Técnicas de filmagem: crie composições cinematográficas

1. Introdução do curso: Criar composições cinematográficas não precisa ser complicado Você não precisa de grades complexas. Guias ou alguma fórmula mágica para contar histórias de forma eficaz. Nesta aula, vou esclarecer algumas coisas para você. Facilitando muito o processo de criação de composições Ter objetivos em fotografia e cinematografia que sejam realmente tangíveis Sou Sean Dykink. Trabalho na área de cinema desde 2005. E eu tinha horas de experiência analisando composições e como elas contribuem para contar histórias Esta aula é sobre enquadramento e composição e como implementar técnicas de composição para contar uma história de forma eficaz Seja você um aspirante a fotógrafo ou diretor de fotografia com alguma experiência ou talvez nenhuma experiência ou talvez Essa aula é para você. Você aprenderá por onde começar quando se trata de estratégias de enquadramento e composição de cenas para contar histórias de forma eficaz, a fim estratégias de enquadramento e composição de cenas de obter uma compreensão mais profunda de algumas dessas regras de composição das quais você já deve ter ouvido você já deve ter Ao final desta aula, você estará equipado com uma estratégia prática quando se trata de abordagem, enquadramento e composição para Então, com isso, vamos mergulhar na aula 2. PROJETO DO CURSO : Muito obrigado por participar desta aula. Estou muito animado por poder fazer parte de sua jornada cinematográfica Vamos falar sobre o projeto desta aula. Na verdade, seu projeto pode ser tão complexo ou tão simples quanto você quiser. Tire uma foto, tire várias fotos, crie uma sequência curta de três fotos. Apenas certifique-se de demonstrar o material aprendido e incluir, sempre que possível, o processo de pensamento por trás do seu projeto. Uma coisa a ter em mente é que muitas das aulas solicitarão exercícios de aula, e até mesmo esses exercícios individuais podem contribuir para seu projeto de aula Por exemplo, esse breve lapso de tempo é do exercício da lição Oito e pode ser usado como E, novamente, isso não precisa estar em time-lapse. Pode ser apenas uma única imagem. Nem todo exercício de aula precisa ser uma grande obra-prima. Mas se você se inspira um exercício de aula e quer criar um projeto de aula a partir disso. E eu encorajaria você a fazer isso. Você vai ficar melhor no cinema quando sair e fazer isso Portanto, quanto mais você dedicar às aulas e à aula em geral, mais você se beneficiará. Os exercícios de filmagem não precisam ser uma obra-prima. Pode ser tão simples quanto trabalhar em enquadramento e composição usando seu smartphone e apenas tirar fotos Isso me leva ao que você vai precisar. Se você tem uma câmera que pode gravar um vídeo, isso é ótimo. Qualquer câmera fará sua câmera de vídeo, sua DSLR, um telefone Quando estou inspirado para descobrir algum tipo de ideia, ou tenho uma moldura que quero testar e não tenho uma câmera e nem mesmo meu telefone para usar meus dedos como molduras e gravar as imagens em minha mente, a melhor câmera para fotografar é aquela que você tem com você. Mesmo que isso signifique que você precise usar as mãos para criar molduras como a do grande Steven Spielberg É importante se divertir enquanto aprende. Portanto, não se leve muito a sério e tente aproveitar o processo. Se você não está gostando, faça uma pausa e volte com uma nova perspectiva ou um objetivo específico em mente. Não vou solicitar exercícios em todas as aulas, mas isso não significa que você não possa sair e testar essas teorias e técnicas à medida que avançamos Nunca é perda de tempo. Essas lições são exercícios. Isso vai agilizar sua experiência e impulsioná-lo a se tornar um cineasta Portanto, eu recomendo fortemente que você seja prático e prático possível Porque quanto mais você realmente se dedica a alguma coisa, mais ela tem que valer a pena. Com isso dito, vamos começar nossa primeira lição. 3. Comunicação visual: Pode ser difícil decidir qual segredo visual da história que você está contando E há muitos fatores diferentes envolvidos na forma como público interpreta o que vê na tela E alguns desses recursos visuais podem ser mais eficazes do que outros. Então, nesta lição, vamos explorar alguns critérios gerais de como abordar a comunicação visual por meio da cinematografia E sim, não é uma grande surpresa. Contar a história é o que importa. E isso significa o que deveria guiar nossa cinematografia E, na verdade, qualquer aspecto do cinema. Ao se aproximar de uma foto, pergunte a si mesmo: o que estou tentando comunicar por meio da foto E você pode comunicar várias coisas por meio da cinematografia O choque pode estar direcionando seus olhos para um determinado personagem ou objeto dentro da moldura, talvez comunicando a importância dessa pessoa ou pensamento Os atalhos simplesmente revelam a localização geográfica de uma cena, nos mostrando onde parte da história acontece e ajudam a criar contexto Um choque também pode revelar ao personagem quem ele é, seu ponto de vista, e isso se estende ao relacionamento com outros personagens seu status e poder. Um choque também pode ajudar a comunicar os principais temas em O Resgate do Soldado Ryan, um grande tema que percorre todo o filme é a tragédia da guerra Isso é exemplificado pelo movimento da câmera, pelo estoque do filme, velocidade do obturador e por vários outros Uma foto também pode comunicar informações que podem despertar várias emoções. O filme zodíaco, isso seria medo. Essa cena em particular manipula os sentimentos do público em relação ao nosso protagonista e esse personagem secundário, a lista continua Então, para manter as coisas simples, e na minha opinião, a cena que melhor conta uma história, essa é a mais eficaz e pode ser meio vaga e um pouco frustrante Mas nesta aula, vamos nos aprofundar nos detalhes do que isso realmente significa E por meio de algumas técnicas teóricas e cinematográficas, espero que seja muito mais fácil entender Então, aqui está um exemplo super simples que eu filmei e espero que ilustre esse ponto de pensar sobre o que você deseja comunicar por meio de uma cena Temos esse cara que está olhando para telefone e vemos que seu saldo bancário não está realmente lá. Provavelmente todos nós já estivemos lá. O estresse de não ter dinheiro. Ok, então sim, nada muito louco. Mas isso faz parte da aula. Queremos filmar o máximo possível dessas pequenas sequências Assim, podemos continuar experimentando diferentes ideias de contar histórias, diferentes composições, diferentes tipos de cenas Então, na verdade, tudo se resume a apenas uma chance. Essa é a razão pela qual eu queria filmar isso porque eu meio que gosto dessa área da nossa casa e meio que pensei que o bar é quase parecido com Isso me levou a começar a pensar em temas relacionados à sensação de estar preso E eu pensei, bem, o que é uma coisa que muitas pessoas sentem aprisionadas pela falta de finanças Pensei: vou ilustrar esse sentimento apenas por meio de uma curta sequência Agora, se essa ideia realmente chega para você, o espectador, tudo começa com essa intenção, com a ideia do que você quer comunicar por meio da foto. A próxima etapa é identificar o ponto de interesse. O ponto de interesse é o elemento visual ou elementos de uma cena que têm como objetivo chamar a atenção do espectador. Não precisa necessariamente ser um ponto individual com a moldura. Podem ser vários pontos. E no caso desta foto, são várias coisas para comunicar, uma ideia, para comunicar esse tema de se sentir constrangido e preso Então, sim, é claro que estou tentando usar as barras verticais dos corrimãos E também estou tentando usar as cores, a luz externa mais fria contrastada com a luz vinda de outra sala E me colocar fora desse brilho quente nos tons mais frios conta sua própria história, porque os tons mais frios podem indicar imagens mais nítidas ou, nesse contexto, simbolizar algum tipo de isolamento, e incluir a profundidade do fundo com a mesa e incluir a profundidade do fundo com a cadeiras e flores vazias na mesa também fornece esse tipo de imagem interessante, onde o indicar imagens mais nítidas ou, nesse contexto, simbolizar algum tipo de isolamento, e incluir a profundidade do fundo com a mesa e cadeiras e flores vazias na mesa também fornece esse tipo de imagem interessante, onde o público podem ter suas próprias ideias sobre o que isso significa. Mas eu gosto do vazio das cadeiras e de como pode aumentar esse isolamento, a moldura e a proximidade de onde estou colocada em relação à borda da Combustíveis limitantes por si só. Não há muito espaço livre aqui, e isso pode criar aquela sensação de tensão e mal-estar para o espectador e isso pode criar aquela sensação de tensão e mal-estar para o E, finalmente, temos essas linhas diagonais que ajudam a guiar o olho através da moldura, de um elemento para outro. Então, todos esses elementos que estou tentando usar para ajudar a contar a história. Agora, é claro, essas são apenas as decisões de contar histórias que estou tomando e minha intenção de como eu quero que essa cena em particular atinja o público não significa que ela realmente vai funcionar, mas pelo menos a intenção e a justificativa importante quanto o ponto de interesse do quadro são os pontos dentro do quadro para os quais você não quer que seu público veja. Então, quando eu estava experimentando pela primeira vez o tipo de enquadramento que eu queria para essa foto, eu tinha originalmente essa foto super ampla e, obviamente, não a usei porque, bem, há muita coisa acontecendo nesse quadro e muitos pontos de interesse desnecessários em que o público pode perder o foco do que trata a história Mas como eu sabia o que queria comunicar na cena e para comunicar na cena onde queria que o público olhasse ou o ponto de interesse, consegui intervir, eliminar todas as distrações e direcionar de forma mais restrita atenção do público para os pontos de interesse pretendidos Saber qual é o seu ponto de interesse o ajudará a determinar por onde começar ao enquadrar sua foto E o ponto de interesse, é claro, não precisa ser tão complicado. Pode ser simplesmente essa foto aqui. O ponto de interesse é mostrar o saldo bancário. É claro que é para contextualizar o que o personagem está vendo. E meu objetivo era ser o mais claro possível com esse plano de fundo, portanto, está tudo embaçado Quero dizer, mesmo que eu quisesse cortar a foto ainda mais perto, eu poderia justificar isso Portanto, é apenas para revelar mais da história para o público O ponto de interesse ajuda a engajar seu público e a entender para onde eles devem olhar no quadro, o que os ajuda, por sua vez, entender o que está acontecendo na história, tanto no nível lógico quanto no nível emocional e somático E o que você faz de realmente bom nisso, você pode evocar emoção na platéia E eu não estou dizendo que essa sequência está evocando qualquer tipo de emoção Mas contanto que você aborde a cinematografia e sua sequência de cenas com essas intenções e objetivos em mente, isso é realmente tudo que você pode fazer Sua esperança é que dentro do quadro e até mesmo da edição, suas ideias cheguem ao público da maneira pretendida, que eles interpretem da maneira que você pretendia. Isso é tudo que você pode fazer. Se você quiser sair e começar a filmar imediatamente , experimente seu próprio ponto de interesse e comunique tema, o contexto e as ideias por meio de suas fotos Faça isso com certeza. E outro exercício muito acessível é prestar atenção aos programas ou filmes que você está assistindo. Pense no que cada foto está tentando comunicar. Onde estão os pontos de interesse dentro do quadro? E pense em onde seus olhos estão naturalmente atraídos e onde você acha que o cineasta quer que você olhe dentro do quadro e faça com que as coisas se encaixem E isso é filmado contando a história de uma forma eficaz. Então, para recapitular, há muitas coisas diferentes que podem se comunicar por meio da cinematografia Você quer comunicar o que está acontecendo em termos de enredo em sua história. Portanto, é fácil para o público entender o que está acontecendo dentro do quadro. Pense nos contextos. Pense nos seus personagens. Pense nos temas, no ponto geral da foto que você está tentando alcançar. E quando você souber o que está tentando comunicar de uma foto a outra, considere como os pontos de interesse podem contribuir para a comunicação dessa ideia Então, na próxima lição, vamos definir alguns termos e discutir a diferença entre enquadramento e composição 4. A diferença entre a estrutura e a composição: Nesta lição, vamos definir alguns termos. Então, estamos na mesma página. Enquadramento e composição andam de mãos dadas, mas também são um pouco diferentes Eu considero a moldura, os limites nos quais somos capazes de ver para que possamos mover a moldura Podemos mover essas quatro paredes da moldura ao redor. Mas o quadro em si não muda, a menos, é claro, que estejamos mudando a proporção, mas essa é uma conversa totalmente diferente. Então essa é a moldura. A composição, por outro lado, inclui todos os elementos visuais dentro do quadro e a relação entre si. Então, quão distantes eles estão um do outro. E isso inclui a distância entre os objetos e o limite da moldura em si distância entre os objetos e o . E podemos ajustar a moldura e movê-la para mudar essa relação. Mas também podemos simplesmente mover os elementos visuais dentro do quadro. Ao nosso gosto. A moldura ou o equilíbrio da imagem e da composição são os elementos visuais dentro da moldura. Agora que você entende a diferença entre enquadramento e composição, é hora de aprender por onde começar quando se trata de enquadrar e impor uma 5. Criando composições eficazes: cinematografia eficaz começa com o enquadramento Ao tentar aprender mais sobre cinematografia e fotografia, você provavelmente percebeu que há muitas regras e grades diferentes que as pessoas dizem que você deve usar Mas eles realmente não apresentam boas razões para explicar o porquê. Nas próximas aulas, farei o possível para desmistificar algumas dessas regras para que você possa aplicar essas ideias e teorias de forma mais prática às suas A primeira dessas regras mais comum é conhecida como regra dos terços. A regra dos terços é normalmente definida como uma ferramenta para criar composições visualmente atraentes ou agradáveis Agora, não estou totalmente convencido disso, e acho que gostaria de tentar redefinir essa regra E para que possamos fazer isso, precisamos ir até onde a regra começou. A regra dos terços foi abordada por John Thomas Smith em 17 de 97 em seu livro intitulado Comentários sobre E ele se refere a uma obra de Sir Joshua Reynolds. Reynolds fala sobre, mas não de forma totalmente clara, o equilíbrio entre escuridão e luz e uma pintura John Thomas Smith então expande essa ideia e a chama oficialmente de regra dos Esta citação diretamente de seu livro. Duas luzes distintas e iguais nunca devem aparecer na mesma imagem. Um deve ser principal e o resto subordinado. Tanto em dimensão quanto em grau. Partes e gradações desiguais desviam facilmente a atenção da segunda parte, enquanto partes de aparência igual, bem, estranhamente suspensas, como se incapazes de determinar qual dessas partes deve ser considerada subordinada e dar a máxima força e solidez ao dar a máxima Algumas partes da imagem devem ser tão claras quanto possível e outras tão escuras quanto possível. Esses dois extremos devem então ser harmonizados e reconciliados E embora a redação possa ser um pouco desafiadora, minha principal conclusão é que a regra dos terços serve para guiar o olho facilmente de uma parte da moldura para a outra sem que o espectador se sinta conflito sobre o que Portanto, a regra dos terços divide uma imagem em duas linhas horizontais igualmente espaçadas e duas linhas verticais igualmente espaçadas. Então, estamos dividindo a imagem em terços. Os pontos de maior importância em sua imagem devem ser colocados nos pontos de interseção de cada linha e são conhecidos como E lembre-se do que John Thomas Smith disse: partes desiguais atraem facilmente a atenção da segunda parte Então, se eu filmar essa paisagem filmada e organizar o céu e a terra igualmente. Então, 50% das imagens no céu, 50% das imagens na terra, então cada parte é igual e compete pela atenção Se eu simplesmente reorganizar a moldura em partes desiguais, preenchendo a paisagem nos dois terços inferiores ou até mesmo preenchendo o céu nos Agora criei uma hierarquia visual. E essa organização também pode fazer uso dos terços verticais Então, em vez de simplesmente compor elementos visuais diretamente no centro do quadro, agora podemos usar a regra dos terços para criar composições dinâmicas Nossos olhos agora têm mais motivos para dançar ao redor de uma imagem do que para serem guiados diretamente para o centro. Com base na maneira como vejo essa imagem, posso ver como parte disso é verdade, mas algumas são mais sutis Cada imagem tem suas próprias características únicas que podem ou não beneficiar de olhar para ela estritamente através das lentes da regra dos terços. Agora, não estou sugerindo que você siga essa regra cegamente ao começar na fotografia ou na cinematografia na fotografia ou na cinematografia Acho importante entender o que é a regra dos terços. Mas, o mais importante, acho que você precisa entender o porquê por trás disso. E eu redefiniria a regra dos terços como organização do quadro, criando alguma E por que isso seria importante? Bem, meu pensamento por trás disso é que, se eu posso estruturar a moldura e os elementos visuais ou meus pontos de interesse, tenho mais chances de sucesso em fazer que o público entenda o que está vendo, para onde deveria olhar e qualquer significado por trás da composição em si. Então, vamos dar uma olhada no exemplo da ponte novamente e tentar aplicar esse raciocínio. Entenda mais profundamente o porquê por trás da regra dos terços ou melhor ainda, organizando nosso quadro O ponto de interesse é essa ponte. E sim, o horizonte da cidade também é um ponto secundário interessante dessa imagem Mas se soubermos qual é o ponto de interesse , podemos usar a regra dos terços para ajudar, ajudar a trazer mais foco e atenção aos nossos pontos de interesse Então, organizar essa ponte fotografou com dois terços do céu versus dois terços da Na minha opinião, acho que o céu parece um pouco melhor, exceto pelas linhas principais, isso realmente não contribui em nada para a foto. Na minha opinião, é mais perturbador porque estou tentando descobrir o que são essas cercas ou fardos de feno e o que eles têm a ver com a injeção Então, ela meio que se afasta um pouco mais da foto e, na verdade , fornece qualquer informação útil a ela É claro que, de alguma forma, você pode defender essa foto se você criasse uma sequência de fotos com, digamos, pessoas descendo a colina em tobogã ou algo parecido um tobogã ou algo parecido, faria muito Mas, no contexto dessa foto, acho que ter mais do céu e a foto funciona melhor porque há menos detalhes no céu. Assim, direcionamos seu olhar para a paisagem, a ponte e o próprio horizonte. E então centralizar a imagem também não funciona muito bem por causa de todas as informações sobre nosso ponto de interesse Essas informações externas quase acabam com o que estamos tentando focar. E acho que a imagem centralizada pode ser melhorada simplesmente ampliando ou recortando todas as coisas em nossa composição nas quais não queremos que o espectador se Se você discorda de mim, tudo bem. Estou apenas encorajando você a pelo menos ser capaz de justificar por que está usando a regra dos terços Entenda o porquê mais profundo de como você compõe uma imagem. Então, para recapitular, a regra dos terços é uma forma de dividir uma imagem em terços, tanto E, citando John Thomas Smith, partes e gradações desiguais conduzem a atenção facilmente da segunda parte. Em minhas próprias palavras, isso para mim significa criar alguma organização visual e hierarquia que guie mais facilmente o olho, a garganta e a garganta Agora, é claro, acho que não há problema em usar a regra dos terços. Você pode usar o guia da regra dos terços em sua câmera para compor uma foto Mas também vou exortá-lo a desativar esse guia da regra dos terços Tente compor uma foto sem usá-la. Tente pensar sobre o motivo mais profundo pelo qual o está usando. E para mim isso significa criar organização dentro de suas composições. Na próxima lição, vamos nos aprofundar na desmistificação 6. Desmistificando regras composicionais: Nesta lição, vamos nos aprofundar nas regras de composição E farei o meu melhor para desmistificá-los para você, para que você tenha mais controle criativo sobre Para esclarecer, quando uso a palavra desmistificar, não é o mesmo que desmascarar Desmistificar significa deixar claro, tornar algo mais fácil Então, minha esperança é que, ao explorarmos essas regras e diretrizes de composição, eu ajude você a entender mais profundamente o porquê por trás do motivo pelo qual as escolhemos Portanto, você não está apenas seguindo cegamente essa regra porque algum artigo ou alguém na internet afirma que ela era essencial para se tornar um bom fotógrafo ou diretor de fotografia Quero falar um pouco mais sobre PowerPoints. Portanto, os PowerPoints são onde as linhas se cruzam e são considerados um local de E que você deve colocar elementos visuais importantes nessas linhas que se cruzam. E pelo que entendi, não há realmente uma boa explicação para esses PowerPoints Eu realmente não sei exatamente de onde eles vieram. Por que você seguiria um guia se não há uma boa razão para isso? Bem, pode haver uma boa razão. E um pensamento comum aqui. Não sou o único a pensar que essas linhas que se cruzam podem ser consideradas uma versão simplificada do que é conhecido como Tenha paciência comigo aqui. A proporção áurea, também conhecida como média áurea ou seção áurea, é um conceito matemático que descreve uma proporção de aproximadamente um para 1,618 Essa proporção é frequentemente usada em arte e design, bem como em fotografia. E é usado para criar composições que são esteticamente agradáveis aos olhos. Acredita-se que a proporção áurea seja esteticamente agradável porque é encontrada em muitos padrões e formas que ocorrem naturalmente e formas E o exemplo mais famoso é a forma espiral da concha A proporção áurea pode ser usada para compor uma imagem dividindo a moldura em uma grade com linhas horizontais e verticais espaçadas de acordo com a Essa grade é chamada de grade Phi e recebeu o nome da letra grega Phi, que é usada para representar a proporção áurea em equações matemáticas. Usando uma grade Phi, fotógrafo pode usar a proporção áurea para criar uma composição equilibrada e agradável aos olhos Então, muitos dos argumentos que apoiam a proporção áurea são que ela é agradável aos olhos porque é encontrada na natureza Então, eu não sei se esse argumento é bom o suficiente, mas é outra ferramenta que podemos usar para experimentar ao criar composições. Existem muitas outras regras que vêm junto com a composição , além da regra dos terços e da proporção áurea ou grade Phi, as coisas se tornam ainda mais complexas e existem ainda mais regras do que Um experimento interessante é colocar todas essas grades diferentes umas sobre as outras E você verá que qualquer um desses pontos de interseção pode atingir aspectos importantes da composição e certas imagens feitas de alguma forma seguem uma dessas regras, intencionais ou não É claro que estou tirando essas regras um pouco dos contextos. É mais uma experiência divertida de testar. Não estou dizendo que você não deva usar essas regras ou aplicá-las às suas próprias composições. O que estou pedindo que você faça é não seguir essas regras cegamente Se você vai usar uma regra de composição, tente descobrir o porquê mais profundo por trás dela e não se apoie nela porque é agradável aos olhos ou porque é encontrada na natureza, tente descobrir o uso prático mais profundo por trás dela tente descobrir o uso prático mais profundo Então, por exemplo, em nossa lição anterior, falamos sobre a regra dos terços e como ela cria uma organização hierárquica, tornando mais fácil para o espectador olhar entre os diferentes pontos de interesse que o ajudaram a decifrar a história na tela e como ele deveria se sentir em relação à imagem deveria se sentir em relação Um exemplo de Mad Max Fury Road, veja a foto. A linha do horizonte está muito baixa dentro do quadro, e essa foto não segue particularmente nenhuma regra de composição A história que está sendo contada aqui é que nossos personagens são muito pequenos dentro do quadro. Ilustrando o tamanho dessa tempestade. O contraste entre o tamanho desses elementos visuais cria mais medo, ansiedade e tensão para o público que vivencia a cena. Mas, novamente, você pode defender qualquer uma dessas regras de composição O objetivo é criar a cena que melhor conte a história. Se isso inclui o uso de algumas regras para ajudar na elaboração dessas cenas, e isso funciona para a história Então ótimo. Você usou a ferramenta com sucesso em vez de forçá-la a entrar em suas composições Então, para recapitular, temos algumas grades de composição que podemos usar Mas lembre-se de que usamos o guia para ajudar a contar a história em vez de ajustá-la ao guia. Agora, é claro, vou encorajar você a entender por que está usando uma regra de composição específica e como isso afeta a história que você está Mas também podemos começar com a regra. E depois, descubra como isso afeta a história. Ajuste a partir daí e refilme, ajuste a ajuste Experimente coisas. Disponibilizei essas sobreposições para download para que você possa colocá-las em seu editor de vídeo ou foto preferido para fazer algumas experiências Continuou a iterar. Continue questionando por que você está fazendo as escolhas de composição que está É uma progressão lenta. Vai levar tempo, mas divirta-se porque isso deveria ser o PFK-1 É divertido experimentar essas regras diferentes e ver como elas podem afetar a história que você está contando. Vamos melhorar ainda mais nossas composições explorando o conceito de Equilíbrio 7. Equilíbrio visual: Um conceito-chave que os cineastas consideram em cada composição é equilibrado e o Balance pode criar imagens harmoniosas, criando assim E isso pode contribuir para a história. cédulas se referem ao arranjo de elementos visuais em uma composição que cria uma sensação de equilíbrio Uma composição é considerada Equilíbrio quando esses vários elementos visuais têm a mesma enquete visual Podemos usar esses blocos duplos para ilustrar isso de uma forma muito simples Essa configuração é visualmente balanceada. Quando retiramos alguns desses elementos do lado esquerdo, nosso olhar é puxado mais para o Composição desequilibrada de negociação. Uma imagem equilibrada pode criar ordem e organização em seu quadro, facilitando a visualização dos pontos de interesse em sua composição. E criando uma sensação de facilidade ao visualizar a imagem. Por outro lado, uma imagem desequilibrada pode ser desordenada e desorganizada, criando tensão e inquietação Mas isso pode significar muito mais , dependendo do contexto. Uma maneira de pensar sobre o equilíbrio é imaginar um ponto de apoio com pesos em cada lado, nos lados esquerdo e direito de uma imagem E aí os elementos visuais atuam como pesos. Cada elemento tem seu próprio polo visual, e a quantidade de pólo determina o peso desse elemento visual dentro do quadro. Há vários fatores que contribuem para o equilíbrio visual. E para simplificar essa explicação, vou usar gráficos muito básicos na tela O tamanho do objeto. Objetos maiores têm mais peso visual do que objetos menores. A posição de um objeto. Objetos que estão mais próximos da borda da moldura podem parecer mais pesados do que elementos que podem estar um pouco fora Cor. As cores vibrantes têm mais peso do que as cores opacas. As cores mais quentes têm um pouco mais de peso do que as cores mais frias. E se estamos pensando mais em preto e branco , os tons mais escuros têm mais peso visual do que os mais claros. Mas também é importante ter em mente o contraste criado pela justaposição de partes claras e escuras de uma imagem, pois elas também têm seu próprio Então, temos textura e padrão, textura e padrão talvez possam se enquadrar tecnicamente em nossas outras categorias Mas como esses atributos podem ser facilmente identificáveis, vale a pena mencionar Grandes áreas com textura mais suave podem equilibrar, digamos, uma textura menor e mais detalhada. Os olhos são atraídos por linhas e detalhes mais complexos porque nós, como humanos, buscamos padrões, naturalmente procurando e completando padrões na natureza e na E isso tem sido um meio de sobrevivência. Portanto, puxar essas áreas texturizadas menores pode atrair muito a atenção Linhas principais. Basta colocar nossas linhas que aparecem nas imagens e, novamente, nossos olhos naturalmente seguirão essas linhas dentro de uma imagem. E essas linhas podem guiar o olho em diferentes direções e contribuir para o equilíbrio visual. Um subtipo de linhas principais são linhas principais sugeridas quando não são perceptíveis Então, neste exemplo, vou falar com outro personagem fora da tela, logo ali Oi, amigo. Ei, ei. Então você pode ver neste exemplo que meu olhar, ou onde estou olhando para Sean fora tela, está criando uma sugestão de linha principal E o espaço negativo, esta é a linha inicial ajustada. Minha linguagem corporal, onde a posição do meu corpo de frente para baixo está ajudando a equilibrar essa imagem assimétrica. Isso mesmo. E ao cortar entre as duas fotos, isso oferece uma quantidade confortável de espaço entre os dois personagens. Sim. E não se esqueça de que isso também é chamado de Espaço de Conversação ou sala principal. Se estivéssemos mais perto da borda da moldura, isso criaria muito mais tensão, que vamos explorar um pouco mais na próxima lição. Sim, nenhuma dessas molduras está necessariamente errada. Eles apenas contam histórias diferentes. Ele está certo. E muitas coisas que chamam nossa atenção, como coisas que estão em foco, pessoas, animais, rostos Esses elementos visuais têm muito mais pesquisas. Porque o equilíbrio pode ser uma coisa muito difícil de manobrar. Quero que você simplesmente tenha em mente esses elementos visuais ao longo do dia. Novamente, você não precisa ter sua câmera para fazer isso. Você pode simplesmente emoldurar um local ou ver com os olhos e enquadrar com as mãos, ou simplesmente identificar esses diferentes atributos visuais ao seu redor E se você fizer todas as câmeras com você, emoldure a foto e considere o peso e a atenção que cada elemento exige. Então, para recapitular, um equilíbrio imaginável e uma forma da esquerda para a direita quando os elementos visuais no lado esquerdo da moldura e no lado direito da moldura são ponderados uniformemente Você alcançou o equilíbrio. E, novamente, não se preocupe, não é como um tudo ou nada, seja você equilibrado ou não. Não vai ser perfeito, mas tudo bem. Use seu bom senso. A prática progride. Nesta configuração do Talking Eds, eu diria que não somos perfeitos. Provavelmente está um pouco mais inclinado para este lado. E está tudo bem. Há muitos atributos visuais que contribuem para as cédulas Tamanho, posição, cor, tom, contraste, textura, padrão, linhas principais e, verdade, qualquer coisa que seja atraente O equilíbrio é um conceito importante que você deve ter em mente ao compor fotos Mas lembre-se de que parte disso é subjetivo se você não quiser ter uma foto perfeitamente equilibrada o tempo todo Portanto, não tente ser perfeito nisso. Experimente, divirta-se e lembre-se de pensar em como suas composições contam a história E eu até sugeriria que você criasse uma imagem intencionalmente desequilibrada para ver a história que ela conta Na próxima lição, discutiremos mais sobre o equilíbrio e algumas estratégias para alcançá-lo. 8. Alcançando o equilíbrio: Para ajudá-lo a entender melhor o equilíbrio em seus próprios recursos visuais, abordarei os diferentes tipos de balanceamento e também fornecerei mais exemplos nesta lição Existem dois tipos de equilíbrio, simétrico e assimétrico equilíbrio simétrico é onde os elementos de composição são dispostos igualmente em ambos os lados do eixo central, ao mesmo tempo que alcançam uma Esse tipo de equilíbrio é visto principalmente em fotos centralizadas de personagens, ambientes ou objetos com imagem espelhada Esse também é um equilíbrio muito mais fácil alcançar em suas imagens Uma imagem equilibrada pode criar uma sensação de paz e tranquilidade, que pode ser usada para transmitir uma sensação de calma ou serenidade, ou a sensação de que tudo está no E isso é ainda mais enfatizado ao usar o equilíbrio simétrico equilíbrio assimétrico ocorre quando os elementos não são distribuídos uniformemente em cada lado do centro da moldura e, ao mesmo tempo , alcançam uma harmonia visual geral E nesse tipo de equilíbrio, os elementos podem ser organizados de uma forma que cria uma sensação de tensão visual, mas ainda mantém uma sensação de equilíbrio geral. Esse tipo de equilíbrio geralmente é visto quando os personagens conversam uns com os outros. Como nesta cena, temos esse personagem no lado esquerdo do quadro, conversando com um personagem fora da tela no lado direito do quadro, o espaço negativo e a linha principal sugerida equilibram cada uma dessas composições E isso também pode ser obtido usando fotos por cima dos ombros com a extremidade suja da moldura com o ombro, equilibrando a imagem equilíbrio assimétrico também é muito comum E, novamente, temos o espaço de conversação ou a linha principal sugerida que está equilibrando essa composição assimétrica E há um pouco mais na sala de comando e no espaço para conversar do que apenas criar equilíbrio e espaço confortável entre dois personagens. Também tem a ver com a criação de continuidade espacial. O espaço pode ajudar o espectador a entender melhor onde cada elemento está aproximadamente dentro da cena. Essas linhas principais sugeridas não precisam necessariamente conter estritamente duas pessoas, mas também podem ser edifícios. Apenas a forma como o edifício está voltado pode justificar um tiro assimétrico equilíbrio assimétrico também é comumente obtido usando fundo ou outros elementos colocados fora E um experimento interessante é fazer com que algumas dessas cenas amplas fossem filmes. E podemos apagar alguns dos elementos visuais em um lado da tela e ver como é. Nesse caso, agora, parece desequilibrado sem esse elemento aqui à direita. É muito mais difícil alcançar um equilíbrio assimétrico porque você depende de valores de cor, brilho e escuridão, juntamente com a textura e o assunto, valores de cor, brilho e escuridão, juntamente com a textura e para pesar cada lado da moldura, o que, de certa forma, que, de certa forma Portanto, o objetivo do equilíbrio assimétrico ou simétrico é criar uma enquete visual igual em todo o quadro para criar uma enquete visual igual em todo o quadro E por que você quer harmonia? Embora a harmonia crie ordem e organização dentro do quadro sem criar a tensão que uma imagem desequilibrada causa, somos capazes de observar os vários pontos de interesse em uma composição com facilidade Mas isso não significa que você não possa tratar imagens desequilibradas. E especialmente no programa Mr. robot, eles usam imagens desbalanceadas o tempo todo Essa é uma escolha deliberada que também imita nosso personagem principal, Eliot em nosso mundo, ele está à beira da sociedade, um pouco Então, esse tipo de cinematografia faz sentido para um programa como esse, colocando-o nas bordas externas do quadro e aumentando a tensão e a inquietação Normalmente, quanto mais próximos os elementos visuais estiverem da borda da moldura, mais tensão você sentirá ao visualizar esse elemento. E, é claro, as linhas principais sugeridas podem aumentar essa tensão se elas também estiverem movendo em direção à borda da estrutura. Aqui está uma estrutura rápida para ajudá-lo no exercício desta lição. Quando me aproximo de um local, procuro elementos visuais que contribuam para o simétrico ou assimétrico Isso me ajuda a determinar como eu poderia abordar um local e fornecer possíveis ideias de fotos. E, na maioria das vezes, você obterá uma mistura de equilíbrio assimétrico e simétrico dependendo de suas escolhas de ângulo, arquitetura, uma variedade de características diferentes de sua localização e da narrativa sua Com o equilíbrio simétrico é fácil centralizar o assunto ou a cena geral e, principalmente, obter uma imagem harmoniosa Abordar o equilíbrio assimétrico é complicado, mas com nossas aulas anteriores, exemplos visuais de peso, um pouco mais fácil discernir onde o peso visual dentro da moldura pode ter o maior orifício e ajudará a informá-lo sobre como reenquadrar para criar equilíbrio ou reorganizar fisicamente para criar equilíbrio mas com nossas aulas anteriores, exemplos visuais de peso, fica um pouco mais fácil discernir onde o peso visual dentro da moldura pode ter o maior orifício e ajudará a informá-lo sobre como reenquadrar para criar equilíbrio ou reorganizar fisicamente os elementos de composição. Portanto, tente não pensar no equilíbrio como equilibrado ou desequilibrado Em alguns casos, é meio que em uma escala móvel, porque todos os elementos visuais na tela atrairão os olhos de pessoas diferentes de maneiras diferentes Então, é um pouco subjetivo. Também tenha esse sentido inato. Quando vemos algo equilibrado ou não, você provavelmente estará automaticamente compondo uma cena em que ela pareça equilibrada para você Mas isso vem com muita prática. Você vai ter que aprimorar suas habilidades. Você terá que experimentar diferentes tipos de equilíbrio. Mais tarde, revise a filmagem ou as fotografias e decida consegui o equilíbrio que eu quero E esse equilíbrio ou não equilíbrio está contribuindo para a história que estou contando? Então, recapitulando, o Equilíbrio é um conceito crucial ao criar imagens e pode ajudá-lo a criar harmonia em suas Existem dois tipos de equilíbrio, equilíbrio simétrico e equilíbrio assimétrico equilíbrio simétrico depende mais imagens centralizadas ou espelhadas, enquanto o equilíbrio assimétrico pode ser um pouco mais dinâmico e criar um pouco mais de tensão visual, mas ainda mantém uma O equilíbrio simétrico depende mais de imagens centralizadas ou espelhadas, enquanto o equilíbrio assimétrico pode ser um pouco mais dinâmico e criar um pouco mais de tensão visual, mas ainda mantém uma sensação geral de equilíbrio. Considere sua localização e outros elementos dentro da moldura que contribuem para o equilíbrio simétrico ou assimétrico a partir deles, considere como você pode compor suas considere como você pode fotos para criar equilíbrio ou até mesmo desequilibrar intencionalmente Na próxima lição, vou ajudar você a entender como criar profundidade em suas imagens. 9. Profundidade do quadro: Os visuais na tela geralmente são projetados em um plano 2D, como este aqui Isso pode nos deixar com algumas imagens planas e sem inspiração. Mas há algumas coisas que podemos fazer para criar mais profundidade em nossas imagens. Então, nesta lição, discutiremos como criar profundidade em seus recursos visuais para proporcionar uma experiência mais imersiva para seu público profundidade do quadro se refere a pegar uma imagem bidimensional e fazê-la parecer tridimensional Então, tirando uma foto que parece muito plana, como esta, com algum trabalho, podemos fazer com que pareça mais profunda. Como se pudéssemos pular na tela ou colocar a mão na tela e fazer parte do ambiente. E criar profundidade realmente cria essa experiência realista e imersiva para o público E isso pode ser muito importante para sua história, pois pode colocar seu público nesse estado cinematográfico. Assistindo à hipnose, onde você suspende sua descrença. Eles estão imersos no visual da tela. E, por sua vez, isso pode ajudar a criar uma chance maior de sucesso para sua história e seu propósito. Para criar profundidade em uma foto, é importante começar criando camadas dentro do quadro. Isso significa criar um primeiro plano, meio plano e plano de fundo distintos , que cria uma experiência dinâmica e imersiva Isso também torna mais fácil para o público entender em qual elemento visual ele deve se concentrar. E na próxima lição, vamos explorar algumas estratégias para criar essa profundidade em sua cinematografia 10. Criando imagens imersivas: Agora que você entende o quadro e sua importância, é hora de aprender algumas estratégias para criar imagens imersivas Comece com a profundidade de campo. profundidade de campo se refere exatamente ao que está em foco em uma foto a abertura e trocar uma profundidade de campo menor ajuda a me separar do fundo, criando camadas mais Filmar a cena com uma profundidade de campo profunda que chama nossa atenção para cada camada ao mesmo tempo No caso desta foto, você pode ver que todos os nossos elementos de primeiro plano, meio plano e plano de fundo estão Eles estão todos amassados. Portanto, ao ajustar a profundidade de campo, podemos focar no foco dessa foto, ajudando a guiar o olhar do espectador para o que é mais importante dentro do quadro Também é uma dica profissional aqui. Se você quiser uma profundidade de campo ainda mais rasa, segure a bolsa da câmera e aumente o zoom Quando você aumenta o zoom, ele comprime os elementos no quadro Tratando uma profundidade de campo menor. Perspectiva significa literalmente a maneira como você olha para algo. Isso pode se referir ao ângulo da câmera em relação a uma cena específica. Por exemplo, é comum, quando se inicia no cinema ou na fotografia , compor cenas De frente. Isso mostra claramente o assunto no quadro, mas carece de profundidade. Essa foto frontal resulta em linhas horizontais e verticais que podem comunicar estabilidade E isso pode ser bom para esse tipo de foto. Essas linhas horizontais e verticais também podem atuar como caminhos para o olho, que podem guiar nosso olho para a esquerda ou para a direita ou para cima e para baixo em toda a moldura, mas não têm a profundidade desejada Portanto, ajustar sua perspectiva alterando o ângulo da foto pode resultar na criação de linhas diagonais, que podem ser usadas para direcionar o olhar do espectador de forma semelhante às linhas horizontais e verticais criadas em nosso exemplo anterior No entanto, agora estamos dando a ilusão de que o I está viajando no eixo z com as linhas diagonais criadas E essa linha leva nossos olhos para dentro do espaço bidimensional, criando a ilusão de profundidade criando a ilusão de Basicamente, é prestar atenção às linhas principais da imagem e ajustar seus ângulos para que essas linhas principais se movam em diagonais Ao filmar pontos de interesse, como personagens na tela ou, neste exemplo, eu, é melhor mantê-los mais afastados da parede para criar camadas distintas Não vou me sentar diretamente contra a parede porque isso fará com que pareça que sou parte da parede e não em uma camada separada. Se eu me afastar da parede, estou dando mais espaço e distância. É entre mim e a parede, o que dá uma chance melhor de criar camadas de aparência distinta. Você também pode considerar sujar sua moldura, que inclui um primeiro plano que normalmente está desfocado e preenchendo o primeiro plano do Passat em direção Mas uma coisa a ter em mente é que ela precisa se adequar à história. Nesse caso, realmente não parece certo. Parece que talvez alguém esteja me espionando. contraste pode ser criado compondo elementos brilhantes ao lado do escuro E é por isso que fotos de silhueta podem ser tão eficazes. Essas fotos de silhueta parecem ter mais profundidade devido às diferenças entre claro e escuro Podemos ver claramente que essas duas coisas são E quanto maior a diferença, mais nítidas as camadas se destacam umas das outras, maiores os pontos de contraste em uma imagem podem ser locais de interesse, o que nos dá maior controle sobre a atenção do público Outra maneira menos óbvia de criar profundidade é usar cores. A razão pela qual isso é menos óbvio é porque isso geralmente requer o uso de luzes para descobrir locais que contenham contraste de cores, o que obviamente é um pouco mais raro Dê uma olhada nessa roda de cores. Você pode ver por si mesmo as várias combinações de cores que contrastam entre si. Novamente, quanto maior o contraste, mais fácil é diferenciar as camadas dando à imagem 2D a aparência de profundidade Então você pode ver aqui essa configuração de cabeça falante. Eu tentei criar contraste de cores com tons quentes e frios para criar alguma profundidade nesse pequeno espaço. Na maioria das circunstâncias, focar em criar profundidade dentro do quadro ajudará a mergulhar o público mais profundamente em sua história, dando efetivamente maior importância à história que está sendo contada Mas não se trata necessariamente de acessar cada um desses guias A história vem em primeiro lugar e uma composição mais plana funciona melhor para sua história, e tudo bem Lembre-se de encontrar maneiras de utilizar essas estratégias de criação aprofundada para manter uma experiência imersiva do público Às vezes, há vários graus de profundidade em cada composição que criamos quando não podemos acessar todas as técnicas para criar a profundidade máxima do quadro. Então, para recapitular, a profundidade de negociação em suas composições pode transformar a tela bidimensional em uma experiência imersiva Há várias maneiras de criar profundidade, focando na criação de várias camadas incluindo elementos de primeiro plano, meio plano e plano de fundo Podemos criar uma separação mais distinta entre essas camadas ajustando nossa profundidade de campo Fazendo uso do contraste tanto na luminância quanto na cor. Usando ângulos de câmera dinâmicos para transformar essas linhas horizontais ou verticais em linhas diagonais, guiando o olhar do espectador mais profundamente na imagem E o mais prático, que é ajustar os elementos de composição dentro da moldura, separando-os uns dos outros, criando espaço físico E sempre considere a história que você está contando ao criar profundidade. Na próxima lição, darei uma grande dica que ajudará você a entender melhor como abordar a iluminação disponível 11. Como trabalhar com luz disponível: Há muitas situações em que você não tem tempo para configurar as luzes. Não é apropriado configurar luzes ou você simplesmente não tem acesso ao equipamento de iluminação. Mas tudo bem, porque nesta lição, vou te ensinar uma grande coisa que vai ajudá-lo a fazer o melhor uso do prazer que você tem disponível Então, qual é o truque? É iluminação de cima do palco. A iluminação do palco é originária do teatro. No teatro, a iluminação no palco se refere a qualquer locação no cenário, no E a iluminação externa pode aumentar o contraste em suas composições, criando mais definição e profundidade Para entender o upstage letting no contexto do cinema, precisamos primeiro examinar a linha A linha de ação é aquela linha invisível que conecta dois sujeitos. Então, neste exemplo, você pode ver que temos dois personagens em um sofá falando um com o outro E essa linha de ação é aquela linha imaginária que conecta a ação que está acontecendo entre eles, que é eles conversando um com o outro A linha de ação não se limita a dois personagens que podem estar entre realmente qualquer coisa. Então, quando você entende onde está a linha de ação, você pode determinar o melhor posicionamento para sua câmera em relação à sua fonte de luz principal. Então, neste exemplo aqui, onde você acha que seria o melhor posicionamento da câmera? Bem, primeiro, podemos identificar onde está a principal fonte de luz aqui. O nome mais técnico para essa fonte principal de luz é chamado de luz principal. E então determine onde está a linha de ação. Estou me engajando com este livro. Isso significaria que a linha de ação está entre mim e o livro. Então, na verdade, qualquer ângulo de câmera no lado oposto da luz principal e da linha de ação está usando a iluminação do palco Assim, podemos preencher vários ângulos de câmera no lado oposto da luz principal e a linha de ação utilizar iluminação no palco E a razão pela qual a iluminação externa é tão eficaz é porque ela aumenta o contraste dentro da imagem, criando uma forma e uma definição e separando o objeto do plano de fundo, essencialmente criando profundidade, transformando sua imagem 2D em imagem 3D Então você pode ver que a queda da luz vai do claro ao escuro Então, estamos essencialmente filmando no lado sombrio do meu rosto Outra forma de entender a iluminação externa é considerar o posicionamento da câmera em relação à luz das teclas O acesso da câmera ao objeto precisa ser perpendicular à luz principal ao acesso ao objeto para aumentar a forma da sombra Então você pode ver aqui que estamos mais uma vez filmando lado sombrio do meu rosto, trocando contraste, forma, definição e profundidade mais profundos Agora, se eu colocar minha câmera na mesma direção da luz principal no mesmo ângulo. Eles estão no mesmo eixo. Apontar a câmera e a iluminação na mesma direção nos dá uma luz mais plana e uniforme. Isso não significa necessariamente que esteja errado, é apenas diferente. E isso ajuda você a entender quais técnicas você precisa empregar para criar mais definição na forma ou recuar e criar uma luz ainda mais plana Normalmente, porém, deixar o palco melhor e parece mais, como dizem as pessoas, Devo observar que, neste exemplo, nosso plano de fundo também está ajudando a criar esse contraste. Portanto, ainda temos um pouco de profundidade aqui. Na verdade, qualquer ângulo no lado oposto da fonte de luz principal ajudará você a criar mais profundidade em suas composições. Então, em outras palavras, se o eixo do assunto da covardia alinhar com a luz chave para o eixo do assunto, obtemos essa Luz plana E à medida que começamos a mover a luz principal para o eixo do objeto perpendicular à câmera ao eixo do objeto , obtemos mais definição, mais profundidade e mais contraste Assim, com esse conhecimento, você pode controlar a quantidade de contraste, definição e profundidade em suas fotos e usar a luz disponível da maneira que melhor se adequa ao seu projeto. Talvez você não queira uma iluminação dramática para um vídeo de treinamento corporativo, mas para um curta-metragem dramático, isso pode fazer sentido. Então, um ótimo exercício aqui é simplesmente prestar atenção aos filmes e à televisão que você está assistindo. Considere de onde vem a principal fonte de luz em relação aos atores e à câmera na cena. E é provável que a maioria, se não todas as fotos, apresentem o eixo das luzes das teclas perpendicular ao eixo da câmera E observe, com um conteúdo mais dramático, como a iluminação pode se mover ainda mais para cima do palco Também é altamente recomendável pegar uma amiga e sair e testar esses métodos por si mesmo ou filmar a si mesma como eu fiz E testando esses métodos. Veja suas fotos e anote a posição da luz da tecla em relação à câmera. O que você acha que prefere para o conceito em que está trabalhando? Então, para recapitular, uma das melhores e mais fáceis maneiras de aumentar o nível de iluminação é filmar com a luz da chave E no contexto do cinema, isso significa que você está filmando no lado oposto da luz principal, ou da fonte principal de luz e da linha de ação Lembre-se de que a linha de ação é aquela linha invisível que conecta a ação que ocorre dentro da cena. Filmar no lado da linha de ação em que a luz principal está posicionada resultará em uma luz mais plana e uniforme. Uma maneira mais simplificada de controlar a quantidade de contraste, definição e profundidade em controlar a quantidade de contraste, definição e profundidade em suas imagens é considerar o eixo da câmera em relação ao eixo do objeto das luzes principais. Manter esses eixos perpendiculares Ao colocar esses dois eixos na mesma direção ou paralelamente um ao outro, obtemos uma imagem mais plana e uniforme 12. Considerações finais: Parabéns por concluir a aula, e espero que você tenha achado essa aula útil para reunir todas as aulas. Aqui está uma recapitulação final. Quando contar uma história por meio seus recursos visuais é importante se perguntar: o que essa foto comunica E, claro, qual é a sua intenção por trás da foto em si? Você está tentando fornecer contexto, revelar traços de caráter interessantes, comunicar temas maiores. Tentei ser o mais específico possível. Depois de saber o que está procurando, é hora de identificar os pontos de interesse em sua composição. Onde você espera que o espectador olhe? Pense em organizar os elementos de composição em seu quadro. Falamos sobre o raciocínio por trás da regra dos terços e da grade Phi ou da E essas grades podem ser úteis na criação organização e hierarquia para suas Mas, o mais importante, considere como o Balance pode contribuir para harmonizar sua imagem ou aumentar os níveis de tensão E não se esqueça de criar profundidade em suas imagens Transformando o 2D em 3D. Se seu público sentir que está em cena, como se estivesse lá, isso pode ajudar a suspender sua descrença E você também pode usar a luz disponível para ajudar a aumentar essa profundidade, aumentando a definição e o contraste, criando uma aparência cinematográfica E lembre-se de que a prática progride. Divirta-se, experimente e revise suas filmagens ou imagens posteriormente, analisando como as composições que você criou podem contar uma história Estou ansioso por projetos de classe sênior. E lembre-se de que isso não precisa ser muito sofisticado ou complexo Você pode simplesmente enviar uma foto que você tirou com seu telefone. Claro, se você quiser criar um projeto mais complexo com uma sequência de cenas ou um curta-metragem ou qualquer outra coisa. Eu encorajo você a fazer isso também. E darei o melhor feedback construtivo possível. Se você ainda não fez isso, siga meu perfil para novas aulas, atualizações e brindes ocasionais E, por favor, deixe um comentário ou feedback, pois isso me ajuda a melhorar meu ofício e a atendê-lo melhor. Obrigado novamente por participar da aula. E lembre-se, a história é o seu guia