Transcrições
1. Apresentação do curso: [MÚSICA] Como editores de vídeo,
somos como mágicos. Observe minhas mãos de perto. Vou pegar esse ás de copas, colocá-lo no
meio do convés, e vou sacudi-lo até o topo. Lá está, nada mal. Quando um mágico
executa um grande truque, você não percebe um
truque de mão. Você não percebe nenhuma
das transições suaves empregadas
para fazer o truque funcionar, mas o que os mágicos
fazem melhor é orientar a atenção do público
usando desorientação. Claro, não
sei como fazer nenhum desses truques de cartas extravagantes, mas consegui
criar truques de mão, desdirecionamento, fazer o que
eu sei fazer,
que é editar. Olá, sou Sean Deakin,
cineasta e editor, e quero
ensinar-lhe as técnicas para criar uma edição suave. Uma edição suave contém várias técnicas
de edição de vídeo. Nesta aula, vamos nos
concentrar em como criar conexões visuais
suaves
entre fotos. Isso inclui princípios de
edição suaves, criação de edições
e transições , movimento
suave, desfoque de movimento
cinematográfico e
técnicas práticas de edição que você pode aplicar ao seu
próprio projeto. Nosso projeto de classe é um
anúncio curto e emocionante para uma marca de vodka. Este não é necessariamente
um tutorial passo a passo. Você terá
muita liberdade para
usar as
técnicas de aprendizado para criar sua própria edição e de
sua maneira criativa. Este curso é para editores de vídeo
intermediários, e é recomendável
que você tenha uma compreensão básica
de como editar. Usaremos o Premiere Pro e o
After Effects para este projeto. Dito isto,
há muitas técnicas de edição de vídeo com as quais qualquer nível de habilidade pode aprender e aplicar a qualquer programa
de edição. Se você não quiser
usar o After Effects, ainda
poderá concluir um
projeto dentro do Premiere. As técnicas aprendidas
nesta classe
se basearão nas
suas habilidades de edição
e darão
a você as habilidades para criar
edições e transições suaves. Desta vez, não há truques
de edição de vídeo. Ás de copas no
meio do convés, e sacudi-lo. [MÚSICA]
2. Projeto do curso: Muito obrigado por
fazer essa aula. Estou super animado com
esse projeto de classe porque é curto
e rápido e há muito espaço para
experimentar aqui e
testar técnicas de edição suaves. Vamos entrar nisso.
Nosso projeto de classe é um anúncio curto para
uma empresa de vodka. A empresa, no entanto, não
é real. Eu inventei completamente, então temos controle
criativo completo sobre o que podemos fazer com isso. Isso também significa que, se você acabar criando
seu próprio projeto, poderá publicá-lo em seus próprios
sociais onde quiser, desde que seja apenas
para uso pessoal. Só peço que você credite o curso e a mim mesmo para que outras pessoas possam
descobrir e fazer a aula e criar seu
próprio projeto também. Serei bastante específico sobre
como trabalho com este anúncio, mas sinta-se à vontade para editá-lo qualquer
forma que você esteja
inspirado a entender melhor. Você pode alterar as cores, alterar o comprimento,
você pode fazer um anúncio de cinco segundos,
um anúncio de um minuto, você pode fazer o que
quiser com isso. Mas eu encorajo
você a manter isso simples. Não o complica demais
porque ele pode ficar fora de controle. Este não é um tutorial em que você precisa
acompanhar cada etapa, mas as técnicas e
processos aprendidos
serão muito aplicáveis a
qualquer projeto em que você trabalhe. Farei o meu
melhor para ilustrar técnicas e o
processo através meu próprio projeto sem
entrar em detalhes, porque não é necessariamente um tutorial
de acompanhamento. Vá em frente, baixe
os ativos incluídos e carregue-os no Premiere Pro para se familiarizar com eles. Um lembrete, este é um curso
intermediário e o projeto pode variar em dificuldade dependendo do que
você decidir fazer com ele, de muito simples a
extremamente avançado, você precisará de alguma experiência com edição e Premiere Pro. Ter um
entendimento básico de como Premiere Pro funciona e
quadros-chave é uma vantagem. Também vamos
entrar no After Effects, fazer ajustes nos movimentos
e terminar nosso projeto. Serei um pouco mais específico orientar o After Effects, mas novamente, alguma experiência
existe uma vantagem. Se você for um pouco adverso do
After Effects, como eu, existe a opção de terminar seu projeto no Premiere Pro, mas
não há tempo suficiente
nesta classe para
passar por isso processo. No entanto, muitas das
coisas pelas quais passaremos no After Effects serão
aplicáveis ao Premiere Pro. Se você está ficando preso a qualquer uma das técnicas ou ideias, sinta-se à vontade para perguntar
na guia da discussão. Uma última
coisa técnica a saber, eu uso uma
Susan Lazy eletrônica que não foi
a mais eficiente, então esteja ciente de que em algum momento em alguns dos tiros de
rotação de garrafas, a Lazy Susan pára brevemente por um momento e depois
acelera novamente, então você pode querer
cortar isso. Antes de entrarmos nas técnicas de edição
suaves, vamos falar sobre como contar a história da marca.
3. Contando a história da marca: [MÚSICA] Você
geralmente pode economizar muitas dores de cabeça ao iniciar um projeto olhando para
o resumo criativo. Um resumo criativo é basicamente uma lista de
restrições criativas que ajudam a orientar sua
tomada de decisão criativa em um projeto e contar
a história de uma marca. Mas o que acontece quando você
não tem um resumo criativo? No nosso caso, não
temos um resumo criativo. Isso adiciona um
nível extra de desafio. Mais uma vez para ser super claro, esta é uma marca completamente
composta. Não fique confuso, estou apenas enviando um e-mail para mim mesmo, fazendo um role-play essencialmente. É para ser divertido,
informativo e educativo. Este é o primeiro
e-mail que recebemos
da própria equipe de marketing sobre o tipo de anúncio que
eles estão procurando. Parece que eles são
uma marca nova. Eles não têm
muitos detalhes, mas
mencionam que estão procurando um anúncio entre 10 a 30 segundos. Além disso, é um anúncio para vodka. Sabemos que nosso público
precisa ter 18 anos ou mais, ou 21 anos ou mais,
dependendo de onde você mora. A outra coisa que
temos disponível em anexo é este anúncio online. Temos a garrafa aqui,
o nome e o slogan, abrimos sua mente e uma breve sinopse sobre a bebida
e a própria empresa. Já com essas pequenas
quantidades de informações, temos alguma ideia do que é
a empresa e
o que eles representam. Agora, eu já
pensei nisso antes mesmo de
filmar o anúncio curto, e eu também criei esse
anúncio em si. Já
sei o que queria, então sei que é trapaça. Primeiro, se eu não tiver informações
suficientes e
não me sentir confiante ao
começar a editar, farei perguntas. Vou perguntar, qual é o
propósito do projeto? Qual é o objetivo do projeto? Qual é o ponto?
O que queremos que o público faça
depois de assisti-lo? Que tipo de tom? O que eles querem que o
público sinta? É suposto
ser leve, é suposto ser sério? Quanto tempo dura a edição? Isso, claro, ajuda
você a economizar tempo. Apenas editando o
comprimento que você precisa. Para onde ele vai? Vai ficar online?
Vai entrar no teatro? Vai ir, para
onde ele vai? Então às vezes vou perguntar, quem é o público-alvo. Mas muitas
vezes você pode simplesmente ir com as informações que eles lhe dão e chegar a
suas próprias conclusões. Vamos clicar em “Enviar” e
ótimo, obtivemos uma resposta. Como você pode ver aqui, a equipe de
marketing não sabe exatamente o que
quer. Tudo bem. Em casos como este, eles só querem que você
dê algo a eles. Quando você faz isso,
então eles percebem oh, na verdade nós queremos isso, ou eles percebem
que isso é brilhante. Sim, isso é exatamente o que
queríamos e eles vão
levar o crédito por isso. Vamos clicar em “Enviar”. Eu segui em frente e coloquei
rapidamente e editei de acordo com o
requisito de duração deste anúncio. Claro,
costumo fazer isso depois ver todas as filmagens e
escolher minhas seleções. A edição é chata. Não há nada de excitante
nisso realmente, mas é um bom lugar para
começar e dá uma ideia de como as coisas
estão se juntando, mas não tem caráter. Ele não cumpre o
propósito da marca. O que quero dizer com isso é
que a única coisa que é reconhecível neste
produto é o logotipo, então as cores da marca realmente. Precisamos começar a colocar
em camadas em algumas edições, algum efeito, algumas ideias para emular a marca, para ilustrar a marca, porque a própria marca tem
sua própria vida e caráter. Podemos descobrir isso
observando os atributos
da empresa e imitando esses atributos por meio de técnicas
de edição. O primeiro passo, naturalmente, você começará
a ter ideias como um e-mail de leitura enquanto está
revisando as filmagens. É importante tomar nota
dessas ideias e
mantê-las em mente. Imediatamente o nome
deu para mim, Vrtigo, que é o que alguns
podem experimentar com desequilíbrio sugere que
podemos alterar o ângulo da
câmera para ilustrar a marca através do movimento
por criando rotações, ou provavelmente a
ideia mais óbvia seria criar um tiro e postar Vrtigo para
mostrar a perspectiva
de uma maneira única. Isso também fala
em conversar. O disparo vertical dá a você essa perspectiva única que está mudando
constantemente
através de seu movimento. Isso contribui para a missão da
empresa de ser aberta e receptiva a
diferentes ideias e opiniões. Então também temos essa
dica aqui onde diz, conversas
sérias e leves, que poderia contribuir para o tom geral
deste projeto. Esta pequena informação
sobre a empresa, podemos começar a moldar algumas
idéias de como editar isso. Como você criaria
edições que são sérias e divertidas baseadas em conversas? Bem, você poderia pensar sobre o ritmo de uma conversa, como isso pode incluir
interrupções. Talvez flua muito bem. Talvez esse seja o ritmo. Ou se pensarmos na
conversa como um efeito, você pode pensar em algum tipo de efeito de
espelhamento. Porque quando duas pessoas
em uma conversa, elas estão ouvindo
e respondendo, ouvindo e respondendo. Talvez o efeito de espelhamento possa emular duas pessoas diferentes
encontrando um terreno comum. Sei que isso pode
parecer ridículo, mas é disso que se trata. Você está tentando criar significado partir dos poucos detalhes que você tem. Isso ajudará você a criar
algumas ideias
imediatamente que você pode implementar
e testar imediatamente. Eu começaria a jogar esses clipes na
linha do tempo antes mesmo de você ter uma edição aproximada juntos e testar algumas
dessas ideias. Veja quais ficam, veja quais se sentem bem, você está animado, que se sente certo para o projeto, que se sente certo para a marca e tome nota dessas coisas. Eventualmente, você encontrará uma
direção através disso. Ouça seus primeiros instintos,
mesmo que pareça estranho. Não se preocupe em
acertar. Estamos na fase de exploração. Você pode entender errado. Basta começar com essa
ideia e deixá-la evoluir a partir daí
e trabalhar com ela. Por exemplo, meu primeiro instinto foi usar música sintetizadora dos anos 80 para isso porque
parecia que eu queria acertar aquela nostalgia
do produto. [MÚSICA] O problema
acabou sendo que
escolhi músicas com letras específicas que não se encaixavam na marca. Gosto da faixa,
queria que funcionasse, mas não consegui encontrar
outra faixa
que tivesse essa mesma sensação e não
continha letras tão específicas. Acabei de abandonar essa ideia. Eu queria que o
efeito Vrtigo funcionasse. Por várias razões, simplesmente não funcionou
da maneira que eu queria. Você ainda
poderia fazer funcionar, mas acabei deixando essa ideia embora
fosse tão perfeita porque
a marca é Vrtigo e a
foto é Vrtigo. Bem, você não pode ganhar todos eles. Não é realmente útil se
comprometer com cada ideia, você terá uma mistura de efeitos
diferentes. A edição ficará
desfocada e o público ficará confuso quanto ao que você está
tentando fazer com a edição. Se você tem toalhetes
e desvanecimentos e diabos, vamos lançar algumas transições
cegas venezianas lá dentro, e então talvez alguns efeitos de
colorização, e então talvez alguns efeitos de
colorização,
e você adiciona
tudo
isso na edição, será um bagunça. Minha sugestão, fique com
algumas ideias diferentes que realmente funcionam bem juntas e servem ao propósito
da sua edição. Por exemplo, na edição do meu projeto, fiquei preso principalmente a movimentos
digitais e rampas de
velocidade e também
na edição invisível ímpar para manter essa sensação de fluxo
em movimento ao longo da edição. Outra
coisa importante a observar, as rotações animadas
são provavelmente alguns dos movimentos mais
visíveis, mas eu não usei isso
em todas as edições. Eu queria que ele mantivesse
sua especialidade e sua importância quando se
tratava da própria marca. Eu tentei enfatizar principalmente
esse movimento em torno das
fotos do herói ou do produto da garrafa para que isso trouxesse
mais atenção para a marca. Usar um efeito demais
pode reduzir o significado
do efeito e criar
previsibilidade em sua edição. Agora, em alguns casos, quando
é um projeto tão curto, você precisa estabelecer o
estilo rapidamente para que possa ser útil usar um efeito
em cada clipe. Agora que tenho todas essas ideias, posso começar a aplicá-las à minha edição aproximada e realmente criar
um personagem para essa edição. Um lembrete, certifique-se de que sua sequência esteja definida como 1920 por 1080,
para que você possa fazer pleno uso dos movimentos
digitais sem
perder detalhes na imagem. É claro que, depois de ajustar
suas configurações de sequência, todos os seus clipes 4K
excederão o tamanho do quadro das
configurações de seqüência. Para gesticar clipes para
corresponder ao tamanho do quadro, você pode
dimensionar manualmente cada clipe ou dimensionar manualmente
um clipe para 50% e copiar
atributos de colar para o
resto dos clipes, garantindo que o
movimento seja selecionado. Mas a maneira mais rápida é
simplesmente selecionar todos os clipes,
clicar com o botão direito do mouse e selecionar
“Definir como tamanho do quadro”. O uso da
função Definir para Tamanho do Quadro
reduzirá automaticamente os clipes escolhidos
para o tamanho do quadro de sequência, que é exatamente metade do
tamanho dos nossos clipes 4K. Recapitulando, podemos adicionar
vida à edição olhando para o personagem
da própria marca. Esses atributos de caracteres
podem então ser
traduzidos em estilo de edição por meio de
diferentes técnicas de edição. Você não precisa usar todas as
ideias e definições,
caso contrário, corre o risco de sua edição ficar desfocada. Na próxima lição,
vamos
falar sobre correspondência na ação.
4. Correspondência / corte em ação: [MÚSICA] Cortar a ação
ou combinar na ação é uma maneira prática de
criar um corte suave. A correspondência na ação
geralmente se
refere a dois
tiros diferentes cortados juntos
na ação de um
personagem ou objeto. Você pode até cortar o movimento
da câmera. Basicamente, desde que
você esteja cortando o movimento,
ação ou movimento, você
terá mais facilidade para esconder essa edição
do público. Ao combinar a ação, você está criando uma
ponte visual entre fotos. Ele distrai o
espectador da edição, porque eles estão focados
no movimento que conecta as duas fotos
diferentes. Ao cortar um rascunho
aproximado de sua história, procure maneiras de conectar
os tiros através do movimento. Tente também manter o
corte entre clipes com movimento
e direção semelhantes. Caso contrário, pode
ser uma edição de secagem. Enquanto eu estava
passando pela minha própria edição, encontrei essas duas fotos que eu acho que vão ser
ótimas juntas. Temos o movimento
da tampa e o movimento do gelo
atraindo nossos olhos, e quando
os conectamos juntos, combiná-los em ação, já teremos
algo super suave de se olhar. É tão simples quanto isso. Além de combinar a
ação ou cortar a ação, também procure oportunidades de
rastreamento ocular. A técnica de rastreamento ocular
refere-se
a onde o público está olhando dentro do quadro a qualquer momento. Nossos olhos são mais atraídos por
características humanas. Os olhos cores brilhantes, áreas de alto contraste,
texto e movimento. Nossa edição de projeto apresenta
principalmente movimento, contraste, textos
e cores brilhantes. Novamente, como temos imagens 4K dentro
da linha do tempo 1080P, podemos reajustar a
posição, a escala e a rotação de nossos clipes
sem perder detalhes. Claro, o objetivo
para isso é que
possamos criar nosso
próprio movimento dentro cada tiro para criar
cortes suaves e transições suaves. Tenha essas coisas em mente
a cada edição que você fizer. A partir desse corte, nosso ponto de
rastreamento ocular está aqui
e, no próximo corte,
nosso ponto de traço ocular está bem aqui na
parte inferior do vidro. Mas por causa do gelo em movimento, nosso cérebro é enganado para
seguir esse movimento
da tampa e para baixo
com este cubo de gelo. Conseguimos
combinar a ação, mas não necessariamente
no traço ocular. Podemos até estender essa
edição um pouco também. Eu posso até tê-lo
quase saindo do quadro. Uma nota lateral rápida, você deve ter ouvido dizer
que deve esperar que o objeto em movimento dentro do tiro deixe o
tiro antes de fazer um corte. Mas você nem sempre
precisa fazer isso, porque o limite está se movendo tão rápido e estamos
cortando a ação, podemos nos safar com
cortes que não seguem
necessariamente as
regras de continuidade. Agora eu ampliei
nosso quadro e ajustei
a posição. Estamos trabalhando com vestígios oculares
um pouco melhor dessa maneira, porque o cubo de gelo
cai em nosso
ponto de rastreamento ocular muito rapidamente. Seus olhos não precisam ajustar a posição entre
esses dois tiros. Se você quiser
manipular o quadro para ajustar o traço ocular um pouco
melhor, você pode fazer isso. Nesse caso, acho que
a composição desta foto próxima
não é tão boa. É muito assimétrico para
mim e é mais difícil
identificar que é um copo
quando está tão perto,
pode até ser um vaso ou
algum outro recipiente de vidro. Eu não gosto muito dessa
composição. A partida em ação funciona tão bem que o traço ocular não faz tanta diferença em distrair o
olho do corte. Mas vamos voltar a isso. Um mito sobre
o uso do traço ocular é que você precisa cortar
de um tiro para o outro e ter o que
seu olho é atraído dentro da
posição idêntica do seu próximo tiro. Mas nem sempre é esse o caso, porque nosso
tempo de reação não é tão rápido. Não é como se tivéssemos visto um tiro e imediatamente soubemos
o que estamos vendo. Nesse caso, o gelo
está se movendo tão rápido e chegando ao nosso ponto de rastreamento ocular dentro de três ou quatro quadros, nossos olhos mal estão se ajustando
ao próximo tiro antes de termos a
chance de ver o que é acontecendo. Na verdade, em alguns casos, você
quer que seu ponto de rastreamento ocular caia no próximo tiro
e no ponto de rastreamento ocular. Recapitular, combinando em ação
ou corte na ação, é quando você corta
o movimento de um tiro para o movimento
do próximo tiro. Os movimentos não
precisam necessariamente estar se movendo
de forma unilateral, mas se eles estão se movendo
na mesma direção, é muito mais fácil para
o seu olho seguir. Se você puder criar um traço ocular mais
eficaz com seu corte na ação, então, em teoria, suas edições
serão ainda mais suaves. Mas não comprometa
a composição ou a história da sua edição ou clipe só porque
você pode obter rastreamento
ocular recompondo
sua foto e postagem. Às vezes, cortar a ação é adequado para ocultar as edições
e criar um corte suave.
5. Como criar movimento suave: [MÚSICA] Nesta lição,
aprenderemos como ganhar
mais controle e personalização sobre
seus movimentos digitais usando quadros-chave. Um dos maiores erros
cometidos ao criar gráficos, animações
ou qualquer coisa em movimento é usar apenas
interpolação linear. Quando estamos falando ação
ao vivo ou gráficos
animados, interpolação é o que acontece
entre os quadros-chave. interpolação é como
seu software determina os valores entre esses pontos. Por exemplo, digamos que estamos animando esse quadrado roxo. Vamos animar a escala, então criaremos um quadro-chave
no início do nosso clipe e movemos para o
final e criaremos outra chave, e como eu quero
animar isso de 0-100, vamos passar para o nosso
primeiro quadro-chave. Defina isso como zero
e, por padrão, obtemos essa interpolação linear
entre nossos quadros-chave, que começa abruptamente
e termina abruptamente. É uma velocidade constante em toda
a animação. Agora, se quisermos ver o que está acontecendo
visualmente aqui, podemos clicar neste triângulo
à esquerda da nossa propriedade de escala, e agora ele abre
essa bagunça aqui. Para obter uma visão melhor do
que está acontecendo aqui, podemos clicar
nesta linha cinza fina na parte inferior do
nosso gráfico de velocidade e nesta outra
linha cinza fina em nosso gráfico de valores. Existem dois gráficos, duas maneiras diferentes de ver o que está acontecendo com
nossa animação visualmente. Temos o gráfico de valores aqui, que mede o valor ao longo do tempo, e o gráfico de velocidade aqui embaixo, que mede a velocidade ao longo do tempo. Se passarmos da esquerda para a direita, dependendo de onde está
um indicador de reprodução,
ele está se cruzando com nossa linha de
valor aqui, e você pode ver que ela está se movendo forma linear de
0 a 100 a uma taxa constante. Olhe para baixo para o nosso gráfico de velocidade, podemos ver aqui nossa
velocidade está em zero. Mas quando chegarmos ao nosso
primeiro quadro-chave, bam, estamos em uma velocidade
que permanece constante durante toda a
animação. Esse tipo de movimento não
parece nem parece orgânico ou real forma alguma,
porque eu não acho que haja nada na natureza
que se mova dessa maneira. Mesmo movimentos mecânicos têm alguma variação de velocidade
e caráter para eles. Isso não significa que você não pode
usar interpolação linear. Basta ter em mente
o tipo de visual que ele oferece e que ele não
parece o mais natural. Para criar um movimento realista, precisamos alterar o modo de
interpolação. O lugar mais óbvio para começar, e talvez você já esteja
fazendo isso é mudar sua interpolação para
facilitar ou facilitar. Clique com o botão direito do mouse no quadro-chave, clique em “Facilitar”
quando uma animação começar e “Facilitar”
quando uma animação termina. Agora mudamos nossa
interpolação de linear para ter curvas de Bézier. Qualquer curva criada dentro do gráfico de valores é
considerada uma curva de Bézier. As funções de facilidade de
entrada e facilidade são apenas tipos muito específicos de curvas disponíveis no menu
do quadro-chave. Com isso agora
conseguimos animações muito suaves para dentro e fora. Nosso gráfico de velocidade também
mudou. Você pode ver que estamos
começando em zero, aumentando até a
velocidade máxima aqui
e, em seguida,
diminuindo para zero. Portanto, o gráfico de valores é
diferente, pois mede o valor ao longo do
tempo em vez de velocidade. Quanto mais íngreme a inclinação, mais rápido
o movimento, enquanto as inclinações mais rasas, o movimento é muito mais lento. É ótimo porque agora você tem duas maneiras diferentes de ver as informações do que está
acontecendo entre seus quadros-chave. Apenas usando facilidade, facilidade nas curvas de Bézier é a maneira mais rápida de obter um movimento orgânico
suave
durante o keyframe, e às vezes essas predefinições
fáceis de facilidade não são suficientes para
sua animação, e para obter mais
personalização e controle sobre o que você está fazendo, você pode simplesmente ajustar
as alças por conta própria. Certifique-se de que, ao
ajustar essas alças você tem o
redimensionamento automático de alcance selecionado. Caso contrário, partes
do gráfico ficarão
fora de vista. Quando você está ajustando as
alças em sua animação, você pode ver nosso gráfico de valores e nosso gráfico de velocidade está mudando, e podemos obter alguns looks
realmente interessantes apenas brincando
com as curvas. Você pode ter tido esse
problema em que definiu seu quadro-chave em zero e seu segundo quadro-chave em um 100
e você está pensando, ok, ele vai
passar de 0 a 100. Mas então você joga de volta, e é como, “Uau, ok. [RISOS] Escalamos além do
nosso segundo quadro-chave.” Quando você não está
olhando para o gráfico de animação, é muito frustrante
porque você está vendo, espere um segundo, meu primeiro
quadro-chave está definido como 100 e meu segundo
quadros-chave em zero. O que está acontecendo aqui? Isso
não faz nenhum sentido, e é porque você
não está olhando para o que está
acontecendo visualmente quando
você vê os quadros-chave. Se você quiser evitar esse tipo
de comportamento, é simples. Basta manter suas curvas entre essas duas linhas
horizontais imaginárias e você ficará bem. A ordem das operações que fazem mais
sentido para mim é apenas destruir sua animação
primeiro com quadros-chave lineares, depois adicionar suas facilidades,
suas curvas de Bézier
e, em seguida, entrar em seu gráfico e suavize
tudo, obtenha a velocidade e o
tempo da maneira que você quiser. Você obtém muito mais personalização, e o visual é
muito mais exclusivo para cada
projeto que você assume. O que eu
recomendaria que você faça agora é experimentar curvas de
animação e ver que tipo de movimentos únicos
você pode criar. Edite o gráfico de valores
onde for
possível, não é possível editar o gráfico de valores na posição
dentro do Premiere Pro e explicarei por que você não pode
fazer isso em uma lição posterior. Mas não vá muito à frente com seu próprio projeto antes de
assistir às próximas lições porque elas
ajudarão você a decidir o melhor fluxo de trabalho para
o resultado desejado. recapitulação, usando
curvas de Bézier facilita, dá uma
aparência mais orgânica aos seus movimentos. Para obter ainda mais controle e personalização sobre
seus movimentos, abra seu gráfico de animação e faça ajustes a partir daí. Lembre-se, o gráfico de velocidade
e o gráfico de valores são duas maneiras diferentes de transmitir informações com a interpolação de seus
movimentos. há absolutamente nada de
errado em usar curvas de Bézier , facilidade, facilidade, mas é bom
saber como usar essa função, então quando você está em uma
situação em que você precisa ajustar seu
facilita mais
especificamente, você pode. [MÚSICA]
6. Motion Blur: [MÚSICA] Para tornar seus
movimentos ainda mais realistas e
suas edições ainda mais suaves, precisaremos adicionar desfoque de movimento. Ao assistir filmes,
esperamos ver uma
certa qualidade de desfoque de movimento nos
movimentos da câmera e objetos em movimento. Ser capaz de recriar um desfoque de movimento
semelhante dentro nosso próprio projeto ajudará a vender os movimentos e as
edições de forma mais eficaz. Agora, normalmente, você pode
abrir o After Effects, bater em alguns quadros-chave habilitar o desfoque de movimento, e esse é um bom fluxo de trabalho, especialmente para projetos com movimentos
mais complexos. Mas, em alguns casos, você pode ter alguns movimentos
animados simples, você não quer necessariamente
mover tudo para o
After Effects. Nesse caso, para manter as coisas
simples e mais fáceis, mais sobre isso mais tarde, podemos
usar o efeito Transformar. É importante para
esta lição que suas configurações de sequência
correspondam às configurações do clipe. Não se preocupe, isso vai
fazer sentido na próxima lição. Mas, por enquanto, se você
quiser acompanhar e testar essas ideias, sugiro criar
uma nova sequência que corresponda às configurações do clipe. Vamos adicionar o efeito Transformar. Clique na sua camada, navegue
até o painel Efeitos, digite transformação
e, em seguida, você notará que
há dois efeitos de transformação. A única diferença do
que posso dizer é que uma tem a caixa de seleção
Escala Uniforme desmarcada e a outra
tem a caixa de seleção Escala Uniforme marcada. [RISOS] Não
há uma
diferença enorme entre os dois, eu não sei por que eles precisam
ter dois, mas esse efeito, vou avisá-lo, é um
pouco maluco em alguns casos. Como queremos que nossa
balança permaneça uniforme, excluiremos esse
primeiro efeito e seguiremos o segundo efeito
Transform. Você notará imediatamente que, o efeito Transformar tem todas as
mesmas propriedades que nossos efeitos de movimento. A única diferença é que
temos a capacidade de alterar
a inclinação do nosso cubo e
podemos ajustar o ângulo do obturador. Você pode ter se perguntado o que o ângulo
do obturador realmente significa. Você vê e pensa
o que é esse número arbitrário? Já expliquei isso antes na minha aula em técnicas de
produção de filmes, então vou dar-lhe
as anotações mais próximas. menor ou menor
o ângulo do obturador, menos
desfoque de movimento estará presente. Quanto maior ou maior o ângulo
do obturador, mais desfoque de movimento. Isso ocorre porque
quanto mais tempo a luz atingir o sensor ou filme em uma câmera, maior
a exposição
capturará mais movimento dentro de
um quadro individual. O ponto ideal para o desfoque de
movimento cinematográfico é de 180 graus. Você não precisa ficar com o obturador de
180 graus se
preferir mais ou menos desfoque, mas saiba que um ângulo de obturador de 180
graus produzirá resultados que
parecem mais próximos dos filmes. Agora que você entende
o que é um ângulo do obturador, você pode fazer uma escolha muito mais
informada ao discar no tipo de
desfoque de movimento que você está buscando. Para nós, faz mais sentido manter
um obturador de 180 graus porque o projeto foi filmado
em um obturador de 180 graus. O desfoque de movimento de nossos movimentos será o mais
realista e permanecerá o mais fiel ao que foi
filmado aderindo a um ângulo de obturador de 180
graus. Desmarque Usar ângulo do
obturador da composição porque não temos uma composição
dentro do Premiere Pro determinando qual o ângulo
do obturador já é. Defina nosso ângulo do obturador para 180. Assim que fizermos isso, qualquer um dos
movimentos do quadro-chave que aplicamos dentro do nosso efeito Transform
conterá desfoque de movimento. Vamos testar isso adicionando
um quadro-chave à nossa posição. Vamos mover isso
realmente para cá, vamos avançar um pouco mais
e, em seguida, mover
isso até lá. Mova os quadros-chave
para
mais perto para aumentar a
velocidade do movimento. Agora você pode vê-lo.
[inaudível] Nós o pausamos. Você pode ver o
desfoque de movimento dentro do nosso cubo. Transformamos todo o caminho
para 0. Sem desfoque de movimento. Clique nele até 360, você obtém uma quantidade intensa de desfoque de
movimento, mas lembre-se, você quer manter um desfoque de movimento realista com
aparência cinematográfica. Fique com o obturador de 180 graus ou fique com o obturador em que
o projeto foi filmado, provavelmente um obturador de 180
graus. O desfoque de movimento agora nos dá uma
aparência muito mais realista para nossos movimentos e quaisquer movimentos digitais que
aplicamos dentro do nosso projeto corresponderão ao desfoque de movimento dos movimentos que
foram feitos na câmera. Para amostragem, você poderia
ficar com bilinear. Tudo isso significa que o computador
está usando menos processamento, mas a qualidade do desfoque de
movimento não é tão suave. No entanto, quando você o
altera para bicúbico, o computador está processando
mais informações, o que deve resultar em um desfoque de movimento mais
suave de qualidade superior. Mas, na maior parte,
não noto diferença. Você pode notar uma diferença no projeto
em que está trabalhando, e se for esse o
caso e você precisar da mais alta qualidade,
fique com bicúbico. Eu não fiz nenhum
teste sobre isso, então não sei o quanto é
mais eficaz, mas eu diria que vá com a melhor qualidade dos dois
dependendo do seu projeto. Para recapitular, se você quiser vender seus movimentos digitais
para o público, você precisa adicionar desfoque de movimento. Quanto maior for o ângulo
do obturador, mais desfoque de movimento você obterá, quanto menor
o ângulo do obturador, você terá menos desfoque de movimento. Para esse visual fílmico, fique com um ângulo de
obturador de 180 graus
ou simplesmente combine o ângulo do obturador com o ângulo do obturador com o
qual
o projeto foi filmado. Você pode obter o desfoque de
movimento usando o efeito Transformar
no Premiere Pro. Apenas tenha cuidado,
porque pode ser um pouco maluco. Para movimentos simples, projetos, animações de
texto, é ótimo, mas para
projetos e movimentos mais complexos, eu sugeriria terminar
seu projeto dentro After Effects e permitir o desfoque de
movimento lá.
7. Premiere Pro VS After Effects: Agora que você tem uma ideia
melhor de como
criar movimentos orgânicos e
realistas, quero ter certeza de que você entende os prós e contras de
usar o Adobe Premiere Pro
versus o After Effects. [MÚSICA] Eu pressionaria para usar o efeito Transformar
quando você estiver criando animações
simples
no Premiere Pro, isso pode ser efeitos de texto. Por exemplo, para minhas classes, eu uso o efeito Transformar para meus títulos porque eles são
simples e para criar um projeto do After Effects
e, em seguida, adicionar desfoque de movimento aos meus efeitos de texto e, em seguida,
preciso alterar o texto. Então, se eu tiver um erro de
digitação, eu tenho que
mudá-lo novamente para o
After Effects e leva muito mais tempo para fazer isso. Para filmagens que correspondem às
suas configurações de sequência, é um ótimo efeito
que permite alcançar rapidamente as animações do After Effects no
Premiere Pro rapidamente e sem ter que abrir up After Effects em
primeiro lugar. Mas vou dizer que ele
tem suas desvantagens. A maior desvantagem em
usar o Adobe Premiere Pro para keyframing
personalizado é que ele não é o mais fácil de usar. Você pode se encontrar ajustando a janela do gráfico de animação constantemente
a janela do gráfico de animação ao fazer ajustes nos movimentos
entre duas fotos. Você não pode encaixar essas
alças no lugar e não há tantas opções de
visualização de gráficos disponíveis. Além disso, você pode ver com
a propriedade position, só
temos a
capacidade de animar o gráfico de velocidade e
não o gráfico de valores. Enquanto no Adobe After Effects, temos essa habilidade. No momento em que você está usando clipes
4K dentro de uma linha do tempo
1080p, pode ficar muito
malicioso trabalhar com
o problema com clipes Forky
dentro de uma linha do tempo 1080p, usando o efeito de transformação
é que você obtém esses pontos de
ancoragem instáveis ao alterar
a propriedade de rotação. Depois de combinar
o 4K cortado a um ponto de ancoragem 1080p
ajustando a posição
e a âncora, então ótimo, ele gira
no centro do clipe. Mas, eventualmente, eles
recebem a falha estranha onde quando eu parei de
reproduzir as filmagens, o quadro vai
pular e posicionar. A única maneira de obter uma representação
precisa
do efeito é renderizar os clipes com o efeito
Transformar, que não é uma solução muito
prática ao adicionar e
ajustar quadros-chave. Se a Adobe corrigir esse
efeito e talvez os gráficos de animação no
Premiere Pro um pouco mais fáceis trabalhar, consideraria
usar o efeito de transformação para projetos com sequências 1080p
contendo clipes 4K. Se você quiser continuar usando a ferramenta de transformação do
Premiere Pro e ela não ficar sem falhas, use seus clipes 4K em uma sequência de
quatro pratos ou use seus clipes
1080p em uma sequência 1080p. Tenha em mente que, se você
ultrapassar a escala de 100%, perderá qualidade
em sua imagem. Se você estiver fazendo movimentos
animados, isso não significa que você não pode
ultrapassar 100%. Tenha em mente que quando
você ultrapassa 100%, você está perdendo qualidade
em sua imagem. Isso não importa
tanto se você estiver usando
estritamente a escala como
parte de uma transição. Por exemplo, neste
projeto que concluí completamente usando a
ferramenta de transformação no Premiere Pro, fiquei preso a usar a escala
somente em minhas transições. Dessa forma, o espectador pode
ver o que está acontecendo durante fotos e pode ver a
qualidade total da imagem. Mas durante as transições, os
movimentos estão acontecendo tão rápido que a degradação da qualidade não
importa tanto. Considerando o tempo de resposta, as quantidades de cortes diferentes
que tive que fazer para este projeto. Considerando que os
clipes eram 1920 por 1080, fazia mais sentido criar essas transições
dentro do Premiere Pro. After Effects também
tem seus benefícios, menos glitchy, mais
fácil de trabalhar, e você também pode criar
sua sequência 4K dentro uma linha do tempo 1080p, utilizando o re-enquadramento
digital. Quando você estiver criando rotações
digitais, você verá menos do corte quando for empurrado mais adiante. Mas, claro, o After Effects
leva tempo para aprender. É fácil para seus projetos, torna-se muito complexo e leva mais tempo para exigir
mais energia do computador. Você precisará visualizar
mais do movimento no
Premiere Pro antes de mover
as coisas para o After Effects, você não quer trabalhar
muito à frente e começar a adicionar facilidades
à sua animação porque O After Effects
não interpreta essas
alterações de interpolação corretamente. Então, você terá que ajustá-lo
no
After Effects de qualquer maneira, manter a interpolação linear
com o Premiere Pro
, afastar a aparência, a
sensação e os movimentos, para que você possa ajustar
suas edições com os movimentos si e, em seguida, ajustar a quantidade de facilidade
dentro do After Effects. Ou você pode fazer esses ajustes
fáceis no Premiere Pro e, em
seguida, fazer uma nova semana no After
Effects. De qualquer forma, você
terá que fazer esses ajustes
no After Effects. Se você quiser aproveitar ao
máximo seus clipes 4k em
uma linha do tempo 1080p. [RISOS] Agora que você tem todas as opções
à sua frente,
você pode decidir qual é o fluxo de trabalho certo
para o seu projeto. Para recapitular, o Premiere Pro e o efeito de transformação são ótimos quando você está trabalhando
com movimentos
simples, animações simples e
quando você está trabalhando com clipes que correspondem às suas configurações de
sequência. Se você quiser
empurrar digitalmente para o quadro sem perder detalhes e não se
preocupar tanto com o corte nos clipes, então você vai querer
usar seus clipes 4K em uma sequência 1080p. Mas então é
recomendável que você mude as coisas
para o After Effects. Mas é claro que isso adiciona um nível
extra de complexidade. Infelizmente, ao importar
seu projeto Premiere, After Effects não interpretará as curvas de
Bézier corretamente. É recomendável visualizar seu projeto no Premiere
Pro usando quadros-chave lineares, depois Criar curvas personalizadas e finalizar seu projeto
no After Effects. Tudo bem, antes de irmos para o After Effects,
vamos
explorar como
unir para o After Effects,
vamos
explorar como duas fotos
usando composição, ação e quadro-chave
para movimento.
8. Como criar uma transição suave: Em muitos casos, você
terá oportunidades de cortar
a ação
entre dois tiros. Mas também há momentos em
que você deseja conectar duas fotos
diferentes que, à primeira vista, podem não
se conectar muito bem. Eu quero conectar
este tiro de limão
com esta foto final do produto e você já pode dizer que este tiro de herói tem
esse movimento de boneca, mas nosso tiro de limão não
tem nenhum movimento além a cal caindo e , em seguida, salpicos de
vodka em todos os lugares. Já,
ao olhar para essa foto, sei que vou
ter que combinar a ação com este vidro e utilizar
um zoom digital. Percebi imediatamente
que já estamos conseguindo alguma
combinação de composição também porque temos essa forma
semelhante a um cilindro aqui com o vidro e o reflexo e quando atingimos o próximo tiro, temos esta
forma de cilindro desta garrafa. O corte da partida é onde
você corta para combinar com a composição ou ação de dois tiros diferentes
e, tecnicamente, a partida corta o
propósito real é
unir duas cenas separadas. Se você conseguir encontrar uma
maneira de combinar também os elementos composicionais
de uma foto para a outra, você também estará fazendo uso
da técnica de rastreamento ocular, que adiciona um elemento extra de edição e
significado
suaves para sua edição. Podemos fazer um pouco de
ajustes para combinar esses dois tiros juntos
um pouco mais e, obviamente, já
estamos alcançando vestígios
oculares porque o olho do espectador presumivelmente
estaria no centro do quadro porque
é o ponto focal dessa composição
daquele tiro para este, já
estamos praticamente
no rótulo e podemos
movê-lo um pouco para utilizar o
traço ocular um pouco mais efetivamente. Para combinar esses
tiros um pouco melhor, o que vou fazer é pegar nossa foto de vidro e
movê-la para a Camada 2 e abriremos essa camada para que
possamos acessar nossa opacidade. Antes de ajustar minha opacidade, vou estender
o clipe sobre nosso clipe de garrafa e vou reduzir a opacidade
para
que possamos obter uma pele de cebola ou um olhar de sobreposição e podemos ver aqui que já
é muito bom. Mas como sou perfeccionista, quero fazer com que
pareça ainda melhor e o que posso ver aqui
também é que, na verdade, o tiro da garrafa
é um pouco torto. Vamos corrigir isso
ajustando nossa rotação. Então também vou
aumentar a escala
da garrafa para corresponder à
escala da classe. Agora temos algo que está combinando já
muito melhor e eu vou colocar
o boneco da garrafa eu vou colocar
o boneco da garrafa neste
momento aqui. Além disso, o que
eu quero fazer antes de avançar com
este tiro é ter certeza de que o tiro está centralizado e posso dizer
agora que não é. Eu sei que isso está ficando
muito nitpicky, mas porque é
suposto ser
um tiro centralizado e não está
bem centrado, eu não quero dar
nenhuma oportunidade para o público
se distrair. Quero que o foco esteja
na história dessa marca. Vou clicar em “Meu
monitor de programa”, navegar para visualizar. Eu tenho guias de exibição ativados, mas não há guias, então vou mostrar minhas réguas e, em seguida, posso clicar
nas “Réguas”, arrastá-las para o
centro, que é 960, e o que podemos fazer é que você pode o botão direito do mouse em seu “Guia”, clique em “Editar guia”
e, se você quiser ficar ainda mais específico, digite 960 para
metade do nosso quadro. Também podemos fazer o
mesmo clicando em um “Guia horizontal” de
cima para baixo até 540. Agora podemos ver o
sensor de um quadro. Agora sabemos os ajustes
que precisamos fazer nossa garrafa e nosso copo para garantir que
eles estejam centrados. A nota lateral rápida sobre Guias aqui é que você também pode usar Guias como uma
ferramenta útil para obter rastreamento ocular. Usando seus Guias, você pode encontrar seu ponto de rastreamento ocular de um tiro e
combiná-lo com o próximo tiro. Vou transformar minha
opacidade de volta para 100, e vou
fazer uma edição aqui. É aí que o corte acontece. Eu já estou percebendo que
o rótulo de vodka vertical também
não está muito centrado e parece um pouco
estranho para mim, então eu poderia simplesmente movê-lo um pouco e eu poderia ver que
há a colheita, então Eu não quero
chegar tão longe. Mesmo lá,
parece muito melhor. Estamos combinando a
composição com essas formas e agora
queremos combinar na ação. Agora, antes de começar a
adicionar quadros-chave a este clipe, preciso determinar onde
quero que o corte esteja. Porque eu gosto desse movimento aqui e quero
cortar o movimento, não
quero diminuir o
zoom aqui porque a emoção
do tiro está bem por aqui, onde tudo isso vodka está
apenas derramando. Se eu esperar para criar o
movimento depois disso, vodkas já derramaram, perdemos o
ponto alto desse clipe. Eu quero que essa edição seja emocionante, quero que ela continue em movimento. O que vou fazer é
fazer uma edição
por aqui , onde
ainda há muito movimento
dentro do tiro. Então vou conectar os
dois tiros juntos. [MÚSICA] Porque temos um golpe de boneca na nossa foto
vertical do herói da vodka, mas não temos uma boneca
aqui na nossa foto de vidro. Bem, você
adivinhou. Temos que criar um zoom digital
com nossa foto de vidro. Podemos adicionar alguns quadros-chave. Um no final,
mova alguns quadros e adicione um quadro-chave
adicional. Em seguida, ampliaremos o primeiro quadro-chave para
que estejamos criando um zoom digital como este. Reproduza e
você notará que a garrafa não está diminuindo o
zoom na mesma velocidade. Podemos combinar o vidro com
a velocidade da garrafa ou
tornar essa edição ainda
mais eficaz. O que vou fazer é
aumentar a velocidade
do boneco da garrafa,
criando um zoom out digital. Isso é mais eficaz
porque, com uma velocidade mais rápida, o público
precisa ter um tempo de
reação mais rápido para pegar o corte. Em um quadro-chave no
início do herói disparado em escala e
eu também adicionarei um na posição porque
precisaremos ajustar a composição
do tiro da
garrafa à medida que diminuímos o zoom. Adicionaremos quadros-chave
alguns quadros mais tarde. Diminua mais essa
foto, ajuste a composição
para que
não tenhamos recorte mostrando e
vamos reproduzi-la de volta. Nós melhoramos o tiro, mas então você pode ver agora
que temos aquele golpe chocante no tiro da
garrafa bem aqui. Acho que podemos
suavizar isso com algumas curvas de bezier em nosso ajuste
final e, se não, teremos que fazer
ajustes mais tarde de qualquer maneira. Como é mais difícil
rastrear movimentos mais rápidos, aumentar a velocidade
do movimento conectando cada tiro fará um
trabalho melhor ocultando a edição. Para apenas a velocidade de nossas fotos, podemos usar
nossas curvas de bezier ou podemos alterar a distância
entre nossos quadros-chave. Em última análise, você fará uma
combinação de ambos, mas
como não estamos ajustando
nossas curvas de bezier, eu apenas reduzirei a
distância de nossos quadros-chave. Vou dar uma
olhada no corte novamente. Neste momento, parece que
a garrafa está um pouco lenta, então eu vou ajustar os
quadros-chave lá. Parece um pouco melhor,
e eu sei
que não temos muito espaço para mover esse quadro-chave
nesta foto de classe, mas vou apenas
movê-lo um pouco mais. Incrível. Isso está
parecendo muito melhor. Recapitular, estamos sempre procurando essas oportunidades
para conectar dois tiros juntos através do movimento e da
composição correspondente. Enquanto presta atenção
ao traço ocular, combine a composição
ou o tracepoint dos ajustando sua opacidade
às camadas de pele de cebola
e, claro, existem
outras maneiras de fazer isso, como usar seu guias
ou cursor do mouse do usuário para ter uma ideia aproximada de rastreamento ocular enquanto alternam para frente e para trás
entre cada tiro. Combinar a qualidade do movimento e combinar
a velocidade proporcionará uma transição mais suave de tiro
para tiro e lembre-se depois de
adicionar desfoque de movimento e faça alguns ajustes finais
dentro de efeitos posteriores, vai parecer muito melhor. [MÚSICA]
9. Remapeamento de tempo: Esses dois tiros
contêm movimento da câmera, sendo
um boneco para fora e
outro sendo um boneco dentro. Com algum trabalho, poderíamos conectar essas duas fotos usando
remapeamento de tempo ou usinagem em rampa de velocidade. [MÚSICA] O remapeamento de tempo ou aceleração em rampa é uma
maneira de acelerar ou
diminuir a velocidade do clipe. Isso pode ser usado de maneiras
práticas ou maneiras contar histórias para
fazer uma edição funcionar, cronometrando para
dramatizar o tiro, para
passar rapidamente por uma sequência. Há tantas
maneiras diferentes de usar rampas de velocidade. Mas neste caso específico, vou mostrar como
usar uma rampa de velocidade como ferramenta para fazer a transição
entre dois tiros. Precisamos combinar este
tiro de boneca com este boneco em tiro. Para fazer isso, vou clicar com o botão direito do
mouse neste clipe. Selecione velocidade/duração
ou o controle de teclas de atalho, nosso comando R, selecione a velocidade
reversa. Agora vou reproduzi-lo
e é muito lento, a velocidade de conexão
não está correta, mas podemos consertar isso
com rampas de velocidade. Para acessar o remapeamento de tempo, você pode clicar com o botão direito neste pequeno
ícone de efeitos aqui, navegar até o
remapeamento do tempo, selecionar velocidade. Agora você verá que temos
essa barra no meio, na qual podemos clicar e arrastar para aumentar a velocidade ou
diminuir a velocidade. Selecione P para a ferramenta caneta e
clique em um ponto no gráfico. Vou voltar
para minha ferramenta de seleção usando o hóquei V e, em seguida, clique e
arraste para abrir essas alças. Agora tenho essas duas
alças disponíveis, o que me permite
criar uma rampa de velocidade. Se eu mover este lado
do clipe para cima, você verá que estamos
criando uma rampa de velocidade. Vamos de tempo real para 317% e
podemos aumentar
isso um pouco mais. Talvez nós vamos para
720 e
certifique-se de que suas alças estejam afetando o movimento real da boneca. Você pode ver que o clipe está se movendo por todo o
lugar e isso é só porque estamos manipulando
a hora do clipe. Vai encurtar
e prolongar no tempo dependendo de como
manipulamos essas alças. Vou jogar isso de volta. Você pode ver que aceleramos lentamente. Não é perfeito, mas é algo e agora podemos fazer
o mesmo com esta foto aqui. o botão direito no ícone de efeitos. Selecione a velocidade de remapeamento de tempo, pressione P para a ferramenta Caneta. Estenda as alças abertas e, em seguida crie outra
rampa de velocidade deste lado, porque eu quero que
a velocidade corresponda a esse tiro, que é de 721 por cento
para este tiro. Eu sei que os bonecos não estão
exatamente combinando em velocidade. Mas eles estão perto o suficiente para
que eu acho que se eu ajustar isso para corresponder à
velocidade de saída da minha outra rampa de velocidade, teremos algo
bem próximo. Lá vamos nós. Tudo bem. Vamos reproduzi-lo. Tudo bem, então nós temos um
pequeno salto aqui. Vou fazer um corte lá porque
acho que está apenas se
aproximando lá. Então também temos um
pouco de baixa nesta foto. O nome do jogo
aqui é para garantir que você esteja cortando no
auge da ação. Se você não fizer isso, então você
vai ficar tão baixo e vai matar a energia
entre os dois tiros. Temos um tiro lentamente
aumentando até alta velocidade. Quanto mais rápida a
velocidade e o
disparo, mais fácil será
ocultar a edição. Também estamos cortando
na altura
da velocidade ou na altura da ação
do tiro e, em seguida, conectando isso à
altura da ação
do próximo tiro e à
parte mais rápida do próximo tiro. Boom. Na lição anterior, falei sobre cortar
a altura da ação. Esse era um
princípio importante ao cortar aquele tiro de vodka
para o tiro do herói. Queremos cortar a
altura da ação porque não queremos que a energia ou o
fluxo seja morto no meio de uma edição, você quer que cada edição seja
adicionada à próxima. Cortar a altura
da ação é importante manter essa energia
fluindo de tiro para tiro. Uma coisa adicional que podemos
fazer para suavizar
ainda mais essas rampas é adicionar
curvas de Bézier às rampas. Clique na alça, isso
revelará alças adicionais. Clique em qualquer alça, você pode mover o mouse para a esquerda e para a
direita para ajustar a
quantidade de curva. Temos uma facilidade e , em seguida, rampa no
meio e,
em seguida, relaxamos ou um
salto completamente louco no meio. Conforme você ajustou sua rampa de velocidade, seu clipe se moverá por todo o lugar e,
em vez de puxar o clipe para fora e clicar e arrastar
a borda do clipe, eu sugiro usar o
ferramenta de deslizamento, usando a tecla de atalho, Y, ele simplesmente deslizará
todo o clipe sobre. O pouco de ajustes,
poderíamos tornar o movimento ainda mais suave. Uma última dica sobre rampas de
velocidade e
sinto muito se isso é óbvio
quando você está acelerando, é totalmente bom aumentar
a velocidade. Se você decidir
desacelerar as coisas, certifique-se de que
não está
abaixo da taxa de quadros do clipe ou você
pode ficar com aparência gagueira. Então, para recapitular, a aceleração em rampa
é onde você aumenta ou diminui a velocidade para fins de
contar histórias, por razões práticas
e, neste caso, e nós cobrimos como usar
a rampa de velocidade para conectar dois
disparos diferentes juntos. Quanto mais rápida a velocidade no corte, normalmente mais suave será
a edição. Certifique-se de que você está cortando
a altura da ação para maximizar o efeito
das rampas de velocidade. Pense também em combinar suas rampas de velocidade com o
movimento digital e, claro, permitindo o desfoque de movimento em seus movimentos
digitais também. Todos esses elementos combinados, você pode criar algumas transições muito
suaves. Tudo bem, então agora eu quero que você pegue todas essas
ideias diferentes que
discutimos até este ponto e tente
incorporá-las em sua edição. Faça um corte aproximado com seus quadros-chave lineares gerais para movimento e,
na próxima lição, vamos pegar
esse corte bruto e
importá-lo para o After Effects.
10. Como importar projetos Premiere no After Effects: Terminei uma edição
onde criei a aparência básica do que estou
buscando. Dê uma olhada. [MÚSICA] Ainda
é um pouco áspero
ao redor das bordas com o movimento,
mas tudo bem. Nesta fase, tudo o
que estamos fazendo é desbastar o movimento com
quadros-chave lineares, porque sabemos que o
After Effects não vai interpretar as curvas de
Bézier. Se você realmente precisar, você sempre pode fazer
alguns pequenos ajustes seus clipes no
After Effects. Mas além disso,
essa é
praticamente a
estrutura geral da minha história. Os ajustes finais de Bézier
acontecerão no After Effects junto com qualquer mascaramento ou
talvez até gráficos em movimento. Uma coisa que pode
parecer um pouco estranha de fazer, mas faremos
muito mais sentido quando você abrir seu projeto do
After Effects é definir todos os seus clipes em
duas camadas de vídeo separadas. [MÚSICA] Basta mover tudo
isso para cima, isso para cima. Agora, cada pedaço de vídeo
obtém sua própria camada. Eu também sugiro
usar quadros-chave para seus desvanecimentos em seu áudio vez de dissolução de
áudio padrão. Mais uma vez, vou explicar o
motivo pelo qual mais tarde nesta lição. Salvamos nosso projeto e
seguiremos para o After Effects. Como queremos importar
nosso projeto Adobe Premiere, navegue até Arquivo, Importar, Importar Projeto Adobe
Premiere. Selecione seu Projeto de classe, Abrir
e, em seguida, aqui temos a janela do importador
Premiere Pro. Selecione Sequências. Ele mostrará todas as suas sequências de
trabalho, incluindo seus ninhos, para
que ele possa ficar esmagador. Você não precisa
importar todos eles. Basta selecionar a sequência que
é sua sequência de trabalho. Certifique-se de também
importar seu áudio. Agora você verá aqui
que ele preenche nosso painel de projetos do Adobe After
Effects com todas as nossas filmagens, e mantém todas
as pastas abertas, que não é necessário,
então eu as fecharei. [MÚSICA] Então temos nossa sequência de
projetos aqui. Como você pode ver, ela pegou a sequência
do projeto e converteu em uma composição do
After Effects. After Effects funciona
com composições que é o equivalente a
sequências no Premiere Pro. Depois de clicar duas vezes para
abrir a composição, você pode ver aqui agora por que escolhi colocar todos os meus clipes
em camadas separadas, porque é assim que o
After Effects funciona. Funciona em camadas. Se eu tivesse todos os meus clipes do Premiere
Pro do jeito que
eram antes,
fica um pouco confuso. Para usar
transições de áudio padrão como essa, ele será importado para o
After Effects como sua própria transição, que tornará seu projeto do
After Effects muito mais confuso de olhar. Dessa forma, é mais
fácil levar tudo. Posso ver aqui que tenho
todos os meus clipes de áudio. Se eu realmente quiser,
posso selecioná-los, clicar com o botão direito do mouse no rótulo
e alterá-los todos, e fazer o mesmo com
meus videoclipes, e alterá-los todos para
algo completamente diferente. Você também pode ver que
temos essas pré-composições, que é o equivalente a
um ninho no Premiere Pro. Posso selecionar todas as minhas
pré-composições no After Effects, selecionar o Rótulo e alterá-las para uma cor
diferente também. Agora posso ver ainda
mais claramente o que está acontecendo na minha composição do
After Effects. Para recapitular, antes de importar
seu projeto do Premiere, certifique-se de
definir toda mídia em camadas separadas,
portanto, quando você
importar para o After Effects, sua linha do tempo fica um pouco
mais fácil para os olhos. Use quadros-chave para seus desvanecimentos de vídeo e áudio em vez de
transições padrão para reduzir
camadas indesejadas
adicionais no After Effects. Certifique-se
de aproveitar os rótulos no After Effects, muito mais fácil de
olhar porque confie em mim, Effects pode
ficar muito complexo. [MÚSICA]
11. Como ajustar curvas de Bezier no After Effects: Começaremos animando
esse movimento aqui. Navegue até a camada e clique no pequeno
triângulo à esquerda. Abra a transformação. Você verá aqui que temos essas
propriedades de transformação disponíveis, que são muito semelhantes às disponíveis
no Premier Pro na guia Controles de
efeitos. Para aumentar o zoom para obter uma
visão melhor de nossos quadros-chave, podemos clicar nesta
pequena lupa
aqui e arrastá-la. Você pode ver esses primeiros
quadros-chave um pouco mais fáceis. Para acessar o gráfico de animação, clique no
ícone do gráfico localizado aqui. Quando selecionamos isso,
obtemos nosso editor de gráficos. Mas não vemos nada
agora porque não
temos nenhuma das nossas principais
propriedades emolduradas destacadas. Depois de destacá-lo,
você verá, ok, temos nossa
propriedade de escala em forma de gráfico, e também podemos clicar com a tecla Shift pressionada em nossa propriedade de rotação para
ativar a visualização gráfica de várias propriedades
e suas quadros-chave. Se você preferir usar
o gráfico de velocidade, você pode selecionar este ícone
de lista
aqui para revelar suas opções de visualização de
gráficos. Neste ponto, não quero
usar o gráfico de velocidade, então continuarei usando
o gráfico de valores. Se isso for muito esmagador para ver todos esses
quadros-chave de uma só vez, basta trabalhar com uma
propriedade de cada vez. Podemos começar com a escala. Mantenha a opção pressionada ou Alt enquanto
você clica
neste primeiro, isso permitirá que você arraste uma
alça para fora do quadro-chave. Nesse caso, quero
o zoom digital. Toque muito rapidamente e depois relaxe
lentamente no final. Lembre-se, porque este
é o gráfico de valores, quanto mais íngreme
a curva, mais rápido o movimento. Como estamos ampliando
digitalmente,
nossa curva está se movendo para baixo,
diminuindo em escala. Vou deixar o primeiro
quadro-chave cair muito drasticamente e
, em seguida, adicionar uma alça ao segundo quadro-chave para adicionar
essa facilidade muito gradual. Opção Alt, clique e arraste. O que ele
também pode fazer é segurar Shift para restringir essas alças
a essa linha gráfica. Isso é ótimo porque não
queremos essas linhas se pareçam com isso, porque então nos deparamos com esse problema
em que a curva de Bézier excede o valor do
segundo quadro-chave, dando-lhe que olhar boomerang
ou bungee jump. Certifique-se de que você está
segurando Shift para que a curva de Bézier não exceda o valor do segundo quadro-chave. Você deve ter notado que,
à medida que estou ajustando as curvas, o gráfico está
automaticamente impedindo que cada quadro-chave da parte superior ou
inferior do gráfico. Isso porque eu tenho a altura
do gráfico de zoom
automático ativada. Se você quiser ver
todos os seus quadros-chave de
uma só vez dentro do editor de gráficos, clique no ícone “Ajustar todos os
gráficos para visualizar”. Estou feliz com
esse tipo de facilidade, mas já posso dizer que quatro quadros não
vão cortá-lo. Vou querer mover tudo um
pouco
para que a
facilidade seja mais gradual. Vou mover o quadro-chave. Agora, novamente, nos
deparamos com esse problema, então vou fazer
alguns ajustes. Agora tenho a qualidade do movimento que estou
procurando em nossa propriedade de escala. Agora vou criar uma curva
muito semelhante na minha propriedade de rotação. Nesse caso, como eu
quero uma rotação de fluido e diminuir o zoom ao mesmo tempo, é
importante que
meus quadros-chave estejam exatamente
no mesmo quadro para que
o movimento seja síncrono. Segure a Opção Alt
e arraste uma alça. Farei o mesmo
com este ponto. Segure Shift para restringir os pontos no eixo
horizontal. Lá agora temos uma curva de
aparência semelhante, mas você pode ver aqui nossa rotação
se estende apenas um pouco. Mais uma vez, sabemos de onde vem esse olhar
estranho. Selecionando apenas a propriedade
rotation, podemos ver que ela vem da curva
de Bézier excedendo o valor
do segundo quadro-chave. Depois de ter seus quadros-chave
no mesmo quadro em sua linha do tempo e cada propriedade
ter curvatura semelhante, então é apenas ajustar a duração do movimento em si até que você obtenha
a aparência desejada. Depois de trabalhar
em suas curvas, você pode notar que deseja
reajustar alguns de seus clipes. Você pode notar que
eles podem não ter sido cronometrados corretamente. Ou, à medida que você adiciona curvas, você percebe que o
tempo pode precisar mudar. Mantenha pressionado Controle ou Comando
enquanto clica e arrasta
a cabeça de reprodução. [RUÍDO]
Você não apenas vai vasculhar os visuais, como também terá
uma visualização de áudio, também terá
uma visualização de áudio que permitirá que você
leve sua música em
consideração ao voltar a cronometrar
e cutucar seus clipes. À medida que você está
trabalhando em suas animações, você provavelmente
se encontrará movendo entre duas fotos diferentes
com bastante frequência para garantir que a animação
esteja combinando. Se você quiser acessar rapidamente
seus quadros-chave ativos, você pode clicar em
“Camada” e pressionar
a tecla U para revelar as propriedades com todos
os quadros-chave ativos. Você também pode acessar propriedades
individuais rapidamente
digitando P para posição, S para escala, R para rotação e A para ponto de ancoragem. Para recapitular, use seu
editor gráfico para ajustar suas curvas. Para evitar sobrecarga, anime uma propriedade por vez. Certifique-se de que os quadros-chave de qualquer uma das suas propriedades ativas correspondam para manter o movimento
síncrono. Eu não mencionei
isso nesta lição, mas você também pode
usar o botão de
ícone Facilidade Fácil aqui para criar uma curva em todos os seus quadros-chave uma só
vez e depois
ajustar a partir daí. [MÚSICA]
12. Motion Blur no After Effects: Neste ponto, é uma boa
ideia ativar o desfoque de movimento. desfoque de movimento
mudará drasticamente a aparência de
seus movimentos e o desfoque adicional
nos permite criar mais facilmente uma transição suave entre dois tiros contendo movimento. Você pode encontrar o ícone de
desfoque de movimento à esquerda do ícone
do editor de gráficos, clique
nele para ativar o desfoque de movimento. Mas o desfoque de movimento não
funcionará a menos que você alterne o
interruptor de desfoque de movimento em cada camada, Controlador e o Comando ajude para selecionar todas as suas
camadas de uma só vez
e, em seguida, selecione o interruptor de desfoque de
movimento para alternar todas as
camadas de uma só vez. Shift Comando A ou
Comando de Controle A para desmarcar tudo. Depois de ativar o desfoque de movimento, você pode se safar com movimentos maiores
e mais rápidos porque os
detalhes finos da imagem estão desfocados e
só temos que nos concentrar nessa blob borrada em
vez dos detalhes finos . Há menos para
interpretar visualmente. Para fazer ajustes
no ângulo do obturador, navegue até sua
composição Clique com o botão direito do mouse, selecione Configurações de composição e ,
na janela de
configurações de composição, clique na “Guia Avançado”
e você pode ver aqui temos esta seção de desfoque de movimento aqui e veja isso. Nosso ângulo do obturador por padrão é definido como 180 e você pode até ajustá-lo em after
effects para 720 graus, que cria um pouco de desfoque de movimento
selvagem. Eu não recomendaria
isso necessariamente porque nossas filmagens foram filmadas em um ângulo de obturador de
180 graus. Mas a opção está aqui, você pode fazer ajustes,
o que é muito legal. Mude isso de volta para 180. Outra coisa que eu
não notei até agora, nosso primeiro tiro, a escala é
aumentada, o que é estranho. Não sei como isso
aconteceu, mas para corrigir isso, podemos clicar duas vezes em
nosso comp ou ninho livre, “Selecione” nossa
foto aninhada e toque em S para
escala para abrir apenas
a propriedade scale. Você pode ver aqui que está em 100% que
queremos que seja em 50%. Agora parece o que ele faz dentro do nosso projeto principal. Depois de ativar o desfoque de movimento, aumentei a diferença escala e rotação entre meus quadros-chave para
aumentar a intensidade no drama do tiro
e do movimento em si. Para recapitular, ao
ativar o
desfoque de movimento, é ainda mais fácil
ocultar nossas edições porque o desfoque de
movimento aumentado torna mais difícil focar em
qualquer ponto no quadro entre o
captura de conexão. Você também pode achar que você
pode dramatizar seus movimentos muito mais com o desfoque de movimento
recém-adicionado.
13. Dimensions separadas: [MÚSICA] Agora, é hora
de enfrentar nossa próxima foto. O que é diferente nesse tiro é que agora estamos lidando com uma nova propriedade,
a propriedade position. Quando você clica nisso e
carrega no editor de gráficos, você pode ver que temos dois gráficos
separados e isso ocorre porque a posição tem
um valor x e um y. Quando você está lidando
com a posição, você está lidando com essas
duas coordenadas. Ao tentar adicionar uma curva em nosso gráfico de posição,
ele não funciona. Mas você pode clicar com o botão direito do mouse
e quadro-chave ,
Easy Ease In , Easy Ease, você pode adicionar isso, mas não há como
personalizar a curva. Isso porque as coordenadas
x e y estão conectadas. Não podemos ajustá-los individualmente
quando eles estão conectados. Para separar os valores x e y, você pode clicar com o botão direito do
mouse na propriedade Posição, e aqui, selecione Dimensões
separadas. Agora temos a capacidade de
personalizar nossa posição x
e posição y. Segure a opção, clique e arraste e crie nossa curva.
14. Dicas rápidas de movimento suave: [MÚSICA] É fácil ficar
sobrecarregado com o editor de gráficos, especialmente quando você está animando várias propriedades
simultaneamente. Isso pode levar a erros
comuns que têm soluções um pouco simples. Se você está percebendo que o movimento continua por uma
propriedade, mas não outra, isso pode significar que você
não correspondeu aos quadros-chave de saída e de
entrada. Nesta foto, eu estava tão investido em fazer com que o movimento
parecesse certo, mas eu esqueci os quadros-chave de
saída, e de alguma forma eles
acabaram em quadros separados. Certifique-se de que seus quadros-chave estejam
no mesmo quadro para garantir o movimento
síncrono. Nesta combinação de tiros, introduzi
rotações mais complexas na mistura e estou conectando
dois tiros semelhantes. Ao conectar
dois tiros semelhantes, pode ser útil
combinar pontos de ancoragem
de tiro a tiro. Nesta foto, da garrafa larga
derramar
o tiro até o próximo, nosso ponto de ancoragem
é, por padrão,
no centro do
quadro para cada tiro. Não sabemos necessariamente
onde esse ponto de ancoragem está em relação à garrafa
ao comparar
esses dois tiros. Mas se você animar seu ponto de
ancoragem para travar uma parte específica de um objeto de um
tiro para o outro, poderá achar mais fácil
ao combinar rotações. Nesses dois tiros, combinei meu ponto de ancoragem com este pequeno lábio no
gargalo da garrafa. Isso ajudou a garantir
que minha rotação fosse consistente
de tiro para tiro, combinando minhas animações de rotação
e, em seguida, só precisa se preocupar com minha
posição e escala. Se você estiver visualizando todas as curvas de propriedades
animadas de
uma só vez, não necessariamente obtendo uma imagem precisa do que está acontecendo
com cada curva, tente animar uma
curva de cada vez. Você também pode usar a
roda de rolagem do mouse enquanto mantém o controle para ampliar
ainda mais o editor de gráficos. Isso não será
possível, a menos que você
tenha a altura do gráfico de zoom automático desativada. Clicar e segurar
o botão do meio do mouse também
permitirá que você
acesse rapidamente a ferramenta manual para clicar, arrastar e
ajustar sua visualização. Se você notar um
movimento específico em seu projeto que não parece certo, outra coisa que você
pode fazer é ver quantos quadros-chave você está
usando para alcançar o movimento. Mais quadros-chave não significa
necessariamente melhor. Ele pode facilmente complicar demais as coisas e fazer seus movimentos
acabarem piorando, especialmente se você não for
um animador em tempo integral, tente simplificar seus movimentos
e usar menos quadros-chave. Para recapitular, se você estiver tendo
problemas com seus movimentos, certifique-se de que seus quadros-chave
estejam combinados. Combine esses
pontos de ancoragem entre fotos
semelhantes para facilitar a animação de
rotação. Ajuste o uso do gráfico para ter uma ideia precisa do que está
acontecendo com cada propriedade. Tente também usar menos quadros-chave. [MÚSICA]
15. Edições invisíveis: A edição invisível é
aquela que você não vê, e é isso que a torna uma técnica
tão poderosa ao querer criar transições
perfeitas. Edições invisíveis podem ser
usadas de várias maneiras, para reunir muitas fotos
para aparecer como uma longa tomada. Ele também pode ser usado para conectar duas fotos ou
cenas diferentes juntas sem problemas. O corte invisível também é
uma maneira prática de cortar tiros desafiadores que seriam muito difíceis de
fazer em uma tomada. Eu
recomendo que você
confira o trabalho deste editor. Seu nome é Eddie Hamilton
e ele frequentemente faz filmes como este, onde
há edições invisíveis, rampas de
velocidade e recria muitos tipos diferentes
de movimento
digital, seja para ter uma sensação ou conectar duas
fotos diferentes juntas sem problemas. Ao criar uma edição invisível, uma máscara é sua melhor amiga. Tudo o que estamos fazendo é adicionar
máscaras às nossas várias camadas para
unir perfeitamente os dois tiros. Vamos começar com essa foto aqui. Certifique-se de primeiro
clicar em sua camada, clique na “Ferramenta Forma”, localizada na barra de ferramentas. Se você clicar e segurar,
você pode ver que há uma variedade de formas
que você pode escolher. Mas vou escolher a ferramenta
Ellipse porque
quero mascarar o
fundo deste vidro, que tem uma forma semelhante. Se a camada em que você está
trabalhando não estiver habilitada, tudo o que você acabará fazendo é
criar uma camada de forma,
portanto, certifique-se de que sua
camada esteja ativada. Não há necessidade de ter
o reflexo na foto, então clique e arraste. Enquanto estou arrastando, posso segurar a barra de espaço para mover toda
a forma, ou posso segurar Shift para restringir a escala, a
largura e a altura. Só vou
tentar obter a forma
do fundo daquele
copo, e eu vou soltar. Selecionando o ponto, posso usar as alças
para completar essa forma. Se eu me mover para trás
na minha linha do tempo, você pode ver que estou
cortando todo o tiro, então vou mover minha máscara para cima. Como preciso de uma
visão melhor de toda a minha máscara, posso usar a roda
de rolagem do mouse para diminuir o zoom com minha visão e ajustar
minha máscara daqui. Amplie novamente, e agora
tenho um bom corte. O único problema é que
o corte é muito duro, é muito difícil, o que podemos fazer é suavizar isso
com alguma emplumação. Vou clicar na minha camada, se
você não vir a camada de máscara, você pode pressionar “M” para máscara, que exibirá a camada de máscara. Vou apenas alternar esse triângulo para poder ver o resto
das propriedades, navegar até Feather e
prendê-lo um pouco. Depois de adicionar plumas,
percebo que
podemos ver um pouco do
reflexo do vidro, então vou dobrar nossa
máscara um pouco. Tudo bem se a
emplumação estiver acontecendo na parte inferior
do nosso vidro
porque com o desfoque de movimento, ele vai suavizar ainda mais. Além disso, você só vê a máscara
durante a transição. Agora vou para este
clipe e adicionarei uma máscara. Como temos uma
vinheta, temos uma cor mais escura roxa
na borda do nosso clipe aqui e na borda do
nosso clipe aqui. O que podemos fazer é criar um
sólido para o nosso plano de fundo , para que não vejamos nenhuma
transparência em nossa foto. Antes de fazermos isso, vou adicionar uma máscara ao nosso tiro de
calcário. Clique no meu tiro de calcário
e, em seguida, clique novamente na camada de
forma e adicione a máscara. Agora vou esfregar
quadro a quadro,
certificando-se de que meu clipe
não esteja cortando e é. Vou mudar para minha ferramenta de
seleção, selecionar cada parte da minha máscara. Eu não quero cortar essa
gota de limão, só vou completar
isso um pouco mais
para que ela combine com a
vinheta um pouco melhor. O que eu também
acho que vou fazer é adicionar uma animação a essa máscara que tenhamos uma transição
mais suave. Comece minha máscara aqui, digite M na sua camada
para o caminho da máscara, crie um quadro-chave,
avance na linha do tempo
e, em seguida, eu vou clicar e
arrastar apenas este ponto, aumentar isso um pouco também. Vamos dar uma olhada. Agora
vamos adicionar a emplumação. Como minha camada de máscara está selecionada, eu poderia digitar F para pena, talvez até 400. Não tenha medo de aumentar
essa emplumação. Sim, acho que isso funciona bem. Para lidar com a transparência, adicionaremos um novo sólido e
recriaremos o fundo roxo. Vamos voltar para Layer, New, Solid e, em seguida, usar o conta-gotas para selecionar uma
cor próxima à borda, porque queremos que a borda da nossa máscara
corresponda à cor sólida. Nosso sólido agora está no topo
de todas as nossas camadas. Vou diminuir o zoom da minha sequência
segurando a opção e
usando a roda de rolagem, e fecharei essa camada sólida para
combinar com nossa foto de derramamento de vidro. Também vou apenas mover
essa camada abaixo dos tiros nos quais não queremos
ver transparência. Agora vamos dar uma olhada aqui. Agora você pode ver o que
nosso sólido está fazendo. Se eu
desligar, ligá-lo novamente, posso ver que a
cor é um pouco mais brilhante do que a borda
do nosso quadro aqui, que não é algo que realmente
queremos. O que vou fazer é resoltar essa cor para que ela
corresponda mais de perto ao plano de fundo. Isso só leva um
pouco de ajustes, até que você obtenha
algo que funcione. Lá, isso não é ruim. Se parecer bem sem
o seu desfoque de movimento, então você sabe que está
em um bom lugar. Porque agora, quando ativarmos
nosso desfoque de movimento novamente, ele se tornará
ainda mais transparente. [MÚSICA] Nada mal. Para recapitular, o corte invisível é o corte invisível que conecta
duas fotos diferentes, cenas e pode
ser usado para criar a aparência de uma tomada longa. [BACKGROUND] Claro,
é uma ótima ferramenta para cortar sequências
longas que, de outra forma, não
seriam sequências
longas que, de outra forma capazes de ser
feitas dentro de um único tiro. Ao criar suas
próprias edições invisíveis, a máscara é sua melhor amiga. Enquadre seu
caminho de máscara conforme necessário, e também certifique-se de fornecer plumas
generosas para
misturar as fotos e
as fotos de conexão. Novamente, o desfoque de movimento ajudará a
resolver a
edição invisível também. [MÚSICA]
16. Configurações de projeto no After Effects e Exportação: Quando você estiver pronto para exportar seus projetos do
After Effects, há algumas
configurações que você deseja
alterar para garantir a saída da
mais alta qualidade. A primeira é mudar a profundidade de bits do projeto
After Effects. Profundidade de bits refere-se às informações de cores
armazenadas em uma imagem. Quanto menor a profundidade de bits,
mais você poderá ver as etapas entre
as
cores ou faixas, e quanto maior a profundidade de bits, suave será a gradação de
cores. Um After Effects por padrão é definido como oito
bits por canal
e, como estamos lidando com todas essas vinhetas e gradientes
intrincados, é
importante que você defina
a profundidade de bits do projeto algo maior que oito bits por canal, de preferência 32. Qualquer tipo de gradação de
cor suave, como uma vinheta,
pode facilmente causar faixas se a
profundidade do bit for muito baixa. Para alterar a profundidade de bits do seu
projeto After Effects, clique neste pequeno
ícone aqui, ele diz 8 BPC, oito bits por canal, o que abre nossas
configurações de projeto e nossa guia de cores. Alteraremos isso
de oito bits por canal para 32 bits por canal. Agora, vou clicar em OK e também me certificar de que seu espaço de trabalho está onde
você deseja que ele termine. Meu projeto quer terminar provavelmente
mais em torno de 13 segundos. Você também notará que
depois de mudar para o After Effects de
32 bits
ficará ainda mais lento. Trabalhar em oito bits por
canal é útil para manter seus efeitos e
edições funcionando sem problemas. Apenas certifique-se de
mudá-lo de volta para uma taxa de bits mais alta
na exportação final. Agora vamos avançar
para Exportação de arquivo, adicionar à fila de renderização. Em seguida, você pode
clicar no módulo Saída aqui para alterar algumas configurações. Vamos manter o formato QuickTime, mas vamos alterar
nossas opções de formato
e alterar o Apple
ProRes 422 para DNxHR. Eu apenas prefiro este
Kodak em tempo rápido especificamente porque
sinto pelos meus testes que os gradientes e
vinhetas acabam tendo melhores resultados e reduz o potencial de faixas
em nossa exportação final. É muito importante
também mudar isso de 8 bits para 10 bits porque mostramos este projeto em 10 bits
e não estamos usando nenhum gráfico ou qualquer
coisa assim, 10 bits
nos dará bons resultados. Clique em Ok, estou bem com
isso e clicarei em Ok. Escolha o local para onde
você deseja enviar
e pressione Renderizar. Para recapitular, trabalhar no
modo de 8 bits é ótimo quando você
quer manter seu computador
funcionando sem problemas enquanto você está
trabalhando em seu projeto. Apenas certifique-se de
alterá-lo na exportação final para uma profundidade de bits mais alta para
evitar problemas de bandas. Claro, isso é mais um problema com um
projeto como este, onde há vinhetas pesadas
e gradientes muito finos. Ao exportar,
verifique se você está em uma profundidade de bits maior
do que oito bits.
17. Recap final e Agradecimento!: Parabéns por
terminar a aula. Espero que você tenha
se divertido criando esse projeto, e mal posso esperar para ver
o que você inventou. Claro, existem toneladas de coisas que
compõem uma edição suave. Nesta aula, passamos
principalmente por cima dos elementos visuais,
as transições visuais. Claro, antes mesmo de
entrarmos nessas edições suaves, falamos sobre como contar
a história
da marca e isso
é tão importante. história é a base
para sua edição, procure maneiras de
combinar na ação ou cortar a ação entre dois tiros. Certifique-se de que você não está apenas
usando quadros-chave lineares, tente usar facilidades para um movimento mais
natural. Não confie apenas nessas teclas de atalho
fáceis de facilidade. Certifique-se de que você está
ajustando seus gráficos, obtenha essa aparência personalizada. Para uma edição ainda mais suave,
ative o desfoque de movimento
usando o efeito de transformação ou importando seu projeto
para o After Effects. Além dessas técnicas, também
podemos combinar composição
e tentar encontrar maneiras de combinar
composição e ação juntas, ao e ação juntas mesmo tempo em que temos em mente,
iTrace, rampas de velocidade, juntamente
com invisíveis edições também
são ótimas maneiras práticas de
criar uma edição suave. Se você tiver um projeto pronto, não
hesite em enviá-lo, podemos esperar para
vê-lo e isso ajudará outras pessoas postar seus próprios projetos e
se inspirar no seu trabalho. Muito obrigado por fazer minha aula e eu realmente
agradeceria se você seguisse meu perfil para novos lançamentos
e brindes. Se você encontrar valor
dessa aula ou tiver
feedback crítico para me dar, eu adoraria ouvi-lo. Por favor, deixe um comentário, isso me
ajuda a aprender e crescer em meu próprio ensino e fornecer conteúdo
melhor para você. Muito obrigado por fazer
essa aula e lembre-se, história é o seu guia. Espere, esquecemos de
enviar nosso projeto. Vamos fazer isso. Aqui está
uma edição para revisão. Ansioso
para ouvir de você. Peça para fora, envie. Recebemos um e-mail de volta
muito rapidamente. Toque na edição parece ótimo. Temos algumas visões menores. Não, temos muito trabalho a fazer.