Técnicas de edição de vídeo: um guia prático para a criação de edições visualmente atraentes

1. Introdução do curso! Vamos lá!: Como editores de vídeo, parte do nosso trabalho é criar uma edição invisível, uma experiência de visualização suave e perfeita que ajude a comunicar uma ideia, uma história, vender um produto ou promover a marca. Tudo isso enquanto se conecta emocionalmente a um público. Como exatamente fazemos isso com sucesso? Oi, sou Sean Dykink. Vivo em Vancouver, Canadá e faço vídeos há pouco mais de 10 anos. Edição de vídeo sempre foi algo que eu gravitei. Quando comecei, não sabia por que fazia certas escolhas de edição. Mas, eventualmente, eu soube, após tentativa e erro, que eles funcionavam. Mal sabia eu que estava usando técnicas de edição de vídeo. Se você luta com o PORQUÊ por trás se a edição é boa ou ruim, não procure mais. Estou aqui para ensinar técnicas de edição de vídeo para uma edição bem-sucedida. Obtenha uma compreensão de como a história molda uma edição. aprender técnicas de edição de áudio para edições de som perfeitas. Aprenda técnicas de edição de vídeo que conectam emocionalmente o público à sua história. Faremos tudo isso criando um trailer de vídeo de 30 segundos. Você terá toneladas de filmagens para escolher. Você tem criatividade infinita em como você escolhe contar a história. Se você tem um projeto em que está trabalhando no momento, eu o encorajo a abrir também esse projeto e aplicar o que você aprende à medida que avança. Concluir este curso ajudará você a abordar qualquer edição com mais confiança. Você receberá um backup com um maior conhecimento de técnicas de edição de vídeo para ajudar a aprimorar seu processo de tomada de decisões e habilidades críticas de resolução de problemas. Esta aula é para iniciantes e intermediários. Recomenda-se que você tenha algum conhecimento de como usar um programa de edição de vídeo escolhido. No entanto, há muitas técnicas de edição de vídeo exploradas que não exigem que você acompanhe o projeto de classe. Para intermediários, talvez você já saiba como usar um programa de edição. Você gostaria de aprimorar seus conhecimentos sobre técnicas de edição de vídeo. Talvez você esteja ciente de alguns deles, mas está aberto a vê-los de uma nova perspectiva. Vou usar o Premiere Pro para demonstrar essas técnicas e recomendar o uso deste programa. No entanto, estas são grandes ideias que se aplicam a qualquer programa de edição em qualquer projeto em que você esteja trabalhando. Não seja tímido se preferir usar outro programa. Vamos dar um impulso à sua edição com este Guia Prático sobre técnicas de edição de vídeo. Clique na lição. O próximo... É só que... Algures lá em baixo. Vá em frente. Certo, você ainda está aqui. Bem, o que você está esperando? Basta clicar na lição. Vamos lá. Ok. Vou sentar aqui, então. Tenho o dia todo. Ok. Não tenho o dia todo. Basta clicar na lição abaixo. 2. Projeto de classe: Estou muito entusiasmado por teres escolhido juntar-se a mim nesta aula. Vamos começar com nosso projeto de classe, que é um trailer de vídeo musical de 30 segundos. Isto é de um projeto que eu filmei e editei. O que é ótimo sobre este projeto ou qualquer vídeo musical realmente, é que você já tem o conteúdo. Você tem a música, que é a história, que guia a maioria de nossas decisões de edição. Outra grande coisa sobre os vídeos musicais é que o ritmo já está lá. Você tem a música, então vai ajudar a informar sua tomada de decisão na edição. Vá em frente e baixe os clipes, dê uma olhada neles, revise-os, se você tiver alguma idéia, que está despertando sua imaginação de como você pode editar isso, anote. Provavelmente vai evoluir, provavelmente vai mudar. Isso faz parte do processo. Esteja disposto a estar aberto a mudanças criativas. Sempre pergunte a si mesmo, e se eu tentasse isso? E se eu tentasse isso? Não fique preso em uma maneira de pensar. Se você tem idéias, teste-as. Se você receber feedback que muda essas ideias, deixe que as mude. Mantenha-se aberto ao processo. Se você puder estar aberto a essas mudanças, vai tornar seu trabalho muito mais fácil. À medida que nossas habilidades evoluem, nosso gosto evolui e nossas edições vão mudar. Se você estiver usando o Premiere Pro, sinta-se à vontade para baixar os arquivos do projeto também. Recomendaria que você use o Premiere Pro porque eu o estou usando para essa classe. Mas se você preferir usar um programa diferente e um programa melhor e diferente, use esse programa. Vai ser menos cortado aqui, fazer isso, fazer aquilo, embora haja um pouco disso. A maior parte serão grandes idéias que você pode aplicar a qualquer projeto e qualquer programa em que você está trabalhando. Dito isto, encorajo-te, se tiveres outro projecto em que estás a trabalhar, talvez para um cliente, um amigo ou um projecto pessoal, trabalhar nesse projecto. Se você está se sentindo ambicioso, assuma seu projeto pessoal e enfrente o trailer de videoclipes e, no final da aula, publique ambos para feedback. Meu objetivo é ensinar-lhe a técnica de edição de vídeo, que você possa aplicá-la ao seu próprio processo de trabalho, a qualquer projeto ou programa em que você trabalha. Então, com isso dito, vamos começar. 3. Configure a base para sua edição usando a história: Quando você começa a editar um projeto, pode ser muito intimidante saber por onde começar. É aí que a história do seu projeto entra em jogo e ajuda a orientar suas decisões de edição no início. Nesta lição, vamos aprender que história estamos contando e por quê. Se você sabe que história você está contando e por que você está contando, ele irá ajudá-lo imensamente quando você está editando o projeto. Uma História tem um começo, um meio e um fim, e tem a capacidade de se conectar com um público emocionalmente. O que eu gosto de fazer é descrever em uma frase ou duas histórias que estou tentando contar com as imagens que tenho. Isso me ajuda a manter o foco na minha tarefa, para evitar perder tempo e para me comunicar de forma eficaz. Eu também identifico o começo, o meio e o fim da história, e onde certos elementos da história podem se encaixar nessa história. Isso me ajuda a organizar meus clipes, e vai me ajudar a colocar para fora em montagem ou edição áspera muito rapidamente. Com este projeto de videoclipe, já temos a história, que é a música. A história para este projeto foi uma menina dança no centro das atenções. Este é também o ponto de partida da nossa aventura na sala padrão de estúdio de caixa preta. Enquanto ela explora o seu mundo exterior ou os locais alternativos, e também o meio da nossa história. Ela começa a deixar seu mundo interior assumir mais, o que é mostrado pelo pano de fundo vermelho. O pano de fundo vermelho foi usado para significar seu mundo interior, que é mais sedutor e assertivo. Esse pano de fundo vermelho assume mais e seu personagem muda, e esse é o fim da história. No trailer de vídeo de música, você está contando a mesma história, mas em um formato condensado. Para contar essa história condensada, começamos com o estúdio da caixa preta, então passamos para a fase de exploração, que é vários locais. Como seu personagem está realmente mudando à medida que ela descobre seu mundo interior, podemos movê-la nos cenários vermelhos lentamente e, eventualmente, deixá-la assumir o quadro e obter os momentos de fundo vermelho mais intensos, como a câmera lenta. Lembre-se, esta é apenas a primeira edição. Estamos seguindo a estrutura áspera dos elementos da história. Como editores, você tem sua própria visão única de como a história deve ser contada. Você pode reorganizar esses elementos de acordo. A ideia aqui é não acertar. Reorganize esses elementos da história para o que você acha que a história é ou poderia ser. A idéia aqui é apenas para chegar a sua própria interpretação do que é a história para que você tenha um framework para orientar suas escolhas de edição. Agora que você entende qual é a história, é hora de identificar os objetivos e o objetivo geral do projeto. Por que está contando a história? O que você está tentando dizer com isso? Você está tentando influenciar as pessoas a ficarem saudáveis, a comprar um produto, a subscrever? Talvez esteja tentando conseguir doações. Seja o que for, precisamos identificar qual é o objetivo para que possamos criar objetivos para chegar a esse objetivo. Quando se tratava deste vídeo musical, queríamos que o espectador se interessasse pela música e, eventualmente, seguisse o artista, e tentamos definir objetivos menores para atingir esse objetivo geral. Por exemplo, queríamos animar o público. Queríamos que o público fosse hipnotizado por todos os locais da dança. Também queríamos manter a atenção deles. Queríamos apresentar os artistas, mas não queríamos que isso dominasse o vídeo e nos sentisse como uma peça de performance exclusivamente. Cada um destes objectivos aponta, de alguma forma, para o nosso objectivo global. O objetivo geral e os objetivos nos ajudam a determinar nossas decisões de edição. Vamos voltar a esses objetivos. Queríamos animar as pessoas. Então usamos cortes mais rápidos. Queríamos que as pessoas se sentissem hipnotizadas e cativadas pela dança e pelos locais, então usamos cortes de correspondência para ajudar o espectador a saltar de uma imagem para a outra rapidamente. Quase parece um pouco o mágico porque o corpo está fluindo de um local para o outro. Nesta lição, identificamos qual é a história que estamos contando e por que estamos contando com nossos objetivos e nosso objetivo. Como editores, todos temos diferentes perspectivas criativas. Portanto, não tenha medo de contar a história à sua maneira. Da próxima vez que você assistir a um show ou comercial, ou qualquer outra coisa, tente identificar qual é a história e qual é o propósito da história. Estão a tentar vender-te um produto? Eles estão tentando fazer você mudar de idéia sobre alguma coisa? Pense nessas coisas. Já que este é um videoclipe, vamos editar a música primeiro. Na próxima lição, vamos escolher as partes da música que melhor servem a nossa história. 4. Como editar a música para servir a história: Nesta lição, vamos editar nossa música em um formato de trailer de vídeo de música condensado. Uma vez que a música conta uma história de um projeto, vai começar com a edição de música primeiro. Sabemos qual é a história para o videoclipe completo. Continua a ser o mesmo para este trailer. O objetivo é semelhante ao vídeo completo, mas o objetivo geral será um pouco diferente. Queremos que o público se interesse em assistir ao vídeo completo após a música e, da mesma forma, conferir o resto do trabalho do artista. A edição também será usada nas redes sociais. Um pedaço mais curto é o que pretendemos. Tudo bem, então vamos começar estabelecendo a faixa de áudio. Vamos também abrir suas formas de onda para que você possa ver o que está editando. É uma ótima representação visual da música. Normalmente eu descobriria qual é a melhor parte da pista? O que conta uma história da faixa o melhor? Então eu vou descobrir como acabar com isso para que possamos cortar este trailer para cerca de 30 segundos ou mais. Eles geralmente exigem cortar duas seções da mesma faixa em conjunto. Fazemos isso para que nosso projeto permaneça coerente, para que possamos escolher as melhores partes da música. Isso tornará a peça mais curta e poderemos ter mais flexibilidade em quais partes da música queremos escolher o destaque. Isto é o que eu pousei bem aqui. Faça um corte aqui às 55:22. O que eu gosto nesta parte da faixa é que ela conta uma história da música e das letras, e começa devagar. Temos um pouco de acumulação e, em seguida, cai a batida. Há alguns picos e vales já na canção. Você sempre quer pensar em como levar seu público em uma jornada do ponto A para B, nunca é uma batida estática. Tem altos e baixos, ritmo rápido, ritmo lento. Você quer escolher partes únicas interessantes da música e lembre-se sempre de estar contando a história ao mesmo tempo. Agora a batida cai e então a música continua assim por um tempo agora, então queremos cortar para outra coisa. Vamos continuar jogando para ver onde queremos acabar com isso. Tudo bem, então vamos em frente e terminar esta parte da pista aqui. Se você fosse para o final da música só para entreter a idéia como talvez nós queiramos terminar no final da música. Aqui está o fim da música, e quer saber? Às vezes, em uma edição, eu tento incorporar o final ou o final verdadeiro da música na edição da música. Mas neste caso eu sinto como se a música mergulhasse em energia, e para mim não parece que deveria terminar energicamente para baixo. Se isso faz algum sentido. Quero que o público saia animado, cheio de energia. Lembre-se, queremos que o público seja animado depois que assistirem isso. Queremos terminar com uma nota energeticamente alta, tão cheia de energia. Encontrei esta parte da canção às 1:27:22. A razão pela qual eu gosto disso é porque há muitos sons interessantes acontecendo, a faixa muda de tom e também conta a história, eu só quero vê-lo brilhar bebê. Parece engraçado com a música vindo da minha boca. Gosto de como DJ termina esta parte da música, dizendo “vá”. É quase como uma chamada à ação como ir, ir assistir o vídeo completo. Você pode pensar que estou investigando isso demais, mas estamos aqui para espalhar pequenos detalhes onde pudermos e justificar a história que estamos contando para cada um deles. Há muitas opções para escolher. Isso é o que eu escolhi e isso é o que eu acho que funcionou bem, mas você provavelmente tem uma idéia diferente. Todo mundo tem idéias diferentes, então vá em frente. Tente algo diferente. Agora, eu vou pegar as porções que decidimos que queríamos manter. Vamos etiquetá-los para que possamos ver e vamos apagar o resto do clipe. Agora vamos ouvir este corte juntos e isso acaba deixando nosso áudio completo para o trailer para cerca de 33 segundos, que é um ótimo começo. Agora é hora de uma recapitulação do que aprendemos nesta lição. Escolha a parte da música que conta uma história do melhor. Não se esqueça dos pequenos detalhes, eles adicionam significado à sua edição. Quando você pode encontrar significado nos pequenos detalhes, a edição mais matizada será. Vai torná-lo mais interessante. Os pequenos detalhes adicionam cor ao seu trabalho. Mesmo que o público não perceba todos esses pequenos detalhes, há algo a ser dito sobre como encaramos as coisas em um nível subconsciente. Leve o público em uma jornada. Qualquer edição em que você está trabalhando precisa ter um começo, meio e final interessante e emocionante com muitos picos, muitos vales, muitas reviravoltas e reviravoltas sempre mantém seu público adivinhando para onde vai editar. Neste caso, escolhemos parte. 5. Como conectar faixas de música usando o ritmo: Nesta lição, vou ensiná-los a conectar duas seções separadas de nossa música usando ritmo. Precisamos fazer isso para que nossa música soe como uma faixa unificada. Você se lembra de uma escola primária? Na aula de música, seu professor lhe ensinaria tempo de música usando palmas e ensinou ta, ta, tt, ta. Eu me lembro disso, e isso me ensinou muito sobre como contar uma batida de música, e nós vamos essencialmente usar as mesmas técnicas que eles nos ensinaram na aula de música agora. Agora, vamos dar uma olhada na música e começar a contar a batida. Vou clicar duas vezes na linha do tempo para vermos o que está acontecendo. Bem, até abrir a onda se forma um pouco mais. Agora, vamos ouvir a faixa e tentar identificar a batida. Boom, boom, boom. Tudo pronto naturalmente você vai ser capaz de pegar a batida. A próxima coisa a fazer seria contar a batida, 1 e 2 e 3 e 4 e 1 e 2 e 3 e 4 então há quatro batidas por medida. Vamos jogar novamente e eu vou mostrar-lhe 1 e 2 e 3 e 4 e 1 e 2 e 3 e 4 e 1 e 2, e você pode descobrir a primeira batida, a segunda e a terceira batida, a quarta batida de cada medida. Isso vai ser extremamente útil quando você está tentando cortar música e cortar várias partes da mesma faixa juntos. Outra ótima maneira de marcar a batida é adicionar marcadores a cada quarto de nota e até mesmo a cada oitava nota. Então vamos clicar no clipe e contar a batida com marcadores 1 e 2 e 3 e 4 e 1 e 2 e 3 e 4 e 1 e assim você começa o ponto. Vamos contar o fim da pista aqui, 1 e 2 e 3 e 4 e 1 e 2 e 3 e 4 e 1. Está bem. Agora, vamos contar a segunda parte da pista. Vamos apenas estender isso um pouco para termos alguns lead up, 1 e 2 e 3 e 4 e 1 e 2 e 3. Ok, bom. Temos as partes que queremos conectar à batida. A batida é mapeada com os marcadores, vamos descobrir isso aqui. Vamos estender isso, Oh, eu perdi uma batida, lá vamos nós. Você tem que sentir a música, então esta é a batida que queremos terminar aqui. Você pode ver a batida com a forma de onda aqui. Estamos terminando este clipe bem no início desta batida, e esta também é a batida 1. Esta parte da pista também é bater um, 1 e 2 e 3 e você quer combinar a batida de cada faixa juntos. Bater um de cada faixa vai juntos, bater dois de cada faixa vai juntos, e assim por diante e assim por diante. Vamos juntar essas primeiras batidas, ele precisa de algum trabalho, e sua última letra está cortada. Se movermos este clipe para baixo e vamos estender isto, vamos apenas ouvir isto sozinho. Ainda vai voar, ele diz que queremos que isso se desvie um pouco. Você podia ouvi-lo respirar, então vamos puxar para trás um pouco. Vamos dar uma escuta, isso chega um pouco mais cedo. Vamos empurrar o clipe sobre um quadro. Sim, isso soa muito melhor, significa que isso só leva tempo e prática para obter o momento certo. Você pode até precisar de alguém para ouvir e dizer, ei, isso está parecendo certo. Haverá momentos em que você juntou algo e vai soar bem no momento e no dia seguinte você vai ficar tipo, o que eu estava pensando? Isso é totalmente bom, é apenas parte do processo. Vamos ouvir isso de novo. Isso se conecta muito bem, ainda precisa de algum trabalho, mas está soando muito bom, e aqui está a recapitulação. Use marcadores para mapear a batida das faixas de música. Quando você estiver cortando duas partes separadas da mesma faixa juntas, certifique-se de que você está cortando a primeira batida, a segunda batida, a terceira ou a quarta batida de cada faixa para que a música se corte perfeitamente e, em seguida, a música flui no momento certo. Abra esse áudio para que você possa ver as formas de onda, é uma representação visual da batida e torna muito mais fácil ao editar áudio. Se você não terminou tudo no áudio, vá em frente e faça isso agora, e eu te vejo na próxima lição. Onde vamos aprender a editar nosso áudio no ponto zero. 6. Como editar áudios no ponto zero: Nesta lição, vamos suavizar a música e falar sobre por que você pode estar experimentando cliques e pops em seu áudio. Vamos começar com esta técnica de edição de áudio. Sempre adicione fades em todo o seu áudio. Deixe-me explicar o porquê. Cada faixa de áudio tem o que são chamados de amostras, e essas amostras parecem ondas. Estas ondas ascendem e descem além do ponto zero, que está localizado aqui. Agora, se você cortasse este áudio no topo da onda aqui e tocasse de volta, você teria um pop no áudio. Se você cortasse o ponto zero ou o ponto onde a onda está no centro, você não ouvirá o estouro. Agora vou mostrar-lhe como adicionar fades ao seu áudio em um piscar de olhos. Configure minhas transições de áudio para serem duas dissolvidas de quadros e, no Premiere, você faria isso acessando Editar, Preferências, Linha do tempo. Então você pode ver aqui, Audio Transition Padrão Duração. Eu defino para dois quadros, clique em “Ok” e, em seguida, eu preciso configurar minha tecla de atalho, que eu tenha acesso rápido a essa transição de áudio padrão. Então vá para Editar, Atalhos de Teclado e digite na barra de pesquisa aqui, Aplicar Transição de Áudio. Você pode ver aqui que eu defini minha tecla de atalho para Y, o que você quiser, apenas certifique-se de configurá-lo porque você vai usar isso muito. Clique em “Ok”. Isso nos permitirá adicionar dissolução de áudio rapidamente a todo o nosso áudio. Em qualquer projeto em que você estiver trabalhando, basta selecionar tudo, pressionar a tecla de atalho para a transição de áudio padrão e, em seguida, você receberá transições de áudio em cada parte do áudio muito rapidamente. É ótimo para evitar o áudio e suavizar seu áudio muito rapidamente. Vamos dar uma escuta. Já está soando mais suave, mas ainda podemos ajustar o áudio daqui. Agora podemos entrar e estender são através de resolves, para obter o som que queremos. Então, o que eu estou procurando aqui, vamos sozinho. Eu quero tirar o fôlego dele, porque você pode ouvir que ele ainda está respirando um pouco. Mas eu também quero fazer com que pareça que este clipe está terminando o mais suavemente possível. Então eu poderia até movê-lo um pouco para trás. Talvez eu faça isso, abaixe um pouco. Sim, estou bem com isso. Então eu vou somar meu próximo clipe e ver se isso soa bem. Acho que cortei a palavra dele um pouco aqui, então vamos puxar um pouco para trás. Vamos puxar para trás um pouco mais. Então estamos recebendo a palavra toda lá agora, mas eu ainda sinto que poderia suavizar um pouco mais, então vamos tentar isso. Vamos tentar puxar para trás um pouco mais. Sim, isso soa bem, eu acho. Vamos soltar nossa segunda faixa de áudio e ouvir toda a peça. Sim, legal. Nesta lição, aprendemos a importância de usar fades em todo o nosso áudio, garantindo que estamos sempre editando no ponto zero para evitar cliques ou pops. Lembre-se também de definir sua tecla de atalho de transição de áudio padrão para que você possa adicionar transições muito rapidamente.Junte-se a mim na próxima lição onde vamos aprender sobre reverberação e sua flexibilidade na edição de áudio. 7. Reverb para edição de música flexível: Agora temos este final. Simplesmente não está funcionando. Nosso final ainda parece difícil. Por que eu escolhi terminar com essa batida? Bem, novamente, está cheio de energia e mantém a nossa peça geral curta e ágil. Mesmo que pareça um pequeno detalhe, eu acredito que [inaudível] em nossos objetivos e objetivo geral. Uma maneira de lidar com o final estranho é adicionar reverberação ao final da nossa pista. Vai ajudar a música a sentir-se mais conclusiva e quase como se fosse um final natural para a música. Vamos encontrar a parte onde queremos reverberar, que será o fim do nosso clipe. Vamos dar uma escuta. Quando o DJ disser “Vai”, acabamos por aí. Basta ajustar isso um pouco. Bom. Isso vai soar bem. Agora vamos selecionar essa parte do clipe, copiar colar e colocá-lo na faixa três. Agora clique na janela, Mixer da faixa de áudio para abrir a janela do mixer da faixa de áudio. Áudio um, dois e três corresponde à faixa um, dois e três na nossa linha do tempo. No Premiere, adiciono a reverberação ao mixer da faixa de áudio. Desta forma, eu só preciso criar meus parâmetros uma vez, e qualquer áudio, nesta faixa específica, tem esses mesmos filtros aplicados. Clique neste triângulo e clique em Reverb, Studio Reverb e, em seguida, Editar Efeitos. Agora eu não vou entrar em um monte de detalhes sobre como editar esses efeitos porque isso poderia ser um vídeo inteiro em si mesmo. Além disso, não tenho experiência, só sei como fazer soar bem com experimentação. Agora clique em Predefinições. Vamos ao Great Hall. Queremos muita reverberação para fazê-la soar bem. Vamos fazer o tamanho da sala 100, por isso é bom e grande; adicione algumas reflexões iniciais ao áudio, aumente a largura. Queremos torná-lo o mais grande e florescente possível. Vamos reduzir a mistura seca para zero por cento e aumentar a mistura molhada até 100 por cento, que não ouçamos nenhum áudio original, e estamos apenas ouvindo os efeitos do filtro aplicado. Agora a cabeça de jogo está parando nesta parte porque ele acha que este é o fim do projeto, mesmo que nós temos reverb aplicado a isso. Queremos ouvir a reverberação, então vamos duplicar o clipe inferior, arrastá-lo para cima, e isso se tornará o novo final do projeto. Isso será apenas uma correção temporária para que possamos ouvir nossa reverberação tocar. Isso é bastante florescente. Vamos fazer mais alguns ajustes. Vá em frente e adicione o máximo ou o mínimo de reverberação que você gostaria, apenas certifique-se de que soa conclusivo. Se preferir copiar o que estou fazendo aqui, tudo bem. Aqui estão os parâmetros. Agora eu ainda acho que esta parte duplicada do clipe inclui muito do áudio antes de DJ dizer “Go”, então eu vou cortar isso e adicionar uma transição de áudio. Usar reverberação é uma ótima maneira de terminar [inaudível] quando você não tem um final natural para uma música ou se preferimos uma parte diferente da música. Vá em frente e termine a edição da reverberação. Na próxima lição, aprenderemos como você pode usar a música para sinalizar seu público. 8. Como dar dicas ao seu público com música: Na última lição, usamos reverb para unificar nossa pista e terminá-la em um lugar estranho. Nós também, involuntariamente, induzimos o público com a reverberação. Nesta lição, vou falar sobre esse conceito e os benefícios de usar essa técnica. Vamos olhar para o final do trailer de vídeo de música editado. Nesse caso, a reverberação sinaliza o fim do vídeo. Amplifica e traz foco para o texto. Tudo o que você vê na tela são as palavras, fora agora. Se acha que estou exagerando, tudo bem, mas vamos dar uma olhada no final do vídeo com a música desvanecendo. Isso funciona bem à sua maneira, mas não traz tanto foco para o texto, o que apoia nosso objetivo geral. dicas musicais também são uma ótima maneira de sinalizar mudanças de humor, passar de feliz para triste, ou passar de uma ideia para outra, ou mesmo de uma música para outra. Aqui está um exemplo da minha introdução do Skillshare. Ouça uma história para vender um produto ou para promover a marca. Como exatamente fazemos isso com sucesso? Você pode ver aqui que eu começo sério e então a música reverbe para fora e transições para um humor diferente, uma idéia diferente, um novo pensamento e, em seguida , a música chuta de volta para introduzir o título do vídeo. A idéia aqui é que a música está sinalizando o público com reverberação para indicar uma mudança de humor ou uma nova idéia. Isso ajuda o público a entrar em um novo humor, facilitar uma nova idéia. Eu fiz isso novamente no final do vídeo para melhorar a comédia da situação. Em técnicas de edição de vídeo. Clique na lição. O próximo, está em algum lugar lá embaixo. Vá em frente. O som reverbe para fora adicionando ênfase ao ruído da sala e ao constrangimento de sentar sozinho em silêncio. A música começa novamente para fazer o público pensar que vou ficar sentado lá o dia todo. Ok. Vou sentar aqui, então. Tenho o dia todo. A música leva o público a acreditar que um novo pensamento ou idéia está acontecendo e isso faz você pensar, há mais neste vídeo? Ok, eu não tenho o dia todo. Basta clicar na lição abaixo. Mas, claro, eu desligo o vídeo, a música reverbe e é engraçado porque, eu engano o público a pensar que o vídeo vai durar para sempre. Pelo menos, talvez, um pouco do público. Use música em seu vídeo para sinalizar um público de uma nova ideia, um novo pensamento, um novo humor. As dicas de música podem ajudar a destacar a estrutura da sua edição e facilitar o acompanhamento. Você pode ser tão óbvio ou sutil quanto gostaria ao editar sua música. Lembre-se, a música serve a sua história. Vá em frente e termine de finalizar esse áudio e na próxima lição, falaremos sobre os diferentes tipos de edições de vídeo. 9. Edições de vídeo parte 1: Nesta lição, vamos começar a discutir edições de vídeo. Compreender quando e por que você usaria determinadas edições irá ajudá-lo durante todo o processo de edição. As edições de vídeo são como magia. Eles podem esconder erros, fazer você se sentir de uma certa maneira sobre uma pessoa, produto ou coisa. Ajudam a reestruturar histórias e avançam as histórias. Eu vou soar como um disco quebrado aqui. Usamos edições de vídeo para contar uma história e mover o espectador emocionalmente. Contar histórias poderosas pode criar uma forte resposta emocional e fazer com que o espectador se inspire a aprender algo novo, ser compelido a mudar de alguma forma ou compelido a fazer algo. Nossas histórias podem mudar as pessoas, é por isso que vale a pena contar. A razão pela qual escolhemos algumas edições em vez de outras é para servir o propósito da história. Dito isto, na maioria das vezes queremos criar uma edição invisível, que nosso público possa ser imerso na emoção da história e não retirado da história por edições chocantes. Com isso dito, vamos entrar nisso. O corte padrão. Este corte é exatamente o que parece. É só um corte de um tiro para outro. É ótimo para fazer avançar a história e revelar novas informações mostrando uma nova perspectiva. Cortando em ação. O que estamos fazendo aqui é cortar de um tiro para outro, enquanto um sujeito está em movimento. O movimento do personagem ou objeto faz com que o espectador se concentre e siga o movimento, tornando a edição menos irritante. Você pode cortar pequenas ações também. Vários desses cortes estão cortando a ação e essencialmente é o personagem. Atraia o público mais fundo na história. O salto cortado. O corte de salto é quando cortamos de uma parte de um clipe para outra parte do mesmo clipe, portanto saltar cortar. Você também pode cortar de um tiro para outro que seja de um ângulo semelhante para obter o mesmo efeito. É uma ótima maneira de cortar em ação rapidamente para mostrar a passagem do tempo, essa conveniência e energia para uma cena. Ele também pode ser usado para destacar a realidade emocional de um personagem, como fazer aquela ansiedade induzindo telefonema ou ter um colapso mental. Isso é freqüentemente usado em filmes de ação e pode ser muito sutil. Os cortes de salto ajudam a trazer um fluxo para a ação e também enfatiza a violência da cena. Remapeamento de tempo. O mapeamento oportuno é quando você acelera ou diminui a velocidade de um tiro. Acelerar um tiro em uma edição é uma ótima maneira de esconder um corte. Ao diminuir a velocidade no tiro acelerado, ele cria mais ênfase no tiro que você escolhe para diminuir a velocidade, permitindo que você veja uma cena ou objeto em detalhes. Você também pode acelerar um tiro para chegar rapidamente à próxima ação na sequência. Às vezes, esse efeito, combinado com cortes de salto, pode parecer um pouco antinatural e fazer o personagem parecer sobre-humano. O corte J e L. Os cortes J e L são nomeados após a forma do corte apenas áudio e vídeo em sua linha do tempo. Elas são edições baseadas em áudio, o que significa que você ouve o áudio de um tiro, continua para a próxima foto ou ouve o áudio da próxima foto. antes de ver o vídeo. O corte J cria antecipação e é uma ótima maneira de fazer a transição de uma cena para outra. Temo que o que está descrevendo é esquizofrenia. Não, não é esquizofrenia. Talvez o mais importante, esta técnica chama a atenção para detalhes importantes da história, como nesta transição de cena onde o despertador de Neo da próxima cena é ouvido apitando antes de vê-lo. Ele mostra que Neo ainda está preso na matriz e precisa ser acordado para o mundo real. Com o corte L, o áudio de um clipe atual continua até o próximo clipe. É uma ótima maneira de mostrar o que um assunto está falando, mostrar visuais sobre seu diálogo. Isso é muito. Sim. Você não apenas imprimiu o tusa daquela coisa, nós imprimimos um monte de jóias. Como o corte J, o corte L também chama a atenção para detalhes importantes da história. Liguei para ela, e ela mudou de número, então fui até Anda Garty para comprar algo. Pensei em dar-lhe um Dia dos Namorados cedo. Ambos os cortes J e L são usados frequentemente quando dois personagens estão conversando um com o outro. Ele pode criar um fluxo contínuo para o diálogo. Espera, isto é real? Sim. Ok. Então espere, eu peço desculpas, ok? Tenho que ir estudar. A Monica. Sim. Sinto muito, falo sério. Quando cortes J e L não são usados em uma cena de diálogo, ele pode se sentir mais como uma transação ou impessoal. Você está duas horas atrasado. Eu sei, a culpa é minha. Tens o dinheiro? Dois mil. Como você pode ver, essas edições simples de vídeo podem ser usadas de várias maneiras para contar histórias eficazes. Voltaremos a mais edições de vídeo. Mas antes de fazer isso, vamos começar o aspecto visual do nosso projeto escolhendo seleções. 10. Como escolher seleções: A primeira parte do processo de qualquer edição é rever todas as imagens em sua totalidade e, em seguida, escolher as melhores partes desses clipes, que são chamados selects. Fazer isso nos dá uma visão panorâmica de quais clipes podem caber melhor na edição do projeto. Isso torna a quantidade de imagens muito mais gerenciável quando começamos a editar nosso projeto. De certa forma, escolher seleções é o início de nossa edição em bruto. Existem diferentes abordagens quando se trata de escolher seleções, o meu é simples. Começarei clicando e arrastando cada uma das minhas pastas de filmagem individuais para a sua própria sequência. Clique em cada pasta e arraste-a para baixo até o ícone de papel aqui. Ele criará uma nova sequência com todos os meus clipes na ordem em que eles estão organizados na pasta. A nova sequência pode ser encontrada na pasta que foi usada para criar a nova sequência. Vou renomear minhas sequências de seleções adicionando a palavra seleciona no final do título da sequência e, em seguida, movê-lo para a minha pasta de sequências. Eu assisto todas as filmagens e enquanto estou revisando as filmagens, se eu disser algo que eu gosto ou uma parte que eu acho que poderia contar bem a história, eu vou cortar essa parte fora e movê-la para a segunda faixa na minha linha do tempo. Todas as porções de copo acima serão minhas seleções, e todos os clipes abaixo são clipes que eu sei que provavelmente não usarei ou eles podem ser usados mais tarde para resolver um problema que eu possa estar tendo. Neste caso, a maioria das melhores tomadas já estão cortadas para você. Você pode ir em frente e escolher seleções das filmagens que não precisam ser sincronizadas com a música. Quando se trata das peças de performance e dança, elas precisam ser sincronizadas com a música. O que eu poderia sugerir para esses clipes é mantê-los como estão, tomar nota dos locais que você gostaria mais ou performances que você mais gosta. Mas, por enquanto, adiem a colocação e saída de pontos ou fazer cortes nas peças de performance e dança. Explicarei isso mais quando chegarmos à aula de edição aproximada. Vá em frente e crie suas sequências de seleções de suas filmagens, em seguida, percorra todas as filmagens que não precisam ser sincronizadas com a música e escolha seus seleções. Além disso, não se esqueça de tomar nota de suas fotos favoritas locais de dança e fotos de performance. Este processo tornará a edição muito mais fácil de gerenciar. Na próxima lição, vamos passar por mais edições de vídeo. 11. Edições de vídeo parte 2: Nesta lição, vamos explorar mais edições de vídeo. A montagem. A montagem é uma técnica onde uma série de tiros são cortados para mostrar um passar do tempo. Você pode mostrar a jornada de um personagem de um ponto para outro, ou para mostrar um personagem em mudança ao longo do tempo. Pode ser uma escolha estilística ou levar um ponto para casa. Existem muitas maneiras de usar a montagem. A cruz dissolve-se. A dissolução cruzada é usada principalmente para mostrar um passar do tempo. Muitos editores iniciantes usarão dissolução cruzada em cada edição. Não faça isso. Seja intencional com cada edição escolhida, fade in e out. Os feeds são normalmente usados para iniciar uma cena ou um filme e para encerrar uma cena ou um filme. Também é uma ótima opção para cortar para preto para terminar a cena e cortar de preto para começar uma cena. Cortes e inserções. Um corte é quando o editor corta para uma tomada que não pertence ao mesmo espaço ou tempo da cena atual. Por exemplo, isso pode ser um flashback ou foto de algo em que o personagem está pensando ou falando. Cutaways nos dão a capacidade de ver o mundo interior do personagem. Eles também podem ser usados para lembrar o público de peças importantes da história e criar significado. Uma inserção é quando você corta para outro tiro dentro do mesmo espaço e tempo da mesma cena. Pode ser algo com personagens segurando ou tiro mais detalhado de alguém completando uma ação. As inserções são uma ótima maneira de ajudar o público a entender a cena em geral, mostrando mais detalhes e informações. Inserções construir sobre o mundo da história, mostrando os detalhes intrincados da cena. Edição transversal e paralela. Corte transversal é quando o editor, cortes entre duas sequências separadas acontecendo ao mesmo tempo. Geralmente é usado para construir tensão em sequência, mas muitas vezes pode traçar paralelos entre as duas cenas. Como nesta cena de Snatch. Em uma sequência, temos dois cães perseguindo um coelho e então essa outra sequência acontecendo simultaneamente com dois capangas perseguindo Tyrone. Cortar fósforo. Um corte de partida é quando cortamos de um tiro para outro, onde ambos os tiros correspondem em composição ou ação. Em um videoclipe, confiamos fortemente em cortes de fósforos para misturar nossos locais, principalmente através da ação e colocação de nosso dançarino. Durante momentos de exploração de localização, temos uma noção dos personagens em sua maioria fundamentados e seus movimentos à medida que seus arredores mudam. Isso também permite mudanças rápidas de tiro porque o dançarino não se move da posição, tornando a edição mais fácil de seguir. O corte de correspondência também pode ser audível assim. Ou combinar uma palavra com a ação, como neste exemplo de Hot Fuzz. Não, quero dizer, qual deles você quer assistir primeiro? Você está puxando minha perna. [ Ruído]. O jogo corta pontes dois tiros juntos e pode criar significado. O corte invisível. O corte invisível é um corte mágico para mim e é tão satisfatório quando é feito corretamente. O corte invisível é invisível. Não é suposto veres onde está o corte. Isso permite uma longa aparência de tomadas e transições perfeitas entre cenas. Também pode ser usado para mostrar a passagem do tempo. Em filmes como Birdman e 1917. Eles mantêm a impressão de que estes são filmes de um take, mas eles estão cheios de cortes brilhantemente escondidos em todo o filme. Corte de esmagamento. É aqui que tenho divergências de opiniões. Eu realmente não acho que um corte de esmagamento é seu próprio corte. Isto está prestes a explodir. Eu acho que dependendo do contexto um corte Smash, pode ser apenas um corte regular ou um corte, ou uma inserção ou um corte de correspondência, deixe-me chamá-lo de técnica de esmagamento. Esta é uma técnica usada para ir de calma a intensa. Um coração humano é um mistério. Ou pretende chamá-los. Realmente, depende do contraste entre os dois tiros separados e onde você faz o ponto de corte. É abrupto e chama a sua atenção. Agora acabamos de passar por todas as edições de vídeo e é super emocionante ver como podemos aplicar essas ideias a qualquer edição em que estamos trabalhando. Lembre-se, cada corte que você faz é intencional. Ele deve servir a história, e o objetivo geral da história, e os objetivos que atingem esse objetivo. Agora vamos voltar ao nosso projeto principal e começar a nossa edição. 12. Como criar o copião do projeto: Agora é hora de começar em um corte áspero. Esta é uma parte muito importante do processo porque nos ajuda a ver nossas filmagens, cortadas em uma sequência lógica ou início, meio e fim. Isso nos dá um lugar para começar. Temos algo tangível com o qual podemos trabalhar. Na edição áspera, estamos simplesmente estabelecendo a estrutura da história. Lembre-se, na lição 1, discutimos a história deste projeto. Então temos um começo, um meio e um fim para guiar nossa edição. No início, nosso personagem principal começa no estúdio Black Box. Podemos começar com esse tiro. No meio, ela explora vários locais e descobre seu eu interior, que é representado pelo pano de fundo vermelho. Podemos ir a vários locais e depois piscar no fundo vermelho. Então, eventualmente, podemos usar uma câmera lenta para mostrar o eu interior e sua forma completa. Então, no final, ela encontra equilíbrio. Isso pode ser uma mistura de locais, o estúdio Black Box, talvez as peças de performance e todos os outros escritórios que temos todos em um. Esta é apenas uma idéia do que a estrutura áspera pode ser, mas é um processo simples passo a passo que é fácil de seguir. Quando eu começar a editar o projeto, vou configurar duas linhas de tempo separadas. Vou abrir as duas linhas do tempo ao mesmo tempo. O acima será o meu selects e o abaixo será a minha sequência principal. Quando você começar a editar sua primeira edição em bruto, clique e arraste o clipe inteiro para baixo até sua linha de tempo principal. Sincronize o clipe com a faixa de música. Todas as peças de performance e peças de dança são sincronizadas no ponto final com a música. Deve ser tão simples como clicar e arrastar para a linha do tempo. Depois que os clipes forem sincronizados, exclua a faixa de música do clipe, exclua as partes do clipe que você acha que não usará e repita o processo. Coloque as sobreposições em câmera lenta, elas não precisam estar sincronizadas. Podemos colocar esses clipes onde quisermos. Outra coisa a mencionar, também precisamos incluir o nome do artista, The Castons, o nome da faixa, Spotlight, e a dançarina em destaque, Joyce Nguyen. Você pode colocá-los no início do vídeo. Então, talvez, no final do vídeo, possamos incluir um apelo à ação, como sair agora ou o que você achar que soa bem. Não se sinta limitado a colocar esses elementos gráficos, se você tiver outras idéias de onde eles podem ir na linha do tempo, dê uma chance. Vá em frente e crie seus próprios elementos gráficos. Use animação, fontes diferentes ou você pode usar os arquivos PNG que incluí na pasta de ativos do projeto. Obter clipes na linha do tempo e obter um corte realmente áspero é uma boa maneira de começar com algo. É imperfeito, mas é um lugar para começar. Vá em frente e use o início, o meio e o fim da história como um mapa para definir seus clipes e elementos gráficos preferidos. Na próxima lição, vamos aprender sobre ritmo e ritmo. 13. Espaçamento e ritmo: Nesta lição, vamos falar sobre ritmo e ritmo. Como a música, as histórias que contamos na tela têm diferentes tempos, batidas e ritmo geral. Levam o espectador numa viagem. Vamos falar sobre essas idéias com mais detalhes. Primeiro. A estimulação. Ei! Ei! O ritmo é o momento dos cortes. Pode ser o comprimento de um tiro, como está indo? Bom. Obrigado, você? Bom. Bom. - Sim. Realmente bom. Bom. Pode ser o espaço entre o diálogo, ou o espaço mantido no momento antes de algo acontecer. Você está ótima. Obrigado. Pode ser lento em pontos ou rápido, ou em algum lugar no meio. Ritmo é o resultado do ritmo. Todos os diferentes cortes, batidas, momentos, espaços entre diálogo e ação, criam um ritmo geral para um vídeo. Passeio é como uma montanha-russa, você quer momentos de velocidade, emoção, energia. Você também quer momentos de antecipação lenta, tensão, um momento para respirar. ritmo pode ajudar o público a interpretar ou sentir momentos na história como se pretende. Pergunte a si mesmo isso. Para que é que esta história que estou a contar pede? O que é que esta cena pede? Você claramente quer que eu diga alguma coisa. Talvez estejamos tentando alcançar antecipação, intenção nas pausas. Eu só... Estamos à espera de uma resposta. Então não cortamos. Vou para a cama. O personagem fica com a resposta que ele não quer. Então não cortamos. Talvez seja uma discussão. O ritmo das edições imita o retorno e a frente do diálogo. Todo mundo sabia que você estava chateado. Sério, é assim que você quer começar essa conversa. Desculpe, gostaria que eu começasse a conversa? Nem se preocupe com isso. Certo. Para que você possa falar disso daqui a três meses. Você é um idiota às vezes. Oh, sou um idiota. Porque eu quero falar com você. Porque você sabe que eu não quero fazer isso agora e você não vai deixar pra lá. A história dita o ritmo. Um exemplo realmente bom de ritmo é do filme Baby Driver. O filme é fortemente influenciado por sua faixa musical e segue o ritmo da música. Tudo está maravilhosamente cronometrado, mas não ao ponto de previsibilidade. Há momentos de antecipação nas perseguições de carros com acúmulo lento, depois energia explosiva. Seu coração está batendo fora do seu peito da fuga milagrosa como o bebê puxa para um estacionamento seguro, somos recompensados com um tiro no escuro como uma pausa do ritmo bolhas, temos a chance de respirar, mas estamos ainda sentimos a tensão de saber que ainda não estamos a salvo da polícia depois da fuga. Se você quer ter uma boa sensação de ritmo e ritmo assista Baby Driver. Então, quais são algumas maneiras práticas de saber quando fazer um corte? Com um videoclipe, temos o ritmo de uma música para determinar o ritmo das edições. As oitavas notas, as notas de quarto, as notas de meia, as notas inteiras e medidas completas da música podem ser usadas para mapear cortes e nos dar uma variedade de links para nossa edição. Esta pode ser uma maneira de se aproximar do ritmo. Não estamos apenas cortando a batida. ritmo e o ritmo são muito baseados em sentir a edição também. Com edições baseadas em música, é muito mais fácil sentir o corte porque é semelhante a sentir a música. Mas quando se trata de cenas de diálogo ou cenas que não têm elementos que obviamente estão guiando o ritmo, poderia ser um processo mais intuitivo onde você precisa sentir o ritmo do diálogo da narração, ou a pessoa falando com a câmera. Uma maneira de fazer isso é simplesmente reproduzindo o clipe e em seguida, pressionando a barra de espaço para parar o clipe quando sinto que a edição deve ser feita. Vou continuar com este processo até que pareça certo. Você pode fazer uma pausa da cena e assistir novamente, percebendo que o ritmo ainda está fora, então você re cortar e repetir o processo até que pareça certo. Dito isto, outra técnica pode ser para uma cena sem música, você pode apenas adicionar música que se sinta adequada para a cena para inspirar uma compreensão diferente da cena e qual o seu ritmo pode ser, e experimentar e fazer edições informadas. O oposto também pode ser verdade. Ao desligar todo o seu áudio completamente, você não está usando dicas audíveis. Na verdade, você está usando o movimento dos atores ou a cena. O movimento de seus olhos, de suas mãos e talvez ainda mais sutis decisões instintivas que você pode tomar com base em se não for capaz de ouvir nada. Na verdade, a maioria da maneira que eu edito, mesmo com música e som habilitados, é olhar para os movimentos do ator ou o movimento da coisa ou uma câmera. Esses movimentos têm seu próprio ritmo e ritmo e podem sugerir possíveis pontos de corte. Eu também poderia empurrar um clipe ao redor, quadro a quadro e, em seguida, reproduzi-lo de volta até que pareça certo. Isso obviamente inclui muita experimentação e tentativa e erro. Isso pode ser super frustrante para alguns de vocês, mas é mais uma coisa de sentimento. Você pode ter que fazer uma pausa e re vê-lo, obter alguém para vê-lo para você e obter a sua sensação de, é o ritmo certo? Isso parece certo? Não há uma fórmula, então continue praticando. Então, para resumir esta lição, ritmo é o tempo de cortes e também o tempo de momentos entre ações e diálogo. Mesmo efeitos sonoros e efeitos visuais podem ser incluídos nisso. Ritmo é o resultado geral do ritmo, tudo isso requer prática. Volte para a edição e verifique o ritmo novamente. Sente-se bem? Ou pode esperar até chegarmos à última lição sobre refinar a edição. Antes de entrarmos nisso, vamos para a Lição 12. Rastro ocular. 14. Traço ocular: Ao editar uma história, queremos criar uma experiência visual suave para o público. Nesta lição, vamos falar sobre uma técnica chamada traço ocular, que faz exatamente isso. Ao assistir a um filme, nossos olhos são atraídos para partes específicas da imagem. Muito provavelmente é os olhos de um personagem, o movimento no quadro, ou talvez um objeto colorido. O traço ocular é uma técnica usada para direcionar o olho do espectador de uma parte da imagem para outra, ou de um tiro para outro. Esta cena que estamos assistindo é incrivelmente suave. Seu olhar não precisa se mover para longe de uma parte do quadro no primeiro tiro, para a próxima parte do quadro no próximo tiro. Meus olhos estão rastreando os sinais, pousando nos olhos, e depois rastreando os sinais, e depois entram no texto, e depois voltam para os olhos. Há um fluxo natural para o movimento dos olhos. Como editores, não temos muito controle sobre o que o espectador olha em uma imagem contínua de movimento. Essa é a escolha do diretor. Mas na edição, temos muito mais controle sobre onde o espectador olha. Em uma imagem, nossos olhos são tipicamente atraídos para o rosto de outra pessoa, o movimento de uma ação ou da câmera, e a cor e contraste, e a composição. Podemos usar essas informações para nos ajudar a determinar qual parte do quadro um público pode ser atraído. Isso pode nos ajudar a fazer uma edição informada. Em nosso videoclipe, na maioria das vezes somos atraídos pelo movimento dançarino e seu rosto, porque ela está na mesma posição relativa ao longo da sequência, conseguimos traçar os olhos. Seguimos seus movimentos de um quadro para o outro sem esforço. Como este vídeo usa um monte de fotos semelhantes para alcançar seu estilo mágico, você vai ter um monte de clipes se conectando com traços oculares. Há outras maneiras de fazer isso? Pense em algumas outras edições criativas que podem guiar os olhos. Você sempre será capaz de usar traços de olho o tempo todo. Não necessariamente queira, não force, se sacrificar a emoção, coerência ou o ritmo da história. A técnica de traço ocular é outra ferramenta para guiar a atenção do espectador para certos elementos da história. Lembre-se, somos atraídos por rostos, movimento, cor e contraste, e acima de tudo, somos atraídos para procurar significado dentro do quadro. Quais são algumas maneiras criativas e significativas de usar o traço ocular em sua edição, sem sacrificar a emoção, clareza e o ritmo da sua história? Na próxima lição, falaremos sobre refinar nossa edição. 15. Como refinar o copião: Refinar a edição áspera dá vida à nossa história. Usando algumas das técnicas de edição aprendidas, podemos trazer significado e fluxo visual para o nosso projeto. Agora é a nossa chance de experimentar e dar algumas idéias de edição diferentes de tentar. Pergunte a si mesmo isso. Divirta-se, experimente o ritmo, tente diferentes edições, reorganize a estrutura dos tiros. Enquanto eu estou editando, eu estou sempre passando rapidamente por esses três passos na minha cabeça. Passo 1, eu revisto a edição e me pergunto o que está funcionando? O que não está funcionando? Identifique os problemas que precisam ser resolvidos. Por exemplo, algo não está certo com esses cortes aqui, não consigo descobrir o que é. Então, reproduza devagar. Parece engraçado porque os movimentos não estão combinando de um corte para o outro. Isso me leva ao Passo 2, eu tento resolver os problemas dentro da edição usando técnicas de edição. problema que estou enfrentando aqui é que o corte na ação não está em uma parte adequada da ação. Quais reajustes podem garantir que o fluxo de um clipe segue para o próximo clipe? Aqui vamos nós. É melhor. Agora, no segundo clipe, tive a sensação de cobri-lo lá. A reação acontece muito rapidamente, como as ruínas saltam daquele movimento. Mas estou bem com isso por enquanto. Vamos ver os clipes do YouTube de volta. Parece muito bom. Então ela lente aqui desta maneira estranha. Eu vou ter que voltar e fazer algo sobre isso. Talvez estejas a ter problemas de ritmo. Use o que você aprendeu com o ritmo e o ritmo do vídeo e aplique esses princípios. Talvez uma edição de um tiro para outro seja chocante, mas não por causa de um corte na ação, mas por causa de um problema de traço ocular. Quais são algumas maneiras criativas de orientar os olhos do espectador para fazê-los olhar para onde você quer? Estamos constantemente passando por essas duas etapas, identificando problemas e resolvendo-os usando a técnica de edição. Passo 3, se eu não conseguir descobrir o que há de errado com a edição ou eu ainda não estou feliz com ela. Vou revisitar a fase de experimentação. Vou continuar andando por estes passos até me sentir feliz com a edição e a estrutura. Passo 4, eventualmente eu vou receber feedback através deste processo. Ele ajuda a resolver problemas que você não percebe ou problemas que você tem problemas para resolver. Agora, é hora de você experimentar sua própria edição. Depois de iniciar uma edição com a qual você está satisfeito, identifique quais possíveis problemas a edição pode ter, quais técnicas de edição podem resolver esses problemas. Publique o seu trabalho e progresso ou a sua peça final. Divirta-se, experimente, experimente coisas novas. Boa sorte. 16. Resumo final e agradecimentos!: Sim. Você conseguiu. Espero que você tenha sobrevivido. Você terminou? Eu realmente espero que você tenha terminado o projeto. Nós abordamos uma tonelada de técnicas. Então, se você ainda está tendo problemas para entender alguns dos conceitos. Ou, se precisar de uma referência rápida, volte e assista novamente algumas das aulas Faça uma pergunta na seção de comentários. Talvez haja alguém lá que saiba a resposta. Eu poderia. Vou tentar responder à pergunta em tempo hábil. É hora da recapitulação final. Primeiro, a história do seu projeto guia a edição. Identifique qual história você está contando no início, no meio e no fim e, enquanto a conta, os objetivos e a meta geral. Segundo, leve seu público na jornada com seu áudio e vídeo. Escolha as partes que contam melhor a história e têm maior impacto emocional. Três, conte a batida da faixa musical para cortar um e dois e três e quatro e conectar diferentes seções sem problemas Quatro, edite o áudio no ponto zero usando dois quadros de áudio dissolvidos como ponto de partida em cada transição de áudio Isso eliminará todos os cliques e estalos. Cinco, o reverb é uma ótima ferramenta para edição flexível de áudio, especialmente ao editar uma faixa de música em um ponto difícil Seis, use música para seu público. A música pode sinalizar mudanças de humor, novos pensamentos e ideias e facilitar o acompanhamento de certas partes de uma edição. Sete. Quando usados com propósito, cortes e transições de vídeo podem ajudar a contar sua história e emocionar o público Oito. Torne sua edição mais gerenciável escolhendo as seleções que melhor contam sua história Nove, use o início, meio e o fim da história do seu projeto para criar rapidamente uma edição aproximada. Então, o ritmo adequado de um projeto pode ajudar a comunicar histórias, emoções e ideias ao público conforme pretendido ritmo e o ritmo são muito baseados em sentimentos e exigem tempo e experiência para atingir 11 Direcione a atenção do espectador usando o traçado ocular. Lembre-se de priorizar primeiro a história, sua ressonância emocional e seu ritmo 12, identifique problemas na edição e resolva-os usando técnicas de edição. Você está resolvendo problemas, 13. Pergunte a si mesmo: e se experimentar, jogar, se divertir, estar aberto a novas ideias. Eu vou soar como um disco quebrado pela última vez. A história é seu guia. Em caso de dúvida, consulte a história do seu projeto para obter a resposta. Agora é hora da grande revelação. Envie seus projetos para a página da galeria para que todos possamos ver seu trabalho incrível. Mal posso esperar para ver a criatividade e as ideias que você coloca nesses projetos. E se você tiver projetos pessoais nos quais trabalhou junto com esta turma, faça o upload deles para que possamos ver como você aplicou as técnicas de edição ao trabalho do mundo real. Se você gostou dessa aula e a achou valiosa, deixe sua avaliação e a recomende a um amigo ou a alguém que você conheça que também possa achar valor nela. Além disso, certifique-se de seguir meu perfil para se manter atualizado. Aprendemos muitas técnicas de edição de vídeo, mas ainda há muito mais a aprender. OK. Muito obrigado por participar desta aula e publicar seu projeto finalizado. Obrigada. Nos vemos em breve.