eu poderia tornar esses selos realmente pessoais e Eu já sei muito sobre minha própria vida e isso tornará muito mais fácil ter minhas ideias mais tarde. Em seguida, anote os seis tipos de composição o objeto único, a natureza morta, a posição plana, a figura, a cena e a montagem Deixe algum espaço entre eles para que você tenha espaço para escrever algumas notas de brainstorming entre Para cada um desses tipos de composição, você pode começar a pensar que gostaria de ilustrar. Quando fiz essa etapa, acabei uma nova camada, usei uma nova cor em procreate e comecei a fazer um brainstorming ali mesmo no plano do Como você pode ver, escrevi meu brainstorm aqui mesmo no meu plano de projeto em azul Depois de escrever todas as minhas ideias para os seis tipos diferentes de composição, que acabarão sendo minhas seis ilustrações de selos diferentes, eu as revisei para fazer minhas seleções finais Eu circulei o que mais me chamou a atenção em cada um. Obviamente, todos nós queremos saber em que tamanho e proporção estamos trabalhando. Se você puder encaixá-lo em sua página diretamente nas dimensões em que gostaria de trabalhar. Depois de concluir seu plano, você pode salvá-lo como Jpeg e compartilhá-lo na página de projetos da turma Vou enviar esse J peg para meu Mac e publicá-lo na página Skill Share Projects por meio do navegador do meu desktop. 10. Processo de projeto (visão geral): Agora que você criou seu plano de projeto, é hora de começar o processo de ilustração. Nesta lição, compartilharei com vocês os cinco passos que dou toda vez que faço uma ilustração. Esta é uma visão de alto nível como passei por cada estágio. Falarei mais sobre minhas decisões reais de composição para cada composição, tipo ou selo em vídeos separados à medida que avançamos Vamos seguir rapidamente essas etapas para começar e depois examinaremos cada uma Em seguida, na primeira etapa, reunimos imagens de referência com base no país e no tema escolhidos. Na segunda etapa, iniciamos os desenhos do modo ou do modo de observação. É aqui que apenas extraímos nossas referências. Que é uma forma de baixar todas essas informações visuais para nossa memória, que possamos extrair mais livremente da imaginação. Mais tarde, na etapa três, começamos a ter ideias no que chamo de esboços ideacionais ou de modo alto Nesta etapa, estamos trabalhando de forma um pouco mais rápida e difícil. Estamos apenas criando o máximo de ideias possível sem sermos muito críticos. Na etapa quatro, selecionamos e refinamos 12, talvez três dos nossos esboços favoritos É aqui que elaboramos nossas composições mais detalhes e com um olhar mais crítico Finalmente, na etapa cinco, é aqui que você constrói sua ilustração final em seu próprio estilo de ilustração usando suas ferramentas e técnicas de aplicativos favoritos. Se você ainda está descobrindo qual é o seu estilo e quais ferramentas usa, fique à vontade para me acompanhar no vídeo tutorial do Photoshop Nesta aula, darei uma demonstração rápida para mostrar como eu construo minhas ilustrações usando o Photoshop, incluindo quais pincéis e cores No vídeo tutorial de maquete, mostrarei como usar os arquivos de maquete de carimbo incluídos nesta classe para você usar. Se você quiser. Lembre-se de que o objetivo desse projeto não é ser perfeito, mas praticar o que você aprendeu na aula. Se você está tendo dificuldades com o projeto, isso significa que você está realmente fazendo perguntas e tentando, o que significa que está aprendendo algo novo. Tudo bem, vamos examinar a primeira etapa do processo de ilustração com mais detalhes. O primeiro passo é reunir imagens de referência relacionadas ao seu tema. Com seis ilustrações para as quais encontrar referências, pode haver muitas imagens para acompanhar Então, para cada carimbo, criei uma pasta com o nome de cada tipo de composição Em seguida, fui procurar imagens relacionadas ao assunto escolhido para cada uma. Agora estou procurando imagens que se pareçam com a forma como minhas ilustrações finais serão compostas, se isso fizer sentido Estou procurando apenas imagens que me ajudem a esboçá-las mais tarde e a lembrar de certos detalhes que darão a elas seu caráter Para quase todas as ilustrações, procuro imagens que mostrem a visão mais simples e reconhecível do meu assunto Porque é assim que eu provavelmente vou querer desenhá-lo no meu estilo. Basicamente, o que quer que fique bem em um estilo gráfico plano, é útil encontrar imagens de referência próximas a isso o máximo possível. Agora, não estamos copiando as fotos, mas se estivermos usando as informações das fotos, é bom ter o máximo possível de um conjunto completo de informações. Mas, ao mesmo tempo, também estou pegando algumas imagens que mostram outros ângulos Eu posso descobrir como nivelar as coisas no meu próprio estilo mais tarde Esse é quase o objetivo principal desse projeto. Freqüentemente, só preciso de imagens que me dêem ideias para certos detalhes, como os padrões ou desenhos de um traje de neve de uma peça dos anos 1980 ou como era a aparência de um taco de hóquei naquela época Não preciso deles em nenhum ângulo específico para saber como são. Eu diria que gaste talvez 30 a 60 minutos procurando imagens de referência. Talvez pare com no máximo 25 imagens por ilustração. Você pode terminar uma etapa mais rápido ou muito mais lentamente do que 25 minutos. Realmente depende do que você está procurando e do quanto deseja se empolgar com essa etapa. Realmente, não há pressa. Aproveite a caçada. E quando estiver pronto, volte para este vídeo. A próxima etapa é desenhar a partir de nossas imagens de referência. Você pode executar essa etapa com papel e lápis reais ou usar um equivalente de desenho digital Eu sempre uso procreate com um pincel de seis lápis para meus desenhos e esboços Se você frequentou minhas outras aulas, saberá que não estamos esboçando ideias de código aqui, mas apenas passando algum tempo desenhando o que vemos da observação É por isso que eu chamo esses modos ou modos de observação de desenhos. Essa é uma etapa fácil e agradável, especialmente se você está acostumado a desenhar de qualquer maneira, porque pode parecer muito produtiva. E você começa a desenhar, mas ainda não está trabalhando muito seus músculos criativos. É uma transição agradável e fácil à medida que nos aproximamos realmente apresentar nossas ideias para nossas composições mais tarde Se você não está confiante em suas habilidades de desenho, não se preocupe em tentar desenhar bem aqui. O objetivo desta etapa é simplesmente baixar essas informações visuais para sua memória, que você pode esboçar posteriormente sem referências de aquecimento Contanto que você analise mais de perto os detalhes do seu assunto enquanto os desenha aqui, isso é tudo o que importa nesta etapa. Preenchi uma página e procriei para cada uma das seis pastas de imagens de referência, ou uma página para cada um dos meus seis tipos de composição Agora, uma das coisas boas sobre o desenho de Omo é que, ao desenhar no controle de cruzeiro aqui, você realmente descobre que algumas ideias para a ilustração final começam a surgir. Por exemplo, quando eu estava desenhando as imagens de referência da minha figura, comecei a ver como eu poderia usar a figura e a forma do anjo da neve de uma forma interessante Também me dediquei a alguns detalhes que me interessavam, como o emblema do carro de corrida de neve GT, do qual, quando criança, eu adoraria muito E para ser honesto, como um homem adulto, eu ainda sou. Os detalhes pelos quais você costuma se empolgar aqui podem ser pistas sobre o que mais lhe interessa e o que você pode querer incluir posteriormente em seu conceito final De alguma forma, permita-se realmente mergulhar nesse estágio. Não pensei nisso, mas na verdade passei 2,5 horas apenas desenhando minhas referências aqui. Quando terminar, recomendo uma pequena pausa para que você possa entrar na próxima etapa com a mente renovada. Ao concluir esta etapa, lembre-se de compartilhar seus desenhos do modo O na página de projetos da classe. Ok, agora é hora de sair do controle da tripulação e começar a realmente ter ideias Essa será uma fase mais desafiadora para muitos de nós, porque é aí que precisamos começar a pensar em como contar a história ou transmitir a ideia que queremos em cada composição Esse é um processo iterativo, o que significa que precisamos esboçar variações para cada composição várias vezes à medida que elaboramos nossas ideias e composições elaboramos nossas ideias e Agora, esta é a fase de esboços, o que significa que você pode ser um pouco mais livre do que na próxima etapa Você não precisa pensar muito sobre composição se ela não for natural. No entanto, pense mais em termos do que incluir na imagem que melhor conte sua história. Por exemplo, com um único objeto que realmente trata de como representar seu objeto da maneira mais clara e interessante iteração ajudará você a encontrar o que está procurando aqui Para ajudá-lo nessa etapa, incluí um arquivo de modelo de esboço que você pode carregar no Photoshop ou procriar, ou até mesmo imprimir, se quiser Obviamente, eles estão na proporção de um por 1,5 em que estou trabalhando, mas você pode ver facilmente como isso poderia funcionar em qualquer outro tamanho ou formato. Para começar, abri o modelo de esboço no procreate e, em seguida, para cada ilustração ou carimbo, criei uma Eu o rotulei no canto superior esquerdo e comecei a iterar Eu sempre começo um pouco fraco e hesitante, mas me aqueço depois de algumas iterações. No modelo, incluí miniaturas de orientações altas e largas, para que eu possa esboçar ideias facilmente nos dois sentidos, em ambas as orientações, para ter opções diferentes para mas me aqueço depois de algumas iterações. No modelo, incluí miniaturas de orientações altas e largas, para que eu possa esboçar ideias facilmente nos dois sentidos, em ambas as orientações, para ter opções diferentes para cada ilustração. Uma das perguntas fundamentais que fazemos sobre uma composição é como eu sei o que incluir na imagem? Agora vou falar mais sobre como eu pensei sobre a composição de cada selo nos próximos vídeos Mas como fiz muita preparação na fase de planejamento e modelagem, eu já sabia qual assunto incluiria em cada ilustração do selo Não precisei perguntar como posso saber o que incluir aqui em nenhum deles. Porque isso já foi determinado para mim pelas etapas anteriores do processo. Principalmente, o que estou fazendo aqui é procurar como organizar esses diferentes objetos, figuras e símbolos da maneira que melhor conte a história que eu quero. Também quero ressaltar aqui o quanto trabalhar a partir de um tipo de composição predefinido quase toma decisões sobre a composição para mim, não preciso pensar nem um pouco sobre elas Por exemplo, eu sei que, para um único objeto, eu só preciso preencher a área de arte do selo com o GT Snow Racer o máximo que puder O formato estreito do meu selo em particular, aquela proporção de um por 1,5, me dá ainda mais uma restrição para trabalhar Preciso mostrar o objeto de uma forma que preencha essa área estreita o máximo possível E acontece que o GT visto de cima funciona perfeitamente. Obviamente, à medida que avançamos nas diferentes ilustrações do projeto, as composições ficam mais Mas cada um dos seis tipos de composição tem algumas pistas sobre o arranjo final das coisas embutidas neles. Agora, esse estágio também pode levar algum tempo. Passei mais 2,5 horas trabalhando em todo o conjunto de iterações? Bem, parece muito tempo para gastar apenas em esboços. Lembre-se de que estamos fazendo seis ilustrações aqui média é de apenas 30 minutos por selo ilustrado, o que, na minha experiência, que, na minha experiência, Novamente, ao concluir esta etapa, lembre-se de compartilhar seus esboços na página de projetos da classe Agora que analisamos os esboços, é hora de encontrar nossas melhores ideias e refiná-las para torná-las ainda Eu recomendo fazer uma pequena pausa entre a última etapa e esta. Acho que sempre vejo meus esboços sob uma nova luz Se eu voltar a elas no final do dia ou mesmo no dia seguinte, vejo as coisas de forma mais objetiva e até aprecio muitas das ideias mais no segundo dia ou mais tarde do quando as desenhava aqui Eu estava apenas os julgando com base na minha intuição. quais esboços eu simplesmente gostei sem pensar muito nisso. Como quando eu olhei esses esboços, quais realmente chamaram minha atenção Mas nesse momento eu também estava perguntando quais contam a história da melhor maneira possível. Quais preencheram bem o espaço ou funcionariam bem no layout final do selo, onde temos que considerar o nome do país e o valor do selo e , o mais importante, quais acho que funcionariam bem no meu estilo de ilustração gráfica mais plano, como veremos na final da natureza morta, por exemplo, escolhi uma composição de que Mas era mais difícil trabalhar em um estilo gráfico plano porque havia muitas sobreposições e até mesmo alguma dimensionalidade nas Passei mais tempo tentando resolver isso. E, em última análise, acho que não estou tão confortável ou tão feliz com a forma como acabei com essa. Você sabe, se eu fosse fazer isso de novo, eu escolheria um dos meus esboços que tivesse menos sobreposição de todas as botas diferentes, ou eu simplesmente reesboçaria Lembre-se de que meu estilo funciona melhor quando as coisas não se sobrepõem tanto Mas em termos de aprendizado sobre composição, essa minha experiência mostra o fato de que uma natureza morta convencional, em que pensamos em todos os objetos juntos em um lugar físico e em proporção uns aos outros, não é necessariamente o objetivo certo para um estilo plano, se você estiver trabalhando em um como eu. É claro que, para este projeto, eu queria continuar avançando. Então, depois de fazer minhas seleções, optei por um estilo de esboço mais refinado Criei um arquivo maior de alta resolução, coloquei meu esboço nele e comecei a refiná-lo com linhas mais limpas Neste estágio, não estou tentando ser perfeito, mas definitivamente estou tentando me esforçar nessa direção. Eu uso o esboço como guia, mas agora posso começar a pensar mais em termos do layout final Como posso fazer com que a composição se ajuste às proporções finais do selo da melhor forma possível E como posso fazer com que funcione com os elementos tipográficos que também precisam estar lá? Foi aqui que comecei a usar minhas grades. Eu uso a armadura harmônica para me ajudar a colocar a composição uniformemente . Costumo ver as coisas de uma forma distorcida. E só quando eu ligo minhas grades é que consigo ver quão instável é minha perspectiva natural Mas mesmo que minha visão fosse perfeita, eu também gosto de usar a grade para alinhar as coisas de forma mais intencional isso que falamos na aula de princípios de estrutura. Como você pode ver, meu rous, onde comecei a fazer minhas seleções Comecei a identificar maneiras pelas quais minhas composições poderiam ser melhoradas Nesse estágio mais refinado, consegui realmente fazer essas melhorias. Comecei a refinar um conjunto de esboços por vez. Eu refinaria apenas um dos fragmentos de um único objeto e, em seguida, apenas um dos fragmentos da natureza morta e assim por diante. Quando eu tinha esses seis esboços refinados, eu estava realmente satisfeita o suficiente para passar para as ilustrações finais, se eu realmente sentisse vontade de mais tarde Talvez eu volte e tente refinar alguns dos outros em outro momento Novamente, ao concluir esta etapa, lembre-se de compartilhar seus esboços refinados na página de projetos da classe Essa é a última etapa e, possivelmente, a mais difícil. É aqui que fazemos com que tudo se junte na ilustração final. Portanto, a maior parte da composição deve ser elaborada até esse momento. Nos esboços refinados, sabemos o que queremos incluir em cada ilustração e devemos ter uma forte noção de para onde as coisas irão nesse momento É só uma questão de saber se tudo vai realmente funcionar como imaginamos Quando realmente começamos a criar essa ilustração final, há uma forte relação entre como esboçamos e como ilustramos em nosso estilo final Se conhecemos nosso estilo bem o suficiente, a transição do esboço para o final deve ser relativamente indolor. Se você ainda não conhece seu estilo ou suas técnicas, conhecer esse fato deve pelo menos ajudá-lo a explicar por que esse estágio pode não ser tão fácil para Em termos de composição, trabalharemos principalmente em nossas cores, texturas, questões de sombreamento e contraste E, claro, os detalhes específicos que talvez estejamos propensos a discutir, como narizes, olhos e estilos de letras Você verá que, mesmo para mim, a transição do esboço para o final não é tão indolor Como eu disse, eu estava ficando preso composição das botas porque estava tentando mostrar todas essas coisas, todas as botas de uma forma muito estratificada e, para mim, muito tridimensional Acabei resolvendo um pouco achatando as botas e simplificando alguns detalhes Mas não vejo a clareza que eu almejaria no que deveria ser uma composição simples. Se eu fosse refazer este, eu o refaria como um arranjo muito mais plano e reto. A outra peça com a qual passei muito tempo foi a cena geral. Estou feliz com o conceito, mas tenho sentimentos contraditórios sobre onde acabei com a figura. Acho que está principalmente no gesto e também gostaria de resolver isso mais Mas é claro que isso é apenas um detalhe. Temos que lembrar que, para esta aula, nosso foco é mais na composição do que em acertar esses detalhes menores na esses detalhes menores na composição como um todo. Estou muito feliz com o resultado. Durante todo o caminho, usei minha grade de armadura harmônica para ajudar a dar mais estrutura e alinhamento a cada ilustração e para me ajudar a dividir a página em proporções mais agradáveis, e para me ajudar a dividir a página em de acordo com a regra dos Outro elemento em que todos se concentrarão aqui são as letras do nosso país e o valor, e talvez até uma pequena legenda para cada selo Você pode escolher uma fonte que funcione bem para você ou até mesmo experimentar algumas letras personalizadas para a minha Acabei de usar uma versão de fonte feita rapidamente das minhas próprias letras à mão Finalmente, como uma etapa rápida, mas muito satisfatória, coloquei cada peça final em um arquivo de maquete de carimbo, que adiciona as bordas perfuradas e adiciona um pouco de textura de papel à obra de Incluí os arquivos de maquete nos formatos Photoshop e procreate Na página de recursos do projeto, você pode aprender como colocar sua arte no arquivo de maquete e fazer suas próprias personalizações no arquivo e fazer suas próprias personalizações Tutorial nesta aula. Novamente, lembre-se de compartilhar suas ilustrações finais de selos na página de projetos da turma e nas redes sociais usando a composição da hashtag para ilustradores Estou muito empolgada em ver 11. Tutorial no Photoshop: Este é um tutorial rápido para ilustrar no Photoshop com os mesmos pincéis e cores que usarei para a demonstração do projeto Se você está curioso sobre como estou construindo minha arte em termos de ferramentas e técnicas, este vídeo explicará basicamente o básico Eu encorajo você a criar suas ilustrações à sua maneira , usando suas próprias ferramentas, técnicas e estilo Mas, ao mesmo tempo, não quero que nenhuma falta de experiência impeça você de simplesmente aproveitar o projeto Sinta-se à vontade para usar este tutorial e baixar meus pincéis e paleta de cores para usar em seu próprio projeto Agora, antes de começarmos a usar os pincéis do Photoshop, você precisará de algum tipo de tablet gráfico Eu uso meu iPad e Apple Pencil como um tablet gráfico para o meu Mac. Eu faço isso usando o Astropad Studio. Deixei um link na descrição do projeto para que você possa aprender mais sobre como fazer isso. Além disso, você precisará baixar o arquivo do modelo de arte final do Photoshop página do projeto da classe Bem como os pincéis e os arquivos de paleta, que eu também forneci Eu tenho os pincéis, a paleta e os arquivos de modelo de arte final aqui carregados no meu localizador Vamos começar abrindo o modelo de arte final. Depois de abrir o arquivo, você também pode instalar os pincéis e as amostras da mesma forma Basta abrir esses arquivos usando o Photoshop e eles devem ser carregados automaticamente no seu Photoshop Os pincéis aparecerão no painel de pincéis. Você deve ver um pequeno grupo de pincéis chamado pincéis de classe de composição Da mesma forma, as amostras aparecerão no painel de amostras como um pequeno grupo de cores aqui chamado de paleta de classes de composição Se você não ver nenhum dos painéis de pincéis ou amostras, basta ir até a janela e verificar se os pincéis estão marcados e as amostras estão marcadas E você provavelmente deve vê-los em algum lugar no lado direito da tela. Se você está me acompanhando e fazendo seus carimbos na mesma proporção de 1,5 por 1,5, use o arquivo de modelo de arte final conforme fornecido Os carimbos que estou desenhando devem ter um por 1,5" no total, incluindo as bordas perfuradas e Isso significa que a área de arte em si será um pouco menor e ligeiramente diferente em proporção. Tudo o que você precisa saber é que, se você usar meu modelo de arte final, tudo funcionará perfeitamente. Acabei de abrir minhas propriedades de tamanho de imagem aqui por um segundo. No Photoshop, você pode ver que as dimensões têm pouco menos de uma polegada de largura neste caso e um pouco de 1,5" de altura Mas você notará que a resolução é super alta, 2.400 pixels por polegada Eu superdimensionei a imagem aqui para que ela fique bem, pois o tamanho é maior do que apenas uma por 1,5 “, o que é bem pequeno. Para que essas ilustrações tenham uma boa aparência ao serem compartilhadas na página do projeto ou nas redes sociais, a resolução precisa ser maior Agora, só mais uma nota técnica. Se você estiver usando o modelo de esboço fornecido para os esboços refinados, esse arquivo de arte final terá o dobro do tamanho novamente Contanto que você use esse arquivo conforme fornecido, ele se encaixará perfeitamente no arquivo de maquete. E, claro, eu tenho um tutorial para o arquivo de maquete no próximo vídeo Agora eu gostaria de levá-lo em um pequeno tour por este arquivo. Vamos dar uma olhada nas camadas no painel de camadas. Aqui temos três grupos de camadas. Essas são pequenas pastas que têm camadas dentro delas. Primeiro, temos o grupo de camadas de arte, é aqui que você construirá sua ilustração. Em seguida, temos o grupo de camadas de grades. Vamos examiná-los em apenas um momento. Mas em terceiro lugar, aqui temos o grupo de camadas de esboço. É aqui que você colocará seu esboço primeiro. Vamos dar uma olhada no grupo de camadas de grades aqui. Aqui eu incluí duas grades, a armadura harmônica e as grades da regra dos Nós os examinamos na aula de princípios estruturais, mas eu os forneci aqui apenas para sua conveniência. Também incluí uma área segura, essa é uma margem uniforme em todo o arquivo, apenas para garantir que certos elementos permaneçam a uma distância segura das bordas, principalmente o nome do país e o valor do selo ou qualquer outro elemento tipográfico que você queira colocar próximo à borda, mas não até a Agora você pode mostrar ou ocultar qualquer uma dessas grades apenas clicando no pequeno ícone na coluna da esquerda aqui no painel de camadas Mais uma coisa sobre as grades aqui é que eu defini a opacidade em cerca de 30%. Isso significa que elas são visíveis, mas não distraem muito enquanto você constrói Se você quiser fazer alterações na opacidade aqui, basta clicar no pequeno cadeado aqui para desbloquear o grupo de camadas E então você pode alterar a opacidade para torná-los mais visíveis. Ou torne-os menos visíveis como você quiser. Eu gosto de ter o conjunto em torno de 30%, dependendo do que estou fazendo no arquivo. Gosto de ter certeza de que está trancado para não movê-lo acidentalmente enquanto estou fazendo a arte Agora, para começar a ilustrar de verdade, colocaremos um dos esboços refinados que fizemos nesse arquivo Para fazer isso, basta arrastar o arquivo de esboço do localizador para o arquivo ou usar local do arquivo vinculado e fazer dessa forma Agora, quando eu coloquei o esboço no meu arquivo, ele ficou no topo de todas as camadas Você só quer ter certeza de colocar seu esboço no grupo de camadas de esboço Se o esboço estiver na orientação errada, como está aqui, você pode simplesmente girá-lo em 90 graus para coincidir e, em seguida, dimensioná-lo para o tamanho certo, conforme Então, vou usar a ferramenta de transformação pressionando comando e, em seguida, coloco meu cursor apenas em um dos cantos E segurando a tecla Shift, poderei girá-la em incrementos uniformes até que esteja a 90 graus, de uma forma ou Também vou escalá-lo do centro para que corresponda ao tamanho do arquivo. Estou segurando a tecla shift e a opção para ter certeza de que está aumentando proporcionalmente E ao segurar a opção especificamente, isso significa que eu a estou escalando a partir do centro Depois de implementá-lo, basta clicar duas vezes nele para confirmar a alteração. Agora você notará que o esboço está mais fraco porque o grupo de camadas está configurado para Aqui, novamente, isso é, então o esboço é visível, mas não distrai muito. Enquanto estiver construindo a ilustração por cima, você pode ajustar a opacidade do grupo de camadas conforme desejar Você pode torná-lo super intenso ou super fraco. Tudo o que você precisa fazer. Eu gosto de mantê-lo em torno de 20% agora com apenas mais uma nota antes de prosseguirmos. Você pode ver que minha obra de arte está errada. Tudo precisa ser deslocado no sentido anti-horário Tudo o que você precisa fazer é acessar a imagem e a rotação da imagem e girá-la na direção necessária para colocá-la da maneira correta Talvez seja um bom momento para salvar nosso arquivo para não sobrescrever o modelo Então, vou salvar As e chamar isso de natureza morta, arte final. No meu projeto, estou usando apenas quatro pincéis. Isso me ajuda a manter as coisas simples e traz uma consistência estilística geral às ilustrações Obviamente, isso aumenta a unidade geral no trabalho. Agora eu incluí os pincéis que estou usando nesta aula Para sua conveniência, se você já instalou os pincéis, verá uma pequena pasta aqui chamada pincéis de classe de composição Três deles são, na verdade, fornecidos gratuitamente aos usuários da Creative Cloud. Portanto, se você estiver usando o Photoshop CC, terá acesso a eles no site da Adobe A única exceção aqui é a escova de grãos pesados. Este é da empresa Retro Supply. Isso é do conjunto de pincéis Woodland Wonderland. Eles, graciosamente, deixe-me incluir isso para você nesta aula Considere comprar todo o conjunto de pincéis Woodland Wonderland usando o link fornecido na página do projeto desta aula Agora vou mostrar como uso cada pincel para criar minhas ilustrações finais Então, vamos começar com a beleza do pincel. Queremos ter certeza de que estamos no grupo de camadas de arte e eu criei uma camada na qual você pode começar que diz criar arte de carimbo aqui. Vamos começar com isso. Talvez antes de prosseguirmos, eu preencha isso apenas com uma cor sólida e comece a ilustrar meus elementos em cima disso Eu vou escolher esse rosa assim. Basta preencher isso usando a ferramenta de preenchimento. Como você pode ver, embora eu o tenha preenchido com uma cor totalmente sólida, ainda consigo ver meu esboço e essas grades o suficiente, sem que eles se distraiam com a beleza do pincel selecionada Quero definir isso para um tamanho de cerca de 100 pixels. Vou usar isso como uma forma de definir minhas formas maiores na ilustração aqui, quero escolher uma cor diferente. Eu vou com amarelo. Vou começar criando um contorno em torno de uma das minhas formas maiores Depois de criar essa forma e fechá-la, posso pressionar G no meu teclado para ativar uma ferramenta de preenchimento de baldes e vou preencher essa forma. Agora, se você ampliar bem de perto, verá que há uma pequena linha de cabelo entre a área que você preencheu e o contorno Tudo o que você precisa fazer para se livrar disso é preenchê-lo novamente, e a linha do cabelo deve desaparecer. Agora, toda vez que você criar uma nova forma ou um novo detalhe, crie uma nova camada. Dessa forma, tudo permanece editável mais tarde. Como você pode ver, eu não fiz isso quando acabei de fazer essa forma. Eu fiz isso em segundo plano e não quero que isso aconteça. Então, eu vou desfazer isso e fazer isso da maneira certa. Agora vou clicar em uma nova camada e desenhar essa forma em sua própria camada. Primeiro, basta preencher o esboço e, em seguida, preenchê-lo uma vez Preencha-o duas vezes e então ficará bom. Agora vamos criar uma nova camada e criar uma dessas botas. Eu vou fazer essa bota nessa cor azul. Feche a forma atingida por Phil. Preencha-o uma vez. E para me livrar dessa linha de cabelo, vou preenchê-la mais uma vez para adicionar detalhes menores. Você pode usar o mesmo pincel, mas em um tamanho menor aqui. Talvez eu faça com que o pincel tenha 50 pixels para adicionar alguns detalhes sobre a bota aqui. Agora, vamos criar uma qualidade de borda consistente em todas as formas e detalhes, incluindo essas linhas brancas que acabei de criar. Você pode ver que, no momento, as bordas estão embaçadas e distintas em comparação com o formato da bota Só para tornar tudo consistente, vou pressionar meu teclado para a ferramenta de preenchimento e tocar apenas uma vez para preenchê-las, e ela automaticamente torna essa borda mais áspera e é consistente com o resto da ilustração Toda vez que edito uma forma ou adiciono uma nova para restaurar essa borda consistente, sempre preencho com a ferramenta bucket. Novamente, isso elimina aquela borda embaçada da aparência digital. Outro uso para a beleza do pincel antes de prosseguirmos são as letras Vou criar uma nova camada aqui por um momento, apenas para uma demonstração rápida. E vou fazer algumas letras, talvez torná-las um pouco maiores Eu tenho minha grade ativada para que eu possa fazer minhas letras mais ou menos uniformes para obter uma borda bonita nessas letras, para que elas não pareçam tão obviamente desenhadas com um pincel. Eu uso minha ferramenta de borracha e arrumo essas pontas assim. Assim como outros detalhes, posso usar a ferramenta de preenchimento, tocar nela em cada elemento separado e, em seguida, eles têm a aparência consistente e mais áspera que eu estou procurando Nesse estilo específico, você pode fazer um pequeno ajuste aqui e ali, conforme necessário. Mas se você diminuir o zoom e até mesmo reduzir um pouco o tipo, verá que tudo parece muito bom. Essa é outra pequena dica secreta: se você estiver digitando letras ou letras à mão, torne-as maiores do que o necessário e seguida, reduza-as e coloque-as onde precisar Dessa forma, as letras terão aparência um pouco mais refinada do que se você tivesse Desenhei no tamanho exato que você precisa. Agora vamos dar uma olhada no pincel de grãos pesados. Vou criar uma nova camada aqui para esta. Eu realmente quero que isso seja grande. Talvez 400 ou 500 pixels. Então, é bonito e robusto. Se for muito pequeno, parecerá mais um pincel do que uma textura. E eu realmente uso esse pincel de grão pesado como textura, não realmente um pincel. Vamos selecionar uma cor mais escura aqui na paleta de classes. E eu quero criar um pouco de sombreamento sobre essa bota. Nesse sentido, quero criar um pouco de textura de sombreamento sobre essa bota Nesse cenário, quero que o lençol se prenda apenas à bota ou ao objeto abaixo, e não saia pelas bordas, como eu fiz aqui Para garantir que isso aconteça, vou trazer essa camada de textura que acabei colocá-la logo acima da bota. Logo acima da bota. E então, no painel de camadas, eu clico com o botão direito do mouse. E deve haver uma opção para criar uma máscara de recorte. Desde que essa camada esteja diretamente acima do objeto que eu quero recortar, eu obterei isso. O que você vê acontecendo aqui, como você pode ver o detalhe branco, a bota também está ultrapassando a borda. Então, na verdade, selecionarei essa camada porque ela está diretamente acima de outra camada que está cortada nesse objeto Se eu for criar uma máscara de recorte, ela se juntará à máscara de recorte Diversão para esse grupo. Esse pincel verde pesado é ótimo para sombreamento e textura, mas também é bom para adicionar efeitos de brilho, como fiz com o feixe de luz da cabeça e o halo da lua na minha ilustração de halo da lua na minha ilustração Agora vou desenhar uma dessas meias aqui para nos preparar para a demonstração do pincel Rough Rowdy Em alguns casos do meu projeto, eu queria criar uma textura mais selvagem, algo diferente do grão pesado. Para isso, usei um pincel chamado Rough Route, que quase parece uma tinta borrada com um pouco de verde de madeira. Vou te mostrar o que quero dizer. Então, vou selecionar meu pincel rudy áspero e vou criar esse tamanho, bem grande, de 400 pixels para começar certificando-me de que estou trabalhando em uma cor mais escura Neste exemplo, criarei uma nova camada. Vou te mostrar como é esse pincel. É uma textura muito borrada e de aparência desgastada Para usar este, eu o uso mais como uma textura do que como um pincel semelhante à forma como uso o grão pesado, mas de uma forma ainda menos controlada. O que eu faço é torná-lo muito grande. Ao fazer isso, fiz este tipo de 450 pixels. Em seguida, faço algumas amostras para trabalhar. Eu só vou fazer aquela amostra lá em uma camada separada. Vou criar mais uma amostra em outro lugar para que a textura que ela cria seja diferente. Eu o deixo um pouco mais leve, então não é tão intenso e é mais sutil, algo assim. Com este, eu poderia até apagar um pouco as bordas só para dar a elas um pouco mais de uma borda, uma borda limpa Então, o que posso fazer com eles é aplicá-los como uma máscara de recorte em um objeto abaixo Vou trazer a camada com a qual estou trabalhando aqui e aplicá-la como uma máscara de recorte na meia que fiz O efeito que estou procurando aqui é como uma meia suja. Na verdade, não pretende sugerir sombreamento ou arredondamento da meia, mais como se estivesse Eu vou fazer o mesmo com essa textura aqui. Vou aplicá-la como uma máscara de recorte sobre essa meia. Isso é muito intenso. Talvez eu queira experimentar um pouco mais leve e brincar um pouco com ele até obter o efeito desejado. Mas foi assim que eu estava usando esse pincel no projeto da classe. Se você quiser ver exatamente como eu uso isso no projeto, usei na minha ilustração de cena, onde tenho aquela calçada que está sendo Ao copiar e colar essa textura em ângulos e escalas ligeiramente diferentes, pude sugerir a aparência da neve em uma calçada quando é raspada com uma pá, onde você vê restos da essa textura em ângulos e escalas ligeiramente diferentes, pude sugerir a aparência da neve em uma calçada quando é raspada com uma pá, onde você vê restos da neve branca no asfalto escuro. Agora vamos dar uma olhada na borracha áspera, que é apenas uma das tintas de Kyle Webster que você pode baixar do baixar Acabei de renomeá-lo para Rough Eraser. Eu o uso como um pincel de borracha para obter uma borda mais áspera do que a que você pode obter com um dos pincéis padrão que vêm com o Photoshop Esses tendem a parecer muito mais digitais, e vou mostrar o que quero dizer bem rápido. O Photoshop fornecerá esses pincéis gerais como borrachas. Eles são redondos macios e redondos duros parecem muito limpos e digitais, o que eu não gosto no meu estilo mais bagunçado aqui Para usar o referenciador, uma borracha eu pressionei para ativar a ferramenta de borracha, basta selecionar o referenciador no meu painel de pincéis Vou me certificar de que esse seja um tamanho razoável, talvez 20 pixels, e começarei a apagar sempre que eu precisar Digamos que eu queira trocar um pouco a bota. Vou apenas selecionar a camada de inicialização e com minha ferramenta de borracha ativada, posso começar a apagar, talvez limpando algumas das bordas ou talvez se eu quiser criar uma forma diferente na Minha borracha me permite fazer isso porque é um pouco mais áspera, não é tão limpa e tem Agora, só uma dica aqui, se você apagar sua forma aqui, em qualquer lugar da forma, mas quiser trazer de volta aquela qualidade de borda consistente Você pode simplesmente acessar a ferramenta de preenchimento e garantir que a cor do objeto seja a mesma da paleta Em seguida, basta tocar na ferramenta de preenchimento e, em seguida, toda a borda é trazida de volta. Essa técnica que eu uso de preenchimento direito novamente para obter essa borda é muito específica para usar esses pincéis Isso pode não se aplicar a todas as situações. Talvez você nem sempre queira uma vantagem tão áspera como essa em todos os casos. Isso praticamente encerra o tutorial do Photoshop. Esta é apenas uma visão geral dos meus pincéis e técnicas que estou usando nesta aula Esses são todos os pincéis e técnicas que eu uso, e eu os uso de forma muito consistente E você pode realmente obter muito de um pouco dessa maneira. Novamente, se você ainda não o fez, salve-o como um novo arquivo e nomeie-o adequadamente quando terminar Depois de concluir sua ilustração e estar pronto para compartilhá-la na página da aula ou nas redes sociais, não se esqueça de ocultar a camada de grade e a camada de esboços E então você pode salvá-lo como um Jpeg para compartilhar. 12. Tutorial de mockup de carimbo: Parte da diversão desse projeto é ver seu selo de uma forma mais realista Por esse motivo, forneci um arquivo simulado. Eu tenho um para o Photoshop e outro para procriar. Eles funcionam de forma um pouco diferente em cada um desses programas, então tive que criar dois tipos diferentes de maquetes Vamos começar com uma foto. Você pode baixar o arquivo da página de projetos da classe e, em seguida, basta abri-lo no Photoshop E depois de carregá-lo, você verá algo assim. Agora, para usar esse arquivo de maquete, você precisará trabalhar nas mesmas dimensões ou proporções que usei na demonstração da aula E que eu forneço nos modelos de arte final. Para obter mais informações sobre isso, você pode usar o tutorial do Photoshop nesta aula As diferentes partes do arquivo de maquete são o plano de fundo que circunda o carimbo e, em seguida, temos essa E então, é claro, a área onde você coloca sua ilustração é bem simples. Há várias camadas diferentes aqui que você pode ver no painel Lys Mas, na verdade, tudo o que você precisa fazer é acessar essa camada chamada Place Art aqui. É um objeto inteligente, o que significa que você pode clicar nele e ele abrirá um arquivo separado aqui. E é aqui que você deseja colocar sua ilustração existente. Você pode fazer isso simplesmente pegando seu arquivo de arte e arrastando-o para a Ou você pode acessar o arquivo Place Linked e encontrá-lo em seu localizador ou sistema de arquivos Dessa forma, depois de colocá-lo lá, você pode descobrir que ele está na orientação errada. Tudo o que você precisa fazer é girá-lo em 90 graus. Eu vou fazer isso apenas segurando a tecla shift. Depois de carregá-lo, ele já estava no modo de rotação. Você pode ver que esses pequenos cantos são pequenos quadrados E isso significa que posso transformá-lo antes de confirmá-lo no arquivo Então, vou manter pressionada a tecla Shift para poder girá-la nesses incrementos uniformes E depois vou aumentá-la até que fique exatamente do mesmo tamanho desta tela aqui. Agora, para escalá-lo a partir do centro, estou pressionando a opção e a tecla shift ao mesmo tempo , dependendo das configurações no Photoshop Talvez você precise pressionar ou não a tecla shift e, quando estiver no tamanho exato, basta clicar duas vezes nela E aí está. Tudo o que você precisa fazer agora é salvar. Vou pressionar o comando S para salvar e fechar esse arquivo. Como você pode ver, minha arte está aqui na maquete. Se você encontrar seus carimbos na orientação errada, não se preocupe com isso Tudo o que você precisa fazer é ir para a rotação da imagem e girar a 90 graus no sentido horário ou anti-horário ou anti-horário Lá vamos nós. Agora, antes de avançarmos demais, vamos salvar isso como um novo arquivo porque não queremos sobrescrever nosso arquivo de maquete porque queremos mantê-lo em branco para ilustrações em branco para ilustrações Vou salvá-lo como maquete de figura porque esta é minha ilustração de figura E então eu vou clicar em Salvar. Agora, se você quiser alterar a cor do plano de fundo, tudo o que você precisa fazer é selecionar essa camada de cor de fundo no painel de camadas. Depois, você pode tocar em qualquer cor no painel de amostras se quiser alterar a cor dessa forma Eu gosto dessa cor azul mais escura. Embora eu possa torná-lo um pouco mais suave para que o selo possa aparecer um pouco melhor E eu vou bater, ok. Outra forma de alterar a cor é clicar duas vezes na camada de cor de fundo. E você pode usar o seletor de cores para alterar a cor a partir daí Vou salvar o arquivo novamente. E, claro, se você quiser compartilhar isso no Instagram ou na página de projetos da turma, precisará salvá-lo como Jpeg ou PNG Apenas certifique-se de salvar como e, em seguida, selecione Jpeg ou PNG e salve seu arquivo de maquete Dessa forma, para a maquete do procreate, basta baixar o arquivo da página de projetos da classe e abrir no Depois de tê-la em procreate, você pode adicionar sua própria arte à camada apropriada Basta acessar o painel de camadas aqui no procreate, essa camada está na parte inferior Diz, substitua essa camada pela sua arte. No procreate, não há objetos inteligentes nos quais você simplesmente recorte e cole sua arte aqui ou a coloque de um arquivo, se você a salvou dessa forma Vou até a pequena chave inglesa aqui e adicionar uma foto E eu tenho minha arte de selo aqui nas minhas fotos. E eu vou girá-la enquanto estiver nesse modo de transformação com a borda do letreiro aqui. Basta girar 45 graus e ele se centralizará perfeitamente e girará na maquete dessa forma Quando terminar, basta tocar na seta no menu superior direito e sua maquete de carimbo estará lá e sua maquete de carimbo Se o carimbo inteiro estiver na orientação errada, basta girar usando os dois dedos dessa forma e ele deve se encaixar em um incremento de 90 graus É isso aí, você está pronto. Agora, novamente, olhando de perto, você pode ver aquela bela textura de papel que acontece automaticamente, desde que você coloque seu arquivo neste grupo de camadas de carimbo Se você preferir não ter essa textura de papel impresso, você pode simplesmente ocultá-la ou desativá-la no painel de camadas Finalmente, se você quiser mudar a cor do plano de fundo, não quero que seja esse cinza opaco Vou selecionar a camada de cor de fundo e, em seguida, vou escolher uma cor usando o seletor de cores aqui Talvez um azul semelhante ao que usei no tutorial de maquete do Photoshop. E então, é claro, vou tocar neste disco no canto superior direito e arrastá-lo até preencher toda a área da borda com uma nova cor E aí está. Agora, lembre-se de que a obra de arte que você coloca aqui deve se estender até a borda perfeita da área de arte aqui A forma como esse arquivo funciona e procria é basicamente como uma moldura ou janela pela qual seu arquivo de ilustração aparece Você só quer ter certeza de que sua arte se encaixa exatamente nessa área para que não haja lacunas nas bordas Você também quer ter certeza de que não está cortando demais para que as coisas se percam nessas bordas E pronto, é assim que você cria sua maquete no Procreate e no Photoshop 13. DEMO: o único objeto: Nos próximos seis vídeos, falarei sobre como elaborei minhas composições para cada uma das seis ilustrações de selos Já examinamos todas as etapas do processo de ilustração, incluindo as etapas mais preliminares de reunir imagens de referência e desenhar no modo. Agora vamos dar uma olhada nas minhas decisões de composição, tanto nos esboços iniciais quanto nos esboços refinados E, claro, também nas etapas finais da ilustração. Começaremos aqui com o único objeto na fase de esboços É aqui que eu começo a ter ideias. Aqui, criei uma página de miniaturas na proporção em que pretendo fazer meus carimbos finais Nesse caso, é cerca de uma unidade em uma dimensão e 1,5 unidade em. O outro. Metade das minhas miniaturas aqui estão no formato vertical e a outra metade está no formato horizontal E isso me dará a chance de considerar esses dois layouts como uma opção para cada ilustração Eu forneci o mesmo modelo de miniatura que estou usando aqui como download na página de projetos da classe Para um único objeto, a tarefa foi bem simples: encaixar o snowracer GT no layout Quando me sento para começar a criar ideias, minhas primeiras iterações geralmente são apenas um aquecimento Portanto, não há muita criatividade acontecendo nos primeiros esboços aqui Mas então, à medida que prossigo, você pode ver que estou começando a calcular as proporções das partes do trenó Há o assento, o céu, o volante e a estrutura Também estou pensando nos detalhes internos, como o padrão das linhas no assento ao lado da segunda fileira das minhas miniaturas Estou sendo um pouco mais criativo, vendo se consigo fazer variações no ângulo em que estou desenhando ou no ponto de vista do objeto no esboço do meio esquerdo Também comecei a pensar na colocação dos elementos tipográficos E isso, é claro, inclui o nome do país e o valor do selo Por causa de como as coisas estavam se encaixando, tive a ideia de apontar um céu frontal para um canto, o que cria uma composição mais dinâmica Há mais movimento nela E o céu frontal aponta seus olhos para o canto superior direito de uma forma interessante. No esboço seguinte, comecei a brincar adicionando alguns emblemas ou logotipos do snowracer que são divertidos de ilustrar e adicionam um pouco mais de nostalgia para e adicionam um pouco mais de Também estou brincando de mostrar alguma perspectiva. Embora eu esteja trabalhando em um estilo simples, ainda é um desafio interessante ver até onde posso ir longe sugerindo alguma profundidade dessa forma. Você pode me ver apenas tentando algumas outras coisas, algumas que não funcionam e outras que funcionam. O layout horizontal me fez pensar mais uma vista lateral do que em uma vista aérea de cima. Também comecei a brincar adicionando uma corda de reboque à peça para contar mais uma história Agora, nesta fase de esboços, tento analisar as ideias de forma mais rápida e menos crítica O motivo pelo qual as miniaturas são tão pequenas é que você não quer passar muito tempo com elas Pense na composição geral aqui e não se deixe levar pelos detalhes. Você também pode se permitir ter ideias ruins que não levam a lugar nenhum aqui Nada é precioso. Neste estágio, seremos mais analíticos e críticos. Na próxima etapa deste projeto, acabei preenchendo apenas uma página de miniaturas para cada ilustração e depois passei para a Depois de terminar todos os meus esboços de todo o conjunto, voltei e os revisei, procurando cerca de três das minhas melhores ideias para transformar em um esboço mais refinado Em procreate, acabei de adicionar um ponto vermelho às minhas seleções para minhas ilustrações de um único objeto Gosto de três dos meus esboços verticais e um dos meus horizontais. Esse foi o último lá no canto inferior direito. Agora, minhas decisões aqui foram baseadas em três questões ou critérios principais. Primeiro, o que eu gostei de uma forma instintiva? Em segundo lugar, o que preencheu o espaço? Bem, terceiro, o que eu acho que contou uma história interessante ou criou uma composição interessante ou inesperada? Isso é, em alto nível, o que estou procurando em todos esses esboços Ao passar por isso, percebi que esqueci incluir um pequeno detalhe no GT, que é essa pequena quebra de pé É como um pequeno raspador com mola que você empurra com o pé para diminuir a velocidade nas colinas Para mim, acho que esse é um detalhe muito importante desse produto, desse trenó Agora, depois de fazer minhas seleções, eu as coloquei no estágio refinado No estágio refinado, descobri meu conceito geral e agora é hora de definir os detalhes Aqui, coloquei meu esboço em uma tela maior e procriei onde eu poderia fazer exatamente isso É nesse ponto que posso começar a pensar com mais precisão sobre o layout, incluindo ter minha grade de armadura harmônica Eu forneci o mesmo modelo de esboço refinado que estou usando aqui como download na página de projetos da classe Inclui as duas grades, a armadura harmônica e a regra dos terços, bem como uma área segura que oferece uma margem uniforme em toda a borda para que você não coloque seus elementos de texto ou outros detalhes muito próximos das bordas de um não coloque seus elementos de texto ou outros detalhes muito próximos das bordas Acabei optando pela orientação vertical e gosto muito daquela com o esqui virado apenas para um lado. Era um equilíbrio perfeito entre uma composição muito reta E um pouco peculiar para mim, o esqui inclinado me faz sorrir um pouco e, na verdade, se esse GT pudesse sorrir, provavelmente assim Também gostei de como o esqui realmente deu a sensação de que você poderia dirigir essa coisa com um volante real Esse é um detalhe muito importante para um garoto de seis anos que está tentando dominar a colina da escola Não estou tentando prestar muita atenção às proporções literais do trenó, mas quero ter certeza de que todos os céus se relacionam em termos de largura e formato arredondado das extremidades dos Também estou pensando nas proporções do objeto geral em relação à imagem geral. Quero preencher o espaço uniformemente, mas também quero deixar suficiente para respirar no espaço ao redor. Eu não medi a proporção entre números e solo aqui, mas o volume de espaço que o objeto geral ocupa, incluindo os espaços dentro dele, é cerca de dois terços do espaço disponível Meu objeto é bastante simétrico por si só, então me parece muito óbvio simplesmente colocá-lo centralizado e me inclinar colocá-lo centralizado e me inclinar Portanto, estou me certificando de que os dois esquis laterais tenham o mesmo tamanho e que o assento esteja uniformemente centralizado entre É claro que também estou procurando maneiras de introduzir a repetição. E você pode ver isso acontecendo nos detalhes dos esquis e do assento Também estou repetindo os ângulos da moldura. Portanto, os ângulos na frente da estrutura, bem como os ângulos na parte traseira, são os mesmos. Eles são paralelos um ao outro. Para o esqui dianteiro, que está inclinado, estou alinhando-o ao longo de uma das linhas diagonais na grade da armadura harmônica E isso apontará precisamente para o número cinco no canto. Então, é claro, como você pode ver, agora estou incluindo os elementos tipográficos, que são meu país, que são meu país, o valor do selo e até mesmo uma pequena legenda para aquele toque tipográfico extra que gosto de trazer para toque tipográfico extra que agora estou incluindo os elementos tipográficos, que são meu país, o valor do selo e até mesmo uma pequena legenda para aquele toque tipográfico extra que gosto de trazer para minhas ilustrações. Agora eu me preocupo muito com os detalhes dos freios de pé Eu sabia que mecanicamente eles se conectavam em algum lugar sob o volante Mas, em termos de composição, isso pareceria excessivamente complicado e desafiaria o princípio da simplicidade, que é um dos nossos Então, acabei anexando-os à moldura de uma forma que tecnicamente não é correta ou correta, mas, em termos de composição, parece mais simples e, na minha opinião, parece um lugar melhor. Eu me esforcei para me sentir bem. Era o padrão X em que a estrutura se conecta aos dois esquis laterais próximos ao volante Continuava me sentindo muito desequilibrado. Para mim, havia uma concentração de detalhes em uma área, logo na frente, onde a moldura se conecta aos céus. Novamente, isso desafiou a lei da simplicidade e criou uma sensação de desequilíbrio Portanto, não acabei resolvendo esse detalhe específico nesse estágio, mas sabia que poderia resolvê-lo mais tarde Na etapa final da arte, novamente, passei pela fase refinada de todo o conjunto de ilustrações. E quando eu tinha tudo pronto, eu estava pronto para começar as ilustrações finais Comecei com este , o objeto único, e é isso que vamos ver agora. Para as ilustrações finais, trabalhei em um arquivo de resolução ainda maior, também incluiu as mesmas opções de grade do modelo de esboço refinado Falei sobre isso em detalhes no tutorial do Photoshop, incluindo como colocar o esboço no arquivo e como ativar e desativar as grades Eu forneci o mesmo modelo de arte final, que essas grades podem ser baixadas na página de projetos da turma No meu processo, acho que a maioria dos problemas de composição resolvidos no esboço refinado na fase final. Minhas decisões giram muito mais em são resolvidos no esboço refinado na fase final. Minhas decisões giram muito mais em torno de questões de estilo, especialmente cor Mas, como você verá em algumas das minhas peças nesta fase, como a natureza morta, a fase final pode desafiar algumas das decisões que eu achei infalíveis nos esboços Falando em termos de composição, estou definitivamente trabalhando na relação entre figura e fundo Quero que meu GT Snow Racer se destaque bem contra a cor brilhante que escolhi para o fundo Embora a cor de fundo vermelha apareça, a cor escura em tons de azul que estou usando aqui diminuirá Isso porque cores frias, como azul, diminuem e cores quentes, como vermelho, aparecerão. A cor mais escura que estou usando aqui tem um valor mais forte, então há um contraste forte o suficiente para estabelecer essa relação entre figura e base Também estou procurando oportunidades de usar a cor do papel branco de forma gráfica. Ao tornar o tubo branco e o tipo na parte superior, estou criando uma relação mais dinâmica entre figura e base Você verá muita repetição nos detalhes do esqui e do assento Uma maneira de fazer isso é usando a mesma largura de linha para esses detalhes. Agora eu adicionei algumas variações a esses elementos tornando alguns deles horizontais e outros verticais. E, claro, há uma pequena variação na qualidade de cada linha repetida. Eu não apenas recortei e colei todos eles. Eles são todos desenhados separadamente apenas para garantir que haja uma pequena variação entre eles. A parte principal dessa estrutura tem uma largura uniforme e, em seguida, apenas as partes menores de conexão próximas ao volante têm uma largura mais fina, mas são todas consistentes umas com as outras Também repeti os pequenos rebites na moldura ao longo dos esquis Eu queria incluir o amarelo nesta peça, mas estava lutando para usá-lo de uma forma que parecesse equilibrada. O amarelo é uma cor de visualização tão alta que realmente chama sua atenção No final, eu o usei como um toque de cor no crachá no centro do volante e, em seguida, no cabo de reboque que sai pela lateral da página e volta para ela pela Agora, aqui, esse é o princípio do fechamento no trabalho. Você percebe que a corda está saindo da página e continua à vista até aparecer de volta na moldura em outro lugar. Obviamente, essa linha curva amarela só existe na área superior direita e depois há uma pequena linha na borda inferior e a sensação de que, de alguma forma, é uma linha contínua que sai da página e volta para ela Tudo isso está em sua mente em termos de hierarquia. Temos apenas um objeto, então não há muito em que pensar aqui na ilustração em si. No entanto, como layout tipográfico, o carimbo tem uma relação hierárquica para considerar os elementos de texto com a imagem e com o layout do Eu queria ter certeza de que as letras do país em valor fossem idênticas em estilo e tamanho Como você verá no conjunto, eu escolhi sempre ter o país no valor do selo na mesma borda e nunca um canto do gatinho um do outro Isso significa que eu nunca coloquei o país em um canto e depois o valor do selo no canto oposto direto Se eles estivessem em cantos opostos como esse, por causa da lei da similaridade, eu os associaria como relacionados, mas minha mente pularia para frente e para trás pela composição, tentando reconciliá-los como mas minha mente pularia para frente e para trás pela composição, tentando reconciliá-los Isso atrapalharia o fluxo da ilustração geral Com as legendas, decidi colocá-las em tamanho bem menor E aqui fazia sentido alinhá-lo à borda esquerda das letras do Canadá na Usei o Guia de Áreas Seguras em minha casa gorda para garantir que todos esses elementos tipográficos tivessem um espaço consistente nas bordas 14. DEMO: A natureza morta: Neste vídeo, mostrarei como elaborei a ilustração da Natureza Morta, assim como fiz com o único objeto. Eu revisei algumas miniaturas desta. Para a natureza morta, quero pensar seriam meus objetos escolhidos como seriam meus objetos escolhidos juntos no espaço físico. Mas também quero pensar na história que eles contam. A razão pela qual escolhi as botas Matt como minha vida, foi por causa de como elas se destacam na minha memória. Só me lembro de que sempre havia todas essas botas na nossa porta em uma família de seis pessoas. Acaba tendo que lidar com muitos calçados. Eu particularmente queria destacar a ideia das minhas botas lunares estilo Napoleon Dynamite E, se possível, o fato de que os forros sempre parecem estar saindo junto com meu pé quando eu os tirei. Eu também queria mostrá-las ao lado de botas para adultos, o que daria mais contexto e uma sensação de escala. Elas se parecerão mais com botas infantis pequenas ao lado de botas maiores para adultos. Também me lembro dos tapetes de borracha marrom que usamos e de como a carne suja de nossas botas derretia e se acumulava neles Eu explorei maneiras de usar o tapete como um dispositivo unificador. Um tapete de sapato não apenas agrupa literalmente todas as botas físicas, mas também é um ótimo dispositivo de enquadramento na composição Um desafio para mim aqui foi representar objetos no espaço físico com disposição e dimensionalidade, tudo usando meu estilo gráfico de ilustração mais plano Normalmente, minha maneira de lidar com esse tipo de narrativa é representando cada objeto separadamente e de uma forma mais plana Mas como vou fazer isso na ilustração plana, tive que me desafiar a ser um pouco mais fotográfica em minha abordagem Neste artigo, preenchi minha página de miniaturas, experimentando composições horizontais e verticais, e depois passei para a próxima etapa Assim como na última vez que me debrucei para encontrar minhas melhores ideias, novamente perguntei: do que eu gostei, assim que comecei a sentir o que preenchia bem o espaço e o que eu acho que contou uma história interessante ou criou uma composição interessante ou inesperada Escolhi minha primeira iteração porque gostei como ela estava em um formato vertical, que foi inesperado para um tapete de sapato, que para mim, junto com as botas, parece mais algo que você representaria horizontalmente Também gostei de como o tapete em si preencheu apenas cerca de metade da moldura e depois deixou muito mais espaço de fundo na parte superior. Também gostei da relativa simplicidade deste, pelo menos no formato de esboço Se funcionará no meu estilo e paleta de cores muito restritos é outra coisa Também gosto de alguns esboços horizontais, que me deram mais chances de incluir outros objetos de contar histórias como forros saindo de botas ou talvez meias e luvas molhadas Você verá em algumas dessas miniaturas que eu incluí o piso em aberturas firmes Embora eu tenha gostado de como elas contaram a história, também achei que elas se afastaram muito da ideia de uma natureza morta e, na verdade, eram mais parecidas com pequenas cenas recortadas porque incluíam mais contexto de fundo para os esboços refinados para os esboços refinados. Eu escolhi usar um dos conceitos horizontais Gosto deste porque tinha botas lunares e outros tipos de objetos, como meias e luvas E não só as botas. Ao inseri-lo imediatamente no meu modelo de esboço refinado , eu sabia que precisava invertê-lo para trabalhar com os elementos tipográficos Uma restrição que eu estabeleci para mim é que eu sempre quero a palavra Canadá seja lida antes do valor do selo O nome do país tinha que estar onde a bota mais alta estava no meu esboço aqui, então eu simplesmente inverti o esboço inteiro e isso resolveu meu problema e Em seguida, decidi mostrar mais do fundo reduzindo o tapete, modo que ele ocupasse apenas dois terços do espaço Coloquei a borda traseira do tapete ao longo da linha horizontal superior, usando a grade da regra dos terços Passei muito tempo tentando descobrir como representar essas botas em três dimensões, o que, como sabemos, não é um ponto forte do meu estilo flat. Também passei algum tempo aqui discutindo o que incluir nas botas Era apenas uma bota ou uma bota mais um forro? Ou duas botas? E sem forro. E quais seriam os detalhes dessas botas? No final das contas, acabei com as duas botas lunares sentadas no tapete do lado direito. E então as luvas e as meias caíram para o Gosto de como as luvas e as meias atravessaram a moldura do tapete para ajudar a unificar a relação do sujeito com a área de fundo Ao deixar as meias ou conteúdo do dispositivo de enquadramento do tapete escorrer para a área de cores do fundo, isso ajudou a unificar a composição geral, vez de manter as coisas presas em seus próprios Agora, ao ser indeciso aqui, eu me dei o que o escritor Barry Schwartz chama de Paradoxo da Escolha Ao criar algumas possibilidades diferentes neste estágio, mas nenhuma realmente sendo significativamente diferente no geral. Eu teria dificuldade em me sentir satisfeito com o que eu acabasse escolhendo. Acontece que, quando chego ao estágio final, abandonei tudo e optei pela primeira iteração, a vertical Então, com esta, continuei me debatendo sobre, novamente, meu maior desafio ser como representar essas botas sobrepostas umas às outras com algum senso de dimensionalidade, mas no meu estilo plano e Em retrospectiva, acho que comecei forte, mas comecei a pensar demais As coisas estavam bem quando eu tinha as botas todas planas , sem mostrar a parte superior ou aberta das botas. Agora, com o objetivo da simplicidade, eu estava tentando descobrir como mostrar essas botas da maneira mais clara possível Assim, você pode vê-las como botas individuais, em vez de um conjunto de diferentes formas estranhas. Eu tentei estratégias diferentes aqui, incluindo adicionar algumas folhas e explorar uma forma mais tridimensional de representar as botas e experimentar todos os tipos de detalhes diferentes Agora, a parte mais forte dessa composição foi o uso das botas Wellington, que são muito icônicas e simples, as pessoas as reconhecem e reconhecem como elas eram o elemento mais dominante Isso era uma coisa forte nessa ilustração. O tapete amarelo como dispositivo de enquadramento também é forte e eu gosto das proporções em que ocupa aproximadamente os dois terços inferiores do espaço total e deixa os três superiores apenas com a cor do fundo Gostei de incorporar a textura cruzada dos degraus foscos Isso é um uso de repetição e eu cortei esse padrão para deixar o fundo rosa aparecer Esse é um uso da figura e do fundo, bem como do fechamento, pois as formas separadas de diamante que ainda são deixadas para trás se mantêm unidas como um único objeto. Então, agora que estou vendo, o que não estava funcionando com as botas mais tridimensionais eram as partes brancas na parte superior. Nas partes superiores das botas, elas criavam um ponto quente demais para o olho gravitar, já que não havia outras áreas com aquele branco intenso na composição Mais uma vez, eu superei o pensamento aqui e continuei voltando atrás no que eu acho que foram decisões mais fortes no início Embora muitas coisas melhorem com refinamento e análise mais aprofundada, muitas vezes nossas iterações anteriores serão as mais simples, e essa geralmente é exatamente a decisão certa No final, chego a algo útil. Voltei ao estilo mais plano de botas, com uma sensação mais forte de repetição nas linhas horizontais superiores de cada bota, à medida que cada uma ecoa a outra Mas, de uma forma única, experimentei algumas variações diferentes do padrão de grade de diamante no Shumap, mas voltei apenas para o rosa e gostei de como isso criou um fundo menos perturbador para as botas e, e gostei de como isso criou portanto, um contraste mais forte entre a figura e o fundo portanto, um contraste mais forte entre a figura e Nesse caso, a figura das botas no chão do mate, acabei escolhendo o branco para os elementos tipográficos E isso trouxe mais unidade ao ecoar os detalhes brancos nas botas que, de outra forma, estariam isoladas apenas uma área com as botas infantis E a meia trazendo branco em outros lugares só trouxe mais equilíbrio à composição Agora, um elemento que você talvez não espere que atrapalhe suas composições é onde colocar sua assinatura Ouvi falar de pelo menos um artista que decidiu não adicionar sua assinatura às ilustrações apenas por esse motivo Agora, para mim, sempre foi importante incluir minha assinatura, não apenas como uma forma de marcar minha identidade nela, mas também para adicionar um pouco de interesse visual Além disso, não vou mentir, isso é muito inspirado pelo meu designer e ilustrador favorito, Paul Rand, entre muitos outros de sua época, que sempre deixavam sua assinatura no trabalho final 15. DEMO: O Flat-lay: Agora vamos ver como eu elaborei a composição para a ilustração plana. Apenas dando uma olhada em todos os meus esboços para este, estou resolvendo duas questões principais aqui Que coleção de objetos posso usar para contar minha história? E qual é a melhor maneira de organizá-los todos no espaço? Claro, minha história aqui é jogar hóquei no meu quintal ou, de forma mais geral, a ideia de ter uma pista de patinação Quando esfriava o suficiente, meu pai inundava uma parte do quintal usando a mangueira do jardim e logo havia um pouco de gelo no espeto Um flat lay é uma forma de contar uma história de uma forma mais enigmática, como um ônibus Em vez de mostrar o que está acontecendo, você pode mostrar objetos que sugerem isso. É isso que faz com que histórias de objetos sejam assim. Objetos interessantes em uma posição plana flutuam sozinhos, com espaço uniforme ao redor deles. Os objetos podem ter todos o mesmo tamanho ou você pode variar a escala. Ao contrário de uma natureza morta ou de uma cena em que podemos estar mais inclinados a mostrar objetos em uma escala mais realista Aqui podemos fazer com que objetos pequenos na vida real sejam o maior elemento da composição. Se quisermos, podem ser necessárias algumas tentativas para descobrir o arranjo certo, e é isso que estou fazendo aqui. Acabei escolhendo os 31 circulados aqui nas minhas miniaturas. Gosto do central por causa de sua simplicidade. Havia também uma hierarquia dinâmica, com a rede sendo o elemento dominante e todo o resto pairando em um tamanho muito menor em Neste, gostei muito de como a única pista que isso era uma pista ao ar livre era a árvore Em segundo lugar estava o esboço superior, onde havia uma composição mais uniforme, com cada objeto ocupando aproximadamente a mesma quantidade de espaço Agora acabei achando a que está no fundo um pouco pequena demais, que significa que não parecia haver nenhum objeto único mantendo-a unida E acho que entre a pá, os dois tacos de hóquei e a rede mostrada na lateral, nenhum objeto estava muito presente na Agora, no meu esboço refinado, decidi usar o de cima, pois tinha uma boa mistura de objetos e contava bem a história A composição era boa e equilibrada. E havia uma variedade de formas diferentes que se entrelaçavam perfeitamente Objetos como a mangueira e o taco de hóquei criavam um bom fluxo, levando o olho até a mangueira, sobre a árvore e depois de volta para Do final do taco de hóquei, passei muito tempo calculando os detalhes da mangueira de jardim quanto deveria ser enrolada e quanto deveria ser Acabei com mais bobina na parte inferior e mais reta na parte superior aqui para sugerir como uma mangueira real ficaria quando estivesse sendo usada Agora, é claro, adivinhei por alguns minutos e coloquei o hóquei onde estava a mangueira Em vez disso. Mais tarde, voltei uma situação em que não precisava mostrar muito da mangueira Talvez apenas a ponta e o bocal sobressalente sejam suficientes. Mas ainda havia algum espaço estranho lá. Então, adicionei uma pá com apenas o bastão e a pequena parte da alça de plástico na parte superior para dar um toque extra Eu também adicionei alguns flocos de neve. Repeti-los em alguns dos espaços traria mais unidade e eliminaria alguns desses espaços não resolvidos Agora, quando chego à arte final desta, percebi que queria mais dos meus carimbos no formato horizontal Até agora, as botas e o GT estavam na vertical, então acabei girando e continuei com o desenho com a rede de hóquei Claro, refinando isso primeiro. Antes de chegar a esta fase, eu queria adicionar apenas mais um elemento para reforçar o elemento do quintal E é isso que você vê acontecendo com a casinha no canto superior direito. Gosto muito de sexo casual. Especialmente quando posso adicionar pequenos detalhes gráficos, como o brasão da NHL no disco de hóquei, a marca no taco e as letras no chapéu e Então, em termos de hierarquia, temos a rede dominando a área de cobertura Gosto desse elemento porque é muito arejado e dá muita diferença entre a figura e o chão A moldura vermelha e a rede branca também são cores altamente contrastantes com o fundo azul profundo Em termos de simplicidade, escolhi apenas alguns objetos para apresentar aqui e fiz o possível para representá-los da forma mais simples possível. A casa é muito parecida com um logotipo e nada parecida com a aparência da minha casa de infância. A árvore também é altamente simplificada. Agora eu percebi que havia um desequilíbrio de cores. Eu tinha muito branco no terço direito e o verde só aparecia no chapéu e na mangueira. Eu equilibrei a distribuição do branco adicionando um pouco de textura azul arenosa ao taco de hóquei E eu introduzi outra área verde colocando uma pequena árvore perene ao lado da casa Eu salpiquei um pouco mais de branco com alguns flocos de neve, que também ajudou a manter os objetos juntos e preencher os espaços não resolvidos Agora, você pode ver o fechamento funcionando no taco de hóquei? As listras azuis e a textura suja, na verdade, cortam o formato do taco de hóquei O bastão está dividido em segmentos, mas você ainda vê a coisa toda. Assim como um objeto contínuo para os elementos de texto, achei que o Canadá ficaria bem na borda superior Eu queria que a linha de base das letras movesse o olho para Então eu o coloquei na parte interna da ilustração, em vez de ao longo da borda externa da área de arte. Então, por que eu não fiz com que as linhas de base do nome do país e do valor do selo fossem iguais Bem, é porque isso confundiria a orientação do selo Se eu os tivesse na mesma linha de base , gostaria de girar o carimbo para que ficassem Mas quando eu fizesse isso, o resto da ilustração estaria errado. E então haveria essas constantes idas e vindas em minha mente sobre qual caminho é o caminho certo. Ao colocar os cinco na posição vertical na composição final, junto com a legenda do outro lado, temos uma forte noção de qual caminho é o correto Enquanto isso, o nome do país pode caber na composição da maneira que eu quiser. 16. DEMO: A figura: Agora vamos examinar meu processo de pensamento para a figura. Para meus rufos, comecei com o óbvio criança fazendo anjos de neve em uma orientação vertical Eu iterei através de diferentes combinações de posições dos membros. Devo colocar os membros totalmente abertos ou eles deveriam estar mais fechados no Em um caso, tirei um pouco mais fotos e mostrei uma criança se levantando e tentando olhar para trás para ver o anjo que ele acabou Também experimentei algumas variações que me lembraram do Homem Vitruviano de Da Vinci Aqui eu estava pensando em possivelmente mostrar um pequeno lapso, tentando mostrar uma sensação de movimento em uma única imagem estática Quando chego às miniaturas horizontais, imediatamente tive que pensar fora da caixa, mesmo que sejam caixas literais nas quais estou Estou tão acostumada a pensar um anjo da neve na posição vertical, o que mais eu poderia fazer aqui? Eu tentei uma variação com duas figuras possivelmente sendo a mesma criança em duas posições diferentes. Como se um estivesse com todos os membros para fora, e o outro estivesse com todos os membros juntos, perto do corpo em uma caixa Eu me distraí e desenhei uma criança descendo uma colina em um tobogã, que era E eu rapidamente desisti disso. Eu tentei algumas ideias com pegadas entrando ou saindo da forma de anjo da neve E um deles tinha apenas o anjo da neve e apenas o pé da figura enquanto eles se afastavam. E, finalmente, tentei preencher todo o espaço horizontal com o garoto anjo da neve, mas de uma forma menos esperada, mais abreviada Acabei descobrindo algumas delas como possibilidades interessantes para um maior refinamento. Gostei muito de como o canto superior esquerdo mostrou um contraste em movimento. Tínhamos a forma de um anjo da neve espalhada por todo o lado, meio que para cima e para fora. E então as figuras, braços e pernas estavam abaixados e fechados juntos. Isso criou uma forte sensação de movimento. O esboço é muito dinâmico, embora seja centrado e muito singular Também fiquei muito atraído pelos conceitos vitruvianos que esbocei, mas apenas por uma curiosidade nocional sobre a peça horizontal Então eu coloquei um pequeno ponto de interrogação sobre isso. Esse foi um caso em que os esboços foram fáceis e divertidos de criar, mas a execução final seria muito mais difícil Acabei tentando desenvolver a peça com movimentos contrastantes da forma do anjo e dos membros da O truque para mim seria mostrar a neve e diferenciar entre a neve intacta e a área deprimida do anjo da neve área deprimida do anjo da Isso é algo que eu não seria capaz descobrir apenas com um lápis. Eu teria que resolver isso mais no estilo final. Ao ver o que eu poderia fazer com meus pincéis, também percebi que as proporções do meu formato alto não eram exatamente adequadas para essa figura A menos que eu realmente tenha distorcido muito as proporções. Acabou ficando muito espaço negativo acima e abaixo da figura no layout, o que achei demais. Em certo sentido, superou a figura, o que influencia a experiência de ser uma criança pequena na grandeza do mundo externo Mas também parecia algo que eu poderia ter feito tirando uma foto, eu poderia ter tirado uma foto desse tipo de composição. Achei que deveria ser capaz de fazer mais como ilustradora pensando fora dessa abordagem mais literal Dito isso, tentei ser decisiva e acabei aqui e achei que ainda poderia ser encantador Uma vez ilustrado no meu estilo final. Agora, assim como na versão plana, mudei de ideia ao entrar na final da figura, decidi que queria tentar outro layout horizontal e achei que deveria dar esse conceito lado a lado. Eu tento, construí esse esboço de uma forma mais refinada e depois fui para as finais com mais confiança Gosto de como esse conceito é mais exclusivo para a ideia de uma figura de anjo da neve. Gosto de como isso resolve de forma criativa a questão de como preencher mais a área do selo As proporções da ampla área de arte de orientação são perfeitas para dois anjos da neve, enquanto um único anjo da neve não se encaixava muito bem em nenhuma das situações, nem na horizontal nem na vertical. Isso mostra as duas figuras no mesmo nível de hierarquia A história é composta por essas duas figuras juntas. Gosto muito da simplicidade das formas brancas dos anjos da neve e decidi que a área circundante não precisava ser branca, como neve literal As formas dos anjos brancos, quando combinadas com as roupas de inverno que as figuras estão vestindo e também combinadas com seus gestos, seriam suficientes para sugerir anjos da neve sem serem tão realistas ou literais Em ambas as figuras, temos repetição e variação. Ambos são crianças, ambos têm a forma de anjo da neve e usam roupas de inverno. Mas cada um também é único, conforme previsto. Passei muito tempo tentando descobrir como criar um efeito de neve aqui com as formas dos anjos e como eu adicionaria um pouco de textura aqui para fazer com que realmente parecesse neve. Eu tentei todos os tipos de pincéis diferentes, até mesmo alguns externos O conjunto limitado que escolhi usar para este projeto, o que eu procurava era uma textura que sugerisse o movimento de uma forma dinâmica e surpreendente, mas que também parecesse estilisticamente alinhada ao resto do Nenhuma solução que eu pudesse encontrar aqui realmente fez isso por mim. Então eu girei. Em vez de tentar representar o movimento, eu usaria apenas o pincel verde pesado para sugerir sombreamento dentro do anjo Em vez disso, tenho certeza de que, com mais confusão, eu poderia ter descoberto uma solução elegante para o movimento Mas, por enquanto, eu tinha que continuar avançando e minha solução final acabou parecendo muito boa. Agora, quando se trata de figuras, um detalhe em que você está fadado a se preocupar está nos rostos Como você mostra um rosto que combina com o estilo do resto da figura? Como você mostra um rosto que não desvia toda a atenção de todo o resto e faz você olhar diretamente nos olhos dele e perceber esse rosto demais, em vez de gostar tudo na ilustração. Pensando hierarquicamente, os rostos dessas figuras são muito secundários em relação aos gestos gerais É importante incluir os rostos para dar um pouco de personalidade, para que não pareçam muito anônimos ou sérios, mas não são a principal característica. Então, optei por olhos fechados em estilo sorridente e detalhes mínimos no nariz e na boca Eu descobri isso rapidamente com o perfil interno do garoto, consegui mostrar um pouco de alegria no rosto com o mínimo de marcas E acho que o nariz rosado é um toque agradável para essa pequena história ilustrada Depois de muita confusão com a garota Space que a princípio olharia diretamente para cima Eu perguntei por que reinventar a roda. Eu também coloquei a cabeça dela de perfil e encerrei o dia. Agora eu tenho uma pergunta para você. Pense em agrupamento e proximidade. A maneira como eu tenho essas duas figuras se tocando e se sobrepondo um pouco Como você acha que a peça teria ficado se eu as separasse completamente para que as pontas das asas dos anjos não se tocassem Com esta ilustração, tenha o mesmo senso de unidade. A história seria diferente? De que forma? Você pode nos dizer o que acha na página de discussão em classe. 17. DEMO: a cena: Agora vamos ver a ilustração da cena. À medida que avançamos para as ilustrações de cena e montagem, encontramos problemas de composição mais complexos É claro que, para começar , estou tentando descobrir qual é minha cena geral Já passei algum tempo no brainstorm inicial pensando na história que quero contar Me deparei com a lembrança de cavar a calçada. Havia alguns elementos-chave que eu queria incluir aqui, a casa em que cresci e a caminhonete da família, e a caminhonete da família, que era uma Plymouth Reliant azul E, claro, achei que deveria mostrar alguém limpando a calçada. Passei algum tempo procurando imagens para desenhar enquanto fazia os esboços do antigo fosso, e então tentei o meu melhor para construir uma cena a partir do que eu conseguia lembrar quando comecei a fazer essas coisas aqui. Definitivamente, foi interessante pensar em formatos altos e largos, a abordagem óbvia seria fazer uma vista da paisagem, mostrando o quintal da casa e garagem vistos da estrada, mas iterando alguns dos meus formatos altos Encontrei algumas maneiras interessantes de mostrar essa cena de maneiras menos esperadas. O formato longo parecia um lugar natural para mostrar a longa calçada focando apenas naquela fatia de nossa propriedade, em vez de na Escolher quanto de uma cena incluir sempre faz parte dessa etapa e não estamos pensando em detalhes, mas apenas no que é suficiente da cena geral necessária para contar nossa história. Quando preenchi minha página de miniaturas para isso, 13 ideias se destacaram para Havia uma em formato alto com a árvore na frente como objeto dominante, o que me permitiria enquadrar e apontar para outros momentos menores da cena de uma forma interessante. E depois havia dois em grande formato, um com minha casa ao fundo e comigo sentado no banco de neve que sobrou do arado E esse sou eu no final da nossa garagem, bem ali em primeiro plano E outra era mais uma cena clássica com mais atividades acontecendo na propriedade com duas figuras cavando e depois eu fazendo um anjo de neve no gramado da frente, debaixo da árvore com minha pequena pá ao meu Gostei de como isso realmente criou uma pequena referência, ou volte para a ilustração do anjo da neve. Também considerei mostrar duas calçadas vizinhas com uma árvore no meio e depois uma figura em uma calçada pensando em ajudar duas calçadas vizinhas com uma árvore no meio e depois uma figura em uma calçada pensando em ajudar o vizinho. Mas, no geral, era um conceito demais para uma cena tão pequena, então eu não aceitei isso. Agora, de todos os esboços refinados, passei o maior tempo refinando E isso é muito natural já que há mais detalhes aqui. Por fim, fiquei intrigado o esboço de formato mais alto com a árvore dominante na frente, então comecei a então comecei Primeiro, coloquei isso no meu modelo de esboço refinado e desenhei primeiro na forma de árvore Então comecei a adicionar a figura, cavando a calçada para ter uma ideia de como eu trataria a escama da árvore versus a figura. Havia a possibilidade de a figura parecer muito pequena de uma forma Como se parecesse muito desproporcional e não de uma forma que parecesse Quando comecei a desenhar a casa com mais detalhes, senti que era muito literal sobre o que estava desenhando ou, como sabemos agora, estava competindo demais com minha câmera Passei muito tempo desenhando e redesenhando a cena, a árvore, a figura, a casa, a garagem, até que algo Estou usando a Roda dos Terços para posicionar o eixo principal do tronco da árvore, colocando-o ao longo da linha vertical direita Estou usando a armadura harmônica para colocar a figura em uma das principais interseções de todos Abaixo, na área inferior esquerda. Estou enquadrando a figura no que é a área escavada, a calçada, onde Também estou pensando em como os galhos da árvore apontam de volta para a figura e a figura olha de volta a cena para criar um fluxo visual circular. Embora ainda estejamos apenas no esboço aqui, também estou começando a pensar em como adicionar neve branca na árvore escura e brincar com o fundo e o fechamento da figura Porque essa peça provavelmente seria quase toda branca para dar a sensação de neve recém-caída Eu sabia que haveria algumas oportunidades de jogar com áreas claras e escuras dessa forma. À medida que avançava, acrescentei um pouco de perspectiva diminuindo a abertura da garagem e levando o lado esquerdo da calçada em direção a Você pode ver como eu estava usando a grade de armadura harmônica como guia para essa nova borda da calçada Mas como fiz essa alteração, repente tive que adicionar a casa do vizinho também daquele lado. Em algumas peças, nesse conjunto de ilustrações, optei por uma representação mais universal e menos específica dos objetos Por exemplo, a casa no apartamento era muito simbólica e nada específica para minha própria experiência. Mas o estilo da casa nesta ilustração, ou pelo menos no esboço, é muito parecido com a aparência da minha casa de infância Então eu imagino que isso deve dar a você, ao assistir isso, uma sensação mais obscura Já que nem todas as casas são exatamente assim. É muito específico para minha experiência pessoal. Então, isso traz muitos sentimentos que nem sempre aparecem no meu trabalho. Nem sempre espero encontrar ou trazer sentimentos tão nostálgicos ao meu trabalho comercial, por exemplo Então, neste momento, eu tenho a maioria dos detalhes resolvidos no esboço. Eu passo mais uma vez para ver como posso simplificar e abstrair ainda mais a cena e fazê-la funcionar no meu estilo mais plano Tudo o mais que eu sei posso resolver na ilustração final. Agora, devo dizer que, embora tenha feito uma versão refinada de um dos meus conceitos de formato amplo, acabei optando por este. No geral. Passei mais de uma hora refinando meu esboço de cena para minha ilustração de cena final Você pode ver que meu esboço é na verdade um pouco diferente. Acabei redesenhando para que a figura ficasse maior no final da garagem Para mim, parecia uma escala mais crível, dada sua posição entre a árvore em primeiro plano e a casa em segundo plano Para ser sincero, acho que a escala do esboço anterior foi mais interessante e criou uma imagem mais dinâmica Neste, acho que a cena ficou um pouco mais plana, possivelmente porque a árvore também parece muito menor agora Embora minha hierarquia original fosse mais pronunciada nesta, é difícil dizer totalmente qual é o elemento mais dominante na imagem Dito isso, acho que temos uma ilustração de cena útil e acabei reduzindo um pouco o tamanho da figura Depois de desenhar aquela árvore em sua forma final mais escura, ela recuperou seu domínio indiscutível Eu tinha meus motivos para diminuir sua presença geral na parte inferior, que eu pudesse encaixar os elementos tipográficos que acabaram tendo que ir até lá por causa de todas as coisas que aconteciam nas outras três Agora, durante a etapa final da ilustração, tive a ideia de colocar uma figura na janela da casa olhando para a figura que estava escavando Ela está lá dentro com uma boa xícara de café quente enquanto o homem lá fora trabalha no frio Isso cria um contraste conceitual entre interior e o exterior, o trabalho e o relaxamento Há um pouco de semelhança aqui, com o vermelho de seu suéter ecoando o vermelho da pá e a jaqueta xadrez da figura externa com o vermelho de seu suéter ecoando o vermelho da pá e a jaqueta xadrez da figura externa. É o uso de similaridade ou repetição em termos de enquadramento Tanto a janela quanto os galhos da árvore emolduram a mulher na janela. E eles criam aquele pequeno momento lá. A caminhonete azul que acabou de sair da garagem escura e colocada no centro vertical da imagem cria um senso de propósito para a figura escavadora Ele precisa dirigir para algum lugar, mas não pode até que a garagem esteja limpa para onde ele realmente está indo, não sabemos E isso faz parte do mistério da história. O carro também está emoldurado nos galhos da árvore, bem como na abertura da garagem Conforme descrevi meu processo de pensamento aqui, você pode ver que a cena apresenta certas complexidades nas quais eu não precisei pensar na maioria das outras Particularmente essa relação dos vários objetos em um espaço imaginado Como estou representando essa cena de uma forma gráfica exclusiva da ilustração, em vez de uma abordagem fotográfica mais direta Ao mesmo tempo, estou perguntando como isso funciona como um pequeno selo No final, decidi mudar completamente a figura, apenas usando outra variação que eu tinha em um dos meus esboços Este teve um gesto em proporções que ficou melhor comigo. E como vamos notar a figura quase antes de notarmos qualquer outra coisa, mesmo que seja muito pequena na composição, eu realmente acho que ela precisava atenção extra aos detalhes. Agora, uma reviravolta na história, enquanto escrevia essa mesma análise que estou dizendo agora, cerca de uma semana depois de fazer essas ilustrações, ainda havia algo me incomodando e eu precisava Havia um engarrafamento visual acontecendo em que todos os elementos de texto na parte inferior da árvore conduziam os olhos para o canto inferior direito, sem nenhum outro lugar. Para colocar o tipo, tive que tomar algumas medidas extremas. Eu removi a maioria das coisas do fundo, ampliei a figura e cobri o terço inferior da imagem em branco ou na neve A história aqui agora é mais simples e acho ainda mais engraçada. De alguma forma, ao remover mais da metade dos detalhes, acabei com uma declaração muito mais poderosa que acredito que funcionaria muito melhor como selo Então, aqui você pode ver a regra dos terços em ação com um terço inferior completamente branco exceto os elementos das letras E os dois terços superiores são muito mais escuros, e é aí que estão todos os detalhes Agora eu me mantive fiel à minha ideia original usando essa árvore como meu principal dispositivo de enquadramento e fluxo Portanto, a árvore está meio que na frente e no centro, mas não tanto quanto estava originalmente. 18. DEMO: A montagem: Ok, agora estamos na ilustração final, a montagem desta Meu conceito era inverno suburbano. Isso faz parte das minhas lembranças de ser criança no inverno. A ideia do inverno suburbano é muito aberta à interpretação não é concreto, como botas em Aqui não é concreto, como botas em um Mad ou hóquei no quintal, estou apenas tentando montar vários símbolos ou objetos que, juntos, sugiram Como experiência, no meu brainstorm, escrevi coisas como à noite, vazio, iluminação pública, chato e silencioso Nas minhas fotos de referência e desenhos omo para esta, nada realmente me inspirou muito, para ser honesto. Mas eu sabia que depois de ter examinado todo o conjunto de ilustrações anteriores a esta, eu teria muito conteúdo para desenhar quando chegasse a ser uma montagem, como parte de um conjunto, uma opção seria usar vários elementos das outras ilustrações e colá-los Então essa foi uma direção que eu tomei em meus esboços. Eu tenho vários grupos de elementos, quase como uma ilustração plana , mas em vez de todos flutuarem separadamente, eles se sobrepõem de uma forma ou de outra Outra direção que tomei foi criar uma cena abstrata usando um padrão de listras horizontais para estradas e, em seguida, repetindo vários motivos de casas para criar outro tipo de Das minhas iterações, escolhi uma variação de cena abstrata e mais duas montagens extensas com descontextualizados No final, optei pela montagem vertical baseada em cena. Gostei porque tinha a história mais forte, pois era claramente algum tipo de cidade no inverno à noite, e tinha uma grande lua central para ajudar a manter todas as coisas juntas. A lua era um bom dispositivo unificador. Como de costume, coloquei meu esboço no modelo de esboço refinado e, com minha grade e esboço visíveis, passei para meus refinamentos Para começar, desenhei meu objeto dominante, a lua, e depois desenhei minha árvore maior. A partir daí, concentrei-me em tornar mais claro meu padrão de casas abstratas Decidir quais detalhes eu incluiria em cada um, em termos de janelas, portas e chaminés Eu queria repetir proporções, números e tamanhos de todas essas coisas o máximo possível. Detalhes menores que eu não conseguia resolver na rua começaram a ter mais importância, incluindo as árvores e os postes de luz entre as casas, o carro e a pista de patinação Eu também precisava desenhar no fundo das árvores ou dos prédios da cidade à distância. As árvores e as luzes adicionaram ainda mais repetição e padrão à composição E na final, as luzes da rua ecoariam a lua, trazendo pequenos momentos de branco ou luz para a metade inferior da composição Eu experimentei dividir a cena em duas metades. A lua e a árvore acima e a vizinhança abaixo. Eu estava me afastando da regra dos terços aqui e ficando mais 50, 50 com as proporções da página Como elemento narrativo, o carro acrescenta a única sugestão da presença humana e dá uma sensação de movimento na imagem, que, de outra forma, é muito imóvel e sonolenta A pista de gelo vazia me permitiria adicionar apenas um pequeno toque de vermelho na moldura da rede E também daria à imagem uma sensação tranquila e solitária pela falta de crianças patinando nela Pela última vez, coloquei meu esboço em um modelo de arte final e continuei com a ilustração final Comecei com a árvore e depois fui para as casas. Eu queria ter variedade na repetição. Portanto, embora eu tenha recortado e colado muitos dos elementos, também desenhei muitos elementos repetidos separadamente à mão Quando se tratava dos elementos brancos, como os telhados, eu tinha que preencher o fundo para poder realmente vê-los. Então eu comecei com essa cor azul royal, mas acabei indo para algo ainda mais escuro Para as casas simples, que são meio que três D, porque mostram três lados, mas de forma plana, estou tentando usar uma lógica consistente aqui. Cada aspecto semelhante da casa ou cada face ou lado tem a mesma cor. Para todos os telhados, os aspectos voltados para a lua serão brancos. O único teto voltado para o outro lado fica com a cor escura. O mesmo acontece com as frentes e laterais. Eu tentei aplicar uma lógica consistente aqui. Acontece que os telhados voltados para a lua parecem estar refletindo a luz ou podem estar cobertos de neve Ambas as interpretações funcionam. O mesmo acontece com as janelas e as portas. Eu apenas repito a mesma lógica de cores em todo o agrupamento de casas Todas as casas têm direcionalidade nelas. Todos eles apontam de volta para o céu. mesmo acontece com as pequenas janelas triangulares nos telhados Isso cria união entre as casas no chão abaixo e a lua e o céu acima. As janelas circulares das casas aliviam um pouco as formas quadradas e angulares e também ecoam a forma da lua, criando ainda mais unidade por meio da repetição formas quadradas e angulares e também ecoam a forma da lua, criando ainda mais unidade por meio da criando ainda mais As chaminés também parecem alcançar o céu, e a fumaça que vou tirar delas mais tarde aumentará ainda mais esse efeito Quando adicionei a lua, tive cuidado de torná-la simétrica e mais perfeita possível em forma de círculo, desenhando com a mão livre Eu usei a ferramenta Symmetry no Photoshop apenas para me ajudar dessa forma Então, usei meu pincel verde pesado para adicionar o brilho ao redor da lua, que realmente melhora o clima Eu brinquei com alguns tamanhos diferentes para obter a quantidade certa de massa Não quero que seja muito grosso e não quero que fique muito fino. Agora, a parte satisfatória uma vez que fiz o fundo da mesma cor escura da árvore e de partes das casas, de repente, a magia da figura e do recinto do solo entrou em Enquanto isso, eu ainda precisava ver o esboço que estava ilustrando Então, diminuí temporariamente essa camada de fundo para cerca de 50% Para ajudar os elementos tipográficos a se destacarem. O design de carimbo, de outra forma discreto, eu os coloquei em amarelo, embora tivesse ficado igualmente bom em branco se eu quisesse usar uma paleta de quatro cores mais rígida Ao terminar esta peça, tive que descobrir como colocar as luzes da rua e as árvores sobre o resto da composição para que houvesse separação suficiente entre a figura e o chão nesse sentido Sempre, é um ato de equilíbrio entre clareza e simplicidade Qual é a maneira mais simples de fazer com que as luzes apareçam sobre outras áreas brancas, como as fachadas de algumas casas Dando uma última olhada na composição antes de terminar, percebi que a fumaça no topo da chaminé estava conectada à lua Eu precisava suavizar isso um pouco para criar uma separação. A fumaça estava muito pesada, então eu a reduzi a apenas um fio sutil, apenas o suficiente para captar a luz da lua no final Percebi que as casas estavam meio que direcionando os olhos para o canto inferior direito. Isso não é bom, então trabalhei um pouco para mover as árvores e ajudar a direcionar o olhar volta para a imagem da melhor maneira possível. 19. Como juntar tudo: Terminamos, nossas ilustrações. Eu só tenho uma etapa extra que eu gostaria de explicar para você, que é onde eu vejo todos os selos como um conjunto E isso me dá a chance de ver se eles se relacionam bem, estilisticamente E isso nos dá a chance de fazer qualquer alteração. Se quisermos fazer isso, vou colocá-los todos juntos em uma única imagem e um único arquivo do Photoshop E organize-os bem para que eu possa compartilhá-los como um conjunto na página de Projetos e, claro, no Instagram, eu tenho o Adobe Bridge Open Este é um navegador de arquivos visuais que vem com o Adobe Creative Cloud. E é um ótimo lugar para ver todas as minhas ilustrações finais Em um só lugar, vou ampliar todas elas, certo, na medida do possível, para eu possa vê-las todas lindas e grandes. Sempre que você estiver trabalhando em um conjunto de ilustrações, é bom ver todas elas como um conjunto, apenas para garantir que sejam estilisticamente consistentes e que não haja nada que se destaque demais em uma ou outra que faça com que pareça fora do lugar ver todas elas como um conjunto, apenas para garantir que sejam estilisticamente consistentes e que não haja nada destaque demais em uma ou outra que faça com que pareça fora do Agora, lembre-se, esse conjunto de carimbos varia de propósito porque temos uma abordagem muito diferente da composição Em cada um, teremos um pouco de inconsistência nesse sentido, mas estilisticamente, você quer ter certeza de que tudo se ter certeza de que tudo E você está usando a mesma abordagem ilustrativa em cada um Para começar, tanto quanto possível, estamos usando planos de fundo sólidos em todos A exceção é a cena porque uma cena tem apenas uma situação de primeiro e segundo plano mais complexa acontecendo E, como você viu no meu processo, eu tinha um histórico ainda mais complexo do que o de onde acabei com este aqui. Uma coisa que tentei fazer foi garantir que o fundo de cada selo também tivesse sua própria cor única, apenas para aprimorar ainda mais a individualidade de cada selo, se isso fizer sentido Outra coisa que eu queria fazer é ter certeza de que estou usando apenas três ou quatro cores no máximo por selo para que eles não fiquem muito ocupados. E acho que, na maioria das vezes, me limitei a isso. Acho que essa com as botas, eu adicionei uma cor extra. Temos o azul escuro, o amarelo, o rosa, o verde e o vermelho. São cinco cores. Acho que em todo o resto, eu mais ou menos me limitei a quatro cores, no máximo. Agora, uma coisa que notei na fonte é que o C é um pouco menor, proporcional às outras letras E isso é só porque é uma fonte ruim. Eu fiz isso com minhas letras à mão e, se eu estivesse sendo muito exigente, eu entraria e consertaria O que eu gostaria de fazer agora é colocar cada um deles em uma maquete de selo. E depois coloque todos esses selos simulados em um só lugar para que eu possa compartilhar todos eles como um conjunto Então, eu tenho o arquivo de maquete de carimbo que veio da classe. Você pode baixá-lo na página de projetos. E eu tenho um tutorial inteiro nesta aula sobre como fazer isso. Agora, a única coisa que eu não li no tutorial de maquete foi essa etapa extra que precisamos fazer, e você verá o porquê em um momento Na verdade, quero desativar a cor de fundo para que não haja nenhum plano de fundo. E então eu quero simplesmente tirar o efeito de sombra projetada que eu tinha ao entrar lá. Agora vou dizer isso como uma maquete de selo, natureza morta. Vou trazer isso com todos os outros arquivos de carimbo simulados como um conjunto Eu criei um novo arquivo no Photoshop. Tem 3.000 por 3.000 pixels, e esse é um formato quadrado porque pretendo compartilhar isso no Instagram Eu coloquei todos os arquivos simulados de carimbo aqui, exceto a natureza morta Eu só vou fazer isso agora. Agora, uma das coisas boas sobre a maquete de carimbo que fiz aqui é que elas são perfeitamente proporcionadas para que você possa alinhá-las Vou apenas garantir que a captura de fotos esteja ativada no Photoshot. Vou te mostrar o que quero dizer. Se você os aproximar, eles se encaixam magneticamente É por isso que eu ativei o snap. Essa é apenas uma maneira de mostrar seus selos ilustrados: mostrá-los todos unidos Agora, do jeito que meus selos específicos funcionaram, não há como obter uma grade perfeita de todos os meus selos Preciso desenhar apenas mais um selo aqui para fazer um belo conjunto retangular Então, o que vou fazer em vez disso é apenas organizá-los de uma forma mais solta e é assim que vou fazer. Vou desligar as fotos, vou usar meu olho aqui para organizá-las bem. Agora, isso pode exigir um pouco de confusão para acertar Podemos usar alguns dos princípios de composição aqui, até mesmo para ver se esse arranjo aqui parece bom. Todo mundo vai ter uma noção um pouco diferente de como é a beleza aqui. O que eu quero é algo em que eles estejam espaçados, mesmo que não pareçam muito rígidos, eu não quero que eles se alinhem demais em Eu não quero que eles se unam, nada parecido. Acho que ficam bem se estiverem dispostas um pouco mais folgadas assim. E eu estou apenas procurando um espaço uniforme entre aqui para que o olho flua ao redor. Estou deixando mais espaço nas bordas do que dentro do conjunto, e isso garante que eles apareçam bem como um grupo Isso é agrupamento. Não quero que esses dois carimbos verticais se alinhem demais, porque se eles fizerem isso, você começará a vê-los como mais relacionados do que esses Essa também é uma boa chance de ver quais cores estão se destacando mais. Então esse vermelho se destaca bastante. E talvez eu possa equilibrar um pouco o conjunto movendo-o para outro lugar, ou talvez até mesmo colocando-o no meio, já que seus olhos vão para ele imediatamente. De qualquer forma, parece muito bom para mim. Agora eu tenho tudo em um fundo azul escuro que parece bom. Talvez eu queira mudar isso para outra coisa. Vamos experimentar o amarelo. Acho que parece muito alegre Me deixa feliz porque é exatamente o mesmo amarelo que usei no conjunto. Realmente coordena bem. Agora, o motivo pelo qual eu queria desativar a sombra projetada no próprio arquivo de maquete é que eu quero aplicar uma sombra projetada consistente a todas elas como um conjunto Eu agrupei todas as minhas maquetes de carimbo em um grupo de camadas e , em seguida, posso aplicar um efeito de sombra projetada a todo o Eu quero que seja um efeito de sombra um pouco mais plano Vou fazer uma distância de cerca de dez e talvez um tamanho de cinco. Então, para o plano de fundo, vou ver como é ter um pouco mais daquela textura de papel que está acontecendo nos selos também Acho que isso ajudará a criar uma imagem mais agradável e unificada para compartilhar Veja como eu vou fazer isso. Vou selecionar a cor de fundo, que é o fundo amarelo. E eu quero criar uma máscara de camada lá. Em seguida, com a máscara de camada quadrada ou a miniatura aqui selecionada, pressionarei o comando Y, que efetivamente mascara todo o fundo pelo qual nada está aparecendo E vamos usar esse pincel da empresa Retrosupply para trazer essa textura de papel Estou usando o pincel 100% úmido Hizo que vem no conjunto de pincéis hizo graph da empresa de retroabastecimento Vou selecionar esse pincel no meu painel de pincéis. Preciso ter certeza de que o modo de mesclagem desse pincel está configurado como normal Caso contrário, não funcionará. É bem pequeno para preencher todo esse espaço. Eu só vou aumentar muito. Isso é um pouco grande demais. Vou começar a pintar nessa textura usando minha caneta e tomando cuidado para não levantar o lápis enquanto faço isso Caso contrário, vou dobrar a textura. Vou te mostrar o que quero dizer. Começa a dobrar, não dá para perceber porque, de qualquer forma, é uma cor muito clara. Mas você não quer que isso aconteça, eu vou, sem levantar minha tinta de pincel em toda aquela textura. E eu acho que isso parece muito bom. Mostramos essa textura em comparação com nenhuma textura. Nenhuma textura é muito plana. Isso funciona, mas eu gosto um pouco mais disso. Agora, uma coisa que eu gostaria de fazer é deixar essa textura um pouco mais pronunciada com a máscara de Blair que criamos para essa cor de fundo Basta selecionar isso. E eu vou pressionar o comando L. Isso abre a ferramenta de ajuste de níveis. Ao colocar esses controles deslizantes para o meio, obtemos um efeito muito mais pronunciado Você não quer que seja muito louco e distraia os carimbos em si, mas eu quero que haja uma textura visível e uma cor um pouco mais intensa Eu acho que isso funciona. É sutil o suficiente para que você mal perceba, mas com a textura e sem ela , ela dá uma textura sutil de papel Agora, aqui você pode fazer os ajustes finais que precisar fazer. Vou apenas salvar isso como uma maquete de configuração de carimbo. Vou salvá-lo como um anexo e compartilhá-lo de projetos da turma pasta de projetos da turma e, claro, no Instagram. 20. Conclusão e próximos passos: Tudo bem, é isso, você conseguiu. Obrigado por escrever uma composição para ilustradores. Ao fazer essa aula e fazer o projeto, você aprendeu o que é composição e como ela funciona especificamente em um estilo gráfico plano. Você aprendeu sobre princípios ambiciosos, que não são exatamente fáceis de visualizar, mas são ideais importantes a serem perseguidos em seu trabalho Você aprendeu sobre dez princípios acionáveis que são fáceis de ver e começar a usar imediatamente. Você aprendeu sobre os princípios estruturais, incluindo a regra dos terços e as armaduras harmônicas e, claro, as composições autoestruturadas E, finalmente, pouco antes de entrar no projeto final, você aprendeu seis tipos de composições que oferecem maneiras diferentes de contar histórias e organizar ideias na página E, claro, colocamos todos esses princípios em ação usando os seis tipos de composição para contar nossas próprias histórias em nossos seis selos ilustrados Sei que foi uma aula desafiadora, mas estou orgulhosa de você por ter passado por ela. Preciso dizer que demorei muito tempo para descobrir essa aula , mas, ao organizá-la, realmente aprendi muito sobre a composição deles. E só de ensiná-lo, sinto que fiquei muito melhor em usá-lo sozinho. Tudo isso para dizer que aprender os princípios de design para esta aula que eu tive que ensinar a vocês foi um divisor de águas para mim E espero que o que você aprendeu nesta aula seja um divisor de águas para você A maior coisa que aprendi, que espero que você possa aprender com esta aula, é que você só pode melhorar em composição passando muito tempo estudando é que você só pode melhorar em composição passando muito tempo estudando e experimentando ou usando os diferentes princípios de arte e design E não apenas aqueles que eu ensino nesta aula, mas todos os que você puder descobrir fora desta aula. Eu encorajo você a manter seus olhos abertos para ver como a composição funciona na arte que você vê no resto do mundo a partir de agora. E espero que, por causa dessa aula, você possa apreciar tudo isso em um nível mais profundo. Tudo bem, é isso. Não se esqueça de compartilhar seus exercícios e projetos na página de projetos da turma e compartilhar seu trabalho nas redes sociais usando a composição de hashtag para ilustradores Obrigado novamente por participar da minha aula. Mal posso esperar para ver o que você fará em seu projeto. Te vejo na próxima aula. 21. Vá mais fundo com uma sessão 1 a 1: Ei, só uma última coisa. Se você gostou desta aula e gostaria de passar para o próximo nível em sua jornada criativa. Tenho o prazer de anunciar que ofereço sessões de treinamento individuais em colaboração com a Skillshare São videochamadas diretas de 1 hora comigo, nas quais você pode obter suporte pessoal mais personalizado nas áreas de que mais precisa, incluindo análises de portfólio e críticas de ilustração, conselhos sobre o setor e carreira, tutoriais personalizados e, claro, suporte pessoal direto qualquer uma das minhas aulas, incluindo esta, as sessões custam $130 ou $105 pode obter suporte pessoal mais personalizado nas áreas de que mais precisa, incluindo análises de portfólio e críticas de ilustração, conselhos sobre o setor e carreira, tutoriais personalizados e, claro, suporte pessoal direto em qualquer uma das minhas aulas, incluindo esta, as sessões custam $130 ou $105 se você for patrin apoiador e apenas $80 se você for estudante em uma faculdade ou universidade qualificada Agora eu sei que esse não é um investimento pequeno, então eu gostaria de dar uma ideia do valor que eu trago para aqueles que dão uma chance a essas sessões individuais. A primeira coisa que meus clientes dizem sobre suas sessões é que eu venho preparado, dou toda a minha atenção e que minhas perguntas e ideias são muito personalizadas para sua situação específica. Em uma resenha, escreveu Daniel S., Tom se preparou muito bem para nossa sessão. Ele fez perguntas muito boas, ficou muito curioso e achei que foi uma sessão muito personalizada. Obviamente, no final de sua sessão, trabalho com você para criar as próximas etapas concretas e acionáveis a serem seguidas em sua jornada para reservar sua sessão Encontre o link de reserva na minha página de perfil do skillshare ou visite Tom Frost.com Eu abro apenas oito vagas de treinamento por mês, então, por favor, não demore a reservar a sua hoje. Estou ansioso para conhecê-lo em breve.