Técnicas de edição de vídeo: crie edições suaves | Sean Dykink | Skillshare
Menu
Pesquisar

Velocidade de reprodução


  • 0.5x
  • 1x (Normal)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

Técnicas de edição de vídeo: crie edições suaves

teacher avatar Sean Dykink, Story is your guide

Assista a este curso e milhares de outros

Tenha acesso ilimitado a todos os cursos
Oferecidos por líderes do setor e profissionais do mercado
Os temas incluem ilustração, design, fotografia e muito mais

Assista a este curso e milhares de outros

Tenha acesso ilimitado a todos os cursos
Oferecidos por líderes do setor e profissionais do mercado
Os temas incluem ilustração, design, fotografia e muito mais

Aulas neste curso

    • 1.

      Apresentação do curso

      2:06

    • 2.

      Projeto do curso

      2:40

    • 3.

      Contando a história da marca

      8:57

    • 4.

      Correspondência / corte em ação

      5:00

    • 5.

      Como criar movimento suave

      6:40

    • 6.

      Motion Blur

      5:47

    • 7.

      Premiere Pro VS After Effects

      5:39

    • 8.

      Como criar uma transição suave

      8:08

    • 9.

      Remapeamento de tempo

      5:43

    • 10.

      Como importar projetos Premiere no After Effects

      3:53

    • 11.

      Como ajustar curvas de Bezier no After Effects

      5:01

    • 12.

      Motion Blur no After Effects

      2:23

    • 13.

      Dimensions separadas

      1:05

    • 14.

      Dicas rápidas de movimento suave

      2:35

    • 15.

      Edições invisíveis

      6:32

    • 16.

      Configurações de projeto no After Effects e Exportação

      2:52

    • 17.

      Recap final e Agradecimento!

      2:02

  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

3.420

Estudantes

36

Projetos

Sobre este curso

Como editadores de vídeo, somos como magos. Quando os mágicos realizam um ótimo truque você não notará o monte de mão ou qualquer uma das transições suaves empregadas para fazer um truque aconteça. O que os mágicos fazem melhor é guiando a atenção do público usando o mal sentido. Temos essa mesma capacidade. Usando técnicas de edição de vídeo para criar edições suaves que podemos direcionar a atenção do público de forma perfeitamente através de cada quadro e corte.

Sou Sean Dykink, um editor de filmes e cinema do Canadá! Tenho trabalhado em um número de papéis de estúdio e freelance desde 2006.

O que você vai aprender neste curso?

Aprenda o que contribui para uma edição suave

  • Correspondência de composição e ação
  • Movimento orgânico
  • Cinematografia de movimento

Técnicas de edição para edições sutis

  • Cortes de fósforos, combinando em ação, edições invisíveis e Cuts, de velocidade
  • Como criar movimentos de animação suaves
  • Dicas e truques para transições suaves

Para quem é esse curso?

Este curso é projetado para editores de vídeo que têm uma habilidade técnica básica usando seu programa de edição preferida. Existem algumas aulas que não requerem habilidades de edição técnica que todos os níveis podem aprender. O iniciante vai apresentar uma compreensão melhor do que faz um corte suave entre dois fotos, enquanto o usuário avançado pode se desafiar com um projeto único e escolher algumas dicas úteis ao longo do processo. Este curso é ótimo para editores de vídeo intermediários que querem aprender como criar edições suaves, transições e movimento de líquido.

O que você precisa antes de fazer este curso?

Vou usar o Adobe Premiere Pro para este curso e recomendar o uso deste programa. Também vamos entrar no Adobe After Effects mais tarde, no curso. Há a opção de terminar um projeto completamente no Adobe Premiere Pro usando as técnicas aprendidas com algumas limitações e orientação direta.

Perguntas?

Vá em frente e faça qualquer dúvida que você possa ter, vou fazer o melhor para responder de maneira oportuno. Todas as perguntas são boas-vindas e encorajadas.

Aproveite o curso!

Conheça seu professor

Teacher Profile Image

Sean Dykink

Story is your guide

Top Teacher

Hi everyone, I'm Sean, a filmmaker and video editor from Canada! I've been working in a number of studio and freelance roles professionally since 2005.

My main focus in teaching is storytelling. I believe that the stories in our lives give us purpose and are the reason to learn all of this technical filmmaking stuff in the first place. We learn technical skills and storytelling craft, to effectively bring creative expression to stories that otherwise remain thoughts in our minds.

Join me in learning more about creative storytelling, filmmaking, and editing techniques. Looking forward to seeing you in class!

I post some additional tips and content on my Instagram account, check it out!

Visualizar o perfil completo

Level: Intermediate

Nota do curso

As expectativas foram atingidas?
    Superou!
  • 0%
  • Sim
  • 0%
  • Um pouco
  • 0%
  • Não
  • 0%

Por que fazer parte da Skillshare?

Faça cursos premiados Skillshare Original

Cada curso possui aulas curtas e projetos práticos

Sua assinatura apoia os professores da Skillshare

Aprenda em qualquer lugar

Faça cursos em qualquer lugar com o aplicativo da Skillshare. Assista no avião, no metrô ou em qualquer lugar que funcione melhor para você, por streaming ou download.

Transcrições

1. Apresentação do curso: [MÚSICA] Como editores de vídeo, somos como mágicos. Observe minhas mãos de perto. Vou pegar esse ás de copas, colocá-lo no meio do convés, e vou sacudi-lo até o topo. Lá está, nada mal. Quando um mágico executa um grande truque, você não percebe um truque de mão. Você não percebe nenhuma das transições suaves empregadas para fazer o truque funcionar, mas o que os mágicos fazem melhor é orientar a atenção do público usando desorientação. Claro, não sei como fazer nenhum desses truques de cartas extravagantes, mas consegui criar truques de mão, desdirecionamento, fazer o que eu sei fazer, que é editar. Olá, sou Sean Deakin, cineasta e editor, e quero ensinar-lhe as técnicas para criar uma edição suave. Uma edição suave contém várias técnicas de edição de vídeo. Nesta aula, vamos nos concentrar em como criar conexões visuais suaves entre fotos. Isso inclui princípios de edição suaves, criação de edições e transições , movimento suave, desfoque de movimento cinematográfico e técnicas práticas de edição que você pode aplicar ao seu próprio projeto. Nosso projeto de classe é um anúncio curto e emocionante para uma marca de vodka. Este não é necessariamente um tutorial passo a passo. Você terá muita liberdade para usar as técnicas de aprendizado para criar sua própria edição e de sua maneira criativa. Este curso é para editores de vídeo intermediários, e é recomendável que você tenha uma compreensão básica de como editar. Usaremos o Premiere Pro e o After Effects para este projeto. Dito isto, há muitas técnicas de edição de vídeo com as quais qualquer nível de habilidade pode aprender e aplicar a qualquer programa de edição. Se você não quiser usar o After Effects, ainda poderá concluir um projeto dentro do Premiere. As técnicas aprendidas nesta classe se basearão nas suas habilidades de edição e darão a você as habilidades para criar edições e transições suaves. Desta vez, não há truques de edição de vídeo. Ás de copas no meio do convés, e sacudi-lo. [MÚSICA] 2. Projeto do curso: Muito obrigado por fazer essa aula. Estou super animado com esse projeto de classe porque é curto e rápido e há muito espaço para experimentar aqui e testar técnicas de edição suaves. Vamos entrar nisso. Nosso projeto de classe é um anúncio curto para uma empresa de vodka. A empresa, no entanto, não é real. Eu inventei completamente, então temos controle criativo completo sobre o que podemos fazer com isso. Isso também significa que, se você acabar criando seu próprio projeto, poderá publicá-lo em seus próprios sociais onde quiser, desde que seja apenas para uso pessoal. Só peço que você credite o curso e a mim mesmo para que outras pessoas possam descobrir e fazer a aula e criar seu próprio projeto também. Serei bastante específico sobre como trabalho com este anúncio, mas sinta-se à vontade para editá-lo qualquer forma que você esteja inspirado a entender melhor. Você pode alterar as cores, alterar o comprimento, você pode fazer um anúncio de cinco segundos, um anúncio de um minuto, você pode fazer o que quiser com isso. Mas eu encorajo você a manter isso simples. Não o complica demais porque ele pode ficar fora de controle. Este não é um tutorial em que você precisa acompanhar cada etapa, mas as técnicas e processos aprendidos serão muito aplicáveis a qualquer projeto em que você trabalhe. Farei o meu melhor para ilustrar técnicas e o processo através meu próprio projeto sem entrar em detalhes, porque não é necessariamente um tutorial de acompanhamento. Vá em frente, baixe os ativos incluídos e carregue-os no Premiere Pro para se familiarizar com eles. Um lembrete, este é um curso intermediário e o projeto pode variar em dificuldade dependendo do que você decidir fazer com ele, de muito simples a extremamente avançado, você precisará de alguma experiência com edição e Premiere Pro. Ter um entendimento básico de como Premiere Pro funciona e quadros-chave é uma vantagem. Também vamos entrar no After Effects, fazer ajustes nos movimentos e terminar nosso projeto. Serei um pouco mais específico orientar o After Effects, mas novamente, alguma experiência existe uma vantagem. Se você for um pouco adverso do After Effects, como eu, existe a opção de terminar seu projeto no Premiere Pro, mas não há tempo suficiente nesta classe para passar por isso processo. No entanto, muitas das coisas pelas quais passaremos no After Effects serão aplicáveis ao Premiere Pro. Se você está ficando preso a qualquer uma das técnicas ou ideias, sinta-se à vontade para perguntar na guia da discussão. Uma última coisa técnica a saber, eu uso uma Susan Lazy eletrônica que não foi a mais eficiente, então esteja ciente de que em algum momento em alguns dos tiros de rotação de garrafas, a Lazy Susan pára brevemente por um momento e depois acelera novamente, então você pode querer cortar isso. Antes de entrarmos nas técnicas de edição suaves, vamos falar sobre como contar a história da marca. 3. Contando a história da marca: [MÚSICA] Você geralmente pode economizar muitas dores de cabeça ao iniciar um projeto olhando para o resumo criativo. Um resumo criativo é basicamente uma lista de restrições criativas que ajudam a orientar sua tomada de decisão criativa em um projeto e contar a história de uma marca. Mas o que acontece quando você não tem um resumo criativo? No nosso caso, não temos um resumo criativo. Isso adiciona um nível extra de desafio. Mais uma vez para ser super claro, esta é uma marca completamente composta. Não fique confuso, estou apenas enviando um e-mail para mim mesmo, fazendo um role-play essencialmente. É para ser divertido, informativo e educativo. Este é o primeiro e-mail que recebemos da própria equipe de marketing sobre o tipo de anúncio que eles estão procurando. Parece que eles são uma marca nova. Eles não têm muitos detalhes, mas mencionam que estão procurando um anúncio entre 10 a 30 segundos. Além disso, é um anúncio para vodka. Sabemos que nosso público precisa ter 18 anos ou mais, ou 21 anos ou mais, dependendo de onde você mora. A outra coisa que temos disponível em anexo é este anúncio online. Temos a garrafa aqui, o nome e o slogan, abrimos sua mente e uma breve sinopse sobre a bebida e a própria empresa. Já com essas pequenas quantidades de informações, temos alguma ideia do que é a empresa e o que eles representam. Agora, eu já pensei nisso antes mesmo de filmar o anúncio curto, e eu também criei esse anúncio em si. Já sei o que queria, então sei que é trapaça. Primeiro, se eu não tiver informações suficientes e não me sentir confiante ao começar a editar, farei perguntas. Vou perguntar, qual é o propósito do projeto? Qual é o objetivo do projeto? Qual é o ponto? O que queremos que o público faça depois de assisti-lo? Que tipo de tom? O que eles querem que o público sinta? É suposto ser leve, é suposto ser sério? Quanto tempo dura a edição? Isso, claro, ajuda você a economizar tempo. Apenas editando o comprimento que você precisa. Para onde ele vai? Vai ficar online? Vai entrar no teatro? Vai ir, para onde ele vai? Então às vezes vou perguntar, quem é o público-alvo. Mas muitas vezes você pode simplesmente ir com as informações que eles lhe dão e chegar a suas próprias conclusões. Vamos clicar em “Enviar” e ótimo, obtivemos uma resposta. Como você pode ver aqui, a equipe de marketing não sabe exatamente o que quer. Tudo bem. Em casos como este, eles só querem que você dê algo a eles. Quando você faz isso, então eles percebem oh, na verdade nós queremos isso, ou eles percebem que isso é brilhante. Sim, isso é exatamente o que queríamos e eles vão levar o crédito por isso. Vamos clicar em “Enviar”. Eu segui em frente e coloquei rapidamente e editei de acordo com o requisito de duração deste anúncio. Claro, costumo fazer isso depois ver todas as filmagens e escolher minhas seleções. A edição é chata. Não há nada de excitante nisso realmente, mas é um bom lugar para começar e dá uma ideia de como as coisas estão se juntando, mas não tem caráter. Ele não cumpre o propósito da marca. O que quero dizer com isso é que a única coisa que é reconhecível neste produto é o logotipo, então as cores da marca realmente. Precisamos começar a colocar em camadas em algumas edições, algum efeito, algumas ideias para emular a marca, para ilustrar a marca, porque a própria marca tem sua própria vida e caráter. Podemos descobrir isso observando os atributos da empresa e imitando esses atributos por meio de técnicas de edição. O primeiro passo, naturalmente, você começará a ter ideias como um e-mail de leitura enquanto está revisando as filmagens. É importante tomar nota dessas ideias e mantê-las em mente. Imediatamente o nome deu para mim, Vrtigo, que é o que alguns podem experimentar com desequilíbrio sugere que podemos alterar o ângulo da câmera para ilustrar a marca através do movimento por criando rotações, ou provavelmente a ideia mais óbvia seria criar um tiro e postar Vrtigo para mostrar a perspectiva de uma maneira única. Isso também fala em conversar. O disparo vertical dá a você essa perspectiva única que está mudando constantemente através de seu movimento. Isso contribui para a missão da empresa de ser aberta e receptiva a diferentes ideias e opiniões. Então também temos essa dica aqui onde diz, conversas sérias e leves, que poderia contribuir para o tom geral deste projeto. Esta pequena informação sobre a empresa, podemos começar a moldar algumas idéias de como editar isso. Como você criaria edições que são sérias e divertidas baseadas em conversas? Bem, você poderia pensar sobre o ritmo de uma conversa, como isso pode incluir interrupções. Talvez flua muito bem. Talvez esse seja o ritmo. Ou se pensarmos na conversa como um efeito, você pode pensar em algum tipo de efeito de espelhamento. Porque quando duas pessoas em uma conversa, elas estão ouvindo e respondendo, ouvindo e respondendo. Talvez o efeito de espelhamento possa emular duas pessoas diferentes encontrando um terreno comum. Sei que isso pode parecer ridículo, mas é disso que se trata. Você está tentando criar significado partir dos poucos detalhes que você tem. Isso ajudará você a criar algumas ideias imediatamente que você pode implementar e testar imediatamente. Eu começaria a jogar esses clipes na linha do tempo antes mesmo de você ter uma edição aproximada juntos e testar algumas dessas ideias. Veja quais ficam, veja quais se sentem bem, você está animado, que se sente certo para o projeto, que se sente certo para a marca e tome nota dessas coisas. Eventualmente, você encontrará uma direção através disso. Ouça seus primeiros instintos, mesmo que pareça estranho. Não se preocupe em acertar. Estamos na fase de exploração. Você pode entender errado. Basta começar com essa ideia e deixá-la evoluir a partir daí e trabalhar com ela. Por exemplo, meu primeiro instinto foi usar música sintetizadora dos anos 80 para isso porque parecia que eu queria acertar aquela nostalgia do produto. [MÚSICA] O problema acabou sendo que escolhi músicas com letras específicas que não se encaixavam na marca. Gosto da faixa, queria que funcionasse, mas não consegui encontrar outra faixa que tivesse essa mesma sensação e não continha letras tão específicas. Acabei de abandonar essa ideia. Eu queria que o efeito Vrtigo funcionasse. Por várias razões, simplesmente não funcionou da maneira que eu queria. Você ainda poderia fazer funcionar, mas acabei deixando essa ideia embora fosse tão perfeita porque a marca é Vrtigo e a foto é Vrtigo. Bem, você não pode ganhar todos eles. Não é realmente útil se comprometer com cada ideia, você terá uma mistura de efeitos diferentes. A edição ficará desfocada e o público ficará confuso quanto ao que você está tentando fazer com a edição. Se você tem toalhetes e desvanecimentos e diabos, vamos lançar algumas transições cegas venezianas lá dentro, e então talvez alguns efeitos de colorização, e então talvez alguns efeitos de colorização, e você adiciona tudo isso na edição, será um bagunça. Minha sugestão, fique com algumas ideias diferentes que realmente funcionam bem juntas e servem ao propósito da sua edição. Por exemplo, na edição do meu projeto, fiquei preso principalmente a movimentos digitais e rampas de velocidade e também na edição invisível ímpar para manter essa sensação de fluxo em movimento ao longo da edição. Outra coisa importante a observar, as rotações animadas são provavelmente alguns dos movimentos mais visíveis, mas eu não usei isso em todas as edições. Eu queria que ele mantivesse sua especialidade e sua importância quando se tratava da própria marca. Eu tentei enfatizar principalmente esse movimento em torno das fotos do herói ou do produto da garrafa para que isso trouxesse mais atenção para a marca. Usar um efeito demais pode reduzir o significado do efeito e criar previsibilidade em sua edição. Agora, em alguns casos, quando é um projeto tão curto, você precisa estabelecer o estilo rapidamente para que possa ser útil usar um efeito em cada clipe. Agora que tenho todas essas ideias, posso começar a aplicá-las à minha edição aproximada e realmente criar um personagem para essa edição. Um lembrete, certifique-se de que sua sequência esteja definida como 1920 por 1080, para que você possa fazer pleno uso dos movimentos digitais sem perder detalhes na imagem. É claro que, depois de ajustar suas configurações de sequência, todos os seus clipes 4K excederão o tamanho do quadro das configurações de seqüência. Para gesticar clipes para corresponder ao tamanho do quadro, você pode dimensionar manualmente cada clipe ou dimensionar manualmente um clipe para 50% e copiar atributos de colar para o resto dos clipes, garantindo que o movimento seja selecionado. Mas a maneira mais rápida é simplesmente selecionar todos os clipes, clicar com o botão direito do mouse e selecionar “Definir como tamanho do quadro”. O uso da função Definir para Tamanho do Quadro reduzirá automaticamente os clipes escolhidos para o tamanho do quadro de sequência, que é exatamente metade do tamanho dos nossos clipes 4K. Recapitulando, podemos adicionar vida à edição olhando para o personagem da própria marca. Esses atributos de caracteres podem então ser traduzidos em estilo de edição por meio de diferentes técnicas de edição. Você não precisa usar todas as ideias e definições, caso contrário, corre o risco de sua edição ficar desfocada. Na próxima lição, vamos falar sobre correspondência na ação. 4. Correspondência / corte em ação: [MÚSICA] Cortar a ação ou combinar na ação é uma maneira prática de criar um corte suave. A correspondência na ação geralmente se refere a dois tiros diferentes cortados juntos na ação de um personagem ou objeto. Você pode até cortar o movimento da câmera. Basicamente, desde que você esteja cortando o movimento, ação ou movimento, você terá mais facilidade para esconder essa edição do público. Ao combinar a ação, você está criando uma ponte visual entre fotos. Ele distrai o espectador da edição, porque eles estão focados no movimento que conecta as duas fotos diferentes. Ao cortar um rascunho aproximado de sua história, procure maneiras de conectar os tiros através do movimento. Tente também manter o corte entre clipes com movimento e direção semelhantes. Caso contrário, pode ser uma edição de secagem. Enquanto eu estava passando pela minha própria edição, encontrei essas duas fotos que eu acho que vão ser ótimas juntas. Temos o movimento da tampa e o movimento do gelo atraindo nossos olhos, e quando os conectamos juntos, combiná-los em ação, já teremos algo super suave de se olhar. É tão simples quanto isso. Além de combinar a ação ou cortar a ação, também procure oportunidades de rastreamento ocular. A técnica de rastreamento ocular refere-se a onde o público está olhando dentro do quadro a qualquer momento. Nossos olhos são mais atraídos por características humanas. Os olhos cores brilhantes, áreas de alto contraste, texto e movimento. Nossa edição de projeto apresenta principalmente movimento, contraste, textos e cores brilhantes. Novamente, como temos imagens 4K dentro da linha do tempo 1080P, podemos reajustar a posição, a escala e a rotação de nossos clipes sem perder detalhes. Claro, o objetivo para isso é que possamos criar nosso próprio movimento dentro cada tiro para criar cortes suaves e transições suaves. Tenha essas coisas em mente a cada edição que você fizer. A partir desse corte, nosso ponto de rastreamento ocular está aqui e, no próximo corte, nosso ponto de traço ocular está bem aqui na parte inferior do vidro. Mas por causa do gelo em movimento, nosso cérebro é enganado para seguir esse movimento da tampa e para baixo com este cubo de gelo. Conseguimos combinar a ação, mas não necessariamente no traço ocular. Podemos até estender essa edição um pouco também. Eu posso até tê-lo quase saindo do quadro. Uma nota lateral rápida, você deve ter ouvido dizer que deve esperar que o objeto em movimento dentro do tiro deixe o tiro antes de fazer um corte. Mas você nem sempre precisa fazer isso, porque o limite está se movendo tão rápido e estamos cortando a ação, podemos nos safar com cortes que não seguem necessariamente as regras de continuidade. Agora eu ampliei nosso quadro e ajustei a posição. Estamos trabalhando com vestígios oculares um pouco melhor dessa maneira, porque o cubo de gelo cai em nosso ponto de rastreamento ocular muito rapidamente. Seus olhos não precisam ajustar a posição entre esses dois tiros. Se você quiser manipular o quadro para ajustar o traço ocular um pouco melhor, você pode fazer isso. Nesse caso, acho que a composição desta foto próxima não é tão boa. É muito assimétrico para mim e é mais difícil identificar que é um copo quando está tão perto, pode até ser um vaso ou algum outro recipiente de vidro. Eu não gosto muito dessa composição. A partida em ação funciona tão bem que o traço ocular não faz tanta diferença em distrair o olho do corte. Mas vamos voltar a isso. Um mito sobre o uso do traço ocular é que você precisa cortar de um tiro para o outro e ter o que seu olho é atraído dentro da posição idêntica do seu próximo tiro. Mas nem sempre é esse o caso, porque nosso tempo de reação não é tão rápido. Não é como se tivéssemos visto um tiro e imediatamente soubemos o que estamos vendo. Nesse caso, o gelo está se movendo tão rápido e chegando ao nosso ponto de rastreamento ocular dentro de três ou quatro quadros, nossos olhos mal estão se ajustando ao próximo tiro antes de termos a chance de ver o que é acontecendo. Na verdade, em alguns casos, você quer que seu ponto de rastreamento ocular caia no próximo tiro e no ponto de rastreamento ocular. Recapitular, combinando em ação ou corte na ação, é quando você corta o movimento de um tiro para o movimento do próximo tiro. Os movimentos não precisam necessariamente estar se movendo de forma unilateral, mas se eles estão se movendo na mesma direção, é muito mais fácil para o seu olho seguir. Se você puder criar um traço ocular mais eficaz com seu corte na ação, então, em teoria, suas edições serão ainda mais suaves. Mas não comprometa a composição ou a história da sua edição ou clipe só porque você pode obter rastreamento ocular recompondo sua foto e postagem. Às vezes, cortar a ação é adequado para ocultar as edições e criar um corte suave. 5. Como criar movimento suave: [MÚSICA] Nesta lição, aprenderemos como ganhar mais controle e personalização sobre seus movimentos digitais usando quadros-chave. Um dos maiores erros cometidos ao criar gráficos, animações ou qualquer coisa em movimento é usar apenas interpolação linear. Quando estamos falando ação ao vivo ou gráficos animados, interpolação é o que acontece entre os quadros-chave. interpolação é como seu software determina os valores entre esses pontos. Por exemplo, digamos que estamos animando esse quadrado roxo. Vamos animar a escala, então criaremos um quadro-chave no início do nosso clipe e movemos para o final e criaremos outra chave, e como eu quero animar isso de 0-100, vamos passar para o nosso primeiro quadro-chave. Defina isso como zero e, por padrão, obtemos essa interpolação linear entre nossos quadros-chave, que começa abruptamente e termina abruptamente. É uma velocidade constante em toda a animação. Agora, se quisermos ver o que está acontecendo visualmente aqui, podemos clicar neste triângulo à esquerda da nossa propriedade de escala, e agora ele abre essa bagunça aqui. Para obter uma visão melhor do que está acontecendo aqui, podemos clicar nesta linha cinza fina na parte inferior do nosso gráfico de velocidade e nesta outra linha cinza fina em nosso gráfico de valores. Existem dois gráficos, duas maneiras diferentes de ver o que está acontecendo com nossa animação visualmente. Temos o gráfico de valores aqui, que mede o valor ao longo do tempo, e o gráfico de velocidade aqui embaixo, que mede a velocidade ao longo do tempo. Se passarmos da esquerda para a direita, dependendo de onde está um indicador de reprodução, ele está se cruzando com nossa linha de valor aqui, e você pode ver que ela está se movendo forma linear de 0 a 100 a uma taxa constante. Olhe para baixo para o nosso gráfico de velocidade, podemos ver aqui nossa velocidade está em zero. Mas quando chegarmos ao nosso primeiro quadro-chave, bam, estamos em uma velocidade que permanece constante durante toda a animação. Esse tipo de movimento não parece nem parece orgânico ou real forma alguma, porque eu não acho que haja nada na natureza que se mova dessa maneira. Mesmo movimentos mecânicos têm alguma variação de velocidade e caráter para eles. Isso não significa que você não pode usar interpolação linear. Basta ter em mente o tipo de visual que ele oferece e que ele não parece o mais natural. Para criar um movimento realista, precisamos alterar o modo de interpolação. O lugar mais óbvio para começar, e talvez você já esteja fazendo isso é mudar sua interpolação para facilitar ou facilitar. Clique com o botão direito do mouse no quadro-chave, clique em “Facilitar” quando uma animação começar e “Facilitar” quando uma animação termina. Agora mudamos nossa interpolação de linear para ter curvas de Bézier. Qualquer curva criada dentro do gráfico de valores é considerada uma curva de Bézier. As funções de facilidade de entrada e facilidade são apenas tipos muito específicos de curvas disponíveis no menu do quadro-chave. Com isso agora conseguimos animações muito suaves para dentro e fora. Nosso gráfico de velocidade também mudou. Você pode ver que estamos começando em zero, aumentando até a velocidade máxima aqui e, em seguida, diminuindo para zero. Portanto, o gráfico de valores é diferente, pois mede o valor ao longo do tempo em vez de velocidade. Quanto mais íngreme a inclinação, mais rápido o movimento, enquanto as inclinações mais rasas, o movimento é muito mais lento. É ótimo porque agora você tem duas maneiras diferentes de ver as informações do que está acontecendo entre seus quadros-chave. Apenas usando facilidade, facilidade nas curvas de Bézier é a maneira mais rápida de obter um movimento orgânico suave durante o keyframe, e às vezes essas predefinições fáceis de facilidade não são suficientes para sua animação, e para obter mais personalização e controle sobre o que você está fazendo, você pode simplesmente ajustar as alças por conta própria. Certifique-se de que, ao ajustar essas alças você tem o redimensionamento automático de alcance selecionado. Caso contrário, partes do gráfico ficarão fora de vista. Quando você está ajustando as alças em sua animação, você pode ver nosso gráfico de valores e nosso gráfico de velocidade está mudando, e podemos obter alguns looks realmente interessantes apenas brincando com as curvas. Você pode ter tido esse problema em que definiu seu quadro-chave em zero e seu segundo quadro-chave em um 100 e você está pensando, ok, ele vai passar de 0 a 100. Mas então você joga de volta, e é como, “Uau, ok. [RISOS] Escalamos além do nosso segundo quadro-chave.” Quando você não está olhando para o gráfico de animação, é muito frustrante porque você está vendo, espere um segundo, meu primeiro quadro-chave está definido como 100 e meu segundo quadros-chave em zero. O que está acontecendo aqui? Isso não faz nenhum sentido, e é porque você não está olhando para o que está acontecendo visualmente quando você vê os quadros-chave. Se você quiser evitar esse tipo de comportamento, é simples. Basta manter suas curvas entre essas duas linhas horizontais imaginárias e você ficará bem. A ordem das operações que fazem mais sentido para mim é apenas destruir sua animação primeiro com quadros-chave lineares, depois adicionar suas facilidades, suas curvas de Bézier e, em seguida, entrar em seu gráfico e suavize tudo, obtenha a velocidade e o tempo da maneira que você quiser. Você obtém muito mais personalização, e o visual é muito mais exclusivo para cada projeto que você assume. O que eu recomendaria que você faça agora é experimentar curvas de animação e ver que tipo de movimentos únicos você pode criar. Edite o gráfico de valores onde for possível, não é possível editar o gráfico de valores na posição dentro do Premiere Pro e explicarei por que você não pode fazer isso em uma lição posterior. Mas não vá muito à frente com seu próprio projeto antes de assistir às próximas lições porque elas ajudarão você a decidir o melhor fluxo de trabalho para o resultado desejado. recapitulação, usando curvas de Bézier facilita, dá uma aparência mais orgânica aos seus movimentos. Para obter ainda mais controle e personalização sobre seus movimentos, abra seu gráfico de animação e faça ajustes a partir daí. Lembre-se, o gráfico de velocidade e o gráfico de valores são duas maneiras diferentes de transmitir informações com a interpolação de seus movimentos. há absolutamente nada de errado em usar curvas de Bézier , facilidade, facilidade, mas é bom saber como usar essa função, então quando você está em uma situação em que você precisa ajustar seu facilita mais especificamente, você pode. [MÚSICA] 6. Motion Blur: [MÚSICA] Para tornar seus movimentos ainda mais realistas e suas edições ainda mais suaves, precisaremos adicionar desfoque de movimento. Ao assistir filmes, esperamos ver uma certa qualidade de desfoque de movimento nos movimentos da câmera e objetos em movimento. Ser capaz de recriar um desfoque de movimento semelhante dentro nosso próprio projeto ajudará a vender os movimentos e as edições de forma mais eficaz. Agora, normalmente, você pode abrir o After Effects, bater em alguns quadros-chave habilitar o desfoque de movimento, e esse é um bom fluxo de trabalho, especialmente para projetos com movimentos mais complexos. Mas, em alguns casos, você pode ter alguns movimentos animados simples, você não quer necessariamente mover tudo para o After Effects. Nesse caso, para manter as coisas simples e mais fáceis, mais sobre isso mais tarde, podemos usar o efeito Transformar. É importante para esta lição que suas configurações de sequência correspondam às configurações do clipe. Não se preocupe, isso vai fazer sentido na próxima lição. Mas, por enquanto, se você quiser acompanhar e testar essas ideias, sugiro criar uma nova sequência que corresponda às configurações do clipe. Vamos adicionar o efeito Transformar. Clique na sua camada, navegue até o painel Efeitos, digite transformação e, em seguida, você notará que há dois efeitos de transformação. A única diferença do que posso dizer é que uma tem a caixa de seleção Escala Uniforme desmarcada e a outra tem a caixa de seleção Escala Uniforme marcada. [RISOS] Não há uma diferença enorme entre os dois, eu não sei por que eles precisam ter dois, mas esse efeito, vou avisá-lo, é um pouco maluco em alguns casos. Como queremos que nossa balança permaneça uniforme, excluiremos esse primeiro efeito e seguiremos o segundo efeito Transform. Você notará imediatamente que, o efeito Transformar tem todas as mesmas propriedades que nossos efeitos de movimento. A única diferença é que temos a capacidade de alterar a inclinação do nosso cubo e podemos ajustar o ângulo do obturador. Você pode ter se perguntado o que o ângulo do obturador realmente significa. Você vê e pensa o que é esse número arbitrário? Já expliquei isso antes na minha aula em técnicas de produção de filmes, então vou dar-lhe as anotações mais próximas. menor ou menor o ângulo do obturador, menos desfoque de movimento estará presente. Quanto maior ou maior o ângulo do obturador, mais desfoque de movimento. Isso ocorre porque quanto mais tempo a luz atingir o sensor ou filme em uma câmera, maior a exposição capturará mais movimento dentro de um quadro individual. O ponto ideal para o desfoque de movimento cinematográfico é de 180 graus. Você não precisa ficar com o obturador de 180 graus se preferir mais ou menos desfoque, mas saiba que um ângulo de obturador de 180 graus produzirá resultados que parecem mais próximos dos filmes. Agora que você entende o que é um ângulo do obturador, você pode fazer uma escolha muito mais informada ao discar no tipo de desfoque de movimento que você está buscando. Para nós, faz mais sentido manter um obturador de 180 graus porque o projeto foi filmado em um obturador de 180 graus. O desfoque de movimento de nossos movimentos será o mais realista e permanecerá o mais fiel ao que foi filmado aderindo a um ângulo de obturador de 180 graus. Desmarque Usar ângulo do obturador da composição porque não temos uma composição dentro do Premiere Pro determinando qual o ângulo do obturador já é. Defina nosso ângulo do obturador para 180. Assim que fizermos isso, qualquer um dos movimentos do quadro-chave que aplicamos dentro do nosso efeito Transform conterá desfoque de movimento. Vamos testar isso adicionando um quadro-chave à nossa posição. Vamos mover isso realmente para cá, vamos avançar um pouco mais e, em seguida, mover isso até lá. Mova os quadros-chave para mais perto para aumentar a velocidade do movimento. Agora você pode vê-lo. [inaudível] Nós o pausamos. Você pode ver o desfoque de movimento dentro do nosso cubo. Transformamos todo o caminho para 0. Sem desfoque de movimento. Clique nele até 360, você obtém uma quantidade intensa de desfoque de movimento, mas lembre-se, você quer manter um desfoque de movimento realista com aparência cinematográfica. Fique com o obturador de 180 graus ou fique com o obturador em que o projeto foi filmado, provavelmente um obturador de 180 graus. O desfoque de movimento agora nos dá uma aparência muito mais realista para nossos movimentos e quaisquer movimentos digitais que aplicamos dentro do nosso projeto corresponderão ao desfoque de movimento dos movimentos que foram feitos na câmera. Para amostragem, você poderia ficar com bilinear. Tudo isso significa que o computador está usando menos processamento, mas a qualidade do desfoque de movimento não é tão suave. No entanto, quando você o altera para bicúbico, o computador está processando mais informações, o que deve resultar em um desfoque de movimento mais suave de qualidade superior. Mas, na maior parte, não noto diferença. Você pode notar uma diferença no projeto em que está trabalhando, e se for esse o caso e você precisar da mais alta qualidade, fique com bicúbico. Eu não fiz nenhum teste sobre isso, então não sei o quanto é mais eficaz, mas eu diria que vá com a melhor qualidade dos dois dependendo do seu projeto. Para recapitular, se você quiser vender seus movimentos digitais para o público, você precisa adicionar desfoque de movimento. Quanto maior for o ângulo do obturador, mais desfoque de movimento você obterá, quanto menor o ângulo do obturador, você terá menos desfoque de movimento. Para esse visual fílmico, fique com um ângulo de obturador de 180 graus ou simplesmente combine o ângulo do obturador com o ângulo do obturador com o qual o projeto foi filmado. Você pode obter o desfoque de movimento usando o efeito Transformar no Premiere Pro. Apenas tenha cuidado, porque pode ser um pouco maluco. Para movimentos simples, projetos, animações de texto, é ótimo, mas para projetos e movimentos mais complexos, eu sugeriria terminar seu projeto dentro After Effects e permitir o desfoque de movimento lá. 7. Premiere Pro VS After Effects: Agora que você tem uma ideia melhor de como criar movimentos orgânicos e realistas, quero ter certeza de que você entende os prós e contras de usar o Adobe Premiere Pro versus o After Effects. [MÚSICA] Eu pressionaria para usar o efeito Transformar quando você estiver criando animações simples no Premiere Pro, isso pode ser efeitos de texto. Por exemplo, para minhas classes, eu uso o efeito Transformar para meus títulos porque eles são simples e para criar um projeto do After Effects e, em seguida, adicionar desfoque de movimento aos meus efeitos de texto e, em seguida, preciso alterar o texto. Então, se eu tiver um erro de digitação, eu tenho que mudá-lo novamente para o After Effects e leva muito mais tempo para fazer isso. Para filmagens que correspondem às suas configurações de sequência, é um ótimo efeito que permite alcançar rapidamente as animações do After Effects no Premiere Pro rapidamente e sem ter que abrir up After Effects em primeiro lugar. Mas vou dizer que ele tem suas desvantagens. A maior desvantagem em usar o Adobe Premiere Pro para keyframing personalizado é que ele não é o mais fácil de usar. Você pode se encontrar ajustando a janela do gráfico de animação constantemente a janela do gráfico de animação ao fazer ajustes nos movimentos entre duas fotos. Você não pode encaixar essas alças no lugar e não há tantas opções de visualização de gráficos disponíveis. Além disso, você pode ver com a propriedade position, só temos a capacidade de animar o gráfico de velocidade e não o gráfico de valores. Enquanto no Adobe After Effects, temos essa habilidade. No momento em que você está usando clipes 4K dentro de uma linha do tempo 1080p, pode ficar muito malicioso trabalhar com o problema com clipes Forky dentro de uma linha do tempo 1080p, usando o efeito de transformação é que você obtém esses pontos de ancoragem instáveis ao alterar a propriedade de rotação. Depois de combinar o 4K cortado a um ponto de ancoragem 1080p ajustando a posição e a âncora, então ótimo, ele gira no centro do clipe. Mas, eventualmente, eles recebem a falha estranha onde quando eu parei de reproduzir as filmagens, o quadro vai pular e posicionar. A única maneira de obter uma representação precisa do efeito é renderizar os clipes com o efeito Transformar, que não é uma solução muito prática ao adicionar e ajustar quadros-chave. Se a Adobe corrigir esse efeito e talvez os gráficos de animação no Premiere Pro um pouco mais fáceis trabalhar, consideraria usar o efeito de transformação para projetos com sequências 1080p contendo clipes 4K. Se você quiser continuar usando a ferramenta de transformação do Premiere Pro e ela não ficar sem falhas, use seus clipes 4K em uma sequência de quatro pratos ou use seus clipes 1080p em uma sequência 1080p. Tenha em mente que, se você ultrapassar a escala de 100%, perderá qualidade em sua imagem. Se você estiver fazendo movimentos animados, isso não significa que você não pode ultrapassar 100%. Tenha em mente que quando você ultrapassa 100%, você está perdendo qualidade em sua imagem. Isso não importa tanto se você estiver usando estritamente a escala como parte de uma transição. Por exemplo, neste projeto que concluí completamente usando a ferramenta de transformação no Premiere Pro, fiquei preso a usar a escala somente em minhas transições. Dessa forma, o espectador pode ver o que está acontecendo durante fotos e pode ver a qualidade total da imagem. Mas durante as transições, os movimentos estão acontecendo tão rápido que a degradação da qualidade não importa tanto. Considerando o tempo de resposta, as quantidades de cortes diferentes que tive que fazer para este projeto. Considerando que os clipes eram 1920 por 1080, fazia mais sentido criar essas transições dentro do Premiere Pro. After Effects também tem seus benefícios, menos glitchy, mais fácil de trabalhar, e você também pode criar sua sequência 4K dentro uma linha do tempo 1080p, utilizando o re-enquadramento digital. Quando você estiver criando rotações digitais, você verá menos do corte quando for empurrado mais adiante. Mas, claro, o After Effects leva tempo para aprender. É fácil para seus projetos, torna-se muito complexo e leva mais tempo para exigir mais energia do computador. Você precisará visualizar mais do movimento no Premiere Pro antes de mover as coisas para o After Effects, você não quer trabalhar muito à frente e começar a adicionar facilidades à sua animação porque O After Effects não interpreta essas alterações de interpolação corretamente. Então, você terá que ajustá-lo no After Effects de qualquer maneira, manter a interpolação linear com o Premiere Pro , afastar a aparência, a sensação e os movimentos, para que você possa ajustar suas edições com os movimentos si e, em seguida, ajustar a quantidade de facilidade dentro do After Effects. Ou você pode fazer esses ajustes fáceis no Premiere Pro e, em seguida, fazer uma nova semana no After Effects. De qualquer forma, você terá que fazer esses ajustes no After Effects. Se você quiser aproveitar ao máximo seus clipes 4k em uma linha do tempo 1080p. [RISOS] Agora que você tem todas as opções à sua frente, você pode decidir qual é o fluxo de trabalho certo para o seu projeto. Para recapitular, o Premiere Pro e o efeito de transformação são ótimos quando você está trabalhando com movimentos simples, animações simples e quando você está trabalhando com clipes que correspondem às suas configurações de sequência. Se você quiser empurrar digitalmente para o quadro sem perder detalhes e não se preocupar tanto com o corte nos clipes, então você vai querer usar seus clipes 4K em uma sequência 1080p. Mas então é recomendável que você mude as coisas para o After Effects. Mas é claro que isso adiciona um nível extra de complexidade. Infelizmente, ao importar seu projeto Premiere, After Effects não interpretará as curvas de Bézier corretamente. É recomendável visualizar seu projeto no Premiere Pro usando quadros-chave lineares, depois Criar curvas personalizadas e finalizar seu projeto no After Effects. Tudo bem, antes de irmos para o After Effects, vamos explorar como unir para o After Effects, vamos explorar como duas fotos usando composição, ação e quadro-chave para movimento. 8. Como criar uma transição suave: Em muitos casos, você terá oportunidades de cortar a ação entre dois tiros. Mas também há momentos em que você deseja conectar duas fotos diferentes que, à primeira vista, podem não se conectar muito bem. Eu quero conectar este tiro de limão com esta foto final do produto e você já pode dizer que este tiro de herói tem esse movimento de boneca, mas nosso tiro de limão não tem nenhum movimento além a cal caindo e , em seguida, salpicos de vodka em todos os lugares. Já, ao olhar para essa foto, sei que vou ter que combinar a ação com este vidro e utilizar um zoom digital. Percebi imediatamente que já estamos conseguindo alguma combinação de composição também porque temos essa forma semelhante a um cilindro aqui com o vidro e o reflexo e quando atingimos o próximo tiro, temos esta forma de cilindro desta garrafa. O corte da partida é onde você corta para combinar com a composição ou ação de dois tiros diferentes e, tecnicamente, a partida corta o propósito real é unir duas cenas separadas. Se você conseguir encontrar uma maneira de combinar também os elementos composicionais de uma foto para a outra, você também estará fazendo uso da técnica de rastreamento ocular, que adiciona um elemento extra de edição e significado suaves para sua edição. Podemos fazer um pouco de ajustes para combinar esses dois tiros juntos um pouco mais e, obviamente, já estamos alcançando vestígios oculares porque o olho do espectador presumivelmente estaria no centro do quadro porque é o ponto focal dessa composição daquele tiro para este, já estamos praticamente no rótulo e podemos movê-lo um pouco para utilizar o traço ocular um pouco mais efetivamente. Para combinar esses tiros um pouco melhor, o que vou fazer é pegar nossa foto de vidro e movê-la para a Camada 2 e abriremos essa camada para que possamos acessar nossa opacidade. Antes de ajustar minha opacidade, vou estender o clipe sobre nosso clipe de garrafa e vou reduzir a opacidade para que possamos obter uma pele de cebola ou um olhar de sobreposição e podemos ver aqui que já é muito bom. Mas como sou perfeccionista, quero fazer com que pareça ainda melhor e o que posso ver aqui também é que, na verdade, o tiro da garrafa é um pouco torto. Vamos corrigir isso ajustando nossa rotação. Então também vou aumentar a escala da garrafa para corresponder à escala da classe. Agora temos algo que está combinando já muito melhor e eu vou colocar o boneco da garrafa eu vou colocar o boneco da garrafa neste momento aqui. Além disso, o que eu quero fazer antes de avançar com este tiro é ter certeza de que o tiro está centralizado e posso dizer agora que não é. Eu sei que isso está ficando muito nitpicky, mas porque é suposto ser um tiro centralizado e não está bem centrado, eu não quero dar nenhuma oportunidade para o público se distrair. Quero que o foco esteja na história dessa marca. Vou clicar em “Meu monitor de programa”, navegar para visualizar. Eu tenho guias de exibição ativados, mas não há guias, então vou mostrar minhas réguas e, em seguida, posso clicar nas “Réguas”, arrastá-las para o centro, que é 960, e o que podemos fazer é que você pode o botão direito do mouse em seu “Guia”, clique em “Editar guia” e, se você quiser ficar ainda mais específico, digite 960 para metade do nosso quadro. Também podemos fazer o mesmo clicando em um “Guia horizontal” de cima para baixo até 540. Agora podemos ver o sensor de um quadro. Agora sabemos os ajustes que precisamos fazer nossa garrafa e nosso copo para garantir que eles estejam centrados. A nota lateral rápida sobre Guias aqui é que você também pode usar Guias como uma ferramenta útil para obter rastreamento ocular. Usando seus Guias, você pode encontrar seu ponto de rastreamento ocular de um tiro e combiná-lo com o próximo tiro. Vou transformar minha opacidade de volta para 100, e vou fazer uma edição aqui. É aí que o corte acontece. Eu já estou percebendo que o rótulo de vodka vertical também não está muito centrado e parece um pouco estranho para mim, então eu poderia simplesmente movê-lo um pouco e eu poderia ver que há a colheita, então Eu não quero chegar tão longe. Mesmo lá, parece muito melhor. Estamos combinando a composição com essas formas e agora queremos combinar na ação. Agora, antes de começar a adicionar quadros-chave a este clipe, preciso determinar onde quero que o corte esteja. Porque eu gosto desse movimento aqui e quero cortar o movimento, não quero diminuir o zoom aqui porque a emoção do tiro está bem por aqui, onde tudo isso vodka está apenas derramando. Se eu esperar para criar o movimento depois disso, vodkas já derramaram, perdemos o ponto alto desse clipe. Eu quero que essa edição seja emocionante, quero que ela continue em movimento. O que vou fazer é fazer uma edição por aqui , onde ainda há muito movimento dentro do tiro. Então vou conectar os dois tiros juntos. [MÚSICA] Porque temos um golpe de boneca na nossa foto vertical do herói da vodka, mas não temos uma boneca aqui na nossa foto de vidro. Bem, você adivinhou. Temos que criar um zoom digital com nossa foto de vidro. Podemos adicionar alguns quadros-chave. Um no final, mova alguns quadros e adicione um quadro-chave adicional. Em seguida, ampliaremos o primeiro quadro-chave para que estejamos criando um zoom digital como este. Reproduza e você notará que a garrafa não está diminuindo o zoom na mesma velocidade. Podemos combinar o vidro com a velocidade da garrafa ou tornar essa edição ainda mais eficaz. O que vou fazer é aumentar a velocidade do boneco da garrafa, criando um zoom out digital. Isso é mais eficaz porque, com uma velocidade mais rápida, o público precisa ter um tempo de reação mais rápido para pegar o corte. Em um quadro-chave no início do herói disparado em escala e eu também adicionarei um na posição porque precisaremos ajustar a composição do tiro da garrafa à medida que diminuímos o zoom. Adicionaremos quadros-chave alguns quadros mais tarde. Diminua mais essa foto, ajuste a composição para que não tenhamos recorte mostrando e vamos reproduzi-la de volta. Nós melhoramos o tiro, mas então você pode ver agora que temos aquele golpe chocante no tiro da garrafa bem aqui. Acho que podemos suavizar isso com algumas curvas de bezier em nosso ajuste final e, se não, teremos que fazer ajustes mais tarde de qualquer maneira. Como é mais difícil rastrear movimentos mais rápidos, aumentar a velocidade do movimento conectando cada tiro fará um trabalho melhor ocultando a edição. Para apenas a velocidade de nossas fotos, podemos usar nossas curvas de bezier ou podemos alterar a distância entre nossos quadros-chave. Em última análise, você fará uma combinação de ambos, mas como não estamos ajustando nossas curvas de bezier, eu apenas reduzirei a distância de nossos quadros-chave. Vou dar uma olhada no corte novamente. Neste momento, parece que a garrafa está um pouco lenta, então eu vou ajustar os quadros-chave lá. Parece um pouco melhor, e eu sei que não temos muito espaço para mover esse quadro-chave nesta foto de classe, mas vou apenas movê-lo um pouco mais. Incrível. Isso está parecendo muito melhor. Recapitular, estamos sempre procurando essas oportunidades para conectar dois tiros juntos através do movimento e da composição correspondente. Enquanto presta atenção ao traço ocular, combine a composição ou o tracepoint dos ajustando sua opacidade às camadas de pele de cebola e, claro, existem outras maneiras de fazer isso, como usar seu guias ou cursor do mouse do usuário para ter uma ideia aproximada de rastreamento ocular enquanto alternam para frente e para trás entre cada tiro. Combinar a qualidade do movimento e combinar a velocidade proporcionará uma transição mais suave de tiro para tiro e lembre-se depois de adicionar desfoque de movimento e faça alguns ajustes finais dentro de efeitos posteriores, vai parecer muito melhor. [MÚSICA] 9. Remapeamento de tempo: Esses dois tiros contêm movimento da câmera, sendo um boneco para fora e outro sendo um boneco dentro. Com algum trabalho, poderíamos conectar essas duas fotos usando remapeamento de tempo ou usinagem em rampa de velocidade. [MÚSICA] O remapeamento de tempo ou aceleração em rampa é uma maneira de acelerar ou diminuir a velocidade do clipe. Isso pode ser usado de maneiras práticas ou maneiras contar histórias para fazer uma edição funcionar, cronometrando para dramatizar o tiro, para passar rapidamente por uma sequência. Há tantas maneiras diferentes de usar rampas de velocidade. Mas neste caso específico, vou mostrar como usar uma rampa de velocidade como ferramenta para fazer a transição entre dois tiros. Precisamos combinar este tiro de boneca com este boneco em tiro. Para fazer isso, vou clicar com o botão direito do mouse neste clipe. Selecione velocidade/duração ou o controle de teclas de atalho, nosso comando R, selecione a velocidade reversa. Agora vou reproduzi-lo e é muito lento, a velocidade de conexão não está correta, mas podemos consertar isso com rampas de velocidade. Para acessar o remapeamento de tempo, você pode clicar com o botão direito neste pequeno ícone de efeitos aqui, navegar até o remapeamento do tempo, selecionar velocidade. Agora você verá que temos essa barra no meio, na qual podemos clicar e arrastar para aumentar a velocidade ou diminuir a velocidade. Selecione P para a ferramenta caneta e clique em um ponto no gráfico. Vou voltar para minha ferramenta de seleção usando o hóquei V e, em seguida, clique e arraste para abrir essas alças. Agora tenho essas duas alças disponíveis, o que me permite criar uma rampa de velocidade. Se eu mover este lado do clipe para cima, você verá que estamos criando uma rampa de velocidade. Vamos de tempo real para 317% e podemos aumentar isso um pouco mais. Talvez nós vamos para 720 e certifique-se de que suas alças estejam afetando o movimento real da boneca. Você pode ver que o clipe está se movendo por todo o lugar e isso é só porque estamos manipulando a hora do clipe. Vai encurtar e prolongar no tempo dependendo de como manipulamos essas alças. Vou jogar isso de volta. Você pode ver que aceleramos lentamente. Não é perfeito, mas é algo e agora podemos fazer o mesmo com esta foto aqui. o botão direito no ícone de efeitos. Selecione a velocidade de remapeamento de tempo, pressione P para a ferramenta Caneta. Estenda as alças abertas e, em seguida crie outra rampa de velocidade deste lado, porque eu quero que a velocidade corresponda a esse tiro, que é de 721 por cento para este tiro. Eu sei que os bonecos não estão exatamente combinando em velocidade. Mas eles estão perto o suficiente para que eu acho que se eu ajustar isso para corresponder à velocidade de saída da minha outra rampa de velocidade, teremos algo bem próximo. Lá vamos nós. Tudo bem. Vamos reproduzi-lo. Tudo bem, então nós temos um pequeno salto aqui. Vou fazer um corte lá porque acho que está apenas se aproximando lá. Então também temos um pouco de baixa nesta foto. O nome do jogo aqui é para garantir que você esteja cortando no auge da ação. Se você não fizer isso, então você vai ficar tão baixo e vai matar a energia entre os dois tiros. Temos um tiro lentamente aumentando até alta velocidade. Quanto mais rápida a velocidade e o disparo, mais fácil será ocultar a edição. Também estamos cortando na altura da velocidade ou na altura da ação do tiro e, em seguida, conectando isso à altura da ação do próximo tiro e à parte mais rápida do próximo tiro. Boom. Na lição anterior, falei sobre cortar a altura da ação. Esse era um princípio importante ao cortar aquele tiro de vodka para o tiro do herói. Queremos cortar a altura da ação porque não queremos que a energia ou o fluxo seja morto no meio de uma edição, você quer que cada edição seja adicionada à próxima. Cortar a altura da ação é importante manter essa energia fluindo de tiro para tiro. Uma coisa adicional que podemos fazer para suavizar ainda mais essas rampas é adicionar curvas de Bézier às rampas. Clique na alça, isso revelará alças adicionais. Clique em qualquer alça, você pode mover o mouse para a esquerda e para a direita para ajustar a quantidade de curva. Temos uma facilidade e , em seguida, rampa no meio e, em seguida, relaxamos ou um salto completamente louco no meio. Conforme você ajustou sua rampa de velocidade, seu clipe se moverá por todo o lugar e, em vez de puxar o clipe para fora e clicar e arrastar a borda do clipe, eu sugiro usar o ferramenta de deslizamento, usando a tecla de atalho, Y, ele simplesmente deslizará todo o clipe sobre. O pouco de ajustes, poderíamos tornar o movimento ainda mais suave. Uma última dica sobre rampas de velocidade e sinto muito se isso é óbvio quando você está acelerando, é totalmente bom aumentar a velocidade. Se você decidir desacelerar as coisas, certifique-se de que não está abaixo da taxa de quadros do clipe ou você pode ficar com aparência gagueira. Então, para recapitular, a aceleração em rampa é onde você aumenta ou diminui a velocidade para fins de contar histórias, por razões práticas e, neste caso, e nós cobrimos como usar a rampa de velocidade para conectar dois disparos diferentes juntos. Quanto mais rápida a velocidade no corte, normalmente mais suave será a edição. Certifique-se de que você está cortando a altura da ação para maximizar o efeito das rampas de velocidade. Pense também em combinar suas rampas de velocidade com o movimento digital e, claro, permitindo o desfoque de movimento em seus movimentos digitais também. Todos esses elementos combinados, você pode criar algumas transições muito suaves. Tudo bem, então agora eu quero que você pegue todas essas ideias diferentes que discutimos até este ponto e tente incorporá-las em sua edição. Faça um corte aproximado com seus quadros-chave lineares gerais para movimento e, na próxima lição, vamos pegar esse corte bruto e importá-lo para o After Effects. 10. Como importar projetos Premiere no After Effects: Terminei uma edição onde criei a aparência básica do que estou buscando. Dê uma olhada. [MÚSICA] Ainda é um pouco áspero ao redor das bordas com o movimento, mas tudo bem. Nesta fase, tudo o que estamos fazendo é desbastar o movimento com quadros-chave lineares, porque sabemos que o After Effects não vai interpretar as curvas de Bézier. Se você realmente precisar, você sempre pode fazer alguns pequenos ajustes seus clipes no After Effects. Mas além disso, essa é praticamente a estrutura geral da minha história. Os ajustes finais de Bézier acontecerão no After Effects junto com qualquer mascaramento ou talvez até gráficos em movimento. Uma coisa que pode parecer um pouco estranha de fazer, mas faremos muito mais sentido quando você abrir seu projeto do After Effects é definir todos os seus clipes em duas camadas de vídeo separadas. [MÚSICA] Basta mover tudo isso para cima, isso para cima. Agora, cada pedaço de vídeo obtém sua própria camada. Eu também sugiro usar quadros-chave para seus desvanecimentos em seu áudio vez de dissolução de áudio padrão. Mais uma vez, vou explicar o motivo pelo qual mais tarde nesta lição. Salvamos nosso projeto e seguiremos para o After Effects. Como queremos importar nosso projeto Adobe Premiere, navegue até Arquivo, Importar, Importar Projeto Adobe Premiere. Selecione seu Projeto de classe, Abrir e, em seguida, aqui temos a janela do importador Premiere Pro. Selecione Sequências. Ele mostrará todas as suas sequências de trabalho, incluindo seus ninhos, para que ele possa ficar esmagador. Você não precisa importar todos eles. Basta selecionar a sequência que é sua sequência de trabalho. Certifique-se de também importar seu áudio. Agora você verá aqui que ele preenche nosso painel de projetos do Adobe After Effects com todas as nossas filmagens, e mantém todas as pastas abertas, que não é necessário, então eu as fecharei. [MÚSICA] Então temos nossa sequência de projetos aqui. Como você pode ver, ela pegou a sequência do projeto e converteu em uma composição do After Effects. After Effects funciona com composições que é o equivalente a sequências no Premiere Pro. Depois de clicar duas vezes para abrir a composição, você pode ver aqui agora por que escolhi colocar todos os meus clipes em camadas separadas, porque é assim que o After Effects funciona. Funciona em camadas. Se eu tivesse todos os meus clipes do Premiere Pro do jeito que eram antes, fica um pouco confuso. Para usar transições de áudio padrão como essa, ele será importado para o After Effects como sua própria transição, que tornará seu projeto do After Effects muito mais confuso de olhar. Dessa forma, é mais fácil levar tudo. Posso ver aqui que tenho todos os meus clipes de áudio. Se eu realmente quiser, posso selecioná-los, clicar com o botão direito do mouse no rótulo e alterá-los todos, e fazer o mesmo com meus videoclipes, e alterá-los todos para algo completamente diferente. Você também pode ver que temos essas pré-composições, que é o equivalente a um ninho no Premiere Pro. Posso selecionar todas as minhas pré-composições no After Effects, selecionar o Rótulo e alterá-las para uma cor diferente também. Agora posso ver ainda mais claramente o que está acontecendo na minha composição do After Effects. Para recapitular, antes de importar seu projeto do Premiere, certifique-se de definir toda mídia em camadas separadas, portanto, quando você importar para o After Effects, sua linha do tempo fica um pouco mais fácil para os olhos. Use quadros-chave para seus desvanecimentos de vídeo e áudio em vez de transições padrão para reduzir camadas indesejadas adicionais no After Effects. Certifique-se de aproveitar os rótulos no After Effects, muito mais fácil de olhar porque confie em mim, Effects pode ficar muito complexo. [MÚSICA] 11. Como ajustar curvas de Bezier no After Effects: Começaremos animando esse movimento aqui. Navegue até a camada e clique no pequeno triângulo à esquerda. Abra a transformação. Você verá aqui que temos essas propriedades de transformação disponíveis, que são muito semelhantes às disponíveis no Premier Pro na guia Controles de efeitos. Para aumentar o zoom para obter uma visão melhor de nossos quadros-chave, podemos clicar nesta pequena lupa aqui e arrastá-la. Você pode ver esses primeiros quadros-chave um pouco mais fáceis. Para acessar o gráfico de animação, clique no ícone do gráfico localizado aqui. Quando selecionamos isso, obtemos nosso editor de gráficos. Mas não vemos nada agora porque não temos nenhuma das nossas principais propriedades emolduradas destacadas. Depois de destacá-lo, você verá, ok, temos nossa propriedade de escala em forma de gráfico, e também podemos clicar com a tecla Shift pressionada em nossa propriedade de rotação para ativar a visualização gráfica de várias propriedades e suas quadros-chave. Se você preferir usar o gráfico de velocidade, você pode selecionar este ícone de lista aqui para revelar suas opções de visualização de gráficos. Neste ponto, não quero usar o gráfico de velocidade, então continuarei usando o gráfico de valores. Se isso for muito esmagador para ver todos esses quadros-chave de uma só vez, basta trabalhar com uma propriedade de cada vez. Podemos começar com a escala. Mantenha a opção pressionada ou Alt enquanto você clica neste primeiro, isso permitirá que você arraste uma alça para fora do quadro-chave. Nesse caso, quero o zoom digital. Toque muito rapidamente e depois relaxe lentamente no final. Lembre-se, porque este é o gráfico de valores, quanto mais íngreme a curva, mais rápido o movimento. Como estamos ampliando digitalmente, nossa curva está se movendo para baixo, diminuindo em escala. Vou deixar o primeiro quadro-chave cair muito drasticamente e , em seguida, adicionar uma alça ao segundo quadro-chave para adicionar essa facilidade muito gradual. Opção Alt, clique e arraste. O que ele também pode fazer é segurar Shift para restringir essas alças a essa linha gráfica. Isso é ótimo porque não queremos essas linhas se pareçam com isso, porque então nos deparamos com esse problema em que a curva de Bézier excede o valor do segundo quadro-chave, dando-lhe que olhar boomerang ou bungee jump. Certifique-se de que você está segurando Shift para que a curva de Bézier não exceda o valor do segundo quadro-chave. Você deve ter notado que, à medida que estou ajustando as curvas, o gráfico está automaticamente impedindo que cada quadro-chave da parte superior ou inferior do gráfico. Isso porque eu tenho a altura do gráfico de zoom automático ativada. Se você quiser ver todos os seus quadros-chave de uma só vez dentro do editor de gráficos, clique no ícone “Ajustar todos os gráficos para visualizar”. Estou feliz com esse tipo de facilidade, mas já posso dizer que quatro quadros não vão cortá-lo. Vou querer mover tudo um pouco para que a facilidade seja mais gradual. Vou mover o quadro-chave. Agora, novamente, nos deparamos com esse problema, então vou fazer alguns ajustes. Agora tenho a qualidade do movimento que estou procurando em nossa propriedade de escala. Agora vou criar uma curva muito semelhante na minha propriedade de rotação. Nesse caso, como eu quero uma rotação de fluido e diminuir o zoom ao mesmo tempo, é importante que meus quadros-chave estejam exatamente no mesmo quadro para que o movimento seja síncrono. Segure a Opção Alt e arraste uma alça. Farei o mesmo com este ponto. Segure Shift para restringir os pontos no eixo horizontal. Lá agora temos uma curva de aparência semelhante, mas você pode ver aqui nossa rotação se estende apenas um pouco. Mais uma vez, sabemos de onde vem esse olhar estranho. Selecionando apenas a propriedade rotation, podemos ver que ela vem da curva de Bézier excedendo o valor do segundo quadro-chave. Depois de ter seus quadros-chave no mesmo quadro em sua linha do tempo e cada propriedade ter curvatura semelhante, então é apenas ajustar a duração do movimento em si até que você obtenha a aparência desejada. Depois de trabalhar em suas curvas, você pode notar que deseja reajustar alguns de seus clipes. Você pode notar que eles podem não ter sido cronometrados corretamente. Ou, à medida que você adiciona curvas, você percebe que o tempo pode precisar mudar. Mantenha pressionado Controle ou Comando enquanto clica e arrasta a cabeça de reprodução. [RUÍDO] Você não apenas vai vasculhar os visuais, como também terá uma visualização de áudio, também terá uma visualização de áudio que permitirá que você leve sua música em consideração ao voltar a cronometrar e cutucar seus clipes. À medida que você está trabalhando em suas animações, você provavelmente se encontrará movendo entre duas fotos diferentes com bastante frequência para garantir que a animação esteja combinando. Se você quiser acessar rapidamente seus quadros-chave ativos, você pode clicar em “Camada” e pressionar a tecla U para revelar as propriedades com todos os quadros-chave ativos. Você também pode acessar propriedades individuais rapidamente digitando P para posição, S para escala, R para rotação e A para ponto de ancoragem. Para recapitular, use seu editor gráfico para ajustar suas curvas. Para evitar sobrecarga, anime uma propriedade por vez. Certifique-se de que os quadros-chave de qualquer uma das suas propriedades ativas correspondam para manter o movimento síncrono. Eu não mencionei isso nesta lição, mas você também pode usar o botão de ícone Facilidade Fácil aqui para criar uma curva em todos os seus quadros-chave uma só vez e depois ajustar a partir daí. [MÚSICA] 12. Motion Blur no After Effects: Neste ponto, é uma boa ideia ativar o desfoque de movimento. desfoque de movimento mudará drasticamente a aparência de seus movimentos e o desfoque adicional nos permite criar mais facilmente uma transição suave entre dois tiros contendo movimento. Você pode encontrar o ícone de desfoque de movimento à esquerda do ícone do editor de gráficos, clique nele para ativar o desfoque de movimento. Mas o desfoque de movimento não funcionará a menos que você alterne o interruptor de desfoque de movimento em cada camada, Controlador e o Comando ajude para selecionar todas as suas camadas de uma só vez e, em seguida, selecione o interruptor de desfoque de movimento para alternar todas as camadas de uma só vez. Shift Comando A ou Comando de Controle A para desmarcar tudo. Depois de ativar o desfoque de movimento, você pode se safar com movimentos maiores e mais rápidos porque os detalhes finos da imagem estão desfocados e só temos que nos concentrar nessa blob borrada em vez dos detalhes finos . Há menos para interpretar visualmente. Para fazer ajustes no ângulo do obturador, navegue até sua composição Clique com o botão direito do mouse, selecione Configurações de composição e , na janela de configurações de composição, clique na “Guia Avançado” e você pode ver aqui temos esta seção de desfoque de movimento aqui e veja isso. Nosso ângulo do obturador por padrão é definido como 180 e você pode até ajustá-lo em after effects para 720 graus, que cria um pouco de desfoque de movimento selvagem. Eu não recomendaria isso necessariamente porque nossas filmagens foram filmadas em um ângulo de obturador de 180 graus. Mas a opção está aqui, você pode fazer ajustes, o que é muito legal. Mude isso de volta para 180. Outra coisa que eu não notei até agora, nosso primeiro tiro, a escala é aumentada, o que é estranho. Não sei como isso aconteceu, mas para corrigir isso, podemos clicar duas vezes em nosso comp ou ninho livre, “Selecione” nossa foto aninhada e toque em S para escala para abrir apenas a propriedade scale. Você pode ver aqui que está em 100% que queremos que seja em 50%. Agora parece o que ele faz dentro do nosso projeto principal. Depois de ativar o desfoque de movimento, aumentei a diferença escala e rotação entre meus quadros-chave para aumentar a intensidade no drama do tiro e do movimento em si. Para recapitular, ao ativar o desfoque de movimento, é ainda mais fácil ocultar nossas edições porque o desfoque de movimento aumentado torna mais difícil focar em qualquer ponto no quadro entre o captura de conexão. Você também pode achar que você pode dramatizar seus movimentos muito mais com o desfoque de movimento recém-adicionado. 13. Dimensions separadas: [MÚSICA] Agora, é hora de enfrentar nossa próxima foto. O que é diferente nesse tiro é que agora estamos lidando com uma nova propriedade, a propriedade position. Quando você clica nisso e carrega no editor de gráficos, você pode ver que temos dois gráficos separados e isso ocorre porque a posição tem um valor x e um y. Quando você está lidando com a posição, você está lidando com essas duas coordenadas. Ao tentar adicionar uma curva em nosso gráfico de posição, ele não funciona. Mas você pode clicar com o botão direito do mouse e quadro-chave , Easy Ease In , Easy Ease, você pode adicionar isso, mas não há como personalizar a curva. Isso porque as coordenadas x e y estão conectadas. Não podemos ajustá-los individualmente quando eles estão conectados. Para separar os valores x e y, você pode clicar com o botão direito do mouse na propriedade Posição, e aqui, selecione Dimensões separadas. Agora temos a capacidade de personalizar nossa posição x e posição y. Segure a opção, clique e arraste e crie nossa curva. 14. Dicas rápidas de movimento suave: [MÚSICA] É fácil ficar sobrecarregado com o editor de gráficos, especialmente quando você está animando várias propriedades simultaneamente. Isso pode levar a erros comuns que têm soluções um pouco simples. Se você está percebendo que o movimento continua por uma propriedade, mas não outra, isso pode significar que você não correspondeu aos quadros-chave de saída e de entrada. Nesta foto, eu estava tão investido em fazer com que o movimento parecesse certo, mas eu esqueci os quadros-chave de saída, e de alguma forma eles acabaram em quadros separados. Certifique-se de que seus quadros-chave estejam no mesmo quadro para garantir o movimento síncrono. Nesta combinação de tiros, introduzi rotações mais complexas na mistura e estou conectando dois tiros semelhantes. Ao conectar dois tiros semelhantes, pode ser útil combinar pontos de ancoragem de tiro a tiro. Nesta foto, da garrafa larga derramar o tiro até o próximo, nosso ponto de ancoragem é, por padrão, no centro do quadro para cada tiro. Não sabemos necessariamente onde esse ponto de ancoragem está em relação à garrafa ao comparar esses dois tiros. Mas se você animar seu ponto de ancoragem para travar uma parte específica de um objeto de um tiro para o outro, poderá achar mais fácil ao combinar rotações. Nesses dois tiros, combinei meu ponto de ancoragem com este pequeno lábio no gargalo da garrafa. Isso ajudou a garantir que minha rotação fosse consistente de tiro para tiro, combinando minhas animações de rotação e, em seguida, só precisa se preocupar com minha posição e escala. Se você estiver visualizando todas as curvas de propriedades animadas de uma só vez, não necessariamente obtendo uma imagem precisa do que está acontecendo com cada curva, tente animar uma curva de cada vez. Você também pode usar a roda de rolagem do mouse enquanto mantém o controle para ampliar ainda mais o editor de gráficos. Isso não será possível, a menos que você tenha a altura do gráfico de zoom automático desativada. Clicar e segurar o botão do meio do mouse também permitirá que você acesse rapidamente a ferramenta manual para clicar, arrastar e ajustar sua visualização. Se você notar um movimento específico em seu projeto que não parece certo, outra coisa que você pode fazer é ver quantos quadros-chave você está usando para alcançar o movimento. Mais quadros-chave não significa necessariamente melhor. Ele pode facilmente complicar demais as coisas e fazer seus movimentos acabarem piorando, especialmente se você não for um animador em tempo integral, tente simplificar seus movimentos e usar menos quadros-chave. Para recapitular, se você estiver tendo problemas com seus movimentos, certifique-se de que seus quadros-chave estejam combinados. Combine esses pontos de ancoragem entre fotos semelhantes para facilitar a animação de rotação. Ajuste o uso do gráfico para ter uma ideia precisa do que está acontecendo com cada propriedade. Tente também usar menos quadros-chave. [MÚSICA] 15. Edições invisíveis: A edição invisível é aquela que você não vê, e é isso que a torna uma técnica tão poderosa ao querer criar transições perfeitas. Edições invisíveis podem ser usadas de várias maneiras, para reunir muitas fotos para aparecer como uma longa tomada. Ele também pode ser usado para conectar duas fotos ou cenas diferentes juntas sem problemas. O corte invisível também é uma maneira prática de cortar tiros desafiadores que seriam muito difíceis de fazer em uma tomada. Eu recomendo que você confira o trabalho deste editor. Seu nome é Eddie Hamilton e ele frequentemente faz filmes como este, onde há edições invisíveis, rampas de velocidade e recria muitos tipos diferentes de movimento digital, seja para ter uma sensação ou conectar duas fotos diferentes juntas sem problemas. Ao criar uma edição invisível, uma máscara é sua melhor amiga. Tudo o que estamos fazendo é adicionar máscaras às nossas várias camadas para unir perfeitamente os dois tiros. Vamos começar com essa foto aqui. Certifique-se de primeiro clicar em sua camada, clique na “Ferramenta Forma”, localizada na barra de ferramentas. Se você clicar e segurar, você pode ver que há uma variedade de formas que você pode escolher. Mas vou escolher a ferramenta Ellipse porque quero mascarar o fundo deste vidro, que tem uma forma semelhante. Se a camada em que você está trabalhando não estiver habilitada, tudo o que você acabará fazendo é criar uma camada de forma, portanto, certifique-se de que sua camada esteja ativada. Não há necessidade de ter o reflexo na foto, então clique e arraste. Enquanto estou arrastando, posso segurar a barra de espaço para mover toda a forma, ou posso segurar Shift para restringir a escala, a largura e a altura. Só vou tentar obter a forma do fundo daquele copo, e eu vou soltar. Selecionando o ponto, posso usar as alças para completar essa forma. Se eu me mover para trás na minha linha do tempo, você pode ver que estou cortando todo o tiro, então vou mover minha máscara para cima. Como preciso de uma visão melhor de toda a minha máscara, posso usar a roda de rolagem do mouse para diminuir o zoom com minha visão e ajustar minha máscara daqui. Amplie novamente, e agora tenho um bom corte. O único problema é que o corte é muito duro, é muito difícil, o que podemos fazer é suavizar isso com alguma emplumação. Vou clicar na minha camada, se você não vir a camada de máscara, você pode pressionar “M” para máscara, que exibirá a camada de máscara. Vou apenas alternar esse triângulo para poder ver o resto das propriedades, navegar até Feather e prendê-lo um pouco. Depois de adicionar plumas, percebo que podemos ver um pouco do reflexo do vidro, então vou dobrar nossa máscara um pouco. Tudo bem se a emplumação estiver acontecendo na parte inferior do nosso vidro porque com o desfoque de movimento, ele vai suavizar ainda mais. Além disso, você só vê a máscara durante a transição. Agora vou para este clipe e adicionarei uma máscara. Como temos uma vinheta, temos uma cor mais escura roxa na borda do nosso clipe aqui e na borda do nosso clipe aqui. O que podemos fazer é criar um sólido para o nosso plano de fundo , para que não vejamos nenhuma transparência em nossa foto. Antes de fazermos isso, vou adicionar uma máscara ao nosso tiro de calcário. Clique no meu tiro de calcário e, em seguida, clique novamente na camada de forma e adicione a máscara. Agora vou esfregar quadro a quadro, certificando-se de que meu clipe não esteja cortando e é. Vou mudar para minha ferramenta de seleção, selecionar cada parte da minha máscara. Eu não quero cortar essa gota de limão, só vou completar isso um pouco mais para que ela combine com a vinheta um pouco melhor. O que eu também acho que vou fazer é adicionar uma animação a essa máscara que tenhamos uma transição mais suave. Comece minha máscara aqui, digite M na sua camada para o caminho da máscara, crie um quadro-chave, avance na linha do tempo e, em seguida, eu vou clicar e arrastar apenas este ponto, aumentar isso um pouco também. Vamos dar uma olhada. Agora vamos adicionar a emplumação. Como minha camada de máscara está selecionada, eu poderia digitar F para pena, talvez até 400. Não tenha medo de aumentar essa emplumação. Sim, acho que isso funciona bem. Para lidar com a transparência, adicionaremos um novo sólido e recriaremos o fundo roxo. Vamos voltar para Layer, New, Solid e, em seguida, usar o conta-gotas para selecionar uma cor próxima à borda, porque queremos que a borda da nossa máscara corresponda à cor sólida. Nosso sólido agora está no topo de todas as nossas camadas. Vou diminuir o zoom da minha sequência segurando a opção e usando a roda de rolagem, e fecharei essa camada sólida para combinar com nossa foto de derramamento de vidro. Também vou apenas mover essa camada abaixo dos tiros nos quais não queremos ver transparência. Agora vamos dar uma olhada aqui. Agora você pode ver o que nosso sólido está fazendo. Se eu desligar, ligá-lo novamente, posso ver que a cor é um pouco mais brilhante do que a borda do nosso quadro aqui, que não é algo que realmente queremos. O que vou fazer é resoltar essa cor para que ela corresponda mais de perto ao plano de fundo. Isso só leva um pouco de ajustes, até que você obtenha algo que funcione. Lá, isso não é ruim. Se parecer bem sem o seu desfoque de movimento, então você sabe que está em um bom lugar. Porque agora, quando ativarmos nosso desfoque de movimento novamente, ele se tornará ainda mais transparente. [MÚSICA] Nada mal. Para recapitular, o corte invisível é o corte invisível que conecta duas fotos diferentes, cenas e pode ser usado para criar a aparência de uma tomada longa. [BACKGROUND] Claro, é uma ótima ferramenta para cortar sequências longas que, de outra forma, não seriam sequências longas que, de outra forma capazes de ser feitas dentro de um único tiro. Ao criar suas próprias edições invisíveis, a máscara é sua melhor amiga. Enquadre seu caminho de máscara conforme necessário, e também certifique-se de fornecer plumas generosas para misturar as fotos e as fotos de conexão. Novamente, o desfoque de movimento ajudará a resolver a edição invisível também. [MÚSICA] 16. Configurações de projeto no After Effects e Exportação: Quando você estiver pronto para exportar seus projetos do After Effects, há algumas configurações que você deseja alterar para garantir a saída da mais alta qualidade. A primeira é mudar a profundidade de bits do projeto After Effects. Profundidade de bits refere-se às informações de cores armazenadas em uma imagem. Quanto menor a profundidade de bits, mais você poderá ver as etapas entre as cores ou faixas, e quanto maior a profundidade de bits, suave será a gradação de cores. Um After Effects por padrão é definido como oito bits por canal e, como estamos lidando com todas essas vinhetas e gradientes intrincados, é importante que você defina a profundidade de bits do projeto algo maior que oito bits por canal, de preferência 32. Qualquer tipo de gradação de cor suave, como uma vinheta, pode facilmente causar faixas se a profundidade do bit for muito baixa. Para alterar a profundidade de bits do seu projeto After Effects, clique neste pequeno ícone aqui, ele diz 8 BPC, oito bits por canal, o que abre nossas configurações de projeto e nossa guia de cores. Alteraremos isso de oito bits por canal para 32 bits por canal. Agora, vou clicar em OK e também me certificar de que seu espaço de trabalho está onde você deseja que ele termine. Meu projeto quer terminar provavelmente mais em torno de 13 segundos. Você também notará que depois de mudar para o After Effects de 32 bits ficará ainda mais lento. Trabalhar em oito bits por canal é útil para manter seus efeitos e edições funcionando sem problemas. Apenas certifique-se de mudá-lo de volta para uma taxa de bits mais alta na exportação final. Agora vamos avançar para Exportação de arquivo, adicionar à fila de renderização. Em seguida, você pode clicar no módulo Saída aqui para alterar algumas configurações. Vamos manter o formato QuickTime, mas vamos alterar nossas opções de formato e alterar o Apple ProRes 422 para DNxHR. Eu apenas prefiro este Kodak em tempo rápido especificamente porque sinto pelos meus testes que os gradientes e vinhetas acabam tendo melhores resultados e reduz o potencial de faixas em nossa exportação final. É muito importante também mudar isso de 8 bits para 10 bits porque mostramos este projeto em 10 bits e não estamos usando nenhum gráfico ou qualquer coisa assim, 10 bits nos dará bons resultados. Clique em Ok, estou bem com isso e clicarei em Ok. Escolha o local para onde você deseja enviar e pressione Renderizar. Para recapitular, trabalhar no modo de 8 bits é ótimo quando você quer manter seu computador funcionando sem problemas enquanto você está trabalhando em seu projeto. Apenas certifique-se de alterá-lo na exportação final para uma profundidade de bits mais alta para evitar problemas de bandas. Claro, isso é mais um problema com um projeto como este, onde há vinhetas pesadas e gradientes muito finos. Ao exportar, verifique se você está em uma profundidade de bits maior do que oito bits. 17. Recap final e Agradecimento!: Parabéns por terminar a aula. Espero que você tenha se divertido criando esse projeto, e mal posso esperar para ver o que você inventou. Claro, existem toneladas de coisas que compõem uma edição suave. Nesta aula, passamos principalmente por cima dos elementos visuais, as transições visuais. Claro, antes mesmo de entrarmos nessas edições suaves, falamos sobre como contar a história da marca e isso é tão importante. história é a base para sua edição, procure maneiras de combinar na ação ou cortar a ação entre dois tiros. Certifique-se de que você não está apenas usando quadros-chave lineares, tente usar facilidades para um movimento mais natural. Não confie apenas nessas teclas de atalho fáceis de facilidade. Certifique-se de que você está ajustando seus gráficos, obtenha essa aparência personalizada. Para uma edição ainda mais suave, ative o desfoque de movimento usando o efeito de transformação ou importando seu projeto para o After Effects. Além dessas técnicas, também podemos combinar composição e tentar encontrar maneiras de combinar composição e ação juntas, ao e ação juntas mesmo tempo em que temos em mente, iTrace, rampas de velocidade, juntamente com invisíveis edições também são ótimas maneiras práticas de criar uma edição suave. Se você tiver um projeto pronto, não hesite em enviá-lo, podemos esperar para vê-lo e isso ajudará outras pessoas postar seus próprios projetos e se inspirar no seu trabalho. Muito obrigado por fazer minha aula e eu realmente agradeceria se você seguisse meu perfil para novos lançamentos e brindes. Se você encontrar valor dessa aula ou tiver feedback crítico para me dar, eu adoraria ouvi-lo. Por favor, deixe um comentário, isso me ajuda a aprender e crescer em meu próprio ensino e fornecer conteúdo melhor para você. Muito obrigado por fazer essa aula e lembre-se, história é o seu guia. Espere, esquecemos de enviar nosso projeto. Vamos fazer isso. Aqui está uma edição para revisão. Ansioso para ouvir de você. Peça para fora, envie. Recebemos um e-mail de volta muito rapidamente. Toque na edição parece ótimo. Temos algumas visões menores. Não, temos muito trabalho a fazer.