Nature morte de tournesol : Un style impressionniste et lâche

1. Introduction à une nature mordes au Sunflower morde morde: Bonjour, bienvenue dans mon studio. Je m'appelle Kris Dans ce cours de Skillshare, vous allez apprendre à peindre ce tournesol, à peindre dans un style lâche et impressionniste. Je vais montrer comment je peins à partir d'une nature morte florale. Je vais vous montrer diverses techniques que j' utilise pour obtenir ce style impressionniste lâche. Et à la fin, vous pourrez peindre votre propre nature morte de tournesol. Commençons. Je crois que peindre des fleurs d'une nature morte est une compétence très importante à apprendre. Alors que je vais vous fournir une photo de ma nature morte, je vous encourage à aller chez votre fleuriste local, à vous acheter un bouquet de tournesols, installer sur votre table de cuisine et à l'utiliser comme référence pour cette classe. tournesols sont l'un de mes types préférés de fleurs. J' adore leurs couleurs vives. J' adore leur grand style audacieux. Ils me rendent heureux ! Alors, que pouvez-vous vous attendre à apprendre de la réalisation du projet ? dans cette classe ? Vous apprendrez à peindre une nature morte florale dans un style impressionniste lâche, qui est mon style préféré à l'aquarelle. Vous apprendrez à utiliser le vitrage comme technique pour ajouter de la richesse de couleurs et de la profondeur à vos peintures. Ensuite, vous apprendrez à utiliser la peinture négative pour vraiment faire sortir votre sujet floral du papier. Et enfin, je vais vous montrer des coups de pinceau qui se prêtent à ce style lâche et impressionniste. Si tout cela vous semble intéressant, commençons. 2. Fournitures de projet: Pour terminer le projet dans ce cours, vous aurez besoin de quelques fournitures. Jetons un coup d'oeil à la liste d'approvisionnement. Commençons par la peinture que j'utilise dans cette peinture. J' ai utilisé deux marques : Daniel Smith et M. Graham. Dans la marque Daniel Smith, j'utilise l'ultramarine française, nouveau gamboge, le pyrrole transparent, orange et le violet outremer. J' utilise également M Graham, et dans cette marque j'utilise Azo Yellow, alizarine permanente cramoisi et sève green. J' utilise six pinceaux différents dans ce tableau, commençant par le plus grand un OKUU. Numéro 6, brosse à plume professionnelle. Prochaine plus grande. Une #6 Delgado, brosse à poils d' écureuil. Un Delgado numéro quatre. Pinceau plume Numéro 2, brosse à plume Delgado, un numéro 12 rond Princeton Aqua Elite. C' est un mélange synthétique. Et enfin, une doublure en velours noir argenté. Dans la mesure du possible, je vous encourage à utiliser un papier 100% coton. J' utilise Arches 140 livres rugueuses. J' utilise un ruban adhésif de bonne qualité pour coller le papier à ma planche. Et enfin, vous aurez besoin d'un bon récipient pour l'eau douce. J' aime celui de Mijello qui a trois sections dedans. Et enfin, un petit flacon pulvérisateur. En plus de ces fournitures, j'ai également encouragé à télécharger les images de référence sur le site Skillshare. Il y a un certain nombre de fichiers que vous pouvez utiliser comme référence et inspiration pour ce projet. Avant de passer à la vidéo suivante, assurez-vous de transférer votre image de votre nature morte de tournesol sur votre papier aquarelle et de l'adhérer au conseil. 3. Le premier lavage : ConCENTRer sur les sous-tons: Il est temps de commencer le processus de peinture. Donc la première chose que je vais faire est de prendre mon gros pinceau plume. Ceci est un OKUU #6, et appliquer de l'eau fraîche propre sur le papier. Je ne vais pas mouiller tout le morceau de papier, mais juste au hasard autour de la surface. Voici mon image de référence, je vous encourage à l'avoir devant vous tout le temps. C' est une photo que j'ai prise de ma nature morte. L' un des objectifs de ce projet est d'apprendre à peindre à partir d'une nature morte — de la vie. Je vous encourage donc à avoir ça devant vous. Soit une photographie de celui-ci, soit les fleurs réelles. Ici, j'utilise Azo Yellow, les 3 premières couleurs que j'utilise dans ce premier lavage sont Azo Yellow, French Ultramarine et Sap Green. Encore une fois, c'est une application humide sur humide. J' ai mouillé le papier et maintenant je pose une belle application humide juteuse de mon jaune azoïque. L' autre objectif de ce projet est un style impressionniste lâche. Je vous encourage donc à ne pas être esclaves, liés à mon image de référence ou même à la vôtre. Mais interprétez ce que vous voyez d'une manière lâche. Et vous pouvez voir que je fais ça ici avec les pétales. Maintenant, je prends un mélange d'Ultramarine française, qui est mon bleu là-bas et mon jaune azoïque. Et je l'ai mélangé dans un joli vert. Je pose juste les tiges primaires et les feuilles sur ces deux premières fleurs. J' ai maintenant plongé dans mon vert sève un peu. parce que c'est juste un vert plus foncé que je peux atteindre en ce moment avec mes autres couleurs, je vais juste prendre ce vert sève plus foncé et juste tamponner dans les zones humides des feuilles que j'ai précédemment mis vers le bas et vous verrez qu'il se propage. Maintenant, prenant ce même mélange vert d'ultramarine française et d'Azo Yellow, je reviens à ma fleur supérieure. Il y a trois fleurs dans cette composition. Le primaire, puis l'un au-dessus et l'autre à droite. Maintenant ce vert que je demande ici. Ce sont les tiges vertes qui montent au Phlox. Phlox est les fleurs pourpres et rougeâtres dans le coin supérieur droit. Alors maintenant, j'ai pris ma violette ultramarine. Je veux mettre un ton de violet. Les fleurs sont plus rougeâtres, mais je vais commencer par un ton de violet. Donc la couleur que j'ai utilisée ici était le violet outremer. Et vous pouvez voir ma technique. J' ai une grande brosse à plume, très pleine d'eau et de couleur. Et je suis juste en train de le tenir droit et de le taper sur le papier. Dans les endroits où je vois les fleurs Phlox. Une fois que je suis satisfait du Phlox, je vais aller plus et prendre un peu jaune, orange et aller de l'avant et peindre dans les centres des fleurs qui sont une couleur plus foncée. Et encore une fois, toujours en utilisant ma grande brosse à plume. Et vous pouvez voir que j'utilise les côtés de la brosse pour vraiment mettre vers le bas une lourde application de cette couleur. Pour les trois fleurs ici. Je travaille mouillé sur mouillé encore à ce stade. Maintenant, j'ai pris mon pinceau et le remplir avec juste un peu d'eau, un peu de vert et je viens juste d'entrer et toucher le long de ces zones de la tige que j'ai déjà fait et juste un peu de donner un bord plus doux à certaines des tiges. Vous voulez toujours obtenir un contraste entre les durs et les bords souples tout au long de votre peinture. Et donc, dans certains endroits, vous aurez un vrai bord dur et d'autres endroits de bord plus doux. Maintenant, à ce stade, bien sûr, est notre premier lavage et nous peignons à peu près mouillé sur mouillé. Donc, à peu près tout va être un bord doux. Sauf si je pose de la peinture dans un endroit sec, comme vous voyez que je fais avec certaines tiges. Donc les bords sont plus durs. Maintenant, je prends une couleur encore plus foncée ici, mon orange pyrrole transparent. Et j'assombrit le centre de l'une des fleurs. Maintenant, j'ai pris mon nouveau gamboge ici et un peu plus sombre, jaune, orange. Et j'assombrit les zones de cette fleur centrale dans la fleur primaire. Aussi revenir et juste appliquer quelques détails et texture sur les fleurs entre les pétales. Maintenant, une application plus sombre de mon vert sève. Encore une fois, une sorte de technique de brosse sèche là à certains endroits où j'ai pris le pinceau avec de la peinture dessus et appliqué de la peinture dans une zone qui était sèche. J' ai donc des bords plus durs et une technique de brosse sèche. Maintenant, j'applique ce vert en arrière-plan. Je remarque qu'il y a du feuillage vert derrière cette fleur à droite. Et donc je veux juste souligner cela un peu, mais j'utilise une valeur vraiment légère ici. Je ne veux pas attirer l'attention sur ce contexte. Donc, je vais utiliser une valeur vraiment légère. Encore une fois, revenant avec un peu de mon orange jaune, toujours mouillé sur mouillé, juste en laissant tomber un peu de couleur et comme vous le voyez comme il est tombé dans, il commence juste à s'étaler. Encore une fois, c'est ce que toute cette première vidéo est tout au sujet du premier lavage. Et ce premier lavage est mouillé sur mouillé. Et tu es vraiment en train de poser ce qu'on appelle des nuances. Ce sont des couleurs qui brilleront à travers les couches de couleur suivantes. Et c'est la beauté de l'aquarelle parce que c'est un médium transparent. Les couleurs que vous définissez dans les premières étapes seront plus tard encore visibles à travers les autres couches transparentes. Ne vous inquiétez pas si cela semble exactement réaliste ou quoi que ce soit à ce stade. Tu continues de te rappeler que je mets des nuances de couleur. Et ces couleurs brilleront plus tard et créeront une véritable brillance à la peinture. Alors concentrez-vous là-dessus. Retour à ma violette ici, violet ultramarine. Ça a séché un peu, mais il est humide. Donc maintenant ça ne se répand pas autant quand je pose ces deuxièmes applications de la violette, vous voyez qu'elle ne se propage pas autant parce qu'elle est un peu séchée. Pas complètement, un peu. Ok, maintenant j'ai pris du lilas quinacridone, j'adore cette couleur. Et je vais l'appliquer sur le violet outremer que j'ai appliqué plus tôt. Et maintenant, j'ai pris mon flacon pulvérisateur et je vais juste adoucir toute cette zone de couleur en vaporisant doucement de l'eau - l'eau propre - dans cette zone. D' accord. Il est encore humide à ce stade parce que je viens d'appliquer de l'eau de pulvérisation, mais je prends un peu de sève pointe verte d'un pinceau - un pinceau plus petit maintenant. Et je mets juste quelques petits coups qui représentent les tiges. 4. Les centres de fleurs : Ajouter des valeurs contrastes: Maintenant, dans la deuxième étape de ce projet, nous allons assombrir les centres des tournesols. Si vous regardez une image de référence de la nature morte de tournesol, vous verrez qu'il y a un centre très sombre à un tournesol. Il a une sous-teinte orange recouverte de ce qui va finalement être un bleu, une touche bleue, qui va créer une couleur brunâtre et violacée très foncée. J' ai donc commencé avec mon Alizarine pourpre ici, Permanent Alizarine pourpre et le papier est encore un peu humide. Donc, je suis toujours vraiment dans le premier lavage bien que le papier soit seulement humide à ce stade, il n'est pas vraiment mouillé. Et je l'applique juste avec le côté de la brosse. Maintenant, je viens de prendre l'ultramarine française et je vais laisser tomber ce bleu dans le pourpre Alizarin et je viens d'ajouter, et ça va s'étaler comme vous le voyez. Et cela va créer un peu d'une couleur violacée, une couleur neutre aux centres des fleurs. Maintenant, je ne travaillerais pas trop à ce stade, je laisserais tomber le bleu outremer dans les tons orangés rougeâtres et juste le laisser se répandre et laisser sécher complètement la peinture. 5. Ajouter des détails : Technique de glaçage: Dans cette étape du projet, et nous allons ajouter des détails à notre peinture. J' ai pris mon pinceau Dugato numéro 6 avec Azo jaune. Et je vais juste ajouter des détails de pétales à la peinture. La peinture est complètement sèche à ce stade. Donc, vous devriez laisser la peinture sécher. Et nous allons prendre ici aussi jaune un petit gamboge qui est plus d'un jaune orange. Et juste en soulignant les pétales de ce tournesol primaire au centre de la peinture. Je me concentre sur les pétales et les formes des pétales. Mais encore une fois, j'utilise un style impressionniste et lâche. Donc je n'essaie pas de rendre chaque pédale exactement. Mais j'essaie d'avoir une idée de la forme des fleurs ici. Encore une fois. Comme j'ajoute de plus en plus de couleurs, les couleurs se mélangent sur le papier. Peut également utiliser quelques techniques ici. La première de ces techniques est ces vitrages. vitrage est lorsque vous appliquez peinture aquarelle transparente sur des couleurs existantes qui sont déjà sèches. Donc, vous travaillez généralement humide et sec. Et ces couleurs transparentes ou appliquent une glaçure ou une deuxième couche de couleur sur le calque de couleur précédent. Et cela crée un bel effet de la couleur de l'eau en raison de la nature transparente des couleurs. Je l'utilise dans beaucoup de mes tableaux. Et donc je fais cela ici avec des couleurs transparentes sur les couleurs précédentes. Maintenant, je prends mon ultramarine française et je l'ajoute au centre de la fleur primaire, le bleu va se fondre avec les couleurs orange et rouge qui sont déjà là. Prendre mon pinceau avec juste de l'eau dessus et adoucir les bords de ce bleu. Je ne veux pas être trop accablante. Revenir avec Alizarine pourpre maintenant et laisser tomber ça dans le bleu. Atteindre la bonne couleur et faire la plupart de mon mélange de couleurs sur le papier. Ici, j'ai pris le côté de la brosse et je suis juste en train de tourner la brosse en un cercle. Et ça me donne la forme que je veux. Maintenant faire la même chose avec la fleur dans le coin supérieur gauche et maintenant la fleur dans le coin inférieur droit. Cette fleur, comme vous pouvez le voir sur l'image de référence, est vue de côté. Et donc vous ne pouvez voir que de petites portions du centre sombre montrant à travers les pétales individuels. Comme je le fais ici. Bon, il est temps d'assombrir les tiges. J' ai pris mon vert sève et une application assez pure de ce vert sève. Et dans les zones où j'ai déjà mis un sous-ton pour les tiges vertes, je vais revenir avec une application beaucoup plus sombre et plus opaque et vraiment mettre l'accent sur la direction et la forme des tiges. Maintenant, je prends mon ultramarine française et aussi assombrir les tiges. Je les assombrit plus sur le côté gauche et les zones sous les feuilles vertes. Il est important de développer le contraste dans vos tableaux où les zones les plus sombres de votre peinture sont... où ils touchent les zones plus légères, ce sera la zone où votre œil est naturellement dessiné, des zones de contraste élevé avec les valeurs. Assurez-vous donc que ces zones de contraste élevé sont dans une zone focale de la peinture. En d'autres termes, le point focal principal et les fleurs, dans ce cas, il va zones de contraste élevé dans votre domaine principal. Ok, maintenant je suis revenu à mon jaune azoïque et à mon nouveau gamboge. Et j'insiste sur les pétales de la fleur. Et encore une fois, adoucissant certains des bords où les pétales jaunes touchent cette orange du centre de la fleur. Il est important d'avoir beaucoup de contraste dans votre peinture. Et non seulement le contraste entre les valeurs de la lumière et de l'obscurité, mais aussi le contraste des bords doux et durs. Et donc vous verrez plusieurs fois que je vais appliquer de la peinture, puis revenir avec un pinceau humide et juste retoucher le long du bord de cette peinture que je viens d'appliquer et adoucir le bord, ce qui lui permet de flotter. Je prends mon jaune Azo, remonte à ma fleur supérieure. Encore une fois, cette peinture au centre est encore humide. Donc quand je toucherai à peine le jaune contre ça, tu verras que ça va adoucir les bords. Maintenant, il est temps d'ajouter les feuilles vertes autour de chacune des fleurs. Puisque ces feuilles sont de forme ovale, il est vraiment facile de prendre mon vert, qui est un vert sève, et simplement poser la grande brosse à plume et j'utilise vers le bas sur son côté. Et il applique une peinture ordinaire dans une forme qui ressemble à une feuille, fonctionne assez bien. Il est souvent préférable de travailler avec le moins de coups possible. Qu' est-ce que je veux dire par là ? Si vous pouvez faire des coups de pinceau gras et créer une forme avec un trait. Beaucoup de fois c'est beaucoup mieux que de peindre, tamponner , tamponner, tamponner et utiliser beaucoup de coups pour créer une forme. Il est préférable d'être audacieux d'utiliser des traits simples autant que possible. Donc, pour ce faire, encouragez à utiliser toute la surface de la brosse. Utilisez toujours le pinceau le plus grand possible pour tout ce que vous essayez de peindre. Ne peignez pas avec de petits pinceaux qui vous obligent à faire beaucoup, beaucoup de coups. Au lieu de cela, utilisez un gros pinceau et utilisez moins de coups. 6. Peinture négative : Créez le POP des fleurs !: Dans cette étape de la peinture, nous allons utiliser une technique appelée peinture négative. La peinture négative est l'endroit où vous peignez les formes autour du sujet ou autour des formes principales. Donc, au lieu de peindre un pétale, ici, on peint autour du pétale. Et comme nous le faisons, le sujet principal, les pétales, commencent à émerger du papier et nous commençons à les voir plus clairement. C' est encore une fois, l'une de mes techniques préférées à utiliser, en particulier dans les peintures florales. Et je pense à ce stade de la peinture, que vous commencez à faire la peinture négative autour de vos principaux sujets. Le sujet commence à émerger du papier, commence à fusionner et à se réunir. Et vraiment, vous commencez à voir votre sujet beaucoup plus clairement. Donc j'utilise le vert sève ici et j'utilise mon pinceau plume. Je crois que c'est mon numéro 6 Dugato Et je fais une combinaison de bords durs et doux. Je peins mouillé sur sec à ce stade. J' ai laissé la peinture sécher avant de le faire parce que je ne veux vraiment pas que ces couleurs se fondent ensemble. En utilisant le côté de la brosse. Encore une fois, un peu comme je le faisais avec le feuillage dans l'étape précédente. Je pose juste le pinceau sur le côté et j'ajoute les formes. Et certains endroits que j'utilise une application beaucoup plus sombre de vert comme vous le voyez, j'ai fait là-bas et maintenant ramollir avec de l'eau douce, d'autres zones, j'utilise un vert plus léger. Je veux qu'il y ait un contraste de valeurs. Ensuite, je veux faire la différence entre les pétales individuels de la fleur. Donc j'utilise mon vert sève et je mets juste des lignes de couleur verte entre chaque pétale. Je ne veux pas qu'ils soient trop forts cependant, donc je prends de l'eau douce et adoucit et éclaircit ces valeurs. Dans la dernière étape, je veux ajouter un vrai jaune opaque fort. C' est comme tout jaune à mes fleurs et vraiment mettre l'accent sur certains des pétales. La bonne chose à propos aussi, jaune est qu'il est une couleur assez opaque. J' aime généralement utiliser des couleurs transparentes, mais parfois, être capable de prendre une couleur opaque, plus claire comme celle-ci comme un jaune, et l'appliquer sur les couleurs précédentes. Et vraiment obtenir une belle application opaque est vraiment utile. Encore une fois, je veux souligner ces pétales et comment ils chevauchent certaines des couleurs de fond. Et je peux le faire avec Azo jaune. Pour mon pinceau, j'utilise de gros coups audacieux. J' essaie de ne pas utiliser trop de coups. J' utilise encore un gros pinceau. Et je cherche vraiment à créer un style impressionniste et lâche cheveux. Et encore une fois, moins vous utilisez de coups et de coups plus audacieux, plus vous allez créer ce look. Nous approchons vraiment de la fin de ce processus de peinture. Maintenant, dans la dernière étape, nous allons juste mettre les détails finaux et notre signature et nous aurons fini. Voici la peinture finie. 7. L'étape finale: Félicitations, vous avez atteint la dernière étape de ce projet. Dans la dernière étape, allez de l'avant et ajoutez votre signature à votre œuvre. J' encourage toujours mes élèves à être fiers de leur travail et à y ajouter leur propre signature. Et une fois que vous avez fait cela, j'ai encouragé mes élèves à passer par un processus de réflexion en trois étapes. Tout d'abord, voyez le bon, nom, les positifs que vous voyez dans votre travail. Je pense que c'est vraiment important de le faire et de le dire à haute voix. Numéro 2 - fixer un objectif. Toujours fixer un objectif pour la prochaine peinture, quelque chose que vous aimeriez améliorer. Et enfin, numéro 3, partagez vos œuvres avec le monde entier. Vous pouvez partager en ligne, avec les médias sociaux, vous pouvez donner vos peintures loin. Il y a beaucoup de façons de partager votre travail. J' espère vraiment que vous avez apprécié ce cours et que vous en avez tiré quelque chose. J' adorerais que vous preniez une photo ou scanniez votre œuvre d'art et partagiez ici dans Skillshare dans le cadre de cette classe. Si vous le faites et si vous voulez une critique de votre travail, veuillez le dire. Et je suis heureux de vous faire part de vos commentaires sur vos progrès. Merci d'avoir fait partie de ce cours. J' espère vous voir dans l'un de mes autres cours de Skillshare très bientôt. Passez une belle journée.