Peinture de paysage abstrait numérique stylé dans Procreate

1. Introduction au paysage numérique numérique abstrait en Procreate: Salut les gars et bienvenue. Je m'appelle Dolores maintenant sprint et je viens à vous de Sunny, Manitoba, Canada. Cette boîte est la première que j'ai faite en utilisant Procreate. Alors j'espère que vous apprécierez. Nous allons produire le paysage. Et ça va être un paysage stylisé et produire une série d'abeilles pour la licence artistique. Et j'ai juste pensé que ce serait amusant de passer par ce processus ensemble. Si vous n'avez pas co-créer, vous serez en mesure de faire exactement la même chose dans n'importe quel programme pete que vous utilisez. Il peut s'agir de fresque, affinité ou même de Photoshop. Les concepts que je vais vous enseigner vous mèneront dès le début, étapes de planification, à droite, à une illustration finie. Je vais vous donner tant d'idées différentes. Ta tête va nager à la fin. La première chose que nous ferons est de faire des recherches sur le sujet. Nous allons regarder quelques artistes différents pour avoir une idée du genre de style que vous pourriez viser. Ensuite, je vais vous faire passer et nous utiliserons références photographiques pour créer un croquis. À partir de ce croquis, nous allons bloquer différentes valeurs sur un schéma de couleurs monochromatiques. Vous apprendrez donc tout à voir avec la valeur qui passera de valeurs très claires à très sombres pour produire un paysage avec beaucoup de dimension. Ensuite, nous allons ajouter un tas de détails. Je vais vous faire passer et vous montrer des exemples à nouveau. Et nous allons parler de quelques bonnes pratiques pour ajouter des calques et ajouter des textures pendant le processus sera certainement explorer les pinceaux Procreate. Et nous allons parler de contouring et d'ajouter la dimension pour vous faire rire ne peut pas vraiment intéressant. À la fin de la classe, vous devriez avoir fini l'illustration Pour au moins savoir comment en assembler un. Si vous avez entendu parler de ce cours par e-mail, merci d'avoir appuyé sur le bouton Suivre dans le passé. Si vous ne l'avez pas fait avant, c'est peut-être le bon moment pour le faire. Alors appuyez simplement sur ce bouton de suivi et vous obtiendrez toutes les informations sur mes cours que je les ai publiés et toutes les autres offres que je pourrais avoir. Êtes-vous prêt à commencer ? D' accord. Allons-y. 2. Présentation et discussion générale: Bienvenue à la leçon 1. Donc, moins d'un ici nous allons faire des recherches. Nous allons jeter un oeil à des artistes qui, à mon avis, sont une très bonne influence. Jennifer Lamar, Claire soutien de famille, Jane Newland, et quelques autres. Ok, donc je pense que je l'ai déjà mentionné, mais pour lui, j'ai récemment eu un nouvel agent, donc j'ai assigné, je suppose, mais il y a un mois, pendant toutes les choses mouvantes qui se passaient. Et l'une des choses que cet agent couvre que l'autre agent n'a pas été la conception de motif de surface. Et en particulier, l'une des choses qu'elle demande est des paysages à utiliser pour des énigmes. Je n'ai pas fait beaucoup de paysages par le passé, donc j'ai fait beaucoup de recherches en essayant de décider quelle direction je pourrais aller dans le style. Donc, je vais vraiment vous guider à travers un peu de ce que j'ai fait comme un processus pour trouver ce que mon style pourrait être. Et une des choses que j'ai faites était d'aller à Pinterest, bien sûr, et j'ai cherché de la peinture abstraite, des paysages. J' ai aussi fait la même chose. Juste en regardant en allant à mon navigateur et en tapant abstrait peint un paysage ici aussi bien. Et juste une sorte de parcourir ce que j'ai vu venir là-haut. J' aime vraiment ce genre de style, mais je ne savais pas si ce serait assez de détails pour des puzzles parce que l'une des choses que mon agent a dit était le plus de détails possible pour un puzzle. Donc, vous savez, c'était en quelque sorte faire du shopping pour, je suppose, pour différentes techniques ou idées de techniques. Et j'ai atterri sur quelques artistes que je veux vraiment partager leur travail avec vous. L' un d'eux ici, Claire Brahman enseigne aussi 100 Skillshare. Ironiquement, la peinture traditionnelle réelle. Ses cours valent certainement la peine de prendre juste pour l'information pure sur les techniques et juste une sorte d'information générale sur la peinture abstraite. Elle était donc l'une d'entre elles et l'autre était Jean Newland. J' ai vraiment aimé son genre de travail. Cela s'est passé super, super stylisé et beaucoup de détails. Donc, il pourrait imaginer faire ça comme un puzzle. Donc entre elle et Claire, une partie du gros travail, figure des vignettes de son travail. C' est une artiste dont le style a vraiment évolué. C' était donc une très bonne exploration, voyant tout ce qu'elle a fait au fil des ans. J' ai regardé une vidéo rapide d'elle en vedette dans un talk-show et elle parle vraiment de la façon dont elle a progressé au fil du temps. C' était donc une très bonne expérience de mettre le lien dans le matériel du cours afin que vous puissiez aller regarder de plus près le style fiscal. Regarder d'autres artistes et comment leur travail évolue est une excellente façon penser comment vous voulez progresser dans votre développement et votre processus. Et l'une des choses que je fais quand je suis dans mon navigateur, juste pour vous faire savoir que je clique sur Outils ici et je vais à la taille et le mettre sur grand. Et puis de cette façon, quand j'ai ces miniatures ici, elles sont vraiment très concentrées et vous pouvez vraiment voir les détails. De toute façon, j'ai fini par en sauver quelques-uns dans mon tableau Pinterest. Et quand je regardais ces deux autres artistes, je suis aussi tombé sur cet artiste chance lean. Donc, le travail des chances est aussi quelque chose qui me plaît vraiment. Donc juste en regardant les styles ici et en essayant de décider comment j'allais faire mon travail. Et puis je suis allé le chercher, je monté sur mon iPad et j'ai commencé à expérimenter. Alors ce que cette classe va vous montrer mon processus pour produire mes soumissions pour une utilisation possible comme puzzles ou autres applications de conception de motifs de surface. Peut-être quelque chose comme un drapeau ou des oreillers. Qui sait ? Je suis toujours à ce stade de soumission. Donc il n'y a aucun moyen de savoir où ça va aller. Mais je pensais que ce serait une excellente façon de partager toute cette aventure d'essayer de trouver un style ou d'essayer de développer un style. Dans la prochaine leçon, je vais vous parler de l'esquisse et de la préparation que j'ai faite. Alors je te verrai là-bas. 3. Croquis et préparation: Salut les gars, bienvenue à la leçon 2. Dans la leçon 2, nous allons obtenir des références photographiques et ensuite nous allons commencer notre travail de croquis et de préparation. Mettons-y directement. Donc, avant d'entrer dans le dessin initial réel dans la planification de mon document sur l'iPad, je suis ici dans mon navigateur juste pour vous donner quelques idées de ce que nous essayons de faire. Donc, la chose importante que nous allons avoir besoin est de trouver ou de comprendre les tons de notre peinture. Je vais probablement le faire presque monochromatique pour ce premier juste pour être capable de vraiment frapper ce point à la maison avec toi. J' ai donc trouvé quelques très bonnes références et je les ai ajoutées à la documentation du cours. Et celui-là, je pense, était la meilleure pour illustrer exactement ce que nous ferions. Donc on va avoir une photo. Nous allons y jeter un coup d'oeil et nous allons le décomposer en différents domaines de ton. Donc, ce domaine est très bon à montrer à titre d'exemple, c'est le genre de chose que je vous suggère de chercher, surtout pour ce premier projet que vous faites. Et c'est quelque chose qui a beaucoup de valeurs tonales différentes. Donc, vous pourriez facilement compter environ 10 ici. Je vais vous montrer la ventilation et vous pouvez voir les différentes valeurs ont été vraiment isolées du détail. Donc, il est très facile de se faire attraper avec une image colorée et de penser, oh, cette couleur est magnifique et agréable, devrait ajouter cette couleur. Mais si vous le décomposer aux tons, vous allez probablement être en mesure de faire ce projet assez facilement. En fait, je fais ça avec mes élèves au lycée et on créerait l'échelle de valeur. Donc, nous ferions le mélange de la page. Nous aurions une sorte de valeur moyenne, blanc et noir et faire tout le mélange entre les deux. Et puis je leur demandais de tracer la photo et de montrer toutes les différentes zones, toutes les différentes tonalités, puis de les numéroter en fonction de leur échelle de valeur. Ensuite, utilisez la balance comme guide pour PTH. Donc c'est exactement ce qu'on va faire. C' est un peu cool, même en le faisant juste le noir et le tard, en le réduisant à être absolus. Mais je suppose que ce sont les exemples les plus pertinents. Donc c'est comme ça que nous allons travailler. Je vais aller dans Procreate maintenant sur l'iPad. Et je m'excuse à l'avance si vous entendez du bruit en arrière-plan. Il y a encore des constructeurs ici qui travaillent à l'autre bout de la maison. Je vais aussi m'excuser parce que c'est la première fois que je fais ce genre d'installation ici et donc je ne suis pas sûr de savoir à quel point ça va fonctionner. Mon son est probablement différent parce que j'utilise un dispositif d'entrée sonore complètement différent. Hey, comment sont vos photos que je pensais en quelque sorte envisagent pour ce projet. Et la principale chose que je cherchais est des zones de valeurs différentes. Donc ici, il y avait beaucoup de tons moyens sombres et légers. Quelques très bonnes idées sur la façon de composer mes œuvres d'art ou des lumières pour celle-là. Celui-ci aussi, parce qu'il avait beaucoup de valeurs différentes que je pouvais faire ressortir. J' ai décidé contre celui-ci, j'ai eu un pourquoi. Et c'est celui que j'ai fini par choisir pour ce projet particulier. J' ai vraiment senti que celui-ci était bon parce qu'il avait un vrai comme une source de lumière de cette fin, des zones très lumineuses et des zones vraiment sombres. Donc c'est celui que j'ai fini par choisir. Donc, un peu comme un exercice amusant, je l'ai pris dans l'application Photoshop Express et j'ai expérimenté pour le changer en noir et blanc droit. Donc beaucoup de choix différents ici. Maintenant, je l'ai fait pour que je puisse vraiment jeter un oeil aux valeurs. Et si j'avais une imprimante qui fonctionne en ce moment, je l'aurais imprimé pour l'utiliser comme référence. Je n'ai pas d'imprimante qui fonctionne, donc j'ai en quelque sorte ignoré la partie du processus, mais c'est quelque chose que vous pourriez facilement faire dans Photoshop. Quoi qu'il en soit, j'ai fini par prendre juste ma photo couleur. J' aurais pu sauver celui-là, mais j'ai pensé vous montrer ce que la photo couleur et je vais vous emmener dans Procreate maintenant et vous montrer les étapes que j'ai prises. Donc, je ne recommande généralement pas le traçage parce que vous pouvez devenir vraiment paresseux et ne pas faire votre propre dessin. Mais je me suis dit pour la première fois que ce ne serait pas une mauvaise idée parce que cela pourrait m'aider à vraiment vous montrer les différents domaines de valeur plus facilement. Et puis certains des changements que je ferais pour ne pas enfreindre les lois sur le droit d'auteur ici, je vais apporter un certain nombre de changements à cela, mais j'ai déjà commencé par tracer certains des domaines de valeur et peut-être certaines des choses que j'inclurais dans ma finale. Donc vous pouvez voir ici que c'est une zone très sombre ici. Nous avons une surface moyenne ici, beaucoup de changements de valeur ici avec ces arbres. Je sais que je veux inclure un tas de troncs d'arbre et d'autres choses. Donc je viens de choisir un crayon doux du croquis, ce crayon six B. Et puis je passais rapidement à travers eux noirs et rugueux dans certaines des choses que je voudrais inclure dans ma finale. J' ai donc traversé tout ce processus. Je vais vous montrer le croquis fini avec lequel j'ai fini. Donc, vous pouvez voir sur la photo originale que j'ai éliminé le lampadaire. J' ai rendu cet arbre beaucoup plus grand. Je vais ajouter, je pense que quelque chose comme des rochers ou des buissons ici juste pour briser cette zone dans le petit peu frontal. Et j'ai commencé à tirer certaines de ces différentes valeurs. Ce que j'ai fait, c'est que je réduis l'opacité sur cette image. Il est verrouillé en ce moment, mais je vais le déverrouiller, frapper ce petit N et vous pouvez travailler à réduire l'opacité. Donc ce serait probablement un bon endroit pour avoir eu cette image en noir et blanc parce que réduire l'opacité, je serais toujours capable de voir mes valeurs. Maintenant que je l'ai réduit, c' est un peu plus difficile de vraiment comprendre les différentes valeurs, mais je pense que ça va marcher pour moi. Laissez-moi passer à travers et assombrir certaines de ces zones ou vous montrer les différentes zones que je vois. Je vois une très grande zone d'identité noire ici. Donc, je voudrais probablement en quelque sorte dessiner ça. Je montrerais certainement des zones plus sombres où il y a chevauchement. Donc vous pouvez voir ici qu'en ce moment je suis sur la mauvaise couche, C'est pour ça que j'ai l'habitude de passer et de verrouiller. Donc je vais annuler ces quelques petites lignes que j'ai dessinées. Je pouvais dire que c'était sur la mauvaise couche parce qu'il n'y avait pas de noir pur. Et c'est parce que j'ai la capacité réduite ici car je vais verrouiller cette couche et retourner à ma couche d'esquisse ici et juste une sorte de ruffians certaines de ces petites zones. Je pense que ce que je ferais c'est cette région ici, je ferais probablement bien sûr toute cette région ici et derrière ici. Donc généralement à ce stade, ce que je commence à faire est que je commence à gribouiller dans ces zones de lumière et d'obscurité pour sélectionner peut en quelque sorte obtenir une idée. Alors j'ai traversé et fait tout ça. Je vais cacher mon image à ce stade. Et vous pouvez voir ce que je commence à planifier. Et à tout moment, vous pouvez désactiver votre référence, puis décider simplement des zones d'obscurité et de lumière que vous pourriez vouloir avoir. Comme, je pense que je vais vouloir avoir des zones ici plus sombres, différemment sous ou partout où il y a une sorte de chevauchement qui voudrait aller assez sombre. Et puis ce que j'ai fait, juste pour être en mesure de vous illustrer un peu mieux c'est que je suis allé à un autre pinceau complètement. Et j'ai commencé à ajouter des zones d'ombre très profondes. Peu importe lequel, lequel des outils que vous utilisez pour cela, n' importe lequel, quel que soit le pinceau que vous trouverez vous donne ce sombre. Et ce que j'aime, c'est que si je n'appuie pas trop fort, je peux obtenir des changements de valeur. Donc celui-ci est en fait un assez bon pastel doux. Similaire. Trouve lequel c'était pourtant. Eh bien, restons avec ce pastel. Il semble fonctionner le mieux. Donc, j'y vais et je planifie en quelque sorte mes changements de valeur dans ces domaines. Et vous commencez à obtenir l'image de votre éclairage lorsque vous faites votre peinture. Donc, cela fait une grande référence à ce que je fais habituellement quand je les ai tous ensemble. Je les mets dans un dossier ou une couche par eux-mêmes. Donc, vous pouvez le faire en le saisissant et en le déplaçant et en l'empilant avec un autre, puis cela fera un nouveau groupe. Alors remets-le. C'est prêt à partir. Et ce que nous allons faire dans notre prochaine leçon maintenant, c'est commencer à planifier nos couleurs. Et nous allons aussi réduire nos choix de pinceaux, et nous allons créer un nouvel ensemble pour loger ces pinceaux. Bon, donc je te verrai dans la prochaine leçon. 4. Créer la palette tonale: Salut les gars, bienvenue à la leçon 3. Donc, dans la leçon 3, nous allons créer notre palette. On va s'en tenir à un schéma de couleurs monochromatiques. Et je vous expliquerai tous les détails en cours de route. Commençons. Ok, donc la première chose que nous voulons faire maintenant est de créer une échelle de valeur de couleur. Et j'ai choisi une sorte de bleu sarcelle pour cette illustration particulière. Alors je suis allé voir mon sélecteur de couleurs ici. Maintenant, vous pouvez utiliser soit ce type classique de sélecteur de couleurs, soit vous pouvez utiliser le disque. J' utilise habituellement le disque lorsque je sélectionne la couleur initiale. Disons que c'est la couleur approximative que je voulais ici. Ensuite, vous pouvez facilement choisir les valeurs à partir d'ici. Bien que je trouve plus facile de choisir les valeurs sur le sélecteur de couleur classique, parce que vous pouvez le voir en un coup d'œil, le tirant de cette façon vous donnera les valeurs plus sombres. En le tirant de cette façon, il vous donnera les valeurs plus légères. Vous pouvez ajouter plus de blanc et vous pouvez ajouter plus de noir. C' est donc un excellent moyen de créer cette échelle de valeur. C' est exactement ce que j'ai fait ici. Donc, je choisirais une couleur que je cliquerais ici pour créer l'échantillon. Et puis j'ai pu les réorganiser, tenir dessus et faire glisser. Vous pouvez en fait le coller partout où il doit se trouver dans votre balance. Maintenant, évidemment, j'avais à peu près cette couleur. Donc, ce que je ferais est juste de cliquer dessus et de cliquer sur Supprimer. Et je pense que je suis heureuse pour mes besoins, j'ai tout ce dont j'ai besoin. Donc, vous pouvez voir ici que j'ai réellement créé quelques échantillons ici qui ne sont que des valeurs grises. Et puis j'ai six ou sept nuances différentes intenses la couleur. Et puis j'ai pensé à mon bloc pur. Donc les nuances sont tout ce qui a bloc ajouté, tendu ou tout ce qui a un blanc ajouté. Maintenant, je suis prêt à commencer mes peintures. Donc, ce que je fais généralement, c'est que je verrouille ces couches ici. Donc nous allons passer par des diapositives à gauche, puis je choisis une des valeurs et je commence à peindre. Maintenant, une autre chose que je fais pour le rendre plus facile est que je les mets au-dessus de la couche sur laquelle je vais peindre. Donc, j'ajouterais un calque et verrais ici qu'il est complètement séparé. Et puis je commencerais à bloquer mes différentes valeurs. C' est donc à vous de décider si vous voulez commencer avec les valeurs les plus légères, si vous voulez commencer avec les valeurs les plus sombres. J' ai ma palette ici. Au fait, j'ai pu nommer que quand je suis allé dans les palettes ici, vous pouvez simplement double-cliquer sur l'étiquette. Ça dit sans titre et je l'ai renommé. Et quand je reviendrai à mes sélecteurs de couleurs, importe ce qui importe, la palette apparaîtra ici. Maintenant, je vais effacer tout ça. Il y avait un autre projet sur lequel je travaillais et oui, donc je vais commencer à bloquer dans mes zones. Je trouve plus facile de bloquer d'abord dans les zones les plus sombres. Donc je pense que je vais juste commencer par mon plus sombre autre que le bloc. Donc je vais sauver le noir pour la fin. Et nous commencerons par celle-là. Maintenant, l'autre chose que j'aime faire est de faire un dossier et de mettre tous mes pinceaux que je vais utiliser dans un seul groupe. Donc les brosses principales que je vais utiliser, et ce ne sont que des pinceaux par défaut ici, non ? Dans Procreate, je vais utiliser le pinceau de règle Nikko, qui a une belle texture. Alors je vais te montrer ici. Il y a une belle texture intégrée, ok ? Et je vais l'utiliser pour un pourcentage assez important de ma peinture ici. Je vais donc ajouter un nouveau groupe. Donc la façon dont tu fais ça, c'est que tu descends ici et que tu peux voir le signe plus ici. Maintenant, je vais appeler cette coutume, et maintenant je peux commencer à ajouter mes pinceaux. Donc, pour l'instant, nous allons juste ajouter cette règle Nikko. Vous pouvez simplement tenir le pinceau et le faire glisser et vous pouvez voir qu'il s'agit d'un signe plus, donc il en fait un double dans ce dossier, assurez-vous que vous tenez. Et puis quand vous arrivez à l'ensemble personnalisé ici, assurez-vous de tenir jusqu'à ce qu'il s'ouvre et ensuite vous pouvez le déposer là-dedans. Maintenant, si vous revenez à l'ensemble de peinture ici, vous verrez que l'original est toujours là, donc il a fait un double, et maintenant nous sommes prêts à commencer à peindre. Donc, nous avons ce que le plus sombre et la plus grande valeur. Et encore une fois, je vais juste faire ça à peu près comme ce que j'ai fait ici à l'origine. Parce qu'en ce moment je bloque juste dans ma couleur. Alors décidez de la taille de la brosse que vous voulez. Et avec ces brosses texturées, en fonction de la force que vous pressez, vous remplissez davantage de texture. Alors je vais y aller et je vais faire cette zone belle et sombre. Un peu moyen, sombre. Mon pinceau un peu plus petit, mettre un peu sombre dans ces zones. Et je veux en mettre quelques, je suppose que je vais leur faire buissons et un peu plus arrondis et un peu plus sombre. Partout où il y aurait eu une sorte d'ombre ou où j'imagine une ombre. Rappelez-vous que ma source de lumière venait de cet angle. Si vous revenez à la photo et jetez un coup d'oeil, déverrouillons cela et rendons l'opacité totale pour que vous puissiez voir, je fais glisser pour que je puisse le déplacer vers le haut. Vous pouvez voir que c'est un peu plus léger dans ce domaine ici. Ainsi, vous pouvez voir que les ombres sont sur le côté gauche. C' est ce que je veux faire quand je planifie mes zones claires et sombres. D' accord. Donc, dissimulons simplement ça à nouveau pour que je ne colore pas accidentellement un médaillon. Et je vais continuer avec cette couleur plus foncée sur le bon calque. Et puis il me fait être un peu ici, va devenir plus petit ici le long de ce bord ici. Et je vais passer à ma prochaine valeur, qui est celle-là. Où que je le veuille, je vais en faire une partie pour que je sache quand je vais faire ma dernière peinture, que c'est ce que j'avais prévu parce que je vais éteindre tout ça référence quand je fais le genre de travail final. Donc, à ce stade, je me donne juste des indices. Je suppose que tu dirais que quand je fais ma peinture, je n'ai pas à me référer tout le temps. Donc vous pouvez voir que je vais me construire lentement de l'obscurité à la lumière. Je pense en fait que celui-ci serait faux parce que j'ai que le contraire de ce qu'il devrait être sous échantillon cette couleur. C' est une autre façon de saisir votre couleur en maintenant simplement votre doigt vers le bas ou votre stylet vers le bas sur la couleur que vous voulez. Et je vais mettre de ce côté ici. Et puis en fait, je vais aller à l'une des valeurs plus légères. Non, je me souviens que je le fais. Donc oui, je me donne juste ces zones d'ombre pour que quand je fais ma finale, elles soient toutes là. Ils n'ont pas à y penser trop. À ce moment-là, vous verrez à quel point cela est vraiment utile lorsque vous faites réellement ce tableau pour vous-même aussi. Vous n'auriez pas eu à faire ça. Je trouve qu'il est utile de l'avoir, mais vous pouvez aussi simplement travailler ici en faisant glisser ceux-ci. Je trouve juste que c'est généralement un peu plus cohérent quand vous avez les différents échantillons pour travailler avec eux, ce qui était que j'étais probablement sur celui-ci, mais je vais maintenant passer à celui-ci ici. Vous pouvez choisir lentement , vous commencez à avoir la photo ici. Si je devais désactiver toutes mes références, vous pouvez voir que j'en ai commencé une partie en ce qui concerne la planification. Et après avoir traversé et fait un tas de choses, votre couche ressemblera plus à ceci. Donc c'est à peu près la prochaine étape où nous commençons à ajouter un peu plus de détails réels et les amener à réelle lui ressemblent à des arbres. Donc, c'est à peu près la fin de la préparation. Et la prochaine leçon portera sur l'ajout de la dimension et des textures à nos composants réels ou à la composition réelle. Alors je te retrouve dans la prochaine leçon où on va faire ça. 5. Peindre le mélange, le détails et la progression: Ok, donc c'est là qu'on l'a laissée à la fin de la dernière leçon. Il y a quelques choses que je veux commencer avant d'entrer dans mes détails. Et puis l'une des choses que je vais faire est de passer à l'enregistrement d'écran. Donc tu ne me verras pas sur le chemin avec mon stylet et ma main. Et cela me permettra d'aller m'asseoir un peu dans un endroit beaucoup plus confortable. Donc ce que je voulais vous montrer, c'est mettre en arrière-plan. On aurait pu commencer avec ça. Donc ce que je veux vous montrer, c'est la couche de base. Je vais aller dans ma galerie et vous montrer l'autre que j'ai fait, et je l'ai déjà aplatie. Mais je suis sûr que vous pouvez voir regarder à travers ici est une sorte de ton plus sombre que j'ai utilisé comme un sous-tableau. Revenons rapidement à cette œuvre d'art et nous le ferons aussi ici. Donc, tant que le calque est en dessous de celui sur lequel nous travaillons, je vais frapper ce calque 4 que j'ajoute, et cela le met correctement là où je le veux. Cachons celle-là pour l'instant. Et je pense que je vais toujours utiliser cette règle Nikko. J' espère que je prononce ce droit. Mais la règle des Noirs est très agréable. Et puis on va utiliser un peu de mélangeur. Donc, ce serait là que j'ajouterais d'autres pinceaux à mon ensemble personnalisé. Maintenant, la raison pour laquelle je fais cela, créer cet ensemble personnalisé est que généralement pour la licence artistique. Si je dois faire un de ces trucs, je vais en faire 10. Il est donc très pratique pour moi de ne pas avoir à aller constamment dans ces différentes catégories pour trouver ce que je veux avoir tout juste là où j'en ai besoin. Revenons à notre ton le plus sombre ici. Et ce que je fais souvent, je pense à peu près toujours faire vraiment, c'est un sous-tableau qui mélange beaucoup de tons différents. Je trouve que cela ajoute vraiment beaucoup d'intérêts. Je vais vous donner un petit peu d'une démonstration avec une autre récente en quelques minutes afin que vous puissiez voir comment la sous-peinture peut vraiment affecter l'apparence globale après avoir ajouté les autres calques de détail. J' ai donc cette couleur définie et c'est un peu ennuyeux à ce stade d'aller et venir et d'ouvrir cette palette. Donc, ce que j'aime faire est de l'attraper ici en haut et juste le traîner avec pour que c'est vraiment pratique. Alors, je fais un peu mon chemin. Parfois, j'ajoute un peu au milieu, mais j'ai travaillé à ma façon. Je suis généralement sombre à la lumière, sombre à l'extérieur et je travaille ensuite vers la lumière. Cela peut être fait de tellement de façons différentes. C' est totalement à vous de décider, mais parfois ils deviennent un peu plus neutres avec la couleur. Donc, j'ajoute un peu de note et j'ai essentiellement essayé de couvrir la plupart du blanc. Vous n'avez pas besoin d'être parfait avec ça parce qu'on va aussi faire un peu de mélange. Donc, ce que j'aime faire pour le mélange, c'est que j'aime utiliser ma peinture à l'huile. J' ai des pinceaux à l'huile ici. J' ai fait celui-ci ici en dupliquant celui-ci et en apportant quelques modifications à certains des paramètres. Cette classe ne couvrira pas du tout les paramètres du pinceau. Ce que je fais est, comme je l'ai dit, maintenez-le enfoncé et faites-le glisser dans ma catégorie personnalisée. Bien sûr, vous attendez qu'il ouvre 0, 1 et supprime. On y va. Et j'aime utiliser celui-ci pour certains de ce mélange parce qu'il fait cette grande sorte de tirer d'une couleur dans l'autre que j'aime vraiment. Si vous jetez un oeil aux cours de Claire Bruckner que j'ai mentionnés au début de la classe. Vous verrez qu'elle fait ça et qu'elle ne demande pas vite, sinon plus vite que je suis ici, et c'est vraiment un effet soigné. Beaucoup de fois en fait, elle a une partie de cette exposition comme partie principale de son image. C' est donc une bonne chose que vous pouvez apprendre en regardant quelqu'un qui est juste un très grand peintre acrylique. Donc, vous pouvez entrer et faire des trucs vraiment soignés ici pour cette teinte vraiment brillante aussi. Donc j'ai un peu de ça maintenant mis en arrière-plan. L' autre chose que vous pouvez faire, c'est que vous pouvez utiliser vos mélangeurs et fermons simplement cette pastille avec le mélangeur. Tu choisis le pinceau. Et encore une fois, vous pouvez choisir dans n'importe quelle catégorie de pinceaux. Essayons juste le mélangeur à taches. Je ne pense pas que c'est un que j'utiliserais, mais on va juste l'essayer, obtenir vraiment grand et c'est soigné. Je veux dire, ce n'est pas ce que je veux pour ça, mais vous pouvez aussi bien sûr, retourner à la brosse exacte que vous utilisez. Donc je pourrais aller à la règle Nikko ou je pourrais aller à la peinture à l'huile ou peut-être même à l'un de ces pinceaux pour le mélange. Et cela peut même apporter une autre dimension de texture et d'intérêts. Alors rappelez-vous que cela va être en arrière-plan derrière votre peinture de toute façon, pour l'instant, quand nous montrons où une peinture vous pouvez voir maintenant comment cette couleur de fond, cela affecte vraiment ce que vous voyez au premier plan. Donc maintenant je pense que ce que je voulais alléger cette section centrale un peu plus. Alors je vais le faire. Je garde à l'esprit que j'ai eu cette zone vraiment lumineuse et la source de lumière vient juste à travers et puis une zone sombre qui vient juste à travers dans mon original. Allons donc dans nos valeurs ici pour un ton médian et je vais revenir à cette règle Nikko. Donc je suis un peu en train d'éclaircir ça. Et puis je vais goûter cette couleur et peut-être m'assombrir dans la zone ici. C' est probablement un peu trop parfait, mais allumons cela parce que vous pouvez le faire travaillant sur cette couche tout en regardant cette couche ici. Gardez cela à l'esprit car maintenant vous pouvez voir que je colorie sur le calque droit, le calque d'arrière-plan, mais je peux voir comment cela va fonctionner en conjonction avec ce calque de premier plan. Donc je pense que je vais y aller assez tard. Pour que je puisse aller à l'une de mes valeurs plus légères ici. Je vais aller dans une sorte de lumière ici parce que je garde à l'esprit ce que cette photo avait, une sorte de zone lumineuse, beaucoup de lumière autour de cet arbre là-bas. Revenons à la couche. Éteignez ça. Et je vais le mettre un peu tard ici. Donc je pense que c'est assez décent pour que je commence à faire mon time-lapse des détails. Tu me verras travailler avec le même pinceau et je vais faire beaucoup d'ajustement aussi loin que la taille va. Et vous me verrez revenir fréquemment à ma référence pour vraiment avoir l'idée correcte. Et puis vous verrez que j'ai travaillé mon chemin à travers mon laps de temps. La progression des détails. Et puis vous verrez beaucoup de mélange. Mais je le fais, pour qu'elle ressemble plus à cette image de galerie que j'avais sauvegardée. Donc c'est un peu ce que nous visons. C' est ce que nous avons en ce moment. Allons me prendre un peu de temps pour faire ça. Alors je vais aller me mettre à l'aise. Donc nous allons commencer à entendre ce que j'ai, c'est un tas de zones plus grandes. J' ai réactivé mon contour afin pouvoir l'utiliser comme guide pendant que je passe et dessine ici. Donc je bloque dans tous les arbres. Parfois, ce que vous voyez est un je passe au-delà de la ligne dont j'ai besoin et puis je retourne avec quelque chose au premier plan pour juste lisser les petits détails supplémentaires que j'ai ajoutés. Pour que je puisse chevaucher un tronc d'arbre directement dans le feuillage, puis revenir en arrière et alléger ou dessiner sur le bord du feuillage pour nettoyer mes bords. Parfois, tu me vois complètement peindre quelque chose et tu penses probablement, pourquoi elle ferait ça ? Mais beaucoup de fois, il est juste plus facile d'avoir le grand fond solide et de venir ensuite avec les éléments de premier plan qui sont soit plus clairs ou plus foncés. Et vous remarquerez que j'ai la plupart du feuillage mis en évidence sur le côté gauche et beaucoup de branches d'arbres. Je le ferai aussi. Eh bien, voici une zone où j'ai passé le bord avec mes troncs d'arbre et ensuite je les nettoie en faisant le feuillage sur le travail. Et comme je progresse maintenant, j'ajoute de plus en plus de détails, plus en plus de branches. Je me mélange beaucoup au fur et à mesure que je vais. Je bloque beaucoup de cette couleur en ce moment en arrière-plan. Je pourrais attendre et ensuite jeter un oeil à la montre. Mon autre calque d'arrière-plan a, et cela pourrait suffire. Parfois, je juste aplatir les deux couches ensemble en ce moment, puis j'y vais et je fais tous ces détails supplémentaires. Donc, c'est vraiment une question de flux de travail et comment vous aimez travailler. En fait, ça bouge beaucoup plus vite que je ne le pensais. Principalement parce que j'ai bloqué dans beaucoup des couleurs principales à l'avance. Donc ici, vous me verrez revenir en arrière et mettre ces faits saillants. Jouer un peu avec mon espace négatif. Ils sont autour des arbres essayant de décider où je veux que le mélange soit entre la lumière et l'obscurité et comment je veux que la lumière frappe certains de ces arbres. J' ajoute de la profondeur en ajoutant de plus en plus d'arbres entre les plus grands arbres. Et notez que les avoir des tons différents donne beaucoup plus de profondeur. Donc plus sombres vins plus tard, juste une variété de sorte qu'il semble vraiment que certains d'entre eux sont plus loin. Si je veux une ligne vraiment droite, je commence la ligne, dessine toute la longueur, puis je la tiens. Et ça me donne une ligne verticale parfaitement droite. Ça commence vraiment à ressembler à une forêt, je crois. Essayer de décider où ce pouvoir devrait aller. Une sorte de éliminé la route que nous avons vu sur la photo principale. Je pense que dans l'ensemble, je suis prêt à réfléchir à mes prochaines étapes ici. Ok, donc en regardant ça maintenant, je pense que je dois m'arrêter et me regrouper un peu. Je vais ajouter ce contexte là pour avoir une bonne idée de l'aspect de ma profondeur. Et je veux voir à quoi ressemble ce chemin. Je peux ajouter d'autres éléments de premier plan ici. Je dois travailler sur ces petits buissons. Je pense que dans l'ensemble, j'ai capturé cette profondeur que je cherchais et beaucoup de dimension ici. Donc je vais prendre un peu de temps en dehors de la caméra pour faire un peu ce travail et je reviendrai vers vous dans la prochaine leçon et vous montrer ce que j'ai fait. Et puis nous allons probablement commencer à parler du travail de détail que nous pourrions vouloir ajouter. Donc, en regardant mon autre fini, ce que je veux faire dans les prochaines leçons, c'est parler de tous ces détails que j'ai fait et ajouté afin d'améliorer vraiment le look final de celui-ci. D' accord, donc je te verrai dans la prochaine leçon. 6. lmproving et Finaliser la composition: Donc nous en sommes maintenant au point où nous allons vraiment ajouter certains de ces trucs de premier plan vraiment intéressants qui se passent. Commençons. Ok, donc je me suis arrêté pour jeter un oeil à ma peinture ici. En fait, j'ai pris une pause pendant la nuit et ai vraiment regardé ce matin quand j'ai décidé de revenir sur mon enregistrement ici. Ce que j'ai fait, c'est que je suis entré et j'ai revu ma référence. Et je peux voir quelques choses que je veux changer dans ce domaine. Mais le plus important est de vouloir changer ce qui se passe ici au premier plan. Donc, je viens rapidement, J'ai jeté un peu d'un croquis ici et en fait même bloqué dans un peu de la couleur ici. Donc je vais ajouter un tas d'arbustes, je pense à l'avant ici. Je vais probablement faire quelques rochers parmi cela aussi, et juste un type général de changements globaux à la façon dont cela ressemble. Donc je vais faire un autre time-lapse où vous pouvez me regarder pendant que je vais faire ces changements. Et s'il y a quelque chose d'important, bien sûr, je vais faire une petite voix avec, mais j'ai pensé que ça pourrait être amusant de vous montrer aussi un peu de choses que vous pouvez faire avec ce sous-tableau que vous avez. Donc c'est le sous-tableau. J' en ai fait un duplicata, donc je suis allé sur le calque d'origine, j'ai frappé Dupliquer. Et je veux que vous jetiez un oeil à ce que j'ai fait ici avec les modes de fusion. Juste pour voir comment cela pourrait ajouter aux intérêts généraux de ce que je fais. Donc, si vous n'avez jamais joué avec les modes de fusion, c'est le meilleur moment pour le faire. Vous savez, pour jeter un oeil à quelque chose comme ça et vous demander comment vous pouvez améliorer votre texture globale peut être ou votre couleur. Et ce que j'ai fait, c'est que j'ai mis ça dessus. Jetons juste un coup d'oeil avec rien. Donc c'est normal. C' est exactement à quoi ressemblait cet arrière-plan fini. Et puis vous pouvez commencer par le haut et travailler votre chemin vers le bas. Et bien sûr, certains d'entre eux sont vraiment, vraiment sombres. Et cela peut être ajusté par la suite en utilisant vos autres réglages tels que Teinte et Saturation et Luminosité. Mais faites juste votre chemin à travers ces et juste un peu jeter un oeil à quelques-unes des choses vraiment cool que vous pouvez faire juste avec ce mélange de cette seule couche. Donc ce que j'ai fini par aimer le plus avec la lumière douce, mais aussi j'ai fait comme la façon de multiplier ajouté tellement de la texture. Donc multiplier serait un bon à expérimenter maintenant avec les ajustements de couche. Donc, disons que nous allons dans la teinte et la saturation, et bien sûr nous voulons le faire sur la couche. J' ai donc le mauvais calque sélectionné. Oui, je le sais. Sélectionnez cette option, puis accédez à votre teinte et à la saturation et à la luminosité de votre couche. Et jetez un oeil à ce que font les ajustements. Et regardez comme ce serait amusant d'expérimenter certaines de ces autres teintes avec cette superposition. Je veux dire, c'est un peu un schéma de couleurs très soigné aussi, surtout s'il était saturé. Donc c'est quelque chose à expérimenter. Donc je vais annuler ces quelques robinets ici, le ramener à la normale. Et je voulais juste vous montrer un autre mode de fusion qui était vraiment cool et qui était différent. Maintenant, c'est vraiment ennuyeux ici, mais en ce moment, je n'ai que l'opacité à 43 %. Mais regardez ce qui se passe quand on augmente l'opacité. Et vous pouvez voir à quel point c'est absolument intéressant avec la différence. Parce que ce que ça fait, c'est qu'il combine, je ne me souviens pas exactement. Je pense que ça donne le contraire de quelle que soit la couleur. Donc, ce serait une couleur parfaitement complémentaire et puis il mélange les deux dans les taches. Et j'ai vraiment adoré la façon dont cette lumière jetait un coup d'œil ici à l'arrière. Et bien sûr, vous pouvez toujours aller à vos ajustements. Luminosité ou obscurité. Expérimentez avec une saturation, expérimentez avec la teinte. Donc j'aime vraiment bien celui qui serait certainement intéressant. Et je pense qu'il faudrait faire un peu plus d'ajustement des valeurs. Mais ce que nous pourrions faire est alors de combiner les deux ou trois couches que nous voulons et de faire quelques ajustements sur eux au fur et à mesure qu'ils sont combinés. Donc je ne sais même pas comment je vais, ce que je vais finir avec ici. Essayons en fait des courbes. C' est pourquoi l'expérimentation est si importante car qui sait ce que vous pourriez découvrir ici ? Votre look pourrait être si affecté par cela, mais c'est peut-être ce qui rend votre technique différente, même si vous avez regardé une autre technique par opposition, faire quelque chose comme ça pourrait tout changer et la rendre absolument unique pour vous. Donc je veux juste partager ça. Je ne suis même pas sûr lequel je vais utiliser à la toute fin de mon projet pour décider du look que je veux. Mais pour l'instant, je vais juste travailler sur cette composition globale. Quand vous revenez à la normale, je vais simplement supprimer ce calque parce que je n'en ai pas besoin à ce stade, mais je sais maintenant que je l'ai dans ma poche arrière pour vraiment ajouter à ma pièce finie. Maintenant, vous allez voir un time-lapse pendant que je vais à travers et que je termine ma peinture. La première chose que je vous montre ici est en fait que vous sortez du premier plan pour montrer ce calque d'arrière-plan. Maintenant, j'ai personnellement choisi de ne pas le faire de cette façon parce que je veux avoir une méthode non destructive. Donc, je vais utiliser des couches. Mais c'est juste pour vous montrer que c'est l'une des possibilités que vous pourriez expérimenter. Donc ici vous voyez mon croquis que j'ai fait à peu près. Je vais ajouter quelques articles de plus et me préparer pour la prochaine étape. Ici, je suis juste en train d'expérimenter un peu avec mettre le chemin là-dedans. J' ai changé d'avis là-bas. Et j'ajoute des éléments au premier plan ainsi qu' au milieu pour juste continuer ce thème de la forêt. Et maintenant, ça va être un peu comme une clairière, si ça a du sens. Donc, une fois que j'ai décidé de mes composants, je passe à travers et juste remplir rapidement la couleur comme je l'ai fait avec ma peinture initiale. J' utilise toujours cette brosse Nikko. Et bien sûr, je mets autant de tons que je pense nécessaires pour donner cet effet 3D ou le contour de ces éléments tridimensionnels. Une fois que j'aurai un peu bloqué, je cacherai mon croquis. Et je veux vraiment vous encourager à faire une expérience en direct quand vous essayez de trouver un style pour la première fois. Ou essayer de comprendre votre style de signature. Beaucoup de fois, il faut quelques morceaux avant d'être vraiment à l'aise avec la façon dont vous assemblez des choses. Donc, une partie du développement du style est de développer votre sens de la couleur, développer votre sens de l'ajout de valeur tonale et horrible juste la façon dont vous composez. Et je ne savais pas à quel point ce sage est différent de mon premier très simple rouge que je vous ai montré. Donc j'essaie toujours de trouver ce style pour moi-même. Ça prend certainement du temps. Et vous pouvez voir ici parfois je suis un peu en train d'expérimenter, comment je veux que mes formes soient. Rien n'est écrit dans la pierre, non ? Vous pouvez toujours modifier et faire des ajustements. Tu es l'artiste après tout, c'est à toi de décider. Alors utilisez votre intuition. Vous saurez ce qu'il se sent juste et semble taux. Donc maintenant, comme je l'ai fait avec la première partie de ce cours, je vous montre juste la finition des formes, juste resserrer une partie de ce travail de ligne ou de contour et mettre tout un tas d'ombres et de reflets plus profonds. Maintenant, ce que je fais ici, c'est de me débarrasser de toutes les couches supplémentaires parce que je vais maintenant ajouter des couches. J' ai donc une quantité limitée de couches que je peux avoir. Donc, à ce stade, j'en ai complètement fini avec la référence et la drogue de Brian et tout mon genre de pré-planification. Donc je vais commencer avec un peu de mon travail de détail maintenant. Donc, je passe définitivement à travers et renomme mes couches d'une manière qui a du sens. Et bien sûr, je fais référence à mon œuvre initiale parce que j'essaie toujours, comme je l'ai dit, d'être cohérent avec la façon dont les deux Look. Je prévois une série ici, donc je veux qu'ils se retrouvent comme ils se rapportent. Maintenant, vous verrez ici dans mon ensemble de pinceaux que j'ai ajouté quelques nouveaux pinceaux pour travailler avec. J' ai un pinceau ou deux de chaque catégorie. J' ai ajouté certaines de ces textures et scintillement, taches de peinture. Je pense que l'écorce brûlée a l'une des autres pressions et que j'aime vraiment appeler l'essence. J' espère que je prononce ce droit. Tu me verras les utiliser chacun. Et vous pouvez voir que j'ajoute des couches supplémentaires juste pour être sûr que je ne fais pas quelque chose de destructeur. Donc je regarde mon croquis en arrière, regardant ces cercles et choses et en décidant comment je veux les faire. Donc, à ce stade, je me sens juste, en essayant de décider où je vais mettre mes textures, ce que je vais faire exactement. Alors essayez de rester avec ce genre de look original que j'avais en gardant à l'esprit toutes ces recherches que j'ai faites, ce que certains de ces autres artistes font sans copier, bien sûr, essayer de comprendre ma propre façon de le faire ainsi que j'ai le même sentiment. Donc pour l'instant, ma première tentative, bien sûr, est juste des lignes très simples, cercles, ce genre de chose. Et ici, j'utilise un des pinceaux de calligraphie en fait pour faire une partie de ce détail. Maintenant, je vais expérimenter un peu avec un pinceau rond à ce sujet à mon set. Ensuite, ici sort par essence aussi. Donc, cette Vaseline est une sorte de lignes comme ce que ferait le râteau de planche à gratter. Donc, d'habitude, mettez-les assez hardiment au début, puis à la fin, vous me verrez passer et utiliser mon outil de mélange pour juste les adoucir. Pour mon outil de salissure. C' est difficile de savoir exactement où vous allez finir avec ça. Parfois, c'est trop. J' ai certainement eu cette situation et c'est l'une des choses qui est génial les couches, c'est que je peux choisir les choses à garder ou à se débarrasser. Il est bon d'expérimenter et de regarder tous les pinceaux que vous avez disponibles ici dans la procréation. Je n'utilise pas de brosses achetées dans cette classe juste pour que vous puissiez vraiment avoir une idée de ce que vous avez à disposition. Et rappelez-vous, vous pouvez y aller et faire quelques ajustements. Je n'ai pas fait beaucoup d'ajustements. J' ai fait un peu de Vaseline pour étaler les lignes un peu. Puis j'ai fait un peu de jouer avec Hey, Moïse pour voir si vers la fin de ce projet je pourrais employer une partie de cela. Et j'ai réduit un peu l'opacité sur cette couche. revenir en arrière et regarder ma référence, mon propre travail est un très bon moyen de me ramener sur Terre. Et parfois c'est juste une façon de me faire penser à ce que j'ai fait dans le passé qui a fonctionné. Donc je suis juste un peu en train d'expérimenter avec éclaircir toute cette section au milieu. Il n'y avait pas trop sûr de ça, mais j'étais content d'avoir expérimenté. C' est une autre chose que j'ai faite dans le passé. J' ai beaucoup de ce genre de choses dans mes colonels d'oiseaux où j'ai pris et placé une couche de premier plan et bloqué certaines zones de l'image. Et ça peut être un effet vraiment amusant. Donc je voulais juste te montrer ça rapidement. Et ce n'est certainement pas quelque chose que je vais utiliser dans ce cas, mais c'est juste quelque chose pour vous, de penser. Vous verrez probablement beaucoup d'artistes si vous allez sur Pinterest. Il y a beaucoup d'artistes qui font cela, qui font beaucoup de travail de détail. est pas nécessairement comme représentatif quand je suis allé ici, mais ensuite ils entrent et apportent changements sur ce fond pour travailler avec les formes qu'ils ont faites. Donc je vais prendre un peu de temps à nouveau hors de la caméra. J' ai vraiment besoin de me concentrer et de réfléchir à ça. Et c'est un peu difficile à faire pendant que je travaille et que je te donne le jeu par jeu. Alors je vais faire une pause. Je vais finir cette leçon tout de suite. Mais au début de la prochaine leçon, je vais vous montrer toutes les différentes choses que j'ai faites pour rassembler tout ça. Alors je te verrai dans la prochaine leçon. 7. Éléments de finition Textural: Donc, dans la leçon 6, nous allons ajouter tout petit détail qui rend ce genre de peinture si intéressant. Nous allons certainement travailler sur des éléments au premier plan. Et je vais vous donner autant d'idées que je peux penser. Donc, pour avoir quelques idées sur ce qu'il faut faire pour certains de mes travaux de détail, je suis retourné à ma référence et j'ai regardé de très près certains des travaux que j'ai mis dans mon conseil d'administration Pinterest et que j'ai étudiés. Je t'ai suggéré d'aller à ce cours. Il y a quelques boîtes avec Claire et elle montre toutes sortes de méthodes pour ajouter ses détails. Et quand vous le regardez vraiment, limace proche de lui est juste simple marquage avec des pinceaux. Vous pouvez voir que je dirais que c'est probablement plus tôt dans son travail où elle est un peu en train de passer d'un peu ou d'une sorte de peinture de réalité à une partie de cette marque. Et là où elle a atterri là avec toute cette texture. Et elle l'a expliqué dans la texture dont je vous parlais. Elle a dit qu'elle avait commencé à travailler dans cette direction. Et alors qu'elle progressait et que les gens commençaient à acheter son travail, elle a commencé à obtenir beaucoup d'autorisations pour ce genre de travail alors que vous venez de dériver dans ce style. C' est ainsi que cela fonctionne souvent pour les artistes. On ne sait pas vraiment où on va. On y arrive d'une façon ou d'une autre. En voici un avec juste une tonne de détails, si fascinant. Maintenant, j'ai quelques artistes que je vérifie aussi que j' ai trouvé mon tableau de conception de motif de surface sur Pinterest. Alors Helen s'est gardé parce que l'un d'eux. Donc si tu devais aller au conseil d'administration, mon site Pinterest est Dolores. Dolores non-aspirine. Et je vois beaucoup d'Helen sombre ici au sommet, mais j'ai certainement d'autres artistes ici aussi. Ce sont juste un excellent moyen de trouver quelques idées pour faire votre marque. Souviens-toi du gène Newland, j'ai fini au début de la classe et elle fait beaucoup de notes simplement répétitives, simples. Donc si tu les regardais de très près, tu verrais beaucoup de petits pétales, petites feuilles et ce genre de choses. Et St Clair, si tu l'avais regardé de très près, tu peux voir beaucoup de fois que nous mettrons ces petites feuilles au premier plan. Et quand vous les voyez à une distance qui vous donne certainement juste une sensation de texture complète pour l'œuvre d'art. Donc mon autre conseil auquel je vous suggère d'aller est mon tableau d'inspiration artistique. J' ai un tas de ces épingles récemment en haut. Et si vous parcourez tout mon tableau ici, vous verrez des tonnes d'idées différentes pour ajouter de la texture et des marques. C' est un autre artiste qui m'a attiré l'attention quand je travaillais sur ce projet, et voici Jennifer Lamar. Alors j'ai regardé son travail. Beaucoup de ce que vous voyez. Je suis sûr que vous avez vu ça. Je l'ai vu beaucoup, ce style particulier. Mais elle fait beaucoup de ces feuilles et branches et bloqué les zones de couleur en arrière-plan. Mais certains de ses autres mots m'ont rappelé des paramètres clairs avec tout ce travail de texture sur la couleur audacieuse. Certains d'entre eux, je n'étais même pas sûr, comme s'ils me ressemblaient à des timbres ou peut-être qu'ils étaient peints sur. Cela me rappelle que je l'ai vu parce que cela m'est arrivé avant où j'ai utilisé des timbres dans le travail que je fais. Et vous obtenez ce genre de. Des couleurs plus profondes autour des bords et la couleur au milieu est en quelque sorte enlevée lorsque vous enlevez le timbre. Donc je n'étais pas sûr que ce soit vraiment fascinant. Celle-là pour moi. Et l'une des choses que j'ai vraiment aimé était qu'elle définisse cette couleur et ensuite parfois revenir en arrière et ajouter P aux détails autour d'eux. Vous savez, si je peux trouver une section ici à ce stade. Mais il me semblait qu'elle retournait et PT avec une couleur plus foncée ici, si vous voyez ça. Donc, avec ce timbre, vous auriez pu être en dessous. Et puis elle est retournée et a fait quelques zones de couleur audacieuses autour des timbres. Il y a donc une autre idée complètement différente. Donc je vais vous emmener dans ma pièce maintenant pour jeter un coup d'oeil. Alors passons juste en revue les différentes choses que j'ai faites. Donc d'abord, il y a ce calque d'arrière-plan que j'ai fait. Donc j'appellerais ça le sous-tableau. Puis il y avait la peinture elle-même, l'ajout des éléments de premier plan ici. Ensuite, cette première couche de détails, la deuxième couche de détails, pas beaucoup de changement là, mes cercles et lignes, et enfin, tous mes petits détails. Donc, je suis loin d'avoir fini ici. J' ai toutes sortes de petites choses que j'ai ajoutées. Comme vous pouvez le voir, j'expérimente avec différents pinceaux, différents regards, différentes couches. J' expérimente avec les couleurs et la façon dont elles se mélangent. J' expérimente avec des pinceaux différents. Donc, j'ai certainement quelques ici qui sont juste des pinceaux acryliques droites. J' ai des pinceaux à effets spéciaux, que j'ai trouvé dans la catégorie bio. J' ai essayé ce pinceau de brindilles. Et le pinceau a essayé celui-là aussi. Je pensais que c'était plutôt soigné. Ce n'est pas quelque chose que je vais utiliser. Mais mettons ceci sur une couche séparée. Celui-ci est juste une sorte de feuilles. Je ne sais pas si vous pouvez le voir là-bas. Donc ça me donne juste des idées. Je ne pense pas que je l'utiliserais en particulier, mais c'est évidemment quelque chose que vous pouvez aller et faire est de créer pinceaux de timbre avec des textures qui fonctionneraient. Et quoi d'autre ai-je pensé que j'ai mis un couple ici. Je t'avais montré ce papier journal, qui est les points sous luminance, j'avais trouvé ce bokeh. Et ce que ça fait, c'est ces points déconcentrés. Donc c'était un autre que j'essayais. Et vraiment, il s'agit vraiment de passer à travers et d'essayer de comprendre ce regard que vous cherchez. Donc, je vais continuer avec cela et ajouter plus de détails ici dedans. Alors maintenant, je trouve que c'est vraiment difficile pour moi de faire et de parler en même temps. Donc je vais probablement faire la plus grande partie hors caméra, mais je vais juste à la couche sur laquelle je travaille, prendre la brosse qui m'intéresse. Et dans ce cas, je vais revenir à mon ensemble personnalisé que j'ai mis ensemble et je l'ai fait pour m'aider à devenir plus cohérent afin que le prochain que je fais, j'utilise tous les mêmes pinceaux. Les pinceaux de script, celui que j'utilisais pour ce genre de petites branches et d'arbres à l'avant. Et c'est le bon moment pour aller jeter un oeil à certaines de la référence. Tu dois trouver des idées de marquage. Ils n'ont pas tous à être liés au feuillage. Et quelque chose comme ça n'aurait pas été une mauvaise idée pour moi de mettre un calque séparé pour que je puisse ensuite jouer avec les modes de fusion dessus. Laisse-moi juste faire ça. Je vais prendre mon outil de sélection à main levée et juste tracer que trois doigts vers le bas, couper, faire une nouvelle couche, trois doigts vers le bas pour coller. Et donc ici, je pourrais expérimenter avec le mélange pour voir si je trouve quelque chose que j'aime mieux que juste le droit, un peu comme cette lumière douce. C' est agréable de, vous pouvez réduire l'opacité des projections. Voilà donc le genre de choses que je ferais maintenant pour ajouter les détails ici. Je vais donc continuer à le faire. Je le ferai en un laps de temps. Et puis je vous donnerai une voix off pour tous les autres changements que je fais maintenant. D' accord. Je change juste cet arbuste à l'avant. Je n'aimais pas vraiment les feuilles que j'avais là-dedans. Donc je vais juste mettre un modèle plus répétitif. Et vous pouvez voir que pendant que je travaille ici, j'expérimente et regarde mes autres couches. Essayez de décider de ce que j'essaie de réaliser exactement. Donc, je vais passer par et continuer avec la texturation de ces arbustes. Je vais donc apporter quelques modifications à ce que j'avais déjà. Vous verrez que je change la valeur de la peinture partout où je vois cinquième, donc là où elle doit être un peu plus foncée, j'ai changé la couleur où elle doit être mise en évidence. J' utilise quelque chose plus tard. Je n'aimais pas du tout celle-là, alors je l'enlève. C' est là que notre moodboard aurait été très pratique pour avoir quelques impressions. Donc certains des artistes que je regardais plus tôt, et ensuite je pouvais juste jeter un coup d'oeil et voir peut-être une idée différente pour quelque chose au premier plan. Je sais que la plupart des choses que je dessine ici sont en quelque sorte sous forme de contour par opposition aux choses solides sur lesquelles Claire Bruner peint. J' essaie vraiment de faire quelque chose de très différent. Donc maintenant, je pense que je vais essayer d'ajouter cet ensemble de DZ à l'avant comme un élément de premier plan vraiment brillant. Je sais que je vais éclaircir ce fond, juste augmenter la lumière dans les niveaux. Parce que je trouve maintenant que je travaille dessus, que ça semble un peu terne et sombre, donc je vais certainement travailler là-dessus. Mais en attendant, je vais expérimenter avec ça. Je mets cela sur une couche complètement séparée parce que je pense que de cette façon j'ai beaucoup de flexibilité. Si je ne l'utilise pas dans celui-ci, je pourrais probablement l'utiliser dans un autre. Et je peux expérimenter aussi avec les couleurs ou la taille. Lorsque vous essayez de développer un tout nouveau look ou une série. Parfois, il faut un peu d'expérimentation pour comprendre exactement ce que vous voulez pour votre look. Ce n'est donc qu'une partie de mon processus de développement. Ce n'est probablement que le troisième que je pense avoir fait, et je prévois de produire au moins une série de 10. Alors maintenant ce que je vais faire, c'est comparer celui-ci aux autres et je vous verrai lequel est dans la direction que je veux aller. Maintenant, j'ajoute beaucoup de firmes et de feuilles à cet avant-plan juste pour le rendre plus intéressant, je suis aussi en train de toucher mes petites fleurs un peu après eux, vraiment petites. Donc, une fois que je les ai regardés, j'ai réalisé qu'ils étaient un peu rudes. Donc je pourrais aussi bien arranger ça que je vais le faire. Et j'adore la flexibilité de cette création d'espaces de travail. Il est vraiment intuitif de la façon dont vous pouvez simplement agrandir ou tourner du bout des doigts. J' ai dessiné dans Photoshop, et je trouve certainement que c'est une interface beaucoup plus encombrante. Procrée devenir mon nouveau jouet préféré. Donc, avec ces petites fougères en bas, en copiant le collage et en faisant des choses comme les retourner pour que je puisse les étaler sur le fond. Donc, je fais certains qui sont différents afin qu'il n'y ait pas tous identiques juste pour ajouter de la variété. Mais accélère définitivement les choses quand vous pouvez couper et coller. Donc, une fois que vous sélectionnez, vous faites trois doigts, frotter vers le bas et vous obtiendrez l'interface pour la coupe. Et puis vous pouvez faire les trois doigts frotter à nouveau et cliquer sur Coller. Et puis vous pouvez positionner où vous voulez. Donc, je regarde cela et je pense que je vais aussi avoir besoin d' une sorte de transition entre ces éléments vraiment, vraiment brillants au premier plan. Ils sont presque blancs. Je les ai très proches du blanc, comme vous pouvez le voir. Maintenant, je vais pincer tout ça ensemble. Et puis je vais ajouter une fougères feuillues bleu clair entre les éléments de fond et le premier plan. Donc, en ce moment, je fais ça comme un aperçu. Je ne suis pas sûr que ce soit exactement ce que je veux. Va voir que je pourrais finir par remplir ceux avec un solide. Je ne suis pas sûr. Je n'ai pas remarqué avec le travail de Bruner que la plupart des siennes sont solides. Donc, les objets que j'ai peints en arrière-plan sont un peu plus conformes à son style. Il faut beaucoup d'expérimentation au début. Et une fois que j'ai fini ce genre de détails, je vais faire une autre pause et essayer de comprendre exactement ce que je veux comme dernière illustration. Dans la leçon suivante, je vais aussi vous montrer quelques autres choses sur lesquelles je travaillais. Je te verrai là-bas. 8. La mise en page finale et les maquettes: Bienvenue à la leçon 7. Donc nous sommes sur le tronçon de la maison ici. Je vais juste expérimenter un peu avec des choses comme les modes de fusion. On met ça sur quelques maquettes à jeter un oeil. Et nous allons être en mesure d'appeler cette illustration à peu près faite à la fin de cette leçon. Et puis je vous parlerai un peu des prochaines étapes. Commençons. Voilà où je me suis arrêté à la fin de la dernière leçon. Et j'avais décidé d'essayer de faire ces fleurs intermédiaires là en arrière-plan avec juste un remplissage solide. Donc j'ai utilisé ma sélection automatique et inversé la sélection et le remplir avec une couleur unie que je pensais bien, ok, je vais faire quelques expérimentations avec la teinte et la saturation ici, juste un peu désaturé. Donc je me sentais un peu léger à l'arrière, tout se battait juste l'un contre l'autre. Donc je voulais vraiment faire ça pour qu'il y ait une sorte de pause entre les deux si ça a du sens. Donc, pour obtenir quelques feuilles autour des bords extérieurs, je viens de dupliquer et un peu repositionner les doublons. Et ça m'a donné les feuilles sur les bords que je voulais un peu. Donc, lorsque vous le coupez et le collez, généralement collez directement dans la même position et comme ce n'était pas le premier endroit. Et ici, dans mes couches, vous pouvez voir les doublons. Vous les mettez tous sur la même couche en les pinçant ensemble. Et maintenant, je vais juste faire un peu d'expérimentation avec le genre de modèles aléatoires que j'ai mis là dedans. Donc je travaille en quelque sorte sur essayer d'obtenir que tout soit un peu plus subtil, je suppose que tu ferais la même chose. J' ai donc juste réduit l'opacité de ce calque juste pour l'alléger un peu. Maintenant, je sais qu'il y a quelques choses sur lesquelles, après ce cours, je vais aller travailler. Et l'un d'eux est ce grand arbre en arrière-plan ? Est-ce qu'il se chevauche ou est-ce sous ? Je dois comprendre cela parce que je me sens comme l'arbre supérieur et les autres, les trois autres ci-dessous, il ne fonctionne pas tout à fait correctement, et je vais enregistrer cela pour hors-caméra. En attendant, je peux juste vous montrer toutes les choses que j'ai faites pour que tout fonctionne avec la profondeur de champ que je regarde. Donc je voulais que le blanc ait l'air d'être au premier plan. Puis ce sol moyen avec les feuilles bleu clair et puis les avoir en quelque sorte de combat. West est en bas, donc il y a moins de détails en bas. J' aurais probablement dû essayer cela ou penser à cela comme une possibilité avant de mettre tous ces arbustes et arbres supplémentaires devant eux. C' est probablement quelque chose d'autre genre de stratégie que j'aurais pu utiliser. Donc ici, je suis juste en train de peindre un nouveau calque entre l'arrière-plan et le premier plan. Ça m'aide à rendre cette transition un peu plus subtile, comme je disais. Donc, avec ça, je vais aussi essayer quelques modes de fusion. Donc, je trouve généralement qu'après avoir fait, comme je l'ai dit, deux ou trois d'entre eux, alors j'arrive en quelque sorte à une formule que je peux utiliser pour faire la quantité supplémentaire de pièces que je veux soumettre. Donc si je veux en faire 10, il me faudra peut-être deux ou trois pour établir le look exact que je cherche. Et puis cette formule que j'utiliserais pour faire l'autre TNT pour égaler 10 afin qu' ils ressemblent tous à faire partie de la même série en faisant tout à fait comme cela regarde ce point. Donc je pense que je vais continuer sur cette piste pendant une minute et voir ce que je peux faire d'autre pour que tout fonctionne. Donc je vais faire la même chose au sommet. Donc je fais une sorte de dégradé ombre sorte de regard. Donc, il est plus sombre, en haut et en bas. Et un peu sur les bords ici. Donc j'utilise vraiment un gros pinceau avec la même texture que le pinceau Nikko. Donc maintenant je vais juste te montrer ça pour que tu puisses voir ce que j'ai fait. Et je remettrai les autres couches dans une minute pour que vous puissiez voir comment elles interagissent ensemble. C' est l'une des beautés d'avoir toutes les couches encore disponibles car je peux le faire expérimentalement. Donc, je vais juste essayer de tirer celui-ci ici maintenant et je suis passé par les modes de mélange pour voir à quoi cette texture ressemblerait au-dessus de tout. Donc je pense que j'apprécie vraiment cette partie du processus plus que tout simplement parce que c'est une découverte, c'est certainement une aventure. Certains d'entre eux ne sont que de beaux effets. Donc, même si je ne les utilise pas pour cette pièce en particulier, c'est quelque chose que je dois garder à l'esprit. C' est quelque chose maintenant, mais j'ai appris une sorte de bonne façon d'expérimenter avec la technique. Donc j'aime vraiment celle-là. Donc, je vais le laisser sur multiplier avec réduire l'opacité afin que ma coloration globale n'est pas trop sombre. Mais je commence vraiment à aimer ça et je me sens comme les feuilles au milieu, ces feuilles bleu clair et le blanc fonctionnent beaucoup mieux maintenant avec ce que j'ai, ce qui est vraiment soigné, c'est que même si j'ai eu l'inspiration de ces artistes que je vous montrais, je me sens comme mes pièces très, très différentes de ce qu'ils avaient. Ainsi, vous pouvez puiser l'inspiration d'autres artistes, mais ensuite essayer de le prendre dans votre propre direction. De cette façon, vous ne copiez pas, ne enfreignez pas les droits d'auteur. Vous créez certainement quelque chose de très différent et unique pour vous. Je vais donc aplatir ces couches ensemble, ces intermédiaires que nous utilisons. Et je voudrais aussi expérimenter un peu ici avec le mode de fusion. J' ai vraiment aimé cette différence. C' est un effet vraiment soigné et c'est quelque chose que je ne me souviens pas avoir vu dans aucune des pièces d'inspiration que je regardais. Donc, c'est certainement quelque chose qui me plaît et je peux juste penser à l'avenir à combien de ces choses je viens de passer de pair. J' ai des tonnes et des tonnes de ce genre d'articles de silhouette que je pourrais utiliser. J' ai un dossier plein de silhouettes vectorielles. Donc, cela pourrait être quelque chose qui pourrait utiliser pour développer une vraie série juste basée sur cela. Donc le processus est très fluide et à ce stade, laissez-moi vous montrer quelques autres choses. Je peux vous emmener dans quelques-uns des autres paysages avec ont travaillé sur juste un look complètement différent ici. Mais je voulais juste vous montrer, je pense que j'ai mentionné au début de la classe que je vais vous montrer comment le sous-tableau peut vraiment affecter l'aspect du travail fini. Donc je vais juste ajouter un calque ici et mettre ça en dessous. Et puis je vais juste colorer ça. J' ai juste une autre couleur aléatoire juste pour que vous puissiez voir comment cela affecte l'aspect général de la peinture. Donc je ne pense pas que ce soit quelque chose que je choisirais. Mais vous savez, il s'agit d'expérimenter et de trouver des trucs. Alors j'essayais un peu avec cette chance que Lee regarde, tu vas, je ne peux pas l'imiter. Évidemment, cet artiste est extrêmement doué dans ce qu'il fait avec sa peinture acrylique. Mais j'essayais juste d'obtenir cet effet, ce regard vraiment abstrait. Et là, je suis juste en train d'expérimenter avec le sous-tableau et je veux juste que tu gardes ça à l'esprit. Pensez à cela comme un moyen d'améliorer ou d'ajouter de la variété au travail que vous faites. C' est comme ça que ressemblait ce sous-tableau. Donc c'est un peu une chose où je pourrais prendre et prendre peut-être mon pinceau à peinture à l'huile et faire un peu de mélange. Je ne vais probablement pas faire trop de démonstration à ce sujet, mais vous pouvez voir à quel point vous pouvez rendre vos peintures intéressantes et différentes en faisant un peu de travail avec ce sous-tableau. Et vous pourriez aussi prendre ce sous-tableau et le mettre au-dessus après. Et puis essayez de mélanger les modes pour voir comment ajouter des textures subtiles ou des changements dans la teinte et la saturation pourraient être effectués. Donc, ici, j'utilise le curseur de teinte et de saturation et juste changer les molécules de couleur. Ce n'est pas vraiment subtil. Je devrais aussi être saturer un peu ou alléger. Je voulais juste que tu aies une idée de ce à quoi ça ressemble. Jetons un coup d'oeil à un autre ici très vite et voyons, encore une fois, c'est très, très lâche. Je ne les considérerais pas abasourdies par aucun moyen, alors ne juge pas, Essayons-le sur celui-ci en fait, je pense que je voudrais mieux celui-là comme exemple. Donc j'ai déjà fait la sous-peinture ici et vous pouvez voir quelle différence cela fait. Et passons juste à la teinte et à la saturation. Je vais affecter toute la couche. Et vous pouvez voir comment l'utilisation du curseur de teinte et le glissement dans ces différentes teintes peut faire une telle différence à l'apparence de la peinture. Il y a juste quelques choses que je voulais te montrer très vite. J' ai mentionné au début de la classe, juste des idées pour vous et sur la façon dont ce sous-tableau pourrait être utilisé. Revenons à notre œuvre principale que nous avons faite. Et je pense que pour les besoins de ce cours, nous allons considérer ma pièce finie. Et je vais te montrer quelques maquettes pour te montrer ce que je fais quand je soumets ça. Donc, je soumettrais l'œuvre, mais je le montrerais aussi sur une maquette. Voici quelques uns d'entre eux que j'ai fait. Ce que je veux faire, c'est vraiment t'encourager quand tu fais cette exploration initiale et que tu essaies de comprendre un regard, c'est que tu fais beaucoup d'expériences. C' est beaucoup d'essais et d'erreurs, je sais. Mais c'est ainsi que vous apprenez ce que ces différents paramètres peuvent faire, comment les couches peuvent interagir ensemble, comment construire un document pour qu'il fonctionne. Et aussi combien c'est amusant de passer par ce processus. Bon, donc je te retrouve dans cette dernière leçon. On se voit là-bas. 9. Conclusion et conclusion: Eh bien, on l'a fait. On est tous finis. Nous en sommes finalement arrivés à ce point. À un moment donné, tu dois juste considérer que c'est fait. C' est vraiment difficile quand vous développez un style pour juste vraiment le clouer dans la première tentative ou deux, je trouve qu'il me faut probablement plusieurs pièces avant j'ai vraiment l'impression d'avoir le look exact que je vais chercher. Je vais m'entraîner à faire ce genre de paysage. Comme je l'ai dit, je produis une série de 10 comme un complet eux. Je vais essayer de te tenir au courant. Alors assurez-vous d'appuyer sur ce bouton de suivi. Si vous êtes intéressé, ajoutez-vous à ma liste de diffusion. que vous serez ajouté à Une foisque vous serez ajouté àma liste de diffusion, vous obtiendrez tout ce que j'envoie. Une promesse de ne pas remplir votre boîte de réception. J' essaie généralement de le garder à un email par mois, mais assurez-vous que vous appuyez sur ce bouton de suivi parce que j' aimerais vous voir dans quelques-uns de mes autres cours. J' ai aussi des magasins sur la Société 6 et l'art d'où l'audition candidat. Donc, vous pouvez les vérifier et vérifier définitivement mon magasin Sawzall. C' est là que vous verrez la majorité de mon travail. Merci beaucoup de traîner avec moi aujourd'hui. J' espère que ça vous a plu.