Teoria das cores para designers de personagens: dicas e truques | Ira Marcks | Skillshare
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Teoria das cores para designers de personagens: dicas e truques

teacher avatar Ira Marcks, Graphic Novelist

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Aulas neste curso

    • 1.

      Introduction

      1:42

    • 2.

      Class Overview

      2:08

    • 3.

      Lesson: Story of Color pt. 1

      2:46

    • 4.

      Lesson: Story of Color pt. 2

      4:55

    • 5.

      Lesson: Story of Color pt. 3

      4:27

    • 6.

      Lesson: Communicating with Color

      4:12

    • 7.

      Lesson: Color and Cartoons

      5:13

    • 8.

      Lesson: Hues of a Story

      2:40

    • 9.

      Lesson: Color Script for Pixar's Up

      4:23

    • 10.

      Lesson: Style and Character

      7:41

    • 11.

      Project : Settings, Tools, Short Cuts

      4:42

    • 12.

      Project: Inspiration and Guidelines

      4:25

    • 13.

      Project: Three Stage Sketching

      6:46

    • 14.

      Project: Inking

      3:08

    • 15.

      Project: Color Blocking

      7:20

    • 16.

      Project: Refining The Hues

      1:20

    • 17.

      Project: Saturation and Value

      5:42

    • 18.

      Bonus! Line Color and Rim Light

      5:27

    • 19.

      Wrap It Up

      2:09

  • --
  • Beginner level
  • Intermediate level
  • Advanced level
  • All levels

Community Generated

The level is determined by a majority opinion of students who have reviewed this class. The teacher's recommendation is shown until at least 5 student responses are collected.

2,424

Students

68

Projects

Sobre este curso

Um curso único, usando teoria das cores para inspirar o design de personagens.

Este curso começa com uma olhada em como artistas (de todos os tipos) fazem uso das cores. Em seguida, um breve estudo sobre o que torna a cor dos desenhos animados tão única. Quando pegarmos o fio da meada, vamos para o Photoshop CC com um projeto do curso, que vai lhe fornecer ferramentas e técnicas necessárias para trazer mais vitalidade aos seus desenhos.

Aqui estão os tópicos que abordarei:

  • Uma breve história da cor e da arte
  • Uma perspectiva sobre como as cores se comunicam
  • Os fundamentos de usar cores em desenhos animados
  • Planejando as cores durante a fase de rascunho e arte-final
  • Pintando em blocos no Photoshop CC
  • Refinando matizes, saturação e valor de uma imagem
  • Técnicas de iluminação de cor (cor de linha e luz de recorte)

Tudo que você precisa para este curso é uma compreensão básica de Adobe Photoshop CC (a maioria das versões mais antigas também funciona).

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Ira Marcks

Graphic Novelist

Top Teacher

Ira Marcks is an award-winning and New York Times recommended cartoonist. His love of strange fiction and scientific research has led to an unlikely list of collaborators including the Hugo Award-winning magazine Weird Tales, European Research Council, and a White House Fellowship Scientist. His online courses have inspired 100,000 students. iramarcks.com

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Level: All Levels

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    Superou!
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Transcrições

1. Introdução: A cor certa no lugar certo pode realmente fazer um desenho ganhar vida. Mas quando você está trabalhando com sua própria imaginação selvagem, você sabe onde tudo pode acontecer. É muito difícil encontrar a cor certa e o lugar certo. Se você quer expressar uma emoção ou descrever algo para o qual você não tem palavras, você vai precisar de um plano se você quiser navegar pelo mundo da cor. Ei, eu sou Myrie Marks, eu sou um cartunista e ilustrador e cor sempre foi uma grande parte de como eu conto uma história. Passo muito tempo pensando e lendo sobre por que e como cores funcionam e muito mais tempo sentado no Photoshop, misturando e combinando amostras. Cada projeto baseado em cores é uma busca por essa combinação especial de matiz, saturação e valor. Esta aula é a minha mistura especial de teoria e prática. Ou seja, eu vou compartilhar algumas histórias e imagens para colocar suas engrenagens mentais em movimento e seguir isso com um projeto baseado em personagens que vai fazer você misturar e combinar cores no Photoshop melhor do que nunca. No final de tudo, você estará trabalhando de forma mais inteligente e rápida e, o mais importante, seus desenhos se sentirão mais vivos. É hora de parar de se sentir perdido em suas amostras. Deixe-me ajudá-lo a encontrar o seu caminho através desse mundo louco misturado de cores, pintura, paletas e Photoshop. 2. Visão geral do curso: Você está sentado na frente da tela com suas ferramentas de desenho por perto. Agora, antes de chegarmos a ele, deixe-me dizer-lhe o que esperar desta aula. São duas metades distintas. Durante a primeira metade, eu planejei uma lição para fazer você pensar de maneiras novas e excitantes sobre a cor. Vamos começar com uma olhada em como os artistas ao longo da história influenciaram o núcleo de como nos relacionamos com a cor. Depois, pularemos para o mundo contemporâneo do nosso InDesign para ver algumas das minhas inspirações favoritas e não pintadas. Isso nos levará à forma de arte principal da turma, desenho animado. Eu vou compartilhar as maneiras únicas de cartooning usa a linguagem da cor, e então vamos olhar para como os cartunistas modernos estilizar a cor para um projeto específico. Então chegamos à segunda metade do curso, o projeto da classe. A tarefa pela qual vou guiá-los é a criação e coloração de um personagem conhecido como guardião elementar, mais sobre isso mais tarde. Trabalharemos no Photoshop CS, um programa com o qual você só precisa estar um pouco familiarizado para fazer este projeto. Vou mostrar-lhe como configurar o seu ficheiro e, em seguida, analisaremos as ferramentas necessárias para desenhar e colorir, bem como alguns atalhos de super poupança de tempo que irão manter o seu processo criativo fluindo sem problemas. Então eu vou levá-lo através da fase conceitual de projetar seu personagem, que inclui encontrar inspiração e incrível processo de esboço de três estágios e uma rápida olhada na pintura de um desenho animado. Então vem colorir. Durante o processo de coloração, analisaremos técnicas inspiradas na indústria para bloqueio de cores, refinando o uso do seu design e, o mais importante, utilizando saturação e valor. Então, eu tenho um capítulo bônus sobre duas técnicas de coloração legal, cor da linha, e luz da borda. Eu trabalhei duro para dar a você o equilíbrio certo de expandir a teoria da arte, dicas técnicas e passos práticos para ajudá-lo a se tornar um melhor colorista, ilustrador e contador de histórias. Sem mais demora, vamos. 3. Aula: história da cor pt. 1: A cor sempre teve um talento para espreitar a curiosidade humana. Quando encontramos uma cor, nós realmente esperamos encontrar um mistério nela, e por sua vez, um significado. Não podemos evitar. É da nossa natureza explorar as cores. Através de nossas experiências, desenvolvemos relacionamentos com elas. A cor nos ensina a viver no mundo visual. Isso parece loucura? Eu acho que não. O mundo está cheio de cores. Para lidar com todos eles, nossos cérebros precisam reconhecer suas distinções. Através dessa necessidade, aguçamos nossa percepção de cores principais elementos, seu uso, seus valores e saturação, e começamos a associar as características da cor às nossas experiências. Nossos cérebros classificam essas noções de experiência de cor. Alguns são caracterizados como utilitários, como quando reconhecemos a cor de um sinal de stop. Algumas noções são caracterizadas como observação natural, como reconhecer a cor do céu antes de uma tempestade, e algumas noções são emocionais, como ver uma cor que nos lembra uma jaqueta que tínhamos quando criança. À medida que reunimos experiências, nossas relações únicas com a cor se aprofundam. A psicologia da cor como conversa é antiga como a própria arte. Existem inúmeras teorias para explorar. Mas para mim, sempre me conectei com as noções de Johannes Itten, um expressionista suíço e talvez o mais famoso teórico das cores do século XX. Itten viu uma grande diferença entre a cor como utilidade e a cor como porta de entrada para um significado oculto. Você poderia adivinhar que a teoria dele é um pouco mais profunda do que memorizar a roda de cores. Itten acreditava em artistas, estética da cor é informada através de alguma combinação de três tipos de intenção. Impressão, significado, observação visual, expressão, representação emocional e descrição do artista, potencial da cor para amplificação simbólica. Esta teoria realmente fortaleceu minha relação com a cor e me deu uma apreciação muito mais profunda pelo papel das cores na história da arte. Eu acho que há muito a aprender vendo o mundo da cor dessa maneira. Agora, eu vou compartilhar essa visão com você. 4. Aula: história da cor pt. 2: Pintores na China antiga estavam cultivando uma relação com a cor muito antes da maioria das civilizações. À medida que seu paladar de cores se expandiu assim fez o significado por trás de seu uso. Eles encontraram inspiração no mundo ao seu redor, particularmente no solo amarelo do planalto mais baixo, a origem da civilização chinesa. Das impressões do mundo natural veio uma expressão do simbolismo cultural. Os antigos pintores chineses usavam a cor para representar as energias da natureza. No centro desta teoria estava o amarelo, uma cor exclusivamente reservada para seu imperador. A arte em mosaico do Império Bizantino pretendia preservar as histórias de seus santos sagrados. Esta responsabilidade colocou grande demanda sobre esses artistas romanos e suas cores. Imagine a sofisticação de seu processo criativo, veja a maneira como eles criam variações sutis de cor, luz e sombra. A preservação deste trabalho ao longo dos séculos garantiu sua influência sobre as gerações futuras de artistas, especialmente aqueles empregados pela igreja. Este estilo de mistura imaginação, observação impressionista e significado simbólico através da cor está na raiz de tanta arte ocidental. No século XV, os pintores renascentistas italianos tinham dominado a tonalidade e a modulação de cores. Eles estavam pintando imagens enormes e épicas em níveis insanos de realismo. Enquanto o simbolismo ainda estava na raiz de suas composições, as imagens foram despojadas de elementos decorativos vistos em obras religiosas anteriores. Para mim, as pinturas do Renascimento têm o peso e o drama de uma cena de um filme, mas este não era o ápice da pintura realista. Isso não veio até artistas como Ticiano em meados do século XVI começarem a focar o uso da cor. Ticiano estava usando a cor para dar caráter e virtude aos principais temas de suas composições. Olhe para as duas figuras colocadas nesta multidão de corpos torcidos, localizar e focar a cor foi uma maneira brilhante de trazer o simbolismo para um estilo realista de pintura. A teoria da cor renascentista se incorporou tão profundamente na consciência coletiva do mundo da arte. Durante centenas de anos, essa estética é o que as pessoas imaginavam quando pensavam sobre arte e cor. Mas em 1800, a cultura da arte estava pronta para uma nova perspectiva. Em 1810, Johann Wolfgang von Goethe publicou o livro Teoria das Cores. Goethe era um autor de literatura emocional, mas também tinha um interesse igual pela arte visual e sua relação com a ciência. Este novo livro foi destinado a mudar a percepção mundial da cor. A teoria de Goethe buscou validar a função científica da imaginação humana em resposta ao fenômeno da luz e da cor. O calor do pôr-do-sol e a frieza da sombra nascente da Terra para ele eram evidência não apenas da fratura da luz branca, mas da intuição poética da humanidade. A teoria de Goethe está envolvida em sua versão da roda de cores. À primeira vista, não parece ser diferente da estrutura racional das teorias de cores anteriores. Mas aqui Goethe atribuiu qualidades alegóricas a cada campo de cor. Vermelho é beleza, laranja é nobreza, amarelo é bom, verde é utilidade, azul é comum e violeta é desnecessário ou espiritual. Escusado será dizer que o mundo científico não encontrou valor acadêmico em sua pesquisa sobre óptica, mas seus estudos de cor permanecem influentes até hoje. Não são apenas artistas que se conectaram com a teoria da cor de Goethe. Todos os tipos de pessoas estavam afim. Eu acho que tecnólogos, John Gage colocou melhor quando ele disse, “Goethe argumentou que não há cor no mundo físico. Há apenas padrões de luz e escuridão, e esses padrões são uma sensação produzida por nossas próprias almas.” 5. Aula: história da cor pt. 3: A conexão entre intuição poética e ciência da cor é um aspecto importante de cada movimento artístico moderno. Na década de 1880, cerca de 70 anos após o lançamento do livro [inaudível], o mundo da arte tinha chegado ao Neo-Impressionismo. Os artistas deste movimento, como Henri Edmond Cross, tiveram um profundo apreço pelo poder emotivo da cor, bem como uma profunda compreensão da ciência óptica. De certa forma, as pinturas de Cross da vida urbana são experiências em resposta humana à cor. Seu trabalho provou que as noções de cor eram tão fortes na imaginação humana que o significado poderia ser comunicado através de arranjos simplificados de pontos coloridos. Logo depois de Cross, Monet e os outros impressionistas estavam tirando as teorias neo-impressionistas. Monet considerava-se mais um estudante de luz do que um estudante de cor. Suas pinturas procuravam estudar a maneira como a luz solar altera os tons locais de objetos naturais. Como os Neo-Impressionistas, Monet acreditava que a mistura pigmentos quebra o poder da cor dos pares e que o desejo de olhos para o fechamento visual levará um espectador a cenas significativas em um sentido mais profundo do papel da luz no mundo. O artista francês Paul Cézanne, expandiu o ideal renascentista de modulação de cores misturando-o com a influência dos impressionistas. O resultado foram pinturas de cenas representacionais que brilhavam com efeitos de cor exagerados. Cezanne colocou ritmos sutis de cores frias e quentes para aumentar a realidade em suas imagens. A virada do século trouxe o Movimento Expressionista completo. Seus criadores, como o pintor norueguês Edvard Munch, viram a cor como uma forma de representar a psicologia interna. Os expressionistas estavam se afastando do mundo exterior e começaram a procurar a natureza interior dos humanos para expor as emoções muitas vezes não representadas da existência natural. Aqui está uma citação de Munch que resume muito bem o Movimento Expressionista. “ A natureza não é apenas tudo o que é visível aos olhos. Também inclui as imagens internas da alma.” Hilma af Klint foi um dos primeiros pintores a sair de uma longa tradição de cor representacional. Ela disse: “A luz foi o primeiro fenômeno do mundo e compartilha a verdadeira natureza do mundo vivo através de sua cor.” Klint passou uma vida inteira projetando sua linguagem de cor, distinguindo a energia masculina com uma energia amarela dourada e feminina com uma casca de ovo azul. Sua profunda compreensão da teoria das cores permitiu que ela explorasse as relações das energias humanas com a harmonia da natureza. Como af Klint, Piet Mondrian viu o potencial da cor para conectar a humanidade com um plano superior de consciência. Mondrian disse uma vez: “Desejo abordar a verdade o mais perto possível e, portanto, abstrato tudo até chegar à qualidade fundamental dos objetos”. Mondrian foi descrito como um teórico tanto quanto ele era um pintor. Seu trabalho expôs a estrutura básica da arte visual, despojando-a para cores primárias, intencionalmente dispostas sobre uma tela. Ao remover a estética familiar da arte, ele foi capaz de se conectar com uma parte mais profunda da relação humana com a forma e a cor. A história da cor é realmente a história da intenção criativa. Em qualquer imagem colorida, você vai encontrar impressões, expressões em simbolismo que refletem a relação de um artista com a natureza de seu mundo. É só uma questão de olhar mais fundo. A teoria é divertida e tudo, mas é hora de ser prática. Vejamos como os artistas modernos usam a cor para fazer o trabalho. 6. Aula: comunicando com as cores: Para realmente se comunicar com a cor, é importante para mim entender como artistas que trabalham fora do meu campo de ilustração realizam o trabalho. Aqui estão as lições que aprendi com um designer gráfico, fotógrafo e designer de produção cinematográfica. Paul Bacon usou a cor para comunicar humor. O designer gráfico Paul Bacon era um grande fã de jazz e construiu sua carreira em torno de seu amor pela música. Ele criou a arte icônica do álbum para a Blue Note Records e outras gravuras focadas no jazz. Quando criança, eu via seu trabalho constantemente aparecendo na antiga coleção de discos do meu pai e eu correria para ele navegando pelas lojas de discos. Durante toda uma geração, paleta de cores de Paul Bacon de tons pálidos e cores frescas tornou-se a representação visual dos sons invisíveis de músicos como John Lee Hooker, Abby Lincoln e Thelonious Monk. Paul Bacon me mostrou em uma idade muito jovem para olhar além das cores felizes dos meus livros de Eric Carle e ver cores que significavam mais escuras em humores complexos. Vivian Maier usou a cor para comunicar a história. Por quase 60 anos, Vivian Maier caminhou calmamente pelas ruas de Chicago com sua câmera tirando fotografias coloridas. Ela usou a cor para criar pequenos poms vívidos. Ela foi particularmente atraída pelo amarelo e a maneira como ele evocava uma história, três estranhos com o mesmo senso de moda. Um vendedor de rua que se vê encenado por um pano de fundo de cortinas de mostarda, um buquê descartado caído como um bêbado contra um poste, um besouro de um olho no início do inverno, um campo de pedais de primavera chamando a atenção de um misterioso artista. Eu não passo muito tempo olhando para fotografia, mas quando eu vejo algo que eu gosto, eu sinto uma conexão instantânea. Vivian Maier conta os tipos de histórias com que me conecto e seu uso de cor sempre terá um lugar especial no meu coração. George Conture usa a cor para comunicar o tema. papel do contorno na indústria cinematográfica não é tão celebrado como o de um ator ou diretor. Seu trabalho é projetar um mundo para um personagem para existir. Não só isso, mas para garantir que quando um personagem não está falando, o mundo ao seu redor está comunicando a história e o tema do filme. Agora você está olhando para a última filmagem do filme de 2007, “No Country for Old Men”. Este filme ganhou Contour e Academy Award. Aqui está a história que o levou ao palco. Quando ele foi encarregado do design de produção para a adaptação cinematográfica do autor Cormac McCarthy Modern Western. Conture teve que encontrar uma maneira de expressar visualmente o tom escuro do estilo de escrita de McCarthy. “ No Country for Old Man” está situado na década de 1980, Texas, ao longo da fronteira dos EUA com o México. Conture teve que projetar uma paleta de cores que transmitisse a dureza, o calor e a sede do deserto aberto, além de enquadrar o cenário como um lugar na borda da civilização. Sua solução era brilhante e, como todas as idéias brilhantes, a resolução era surpreendentemente simples. Conture fez uma pequena pintura no estilo do pintor expressionista Mark Rothko, alguns tons de marrom, uma sombra de descanso, uma sombra de concreto e um respingo de sangue. Esta pintura estabeleceu o tema e deu um tom para os atores e diretores seguirem. Agora tente assistir a este filme e não sentir a influência desta pintura em cada quadro. George Conture, Vivian Maier e Paul Bacon são apenas alguns dos artistas que me fazem sentir que é possível fazer algo novo e excitante com cor. Tire algum tempo para ver suas inspirações e tentar ver quais impressões elas deixaram em seu próprio processo criativo. 7. Aula: cores e desenhos animados: Quando estou trabalhando em um projeto, estou sempre tentando equilibrar essas três intenções de cor. Lembre-se de mais cedo: observação visual, representação emocional e amplificação simbólica. Estes são os elementos que tornam a cor poderosa, mas no meu mundo de desenhos animados, eu acho que a forma de arte tem o seu próprio conjunto de pontos fortes únicos, que o tornam a minha maneira favorita de contar uma história. Aqui estão o que eu chamo de quatro pontos fortes da cor dos desenhos animados. Desenhos animados usam cores para ampliar o apelo. Passei a segunda metade dos anos 80 assistindo um monte de desenhos animados, os desenhos animados dos anos 80 eram, na maior parte, marketing para brinquedos. Cada personagem tinha um esquema de cores simples e vívidas, o que tornou mais fácil para as crianças identificar e, claro, apontar na loja de brinquedos. É uma estratégia eficaz que realmente mudou a maneira como a indústria utilizava a cor, para ampliar o apelo de seus personagens. Você pode ver essa estratégia de cores no trabalho na franquia Teenage Mutant Ninja Turtle. As Tartarugas Ninja realmente começaram como um cômico indie subterrâneo escuro e indie, de Kevin Eastman e Peter Laird. Mas quando a propriedade foi transformada em franquia infantil, os personagens receberam uma reforma. Observe que os tons de pele se tornaram um tom mais amigável de verde e, mais importante, o estabelecimento de suas bandanas de cor icônicas. As escolhas de cores não eram diferentes de como uma equipe de marketing emprega psicologia de cores, para se conectar com os consumidores. Leonardo, o líder da equipe, recebe um tom de azul, uma personalidade de cor calmante, defendendo lealdade e respeito. Michelangelo, o divertimento amoroso da equipe, cara do partido , é laranja, uma cor quente e agradável com um tom aventureiro. Donatello, inventor da equipe, é roxo, a cor da personalidade da imaginação. Rafael, cabeça quente da equipe, é claro vermelho, uma cor associada ao poder e paixão, uma cor que pode ser ao mesmo tempo ousada e irritada. Desenhos animados usam cores para evocar configurações fantásticas. Cartunista europeu, Moebius, usou cores para evocar mundos fantásticos e personagens misteriosos. É sempre uma boa idéia rever um artista estabelecido, encontrar padrões em sua abordagem, e entender o que faz seu uso de cores funcionar. Moebius, para mim, joga as características distintas de tons quentes e frios, uns contra os outros. Ele pega aspectos familiares de nossa realidade, e justapõe-os de maneiras que os fazem se sentir de outro mundo. A cor em seus fundos, muitas vezes é tons de roxo, azul e verde. Seus personagens encarnam laranja, amarelo e tons de vermelho. Desenhos animados usam cores para representar individualidade. Cartooning como forma de arte, percorreu um longo caminho desde a década de 1980. A série de quadrinhos Lumberjanes, tem apelo amigável criança, mas faz grandes esforços para fundamentar seus personagens, em personalidades reais e distintas. A história de Jo, April, Molly, Mal e Ripley, está cheia de elementos fantásticos em tropes de desenhos animados, mas no seu núcleo, o livro é uma história de chegada de idade sobre cinco jovens mulheres. São pessoas com famílias e histórias, pessoas com quem se pode relacionar. Desenhos animados usam cores para criar contraste narrativo. Batman e Joker, são provavelmente a combinação hero-vilão mais reconhecível na cultura moderna. Não é coincidência que a conexão é tão poderosa, considere sua paleta de cores. fantasia do Batman foi feita para intimidar criminosos. Ele cria uma silhueta forte usando preto e tons de cinza ou às vezes azul. Normalmente, seu traje tem um sotaque amarelo no meio de seu peito, na tradição dos heróis clássicos da cor primária, como Superman. Batman é um símbolo da justiça negra. O traje do Coringa é praticamente o oposto, é muito mais movimentado e teatral. Usando uma combinação das três cores secundárias, verde, roxo e laranja, o Coringa é um oposto visual do típico herói colorido primário, e uma força disruptiva ao cruzar a silhueta bruta de Batman. Narrativa, Batman e Joker são dois lados da mesma moeda, e eles são conflito contínuo dá a cada personagem uma presença mais ousada na página. Quando se trata de contar histórias, a cor é uma poderosa ferramenta narrativa. Podemos identificar a personalidade de uma história, apenas pela paleta de cores. Agora, vamos cavar um pouco mais fundo em como a cor evoca nossa imaginação. 8. Aula: matizes de uma história: A cor é um aspecto dinâmico da narrativa visual. Ela cresce e muda com os personagens da história e seu engajamento com seu ambiente. Estamos assistindo a uma curta animada sobre um caderno de esboços viajante passando de personagem para personagem. Escolhi este curta-metragem como exemplo por algumas razões. Uma das razões é este estilo pintor que o artista está trabalhando e realça realmente a paleta de cores do filme. A segunda razão é que o filme não usa diálogo ou narração. Sem esta ferramenta comum de contar histórias, o espectador tem que juntar a história a partir das imagens sozinho. Veja como a cor está mudando constantemente o humor das cenas enquanto o livro viaja pelo mundo. Você pode evocar o poder narrativo da cor usando-o para servir essas três tarefas distintas. Use a cor para apoiar a história. Use a cor para descrever a personalidade de um personagem. Use a cor para fazer um personagem se destacar do fundo. Olhando para exemplos de longa forma cartoons storytelling realmente me ajuda a entender o quanto uma cor papel desempenha nas artes narrativas. Eu encontrar uma ótima maneira de estudar a coloração dos desenhos animados é através de um script de cor de filme de animação. Um roteiro de cores é uma maneira de um artista de produção criar um mapa preliminar da cor, iluminação e batidas emocionais de um roteiro de filme animado. Um script de cores é feito muito antes do filme entrar em qualquer produção final e parece um pouco com uma longa tira de quadrinhos sem palavras. Um script de cores pode transmitir batidas de histórias externas, como a distinção entre duas cenas. Ele também transmite batidas internas da história como o arco emocional de um personagem. Por trás de cada grande desenho animado está um ótimo roteiro de cores. É uma daquelas etapas cruciais do processo criativo. O artista da lição se concentra no impacto e nas consequências de suas escolhas de cores. No próximo vídeo, vou rever o roteiro de cores de Lu Ramano para o aplicativo de filmes animados da Pixar. Aviso justo, vou rever todos os pontos de enredo dos filmes. Então, se você ainda não viu, você pode querer pular para o próximo capítulo. 9. Aula: roteiro de cores para o filme Up, da Pixar: Enquanto eu falo com você através do esboço do enredo de cima, tente manter seus olhos nas cores que Lu Romano usa para comunicar a história. O jovem Carl Fredricksen está num cinema assistindo a um pequeno noticiário sobre o seu herói, famoso explorador Charles Muntz. Em uma viagem à América do Sul, Muntz descobriu um pássaro raro e com a ajuda de seu grupo de curadores de cães falantes, o explorador planeja retornar à região desconhecida de Paradise Falls para trazer de volta a prova do animal. A caminho de casa, o jovem Carl conhece Ellie, uma jovem corajosa que gosta de aventura. Eles se tornam amigos rápidos e Carl promete voar para Paradise Falls um dia. Vemos Carl e Ellie crescerem e se casarem. Vemos sua história de vida se desenrolar enquanto eles consertam seu piquenique em casa em uma colina e tentam não ter um filho próprio. A vida continua a atrapalhar a sua jornada para Paradise Falls. Eventualmente, Ellie morre e um Carl idoso é deixado sozinho em sua casa. Corta para os dias de hoje e encontramo-nos com o Carl outra vez. Desta vez é um velho e solitário. Sua casa fica sozinha no meio de uma zona de construção, Carl se recusa a perder sua última conexão com Ellie. Um olheiro chamado Russell aparece se oferecendo para ajudar Carl. Carl bate a porta na cara do Russell. Quando o tribunal exige que Carl abandone sua casa e se mude para um lar de idosos, Carl escapa de seu destino anexando milhares de balões de hélio em sua casa e partindo para Paradise Falls sozinho, ou assim ele pensa. Acontece que Russell estava de pé na varanda. O par improvável flutua através uma tempestade desagradável e pousa em um penhasco, em frente a Paradise Falls. Enquanto Carl arrasta a casa para as cataratas mais dois personagens se juntam à sua tripulação improvável. Kevin, um pássaro exótico enorme, e Doug um cão falante. Acontece que Doug faz parte de um bando de cães que estão caçando Kevin. Carl e a gangue são pegos pelos cães de caça, que é claro, pertencem ao herói perdido de Carl Charles Muntz. Muntz ficou um pouco louco depois de anos longe da civilização e ele está mais desesperado do que nunca para colocar as mãos em Kevin, aquele pássaro raro. Muntz captura Kevin e Carl e Russell correr para ele. Chegaram a Paradise Falls, mas Russell está furioso por Carl ter deixado Muntz capturar Kevin. Russell decide voltar e salvar o pássaro. Carl está sozinho de novo. Ele encontra o livro de aventura de infância de Ellie e uma nota dentro encorajando-o a ir em uma nova aventura agora que ela se foi. Seguindo o conselho dela, Carl entra na casa dele e vai atrás do Russell. Carl e Muntz lutam no dirigível steampunk do Muntz. Carl é capaz de resgatar Russell, Kevin e Doug. Mas infelizmente a casa de Carl está solta na luta e se afasta. Muntz cai para sua morte. Quando Carl e Russell voltam para casa, vemos uma última foto da casa de Carl e Ellie chegando em Paradise Falls. É fácil ter uma boa narrativa como garantida. Você provavelmente notou que a ressonância emocional é realmente cozida na paleta de cores e o script de cores é o primeiro passo para fazer essa conexão. 10. Aula: estilo e personagem: Aqui está uma citação do nosso velho amigo Goethe, que resume o próximo tópico. Para o resto da turma, vamos nos concentrar no estilo de cores. Estilo de cor é um conjunto de diretrizes que distinguem a aparência de uma narrativa visual. Estes são alguns painéis de um dos meus quadrinhos chamado “A Exploit”. É uma história ambientada num futuro não tão distante sobre uma jovem hacker chamada Lang que está tentando escapar das garras do seu passado conturbado. Passei muito tempo pensando sobre o estilo de cor dessa história. Trata-se de um mundo dividido entre a complexidade confusa da realidade e a indiferença orientada por dados do cenário digital. Eu estou usando a cor não só para definir o tom para um tempo e lugar, mas também para definir o tom para a jornada emocional do personagem Lang. estilo de cor deve sempre ser reproduzido para os temas do projeto. À medida que nos preparamos para entrar em nosso projeto de classe, vamos nos concentrar cada vez mais em como a cor faz um personagem se sentir como um indivíduo. Vamos olhar para alguns shows de desenhos animados que influenciaram meu trabalho através de sua abordagem única para cor, estilo e personagem. Começaremos com os personagens principais do fantástico desenho animado de Rebecca Sugar, Steven Universe. Garnet, Ametista e Pérola são guardiões da Terra. A personalidade de cada personagem em forma física é projetada a partir de uma pedra preciosa colorida embutida em algum lugar em seu corpo. Pearl é um guerreiro gracioso que empunha uma lança. Suas cores pálidas têm um olhar nobre, mas também sugerem as lutas que ela tem com sua auto-estima. Ametista é o guardião divertido e amoroso do chicote. Sua roupa sugere seu passado como uma lutadora áspera e tombada, e Garnet, líder da equipe, está vestida com bloqueios de alto contraste de vermelho e preto, acentuados com as estrelas amarelas em suas poderosas manoplas. Os esquemas de cores de cada uma dessas gemas têm uma estética atraente ao nível da superfície, mas seu propósito é muito mais profundo. A cor é um aspecto fundamental da narrativa visual de Steven Universe , bem como suas viagens de personagens ao longo de muitas temporadas e episódios. Ao longo do show, aprendemos que as gemas podem ser fundidas umas com as outras para criar novos personagens. Olhe novamente para o líder das joias Garnet. Seu visual é perfeito para um guerreiro extra terrestre. Ela projeta um verdadeiro senso de individualidade. Mais tarde na série, você aprende Garnet é a fusão de dois outros personagens: o soldado corajoso e intensamente focado, Ruby eo aristocrata nível cabeça, Sapphire. A fusão dessas duas personalidades mostra por que Garnet está tão bem posicionada para liderar a equipe de heróis. Através desta história, aprendemos que esquema de cores de Garnet reflete o equilíbrio de seus traços de personalidade. A história cada vez mais profunda das pedras preciosas, sua história e seus relacionamentos é uma grande parte do apelo de Steven Universe e enorme fandom. O show se encaixa bem com a longa tradição de crianças amigáveis, tropes de desenhos animados heróicos, mas realmente se destaca por seu estilo de cores bem planejado que permite transmitir uma história de chegada da idade que é rica em construção de mundo, complexidade emocional e muito apelo para um público jovem. Em seguida, vamos olhar para os desenhos de personagens de Lisa Hanawalt. Ela é designer de produção no programa da Netflix BoJack Horseman. Primeiro, Lisa Hanawalt é uma ilustradora incrível. Ela tem um talento real para esmagar padrões de animais coloridos e moda de uma maneira realmente única. Esta atenção para os detalhes do estilo de cor e estilo padrão é realmente fundamental para seus shows de construção mundial. Bojack Horseman é uma história de uma estrela de comédia dos anos 90 vive em Hollywood com seus amigos humanos e antropomórficos. A história salta para frente e para trás através do tempo e o uso de cor e estilo por Lisa Hanawalt é realmente essencial para como essa narrativa flui e funciona. Ao contrário de um monte de desenhos animados, os personagens da idade BoJack e seu olhar reflete a cultura americana e estilo da época. Quando encontramos uma personagem como a perturbada estrela pop Sarah Lynn, sua aparência é distinta da época em que a vemos. 2016 Sarah Lynn parece diferente do início 2000 Sarah Lynn e totalmente diferente de meados dos anos 90 Sarah Lynn. Não é apenas o elenco principal que tem um senso de moda. Cada personagem, incluindo todos os personagens de fundo neste show, é distintamente icônico. Você pode ativar esse show em qualquer cena e ver todos os personagens vivendo suas próprias vidas estranhas. Vou ler algumas citações da Sra. Hanawalt enquanto passamos pelas folhas de modelos de personagens do programa. De uma entrevista com a Beach Media, Hanawalt diz: “Eu realmente quero que tudo pareça muito específico. Só quero que as coisas pareçam únicas e quero pensar em pessoas específicas que conheço. Quando estou desenhando um personagem, eu quero baseá-lo em um vestido que eu vi, que eu não posso tirar da minha cabeça ou muitas vezes quando eu estou perguntando a Raphael, o criador do show, o que você tem em mente para esse personagem em particular? Ele será como Julia Roberts como um canguru. Isso é um bom ponto de salto para mim.” Esta próxima citação é de uma entrevista em peoplemagazine.com. Hanawalt descreve a escolha da roupa de um personagem. “ Primeiro, eu li o roteiro. Então anoto anotações sobre os personagens principais. Eu sempre começo com aqueles que parecem mais divertidos de desenhar. Então eu puxo imagens de blogs de moda, fotos de passarela e minha pilha de revistas de moda japonesas. Adoro combinar diferentes olhares e cores com as personalidades dos personagens”. Então ela perguntou: “Por que você acha que a moda é um elemento importante do seu trabalho?” Hanawalt diz: “A moda é para todos. Não se trata apenas de roupas e modelos caros na passarela. Todos escolhemos o que vestimos todos os dias e estou interessado nessas escolhas. Mesmo se você usar o mesmo moletom com capuz chato todos os dias, essa é uma decisão que conta uma história sobre você.” Eu amo isso porque há um cartunista e ilustrador, eu estou constantemente procurando maneiras de fazer meus desenhos se sentir real sem sacrificar essa vibração surreal de um mundo de desenhos animados. Para mim, BoJack prova como a moda, particularmente os padrões, pode fazer um mundo parecer real. uso de padrão, cor e estilo por Hanawalt é algo que torna o BoJack realmente único. Em algum lugar lá fora, há um menino de cabeça grande que diz, “Ei, eu tenho sido um ícone de moda de desenhos animados desde os anos 50.” E para isso eu gostaria de dizer, “Vai pilotar uma pipa, Charlie Brown.” 11. Projeto: configurações, ferramentas e atalhos: É hora de passar para a seção de projeto de classe do curso. Você vai querer começar abrindo o Adobe Photoshop. No momento da gravação, estou trabalhando na versão 2019 da Creative Cloud. É final de dezembro de 2018. Se você fez uma atualização recentemente, esta é a mesma versão com a qual você está trabalhando. Neste capítulo. Prepararemos nosso arquivo do Photoshop, analisaremos algumas ferramentas e elas serão atalhos. Vamos começar abrindo um novo documento. Vou trabalhar em um formato específico, configurado para a minha aula de Skillshare. Estou usando 1920 por 1080 HD 300 pixels por polegada. 1920 por 1080 é resolução com relação de aspecto 16-9. É equivalente a formatos de TV HD. Você pode usar o mesmo formato que eu ou você pode revisar sua proporção. Mas eu recomendo, manter os pixels por polegada pelo menos 300 para qualidade de impressão. Antes de entrarmos em ferramentas, deixe-me descrever como, estou sentado no meu espaço de trabalho. Eu tenho o meu tablet de desenho bem na minha frente. É um segundo monitor conectado ao meu iMac. Eu sou destro, mantenho meu teclado apenas à esquerda dentro de um alcance confortável da minha mão esquerda porque há atalhos de teclado, eu estou constantemente usando enquanto eu estou desenhando com a minha direita. O primeiro passo do nosso processo, será fazer um esboço rápido para ser pintado e depois colorido. Vou mudar para uma ferramenta de lápis. Estou mais confortável com um lápis azul sem foto. Você poderia esboçar com o grafite cinza ou preto usual. Mas eu gosto do azul porque há um bom contraste entre o azul e o preto do meu trabalho final. Estou usando os pincéis de Kyle T Webster. Você poderia realmente usar quaisquer pincéis padrão. Na verdade, acho que muitos dos Kyle estão agora integrados na Creative Cloud. Ao baixar o Photoshop, você provavelmente está recebendo o conjunto de tintas, desenhos e pincéis de Kyle Webster. Se você quiser navegar os pincéis Kyle Webster, você pode ir para o, Obter mais pincéis menu e baixar outros conjuntos enquanto eu estou desenhando, e novamente, há alguns atalhos de teclado básicos que eu mantenho à mão, para simplificar o meu processo. Uma é a tecla B, que é o atalho de pincel no teclado. O EK é o atalho para a ferramenta Borracha. Você pode alternar para frente e para trás facilmente entre o B e o E. Eu sugiro que não seja obcecado com excesso de apagamento. Apagar muda de marcha e meu processo criativo enquanto estou desenhando. Sugiro evitar a borracha, tanto quanto possível. Eu também acho que é realmente útil para ser capaz de ajustar o tamanho do pincel enquanto eu trabalho. A tecla do colchete esquerdo teclado encolhe o tamanho do pincel e a tecla do colchete direito aumentará o tamanho do pincel. Outro atalho que nos ajudará, especialmente quando entrarmos em cores, é manter pressionada a tecla Alt ou Option no teclado. Isso muda o ponteiro para o amostrador de cores. Se você precisar fazer uma alteração rápida, cor do pincel, selecione a ferramenta de pincel e procure a barra de ferramentas ativa, você verá um controle deslizante rotulado suavização. Esse recurso ajuda você a suavizar qualquer nervosismo em sua linha enquanto você desenha. No controle deslizante, você pode inserir um valor de 1-100. O valor mais alto, significa mais suavização, aplicado ao seu gesto. As configurações da ferramenta de suavização, agora, estão definidas como padrão. Se você abrir esse pequeno menu de engrenagens, você verá que tem ketchup de curso e ajuste para zoom. Ketchup de traçado significa que a linha continuará a completar seu caminho, mesmo depois que você parar de desenhar, você provavelmente quer manter isso ligado. Ajuste para zoom, reduzirá a suavização à medida que você ampliar seu trabalho artístico. Isso preservará o gesto geral da sua arte de linha. Eu definitivamente recomendo manter isso ligado. As outras configurações sob a engrenagem são um tópico para outra classe, mas há muito potencial nelas, e se você quiser explorar isso ainda mais, recomendo Google, suavização de pinceladas no Photoshop CC para saber mais. Suavização pode ser um pouco distrativo enquanto você está desenhando, você provavelmente quer que ele definido muito baixo. Pode ajustar a suavização em tempo real com o atalho de teclado, mantenha premida a tecla Option ou Alt e prima uma tecla numérica. Mantendo a opção e pressionando a tecla uma definirá sua suavização para 10 por cento opção, e as duas teclas dirão que você está suavizando para 20 por cento e assim por diante. Essas são as ferramentas básicas e atalhos que nos ajudarão a esboçar a tinta nossa ilustração. Agora vamos falar sobre encontrar inspiração para o primeiro esboço. 12. Projeto: inspiração e orientações: Aqui está uma rápida olhada no meu projeto de classe totalmente colorido. A ilustração foi inspirada nas referências do Universo Steven e Bojack Horsemen. Nós olhamos no estilo no personagem Capítulo desta classe. Antes de entrarmos em cores especificamente, precisamos esboçar um design de tinta que vai nos desafiar a utilizar a teoria da cor na prática profissional que eu falei nas partes anteriores deste curso. O tema do meu projeto de classe é guardião elementar. Você estará desenhando, pintando e colorindo um personagem humanóide cuja personalidade e estilo são enfatizados por elementos naturais. Primeiro, precisamos de algumas imagens de referência para inspirar nosso design de personagem. Para ligar o meu projecto à citação que inspirou toda esta turma, estou a sugerir que todos façamos referência ao trabalho da Georgia O'Keeffe. Por que O'Keefe? Bem, para começar, ela é uma artista com um extenso corpo de trabalho que é bem documentado. Você tem muito para escolher. A outra razão é que seu trabalho cobre uma ampla gama de cores naturais, formas e energia emocional. As probabilidades são que você vai encontrar algo que te inspire. Acho que ela é perfeita para a aula e os tópicos que abordo nela. Mas se você tem um artista favorito que trabalha com a natureza e a cor de maneiras semelhantes, por todos os meios, use-os como referência. Na verdade, pontos de bônus se você usar um artistas incríveis que eu nunca ouvi falar antes. Depois de navegar pelo trabalho de O'Keeffe no Pinterest por um tempo, resolvi esta pintura chamada flor azul. Gosto das formas, das formas e do equilíbrio entre luz e escuridão nesta imagem. Tem uma vibração, mas também tem uma escuridão no seu centro, literalmente. Eu realmente quero tornar este projeto de classe acessível a todos os níveis de habilidades de desenho. Antes de compartilhar meu processo de esboçar esse design final do personagem, deixe-me rever algumas diretrizes que ajudarão até mesmo artistas iniciantes a criar algo legal. primeira regra do projeto de classe é manter as proporções humanas. Comece com um círculo para a cabeça, em seguida, adicione um retângulo para o tronco que é aproximadamente a mesma altura que a cabeça, mas ligeiramente mais largo. Agora adicione um retângulo do tamanho de três torsos empilhados um sobre o outro. Isso representa as dimensões das pernas. Agora adicione retângulos muito longos em cada lado para representar as dimensões do braço. Separe as extremidades do retângulo em blocos onde as mãos estarão. Agora separe as pernas, os pés e a área pélvica. Agora você basicamente bloqueou as proporções de uma pessoa e está pronto para construir um design dentro do. Neste formulário básico, você pode começar a adicionar elementos de design simples inspirados em sua pintura de referência. Experimente dividir o formulário com algumas linhas, mas não complique demais o design, especialmente se você é novo no Photoshop, você quer dar tempo para dominar as ferramentas em um projeto simples antes de entrar em Algo mais ambicioso. Usando seus atalhos para o B para pincel e E para Apagar, trabalhe seu caminho através do esboço, realçando a personalidade do personagem adicionando floreios e um ponto de ênfase. Vamos precisar dessas características distintas do design para pensar sobre quando vamos adicionar cor. Uma vez que você tem um esboço, você está muito feliz com, considere bloquear partes do design para ter uma idéia do potencial de contraste e do estágio final de coloração. Neste ponto, temos um esboço decente que poderia realmente funcionar. Se você é novo no desenho, fique à vontade para manter seu design simples e voltado para a frente. Mas se você quer um pouco de desafio, esboçar seu personagem em uma curva de três quartos, é a maneira mais popular de ilustrar um personagem de desenho animado. Este ângulo cria mais oportunidades para usarmos fontes de luz em um estágio posterior do nosso design de cores. Temos algumas diretrizes simples e fortes para o nosso projeto de guardião elementar. Você não precisa se esforçar para criar um esboço e ilustração incríveis, mantenha-o simples. No próximo capítulo, vamos passar para um processo que chamo de esboço em três estágios. Estarei trabalhando no meu próprio nível de habilidade. Eu só peço que você encontre um lugar que você esteja confortável para desenhar e começar a partir daí. 13. Projeto: esboço em três etapas: esboço em três estágios é a idéia de que três iterações de um design de personagem resultarão no equilíbrio mais forte entre apelo ilustrativo e clareza de design. Em uma de minhas outras aulas chamadas Illustration By Design, eu falo sobre como os princípios das artes gráficas podem elevar a clareza do design em uma ilustração. esboço em três estágios é uma abordagem semelhante à arte. Realmente, trata-se de estar na mentalidade certa em fases cruciais do seu processo criativo. A primeira iteração do seu esboço deve revelar o tipo físico do personagem. O artista deve estar focando na proporção e na forma geral de suas escolhas de design. As formas de seus personagens são macias e pesadas? Eles são leves e afiados? Para mim, quero que meu guardião elementar seja uma figura de alto escalão, alguém com autoridade. Mantendo as proporções humanas em mente, estou desenhando formas que parecem altas e estáveis. Esta personagem não é uma guerreira, ela não tem qualquer força física aparente ou traje atlético. Ela foi projetada para ser uma figura de respeito. Permanecer e falar são seus papéis em sua cultura. Seus trajes devem se sentir graciosos e equilibrados. Como as formas florais de O'Keeffe que a inspiram. Quando eu tiver estabelecido com sucesso a pose de proporções na forma geral deste caractere, eu baixo a opacidade da primeira camada de esboço usando o controle deslizante de opacidade na guia de camada. Neste caso, eu vou mudar a cor do meu lápis de esboço para vermelho, para ajudá-lo a aparecer melhor no vídeo. Mantenha-o azul se quiser, mas às vezes é útil ter um pouco de contraste à medida que você estiver desenhando. Iteração 2 é sobre refinar os traços físicos dos personagens e trazer os elementos de design. Eu costumo começar com o rosto e headwear porque eles são os mais intimamente ligados à personalidade do personagem. Você pode ver que a coroa deste personagem é inspirada nas formas centrais da pintura O'Keeffe. rosto do meu personagem vai ser longo e estreito e eu posso enfatizar essa idéia dando-lhe um nariz mais longo e sobrancelhas levantadas e orelhas altas. Quero que o custo humano seja colocado em camadas. Estou separando a saia da blusa e colocando uma pedra real no centro dela. Isso se assemelha à pequena forma amarela na pintura, provavelmente o estigma, que o pólen atrai parte da flor. Esse ponto de ênfase representa sua feminilidade? Acho que isso é um tópico para outra aula, então vamos seguir em frente. Sua metade inferior, o que significa que qualquer coisa que esteja abaixo da cintura, incluindo as mãos neste caso, vai sair para aumentar a sensação de estabilidade. É como se ela estivesse crescendo fora do chão. Você vai notar aqui que eu tenho uma linha vertical que atravessa o centro da figura, isso me ajuda a estabelecer aquela curva de três quartos da pose do personagem. Agora estou começando a dar mais forma e florescer ao vestido de personagens. Vamos tentar representar as pétalas da pintura na parte de trás do vestido. Isso dá ao personagem um pouco mais de uma presença fantástica. Agora vou desligar o primeiro esboço azul e tirar um momento para avaliar o segundo esboço. Sem a distração dessa primeira iteração, posso refinar alguns detalhes do meu personagem. Vou voltar à cara e dar-lhe mais personalidade. Quero empurrar o lado autoral da personalidade dela e dar-lhe uma estrutura facial ligeiramente angular. Quero que o personagem se sinta um pouco além do humano. Estou fazendo o que me refiro como empurrando as formas do esboço, isso significa esticá-las e distingui-las. Eu também vou tentar transformar as pétalas atrás da cabeça em algo de uma cor real, algo que emoldura seu rosto e se sente totalmente impraticável. Em seguida, eu estou trazendo um pouco mais de forma para as pétalas de vestidos. A iteração 2 está concluída. Só quando eu sinto que eu realmente perdi meu caminho no meu projeto, eu retornarei a essa primeira iteração. Neste caso, acho que meu projeto é fiel à minha intenção original. Vou passar para a terceira iteração sem olhar para trás. Mais uma vez, eu abaixo a opacidade da camada e eu vou voltar para aquele lápis azul com um tamanho de pincel ligeiramente maior, eu possa obter mais variação de peso no meu trabalho de linha. Isto começa o meu esboço final. Agora, desta vez, meu objetivo é agilizar esse design para a máxima legibilidade. A terceira iteração não é sobre adicionar mais detalhes, se alguma coisa, é sobre levá-los embora. Trata-se de simplificação e ênfase da personalidade e presença física do personagem. Personalidade para o meu personagem vem das formas do rosto. Características elevadas implicam um senso de outro conhecimento mundano. O cabelo atrás de sua coroa dá um pequeno indício de um verdadeiro eu e talvez quase implica sua idade. Vamos chamar isso de humanidade, por falta de um termo alienígena melhor. Na terceira iteração, uma vez que eu me afasto do rosto, eu tento esboçar em formas amplas e confiantes e pensar na silhueta geral minhas formas criam e menos sobre quaisquer detalhes específicos de uma forma singular. Você percebe que estou adicionando algumas linhas soltas no vestido, torso e cor para trazer um pouco de redondeza e profundidade para o esboço. Agora, dependendo do estilo de tinta, essas linhas podem ou não ser usadas. Neste momento, são apenas notas a considerar na minha próxima fase de tinta. Lá vamos nós. Esse é o meu esboço acabado. Então, esboçar em três estágios, é mais uma filosofia do que uma prática. Você pode ser mais um sketcher de dois estágios ou um sketcher de quatro estágios ou um sketcher de trinta estágios. Realmente não importa quantos esboços você realmente faz, desde que, dentro desse processo, você esteja criando tempo para esclarecer completamente os elementos de design do seu personagem e usá-los para impor a personalidade dos desenhos. 14. Projeto: finalização: À medida que me preparo para pintar meu esboço, vou ajustar algumas configurações de pincel no Photoshop para acomodar meu próprio estilo de tinta vou ajustar algumas configurações de pincel no . Essas configurações, é claro, serão um pouco variadas para cada um de vocês. Para este projeto, estou trabalhando com um pincel da pasta de pincéis gerais rotulada como rodada dura, e estou usando um tamanho de ponta de 10. Agora, se você olhar na barra de configurações ao lado do controle deslizante de suavização, verá um ícone para a pressão do pincel. Parece um pouco de olho de touro, ligado que se você quiser usar seu tablet escovas sensibilidade à pressão. Uma vez que a minha ponta de pincel está definida para um tamanho bastante pequeno, você não vai ver muita variação no meu peso de linha, vai ser mudanças sutis. Se a tinta é um novo conceito para você e você ainda tem que desenvolver um gesto de tinta confiante, você quer fazer a mesma coisa, mantenha seu tamanho de pincel pequeno. Se você tem um tamanho de pincel grande e muita variação na pressão da mão, você vai obter um peso de linha realmente inconsistente. Para este projeto queremos linhas limpas, suaves e uniformes. Confie em mim, vai tornar a coloração muito mais fácil. Como alguém que tem sido tinta por um longo tempo, eu tenho um gesto de linha bastante confiante, então eu não preciso de um monte de suavização. Muitas vezes minha suavização é ajustada para cerca de 10 por cento, mas com esse design específico, eu também sei que eu tenho algumas curvas maciças nele, e eu não quero que eles sejam todos nervosos, então eu vou definir minha suavização acima do que o habitual e eu vou com cerca de 20 por cento. Lembre-se, você pode ajustar a suavização em tempo real mantendo pressionada a tecla Alt e pressionando um número no teclado numérico. Meus objetivos com tinta são criar linhas simples e limpas e ser poupador com textura. Você pode ver que o cabelo do personagem e aspecto que eu descrevi como a humanidade do personagem, é realmente o único lugar, eu estou adicionando detalhes extras à minha tinta. É só a minha maneira de trazer um pouco de mistério e alguma profundidade extra ao design deste personagem. Estilo dos desenhos animados novamente é um dos estilos de tinta mais esparsos lá fora. Devido ao fato de que você provavelmente está projetando um personagem que precisará ser esboçado e pintado uma e outra vez. Seja um personagem para uma tira de quadrinhos de vários painéis ou um grande projeto de animação, o desafio de projetar um personagem de desenho animado é ser excêntrico e emocionante em conceito, mas reservado em execução. Considere o papel de cada linha que você pinta, está tornando seu design melhor? Se não, talvez poupe o esforço e decida que ele não precisa estar lá. Uma vez que eu tenha pintado todas as minhas linhas importantes, eu estou pronto para ir para o evento principal, modelagem 3D. Não, só estou brincando, obviamente é cor. Só queria ter certeza que você ainda está prestando atenção. 15. Projeto: bloqueio de cores: Bloqueio de cores é onde você vai estabelecer a paleta de cores base do seu design. Antes de começarmos a bloquear, vamos falar sobre o uso da roda de cores. Depois de decidir quem é meu personagem, a roda de cores se torna meu próximo estágio de desenvolvimento criativo. Em color.adobe.com, você pode encontrar esta útil ferramenta dandy para projetar harmonias de cores. Você pode usar este menu suspenso aqui para selecionar um estilo de harmonia. Cores análogas são aquelas encontradas em uma cunha estreita da roda de cores. Uma harmonia de cores monocromática usa uma única tonalidade através de uma gama de valores de luz e escuro. As cores complementares são opostos polares que criam um contraste atraente e você também tem algumas outras opções. Sou um grande fã de tríades coloridas. Por quê? Bem, deixa-me mostrar-te. Aqui está um pequeno desenho rápido de um elfo no Explorer. Agora vamos trazer a roda de cores. Um esquema de cores triádico é composto por três pontos uniformemente espaçados em uma roda de cores. Esta fórmula é um ótimo atalho para criar esquemas de cores vibrantes e harmoniosos; que é perfeito para o meu estilo de desenho animado. Você pode ver minhas seleções de cores dobrando as regras de um triângulo uniformemente equilibrado, mas eu ainda tento me manter fiel aos tons de cor uma vez que eu começar a pintar. Só estou usando variações de valores claros e escuros para quebrar as áreas de alto contraste. Agora, a regra geral com a cor dos desenhos animados é que uma paleta de cores restrita tem mais potencial para clareza narrativa e conexão emocional. Agora que sabe onde vou com minha teoria de cores, vamos voltar ao nosso personagem guardião elementar e construir uma paleta de cores usando a tríade e a pintura de O'Keeffe. Olha para isto. É apenas uma coincidência que suas principais harmonias de cores são triádicas? Acho que não, mas vamos deixar essas opções de cores de lado por um momento e configurar nosso espaço de trabalho para um bloqueio de cores rápido e eficiente. Primeiro, eu defino uma pasta com minha camada de tinta e camadas de esboço. É muito inteligente se organizar neste ponto; nosso sistema de camadas está prestes a ficar muito mais complicado com a adição de cor. Agora que estou organizado, seleciono minha camada de tinta e pego a ferramenta varinha mágica, que também é o atalho W no teclado. Eu clico no fundo branco da minha página. Em seguida, vou para o menu de seleção e seleciono “Inverso” ou uso o atalho Ctrl Shift I. Agora eu tenho meu personagem preso em um grande laço. Mas eu tenho um pequeno problema: se eu ampliar a arte da linha, você pode ver que minha seleção inclui alguns pixels cinza ao redor das bordas. Não quero que meu bloqueio de cores sangre fora do meu design de personagem, então preciso modificar essa seleção. Volto ao menu Selecionar na parte superior e deslocarei até metade até “Modificar”. Eu seleciono “Contrato” e recebo um novo pop-up. Neste menu, posso reduzir minha seleção atual por um intervalo de pixels. Para a espessura da minha arte de linha, eu vou tentar contrair por três pixels; isso coloca minha seleção bem no meio da arte de linha. Bem, na maior parte. Mas parece que aqui na linha estreita do dedo mindinho do personagem, minha seleção cai dentro da arte da linha. Se uma seleção não estiver funcionando para você, você também pode voltar para “Seleção” e “Modificar” e escolher “Expandir”. Eu vou expandir por um pixel e eu acho que isso é o mais próximo de perfeito de uma seleção que eu vou conseguir. Agora que eu tenho minha seleção, eu crio uma nova pasta para minhas camadas de cores. Nesta nova camada, eu vou criar uma silhueta branca atrás do meu personagem; dessa forma, mais tarde, quando eu estiver misturando camadas, eu nunca tenho que me preocupar com minhas cores interagindo com elementos de fundo. Haverá sempre um buffer branco entre o personagem e o fundo. Vou selecionar “Branco” na roda de cores e tocar na “ Tecla G ” no teclado para selecionar a ferramenta de balde de pintura. Eu também quero olhar para cima no meu menu 'Opções' aqui e certificar-me de que 'Todas as Camadas' está desativado para que a minha arte de linha não afete o meu preenchimento. Em seguida, preencho minha seleção. Eu vou desligar o jornal para que você possa ver o que eu fiz. Agora, vou liberar minha seleção selecionando 'Desmarcar', ou mantendo o Comando D no teclado. Vou usar Expandir e Contrato com bastante frequência à medida que me movo através do meu estágio de bloqueio de cores, por isso vou atribuir a ambas as funções alguns atalhos de teclado. Na parte inferior do menu Editar, você encontrará o menu Atalho. Comando L será meu atalho Expandir. Parece substituir um atalho do menu Níveis, mas isso não é algo que eu preciso na mão, então eu não me importo; e eu estou definindo a seleção Contrato para Comando K no teclado. Agora vou trazer de volta a minha tríade colorida e começar a bloquear. Eu crio uma nova camada em cima da camada de silhueta branca, eu toco W no teclado para selecionar a ferramenta varinha mágica, e eu clico dentro do vestido. Agora mantenho o Comando K para abrir meu menu Expandir seleção e expandir minha seleção em um pixel. Em seguida, toco em G para a minha ferramenta de pintura e preencho a seleção. Como eu falei sobre em um capítulo anterior sobre coloração dos desenhos animados, cor deve contar a história de um personagem; assim, com a minha gama de opções aqui, eu vou usar o azul na minha tríade como a cor do vestido. O azul tem uma dignidade real. Uso o Comando D para desmarcar minha seleção. Agora, eu passo para a pele. Eu toco W no teclado para selecionar a ferramenta varinha mágica e clico dentro de uma região da skin. Então eu mantenho “Shift” para adicionar à seleção e clique dentro das outras regiões da pele. Depois de selecionar todas as áreas de skin, mantenho o botão “Command K” para abrir meu menu de seleção Expandir e expandir minha seleção em um pixel. Em seguida, toco em “G” para a minha ferramenta de balde de tinta e preencho a seleção. Agora a foto da pintura que eu tenho não é tão vibrante quanto eu quero para o meu desenho de desenho animado, então você vai notar que eu não estou usando os tons deliciosos da tríade amostra, mas eu estou me mantendo fiel à forma da tríade. Vou encher o resto do traje com o verde, e farei com que a pedra elementar combine com a pele dela. Eu também vou encher o cabelo de branco por agora, o que você realmente não pode ver, mas, acredite em mim, ele está lá. Agora eu completei meu bloqueio básico de cores. Você pode ver como seguir as diretrizes básicas da tríade de cores pode realmente levá-lo a um esquema de cores decente com muita vibração e contraste sem muito esforço. Você também notará que eu fiz todo o meu bloqueio de cores em uma única camada; isso torna muito mais fácil fazer ajustes, que é exatamente o que vamos falar no próximo capítulo. 16. Projeto: refinando matizes: Eu estabeleci uma harmonia decente de cores base, mas vamos chamar isso de meu esquema de cores rascunho áspero. Eu ainda quero alguma liberdade para fazer mudanças e para fazer isso, eu preciso ser capaz de ajustar minha harmonia de cores de uma só vez. Vou até o menu Imagem e selecione Ajustes e selecione Matiz/Saturação. É aqui que começa a festa. Com o controle deslizante de matiz, posso manter o equilíbrio da minha tríade de cores enquanto navego esquemas de cores diferentes. É um momento caótico, com certeza. Mas depois de todo esse planejamento e teoria, um pouco de caos é uma coisa boa para sua arte. Como eu faço isso como eu apenas pisquei através de algumas opções até que algo me chama a atenção. Estou realmente atraído por este vermelho profundo para o vestido de personagens. Tem aquele campo real que eu gostava no azul, mas vermelho é uma cor mais poderosa que combina com a minha descrição do personagem, é um aristocrata de alto escalão. Neste ponto, eu quero que você entenda que usar cor é tudo sobre contexto. Não se trata de uma única escolha de cor. É sobre como todos trabalham juntos. Com este arranjo de cores, sinto que sou capaz de aprimorar a individualidade dos personagens. 17. Projeto: saturação e valor: O olho humano é muito sensível às cores. Quando um artista usa cores em uma composição, o contraste entre cores pode criar ou quebrar um relacionamento com uma imagem. Neste momento, eu diria que esta imagem tem um esquema de cores de alta tensão. Sim, é harmonioso como falamos antes, mas é um pouco difícil para os olhos. São só picos e nada de vales. Agora sabemos que há mais aspectos para colorir do que a tonalidade. Na verdade, eu realmente acho que a resposta humana à cor é muito mais sobre o contraste da imagem do que as cores usadas. Os níveis de contraste provêm de duas características distintivas de cor: saturação e valor. Vamos falar de saturação primeiro. Para mim, a saturação é como a força vital interior da sua cor. Altos níveis de saturação fazem seu coração acelerar. Muita saturação definitivamente chama a atenção de um espectador, mas pode realmente esgotar o olho rapidamente. Em desenhos animados, há dois lados para a saturação, ele pode ser usado para criar um apelo feliz para crianças e exagerar uma realidade. Níveis mais baixos de saturação podem trazer um humor sombrio e podem fazer uma história ou personagem se sentir um pouco mais madura ou aterrada. Você notará logo abaixo do controle deslizante de saturação está o controle deslizante de luz que é tecnicamente o controle deslizante de valor. Estou brincando com isso, mas falaremos mais sobre valor em um minuto. Assim como com a tonalidade, mexo isto até ficar feliz. Minhas configurações finais são apenas mudanças sutis. Eu só reduzi a saturação em 13% e a leveza em sete. Pode não parecer grande coisa, mas é o suficiente para dar à minha imagem um pouco mais temperamental. Então, agora que eu adulterei a energia das cores, vamos trazer alguma realidade e profundidade visual para o personagem brincando com valor. Na maior parte, o valor é o impacto ambiental da sua cor. Isso significa as sombras em seu projeto. Gosto de colorir minhas sombras e destaques usando camadas configuradas com máscaras de recorte. Você pode aplicar uma máscara de recorte a uma camada clicando com o botão direito do mouse e selecionando “Criar máscara de recorte” no meio do menu de opções de camada. Quando uma máscara de recorte é aplicada a uma camada, você disse que seus limites visuais são definidos por uma camada base que é a abaixo dela. Eu sei que isso é confuso, mas você pode ver que enquanto eu estou pintando sombras nesta nova camada com uma máscara de corte aplicada, nenhuma cor sai dos limites da camada de cor preta. Isso pode realmente me poupar algum tempo porque agora eu não tenho que me preocupar com a pintura indo para fora das bordas da silhueta do meu personagem. Você pode empilhar várias camadas com máscaras de recorte, uma em cima da outra e elas sempre farão referência a essa camada base. Você pode até usar a camada de silhueta branca que criamos como sua camada base para evitar qualquer derramamento de qualquer uma de suas camadas de cor. Deixe-me apontar algumas outras configurações da minha camada de sombra. “ Estilo de trabalho de sombra” é uma escolha artística muito pessoal, e é assim que eu faço. Defini a mistura de uma camada como “Queimadura de cor” e reduzi a opacidade para 30%. Eu tento fazer todas as minhas sombras para um projeto com a mesma cor roxa profunda. Por uma razão, eu gosto da maneira que este roxo profundo responde à maioria das outras cores na roda de cores e ainda mais importante, ele me ajuda a manter minhas sombras consistentes ao longo de um projeto como um livro de quadrinhos. Meus destaques são feitos basicamente da mesma maneira. Mas em vez de definir uma camada para “Queimadura de cor” eu defini-a para 'Color Dodge. Ao criar destaques e sombras, tento ter em mente a fonte de luz de uma cena. Se você não sabe de onde vem sua fonte de luz, a posição padrão será o canto superior direito, inclinado para baixo na face do personagem. Imagine uma luz de palco apontando para um ator. Minha abordagem ao valor tem dois lados. Eu uso valor praticamente. Quero mostrar a profundidade dos objetos e quero esconder e destacar aspectos importantes de um design de personagem, mas também uso valor narrativo. Neste caso, as sombras mudam a forma como respondemos ao rosto deste personagem. Olha, eu adicionei uma sombra escura sob a sobrancelha para dar a este guardião um pouco mais de intensidade e quase uma sensação ameaçadora. Quando se trata de gestos manuais e configurações de pincel, o meu estilo de sombreamento é basicamente o mesmo que o meu estilo de tinta. Eu uso o mesmo pincel e vários níveis de suavização para criar formas suaves e borbulhantes de sombra e luz. Se este visual brilhante de desenho animado não lhe agrada, tente mudar para um pincel mais texturizado, como um pincel em aquarela ou pastel. Textura vai trazer um senso de cor mais impressionista em seu trabalho, mas também vai adicionar muito mais caráter. Então experimente e veja o que funciona para você. Neste ponto, terminamos de colorir nosso design de personagem. Mas ficar por perto eu tenho mais um capítulo bônus sobre efeitos de cor extras, como mudar uma cena do dia para a noite e colorir seu trabalho linha. 18. BÔNUS! Cor de linha e luz de recorte: Eu estou chamando isso de um capítulo bônus, porque coloração linha e borda luz não são necessários saber para completar o projeto. São apenas algumas técnicas estilísticas extra divertidas. Começará com a cor da linha. É uma maneira muito legal e elegante de quebrar o contraste de uma ilustração. Você começa clonando sua camada de tinta, arraste-a para baixo até o botão de nova camada e você receberá uma cópia nova. Em seguida, clique no botão “Bloquear canal alfa” aqui mesmo. Isso preservará cada nível de transparência de pixels em uma determinada camada. Vou tentar algumas cores diferentes para a minha arte de linha para ver o que melhor se adapta a este projeto. Segurando a opção “Alt” para mudar para o conta-gotas, vou começar por provar a cor da sombra profunda aqui no vestido. Isso parece muito bom, é realmente semelhante ao preto que eu já estava usando. Vamos seguir em frente e tentar uma cor diferente. Que tal este vermelho mais claro na parte superior do vestido? Lembre-se, é tudo preferência pessoal para mim, isso não funciona. Eu amo o contraste da arte da linha preta e se eu ficar muito longe desse sentimento, parece diluir ou obscurecer os detalhes da ilustração. Vamos tentar uma cor totalmente diferente, tal este roxo azulado escuro sob o braço? Isso está começando a mudar o humor da peça geral. Pessoalmente, eu tenho apenas uma única regra quando se trata de cor em linha de arte. Precisa coincidir com o valor mais negro das artes. Você pode ver com este azul escuro, quando você colocá-lo contra os vermelhos profundos, parece mais leve e isso é uma tensão estranha. Você não quer que seus contornos se sintam mais claros do que suas sombras mais escuras. Pessoalmente, se eu vou colorir a linha de arte neste trabalho, eu vou usar este vermelho profundo. Você pode ter todos os tipos de diversão com cores na arte de linha. Eu vou pegar minha ferramenta de pincel e eu gosto de usar um pincel mais suave ao colorir linha. Digamos que eu queira fazer alguns destaques nas extremidades do roupão. Vou clarear um pouco a minha leitura e pintar sobre isso. Graças ao canal Alpha, ele não sai da linha. Podemos trazer um pouco mais de detalhes para a ilustração ampliando e alterando a cor dos olhos do personagem. Repare, não estou tenso para a minha tríade colorida. Estou usando o vermelho profundo no olho, se eu decidir que quero adicionar várias cores à minha arte linha, eu só vou fazê-lo em lugares que empurram as formas e a personalidade do personagem. Digamos que esta coroa é um verdadeiro ponto de ênfase com linhas limpas agradáveis. Eu poderia ir lá e usar o azul mais escuro e mudar a cor da linha para combinar. Vou passar e pegar um cinza escuro para dar um pouco mais de caráter ao cabelo. Acho que isso parece muito legal. Agora vamos dar uma chance a essa coisa de iluminação de aro. Imagine que o nosso guardião elementar entrou numa misteriosa caverna espacial e encontrou um rapaz do rock radioativo, é hipotético. A iluminação numa cena como esta tem duas coisas que temos de lidar. Primeiro, é a escuridão. Vou desligar minhas camadas antigas de destaque e sombra porque elas não se aplicam mais aqui. Em seguida, faço uma nova camada e crio uma máscara de recorte. Vou nomear esta noite de camada. Depois enchei-o com um azul profundo e movo-o para o topo da minha lista de máscaras de recorte. Lembre-se que ainda está abaixo das camadas de arte de linha, então as manchas coloridas nelas permanecem visíveis, eu vou lidar com elas em breve, mas primeiro, eu vou apagar o azul onde os olhos estão. Nos mundos dos desenhos animados, os olhos brilham sempre no escuro. Em seguida, reduzi a camada noturna para 75% de opacidade. Esta é uma maneira de fazê-lo, outros artistas gostam de mudar a camada de mesclagem para multiplicar em vez de diminuir a opacidade, é realmente com você. Vou mudar o forro de cabelo de volta para vermelho profundo, quero que as texturas do cabelo apareçam nesta cena escura. A luz do aro é um termo de cor elegante, bem como um termo de fotografia para iluminação dramática que é restringida às bordas mais finas de um assunto, mas não é apenas uma linha, iluminação do aro precisa representar a forma dos assuntos. primeiro passo é criar uma nova camada e criar uma máscara de recorte. Agora eu definir minha cor de primeiro plano para a cor do brilho dos meninos da caverna, agora eu agarrei minha ferramenta Lasso, respire fundo e balançá-lo em torno de uma região do personagem onde os meninos da caverna brilham fora de. Agora eu uso o atalho de teclado Alt, Option, Delete para preencher esta seleção com a cor de primeiro plano Command D para desmarcar. Agora eu só trabalhei meu caminho em torno do design. Eu também gosto de pensar sobre o que a superfície é feita quando eu planejo a iluminação da minha borda. Por exemplo, a pedra no peito dos meus guardiões vai refletir a luz de forma diferente do tecido do vestido. Eu não quero exagerar, é chamado de iluminação de aro, é claro. iluminação do aro não é legal? Você não está feliz que você ficou com ele e assistir este capítulo bônus? É triste dizer que estamos chegando ao fim da aula, é hora de encerrá-la. 19. Para finalizar: Obrigado por assistir World of Color. Espero que você tenha uma melhor compreensão da teoria das cores agora, maneiras de aplicá-la à sua própria ilustração e arte narrativa e, claro, algumas ótimas dicas e técnicas para melhorar seu fluxo de trabalho no Photoshop. Quando você criar um guardião elementar próprio, inspirado nesta classe, é claro, por favor compartilhá-lo na seção do projeto da classe. Compartilhar seu trabalho e contribuir com a turma ajuda outros alunos a descobri-lo, ajuda a tendência da turma, que me inspira a fazer mais aulas, e isso realmente ajuda a construir a comunidade em torno do meu canal Skillshare. Antes de você ir embora, tenho algumas coisas que gostaria de compartilhar com você. Se você gostou de World of Color, você pode desfrutar de algumas das minhas outras aulas. Eu tenho um sobre arte conceitual, Desenho de Mundos Imaginários, uma aula de ilustração criativa, focando no design de monstros marinhos e criando criaturas ricas. Ilustração por Design é uma classe bastante única. Eu olho para o movimento Art Nouveau e como artistas visuais estavam adotando habilidades de design gráfico. Eu fiz esta aula como uma forma de ajudar os ilustradores a pensar mais sobre suas habilidades de composição e design. Eu tenho algumas aulas básicas de cartooning. Um que se concentra em rostos e expressões, outro que lida com corpos e poses, e uma aula que chamo de Ink and Illustration, uma visão geral de alguns dos meus livros infantis favoritos, ilustradores e como eles influenciam o meu estilo. Certifique-se de que está a seguir o meu canal Skillshare. Estou fazendo uma coisa chamada Pais da Classe, onde envio basicamente um boletim informativo, onde falo sobre algum trabalho meu, artistas e ilustradores, e projetos criativos que estão me inspirando. Por último, mas não menos importante, eu tenho um site onde você pode ler um monte de meus livros de graça. Eu tenho um thriller de ficção científica chamado The Exploit, uma história de aventura de monstros marinhos piratas chamada Aquarium Drift, um conto sobrenatural assustador chamado Witch Knots, e todos os tipos de outras coisas que eu espero que você possa desfrutar. Obrigado por ficar por aqui e te vejo da próxima vez.