Retrato em aquarela: do esboço à pintura final

1. Introdução: Oi. Meu nome é Bia Barrett e sou artistas em aquarela especializados em retratos. Você já olhou para um retrato em aquarela e pensou, uau, eu realmente gostaria de saber como pintar assim. Eu gostaria de ter uma técnica. Quando você tenta aprender sozinho, foi apenas uma experiência frustrante. Bem, eu fui para isso e é por isso que em 2019, comecei a investir em workshops e aulas com alguns dos melhores artistas do mundo. Agora, depois de alguns anos de prática, posso finalmente dizer que esse é o meu meio favorito. Antes, usei muita grafite no meu trabalho. Mas isso demorou muito tempo e não teve a versatilidade e a diversão que encontro com aquarela. Aquarela também é um processo muito mais rápido, a pintura está levando cerca de uma hora para eu terminar. Durante esta aula, compartilharei todo o meu processo desde o esboço até a pintura final, recebendo conselhos valiosos que aprendi não só os mestres, bem como com a minha própria prática. No final dessas aulas, você poderá pintar uma parte colorida com base na referência da foto. Espero que você também se apaixone pela aquarela. 2. Projeto do curso: [MÚSICA] Vamos falar sobre o projeto da classe. O projeto da classe será um autorretrato e por que um autorretrato? Bem, eles são tradicionalmente usados por artistas como uma forma de estudo, mas neste curso, também vou analisar como escolher uma boa foto de referência, e é provável que você tenha mais fotos de referência suas do que qualquer outra pessoa. Além disso, este curso é baseado em referências fotográficas e observação. Você precisa observar a imagem ou o assunto por um longo tempo, e provavelmente gostaria de escolher alguém que você não se importa de olhar para ela por longos períodos de tempo. Claro, se você não se sentir confortável em pintar e postar um autorretrato, você pode escolher uma imagem de referência diferente, apenas preste atenção às melhores práticas que compartilharei ao longo deste curso. Finalmente, não se esqueça de compartilhar seu projeto conosco para que eu e seus curiosos possamos lhe dar feedback. Esta é uma etapa valiosa do processo, e mal posso esperar para ver todos os seus projetos. 3. Materiais: [MÚSICA] Vamos rever alguns dos suprimentos que você precisará para esta aula. Primeiro, aqui está um papel aquarela. Para esta técnica, o papel aquarela deve ser 100% algodão. Papel que não é rotulado 100% algodão, geralmente é feito de celulose ou uma mistura de ambos e isso simplesmente não vai funcionar com essa técnica porque a celulose se desintegra lentamente à medida que você adiciona mais água e mais camadas. Outro suprimento importante que você precisará para esta classe são seus pincéis. Aqui eu tenho três pincéis de aquarela. Uma é 100% de pele natural, uma é pele sintética e outra é uma mistura de ambos. Bem, o pêlo natural contém muita água. Também é muito mais suave e você não consegue manter um bom ponto por muito tempo. Quanto ao sintético, é mais resistente, mas contém menos água. É por isso que opto por uma mistura de peles sintéticas e naturais, então eu tenho o melhor dos dois mundos. Ele contém muita água e também é bastante resistente, então eu posso obter aquele ponto muito fino com pincel de ponta redonda. Este é o pincel ideal porque não é muito pequeno, então eu posso pintar grandes áreas, mas como ele tem um ponto redondo, posso usar esse pequeno ponto para fazer muitos detalhes finos, como você verá nas demonstrações. Agora, passando para tintas, se você estiver usando pequenos comprimidos como esses, ou se estiver usando tubos, o mais importante é investir em aquarela de nível profissional. Você não precisa comprar muitos deles, nesta pintura vou usar apenas três cores para mostrar que você só precisa das cores que você só precisa primárias para pintar um belo retrato. Isso também ajudará você a obter mais harmonia em seu retrato, especialmente se você estiver começando, porque você não precisa pensar em como as cores vão juntas. Todos eles virão de uma mistura de amarelo, azul e vermelho, e isso dará harmonia à pintura geral. Claro, você também precisará de água. Gosto de guardar duas xícaras, uma para água suja e outra para água limpa. Dessa forma, você garante que suas cores estejam sempre limpas. Eu também tenho uma paleta para misturar as cores, e se você não estiver usando toda a tinta, você pode deixá-la secar e apenas reativar quando precisar usá-la novamente. Também é importante ter um pedaço de papel de sucata onde você possa testar a tinta que você está misturando e certifique-se de que os tons estejam corretos. Tenha um pano velho ou toalhas de papel ou até mesmo uma pequena esponja para absorver a umidade extra e a tinta de seus pincéis. Para a parte de desenho , certifique-se de ter um bom lápis e borracha de igualdade. Finalmente, temos os extras opcionais , mas muito úteis. Um frasco de spray de água para ativar as tintas, e uma fita adesiva para gravar suas pinturas e garantir que elas não se movem enquanto você está pintando. Isso também é opcional, mas se você puder trabalhar em uma superfície ligeiramente inclinada, isso levará a água para baixo e ajudará a secar o papel mais rapidamente. [MÚSICA] 4. Como escolher boas referências de foto: [MÚSICA] O primeiro passo fazer um retrato em aquarela a partir de uma foto de referência é realmente escolher uma boa foto de referência. Para escolher uma boa foto de referência, há duas coisas que você precisa considerar. A primeira é a iluminação. Você quer escolher uma imagem que tenha muito contraste, que tenha muita luz e sombra. Limpe a fonte de luz porque esses lançam sombras para ajudá-lo a obter a dimensionalidade trig em sua pintura. Contrastes criam interesses e sua pintura se beneficiará disso. Evite fotos que sejam de beleza ou comercial porque elas tendem a ter iluminação muito uniforme, e é muito difícil para você realmente ter diferença de tom e todas as características do rosto. A segunda coisa a considerar é distorção. Quando você está tirando uma foto dependendo da lente que você está usando, especialmente se você estiver usando uma selfie, lente frontal e coisas assim ou tiver uma distorção do seu rosto onde as coisas estão mais perto da lente parecerá maior do que o resto do rosto. Isso pode realmente fazer com que sua pintura pareça estranha ou seu desenho pareça um pouco fora, e isso pode realmente dificultar suas habilidades de desenho de retrato. Eu não recomendo que os iniciantes usem fotos distorção simplesmente porque você ainda está treinando seus olhos, você ainda está tentando entender a proporção e a distorção dessas lentes realmente dificulta esse processo. Outra coisa boba que também cria distorções são esses filtros, sejam eles TikTok ou Instagram, eles realmente mudam nossos rostos, tornam nossos narizes menores, tornam nossos olhos maiores. Pode parecer um pouco tolo, mas eles novamente distorcem nossa visão de proporções e podem realmente fazer seu retrato parecer um pouco fora. [MÚSICA] 5. Desenhando o retrato: Vamos começar desenhando o retrato. Para isso, você precisará um lápis mecânico ou um lápis comum, o que for mais confortável para você, uma borracha de alta qualidade e uma régua. Então, a primeira coisa que faço é olhar minha imagem de referência e me certificar de centralizar a imagem no meu papel. Então, pego uma régua e mapeio as principais proporções do rosto. Nem sempre faço isso, mas ajuda, especialmente quando você está começando a desenhar para acertar as proporções. Então, aqui, só estou me certificando obter as proporções verticais corretas. O comprimento da testa, o nariz, os lábios, onde meu queixo está. Obter essas proporções corretas, é o que garantirá, não apenas um nível mais alto de realismo, mas também capturar a semelhança, que é super importante em um retrato. Na verdade, medir sua imagem de referência e usar uma régua nem sempre é necessário, mas isso ajudará muito, especialmente se você estiver começando a desenhar retratos, e precisar de um guia para ajudá-lo a treinar seu olho. Quanto mais você pratica, mais seu olho será refinado, e você poderá realmente dizer, apenas olhando para a referência e olhando para o seu desenho, quais proporções podem ser um um pouco desligado. Mas quando você está apenas começando, e especialmente quando você está colocando os ossos nus do desenho, isso realmente ajuda a ter essas medidas. Agora que estabeleci as proporções verticais, passo para as medições horizontais. Então, qual é o comprimento do meu queixo, minha mandíbula e assim por diante. Novamente, esse método para mim funciona mais rápido do que se eu estivesse usando o método Loomis para desenhar cabeças ou realmente qualquer outra referência de proporções que esteja pronta, porque estou tentando desenhar funciona mais rápido do que se eu estivesse usando o método Loomis para desenhar cabeças ou realmente qualquer outra referência de proporções que esteja pronta, porque estou tentando desenhar referência e não imaginação. Estou realmente tentando me concentrar e obter a semelhança do assunto com o qual estou trabalhando. Então, neste caso, é um auto-retrato como falamos antes. É muito importante escolher uma referência que você realmente não se importa de olhar por longos períodos de tempo, porque essa é a única maneira realmente mapear essas proporções e capturar semelhanças. Acho esse processo muito interessante porque com o tempo você perceberá que ninguém tem um rosto super proporcional ou um rosto super simétrico. Todos têm suas peculiaridades particulares e características particulares que formam sua semelhança. Então você não precisa se preocupar se percebeu que seu nariz está um pouco torto para a direita ou um olho é mais alto que o outro. É normal, todo mundo tem isso. Quanto mais você olhar para sua referência, e tê-la como um guia para o seu desenho, mais você perceberá que isso é natural. É também por isso que é importante escolher uma referência que você realmente gosta, porque você ficará olhando para ela por muito tempo. Agora que tenho as principais proporções dispostas, procuro levemente as formas grandes. Então, qual é a forma geral da cabeça? Onde aproximadamente o nariz, a boca e o olho devem estar. vez, tenho uma mão muito leve. Estou focando no quadro geral e tento não detalhar nada pelo maior tempo possível. Porque eu quero ter certeza de que tudo está no lugar certo antes de eu realmente me comprometer com os detalhes. Isso realmente torna o processo de desenho mais fácil porque se você não se comprometer excessivamente com detalhes, não será anexado a esse desenho e, caso precise apagar e começar novamente uma única parte ou talvez tudo isso, você não se sinta muito mal pelo tempo em que investir. O principal conselho que tenho nesta fase é focar nas formas grandes, nas grandes formas geométricas e tentar também usar formas geométricas para a boca, os olhos e o nariz, e não para detalhe-os excessivamente. Uma coisa que também pode ser muito útil nesta fase é ver as sombras como formas geométricas reais também. Se você escolheu uma imagem de alto contraste, que espero que depois da aula sobre imagens de referência, você terá muitas sombras lançadas e muita definição entre a luz e partes escuras da imagem. Então use essas formas. As sombras podem realmente ajudá-lo a definir todos os recursos do rosto, e quando você mapeá-los, será mais fácil para você ver se as proporções estão corretas. Se os olhos estiverem no lugar certo, se o nariz estiver no lugar certo e assim por diante. No vídeo, você também pode ver que estou constantemente verificando os ângulos usando o lápis ou usando a régua, e isso realmente ajuda a acertar essas sombras e obter todos os ângulos do rosto o mais próximo quanto possível ao que estou vendo na imagem de referência. Sei que estabelecer as bases e fazer o desenho, pode não ser tão emocionante quanto pintar em si. Mas, sinceramente, essa é a parte mais importante do processo. Não importa quais truques ou habilidades em aquarela você tenha, se você não tiver uma boa construção por baixo, você não poderá ter um bom resultado final. A qualidade do seu desenho é o principal fator que influenciará o quão boa será sua pintura quando você terminá-la. Então, por favor, não apresse esse rosto. Leve seu tempo. Olhe atentamente para a referência. Olhe atentamente para o desenho. Certifique-se de que esses ângulos e proporções estejam corretos e comece lentamente a construir seu desenho. Desta forma, sua pintura já começará com um ótimo planejamento. Quanto mais você puder planejar sua pintura com antecedência, mais você apreciará a experiência de pintura real, porque você não estará tentando descobrir pequenos detalhes do que precisa para acertar ou errado. Você pode apenas se concentrar no processo, na água e em como as diferentes camadas de tinta vão se unir. Percebi que algumas pessoas podem ficar frustradas com o fato de não ter uma maneira passo a passo de desenhar um olho, nariz e boca. Mas isso porque eu realmente acredito que quando você está fazendo referência a uma foto, a melhor coisa que você pode fazer é realmente olhar para sua referência, acertar esses ângulos, as proporções corretas, e, lentamente, construa seu desenho a partir de formas geométricas. Isso porque dessa forma você poderá desenhar qualquer imagem de referência, e não um modelo de cortador de biscoitos de nariz, boca ou olho. Uma última dica que você precisa seguir antes de entrar no estágio de detalhes, é fazer uma pausa, dar uma volta, almoçar, conversar com alguém e depois voltar ao seu desenho, e de repente você verá coisas que não estavam tão claras para você antes. Vamos rever alguns pequenos detalhes e erros que eu peguei. Primeiro, minha boca não é uma linha reta. Está ligeiramente inclinado para cima, torto para cima para um dos lados. Enquanto olhava para a imagem e meu desenho, também percebi que uma das narinas parece maior que a outra por causa da sombra que é lançada para um dos lados. Então também corrigiu isso no meu desenho. Também verifiquei cada ângulo no desenho para garantir que ele pareça harmonioso e esteja alinhado com minha imagem de referência. Neste ponto, percebi que estava realmente infeliz com a forma como os olhos acabaram, e decidi apenas apagá-los e começar de novo. É por isso que é tão importante manter seu desenho muito solto, não fazer muitos detalhes porque dessa forma teremos muito mais flexibilidade. Mesmo psicologicamente, será mais fácil apagar e começar de novo. Eu não percebi isso na época. Mas a razão pela qual eu não estava feliz com esse posicionamento, é que meus olhos não são realmente simétricos. Um deles é um pouco maior que o outro. Quando eu estava desenhando com essa ideia de que nossos olhos estão na mesma linhinha, isso realmente fez meu desenho sofrer porque eu realmente não estava olhando para a imagem de referência, e percebendo que um olho é um pouco mais alto que o outro. Felizmente, eu peguei isso quando estava fazendo o segundo desenho. Estamos fazendo dois desenhos para esta classe porque um será usado para a pintura monocromática, e um será usado para a pintura colorida final. É muito importante que você não fique excessivamente anexado a esses desenhos. Depois de fazer o primeiro, você pode começar o novo imediatamente, ou pode esperar alguns dias e começar o novo. Mas você perceberá que o segundo será muito mais fácil porque você já conhece a imagem de referência. Você já estudou por pelo menos meia hora, e agora você terá muito mais facilidade para construir ou desenhar. Somente quando estou realmente satisfeito com a imagem geral, coloco detalhes, e aqui está como o primeiro desenho final acabou. 6. Fundamentos da aquarela: [MÚSICA] Antes de começarmos a pintar, é importante falar sobre como a aquarela funciona. Em aquarela quando você está tentando obter tons mais claros, você precisa colocar mais água na mistura e menos pigmento. Aquarela é um meio transparente, o que também significa que, se você tiver uma cor mais escura, você não poderá passar por cima dela com uma cor mais clara e cobri-la, o que é possível quando você está trabalhando com óleo ou guache. Isso não funciona com aquarela e é por isso que geralmente trabalhamos do claro ao escuro. Quando você quiser obter cores mais claras com aquarela, você precisa adicionar muita água e apenas um pouco de pigmento e você terá uma consistência que chamamos de chá. Quando você adiciona mais pigmento e um pouco menos de água, você tem uma consistência que chamamos de leite, e você pode ver que é mais vibrante. É um tom mais escuro. [MÚSICA] Se você ficar ainda mais escuro, com muito pigmento e apenas um pouco de água, você tem a consistência que costumamos chamar mel e isso é muito fácil de controlar. Você pode fazer pequenos detalhes e linhas finas com ele e é assim que você pinta as partes mais escuras da imagem. Essa diferença de tom dentro da mesma tinta é o que vamos usar em nossa pintura monocromática. Trabalhando do claro ao escuro, de mais água a menos água. [MÚSICA] Agora, para mostrar algumas das técnicas que usaremos para pintura de retrato, vamos pintar uma esfera simples que está recebendo luz da esquerda. Primeiro, começamos com uma camada de tinta muito leve que está em consistência de chá, então isso é muita água e apenas um pouco de pigmento. A tinta fluirá apenas onde você molhou o papel. Desde que começamos em um pedaço de papel seco, você tem controle total para onde o pigmento e a água fluem. [MÚSICA] Para suavizar as transições entre luz e sombra, você pode pegar um pincel limpo apenas com água e molhar essa área do papel. [MÚSICA] Em seguida, obtenha mais pigmento em uma mistura que é uma consistência de leite, então mais pigmento e menos água e pinte a parte da esfera que está na sombra. Como toda a esfera ainda está molhada, você terá uma transição muito suave. [MÚSICA] Enquanto o papel ainda estiver molhado, você pode mover a tinta e criar a transição desejada. Mas isso só funciona enquanto o papel ainda está molhado. [MÚSICA] Outra técnica que só é possível enquanto o papel ainda está molhado, é pegar uma escova limpa e seca e absorver um pouco do pigmento que está em uma área para levantar essa área e torná-lo mais leve. [MÚSICA] Para pintar a sombra fundida, que é a parte mais escura desta figura, tenho uma mistura de muito pigmento e apenas um pouco de água. Como o papel está completamente seco quando eu coloco esta camada de tinta, há uma distinção de corte muito clara entre luz e sombra. Essas são apenas as técnicas básicas que você usará ao longo desta aula. Você sempre pode voltar a formas mais simplificadas e praticar essas diferenças em transições suaves e sombras mais duras e também tentar experimentar e misturar tintas diferentes para que você possa aprender as diferenças entre cada consistência. 7. Pintura monocromática: Vamos fazer nossa pintura monocromática. Essa é uma ótima maneira de praticar focando apenas em valores e não ter que se preocupar com matizes. Eu fiz dezenas desses antes de me mudar para a cor. Pegue o desenho que fizemos na lição anterior e fixe-o em uma superfície inclinada. A inclinação ajudará o fluxo de água em uma única direção e facilitará o processo de pintura. Quanto mais íngreme a inclinação, mais rápido o papel secará. Aqui eu tenho um pedaço de pano para secar minhas escovas, duas xícaras de água, uma para água limpa, uma para água suja. As tintas aquarela que uso, embora para este retrato, usarei uma única cor, sienna queimada. Escolha sempre um pigmento escuro como marrom escuro ou azul escuro quando estiver trabalhando em monocromático. Eu também limpei minha paleta para que você possa realmente me ver misturando cores. Normalmente não faço isso só porque a aquarela sempre pode ser reativada e usada novamente e também tenho um pedaço de papel de sucata onde testo todas as tintas que estou usando. Para este, como eu disse antes, estou usando sienna queimada e, como você pode ver, ele pode alcançar cores muito claras quando misturado com muita água e cores muito escuras quando quase não há água e é principalmente pigmento. Antes de começar a pintar, eu sempre gosto de mergulhar meus pincéis por alguns segundos na água que eles possam se tornar maleáveis novamente. Observe também que uso um pincel diferente, um mais barato, totalmente sintético, apenas para misturar a tinta e ativá-la com água porque esse movimento pode realmente danificar os caros pincéis de aquarela. Eu realmente recomendo que você compre um pincel barato apenas para misturar as tintas e para que você não precise se preocupar em danificá-lo. Como estamos focando em valores, editei minha foto para estar em preto e branco. Você pode fazer isso em vários aplicativos apenas diminuindo a saturação de sua imagem de referência. Então, para nossa primeira camada, é principalmente água e apenas um pouco de pigmento. Na aquarela, muitas vezes chamamos essa camada T porque é suposto ter a mesma consistência de T para que você possa ver que é muito líquida e é de cor muito clara. Como não temos nenhum destaque realmente brilhante na pintura, podemos cobrir com confiança todo nosso retrato com essa camada inicial. Lembre-se, a aquarela sempre se ilumina à medida que seca, então não tenha medo de encobri-la. Se houver alguma área que você queira clarear enquanto a tinta ainda estiver molhada, você pode fazê-lo tomando um pincel relativamente seco, um pincel limpo e limpando a área porque o pincel absorverá a tinta e essa área ficará mais branca. Outra maneira de iluminar uma área é tomando um pouco de água pura e colocando-a lá porque ela reabrirá as fibras do papel e moverá a tinta para fora desse local. Por favor, note que ambas as técnicas só funcionarão enquanto a tinta ainda não tiver secado. Depois que a tinta secar, é realmente difícil, se não impossível para você retrabalhar sua pintura em aquarela e fazer marcas mais claras. Você pode dizer se o papel secou ou se ainda está molhado pela quantidade de luz que ele ainda reflete. Aqui no vídeo, você pode ver claramente que, especialmente no topo da pintura, ainda há uma área onde há muita reflexão então isso indica que ainda há água no papel, ainda é molhado. Infelizmente, neste caso específico, como o papel realmente não secou lá mesmo depois que o resto da pintura já havia secado, isso me indica que este papel foi danificado. Isso às vezes acontece no armazenamento ou às vezes acontece na produção, mas essas áreas não absorvem a tinta e pode ser muito difícil trabalhar. Nesse caso em particular, não me importava porque está em uma área que vai ficar escura e não tem detalhes, então não vai aparecer tanto. Mas vou te mostrar um close-up para que você possa dizer o que parece quando seu papel estiver danificado. Depois dessa primeira camada completamente seca, misturei mais tinta com água, desta vez para obter um tom mais escuro e estou definindo as sombras. No entanto, mais tarde descobri ou percebi que isso ainda era muito leve para as sombras. Logo depois que fiz essa camada, misturei mais tinta para fazer as sombras novamente. A grande lição aqui é não ter medo de escurecer sua pintura. É o contraste que tornará seu retrato interessante. Vamos misturar um pouco de tinta. Para a camada mais leve, como dissemos anteriormente, você só precisa de um pouco de pigmento e muita água. Isso tem a consistência de T e é usado nas partes mais leves da pintura. Para nossa segunda camada, precisamos de uma consistência mais profunda que nos dê uma cor mais escura. Para isso, precisamos de menos água e mais pigmento. O que estamos procurando é algo com a consistência do leite. Sim, isso geralmente é chamado de camada de leite. Depois de adicionar mais pigmento, tenho a consistência que estava procurando. Mas eu sempre verifico com meu pedaço de papel de sucata porque lembre-se, aquarela também se ilumina à medida que seca. É sempre bom testar sua cor e ter certeza de que você tem o que deseja. Essa é a consistência que você está procurando na segunda camada, leite. Uma coisa a ter em mente, mesmo durante essa etapa do processo é sempre olhar para sua referência. Tenha um olho muito cuidadoso e aproveite seu tempo para absorver as informações que ele lhe dá. Porque, embora tenhamos marcado as sombras na parte do desenho, ainda é importante treinar seu olho para ver os diferentes valores. Já que estamos no tema das sombras, nesta referência há lugares onde você quer uma transição mais suave entre claro e escuro e em outros você quer uma linha mais dura, uma mais dura mais aspecto definido para sua sombra. Para obter essa transição mais suave, o que eu faço é ter o que eu faço é ter um pincel limpo e com este pincel limpo, eu escolho um pouco de água e apenas molho as áreas adjacentes a onde a sombra irá. A tinta poderá fluir para as áreas úmidas, mas é de forma mais controlada. Você terá uma transição mais suave, mas não corre o risco de perder esse efeito claro e escuro que você tem acontecendo. Agora que a camada anterior secou completamente, passamos para os menores detalhes da pintura e nas áreas mais escuras. Para os pequenos detalhes, as áreas mais escuras que são como esta separação dos lábios, as narinas, os detalhes dos olhos. Usamos muito pigmento e apenas uma pequena gota de água, apenas o suficiente para torná-lo viável e utilizável com nosso pincel. A consistência dessa camada é semelhante ao mel. Esta é a camada de mel. Como você pode ver, ainda estou usando o mesmo pincel exato que eu estava usando em todas as camadas anteriores. É por isso que adoro um pincel com ponta redonda. É tão versátil. Você pode pintar grandes áreas e, como você pode ver aqui, pode chegar a um ponto fino, e com esse pequeno ponto eu posso fazer pequenos detalhes como as pequenas narinas ou até mesmo as linhas finas dos olhos. Depois de pintar os escuros mais escuros, percebi que minhas sombras ainda não estavam escuras o suficiente. Voltei e corrigi isso escurecendo as sombras mais uma vez. Lembre-se, este é um estudo de valores. Não precisa ser perfeito. Você pode ter que retrabalhar como eu fiz. A ideia principal é entender o quão escuro ou como os valores precisam ser claros para transmitir a profundidade que você deseja em sua imagem. Isso pode ser complicado entrar na primeira tentativa por dois motivos. Primeiro, a aquarela sempre secará mais leve do que o que você coloca no papel quando estiver molhado, então você precisa explicar isso. Mas leva um tempo para você se acostumar isso e realmente ser capaz medir o quão escuro você precisa ir para secar a sombra certa quando terminar. Outro problema é que o valor é sempre relativo. Quando o papel é branco e você está colocando essas camadas pela primeira vez , ele parece escuro em relação ao branco do papel. Mas quando você vai para as camadas mais escuras, as camadas mais escuras podem realmente indicar que seus médiuns, a sombra do meio simplesmente não estão escuras o suficiente. Embora a aquarela tenha essa regra geral de que você deve ir do claro ao escuro só porque não há botão de desfazer e a aquarela é um meio transparente. Você não pode realmente passar por cima dele com uma cor mais clara e iluminá-lo mais tarde. Eu ainda encorajo você a experimentar e até fazer algo semelhante ao que eu fiz aqui, que era ir para o escuro mais escuro e depois olhar para ele novamente e ver se você realmente precisa escurecer aqueles meio tons, essas sombras. Lembre-se, esta é apenas uma maneira de você descobrir como você vai fazer sua pintura final. Não precisa ser perfeito. Agora para o cabelo. Para dar a ilusão de fios de cabelo, geralmente tenho uma mão muito leve e faço todos esses movimentos para frente e para trás. Isso ajudará a criar linhas muito finas para diminuir e dará a ilusão de fios de cabelo fluindo na mesma direção. Agora, para a parte de destaque, tenho um pincel limpo com pouco de água e estou molhando o papel antemão, então temos uma transição muito suave do claro para o escuro. Como o outro lado do cabelo está principalmente na sombra, não preciso me preocupar muito com os detalhes e posso cobrir toda a área em um tom mais escuro. Depois de escurecer essa sombra, a única coisa que resta fazer é o vestido. Primeiro, molhei o papel com uma camada mais leve e aquosa, e depois recebo tinta muito concentrada e coloco algumas gotas e deixo a tinta fluir. Achei que isso seria um bom efeito e dará a mesma ideia e sensação que o padrão do vestido faz na imagem de referência. Aqui está o resultado final. Agora que você terminou com a pintura monocromática, vamos passar para a cor. 8. Mistura de cores: [MÚSICA] Antes de entrar na pintura colorida, quero falar sobre como misturo as cores e como consigo uma variedade de tons de pele. Tenha em mente que estou usando as cores primárias, então amarelo, vermelho e azul. Para a maioria dos tons de pele caucasianos e do leste asiático , tons de pele tão claros , geralmente vou misturar um pouco de laranja , então um pouco de amarelo, um pouco de vermelho e eu apenas brinco com isso. Quando você está diluindo muita água, você obtém tons de pele muito agradáveis de diferentes tons de laranja. Às vezes eu adiciono apenas um pouco de azul para que eu possa ver diferentes variações de tons de pele frios versus mais quentes. Algumas pessoas, eles têm esse tom verde na pele e você pode realmente capturar isso adicionando um pouco de azul à sua mistura. Quando você está procurando tons de pele mais escuros, então se você está pintando pessoas não brancas, indígenas, negros, pessoas marrons, basicamente o que você quer fazer é adicionar mais azul e adicionar um pouco mais vermelho. Isso lhe dará algumas variações diferentes de marrom. Novamente, você tem que realmente observar sua referência e ver se esse marrom é mais avermelhado ou mais azulado. Há também as variações de luz. Tenha sempre em mente que a pele não é uniforme. Isso não é um desenho animado. Pessoas reais têm manchas e também têm variações de tom de pele apenas com base em quanto sangue essas áreas do rosto têm. Se você olhar para a foto, você pode ver que minhas bochechas são um pouco mais avermelhadas do que o resto do meu rosto. Isso porque geralmente temos mais veias por lá. Você recebe mais sangue, fica mais vermelho. Grande parte da variação de cores que você verá também depende da luz. Aqui eu também estou misturando tintas mais escuras, mesmo que eu esteja me pintando. Sou do Leste Asiático e branco. Porque todas essas sombras elas serão tonalidades acastanhadas, às vezes em um tom mais avermelhado. Eu realmente queria capturar isso. Para tons de pele mais escuros, eu realmente gosto de começar com um roxo, então misturei muito azul e vermelho e depois continuo adicionando apenas um pouco de amarelo para que eu possa obter uma tonalidade mais neutra e mais acastanhada. Mas em tons de pele mais escuros, roxo é uma ótima maneira de começar assim como em tons de pele mais claros, laranja pode ser um ótimo lugar para começar. Aqui, já que isso é uma demonstração, estou misturando uma quantidade muito pequena porque eu só quero que você veja o alcance que você pode obter desses três tubos de tinta. Mas uma vez que eu sei quais cores eu realmente preciso para o meu retrato, quero fazer grandes quantidades para que eu não me preocupe em acabar enquanto estou pintando porque pode ser muito difícil para que você obtenha a mesma tonalidade depois de ficar sem uma mistura específica e precisar fazer mais. Sempre faça mais uma mistura de tinta, então você acha que precisa terminar seu retrato. Não se preocupe em ser um desperdício porque aquarela secará na paleta e sempre pode ser reativada com água. Isso realmente não corre mal. Você pode realmente misturar tanto quanto se sentir confortável que você tenha o suficiente para o seu retrato. Se você tiver sobras, tudo bem você pode usá-las novamente. Você pode misturá-los com tintas diferentes e obter tons e matizes diferentes. Realmente não vai ser desperdício e você ficará muito grato por isso quando estiver pintando um retrato e tiver o suficiente para completá-lo, você não precisa se preocupar e se preocupar, bem, e se eu ficar sem meu tom de pele principal? E se eu ficar sem essa cor de sombra? Você realmente tem uma experiência menos estressante se você apenas misturar grandes quantidades de tinta. Isso é basicamente o que estou me preparando para fazer nesta fase porque quero ter todas as minhas tintas prontas, ou pelo menos os tons principais que preciso ter que estar prontos antes de iniciar o processo de pintura real. É por isso que eu disse no início deste vídeo que sua pintura realmente começa com a paleta. Assim como você está desenhando, seu desenho inicial serve como um mapa e marcas de onde você precisa pintar. Onde está a sombra? Onde está a luz? É um guia. Esse planejamento também acontece na sua paleta. Você tem que ter os matizes principais e as cores principais que você vai usar já misturados. Então, quando você está entrando no ritmo da pintura, você não precisa parar e misturar mais tinta. Eu realmente quero que você experimente essas três cores e veja quais tons você obtém e certifique-se de ter todas as suas tintas prontas para o próximo passo, que é a pintura colorida. 9. Pintura final: [MÚSICA] Agora vamos para a pintura final. Neste vídeo, não incluí a foto de referência, só para que você possa ver claramente o que estou fazendo na paleta. O processo de pintura real começa com a paleta. Quando você está misturando suas coisas, quando você está obtendo os tons certos, os tons certos, quanto mais preparado você entrar sua pintura com todas essas tintas prontas, mais fácil será o processo. Assim como na pintura anterior, começamos com uma camada de chá. Tem muita água e apenas um pouco de pigmento. Aqui já encontramos uma melhora no estudo que fizemos. Um lado do rosto é mais leve que o outro porque a fonte de luz está vindo da esquerda para a direita. Para obter essa transição suave e efeito, pintei um dos lados com minha mistura de tinta e depois diluí um pouco mais com água para que haja uma transição muito suave e um tom mais claro no lado esquerdo. Mesmo depois de diluir parte da tinta, ainda havia áreas que eu queria ser ainda mais leve, como os destaques. Para isso usei uma técnica que mencionei na pintura monocromática, ou seja, ter um pincel limpo relativamente seco para absorver parte do pavimento e clarear essa área. Agora, eu queria falar um pouco sobre o ritmo da pintura. Você pode notar que há uma certa velocidade que estou usando para trabalhar aqui, o que neste caso é bastante rápido. Por que estou trabalhando rápido? Bem, aquarela é um meio que seca muito rapidamente. Para obter transições suaves, você precisa trabalhar enquanto a tinta ainda estiver molhada. Isso variará de acordo com o clima em que você está pintando. Aqui eu estava pintando no verão no Brasil, está muito quente e o papel seca muito rápido. Se você está em um clima mais frio ou mesmo se for inverno aqui, tenho um pouco mais de tempo para trabalhar, e o ritmo da pintura muda. Mas você tem que estar ciente disso para trabalhar com a aquarela e não contra ela. Agora que estamos trabalhando com cores, você precisa estar ciente das pequenas variações de matiz que você pode ver em sua referência. Dentro da mesma camada de uma mistura de chá, você pode ter uma área mais avermelhada como as bochechas aqui, ou uma área um pouco mais cinza. Realmente prestar atenção a essas pequenas variações ajudará a trazer realismo à sua imagem. Porque em vez de ter a pele uniforme, que não é o que acontece na vida real, você pode realmente capturar todas as pequenas variações causadas pela forma como nosso sangue é distribuído em nossa pele e rostos, ou leve descoloração que vem com a idade e assim por diante. [MÚSICA] Agora que estamos pintando o pescoço, tenho que pensar na mesma coisa que fiz quando comecei a pintar o rosto. A fonte de luz vem da esquerda e um dos lados é mais leve que o outro. Depois de ter uma lavagem geral muito diluída passando por todo o corpo, estou agarrando mais pigmento e tendo um lado mais escuro que o outro. A transição fica muito macia porque toda essa tinta ainda está molhada. [MÚSICA] Depois que a primeira camada estiver completamente seca, eu vou apenas com uma lavagem muito leve, então muita água, apenas um pouco de pigmento, e fazendo algumas correções de cor. Basicamente estou misturando tons diferentes. uma vez, apenas muita água e um pouco de tinta, e eu estou apenas colorindo essas áreas, então há aquela variação que estávamos falando com a pele. [MÚSICA] Agora passamos para a camada de leite. Há mais pigmento e menos água nesta mistura. Uma coisa que aprendi com o estudo monocromático desse retrato foi que eu não estava ficando essa sombra escura o suficiente. Aqui, eu realmente tive cuidado ao misturar a tinta para que ela fique muito escura para que eu não precise passar por cima dessa sombra de novo e de novo, como fiz na pintura monocromática. [MÚSICA] Assim como em uma pintura monocromática, quando eu quero suavizar a transição entre luz e sombra, pego um pincel limpo carregado com um pouco de água, e eu apenas molho o áreas adjacentes a onde a tinta está. [MÚSICA] Neste ponto, quero avisá-lo de que cada pintura tem “palco feio”. Para mim, foi isso aqui. Este é um ponto na pintura quando você começa a questionar suas escolhas, tudo parece um pouco fora e você começa a se perguntar se vale a pena continuar com isso. Deixe-me dizer-lhe, não desista quando chegar a esse estágio, confie no processo. Isso é apenas temporário e só parece errado porque você não o terminou. Então continue e mesmo que você não goste do resultado final, você ainda aprendeu muito com o processo. [MÚSICA] No clipe que vem em seguida, há algo que me arrependo de fazer com esta pintura. Basicamente, quando você tem uma sombra lançada, você pode ter alguma luz refletida saltando de volta para essa sombra e tendo uma área se tornar mais clara. Eu tento capturar isso com um pincel molhado tirando parte do pigmento dentro dessa sombra. Isso pode funcionar muito bem. Mas sinto que exagerei aqui, trabalhei demais na pintura. Quando você sobrecarrega a pintura, quando você passa e trabalha demais o papel, você obtém esses truques e marcas que eu simplesmente não acho esteticamente agradáveis, então, por favor, não exagere a pintura . [MÚSICA] Agora que as camadas anteriores secaram, estamos avançando para a camada de mel. Esta é uma mistura de tinta com muito pigmento e apenas um toque de água. Está muito escuro. Funciona para pequenos detalhes e partes mais escuras da pintura, como os olhos, as narinas e assim por diante. Para misturar agora marrons escuros e preto, você pode usar marrons e azuis, e isso lhe dará um pigmento muito escuro próximo ao preto. Se você não possui, no entanto, tinta marrom, lembre-se de que misturar amarelo, vermelho e azul fica marrom, então você só precisa adicionar mais azul à mistura. [MÚSICA] Embora, como regra geral, nos dizem para trabalhar do claro ao escuro em aquarela, você pode neste momento fazer outras lavagens com mais água e menos pigmento apenas para obter o tons certos que você quer. Às vezes, para mudar o tom das coisas. Isso não é um problema. A razão pela qual existe essa regra geral é só porque, uma vez que você fica escuro com aquarela, você não pode realmente clarear essa área. Mostrei aqui alguns truques onde você pode fazer isso, mas essas técnicas têm seus limites. Você vai do claro ao escuro só para ficar seguro, apenas para garantir que as áreas mais claras sejam preservadas. Mas depois de pintar a camada mais escura, não há nada que o impeça de voltar e corrigir ou consertar ou fazer pequenos ajustes sua pintura com lavagens mais leves. [MÚSICA] Agora que acabamos principalmente com a pele, é hora de pintar o fundo. Aqui estou usando uma lavagem muito leve e o fundo é mais leve que o cabelo, então é por isso que estou pintando primeiro. Também cobri a parte do cabelo que será o destaque porque quando olhei para a imagem de referência, percebi que era uma tonalidade semelhante ao fundo, que eu vi como essa luz verde acinzentado. Também comecei a pintar o cabelo enquanto o papel ainda estava um pouco molhado porque queria uma transição suave entre o cabelo e o fundo. [MÚSICA] Como o cabelo é mais escuro que o resto da imagem de referência, eu já comecei a pintá-lo com uma mistura de leite. Isso também cobrirá qualquer camada T do plano de fundo. [MÚSICA] Eu só queria mencionar um detalhe que faz um mundo de diferença, o branco dos olhos nunca é realmente branco. Costumo usar uma mistura de chá cinza claro para pintar as sombras. Pintar essas sombras dará aos seus olhos profundidade e realismo. [MÚSICA] Passando para o lado direito do cabelo, estou usando essa mistura quase preta porque toda essa área está na sombra. Por esse mesmo motivo, não estou preocupado em detalhar essa parte, fazendo cada fio de cabelo. Não preciso dar tanta informação aqui novamente, porque esta área está na sombra. O que mais importa no final, é a impressão que você tem da pintura geral, e eu não acho que ter muitos detalhes em áreas de sombra realmente escuras aumenta essa impressão. [MÚSICA] Agora que acabamos com o cabelo deles, tudo o que resta é pintar o vestido. Aqui tenho uma abordagem diferente da pintura monocromática. Estou partindo das cores mais claras porque quero que o laranja brilhante e o verde claro sejam preservados. Estou pintando flores vagamente aqui porque era assim que era o padrão do meu vestido. Mas não estou sendo excessivamente preciso com isso porque quero que as pessoas se concentrem no rosto e não detalhes ou no padrão do vestido. Essas também são escolhas que você precisa pensar quando você está fazendo uma pintura de um retrato. Você pode escolher quais áreas você precisa detalhar mais, que chamará mais atenção para elas e quais áreas podem ser mantidas mais simples. [MÚSICA] Aqui está nossa pintura final. Espero que você tenha gostado desta demonstração. 10. Considerações finais: [MÚSICA] Bem, chegamos ao final do nosso curso. Eu realmente espero que você tenha gostado de todo esse processo e aprendido muito sobre pintura de retrato em aquarela. Estou ansioso para ver seus projetos e dar feedback a você. Eu também adoraria ter seus comentários sobre essa aula. Você pode entrar em contato comigo aqui no Skillshare ou no meu Instagram em biabarrett, e ficarei feliz em saber de você. Até a próxima vez.