Transcrições
1. Trailer do curso: Se você é um ilustrador e já sentiu que não consegue acertar suas cores, esta aula é para você. Meu nome é Tom Frost. Sou um ilustrador premiado e um professor de topo aqui no Skillshare, onde ajudei dezenas de milhares de estudantes
a desvendar o mundo da arte comercial e da criatividade. Lembro-me de uma época em que parecia que eu não podia fazer o certo onde se tratava de cores. Sempre senti que eu estava tomando a decisão errada ou que minhas escolhas eram apenas aleatórias. Mesmo como um graduado da escola de arte depois de anos aprendendo teoria das cores, bem, isso me ajuda a falar sobre cor, nada parecia me tornar melhor em trabalhar com ela. Mas com o tempo, notei algo. Eu estava usando os mesmos tipos de cores no meu trabalho e esses mesmos tons apareciam repetidamente. Então pensei por que não formalizá-los em uma única paleta e usá-los mais de propósito. Junte-se a mim para mostrar o que significa ser um ilustrador de paleta única e como é muito mais poderoso do que você imagina. Como de costume, vamos passar por algumas percepções chave e teoria no primer e, em seguida, fazer alguma auto-descoberta e construção de paletas pessoais nos exercícios. Como de costume, vamos colocá-lo completamente em um projeto final suculento. Você quer descobrir como usar a cor de sua própria maneira única? Uma ótima maneira de começar é como um ilustrador de paleta única. partir daí, as possibilidades são, bem, elas são limitadas e graças a Deus. É somente através de intencionalmente definir e respeitar os limites que podemos ser os mais criativos. Vamos explorar o que significa ser um ilustrador de paleta única juntos. Vejo-te na aula.
2. SOBRE ESTE CURSO: Esta classe é dividida em três partes abrangentes: o primário, os exercícios e, claro, o projeto final. O primer é dividido em duas partes menores onde vamos primeiro olhar para o que significa ser um ilustrador de paleta única e como isso nos torna mais fortes usando cores em nosso trabalho e então vamos passar por alguns conceitos-chave na teoria de cores apenas para nos colocar na mesma página com o básico antes de ir para o resto da turma. Como sempre, a cartilha é toda sobre capacitar você com compreensão para que você saiba, não só como vamos fazer as coisas nesta aula, mas por quê. Estes são princípios que você pode levar com você em todo o seu trabalho avançando. Os exercícios são onde vamos começar a colocar todos os conceitos sobre os quais falamos em ação. Começaremos procurando pistas sobre o que nossa própria cor sente refletindo sobre nosso próprio trabalho. Também analisaremos alguns dos trabalhos de nossos heróis de ilustração para saber como a cor pode parecer em nosso próprio trabalho. Nesta base de descoberta, construiremos nossas próprias paletas de cores limitadas para usar no projeto e talvez até mais além. O projeto é sempre onde podemos colocar toda a teoria
do primer e todas as descobertas dos exercícios à prova. Trabalhando com a paleta que construímos
nos exercícios, criaremos duas ilustrações: um conjunto simples de pontos usando uma paleta rigorosa e uma cena mais complexa, incluindo algumas pessoas e alguns dos objetos que ilustramos em o primeiro conjunto usando uma versão mais variada da nossa paleta. Claro, eu vou estar compartilhando como eu penso sobre cores enquanto eu trabalho através de minhas próprias ilustrações nas demos. Em termos de experiência, esta aula é para qualquer um que já tenha lutado escolher e usar cores em sua ilustração. Se você já quis ficar mais confiante em como você usa a cor, ou se você se perguntou como se tornar mais consistente em como a cor funciona em todo o seu trabalho, esta classe é para você. Quer você tenha ilustrado há décadas ou esteja apenas começando, haverá muitas percepções que você pode levar com você em seu processo avançando. Embora esta aula não seja uma aula de teoria de cores, eu vou estar passando pelo básico e mostrando como eles se relacionam com as questões mais profundas sobre cor e estilo em seu próprio trabalho. Em termos de habilidade e técnicas, esta aula foca em usar cores de uma forma muito específica, ou seja, trabalhar com paletas muito limitadas usando ferramentas de ilustração
digital e trabalhar de forma mais plana e estilizada. Como o nome desta classe diz, é tudo sobre escolher apenas uma paleta de cores, e sim, estou literalmente tentando convencê-lo a trabalhar com uma paleta dominante em todo o seu trabalho. Em termos de equipamento, é claro, alguma experiência em ferramentas de ilustração digital como Photoshop, Illustrator ou Procreate é bastante essencial. Uso o Procreate para esboçar e o Photoshop para minhas ilustrações finais, mas você pode usar todas as ferramentas digitais com as quais
se sinta mais confortável, seja no iPad ou no computador. Em termos de tempo para completar, os exercícios podem levar de 30 minutos a um dia inteiro ou mais. As duas ilustrações do projeto podem levar de uma hora cada para o tempo que você quiser. Em minhas aulas, eu encorajo tomar seu tempo e pensar em suas decisões tanto quanto você precisar. Como estas são todas as pistas de descoberta para o seu próprio estilo e como você usa a cor, você pode encontrar-se indo para a toca do coelho e se perder lá em baixo por mais tempo do que você esperava. Ao fazer esta aula, você aprenderá o poder de trabalhar com uma paleta limitada, tanto em projetos individuais quanto em todo o seu corpo de trabalho. Você obterá insights mais profundos sobre os tipos de cores pelas quais mais
se sente atraído e como pode incorporá-las mais em seu próprio trabalho. Você descobrirá como a cor e o estilo funcionam juntos e como o uso cores
mais consistentes pode capacitá-lo em seu trabalho pessoal e profissional. Só uma última nota. A cor, como o estilo, é algo que devemos ter como objetivo ser mais consistente, mas também é algo que deve evoluir conosco. Comprometer-se com uma paleta de cores não é um casamento forçado ou uma sentença de prisão, é uma relação entre o que você sabe sobre si mesmo neste momento. Se a ideia de se comprometer com um único palete o excita e o assusta,
você veio ao lugar certo. Não há melhor maneira de resolver isto do que aqui nesta aula.
3. O que é um Illustrator de paleta única?: Com todas as classes de teoria de cores lá fora e todas as ferramentas disponíveis para fazer paletas harmoniosas, você pensaria que usar cores hoje seria fácil. A realidade é que você poderia saber toneladas sobre teoria das cores, e entender os significados por trás de todas as cores, e ainda não saber realmente como usá-lo à sua maneira, em sua arte. A cor acaba por ser muito parecida com o estilo onde
queremos ser capazes de usá-lo de uma maneira única. Na verdade, cor e estilo são altamente relacionados e um informa o outro, talvez mais do que você poderia esperar. Na minha aula de estilo, falo sobre como seu estilo de ilustração é baseado em suas habilidades e tendências. Suas habilidades são as coisas em que você é bom, seja por natureza ou por meio de habilidades e conhecimentos adquiridos. Suas tendências são coisas pelas quais você é naturalmente atraído. São as coisas que você simplesmente gosta. Encontrar seu estilo vem de descobrir onde essas duas coisas, suas habilidades e suas tendências se sobrepõem e depois desenvolvê-las intencionalmente. Embora você tenha apenas um controle limitado sobre o que você é bom e o que você gosta, sua identidade como ilustrador, seu estilo, é em grande parte uma escolha. Você escolhe se comprometer com uma expressão de estilo
à custa de todas as outras expressões possíveis. Ao fazer esse compromisso, quaisquer sacrifícios que você faça, você está ganhando algo enorme, a oportunidade de dominar uma coisa, se tornar o melhor que você pode fazer. Desse lugar de força, você sempre pode crescer e evoluir da maneira que quiser. Assim como o estilo é uma escolha, uma descoberta de certas coisas que você gosta e é bom em,
e, em seguida, um compromisso para desenvolver estes e usá-los em seu trabalho, cor também é uma escolha. Devemos escolher certas cores e certas maneiras de usar cores à custa de todas as outras possibilidades. Este é o ponto de partida para toda a ideia de ser um ilustrador de paleta única. Ser um ilustrador de paleta única significa primeiro saber quais cores tendem a ser atraídos e aprender como alavancar esse gosto subjetivo ou senso de
cor de propósito com confiança em nossa arte. Isso requer reflexão pessoal e até mesmo um pouco de auto-crítica. Ele também requer habilidades para usar nossas ferramentas e entender como a cor funciona de acordo com a teoria básica de cores. O que é um ilustrador de paleta única? Um ilustrador de uma paleta usa um conjunto limitado de cores na maior parte de seu trabalho. Como resultado, o corpo de trabalho de um Illustrator é mais consistente. Se eles são trabalho em um estilo rigoroso ou misturá-lo um pouco, sua seleção e uso de cor o liga completamente de forma mais harmoniosa. Um ilustrador de uma paleta sempre sabe quais cores
usarão mesmo no início de um trabalho. Mesmo quando recebemos cores para usar por nossos clientes, temos tanta prática usando uma paleta de cores limitada nossa maneira que é fácil aplicar nossas técnicas com suas cores. Em vez de nos limitar criativamente, usar um único conjunto de cores em nosso trabalho nos dá o tipo de restrições que precisamos para sermos verdadeiramente criativos. Um ilustrador de paleta única prova repetidamente que a criatividade não vem da liberdade de limites, mas pela resolução de problemas dentro deles. Como ilustradores de palete único, nosso objetivo principal é
usar cores de forma consistente e confiante. Embora possamos precisar usar outras cores de vez em quando, e enquanto às vezes a cor terá que definir o humor ou representar certas idéias, para a maior parte, funções de
cor para atrair olhos e equilibrar o nosso composições tudo enquanto sendo consistente dentro do nosso estilo geral. O objetivo do uso de uma única paleta é confiança, consistência e eficiência, não flexibilidade e certamente não imitar a realidade. É mais sobre ter uma identidade visual consistente. Com esse gato fora do saco, vamos agora olhar para algumas possíveis objeções à abordagem de um palete e ver o que ser um ilustrador de paleta única não significa.
4. Conceitos possivelmente equivocados (seria eu um mágico de um único truque?): Eu entendo isso. Ser um Illustrator de uma paleta soa um pouco perto de ser um pônei de um truque. Mas eu realmente não acho que este seja o caso. Como eu já disse, é sobre identificar onde seus pontos fortes e gostos se sobrepõem, e se comprometer a construir sobre eles com mais foco. É assim que você desenvolve uma voz como ilustrador. Mas, de novo, eu entendo. Há uma linha tênue entre ser disciplinado e decisivo, por um lado, e ser inflexível e estagnada, por outro. Aqui estão seis equívocos possíveis e válidos sobre o que significa ser um Illustrator de uma paleta, e alguns esclarecimentos que espero atenuar quaisquer preocupações que você possa ter. O primeiro equívoco é que, como um Illustrator de uma paleta, você nunca pode usar outras cores. Isto simplesmente não é verdade. Assim como as pessoas que trabalham em um estilo decisivo limitado em seu trabalho comercial podem misturá-lo de vez em quando, você pode variar sua paleta de cores limitada sempre que quiser. A principal coisa a lembrar aqui, é que você deve apontar para a consistência geral em suas horas extras de trabalho, especialmente quando você apresentá-lo ao seu público,
tanto nas mídias sociais quanto no seu portfólio. Começar todo o seu trabalho a partir de uma única paleta, é um ponto de partida que pode levar a qualquer lugar. Mesmo que você acabe com cores muito diferentes em alguns projetos, sempre que você estiver preso, você sempre pode recorrer ao seu velho amigo de confiança, sua paleta única. O segundo equívoco é que se você usar apenas algumas cores o tempo todo, isso significa que você não sabe como usar a cor bem. Esta é a falácia de pônei de um truque. Como sabemos agora, usar algumas cores é saber o que gostamos e o que nos inspira em saber como incorporar essa compreensão em nosso próprio trabalho de propósito. é que não saibamos usar a cor bem, mas que nos conhecemos bem. Se fizemos nosso dever de casa direito, não
é só porque pegamos a paleta de cores de outra
pessoa e decidimos usá-la para sempre. Nossas paletas para casa vêm de conhecer a nós mesmos, de entender quais cores funcionam melhor para nós e nosso estilo na maioria das vezes. À medida que usamos nossas paletas uma e outra vez, nos tornamos melhores e melhores em usá-las e na resolução de problemas visuais dentro de nossas restrições. O terceiro equívoco é que, usando apenas uma paleta limitada, você é ignorante da teoria das cores. Se você está usando sua própria paleta direita, você está de fato trabalhando dentro das melhores práticas da teoria de cores. Como veremos mais adiante nesta aula, nossa paleta será construída usando os princípios da teoria das cores. De todas as maneiras, vamos usar nossas cores no projeto são novamente, enraizado firmemente em uma compreensão da teoria das cores. O quarto equívoco é que, sendo rigoroso sobre suas cores, você está sendo injusto com o seu cliente. Clientes pagantes merecem que você mostre a eles diferentes opções de cores, não é? Eu diria que talvez, mas só se for um serviço que você oferece. Quando você pensa em seu estilo como marca, que certamente é, as marcas sempre têm paletas de cores rigorosas. É usando essas cores de uma forma disciplinar consistente, que a marca é reforçada. Assim como nós, como ilustradores, muitas vezes temos que trabalhar com as cores rigorosas das marcas com as quais estamos trabalhando, nós também podemos impor nossas próprias cores de marca. Agora, é claro, se temos que trabalhar com outras cores, definitivamente
devemos fazer isso. O incrível é que, à medida que nos tornamos melhores trabalhando com nossas próprias paletas de cores à nossa maneira, podemos transpor de nossas paletas para as de nossos clientes, com o mínimo esforço. Ao longo do caminho, porque estamos usando os mesmos tipos de técnicas, qualquer arte que fizermos com nossas paletas fora de nossas paletas, terá uma sensação semelhante a ela. É importante notar aqui que uma chave para uso
consistente da cor é ter um estilo e uma técnica consistentes. Se você alterar estes de projeto para projeto, você pode achar difícil de usar cores, da mesma forma, cada vez. O quinto equívoco é que, ao aderir a uma paleta estrita, você está limitando seu próprio crescimento como artista. Isso pode ser verdade se, de fato, você simplesmente escolher uma paleta no início do seu desenvolvimento, e nunca tentar outra coisa. Mas olhe mais de perto como a paleta é feita. Não vem da preguiça ou da falta de crescimento, mas prestando atenção constantemente em como você está evoluindo e ao longo do caminho, o que as coisas permanecem constantes. Identificar nossas constantes não é sinal de falta de crescimento, mas sinal de maturidade e experiência. Claro, se você optar por experimentar novas cores e diferentes estilos e técnicas fora do seu corpo principal de trabalho, é com você. Como artistas, é claro, devemos estar sempre experimentando e brincando com novas ideias, seja em nosso caderno de esboços ou em um projeto paralelo. Ter cores definidas ou um estilo conjunto como sua principal coisa de frente para o público não significa que é sua única coisa. Finalmente, o sexto equívoco é que, ao aderir a uma paleta rigorosa, você não terá cores suficientes para representar tudo o que você precisa representar em uma determinada ilustração. De certa forma, isso é realmente verdade. Você pode não ter laranja em sua paleta, que dificultaria a representação de uma laranja, a fruta, em uma cor realista. Se você não tem amarelo na sua paleta, você terá que escolher outra coisa para um ônibus escolar ou uma banana. Mas este é um dos aspectos mais bonitos e criativos da paleta de cores limitada. Você trabalha com o que você tem e os resultados são muitas vezes surpreendentes. Uma vez, um estudante me perguntou como eles poderiam usar a cor de
uma forma mais caprichosa onde o céu não tem que ser azul e as folhas não têm que ser verdes. Não é como os ilustradores tomam essas decisões arbitrariamente. Não mudamos de cores para sermos caprichosos. Em vez disso, começamos com uma paleta de cores limitada e depois trabalhamos dentro delas.
5. Ilustradores de uma única paleta por natureza: Agora que sabemos o que é ou não um ilustrador de paleta única, gostaria de compartilhar alguns exemplos de ilustradores que trabalham em um conjunto dominante de cores. Eu gostaria de observar particularmente como suas escolhas de cores
se encaixam perfeitamente em seu estilo e ajudam a construir sua marca como artistas no espaço comercial. Eu também gostaria de salientar que eu estou escolhendo o trabalho desses artistas que todos parecem apontar para um grupo núcleo de cores. Em muitos casos, você encontrará trabalhos deles que usam todos os tipos de outros paletes, mas os exemplos que estou compartilhando, tanto
quanto posso dizer, apontam para seus esquemas de cores mais dominantes ou preferidos. Ao longo do caminho, vou usar alguns termos de cores que você pode ainda não estar familiarizado com. Por favor, tenha em mente que nós estaremos cobrindo muitos desses
na seção de teoria de cores mais tarde na aula. Nossa primeira artista é Anna Hurley. Anna Hurley, sediada em Oakland, trabalha em um estilo deliciosamente simples e lúdico. Trabalhando em um meio claramente digital, vejo muitas técnicas inspiradas em impressão acontecendo aqui, particularmente seu uso de formas ousadas e
simples ou sutis ou nenhuma textura, bordas
claras e delineadas, e é claro, paletes simples. Enquanto ela, como a maioria dos outros artistas que vamos ver hoje, trabalha em uma variedade de paletes, seu corpo geral de trabalho trai sua preferência por ciano, azul, rosa, amarelo, vermelho, laranja e verde. Ela também parece gostar de um fundo cremoso ou amarelo-matizado. Sua paleta parece estar enraizada em um conjunto triádico ainda mais pared-back, amarelo profundo, rosa e azul ciano, que ela combina usando multiplicar ou um efeito de superimposição, qual veremos mais de perto na seção de teoria de cores. Em seu trabalho, observo a quase completa ausência de preto real. Em seu lugar, um preto eficaz é criado
pela combinação mais escura possível de todas as cores dadas em sua paleta. A próxima artista é Louise Lockhart. Vivendo a vida do artista romântico em um antigo moinho na Inglaterra, a ilustradora Louise Lockhart, conhecida como The Printed Peanut, tem um estilo claramente inspirado na impressão e o nome de sua loja online, The Printed Peanut, suporta Minha alegação. Bem, Lockhart claramente se diverte em todas as cores. A maioria de seu trabalho está enraizada em uma tríade de ciano, rosa e amarelo, que pode ser combinada como o trabalho de Anna Hurley através de efeitos de superimposição para criar vermelho, laranja, azul e verde. Novamente, como Hurley, Louise Lockhart é capaz de fazer sem preto, em vez de combinar várias cores para criar o escuro mais escuro, mais contrastante. O trabalho de Louise é um exemplo perfeito de como estilo, técnica e cor se divertem. Seu trabalho é feito literalmente para técnicas primitivas de impressão como tipografia, e mesmo quando não é, ela parece jogar dentro das mesmas restrições. Isto é o que torna o seu trabalho tão distinto e consistente. Nossa próxima artista é Katie Benn. Em seu site, a artista de São Francisco Katie Benn diz que ela é inspirada por embalagens vintage e todas as coisas coloridas. Enquanto ela trabalha em vários meios de comunicação, seu estilo geral e uso da cor é consistentemente simples, com acenos para a arte popular americana, gravura
Warholesca e para mim, alguma forma evoca uma sensação de sinais de barbearia [inaudível] . Como outros no conjunto, ela trabalha com formas planas de cor, com bordas claras delineadas, quase sem evidência de mistura ou camadas. Sua paleta limitada se repete em suas pinturas, e seu trabalho mais digital, rosa,
amarelo, azul, vermelho e, às vezes, verde,
azul-azulado amarelo, azul, vermelho e, às vezes, verde, e ciano. Cores adicionais são facilmente derivadas de combinações dessas cores, especialmente nas tríades primárias de rosa, amarelo e ciano. Seja digital ou física, estilo de
Katie sugere o uso de escovas contundentes, marcadores gordurosos, opacos e, ocasionalmente, pastéis de óleo. Na minha busca por ilustradores de paletes para compartilhar com vocês, fiquei encantado ao encontrar o trabalho do ilustrador letão Roberts Rurans. Rurans traz não só um forte senso de cor para o seu trabalho, mas uma linguagem visual inteira inspirada na iconografia cristã bizantina. Esses trabalhos são criados principalmente usando meios físicos. Seu estilo mostra influência da ilustração vetorial mais contemporânea em forma, qualidade, restrição no uso e profundidade de cor, e senso de abstração. Rurans descreve seu trabalho como uma mistura entre o modernista que é uma simplicidade visual e técnica tradicional. Sua paleta é bastante semelhante à que já vimos; uma tríade de tons adjacentes primários, incluindo rosa e vermelho, amarelos profundos e ciano ou azul, todos parecendo informar cores adicionais como verde, e ocasionalmente cinza-aço, castanhos
vermelhos e taupes. Um tom azul preto parece ser construído a partir de outras cores na paleta. Embora as cores sejam planas, falhas
sutis e evidências de pinceladas retratam suas técnicas de mídia física. O próximo artista é Olimpia Zagnoli. Se você fez minhas outras aulas, você sabe que eu não posso resistir a uma referência Olimpia Zagnoli. Com sede em Milão, Zagnoli trabalha em um estilo gráfico altamente estilizado que ela admite ser inspirado pelo designer e ilustrador de meados do século Paul Rand. Ela definitivamente acena para suas formas abstratas e preferência
quase exclusiva por tons primários e secundários, mas, claro, ela traz sua própria visão nova sobre essas coisas. impressionante carreira de Olimpia Zagnoli, ela conseguiu manter-se incrivelmente disciplinada em sua linguagem formal e uso da cor. Ela prova que você não precisa de muitos truques extravagantes para ser um artista bem sucedido e altamente procurado. Você só precisa ser inteligente, confiante e consistente. Como eu disse, ela gravita-se quase exclusivamente em torno de tons primários e secundários, todos de alta intensidade. Ela raramente usa qualquer uma de suas cores no meio do caminho. Ao contrário dos artistas que vimos até agora, Olímpia usa preto real em seu trabalho. Mas também vejo pretos e quase negros que são mais baseados em superimpressões de suas cores. Suas paletas variam, mas eu acho que ela é uma ilustradora no coração, possuindo cores adjacentes primárias da impressora, magenta ,
ciano e amarelo dourado, e o verde, azul e vermelho que vem destes. De lá, ela volta a rosa e superimprime os marrons e borgonhas. Além disso, não negligenciar seu uso de espaço branco ou negativo, que sempre ajuda a cores de outra forma full-on para respirar e pop. A próxima artista é Barbara Dziadosz. ilustradora de Hamburgo Barbara Dziadosz
não faz nenhum osso sobre a gravura como uma influência em seu trabalho. Como ela diz em seu site, seu trabalho é fortemente inspirado em ilustração vintage e
serigrafia e usa uma paleta de cores limitada e formas ousadas. Você pode ver essa influência de impressão não só em como ela usa e combina suas cores como tintas de
impressora, mas também em seu uso de textura e formas simples. Como a maioria dos artistas neste conjunto, ela também evitar um preto completo, deixando cores combinadas para criar escuros por si mesmos. Uma palete do Dziadosz inclui rosa, azul, ciano, magenta e um rico amarelo dourado. Estes combinados usando efeitos de superimposição por sobreposição de formas, seja completamente ou apenas nas bordas. Suas cores têm um calor para eles, resultante da presença de tonalidade cremosa ou amarela clara. Nossa próxima artista é Diana Ejaita. Também proveniente da Alemanha, Diana Ejaita,
com sede em Berlim, trabalha como ilustradora e designer têxtil. Entre todos os artistas do set, Ejaita é a mais explícita sobre suas tendências de uma palete. Ela diz que o que distingue suas ilustrações é uma combinação de áreas
dramaticamente contrastantes de preto e branco com padrões suaves, e branco com padrões suaves e texturas. Ela poderia ter facilmente adicionado isso. Ela adere principalmente às cores primárias: azul, vermelho e amarelo, e o verde e rosa ocasionais. ser honesto, Paraser honesto,não
posso dizer com certeza que ela trabalha digitalmente ou em mídia física ou um pouco de ambos, mas seu trabalho é claramente informado pelos traços gentis de lápis de cor. As áreas texturais brilhantes de cor sobre um fundo preto me lembram de pinturas de veludo preto. Nossa próxima artista é Lisa Congdon. Como pode não amar o trabalho de Lisa Congdon? Seu trabalho é uma mistura estilística de arte folclórica
escandinava e americana sendo baseada em pintura, mas inspirada em gravuras. Se ela está retratando um animal ou um padrão abstrato ou mostrando que Você Contem Multidões, suas cores são quase sempre as mesmas: preto, branco, azul, vermelho, amarelo e rosa. Ela varia de vez em quando, jogando um verde, ou talvez um amarelo cada dica de vez em quando. Como a maioria dos outros artistas deste conjunto, sua paleta simples brilha com um estilo plano que dá a cada cor a chance de inundar sua própria forma. As cores podem ser misturadas na paleta de pintura, há uma completa ausência de mistura de cores na tela. Eu quero voltar para o trabalho de Sonny Ross, cujo trabalho eu também descobri enquanto pesquisava para esta aula. Adoro as composições ocupadas e
lúdicas do Ross e, claro, o seu firme compromisso em ser um ilustrador de paleta única. Ross claramente trabalha usando ferramentas digitais, mas ele também evoca mídia física como lápis colorido em pincéis de guache em seu trabalho. todo o tempo, ele usa uma paleta restrita de rosa, amarelo e azul, que combina usando efeitos de superimposição para criar vermelhos, verdes e, claro, seus escuros mais escuros. Ele também evita o preto puro para certos detalhes e também tende a evitar o branco puro também. No geral, tom cremoso lança um calor em todo o seu corpo de trabalho, que você pode ver mais claramente em seu site portfólio. Assim como o preto nem sempre tem que ser preto, branco nem sempre tem que ser branco. Uma tonalidade leve de apenas uma cor aplicada ao seu corpo de trabalho pode fazer maravilhas para manter tudo unido em harmonia.
6. Trabalhando com paletas limitadas: Trabalhar com uma paleta limitada e aderir a ela na maior parte do seu trabalho parece que deve tornar tudo muito mais fácil. Bem, é claro, eliminar a necessidade de criar novas paletes a partir do zero para cada projeto torna nosso trabalho mais fácil, mas não resolve todos os problemas. Cada projeto apresenta seus próprios desafios, e até mesmo ilustradores com o mais rigoroso estilo e paleta de
cores lutarão para fazer as coisas funcionarem sempre. Mesmo sabendo que cores usaremos, há sempre um aspecto de resolução de problemas para descobrir como as cores serão reproduzidas em nosso trabalho. Se entendermos como as paletas limitadas funcionam e não funcionam, teremos mais sucesso em usá-las em nosso próprio trabalho. Neste vídeo, analisaremos algumas estratégias e práticas
recomendadas para aproveitar ao máximo o trabalho com nossas paletas limitadas. A primeira dica é, mantenha sua ilustração o mais simples possível. Quanto mais complexa for uma ilustração, mais difícil se torna usar uma paleta simples. Isto é especialmente verdadeiro se uma ilustração tem uma sensação de profundidade com um primeiro plano e um fundo e elementos sobrepostos e tal. Estes são tipos de coisas que você pode encontrar em uma cena. Se você estiver ilustrando por algum período de tempo, você deve ter notado que é mais fácil ilustrar objetos simples ou caracteres sobre planos de fundo brancos ou sólidos do que ilustrar cenas mais complexas. Este desafio é mais um da composição, mas a cor é uma grande parte dele. Depois de começar a adicionar em primeiro plano, elementos de plano de fundo e muitos detalhes entre eles, a ilustração pode começar a parecer plana e excessivamente ocupada. Falta-lhe um senso de hierarquia. Não há nenhuma área de foco. A solução para este problema é trabalhar com, não contra os nossos constrangimentos. Escolher uma paleta limitada geralmente significa escolher um estilo mais simplificado. Este não é o caso 100% das vezes, mas é verdade como regra geral. No projeto da classe, trabalharemos com ilustrações de ícones mais simples sobre um fundo branco e uma cena mais complexa com um fundo e até algumas pessoas. Veremos como é mais fácil ser rigoroso com as cores na primeira ilustração e como precisamos afrouxar nossas restrições para trabalhar com a segunda ilustração. Todo o tempo, nenhuma ilustração é louca complexa. Estou trabalhando em um estilo simples, para começar, e estou sendo deliberado em minhas composições para
garantir que funcionará com minha maneira de usar paletas limitadas. Ao trabalhar com paletas de cores ao longo do tempo, sua missão é descobrir como suas cores e suas escolhas estilísticas, incluindo suas ferramentas, técnicas e composições funcionam em harmonia. Deve-se notar que ilustrações mais complexas podem ser facilitadas nos olhos através de paletes mais simples, mas meu ponto é que usar paletas mais simples para composições
mais complexas é mais desafiador do que para as mais simples. Minha segunda dica é, use espaços em branco em suas composições. Quando você olha para ilustrações que usam paletas limitadas, as composições são muitas vezes bastante planas. Como acabamos de olhar, o estilo geral é relativamente simples. Outra coisa que você vai notar é que o espaço em branco ou espaço
negativo muitas vezes fatores em um pouco. Como não temos a forma sofisticada de usar cores que um pintor ou artista conceitual teria à
sua disposição , como iluminação e efeitos ambientais, precisamos de outras maneiras de construir um senso de hierarquia em nossas imagens. A monotonia de nossas paletas limitadas pode ser rapidamente interrompida pelo uso estratégico de espaços branco,
permitindo que o branco da página ou tela corte em nossas composições de maneiras interessantes. Até mesmo artistas cujos estilos e técnicas permitem mais sutilezas e variações em suas cores usarão espaço negativo para criar efeitos impressionantes em suas composições. Tomemos, por exemplo, Miroslav Sasek, cujas ilustrações de aquarela exuberantes eram muitas vezes brilhantemente quebradas com corações partidos em cores, permitindo que o peso da página deixasse seus assuntos estourar. A próxima dica é, use as cores mais lógicas disponíveis. Uma das vantagens de trabalhar com uma paleta de cores limitada é que seu trabalho assume automaticamente uma sensação de capricho. Isto é particularmente verdadeiro quando se trata de representar objetos em cores improváveis. Quando você tem uma paleta muito tira traseira, você apenas faz com suas cores disponíveis. Na ausência de tons carnudos, as pessoas podem ser roxas, na ausência de vermelho, as maçãs podem ser azuis. Ao trabalhar em minhas paletas limitadas, costumo usar o que chamo de lógica de cores. isso quero dizer, dada a paleta com a qual estou trabalhando, usei a cor mais lógica na mão para o que estou ilustrando. Digamos que estou trabalhando com uma paleta de duas cores de laranja e azul-petróleo, e estou ilustrando uma maçã. laranja é o mais próximo da cor vermelha típica de uma maçã, então eu provavelmente vou usar laranja. O cerco é o mais próximo da cor verde típica de uma folha de maçã, então eu vou usar o cerco para este detalhe. E sobre as cores da pele e outras coisas que
claramente não são azul-petróleo ou laranja neste exemplo? É aí que entra a parte caprichosa. Algumas pessoas podem ser laranja, outras podem ser azul-petróleo. Quanto a outros tipos de objetos, é claro, na minha paleta mais típica, tenho vermelhos, azuis, amarelos e quase todas as cores no meio. É que minhas cores não são tons puros. Eu posso usar o meu vermelho, laranja para a maçã, e verde para a folha, e provavelmente tem uma variedade de cores disponíveis que vai fazer mais sentido para tons de pele. O ponto aqui é que se você tem as cores mais naturais ou que estão totalmente fora, você pode usá-los em sua arte. Você pode seguir a lógica de cores para escolher quais são os melhores para o seu assunto. O próximo passo é, cuidar da sua hierarquia. Hierarquia visual é basicamente como os elementos são ordenados em termos de importância. Tudo o que você deseja ser mais proeminente em sua imagem, este deve ser o primeiro em sua hierarquia visual. Em seguida, todos os outros elementos devem apoiar em vez de competir com ele. Em uma hierarquia visual equilibrada, o olho é desenhado através da composição de forma ordenada. Em um livro ou uma página da Web, por exemplo, hierarquia é apresentada de forma mais linear, como o título sendo o número 1, o número do cabeçalho 2
e, em seguida, o corpo do texto como número 3 na hierarquia visual. Claro, podemos estabelecer hierarquia e não apenas pela ordem visual ou pela ordem linear, mas pela escala de objetos em nossa composição, as maiores coisas serão as mais óbvias
e, portanto, topo da hierarquia. A cor também determinará como o olho se move em torno de sua composição. Os três principais fatores no estabelecimento da hierarquia em termos de cor são o valor, intensidade e a temperatura da cor. Valor é a escuridão aparente ou leveza de uma cor. O azul primário tem um valor mais escuro do que o amarelo primário, por exemplo. É provável que, em um fundo branco, azul se destaque mais do que o amarelo. A intensidade, por outro lado, é o brilho e a pureza de uma cor. Um amarelo realmente intenso ou totalmente saturado aparecerá contra um azul escuro. Temperatura de cor é o quão quente ou fria uma cor parece ser. Vermelho é uma cor quente e azul é uma cor legal. As cores quentes tendem a aparecer para a frente e as cores frias tendem a recuar para trás. Se você colocar um sol amarelo puro sobre o cara de um ciano puro, o sol irá naturalmente aparecer para a frente mesmo que ambas as cores estejam em sua intensidade total e mesmo que o ciano tenha um valor mais escuro do que o amarelo. Ao tentar guiar o olho através de suas ilustrações, você deve estar estabelecendo uma hierarquia clara do que é mais importante e, em seguida, todas as outras coisas que deveriam apoiá-lo. Quando as coisas começam a parecer muito planas ou esmagadoras, você provavelmente está enfrentando uma quebra na hierarquia. Esteja ciente de como o valor, a intensidade e a temperatura da cor estão ajudando ou prejudicando sua composição dessa maneira. Vamos olhar mais em coisas como valor e intensidade na seção de teoria de cores da classe. A próxima dica é, adicione variedade com sombreamento e textura. Uma ótima maneira de quebrar a sensação de monotonia em paletas limitadas é trazer uma sensação de luz e sombra ou profundidade, introduzindo sombreamento e textura. Sombreamento e textura são realmente maneiras de ajustar o valor das cores do seu paladar principal sem se afastar delas. O sombreamento, claro, escurecerá cores e textura dependendo da sua técnica, muitas vezes iluminará cores. Por exemplo, eu uso um monte de texturas escovadas e influenciadas por impressão que permitem que a cor do papel apareça. Isso terá um efeito relâmpago. Ao aplicar estrategicamente e consistentemente sombreamento e textura em seu trabalho, você pode esticar bastante suas paletas limitadas. A próxima dica é estender suas paletas com O-A-Ts. Como veremos no projeto de classe, você pode criar variações quase infinitas de sua paleta usando opacidade, adjacência e transparência ou o método OAT. Opacidade é como uma cor sólida ou opaca aparece. Ao reduzir a opacidade da camada, você diminuirá seu valor e intensidade enquanto a torna mais leve. Esta técnica permite que você crie tons de suas cores centrais, que são naturalmente harmoniosas com sua paleta. Por exemplo, você pode puxar para trás uma opacidade vermelha para 30%, que produzirá um rosa claro, que pode então se tornar a base para uma variedade de tons de pele. Vamos cobrir os tons de pele em profundidade nos exercícios e projetos. Outra maneira que a opacidade pode tornar suas cores mais dinâmicas é permitir que as cores abaixo sejam exibidas um pouco. Isso cria um efeito de camadas encantador e sutil. Adjacência é um pouco de boca cheia, mas eis o que quero dizer. Adjacente significa ao lado ou próximo. Ao estender sua paleta, você quer ter cuidado para não escolher cores totalmente diferentes, o que ficaria desharmonioso com o resto de sua paleta. Mas, às vezes, em situações especiais, talvez seja necessário escurecer ligeiramente, clarear ou alterar uma cor na paleta. Nesse caso, você pode abrir sua ferramenta de seleção de cores, que está disponível na maioria dos aplicativos de ilustração digital, e empurrar ligeiramente a cor para uma versão
mais escura ou mais ou menos saturada da sua tonalidade que está disponível na maioria dos aplicativos de ilustração digital,
e empurrar ligeiramente a cor para uma versão
mais escura oumais ou menos saturada da sua tonalidade
movendo a coisa alvo de sua posição atual. Você pode até mesmo empurrar ligeiramente a tonalidade dessa maneira também. Desta forma, você está escolhendo uma cor adjacente ou uma que é muito próxima da que você começou com e que impede que você salte muito para um tipo de cor totalmente diferente, que preserva a harmonia de cores que você estabeleceu ao construir sua paleta. Transparência é o efeito da transparência da sua cor. Em ferramentas digitais, você pode fazer uma cor parecer transparente
definindo o modo de mesclagem do objeto ou camada para multiplicar. Como veremos quando falamos sobre o espaço de cores CMYK, multiplicar emula ou simula um efeito de superimposição onde uma tinta transparente sólida é impressa em cima de outra. A opacidade, é claro, permite alguma transparência. Mas se estamos sendo muito específicos, eu diria que quando você disca a opacidade de uma cor, é translúcida. Permite que alguma luz brilhe, mas não todas. A cor acaba sendo menos intensa e menor em valor como resultado. A transparência é diferente da opacidade no sentido que as duas camadas são tecnicamente opacas. O que significa que a visibilidade da camada ainda está em 100%. Aqui, a cor permanece a mesma intensidade, em valor e, de fato, a cor resultante da multiplicação das duas cores é ainda mais intensa e mais escura em valor. Nesta classe, trabalharemos principalmente com opacidade e transparência em graus variados para construir e usar nossas paletas. Mas adjacência é sempre um bom truque para ter na manga quando precisamos. Vamos ver se temos a chance de usá-lo assim que entrarmos no projeto.
7. Bônus: como você aprimora seu sentido de cores: Uma das maiores perguntas sobre como trabalhar com cores é saber quais cores você gosta e como você pode usá-las em seu próprio trabalho. Esta é uma questão importante para todos os artistas e ilustradores, independentemente de quão simples você queira que suas paletas sejam. Você pode saber tudo sobre teoria de cores e você pode ter lido todos os livros sobre o assunto e ter tomado todas as aulas e ainda assim você pode estar sentado na frente de sua caneta de tela na mão, olhando para suas amostras e se perguntando por onde começar. Acho que está claro que a cor é subjetiva. É tão subjetivo quanto se vê quando se trata de arte. A beleza está nos olhos do observador. Que cores são lindas para você? Quão confiante você está em trazer essas cores para sua arte? Acho que muitas vezes ficamos presos usando a cor porque sentimos que temos que usar a cor de uma certa maneira. É como se houvesse uma maneira correta de usar a cor. Como designer em recuperação, eu sei que em alguns cenários isso é realmente verdade. Muitas vezes temos que usar a cor de uma forma que corresponda às expectativas de nossos clientes, ou definir o humor da maneira certa ou falar
exatamente o caminho certo para o nosso
demográfico escolhido de acordo com grupos focais em pesquisa de mercado. Mas como ilustradores, podemos deixar muito disso de lado. Quero dizer, se você ainda está assistindo essa aula, eu acho que você está concordando com a idéia de que a cor e a nossa arte não tem que ser literal ou ligada a certos significados culturalmente atribuídos, nem tem que ter um apelo em massa perfeito. Enquanto vermelho pode significar raiva e preto pode significar funeral grande parte do tempo no contexto mais amplo da cultura, se usarmos essas cores consistentemente em nosso próprio trabalho de uma certa maneira, eles perdem essas conotações culturais, o cores perdem essas conotações culturais, começamos a ver essas cores como uma linguagem em seu próprio direito. Por exemplo, a maioria dos textos está em preto e branco. Nós nem sequer pensamos sobre isso em termos de cores, mas todas essas letras estão em preto, e preto significa morte. Então todos os documentos significam morte? Claro que não. Talvez isso seja um pouco simplista de uma referência. Mas e o trabalho de Gemma Correl? Seus quadrinhos ilustrados hilariantes são vermelho, preto e branco. Estas são cores muito sérias. Quero dizer, você sabe quem mais ama essas cores? Meu senso é que Gemma está mais interessada em pugs e pijamas
aconchegantes do que dominação global por regras fascistas. Meu ponto é que quando você usa uma paleta estrita, independentemente das cores, quando elas se tornam parte central de sua caixa de ferramentas estilística, elas assumem um significado específico para você muito
mais do que qualquer emocional ou simbólico conotação compreendida pela cultura maior. Seu trabalho ao longo do tempo desenvolve seu próprio contexto, e é nesse contexto que sua arte, cores e tudo será cada vez mais percebido. Mas acho que estou circulando em torno da pergunta mais profunda. Deixe-me voltar aos trilhos. Não posso te ensinar a ter um senso de cor. Não posso dizer qual é o seu sentido de cor. Posso mostrar-te o que é meu e mostrar-te como o uso no meu próprio trabalho. É tudo o que sei. Mas eu tenho algumas idéias de como você pode começar a encontrar seu senso de cor. A boa notícia é que vamos passar por isso juntos nos exercícios. Eu os projetei especificamente por esta razão, mais sobre aqueles mais tarde. Por enquanto, eu vou apenas dizer que você pode encontrar seu senso de cor apenas por auto-observação e estudando o trabalho que você ama para pistas de como fazer cor funcionar. Emparelhado com uma compreensão básica da teoria das cores, isso é quase tão forte de um começo quanto você pode ter. Para alguns de nós, sabemos muito bem de que cores
gostamos e simplesmente não conseguimos fazê-las funcionar em nossa arte. Para outros, não temos uma cor favorita desde o jardim de infância. Se você se encaixa em um desses campos ou em outro, vamos encontrar pistas de como podemos usar a cor em nosso trabalho, fazendo o seguinte. Primeiro, procure cores recorrentes em seu próprio trabalho. Se você tem feito arte de qualquer tipo por um tempo, faça um balanço de suas peças favoritas e procure cores que parecem se repetir, que você parece ser mais atraído. Quais cores aparecem mais? Você sempre usa uma determinada cor ou há certos tipos de cores que você usa? As cores que você escolher e integrar em sua arte podem lhe dar algumas pistas sobre as cores que você pode querer integrar de forma mais eficiente em sua paleta de ir para uma só paleta. No primeiro exercício, a cor é auto-inventário, eu vou orientá-lo através do processo de fazer isso, bem
como através de uma série de reflexões guiadas para ajudar a cavar ainda mais fundo. Em seguida, procure as cores pelas quais você se sente mais atraído no mundo. Com que tipos de cores você se cerca? Que tipo de arte você coletou para colocar em suas paredes? Qual foi, pelo menos, em parte, por causa da cor? O que você gosta de vestir? Além disso, se você for para o Pinterest e começar a procurar por ilustração, arte e design, quais cores você se sentiria mais atraído? Será que alguma das cores realmente excitá-lo e obter seus sucos fluindo? Quais são os que mais te inspiram? O que é sobre essas cores que você gosta e como você pode canalizar a inspiração que sente delas para o seu próprio trabalho? Isso é algo que você pode estar atento em todos os momentos. Aviso justo, se você é como eu, pode
se tornar esmagador. Você provavelmente gosta de todos os tipos de coisas, às vezes muito diferentes um do outro. Tudo bem, porém, estar ciente do que você gosta é importante, mas por si só não pode dizer quais cores você deve usar em seu trabalho. Mais sobre isso a seguir. Em seguida, procure como seus heróis usam a cor em seu trabalho. Acredito que uma das minhas maiores percepções sobre cor é que a cor e o estilo andam de mãos dadas. Esse emparelhamento vai mais fundo do que você imagina. Como já falamos sobre como os ilustradores usam a cor é muito pessoal para eles, e como isso acontece sempre será em parte, um mistério para nós. Mas suas escolhas no uso de cores geralmente se resumem às restrições com as quais estão trabalhando. Em seu estilo escolhido, usando suas ferramentas e técnicas específicas, as cores disponíveis e como elas são usadas tornam-se bastante estreitas. Por exemplo, ilustrador baseado em pintura, Carson Ellis tende a ter um fundo preto e branco, ou muitas vezes creme tonificado com pops de vermelhos e laranjas. Talvez em vez de preto, ela use variações de cor marinha escura. Claro, ela está demonstrando bom senso de cor por emparelhamento de bom gosto de cores complementares, azul e laranja e vermelho. Mas dado seu estilo inspirado na arte folclórica gráfica e a mídia analógica que ela está usando, tudo
isso é informado por qualidades naturais. Para mim, a cor de tom cremoso em seu trabalho faz referência
aos ricos tons cremosos de papel aquarela arcos. Ela usa grandes áreas de espaço negativo para ajudar sua arte simples e
estilizada sair mais sem que tudo fique enlameado juntos. Ela varia suas cores com mudanças na opacidade e transparência, trabalhando com as qualidades que seus meios de pintura naturalmente oferecem. Se você tentasse alcançar seu senso de cor usando mídias puramente digitais, menos que você tivesse pincéis digitais muito convincentes e muita habilidade usando-os, você seria difícil de alcançar um resultado semelhante. Agora, nesta aula, estou falando como ilustrador digital, mas meu ponto é que as cores podem ser escolhidas por razões pessoais ou arbitrárias. Mas a forma como eles aparecem é realmente moldada pelo estilo e mídia que você escolher ou optar por emular em sua mídia digital. Como isso tudo se relaciona com encontrar seu senso de cor? Você pode começar a entender não apenas quais cores você deve escolher, mas quantas e como elas funcionam,
entendendo o tipo de estilo que você gostaria de alcançar, e a mídia ou ferramentas e técnicas com as quais você gostaria de trabalhar. No segundo exercício, o estudo de inspiração de cores, teremos a chance de olhar para o tipo de trabalho que
mais nos inspira com um foco especial em como a cor é usada. A próxima dica é prática, prática, prática. Claro, nós realmente só precisamos fazer o trabalho de trabalhar nossas cores em nossa arte. Você pode ter uma parede inteira de cores que você ama, mas você nunca vai saber exatamente como eles vão trabalhar em sua arte até que você realmente experimentá-los com suas mãos. No projeto da classe, vamos passar por este processo de escolha de cores e trabalhá-las em ilustrações reais juntos. Este pode ser o início de sua jornada de cores, ou você pode estar bem nela e apenas procurando novas maneiras de crescer. Seja quem for e onde quer que esteja em sua jornada, o projeto será um ótimo ponto de salto para uma maior exploração por conta própria. Em última análise, você não pode apenas pensar o seu jeito de saber qual é o seu senso de cor. Você tem que usar seu coração, suas mãos e, claro, seus olhos. Lembro-me, como designer gráfico, como muitas vezes sentia que tinha de escolher as cores certas. Era como se eu tivesse um anjo no ombro direito e um demônio na esquerda
com o diabo me dizendo para usar as cores que eu realmente sabia que eu amava, e então o anjo me lembrando que não é sobre o que eu gosto, mas os objetivos do design. Como designer, o conselho do anjo parecia muito sábio. O problema era que, às vezes, dois ou mais anjos se juntavam, todos me diziam sábios, mas opostos, pepitas de sabedoria. Pode-se dizer: “Sim, é sobre os objetivos do design, mas você sabe que o cliente não gosta dessas cores. Então você provavelmente é melhor você ficar claro sobre isso.” Então outro anjo diria: “Sim, mas também tenha em mente que seu chefe lhe disse para nunca usar essas outras cores, então você também deve ficar longe delas.” Então, sim, outro anjo apareceria e diria: “De acordo com minha pesquisa central, as cores que você está escolhendo são muito populares para jovens adultos à medida que chegam a 25, e então [inaudível]”. Então, é claro, talvez algum anjo punk venha e diga: “Sabe que essas cores não vão funcionar na impressão, certo?” Mas enquanto isso, o diabo à minha esquerda estava
me cutucando com sua forquilha e dizendo: “Não escute essas perguntas. Você sabe o que você quer, basta ir com ele.” Bem, eu realmente não gosto de demônios, mas eu também não gosto de conselhos contraditórios dos chamados sábios. Mas o que eu percebi, foi que o conselho do diabo era o mais sábio de todos, e na verdade, não era um demônio. Os anjos e o diabo, neste caso, somos apenas o meu próprio eu, fragmentados e divididos sobre essas vozes, sobre esses diferentes conselhos ou sabedoria opostos. Qualquer um deles pode estar certo ou errado, dependendo do contexto. Podem ser todos demônios ou anjos. Mas a voz que eu era mais provável de caracterizar como diabólica foi a que me encorajou a seguir meu instinto. Quando comecei a aprender a ouvir o meu instinto e a não vê-lo como a voz diabólica, este foi o começo de ter um sentido de cor mais forte no meu próprio trabalho. Será que eu comecei instantaneamente a desfrutar de sucesso com minhas cores? Não exatamente. Ainda levou tempo para descobrir com que cores eu trabalhei melhor. Mas finalmente, eu poderia fazer uma escolha de qual dessas vozes ouvir. Uma das coisas mais difíceis de fazer na criatividade profissional é tomar decisões artísticas porque você está criando não só para você, mas também para seus clientes, e claro,
não apenas para seus clientes, não apenas para seus clientes, mas também para seus clientes audiências também. Tudo isso se torna vozes em nossas cabeças, anjos e demônios em nossos ombros, dando-nos direção conflitante. Então ficamos presos tentando descobrir qual destes ouvir ou
tentamos abraçá-los todos com igual peso. Nós somos puxados em muitas direções diferentes. Mas é o seguinte, nós somos criativos. Somos nós que devemos liderar a visão artística. Não é o cliente nem o público que deve
fornecer o mais forte senso de direção quando fazemos nossa arte. Agora, eu sei que essa é a melhor e a pior notícia de uma vez. Somos chamados a liderar o criativo, e a liderança é assustadora porque nos torna responsáveis pelo que acontece a seguir. Mas para liderar, temos que aprender a confiar em nossas entranhas e saber o que gostamos e o que somos mais atraídos. É nossa direção criativa, nossa sensibilidade em estilo, conceito em cores que estamos sendo contratados. Quando temos que resolver qual voz ouvir, devemos sempre priorizar nossos instintos. O problema é que temos que treinar e aprimorar nossos instintos. Fazemos isso através do estudo, aplicação e prática. Se há algo que eu quero que você tire dessa aula, é mais uma habilidade de fazer essas coisas com mais intenção e sucesso.
8. Teoria de cores tradicionais: Como a teoria das cores é uma habilidade essencial para cada ilustrador, eu queria passar pelo básico. Isso não é de modo algum um mergulho profundo no assunto, mas definitivamente vai nos colocar todos na mesma página para que possamos falar mais sobre cor com mais precisão nesta aula e em nosso trabalho. Por teoria tradicional de cores, quero dizer o sistema de cores que aprendemos provavelmente na escola primária, com vermelho, amarelo e azul como as cores primárias, e laranja, violeta e verde como as cores secundárias, e as que estão entre estas como as cores terciárias: vermelho-laranja, vermelho-violeta, amarelo-laranja, amarelo-verde, azul-verde e azul-violeta. Teoricamente falando, você pode combinar vermelho, amarelo e azul, as primárias para criar todas essas outras cores. Na teoria tradicional de cores, essas 12 cores são dispostas em um círculo para formar a roda de cores. As três primárias formam um triângulo apontando para cima. Em seguida, os três secundários formam um triângulo sobreposto apontando para baixo como uma estrela de seis pontas. Em seguida, os terciários preenchem os seis espaços entre esses pontos. Muitas vezes você também verá um círculo escuro ou preto no meio, que é feito combinando todas as cores, teoricamente. A roda de cores é útil não só para mostrar como as cores primárias se misturam e criam cores secundárias e assim por diante, mas também para visualizar certas relações formais de cores chamadas esquemas de cores ou harmonias. Embora existam muitos esquemas possíveis, eu os reduziria a apenas cinco. Monocromático, análogo, complementar, triádico e tetradico. Vamos ver cada um. Os esquemas de cores monocromáticos usam apenas uma cor em vários tons e tons. Uma foto de tom sépia antiquada e um desenho a lápis são exemplos de esquemas de cores monocromáticas. Um esquema de cores monocromático é considerado um esquema de cores nunca falhe, que
significa que, não importa o que você faça, as cores sempre serão harmoniosas. Esquemas de cores análogas usam duas ou mais cores consecutivas na roda de cores. Por exemplo, vermelho, laranja e amarelo são análogos porque eles se sentam um ao lado do outro. Como o salto de uma tonalidade para a
outra não é um grande salto em uma paleta
análoga, as cores naturalmente funcionam bem umas com as outras porque elas compartilham uma propriedade similar, particularmente a de serem quentes ou frias, ou eles transitam gradualmente de um para o outro. Esquemas de cores complementares são baseados em cores opostas uma à outra na roda de cores. Vermelho e verde são cores complementares, assim como roxo e laranja. Cores complementares geralmente têm temperaturas de cor opostas também. Vermelho e verde são mais quentes e mais frios respectivamente. Quando duas cores complementares são usadas lado a lado com intensidade total, o efeito realmente pode ser bastante chocante, que muitos artistas usam intencionalmente para criar esquemas de cores impressionantes. Quando usados em intensidades e valores variáveis, esquemas de cores
complementares criam paletas bem equilibradas e harmoniosas. As cores que estão perto de opostos na roda de cores são chamadas de divisão complementar. Embora estes sejam considerados esquemas de cores separados, para nossos propósitos, gostaria de colocá-los no guarda-chuva geral de esquemas de cores complementares. Esquemas de cores complementares e próximos complementares são fáceis de usar, fáceis de gostar e, por isso, estão entre os mais populares. Os esquemas de cores triádicas são baseados em três cores que formam um triângulo na roda de cores. O esquema de cores triádicas mais essencial é vermelho, amarelo e azul, as três primárias que formam um triângulo equilátero na roda de cores. Quaisquer três cores que formam aproximadamente um triângulo podem ser consideradas triádicas. Esquemas de cores triádicas, especialmente aqueles que envolvem cores adjacentes primárias ou primárias
também são fáceis de usar e muito populares na arte comercial. Como veremos no projeto, uma paleta simples baseada neste esquema de cores pode revelar-se altamente versátil e harmoniosa. O esquema de cores tetradic é a última parada de ônibus nesta turnê de harmonias de cores. Mas não há muito para ver. Tetra significa quatro, então você vê onde isso vai dar. Quando se trata de usar paletas limitadas simples, uma vez que você tem quatro cores de origem, você pode muito bem ter cinco, seis ou 600. Para mim, harmonias de cores deixam de ser fáceis de encontrar ou tudo isso útil para a maioria dos ilustradores uma vez que passamos por três cores raiz. Para nossos propósitos, podemos ignorar esquemas de cores tetradicas porque eles não nos
ajudam a limitar nossas cores da maneira que os esquemas de cores mais rudimentares fazem. Agora, eu já falei sobre alguma terminologia de cores como matiz, valor, intensidade, e coisas assim. Mas estas são palavras muito importantes para descrever a cor. Vamos falar sobre eles. A seguir estão o que eu considero ser os termos mais importantes para descrever a cor. Matiz, intensidade e valor. Matiz, intensidade e valor são três palavras que você ouvirá muito ao falar sobre cor. São consideradas as três propriedades de uma determinada cor. Enquanto eles estão inter-relacionados, vamos apenas olhar para cada componente separadamente. Matiz é frequentemente o que queremos dizer quando dizemos cor, mas a tonalidade é mais específica do que a cor. Matiz refere-se a uma das 12 cores de origem da roda de cores. A tonalidade pode ser pensada como uma cor na sua forma mais pura. Uma cor, por outro lado, é mais geralmente uma expressão de qualquer matiz ou mistura de tons em qualquer sombra, matiz ou tom. Valor refere-se à leveza percebida ou escuridão de uma cor. Em uma escala de cinza pura do preto ao branco, o branco seria o mais leve em valor, não
tendo nenhum valor, e o preto seria o valor mais escurecido com valor máximo. Matizes têm valores inerentes. Por exemplo, o amarelo puro é inerentemente mais leve em comparação com o azul puro. Intensidade refere-se à pureza de uma tonalidade. Quando você esprema um espectro puro vermelho de um tubo de tinta, diz-se que está em sua forma mais intensa. Qualquer coisa que você fizer para modificar este vermelho puro diminuirá sua intensidade. Ele se tornará mais maçante à medida que você adicionar outras cores a ele ou como você adicionar mais branco a ele ou de outra forma diluí-lo. Em cada caso, as partículas de pigmento vermelho estão literalmente se tornando menos concentradas. Uma determinada cor terá uma tonalidade,
valor e intensidade exclusivos . Há dois termos finais a definir antes de seguirmos em frente a partir deste pequeno primer sobre uma teoria tradicional de cores: matizes e tons. Acho que todos sabemos o que isso significa, mas na teoria das cores, eles têm um significado muito específico. tonalidades são o resultado da adição de branco a uma cor. Quanto mais você tende a colorir, mais branco você adiciona a ele até que eventualmente desaparece em branco puro. Isso é confuso, uma vez que usamos matiz de forma diferente em linguagem comum. Na verdade, eu até usei incorretamente nesta classe no sentido técnico. Por exemplo, quando você quer vidros coloridos em seu veículo, você quer que eles sejam mais escuros. Quando dizemos que alguém está vendo a vida através de óculos de rosa, queremos dizer que os óculos que eles estão olhando através têm uma cor para eles. Nós não queremos dizer que eles estão olhando através de óculos que também têm branco adicionado a eles, que seria apenas leitoso e estranho. Usando nosso novo vocabulário para descrever o que está acontecendo aqui, quando você cria uma tonalidade de uma cor, você está diminuindo sua intensidade e seu valor. As cores pastel são feitas adicionando tons de branco para fonte, o que torna todas as cores pastel tonalidades. As sombras são o resultado da adição de preto a uma cor. Quanto mais você sombrear uma cor, mais preto você adiciona a ela até que você não pode ficar mais preto. A palavra realmente faz sentido quando você pensa sobre sombra e sombra e como eles soam semelhantes, sombras escurecem as coisas. De qualquer forma, agora você sabe que tecnicamente, uma sombra é uma versão mais escura de uma cor criada adicionando preto a ela. Só não saia por aí corrigindo as pessoas sobre seu uso indevido deste termo ou você não será mais convidado para festas. Isso conclui nossa breve educação sobre a teoria tradicional das cores. Não é tudo o que há para saber, mas é tudo o que você precisa saber para os propósitos desta classe. seguir, vamos começar a olhar para alguns modelos de cores diferentes que são altamente importantes para ilustradores.
9. A diferença digital: Na teoria tradicional das cores, revisamos os princípios básicos de cores que conhecemos desde que éramos muito jovens. Talvez o tempo todo você tenha pensado que vermelho, amarelo e azul são as únicas cores primárias e esse é o fim da história. Lamento dizer que não te contaram a história toda. Existem outras cores primárias e às vezes até mesmo as cores que sempre pensamos como primárias são na verdade secundárias. Deixe-me explicar. O que torna tradicional a teoria tradicional da cor é que ela é antiga. Velho não significa ruim, é apenas baseado em formas mais tradicionais de criar e misturar cores, nomeadamente com tinta ou pigmento. Vermelho, amarelo e azul, são primárias à base de pigmentos, e você pode literalmente misturar essas cores de tinta para criar os secundários e terciários mais ou menos. Mas eu vou apressar o palpite e dizer que a maioria de nós não está ilustrando usando pigmento. Mesmo que usemos tinta em algum lugar ao longo do caminho, tudo acaba em pixels. Estou falando de telas. Se você usa ferramentas de ilustração digital como Procreate, Photoshop, sem dúvida encontrou o termo RGB. RGB significa vermelho, verde e azul, que é o modelo de cores ou espaço de cores usado pelos dispositivos digitais que saem para a tela. No espaço de cores RGB, vermelho, verde e azul são as primárias e secundárias são totalmente contra-intuitivas. Ciano, magenta e amarelo. Se você sabe como usar a impressão, você reconhecerá esses secundários como as primárias da impressora, mas veremos mais sobre isso na próxima seção. No modelo de cor
RYB baseado em pigmento tradicional , quando você mistura duas ou mais cores, elas ficam mais escuras. Adicionar todas as cores efetivamente criará a cor mais escura possível, que é em teoria preta. À medida que novas cores são misturadas, a quantidade de luz refletida na página diminui, é por isso
que chamamos esse modelo de subtrativo. Adicionar cor à página diminui a quantidade de luz que certos comprimentos de onda estão saltando para fora dela e para seus olhos. O espaço de cores RGB, por outro lado, é baseado em luz. Novas cores são feitas adicionando mais luz de certos comprimentos de onda. Por exemplo, para ficar ciano, você adiciona azul e verde, que em uma tela são, na verdade, pequenas luzes que escurecem de fora ou preto até sua forma mais brilhante de vermelho, azul ou verde. Devido à forma como a luz é adicionada para criar novas cores, esse espaço de cores é chamado de aditivo. Embora os termos aditivo e subtrativo sejam em grande parte inconsequentes para nós como ilustradores, é útil saber um pouco sobre como e por que as cores se comportam de forma tão diferente nas telas do que no papel. É por causa dessa diferença entre a cor aditiva e subtrativa. Se houver algo que você tirar disso, você deve pelo menos entender como os números RGB ou códigos funcionam e como eles correspondem às cores que você está usando. Para demonstrar isso, vou abrir
a ferramenta de seleção de cores no Illustrator apenas para mostrar isso a vocês. Quando eu definir meus valores RGB todos como zero, a cor resultante é preta. Quando eu defini-los todos para o valor mais alto, que acontece a ser 255 ou FF em formato hexadecimal amigável nerd, eu fico branco. Como um lado, esta pequena caixa aqui em baixo é onde você pode digitar um valor RGB em formato hexadecimal, ou você pode copiar um código RGB resultante para usar em outro lugar, como em um design de site. Agora olhe para o que acontece quando eu definir apenas ler para 255 e os outros para zero, Eu tenho a forma mais pura de vermelho disponível na minha tela. Fazer o mesmo para verde e azul enquanto define os outros dois para zero me dá cada cor em sua forma mais pura. Para obter os secundários, eu apenas definir quaisquer duas cores para 255 ou FF e deixar o outro em zero. É na variação desses números que todas as 16,7 milhões de cores são possíveis no espaço de cores RGB. Novamente, você não precisa ser um nerd de computador para trabalhar com cores RGB. Isso tudo é apenas útil para fazer esses números, códigos e controles deslizantes parecerem menos aleatórios. O que você precisa saber é como a roda de cores muda na cor digital e como isso por sua vez, altera as relações de cores ou esquemas que conhecemos no modelo de cores vermelho, amarelo e azul. A roda de cores em RGB é frequentemente exibida como um espectro circular ou gradiente de cores que se misturam de amarelo a laranja, vermelho, magenta, azul, ciano e assim por diante. Mas para os nossos propósitos, ele também pode ser organizado de uma forma mais básica com apenas três primárias e três secundárias e se você quiser alguns terciários também. Quando você aplica os cinco esquemas de cores mencionados no último vídeo aqui, você pode ver que as cores reais nessas relações são diferentes. Verde não é mais o complemento do vermelho. Em vez disso, é ciano. Azul é o elogio direto do amarelo em vez de roxo e assim por diante. Agora, na teoria tradicional de cores, falamos sobre valor de matiz e intensidade. Em cores digitais, falamos mais sobre saturação de matiz e brilho. Estes são semelhantes, mas um pouco diferentes, principalmente devido às diferenças entre os espaços de cores aditivo e subtrativo que estávamos passando. Para demonstrar esses termos, é útil exibir minha ferramenta de seleção de cores no Photoshop novamente. Enquanto estamos aqui, vou apenas ressaltar que, se você estiver usando um dos programas da Adobe, você deve conhecer o caminho em torno dessa ferramenta de seleção de cores. Particularmente acostume-se a trabalhar no modelo HSB usando o modo de matiz. Você faz isso clicando no botão de rádio ao lado de H, bem aqui. Isso oferece um espectro de tons RGB e um controle deslizante no meio da caixa de ferramentas do seletor de cores. Onde quer que o controle deslizante esteja, essa é a tonalidade selecionada. Então, no grande quadrado à esquerda, há um gradiente de todas as tonalidades e tons possíveis para essa tonalidade. A cor resultante de todos esses controles deslizantes e o que não aparece na nova caixa de cores. Um pequeno retângulo apenas à direita da tira de matiz. À medida que avançamos, mostrarei o que significa tudo e a ferramenta de seleção de cores, ou pelo menos as coisas que são importantes para nossos propósitos, para aqueles que trabalham com o Procreate. Se você usar o clássico em modos de ferramenta de cores de valor, basicamente
você terá a mesma coisa para trabalhar. É que eles estão em dois menus diferentes em vez de um. matiz permanece o mesmo aqui que no espaço de cores RYB tradicional. É a fonte ou a forma mais pura de uma determinada cor. Aqui no seletor de cores, tonalidade é expressa em graus. Se você fosse envolver a faixa de espectro de cores em torno de um círculo, o valor do grau se relaciona com uma posição neste círculo. Pessoalmente, nunca penso nos números específicos para saturação de matiz e brilho. É tudo muito visual para mim. Eu presto mais atenção à cor em si que eu vejo na tela. A saturação é muito parecida com a intensidade. Quanto mais saturada uma cor, mais intensa e pura o resultado em matiz se tornará. A tonalidade é expressa como uma porcentagem, com zero por cento sendo a saturação mais baixa e 100 por cento sendo a mais alta ou mais intensa. Quando você altera esse número, o alvo sobre o quadrado do gradiente de brilho de saturação vai para a esquerda e para a direita com valores de saturação
mais baixos ou mais
escuros para a esquerda e valores mais altos ou mais claros para a direita. Em zero por cento, o resultado é apenas um valor em preto e branco. Não há cor. Brilho é claro, muito parecido com o valor. Brilho, claro, descreve como uma cor clara ou escura é. Também é descrito como uma porcentagem era zero por cento sendo o menos claro ou mais escuro, e 100 por cento sendo o mais claro ou mais brilhante. Ao alterar essa quantidade percentual que o alvo sobre o quadrado gradiente sobe e desce,
ficando mais escuro e mais baixo à medida que um número diminui e mais brilhante e mais alto à medida que o número aumenta. Com zero por cento de brilho, a cor é reduzida para preto. O que é interessante sobre o modelo HSB é que ele é uma alternativa para descrever cores em termos de valores RGB. O que eu gosto no modelo HSB é que ele é mais intuitivo quando se trabalha com cores digitais. Isso porque em digital, eu realmente não penso em misturar cores primárias e secundárias como eu faria usando tinta. As cores não são misturadas. Eles só estão lá disponíveis por meio de um código. Matiz, saturação e brilho são úteis porque fornecem uma descrição da cor que é mais intuitiva. Uma vez que eu defini minha tonalidade, eu posso facilmente entender o que significa torná-lo mais ou menos saturado, mais ou menos brilhante ou ambos. Enquanto estamos aqui, eu só quero apontar mais
algumas coisas acontecendo no seletor de cores. Como eu disse, basta mantê-lo no modo de matiz e você vai ser bom para o resto da aula e provavelmente para a vida. Já vimos o que acontece quando ajustamos números nas caixas HSB, bem como nas RGB. Há quatro modelos representados aqui, HSB, RGB, lab e CMYK. Você verá como uma mudança de valor em um desses modelos corresponde a mudanças em todos os outros. São todas representações ou modelos diferentes usados para representar cores na tela. Só digo que não sei nada sobre modelo de laboratório, então podemos ignorar isso pelo resto da sua vida. Quanto ao CMYK, vamos falar mais sobre isso no próximo vídeo. Mas, por enquanto, devemos saber que CMYK é um modelo de
cores baseado em impressão com cada letra correspondente a uma das primárias da impressora, ciano, magenta, amarelo e preto. Em CMYK ou impressão offset, todas as cores são criadas controlando o
quanto de cada um dos primários conforme estabelecido no papel. As porcentagens aqui se referem à quantidade de cada tinta necessária para criar uma determinada cor. Enquanto vamos entrar mais no CMYK no próximo vídeo, eu quero apontar algo que você verá de vez em quando ao usar o seletor de cores, que é o aviso de gama. Você pode ver uma pequena marca de aviso e uma pequena amostra à direita da nova caixa de cores. Quando você vir isso, a ferramenta de cores está avisando que a cor que você está vendo na tela não pode ser impressa. Isso ocorre porque o RGB tem uma gama ou gama de cores possíveis muito mais ampla do que o CMYK. Existem cores possíveis com telas baseadas em
luz que seriam impossíveis de representar na tinta. Compare 16,7 milhões de cores em RGB com apenas 16.000 cores possíveis em CMYK. Quando você vê este aviso gamut, ele está basicamente dizendo que se você vai imprimir esta imagem, melhor
você mudar a cor para algo mais CMYK amigável ou alguém vai fazer isso por você, e você pode não gostar do resultado. As cores no espaço RGB podem ser elétricas e muitas vezes muito berrantes. Em comparação, as cores no espaço CMYK aparecerão mais embotadas na tela. Você notará essa diferença especialmente no Procreate.
10. Como estabelecer uma ponte entre digital e impresso: Nesta seção, eu só quero passar por como a cor funciona na impressão. Como ilustradores, provavelmente trabalhamos digitalmente e grande parte do nosso trabalho vive apenas
no espaço digital, mas é claro que muito do nosso trabalho acabará em papel, seja nas páginas de uma revista ou de um livro, ou em um pacote ou um cartaz. Nesses casos, a cor deve ser traduzida
do espaço digital de volta para um espaço de impressão baseado em pigmento. Na impressão comercial padrão, as quatro tintas primárias da impressora: ciano, magenta, amarelo e preto, são todas usadas para criar todas as outras cores. Como vimos no último vídeo, no espaço RGB,
C, M e Y são na verdade as cores secundárias. Na impressão CMYK, isso é virado do avesso com ciano, magenta e amarelo agora como primárias, e R, G e B, ou vermelho ,
verde e azul como os secundários. quer que você faça com essa informação, se houver uma semelhança entre os espaços RGB e CMYK,
são os esquemas de cores. esquemas de cores complementares e triádicos análogos são praticamente os mesmos em ambos. A grande diferença é a gama, as cores são menos intensas no espaço de cores CMYK. Uma coisa enorme sobre impressão CMYK é como novas cores são feitas a partir dessas quatro tintas, ou seja, usando meios-tons. Quando você olhar super de perto para qualquer coisa que foi impresso, você provavelmente vai ver que ele é feito usando pequenos pontos desses quatro primários. Veremos isso mais obviamente em uma velha banda desenhada ou em jornais coloridos. Na impressão offset, cada tinta é impressa a partir de sua própria placa ou separação. As quatro placas vão para baixo no mesmo local em uma folha e resulta na aparência de milhares de cores. Halftones foram inventados para resolver um problema na impressão, que é isso. As placas para tintas são basicamente grandes selos psíquicos cobertos em uma cor de tinta e, em seguida, colocado em uma folha de papel. Uma imagem pode ter muitas cores diferentes em todos os tipos de variações, mas um carimbo só pode colocar tinta para baixo uma cor de cada vez, portanto, para cada cor e variação, você teria que ter uma cor de tinta separada em uma placa separada. Para a arte colorida, isso se torna tecnicamente complexo e muito caro. Na ilustração digital, você pode facilmente reduzir a opacidade de uma cor para dizer 25%,
não é grande coisa, mas você não pode colocar 25% de tinta ciana com um selo, estritamente falando. Mas se você pode colocar tinta e um monte de pequenos pontinhos que cobrem 25% de uma determinada área, então você obtém uma tonalidade efetiva de 25% dessa cor. Embora não seja perfeito, é a próxima melhor coisa para misturar tintas ciano e branco. Com o tempo, pessoas inteligentes inventaram uma maneira de usar apenas quatro tintas para criar quase todas as cores perceptíveis aos nossos olhos, tornando a impressão colorida o processo acessível e onipresente que temos hoje. Enquanto a maioria das impressões usa meios-tons para criar novas cores, há outra maneira que tem sido usada por técnicas de impressão
mais tradicionais chamadas superimposição. Claro, já tenho falado sobre superimposição muito nesta aula. Superprint é exatamente como o que soa como quando ele é impresso em cima de outro. Como a tinta tem alguma transparência, uma cor nova, mais escura e saturada é criada onde duas tintas são impressas uma sobre a outra. Enquanto você não pode obter nada como a gama de cores possível com meios-tons, há algo bastante adorável sobre como duas cores olhar quando eles são sobreimpressos. Ao ilustrar digitalmente, superimposições como essa podem ser emuladas usando o modo de mesclagem de camada múltipla. Não é segredo que muito do meu próprio trabalho foi influenciado por técnicas tradicionais
limitadas de impressão, como tipografia e serigrafia. O que eu amo sobre essas técnicas é as propriedades físicas da tinta como ele aparece na página. Mas eu também adoro como as paletas limitadas são usadas de maneiras criativas. Como cada tinta adiciona complexidade e despesa a uma impressão, as cores devem ser limitadas. Como as tintas só podem cair sólidas, as imagens devem ser feitas usando blocos de cores mais sólidos, pontuadas talvez com uma linha escura funcionando ou uso inteligente de espaço negativo.
11. Exercício 1: inventário de cores próprias: Os próximos três exercícios são projetados para ajudá-lo a encontrar pistas para seu próprio senso de cor único. Os tipos de cores que você ama, e a maneira como você quer usá-las em seu trabalho. Estes exercícios são a ligação necessária entre a teoria
da última seção e a aplicação que realmente vamos começar a fazer no projeto final. O primeiro exercício é chamado de auto-inventário de cores. Um auto-inventário de cores é uma coleção de 5-10 peças favoritas de suas próprias ilustrações ou obras de arte, especialmente em termos de cor. Neste exercício, vamos fazer algumas observações ou notas e vamos escrevê-las sobre as nossas imagens ou escrevê-las separadamente. Uma parte opcional deste exercício é fazer algumas reflexões mais profundas sobre esse conjunto em resposta a algumas perguntas que
coloquei na página Projetos e Recursos de Classe. O objetivo deste exercício é identificar as cores que já estamos usando. Especialmente aquelas cores que parecem estar voltando repetidamente. Esta será uma grande pista para os nossos conjuntos de cores naturais. Outro propósito para este exercício é apenas encontrar
links entre a forma como usamos a cor e as ferramentas, técnicas e estilo ou mídia que estamos usando em nosso trabalho. O resultado deste exercício será uma sensação mais forte
das cores que você gosta e como você as usa em sua arte. Também usaremos as descobertas deste exercício no Exercício 3, onde construímos uma paleta simples. Vamos usar as cores que observamos ou escolhemos deste exercício como base da nossa paleta simples mais tarde. Eu vou apenas passar rapidamente pelas instruções de como fazer seu próprio auto-inventário de cores e, claro, vou mostrar-lhe meu próprio auto-inventário de cores como um exemplo. Primeiro, passe algum tempo olhando através de seu corpo de trabalho, com o objetivo de selecionar 5-10 de suas imagens favoritas, especialmente em termos de cor. No meu exemplo que vou compartilhar com vocês, limitei o conjunto de imagens que coloquei no meu set ao meu trabalho comercial entre 2013 e 2015, que foi uma época em que eu ainda estava um pouco em todo o lugar com minhas cores. Eu definitivamente estava chegando perto de algo mais consistente, mas eu não estava exatamente onde estou hoje. Outra razão pela qual escolhi esta janela de tempo no passado, 2013-2015, é simplesmente porque hoje, em 2021, quando gravei esta aula, agora tenho uma sensação de cor bastante consistente, já a uso há algum tempo. Eu queria voltar a um tempo em que eu estava menos confiante, que eu sinto que faria este exercício muito mais poderoso e talvez mais relevante para muitos de vocês em suas próprias situações. A próxima coisa que você vai querer fazer é organizar suas seleções em uma página para que você possa vê-las todas de uma vez como um conjunto. A página deve ter aproximadamente oito por 10 polegadas na orientação vertical. Uso as dimensões de tela padrão no iPad usando o Procreate. Muitos de vocês provavelmente acharão que a coisa mais fácil de fazer. Depois de criar um novo arquivo ou documento, você pode adicionar um título diretamente na parte superior que diz Self-Inventário de cores e seu nome. Agora é hora de fazer algumas observações rápidas sobre o seu conjunto. Se conseguir, escreva-os em algum lugar na mesma página que as suas imagens. Você pode usar setas e linhas para chamar coisas específicas, e você também pode anotar suas observações em forma de ponto. Eu fiz uma lista na minha chamada, O que eu gosto/observo. Como um mergulho profundo opcional, você pode baixar as perguntas de solicitação na página Projetos e Recursos de Classe e escrever algumas observações mais detalhadas sobre seu conjunto. Quando terminar, publique o seu conjunto de imagens e as suas notas, se estiverem separadas, no seu projeto de aula. Aqui está o meu auto-inventário de cores, e como eu disse antes, eu queria apenas me concentrar no trabalho de 2013-2015. Novamente, esta foi apenas uma época em que minhas cores ainda estavam em todo o lugar. Eu sinto que eu estava definitivamente chegando a um lugar melhor, mas eu ainda não estava lá. Esta é apenas uma boa janela de tempo ou um ponto no tempo para mim que fazer um exercício como este teria sido realmente útil. Provavelmente passei duas ou três horas a ir fundo e à procura de todas estas imagens. Demorou muito tempo, em parte, porque tive de arranjar discos rígidos e coisas assim. Mas também levou muito tempo porque havia muito trabalho para escolher. O que eu fiz aqui é que acabei de fazer um monte de notas e reflexões sobre o meu trabalho, e acabei de escrevê-lo acima da página aqui. Se você achar isso muito ocupado, você pode apenas digitar suas observações em uma página separada, isso é totalmente bom. Eu apenas gosto do imediatismo disso e então eu posso apenas enviar isso para o meu projeto de classe com bastante facilidade. Apenas olhando através disso, passando por minhas pequenas anotações rabiscadas aqui, minhas observações e coisas que eu gosto são coisas como imprimir texturas, um monte de elementos artesanais e pequenas letras à mão, um monte desses texturas de mídia física que coloquei dentro formas para dar mais interesse visual e uma sensação de textura. Claro, chamando algumas das cores que usei, mesmo que as cores estejam por todo o lado aqui, você pode ver que usei muito vermelho. Vermelho é provavelmente a minha cor mais dominante, ou o primo matizado do vermelho, rosa. Eu tenho um monte de rosa também aqui. Eu diria que uma das outras cores dominantes é este amarelo dourado mais profundo. Eles não são todos como este amarelo super brilhante como eu tenho na linha aqui, eles são mais profundo tom dourado para eles. Você vê isso definitivamente neste arranjo aqui, e você os vê neste touro mesmo que haja outros tons de amarelo, esses são os que eu gosto, então eu acabei de chamá-los para fora. Claro, eu falei sobre rosa. Eu tenho um monte de rosa claro aqui em vários tons, eu não sei por que, eu apenas sou atraído por eles no meu trabalho e então eu definitivamente vou chamá-los para fora. Claro que temos tipo e ciano. Eu não tenho nenhum blues de verdade acontecendo aqui, mas cercas e cianos definitivamente aparecem. Então, é claro, uma coisa que eu pensei ser notável, mesmo que eu estou usando preto em alguns desses, eu acho que com o tempo eu comecei a usar esta marinha profunda como minha cor mais escura. Quando comecei a fazer isso, comecei a fazer isso. Essa é uma coisa que eu definitivamente
troquei provavelmente na verdade quando eu estava fazendo este projeto aqui. Este foi um projeto que fiz para uma vinícola em San Antonio. Por alguma razão, não me lembro se era pedido de
um cliente ou se era algo que eu sentia que queria fazer, usei esta marinha profunda em vez de preto e senti que
deixava as imagens um pouco mais claras, menos pesado do que se você usar um preto completo, e muito mais distintivo e agora que eu usá-lo o tempo todo no meu trabalho, eu acho que isso é uma parte assinatura do meu trabalho. De qualquer forma, eu tomei todas essas observações e acabei de escrevê-las aqui em forma de ponto. A outra coisa que eu fiz, e este é o próximo passo, é apenas ir e usar a ferramenta de seleção de cores em qualquer aplicativo que você está usando. No Procreate eu apenas faço algo assim, onde eu posso escolher as cores específicas que eu gosto e então eu apenas desenhei em algumas amostras baseadas nessas cores. Agora há um monte de cores acontecendo aqui, só
precisamos escolher seis. Quando você está escolhendo suas seis cores neste conjunto, não se
preocupe em escolher as cores erradas. Basta encontrar os seis que você está mais atraído e certifique-se de que cada cor é distinta. Se você tem um vermelho alaranjado e um vermelho mais carmim, talvez escolha um desses e deixe o outro ir por enquanto. Por exemplo, no meu set aqui eu tenho um tipo muito mais magenta vermelho e então eu também tenho mais algumas laranjas vermelhas. Eu sei apenas por experiência que eu amo laranja vermelho muito mais do que eu amo o vermelho mais magenta, então esse é o vermelho que eu escolhi. Mesmo com rosa, eu tenho um monte de rosa diferente, mas eu escolhi mais rosa pálido porque eu acho que eu apenas gosto desse rosa e mais do que os mais escuros ou mais profundos ou novamente, mais magenta. Depois de terminar seu exercício, certifique-se de publicá-lo na página do Projeto de Classe e, claro, se você escreveu suas notas separadamente, você pode simplesmente adicioná-las ou até mesmo digitá-las diretamente no projeto. É isso para este exercício. Agora vamos passar para o segundo exercício, que vai ser estudos de inspiração de cores.
12. Exercício 2: estudo de inspiração de cores: Este exercício é chamado de Estudo de Inspiração Colorida. No primeiro exercício, olhamos para dentro para nossa própria maneira de usar a cor
até agora e nomeamos alguns pontos fortes e fracos chave. Também começamos a imaginar o que ser mais confiante usando a cor poderia parecer para nós. Neste segundo exercício, vamos agora olhar para fora para as coisas que mais nos inspiram quando se trata de cor. Um estudo de inspiração de cores é uma coleção de 5-10 imagens de um de seus ilustradores favoritos. Para tirar o máximo proveito deste exercício, recomendo fazer dois ou três estudos, cada um com um artista diferente. Claro, assim como o exercício 1, vamos fazer algumas observações ou anotações sobre essas imagens ou em forma de ponto, e é claro, assim como da última vez, você tem a oportunidade de fazer algumas reflexões mais profundas sobre o conjunto seguindo algumas das perguntas solicitadas que você encontrará na página Projetos e Recursos da Classe. O objetivo deste exercício é identificar suas principais fontes de inspiração ou seus heróis, e especificamente encontrar ligações entre seu estilo e uso de cores. Como seu uso de cores e suas técnicas de estilo ou mídia se relacionam entre si? Outro propósito aqui é encontrar conexões entre o que você está inspirado e o que você quer fazer, especialmente em termos de cor e estilo. Eu acho que uma coisa realmente importante a fazer quando aprendemos e desenvolvemos é aprender com os mestres em nossa própria esfera de influências. Quem quer que seja que você admira, quem você admira, quem quer que seus heróis de ilustração sejam, você quer observar o que eles estão fazendo e aprender com isso. Não se trata de copiar ou imitar, mas apenas de aprender com suas escolhas e ver como você pode aplicar isso à sua maneira ao seu próprio trabalho e ao seu próprio estilo. Os resultados para este exercício são mais pistas para o seu sentido de cor e como isso se relaciona com a sua própria visão artística. Você também obtém alguns insights sobre como a cor e o estilo influenciam uns aos outros. Outro resultado possível deste exercício é encontrar alguma inspiração para tentar técnicas de cor que talvez não tenhamos considerado antes. Se você pulou o exercício 1, então este exercício também pode ser a base do paladar que vamos construir no exercício 3. Novamente, eu vou rapidamente passar pelas instruções aqui e então eu vou mostrar-lhe meu próprio exemplo de estudos de cores. Agora, a primeira coisa a fazer é nomear 2-3 de seus ilustradores favoritos. Inclua pelo menos um do passado e um dos tempos mais recentes, se puder, e a razão pela qual fazemos isso é apenas para ter um pouco de diversidade em nossas influências. É sempre bom ser influenciado, não apenas por pessoas que trabalham hoje, mas por pessoas que trabalharam em um tempo diferente antes. Provavelmente as pessoas que vocês são heróis de hoje foram influenciadas por elas mesmas. Agora, para cada artista, faça o seguinte. Mais uma vez, para tirar o máximo proveito deste exercício, recomendo fazer 2-3 estudos, cada um com um artista diferente. Colete 5-10 imagens de cada artista. Bem, é claro, ajuda a escolher estes em termos de cores que você gosta, as cores que estão acontecendo em imagens por esses artistas, não
é totalmente necessário. Tudo bem se você ama a arte, mas não tanto as cores. Ainda podemos encontrar pistas sobre como eles estão usando cores, independentemente das cores exatas que eles estão usando. Agora, organize as imagens em uma página exatamente como você fez no exercício 1. Você pode adicionar o título, Color Inspiration Study. Em algum lugar perto do topo da sua página, anote o nome do artista e seu estilo ou mídia preferida, como pintura de colagem, ilustração
vetorial ou esse tipo de coisa. Semelhante ao exercício 1, faça algumas observações rápidas sobre o seu conjunto. Se você conseguir, escreva-os em algum lugar na mesma página que suas imagens ou sobre elas, assim como você fez no primeiro set. Você pode usar setas e linhas para chamá-lo de coisas específicas, e você também pode anotar suas observações em forma de ponto. Como um mergulho profundo opcional aqui, você também pode baixar as perguntas solicitadas da página de projetos e
recursos da classe e escrever algumas observações mais detalhadas sobre o seu conjunto. Quando você terminar seus estudos de inspiração de cores, publique-os junto com qualquer escrita que você fez no lado de seu projeto de classe. Aqui estamos olhando para o meu primeiro estudo de inspiração de cores. Como você pode ver, é apenas o título no topo e, em seguida, uma coleção de 5-10 imagens diferentes de um dos meus artistas favoritos. No topo aqui, eu listei o artista e o estilo ou técnica. Você também pode escrever mídia lá. Então estilo, técnica, mídia, eu estou usando intercambiavelmente aqui, e isso só significa, quais são as propriedades visuais físicas ou qualidades do trabalho? Então é claro que tenho algumas notas escritas por cima
chamando algumas coisas com flechas e coisas assim. Então um pouco menos do que eu gosto, observações aqui em baixo apenas em forma de ponto. Este artista em particular é Paul Rand e como você sabe, Paul Rand é um dos meus ilustradores favoritos. Ele trabalhou no que eu chamaria de estilo de impressão de colagem influenciado. Porque muitos destes são, na verdade, eu não chamaria estes pura ilustração, eles são cartazes ou capas de livros, é mais como design gráfico, então eu apenas adicionei isso tão bem como uma nota. Ele está usando um monte de colagem, mais recortes onde ele vai, apenas neste caso, na verdade, cortar um pedaço de jornal e usá-lo como parte da imagem. Caso contrário, suas formas só têm esse sentimento improvisado para eles. Como se você cortasse com uma tesoura e colocasse no chão, o que ele pode muito bem ter feito exatamente isso. Outra coisa que eu amo em seu trabalho ou que eu observo sobre ele é apenas seu uso de espaços em branco. O espaço em branco é usado como um elemento, como um dispositivo de composição
e, em alguns casos, o branco é usado como uma cor. Aqui nesta capa do livro do Second Man, branco é como um recorte ou um espaço negativo
desta cor marrom atrás e assim ele quase age como sua própria cor. Então aqui eu acho que Paul Rand usou brilhantemente espaços em branco para sugerir o frango. Ele não desenhou uma galinha em lugar nenhum. Ele colocou algumas formas lá e você só vê. Sua mente junta essa peça do quebra-cabeça. Em termos de suas cores reais que ele está usando o trabalho de Paul Rand, ele usa um monte de cores diferentes. Mas eu diria que suas principais paletes ou paladar são cores primárias e secundárias. Isso é tanto o uso de amarelo, azul e vermelho, mas também verde, roxo e laranja. Você vê essas cores aparecem muito. Acho que Paul Rand também gosta de rosa. Você vê um monte de rosa em seu trabalho, e é provavelmente por isso que eu gosto ou tenho sido inspirado a usar muito rosa no meu trabalho. Eu não sei ao certo, mas eu vou arriscar um palpite que porque Paul Rand é uma influência para mim, é altamente provável que eu tenha sido inspirado pelo uso dele de rosa. Agora, é claro, em termos de seu estilo ou técnica, uma das coisas que ele faz que eu faço muito
bem e falei muito sobre é o senso de superimpressões, onde eu vou pegar essas duas cores e então há esta cor mais escura que acontece combinando-os. Acho que é como uma bela maneira de usar uma paleta de cores limitada, e é claro que também é uma pista em seu processo. Como se ele estivesse pensando sobre como essas tintas vão imprimir no produto final impresso para o que ele está projetando. Agora mudaremos rapidamente para Klas Fahlen. Acho que ele é um ilustrador sueco. Adoro o trabalho dele. Seu trabalho realmente me lembra um monte de outro dos meus ilustradores favoritos, [inaudível]. Ele trabalhou mais nos anos 1950 e 1960.
Então é por isso que eu o incluí aqui em um dos meus estudos de inspiração de cores. Novamente, no topo eu só tenho o nome do artista Klas Fahlen e seu estilo ou técnica, e eu diria que ele é mais gravura inspirado também. Eu também coloquei retro porque seu trabalho tem um sentimento retro para ele. Em termos de ferramentas, provavelmente, parece-me que ele usa o Photoshop ou talvez até mesmo o Procreate. Então eu apenas coloquei digital e vetor entre parênteses porque você definitivamente vê muitos desses alinhamentos rígidos que me lembram de vetor. Ou mesmo que ele não esteja usando vetor, isso é apenas o que me lembra. Então o que eu observo em seu trabalho é o uso de superimpressões, assim como Paul Rand e apenas como alguns dos trabalhos que eu mostrei no meu auto-inventário de cores. Você pode ver algumas dessas superimpressões, especialmente acontecendo aqui com essas bolsas. Agora, uma coisa que eu amo em seu trabalho que eu também
gostei no trabalho de Paul Rand é o uso da abstração. Então estas são apenas um monte de caixas impressas umas sobre as outras. Mas quando você os vê pendurando essas cordas com essas mulheres aqui, você tem a sensação de que elas são sacos de compras. Não há nada realmente específico sobre eles que poderia dizer que é um saco de compras exceto pelo contexto e
a forma como ele acabou de compô-los e organizá-los nesta cena em particular. Eu amo o uso de Klas Fahlen de trabalho delicado também. Se ele está usando preto real para isso ou usando o oposto daquele branco sobre cores mais escuras, eu acho que isso é uma coisa consistente que ele faz. Agora, em termos das cores reais que ele está usando, acho que as paletas de Klas Fahlen são bastante versáteis. Mas quando olho para o seu corpo geral de trabalho, observo que ele usa o preto como sua âncora, cor
escura, e ele gosta de laranja. Ele usa laranja em quase todas as suas ilustrações de alguma forma. Aqui temos os relógios têm uma laranja para eles. Alguns deles são apenas tons e tons de laranjas, mas isso é definitivamente uma laranja. Ele tem laranja aqui. Ele tem laranja acontecendo mesmo aqui, e é claro, nesta cena da cozinha que é ilustrada. Em termos de esquemas de cores, eu digo que ele mantém as cores definitivamente do lado simples. Muitos destes são muito monocromáticos. Como eu diria que esta imagem aqui é bastante monocromática. Ele basicamente só tem laranja, e diferentes matizes e tons de laranjas mais preto. Indiscutivelmente, ele tem algo parecido aqui. Se não é monocromático, pelo menos
é análogo. Você só tem vermelhos, amarelos e laranjas brincando juntos aqui. Assim como [inaudível] que seu trabalho me lembra, ele usa um monte de espaço negativo que corta na composição e que ajuda as cores realmente pop e se destacam. Ele faz isso em quase todo o seu trabalho, provavelmente a mais diferente de suas imagens é esta onde ele
tem um cara podando uma árvore bonsai e há muito menos espaço em branco, mas ainda está lá. Tudo ainda é muito achatado, e tudo ainda é bastante achatado e simplificado mesmo quando há um fundo, seus arranjos tendem a ser mais conceituais e achatados. Aqui temos uma senhora que é a figura central aqui e então ela está cercada pelos elementos da cozinha, mas ainda é realmente plana. Você ainda tem aquele fundo em branco e tudo o resto apenas suporta essa idéia de essa pessoa na cozinha ter um tempo adorável fazendo comida deliciosa. Outro exemplo de seus arranjos é que ele só tem aquele fundo branco novamente, e as coisas simplesmente estourando sobre ele. Ele é muito mínimo sobre o que incluir na cena apenas o suficiente para sugerir o que está acontecendo, não fica muito atolado nos detalhes. Novamente, a cena mais completa aqui é provavelmente o cara cortando a árvore bonsai, mas também as pessoas em frente a esta casa,
esta ilustração da capa da revista Globe. Acho que faz mais sentido que ele tenha incluído um fundo neste porque é uma capa de revista. Ele precisa pop mais e apenas olhar mais atraente como uma peça de capa. Ele ainda está mantendo as coisas simples. Tudo é bastante sólido nas formas reais e outras coisas. É só que ele usou um pouco mais de cores em todos os lugares e até mesmo um pouco de uma sensação de iluminação e profundidade. Ainda assim, no entanto, não acho que as cores dele estejam por todo o lado. Ele realmente usa o azul, preto e laranja, e ele vai usar talvez uma sombra desse preto sobreimprimido ou multiplicado sobre o azul desta casa, apenas para criar uma sensação de sombra, e é apenas lindamente feito. Parece uma imagem realmente rica,
mas, ao mesmo tempo, há uma simplicidade na cor. Ele fez um bom trabalho lidando com isso. Vou acrescentar que, claro, ele tem o rosa para os tons de pele. Além dos tons de pele, ele não usou essas cores em outro lugar. Então ele foi capaz de sugerir pessoas e tom de
pele sem ter que enlouquecer em colocar essa cor em qualquer outro lugar. Então eu acho que funcionou com sucesso. Outra coisa a destacar nesta peça é apenas o uso do tom de pele
neste onde ele simplesmente saiu pela janela com qualquer senso de realismo no tom de pele, e ele queria que esse cara se destacasse e aparecesse contra o verde e ele acabou de deixar seu rosto super vermelho. Claro que a pele de ninguém é essa cor, mas ele só funciona para ajudar este personagem realmente se
destacar com verde sendo o fundo mais dominante e cor circundante. Usar esta cor complementar de vermelho contra o verde realmente ajuda a estourar. Esses são apenas dois exemplos de estudos de inspiração de cores. São artistas que realmente me inspiram e me influenciaram e que eu admiro. Os seus vão ser totalmente diferentes. Aprendi muito sobre o que vocês são inspirados por esses tipos de exercícios. Na verdade, eu descubro artistas e ilustradores que eu nunca tinha ouvido falar antes. Então, por favor, não se esqueça de postar
seu exercício, seus estudos de inspiração de cores na página de seu projeto de aula, e assim todos nós podemos ver o que você está inspirado. Claro que a seguir, vamos saltar para o próximo exercício que está construindo uma paleta simples e esta vai ser a base do projeto. Vamos entrar nisso. Vejo você no próximo vídeo.
13. Exercício 3: construtor de paleta simples: Este é o Exercício 3 onde vamos construir uma paleta simples. Este é um processo passo a passo para construir uma paleta simples com base
nas cores que escolhemos em nosso auto-inventário de cores. Se você não fez o auto-inventário de cores, você pode usar cores que você escolher de um de seus estudos de inspiração de cores, ou também apenas seguir junto com as cores que eu estou usando na demonstração, isso é totalmente bom também. O objetivo deste exercício é criar uma paleta única, simples e versátil que podemos usar no projeto da classe. O resultado deste exercício será uma paleta personalizada com base em um esquema de cores triádico. A paleta terá uma versão mais simples com apenas seis cores mais um escuro, e então também terá uma versão mais estendida com tons e tons todos baseados nessa versão mais simples. Para este exercício, você pode apenas acompanhar a demonstração que estou fazendo na tela, e você pode baixar o arquivo
com o qual estarei trabalhando na página Projetos e Recursos de Classe. Vou fazer este exercício no Photoshop e o arquivo com o qual vou trabalhar é um arquivo do Photoshop. Se você tem o Photoshop, então ótimo, mas se você é como muitos usando o Procreate, também incluí instruções na página de projetos e
recursos da classe que você pode seguir e criar uma paleta de maneira semelhante. Agora, esses passos que estou usando para criar esta paleta são apenas feitos, é algo que eu projetei para esta classe para que todos possamos criar uma paleta que tem essas seis cores mais escuro mais a maneira como eu estendo essas paletas. Isso só nos dá algo semelhante para trabalhar para o projeto. Não é de modo algum destinado a dar-lhe cores que você vai usar para o resto de sua vida, isso é algo que você todos descobrir como você ir junto, mas isso definitivamente vai dar-lhe algumas pistas e ele realmente vai ensiná-lo muito como você aprende a usar uma paleta simples no projeto. Quando terminar este exercício, certifique-se de postar sua paleta finalizada na página de projetos. O que estamos vendo aqui é o arquivo do Photoshop construtor de paladar. Estou no Mac, no Photoshop e o construtor de paletas é apenas um arquivo do Photoshop que coloquei algumas instruções sobre como criar uma paleta simples. A coisa realmente legal sobre este arquivo é que ele é quase automático. Tudo que você precisa fazer é escolher suas cores do seu auto-inventário de cores ou onde quer que você esteja recebendo suas cores e você está colocando-as aqui no primeiro passo. Então, o que quer que você escolha aqui acaba em cascata em todo o resto. Só estou colocando algumas cores aleatórias aqui só para mostrar o que quero dizer. Eu vou orientá-los sobre o que fiz
nessas etapas e o que estou recomendando e então
eu também vou trazer alguns desafios que podem surgir ao longo do caminho. Passo 1 um para usar a ferramenta conta-gotas para escolher suas seis cores favoritas do seu auto-inventário de cores. Vou abrir o meu primeiro exercício aqui e, ao longo deste lado, tenho as seis melhores escolhas que escolhi destas cores. O que eu fiz é, na verdade, apenas copiado e colado estes e plotá-los lá dentro assim. No entanto, você pode obter suas cores aqui, você quer fazer isso primeiro. A próxima coisa a fazer é escolher três cores do seu conjunto para formar uma tríade primária aproximada. Agora, só por conveniência, eu incluí roda de cores aqui, esta é uma roda de cores tradicional com vermelho, amarelo e azul como suas primárias, e então um triângulo aqui só para mostrar como uma tríade funciona. Um esquema de cores tríade feito
a partir das cores que formam um triângulo na roda de cores tão vermelho, amarelo e azul é um esquema de cores triádico, se você fosse girar o triângulo onde essas coisas apontam, isso é o seu Tríade de cores. Você pode ser bastante aproximado aqui, minhas cores não são cores primárias tradicionais
puras, o ponto aqui é criar algo próximo de vermelho, amarelo e azul ou vermelho, verde e azul se você estiver usando o esquema de cores RGB, ou mesmo ciano, magenta e amarelo. Seja qual for a roda de cores que você está indo por qualquer modelo de cor, deve ser uma tríade desse modelo de cor. Para mim, eu escolhi este amarelo e eu escolhi este vermelho e eu escolhi esta cor ciano. Essas formas são feitas com a ferramenta de caneta, elas são essencialmente formas vetoriais ou camadas vetoriais, e é realmente fácil mudar as cores. Basta clicar duas vezes na camada da cor que
deseja alterar e, em seguida, usar o seletor de cores para alterar essa cor. Novamente, basta escolher a camada que deseja alterar, você deve ver que aparecem no painel de camadas aqui, basta clicar duas vezes, usar o seletor de cores e então você pode fazer essas alterações. Bem, como este arquivo funciona não é tão importante quanto o que ele está fazendo, eu vou mostrar-lhe apenas uma olhada rápida sob o capô aqui. Todos os amarelos que eu criei aqui são de uma camada e então onde eu mudo um, muda todos eles, e o mesmo com os vermelhos. Todos os vermelhos são as mesmas camadas, quando mudo uma, mudo todas, quando mudo todas estas, mudo todas. Alguns destes se sobrepõem como o amarelo aqui, sobrepõe o vermelho aqui e também se sobrepõe a um azul e é assim que acabamos recebendo essas cores extras porque se você olhar aqui no meu painel de camadas, todas
as cores se multiplicam umas sobre as outras. O amarelo e o azul, o azul se multiplica sobre o amarelo e o vermelho neste caso aqui. A mesma coisa aqui em baixo no quinto passo, quando eu incluir um preto ou uma cor escura e nós vamos chegar aqui,
eu estou pulando em frente, mas quando mudamos isso, o que quer que mudemos aqui acaba sendo mudado em todos os outros lugares e mesmo com este sombreador que cria tons dessas cores, e você pode criar essa sombra e então ele sombra tudo o resto ao seu redor. É assim que funciona olhando debaixo do capô. Agora, vou voltar ao passo dois e depois descer um pouco mais em ordem. Você pode ver na etapa 3, estamos criando três secundários multiplicando as primárias umas sobre as outras. Este arquivo faz isso automaticamente, mas você também pode fazer isso manualmente em qualquer programa que permita que você tenha camadas separadas como você cada cor em sua própria camada, e você pode multiplicar cada uma dessas camadas. A próxima coisa que fazemos no quarto passo é criar matizes. Se você se lembrar da parte da teoria das cores desta classe, uma tonalidade é quando você adiciona branco a uma cor e torna-se mais leve. Agora, no espaço de cores digital, você não adiciona branco a uma cor. Não é como tinta que adicionamos uma bola de branco ao seu vermelho, seu azul e seu amarelo, você tem que fazer isso de uma maneira diferente. Uma maneira de fazer isso é apenas pegar uma cor e então mudar a opacidade para uma certa porcentagem. Eu tenho 50 por cento e 20 por cento e é isso que estou efetivamente fazendo aqui nestas duas fileiras. Estou criando uma opacidade de 50% das minhas seis cores aqui, e então na segunda linha abaixo, estou criando uma versão de 20 por cento de opacidade dessas cores e isso me dá algumas tonalidades para trabalhar. Na etapa 5, escolho a cor mais escura que escolhi do meu auto-inventário de cores. Felizmente para mim, tenho algo sombrio para trabalhar. Está muito escuro. Eu falei um pouco sobre isso antes, onde eu realmente prefiro ter um azul escuro contra um preto. Isso é o que está acontecendo aqui. Eu só uso isso. Agora, se você não escolheu uma cor que você acha que é escura o suficiente para trabalhar com um tipo de preto eficaz, você pode voltar para o seu estudo de inspiração de cores e apenas procurar uma cor realmente escura que você acha que vai funcionar bem. Se você não quer ficar muito pendurado nele, ou se você preferir, você também pode usar apenas preto. Voltando ao passo 5 aqui, eu também tenho uma tonalidade dessa cor escura, e eu multipliquei essa tonalidade sobre minhas seis cores de paleta simples primárias e secundárias. Nesta atividade, este é apenas um passo extra que você tem que fazer. Não é totalmente automático. Eu criei este escuro do meu azul e então eu preciso criar uma tonalidade deste escuro. Eu só uso o seletor de cores aqui e escolho aquele escuro. Qualquer cor que eu escolher que se torne a cor de sombreamento. Claro que eu quero que ele seja baseado na minha cor escura para que tudo seja o mais harmonioso possível. Basta olhar para todo o arquivo do construtor de paletas em uma exibição aqui, apenas escolhendo três cores de nossas principais escolhas de nosso auto-inventário de cores. Apenas mudando essas cores, criamos uma paleta inteira de seis cores mais um escuro, mais tons, além de algumas tonalidades. Isso resulta em sua paleta simples com apenas suas seis cores mais seu escuro, e então sua paleta de cores estendida, que tem todas essas variações aqui, suas tonalidades e seus tons especificamente. Estas duas paletas são tudo o que precisamos para o projeto. Agora, eu acho que devemos torná-lo oficial e realmente criar amostras a partir destes. Dependendo do seu programa, você terá diferentes maneiras de fazer isso no Photoshop. Só tenho o painel de amostras aberto. Vou trazê-lo aqui para que fique à vista. Eu só crio dois grupos de amostras. O primeiro grupo, eu só vou chamar o meu palete simples. Então eu vou criar outro grupo de amostras chamado meu único palete estendido. Em seguida, a partir daqui, eu posso apenas clicar neste grupo de amostras e começar a adicionar minhas amostras. Para criar amostras, eu só preciso usar minha ferramenta Conta-gotas e começar a escolher a cor e depois adicionar as amostras. Pode nomeá-los, se quiser. Cabe a você. Então eu vou para o meu grupo de paleta estendido aqui e fazer a mesma coisa. Agora, na minha paleta estendida, há algumas cores redundantes e eu vou apenas ir e eliminá-los para fora apenas para que eles não são tão distraentes quando eu estou trabalhando no projeto. Já tenho um branco para trabalhar. Esta última cor é um pouco redundante. Se você quiser aproveitar o tempo e classificar suas cores por tonalidade, você pode fazer isso. Vou deixá-los como estão. Na maior parte, vou focar na minha paleta simples em ambas as partes do projeto. Então, quando eu precisar deles, eu vou começar a usar algumas dessas cores estendidas, bem, especialmente alguns desses rosa e marrom. Eles virão muito útil quando fazer coisas como pessoas e você precisa de cores de pele e coisas assim. Agora eu disse que mostraria alguns possíveis desafios que você pode ter ao escolher cores e usá-las você mesmo neste construtor de paletas. O desafio mais notável que eu acho que será chegar com cores que são distintas o suficiente em seus secundários. Vamos apenas dizer que você usa as primárias puras nesta roda de cores aqui. Se eu escolher um amarelo puro, um vermelho puro, e então este azul puro, você verá que ele cria uma paleta de cores que não é tão grande, especialmente porque as duas cores aqui são praticamente idênticas. Quando você tem este amarelo puro e é sobre o vermelho puro, realmente não faz muita diferença. Então acho que as outras cores não são muito atraentes ou são muito intensas e berrantes. O que eu faria neste caso, se eu quisesse cores próximas ao amarelo, vermelho e azul, como este puro, eu tento modular uma dessas cores para que elas não tão intensas e isso ajudará a criar o secundário cores. Para o vermelho, eu poderia apenas derrubar a intensidade disso ou a saturação para baixo um pouco, apenas um pouco. Você já pode começar a ver uma cor distinta emergindo entre o amarelo e o vermelho. Eu poderia até pegar o amarelo em si e modular isso um pouco. Eu poderia modular a tonalidade, um pouco. Eu também poderia modular a saturação disso. Agora estou começando a entender algo um pouco mais distinto. O mesmo com este azul, acho que este azul é muito intenso. Talvez eu possa adicionar um pouco de algo que ajude a distingui-lo ou trazê-lo mais ao longo das linhas das outras cores. Outra possibilidade é fazer essas cores primárias impressora, e apenas ver como eles funcionam. Acho que funcionarão um pouco melhor, na verdade. Vamos fazer 100 por cento ciano, 100 por cento magenta, e depois 100 por cento amarelo. Aqui, você obtém algumas cores muito distintas e bastante atraente também. Agora, eu acho isso um pouco puro demais para o meu gosto, mas ele está apenas mostrando apenas uma maneira possível de trabalhar com essas cores. Cabe a você. Você pode matizar essas costas e fazer cores mais claras. Qualquer combinação que você quiser. Claro, isso é apenas para mostrar como usar este construtor de paletas de uma forma que possa funcionar melhor para você e
apenas para evitar a situação em que você está obtendo essas cores que não são realmente tão distintas. Eu acho que enquanto você estiver usando cores que você escolheu de seu próprio senso de cor, cores que você sabe que gosta, cores que você sente que você se volta novamente e novamente, você pode usar este construtor de paletas para criar suas paletas e espero que você obtenha algo
que seja harmonioso e reflita algo conectado às cores que você já está usando. Algo ligado ao seu verdadeiro sentido de cor. Seja o que for que você acabar escolhendo como suas cores de paleta, certifique-se de finalizar isso, torná-lo legítimo criando algumas amostras e, em seguida essas serão úteis para usar no projeto final, que é claro que estaremos fazendo em seguida.
14. Visão geral do projeto: Ok, é hora de fazer o projeto real. Vamos entrar nisso. O projeto leva o que aprendemos sobre nós mesmos
nos exercícios e nos dá a chance de testá-lo de verdade. O projeto é dividido em duas partes. Na primeira parte, vamos facilitar algumas ilustrações mais simples e ficar apenas com a nossa paleta principal, que criamos no Exercício 3. Isso nos dará confiança no uso de nossas paletas limitadas e nos dará uma ideia de como podemos ser altamente criativos quando confrontados com restrições estritas. Na segunda parte, criaremos uma ilustração mais complexa e veremos como podemos usar nossa paleta estrita de uma forma mais variada e flexível. No final do projeto, você terá duas ilustrações gerais, a mais simples e a mais complexa, que você pode compartilhar na página da aula e, claro, em seu Instagram ou outras contas de mídia social, e talvez até mesmo em seu portfólio. Para manter essa classe eficiente, vou me concentrar no aspecto da cor em minhas demonstrações. Nas minhas outras aulas, incluindo Sweet Spots, Drawing Toward Illustration
e The Style Class, mostro mais detalhadamente como
crio ideias e crio esboços antes de entrar na arte colorida mais final. Nesta aula, enquanto eu toco em esboços, eu vou estar transformando os holofotes mais sobre como eu trabalho cor nas ilustrações finais. Se você precisar de mais ajuda para chegar até a parte do esboço, eu recomendo assistir Vídeos 10-12 em Sweet Spots ou se você realmente quer a experiência completa, experimente toda a minha classe Desenho para Ilustração.
15. Configuração do projeto: escolha um tema: A primeira coisa que queremos fazer é escolher um tema para o nosso projeto. Para facilitar as coisas, estou dando a todos um aviso que acho que
todos podemos afundar nossos dentes, e isso é comida. A coisa boa sobre a comida é que ela nos dá algo com que podemos nos relacionar, e fornece todos os tipos de possibilidades em termos de itens para ilustrar. comida também passa a ser um assunto muito colorido, o que deve proporcionar um bom desafio, ao usar uma paleta rigorosa. Aqui vamos simplesmente escolher o nosso tema e torná-lo mais pessoal e divertido antes de passar para a primeira ilustração. No meu iPad aqui, acabei de escrever uma coisinha rápida aqui que podemos passar juntos e é
assim que eu sugiro que você vá sobre a seleção do seu tema para o seu projeto. Aqui temos tema e, em seguida, comida vezes em branco. No espaço em branco onde diz atividade ou contexto, divida uma atividade ou um contexto de sua escolha. A comida que comemos, o que parece e como gostamos é sempre diferente dependendo do contexto. Um exemplo de uma atividade ou contexto pode ser andar de bicicleta ou estudar. Portanto, o tema do seu projeto deve ser algo como tempos ciclismo ou tempos de alimentos estudando nestes exemplos. Apenas adicionando um contexto como este, você de repente tem alimentos e situações específicas que vêm à mente. Você pode então imaginar que tipo de comida, utensílios ou outros tipos de ferramentas e esse tipo de coisa que pode se encaixar no tema,
bem como como como um cenário envolvendo essa comida e atividade pode parecer. Vou ver como lidei com isso, só para te dar um exemplo rápido. A primeira coisa que fiz foi escolher o meu tema. Então o meu tema vai ser acampar e eu escolhi acampar porque, primeiro lugar, é apenas algo que eu gosto.
16. Parte 1 do projeto: esboços: Nesta parte do projeto, irá ilustrar quatro a cinco objetos simples em arranjo
plano colocar em um fundo limpo ou sólido. Isto é muito parecido com as ferramentas
dos cartões postais comerciais que fizemos na minha aula de ilustrações de tinta. Usaremos apenas seis cores básicas mais o escuro ou preto em nossas paletas simples. Não vamos variar muito disso. O objetivo desta parte do projeto é praticar usando uma paleta muito simples, usando nossas ferramentas e técnicas de estilo escolhidas. Isso demonstrará como é mais fácil aplicar uma paleta simples a ilustrações mais simples. Claro, o resultado desta parte do projeto será a nossa primeira ilustração, que é baseada em nosso tema de atividade food times, e terá cinco objetos são tão simples usando uma paleta de cores simples. Agora você pode ir para a página de projetos e
recursos da classe para obter as especificações completas do projeto. Mas rapidamente, vai ser oito por 10 polegadas a 300 DPI, e isso pode ser em formato vertical ou horizontal. Em termos de ferramentas, usarei o Procreate para esboçar e o Photoshop para as ilustrações finais e, claro, você pode usar as ferramentas de ilustração digital que quiser. Uma vez que temos nosso tema e nossa lista de cinco objetos, podemos, é claro, começar a esboçar o modo. Neste vídeo, eu vou rapidamente orientá-lo através do meu próprio processo de esboço, e eu vou apenas estar lhe dando uma rápida visão geral do meu pensamento aqui. Se você quiser uma visão mais completa e profunda do meu processo de desenho, não se esqueça de conferir minha classe Desenho em direção à ilustração. Para quase todos os projetos de ilustração, quase sempre começo com pesquisas de imagens. As imagens que eu encontrar informarão meus esboços, que vamos entrar em um momento. Eu acho que este passo sempre ajuda a obter os sucos fluindo. Permito-me algum tempo apenas para me perder e procurar imagens que possam inspirar ideias, e me informar sobre alguns detalhes dos assuntos ou formas reais que vou ilustrar. Quando eu comecei a encontrar imagens para este projeto, eu fui para o Pinterest e procurei as coisas mais óbvias como comida de acampamento,
e, claro, os itens reais da minha lista como fogão acampamento, frigideira e assim por diante. Mas também uso alguns termos de pesquisa que talvez sejam menos óbvios, mas de interesse mais pessoal para mim. Quando penso em acampar, fico muito nostálgico e penso no equipamento minha família usou quando eu estava crescendo nos anos 80 e 90. O equipamento que meus pais teriam tido naquela época provavelmente era das décadas de 1960 e 1970. Esses são os objetos pelos quais fico mais nostálgico e inspirado. Voltando para o meu computador aqui por um segundo. Estas são algumas imagens que eu tirei da minha pesquisa de imagem para isso. Como podem ver, há muitas coisas de acampar e muitas delas são retrô, da época de que falo. Para mim, isso constrói uma história agradável,
e, claro, me dá algumas coisas interessantes para começar
a desenhar na próxima parte deste processo. Quando termino de coletar imagens de referência, passo para o que chamo de esboço observacional ou no modo O. Em algumas das minhas aulas, eu também chamei isso de esboço livre. Este é o lugar onde eu apenas desenho de minhas imagens de referência
sem objetivos exceto para apenas baixar informações visuais sobre o meu assunto. Eu não estou pensando tanto em idéias nesta fase, realmente. Trata-se apenas de aprofundar o processo e manter os sucos fluindo. Eu não estou preocupado neste momento se meus desenhos são bons ou ruins, eles apenas começam a desenhar a partir de minhas imagens. Quando faço esboços, uso um lápis simples e procrio, mas o esboço pode ser feito em papel comum ou em um caderno de esboços também. Demore o tempo necessário para esta etapa. Eu diria que pelo menos 30 minutos devem ser suficientes para você. Quando terminar, você pode passar para o próximo passo. Às vezes, é útil fazer uma pausa rápida entre esses passos, apenas reabastecer sua energia mental e voltar com uma mente nova. Como podem ver, estes são os meus esboços no modo O. Nada muito especial sobre eles. Eu colocaria uma imagem na minha tela, olhava para ela, desenhava, passava para a próxima imagem, desenhava, e assim por diante. Estes são muito rápidos, é apenas sobre colocar algumas informações na minha cabeça para me inspirar e para me dar informações suficientes sobre os objetos que estou desenhando. Isso é especialmente útil se eu não estou familiarizado com alguns
dos detalhes de como esses objetos podem se parecer. É incrível o quanto mais você realmente olha para algo quando você desenha, comparado a apenas olhar para ele na imagem ou algo na sua frente na vida real. Toda vez que eu preencho uma página, eu crio uma nova camada e começo a desenhar sobre isso e eu vou fazer isso uma e outra vez até que eu sinto que eu terminei. Depois que eu terminar meus esboços no modo
O, o próximo passo é fazer o que eu chamo de esboço ideacional ou i-mode. É aqui que começamos a pensar sobre nossas idéias e intenções reais para a ilustração. Aqui nos concentramos no que chamo de três C de esboço, conceito, conteúdo e composição. Meus esboços ideacionais começam um solto e áspero e então, à medida que eu vou, eu sou capaz de ficar mais refinado e decisivo sobre minhas idéias. Nossa tarefa aqui é acabar com uma composição com a
qual estamos satisfeitos, que então usaremos para ilustrar. Aqui no Procreate, você pode ver que eu acabei de criar algumas miniaturas, apenas seis aqui e ali, a mesma proporção que a minha impressão final será, que é 8 por 10. Comecei muito inseguro. Este é o estágio estranho do meu processo de desenho, onde eu realmente não sei. Como eu disse, eu não tenho nenhuma noção preconcebida, eu apenas começo a desenhar, e a partir daí eu começo a ter uma noção de que objetos estão funcionando e quais peças se encaixam melhor e, eu passo para uma nova camada quando eu encho a página. Aqui você pode ver pela minha segunda página, eu estou começando a ter um
bom senso de quais objetos estão funcionando e qual é a história que eu estou tentando contar. Então eu continuo e tento algumas outras coisas só para ter certeza que eu tentei coisas o suficiente para ter a melhor idéia possível. Depois de uma pequena pausa, voltei a avaliar e escolher alguns dos meus favoritos, que marquei com um ponto vermelho. Temos este aqui com fogões de acampamento,
um café, alguns fósforos, cafeteira. Em diferentes variações com esses objetos, eu fiquei com a idéia de café da manhã. Eu estava começando a gravitar em torno do tema do café da manhã e recebendo algumas composições agradáveis acontecendo aqui. Eu sempre gosto que meus esboços sejam o mais refinados possível antes de passar para a minha arte final. Assim eu posso resolver as pequenas torções que podem me deixar preso mais tarde. Eu acho que se eu não descobrir as coisas agora na fase de esboço, eu acabo tendo que re-esboçar mais tarde de qualquer maneira. Nesses esboços mais refinados, peguei minhas três seleções principais que marquei com um ponto vermelho e reesbocei-as com mais clareza e refinamento. Aqui estão minhas três seleções finais para entrar em esboços refinados. Estes eu senti ou apenas minhas composições mais fortes e dado o tempo que eu gastei com eles, eu estava feliz o suficiente com o que eu tinha e era hora de seguir em frente. Acabei de colocar meus esboços originais no fundo aqui, e meus refinados no topo,
meu áspero aqui, meu refinado ou no topo. Como podem ver, acabei de fazer algumas mudanças sutis nesta primeira, e essa é a orientação da manteiga. Eu adicionei apenas alguns pontos de pimenta para algum detalhe extra. Eu refinei a forma da frigideira e adicionei um fósforo. Com os outros dois, eu também refinei aqueles, mas eu descobri que mesmo no meu refinamento as coisas realmente não ficaram claras ou menos embaraçosas. Novamente, eu fui com o de cima esquerda aqui, e eu estava muito feliz em seguir em frente com isso. Até agora você deve ter pelo menos um esboço ou uma composição que você está feliz com, que você gostaria de usar para sua ilustração final. Se você não pode decidir, escolha
um e prometa a si mesmo que você pode fazer um dos outros mais tarde. O importante é ter apenas uma composição clara com a qual você possa trabalhar. No próximo vídeo, vamos começar a fazer a ilustração real.
17. Parte 1 do projeto: arte final: Agora, é hora de criar nossa primeira ilustração final. Isso significa que vamos usar o estilo escolhido e mídia ou ferramentas e técnicas para desenvolver os esboços que desenvolvemos na etapa anterior. Agora, para esta primeira ilustração, como um lembrete, o objetivo é usar nossa paleta mais simples de seis cores mais uma escura ou preta. Queremos ser tão rigorosos com nós mesmos quanto pudermos sobre usar apenas essas cores e não usar variações estendidas. O fato de termos usado objetos simples como base
desta ilustração definitivamente ajudará a este respeito. Agora, ao entrar neste vídeo, mostrarei meu próprio processo,
que, claro, é muito específico para meu próprio estilo, ferramentas e técnicas. Claro, vou usar minha própria paleta simples também. Mas enquanto eu for, eu vou falar com vocês sobre meu processo de pensamento e decisão, que eu acredito que será útil para qualquer um que trabalhe com uma paleta limitada em sua ilustração digital. Quando você terminar através da ilustração,
por favor, publique-o em seu projeto de classe. Além disso, sinta-se livre para compartilhar seu trabalho no Instagram. Adoro ver o seu trabalho na natureza, por
isso, certifique-se de usar o #onepaletteillustrator. Como vou ilustrar no Photoshop, eu tenho o Photoshop aberto e eu vou apenas criar um novo arquivo e
esse arquivo será de oito por 10 polegadas a 300 DPI. Eu só vou criar isso. Imediatamente, vou salvar isso e vou
chamá-lo de ícones simples, V1. Copiei meu esboço do Procreate e vou colá-lo aqui no Photoshop. Agora, uma coisa que eu gosto de fazer antes de entrar no resto do processo, eu vou apenas mostrar a vocês o que eu faço para configurar meu arquivo, eu
possa rastrear meu esboço sem que o esboço fique no caminho da minha ilustração e sem minha ilustração bloqueando o esboço. Eu gosto de colocar meu esboço em seu próprio grupo de camadas chamado esboço. Dessa forma,
sempre que eu adicionar ou mudar esboço, se eu tiver dois, eu coloco nesta pasta e ele mantém as coisas organizadas. Em seguida, eu crio um grupo de camadas em cima dele chamado arte. Todo o trabalho artístico que eu crio vai para dentro deste grupo de camada de arte. Isso tudo vai mantê-lo separado do esboço. Agora, o verdadeiro poder desta configuração aqui é quando eu faço isso, eu defino a opacidade do grupo de esboços para cerca de 20%. Claro, isso ajuda o esboço a não te sobrecarregar e eu estou a fazer a arte. Em seguida, defino o modo de mesclagem do grupo de camadas artísticas para multiplicar. Isso garante que todas as formas que
crio no grupo de camadas artísticas sejam transparentes para o esboço, mas não para outras camadas dentro do grupo de camadas artísticas. Se eu adicionar outras coisas acontecendo aqui no grupo de camada de arte, apenas outras obras de arte. Você pode ver se eu escondo o esboço, os próprios objetos são opacos um para o outro. Eles não estão se multiplicando um pelo outro. Mas o grupo de camadas geral está se multiplicando sobre o grupo de camadas de esboço e, em seguida, o que
eu estou ilustrando , eu posso ver o esboço, e é apenas uma boa maneira de ser capaz de fazer isso. Só queria mostrar isso antes de entrar no modo
de velocidade e falar com você durante o resto do projeto. Agora apenas começando na ilustração, eu vou começar com os ovos. Estou usando pincel de textura apenas para preencher isso com a cor sólida, mas a textura dá aos objetos um pouco mais de um, é apenas uma sensação mais leve para eles. Eu também gosto de textura no meu trabalho em geral. Fazendo o mesmo aqui com a frigideira. Usando uma pequena oportunidade aqui para deixar algum espaço em branco passar por esse objeto. Eu faço o mesmo com o conteúdo dessa frigideira. Eu vou colocar alguns ovos provavelmente lá dentro. Usamos o mesmo pincel texturizado que eu uso para todo o resto praticamente. Passando para o pacote de manteiga. Vou usar esta oportunidade para usar outra das minhas cores, desta vez aquele azul ciano, preenchendo-o com o pincel de textura. Como você pode ver, eu estou apenas preenchendo cada objeto mais geralmente no início e então eu entro nos detalhes de cada próximo. Se o bico e eu vamos adicionar uma tira de gordura lá com branco e depois copiar isso, ajustar a opacidade de volta para talvez 30 ou 40 por cento. Isso é apenas, claro, acrescenta um pouco mais de interesses em detalhes a esse objeto. Passando agora para o fogão como o cilindro de dose dos campos,
o cilindro propano, e o aparelho que combinava faz dele o fogão do acampamento. Eu só estou trabalhando alguns desses detalhes e que cores eles vão ser. Passando para as formas dos saleiros e pimenteiros. Aqui eu apenas me deixo cortar e colar e mudar um deles apenas um pouco. Não é totalmente cortado e colar. Eu escolho por agora adicionar verde ao pimenteiro lá. Agora, vou usar a minha tinta só para criar um trabalho de linha. A maioria dos detalhes do meu forro vai ser tão escuro ou o DV. Então, eu multiplico aqueles sobre qualquer cor que eles estão acima e isso apenas ajuda a tornar tudo mais integrado. Agora, é claro, muitas das minhas ilustrações incorporam letras de algum tipo. Aqui estou eu aproveitando essa oportunidade. Eu gosto de minhas letras separadas e maiores. Então, eu encolhi e coloco em quem quer que pertença mais tarde. Este é apenas um estilo de letras muito simples que eu uso muito. Eu uso a grade no Photoshop apenas para tornar todas as minhas letras um tamanho consistente. Eu também gosto de refinar as letras, tanto
quanto possível, apagando os pequenos pedaços das extremidades, Eu pendurar passou onde as linhas da grade estão. Aqui para o pacote de ovos, as letras realmente ajudam a criar um visual mais interessante. Eu acho que o pacote de ovos com apenas um pouco de cor ou textura ou algo assim não seria suficiente. Adicionar a letra aqui, desde que seja nocional e não muito detalhada, realmente adiciona algo à ilustração. Multiplico essa cor sobre o amarelo também, e novamente, isso traz um pouco mais de harmonia para tudo. Decidi aqui mudar a cor da letra lateral, como fresco e uma dúzia, apenas para a cor escura em vez disso. Agora, estou trabalhando na textura. Estou tentando descobrir qual pincel fará a melhor textura para todos os objetos desta peça. Vou usar o mesmo pincel de textura, cor e técnica em todas as minhas ilustrações. Eu decido sobre este pincel finalmente, e então eu ajustá-lo de volta para 30 por cento e multiplicá-lo sobre o que ele está sentado acima. Agora, aqui, eu só estou ajustando as letras, eu senti como se estivesse muito apertado. Este é apenas o detalhe delicado mas parece um pouco mais com o que eu tinha no meu esboço, as letras são mais espaçadas, tem uma sensação mais graciosa e também retro para ele. Agora, eu estou adicionando o amarelo do que está na frigideira, os ovos aqui, usando o mesmo pincel de textura, e passando a adicionar mais detalhes por aqui. Estou criando o gráfico no pacote de manteiga usando o amarelo primeiro, e agora, estou prestes a trabalhar o estilo de letras. Estou escolhendo um pincel para a carta. Vou fazer essa letra em branco para começar. Novamente, use a grade no Photoshop apenas para tornar minhas letras um pouco mais uniformes e medidas em vez de se sentir livre. Assim que terminar minhas letras, coloco no lugar aqui. Eu vou realmente colocá-lo sob o amarelo do gráfico de manteiga embalado. Esse amarelo, multiplicá-lo sobre o branco ainda será amarelo, mas multiplicá-lo sobre o ciano ou o azul cria essa cor verde agradável. Esta é apenas uma maneira interessante de trabalhar com as diferentes cores usando opacidade e multiplicar neste caso. Eu poderia ter escolhido para fazer a palavra manteiga branca sobre o amarelo, mas isso funciona também, e claro, nós sabemos que verde é uma mistura do ciano abaixo e o amarelo acima. Há apenas uma tonelada de harmonia de cores acontecendo nativamente aqui. Estou aproveitando a oportunidade para adicionar mais alguns elementos de letras, sempre apenas adicionar um pouco mais de interesse visual, manter as coisas interessantes, apenas criando um nome de marca. Manteiga de Farmfield, deveria existir, parece real para mim. Adicionando um pouco da linha de trabalho com a minha tinta novamente, apenas para as dobras das extremidades do pacote de manteiga. Agora, eu vou usar a mesma textura dos ovos e apenas colá-lo aqui
no pacote de manteiga e ajustá-lo para 30% de opacidade e multiplicá-lo. Eu vou fazer isso praticamente em qualquer lugar que haja sombreamento nesta ilustração. Agora, eu estou trabalhando em alguns dos gráficos em detalhes
de letras do cilindro de propano do fogão de cozinha. Estou usando meu pincel de tinta como meu pincel de letras aqui. Então, é claro, cortando com minha ferramenta de borracha apenas para refinar as extremidades e formas gerais dessas letras, apenas para fazê-las parecer um pouco mais intencional. Eu encolhi isso,
jogo na forma do cilindro de propano, começo a adicionar mais alguns detalhes. Vou me preocupar com isso um pouco, e eu decido que quero que esses detalhes, esse triângulo e as letras sejam brancas. Está permitindo que um pouco de espaço em branco passe. Agora, eu vou descobrir como fazer esta chama parecer flamejante. Isso seria um pouco mais complicado por causa da natureza de uma chama, ela é efêmera e nunca tem uma forma real e é transparente. O que é uma chama? Eu só estou usando diferentes combinações de cores para ver o que funciona, e eu acabo com este amarelo, branco e azul, e parece funcionar bem. Agora, é hora de adicionar os fósforos. Eu só vou copiar e colar aqueles para que eles fiquem todos iguais em tamanho, e para criar um pouco de repetição na imagem. Em seguida, é claro, adicione as cabeças de partida a cada um deles. Um pouco de branco com textura suficiente para que o vermelho vem através, e que garante que você pode pelo menos fazer para fora a redondeza das dicas em vez de olhar totalmente cortado e misturar muito com a página atrás. Aqui, eu só vou adicionar mais queimado a uma sensação nítida deste bastão de fósforo e adicionar algumas migalhas. Adicione alguns detalhes finais à peça, apenas pedaços de pimenta que eu posso espalhar e, claro, terminar o saleiro e pimenta. Há alguns detalhes, e entrar com algumas letras exatamente como eu fiz em outro lugar, fazendo isso separadamente e maior, e depois adicionando-o à forma do objeto mais tarde. Só estou procurando um pincel apropriado para o saleiro e pimenta aqui. Este é um pouco estranho quando é grande, mas quando encolhe, parece bem. Claro, adicionando um pouco dessa textura do
meu pincel de textura e ficando indeciso da cor. Só estou tentando descobrir como equilibrar as cores naquele canto superior. Parece que tem um monte de vermelho acontecendo agora. Eu decido que o cilindro de propano vai ser verde, mas esses detalhes no topo, eu vou manter como a marinha ou o escuro, e eu vou apenas mexer um pouco por aqui com a cor do saleiro e pimenteiro. Adicione um pouco de textura ao cilindro de propano, é claro. Aqui, estou apenas escurecendo as letras, tornando-a mais intensa e contrastante. Estou me preocupando com as cores de todas as fontes agora para as letras. Segundo palpite, mas depois volto ao meu original. Eu faço isso muitas vezes. Claro, adicione um pouco de vermelho picante para os ovos, apenas para adicionar um pouco mais nuance lá e trazer um pouco mais vermelho mais baixo e apenas distribuir algumas das cores mais uniformemente ao longo da imagem. Tentando manter minhas cores tão simples e fiel à minha paleta rígida quanto possível. Agora, quando eu terminar, eu adiciono minha assinatura, mexo um pouco com a cor disso,
e depois acabo de volta com a marinha ou escuro. Só alguns pequenos detalhes de acabamento, e acho que terminei.
18. Parte 2 do projeto: esboços: Na primeira parte, ilustramos objetos simples sem qualquer fundo, e usamos nossa paleta mais simples de seis cores. Na segunda parte, vamos ilustrar uma cena mais complexa. Este incluirá a comida e a atividade que escolhemos anteriormente, mas também algumas pessoas interagindo umas com as outras e a comida e os objetos na cena em primeiro plano. Claro, como é uma cena, você também vai querer incluir alguns elementos de fundo para definir a cena. Esta ilustração será mais complexa porque estaremos lidando com diferentes cores de pele, além de criar uma sensação de primeiro plano e plano de fundo. Para fazer tudo isso, usaremos nossa paleta estendida, que criamos no exercício 3. Podemos até ter que estender e modificá-lo ainda mais à medida que avançamos. O gotejamento é manter as cores consistentes e tão simples quanto possível, usando cores estendidas somente conforme necessário. Agora, apenas uma nota, se desenhar pessoas cheias é intimidante para você, sinta-se livre para ilustrar apenas a propagação da comida com talvez algumas mãos vindo das bordas. Esta é uma ótima solução alternativa para aqueles que querem saltar para
a ilustração, mas ainda não estão confiantes sobre como eles desenham as pessoas. Eu tenho uma classe chamada corpos ímpares, que aborda a dor específica para as pessoas, atraindo as pessoas em sua ilustração e eu encorajo você a tomar isso em algum momento e talvez até mesmo voltar para esta parte do projeto depois de tomar corpos. O objetivo desta parte do projeto final é praticar o uso das mesmas cores de um projeto de ilustração para outro, independentemente da complexidade. Outro propósito é demonstrar como uma paleta pode ser estendida sem perder seu senso de consistência entre as ilustrações. Em nossa primeira ilustração, tivemos uma paleta semelhante, e agora vamos ter uma ilustração mais complexa com paleta mais estendida e ambas serão consistentes porque estão enraizadas no mesmo conjunto de cores. Outro objetivo é demonstrar como atender demandas mais complexas, como diferentes tons de pele e composições complexas, sem perder a sensação de simplicidade de cor de uma paleta mais rigorosa. Novamente, você pode verificar os fatos do projeto
na página Projetos e Recursos desta classe, mas nós estaremos usando o mesmo formato, 8 por 10 polegadas, 300 pontos por polegada e você pode fazer isso em formato vertical ou horizontal, É totalmente com você. Mais uma vez, usarei o Procreate para esboços e o Photoshop para as ilustrações finais. Você provavelmente vai achar útil neste momento para fazer mais alguma pesquisa de imagem, desta vez com um olho para cenários de configurações em pessoas. Para este estágio, eu voltei para o Pinterest e procurei por coisas como pessoas acampar, retro acampar pessoas, e até mesmo coisas como piquenique dos anos 60. Eu só queria encontrar pessoas reunidas em um contexto de acampamento. Novamente, como sou nostálgico com a ideia de acampar nos anos 60 e 70, preciso da minha busca mais específica para esta época. Apenas voltando para as minhas imagens que eu coletei na etapa do Bridge, você pode ver que tudo ainda está acampando temático, mas esta coleção tem um foco mais em pessoas jantando em torno de uma mesa ou piquenique. Basicamente, se o primeiro conjunto de imagens de referência para a primeira parte da ilustração, estamos mais discados e focados especificamente nos objetos alimentares. Isto é como recuar e olhar mais para o ambiente ou o contexto. Eu diria que leva algum tempo para fazer alguns esboços no modo O de pessoas em suas cenas, especialmente se você acha que vai ajudar a obter os sucos fluindo para os esboços ideacionais. Aqui você pode ver meus esboços no modo O. Eles realmente não são tão extensos. Eu apenas rabisquei algumas das minhas imagens e eu não sei porquê, mas eu acho que eu apenas senti como se eu já tivesse feito um monte de esboços no modo O para a primeira parte e eu estava realmente ansioso para entrar nos esboços reais para isso. Eu vou ver em um momento, eu realmente acabei tendo que fazer uma tonelada de esboços i-Mode e eu acho que isso está compensando o quão despreparado eu estava porque eu pulei este passo. Assim como da última vez, depois de terminar seus esboços observacionais, se você optar por fazê-los diligentemente, o próximo passo é entrar em esboços ideacionais ou i-Mode. Nesses esboços, certifique-se de estar pensando novamente sobre os três Cs: conceito, conteúdo e composição. Sobre o que é a ilustração? Quais objetos e personagens serão usados para representar seu conceito e como você vai organizar tudo na composição? Assim como da última vez, eu tenho meus seis pontos em miniatura no Procreate e então eu comecei a desenhar, tentando ter idéias. Como de costume, eu comecei muito estranho com apenas colocar para baixo o que eu tinha essa idéia inicial, talvez eu pudesse evitar atrair pessoas cheias
jogando apenas suas mãos saindo das bordas. Fiquei pensando que talvez houvesse uma mesa de piquenique e então fiquei preso algumas vezes e pensei, bem, eu tinha esses objetos da primeira ilustração. Eu acho que eu deveria jogá-los na composição de alguma forma. Aqui eu tentei fazer exatamente isso. Novamente, evitar atrair pessoas cheias
neste e tentar incluir coisas como o bacon, o café, a idéia de um fogão de acampamento, apenas tentar algumas outras coisas se perder um pouco, que é totalmente bom. Então pensando, oh, talvez deva haver mais contextos, mais um fundo. Talvez deva haver uma tenda e alguém cortando lenha ou um machado ou algo do fundo. Só para realmente definir a cena em termos de um acampamento. Acho que comecei a ficar mais ousado e ter pessoas com a mesa. Eu estava tendo uma noção de como
era aquela relação de fundo em primeiro plano e quais seriam os objetos reais na minha cena. Então, sim, eu continuei voltando para essa idéia e então eu voltei para, oh, talvez eu devesse apenas fazer as mãos de novo e então talvez eu devesse realmente trazer as pessoas de volta. Indo e voltando, sendo indeciso, tudo bem ser indeciso em um estágio como esse porque é só você e seu bloco de esboços. Se você ainda não está satisfeito, então apenas continue e você sabe que uma boa hora para parar é, claro, quando você começa a repetir seus temas uma e outra vez. Mas você não está vendo nenhuma grande mudança em termos de conteúdo ou composição. Além disso, se você começar a se sentir frustrado como se estivesse começando a obter alguma energia negativa, então essa é uma boa hora para chamá-lo, fazer uma pausa e voltar com um olhar mais crítico. Foi o que eu fiz da última vez que comecei a colocar pontos
vermelhos naqueles que eu achava que eram os mais promissores. Gostei deste porque tinha as três pessoas, tinha um bom senso de fundo em primeiro plano sem ser totalmente detalhado. Eu só tinha uma parte do carro no fundo e parte da tenda e eu realmente gostei desse sentimento. Eu também gosto disso como uma possibilidade onde em vez de ter uma pessoa inteira em primeiro plano, eu tinha alguém fora no fundo de alguma forma definindo esse elemento humano, mas também conectando com as pessoas em primeiro plano. Assim como da última vez, peguei meus principais esboços e os coloquei em um novo documento para traçar sobre eles com mais clareza e refinamento. Neste caso, eu realmente decidi refinar apenas um que tinha os personagens completos neles em vez de apenas as mãos. Enquanto refinava meus esboços, fiz meu desenho o mais claro e confiante possível. Prestando mais atenção aos detalhes,
incluindo a aparência dos personagens, o
que eles estão vestindo e, mais importante, como as coisas se sobrepõem. Agora, olhando rapidamente para meus esboços refinados, à esquerda, temos meu esboço áspero onde eu tinha as três pessoas em primeiro plano e, em seguida, um pouco do local de acampamento no fundo apenas para definir a cena e então eu itei sobre ele algumas vezes até que eu estava feliz com o nível de detalhe. Eu adicionei mais detalhes, a imagem ficou um pouco mais complexa aqui. Mas, claro, estou pensando agora em termos de detalhes como o que está incluído. Tenho o meu fogão, meu bacon, o café, os ovos, o saleiro e pimenta. A ideia de café. Eu adicionei algumas árvores ao fundo porque para mim, quando você está acampando, há árvores por toda parte. Isso é o que eu acabei fazendo no esboço e realmente sendo específico sobre as coisas quanto possível. Ainda é apenas um esboço, não há cor, há texturas e sombreamento realmente. Mas estou começando a pensar em onde as coisas se encaixam e se sentam na composição final. Agora você deve ter uma composição final que você está feliz com para trazer para a ilustração final. Mais uma vez, tente não ficar preso na composição perfeita. Chega um momento em que você tem que seguir em frente. Escolha o seu esboço favorito para a cena completa e basta ir com ele. Se você encontrar até o próximo passo como você entrar nele que não está funcionando, você sempre pode voltar e refinar seu esboço mais.
19. Parte 2 do projeto: arte final: Agora é hora de ilustrar nossa cena completa. Para esta, podemos usar nossas paletas mais estendidas, que acho que serão úteis à medida que tentamos
aplicá-las às nossas composições mais complexas. O objetivo ainda é ser disciplinado sobre ficar dentro da nossa paleta; é apenas que temos mais algumas tonalidades e tons para trabalhar. O que você espera encontrar é que você não precisa de toneladas de tons diferentes. Você descobrirá que sua paleta simples de seis cores mais escura e algumas tonalidades e tons é mais do que suficiente para criar belas obras de arte. Ao aderir à sua paleta, a ilustração que você faz para esta será consistente com a primeira ilustração. É assim que você desenvolve uma sensação consistente de cor em todo o seu trabalho,
tendo uma paleta de casa simples e, em seguida, apenas usando variações dela quando você precisa. Assim como da última vez, vou mostrar-lhe o meu próprio processo, que é claro muito específico para o meu próprio estilo, ferramentas e técnicas e também para a minha própria paleta. Mas como da última vez, vou falar com você sobre alguns dos meus pensamentos enquanto segui o meu processo. Novamente, quando terminar sua ilustração,
por favor, publique-a no projeto da classe. Mais uma vez, compartilhe seu trabalho no Instagram usando a hashtag onepaletteillustrator. Mal posso esperar para ver o que vocês ganham, mas até lá, vamos entrar na demo. Claro que vamos começar configurando o arquivo da maneira usual. Crie isso novamente a 8 por 10 polegadas e, em seguida, coloque aquele esboço
lá, faça tudo pronto para ilustrar mais. Não se esqueça de salvar seu arquivo no início e durante todo o processo de fazer sua arte. Só escolho uma das pessoas para começar. Esta pessoa em primeiro plano será um bom ponto de entrada para iniciar o processo de ilustração aqui. Gosto de ter certeza que todos os meus caminhos estão bem antes de começar a preenchê-los. Vou começar imediatamente escolhendo uma cor de pele de um
dos tons adjacentes à pele ou semelhantes à pele que defini na minha paleta. Eu vou descobrir quais serão os tons de pele exatos, enquanto eu vou junto, eu apenas escolher algo e começar com ele. Eu meio que bloquear as coisas por enquanto, colocar algumas roupas lá dentro, é claro. Eu tenho a cor do cabelo lá dentro, usei a cor mais escura e então eu apenas multiplico isso sobre o tom de pele. O que eu estou procurando, as roupas, o tom de pele e o cabelo, eu só quero ter certeza que eu tenho contraste suficiente entre cada um dos elementos. Aqui estou eu trabalhando nos detalhes do trabalho de linha entre os dedos e a boca aqui. Este é apenas o meu sombreador que eu multipliquei sobre o tom de pele da pessoa. Só vou adicionar alguns detalhes na camisa. Claro, porque isso é acampar, uma bela camisa de flanela xadrez está em ordem. Só estou usando um pincel mais amplo aqui. Vou usar minha cor escura, mas depois redimensioná-la em opacidade para 50% de modo que quando eu sobreponha sobre outras cópias desse mesmo padrão, ele cria um belo efeito xadrez. Claro, eu estou multiplicando também, então eu tenho uma multiplicação e um ajuste de opacidade neste elemento xadrez. Para alguns dos pequenos detalhes aqui, apenas para separar o braço do resto do corpo e um pouco de vinco lá, eu vou usar minha tinta com a cor mais escura e isso só ajuda a separar esses pequenos detalhes. Esta é apenas uma boa oportunidade para adicionar um pouco de branco. Na página tipo de vir através desta outra ilustração sólida branca. Vou adicionar uma bochecha corada aqui. Agora estou começando a ficar mais específico sobre a cor da pele. O que eu estou procurando é algo que vai ser um bom equilíbrio entre um tom de pele escura, com algo que vai contrastar bem com as roupas,
e, em seguida, também, deixar alguns desses detalhes como as linhas entre os dedos e o sorriso eo rubor também ser visível. Estou trabalhando exatamente qual será esse tom. Assim que eu terminar essa pessoa, é hora de começar a bloquear a mesa. Eu só quero ter certeza de que a cor não é muito intensa. Que cheio em amarelo é demais e então eu fui com um amarelo mais claro. Agora estou começando a trabalhar os detalhes do primeiro objeto na cena, que é meu pequeno fogão de cozinha, meu pequeno fogão de acampamento. Por alguma razão eu comecei com vermelho como uma cor. Eu acredito que a cor era verde nos meus objetos, mas eu vou resolver esse detalhe em um momento. Como você pode ver, essas cores mais completas, intensas e
puras da minha paleta simples estão realmente se destacando muito bem contra essa tonalidade de amarelo como meu fundo. Apenas adicionando alguns
dos detalhes que me lembro do objeto. Você pode, naturalmente, consultar a sua ilustração anterior para obter qualquer um desses detalhes corretamente, o
que eu estarei fazendo muito nesta ilustração. Aqui é onde eu dou uma olhada na minha primeira ilustração e percebi, sim, eu fiz aquele cilindro de propano verde, não vermelho. Eu também vou pegar emprestado alguns elementos dessa ilustração anterior só para me poupar um pouco de tempo. Gosto de redesenhar meus elementos frescos em cada ilustração, tanto quanto possível, em vez de cortar e colar. Mas para pequenos detalhes como este, eu me dou um passe e me deixo fazer um pouco de copiar e colar e também apenas ter certeza que eu tenho consistência entre as duas ilustrações. Eu só estou trazendo alguns outros elementos que eu já tinha feito, por que não apenas reutilizá-los em vez de reinventar a roda. Agora estou trabalhando no cara do café, a próxima pessoa nesta ilustração. Começando com a cabeça. Agora esse cara seu tom de pele será mais desse tom amarelo, que é basicamente da mesma cor que a mesa de piquenique aqui. Trabalhando com uma paleta limitada muito simples, você vai encontrar diferentes objetos compartilhando a mesma cor, enquanto na vida real, eles provavelmente seriam cores muito diferentes. Eu não conheço ninguém que seja da cor de uma mesa de piquenique, mas você pode fazer isso com uma paleta simples. Achei que os jeans dele eram muito intensos, então usei um tom dessa cor para minha paleta estendida. Agora vou passar para este detalhe de braço. Fazendo sua camisa um marrom mais escuro da paleta, e então ele está usando um colete, que é aquele lindo, vermelho brilhante. É um belo contraste lá. Agora só estou trabalhando no braço de fundo dele, o braço logo atrás, vindo de trás da máquina de café expresso. Agora, hora de ilustrar a própria máquina de café expresso. Vou usar apenas a cor do sombreamento, que funciona bem como um cinza metálico aqui. Agora, adicionar esses detalhes sempre leva algumas tentativas, como como esta alça vai funcionar e depois
integrar-se perfeitamente com a linha da máquina de café expresso? Por alguma razão, eu não estou super feliz com nenhum desses. O que eu acabo fazendo em vez disso é apenas usar a ferramenta de caneta em vez de um pincel de forma livre. Isso só me dá um pouco mais de controle sobre essa forma particular. Lá, eu acho, eu consegui. Só vou acrescentar mais detalhes à máquina de café expresso. Aqui eu estou apenas usando algumas linhas brancas em vez do meu trabalho linha mais escura, e isso apenas ajuda a manter as coisas mais leves. Acho que se eu usar a linha escura na máquina de café expresso, isso teria parecido muito pesado. Agora é só jogar um pouco de sombreamento com esse pincel de textura. Claro, adicionando a mão do cara vindo para segurá-la. Isso provavelmente seria muito quente para tocar com suas próprias mãos. Mas isto não é uma ilustração realista. Adicionando alguns dos detalhes de trabalho de linha da mão. Novamente, usando exatamente a mesma sombra ou cor multiplicada sobre a cor da pele que eu fiz com o personagem de primeiro plano. Para o cabelo, eu só multiplicei o azul marinho ou o escuro sobre o tom de pele. Novamente, usando a mesma técnica de rubor que eu usei no personagem de primeiro plano, é a mesma cor, a mesma opacidade, a mesma multiplicação. Claro, assume a tonalidade do tom de pele por baixo dele. Eu estou usando o mesmo peso incorrer que eu usei para a cafeteira como para a cor eo zíper do colete. Agora, eu vou dar a esse
cara um belo padrão amarelo xadrez aqui porque ele está sentindo as vibrações de flanela também. Aqui está apenas aquele amarelo e eu não estou de volta a opacidade para uma certa quantidade. Então isso permite que a cor mais escura de sua camisa apareça. Agora, é claro, é hora de adicionar algumas xícaras de café, dando-lhe um pouco de sombreamento. Então eu me permito copiar e colar isso entre as três pessoas aqui. Isso acrescenta alguma repetição agradável na imagem. Eu também percebi que eu esqueci de adicionar um pouco do padrão xadrez no braço de fundo lá. Agora, eu só estou pegando de volta, então não é tão intenso. É um pouco mais sutil. Aqui eu estou apenas tentando descobrir a forma da cabeça
e onde a forma do cabelo vai pousar. Esta pessoa vai ser um tom de pele mais mindinho. Vai estar usando gola alta. Só estou trabalhando alguns desses pequenos detalhes das mãos. As mãos são sempre um ponto de pintura para mim. Decidi, neste caso, evitá-lo por enquanto. Farei a mão mais tarde. Agora estou preenchendo o verde e achando que é bem intenso. Provavelmente vou redimensionar isso de alguma forma. Vou usar uma tonalidade que encontrei na minha paleta estendida. Agora eu estou apenas tentando multiplicá-lo e, em seguida, recuperar a opacidade para que ainda seja uma forma desse verde. Está tomando mais a nuance do tom de pele da pessoa. Eu gosto mais disso. Achei a tonalidade para a camisa dela aqui um pouco leitosa demais. Novamente, apenas aplicando essas mesmas propriedades na manga do braço como eu tenho com o resto do suéter. Agora preenchendo o cabelo. Agora aqui a forma do cabelo é complicada porque precisa ir sob o chapéu, sobre o rosto, sobre a cor e depois atrás do ombro. Só estou me preocupando com isso. Ela vai ter cabelo castanho, aquela cor castanho escuro da paleta. Todos os olhos do meu povo aqui terão a mesma cor de pessoas, que é a marinha escura. Novamente, seus detalhes faciais também recebem o mesmo tratamento que todos os outros. Para as linhas diretas, eu acho que uma linha escura é muito pesada, então eu estou usando as mesmas linhas brancas que eu usei na cafeteira. Apenas adicionando alguns detalhes, agora só para separar as diferentes partes do corpo dela na cor. Agora, eu estou usando a mesma tinta que eu uso para as linhas diretas e para a cafeteira. Estou usando isso agora é um padrão no suéter dela. Esse padrão ajudará, rompe a solidez de sua forma. Também ajuda a contrastá-la contra a pessoa em primeiro plano. Basta adicionar algumas linhas ajuda a dar uma sensação de diferenciação entre essas formas sobrepostas. Então eu retiro a opacidade desse peso também cerca de 50 por cento. Isso só torna o padrão um pouco mais sutil. Claro, adicionando os detalhes de trabalho de linha aqui, assim como eu fiz em todos os outros lugares. Você vai notar, eu multipliquei o trabalho da linha escura separando seus braços do resto do corpo dela. Isso parece um pouco mais escuro do que o azul escuro marinho que está em todos os outros lugares. Só mexendo com essa forma de mão. Novamente, é um grande ponto de dor ao ilustrar as pessoas como fazer essas mãos não parecerem muito estranhas. Estou bem com dedos de salsicha. Eu só gosto de ter certeza que as formas são intencionais e não acidentais. Apenas completando um pouco do padrão que faltava na manga ou no punho. Então, claro, adicionando alguns detalhes finais do trabalho de linha sobre a pele lá. Eu também gosto de adicionar um pouco de rubor, mesmo que o que eu tenho nas bochechas sobre outras partes do corpo apenas para adicionar mais contraste quando necessário, e apenas adicionar mais alguns novos tons de pele da pessoa também. Claro, adicionando um pouco de sombreamento usando meu enchimento de textura, assim como fizemos com os pontos simples. Aqui, eu estou pensando um pouco sobre como ter tudo na mesma direção de luz, mas eu não sou super consistente sobre isso. Agora, é hora de adicionar esse prato de bacon, adicionando uma grande área de branco aqui para o prato, vai apenas realmente ajudar a trazer um pouco dessa cor de papel ou esse espaço negativo através desta terceira porção inferior da imagem onde a tabela e todos os objetos estão. Começando a desenhar alguns rashers de bacon neste prato. Para o bacon, eu não quero uma borda super sólida, então eu deixei um pouco da borda ser um pouco mais áspera. Agora adiciono aquelas tiras de gordura. Isso ajuda a separar ou diferenciar os dois pedaços de bacon no prato. Então eu uso um mais puxado para trás na versão de opacidade dessa tira de gordura para
separar ainda mais os dois pedaços de bacon e também, claro, dar os pedaços de bacon mais caráter. Eu vou usar sombreamento também, que irá adicionar tanto o caráter do bacon e, claro,
dar um pouco de contraste entre os dois, vez que o sombreamento aparece na parte inferior do bacon e não na parte superior de cada peça. Dessa forma, ajuda as duas peças a se levantarem um do outro mais. Agora, eu estou apenas aperfeiçoando algumas
dessas formas com a mão e a placa onde elas estão interagindo. Agora, para adicionar na espátula nesta parte inferior esquerda da imagem. Novamente, esta é outra oportunidade para trazer algum espaço negativo ou algum ritmo branco, isso só ajuda a abrir esta terceira parte inferior realmente sólida da ilustração. Ajuda a respirar um pouco mais e lhe dá mais interesse visual. Eu vou passar alguns momentos aqui apenas aperfeiçoando a forma porque
parece estranho e fora para mim de uma forma não tão boa. Eu só vou mexer com isso um pouco até eu me sentir certo sobre isso antes de seguir em frente. Aqui eu vou me dar um passe. Deixe-me apenas copiar e colar o sal e pimenta diretamente da ilustração objetos. Esses são elementos menores, então não sinto que preciso gastar muita atenção neles e
desenhá-los novamente, reinventando a roda. Claro, eu preciso adicionar mais alguns pratos de comida lá onde os bebedores de café do outro lado da mesa estão. Eu só vou ter nocionalmente alguns ovos e bacon em seu prato, ele está usando alguns pincéis texturizados e mantê-lo realmente simples. Eu gosto de como o vermelho do bacon e o motivo geral apenas bacon aqui é repetido. Você tê-lo em primeiro plano, e então você tê-lo repetindo em segundo plano e apenas copiá-lo e colá-lo entre as duas placas. Posso colocá-la atrás do ovo no outro prato. Isso só ajuda a parecer que eu não copiei e colei totalmente. Aqui eu estou indo apenas com uma borda mais sólida na placa em primeiro plano, e adicionando um pouco mais de detalhes. primeiro plano e obter elementos mais detalhados e de fundo. Trazendo alguns desses fósforos. Assim como tínhamos na ilustração de objetos simples. Agora, eu quero trazer alguma cor do céu. Eu quero preservar um pouco do ritmo branco no meio do chão. Eu vou sair dessa maneira e então apenas adicionar um pouco de cor do céu na parte de trás, fundo no topo da imagem. A partir daí, eu passo para trazer o carro com a canoa em cima. Adicione algumas rodas simples. Eu acho que apenas a linha branca como os círculos o suficiente para sugerir calotas hubcap não precisa ir em muitos detalhes lá. Agora, para as janelas, sabemos que as janelas estão claras e que talvez o fundo, céu ou
o que quer que esteja por trás dele apareceria através do que estiver atrás do carro. Aqui eu vou apenas preenchê-lo com o meu sombreador e usar multiplicar apenas para dar
a sensação de que escurecimento que acontece quando você olha através da janela de um carro e é mais escuro dentro do carro do que fora. Claro que vou adicionar alguns detalhes sutis, alças e um volante. Não preciso de muito para elementos de fundo. Eu gosto de desenhar meus carros muito simples também. Agora eu vou adicionar a canoa, trazendo um pouco daquele brilhante e bonito tom amarelo, que se reflete também nos ovos. Então achei que a cor do carro era muito intensa. Levei-o de volta para um dos tons daquele azul, que eu tinha minha paleta estendida. Agora eu vou apenas adicionar alguns detalhes na prateleira do telhado. Mais uma vez, só usando a minha tinta de linha, e o meu escuro. Agora aqui eu vou adicionar a pequena bandeira que eu tinha na ponta da canoa. Esta vai ser uma pequena bandeira canadense. Eu vou torná-lo um pouco maior para que seja mais fácil de
ver e fazer e então eu posso encolher para baixo para o tamanho depois. Como tentar o me canadense acreditar por mim é super difícil. Eu vou fazer algumas tentativas aqui, e tentar não fazer com que pareça uma folha de cannabis, que por alguma razão continuou parecendo a folha de maconha enquanto eu estava desenhando isso. Acho que estou exagerando com isso, especialmente tendo em conta o quão pequena a bandeira vai levar em conta. Mas às vezes é fácil apenas ser puxado para dentro de um detalhe e perder a perspectiva do quadro geral. Estou feliz o suficiente. Eu lado no lugar e seguir em frente. Adicione um pouco de sombreamento à canoa no carro. Agora, aqui para o sombreamento, é a mesma textura, a mesma técnica que os elementos de primeiro plano, mas na verdade despeja mais a opacidade, modo que fique ainda mais fraca do que quando apliquei o sombreamento em primeiro plano. Isso é só porque qualquer objeto em segundo plano tenderá a diminuir em valor. Isso inclui as cores, inclui a saturação mesmo, e claro que inclui o quão escuro é o sombreamento. Passando para a tenda. Eu quero fazer essa tenda verde, mas claro que o verde é muito intenso para a nossa cor de fundo. Sem trocadilhos. Eu uso um tom desse verde, e então adiciono um pouco de sombreamento apenas para sugerir como a tenda é dimensional. Como estão esse lado e a frente? Agora estou adicionando uma árvore. Eu tenho uma certa maneira de criar árvores, que é misturar vermelho e verde. Eu tenho o vermelho como fundo e então eu vou ter o verde. Eu vou me multiplicar usando meu pincel texturizado e isso só dá este tronco de árvore um belo olhar orgânico bucky. Então eu só uso uma máscara de camada para cortar alguns dos detalhes dessa textura de madeira. Este é basicamente o vermelho abaixo, mostrando através do verde que está sendo multiplicado acima. Agora vou adicionar alguns dos galhos desta árvore. Aqui estou bem para usar a versão mais intensa do verde. Vou brincar com isso um pouco. Eu acho que eu desisto aqui e apenas copiá-lo e colá-lo, o que pode parecer um pouco simétrico demais. Para mim, desenhar árvores é apenas sobre sugerir a árvore mais do que capturar sua semelhança total. Eu estou bem se esses detalhes são muito simbólicos em vez de literal. Estou fazendo o que posso para que pareça um pouco menos cortada e colada entre os dois lados. Agora vou adicionar uma árvore ao fundo. Objetos muito fora no fundo vão
normalmente ser brancos ou escuros nas minhas ilustrações. Aqui estou só a tentar encontrar o pincel certo para aquela árvore distante. Eu acabo indo com o mesmo pincel de textura, mas apenas em um tamanho menor. Eventualmente aqui Depois que descobrir como é o meu derrame, fico feliz em começar a desenhar a árvore. Novamente, como ele está muito fora no fundo, ele tem menos variação na cor e muito menos detalhes também. As coisas mais longe não precisam de tantos detalhes. Apenas adicionando o Sol aqui e a nuvem, agora para tornar a nuvem um pouco mais fofa e sutil, eu apenas ajudo a opacidade de volta. Isso ajuda o amarelo do Sol a espiar e faz com que a nuvem pareça fofa e leve. Agora estou indo para o toco. O toco no meio do chão aqui usando a mesma técnica que eu
usei como a árvore atrás do cara do café lá para fazer aquele marrom e para mantê-lo olhando orgânico, então eu usei a mesma cor que a mesa, como o topo de madeira do toco. Isso permite alguma comunicação entre o meio termo e o primeiro plano. Esse mesmo amarelo claro está acontecendo em ambos os lugares, o que traz uma composição mais unida em geral. Agora com o machado, eu estou apenas adicionando alguns detalhes nele, eu estou tentando não exagerar demais, mas o metal da lâmina, ele vai ser da mesma cor que a cafeteira, a cafeteira de café. Agora só estou amolecendo o fundo dos tocos para que não pareça tão afiado. Então eu vou adicionar alguns detalhes finais na cena, como esta lata de cerveja. Isto pode estar ao mar para o quão pequena é a lata de cerveja, mas decidi incluir algumas letras lá. Qualquer oportunidade de fazer algumas letras, eu costumo aproveitar. Aqui eu estou apenas adicionando alguns dos fios do cara que seguram a tenda e, em seguida, algo semelhante que está amarrando a canoa ao veículo. Usando essa mesma qualidade de linha para essas duas coisas, ele apenas cria um pouco mais de unidade em torno da imagem. Se eu usar essas linhas apenas para a tenda, eles podem se sentir one-off, mas também usá-los na canoa obter um pouco mais de um padrão acontecendo. Eu só estou fazendo algumas estacas de barraca, adicionar alguns pássaros no céu, e eu vou mexer com alguns dos tufos de grama aqui na área do meio do solo. Não posso esquecer o café derramando. Esta é uma ótima oportunidade para usar esse marrom escuro e usar multiplicar, já que o café é um líquido transparente. Vou adicionar apenas alguns detalhes finais de sombreamento por toda parte, apenas para trazer um pouco mais de atmosfera para a foto. Claro, se eu adicionasse textura em um personagem, eu deveria estar adicionando em todos. Eu não estou sendo super rigoroso sobre a direção da luz e onde o sol está. Eu estou sendo super literal sobre isso, eu uso o sombreamento mais apenas como uma forma de dar um pouco de volume e profundidade
à imagem e permitir que certos elementos contrastem com outros. Finalmente, basta adicionar algumas linhas à mesa ou algum interesse visual aumentado. Claro, adicionando um pouco de vermelho picante aos ovos. vez, apenas um pequeno e pequeno detalhe colorido. É muito sutil, mas acrescenta um pouco mais de interesse à imagem. Faz parecer um pouco menos plano. É hora de talvez, revisitar esses galhos de árvores. Agora que eu descobri outras partes da imagem, eu me sinto energético o suficiente para ir e prestar um pouco mais de atenção a esses ramos da árvore e fazê-los parecer um pouco mais interessantes. Vou usar o meu apagador só para moldar os galhos um pouco mais. Outro detalhe a adicionar aqui é apenas os nós na árvore e trazê-los também para o toco da árvore. Acho que terminei. Vou colocar isso lado a lado e ver como os objetos simples e a cena completa se comparam. Claro, como devemos adicionar minha assinatura à minha segunda ilustração. Onde colocar essa assinatura, isso parece bom para mim.
20. Comemore!: É isso, todo mundo. Aprendemos o que significa ser um ilustrador de paleta única. Aprendemos como dominar uma única paleta pode
nos ajudar a superar todos os tipos de lutas em nosso próprio trabalho, incluindo saber quais cores usar em cada projeto, ter um estilo mais forte e até aprender como usar qualquer cor paleta de uma forma mais decisiva e qualificada. Deixa-me dizer-te, esta foi uma das aulas mais difíceis que já tive de dar. Mais difícil ainda do que ensinar estilo. A cor é tão subjetiva e parecia haver milhares de abordagens diferentes para ela. Eu sei que você também é diferente e provavelmente vai encontrar suas próprias maneiras de usar a cor à medida que você avança. Essa é a minha maior esperança, que você possa pegar algo desta classe e construir sobre isso à sua maneira e no seu próprio trabalho. Como você trabalha em seus exercícios e projetos, como sempre, compartilhe na página do projeto da classe. A melhor maneira de receber feedback de mim e de outros é compartilhá-lo aqui com o resto da turma. Adoro ver seus projetos. Sei que este é um dos maiores e mais ambiciosos projetos até agora, e agradeço-vos muito pelo vosso tempo e envolvimento aqui. Como sempre, quando você compartilha no Instagram, certifique-se de usar a hashtag, um ilustrador de paleta. Sabes, adoro ver o teu trabalho na natureza e esta é a melhor maneira de o descobrir fora do Skillshare. Como sempre, muito obrigado por ter assistido à aula. Mal posso esperar para ver o que você faz para o projeto e mal posso esperar para aprender mais sobre o que você aprendeu nesta aula e como isso te ajudou em sua arte.
Tom Froese, Illustrator and Designer
