Técnicas de filmagem: configurações de câmera para narrativa

1. Introdução do curso, AQUI VAMOS NÓS!: Você está no local filmando algumas filmagens épicas. Você tem alguns movimentos doentios e algumas configurações de câmera doente. Carregue essa filmagem, aqui vamos nós. É tão granulado, está superexposto, é laranja, é azul. Quem você está enganando? Você não é cineasta, nem sabe usar sua câmera. Não, pegue a câmera do lixo e clique neste curso. Esta aula parece insana. Técnicas de produção de filmes: Configurações da câmera para contar histórias. Porque este curso é para você, o iniciante que estava determinado a aprender o básico, mas também aprender as coisas mais avançadas também, porque suas ambições vão além do modo automático. Talvez queiras fazer isto para viver, talvez possas ser pago para fazer isto. Talvez você possa ser pago para fazer isso. Incrível. Sair dele, clique na primeira lição. Você aprenderá com Sean, que tem mais de 10 anos de experiência trabalhando como criador de vídeos. Uau, esses caras têm sorte. Ele ensina o que todas essas palavras estranhas significam e por que elas são importantes para o cinema. Legal. Mais importante, contar histórias. Você pega sua própria câmera e aprende tudo sobre como usar essas configurações manuais. Você até testa algumas dessas teorias em seu telefone, e a câmera de seu amigo também. É melhor devolver isso a ele, você tem isso há meses. Você continua assistindo e obtém insights técnicos sobre configurações da câmera, técnicas de filmagem e como usá-las para contar sua história de forma criativa. Uau, uau. Você absorve as técnicas de aprendizagem como uma esponja, terminando o curso, ficando mais confiante em usar sua câmera, criando imagens que parecem mais cinematográficas, profissionais e polidas. Você começa a perceber. Este material técnico é importante. Isso me dá a liberdade de ser criativo e contar histórias incríveis. Volta agora e filma a sequência que estragaste tudo da primeira vez. Publique seu projeto na galeria do projeto e obtenha feedback incrível. Agora você está pronto para realizar mais projetos com todo o seu novo conhecimento e experiência. Sim, você, meu amigo é incrível. Incrível. 2. Projeto do curso: Estou feliz que tenha escolhido fazer minha aula. Vamos começar discutindo nosso projeto de classe. Você criará uma breve sequência de fotos para contar uma mini história usando o modo manual em sua câmera DSLR mirrorless ou até mesmo seu iPhone. O que estamos apontando é uma sequência curta de menos de 30 segundos com quantos tiros ou tão pequenos quanto você quiser. Sua história pode ser um dia na praia, caminhando pela floresta, o que quiser, apenas mantenha simples. Terei mais dicas na Lição 19 sobre filmar sua sequência. Vou entrar em mais detalhes na próxima lição sobre o que eu acho que é uma história. Mas para o bem deste projeto, quando eu uso a palavra “história”, eu só quero dizer um simples começo, meio e fim. Não precisa ser uma mudança de vida. Por exemplo, você poderia fazer algo assim, uma sequência de três tiros, ou algo mais complexo. A ideia aqui é mostrar as técnicas aprendidas depois fazer o curso e aplicá-las à sua sequência de tiro. Também queremos ver as escolhas técnicas que você fez para alcançar sua sequência de história. Os pontos de bônus vão para aqueles que publicam suas especificações técnicas em cada tiro. Isso pode ser colocado dentro da própria sequência de tiro com um gráfico ou escrito abaixo do vídeo enviado quando você postar seu projeto na galeria do projeto. Ao passar pelas lições, inspire-se pelo que aprende e experimente as ideias à medida que elas surgirem. Se puder, assista enquanto tem a câmera na mão, para que possa mover os mostradores e testar a câmera enquanto assiste e aprende. Leve sua câmera com você para lugares depois de assistir a lição e teste cada técnica aprendida. A maior coisa que eu encorajaria você a fazer é experimentar. Não se preocupe em tirar a foto perfeita. Basta colocar algo na câmera e repetir o processo. Use suas ideias de história como seu guia para suas fotos. Se você não tem nenhuma idéia agora, eu tenho certeza que você terá algumas depois de assistir mais aulas. O que é tão bom em um projeto como este é que ele é curto e doce. É baixo compromisso e você terá altos ganhos em aprendizagem e experiência. Uma coisa que sempre me agrada é que nenhuma oportunidade é desperdiçada. Mesmo quando você sente que, oh, aquele tiro foi terrível, você pode entrar e ver suas fotos e ser super feliz com elas, ou você pode pensar, oh, na verdade, essas são fotos terríveis. Mas você não está perdendo muito. Você poderia apenas considerar isso como outra experiência de aprendizagem. Aceitaria isso como uma palavra de encorajamento. Se não está satisfeito com o seu trabalho, tente novamente. Falhe rapidamente. Isso faz parte do ciclo de aprendizagem. O que você vai precisar é de acesso a uma câmera. Pode ser um DSLR, câmera sem espelho ou iPhone com um aplicativo para controlar configurações manuais de vídeo. Qualquer câmera com configurações manuais fará bem. Se você estiver usando um iPhone ou um Android, eu recomendo qualquer um dos aplicativos listados aqui. Eles permitirão que você tenha controle total sobre suas configurações de vídeo, o que, novamente, é essencial para esta classe. Porque há tantas marcas de câmeras diferentes, isso não vai ser uma aula passando por menus mostrando onde as coisas estão nos menus, porque é diferente para cada câmera. O objetivo desta aula é ensiná-lo a aplicar as configurações universais e técnicas de filmagem para começar em qualquer câmera com o modo manual. Há muito a aprender quando você começa a filmar pela primeira vez com sua câmera. Pode ser um desafio porque há muitas configurações e funções em uma câmera e todas elas estão interconectadas. Então, se você está alterando uma coisa, você provavelmente vai afetar outra coisa. Haverá momentos ou lições completas dedicadas a fornecer muita informação ao mesmo tempo sobre uma determinada configuração ou técnica da câmera. Haverá também momentos em que esta informação será aplicada a exemplos práticos. A informação não é apenas teórica. Durante estes momentos de carregamento de informações, faça o seu melhor para manter a calma. Tome notas se precisar. Faça perguntas. É importante entender como e por que essas configurações funcionam que você tenha controle total ao aplicá-las praticamente em seus projetos de vídeo. Meu objetivo é ensinar a você configurações de cinema, seus usos em situações práticas, e como eles suportam a história para que você possa aplicar esses princípios a todos os tipos de filmes, desde curtas-metragens ao YouTube e até mesmo a trabalho de cliente pago. Espero que esteja animada para começar. Vamos lá. 3. Configurações de câmera e história: O objetivo deste curso é ter uma compreensão mais profunda de sua câmera e como usar suas configurações através de teoria e técnica para criar grandes imagens. A razão pela qual aprendemos a usar nossa câmera ao máximo, é cumprir o propósito das histórias que escolhemos contar. Saber que todas essas lições contribuirão para melhor produção cinematográfica levará você ao longo do curso, e junto com alguns dos conteúdos mais desafiadores que ele possa apresentar. Uma história tem um começo, um meio e um fim, e tem a capacidade de se conectar emocionalmente com seu público. O propósito de uma história depende da pessoa que a conta, e ela também pode mudar de acordo com a pessoa que a interpreta. Você pode estar contando uma história por meio de comédia de esboços para entreter seu público do YouTube. Talvez sua história seja um pequeno anúncio em que você está tentando vender um produto, ou talvez você esteja tentando persuadir alguém a reconsiderar seus pensamentos sobre algo com um ensaio em vídeo sobre um determinado tópico. Sejam quais forem os objetivos da sua história, o objetivo é conectar-se emocionalmente. Talvez você faça as pessoas rir, chorar ou irritá-las, e no final de uma história de sucesso, isso pode persuadir o espectador a agir, a fazer uma mudança, a comprar um produto, ou a sentir-se bem momento que ilumina o seu dia. Olhe para baixo. Para trás. Onde você está? Você está em um barco. Sei que sou um dos muitos influenciados pelos comerciais do Old Spice. Eles me fizeram rir e pensar como o marketing era genial, e quando eu o vejo na loja, honestamente, eu escolho comprá-lo mesmo sabendo o marketing por trás dele. Estou num cavalo. Nem todos os anúncios ou filmes se conectam com sucesso ao público. A falha faz parte do processo. Mas é bom saber o que estamos buscando, que é uma conexão com o público. Como escolhemos filmar algo muda drasticamente a maneira e o público interpreta seu significado e intenções. Há muitos elementos que entram em contar histórias, incluindo a própria história. Neste curso, estamos nos concentrando em uma parte pequena mas importante da produção de filmes em câmeras com modo manual, aprendendo sobre configurações da câmera e técnicas de filmagem e como elas ajudam a filmar as histórias que você quer contar. Seu próximo objetivo é começar a pensar sobre as histórias que você quer contar. Como você quer afetar seu público? Você quer inspirar? Criar curiosidade? Fazer as pessoas rirem? Decidir sobre intenções simples como estas é uma ótima maneira de criar um propósito para o seu projeto. Se você está lutando para encontrar uma intenção, veja o conteúdo que você está assistindo agora. Como é que esse conteúdo te atinge? Depois de assistir, você se sente feliz? Talvez você chore. Talvez você esteja inspirado. Isto é uma loucura. Se ele evoca alguma emoção dentro de você, então ele se conectou emocionalmente com sucesso. Dependendo de como isso faz você pensar ou se sentir depois, é um bom sinal de qual era a intenção do cineasta. Tudo o que estou a oferecer é a verdade, nada mais. Lembro-me que depois de assistir o Matrix pela primeira vez, fiquei impressionado, e fiquei inspirado a pensar profundamente sobre as coisas. Pode parecer brega, mas na altura a história ajudou-me a pensar problemas com os quais estava a lidar de uma forma diferente. Se eu estivesse enfrentando algo desafiador na vida, eu ligaria um Matrix e assistiria, apenas uma zona fora. Já vi o filme mais de 30 vezes e é só um filme importante para mim. Talvez haja uma ideia que você queira experimentar. Você pode testar ideias à medida que aprende novos conceitos e técnicas. Quando terminar todas as lições, você tem mais técnicas e conhecimentos para fazer backup das histórias que deseja contar. Lembre-se, a razão pela qual aprendemos os detalhes técnicos de nossas configurações de câmera e técnicas de filmagem é para contar histórias mais eficazes para ajudar a ampliar os pontos pretendidos de uma história e impactar muito seu público. Recapitular. Uma história tem um começo, um meio e um fim, e se conecta emocionalmente ao seu público. Descubra quais são as intenções da sua história para os espectadores. É para inspirar, rir, chorar? Isso ajudará você a alcançar os objetivos que você tem em seu projeto. Aprendemos técnicas de câmera e configurações para que possamos contar histórias mais eficazes. Esta é uma pequena parte do cinema, mas uma muito importante para entender, a fim de obter uma imagem adequada para começar. A próxima lição, vamos aprender sobre abertura. 4. Abertura: Uma parte importante de contar histórias eficazes é ter controle total de sua câmera. Vamos começar com a abertura, uma função importante ao expor corretamente uma imagem e ajustar sua profundidade de campo. A abertura é o mecanismo de abertura em uma lente que permite que a luz alcance um sensor de câmera. Se você olhar para esta lente, você pode ver que o buraco na câmera é composto por essas lâminas de abertura. Eles podem fazer o buraco maior ou menor. Esta abertura é medida em f-stops. Quanto maior o número f, menor o buraco ou menos luz é deixada entrar, e quanto menor o número f, maior o buraco e mais luz é deixada entrar. Nossos olhos agem muito semelhante a uma abertura de lente. Nossas pupilas encolhem para deixar menos luz entrar ou dilatar para permitir mais luz dependendo do ambiente. Abrir e fechar a abertura é uma forma de alterar a exposição de uma imagem. Abertura também determina algo chamado profundidade de campo, que é a parte entre os elementos mais distantes e mais próximos do que a câmera vê, que seria considerado em foco. Se eu definir minha abertura para um número f baixo, o buraco na lente se abre e tem o que é chamado de profundidade de campo rasa. Ao abrir a abertura, a profundidade do campo encolhe, menos do meu tiro está em foco, então a profundidade do campo agora é mais fácil de ver. Agora, para ilustrar isso de uma maneira diferente, se você olhar para a configuração que eu tenho aqui, eu coloquei minha câmera em um controle deslizante. Nesta profundidade de campo superficial, se eu deslizar minha câmera da parte de trás do controle deslizante para a frente, você pode ver claramente toda a profundidade do campo se movendo junto com a posição das câmeras. Se eu definir minha abertura para um número f alto, o buraco na lente torna-se menor e uma grande profundidade de campo é alcançada. A boca ou bokeh de uma imagem também é afetada pela abertura. Bokeh é na verdade uma palavra japonesa que literalmente se traduz como borrão ou neblina. Bokeh é todas as partes fora de foco de uma imagem. Diferentes lentes jogam bokeh de qualidade diferente. Pode ser usado sutilmente ou para um efeito mais dramático. Olha, eu sei que isso é muita informação que você pegou, então eu incluí uma folha de truques no painel de recursos, imprimi ou guardei como imagens no seu telefone para que você possa se referir a eles enquanto filma conforme necessário. Certo, isso leva tempo e treino. Seja gentil com você mesmo. Para recapitular, a abertura é o mecanismo na parte de trás da lente que é usado para iluminar ou escurecer uma imagem, e também é usado para determinar o quanto de uma imagem está em foco. Lembre-se, quanto menor for o f-stop, mais ampla será a abertura permitindo que mais luz passe e tenha menos profundidade de campo. Quanto menor a abertura, menos luz passa e maior a profundidade do campo. A abertura também cria bokeh, que é todas as partes de uma imagem que estão fora de foco. Quanto menor a abertura, mais bokeh estará presente no seu tiro. Se você aumentar sua abertura, o bokeh se tornará menos perceptível. Na próxima lição, vamos aprender mais sobre o que afeta a profundidade de campo. 5. O que afeta a profundidade do campo: profundidade de campo é uma característica única que é fortemente afetada pela abertura. Mas há alguns outros fatores que controlam a profundidade de campo, e entender esses fatores não só lhe dará uma compreensão mais profunda da sua câmera, mas também terá mais controle sobre a profundidade de uma imagem. Na última lição, discutimos como a abertura afeta a profundidade do campo. Quanto maior a abertura, menor a profundidade do campo. Quanto menor a abertura, maior a profundidade do campo. Existem três outros fatores que controlam a profundidade do campo. O comprimento de uma lente também afeta a profundidade do campo. Se eu fosse abrir a abertura para F2.8, você poderia esperar que a profundidade do campo se tornasse mais rasa, por causa do que aprendemos na lição anterior. Na maior parte, isso é verdade. Mas ao filmar no lado mais largo de, digamos uma lente 24-70 mil, se eu abrir o F-stop para F2.8, você verá que, neste tiro grande parte da cena aparece em foco. Isso ocorre porque quanto maior a lente é, mais profundidade de campo mantemos. No entanto, se eu ampliar para 70 mil, você vai notar que o tiro fica mais comprimido. Os elementos de primeiro plano e de fundo se apertam juntos, aparecendo mais próximos um do outro. A profundidade do campo também se torna comprimida. Em comprimentos de lente mais longos, uma profundidade de campo mais rasa é alcançada. A distância de foco também tem um efeito sobre a profundidade do campo. Focar em um assunto quando ele está perto da câmera fornece uma profundidade de campo mais rasa. Concentrando-se no mesmo assunto mais longe cria uma maior profundidade de campo. O tamanho do sensor da câmera também afeta a profundidade do campo. Estou simplificando isso um pouco, mas não acho que as especificações técnicas de um sensor sejam extremamente importantes. Tudo o que precisas de saber é isto. Normalmente, quanto menor o sensor da câmera, maior a profundidade de campo. Quanto maior o tamanho do sensor, menor a profundidade do campo. É por isso que tantos cineastas querem uma câmera full-frame, porque o sensor maior fornece uma profundidade de campo mais rasa, que muitas pessoas consideram cinematográfico. Se você estiver trabalhando com uma câmera que tem um sensor menor, mas quer uma profundidade de campo superficial, você pode compensar isso usando as outras duas coisas que afetam a profundidade de campo, que está aumentando o comprimento da lente, ou aproximar o assunto da câmera. Profundidade de campo tem muitas variáveis, e entender como cada um desses fatores afeta a profundidade de campo, permitirá que você mantenha o controle de diferentes situações de filmagem com uma variedade de equipamentos. Para recapitular, quanto maior a lente, menor a profundidade do campo. Quanto maior a lente, maior a profundidade do campo. Quanto mais próxima a distância de foco, menor a profundidade do campo. Quanto mais longe a distância de foco, maior a profundidade de campo. Um grande tamanho de sensor de câmera dá uma menor profundidade de campo. Enquanto um tamanho de sensor menor dá uma maior profundidade de campo. Na próxima lição, discutiremos os muitos usos práticos de abertura e profundidade de campo. 6. Abertura e profundidade do campo: aplicação prática: Na última lição, discutimos o que são abertura e profundidade de campo e como elas afetam uma imagem. Mas como você escolhe uma abertura, e quando você controlaria a profundidade do campo e como essas configurações auxiliam na narração de histórias? Vamos descobrir. Do ponto de vista da narrativa, profundidade de campo tem um grande impacto na forma como um público interpreta uma imagem. Como contadores de histórias dentro do filme, controlar a profundidade do tiro é uma ótima maneira de guiar os olhos do espectador. Ao usar uma profundidade de campo rasa, o olho é desenhado para uma porção muito pequena do quadro. Você pode usar esse foco superficial para enfatizar um ponto importante da trama na história. Profundidade superficial de campo também pode chamar a atenção para a emoção ou o mundo interior de um personagem. Uma espessura de bom gosto. Meu Deus, até tem uma marca d'água. Você também pode usar uma profundidade de campo rasa para orientar o olho do espectador de um assunto para outro. Como na sequência de Young Victoria, você pode ver a profundidade do campo mudando através de cada um desses tiros. Os tiros e o foco são cuidadosamente coreografados com os movimentos dos atores, os acenos , a virada de cabeças. Temos a sensação de que todos estão metidos em alguma coisa. A profundidade do campo e seu movimento, ajuda a ilustrar isso. Aqui está uma das minhas cenas favoritas de Whiplash. O foco superficial orienta o olho para pontos importantes da história. Como o protagonista, Andrew, derramou sangue, suor e lágrimas. Literalmente, você pode ver o sangue e o suor nos símbolos, suas mãos, sua cabeça, é incrível. A quantidade insana de foco nos instrumentos e até mesmo apenas nas partes dos próprios instrumentos, realmente me comunica que é tudo sobre a música. Ele está disposto a sacrificar tudo pela música. Uma maior profundidade de campo permite o espectador escolha o que olhar e pode criar contexto para uma cena, incluindo mais fotos e foco. Fotos de foco profundo como nesta, de Children Of Men, nos permite ver grande parte do mundo e seus arredores em foco. A grande profundidade nos ajuda a absorver o ambiente, e também nos permite experimentar o impacto desta explosão, tanto visual como emocionalmente. Além disso, vemos nesta cena de Austin Powers, a maior profundidade de campo ajuda a vender a comédia. Se o fundo desta cena estivesse desfocado, não teria o mesmo efeito. No filme, Full Metal Jacket, podemos ver a maioria do quadro está em detalhes, incluindo todos os soldados. Isso dá uma sensação de igualdade que cada soldado no quadro importa. Mesmo quando um personagem é mais proeminente no quadro, os soldados no fundo ainda estão em foco. Dependendo do contexto de uma cena ou história, abertura pode ser usada para direcionar o olho do espectador, ajudando-o a se concentrar em aspectos importantes da história e do personagem. Portanto, é ótimo pensar sobre a história que você está contando e usá-la como seu guia para escolher qual abertura usar. Também é importante notar que em diferentes situações de filmagem e com diferentes orçamentos e equipamentos, mudança de abertura será diferente. Em uma situação em que há uma tripulação, um foco polar, um caminhão de luzes, então você tem muito mais controle sobre sua iluminação, que você possa escolher a melhor abertura para sua história. Quando você é uma equipe de um homem filmando um casamento com sua câmera sem espelho em um orçamento, a iluminação e as configurações mudam drasticamente, e torna-se muito desafiador manter uma abertura consistente e profundidade de campo através de seu tiros em uma cena. Na minha experiência pessoal, eu tento usar a abertura para a história primeiro. No entanto, se estou limitado por equipamentos, há situações em que tenho que fazer compromissos. Se eu puder, eu também penso em filmar em uma abertura consistente ao longo de uma cena para ter uma qualidade de imagem semelhante, durante as filmagens de uma cena. Às vezes, escolher aberturas é puramente prático ou baseado em limitações de engrenagem. Eu me movo entre escolher aberturas dependendo da situação. Eu penso sobre a história, e eu penso sobre onde eu quero que o espectador olhe. Mas se eu estiver em uma sala mal iluminada, eu vou abrir essa abertura o mais largo possível para F2.8 ou 1.4 para obter a câmera corretamente exposta. Ou digamos, estou em um cardan onde muitos movimentos estão acontecendo. A menos que haja uma boa razão para eu atirar com uma profundidade de campo rasa, não vou fazer isso. Vou mover minha abertura para cima tão alto quanto 5.6 ou F8 para que mais esteja em foco. É mais fácil definir meu foco em um assunto e manter esse assunto em foco com maior profundidade de campo. Portanto, há razões práticas para escolher a abertura também. Se eu estiver em uma situação em que eu tenha controle sobre a luz, eu pensarei sobre o que eu quero que o público veja. Digamos, em uma entrevista, quero que o espectador se concentre no entrevistado. Eu não quero distrair o espectador trazendo tudo em foco, mas eu também não quero necessariamente atirar em uma abertura tão baixa para que apenas uma parte do assunto esteja em foco. Se eles avançarem para fazer um ponto, ou se inclinarem para trás para pensar, eles vão mergulhar dentro e fora de foco e isso só vai distrair o espectador. Mas, é claro, há exceções a isso. Há uma dança entre apontar para usar uma abertura para ajudar na sua narrativa e usá-lo por razões práticas. Recapitulando, nesta lição aprendemos sobre como usar a abertura para ajudar na história que você está contando. Foco superficial chama a atenção para pontos de enredo e para o mundo interior dos personagens. O foco mais profundo chama a atenção para o mundo exterior e para o nosso entorno. Também podemos usar abertura e profundidade de campo para manter foco crítico e expor uma imagem corretamente. Em última análise, usamos abertura e profundidade de campo para guiar o olho do espectador. Na próxima lição, vamos discutir a ISO. 7. ISO: “ É granulado, tão granulado.” Ter uma compreensão aprofundada da ISO nos ajudará a escolher as configurações ISO corretas para tirar o máximo proveito de nosso sensor de câmeras. Antes de termos nossos DSLRs extravagantes, câmeras sem espelho e smartphones, o filme era a única maneira de capturar uma imagem em movimento. Uma tira de filme é revestida com produtos químicos que reagem à luz, e a rapidez com que ela pode reagir a uma determinada quantidade de luz, é determinada pela velocidade do filme ou ISO. Quanto maior a ISO, mais rápida a reação. Quanto menor a ISO, mais lenta será a reação. ISO, a Organização Internacional de Normalização, desenvolve e publica padrões internacionais. velocidade do filme é uma delas. Muitas pessoas usam o termo ISO quando se referem à sensibilidade da câmera ou à velocidade do filme, e isso é realmente incorreto. A razão pela qual não é pronunciada ISO, é porque é um acrônimo, e porque a Organização Internacional de Normalização teria acrônimos diferentes em diferentes idiomas, eles decidiram pronunciar ISO, que é derivado do grego “isos”, que significa igual. Mas eu fui doutrinado em dizer ISO, e muitas pessoas não sabem essa informação, e não vão julgá-lo por dizer ISO. Para mim é um hábito, e é assim que eu vejo isso por enquanto, mas prometo que tentarei consertar isso para cursos futuros. O filme em uma câmera digital é o sensor. ISO em filme nos ajuda a entender como a ISO afeta uma imagem em câmeras digitais. Mas é importante notar que eles não funcionam inteiramente da mesma forma. Aqui está o aviso de isenção. Eu não sou um especialista técnico em sensores de câmera e ISO. Confira os links nas notas abaixo, se você quiser ir para o buraco do coelho que é ISO. Por enquanto, vou fazer o meu melhor para conseguir o básico. ISO em câmeras digitais afeta quatro coisas. O brilho de uma imagem exposta, o ruído em uma imagem, intervalo dinâmico e a precisão da cor. Quanto menor for a ISO, mais escura será uma imagem exposta. Quanto maior a ISO, mais brilhante será uma imagem exposta. ISO também afeta o ruído produzido em uma câmera digital. Normalmente, quanto menor a ISO, menos ruído geral e quanto maior a ISO, você começará a ver mais ruído no geral. Um ruído mais alto também pode causar o que é chamado de ruído de crominância, e isso aparece como pixels coloridos. ISO também afeta a faixa dinâmica. O alcance dinâmico é como uma câmera grava as partes mais brilhantes e escuras de uma imagem. Em um tiro como este, por exemplo, onde você deseja capturar as folhas desta árvore e o céu ao mesmo tempo, você será limitado pelo alcance dinâmico da câmera. Ou podemos capturar os detalhes da árvore e suas folhas, explodindo o céu, ou podemos subexpor a árvore e suas folhas, e manter os detalhes no céu. Em câmeras com alto alcance dinâmico, você tem uma maior capacidade de gravar os detalhes dentro de sombras e realces. Normalmente, queremos capturar o máximo de detalhes possível. Uma ISO mais baixa dá uma faixa dinâmica maior, e uma ISO mais alta, uma faixa dinâmica mais baixa. ISOs mais altos também afetam a precisão da cor. Em ISOs mais baixos, as cores são mais precisas. Uma vez que você empurrou a ISO para alto, em um certo ponto, você verá que as cores estão começando a desmoronar. As cores tornam-se mais pálidas e imprecisas em geral. Ao longo dos ISOs inferiores, as mudanças de cor são bastante sutis. Uma vez que você alcança uma determinada ISO, é muito perceptível. Certifique-se de manter esses ISOs desativados e lembre-se de que cada câmera é diferente e renderizará o ruído e as cores de forma diferente, mesmo que estejam na mesma ISO. Vamos recapitular esta lição. Quanto menor for a ISO, escura será a imagem, produzindo menos ruído e oferecendo tipicamente a maior faixa dinâmica, juntamente com melhor precisão de cor. Quanto maior a ISO, mais brilhante será a imagem, produzindo mais ruído e menos alcance dinâmico, com precisão de cor reduzida. Na próxima lição, vamos discutir como usar ISO em situações reais de filmagem. 8. ISO: aplicação prática: Vamos discutir como aplicar praticamente ISO a uma variedade de situações de filmagem. Como escolho em qual ISO devo fotografar? Bem, como as câmeras digitais não renderizam com o ruído mais bonito, tenho a intenção de obter a imagem mais limpa possível. Isso geralmente significa filmar com a configuração ISO mais baixa que uma câmera oferece. Eu também aponto para o maior alcance dinâmico, e a maneira de fazer isso é filmar na ISO nativa da sua câmera. Ao filmar em ISO nativo, a câmera não é necessária para aumentar a tensão para o sensor. Normalmente, é onde o sensor da câmera funciona melhor. Cada câmera tem diferentes ISOs nativos e renderiza o ruído de forma diferente, para que ele possa se tornar um pouco avassalador. Pode exigir que você pesquise online para encontrar o ISO nativo da sua câmera. Para simplificar as coisas, na melhor das hipóteses, tente manter a fotografia na ISO nativa da sua câmara. Caso contrário, eu recomendo fotografar com o ISO mais baixo que sua câmera pode ir. Em ambientes mais claros, será muito mais fácil manter sua ISO baixa. Mas fotografando em locais de dimmer, você vai encontrar-se aumentando sua ISO. Cada câmera é diferente quando se trata de ISO. alguns são mais sensíveis do que outros. Isso significa que em ISOs mais altos, você pode obter muito ruído nas sombras, e é importante entender os limites da sua câmera. Experimente isto. Encontre um tecido preto e filme em um espaço pouco iluminado. Aumente o ISO até começar a ver ruído no tecido. Depois de descobrir até onde você pode empurrar o ISO da sua câmera e ainda obter uma imagem limpa, anote essa ISO e aponte para filmar abaixo desse ponto. Vamos recapitular. Tanto ISOs altos quanto ISOs baixos têm seus prós e contras. Para simplificar as coisas, fotografe no ISO nativo da sua câmera ou siga o ISO básico. Cada câmera tem diferentes habilidades de pouca luz, e com melhor tecnologia, está ficando mais fácil gravar uma imagem limpa. Talvez seja necessário testar sua câmera em ISOs mais altos para determinar qual quantidade de ruído é aceitável para você. Tente trabalhar em uma faixa ISO abaixo dessa marca. Antes de aprendermos sobre a velocidade do obturador, vamos discutir as taxas de quadros, a seguir. 9. Proporções de quadro: Tudo o que um filme é são imagens individuais piscando na frente nossos olhos a uma taxa determinada que é chamada de taxa de quadros. Quanto maior a taxa de quadros, mais suave é o movimento. Há uma série de taxas de quadros padrão para escolher. Vinte e quatro quadros por segundo é o padrão cinematográfico para o filme, e a maioria dos filmes que você vê na tela grande são filmados em 24 quadros por segundo. A razão para isso foi manter os custos mais razoáveis. Com 24 quadros por segundo, você obtém uma taxa de quadros rápida o suficiente para criar movimentos fluidos para os olhos, mantendo os custos de estoque de filme baixos. Estamos acostumados a ver 24 quadros por segundo, então, ao ver qualquer outra taxa de quadros nos cinemas, é estranho. Lembro-me de ver O Hobbit nos cinemas que foi projetado em 48 quadros por segundo e eu odiei. Uma vez que vemos coisas que são cinematográficas em 24 quadros por segundo, se você preferir um visual mais fílmico, eu recomendo que você filme em 24 quadros por segundo. Trinta quadros por segundo é o padrão de transmissão para televisão na América do Norte chamado de NTSC. Vinte e cinco FPS é o padrão de transmissão para televisão em países europeus e do Oriente Médio com dois tipos diferentes de formatos chamados PAL e SECAM. Esses formatos ainda são usados hoje, mesmo que as TVs hoje em dia possam ultrapassar essas limitações de taxa de quadros. Além disso, temos streaming, YouTube, Twitch, Netflix, que não são limitados por NTSC, PAL ou SECAM, e não estão necessariamente reproduzindo a 25 ou 30 quadros por segundo. Se você estiver filmando notícias ou filmando principalmente para transmissão, provavelmente estará filmando em 25 ou 30 quadros por segundo para se adequar aos padrões de transmissão. Sessenta quadros por segundo também são usados para transmissão, esportes em particular. Você começa movimento suave e isso faz sentido porque os esportes são em movimento rápido e você quer ser capaz de capturar e ver toda a ação. O YouTube e o Twitch também têm alguns vídeos para reprodução a essa taxa de quadros, e eles são mais comumente usados para jogos de vídeo. Admito que esta é uma explicação muito simplista de diferentes taxas de quadros, mas se você está produzindo conteúdo on-line, você tem muita flexibilidade em que taxas de quadros escolher para filmar e escolher a saída, também. Você sempre tem a opção de converter taxas de quadros e postar. Há muito mais nuance nisso, então, se você está produzindo projetos para estabelecimentos específicos como transmissões e outros provedores sob demanda, você precisa estar olhando para os requisitos técnicos antes de começar a filmar. Se você quiser enfatizar ou chamar a atenção para o movimento, é aqui que fotografar em taxas de quadros mais altas, como 60 , 120, 240 e além, são ótimas opções. Ao filmar a 60 fotogramas por segundo e em conformidade com a reprodução de 24 fotogramas por segundo, você está diminuindo suas filmagens em duas vezes e meia. Se você filmar a 120 fotogramas por segundo e conformar suas imagens para serem reproduzidas a 24 fotogramas por segundo, suas filmagens serão reduzidas oito vezes. Esse tipo de câmera lenta adiciona drama a um tiro. Reforça certos momentos de ação ou traz clareza e atenção a um movimento. Ele também pode criar uma sensação sonhadora para filmar. A câmera lenta é uma ótima maneira de chamar a atenção para pontos da história ou momentos impactantes na jornada de um personagem. Isso não significa que eu filmaria tudo em câmera lenta. Alguns projetos não incluem um único tiro em câmera lenta, mas alguns projetos que eu filmaria incluem 24, 30, 60 e 120 quadros por segundo. Alguns são totalmente câmera lenta. Pergunte a si mesmo, abrandar o tiro combina com a história que estou contando? Será que este momento, tiro ou sequência realmente se beneficiaria disso? Outro propósito para usar câmera lenta é ao filmar de mão. Se você estiver fazendo algum tipo de movimento com a câmera e precisar de mais estabilidade, então fotografar em uma taxa de quadros mais alta e abrandar em postagens realmente suavizará bastante a câmera instável. Para os propósitos deste projeto de classe, eu recomendo manter a reprodução de suas filmagens em 24 quadros por segundo para um visual cinematográfico e, ao mesmo tempo, permitir opções para câmera lenta. entanto, cabe a você decidir qual taxa de quadros é a melhor para o seu projeto. Recapitulando, 24 quadros por segundo é o padrão cinematográfico, 25 quadros por segundo é o padrão de transmissão para países europeus e do Oriente Médio, 30 quadros por segundo é o padrão de transmissão para a América do Norte. câmera lenta pode ser usada para suavizar tiros de mão instáveis. Use câmera lenta para adicionar impacto à sua história, mas certifique-se de que ela serve a história que você está contando primeiro. Na próxima lição, falaremos sobre a velocidade do obturador. 10. Velocidade do obturador: velocidade do obturador, juntamente com a abertura, contribui para a exposição de uma imagem, mas também controla o desfoque de movimento. O obturador é uma cortina mecânica que cobre o sensor da câmera. Quanto mais tempo o obturador estiver aberto, mais tempo o sensor da câmera está expondo a imagem, tornando-a mais brilhante. Uma velocidade mais rápida do obturador resulta em menos luz e o sensor expõe a imagem por menos tempo, tornando-a mais escura. A coisa única que controla a velocidade do obturador é a maneira como uma câmera captura movimento. Quando o obturador estiver aberto por mais tempo, os objetos em movimento ficarão desfocados na imagem final. Quanto menos tempo o obturador estiver aberto, menos desfoque de movimento você terá com objetos em movimento. Como estamos filmando vídeo em câmeras digitais e não fotos para este curso, eu quero explicar como a velocidade do obturador funciona em filme tradicionais e algumas câmeras de cinema digital de alta qualidade. Uma nota lateral são DSLR, persianas de câmera sem espelho não funcionam dessa maneira. Eles implementam um obturador eletrônico que liga e desliga o sensor da câmera. Se eu gravar vídeo na minha Sony, você pode ver que nada está acontecendo mecanicamente com a velocidade do obturador. É tudo eletrônico. Você não pode vê-lo. Mas para entender melhor a velocidade do obturador para vídeo, vamos mergulhar em como eles filmaram filme antes que digital fosse uma coisa. Nas câmeras de cinema, o mecanismo do obturador é chamado de obturador do disco rotativo. Parece com isto. A maneira como eles funcionam é girando na frente de um portão de filme câmeras de filme expondo o filme com base no ângulo do obturador. À medida que o filme passa pelo portão do filme, o obturador gira, permitindo que uma certa quantidade de luz passe para cada quadro do filme. O obturador pode operar em ângulos diferentes. Quanto maior o ângulo, mais desfoque de movimento. Quanto menor o ângulo, menos desfoque de movimento. Isso ocorre porque, com um ângulo mais amplo, o filme está sendo exposto à luz em movimento por um longo período de tempo. Um ângulo mais curto equivale a um tempo de exposição mais curto. O filme tipicamente filmaria em um ângulo de obturador de 180 graus, e agora como estamos acostumados a esse tipo de movimento, parece o mais natural para nós. Ou, em outras palavras, se você quiser que seus vídeos se pareçam com um filme, filma em um ângulo de obturador de 180 graus. Em qualquer projeto em que eu trabalho, eu vou principalmente seguir esta regra de filmar em um ângulo de obturador de 180 graus. Com a maioria dos DSLRs e câmeras sem espelho, a velocidade do obturador é registrada em frações de segundos. Se eu quiser replicar o desfoque de movimento fílmico ou obter um ângulo de obturador de 180 graus em uma câmera digital. A regra é definir a velocidade do obturador para dobrar a taxa de quadros. Há também essas calculadoras de ângulo do obturador para velocidade do obturador que se convertem para você. Se eu estiver filmando a 24 quadros por segundo, e eu quiser desfoque de movimento fílmico em um obturador de 180 graus, eu ajustaria minha velocidade do obturador para 148 de segundo. Está bem. Mas minha câmera não dá 148º de segundo. Bem, então você o define como 150º de segundo, que é a opção mais próxima para dobrar sua taxa de quadros. Se você quisesse fotografar a 30 quadros por segundo. Siga a regra de duplicação e defina a velocidade do obturador para 160º de segundo. Veja que você quer atirar em 60 quadros por segundo e ajustá-lo em, sim, você adivinhou 120 de segundo. Eu tipicamente filmo tudo em um ângulo de 180 graus do obturador. No entanto, você nem sempre precisa seguir essas regras. Mas lembre-se que eles lhe darão resultados que se sentirão o mais cinematográfico. Para recapitular esta lição, a velocidade do obturador é outra ferramenta para expor a imagem. Quanto mais tempo o obturador estiver aberto, mais luz entra e quanto maior o desfoque de movimento, menor o obturador está aberto, menos luz entra e menos desfoque de movimento é capturado. Eu recomendo que você mantenha a regra do obturador do obturador sendo o dobro da quantidade de sua taxa de quadros para que você obtenha desfoque de movimento cinematográfico. Na próxima lição, analisaremos aplicações práticas para a velocidade do obturador. 11. Velocidade do obturador: aplicação prática: Após a última lição, você pode estar pensando, se filmar em ângulo de 180 graus resultar em desfoque de movimento fílmico, então por que não filmar em ângulo de obturador de 180 graus o tempo todo? Bem, na maioria das vezes isso é ótimo, mas há momentos que podem exigir velocidades maiores ou mais baixas do obturador. Na maioria dos casos, a filmagem em ângulo de obturador de 180 graus é preferida. Do ponto de vista da história, a maioria dos filmes usa um obturador de 180 graus. Há momentos em que fotografar com um ângulo maior ou menor é preferido. Se você optar por usar um ângulo de obturador mais alto, você obtém mais desfoque de movimento. Em alguns filmes, poderia criar um olhar sonhador ou algo dramático, como no filme Gladiator durante esta cena de luta. O diretor, Michael Mann, também usa um obturador mais lento. Não sei exatamente o porquê. Pode ser porque ele filma muitas cenas noturnas com pouca luz para aumentar a exposição. Notei que algumas pessoas parecem gostar e outras não. É um uso sutil do efeito que pode ser a razão pela qual ele passa despercebido. Você pode ver ao pausar alguns dos movimentos que o desfoque de movimento é mais perceptível do que um ângulo típico do obturador de 180 graus. Vamos jogar de volta e parar. Olhe para o borrão de movimento aqui. Este efeito também é usado em cenas para emular uma sensação drogada. Eu tinha pulado a fase do emaranhado e fui direto para a fase dupla. Permitindo que o espectador veja o que o personagem está experimentando. Este efeito é muito legal. Mas uma vez que você filmou com essa velocidade do obturador, tudo tem aquela qualidade de borrão de movimento, e é irreversível. É por isso que prefiro não usar essas persianas. Se eu realmente quisesse, eu sempre posso adicionar mais efeitos de desfoque de movimento ou estator e postar. Ter flexibilidade é mais importante para mim do que assar no olhar do obturador lento. Onde eu acho que um obturador mais lento realmente brilha é quando se usa uma fotografia de lapso de tempo. Como você está tirando uma fotografia e não está limitado pelas taxas de quadros, você pode diminuir o obturador para 1/124º de segundo e expor por algo como um segundo e obter algumas trilhas incríveis de desfoque de movimento. Se você filmar com um ângulo de obturador mais baixo, obterá menos desfoque de movimento, resultando em um visual hiper-real, e é capaz de ver detalhes de objetos em movimento e uma imagem muito mais nítidos. Muita gente se confunde com uma imagem mais nítida. Não se obtém uma imagem mais nítida das filmagens a uma velocidade mais elevada do obturador. Não é mais nítida. Há apenas menos desfoque de movimento, permitindo que você veja os detalhes dos objetos em movimento. Você pode decidir usar uma velocidade de obturador mais alta para momentos em que você deseja trazer clareza para objetos em movimento mais rápido ou talvez você esteja filmando uma sequência de ação em que você deseja menos desfoque de movimento para melhorar a ação. Um obturador mais alto também pode trazer clareza aos pontos de uma história e pode melhorar o estado emocional atual de um personagem. Saving Private Ryan é bem conhecido por seu uso de um ângulo de obturador menor. O diretor de fotografia, Janusz Kaminski, menciona em uma entrevista que o uso de um ângulo de obturador de 45 graus lhe permitiu obter um olhar staccato com os movimentos dos atores. Ele disse que havia uma frieza nas explosões, e ele também diz que deu a ele um olhar um pouco mais realista. O uso da velocidade do obturador deve ser determinado pela sua história primeiro. Dito isto, aumentar ou diminuir a velocidade do obturador quantidades mínimas não afetará o desfoque geral do movimento para o perceptível I. Se você decidir usar isso por razões de exposição, tudo bem. Outra boa razão para ajustar a velocidade do obturador é quando você encontrar cintilação. Muitas lâmpadas, luzes fluorescentes, monitores de computador, etc., eles podem funcionar em uma freqüência diferente da nossa velocidade do obturador. A solução simples para cintilar é ajustar a velocidade do obturador até que você não veja mais cintilação. Eu diria que eu filmo principalmente usando um ângulo de obturador de 180 graus. Pode haver momentos em que eu aumentarei velocidade do obturador para reduzir o desfoque de movimento e aumentar o detalhe dos objetos em movimento, e principalmente durante tiros em câmera lenta. Eu acho que depois desta lição, eu deveria tentar mudar as coisas um pouco para cima e experimentar alguns tipos diferentes de desfoque de movimento. Vamos recapitular. Uma velocidade mais lenta do obturador aumenta o desfoque de movimento, o que pode dar uma sensação sonhadora, dramática ou até mesmo drogada, como ver uma imagem em movimento lento e rápido ao mesmo tempo. Um obturador mais rápido diminui o desfoque de movimento, o que pode criar uma aparência mais realista e pode dar uma visão mais detalhada de objetos em movimento rápido. Se você se encontrar em uma situação de cintilação, tente ajustar a velocidade do obturador até que você não veja nenhuma, ou há muito pouco disso. Na maior parte, você pode filmar usando um ângulo de obturador de 180 graus. Se você optar por aumentar ou diminuir drasticamente o ângulo do obturador, certifique-se de que ele serve a história que você está contando. Na próxima lição, falaremos sobre como expor uma imagem corretamente. 12. Como expor uma imagem de maneira adequada: Uma boa exposição é fundamental para criar imagens com ótima aparência e mais flexibilidade na correção de pós-produção. Nesta lição, determinaremos as etapas para expor uma imagem corretamente. A exposição adequada é incrivelmente importante para manter detalhes em suas imagens e, para o máximo, flexibilidade na pós-produção. Está superexposto. Se você superexpôs uma imagem e explodiu os destaques, a câmera não está capturando nenhuma dessas informações. Quando você joga isso em seu software de edição, você vai ficar desapontado porque quando você tenta reduzir essa exposição, não há nenhuma informação lá e torna-se, bem, torna-se inutilizável. O mesmo vale para sombras. Em algumas situações, subexpor a imagem resulta em sombras perderem todos os detalhes. Em outros, resulta em altos níveis de ruído. Então, como conseguimos uma boa exposição? O primeiro passo é ativar algumas configurações de leitura de exposição. Um bom lugar para começar é com o histograma. A maioria das câmeras tem um histograma e o que eles fazem é dizer onde estão as sombras e os destaques de uma imagem. Os picos no lado esquerdo da imagem representam sombras, e os picos no lado direito representam os destaques. Todos os outros valores de luminância estão no meio. Subexposição resulta nos picos caindo muito para a esquerda e você pode ver que começamos a perder detalhes nas sombras. Ao superexpor, podemos ver os picos se movendo mais para a direita mostrando que os destaques estão se apagando e estamos perdendo detalhes. Na minha opinião, a melhor ferramenta para gerenciar a exposição seria usar um monitor de forma de onda. Mas muitas dessas câmeras DSLR mais pequenas não as têm. Você pode, no entanto, alugar ou comprar um monitor externo para maior controle sobre a exposição. Eu pessoalmente não tenho um monitor externo, mas eu alugo eles se eu precisar deles. Vou explicar como eles funcionam no Premier Pro. Em muitos programas de edição, você tem um monitor de forma de onda e é o mesmo que você veria em um monitor externo com a configuração de forma de onda. Aqui temos nossas sombras aqui em baixo, nossos tons médios ou cinza médio por aqui. Então temos nossos destaques bem aqui. Se você olhar para a esquerda, você pode ver esses números de 0-100, o que nos diz quão brilhante ou escura a exposição é. A maneira como você lê um monitor de forma de onda é da esquerda para a direita, assim como uma imagem. No lado esquerdo deste quadro, você pode ver Gavy segurando este verificador de cores e você pode vê-lo aqui mesmo no monitor de forma de onda. Por exemplo, temos esta faixa preta aqui, e isso está algures por aqui na forma de onda. Fica mais escuro aqui com estas janelas e, em seguida, esta faixa de luz que está bem aqui. Estas são as janelas pretas e aquela faixa de luz chuta para cima e depois as janelas de novo, bem aqui. Então temos esta faixa cinzenta e está bem aqui. Você pode vê-lo, bem ali. Este branco, bam, bem ali. Então todas essas cores e valores de luminância espalhados por todo o lado. Este grande pedaço velho bem aqui, ok, o que você acha que é? É o tom de pele do Gavy. Os destaques são em torno de 60 IRE e, em seguida, provavelmente alguns de sua barba bem aqui. Sombras, barba, cabelo dele, e isso, ok, esse é o meu logotipo para edição. Então você tem esta pequena colisão aqui, que novamente, é a moldura da janela bem aqui. Espero que isto lhe dê uma ideia melhor de como as formas de onda funcionam. O sistema de zonas foi desenvolvido pelos fotógrafos Ansel Adams e Fred Archer, e foi criado para determinar a melhor exposição para determinadas situações. Por exemplo, se olharmos para o gráfico do sistema de zonas, você pode ver que ele vai de zero, que representa preto puro, todo o caminho para 10, que representa branco puro. Todos os outros valores de iluminação estão no meio. O sistema de zona foi originalmente criado para o desenvolvimento de filmes, mas eu ainda acho que ele tem seus usos em vídeo, usando-o como um guia de referência. Isso nos mostra onde as coisas precisam acabar em nossas ferramentas de medição. Vamos dar uma olhada nesta foto aqui. Você pode ver que meu tom de pele está exposto em torno de 70 IRE. Ok, você pode ver minha barba na forma de onda, então vamos cortar isso, e agora você pode ver apenas minha pele. Lá vai você. Você pode ver que é apenas entre 60 e 70 IRE, que é exatamente em torno de onde meu tom de pele e seus destaques devem estar. Agora vamos dizer que eu exponho meus tons de pele acima de 70 IRE. Mesmo que eu tenha impedido de cortar, ainda seria considerado para exposição. Isso significa que não estamos apenas expondo para evitar que nossos histogramas e formas de onda recortem destaques e esmaguem sombras. Nós também estamos expondo para diferentes tons e onde eles estão dentro do sistema de zonas. Você pode usar o sistema de zonas como um guia. Lembre-se, se você sobreexpor um pouco, ou subexpor um pouco, você pode ajustá-lo à sua zona apropriada ou exposição no post. Claro, isso está dentro da razão. Sempre aponte para a melhor exposição possível. Expor uma imagem pode ser complicado porque nem todas as câmeras têm o alcance dinâmico que pode capturar todos os detalhes, realces e sombras ao mesmo tempo. Coisas como o sol, luzes brilhantes ou janelas são naturalmente incrivelmente brilhantes. Muitas vezes, especialmente se você não tem luzes ou uma câmera com alto alcance dinâmico, você precisará soprá-los para obter uma exposição adequada de um assunto. Quero dizer, quando você olha para o sol, o céu ou luzes brilhantes, eles são naturalmente muito brilhantes. Então, na câmera, é mais aceitável soprar os destaques dessas fontes. Uma última ferramenta que eu uso muito são zebras. Acho esta função muito útil em situações de alto contraste e iluminadas. Do jeito que gosto de usar zebras, defina para 100 por cento. Isso significa que quando os destaques da minha imagem estiverem superexpostos, você verá todas essas linhas que se parecem com linhas de zebra e elas aparecem nas partes que estão superexpostas. Vou expor todo o caminho até chegar à beira da superexposição. Na verdade, eu até começaria com uma leitura de superexposição que explode os destaques e depois levaria minha exposição lentamente até que todas as zebras desaparecessem nas partes da imagem que eu não quero ser apagada. Nesta foto aqui, eu mantive o céu superexposto para que quando eu entrar no quadro, eu não sou uma silhueta e você ainda pode ver meu rosto. iluminação da silhueta também é boa. Mas pelo menos com as zebras, sabemos o que estamos soprando e se queremos ser intencionais sobre isso ou não. Como você pode ver, a exposição adequada pode se tornar uma coisa complicada de manobrar dependendo da situação, juntamente com o tipo de engrenagem e iluminação que você tem acesso. Na minha opinião, se você quiser garantir a melhor exposição e ter a maior flexibilidade no post, isso é o que eu recomendaria. Use seu histograma ou formas de onda para obter um conjunto de exposição adequado. Em seguida, certifique-se de que suas zebras estão definidas para 100% para que você saiba se você está superexpondo os destaques ou não. Desta forma, você pode se tornar deliberado sobre se você quer ou não optar por explodir os destaques. Além disso, pense em onde as coisas estão no sistema de zonas e como você deseja manipular esses tons. Eu filmei com outros profissionais de vídeo ao longo dos anos e eles vêem minha tela cheia de zebras e configurações de exposição e eles são como, “Whoa, tem muita coisa acontecendo lá.” Eu sempre respondo com : “Eu só não confio nesta pequena tela LCD.” Então por que eu deixaria isso ao acaso, especialmente quando você tem essas ferramentas que podem dizer quando as coisas estão superexpostas? Você deve usá-los. Para recapitular, superexpor a imagem resulta em perda de detalhes e realces, e subexposição resulta em perda de detalhes nas sombras. Em algumas situações com luzes brilhantes, sol ou janelas, é aceitável soprar os destaques. Use seu histograma ou formas de onda para obter uma exposição adequada. Zebras são ótimas para saber exatamente quando você está explodindo os destaques. Então eu recomendo manter isso ligado, e se você não tem zebras, use o histograma. Tente sair e filmar em situações brilhantes, situações escuras, amanhecer, crepúsculo, plena luz do dia. Realmente colocar essas ferramentas de leitura de exposição através do toque para obter confortável configuração boa exposição. Na próxima lição, vamos aprender sobre como a abertura, velocidade do obturador e a ISO podem funcionar harmoniosamente. 13. Usando a abertura, a velocidade do obturador e o ISO harmoniosamente: Entender a exposição adequada é apenas uma parte do quebra-cabeça. O outro é entender como usar a abertura, ISO e velocidade do obturador harmoniosamente, obtendo exposição adequada. Sabemos como é a exposição adequada. Vamos usar as configurações de histograma e zebra para obter uma leitura adequada de uma cena. Mas como chegamos lá? Aqui está a minha abordagem recomendada. Qual é o propósito do seu tiro? Você está tentando trazer foco para a beleza das flores em primeiro plano? Está tentando mostrar a vastidão do local em que está? Pense na sua história e seu propósito primeiro. Mantenha a velocidade do obturador constante. O que eu quero dizer com isso é escolher a quantidade de movimento que você quer e ficar com ele. Eu recomendo fotografar em um ângulo de obturador de 180 graus, que está ajustando seu obturador para o dobro da taxa de quadros em que você está filmando. Não ajuste o obturador para obter exposição adequada, mantenha-o constante. Altere a velocidade do obturador somente ao alterar sua taxa de quadros para garantir que ela permaneça em um ângulo de obturador de 180 graus, ou se você estiver tentando obter um visual criativo para uma foto específica dentro de uma sequência. Como a velocidade do obturador é constante, a primeira coisa a decidir quando filmar é se você quer muito do seu ambiente em foco, ou se você quer uma profundidade superficial de campo, ou talvez você quer algo no meio. Depois de escolher a profundidade de campo, tente manter essa configuração constante durante toda a filmagem de uma cena para manter a consistência. Depois de ter uma configuração de abertura preferida, use sua ISO para ajustar a exposição ao longo de suas fotos de cena. Na maioria dos locais internos e locais sombreados ou nublados, essa técnica funcionará bem. Mas quando em locais ao ar livre iluminados, você não tem escolha a não ser aumentar sua configuração de abertura, o que nem sempre é ideal, mas às vezes necessário. A outra opção é usar um filtro ND. Um filtro ND age como óculos de sol para sua câmera, cortando a quantidade de luz que entra na lente. Isso permite que você atire em 2-8 em plena luz do dia. Se você estiver fazendo a maioria das filmagens fora em situações ensolaradas, pegar um filtro ND variável é uma ótima ideia. Vou me contradizer um pouco aqui. No melhor cenário, as opções ideais para ajustar a exposição é ajustar a iluminação do ambiente ou usar uma câmera de cinema com um ND integrado. Teríamos nossa velocidade do obturador em 180 graus para manter o desfoque do movimento fílmico, teríamos uma abertura constante ajustada nossa preferência para a cena e para profundidade de campo consistente, e teríamos nosso ISO ajustado para a necessidade da câmera de para uma imagem limpa. Mas essas são situações ideais. Isso pode exigir mais tempo, mais tripulação, mais dinheiro, equipamento mais avançado. A realidade é que, com DSLR e câmeras sem espelho, os filtros ND podem ser uma dor. Quando você tem uma crise de tempo, é fácil ignorar esses filtros ND. Experimente isto. Traga sua câmera com você para um passeio. Tente preparar um tiro. Não importa o que você atira. Pode ser uma flor ou uma árvore ou um carro em movimento, seja lá o que for. Antes de expor uma foto, pense na melhor combinação de configurações para capturar esse momento, objeto ou sequência. Qual é o propósito do tiro? Como se encaixa na história? Isso é apenas um exercício, então as coisas não precisam ir muito fundo aqui. Depois de saber a finalidade da foto, siga as etapas acima e ajuste as configurações para exposição correta. Por exemplo, eu estava filmando aqui para uma parte de minhas lições e eu estava me sentindo tolo e queria tirar algumas fotos excessivamente sentimentais. Então decidi mudar minha taxa de quadros para 60 quadros por segundo para um efeito dramático. Eu fui para uma profundidade de campo rasa no F2.8 para também enfatizar a sensação sentimental sonhadora. Então eu também mudei meu ISO para 1600, que é o ISO nativo para minha câmera. Estava nublado e eu tinha cobertura de árvore, então eu não precisava de um filtro de ND. Além disso, isto dá-lhe uma ideia de como é fácil filmar uma sequência rápida. Eu não levei isso a sério. Acabei de filmar o que me veio à mente primeiro. Vou tocar a sequência para recapitular. Aqui vamos nós. Ao ajustar a exposição, lembre-se de manter a velocidade do obturador constante. Determine em qual abertura você deseja disparar e, em seguida, ajuste a ISO para obter uma exposição adequada. Se você estiver em uma área iluminada e precisar filmar em baixa abertura, use um filtro ND para ajustar sua exposição. Na próxima lição, falaremos sobre algumas das matemáticas por trás da medição da luz. Parece muito chato, mas confie em mim, assim que conseguires este conceito, vai ajudar-te a compreender como cada definição de exposição afecta a outra. Então fique por perto para isso. 14. A relação entre abertura, velocidade do obturador e ISO: Nesta lição, vamos explorar a conexão entre abertura, ISO e velocidade do obturador. Compreender como eles se conectam lhe dará maior controle sobre exposição quando você estiver ajustando qualquer uma dessas configurações. Eu mencionei na lição sobre o uso da abertura, que medimos a luz no que são chamados de paradas. Uma parada é simplesmente duplicar ou cortar pela metade a quantidade de luz que a câmera deixa entrar. Se eu mudasse meu f-stop de f2.8 para f4, isso seria diminuir uma parada de luz ou reduzir pela metade a quantidade de luz que minha câmera deixa entrar. Agora o mesmo vale para a velocidade do obturador. Se eu mudar minha velocidade do obturador de 1/50 de segundo, para 1/100 de segundo, eu também estaria reduzindo pela metade a quantidade de luz que minha câmera deixa entrar, o que, novamente, seria diminuir a quantidade de luz em uma parada. Por último, o mesmo vale para a ISO. Se eu mudar minha ISO de 200 para 100, novamente, eu estaria reduzindo para metade a quantidade de luz e diminuindo a quantidade de luz em uma parada. Isso significa que, se você estiver alterando qualquer uma das configurações de exposição, você pode determinar rapidamente se precisa reduzir para metade ou dobrar outra configuração de exposição para manter a exposição adequada. Depois de entender que você está simplesmente dobrando ou diminuindo pela metade a quantidade de luz, você pode descobrir rapidamente qual configuração você precisa mudar em uma determinada situação. Então, por exemplo, nesta foto aqui, estamos filmando em 30 quadros por segundo, 1/60 de uma segunda velocidade do obturador, abertura em f4, e ISO em 1.600. Decidimos então mudar nossa taxa de quadros para 60 quadros por segundo para câmera lenta. Ao fazer isso, precisamos mudar nossa velocidade do obturador, para 1/120 de segundo, ou tão perto quanto nossa câmera permitir. Lembre-se, para manter um desfoque de movimento fílmico, a regra é atirar com uma velocidade do obturador que é o dobro da nossa taxa de quadros. Ao alterar nossa velocidade do obturador de 1/60 para 1/120, estamos diminuindo a luz em uma parada. Se eu mudar nossa abertura de f4 para f28, isso seria aumentar a luz em uma parada. Ou posso mudar nossa ISO, de 1.600 para 3.200, o que também estaria aumentando a luz em uma parada. Porque quero manter uma abertura constante ao longo destes dois tiros, fico com a ISO. Agora, se você olhar para esses tiros lado a lado, você pode ver que eles têm configurações diferentes, mas exposição idêntica. Outro exemplo seria esta cena aqui. Estamos filmando a 24 fotogramas por segundo, 1/50 de velocidade do obturador, abertura está ajustada para f5.6 e ISO em 800. Eu quero criar uma profundidade de campo ainda mais rasa, então eu mudo meu f-stop para f2.8. Então, neste caso, estamos diminuindo nossa abertura de f5.6 por uma parada para f4, e depois outra parada para f 2.8. Diminuímos a exposição geral em duas paradas. Para manter uma exposição idêntica à nossa foto anterior, precisaremos ajustar uma de nossas outras configurações de exposição, ISO ou velocidade do obturador. Lembre-se, a única razão para ajustar a velocidade do obturador é ao alterar as taxas de quadros, ou se queremos um tipo específico de desfoque de movimento. Não estamos mudando a taxa de quadros e queremos manter um filme como o desfoque de movimento, então ficamos com ISO. Então, vamos diminuir a ISO de 800 para 400. Isso é uma parada. Então, de 400 a 200, que é outra parada. Mais uma vez, temos dois tiros com configurações diferentes e exposição idêntica. Quanto mais você atirar, isso se tornará uma segunda natureza e você não estará fazendo cálculos em sua cabeça. Você só vai começar a ajustar automaticamente as configurações ao seu gosto. Por exemplo, quando você está filmando um casamento ou um vídeo corporativo, algo onde você tem que correr e atirar, confie em mim, você não terá tempo para sentar e fazer esses cálculos, você vai estar se movendo muito rápido e não vai quero perder o tiro perfeito. Mas quando você decidir mudar sua taxa de quadros, você saberá exatamente o que precisa fazer para manter a exposição correspondente. Esta é uma idéia simples e é incrivelmente benéfico entender, que ao ajustar a exposição, estamos simplesmente dobrando ou diminuindo pela metade a quantidade de luz. Então, experimente isto. Concentre-se em vários objetos dentro de uma variedade de situações de iluminação. Defina a exposição para as configurações preferidas, tire uma foto ou grave algum vídeo. Então bagunça qualquer uma das três configurações. Aumente algumas paradas ou desça algumas paradas e tente descobrir quais outras configurações você pode ajustar para manter a exposição adequada do seu tiro anterior. Então agora temos configurações diferentes, mas a mesma exposição. Isto é parte exercício e parte prática. Isso pode se aplicar mais a pessoas em situações de filmagem de armas, com muito pouca quantidade de equipamento ou controle sobre a iluminação. Idealmente, vamos tentar manter a nossa abertura constante ao longo de uma cena filmada. Vamos manter a velocidade do obturador, onde temos o desfoque cinematográfico, que só nos obriga a mudá-lo se mudarmos a nossa taxa de quadros. Você provavelmente estará tentando mudar sua iluminação e ND. Se você não tem essas coisas, seu ISO. A melhor maneira de aprender é sair e filmar coisas. Você começará naturalmente a descobrir como ajustar suas configurações e quais configurações funcionam onde e com que tipo de luz. Recapitulando, uma parada é uma medida de luz. Ou você está diminuindo para metade ou dobrando a quantidade de luz que a câmera deixa entrar. Compreender esse conceito ajudará você a determinar o que definir a exposição rapidamente. Trabalhe até que se torne uma segunda natureza. Na próxima lição, vamos aprender sobre o equilíbrio de brancos. 15. Equilíbrio de brancos: Usar a configuração de equilíbrio de branco em sua câmera é de extrema importância ao apontar para precisão de cor, e pode criar alguns looks exclusivos na câmera. Para entender o equilíbrio de brancos, precisamos primeiro aprender sobre as temperaturas de cor. temperatura da cor é o calor ou a frieza de uma fonte de luz. Diferentes fontes de luz têm diferentes temperaturas de cor. Por exemplo, as lâmpadas parecem quentes e a luz do dia parece mais legal. A temperatura da cor é medida no que é chamado Kelvin. Estranhamente, quanto mais quente a cor, menor o número e vice-versa. A definição de equilíbrio de branco é a forma como dizemos à nossa câmara qual é a temperatura de cor de uma cena geral. Quando estabelecemos o equilíbrio de brancos, estamos dizendo às nossas câmeras como o branco se parece sob uma certa luz, fazendo com que as cores pareçam como deveriam. Por exemplo, se eu preencher a luz do dia, eu definiria o balanço de branco da minha câmera para 56,00 Kelvin, que é aproximadamente a temperatura da cor da luz do dia. Se eu estiver filmando na minha sala de estar, com lâmpadas de tungstênio, eu estabeleceria meu balanço de brancos para 3.200 Kelvin, que é o que a temperatura de cor de uma lâmpada de tungstênio normalmente é. A razão pela qual estou usando valores aproximados é porque a temperatura da iluminação varia muito. luz do dia muda dramaticamente com o nascer e o pôr do sol entre 2.000 e 3.000K, crepúsculo entre 7.500 e 10.000K. A iluminação à tarde é de cerca de 5.500K, e nublado, cerca de 6.500K, varia. Se você não souber qual é a temperatura de cor da iluminação em um local ou cena específico, você precisará obter um cartão branco ou um cartão cinza de 18%. Para capturar o balanço de branco personalizado, coloque seu cartão branco ou cinza sob a mesma luz que você planeja filmar. Cada câmera é um pouco diferente. Procure a configuração de equilíbrio de brancos, selecione Personalizado e aponte sua câmera para o cartão branco em captura de Heck. Você pode ver aqui ele está me dizendo que a luz refletindo fora do cartão vem em 8.300 Kelvin, principalmente porque está nublado, e a hora do dia que foi durante o pôr-do-sol. Vamos tentar estabelecer um balanço de branco para esta luz aqui. Selecione o equilíbrio de branco personalizado, captura de acertos e obtemos um balanço de branco de 3.100K, mas espere, o que é isso? Diz M6. Há outra configuração para precisão de cor, e isso é o que é chamado de matiz. As tonalidades em uma imagem ajustam a cor verde ou magenta. A luz solar tem um tom verde ou magenta para eles, e é muito difícil de ver nesta pequena tela LCD. Quando eu acabei de definir o meu equilíbrio de brancos lá, está dizendo que a luz tem uma tonalidade verde para ele. Ao ajustar a tonalidade magenta em seis pontos, a câmera está contrariando a tonalidade verde proveniente desta luz. Agora a câmera tem um equilíbrio de branco adequado para qualquer coisa iluminada sob esta luz. É por isso que é tão importante definir o equilíbrio de brancos em várias situações, você nunca sabe a qualidade da luz com que está lidando, e esta é a melhor maneira de obter o equilíbrio de brancos mais preciso. E quanto a todas essas outras predefinições de equilíbrio de branco? E quanto à sombra e balanço de branco automático? Na verdade, não os uso. Tudo bem, se você realmente quiser usar uma predefinição, você pode. Mas nesta aula, pretendemos ter controle manual total. Ter controle manual completo de sua câmera e ser mais preciso com seu balanço de branco ajuda você a não ter que confiar em predefinições e compreender ao longo do tempo uma compreensão mais profunda das temperaturas Kelvin em diferentes ambientes. À medida que você usa seu cartão de balanço de branco, você começará a ver uma tendência em diferentes situações de iluminação. Por exemplo, à luz do dia, eu estou apontando para filmar a 5.600K, em nublado ou em forma, eu estou filmando em torno de 6.500K, ou mesmo 7.000 K. Iluminação interna, eu posso escapar com tiros em 3.200K, Às vezes eu até tiro em 3.600K. Estudar gráficos Kelvin, obter um cartão de balanço branco ou um cartão cinza de 18 por cento. Uma vez que você se familiarize com os padrões de temperatura de iluminação em diferentes locais e situações, você será capaz de definir seu equilíbrio de branco muito bem, sem usar um carrinho. Vamos recapitular. Balanço de branco é uma configuração que diz à câmera como é o branco sob um determinado tipo de luz. Ajusta para temperaturas de cor quentes e frias e também compensa uma tonalidade verde ou magenta. Use um cartão de balanço de branco, aprenda a escala Kelvin e memorize as temperaturas de cor de determinadas condições de iluminação, para que você possa ser rápido no mostrador ao fotografar. Na próxima lição, vamos falar sobre o equilíbrio de brancos escolher em diferentes situações de iluminação. 16. Balanço de branco: aplicação prática: Na última lição, discutimos o que é o equilíbrio de brancos, como configurá-lo e a importância de um cartão de balanço de branco. Mas há alguns outros fatores importantes a considerar ao escolher o equilíbrio de brancos para o seu tiro. Vejamos algumas dicas sobre como aplicar o equilíbrio de brancos em situações reais de filmagem. A iluminação mista é incrivelmente comum. Você estará filmando em situações com luminárias de todos os tipos. Não é o ideal, mas às vezes não há como contorná-lo. Quando puder, desligue as luzes dentro de casa e use a luz natural que vem de fora. luz natural renderizará as cores mais bonitas e naturais. Você não terá que se preocupar com moldes de cores estranhas atingindo seu assunto e você não terá que lidar com a dor de cabeça que a iluminação mista pode causar no post. Isto é especialmente verdadeiro quando se lida com iluminação mista, atingindo tons de pele. A melhor opção para um espaço é limitá-lo a uma fonte de luz. Mas há muitas situações que isso não é possível. Eventos especiais e casamentos são notórios por esses tipos de situações. Digamos que você tem iluminação dividida com duas temperaturas de cor diferentes, tungstênio e luz do dia. Neste caso, você precisará escolher um ou outro. Defina o seu equilíbrio de brancos para 3.200 K e a luz de tungstênio atingindo o lado esquerdo do meu rosto torna-se equilibrada e a luz do dia batendo no lado direito do meu rosto torna-se mais frio. A cena geral parece mais legal também. Defina o seu equilíbrio de brancos para 5.600 K. A luz do dia batendo no lado direito do meu rosto torna-se equilibrada e o tungstênio bater no lado esquerdo do meu rosto torna-se mais quente. A cena geral parece mais quente. iluminação mista pode ser muito interessante e pode comunicar diferentes tipos de idéias. Não vamos entrar nisso nesta aula. Mas muitos filmes usam cores para alcançar um certo tom ou sensação. É muito fixe. Nenhum trocadilho pretendido. Se você tem iluminação mista que está atingindo seu objeto de todos os lados e é uma lavagem de luz mista, selecione o equilíbrio de branco que compensa ambos. Por exemplo, aqui temos uma lavagem de luz do dia e tungstênio atingiu nosso assunto do mesmo lado. Se o equilibrarmos para a luz do dia, sai muito quente. Se o equilibrarmos para tungstênio, muito frio. Vamos definir nosso equilíbrio de brancos para 4.300, então aterrissamos entre 3.200 K e 5.600 K. Acabamos com uma imagem mais equilibrada. Quando você está ajustando corretamente o equilíbrio de brancos para compensar a suposta temperatura Kelvin de uma cena, você pode achar que o equilíbrio de brancos adequado é menos desejável do que um balanço de branco ajustado. Por exemplo, a temperatura de cor da luz de velas fica em torno 2.000 K. Se você definir o equilíbrio correto, você obtém uma imagem que não parece bem, ou pelo menos não combina com o calor da luz de velas. Fotografar em um balanço de branco incorreto mais alto para manter o ambiente quente pode ser preferível neste caso. Outro exemplo seria filmar uma foto do nascer do sol ou do pôr-do-sol onde o suposto equilíbrio de brancos está em algum lugar entre 2.000-3.000 K. Se eu definir o meu equilíbrio de brancos para 2.500 K, obtemos uma tonalidade incrivelmente azul, que pode ser muito Interessante. Também é importante notar que, sim, o sol está em um equilíbrio de brancos de 2.500 K. Mas se você olhar para o ambiente da cena como um todo, a luz do sol não está realmente atingindo tudo. É por isso que a cor geral é azul. Você precisa levar em conta o quanto da fonte de luz de uma determinada temperatura está atingindo o seu entorno. Além disso, se você olhar mais de perto, você pode ver que ele está nublado no tiro também. Portanto, o equilíbrio geral de brancos deve ser mais quente para compensar isso. Vamos definir o nosso equilíbrio de brancos para o outro lado do espectro, para 9.500 Kelvin. Olha para isto, temos uma imagem muito quente. Eu prefiro isso mais porque é assim que eu interpreto um nascer do sol, para ser de cor quente. É importante pensar sobre a fonte de luz e qual é o seu equilíbrio de brancos, mas também sobre a luz ambiente geral e qual é esse equilíbrio de brancos. Dependendo da sua história, você pode optar por filmar um tom mais frio, e essa é outra ótima opção. Você também pode encontrar um lugar em algum lugar entre, digamos, 5.600 K, que eu normalmente gosto de fazer, e então eu posso fazer pequenos ajustes para a cor no post. Pequenos ajustes no equilíbrio de brancos são bons. Você pode aquecer ou esfriar uma imagem no post, mas cuidado, se você tentar fazer grandes mudanças no equilíbrio de branco da sua imagem no post, você tem que lidar com potenciais moldes de cores estranhas, flexão, cores não parecem precisas, e simplesmente não ter flexibilidade suficiente da imagem para corrigir um tiro no post. Pode resultar em um tiro inutilizável. A razão para isso é que a maioria desses sistemas de câmeras espelhadas DSLR são de 8 bits, enquanto algumas cores de renderização em 10 bits. Os termos técnicos não são necessariamente importantes aqui. Mas o que é importante é entender que quanto mais bits sua câmera pode fotografar, mais informações de cor ela pode capturar. Isso resulta em uma transição mais suave entre cores e mais flexibilidade ao editar cores na publicação. É por isso que você pode ter ouvido muitos cineastas preferindo o filme em formato bruto. Raw oferece flexibilidade incrível, permitindo que você altere seu equilíbrio de brancos no post. Se você está atirando cru, não se preocupe com isso. Você pode corrigi-lo no post. Se você não está filmando em bruto, certifique-se de que você pretende obter as cores pretendidas na câmera para que você não tenha que lidar com a dor de cabeça que vem quando você está tentando corrigi-lo no post ou quando você tem que despejar um determinado tiro devido a moldes de cores indesejadas. Eu tive algumas fotos em uma catedral que inicialmente eu realmente gostei e então percebi tarde demais que eu filmei um desses tiros em 3.600 K e o outro em 4.300 K, Eu pensei que eu iria definir o equilíbrio de brancos correto, mas obviamente não. Tentei corrigi-lo no correio, tive uma grande dificuldade. Se houver uma próxima vez, eu iria subexpor dele mais para obter um olhar silhueta, definir o equilíbrio de branco personalizado, e talvez até trazer uma luz para compensar o quão brilhante é a janela. Erros acontecem. Vivemos e aprendemos. Nós falhamos. Tentamos ganhar. Pequenas mudanças no Kelvin para imagens de oito ou 10 bits são boas. Grandes mudanças. Esteja ciente. Recapitulando, na maioria das vezes, você vai querer usar o equilíbrio de branco adequado. Mas pode haver certas condições de iluminação nas quais você pode preferir usar um balanço de branco incorreto para marcar um visual diferente. Com iluminação mista, se você puder, tente limitá-la a uma temperatura de cor para evitar uma lavagem de cor. Se você não tem escolha a não ser filmar uma lavagem de luz mista, tente encontrar o equilíbrio de branco que pousa entre as duas fontes de luz diferentes. Se for uniforme e vindo de duas direções separadas, escolha uma temperatura e deixe a outra ficar quente ou fria. Este é complicado e requer prática e experiência. Traga sua câmera com você onde quer que vá. Pratique definir seu equilíbrio de branco para diferentes fotos ou cenas. Tente deixar seu cartão de balanço de branco em casa e usar seus gráficos Kelvin para determinar a melhor configuração de equilíbrio de branco. Você só tem que praticar, praticar, praticar. Na próxima lição, vamos falar sobre perfis de imagens. 17. Perfis de imagem: Os perfis de imagem podem ser muito mais flexíveis na publicação ou na criação de um visual que você gosta na câmera. É importante entender qual perfil de imagem é o ideal para o fluxo de trabalho de criação de filmes, que você possa obter a melhor imagem da câmera. Você encontrará um menu nas configurações da câmera com vários perfis de imagem ou estilos de imagem. Essas configurações permitem ajustar e alterar parâmetros que determinam as características de uma imagem. Essas características controlam a saturação, o contraste, a nitidez e a cor de uma imagem gravada . Cada marca de câmera tem seus próprios perfis de imagem, fornecidos com cada uma de suas câmeras, e oferece uma variedade de looks para atender a cenas específicas. Nas câmeras Canon, temos uma série de estilos de imagem, e todos eles são projetados para se adequar a um tipo específico de imagem. Paisagem tem um impulso na saturação para fazer as cores de um tiro paisagem pop. Então temos retrato, que aparentemente é ótimo para retratos. Estes são chamados de perfis de imagem padrão, e eles ficam muito bons na câmera. O único problema é que uma vez que você joga isso em um grande monitor, você vê que você está perdendo uma tonelada de detalhes nos destaques e sombras. Nem todos os perfis de imagem são criados iguais, alguns são melhores do que outros em fornecer um bom alcance dinâmico, ao mesmo tempo em que dão uma aparência decente na câmera. Se você tiver exposição adequada e equilíbrio de branco, os perfis de imagem padrão não precisam de tanto trabalho no post, mas oferecem menos flexibilidade na faixa dinâmica e na classificação de cores. Existem outros perfis chamados perfis de log, que lhe dão uma imagem mais plana, de baixo contraste e de baixa saturação. Cada marca tem sua própria versão disso, C-Log, S-Log, V-Log e assim por diante. A razão para isso, é porque ele foi projetado para capturar um grande alcance dinâmico. Você pode manter mais detalhes dentro de seus realces e sombras. Um perfil de log também permite mais flexibilidade na pós-produção. Se você está filmando em situações em que você precisa capturar um alto alcance dinâmico, ou muitos destaques brilhantes e sombras escuras dentro da mesma imagem, este perfil é uma ótima escolha. A desvantagem para registrar é que você precisará fazer mais trabalho no post para fazer a imagem voltar a parecer normal, que é uma arte em si. Se você tem o tempo e o conhecimento de como colorir gravações de registro, ou tem outro curso de classificação de cores que você gosta, então vá em frente. Se você não tem certeza sobre a classificação de cores, e não está muito preocupado em ter um pouco extra de flexibilidade, tente filmar em um perfil padrão. Trabalhei com perfis padrão e perfis de registro, e aproveitei os dois. Tudo se resume à cena ou projeto em que estou trabalhando. Pessoalmente, no momento, estou filmando em uma câmera Sony. Nunca gostei de filmar nos perfis de registro da Sony, e achei que a cor corrigindo as filmagens era bastante desafiadora. Tenho usado um perfil personalizado chamado E-O-S-H-D Pro Color. Eu gosto de filmar usando a versão padrão deste, e há também uma versão de registro que eu posso filmar para combinar com minhas fotos de perfil padrão. Para projetos com uma reviravolta rápida e orçamento mais baixo, eu principalmente tiro no padrão. Naqueles tiros difíceis, onde eu quero maximizar o alcance dinâmico, Eu mudei para registrar, e coincidir com a aparência do meu perfil padrão no post. Este perfil em particular, embora seja um perfil padrão, é muito melhor do que a maioria dos outros, e é específico para câmeras Sony. Na minha câmera Canon, eu não tenho um C-Log disponível, mas eu instalei um perfil de log gratuito, chamado Cinestyle, que pode ser encontrado no site da Technicolor. Eu também filmei em um estilo de imagem neutro e ajustei um perfil personalizado para obter uma aparência de baixa saturação, baixo contraste e baixa nitidez para emular um perfil de registro. O céu é o limite quando se trata de perfis de imagem, e ele realmente se resume a preferência pessoal, ou você pode simplesmente seguir minha preferência e Google a melhor configuração de perfil de imagem. É ótimo para filmar em padrão para facilidade e velocidade, mas eu recomendo fortemente filmar em um perfil de log, e tomar o tempo, se o orçamento permitir, para discar em seu olhar no post. Para recapitular, Se você quiser mais flexibilidade, ter o tempo, orçamento, e as habilidades ou desejo de ser hábil na classificação de cores, em seguida, atirar com o perfil de log. Se você quiser economizar tempo no post, e não se importar de sacrificar um pouco de alcance dinâmico, mantenha um perfil padrão. A próxima lição é tudo sobre foco. 18. Entendendo o foco: Ter controle sobre sua imagem não se limita simplesmente à exposição, e cor, foco é outro aspecto muito importante ao filmar. Compreender o foco na teoria e na prática irá beneficiar grandemente o seu trabalho. O foco é essencialmente o quão nítida ou suave uma imagem capturada é, dependendo da configuração de abertura. Conforme você torce o anel de foco para a direita ou para a esquerda, você está empurrando ou puxando a profundidade do campo. Se você se lembra da lição sobre abertura, falamos sobre a profundidade do campo e como ela é afetada por qual abertura você escolhe. Se você atirar em um pequeno número f, como f2.8, você terá uma profundidade de campo rasa, e à medida que você girar o anel de foco, é muito perceptível que você está movendo as coisas dentro e fora de foco. Com um número f maior, você não percebe isso tanto porque você tem mais profundidade de campo para trabalhar. profundidade de campo tem níveis diferentes de foco aceitável. Há o ponto mais afiado de uma lente que queremos apontar ao obter foco, e então há as partes de foco aceitáveis que cercam esse ponto mais afiado. Estes pontos são aceitáveis, mas não tão bons como o ponto de foco mais acentuado. Vejamos algumas lentes para entender o foco um pouco melhor. lentes vintage mais antigas têm marcas para uma representação visual do foco. Então, por exemplo, nesta lente aqui, você pode ver um monte de marcas, não fique sobrecarregado, não é tão confuso quanto parece. Aqui temos um anel de abertura. Abaixo do anel de foco, nossa escala de distância hiper focal mostra a medição em pés e medidores. As marcas brancas são metros, e o amarelo em pés. Isso mostra a que distância algo está em foco. Se eu mover minha lente para cinco pés, o que quer que esteja a cinco metros de distância estará em foco. Você também pode ver aqui que esta lente pode focar tão perto de 0,45 metros, isso é o que é chamado de distância focal mínima das lentes. Cada lente tem uma MFD, e algumas até têm habilidades macro. Macro é incrivelmente útil para flexibilidade ao fotografar em uma lente. Agora, o que é legal sobre essas lentes vintage é que eles nos dizem a que distância temos foco aceitável. Por exemplo, se eu estiver filmando em f8, e eu me concentrar no assunto que está a cinco metros de distância, olhe para os oitos correspondentes aqui, eles criam um espaço agradável entre eles. Tudo entre esses oitos, se atirar em F8, será um foco aceitável. Assim, o ponto mais afiado de foco será em cinco pés, e os pontos aceitáveis de foco serão aproximadamente entre quatro e meio pés e seis e meio pés. Esta é também uma lente vintage, que é considerada um pouco mais suave em foco do que a maioria das lentes mais recentes, modo que os resultados variam. Basicamente, esta é uma representação visual da profundidade de campo disponível. Nesta lente de zoom vintage, você pode ver que a quantidade de zoom também afeta a profundidade do campo. Em ângulos [inaudíveis], você tem uma maior profundidade de campo. Ao filmar em f11, e ampliou todo o caminho para fora 35 moinhos, nossa gama de foco aceitável agora é aproximadamente pouco mais de três pés para pouco menos de seis pés. Podemos ver do ponto de vista da câmera que a câmera vintage a cinco pés está em foco. A lente a quatro pés está em foco, mas a lente a três pés está fora de foco. Em comprimentos de zoom mais longos, você tem uma profundidade de campo menor. Basicamente, porque quando você está filmando em uma lente longa, os elementos de uma imagem ficam compactados junto com a profundidade do campo. Novamente, se voltarmos para o zoom, você pode ver que em f11, as marcas estão lentamente começando a encolher até que tenhamos pouco menos de quatro pés para cerca de quatro pés e meio de foco aceitável. Do ponto de vista da câmera, você pode ver que a câmera a quatro pés está em foco nítido, a câmera vintage está apenas fora de foco e a lente a três pés também está fora de foco. É importante notar que quando você está definindo o foco, os marcadores de distância são calculados a partir do assunto para o sensor da câmera, não para a frente da lente. É por isso que as câmeras têm essas marcas, essa marcação é chamada de marcador de plano de filme. Nas câmeras digitais, é aqui que o sensor da câmera está localizado. Você pode ter visto algumas filmagens nos bastidores onde os extratores de foco estão usando fitas de medição para definir o foco. Eles estão medindo a distância de um sujeito ao sensor da câmera ou plano do filme, a fim de determinar onde definir o foco perfeito. Agora você provavelmente não usará uma fita métrica para obter foco crítico em suas câmeras DSLR ou espelhadas, mas é bom saber como essas coisas funcionam para que você possa se tornar mais confortável com foco. Recapitulando, entender esses conceitos ajudará você a se tornar mais experiente sobre como o foco funciona e se tornar mais confortável ao se concentrar. Aprender sobre as marcas nas lentes nos ajuda a saber como o foco funciona, e nos dá uma maior compreensão de como a abertura e os comprimentos da lente afetam o que será afiado e em foco aceitável. Na próxima lição, vamos aprender a melhor maneira de definir o foco. 19. Como definir o foco: Além de carregar uma fita métrica com você ou usar as marcas nas lentes da câmera para foco, existem algumas outras ferramentas e configurações úteis ao obter foco. Usar a função de zoom em sua câmera é uma das melhores opções ao obter foco nítido. Amplie digitalmente todo o caminho e faça com que a imagem pareça o mais nítida possível. Algumas câmeras permitem que você amplie durante a gravação, outras não. É ótimo ter a função de zoom durante a gravação porque, às vezes, seu objeto se move, ou se você estiver tendo problemas para ver essa pequena tela, se o obturador ainda está em foco, você sempre pode ampliar enquanto gravação para refocalizar. Algumas câmeras têm o que é chamado de pico de foco. Basicamente, tudo o que faz é destacar as partes de uma imagem que estão em foco. Às vezes, definir seu pico de foco para baixo produzirá os maiores resultados. Desta forma, o LCD da sua câmara não será repleto de contornos vermelhos e só serão mostrados os pontos mais nítidos da imagem. pico de foco funciona detectando bordas de maior contraste em sua cena. Se você achar que não tem contraste suficiente, pode aumentar a configuração de pico de foco para que ela possa detectar as bordas mais facilmente. Autofocus em alguns casos é totalmente bom. Por exemplo, filmar alguém caminhando em direção à câmera é muito difícil de focar manualmente. Isso pode ser feito, mas você pode querer manter o foco automático para isso. Outra ótima opção para autofocus é quando se usa um cardan. É ótimo para seguir alguém enquanto faz movimentos complexos e mudar a distância entre você e seu sujeito. Uma coisa a ser cuidadosa é focalizar a caça. A busca por foco é quando sua câmera está tentando descobrir no que focar. Se você estiver usando o primeiro plano em suas fotos, como árvores ou folhas, sua câmera acabará mudando o foco no meio da foto, então use o foco automático com cuidado. Uma coisa que me ajudou ao ajustar o foco é descobrir de que maneira você precisa girar seu anel de foco para obter foco distante ou foco próximo. Então, quando você descobrir isso, fique preso em seu cérebro que se você está focando em algo distante, você vira sua lente para este lado e quando perto você vira sua lente para este lado. Eu sei que isso soa super simples e direto, mas eu já vi muitas vezes ao editar imagens em que o operador da câmera entra em pânico em uma foto importante e não consegue lembrar de que maneira girar o anel para obter o foco adequado. Dito isto, foco requer muita prática. A maior coisa que posso dizer sobre foco é usá-lo para contar sua história. Use-o para direcionar os olhos dos espectadores, use-o para direcionar a atenção para a emoção de um personagem. Nesta foto, sem dar spoilers, podemos ver que Homelander está claramente chateado com alguma coisa. O foco superficial chama a atenção para o seu mundo interior, mas também mostra que o foco está nele, que ele é egocêntrico. Enquanto ele pousa, os racks de câmera se concentram na casa onde ele planeja exercer seu poder e energia. Desta forma, o foco atua como um recipiente para sua raiva. Esta é apenas a minha interpretação. Você poderia assistir a esta série e decidir por si mesmo. Quando você estiver tentando mostrar detalhes, verifique se eles estão focados. Ao tentar orientar os olhos dos espectadores através do foco estanque, certifique-se de obter uma mudança intencional e suave de foco de um assunto para o outro. Qualquer coisa ligeiramente fora de foco ou postura de foco desleixado pode parecer um erro não intencional. Isto está em foco, isto, isto está fora de foco. O espectador vai começar a se perguntar, o que foi isso? Eles se distrairão e seu tiro perderá propósito de direcionar o foco e a atenção do espectador. Isso não significa que você não pode atirar as coisas fora de foco. Eu amo o olhar fora de foco, mas só quando parece intencional ou se serve a história. Certifique-se de que suas escolhas de foco pareçam intencionais. Experimente isto. Sente-se em sua cadeira ou sofá favorito ou talvez um banco de parque, aponte sua câmera em objetos a várias distâncias. Tente ajustar o foco primeiro, se disponível, usando as marcas de pés e medidores na lente. Nem todas as lentes têm isso. Em seguida, tente usar o zoom digital para inserir e obter o foco correto de um objeto. Tente se afastar mais, tente se aproximar. Teste a distância focal mínima para sua lente ou lentes. Ajuste a abertura para que você possa criar mais desafios de foco. Esta é uma ótima prática e lhe dará uma boa idéia de suas lentes limitações e pontos fortes quando se trata de foco. Para recapitular esta lição, use a função de zoom na câmera para definir o foco. Se você tiver pico de foco disponível, use isso em conjunto com a função de zoom. Pratique suas habilidades de foco. Certifique-se de que seu foco, seja dentro ou fora de foco, seja deliberado e sirva a história que você está contando. A seguir, vou compartilhar algumas dicas sobre filmar sua sequência de história. 20. Filmando sua sequência de história: A razão pela qual aprendemos sobre os aspectos técnicos das filmagens em câmeras digitais, é para que pudéssemos contar histórias mais eficazes. O tempo que você gastou aprendendo e aplicando essas técnicas e configurações, em aplicação prática vai ajudar em uma melhor narrativa. Eu também estou esperando que você se sinta muito mais confortável e experiente quando se trata de começar a operar qualquer câmera com modo manual. Então, agora vem o próximo grande passo, que é criar sua sequência de contos, você possa mostrar o que você aprendeu. Lembre-se, uma história tem um começo, um meio e um fim, e idealmente ela se conecta com seu público. O objetivo deste curso é ter uma compreensão mais profunda de sua câmera e suas configurações, para cumprir o propósito das histórias que você deseja contar. O propósito de um tiro, uma sequência, ou a história geral depende de você. Para o propósito deste curso, não estamos procurando a perfeição. Você está experimentando, treinando, experimentando coisas para tentar as coisas, e aprendendo com a experiência. Por favor, seja gentil consigo mesmo durante este processo. Há uma tonelada de variáveis que entram em contar uma história eficaz. Nós não cobrimos todos eles porque esta classe está focada principalmente nas configurações da câmera. Tenha em mente que, quando você está trabalhando neste projeto, você está mostrando principalmente o que você aprendeu, configurações de câmera sábias e como isso se aplica à história de sua sequência ou tiro. Você está enquadrando, filmando movimentos, editando música, todos eles contribuem, mas eles são secundários para o objetivo principal deste curso, que é mostrar uma compreensão do material aprendido. Faça o seu melhor para usar as configurações da câmera para contar a história. Isso significa alcançar exposição adequada, foco deliberado, cor preferida, temperatura, além de escolher o ISO mais limpo, manipular a profundidade de campo, escolher taxas de quadros e seu desfoque de movimento. Não se preocupe, você vai se sair muito bem. Dito isso, aqui estão algumas dicas sobre o que filmar e como filmá-lo. Sua história não precisa ser elaborada. Vá para um local. Pense em três tiros que podem contar a história das pessoas naquele local ou do próprio local. Ou talvez você esteja seguindo um animal ou um inseto, limite-se a filmar três tiros que você acha que conta a história melhor. Vá para trás e inclua uma grande parte da cena que você está filmando, para que o público possa ver onde você está chegando mais perto. Capture alguns detalhes importantes que podem revelar mais sobre a história que você está contando. Mantenha-o simples. Você pode até contar a história em dois tiros, ou até mesmo um tiro. O que acontece no início, no meio e no fim? Alguém cava um buraco, depois planta uma semente e, finalmente, rega o solo. Super-simples, nada louco. Ou filmar alguém fazendo algo, fazendo biscoitos, tocando guitarra, ou talvez trabalhando. Você pode ter tempo e recursos para criar uma conexão emocional, e isso é ótimo. Caso contrário, não se preocupe muito com isso, tente se concentrar em como as técnicas que você aprendeu neste curso podem ajudar a história que você está contando e seus propósitos. Por exemplo, vamos olhar para a sequência que eu filmei. Eu queria filmar o primeiro dia da primavera e trazer um pouco de paz, calma e inspiração para os dias das pessoas. Eu pensei que minhas intenções para a filmagem seriam bem complementadas usando extrema profundidade de campo, usando F2. Fotografando em câmera lenta, 120 quadros por segundo, com desfoque de movimento fílmico 1-250 de segundo e filmando em 5600 K equilíbrio de branco, mas também adicionei calor adicional no post. Eu poderia ter mudado meu balanço de branco na localização para algo mais próximo 6500 K para conseguir um olhar mais quente, mas eu não fiz. Agora, se eu tivesse filmado tudo em um foco mais profundo em 24 quadros por segundo, e mudado meu balanço de branco para algo mais frio, mudaria toda a sensação das fotos, a história e seu propósito guiaram minhas escolhas técnicas. Sempre olhamos para a história primeiro ao fazer escolhas técnicas. Dito isto, você pode estar enfrentando desafios como, condições de iluminação, ter muito pouco, ou talvez você tenha muita luz para servir melhor sua história. Devemos adaptar-nos, mudar e, infelizmente, às vezes, comprometer-nos. Você não vai rir. Você não vai chorar. Ou faça o que Stanley Kubrick faz e não se contente com nada menos. Ele é conhecido por adaptar diferentes lentes para ter diferentes habilidades início. Zeiss criou sua própria lente ultra rápida, um f/0.7 para que Cooper pudesse filmar sob luz de vela. Eu acredito que ele também modificou as lentes usadas na jaqueta de metal, que ele pudesse manter um foco profundo para se adequar à idéia de que cada soldado era importante no quadro. Quero dizer, eu estou sendo língua na bochecha aqui. Obviamente, não somos todos Kubricks com o tempo todo, e orçamento para adaptar nosso equipamento para alcançar certas configurações para se adequar à história. Mas isso só mostra a duração, cineastas irão contar uma história da maneira que entenderem, sem deixar limitações técnicas descarrilar sua visão. Então, pelo menos, podemos ser inspirados por isso para talvez encontrar outras maneiras de superar, situações de filmagem desafiadoras. Recapitulando, uma história tem um começo, um meio e um fim, e pode causar um impacto emocional. O objetivo final de uma história é criar mudanças. Mantenha seus projetos simples. Tente limitá-lo a alguns tiros. Pense em termos do que acontece no início, no meio e no fim da sequência. Pense em como você quer que sua sequência atinja seu público. Quais são suas intenções, fazer as pessoas rir, chorar? Para deixá-los zangados? Divirta-se. Experimente e cometa erros para que você possa aprender com eles, e certifique-se de postar seus projetos finalizados no Painel do Projeto, para todos possam ver seu trabalho e você possa obter feedback. Vejo você na próxima lição para recapitulação final. Boa sorte. 21. Resumo final e agradecimentos!: Sim. Você conseguiu. Honestamente, foi muito material que cobrimos. Espero que tenha se inspirado a levar seu filme para o próximo nível. Não se sinta mal se precisar assistir novamente qualquer material que possa estar lutando para entender, ou se tiver alguma dúvida, vá em frente e pergunte na aba de discussão e eu responderei assim que puder. Aqui vamos nós. A recapitulação final. Escolha as configurações da câmera com base em sua história e seu propósito primeiro. Mas lembre-se, existem razões práticas para escolher configurações, especialmente se você estiver limitado pela luz ou pela engrenagem. Abertura é o mecanismo de abertura em nova lente que controla a luz. Quanto maior a abertura ou menor o número f, mais luz está dentro e menor a profundidade do campo. Quanto menor a abertura ou maior o número f, menos luz é deixada entrar, e maior a profundidade do campo. Além da abertura, os outros fatores que alteram a profundidade do campo são, a proximidade de um objeto, a distância focal da lente e o tamanho do sensor da câmera. O foco profundo traz contextos para suas cenas, ambiente e personagens do mundo exterior. Foco superficial direciona o olho do espectador e pode chamar a atenção para detalhes do mundo interior dos personagens. ISO nativo é a sensibilidade geral de uma câmera à luz. Quanto menor for a ISO, escura será a imagem produzindo menos ruído e normalmente oferecendo a maior faixa dinâmica, juntamente com melhor precisão de cor. Quanto maior a ISO, mais brilhante a imagem se tornará, produzindo mais ruído e menos alcance dinâmico com precisão de cor reduzida, mantenha a filmagem na ISO nativa da sua câmera. Caso contrário, eu recomendo fotografar com o ISO mais baixo que sua câmera pode ir. Escolha sua taxa de quadros principal para filmagens e reprodução com base em onde você entregará seu projeto final. câmera lenta enfatiza o movimento, chama a atenção para momentos e a história revela maiores detalhes de uma ação e pode ser uma ferramenta para suavizar tiros portáteis e postar. velocidade do obturador controla o desfoque de movimento e exposição. Quanto maior a velocidade do obturador ou menor o ângulo do obturador, menos tempo uma imagem está sendo exposta, resultando em menos desfoque de movimento. Quanto menor a velocidade do obturador ou maior o ângulo do obturador, mais tempo uma imagem está sendo exposta, resultando em mais desfoque de movimento. Esta é uma ferramenta para contar uma história. Use com cautela e lembre-se da importância da regra de 180 graus e seu efeito sobre o desfoque de movimento de aparência fílmica. Confie em suas leituras de exposição, as ferramentas de histograma, forma de onda e zebra são ótimas para garantir que você não perca os detalhes de uma imagem, como recortar os realces ou esmagar as sombras. Ao ajustar a abertura, ISO ou velocidade do obturador por uma parada, estamos dobrando ou diminuindo pela metade a quantidade de luz. A definição de equilíbrio de branco é a forma como dizemos à nossa câmara qual é a temperatura de cor de uma cena geral. Use seu balanço de branco ou 18 por cento cartão cinza para alcançar o equilíbrio de branco adequado da cena. Os perfis padrão são ótimos para velocidade e facilidade. Ou, se você estiver limitado pelo tempo e pelo orçamento, eles geram um intervalo dinâmico menor, perdendo detalhes em suas sombras e destaques e têm menos flexibilidade no post. Filmar em LOG é a melhor opção para flexibilidade e postagem, proporcionando um alto alcance dinâmico, mais detalhes dentro de imagens, sombras e destaques. LOG leva tempo para ajustar e postar. Sim, é muito legal que você possa usar a fita métrica para definir foco ou até mesmo usar as marcas em sua lente para obter foco. Mas, na maior parte, use sua função de zoom em sua câmera para obter foco. Espreitar também é uma ótima ferramenta. Sempre verifique seu foco novamente. Divirta-se, experimente, tente o seu melhor. Falhe e aprenda com erros que você não pode aprender sem tentar primeiro, carregue sua sequência de tiro final para a página de projetos, outros alunos possam se inspirar para criar seus próprios, e assim você pode obter feedback. Se você gostou desta aula e a achou valiosa, por favor deixe um comentário e recomende a um amigo ou alguém que você conhece, que você acha que pode encontrar valor fora dela também. Por favor, siga também o meu perfil para manter-se atualizado com as novas aulas. Se você ainda não viu minha aula sobre técnicas de edição de vídeo, dê um relógio e aplique as técnicas de aprendizagem na sequência que você acabou de filmar para esta classe. Também muito obrigado por assistir. Sou muito grato pelas respostas que obtive desde que comecei a criar cursos, e estou muito feliz que as pessoas estejam aprendendo e crescendo em seu trabalho. Sinto-me ótimo por poder fazer parte dessa jornada. Um enorme obrigado a você por se envolver nas lições e postar seu trabalho. Obrigado. Vejo-te em breve. 22. Aula bônus: resumo do filme de introdução: Percebi que perdi uma grande oportunidade de compartilhar meu próprio processo de pensamento com configurações de história e câmera usando meu filme de introdução como exemplo. Então, nesta lição, eu vou falar através do filme de introdução para este curso. Ao fazer isso, espero poder ajudar a ilustrar ainda mais como a história e outros obstáculos podem influenciar as configurações da câmera e as escolhas de filmagem. Este filme de introdução tinha algumas camadas. Era para mostrar o que os alunos aprenderiam no curso, então eu queria que o espectador sentisse como se pudesse ver partes de si no personagem. O projeto de classe é criar uma sequência curta. Este filme de introdução foi quase como o meu próprio projeto de classe para esta classe, é uma espécie de meta. Eu também queria fazer algo diferente do que um vídeo de introdução cabeça falante e fazer o meu melhor para praticar o que eu prego, que é usar história para se conectar ao seu público. Eu sabia que para esta aula eu queria criar uma sequência de histórias curtas que eu poderia adicionar à galeria do projeto para começar as coisas para os alunos. Mas então, claro, eu me empolhei um pouco e pensei como seria incrível se minha introdução fosse meu projeto de sequência de histórias curtas. Naturalmente, segui as minhas ideias e deixei-as crescer e escrevi-o como um guião solto. Na lição 3, discutimos o que é uma história. Uma história tem um começo, meio e fim; e tem a capacidade de se conectar com seu público emocionalmente. Vamos quebrar o filme de introdução. No início, apresentamos nosso personagem principal e o narrador que também podemos considerar outro personagem nesta história. Começando também apresenta o problema, que é que ele não tem uma grande compreensão de sua câmera e suas configurações resultando em não as maiores fotos, e isso leva ao que é conhecido como a chamada para a aventura. Ou o personagem principal pode aceitar a derrota e deixar sua câmera no lixo ou atender a chamada para aprender mais sobre sua câmera e crescer nessa habilidade. O meio da história apresenta a jornada ou a solução, que é a minha classe. Eu não estou tentando insinuar que minha turma vai resolver todos os seus problemas de filmagem, espero que seja útil, mas na introdução é obviamente acima do topo de propósito, de modo que isso aumenta a comédia disso. O meio também contém o que é a classe porque eu preciso que o aluno entenda no que eles estão se metendo. Tipicamente no meio, temos o que é chamado de ação crescente, que é onde o personagem é apresentado com obstáculos e supera-os, e depois mais obstáculos, e depois supera aqueles até chegarmos ao clímax de a história. Neste caso, a ação crescente é o personagem absorvendo novas informações e aplicando-a praticamente em diferentes situações de filmagem. Nós não necessariamente vemos os obstáculos explicitamente aqui, e na maior parte, a ação crescente é rápida e principalmente livre de dor para o nosso personagem, porque eu queria que os alunos fossem encorajados e entusiasmados em aprender mais do que pensando nos problemas que enfrentarão ao fazer o curso e aplicá-lo a situações de filmagem. Há tantos obstáculos que ficam no nosso caminho como cineastas, então eu não queria colocar mais um fardo no espectador. Queremos que seja excitante e encorajador. Para olhar para o positivo, foi mais importante neste caso. O meio da nossa história também inclui o clímax, que é quando o nosso personagem volta ao local inicial onde todos os seus problemas começaram. Neste caso, ele refilma a sequência, selecionando configurações de câmera mais apropriadas para seu projeto, fazendo com que ele atinja seu objetivo. Este é o momento em que chegamos ao fim da história, que é depois que nosso personagem resolveu o conflito principal. Ele descobriu como usar essa câmera, ele está pronto para ir. Esta parte da história inclui quando ele recebe feedback incrível e filmar novos projetos usando seu novo conhecimento, e, em seguida, o cartão final com sua reação. Essa reação final em muitos trailers de filmes seria considerada o botão. Normalmente, provoca o público e excitar o público um pouco mais. A razão pela qual eu coloquei isso lá foi porque eu queria que o personagem principal também estivesse reagindo ao cartão de título em si. Uma última coisa é deixar o público entusiasmado com este curso incrível. Quando eu escrevi isso originalmente, eu não tinha tudo exatamente como estava na edição final. Cada etapa do processo de produção inclui adicionar ou subtrair elementos da história. Eu tinha, no entanto, um propósito para a história, que é para as pessoas se inscreverem na minha aula. Enquanto eu passava pelo processo de escrita, filmagem e edição, eu estava constantemente pesando minhas opções de quais elementos da história manter e deixar de lado. Isso foi determinado pelo propósito da minha história. Por exemplo, originalmente, eu tinha um outro segmento onde eu estava sentado no meu sofá olhando para minha câmera e então finalmente decidi sair e filmar uma sequência. Estás aí sentado a olhar para a tua câmara. Sua câmera olhando de volta para você. Estás a olhar para a tua câmara. Sua câmera olhando de volta para você. Você está pronto para fazer algo épico. Depois de filmá-lo e colocá-lo na edição áspera, eu decidi que não era necessário porque não estava servindo o propósito das histórias. Primeiro, não acrescentou nada que já não saibamos sobre o personagem. Esta cena aqui, acho que revela o caráter melhor. Manter a cena comigo no sofá, olhar para a câmera seria redundante. Dois, cortá-la nos ajudou a entrar na carne da história mais rápido e apresenta o problema mais rapidamente também, que eu estou esperando relacionar-se com o espectador. Ele ajuda a manter a atenção do espectador e mantém-los envolvidos. Em caso de dúvida, pergunte a si mesmo, essa ideia de elemento afeta a configuração da câmera, etc? Será que serve o propósito da história? Não tenho muita experiência em me filmar, então isso foi muito desafiador. Porque eu estava me filmando, fiz algumas coisas para facilitar minha vida. Essas coisas servem a história e não necessariamente serviram a história. Deixe-me explicar. Na maior parte, eu estava filmando 24 quadros por segundo. Eu também tiro em 60 quadros por segundo para alguns desses tipos de tiros aqui, e eu tiro em 120 quadros por segundo para esses dois tiros aqui. Na maior parte, eu estava aderindo a um ângulo de obturador de 180 graus para todas as taxas de quadros, com exceção deste, que foi filmado em um quatrocentésimo de segundo. Você pode estar perguntando por quê, e a razão a princípio foi porque eu queria ser mais dramática. Eu queria que a câmera realmente se destacasse. Eu também me perguntei o que seria se eu levasse a velocidade do obturador mais para baixo e aumentasse o borrão de movimento do movimento. Isso poderia ter sido interessante também. Seguindo em frente, escolhi uma ISO 1600 porque é a ISO nativa da minha câmera. Eu poderia não ter escolhido um F-stop de 5.6 se eu fosse capaz de operar a câmera. Como eu não era capaz de me preencher e operar ao mesmo tempo, eu escolhi uma abertura que me manteria em melhor foco. Eu não tinha as melhores ferramentas para focar, então eu usei este rolo de espuma para obter foco e confiei que quando eu respondesse ao quadro e sentei nesta cadeira, eu estaria dentro do campo aceitável da minha câmera para focar. Você pode ver em alguns dos tiros, não é o mais afiado, poderia ser mais nítido, mas escolher um f-stop maior me deu um pouco mais de profundidade e um pouco mais de espaço para erro quando se tratava de focar. Quando se tratava de equilíbrio de brancos, eu usei luzes balanceadas de luz do dia em 5600K, então eu defini meu balanço de branco em 5600K. É por isso que esta luz aqui atrás é tão quente, porque na verdade é 2800K. Mas o que isso faz aqui é que nos dá um bom contraste com a cor, e também adiciona um pouco de calor à cena. Outra coisa interessante sobre esta luz aqui, e eu não notei isso na época, mas se você jogar de volta este tiro em uma velocidade diferente, você pode ver que ele tem uma cintilação muito fraca. Além disso, a cintilação, felizmente, não estava no meu rosto, é apenas nas paredes aqui, e isso não faz disso um grande negócio para mim. Eu também filmei em resolução 4K. Nós não tocamos nisso neste curso, mas o que 4K nos permite fazer é colocar um clipe 4K em uma sequência HD e ter a capacidade de cortar a imagem e ampliar digitalmente a imagem sem perder qualidade. A resolução 4K tem o dobro do tamanho da resolução HD. Você pode manter a imagem em uma escala de 50% e pode ver a totalidade da imagem ou ampliar até 100%, cortando efetivamente a imagem onde quiser sem perder a qualidade ao enviar seu vídeo para HD. Como eu não tinha a capacidade de operar a câmera, eu usei resolução 4K para me dar a capacidade de re-cortar e postar caso meu enquadramento estivesse desligado. Enquadrar a si mesmo é super difícil, então eu precisava dessa flexibilidade. Nesta foto comigo em câmera lenta, eu não tinha 4K disponível, e você pode ver que eu estou mais à direita do quadro porque eu não conseguia me ver. Outro benefício de filmar em 4K, que ajudou a contar histórias, foi que me permitiu a estes rápidos, zooms malucos. Esta aula parece insana. Esses zooms essencialmente esperam alguns do que são feitos para ser momentos cômicos ou realizações de personagens. Esses pequenos movimentos se acumulam, criam antecipação, dão ênfase ao caráter e à história, e estão realmente lá para ajudar a orientar o foco e a atenção do público, tanto na tela quanto emocionalmente. Uau. Então você pode vê-lo aqui, eu estou usando o 4K para re-recortar no mouse e meu rosto para mostrar o pânico que o personagem está experimentando. Se eu cortasse isso sem ampliar cada vez, a sequência parece mais plana. Com o zoom digital, posso me safar quase parecendo uma foto totalmente nova. Além disso, isso ilustra a ideia de que você sempre deseja adicionar algo novo ao quadro se você for cortar para a mesma foto para fornecer ao público novas informações relevantes para a história. Se você não está lhe dando nenhuma nova informação, então você pode querer considerar cortar o tiro ou usar um novo tiro completamente. Um dos últimos elementos que adicionei foi usar câmera lenta. Eu uso um pouco de movimento para enfatizar e dramatizar momentos como o clique do mouse. Temos o acúmulo e a antecipação exagerada, que contrasta com a realidade ou com a reprodução em tempo real da filmagem. É engraçado porque você está esperando ver filmagens épicas e então você tem esses movimentos terríveis de karatê e filmagens subpares. O uso de câmera lenta para dramatizar e criar antecipação, ajuda a vender a comédia. Mais uma vez, isso serve minhas intenções de se conectar ao público usando humor, transformar essas intenções para servir o propósito da minha história, que é incentivar as pessoas a tomar o meu curso. Isso é tudo para esta lição, pessoal. Espero que tenha sido útil, e espero que ajude a ilustrar como cada elemento do processo de produção é determinado pelo propósito geral da história que você está contando. Muito obrigado por assistir. Obrigado pelas críticas incríveis caras. Estou ansioso para vê-lo no meu próximo curso muito em breve.