Produção de música ambiente com calha - comece a terminar

1. Visão geral do curso de ambiente: Olá pessoal, eu sou John Merrick de Bones of Jesus. Bem-vindo ao nosso ambiente Stroke. Resfria aquele tutorial que você pode acompanhar com qualquer estação de trabalho de áudio digital. Então, conforme mencionado, você pode acompanhar em qualquer DAW, Cubase Logic, Ableton, f, l, etc. Mas isso exige que você tenha pelo menos uma compreensão básica desse DAW. Portanto, este curso será melhor para iniciantes avançados ou superiores. Agora eu usei especificamente apenas instrumentos totalmente gratuitos. Portanto, esse curso pode ser acessado por qualquer pessoa usando uma DAW diferente. E quando se trata de efeitos de plug-in, experimentei apenas os plug-ins básicos de estoque que estão disponíveis em todos os DAWs. Então, estamos usando processos mais avançados, como equalização dinâmica. Eu usei plugins gratuitos, que também estão disponíveis para todos. Então, começaremos o curso adivinhando um design e síntese de som básicos usando o incrível sintetizador novo e totalmente gratuito vital, criando um bloco profundo e delicioso que usaremos . para o elemento principal. Você adicionará muito mais texturas à pista à medida que avançarmos. Usando vital, um instrumento de piano e amostras gratuitos, que, obviamente, estão todos incluídos no download do tutorial. Agora, uma parte da música ambiente que é essencial para acertar é, obviamente, a melodia. Então, vamos aprofundar a teoria musical e a abordagem de como criar uma progressão épica de acordes de 32 compassos e usá-la como base para adicionar mais elementos melódicos à nossa faixa. Você não precisa de uma compreensão avançada da teoria musical para fazer isso. Literalmente, construiremos isso por passo, e você poderá usar essas etapas em suas próprias trilhas para fazer suas próprias progressões de ambiente todas as vezes. Agora, uma ótima estrutura musical é fundamental em qualquer faixa. Então, analisaremos essa trilha tanto no nível microenergético quanto no nível macroenergético. Agora, o que isso significa é que você aprenderá como criar esse fluxo e refluxo sutil de tensão e liberação em toda a faixa, desde a melodia até o arranjo geral, que manterá ouvintes engajados e queria voltar para mais. A mixagem é frequentemente considerada a etapa mais técnica do processo, que é apenas parcialmente verdadeiro. E embora abordemos todos os aspectos técnicos da mixagem, como EQ, saturação de compressão, alteração do EQ dinâmico e assim por diante. Também veremos como você pode fazer mixagens sem esforço todas as vezes em suas faixas. Se você quer aprender a fazer música ambiente, este é o curso para você. Agora. Isso realmente é apenas uma pequena seção transversal de tudo o que foi abordado neste tutorial. Mas a melhor coisa sobre essas ideias para concluir cursos é que você tenha uma visão real de como fazer suas próprias trilhas e onde e quando deve usar as habilidades que está aprendendo. Então é isso para mim. Vou deixar a faixa tocar, o que você pode fazer se seguir o curso. Essa é a versão final que renderizamos em menos de 27. A última lição do curso. Sem retoques, sem pós-processamento. Muito obrigado por assistir. Espero ver você no curso. 2. Lição 01 Introdução: Bem-vindo a isso. Todas as portas começam a terminar. Ambient stroke, chill step, cada tutorial, a primeira coisa que eu quero fazer é realmente tocar a faixa que vamos conhecer juntos, chamada cascata. Vou tocar a coisa toda para que você possa ter uma ideia real do que é essa faixa. Mas é claro, se você não quiser ouvir a coisa toda, tudo bem. Vou deixar um carimbo de data e hora na tela para que você possa pular, se quiser. Então, isso vai ser muito divertido de fazer e Jati informativo. Agora, esta primeira lição é apenas uma introdução ao curso, e abordaremos algumas coisas básicas sobre como o tutorial funcionará se você estiver usando uma porta diferente da minha. Então, se você quiser começar e quiser pular para a próxima aula , em que realmente começaremos a fazer a faixa, tudo bem. Conforme mencionado, isso pode ser feito em qualquer porta, mas isso exige que você tenha conhecimento suficiente de sua porta para, por exemplo, encontrar um efeito semelhante ou saber como usar a automação? Eu tentei usar efeitos e técnicas padrão que estarão disponíveis em todas as portas. Ou eu tentei usar plug-ins gratuitos que qualquer pessoa pode baixar e usar, mas não se preocupe, se você não consegue combinar exatamente o que eu faço, é muito, muito mais importante que você entenda o técnica e por que e quando usar uma técnica específica, em vez de ser capaz combinar exatamente cada pequena coisa que eu faço. Se você comprou o curso, também terá todas essas hastes, amostras de áudio, arquivos midi e patches de instrumentos. Então, se você ficar preso, você pode simplesmente colocá-los na sua porta. Mas saiba que criamos tudo nesta faixa do zero durante todo o tutorial. Então, mais duas coisas rápidas antes de prosseguirmos para a lição dois. É claro que você está aprendendo a dar apenas um toque ambiente, etapa relaxante que você pode atrair, mas tente ver isso como uma rampa de entrada nesses gêneros. Então, abordaremos muitas das principais habilidades que você precisa para, como teoria musical, design de som, arranjo, mixagem, criação de espaço e muito mais. Então, quando terminar, você terá uma compreensão decente de como fazer suas próprias trilhas refrigeradas em ambiente ambiente. Tudo bem, então, por último, eu trabalho com taxa de amostragem de 96 khz e 24 bits e todas as amostras e hastes de áudio são gravadas nas mesmas configurações. Eu recomendo que você use 96 K24 bits, mas você pode trabalhar com uma taxa de amostragem menor, se quiser. É só uma recomendação. Ok, isso é tudo para a introdução. Obrigado por assistir garotos e garotas. vejo no próximo. 3. Lição 02 Almofada de design de som: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então nesta lição vamos fazer o som do pad em uma Cynthia livre chamada Vital. Você pode se tornar vital apenas pesquisando o VST vital no Google. E será o primeiro link que você verá. E se você rolar para baixo, eventualmente você chegará às diferentes versões que você pode obter. Agora você pode obter a versão completa , que é totalmente gratuita. Então, basta selecionar a versão desejada e baixar a versão para seu sistema operacional específico. Depois de baixado, basta instalá-lo e eu não vou onde instalá-lo , pois pode ser diferente para cada porta, mas essas são informações fáceis de encontrar com um rápido Google. Então, na sua porta, eu começaria com um projeto em branco ou seu modelo em branco preferido. E imediatamente, vamos abastecer a energia vital. Diga para mim que é fácil. Vou apenas carregá-lo com uma trilha de instrumentos em Vital. E a primeira coisa que vou fazer é torná-lo um pouco menor para que caiba na tela corretamente. Assim, você pode alterar o tamanho clicando no pequeno v na parte superior. Eu só vou chegar a 70% porque 100% é um pouco grande demais. Isso é absolutamente bom. Agora na minha porta, a primeira coisa que vou fazer é diminuir isso. Essa é a maneira rápida e fácil de organizar seus projetos para que, quando você começa a adicionar muitos outros elementos à sua faixa, ela não fique muito alta. Digamos que diminua para algo em torno de -11, pois está absolutamente bem. Então, a próxima coisa que eu quero fazer é trazer um medieval da força de trabalho. Então, se você trouxe o tutorial, você pode carregá-lo dos arquivos de trabalho, pastas, arquivos Gates e midi e, em seguida, carregá-lo no teclado inteiro, basta arrastá-lo para o instrumento vital. Deve simplesmente carregar lá. Apenas certifique-se de que seu Midea esteja começando do compasso cinco. Então, se você fizer isso no compasso cinco, como eu , tudo se alinhará em seu projeto. Então você saberá que quando eu falar sobre estar no bar 11 ou 12 ou qualquer outra coisa, você saberá que estamos no mesmo lugar. Então, vou repetir as primeiras 4 barras dessa progressão. Agora, diga não, se eu entrar nisso, vou mostrar mais ou menos como é essa progressão de acordes. Então, na verdade, é muito complexo. É como uma progressão de acordes de 32 compassos, embora, é claro, a parte principal se repita. Mas tudo bem. Então, só para você saber, nas próximas aulas, veremos o passo a passo como fazer essa progressão. E abordaremos todo o conhecimento necessário para poder criar suas próprias progressões épicas de acordes. Não apenas essa progressão, mas, na verdade, qualquer progressão que você queira ser capaz de fazer. Mas, por enquanto, eu só queria trazer esse midiin. Então, você realmente tem o suficiente para que possamos começar a esculpir nossa almofada de forma vital, porque, obviamente, no momento ela parece muito descompacta. Vamos entrar no Vital e começar. Se você é novo nisso, pode parecer um pouco assustador, mas não se preocupe. Vamos fazer design de som básico neste tutorial. E primeiro, deixe-me resumidamente, e quero dizer explicar brevemente o básico de como o sintetizador funciona. Além disso, diga não, todos esses patches estão disponíveis no arquivo de trabalho. Então, se você ficar realmente preso, você pode simplesmente carregá-los. E há instruções sobre como fazer isso na mesma pasta das predefinições. Portanto, a coisa mais fundamental a entender em qualquer sintetizador é realmente o caminho do sinal do som. Então, de onde começa e para onde vai antes de sair do sintetizador para sua porta. De qualquer forma, na verdade, tudo começa com a seção do oscilador. É aqui que o som é produzido e onde você cria a linha Tom inicial do som, Tambora, ou seja, a textura do som. Você pode alterar o intervalo de tempo usando várias formas de onda diferentes pelas quais você pode percorrer. Você pode adicionar mais osciladores. Segundo, há três osciladores principais em vital, além de você também ter um oscilador de amostra. E depois de criar o tipo inicial de textura do sinal sonoro, passa para o que chamamos de partes subtrativas do sintetizador. Então, aqui podemos moldar a dinâmica alterando o envelope. Digamos, esse é o envelope aqui. Isso controla a dinâmica da amplitude. Digamos que se eu adicionar, digamos, um ataque a ele, você ouvirá que recebemos um sinal lento no som, por exemplo, e também podemos enviá-lo por meio de um filtro. Então, se eu ativar o filtro, vou desligar o oscilador 2.3 por enquanto. Então, isso é como esculpir o som. E também existem inúmeras maneiras de modificar e modular o som que você fez. E veremos o básico disso ao longo do tutorial. Então você tem a página de efeitos onde você pode adicionar qualquer coisa pronta, compressor de coro , atraso, distorção, todo tipo de coisa ao som, extra para esculpir ainda mais o som, como você quer que seja. Mas, por mais curta que fosse, basta agora entender onde o som começa e como ele progride no sintetizador não é muito bom. Falando sobre o que cada uma das funções faz quando você realmente não tem uma estrutura para como isso funciona. Então, para ajudar com isso, vamos começar a fazer o som só para você saber, se você meio que fez ajustes de dados e quer voltar para a predefinição inicial, que é a carga vital quando é carregada pela primeira vez para cima. Em três linhas aqui e vá para a predefinição inicializada. E isso apenas redefine tudo em Basel. Então, novamente, vamos começar com a seção do oscilador. Agora, na verdade, já está na forma de onda correta. É como uma onda de serra. Esse é um bom ponto de partida. Mas o que eu quero te mostrar é esse controle sobre aqui uníssono. Então, por enquanto, vou recusar isso. Então, esse é o ajuste uníssono. Vamos trazer isso de volta em um segundo, mas é melhor começar com essa desvantagem. O que vou fazer é começar a adicionar mais vozes para ele. Então, basta clicar e arrastar para cima para adicionar mais vozes. Você pode ouvir isso meio que mudando o som. Mas o que isso realmente significa? Então, adicionar mais vozes basicamente significa que você está adicionando mais osciladores tocando a mesma música. Então, em vez de apenas um oscilador, o que seria se eu o tivesse em uma só voz? Eu tenho umas 16 vozes, todas tocando a mesma onda musical. Agora, isso não parece tão impressionante quando eu toco. Até você começar a mexer com o mostrador desafinado, digamos que eu vou tocá-lo e mexer com isso e você ouve o que quero dizer. Você pode ouvir imediatamente. Na verdade, meio que o engrossa até formar um belo cabo, quase como um transceptor, quase como um transceptor, mas na verdade o achata, o torna muito mais interessante. Ok, então tudo bem. Agora vamos adicionar outro oscilador a ele. Então, vamos ativar as oscilações também. Agora, esta não está realmente fazendo muita coisa se eu apenas tocá-la, está apenas adicionando mais uma voz, na verdade à do oscilador inicial. Então, o que eu vou fazer é realmente explicar isso. Então, vou clicar onde diz pitch e arrastar para baixo. É um -12 cairá quando Octavio só vai jogar isso. Ok, ótimo. Realmente engrossa tudo. Ter um oscilador tocando um, OK, economize, isso é ótimo. Então, em seguida, vamos começar a esculpir um pouco o som. Em primeiro lugar, também não vou dizer mudança. O segundo oscilador diz que também passa pelo filtro um em vez do Filter2. Você pode ver aqui que os oscilados também já estão sendo roteados pelo filtro um. Então, com a textura do som , mais ou menos no lugar certo, ou menos no lugar certo, vou aparecer e começar a esculpir o som usando o envelope. Então, emular um é para a dinâmica de amplitude. Então, isso significa que basicamente em termos de volume, ele o moldará como mostrei antes. Então, se adicionarmos mais um ataque, pouco mais educados, mas não precisamos ser tão extremos. Vamos fazer outra coisa. Eu só quero um pouco de ataque contra isso. Então, acabou de receber aquela leve alimentação suja logo na primeira metade, um segundo do som. Tudo bem por enquanto. Vamos aumentar o lançamento também porque queremos que ele tenha um pouco de cauda. Então, todos os códigos se misturam. Então você pode ouvir quando eu paro, você pode ouvir que é granizo. Esse é o lançamento do som. Ok, ótimo, isso está começando a soar um pouco melhor. Não tem problema, mas agora queremos adicionar um filtro, então vou ativar o filtro um. Deixe-me jogar, isso pode mudar o corte do filtro usando esse controle deslizante. Você pode ouvir que tem esse tipo de sensação ressonante. Isso porque a ressonância no momento está meio acima. É assim que você altera a ressonância do filtro. Então, obviamente, você pode desligar essa ressonância imediatamente. Batom para ficar mais ou menos na metade. Muito bom. Isso torna o som um pouco mais interessante. Mas, em vez de apenas filtrá-lo, o que eu quero fazer é modular esse filtro para que ele absorva o som. Então, para fazer isso, precisamos adicionar um ataque, assim como acontece com o ataque na amplitude. Obviamente, se aumentarmos isso, ele meio que dá uma direção lenta suave ao som. Então, queremos fazer isso, mas com os filtros, é muito fácil de fazer. Vamos usar o envelope dois para isso. Vamos clicar no envelope também. E também quando você vê essas quatro setas acinzentadas com um. no meio, na verdade, vamos clicar nela e arrastá-la para cima. Então, quando colocamos esse pequeno círculo lá, sabemos que isso afetará o corte do filtro. Então, se eu largar isso e agora não vai acontecer muita coisa se eu jogar. Porque na verdade não afetamos o cofre do envelope. Agora, levante o ataque. Você pode realmente começar a ver o filtro em si sendo modulado por este envelope aqui. Então, podemos recusar isso. Então, estamos começando a chegar lá. Não está muito certo. Realmente não soa como eu quero no momento. Então, vamos apenas obter essas configurações um pouco mais precisas. Estou apenas mudando o controle para que toda vez que o pad for reproduzido, tenhamos um ciclo completo. Portanto, não é tão ruim, mas ainda precisamos fazer algumas mudanças nisso. Então, vamos pegar esse pequeno ponto de controle no meio e movê-lo para cima. Então, obtemos uma espécie de aumento rápido no limite e, em seguida, ele fica mais suave no final e você pode vê-lo se desenrolando. Oh, digamos que precisamos aumentar o ataque também. Aumente isso. Portanto, está mais alinhado com o envelope um, que está fazendo a amplitude. Não se preocupe muito se isso não estiver se aprofundando no momento, mais fizermos isso, mais você começará a entender o processo. Essa é apenas a primeira vez que fazemos isso. Portanto, não se preocupe muito, se não estiver fazendo todo o sentido ainda. Então, temos que fazer outra modificação. Então, quando eu jogo, é um pouco extremo demais. Então, o que queremos fazer é diminuir a eficácia dos filtros, como mudar a mistura do filtro pelo rádio do quanto esse envelope afeta o filtro. E fazemos isso clicando nesses pequenos pontos aqui e clicando e arrastando para cima e para baixo. Na verdade, você pode ver o quanto afetaremos o filtro, digamos, se tivermos esse círculo completamente preenchido, é como a máxima eficácia ou a mistura completa. E se recusarmos isso , não vou afetá-la tanto. Portanto, é muito mais suave. Digamos que queremos um pouco mais do que isso, mas não algo demais em algum lugar por aqui. E, claro, enquanto está sendo reproduzido, podemos, e todos diremos, automatizar isso, o corte do filtro. E para as configurações padrão , estamos basicamente lá. Eu não disse que seria um patch muito simples. E é muito fácil conseguir algo que pareça agradável e delicioso. Agora, obviamente, quando começarmos a entender como a estrutura do código foi feita , ela realmente começará a tomar forma à medida que adicionarmos todas as notas de baixo e tudo mais. Mas, por enquanto, está absolutamente bem. Outros, mais uma coisa que eu quero fazer, que é apenas esta faixa de velocidade, mostre aqui embaixo. Então, isso é realmente muito importante. Deixe-me fechar o Vital por um segundo e eu vou para o midi. Agora, como você pode ver aqui, temos essas notas coloridas diferentes. Portanto, não tenho certeza sobre sua porta, mas no Cubase, basicamente quanto mais brilhante for a cor vermelha, maior a velocidade e quanto mais escura a cor, mais roxo, menor a velocidade. E ter uma variação na velocidade ao longo da apresentação é muito importante para adivinhar um campo emocional, sua melodia. Basta dizer não, a velocidade é como a força ou suavidade de um instrumento real, como um teclado, é tocado. Digamos que se eu apertar uma tecla com muita força em um teclado, isso é como alta velocidade. Se eu pressioná-lo muito suavemente, tem uma velocidade muito baixa. Mas, como é vital, a configuração de estoque é basicamente ignorar as informações de velocidade , então elas são definidas em zero no momento. Então, o que precisamos fazer é aumentar isso em 100% para que o vital realmente leve em consideração as informações de velocidade que são enviadas para ele a partir da faixa midi. Então, quando estou no meio, você pode ouvir essas notas que são um pouco mais baixas ou têm uma velocidade menor quando eu as pressiono. E depois os mais altos. Então você pode ouvir que há uma diferença de volume entre eles. Usamos isso para adicionar emoção em toda a faixa. Mas vamos abordar isso com muito mais detalhes quando começarmos a ver a melodia real em si. Tudo bem, então a última coisa vital é que eu só quero adicionar alguns efeitos a este patch apenas para realmente finalizá-lo. Então, a primeira coisa que eu quero adicionar é um compressor. Então, acabamos de ativar isso. O compressor vem com algumas configurações diferentes. Você tem multibanda, banda única, banda alta e limite inferior. Na verdade, queremos mantê-lo em multibanda. multibanda é uma das melhores configurações. Eu só vou jogar isso. Você já pode ouvir isso. Na verdade, está mudando muito bem. A almofada está trazendo à tona uma espécie de grão de alta frequência. Não quero entrar em todas as configurações de multibanda, ou menos assim no início do tutorial. Digamos que eu vou continuar e meio que ajustá-lo. Define corretamente? Para este instrumento. Digamos que isso é o que foi ignorado. E você pode acrescentar que meio que adiciona quase um pouco de excitação ao sofisticado. Então, tudo bem, ele precisa entrar em mais detalhes. Agora quero adicionar um pouco de distorção. Então, para isso, vamos mantê-lo em sua configuração padrão de clipe macio, que é mais ou menos se você o usar de uma forma não muito forte, é mais parecido com saturação do que com distorção. Mas há uma linha tênue entre qualquer um, digamos, tudo bem, vamos apenas ouvir um pouco. Novamente. Na verdade, é apenas adicionar um pouco de brilho e mais coragem, se você quiser, ao som mais alto. E então o EQ que vamos adicionar. Portanto, há algumas configurações diferentes que você pode usar aqui. Se você clicar no logotipo, por exemplo, poderá alternar entre uma prateleira baixa ou uma prateleira baixa. que podemos fazer com que uma milícia tenha crescido Acho que podemos fazer com que uma milícia tenha crescido um pouco. E também com o topo de linha, você pode usá-lo como um corte de caminhada ou uma prateleira alta. É só que ele é uma prateleira alta. E, novamente, vamos apenas aumentar o limite. Basta ajustar os bits do driver na distorção apenas para diminuir essa parte. Ok, então isso é muito decente. Estou feliz com isso. Agora podemos fechar o Vital. Então, isso é tudo para esta lição. Na próxima lição, começaremos a analisar a letra principal e a forma como programamos em toda a progressão de acordes. Mas na próxima lição, examinaremos a parte mais básica da teoria musical. Então, se você quiser, se você já é bem versado em teoria musical, você a entende ou pode realmente pular menos de três e ir direto para a lição quatro, onde na verdade começamos a construir o melodia em si. E menos de três, na próxima lição examinaremos os fundamentos da teoria musical para aqueles que não sabem muito sobre ela. Tudo bem, muito obrigado por ver garotos e garotas te verem no próximo. 4. Lição 03 Noções básicas de teoria musical: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, agora temos o som do teclado. Vamos ver como criamos uma melodia do zero. Agora, pode ajudar alguns de vocês saber que eu realmente não toco nenhum instrumento e sou autodidata quando se trata de teoria musical. E é importante que você entenda que, mesmo que tenha muito pouco conhecimento de teoria musical, você ainda pode criar progressões de acordes e melodias aparentemente complexas e bonitas. A maneira de fazer isso é criar complexidade a partir da simplicidade. Esse é um conceito que pode ser aplicado a muitas coisas na produção musical. Mas, obviamente, falaremos em termos da progressão de acordes aqui. E tudo o que isso significa é que começamos simplesmente com os acordes da tríade, que são os acordes básicos de três notas. E então começamos a experimentar diferentes vozes e experimentamos diferentes tipos de núcleo, etc. Fazendo isso com apenas um pouco de compreensão básica, você pode criar algumas progressões de acordes incríveis. Agora, eu não quero pregar para o cabelo do coro. Portanto, qualquer um de vocês que já entenda o básico das escalas e saiba como fazer tríades pode pular para a próxima lição na qual começaremos a construir a melodia do zero. Para pessoas que são novas na teoria musical. Uma atualização rápida. Vou abordar o básico absoluto para que você possa entender o que está acontecendo na próxima lição e também fazer isso de acordo com suas próprias instruções. Portanto, a melhor maneira de abordar isso é dividi-lo em etapas. Então, o primeiro passo é escolher a escala que você deseja usar para essa faixa. Usamos a escala C menor em suas faixas. Obviamente, você pode usar qualquer escala que desejar. As mesmas regras se aplicam à criação de tríades e progressões de acordes. É só que a escala fornece a estrutura musical básica de que você precisa para começar. Então, o segundo passo é descobrir quais notas nessa escala. Agora, sua porta pode realmente ter ferramentas embutidas, como o Cubase. Mas a coisa mais fácil de fazer é simplesmente fazer anotações no Google na escala C menor, pressionar Enter e depois ir para as imagens. O que você quer procurar são essas imagens do basic music theory.com. Eles são os mais fáceis de entender, mas você pode preferir outros, dependendo da sua formação musical. Imediatamente. Eu posso ver que na escala Dó menor temos C, D, Mi bemol, F, G, A-bemol, e então, obviamente, de volta para C, e isso simplesmente se repete. Agora, o que eu recomendo que você faça é transferir essas notas para sua porta para que você possa consultá-las facilmente. Digamos, vou apenas mover meu bloco para fora do caminho e vou desenhar um segmento midi em branco e entrar nele. E o que eu quero fazer referência a eles é vamos literalmente desenhar as notas, apenas tornar isso um pouco mais ampliado. Então, temos C, que obviamente é o tônico da nossa escala. D, E bemol, F, G, um apartamento, B bemol. E então ele se repete voltando para C e começa tudo de novo. Mas isso é o suficiente. Acabamos de receber todas as notas como referência. Então, essas são as notas que podemos usar para fazer nossa progressão de acordes e/ou melodia. Apenas diga não, uma rápida porque obviamente eu disse que temos Mi bemol, temos um bemol e B bemol. Agora, é um pouco confuso na maioria das portas porque o que é realmente Mi bemol em algumas escalas também é conhecido como D-sharp em outras. E na maioria das portas, talvez sua porta seja um pouco diferente, mas no Cubase é sempre rotulada como D-sharp, mesmo que na verdade seja em Mi bemol. Um pouco confuso, mas na verdade não é tão importante no grande esquema das coisas. Você não precisa realmente entender isso para poder usar os truques que vou mostrar para poder fazer chamadas e outras coisas. Tudo bem, fora do caminho, vamos realmente considerar a criação de uma tríade. Então, fazer tríades é a coisa mais fácil do mundo. Confie em mim, qualquer um pode fazer isso? Então você começa com a nota raiz. Então, neste caso, vou desenhar um acorde em C porque essa é a nossa escala. Então, vamos começar com isso, mas vamos progredir para acordes diferentes. Vamos me dar um pouco mais de espaço aqui. Então, uma vez que você tenha seu nó raiz n, que é c neste caso, você pula uma nota na escala, que é D, e então desenha a nota na próxima nota da escala, que é Mi bemol, então você faz o mesma coisa. Você pula outra nota na escala e depois desenha na próxima nota da escala. E é literalmente isso. E isso se aplica a qualquer nota da escala. Digamos, por exemplo, se eu quiser um acorde em Mi bemol, digamos que eu o desenhe na nota raiz. Então vá e Mi bemol. Então eu perco uma nota na escala e depois desenho para dentro e para fora. Então eu faço o mesmo. Estou perdendo a oportunidade de escalar e desenho em outra noite. Como eu disse, isso funciona em qualquer nota de escala. É tão simples quanto isso. E então você começa a ver como é importante escolher a escala. Não importa em que escala você esteja. Ainda assim, as mesmas regras se aplicarão. E depois de saber que você pode literalmente criar qualquer código que quiser. Então, vamos, por exemplo, apenas mais um. E isso quer dizer que eu quero um acorde em Si bemol. Então eu posso desenhar minha nota raiz agora, e eu não tenho as notas desenhadas lá, mas obviamente ela continua. Então, eles literalmente se repetem. Então seria como C, D, Mi bemol, etc. Então eu posso usar as notas que eu já tenho. Então eu tenho meu Si bemol. Eu perdi uma nota na balança. Então, a próxima nota será d. E então eu perco uma nota na escala, e a próxima nota será F. Tudo bem, então é assim. E aí vamos nós. Temos pouca, pequena progressão de acordes. Isso é só um exemplo. É claro que não vamos realmente usar esse. Vamos usar um diferente na próxima lição, mas vamos começar a usá-lo. Agora, a última coisa sobre a qual quero falar aqui é a numeração dos cabos porque isso só torna tudo um pouco mais fácil. E é muito, muito simples. Então, é literalmente como se você tivesse números ao lado de cada um deles e simplesmente contasse. Portanto, a tônica da escala c, neste caso, é sempre o único acorde. E então os dois acordes, três acordes, quatro acordes, cinco acordes, seis acordes, sete acordes são literalmente tão simples. Então, se eu disser, eu quero dois acordes, então você sabe que você vai 12 e então essa será a nota raiz dos dois acordes. E então, obviamente, você simplesmente segue os mesmos passos. Então, pulamos uma nota na escala, depois adicionamos uma nota e, em seguida, pulamos e adicionamos uma nota que é plana. Este é um acorde de dois porque esse acorde aqui é um acorde de três porque é 123. E então a nota raiz começa em três, esta aqui em cima. Então, obviamente, contamos até 1234567. Então esse é o acorde de sete. Se eu disser que você quer um acorde de seis, muito fácil, conta até 123456. E esse será o nó raiz da próxima tentativa que você fizer. A última coisa que vou mencionar é que quando se trata de escolher os acordes que costumavam compor sua progressão, eu sou 95% do tempo. Você começará com um acorde como o primeiro acorde. Exatamente assim. É muito raro você realmente começar com um acorde diferente. Isso pode ser feito, mas, para ser honesto, quando você é iniciante, comece com um acorde. Isso vai tornar sua vida muito mais fácil. Então, o último acorde na progressão é 95% do tempo. Novamente, sempre um acorde de quatro ou cinco. Está bem? Então, isso será um acorde começando com, nesta escala específica, de qualquer forma, seria um acorde começando com F ou G. Então, por exemplo, eu vou fazer isso rapidamente. Digamos que eu tenha minha noite f, eu pulo e adiciono uma nota, Saltando em oito, que é C. A razão para isso é que a transição do acorde de quatro ou cinco no final do progressão, voltar para um acorde dá uma sensação de resolução. Então, começamos com um acorde e terminamos com o quatro acordes. Nenhum tipo de transição sempre tem um senso de resolução se você usar o acorde de quatro ou cinco. Então, basicamente, é muito simples fazer uma progressão completa de acordes compasso porque ela sempre começa com um acorde. E você sempre terá um acorde de quatro ou cinco no final. Então você só precisa escolher os dois acordes que se interpõem e que soam muito bem. Como você quer que eles soem. Tudo bem, então vou deletar isso porque não vamos usá-lo. Na próxima lição, continuaremos fazendo a progressão de acordes e mostrando como eu a criei do zero. Então, esse é o conhecimento fundamental que você realmente precisa entender para começar. Depois de entender isso, você pode aumentar esse conhecimento e começar a experimentar coisas como sete acordes chamados sus, acordes emprestados, que abordaremos na próxima lição. Tudo bem, muito obrigado por assistir garotos e garotas. vejo no próximo. 5. Lição 04 Teoria da música começando a progressão da acorde: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então o foco desta lição e da próxima lição é mostrar como complexidade nas progressões de acordes surge da simplicidade. Antes de entrarmos nisso, eu só quero entrar nessa progressão de acordes. Então, obviamente, essa é a progressão completa de acordes que você terá na força de trabalho se comprar o curso. Na verdade, vamos falar sobre como construí-lo literalmente do zero. Eu só quero te mostrar basicamente como fica no final. Então, teremos uma boa ideia de aonde estamos indo com isso. Então, como você pode ver, há muita coisa acontecendo aqui. Parece muito complicado. E, obviamente, é baseado na sua opinião, se você acha que soa bem ou não. Mas eu gosto disso. Vou jogar rápido ou pelo menos um pouco. Digamos que a partir daqui, é como se você entendesse a ideia e evoluísse em torno disso. É como uma progressão de acordes de 32 compassos e evolui ao longo do tempo. Mas vamos falar sobre como chegaremos a esse ponto apenas começando com tríades simples. Tudo bem? Então você mesmo pode repetir isso, com qualquer melodia que quiser, do zero. Tudo bem, então vamos esclarecer isso. E vou começar com uma simples progressão de acordes de quatro compassos. E é basicamente assim que eu começo todas as minhas progressões de acordes, nem todas. Algumas startups são um pouco diferentes. Eu poderia começar com notas simples e depois adicionar códigos, mas de qualquer forma, geralmente é assim que eu começo. Então, vamos entrar e ver nosso editor midi. E, claro, o cabo de ofertas está em C, então C menor. Eu já mostrei na última lição como realmente fazemos tríades. E só para aqueles que estão por perto, na verdade, simplesmente colocariam as notas fantasmas, eles não vão tocar nada. Só que as pessoas podem ver quais notas estão na escala G menor. E como mostrei na última lição também. Então, obtivemos nosso primeiro núcleo. Sabemos que a progressão de acordes vai começar com um acorde de um e , em seguida, nossa progressão de acordes de quatro compassos, neste caso, vou escolher o acorde com o qual ela terminará, porque é um acorde de quatro ou cinco. E neste caso, vou usar um acorde de cinco. Então isso é 12345, diz G, Si bemol e depois D. E então os dois acordes intermediários. E então começaremos com um acorde de seis, que é mais plano do que um acorde de três, digamos, a, B, Mi bemol. Mas vamos seguir em frente. Então, isso é uma espécie de início de progressão completa de acordes compassos. Exceto que teremos esse último acorde uma oitava abaixo. Então, estou apenas destacando. No Cubase, basta segurar as teclas Shift e seta para baixo para soltá-la. Ok, salve básica progressão básica e boa de acordes, tudo bem. Mas se eu dissesse olha, aqui está minha progressão de acordes, você seria perdoado por pensar que é excessivamente simplista. Mas, como você começará a ver, vamos adicionar, usando etapas simples, camadas de complexidade a isso. A propósito, observe há absolutamente nada de errado em usar tríades de símbolos. Se isso combina com tríades de símbolos. Se isso combina sua música e com o que você deseja alcançar, queremos algo para essa faixa que seja talvez pudesse ser descrito como um pouco mais complexo emocionalmente. Então, precisamos nos basear em apenas uma simples tríade. Mas para algumas músicas, certamente músicas pop e coisas assim, pode realmente funcionar, basta usar tribos simples. Tudo bem, então a próxima etapa é duplicar isso. Então, vou transformar isso em uma progressão de acordes de oito compassos. Então, certamente começaremos a segunda repetição, se você quiser, ou a segunda metade dessa progressão de acordes de oito compassos com o acorde de C menor. Ambos provavelmente têm algumas notas diferentes no meio. E vamos misturar isso um pouco. E teremos quatro acordes para nosso último curso. Digamos que eu vou simplesmente arrastar isso para baixo. Então, é claro, eu sei quais códigos eu quero intermediários. Eu quero que esse segundo acorde na segunda metade seja um de cinco acordes, então eu posso simplesmente Nick. Nós nos perguntamos se colocamos lá, e então eu quero um acorde de três, que eu posso simplesmente roubar lá também. Então, é claro, quando eu fiz isso pela primeira vez, não foi como se isso tivesse acontecido de repente e eu disse, ah, sim, eu quero um acorde de um quarto, três quartos de cinco onde eu obviamente Brinquei com ele, eu escolhi um acorde. Eu escolhi os cinco núcleos para começar como a última nota na primeira metade da progressão. E então eu mexi usando códigos diferentes e encontrei esses dois, que funcionam muito bem. E então eu fiz o mesmo com o próximo também. Então, quando eu obviamente tenho um acorde, o quatro acordes, eu então toquei com esses dois e experimentei acordes diferentes. E acabei de encontrar esses trabalhos muito bem. Ok, então isso é o que temos até agora e é super básico. Então, como é tão simplista, vamos dar uma olhada em como podemos tornar isso emocionalmente mais profundo. Digamos que a primeira e mais simples maneira seja usar vozes diferentes para os códigos. Digamos que atenuar vozes diferentes simplesmente significa você está mudando a oitava em que as notas estão. Na verdade, você está usando a mesma nota. Então, por exemplo, se eu pegar, digamos, o mi bemol do primeiro acorde e depois o movo para baixo uma oitava. Mais ou menos, preencha uma atualização. Por exemplo, você obtém um som muito mais épico se quiser uma maneira de descrevê-lo de qualquer maneira, você não precisa apenas mover as notas para uma posição diferente. Você pode realmente duplicar a noite, digamos que o tipo de coisa mais comum que você pode fazer é adicionar uma nota de base, digamos, vamos copiar o C para baixo e realmente engrossar e dar. um som muito mais profundo. Digamos que isso é bom para o primeiro acorde. O segundo acorde duplicará a nota superior, mas teremos uma oitava abaixo. Salvar isso efetivamente se torna a nota base do acorde que fará o oposto do terceiro acorde. Então, opa, desculpe, estou em um dia que está apenas duplicando o Mi bemol lá. Já. Está começando a parecer um pouco mais agradável, um pouco mais emocional, talvez, que tudo se junte à medida que avançamos. Mas vamos brincar com esse último acorde agora. E eu quero fazer algo um pouco diferente neste caso. Até agora, esses três acordes tiveram apenas mudanças ou acréscimos de voz simples. Digamos que, para esse acorde, vamos trabalhar nisso. Então, o que eu vou fazer é realmente usar o que é chamado de sétimo acorde. Agora, esteja ciente de que aqueles que são novos na teoria musical, um sétimo acorde com um décimo depois e um acorde A7 sem o THR, na verdade coisas diferentes. O acorde de sete está relacionado à posição das tríades. Então, novamente, voltamos aos nossos números, como 1234567. Então, sete acordes seriam apenas um acorde começando com Si bemol e depois formando uma tríade simples. Mas um sétimo acorde é qualquer tríade à qual você adiciona uma quarta nota, que é um sétimo intervalo acima da nota raiz. Agora, isso parece muito complicado, mas na verdade é muito simples. Digamos, eu quero fazer um sétimo acorde com esse código. Tudo o que eu faço é literalmente acompanhar, digamos, onde criamos o código em primeiro lugar, precisamos das notas básicas. Em seguida, pulamos uma nota na escala, adicionamos uma nota, obtemos outra nota na escala e adicionamos outro nó. E agora vamos fazer a mesma coisa. Vamos pular uma nota na escala e adicionar outro nó. E isso agora é um sétimo acorde. Você meio que pode ouvir que o impacto emocional que isso tem é muito maior do que apenas chamar o padrão. Eles não dizem que seja ruim ou algo assim, mas isso apenas muda a sensação. Uma última coisa que eu quero fazer é que você veja esse D, e eu vou movê-lo para baixo uma oitava apenas para abrir um pouco o código. Say começa a soar muito bem e certamente muito diferente das tríades originais. Então, vamos continuar com a segunda metade dessa progressão de acordes de oito compassos. Então, novamente, vou duplicar o mar do primeiro acorde. E essa, na verdade, vou mudar a voz disso. Vou elevar isso uma oitava. Vou duplicar o Si bemol e vou duplicar o D abaixo de uma oitava. Vamos tocar isso rapidamente para que você possa ouvir o que temos até agora. Desculpe, na verdade, antes de prosseguirmos, só quero explicar. Isso não acontece por meio de um simples conhecimento da teoria musical. O que estou fazendo aqui é, bem, quando fiz isso pela primeira vez, literalmente experimentando diferentes vozes, apenas experimentando notas diferentes em posições diferentes. Tentando tocar o sétimo acorde, talvez tentando codificar SAS, sobre o qual falaremos daqui a pouco. Experimente o acorde emprestado, sobre o qual também falaremos daqui a pouco. Mas, literalmente, tratamos apenas de experimentação. Não é como se você chegasse ao ponto em que, pelo menos para mim, de qualquer forma, certamente não tenha chegado ao ponto em que eu acho que obtive uma coordenada. Eu acho, Oh, o código perfeito depois disso será esse. E então o código perfeito depois disso será esse. Blá, blá, blá. Isso realmente não acontece. Isso acontece por meio de experimentação e apenas experimentando coisas. E é assim que você realmente consegue algo original e emocional ao mesmo tempo, certo? Então, com isso dito, vamos jogar rapidamente o que temos até agora. Esta é bem simples em uma duplicata dessas duas notas. Uma coisa sobre essa progressão de acordes que descobri quando estava ouvindo, e eu tenho isso até agora e ainda não havia trabalhado no último código. E eu só precisava mudar a sensação desse último acorde. Então, deixe-me jogar rapidamente para que você possa entender e entender onde estamos. E então eu vou te mostrar o que eu fiz para superar esse último acorde que não soou muito bem . Não é terrível. Talvez funcionasse, mas só para mim, não quer dizer que termina com um pouco de depressão, pronto? E é um acorde menor. E, a propósito, saber se um acorde é um acorde maior ou menor é muito simples de fazer na sua massa. Basta ampliar um pouco. Então, quando você olha o código, se você tem um espaço de duas notas entre as notas inferior e média. E se você tem uma lacuna de 123 antes das notas médias e superiores, então você tem um acorde menor. Se for o contrário e você tiver uma lacuna de três entre o fundo e o meio, e um espaço de dois entre o meio e o topo, então é um acorde maior. É tão simples quanto isso. Agora, todos os acordes em uma progressão serão maiores ou menores. Só porque você está usando uma escala menor não significa que todas elas serão tríades menores. Alguns deles serão grandes. É assim que funciona. Então, vou colocar isso de volta onde estava por um segundo. Há também um outro tipo de acorde chamado acorde diminuído, que tem uma lacuna de dois entre o fundo e o meio, e o meio e o topo, digamos, por exemplo seria assim. Sempre há um acorde diminuído em, bem, quase todas as escalas, escalas maiores e menores. Na escala menor, o acorde diminuído é sempre o acorde de dois acordes notado anualmente ou você pode ter notado um pai. Na verdade, não estamos usando dois acordes nessa progressão de acordes em particular. O acorde reduzido é um pouco mais difícil de encaixar na sua faixa. Não significa que não possa ser usado, ele é usado, mas nesta faixa não o estamos usando. Então, não vou entrar em mais detalhes sobre isso. Mas a razão pela qual estou explicando tudo isso é porque o que vamos fazer é mudar esse último acorde do que naturalmente deveria ser um acorde menor. Vou fazer o que é chamado de emprestar um acorde? E isso é simplesmente mudar o acorde de um acorde menor para um acorde maior. Agora eu vou jogar isso para que você possa ter uma ideia. Parece que Parece acabou com a progressão de acordes. E a razão pela qual é chamado de acorde emprestado é porque, como você pode notar, a nota que não está realmente nesta escala, estamos usando uma nota que está fora da escala, que estaria em C escala maior, enquanto estamos usando a escala C menor. Agora, isso realmente não importa. Realmente não precisava entender a mecânica ou a teoria musical por trás disso, só que você pode usar o que é chamado de acorde emprestado. Então você acabou de mudar o código antigo aqui ou ali. De qualquer forma. Vamos continuar. Temos mais algumas coisas a fazer com esse último acorde. Então, vou duplicar isso. E, na verdade, vou pegar esse a, que é uma espécie de parte emprestada do acorde. E vamos aumentar muito isso , economize também. Há uma última coisa que eu quero fazer com isso, que eu preciso explicar o que ela está usando um acorde sus. Mas antes de tudo, deixe-me jogar isso para que você tenha uma ideia de onde estamos antes de adicionarmos o código-fonte. Então, no momento, sinto que simplesmente não está resolvido corretamente. Eu só quero acrescentar uma última coisa a isso agora. Muito rapidamente, antes de prosseguirmos, na verdade, vou apenas desfazer as mudanças de posição aqui. Só assim, voltamos ao nosso tipo original de tríade, mesmo que tenha a coordenada emprestada, ainda tenha o AC. Este é um acorde maior em vez de um acorde menor. E na primeira metade, o que vou fazer, vou encurtar essa. E então vou adicionar um Si bemol, que será conhecido como acorde sus quatro. Então, estamos basicamente mudando a nota média. Então, não temos nenhuma nota média aqui, que normalmente é uma terceira natural, e estamos basicamente aumentando isso. Se o mudássemos para baixo, seria de molho a acorde. Acorde Sus4. Se eu os mover acima do que discutimos, seria um acorde de sete. Fica um pouco confuso, mas isso realmente não importa. Isso é bom. Este é um código SubTwo e é isso que vamos fazer. Então, agora eu os tenho lá. Vou movê-los para a posição correta, que é uma oitava acima. E vou duplicar esse f novamente. Então, eu só quero mostrar como isso é construído para que você possa entender o que está acontecendo lá. Agora, deixe-me jogar isso. No entanto, algumas coisas que eu quero fazer são mudar a velocidade de algumas dessas noites porque elas têm um pouco de ênfase demais Eu diminuiria a velocidade delas para que elas fossem uma um pouco mais suave. E então, na verdade, faça com que funcionem quase totalmente. Ok, então você pode perceber que há um pequeno padrão emergindo aqui. Vamos nos dar um pouco mais de espaço para que possamos ver toda a progressão de acordes de oito compassos como ela está. Então, o que fizemos foi fazer mudanças de voz simples para os três primeiros acordes em cada metade dessa progressão de acordes de oito compassos. E então a quarta corda, ou a quarta e a oitava, fizemos algo um pouco diferente. Então, o primeiro, usamos um sétimo acorde, e no segundo usamos duas coisas, na verdade um acorde de dois acordes e um acorde emprestado. E possivelmente apenas minha opinião, mas eu diria que usar um acorde de sétimo e um cordão subsidiário , eles são mais impactantes. Mudanças na progressão dos acordes. Meio que enfatiza as partes repetidas. Antes de voltarmos ao acorde único, meio que enfatizamos essa nota. Em seguida, voltamos ao acorde que enfatiza isso. E então estamos repetindo a progressão de acordes. Isso não quer dizer, é claro, que você não deva usar um sétimo acorde na metade da progressão ou usar um acorde emprestado para o primeiro acorde de sua progressão. Isso é absolutamente bom. Você pode fazer o que quiser. Mas o que quero dizer aqui é, e falaremos sobre isso mais adiante no tutorial, que esse tipo de estruturação na forma como a progressão de acordes acontece. Então, os primeiros três acordes, apenas uma voz simples, depois uma mudança maior do que outras três chamadas, apenas uma voz simples e uma mudança maior muda o tipo de sensação energética da melodia. E tudo isso aumenta a tensão e a liberação da faixa. E se você puder dominar, mas aumentar a tensão e liberar suas músicas em todos os níveis, não apenas no nível da melodia, mas também na escala macro, na estrutura da música. Assim, você poderá criar músicas convincentes que as pessoas só queiram que continuem ouvindo você. E, novamente, abordaremos isso com muito mais detalhes posteriormente no tutorial e analisaremos isso de forma realmente completa. Ok, isso é tudo para a aula. Estamos na metade da melodia e espero que você possa começar a ver o processo de criar complexidade a partir da simplicidade, começando com a progressão básica da tríade e crescendo pouco a pouco. Obrigado por assistir garotos e garotas. vejo no próximo. 6. BTP Ambiente refrescante Lição 05 Música Teoria 32 Bar: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então, nesta lição, vamos dar uma olhada em como transformamos acordes de oito compassos em uma progressão de acordes de 32 compassos. Para isso, vamos pular para a sala cheia que temos lá. Então, vou deletar a parte que obtivemos no início e que usamos como exemplo. E eu vou apenas entrar no midi. Então, vamos dar uma pequena olhada. Tudo bem, então, só por enquanto, vou conhecer essas notas principais para que eu possa trazê-las uma de cada vez. A parte importante a perceber aqui é que temos a mesma progressão de acordes de oito compassos aqui, e ela é repetida várias vezes, para ser mais preciso. Então, é literalmente a mesma progressão de acordes de oito compassos até o fim. A única mudança que você pode notar é esta nota aqui em cima , onde usamos, em vez de uma lei de acordes sus, você tem aqui com o a afiada. Temos um C, que está apenas repetindo a nota mais baixa do acorde. Além disso, a única diferença é que temos todas essas notas extras. Então, deixe-me abordar o tipo de repetição principal ou primeira disso. Só para você saber, quando eu diminuo o zoom, temos uma espécie de repetição da progressão completa de acordes de 32 compassos. Então esse é o primeiro. E depois há outra repetição disso aqui. Essa é a segunda metade das faixas, então vamos repeti-la. Mas abordaremos isso com mais detalhes mais tarde. Então, eu realmente quero trabalhar apenas nessa primeira metade, que é o tipo de progressão principal de acordes de 32 compassos que eu criei originalmente. Então, a primeira coisa que fizemos para isso foi realmente adicionar notas de base. Então, tenho notas de baixo aqui. Desculpe, deixe-me ampliar um pouco para dizer com mais precisão que vou tocar isso rapidamente quando as notas de base chegarem. Tendo a base, e ela está chegando na metade. Essa progressão de acordes tem um impacto muito bom e adiciona um pouco de variação a ela. Especialmente quando você tem todos os sons e o piano chegando e tudo mais do tipo, que virá mais tarde. Então essa é a primeira grande mudança, se você quiser, na progressão de acordes. Agora, a segunda coisa são, obviamente, todas essas notas extras que temos aqui em cima, que são como tocar uma linha superior quase até a progressão de acordes. E embora pareça muito complicado, nós realmente construímos essa nota de cada vez. Então, uma coisa a considerar antes de iniciar processo é que, neste tutorial, tudo parece que vai acontecer muito rapidamente, que não é realmente o caso quando chego a este ponto Quando eu estava fazendo essa faixa pela primeira vez, eu ouvia bastante essa progressão de acordes. Então, eu já estava muito familiarizado com isso. Agora, estou explicando isso, porque estar familiarizado com a melodia em que você está trabalhando torna muito mais fácil escolher as notas certas ao fazer o que estou prestes a mostrar. Então, tudo o que fazemos é começar a adicionar notas. Digamos que o primeiro anúncio nativo tenha sido esta noite, literalmente na segunda progressão de acordes. Então, a partir daí, eu apenas escutei e senti onde eu quero que vá ou imagino para onde eu quero que vá. E eu posso imaginar que vai as notas mais altas. E isso será aquele que vê de volta. Literalmente, os processos que apenas uma nota por vez. E à medida que passo e adiciono uma nota, eu meio que escuto ou uso minha imaginação para saber onde acho que a próxima nota deveria estar. E na maioria das vezes é bastante óbvio. A música sempre dirá para onde ela quer ir. Quando você escuta de volta. Digamos que você possa ouvir sua energia crescendo à medida que as notas sobem. E esse é um dos conceitos que eu tinha em mente ao fazer isso: era que eu queria manter o tipo de energia aumentando. Não queria muito subir e descer. Obviamente, isso é um pouco de altos e baixos. Você precisa de um pouco disso na faixa só para manter as coisas interessantes. Mas, no geral, a energia real está basicamente aumentando, um aumento ao satisfazê-las e crescendo em energia ou aumentando em energia à medida que progride ao longo da progressão. E, literalmente, nota por nota, continua até que tenhamos a progressão completa. Agora, a última coisa a considerar, que abordei brevemente, é a velocidade das notas. Digamos que, como você pode ver, a velocidade dos Cavaleiros varia um pouco. Basta acessar as informações de velocidade. Você pode ver que há uma grande variação entre as diferentes notas. E o motivo para mudá-los é duplo. Primeiro, quero que isso soe mais humano, como se estivesse realmente sendo tocado por uma pessoa real. E também. Algumas notas à medida que aumentam de tom, na verdade , ficam mais altas. Então, parte da velocidade também muda, que ela apenas equilibra essas notas para que elas não saltem repentinamente para você. E realmente é isso. Então, vamos fazer uma rápida recapitulação do que aconteceu aqui. Então, literalmente, começamos com apenas uma simples progressão de acordes de 4 compassos usando tríades simples. Em seguida, adicionamos, para que progressão de acordes se transformasse em uma progressão de tríade de oito compassos, mas simples. Então começamos a mudar a voz de algumas notas. Adicionamos acordes de sétimo, acordes emprestados um código SAS para obter qual é a base da melodia principal. E então nós literalmente repetimos isso quatro vezes. E então adicionamos todas essas notas principais em cima dela. Não estou realmente usando nenhuma teoria musical em particular, verdade, a única regra que eu sigo aqui é apenas usar notas na escala, pelo menos exceto o último acorde na progressão de acordes de oito compassos porque temos um acorde emprestado lá. Então você pode usar um a nesse caso. Mas, além disso, todas as noites estão na escala. E eu realmente não vi se eles são acordes sus ou acordes de sétimo, nono acordes ou qualquer outra coisa. É literalmente ir de avião e ver para onde eu acho que deveria ir, experimentar um pouco, experimentar coisas e, se não funcionar, tente uma nota diferente, etc., até chegarmos algo com o qual estamos muito felizes. Tudo bem, então isso é tudo para esta lição. Na próxima lição, veremos adicionar uma camada superior de cordão de adágio. Muito obrigado por ver garotos e garotas te verem no próximo. 7. Lição de calha ambiente BTP 06 Camada de cordas Adajio: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então, para complementar nosso teclado, quero adicionar um bom som orgânico de cordas tocando basicamente as notas principais que acabamos de adicionar. O que eu quero fazer é que esse som de cordas chegue depois dos primeiros 8 compassos, onde começamos essa nossa linha superior com essas notas extras. E a razão para ela chegar, 8 bar, é basicamente manter a pista evoluindo e mantendo as coisas interessantes. Obviamente, os primeiros 8 compassos serão basicamente apenas o som do pad. Então, o ouvinte, por exemplo, estaria apenas se acostumando com uma boa progressão de acordes suave e suave que está chegando. E então vamos adicionar uma linha superior a essa amostra de cordas Easiness Adagio. E você verá como ele se funde, mas não adiciona esse sabor orgânico muito bom. Como se estivesse realmente sendo tocado, digamos, como uma orquestra com alguém tocando cordas entrando suavemente após os primeiros 8 compassos. Digamos, quando eu fiz isso originalmente, ou simplesmente copiei literalmente depois dos primeiros 8 compassos das notas principais. Então, como literalmente copiou o lote inteiro. E acabei de copiar aquela Midea para uma nova faixa midi para a corda Adagio. Mas é claro que eu o modifiquei um pouco e mudei as velocidades para se adequar apenas às amostras de cordas. Então, na verdade, será carregado. O arquivo midi acabou de receber exatamente as mesmas notas. Essa velocidade foi apenas ligeiramente alterada. Então, vamos carregar esse arquivo. Mas antes de tudo, é claro, temos que carregar a amostra que vamos usar. Agora você não precisa usar uma amostra de cordas, mas acho que adicionar esses sons orgânicos realmente aumenta a emoção de uma faixa e ajuda a mantê-la fundamentada na realidade. A amostra que vamos usar está na força de trabalho que você baixa e são as sequências de caracteres Adagio em C. No Cubase, temos um amostrador, então eu posso simplesmente carregá-lo em C. No Cubase, temos um amostrador, diretamente na faixa do amostrador. Agora, praticamente todas as portas hoje em dia têm amostradores embutidos, então não deve haver um problema para você. Se o seu cão não tiver um , existem instrumentos de amostra gratuitos que você pode baixar e usar. Um dos melhores gratuitos que você pode obter é este, o software t x1 six wx Sant per se. Se você acabou de pesquisar no Google, você o encontrará. Você pode baixá-lo deste site aqui, totalmente gratuito para PC e Mac. Portanto, se você não tiver um sampler, basta baixar e instalar esse. Talvez você precise assistir a um vídeo sobre como usá-lo se não estiver familiarizado com ele. Mas espero que a maioria das lojas tenha seu próprio amostrador, então você deve ficar bem, certo? Então, nós temos isso, e vamos trazer o arquivo midi salvo como gates para middy. Ou você também pode fazer isso no Explorer. Para a maioria das portas, basta arrastá-la do explorador de arquivos. Na verdade, ele o coloca na posição correta, que está 8 bar nele. Então, vamos recusar isso. Em primeiro lugar, toda a ideia disso é que tudo vem muito suavemente para começar do topo do caminho. Então, vamos jogar isso. Uma das coisas que é muito, muito importante é que estamos jogando isso um pouco rápido no momento. Isso é definido em 120 bpm. Rastrear é fácil, pois isso acabou de alterar o BPM agora, antes de começarmos a adicionar amostras de OJ e tudo mais. Então 84 é o ritmo correto, muito, muito mais lento e ambiente. Vou tocá-la a partir da metade da progressão de acordes. Então você pode ouvir a corda entrando. Isso apenas adiciona um bom tipo de camada superior a ela. Só para você saber, como mencionei antes, as velocidades foram modificadas especificamente para isso. E você pode ver o fluxo gradual que eles têm para eles ao longo de serem jogados. Então, apenas um padrão de velocidade ligeiramente diferente do do pad. Mas este pareceu funcionar muito bem para as cordas, apenas o enfatiza no lugar certo. E toda essa manipulação de energia que temos com velocidades e notas e tudo mais vai para criar aquela sensação de empurrar e puxar, tensão e liberação, que realmente mantém o ouvinte preso em sua faixa. Mas uma coisa temos com isso , é uma amostra. Agora, obviamente, se você tem um instrumento que toca cordas, então você pode usá-lo . Não tem problema. E essa é realmente a melhor solução para isso. Mas você descobrirá que, ao usar uma amostra, quanto maior o tom, obviamente, mais rápida a amostra é reproduzida. Então, quando você chega a essas notas mais altas, por exemplo , como aqui, o ataque natural que a corda tem, se eu apenas tocar a primeira nota. Você pode ver lá que tem uma espécie de ataque natural. Leva tempo para atingir o volume máximo. Quando tocamos as notas mais altas , o volume atinge quase todo o volume imediatamente. É quase como se estivesse começando muito rápido. Não queremos isso porque soa mais antinatural quanto mais alto é o tom. Então, o que vamos fazer é realmente adicionar um envelope usando o amostrador. Digamos que, para isso, eu só vou até o modelo. Isso é obsceno no Cubase, a maioria dos reservatórios tem uma bastante simples quando você deseja usar o modelador de envelope. E tudo o que vamos fazer é adicionar uma tag a isso. Um pouco mais do que isso. Só estou diminuindo o zoom. Basicamente, o ataque quer igualar o ataque natural da amostra. Talvez seja um pouco mais curto do que isso. E então, à medida que chegamos às notas mais altas, você ainda tem uma pista suave no som. Ok, então apenas usando o bloco de sal, o ataque a ele faz com que pareça um pouco mais natural. Então, tudo bem. Não precisamos nos preocupar com nenhuma das outras configurações. A última coisa que estamos prontos para acabar com isso é apenas a reverberação. Então você dá um pouco de profundidade. Parece um pouco estranho ser apenas uma amostra seca sozinho. Mas tudo bem. Vamos ter um pouco de reverberação mais tarde. Agora, só para você saber, no sampler você tem essa coisa chamada distorção de áudio, que a maioria dos instrumentos faz com que Sophie ligue isso. O que ele fará é basicamente manter o comprimento e a posição exatos da amostra, mas alterará artificialmente o tom. Agora, isso é bom para algumas amostras, mas quando você está lidando com grandes mudanças de oitava, como as que temos aqui. Então, literalmente, desde o segundo OK, salve até o quinto, OK, salve isso. Essa é uma variação muito grande. Então, o que você descobrirá é que quando você distorção de áudio e chega tão alto, tudo começa a soar meio antinatural aqui. Isso é muito estranho e engraçado. Então, nas notas baixas, isso seria bom. Mas à medida que subimos, parece horrível. Portanto, não usamos o audio walk por esse motivo. Mas digamos que você está usando algo e não durou tantas oitavas , provavelmente está tudo bem. Veja, quero dizer, mesmo que talvez não soe tão natural quanto uma corda real sendo tocada nesse tom, ainda soa muito, muito melhor. Tudo bem, então esse é o fio de entrada, sem problemas. A próxima coisa que vamos adicionar é um piano, que virá na metade do mesmo tempo que as notas de baixo. E nós meio que gradualmente aumentamos a energia dessa faixa à medida que avançamos, ou pelo menos na primeira progressão de acordes de 32 compassos. Tudo bem, então isso é tudo para esta lição. Muito obrigado por ver garotos e garotas te verem no próximo. 8. Lição de calha ambiente BTP 07 Piano: Olá pessoal, bem vindos de volta. Nesta lição, quero adicionar um piano. Agora, o que aconteceu ou como aconteceu foi que, enquanto eu estava ouvindo isso repetidamente , enquanto eu o fazia, eu continuava ouvindo isso. E quando digo ouvir como na imaginação, uma melodia exagerada que é muito parecida com a atração chamada lagarto de Mauro Picasa. É como uma faixa antiga, transcrição deles dos anos noventa, o metal E4, meio que vai lá. Fiz e fiz isso. Se alguém se lembrar disso. E esse é aproximadamente o mesmo padrão que eu ouvi acima disso. Fez isso? Mas, obviamente, está na chave. Tudo bem, então, basicamente, isso é o que eu consegui fazer. Então, eu vou realmente trazer isso em apenas um segundo. Mas antes de tudo, quero carregar os instrumentos de piano. Portanto, existem alguns instrumentos de piano gratuitos realmente decentes por aí. E você pode pesquisar outros , se quiser. Mas o que vou usar é chamado de piano de sala V3. Então, basta o Google Room Piano V3, e seria o primeiro link lá. Então, obviamente, você pode optar por doar, se quiser, mas pode baixá-lo totalmente gratuito. Obviamente, se você tem seu próprio instrumento de piano, como se você tivesse instrumentos nativos, eles fazem um instrumento muito bom chamado Grande Júri, que geralmente é 10 , mas neste caso eu queria o tutorial o mais acessível possível. Então, eu vou realmente usar o senso livre, então vou adicionar isso aos meus projetos. Então, sala de piano V3 e faixa. Aí está. Vou fechá-lo por um segundo e vou trazer o salvamento do meio-dia, vou trazê-lo da força de trabalho, do piano Midea e largá-lo. Foi trazido para cá. E isso o traz como dois pedaços separados de midi, que financeiramente devem alinhá-los adequadamente. Então, queremos que eles comecem na metade, mas certifique-se de que vocês dois estejam selecionados. E então encontre o ponto intermediário, que é sua barra 21 neste caso. E eu vou fazer com que, digamos, o piano que ele começa, eles vão abaixá-lo um pouco. Digamos que, na verdade, esteja bem quieto, então estou ligando novamente. E vou jogar isso desde o início para que você tenha uma ideia melhor do que está acontecendo lá. No momento. Obviamente, parece o suficiente porque não tem nenhum efeito , mas também precisa de um pouco de EQ. Mas você tem a ideia de que esse é o padrão. Então, é mais ou menos o mesmo ritmo da faixa de lagarto de que eu estava falando, mas obviamente feita para se encaixar na melodia dessa faixa. Portanto, é literalmente o mesmo padrão toda vez que é modificado para cada 4 barras. Portanto, cada barra e nota completas são diferentes, mas praticamente os padrões são os mesmos até chegarmos ao final aqui. Onde fazer algo um pouco diferente. E, novamente, isso acontece apenas por meio de experiências, obviamente usando as mesmas notas que usamos em nossa melodia, mas literalmente apenas experimentação. E como eu disse, quando obtive o primeiro ritmo, é o mesmo. Aqui, aqui está o mesmo padrão e aqui, e depois as outras partes, especialmente esta parte final aqui, estão realmente experimentando um pouco e imaginando como poderia ser e tentar coisas diferentes fora. E, novamente, como eu disse, isso não aconteceu de repente. Foi muita experimentação para chegar a esse ponto. Agora, talvez se eu realmente tocasse um instrumento, eu torne isso muito fácil para mim. Mas, infelizmente, não digo que precise de tempo para realmente aprender a tocar teclado, caso você também não tenha este último alinhado, apenas certifique-se de que os segundos pedaços do Midea também está alinhado com a metade da segunda repetição da progressão da barra A2 do autor de lá para lá e deseja começar na metade e deve se sobrepor. Mas o final é igual ao final da faixa, mas falaremos disso um pouco mais tarde. Agora, uma última coisa que eu quero fazer antes de realmente terminarmos esta lição, que é apenas ajustar o EQ, essa parte do piano. Vou apenas abrir as configurações do meu canal. Isso está no Cubase, mas obviamente adicione um EQ ou o que quer que seja. No entanto, você faz isso na sua porta. E eu só quero fazer algumas coisas. Então, uma é que o piano soa um pouco meio pesado. St. Apenas usando uma espécie de ampla paramétrica, veja, meio que esculpir um pouco dessas frequências de médio alcance. Não fique muito bravo. Só o suficiente para domá-los um pouco lá, um pouco, sem parecer quadrado, mas está ficando assim. E eu também quero esclarecer um pouco isso. Então, vou apenas adicionar uma prateleira alta. Fui um pouco demais com uma prateleira alta lá. Então, apenas domar ao nascer, tudo bem. E, para ser justo, é muito cedo para realmente tomar as decisões finais sobre as filas e outras coisas, apenas colocá-las no estádio. Então, está pronto para mixarmos mais tarde. Tudo bem, então pronto, pois esta lição está quase na hora de reverberarmos esses elementos para realmente começar colar tudo isso e realmente fazer com que pareça bom, porque no momento em que tudo parece meio fora de lugar. Então é isso que faremos na próxima lição. Muito obrigado por assistir garotos e garotas. Até lá. 9. Lição de calha ambiente BTP 08 Adicionando espaço: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então nesta lição vamos começar a adicionar reverberação a essa faixa e criar uma sensação de espaço para todos os elementos. Então, antes de começarmos, uma coisa a considerar é quais instrumentos você usa e que você tem uma nova mixagem para obter o som de reverberação no de Craig. Agora, eu aconselho que você não tente fazer isso em uma almofada porque a natureza da almofada é muito lenta e já tem uma grande abertura e uma cauda, esse tipo de coisa. Portanto, não é realmente o melhor instrumento para medir o que a reverberação em seu caminhão está fazendo. É muito melhor usar algo como piano. Deixe-me deletar isso. E o piano, basicamente, tem um ataque agudo e meio que acaba rapidamente. Então, você poderá realmente ouvir a reverberação que está lá, agora que na verdade já tem algum tipo de reverberação nela. Então, vamos entrar nos instrumentos e soar como se tivesse reverberação lá, mas talvez não tenha. Talvez seja apenas a sustentação. Digamos que seja apenas o raio. Tudo bem, então tudo bem. Acho que podemos deixar o sustentador apenas verificar rapidamente. Ok, então isso parece muito natural e muito seco. Só com o lançamento definido para isso. Então, tudo bem, isso é bom o suficiente. Agora, vamos adicionar uma reverberação aos nossos projetos. Então, praticamente todas as portas deveriam ter um plugin de reverberação meio decente embutido. Ou você pode muito bem ter um de terceiros que gostaria de usar. Vou usar um chamado verbo Neo, que na verdade é por isótopo. Mas, na verdade, é só porque é bom, eu gosto e é fácil de usar, mas qualquer plugin de reverberação será aceitável, não se preocupe. Então, vou clicar com o botão direito do mouse. adicionar um efeito para rastrear é assim que fazemos no Cubase, porque vou configurá-lo no Cubase, porque vou configurá-lo como um efeito de envio. Imagino que você já saiba o que é um efeito de envio. Vou apenas adicionar um novo verbo. Quero ter certeza de que é estéreo. Vou chamá-la de reverberação principal, só para saber o que é. E, honestamente, eu sei que parece sofisticado e coisas assim, mas na verdade não é muito diferente de qualquer outro plugin de reverberação. Na maioria das vezes, estou usando apenas uma resposta de placa que você pode selecionar em quase qualquer outro plug-in que terá uma placa predefinida e, em seguida, alteraremos o tempo de reverberação. Nesse caso, tentaremos cerca de 4.2. Eu vou fazer toda essa reverberação. Então, é como uma mistura de pratos e quem reverbera e sua colina. Parece que em apenas um segundo eu vou realmente carregar um plug-in de reverberação diferente, um que parece mais padrão e também examinarei as configurações dele, só para que você possa combinar o mesmas configurações. Mas, por enquanto, vou soar um K na configuração do nosso canal de efeitos de piano lá. Vamos dizer isso também. E vou mandar meu piano para o grupo principal de reverberação, ativar esse fim. E vamos parar de brincar com isso. Papai Noel. Muito bom. Ou eu posso em algum lugar por lá. É difícil avaliar com isso todos os outros elementos, mas isso parece bastante decente. Agora, o que vou fazer, como eu disse, é ir até o canal de efeitos onde está o remetente, vou simplesmente silenciar ou ignorar isso por um segundo. E vou adicionar uma reverberação padrão, digamos, me desculpe, isso está apenas fora da tela, mas realmente não importa. É apenas a reverberação padrão do Cubase, que vem, acredito, em todas as versões do Cubase. Mas, honestamente, se você tiver um plug-in de reverberação em sua porta, ele será muito, muito parecido com esse. E, literalmente, a única coisa que você precisa fazer se for um efeito de envio, você precisa mudar a mistura, que eu esqueci totalmente de fazer no outro plugin. Então eu vou fazer isso agora muito rapidamente. Misture até 100%. É a coisa mais importante a fazer como enviar efeitos. E é claro que eu esqueci dessa vez. Não se preocupe. Mas tudo bem. Diga que está confuso. Agora vamos diminuir um pouco a difusão por causa da diversão, a difusão sempre adiciona um pouco de brilho à reverberação. E, literalmente, vamos apenas aumentar o tempo de reverberação. Além disso, não precisaremos fazer muita coisa. Não acho que seja piano. E isso já soa absolutamente bem. Literalmente, configurações de estoque como essa não são nenhum problema. Só vou ignorar isso. Então, você pode ouvir a diferença entre isso e o verbo Neo. Digamos, não há realmente muita diferença entre eles. É isso que quero dizer, apesar desse novo verbo, parece todo brilhante, bonito e descolado. Atualmente, a maioria dos reverberadores parece bastante decente, então não se preocupe se você não chegou perto do verbo, na verdade, a reverberação padrão mais fácil e você ficará absolutamente bem. Tudo bem, então isso é o suficiente. Essa é a configuração de reverberação no piano, pelo menos agora vamos adicioná-la às cordas a seguir. Desculpe, continuo trabalhando sozinho. Não se preocupe com isso. Vou apenas enviar isso pela string e ver a reverberação principal. Agora vou dizer também que isso já faz uma grande diferença. Então, vamos deixar assim uma quantidade muito boa e pesada de reverberação lá. Digamos que vamos até o teclado, diga isso e envie isso para a reverberação principal também. Sim. E eu só quero ouvir isso sozinho, para que eu solte a amostra de cordas duvidosa sem simplesmente dar a ela uma ótima sensação de espaço. Tudo bem, então tudo bem. Agora vamos ouvir a coisa toda. Por exemplo, quando o piano chega, diga as cordas e fale um pouco alto demais no momento. Então, vou recusar os dois. Estou apenas selecionando os dois. E no Cubase, você pode segurar Alt ou Option e Shift e, em seguida, abaixá-los e você desligará os dois. Não tenho certeza de qual será esse controle em uma porta diferente, mas se você não tiver um, tudo bem. Basta selecioná-los individualmente e recusá-los. Mas eles estão apenas dominando um pouco. Acho que minha escolha de não ter tanta reverberação lá foi um pouco errada. Acho que precisava de mais reverberação. Caso contrário, parece um pouco fora de lugar porque todo o resto está repleto de reverberação, mas está soando bem. Diga Happy Days, apenas adicionaremos essa reverberação conforme necessário. Todos esses novos elementos que adicionamos. A próxima coisa será nossa batida de bateria. Então, provavelmente adicionaremos exatamente a mesma reverberação. Talvez queiramos adicionar uma reverberação apenas para a bateria, mas veremos quando chegaremos a isso. Tudo bem, muito obrigado por ver garotos e garotas te verem no próximo. 10. BTP Ambiente refrescante Lição de tambor de passo refrescante: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então, nesta lição, vamos realmente começar a adicionar alguns tambores a essa faixa. Agora, a primeira coisa que eu quero fazer é jogar o que temos até agora, pelo menos na primeira metade dessa repetição. E então vou discutir por que vamos colocar a bateria onde vamos colocá-la. Agora, obviamente, falaremos mais sobre o fluxo de energia da pista mais tarde, quando tivermos mais elementos do trach instalados, não vou falar muito sobre isso aqui. Mas ainda é importante abordarmos isso enquanto falamos sobre a colocação dos elementos. Tudo bem, então vou deixar a faixa realmente tocar pelo menos até a primeira parte. Obviamente, fique à vontade, pule se quiser, mas é bom ter uma ideia de como a faixa está evoluindo à medida que é reproduzida. Tudo bem, vamos lá. Então, o que temos é começar suavemente na pista, obviamente com apenas o tipo de tríades básicas, quase oito bolas nele. Temos o Adagio for Strings chegando, apenas aumentando gradualmente a energia. Depois, há uma mudança maior quando chegamos a 16 bar n como padrão para a estrutura normal da música. Então você sempre tem uma mudança a cada 8 bar e definitivamente a cada 16 bar e tem uma mudança maior. Cobras baseadas na chegada de cobras e no piano, que realmente aumenta a atmosfera. E então, ele meio que gradualmente se acumula em energia com a notação subindo. E haverá alguns outros sons lá à medida que avançarmos. E é como se crescendos ou estivesse crescendo. Afinal, essa energia é acumulada neste momento aqui, onde vamos fazer uma pequena pausa? E então vamos para a segunda repetição dessa progressão de acordes. Então, a única diferença realmente entre a primeira repetição segunda repetição é que não temos as notas graves nessa segunda repetição no teclado. E o que teremos, em vez dessas notas de baixo no teclado, é que, na verdade, teremos uma linha de base dedicada, que tocará essas notas nesta segunda repetição. E o que eu quero que aconteça na segunda repetição. Então, essa primeira parte vai ser muito simples, apenas alguns tambores como efeitos especiais. E então, na verdade, teremos baterias chegando no segundo semestre, que também aumentará a energia e a linha de base. Então, vamos realmente adicionar os tambores que queremos na segunda metade, é onde queremos adicioná-los em problemas. Então, exceto quinta-feira, nove. Na verdade, antes de adicionarmos a bateria, eu só quero mencionar que realmente estamos entrando no tipo de arena de escolha pessoal aqui. E com isso quero dizer, algumas pessoas vão gostar dos tambores que eu uso, que são um pouco mais relaxantes ou têm uma sensação de arrepios. Embora eu não diga que essa faixa é realmente uma etapa de relaxamento adequada. Ele apenas pega elementos desse gênero. Mas é claro que você poderia usar tambores muito diferentes. Talvez você queira que essa faixa permaneça totalmente ambiente e tenha apenas uma bateria mínima ou mesmo nenhuma bateria. E assim você pode ir em muitas direções diferentes. Depende totalmente de você. Mas, obviamente, o que eu escolhi para isso é uma espécie de vibração tranquila e constante no segundo tempo. Então é isso que vamos fazer. Mas, obviamente, você pode ir em muitas direções diferentes. Então, quando se trata do momento da batida, isso é muito importante. Eu realmente não queria uma batida que estivesse presa às linhas da grade. Eu queria algo que tivesse uma sensação mais natural no momento. A menos que você seja um drama, pode ser muito difícil programar em uma batida natural como essa. Então, o que eu fiz neste tutorial foi usar uma técnica chamada beat tracing, que é análoga ao uso papel vegetal para copiar um desenho que está embaixo dele. Então, basicamente, você encontra um loop de bateria que está na hora certa. Insira seus sons usados no loop ou irrelevantes, estamos literalmente apenas atrás das informações de temporização. E quando você encontra uma que adequada à sua faixa e ao que você procura, basta copiar a sincronização dos toques de bateria no loop com suas próprias amostras de bateria. Vamos ver como isso acontece na prática. Vou apenas acessar meus arquivos de trabalho e encontrar germinate Pip, digamos, vou arrastar isso para meus projetos. Isso lá em cima. Agora, essa batida de bateria, se eu disser isso, eu gosto desse padrão, esse é o padrão que eu quero na minha faixa. Obviamente, é muito rápido. Eles vão ajustá-lo ao ritmo da minha faixa. Agora, no Cubase, isso é muito fácil. Eu simplesmente clico no modo musical e depois ele é esticado para se encaixar na minha faixa. Se você ficar preso na porta, uma rápida pesquisa no Google mostrará como ajustar um loop ao ritmo de sua porta específica. É uma coisa bem normal, então dê uma olhada se precisar, e eu vou jogar isso rapidamente. Vamos desmontá-lo também. E vamos diminuir um pouco. Você pode ver o tipo de ritmo lá. É um pouco preguiçoso. Se eu aumentar o zoom, você começará a ver que muitos desses sucessos não estão meio nas linhas de ritmo tradicionais e fora das batidas, eles têm um pouco de influência, como podemos ver. Então esse é o posicionamento das batidas que realmente vamos copiar, certo? Então, primeiro de tudo, vamos dar o nosso melhor. Digamos que eu vá carregar isso em uma faixa de amostragem para que eu possa acionar o chute como midi. Então, vou desenhar um segmento midi vazio nele, com o mesmo comprimento do laço do tambor. E tudo o que vamos fazer é realmente examinar e copiar todas as posições de chute. Suponha que esteja lá no início e nos fatos, vamos colocar isso na zona inferior. Facilita um pouco as coisas. E, claro, vamos diminuir um pouco isso também. Então, tudo o que vou fazer é literalmente encontrar os locais de estoque do chute. Então, obviamente, há um logo no começo. Tem outro aqui. Então, vou ampliar, desligar meu snap que eu possa obtê-lo de forma muito bonita e precisa. E é aí que meu próximo chute quer ir. Mais uma vez, saia daí. Então eu vou combinar as posições. Diz encontrar o próximo chute que está aqui. Desenhe isso. E depois outro ali mesmo, que está praticamente na linha do bar. Encontre o próximo. E isso é tudo para dar um chute. Digamos que a próxima seja a armadilha. Apesar das armadilhas, elas estão quase todas exatamente no ritmo. Portanto, não preciso me preocupar com nenhum momento divertido para eles. Eles são todos colocados apenas como uma armadilha normal, digamos, tudo bem. Agora, obviamente, quando você está copiando a posição na sua porta provavelmente parecerá um pouco diferente disso, embora você tenha a mesma coisa, ele tem o áudio, você tem o meio. Se você quiser saber onde você precisa adicionar um chute ou qualquer outro dramaturgo que você esteja copiando a posição, obviamente, basta definir seu playhead para que esteja no lugar certo, por exemplo, ali mesmo. E então vá para o seu midi e então você pode ver onde você está alinhado e é aí que obviamente você quer adicionar seu tambor. Tudo bem, então vamos começar e fazer a armadilha. A armadilha, como eu disse, é boa e fácil, então vamos descobrir isso. Então essa é a armadilha. De qualquer forma, vamos usar o botão direito do mouse no Cubase e adicioná-lo a uma faixa de amostragem novamente e ativar meu snap novamente. Agora, a armadilha da música de dança sempre acontece na segunda e quarta batida do bar. No entanto, nesta faixa em particular , em que, embora rodando em um ritmo baixo AT para BPM, na verdade teremos a armadilha na metade da barra. Então, qualquer caixa por barra. Então você pode ouvir o tipo de preguiça das batidas ou o chute de Z tem aqueles velhos tempos que ajudam a dar esse tipo de sensação, que é exatamente o que eu quero para isso. Não queria algo que soasse muito rígido e regulamentado e queria algo que soasse um pouco diferente em 3D. E então temos um som de chapéu, eu acredito, como um som de chapéu no final desse loop. Então, vamos colocar isso aqui também. Então, vamos ouvir o original rapidamente. Digamos que vamos adicionar nossa amostra. Então, na força de trabalho, estamos procurando um chapéu fechado 18. Novamente, vou adicionar isso como uma faixa de amostragem. Desenhando um espaço em branco, mas Amity, e então eu vou entrar e me alinhar. Então eu preciso desligar meu snap, descobrir o início do som do chapéu entrando na minha cabeça. Midi em branco. E vamos adicionar uma nota aqui. Snap foi ativado. Então, vamos desligar isso. Alinhe-o com meu playhead e estamos prontos para ir. Ok, então o último para o chapéu aqui no final. Amplie um pouco para que possamos ter certeza de que somos bons e precisos. Aí vamos nós. Copiamos a posição deles. Então, vamos ouvir um pouco depois de recusarmos o bate-papo. Aí vamos nós. Isso é basicamente beat tracing. Então, obviamente, você é livre para escolher a bateria que quiser. Então, como eu disse, se você quisesse uma faixa ambiente mais minimalista com uma bateria ambiente mais tradicional, e é claro, você poderia simplesmente substituí-las por som mais suave ou qualquer bateria de sua escolha. Então, vamos copiar isso. Eu só vou ligar meu snap novamente. E eu vou apenas duplicar isso. E também não precisei do meu loop original. Digamos que eu também vou remover isso. Então, uma coisa digna de nota é que os tempos que eu usei para essa batida de bateria, obviamente, os chutes soam um pouco preguiçosos ou algo assim ou oscilados. Esse tempo também se reflete em coisas como o piano. Obviamente, o piano quer cair na mesma hora do chute. Se cair ao mesmo tempo que um bolo, então ele quer que ele bata mais ou menos. Caso contrário, vai soar um pouco estranho, como se o pianista não estivesse tocando de acordo com a faixa em si. Então, todo esse piano reflete essas mudanças. Então, obviamente, quando fiz essa batida pela primeira vez, ajustei os horários dos pianos para se adequar. E, novamente, basicamente passamos pelo mesmo processo. Então, nos alinhávamos onde estava, descobriríamos onde estava a batida do piano, por exemplo. E então alinhe-a com um chute, entre no piano e apenas mova a nota. Também refletia a posição do chute, em vez de estar na linha da barra, que é o tipo de coisa deles. Então, o piano também está tocando com o mesmo campo giratório. E eu toquei todo o piano e fiz isso, apenas me alinhando com os toques na batida de bateria. Basta dizer o nome. O que isso faz é simplesmente juntar tudo. Faz com que pareça que tudo está sendo jogado na hora certa. Ok, então quando eu entro e adiciono um pouco de reverberação a esses tambores, obviamente tudo soa muito seco no momento. Eu vou dizer que definitivamente quero que esses tambores tenham um pouco de impacto. Então, basta aumentá-los um pouco lá. Vamos dar o pontapé inicial agora. Digamos, eu quero adicionar um pouco de reverberação a isso, mas definitivamente não quero adicionar muito porque o chute não quer ser afogado na reverberação, isso fará com que pareça um pouco confuso. Diga algo assim. Absolutamente bem. Não pense que vamos querer mais ou, obviamente, precisamos verificar isso na mistura também. Mas vamos adicionar um pouco de reverberação ao cheirar nós também. Então, apenas adicionando minha frase aqui, obviamente abordamos isso na lição de reverberação. E quando tivermos configurado nosso canal de efeitos, se eu estivesse apenas arrastando-o para o final da faixa. Depois de configurarmos essa configuração, é claro, enviamos literalmente o sinal do elemento ao qual você deseja adicionar reverberação, ao canal real de efeitos de reverberação. E é assim que adicionamos o conjunto de reverberação. Eu estou literalmente indo e fazendo isso com a bateria também. Diga, vamos ouvir um pouco. Diga algo que soe muito bem. Parece que se encaixa neles. Ou vamos arrumar esse chapéu porque parece um pouco fora de lugar no momento. Então, vamos ver se a reverberação é suficiente para resolver isso. Digamos que o som, também conhecido como também conhecido só precisa diminuí-lo um pouco. Acho que essa assinatura está bem. Não tem problema. Obviamente, ainda estamos muito cedo no mix total. Então, vamos ajustar isso à medida que avançamos. E, certamente, quando chegarmos às aulas de mixagem, laser estará apenas passando e reequilibrando qualquer coisa que precise dele. Agora, uma última coisa que eu realmente queria fazer, que quase esqueci, é que eu tenho essa outra armadilha aqui também do banco de degraus relaxantes, que também é uma versão mais defeituosa da neve . Então você tem o cenário dois, que é um que estamos usando e então temos esse. Então, eu quero usar isso como uma espécie de quarta armadilha. Então, vamos entrar, vou selecionar todas as outras instâncias da armadilha. Então, neste caso, eu estou apenas segurando os controles para fazer isso. Deve ser o mesmo ou mudar na porta de sua escolha. Esse é um controle bastante comum, e vou encurtá-lo. Então, basicamente, remove a quarta armadilha da batida. E então teremos esse tipo de armadilha com falhas. Então, obviamente, é aí que queremos que esteja na posição da outra. E vou arrastar isso para meus projetos e depois copiar a posição para que fique no lugar correto. Vamos copiar essas Eva. Vamos apenas ouvir rapidamente. Reverberação para dizer que posso ouvi-la lá. É um pouco alto demais, obviamente. Basta equilibrar isso para que queiramos que seja igual ao volume relativo das outras armadilhas. Talvez um pouco mais de reverberação. Isso parece muito decente. Eu gosto disso. Dias felizes. Apenas adiciona um pouco de variedade ao que outra forma, seria uma batida de bateria muito repetitiva. Mas, na verdade, uma coisa é que essa armadilha soa. Vamos ver como isso soa sendo apresentado. Digamos, vamos entrar nisso. Vou apenas selecionar tudo. Essa é uma das razões pelas quais tendemos a usar faixas de sampler para nossa bateria em vez de apenas arrastá-las como áudio. Porque quando queremos mudar o tom ou algo assim, é muito bom e fácil e também podemos simplesmente alternar enquanto ele toca. Digamos que isso já soa muito melhor em termos de tom, mas parece que atrai melhor. Vou tentar um pouco mais alto também. Acho que mais dois semitons acima. Ter a armadilha tocando em D soa melhor lá. Vamos jogar um pouco. Tudo bem, então isso é tudo para esta lição. Na próxima lição, vamos adicionar mais alguns trechos a essa batida de bateria para torná-la um pouco mais emocionante. Muito obrigado por assistir garotos e garotas assistirem no próximo filme. 11. Lição de calha ambiente BTP 10 Adicionando SFX à batida do tambor: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então, nesta lição, vamos adicionar algum tipo de som SFS à batida de bateria. Apenas um pequeno toque de ética soa apenas para tornar a batida um pouco mais interessante. Então, o primeiro que eu quero adicionar está na força de trabalho. Então, vamos descobrir isso. E isso é fx hit 21. Vou apenas adicionar isso a uma faixa de amostragem. Agora, uma coisa a ter em mente é que, obviamente, eu não escolhi repentinamente as amostras corretas, mas experimentei um pouco com efeitos diferentes, sons em diferentes partes das batidas, você obtém algo que eu achei que funcionou. Então, obviamente, tenha isso em mente. Isso não aconteceu por acaso. Dito isso, vamos entrar e fazer isso. Eu queria o sucesso. É uma espécie de coisa. Então, na terceira batida, é onde eu quero que isso aconteça. Agora, tenha em mente que esse é um som um pouco estranho. Demorei um pouco para obter o tom absolutamente correto. Do jeito que está no momento, ainda não está certo. Eu só vou jogar para você. Parece muito estranho no momento, mas vou até o meu sampler e dizer não, se você estiver carregando isso em uma faixa de amostragem na sua porta ou em uma amostra de terceiros que mostrei. Todos eles terão controles de afinação que permitem que você altere o tom do percurso, que é um semitom por vez. Ou um controle de tom fino, que basicamente está entre um semitom que o altera pelo CENSE. Digamos que, nesse caso, queremos alterar isso em mais $0,50. Quase parece um pouco velho ainda, mas isso é um pouco alto demais. E só queremos trabalhar um pouco sobre isso. Então, vou entrar e filtrar a extremidade inferior absoluta aqui. Jay, acabei de cortar isso e também quer adicionar um pouco de reverberação a isso. Então, vamos adicionar ascend. Os campos são um pouco mais disso. Então, acabamos de comprar aquela bela e sofisticada gama. Tira esse low-end. Nem sei como chamá-lo, mas é um pouco de dissonância. Vamos voltar para onde você estava na mistura. Parece absolutamente bom. Isso é perfeito. Isso é exatamente o que eu quero dizer. Pequenos efeitos como esse podem realmente tornar os pés um pouco mais interessantes. Então, tudo bem. Esse é o primeiro. que vamos querer copiar isso Acho que vamos querer copiar isso praticamente até o fim. Então, o próximo sucesso que vou adicionar é, acho que vamos tentar este. Um pouco estranho. Na verdade, este é um pacote de amostra do nosso clube, mas pareceu se encaixar. E eu meio que gosto da atmosfera que ela deu a ela, deu a essa faixa uma sensação um pouco diferente. Isso quer entrar logo após a armadilha bater nela, digamos, ali mesmo no final. Então, vamos adicionar isso como uma faixa de amostragem. Qual gaveta está em um pedaço de madeira vazia. Embora só precisemos adicionar uma nota no final aqui. Então, vamos entrar. E vamos recusar isso também. Diga algo assim. Obviamente, precisamos adicionar um pouco de dica de reverberação, mas estamos chegando lá. Vamos entrar nas configurações do canal e enviar isso para o grupo de reverberação. Então, agora eu fico rápido, quero fazer isso, mas literalmente é como uma coisa padrão, super padrão. Acabei de enviar algo para o grupo de efeitos. Portanto, sem avisos. Ok, então isso parece muito bom, embora o sucesso dure um pouco demais lá. Eu quero que acabe no final do bar. Tipo que os caras fizeram, fizeram, fizeram, e eu não quero isso no final. Então, vamos entrar e encurtar isso um pouco. Então, vou desligar meu snap. Aí vamos nós. Isso é perfeito. E termina exatamente onde eu quero. C, Ok, então vamos copiar nosso sucesso. Agora eu não quero que isso se repita a cada 4 compassos porque é o que teremos no final. 8 bar é um preenchimento diferente desse som. Então, eu só quero esse CB colocado na terceira barra de cada repetição de oito compassos. Então, são 8 bar, novamente, apenas 123. É aí que queremos. Vamos simplesmente copiá-los para que também estejam na posição correta. Vamos alongar esses tambores. Desculpe, eu o deixei um pouco antes, então vou copiá-los também. Então, temos nossa bateria totalmente carregada durante o segundo tempo. Vamos adicionar pequenos preenchimentos e coisas assim ao segundo semestre. Então, talvez queiramos manipular a bateria à medida que avançamos. Mas, por enquanto, está absolutamente bem. Então, vou ouvir um pouco para ver se quero fazer alguma alteração nisso. Então Então nesse segundo golpe de chapéu, vamos misturar um pouco. Então, vou falar sobre isso, este e vamos adicionar trigêmeos relaxantes. Então, estou apenas mudando minha grade para um décimo sexto trigêmeo. Apenas dez volte a usar também. Vamos tentar algo assim só para misturar um pouco. E vamos experimentar um pouco esse argumento de venda também. Sim, está meio vazio. Vamos deixá-lo lá por enquanto. Talvez queiramos mudar isso mais tarde, mas à medida que ouvimos a faixa repetidamente , todas essas pequenas coisas que fizemos. Podemos ouvi-la no contexto de toda a faixa, podemos decidir que não funciona. Isso funciona na versão original da faixa, mas as coisas sempre são diferentes na segunda vez que você faz isso. Então, veremos se isso realmente quer ficar no momento. Na segunda metade da música, temos bateria tocando todo o processo, exatamente a mesma bateria. Agora, o que eu quero fazer é adicionar um pouco de diferença e também um pouco de energia extra à segunda metade dessa repetição. Então, de onde o piano começa, digamos que eu queira adicionar um pouco mais de bateria basicamente. Então, vamos usar um loop para fazer isso. Vamos apenas encontrar o loop. Portanto, este é um top loop 12 do BTP CS. Então, o que vamos fazer é usar um pouco disso ou partes disso para realmente ter uma boa sensação na pista. Então, vamos arrastar isso para nossos projetos, que o incluirão como áudio. Apenas certifique-se de que ele se encaixa no ritmo do seu rastreado. Ele deve caber automaticamente à medida que foi feito em 84 BPM, que é o ritmo dessa faixa. Mas certifique-se de que definitivamente é antes de começarmos a cortá-lo. E o que eu quero fazer é usar isso. Então, primeiro de tudo, vamos recusá-lo. E antes de prosseguirmos, eu também deveria adicionar um pouco de reverberação, para que não pareça muito deslocado. No momento, podemos ajustar isso em um segundo. Um pouco alto demais. Ainda assim. Diga de novo, o que eu quero fazer é cortar isso um pouco. Então, vou pegar todas as minhas divisões. Porque definitivamente gostei dessa primeira parte. Isso soa muito bom e legal. Mas essa segunda parte aqui, está um pouco pronta demais. Então, vamos nos livrar disso. Isso também é um pouco demais. Então, vamos nos livrar disso. Só queremos um tipo estranho de movimento desse loop entrando e saindo. Novamente. Aqui. Só vamos acabar com um pouco disso. Desculpe, eu perdi um pouco maior, então é um pouco mais fácil de ver. E teremos praticamente uma repetição da primeira parte aqui, então já temos isso. Então, sim, eu vou dar uma olhada nisso desde o início, eu acho. Então. Vamos ouvir um pouco mais de trás, apenas certifique-se de que isso esteja definitivamente funcionando. Gosto de como isso soa. Então, vamos copiar isso. Então, temos essa repetição na segunda metade da seção onde estão nossos tambores. Uma coisa que acabei de notar, porém, é que o FX atingiu 21 não está na hora certa. E se eu aumentar o zoom, podemos ver que o chapéu R está tocando com um pouco de giro lá. Então, vou desligar meu snap e alinhá-lo exatamente com o início de r que exatamente com o início nota, você pode ver aquela pequena linha. Faça-o um pouco maior e nossos efeitos surgirão. Obviamente, você está começando um pouco antes disso, então estamos sentindo um pouco de estranheza na batida. Então, vamos entrar nisso. E mover as peças, desculpe, basta encaixá-las e depois movê-las para que fiquem alinhadas exatamente com o chapéu r. Diga que está bem. Vamos apenas verificar. Acho que provavelmente será o mesmo com todos os outros também. Então, o que vamos fazer agora, corrigimos a primeira, excluiremos as outras e as duplicaremos novamente. Não tem problema. Parece um pouco sem brilho no momento. E isso porque não temos o plano básico, ao qual chegaremos na próxima lição. Então, vamos ouvir um pouco a partir daqui, na metade. Uma coisa que se torna evidente quando ouvimos isso, porque temos esse tipo de efeitos sonoros de bote 21. Na verdade, isso soa um pouco estranho quando é tocado ao mesmo tempo que o piano. Então eu acho que o que vamos fazer quando o piano entrar, vamos remover. Então, mesmo que tenhamos copiado, na verdade vamos remover a segunda metade deles. Are fx hit 21 sons. Aquele, só porque é um pouco conflitante com o piano. Então eu acho que é melhor, nós simplesmente o abandonamos quando chegar a esta seção. Digamos, ele apenas mantém o foco no piano, que está chegando . Não tem problema. Eu acho que é melhor. Isso é basicamente o suficiente para esta lição. Então, muito obrigado por assistir garotos e garotas na próxima aula, vamos fazer a linha de base. Nos vemos no próximo. 12. Lição de calço ambiental BTP 11: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então, nesta lição, vamos criar a linha de base para esta seção da faixa. Então, novamente, a linha de base não chegará até que a bateria chegue. Então, vamos fazer isso agora. Agora, o que vamos fazer é acessar os arquivos de trabalho e ir para a mini pasta. E vamos encontrar a linha de base midi. Então, primeiro de tudo, na verdade, vamos criar instrumentos vitais. Então, vou adicionar uma faixa vital de instrumentos. Agora. Tudo bem, por enquanto vamos trabalhar no som em apenas um segundo, mas agora temos nosso instrumento vital lá. Vamos arrastar a linha de base à meia-noite até ela. Também. Vou rapidamente nomear alguns deles, apenas para que fiquem um pouco mais organizados. E também vou colorir um pouco as faixas. Tenho certeza de que na sua porta você poderá colorir faixas é uma coisa muito útil de se fazer. Portanto, qualquer um desses tipos de sons de chumbo é esse tipo de cor vermelha rosada. Então, os tambores podem ficar amarelos. E então, todos os efeitos sonoros serão de cor verde. Na verdade, vamos torná-los com essa cor verde clara , porque são como sons de bateria FX. E então temos nosso laço, que pode ser amarelo. E vou organizá-los um pouco melhor para que tudo esteja relativamente no lugar certo. Então, temos leads e tudo mais. A linha de base pode ser uma espécie de cor de filme. Basta dizer não, a Midea para a linha de base. É muito simples inventar isso. Agora, minha opinião nesta faixa é que a linha de base obviamente quer seguir a melodia, mas também quer ser como um drone constante no fundo da faixa. E isso vai adicionar um pouco de calor agradável. Então, normalmente, neste caso, o que fazemos é pegar qualquer progressão de acordes que temos segura, entrar nisso. O que normalmente fazemos é literalmente pegar as notas de raiz de todos os acordes. Ou poderíamos vir aqui e pegar as notas de baixo que você já tem. Então, isso é mais parecido com o que obtivemos na linha de base real. Então, essas notas aqui e apenas tocando um instrumento diferente, então ele literalmente basicamente as copia. Agora, a única diferença entre essas noites e a linha de base, vou abordar isso rapidamente, são esses G Sharps aqui, que normalmente estão na progressão do teclado, nas notas graves ou apenas em D, toca C, Mi bemol, Mi bemol, D, enquanto neste caso baixamos que não era Mi bemol para G nítido ou bemol. Ok. Então, tudo bem. Só para você saber, essa é a única diferença, mas, além disso, eles estão jogando exatamente nas mesmas noites. Então, com isso dito, vamos entrar e realmente começar a trabalhar nesse som baixo. Agora, é importante notar que vamos associar essa linha de base aos kits. Então, isso tem dois efeitos. Uma delas é misturar em termos de mistura. Ele cria, mantém o espaço para o chute ou a base do chute não interferirá com a base da linha de base. E também adiciona um pouco mais de ritmo. Então, teremos uma corrente lateral bem afiada. Portanto, a queda da linha de base sempre que eles chutam também adicionará um certo tipo de ritmo à faixa. Mas vamos falar sobre isso na próxima lição. Vamos nos concentrar em realmente fazer o som correto. Então, eu tenho minhas regiões de loop configuradas. Vamos diminuir um pouco isso. Vamos analisar a linha de base por enquanto. Obviamente, estamos agindo como uma onda de serra. Então, vou dar uma olhada e acho que vamos querer algumas incluam formas básicas. Deveria estar na fábrica e lá vamos nós. É a primeira, formas básicas. Então, todo mundo deveria ter isso mesmo na versão gratuita do VSO. E então vamos mudar isso um pouco. A segunda forma de onda. Portanto, esse controle deslizante na lateral permite que você percorra a tabela de ondas. Agora, essa é uma espécie de tabela de ondas estranha, essa forma básica muda para uma predefinição diferente. Você verá que é um pouco mais consistente à medida que você o percorre. E essas são todas as diferentes formas de onda que você pode usar nesse som específico. Então, vamos voltar às formas básicas. Só que as formas básicas têm algumas formas de onda diferentes. Você pode até mesmo acessar o visual 3D, o que me ajuda a ver quais. Você vai olhar. Onda triangular e uma onda de serra, uma onda quadrada. E no começo é apenas uma onda senoidal. Então, estamos em algum lugar entre uma onda senoidal e uma onda quadrada. De qualquer forma, tudo bem. Não se preocupe. Vamos analisar um pouco mais sobre isso no próximo som que fizermos, que é uma sobreposição de base, parece um som de sobreposição de base mais modulado. Agora, obviamente, esse tom é muito alto, então vamos esquecer isso. Dois -24. Você notará que há um pequeno clique sempre que as notas são acionadas. Para nos livrarmos disso, passamos a emular um, lembre-se de que esse é o envelope que modula a dinâmica do som. Então, vamos adicionar um pouco mais de anexo a isso. E você pode imediatamente que esse clique tenha desaparecido. Se eu virar o ataque, anote o clique. Diga apenas um pouco de ataque, apenas o suficiente para se livrar desse pequeno clique. Isso é bom. Tudo bem, estou muito feliz com esta. E vamos adicionar alguns efeitos. Só quero tornar isso um pouco mais complicado. Então, vamos adicionar alguma distorção. Solo isso de novo. Então, clipes macios são bons. Acho que há um pouco de distorção aí. Na verdade, um pouco difícil, com um pouco de coragem, então é só um equalizador, porque acho que não queremos todo esse tipo de frequência de ponta. Vamos tocar com o resto da faixa primeiro. Então, o que faremos é, em vez de usar uma prateleira alta, se você clicar, ela alternará entre uma prateleira alta e uma de corte alto. Então, vamos colocá-lo em alta qualidade e retiraremos algumas das melhores opções de lá. Digamos, em algum lugar por aí. Absolutamente bem. Ok, ótimo. Adicionaremos reverberação, não em si vital, mas a adicionaremos usando nosso chiclete sensorial, basta acessar as configurações do canal no caso do Cubase. Então você adiciona o envio. Não quero muito aqui, mas apenas o suficiente para dar uma sensação de espaço, o que definitivamente quero deixar isso enlameado. Então, sem ser assim, com apenas um pouco de profundidade até a linha de base , tudo bem. Vamos ver como é em termos de níveis. Ok, então isso está soando muito bem. Estou muito feliz com isso. É super simples. Acabamos de escolher um oscilador, colocá-lo no tom correto, alguns pequenos efeitos para dar um pouco mais de coragem. E algum tipo de equalizador corretivo para sair do topo de linha. E realmente é isso. Muito simples, mas também muito agradável e caloroso. Ok, digamos que na próxima lição analisaremos a cadeia lateral e realmente a encaixaremos na pista. Muito obrigado por assistir garotos e garotas assistirem no próximo filme. 13. Lição de calha ambiente BTP 12 Sidechaining: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então, nesta lição, vamos associar a linha de base ao chute. Digamos que a cadeia lateral seja uma das ferramentas de mixagem mais importantes que você tem, especialmente quando se trata de mixar a extremidade inferior de suas faixas. Você também pode usá-lo como um efeito para adicionar um tipo extra de ritmo à sua faixa. E vamos fazer essas duas coisas aqui. Então, o que vamos fazer nessa faixa é enraizar algumas coisas na cadeia lateral. Então, o que vamos querer fazer é criar um canal em grupo, também conhecido como ônibus. Em outras portas, o que faremos é adicionar um compressor ou compressor corrente lateral a esse grupo do que qualquer coisa pela qual queremos ser afetados. A cadeia lateral será direcionada apenas para esse grupo. Então, vou adicionar uma faixa em um canal de grupo. Corrente lateral mais fria, só porque talvez tenhamos uma corrente lateral, obviamente seria legal. E isso seria usado se, por exemplo na cadeia lateral, aquela pela qual enviamos a linha de base, pudéssemos querer um encadeamento lateral um pouco mais extremo do que no outro grupo. Digamos, digamos, digamos que também enviamos o caminho para isso. Pode ser um pouco demais se o reduzirmos para o mesmo nível de uma linha de base. Então, você pode querer enviar isso por uma cadeia lateral separada, mas tudo bem. O que quer que decida isso daqui a pouco. Agora temos um grupo, então nosso grupo se canaliza na parte inferior. Vou apenas acessar as configurações do canal. Então, esses são os slots de inserção e eu vou adicionar um compressor, digamos, em compressor dinâmico. Agora, praticamente qualquer porta hoje em dia, teremos algum tipo de corrente lateral, pois é uma coisa muito importante. E isso será embutido em qualquer compressor de estoque da sua porta. Neste caso, o Cubase é um compressor de estoque. Agora, existe uma versão do Cubase, Cubase elements, que é como a versão mais barata e o tipo de versão gratuita em que o compressor não tem entradas de cadeia embutidas. Então, se você tiver essa versão ou se estiver em uma porta que, por algum motivo não tem compressão de corrente lateral. Depois, há outro plugin que você pode usar. Vou mostrar isso para você muito rapidamente. Na verdade, não é uma compressão de cadeia lateral, mas tem exatamente o mesmo efeito. Desculpe, você não consegue ver isso. Deixe-me trazer isso à tona para que você possa ver o que está acontecendo. Então, é chamado de filtro Tao. Isso é o que parece. O que fazemos com isso é literalmente diminuir o volume, dependendo de como configuramos isso. Não vou falar sobre isso aqui, ou na verdade há um vídeo no YouTube. Fizemos um vídeo sobre como usar isso. Se você acabou de criar uma cadeia lateral no Google para produzir uma cadeia lateral, você verá o quarto vídeo, você verá o quarto vídeo, este aqui, como fazer uma cadeia lateral nos elementos do Cubase a, e ou LE. Agora, não importa se você está usando outra porta. Você ainda pode assistir esse vídeo. Mostra como fazer com que o filtro de toalha faça o download, como instalá-lo, embora tenha sido uma instalação enorme, pode ser um pouco diferente, mas tenho certeza de que você já sabe como fazer isso. Em seguida, também mostra como usá-lo. E para batidas irregulares, como o que temos em nossa faixa no momento é o que eu chamaria de batida irregular, como na house music, poderia ser chamada de batidas irregulares. Então é simplesmente não, não, não faça, não faça. É muito simples configurar uma cadeia lateral ou efeitos de cadeia lateral, como os campos TTL, é um pouco mais difícil quando você tem uma batida ligeiramente irregular, como chutes caindo no inusitados e todo esse tipo de coisa, especialmente quando são cronometrados, como Azar. De qualquer forma, esse vídeo explicará basicamente como usar o filtro tau, se necessário. Mas, caso contrário, a compressão da cadeia lateral será muito mais fácil. Agora, para isso, eu só preciso ativar a cadeia lateral. E no Cubase, você pode simplesmente selecionar a faixa que deseja usar como entrada da cadeia lateral. Às vezes, na sua porta, você precisa realmente enviar um sinal, como estamos fazendo com a reverberação, mas você o enviará para a corrente lateral do compressor. Então, essa é possivelmente uma maneira que eles podem ter de fazer isso. Mas, novamente, uma rápida pesquisa no Google mostrará como fazer isso. A coisa mais básica para fazer e adorar. Então, vou selecionar a partir da minha entrada de cadeia lateral o chute de BTP. Isso é bom. Está tudo configurado de vez em quando, só preciso acertar as configurações. Então, de um modo geral, pois assim o encadeamento é muito simples. Eu sempre uso as mesmas ou quase as mesmas configurações. Portanto, sem ataque, sem taxa de retenção, aproximadamente em torno de três para quatro. Então, o lançamento e o limite das únicas coisas com as quais precisamos contornar para obter as configurações corretas? No momento, vou silenciar as almofadas para que você possa se concentrar na linha de base. Mas uma coisa antes de prosseguirmos e realmente começarmos a ouvir é a necessidade de realmente rotear a linha de base por meio nossos conjuntos de grupos de cadeias laterais que realmente serão afetados por esse compressor. Digamos que eu vá entrar e trocá-la de Stereo Out, que é a saída principal, e ela passará pelos grupos. Então, cadeia um. Agora, quando eu jogo, deve ficar bem claro que isso está sendo mergulhado. deve Muito substancialmente. Agora, não quero que demore tanto para atingir o volume máximo novamente, digamos que, se você o ouviu, ele terá um lançamento bastante suave. Então, como temos 500 milissegundos você pode ver o medidor de redução de ganho. Você pode ver como ele é mergulhado pelo chute e depois volta lentamente para cima. Então, basta jogar isso. E então, à medida que aceleramos o lançamento, vou mudá-lo enquanto está sendo reproduzido. E você pode ver rapidamente como o medidor de redução de ganho mostra que o volume está sendo reduzido muito rapidamente e , em seguida, sempre voltando ao normal. Então, deixe-me jogar isso. Isso é bom. Eu quero um lançamento super rápido. E, como mencionei antes, isso meio que adiciona esse leve ritmo à linha de base. Então, quando o kit chega, a linha de base é realmente rejeitada. E depois que os chutes terminam, ele volta a subir e adiciona um ritmo a ele. Então, a única coisa que resta após o lançamento é o limite. E isso apenas indica o quanto do efeito de cadeia lateral ou o quanto você vai ter. Então, se entendermos bem, será extremo. O que não queremos. Digamos que em algum lugar assim seja perfeito, Nice, e uma espécie de Pompeia, a linha de base é um pouco alta demais. Eles se compararam com o chute. Vamos trazer de volta nosso bloco também. O que vamos fazer é entrar nas configurações do teclado e vou rotear esses três como a cadeia lateral. Eu só quero tentar isso para começar, não estou dizendo que será 100% assim. Mas eu gosto disso. Gostei do fato de a almofada estar sendo mergulhada. Novamente, isso meio que aumenta o ritmo da batida de bateria. E também ajuda aquele chute a realmente passar pela batedeira. Eu gosto disso do jeito que está, acho que não, eu corria de lado as cordas do DJ que podem ser deixadas sem tamanho, trocadas. E definitivamente não para o piano que também quer permanecer pequeno, alterado. Isso pode parecer um pouco estranho. Então eu mudei. Ok, tudo bem. Isso parece muito decente. Digamos que deva. Tudo bem, então isso é tudo para esta lição. Lembre-se de quando você está fazendo seu próprio encadeamento de sites de trilhas , muito, muito importante, especialmente quando você tem um chute e uma linha de base. E a linha de base é tocar como se notas constantes como essa já estivessem tocando notas que estão caindo ao mesmo tempo que o chute. Você deve citar a cadeia. Vocês vão chutar e baixo juntos. Tudo bem, muito obrigado por ver garotos e garotas te verem no próximo. 14. Lição de calço ambiente BTP 13 uma olhada mais profunda no Vital: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então, nesta lição, faremos uma pequena pausa no tutorial em si. E vamos analisar o vital e nos aprofundar um pouco mais em todas as funções, pelo menos algumas das funções. Até agora, obviamente fizemos apenas dois sons com isso, o teclado e a base. Agora, esses dois obviamente são sons bastante básicos, na verdade. E fazendo isso, acabamos de descobrir o que o vital é capaz de fazer. Então, se você já está familiarizado com funcionamento vital ou simplesmente não se importa, tudo bem. Não tem problema. Você pode pular para a próxima lição. Você não perderá nada que seja importante para o tutorial. Na próxima lição, faremos um som semelhante a uma sobreposição de base para a linha de base. Mas para aqueles que querem um pouco mais de informações sobre a interface do vital , fiquem por aqui. Tudo bem, então, novamente, vamos começar com a seção do oscilador. E, como mencionado, existem três osciladores principais e também uma amostra de fatiador, que abordaremos em breve. Você pode percorrer os diferentes tipos de ondas aqui. Agora, se você tiver apenas a versão gratuita do vital, terá apenas o banco de fábrica, o que é absolutamente bom. Tem muitas mesas de ondas bonitas aqui. Então, uma coisa que eu não mencionei foi que você também tem isso, que é a moldura da tabela de ondas. Portanto, a tabela de ondas é como uma carga de diferentes formas de onda em um único arquivo e cada parte da tabela de ondas é chamada de moldura. Provavelmente não é o melhor som. Diga, aqui vamos nós. Temos uma onda de serra que só mudará de forma dependendo onde você tem a posição da mesa de ondas. E, claro, existem absolutamente toneladas de tabelas de ondas diferentes. Você também pode baixar tabelas de ondas e criar as suas próprias. Se você quiser criar a sua própria, você pode usar o botão de edição da tabela de ondas para que você possa realmente entrar e realmente manipular a própria forma de onda e realmente alterá-la, inventá-la. Então, eu quero manter o básico aqui. Portanto, não vou me aprofundar muito sobre o editor de tabelas Wave. Abordaremos isso em aulas tutoriais gratuitas. Então, cuidado com isso. Mas, por enquanto, está absolutamente bem. E vou redefinir o que era chamado Zoar apenas para os exemplos que vamos usar. Como mencionado, você também tem essa visão 3D, então essa é a tabela de ondas. Então, o quadro um é esse quadro logo no início. E então, à medida que você percorre, você pode ver como isso muda. Portanto, ele fornece uma representação 3D de todas as diferentes formas de onda dentro dessa tabela de ondas. Então, outros controles aqui, temos o tom. Então, obviamente, temos a proposta do curso, que já analisamos. A propósito, se você quiser redefinir qualquer controle vital de volta à configuração padrão, basta clicar duas vezes nele. Em algum sentido, existem muitos outros sentidos: segure Control ou Alt e clique neles, então ele reinicia e vital que seja um clique duplo, o mesmo acontece com a afinação fina aqui, que já abordamos. Podemos optar por rotear isso para filtrar um, filtrar ou filtrar 1.2. Agora, só para você saber, e veremos isso em um segundo. Mas quando você alcança o filtro 1.2, ele realmente envia um sinal separado para o filtro 1.2, digamos, não é assim, eles estão em série, então o caminho do sinal não percorre primeiro o filtro um e depois, através do filtro dois, ele realmente passa a filtrar, filtrar um de forma independente. Então eu poderia ter, digamos, uma passagem alta, por exemplo filtro ligado para um filtro passa-baixo, um. a modulação e outras coisas que você pode inventar No entanto, a modulação e outras coisas que você pode inventar, algumas coisas bem divertidas nem sempre são úteis. E se você usar apenas sons simples e provavelmente usar apenas um filtro, será o uso mais fácil e certamente o mais comum. A fase muda a posição inicial da forma de onda. Então, se voltarmos para a visualização 2D, isso é mais útil. Então, por exemplo , 180, que é o padrão, ele começará nos pontos de passagem zero se eu mudar a fase disso, embora não mostre isso aqui, está basicamente mudando a posição inicial para em qualquer lugar desta região aqui, dependendo do que está configurado. O principal uso disso é, na verdade, quando você tem dois osciladores diferentes. E você pode mudar a fase entre eles para gerar diferentes texturas entre os sons. Então, aqui embaixo, temos diferentes modos de deformação. Então, podemos mudar isso para uma escala de desempenho semelhante, por exemplo, vou jogar. Basicamente, são apenas maneiras diferentes de alterar a forma de onda. Todos os tipos de efeitos diferentes. Você pode criar todas as texturas diferentes, devo dizer, usando essas muitas texturas diferentes para escolher. Então, temos um tipo de configuração mais tradicional , como sincronizar aqui, que você pode controlar. Mais tipos de funções de mutilação de ondas. Portanto, muitos fundos ficariam felizes com isso, especialmente se você também quiser começar a modular essas funções. Então, vamos falar sobre o controle de pitch key aqui. Então, vou transpor o snap, desculpe. Então, o que posso fazer é selecionar quais notas, se você notar que esses pontos representam os layouts do teclado ou C, C nítido, D, D nítido, E, etc. Então, você pode realmente definir como vital apenas para certos tons, o que é meio útil se você estiver fazendo sons de o que é meio útil se você estiver fazendo sons de arpejo e outras coisas. Embora a forma como você se compõe no vital não seja realmente uma maneira perfeita de criar aplicativos , espero que eles adicionem um módulo na atualização futura como um modo fácil de arpejador. Mas, por enquanto, vamos continuar falando sobre transpose snap. Então, podemos simplesmente selecionar as notas nas quais queremos que isso se encaixe. Agora você tem o snap global e o snap não global. Então você notará que, se eu me desculpar, tenho que continuar clicando nela para realmente colocar o trator. Desculpe, parece um pouco estranho. Mas se você ativar o snap global, o que ele fará é qualquer nota que se torne vital, será gravada ou o tom dela será gravado dessas notas ou em qualquer nota que você escolher. Então, como você pode ouvir, quando eu toco, obviamente ele está tocando muitos acordes diferentes lá. Mas você não sabe porque está encaixando todas as notas nessas três notas. Isso é bom. Vamos voltar ao normal. Como eu disse, isso é útil principalmente quando você tem um LFO jogando com o campo, que veremos em apenas um momento. A seguir, é claro, está a seção de envelopes. Agora, já analisamos isso brevemente, mas vou falar sobre isso novamente. Para aqueles que querem um lembrete, deambular sempre tem a ver com a dinâmica da amplitude. Você pode pensar em amplitude e volume como quase a mesma coisa. É, na verdade, chamado de amplitude até que realmente saia dos alto-falantes, então é chamado de volume. Digamos, internamente, que estamos mudando a amplitude do sinal com o envelope um. Obviamente, temos o ataque, temos a decadência, que não terá nenhum efeito, a menos que você reduza a sustentação de 100%. Então você pode tornar as coisas corajosas ou qualquer outra coisa. Depois, é claro, o lançamento, que é o tempo que a nota durará após o término da nota midi. Então, como você pode ver, temos três envelopes visíveis aqui, mas você realmente tem mais do que isso. Na verdade, há seis envelopes no total, e você não vê os outros três até usar o envelope três para alguma coisa. Então, se eu simplesmente emular três, digamos que vamos usar isso para modular a posição da tabela de ondas. Então, vou arrastá-lo e soltá-lo na posição da tabela de ondas. E você pode ver que quando eu fiz esse envelope já apareceu, eles só aparecem sempre que você usa mais envelopes. Se eu usar o envelope para, você verá o envelope cinco, etc. O mesmo com os LFOs. Lfos no total. Novamente, o mostrador aqui controla basicamente a combinação do controle ou o quanto o envelope realmente afetará a dinâmica. Digamos que, se eu tiver, ele basicamente define um zero ou o mais próximo possível, não terá nenhum efeito. E se eu estiver pronto, ele terá a máxima profundidade do efeito. Agora, o bom desses LFOs é que temos esse controle aqui, que obviamente muda a linearidade do ataque ou decaimento ou qualquer outra coisa em que você os esteja usando. Isso é particularmente bom quando você está tentando fazer sons de baixo realmente sujos e outras coisas. Você provavelmente gostaria de modular o que estou fazendo aqui. Então, a posição da tabela de ondas e talvez o tipo de transformação espectral. Então você pode usar o envelope para modular um deles. E se você usa esse tipo de ataque rápido como esse, ele realmente funciona bem com sons graves de papai ou cabos estridentes, esse tipo de coisa. Ou, claro, você pode escolher o oposto e fazer todo tipo de som modulado louco. Tudo bem, então vamos passar para o LFO e é incrivelmente semelhante. Obviamente, podemos simplesmente arrastar isso para modular um parâmetro específico. Digamos, bem, nos modula, ligue isso para sumidouro. E vou te dizer uma coisa, vamos realmente mudar o que estamos ouvindo. Então, vou fazer todos esses acordes completos para que você possa realmente ouvir a modulação LFO. Um pouco intenso demais. Então, novamente, acabamos de mudar a mistura. E vamos mudar isso um pouco, pois parece um pouco estranho. Com o LFO. os horários aqui, digamos que podemos mudar. Isso é só para a grade, mas eu vou te mostrar quando a colocarmos em funcionamento. Obviamente, normalmente trabalhamos em 4816, etc. Mas, obviamente, você pode calcular os horários que quiser. E, claro, se você quiser, então você pode definir isso para três e ter esse tipo de corrida e trigêmeos. Há coisas diferentes que você pode fazer aqui. Então, obviamente, no momento, temos isso configurado como uma onda triangular. Agora você pode pegar esses pontos e alterá-los. Então você poderia transformar isso em mais uma onda senoidal. Ou você pode alterar o padrão que deseja desenhar clicando aqui e escolher a etapa, por exemplo , e então você precisa clicar no pequeno pincel e então você pode simplesmente desenhá-lo em etapas. Ou você pode escolher outra coisa como descer, que é apenas uma rampa para cima. E, obviamente, você pode misturar esse tipo de coisa. Assim, você pode escolher algumas delas para serem etapas, outras para serem meias-etapas. Eles podem criar todos os tipos de modulações diferentes. Há também esse pequeno botão aqui, essa pequena função que basicamente transforma tudo isso em editável. Oh, desculpe, preciso desligar minhas ferramentas de desenho. Na verdade, tivemos que mudar qualquer um desses pontos. Agora, com isso ativado, posso movê-los livremente e mudar a forma exata. Eu também posso adicionar pontos. Portanto, fica muito mais editável com este botão selecionado , basta dizer que, se você clicar aqui, há absolutamente muitas formas de LFO pré-fabricadas. Digamos, todo tipo de coisa a ser usada lá para obter modulação divertida na parte inferior dos osciladores. Temos isso como gatilho para que você possa fazer com que seja sinks ao ritmo. Você pode fazer com que ele seja acionado pelo envelope, sustain, envelope, loop point e loop hold. Em seguida, temos os horários para os quais você deseja configurá-lo. Basta alterá-los para cima ou para baixo, basta clicar e arrastar para alterá-los. A suavidade basicamente arredondará qualquer um desses tipos de bordas afiadas, se você quiser. St. recebe sons muito legais, especialmente se você estiver usando uma espécie de Voc que faz um tipo de som vocal, então é claro que temos um atraso que apenas atrasa o oscilador de entrar em vigor. E estéreo, que basicamente divide o LFO entre a esquerda e a direita. Isso meio que adiciona um atraso. Então você tem o mesmo LFO, mas ele está sendo acionado nos canais esquerdo e direito apenas em horários diferentes, dependendo de como você configurou esse dial. Então, isso pode ser muito útil para criar algumas boas almofadas e outras coisas moduladas . Tudo bem, então vamos seguir em frente. Também tenho alguns LFOs aleatórios aqui, que não vou entrar em muitos detalhes aqui. É bastante óbvio o que eles são. osciladores aleatórios dizem que, em vez de ter um padrão muito prescrito, como o que temos aqui, será bastante aleatório. Então temos esses moduladores aqui. Então, se eu escolher notas, o que isso faz é modular algo dependendo de quão alto ou baixo ele é. Vamos apenas ativar o filtro. E eu uso nota. Então você realmente modula isso. Você verá que, à medida que tocamos diferentes acordes, o filtro se move. Agora, há qualquer reunião em uma quantia muito pequena. Agora vamos aumentar isso. Como você pode ver, ele está basicamente sendo modulado dependendo de onde estão as notas. Então, se eu tocar algumas notas muito baixas, o corte do filtro ficaria muito mais baixo. E se eu tocar notas altas, o limite do filtro aumentará. A propósito, se você quiser remover qualquer automação que tenha adicionado, basta clicar com o botão direito do mouse e remover nossa modulação. Então, na automação, velocidade é basicamente a mesma coisa, mas para velocidade. Portanto, isso pode ser útil quando você está tentando criar uma espécie de instrumento de som natural. Então, por exemplo, se eu colocar a velocidade no corte do filtro, novamente, o que isso significa é que quanto mais suave você bater na nota, menor será o corte. Em um piano, por exemplo, se você apertar uma tecla com muita força, eu tenho uma velocidade muito alta, então o filtro soa muito brilhante. E neste caso, o filtro seria muito alto se você tivesse uma velocidade alta e se a atingisse com muita suavidade. Obviamente, o piano na vida real soaria muito mais suave e mais escuro, e é isso que isso imitaria. Então, quando você pressiona teclas muito baixas, o corte do filtro é reduzido com base na velocidade das notas que entram no instrumento. Digamos que, no momento deste tutorial, eu realmente não tenho ideia do que o elevador faz, mas vou descobrir isso. Prometo antes de fazer o tutorial completo sobre essas notas de Octavian. Então, isso é basicamente o mesmo que nota, mas acionará uma configuração diferente quando você usa um cruzamento em uma oitava diferente. Então você pode estar em, digamos, Octavia três e nada mudará. Mas se você usar o Octave for, isso modulará tudo o que você está conectado. Acredito que pressão e deslizamento têm a ver com teclados mais avançados, como o Roland. É aquele com as teclas de borracha nas quais você pode ir de um lado para o outro e também alterar a pressão à medida que é tocada. Portanto, não é como se a velocidade inicial na verdade a pressão. Depois de ser atingido, mais ou menos. Você pode oscilar para cima e para baixo com os dedos. Então isso tem a ver com isso , assim como o slide, eu acredito. Então, o estéreo basicamente permite que qualquer coisa que você queira modular seja dividida entre a esquerda e a direita, digamos, por exemplo , se eu colocar isso no corte do filtro e vamos definir isso como zero para o momento. Então você pode ver agora quando eu toco perfeitamente normalmente, mas se eu adicionar algo a isso, basicamente separa qualquer oscilação que esteja acontecendo dentro do campo estéreo. Então, eu tenho um corte de filtro que é basicamente mais alto em frequência e outro com menor frequência. E tudo o que estamos fazendo com essa dieta foi apenas mudar o tipo de diferença entre eles. Ok, então tudo bem. E então, algo aleatório, isso deve ser bem óbvio. Mas toda vez que uma nota é tocada, ela envia basicamente um tipo aleatório de posição ou uma informação aleatória sobre o que quer que ela tenha sido anexada, para ser interpretada. Ok, então isso é muito legal. Abaixo, temos as configurações padrão para a maioria dos sintetizadores, então temos o número de vozes. Então, no momento, temos até oito vozes, o que significa que você pode ter até oito teclas sendo pressionadas a qualquer momento no teclado. Você pode mover isso para cima. Obviamente, usará mais poder de processamento se você fizer isso. A curvatura é simplesmente a quantidade de curvatura da roda de inclinação. Então, obviamente, se eu aumentar isso para o máximo, serão dois semitons para cima ou dois semitons para baixo. Mas é claro que eu posso mudar isso. Como podemos ir? Nossa, isso é bem alto. 48, digamos que isso é muito louco. Desculpe, vamos aumentar um pouco o corte do filtro. Falaremos sobre o filtro em apenas um segundo. Isso é muito bom, na verdade, seria bom para alguns efeitos. Ter uma curva com alcance de 48 semitons, isso é muito bom. A faixa de velocidade que já mencionamos, mas isso basicamente significa que, se você tiver informações de velocidade de informações de velocidade variáveis em suas partes musicais, então, fazendo essa curva, tome nota disso. Então, se você tem algo tocado suavemente e tem outras coisas sendo tocadas com força, então você precisa ter a faixa de velocidade ligada. Caso contrário, essas informações de velocidade serão ignoradas. Spread significa simplesmente a propagação estéreo. Então, se você recusar isso, tudo o que sair desse instrumento estará em mono. Ou se você o tiver totalmente ligado , ele estará em estéreo adequado. E, obviamente, você pode equilibrar isso. Digamos que se você não queria que fosse mono, mas também não queria que fosse totalmente estéreo , você pode usar isso para conter que o deslize esteja apenas deslizando de uma nota para outra. Obviamente, parece um pouco estranho quando está sendo reproduzido com códigos como esse. Mas, normalmente, no tênis , ouvirá apenas uma nota sendo tocada por vez. E, claro, se você sobrepor as notas midi , é claro que elas também deslizarão de uma nota para outra. Você também pode alterar esses deslizamentos do planador, o que é bem legal. A maioria das portas não permite que você as altere, então é muito mais rápido. Mais lento. Se você quiser se curvar entre notas que se sobrepuseram, você precisa ativar o modo legato. Não recebemos nenhum no momento, mas tudo bem, se você vai fazer esse tipo de coisa, sem instruções. Ok, então, brevemente, vamos dar uma olhada mais nos filtros. Portanto, não há muita coisa para ver aqui, mas você pode alterar os filtros aqui entre passagem alta e baixa apenas movendo esse controle deslizante aqui. Ou, claro, uma mistura dos dois. Assim, você pode fazer com que mais filtros passem de banda obtenham a ressonância, o que alterará a inclinação dos bits, mas também adicionará ressonância a um filtro, o que dá um toque agradável. Isso torna tudo agradável e fácil. Vamos voltar para tudo o que tínhamos uma ressonância padrão de desligamento automático. Todos nós já deveríamos saber o que isso faz. Eu meio que o usei quando estávamos fazendo a almofada também. Novamente, temos a trilha principal aqui. Assim, você pode fazer com que o filtro reaja ao ponto em que você pressiona uma tecla no teclado. Então, obviamente, se você estiver pressionando as teclas mais acima o filtro estará totalmente aberto. Se você pressionar as teclas mais abaixo, o filtro ficará mais fechado. Para essas notas. Misture de forma bastante autoexplicativa. Isso é o quanto dos efeitos você deseja, quanto do filtro você deseja que afete o sinal. E depois, é claro, dirija. Aqui podemos escolher quais osciladores entrarão no filtro. Então, obviamente, temos dois filtros. Portanto, podemos fazer com que o oscilador 1.2 entre nos dois filtros, se quisermos, digamos que seja apenas outra maneira de direcionar os osciladores para os diferentes filtros. Isso é tudo. Isso é. Provavelmente é mais fácil selecionar quais campos E1 no oscilador. Mas seja o que for, apenas uma maneira diferente de fazer isso, basta dizer não também. Quando se trata do roteamento dos osciladores, obviamente você pode escolher que eles passem pelos filtros. B pode escolher isso para ignorar os filtros e arrumar e ir direto para a página de Efeitos, que veremos em apenas um segundo. Ou você pode fazer com que ele ignore até mesmo a página de efeitos e vá direto para o mestre saindo do sintetizador. Digamos que, antes de prosseguirmos e examinarmos uma página diferente, vamos dar uma olhada em mais algumas coisas. Então, falarei muito brevemente sobre o sampler. Então, vamos desligar meu outro oscilador. No momento em que temos um ruído branco. Portanto, você também pode bloquear esses dois no campo. E, obviamente, você tem os controles de tom normais , assim como temos com o oscilador. Você pode direcioná-lo para filtrar um para qualquer coisa, da mesma forma que todo o resto, mesmo controle de nível e controle de panorâmica. Agora, esses controles aqui dizem que se eu apertar isso, isso significa que ele será amarrado ao teclado. Dependendo das notas. Ele tocará mais ou menos em tom. Se eu tiver isso, é só um loop. Então, ele continuará circulando , como você pode ver no playhead. Então, se eu quiser, posso tê-lo do início ao fim. Não tenho certeza de qual é o nome técnico desse controlador, mas basicamente se eu clicar nele, ele tocará de uma maneira e depois será reproduzido ao contrário. É muito difícil classificar aqui com ruído branco. Então, vou arrastar uma amostra da biblioteca de amostras apenas como exemplo, isso é tudo isso. Então é só fechar, basta arrastar uma amostra. Isto é, é assim que é fácil arrastar algo da sua porta. Literalmente, arraste e solte. E então, se eu jogar, desculpe , fica um pouco quieto. Vamos aumentar um pouco isso. Você pode ver que só paga para frente e para trás. Então é isso que essa função faz. E então temos o aleatório. Então, isso apenas será reproduzido a partir de uma posição inicial aleatória. Isso pode ser bom para algumas coisas, não para isso, como um som ousado, que significa que há algumas áreas que não têm nenhuma amplitude. Mas se usarmos algo assim, qualquer que seja o som de Bart ou você pode ver que ele começa de uma posição aleatória. Ok, então essas são as últimas duas coisas: ele tem controles macro. Assim, você pode escolher controlar algumas coisas diferentes sob um único controle. Digamos que se você quisesse controlar, diga LFO 123.4, como os diferentes parâmetros dele. Ou você queria ter um controle manual para, digamos, a posição da mesa de ondas, o uníssono e a pia. Basicamente, você pode colocar isso em qualquer um desses controles e pode fazer quantos quiser. Então, há um controle que mudará todos eles ao mesmo tempo. É muito útil, em vez de ter que usar incríveis 83 ou quatro controles diferentes ao mesmo tempo, basta direcionar a macro para esses controles e , em mesmo tempo, basta direcionar a macro para esses controles e seguida, simplesmente modular ou automatizar. aquele único controlador. Tudo bem, então vamos dar uma olhada na página de efeitos. Não quero gastar muito tempo com isso porque todos são efeitos bastante comuns das convulsões. Ative-os alternando os pequenos pontos. O bastante autoexplicativo. Novamente, não vou entrar em todos os detalhes de como o Chorus funciona e que tipo de coisa. Abordaremos isso com mais profundidade em outro tutorial, mas isso realmente não é necessário fazer isso aqui. já abordamos De qualquer forma, já abordamos alguns desses efeitos, então não quero gastar muito tempo com isso. Então, vamos dar uma olhada na matriz. Então, desative isso por enquanto, vamos para a matriz. Portanto, a matriz basicamente nos mostra qualquer roteamento que tenhamos configurado em nosso sentido, por exemplo, quando atribuímos os controles macro de camisetas que aparecerão aqui, obviamente são usados envelope três e LFA-1 para fazer alguma modulação também. Assim que você configurar isso, eles aparecerão na matriz de modulação e você poderá alterar a quantidade. Então, se você observar o controle, aqui é o mesmo que literalmente agarrá-lo e alterá-lo. Só outra maneira de fazer isso. Você também pode selecionar um destino diferente ou uma fonte de modulação diferente. Para fazer isso, você também pode selecionar bipolar, que basicamente muda a direção da modulação. E então o aparelho de som que basicamente faz o que estávamos falando aqui, onde adicionamos estéreo. Então, isso apenas adiciona estereótipo, essa modulação. Portanto, ele apenas deslocará a modulação da esquerda para a direita. E então o Morph, que apenas controla, basicamente, a velocidade ou a velocidade da qual o efeito ocorre. Então temos a guia Avançado, que, para ser honesto, não vou entrar aqui. Uma razão é que isso provavelmente é um pouco longe demais para ser uma visão geral muito básica. Além disso, ainda não tive a chance de mergulhar totalmente nesta página. Então isso virá. Teremos um tutorial sobre isso novamente, que estará no YouTube de forma totalmente gratuita, muito mais aprofundada. Então, definitivamente, fique atento a isso quando ele pousar. E essa é a visão geral mais básica da sorte vital aos oito. Na próxima lição, faremos um som de sobreposição de base com um pouco de modulação LFO. Então, faremos isso. Muito obrigado por assistir garotos e garotas assistirem no próximo filme. 15. Lição de calço ambiente BTP 14 bass modulada: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então, nesta lição, o que eu quero fazer é fornecer uma linha de base alternativa. Se isso é algo que você gostaria agora nesta faixa, eu realmente acho que a linha de base atual que temos que tocar realmente combina com a faixa porque é boa e minimalista. Na verdade, isso não tira nada das outras partes da pista. Isso apenas adiciona aquele tipo de subbase agradável e quente a ela. Mas, como mencionei antes, você pode obter muitas direções diferentes em muitos pontos diferentes durante o processo de produção. Então, por exemplo, se você quisesse uma linha de base com um pouco mais de movimento ou um pouco mais arenosa. É isso que vamos dar uma olhada agora. E talvez nas seções posteriores estejam na metade da pista e esta seção E queira realmente abandonar o teclado e entrar em uma espécie de faixa mais pesada, orientada para o tambor, básica e pesada, o que é absolutamente bom. Quero dizer, você poderia até mesmo entrar no drum and bass. Estou em um ritmo que é praticamente perfeito para isso. Portanto, há muitas maneiras diferentes de seguir, mas tudo o que eu quero fazer aqui é dar uma espécie de outra opção para a linha de base. Então, tem que ser bem simples. Não vamos ficar muito loucos. Vou apenas duplicar minha linha de base atual porque quero manter uma cópia original dela. E então usaremos essa duplicata e começaremos a mexer. Eu também vou silenciar o teclado. Então, eu acabei de jogar a batida e a linha de base. Ok, então usamos o mesmo tipo de patch que já temos. Então, começaremos com nossas formas básicas , porque ela tem uma boa parte de subbaixo. Diga dias felizes. Agora, uma maneira muito simples de adicionar um pouco de ritmo a isso é realmente modular o nível, o volume ou tecnicamente a amplitude usando um LFO. Então é isso que fazemos com esses LFA-1. E eu vou arrastar isso para o nível. Agora, quando eu jogo, não está realmente fazendo muita coisa no momento. Então, duas razões para isso. Primeiro, eu preciso ver como aumentar a eficácia desse oscilador até o fim. E então eu também preciso diminuir o nível. Então, quando ele toca, você pode ouvir o oscilador realmente tendo algum tipo de efeito na amplitude. Então, vou jogar e vamos dar uma olhada em alguns dos LFO de fábrica. Então, predefinições. Você poderia realmente fazer isso funcionar se esse tipo de linha de base instável pudesse realmente funcionar muito bem. Acho que não vou realmente ver essa faixa em particular, mas apenas dizer pode ser usada. Então, esse tipo de coisa. Nervous Groove, esse é um bom ponto de partida, eu diria. E nós só queremos mudar isso . Então, podemos mudar isso. Só precisamos ter certeza de que isso está selecionado. Portanto, temos mais pontos de controle e, em seguida, podemos começar a adicionar pés clicando duas vezes em mais pontos. Eu só vou fazer com que seja um pouco menos instável. Que talvez também mudemos a velocidade disso. Então, vamos economizar 1 barra. Claro, você pode ir em qualquer direção. Você quer escolher qualquer tipo de ritmo. Depende totalmente de você. Vamos continuar com isso por enquanto. Isso é bom. Só dá um pouco de ritmo e essa é uma maneira fácil e agradável de inserir algum tipo de ritmo em sua faixa, se é isso que você quer. Vamos adicionar outro oscilador é esse. Então, vamos apenas ativar o oscilado para. Agora, no momento, obviamente, não configuramos o roteamento. Portanto, também queremos que o nível do oscilador 2 seja afetado pelo LFA-1. Então, clicamos e arrastamos isso até o nível oscilador para também definir o tom para 24. Então, é o oscilador correspondente ao que vou percorrer, vamos tentar descobrir que alguns são um pouco diferentes. Lembre-se de que também precisamos diminuir o nível. E a eficácia aumentou. Para que oscilados digam que essas portas, consulte a página de efeitos porque duplicamos a predefinição. Temos um corte alto que você realmente não queria. Então, vamos transformar isso em uma prateleira alta e normalizá-lo. Então, bytes do Kosovo, esta é uma tabela de ondas que não está incluída nas predefinições de fábrica. Então, parece bom, devo admitir, então talvez eu volte a usá-lo, mas vamos ver as predefinições de fábrica por enquanto. Tente encontrar algo que talvez se adapte à pista. Formas básicas. Apenas uma onda quadrada e eu quero modular isso um pouco mais. Então, vamos escolher outra coisa. Vamos continuar com isso só por enquanto. Isso parece um bolo. Então, o que eu quero fazer com o segundo oscilador é, na verdade modular a posição da tabela de ondas, mas em uma taxa diferente está acontecendo com o tipo de coisa de nível. Então, isso vai mudar em uma taxa diferente com o tempo. Então, o que faremos para isso é pegar o LFO e colocá-lo na posição da mesa de ondas. Vamos jogar isso. Então, parece absolutamente horrível. Digamos que vamos mudar isso para outra coisa. Na verdade, isso não parece tão ruim. O objetivo é apenas fornecer uma maneira diferente de modular uma linha de base para que você possa fazer algo um pouco diferente. Agora, todas essas tabelas de ondas predefinidas de fábrica estão bem, mas não são exatamente incríveis. Então, você obtém outros muito melhores quando realmente paga por itens vitais. Mas não se esqueça de que você pode realmente carregar qualquer tabela de ondas para sobreviver. Você pode literalmente arrastá-los e soltá-los. Então, se você baixar um pacote Wavetable, você pode literalmente simplesmente deixá-lo sobreviver. Então, se você quiser ver, é claro que também pode salvar a tabela de ondas para poder usá-la novamente. Você não precisava continuar arrastando-o toda vez que quisesse usá-lo, digamos, em projetos diferentes. Mas, obviamente, eu só quero usar o material de fábrica porque vem com a voz ou o instrumento gratuitos. Uma prancha que compramos está em algum lugar parecido com o que eu estava pensando. Então, é um pouco diferente, é um pouco mais corajoso. Provavelmente quer. Então, você realmente tem um pouco daquela prateleira alta de volta. Diga algo assim que poderíamos usar e, claro, também poderíamos usar um passe LFO diferente e não apenas um triângulo reto para cima e para baixo. Então você entendeu a ideia, você pode ir em muitas direções diferentes aqui. Ok, então eu só brinquei um pouco, basta alterar as configurações de modulação do LFO. Então, você usaria um padrão diferente, que também está na série de postagem do banco de fábrica. E eu também mudei o momento. Portanto, tem 2 barras de comprimento. Então, é um pouco mais lento, um pouco mais metódico. E provavelmente também podemos mudar a eficácia disso. Então você entendeu, podemos fazer todo tipo de coisa assim. Também poderíamos adicionar um pouco de uníssono a isso. Então você tem um som diferente, tipo, aí vamos nós. O objetivo aqui é, novamente, mostrar que você pode fazer algo diferente, se quiser. Portanto, você não precisou usar uma linha de base de plano 3D. E essa é uma maneira fácil de usar LFOs para obter um pouco de ritmo em sua linha de base. Ou pode ser som principal, teclado ou qualquer outra coisa e adicionar mais movimento à sua faixa. Mas eu não vou realmente usar isso na faixa principal. Como mencionei, eu definitivamente prefiro essa faixa em particular com apenas a linha de base padrão. Isso não tira nada do resto da pista. Ele apenas acrescenta que aquece os submenus. Então, está meio perfeito do jeito que está. Mas se você quiser usar um choppy mais modulado na linha de base, basta ir em frente. Tudo bem, muito obrigado por assistir garotos e garotas verem no próximo. 16. Lição de calha ambiente BTP 15 Cordas de Adagio FX: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então nesta lição e na próxima, vamos adicionar um pouco mais conteúdo às faixas. Só algumas coisas que eu quero fazer. Primeiro, um deles vai trocar esse pouco de meio-dia por este, só porque eu tenho aquele preenchimento trigêmeo do chapéu e o lugar errado para ele, onde realmente quer , quer estar na verdade , basicamente liderando em SBAR 45. Mas também adicionaremos mais ou menos um chute aos padrões de trigêmeos. Então, estamos no 16º trigêmeo no momento, então tudo bem. Só para acentuar, o Hatfield. Apenas adiciona um bom tipo de salto lá. Então, isso é bom. E vamos adicionar a próxima parte. Então, novamente, estamos entrando na estrutura da música em apenas algumas aulas com muito mais detalhes. Mas, obviamente, queremos realmente manter as coisas interessantes e envolventes em cada seção. Agora ele começa muito suavemente na primeira metade da pista. E então, obviamente, entramos na bateria e no baixo. E só nesta segunda parte aqui, quero tornar isso um pouco mais interessante do que simplesmente colocar as cordas Adagio. Antes, eu realmente adiciono a parte que vamos fazer. Eu só quero falar muito brevemente sobre como isso surgiu. Então, obviamente, como estamos ouvindo músicas repetidamente, quero dizer, não fazemos isso no tutorial que procura, fica muito chato. Mas quando você mesmo está trabalhando nisso, está ouvindo repetidamente. E você começa a ver aqui lugares onde você pode querer um preenchimento ou qualquer outra coisa. E um desses momentos foi aqui. Eu podia imaginar algo chegando como um preenchimento apenas para que um som único fosse o que eu estava pensando na época. Diga alguma coisa aqui. Algo parecido. Vamos voltar ao tempo sem trigêmeos. Então, sim, o que ele fez foi basicamente colocar um pouco de midi e começar a experimentar sons diferentes. Vamos aos arquivos de trabalho e queremos os efeitos de string do Adagio em C. Aquele pequeno e bonito. Vou apenas adicionar isso a um amostrador. E vamos desenhar um pedaço de midi em branco, entrar nele. E isso é ter escutado. Queremos que nós, literalmente, comecemos aqui, onde tínhamos os sets de playhead. Vamos apenas ouvir a nota que queremos ver. Então, na verdade, desculpe, abaixe um pouco primeiro porque está um pouco alto. E então vamos apenas desenhar uma nota. Então, vamos apenas ouvir. Agora, muito quieto, pois o inquilino se recupera um pouco. Então esse foi o tipo de ideia que eu tive originalmente, que eu queria ter esse som como preenchimento. Mas então, enquanto eu estava ouvindo, eu poderia imaginar isso realmente tocando outras notas mais adiante. Então, algumas coisas que precisamos fazer primeiro são apenas representar uma parte muito curta da amostra. E essa é, na verdade, uma amostra muito longa. Se formos até a faixa sampler e tocarmos, eu quero que um pouco mais disso saia. Então, obviamente, podemos simplesmente tornar as notas mais longas. Mas também podemos fazer isso no amostrador, se você quiser dizer se vamos para o modo amplificador e apenas aumentamos a gravação do lançamento um pouco mais do que isso. Então, vamos prolongar isso. Digamos que você alongue isso até que esteja aqui, como se outro tivesse acertado sua arma. Então, vamos descobrir isso. Desculpe, B Flats. Digamos, deixe-me jogar isso um pouco mais atrás. Desculpe minha horrível chave externa cantarolando lá. Sim, isso é o que eu queria, um G. Então, podemos fazer com que isso toque novamente na nota, mas eu quero fazer com que isso seja um pouco diferente em termos de tempo, então nem sempre é realmente regulamentado. Então, eu vou acionar isso um pouco mais tarde do que o que você acha que deveria ser ou vencer mais tarde do que o que era no último, eu também me lembro. A primeira batida é uma batida mais cedo, aquela está na batida e essa vai chegar um pouco tarde. Então, isso só adiciona um pouco de variação. Você não precisa fazer isso. Você pode escolher qualquer horário que quiser ler. Eu gosto de como isso soa. Para mim adicionar esse site. Sim, qual foi a última vez que aconteceu aqui. Acho que vai voltar para ver, na verdade, digamos, vamos desenhar isso. Sim, isso parece certo. Então, vamos ouvir tudo de novo agora. Está um pouco alto. Parece que soavam bem decentes no Oregon. E vou adicionar um pouco de reverberação a isso também. Então, eu só quero som agradável e profundo e isso definitivamente o ajudará a combiná-lo com o resto da faixa. Adorável. Sim, isso soou perfeito ou eu posso perfeitamente bem. Voltando à faixa do sampler, estamos mudando um pouco o tom aqui. Portanto, o comprimento da amostra mudaria se estivéssemos usando, digamos, notas estendidas como essa. Mas como não estamos, e estamos apenas usando a versão do sampler para definir o comprimento das notas, basicamente evitamos o problema de, à medida que essas notas descem, como obviamente no amostrador, eles são naturalmente reduzidos, o que significa que também ficam mais longos, enquanto o filme diminui o tom. Então, estamos evitando o problema do próximo ficar mais longo. Novamente, você pode usar o audio warp, você pode ativá-lo. E então ele manterá automaticamente as notas exatamente do mesmo tamanho, mas usar a versão em vez de usar notas longas para isso é a melhor maneira de fazer isso. Tudo bem, então é uma boa e fácil. Isso é tudo para esta lição. Na próxima lição, adicionaremos uma espécie de camada de cordas vocais. Muito obrigado por ver garotos e garotas te verem no próximo. 17. Lição de calço ambiente BTP 16 camadas de cordas vocais: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então nesta lição, essa será muito rápida. Vamos apenas adicionar uma espécie de camada de cordas vocais, resfriando-a em uma camada de cordas vocais, mesmo que não seja realmente uma corda, só porque será uma nota constante em vez de estar pronta para vocais? Então, é apenas um tipo de som cantado por Acquire ou algo assim. E vamos tê-la como uma nota constante de volta a um pouco da estrutura da música. E isso é que realmente queremos manter as coisas interessantes e evoluindo à medida que avançamos. Vamos nos concentrar na primeira metade da pista por enquanto. Na segunda metade da primeira metade, temos o piano, mas na verdade não tivemos nenhuma mudança no meio do caminho. Então, nós realmente precisamos de algo na barra 8. Então, são 8 bar de lá até lá. Precisamos adicionar algo aqui. E para fazer isso, vamos adicionar uma corda vocal e dizer, deixe-me colocar isso e então você pode ouvir como é e discutiremos um pouco mais. Vamos descobrir onde estamos. Então, vamos lá. Vocal feminino em C. Ok, então vamos adicionar isso a uma faixa sampler. E vamos desenhar o n. então vamos direto para o final do primeiro tempo. Então, ainda está certo. Então, coloque as almofadas e abaixe-as um pouco para começar. E vamos desenhar nossa nota midi. Então, queremos que esteja em C porque os trópicos podem ver. Vamos jogar de um pouco mais para trás. Vamos tentar subir uma oitava. Então, basta levantá-la e não salvar normalmente a maioria das portas, é Shift e pressionar as setas para cima ou para baixo para movê-la para cima. Uma oitava pode ser diferente da sua, mas acho que isso é bastante comum. Vamos tentar assim. Obviamente, gosto dos tons agudos um pouco altos, e precisamos adicionar um pouco de reverberação a isso. Acho que vamos dar muita reverberação. E vamos diminuir um pouco. Para obter o volume correto disso. Queremos jogar um pouco mais para trás, para que possamos medir com mais precisão o nível quando ele chega. Então, o que ele quer fazer aqui é apenas dar uma pequena vantagem. Então, poderíamos usar o envelope do amplificador para fazer isso. Eu posso fazer isso de forma muito simples no amostrador de controle de qualidade apenas pegando isso, que é como outro envelope. Digamos que não, você pode não ter isso. Então, neste caso, vamos usar o envelope do amplificador. Só para que vocês que não tenham esse mesmo recurso possam fazer a mesma coisa. Então, está basicamente fazendo a mesma coisa de qualquer maneira. Você precisa que isso demore um pouco mais. Isso já está perfeito. Só quero uma pista gentil. Não é como se um início repentino do vocal feminino fosse talvez um pouco mais repentino do que um pouco lento demais. Eu diria que está certo. O nível não é ruim. Talvez queiramos ajustar esse dinheiro em apenas uma fração para impressionar, verdade não queríamos que ele se afastasse de nenhum dos outros elementos. Só queremos que seja um elogio por eles sentados embaixo, mas também quer que seja perceptível ao mesmo tempo. Ok, então isso soa como nossos direitos. Agora, vamos copiar isso. Então, também é o final da segunda metade da pista. Então, vou copiar isso. Ok, desculpe, basta arrastar isso para o caminho errado. Vamos colocar um vocal feminino perdido. Então, como você pode ver, está tocando um tom constante. Essa é uma técnica muito usada em muitos gêneros diferentes. Não é apenas ambiente, mas é usado, acho que bastante em ambiente. De repente, ouço muita coisa nas faixas que escutei. E é apenas uma forma de adicionar algo um pouco diferente à sua mistura, um pouco de variação. E isso meio que acrescenta que quando você tem um vocal feminino mais agudo, Ooh, assim, isso também tende a aumentar a energia. Tudo bem, então é isso. Nada mais é necessário para fazer isso. Obviamente, podemos dar a isso um equilíbrio final quando chegarmos à fase de mixagem, mas está praticamente no estádio. Eu diria. Isso é tudo para esta lição. Muito obrigado por assistir garotos e garotas assistirem no próximo filme. 18. BTP Ambiente de enfileiramento Lição 17 de música: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então, conforme mencionado anteriormente no tutorial, vamos dissecar os níveis micro e macro de energia dessa faixa para que possamos entender melhor como reproduzi-los em outras faixas que possamos imaginar. fazer. Para usar uma metáfora, uma boa música deve ser como uma boa política. Começa suavemente, as pessoas conversando, bebendo, relaxando. Aos poucos, a música fica mais alta, as pessoas ficam mais bêbadas, começam a dançar. Talvez você tenha uma pausa para comer, beber mais, e então você volte a dançar e se divertir sua vida, e então ela acabe. E uma boa política sempre termina com o pensamento: “Eu quero mais”. E não acaba muito cedo porque foi como uma festa que durou 5 minutos de duração. Acabou muito cedo porque você se divertiu muito e simplesmente não queria que acabasse. Você quer que sua faixa termine com as pessoas querendo mais, como se elas simplesmente não conseguissem se cansar disso. Agora, obviamente, isso vai ser, em algum nível, muito subjetivo entre pessoas. Algumas pessoas adoram algumas faixas e outras odeiam essas faixas, então você não pode agradar a todos. Mas, deixando isso de lado, na verdade, tudo se resume à tensão e à liberação no nível micro e no nível macro. Então, nas aulas anteriores, falei sobre como você resolve uma progressão de acordes terminando com quatro ou cinco acordes e depois voltando para um acorde. E isso lhe dá a progressão de acordes, uma sensação de resolução ou conclusão. Isso já é uma aplicação de tensão e liberação no nível micro, meio que funciona assim. Quanto mais tempo você estiver longe de um acorde, maior será a tensão, e quanto mais essa tensão durar, maior será a liberação sentida quando ela volta para o acorde único. No entanto, se você ficar longe de um acorde por muito tempo , essa tensão meio que entra em colapso. E essa tensão, em vez de ser liberada, se transforma em outras emoções. E isso normalmente é como uma emoção como ansiedade ou mal-estar ou desconforto aéreo, que é um truque usado em filmes de terror, por exemplo, para promover uma sensação de mal-estar e ansiedade. Tudo é feito por meio da música muito disso é feito por meio da música com acordes realmente dissonantes que nunca foram resolvidos. Portanto, sempre há uma sensação de tensão, mas ela nunca é liberada. Na música é super importante que você tenha que equilibrar sempre a tensão com o lançamento. Agora, para mim, essa é apenas minha opinião pessoal. Pronto? Mas a progressão de acordes mais longa que deve ser usada é, na verdade, como uma progressão de acordes de oito compassos. Então, um que seja tão longo. Agora, neste, isso é um pouco diferente. Isso é mais parecido com uma progressão de acordes de quatro compassos porque volta para um acorde após 4 compassos. Então, poderíamos, por exemplo, ter um acorde diferente aqui em vez de um acorde. E ainda está tudo bem porque ainda vai mudar do acorde de quatro acordes para um acorde após 8 compassos. Isso funcionará, mas eu pessoalmente não demoraria mais do que isso, como uma progressão de acordes de 16 compassos em que na verdade não volte para um acorde, na minha opinião, seria demais. É muita tensão e não é liberada o suficiente, então o equilíbrio está errado. Mas, obviamente, isso é algo que só está experimentando. Você está tão cheio, meio que acende uma luz. Então, é mais ou menos assim que geramos tensão e liberamos em escala micro com a melodia. E, a propósito, esse ainda é o caso se você não usa acordes, mas tem, digamos, uma linha de base que se repete a cada dois ou 4 compassos, por exemplo , então existem maneiras diferentes de criar essa tensão e lançamento e faixas. Não precisa ser uma progressão de acordes ou uma progressão de acordes é uma ótima maneira de fazer isso. Além disso, coisas como estilos de dança mais difíceis. A tensão e a liberação estão muito mais focadas na escala macro, na escala maior. Portanto, aumente a tensão com o tempo e as seções de avarias e acumulações e, em seguida, aumente a energia nas seções de queda ou central. Ainda há tensão e liberação em uma escala menor nessas faixas, mas uma espécie de mudança equilibrada passa a ser muito mais sobre a escala macro do que com a microescala. Surge de uma forma um pouco diferente das faixas mais melódicas. Estou saindo um pouco de tangente aqui. Mas se você realmente quiser saber mais, definitivamente olhada na masterclass de estrutura da música, certo, para resumir a tensão e a liberação no microscópio, às vezes a cada 4 bar e especialmente a cada 8 bar e 16 bar, temos um ciclo de tensão e depois nos liberamos dessa tensão. E o que isso alcança? Isso significa que sempre há esse tom constante de empurrar e puxar em suas faixas que mantém o ouvinte engajado, quer ele perceba ou não, em um nível consciente e em algum nível. É uma coisa bastante hipnótica. E é por isso que é muito importante trabalhar nessa progressão de acordes e usar coisas como acordes de sétima ou acordes emprestados e subacordes e coisas assim para enfatizar o empurrão e o puxão da progressão de acordes. Então, na escala maior, a macroescala, a mesma coisa se aplica, mas obviamente em uma escala maior. Então, digamos concentre-se na primeira metade dessa faixa. Então, exatamente até onde nossa progressão de acordes de 32 compassos termina, podemos ver que no final de cada progressão de acordes de oito compassos, à medida que ela se resolve, um novo coração é adicionado. Então, obviamente, primeiro são as cordas Adagio em C, depois é o piano do que o vocal feminino escorre. Digamos, cada vez que ele resolve voltar um pouco, começa muito suavemente, mas a progressão de acordes de oito compassos meio que aumenta um pouco a energia e depois volta a se repetir da progressão de acordes, mas também como uma adição. Então você pode ver isso, pois cada seção de oito barras aqui é como uma construção para a próxima seção. Portanto, a energia está aumentando gradualmente ao longo do tempo. E então temos um crescendo. Eu tenho praticamente essa energia e, em seguida, ela vai dar para praticamente nada. E agora isso se tornará um pouco mais aparente à medida que adicionarmos mais efeitos especiais e coisas assim à faixa. Isso é basicamente o que está acontecendo aqui. Toda a energia está se acumulando e depois vai para quase nada. E então, obviamente, começamos de novo, mas com uma energia diferente. Agora, vou apenas desenhar o que isso parece. Portanto, é uma boa maneira de visualizar o fluxo de energia da atração. Então, começamos obviamente com energia muito baixa. Aqui embaixo. Ele se acumula um pouco na primeira progressão de oito compassos. Então, como uma espécie de suave adição de energia com o Adagio for Strings. E, novamente, isso se acumula muito gradualmente porque é a mesma progressão. E, novamente, adicionamos o piano, eu digo, toda essa seção se acumula um pouco de energia. E, novamente atingido, ele se acumula novamente em energia. E então temos uma gota completa de energia quase para nada. E então voltamos, mas voltamos com a bateria e o baixo, então a energia é um pouco maior. E então, novamente, acontece o mesmo tipo de coisa. Então, gradualmente construímos energia. E então concluímos a faixa e veremos que é uma queda completa no nada. Essa é a estrutura básica de energia da pista. E essa é uma boa maneira de visualizar as coisas. Então, deixe-me me livrar disso e eu vou desenhar que tipo de arranjo pop mais típico , tipo de energia seria algo como se acumulasse no verso, depois entrasse no refrão e Você é meio que um pouco de energia. Há um pouco mais assim. Cai para baixo. Você volta para o verso que cria uma energia e depois toca no refrão. Então, é esse tipo de coisa. É como esse fluxo e refluxo que você pode ver aqui e continua até a pista terminar. Soares, um desenho terrível. Mas você entendeu a ideia. Sobe, desce, sobe, desce. É todo esse empurrão e puxão que mantém o ouvinte envolvido com sua faixa. Obviamente, essa faixa ambiente é um pouco diferente, mas ainda tem esse efeito. Ele apenas acumula energia durante o primeiro semestre. Em seguida, ele cai e depois entra em mais energia e depois se acumula novamente. Portanto, há um fluxo e refluxo que é apenas um pouco diferente. E quando você reduz o zoom, você sempre pode ver a primeira metade da faixa é, na verdade, quase como uma seção de construção para a segunda metade da faixa, onde a bateria e o baixo linha chegando. Agora, outra coisa que mencionarei brevemente, é muito, muito importante quando falamos sobre tensão e alívio. Essa é a quantidade de tensão que você cria em sua faixa com o que ela é, seja com a melodia em uma escala micro ou com o arranjo real. Digamos que a acumulação em uma seção de queda, por exemplo, a tensão e a liberação sempre devem ser equilibradas. Então, se você tem muita tensão, precisa equilibrar isso com muita energia quando ela é liberada. Então, um tipo de falha disso seria dizer que, como uma faixa de dança, temos muita energia, como um acúmulo muito longo e superenergético. E então, quando cair no chute principal e na linha de base ou qualquer outra coisa, se isso for realmente nada assombroso, como se quase não houvesse energia nisso, então será como super decepcionante de ouvir. É uma coisa muito bizarra aqui, mas acredite em mim, acontece que as pessoas cometem esse erro. Então, se você tem um acúmulo de mega energia, então você precisa de uma queda energética de ômega é praticamente tão simples quanto isso. O mesmo acontece com a melodia. Então, com isso, como eu disse, você não pode ficar longe de um acorde por muito tempo porque a tensão se torna muito grande. Então você tem que equilibrar isso sem demorar muito. É um tipo similar de princípio, só que em um nível diferente. Tudo bem, então isso é tudo para esta lição. Nas próximas lições, agora adicionaremos alguns dos efeitos a essa faixa e automatizaremos tudo para ajudar a aprimorar o que estamos falando, esse tipo de fluxo e refluxo de energia em toda a pista. Tudo bem, então é isso. Muito obrigado por ver garotos e garotas te verem no próximo. 19. Lição de calha ambiente BTP 18 SFX: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então nesta lição vamos começar a adicionar alguns efeitos sonoros. E esse interruptor em particular vai parecer um que será como um elevador flangeado, impacta, meio que parece loucura, mas no final das contas é bem simples. Então, o que eu tenho nos arquivos de trabalho é esse chamado símbolo suave de março. Então, obviamente, apenas um elevador de frequência muito alta, não é realmente um impacto, mas apenas um motor, acho que você o chamaria do que ele quer fazer isso é apenas torná-lo um pouco mais interessante, é adicionar um efeito de flange, mas chegaremos a isso em apenas um segundo. Uma coisa que eu quero mencionar muito rapidamente, só para que você não se confunda, é que eu movi a corda Adagio e o vocal feminino escorrer. Eles eram amarelos e estavam na parte inferior dos projetos. Então, eu os mudei para caso de você estar se perguntando de onde essas coisas vieram. E o que vou fazer é selecionar aproximadamente onde eu quero isso. Vou fazer com que isso chegue na metade do segundo tempo. Então, vamos arrastar isso para nossos projetos. Apenas uma faixa de áudio é boa. E ele foi criado nesse ritmo, então você não deve ter nenhum problema em ajustá-lo, desde que use o mesmo ritmo, 84 bpm. Vamos diminuir o volume e ouvir rapidamente. Parece bom, mas talvez esteja um pouco à vista. Então, vamos adicionar um efeito de flange a isso. Então, vou usar minhas inserções e praticamente qualquer porta deve ter efeitos de flange. Fique muito surpreso se o seu não vier com um. Tenho certeza de que existem muitos gratuitos que você pode baixar, mas vamos lá. Então, flanges ou efeitos baseados no tempo, e é por isso que temos feedback de atraso. Isso apenas acentuará a quantidade de efeito de flange que obtemos. Então, eu vou pegar esse prato sozinho. Agora, na verdade, estou totalmente feliz com a quantidade de flange existente ou a profundidade dos efeitos e tudo mais. Então, na verdade, vou usar apenas as configurações de estoque. A única coisa que eu quero mudar é o momento. Então, eu não quero que suba e desça tão visivelmente, para que você possa ouvir que, na verdade, só aparece uma vez a cada farpa que está no 11. Então você quer mudar isso. Então, vou desligar a sincronização e reduzi-la para 0,1, então é muito lento. Agora, o único problema com isso é que, como não está no ritmo, na verdade tocará em momentos diferentes. Então, se eu disser para jogar a partir da barra 47, o fluxo do flanger será acionado. E se eu jogar aos 48, ele será acionado. Cada vez que chegar a esse símbolo, ele estará em posição. Então, se você pode imaginar, o efeito do flange obviamente oscila , como podemos ver aqui. Está em uma onda senoidal, então sobe e desce, sobe e desce. O que eu quero é que ele atinja seu pico quando o símbolo atinge seu para atingir seu pico lá, eu quero que seja uma coisa do tipo Zhe. E então o efeito do flange meio desce da onda senoidal. Ele desce ao passar por esse ponto médio. Tudo bem, então basicamente o que estou dizendo é que sempre que você toca a faixa, os efeitos do flange serão diferentes a cada vez nesse efeito. Então, o que vamos fazer é copiá-lo assim, digamos, oito vezes, por exemplo e então vamos renderizar isso com o efeito de flange ligado. E então escolheremos aquele em que ele tenha os atributos certos. Ok, então vamos fazer isso e você provavelmente terá uma ideia melhor do que estou falando, que é mudar rapidamente. Meu espaço de trabalho ocupou a tela cheia. Tudo bem, então vamos embora. Eu só vou exportar isso. Obviamente, não sei como você conseguirá fazer isso, mas serão exportações, renderização ou rejeição ou quaisquer termos diferentes para a mesma coisa. Mas vou apenas exportar uma mixagem de áudio. Agora, para isso, vou chamá-lo apenas de símbolo da Flandres. Eu quero que ele entre no caminhão quando terminarmos. Digamos que crie uma faixa de áudio perfeita. E, obviamente, certifique-se de que a taxa de amostragem, a profundidade de bits e tudo estejam corretos e, em seguida, apenas exporte. Ok, então aí estamos. Temos nosso símbolo renderizado ou exportado. Eu posso subtrair, só aumentando um pouco aí. Ele está no ponto de controle intermediário. Então, vou silenciar o que usamos para colocar os símbolos lá. E vamos apenas ouvir esses símbolos renderizados com os efeitos de flanges ativados. Isso foi bem próximo, mas os efeitos atingem o pico um pouco após o crescendo do símbolo. Então, vamos tentar o próximo. É quase perfeito. Você pode ouvir os efeitos caindo ou o flange meio que caindo, se quiser, é quase como efeitos Doppler. Então, quando você tem um carro passando por você da esquerda para a direita ou qualquer outra coisa, à medida que avança, soa quase como um tom mais alto. E então, quando passa por você, o som fica mais baixo. Efeitos praticamente muito semelhantes. Então, este é, no momento, o melhor. Vamos apenas encurtar isso, então temos isso e vamos verificar os outros. Isso também é praticamente perfeito. Chega tarde demais, então vamos pegar o primeiro. Isso é bom. Isso definitivamente está perto o suficiente. Eu não quero ser muito louco por isso. Então, vamos pegar esse. que vamos deixá-lo no meio do caminho Acredito que vamos deixá-lo no meio do caminho. Vamos apenas verificar isso. Também é meio que isso. Tudo bem, então o login é bastante decente. Acabei de adicionar algo um pouco diferente à faixa. Tudo bem, então isso é tudo para esta lição. Só uma rápida aí. E na próxima lição, veremos colocar mais sons de efeitos lá, ou sons SFS, e realmente aliviar a tensão e liberar essa faixa. Muito obrigado por assistir garotos e garotas assistirem no próximo filme. 20. Lição de refrigeração ambiental BTP 19 arranjo SFX: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então, nesta lição, continuaremos adicionando alguns sons de SFS que realmente aumenta a tensão e o lançamento dessa faixa. Algumas coisas rápidas. Primeiro, vou remover o símbolo que usamos para gerar o símbolo flangeado. Então, vai se livrar disso. Vou apenas mover meu símbolo de flores, alfabeto que pode manter essa cor tão boa quanto verde para efeitos, basta colocar minha região de loop sobre a faixa. Não menos necessário, mas tudo bem. Ok, então a primeira coisa que eu quero acrescentar é uma espécie de sucesso sujo ou de Castro, que chega logo no final da primeira metade das faixas, onde meio que cresce basicamente o que eu quero. Então, vou colocar meu jogo Head and Bath 37. Vamos ver nossos arquivos de trabalho. Estamos sujos ou atingidos por um peneireiro. Aí está. É só arrastar isso para os projetos. Só vou acabar com isso. Alguém recusou, isso é ótimo. Então, vamos apenas ouvir um pouco. Então, precisamos automatizar isso para tirar um pouco do volume quando a bateria e tudo entra. Vamos falar sobre isso na próxima lição quando fizermos automação. Mas só para você saber, é mais ou menos assim que essa primeira seção das tendências obviamente precisa ter um impacto um pouco mais , que veremos em apenas um segundo. Efeitos que comem muito rapidamente. Vamos fazer isso. Então, quando você tiver o chute, vou copiar o chute Midea e excluir tudo exceto o primeiro chute. Basta dizer que isso tem um impacto um pouco maior. Então, provavelmente, tem outro efeito aí. Em um segundo, o que você vai adicionar. Mas, por enquanto, está tudo bem. Então, vamos passar para o início das faixas. Eu realmente não quero nada até o piano entrar. Vamos apenas ouvir um pouco e ter uma ideia disso. Lembre-se também de que, quando abordarmos a automação na próxima lição, ela será muito mais suave e filtrada. Portanto, seria uma construção e energia muito mais suaves. Então, sim, aí mesmo, eu quero ter um impacto um pouco maior e esse é o que eu meio que acabei por me basear. Isso também é do nosso pacote de amostras em duas etapas. Muito bom. Então, vamos arrastar isso para nossos projetos. Certifique-se de configurá-lo no lugar certo e diminuí-lo um pouco. Talvez um pouco alto demais. Definitivamente, queremos que isso tenha um grande impacto. Desculpe, só estou tentando equilibrar isso porque honestamente, temos algumas coisas chegando aqui. Nós temos as notas de baixo do Paddy, você tem o piano e você tem esse impacto. Então, ainda precisamos ter o piano e as notas de baixo são como as coisas mais proeminentes que aparecem aqui. E talvez seja apenas uma fração muito alto no momento, só porque os impactos ali se afastam um pouco do piano. Novamente, acabamos de incluí-lo, então precisamos ouvir um pouco de toda a faixa. Então, quando chegarmos à aula de mixagem, provavelmente estaremos ajustando esse tipo de coisa apenas para deixá-las absolutamente corretas. Mas, por enquanto, tudo bem. Podemos deixá-lo naquele estádio. Sem adereços. Acho que o que faremos, bem como o que realmente acabamos de copiar. Vamos descobrir onde queremos isso. Então, no final, aqui, onde temos aquele som orquestral sujo, vamos fazer com que isso também nos leve a isso. Agora, acho que talvez queiramos ter um tipo de efeito ascendente um pouco mais longo lá. Então, o que eu realmente vou fazer é reverter isso. Então, no Cubase, isso é fácil. Posso simplesmente clicar com o botão direito do mouse ou Alt e clicar com o botão direito. E então vá para a reversão. E eu quero fazer uma nova versão. Obviamente, você pode ter que fazer isso em sua própria porta, mas geralmente esse tipo de operação é bem simples. E, certamente, se você não souber como fazer isso, estará a uma rápida pesquisa no Google. E então vamos usar isso como uma pista para os sons orquestrais sujos. Então, vamos ouvir um pouco, ver como isso soa. Parece K, mas eu também quero um pouco do impacto dessa parte, vamos chamá-la de épica . Então, vou cortá-los e usá-los juntos. Então, se eu for apenas chocolate, chocolate aí, me livre disso e copie isso do outro lado. E vamos ver se podemos fazer isso funcionar. Agora, normalmente, quando fazemos isso, provavelmente queremos diminuir um pouco a primeira. Vamos ouvir sozinhos. Soa assim com o resto da faixa. Desculpe, acho que na verdade é o caminho errado. Queremos que isso tenha mais impacto do que isso, porque há um chute, sujo ou um golpe de Castro também. Queremos que seja um pouco menor e forneça esse tipo de ruído caloroso e discreto. Então, estamos apenas equilibrando o volume entre os dois sucessos. Não é tão ruim. Agora, a razão pela qual estou usando os controles de volume do evento em vez de realmente alterar o volume de toda a faixa aqui é porque, obviamente, temos outros sucessos aqui. Digamos que estamos satisfeitos com o nível em que eles estão. Então, eu só quero mudar o nível de volume do evento individual em vez mudar todo o nível da pista porque isso obviamente afetará todos os impactos do aumento que estão nesse canal. Alguém assim, está perfeito no momento. Agora teremos um pouco de preenchimento, veremos os preenchimentos em uma aula separada, mas teremos um pequeno Phil subindo até lá levando para a bateria, apenas dizendo que não vai ser só comece do nada. Mas, novamente, chegaremos a isso daqui a pouco. Agora vamos avançar um pouco mais na faixa e adicionar algumas partes extras. Então, infelizmente, na metade da última seção, definitivamente queremos ter um pequeno impacto aqui, o que, na verdade, desculpe, eu coloquei o símbolo do flange no lugar errado. Peço desculpas por isso. Isso deveria estar lá antes do segundo tempo. E isso é só um pouco alto. Vamos recusar isso, para que não seja tão avassalador. Também vamos tornar isso um pouco mais impactante. Então, o que vou fazer é realmente copiar o primeiro pequeno trecho de nossos impactos crescentes, que é como a parte mais sofisticada. Símbolo branco invertido. Então você também deseja adicionar um pouco de reverberação. Então, vamos adicionar isso. Isso definitivamente o ajudará a soar um pouco mais épico. E eu vou dizer mais épico sobre as entregas aqui. Então, vamos jogar isso, na verdade. Absolutamente uma tonelada de reverberação nele. Agora eu quero que isso seja mais alto, é claro. Ok. Vamos continuar com a parte em que estamos trabalhando aqui. Então, temos nossa espécie de primeira metade do impacto do elevador aqui. E vamos acrescentar uma paixão também para enfatizar os impactos desta segunda seção. Em esmagado 15. Novamente, é um pouco estranho de reverberação em seus dez, um pouco mais alto. Ok, então isso parece um rádio bastante decente e ele quer uma última parte, que acho que vamos repetir o aumento dos impactos logo no final da faixa. Então, terminando aqui. E também enquanto estamos nisso, vamos fazer com que o sucesso orquestral sujo chegue na metade. Teremos que trabalhar um pouco nisso, então não vai soar imediatamente. Pode parecer um pouco demais. E vou te dizer uma coisa, em vez de começar aqui. Vamos fazer isso uma vez mais tarde. Talvez seja até um pouco tarde demais. É assim que começar meio passo tarde demais. E, novamente, precisaremos automatizar isso. Nós realmente queremos ouvir o início desse sucesso e depois diminuir o volume. Portanto, não está sobrecarregando o resto da pista. Mas abordaremos isso novamente na próxima lição. E então teremos um último sucesso orquestral logo no final. Então, vou apenas encurtar isso. Não é muito longo e copie isso. E, novamente, provavelmente também automatizaremos isso. Vou arrastar o envelope à direita só para fazer com que o volume diminua. Agora, é claro, depende realmente de você que tipo de som você quer usar. Você não precisa usar sucessos orquestrais sujos da mesma forma que não precisa usar esse tipo de som vocal que temos aqui, depende totalmente de você. Você pode usar sons diferentes, se quiser. Digamos, eu realmente gosto disso. Efeito. Isso quase te sacude um pouco. É algo um pouco mais interessante. Está um pouco no campo esquerdo. Então, para mim, isso realmente funciona. Mas, obviamente, para você, você pode escolher qualquer som que quiser. Tudo bem, então acho que estamos praticamente prontos com os sons dos efeitos especiais. Agora vamos ouvir a faixa inteira. Vou deixar isso funcionar e poderemos ter uma ideia real de onde começou antes de começarmos a adicionar automação na próxima lição. Então, eu não vou fazer mais nada nesta lição. Se você quiser pular, você pode, mas, caso contrário, fique por aqui e teremos uma boa ideia onde essa faixa está em seu estado atual. Tudo bem, muito obrigado por ver garotos e garotas te verem no próximo. 21. Lição de refrigeração ambiental BTP: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então, nesta lição, vamos analisar a automação. Então, o objetivo principal aqui é usar algumas coisas corretivas, como o que temos que fazer com o sucesso orquestral sujo, que temos que diminuir o volume para em que temos que diminuir o volume para que ele abra espaço para todo o resto da mixagem. Mas, além disso, estamos realmente usando isso para enfatizar o fluxo e refluxo dessa faixa. Agora, isso não é realmente complicado . E só precisamos adicionar automação, acho que apenas no lado emocional das coisas, porque tudo funciona como o mesmo tipo de nível de filtro. Portanto, precisamos fazer esse comentário com um pouco mais de cuidado ao longo do tempo e aumentar gradualmente. Enquanto as cordas Adagio são todas controladas, a velocidade dessas notas é realmente o que as ajuda a fluir e refluir. E você pode ver esse padrão , conforme discutimos pois eles não precisam de automação, mas o teclado sim. Tudo bem, então vamos descobrir exatamente o que vamos fazer. Então, vou trazer um item vital e , vamos brincar na verdade, vamos brincar com o filtro. Então, eu o configurei para o início da faixa, tudo bem. Então, vamos jogar. Isso. Começa com um tipo de filtro aqui embaixo ou algo parecido. E então ele aumentará gradualmente com o tempo. Então, só queremos realmente descobrir a posição inicial perfeita para o filtro de corte. Vamos experimentá-lo imediatamente , só para ver que está um pouco baixo demais. Não quero que comece dizendo que Alemanha tem um pouco mais de energia do que isso. Então, agora o que precisamos fazer é automatizá-lo. Então, o que vou fazer no Cubase é definir o ponto de partida no início dos projetos. Vou acertar os direitos de todos os resumos. Isso significa apenas que agora, quando eu pressiono play e jogo com qualquer um dos controles vitais, ele gravará a automação nos projetos. Obviamente, se você estiver usando uma porta diferente, isso será diferente, pois o FL Studio tem uma maneira um pouco diferente de usar automação, refrigerantes, Ableton, assim como a lógica. E, claro, se você acompanhou algum de nossos cursos para iniciantes que abrangem essas portas, então você já sabe como fazer isso. Vou apenas apertar play e vou modificar o corte do filtro. Para ser justo. Isso provavelmente já é o suficiente. Eu só queria colocar uma pista de automação lá. Como você pode ver, isso agora apareceu. Basta dizer não, se você estiver usando o Cubase e ele não tiver barba, basta clicar no pequeno botão aqui, mostrar ou ocultar a automação. Novamente, você passa a depender sua porta específica e sabe o que está fazendo. É por isso que discutimos a necessidade saber como usar a automação no início do curso. Agora eu tenho isso aí. Eu vou literalmente incluir isso. Então, parece que meio que aumenta gradualmente com o tempo. Então, o que vou fazer aqui, temos nosso ponto de partida. Parece que agora também escolheremos o estado final da automação. Então, poderíamos experimentá-lo imediatamente. Isso é muito, muito, muito, demais. Então, talvez em algum lugar por aí. Vamos jogar com todo o resto que está lá dentro também. Isso soa agora. Vamos para a segunda metade daqui a pouco, mas vamos ajustar a automação na primeira metade. Então, eu ainda quero que isso aumente e flua. E eu também quero que, quando chegarmos à parte de piano aqui, tenha um pouco de energia. Então, vamos fazer uma pequena mudança na energia. Cubase, novamente, posso acrescentar uma fase gradual em vez de ser puramente linear, não o fim do mundo, se ele não puder. E, claro, você pode simplesmente adicionar vários pontos para criar o que parece ser uma espécie de curvatura na automação. Precisarei ouvir isso na íntegra para realmente avaliar onde esse tipo de nível deveria estar. Em algum lugar por aí, por enquanto, está bem, tudo bem. Mas provavelmente vamos querer ajustar isso um pouco quando ouvirmos em um minuto. Mas, por enquanto, vamos resolver o resto disso. Então, na segunda metade, quero que isso diminua de energia novamente, não exatamente para onde estava no início, mas em algum lugar por aí. E então teremos esse acúmulo de energia. Mais uma vez, provavelmente em torno do mesmo nível, mas talvez apenas um pouco mais alto. Então, fica um pouco mais intenso quando chega ao fim. Vamos apenas ouvir um pouco. Provavelmente começa um pouco baixo demais lá. Eu preciso de um pouco mais de energia quando ela chega. Digamos, vamos pegar esses sucessos orquestrais sujos e divulgá-los porque eles estão realmente interferindo na faixa, na linha de base e em tudo mais quando ela chega. Então, vamos resolver isso. Agora. Vou apenas expandir a linha de automação aqui. E a primeira que sempre aparece, se você ainda não usou nenhuma faixa de automação é sempre o volume, que é o que eu quero usar aqui. Então, vamos fazer isso um pouco maior. Queremos que caia repentinamente quando o chute e a linha de base entrarem. Então, aqui, vai desenhar um ponto. Eu também vou desenhar em um ponto posterior. Então, logo após o término dos sucessos orquestrais porque não queremos afetar o volume dos próximos sucessos orquestrais no momento. Então, vamos resolver isso. E vamos acrescentar um ponto aqui. E eu vou, obviamente, você pode fazer isso com pontos, mas eu vou fazer isso usando os pontos de controle centrais. Então, você fornece um fade out não linear para o volume. Então, vamos verificar se isso funciona. Eles não são ruins. Eu só quero que isso seja um pouco mais íngreme. E podemos, se quisermos, ter uma Taylor um pouco mais longa, vou tocá-la sozinha. Basicamente, corta tudo de uma vez. Isso é absolutamente bom. Queremos abrir espaço para esse chute e base. Vou tentar ajustar isso um pouco. Portanto, não é tão repentino, mas queremos que seja bastante repentino. Isso é perfeito. Ok. Ótimo. Isso não é nada ruim. Novamente, como mencionei, teremos um pequeno preenchimento que leve a isso, mas abordaremos teremos um pequeno preenchimento que leve a isso, isso na próxima lição. Agora vamos trabalhar no próximo sucesso orquestral, porque aqui está muito bagunçado depois de seu início inicial. Isso soou alto. Desculpe, o crush 15 está muito alto. Então, nós realmente queremos apenas a primeira parte disso. E à medida que aumentamos o zoom, você pode realmente ver onde queremos reduzir o volume. Então, vou apenas adicionar um ponto de automação, fazer coisas muito parecidas. Então, vamos direto até o fim em um ponto. E então faremos praticamente a mesma coisa ali mesmo. Então, nós realmente queremos ouvir esse sucesso inicial. Então, no momento, definitivamente não está equilibrado. Esta seção em particular é um pouco alta demais. Isso não é proeminente o suficiente, realmente quer se destacar como um recurso. Então, é um pouco trabalhoso aqui, mas, novamente, vamos abordar isso na aula de mixagem mais do que estamos agora. Então, tudo bem. Vamos seguir em frente. Essa já foi resolvida com a diminuição do volume no final. Isso deve ser suficiente. E é basicamente aí que terminaremos a faixa. Na verdade, vou te dizer o que vamos dizer. Temos o canal principal de Stereo Out aqui. Então, eu quero que realmente acabe com a gravação de $0,76, coloque um ponto lá e vamos soltar um ponto em 2 bar antes disso. Eu só vou derrubar isso. Então é aqui que a faixa terminará, ok, até o empréstimo 76. Talvez até um pouco antes, mas seja como for, tudo bem. Vamos continuar com isso por enquanto. Isso é quase tudo para a automação. Haverá um pouco mais quando preenchermos o tambor, mas mais algumas coisas que eu quero adicionar no cabelo, na verdade, porque acho que esta seção poderia ser suficiente mais na forma de S FX. Então, vamos fazer isso rapidamente. Então, logo aqui, que é pouco antes de haver um corante JUCE, espécie de amostra vem com um pouco mais de energia aqui. Como um tipo de efeito um pouco mais sábio. Então, vamos ver o que temos em nossos arquivos de trabalho. E deveríamos ter Fx atingido 26. Vamos usar isso, mas vamos revertê-lo. Então, vamos arrastar isso para nossos projetos. Ok, então eu vou clicar com o botão direito do mouse e vou reverter isso. Basta alinhá-lo com 47. Você desliga meu snap se isso ajudar. Então, meio que parece bom, mas definitivamente precisamos de muita reverberação no Next. Parece muito fora de lugar no momento. Então, vamos adicionar reverberação ascendente. Deixe o valor total por enquanto. Tipo. No entanto, isso não parece tão ruim. Talvez um pouco alto demais. Então, vamos acrescentar: eu quero me apaixonar por isso, mas eu realmente não quero repetir. O Crush 15 vai se acostumar daqui a pouco. Então, eu quero ter um pouco de variação. Então, vamos usar apenas um prato de carona e um toque agradável e suave. Então, vamos jogar esse terno. Parece que parece muito bom. Sim. Ok. Como eu disse, você tem que equilibrar algumas dessas coisas. Acho que a ética atingida por 26 ainda é apenas uma fração do lado da nuvem, mas definitivamente estamos chegando lá. Um último som também, que teremos em breve. Vamos ver, perto da barra 49. Então, você também tornaria essa seção um pouco mais interessante. E esse é o BTP CS, riser melódico curto. Então, vamos arrastar isso para nossos projetos. Vamos levá-lo para a barra 51 porque isso é mais ou menos como o ponto intermediário. Ali mesmo. Não veríamos um pico pouco antes de ele pegar emprestado 51, algo assim. Vamos brincar um pouco com isso , diminuí-lo. E podemos muito bem adicionar uma reverberação porque sabemos que vamos dizer, vamos aumentar um pouco isso. Dias felizes. Desculpe, eu sei que estou indo rápido aqui, mas são literalmente coisas muito básicas, apenas adicionar envios. Isso não é complicado. Talvez seja um pouco cedo demais e um pouco do lado de fora. Vamos ouvir. Então, eu meio que gosto que esse som seja quase um pouco discordante, mas para mim realmente funciona. Então, obviamente, você pode escolher entre entrar ou sair, mas eu particularmente gosto. E isso apenas adiciona outra coisa nessa seção que não está no resto da faixa. Eu, mantendo as coisas interessantes. Tudo bem, então isso é tudo para essa lição. Na próxima lição, analisaremos alguns preenchimentos de tambores apenas para manter a energia em movimento e também para apresentar a segunda metade do Charles. Muito obrigado por assistir garotos e garotas assistirem no próximo filme. 22. Lição de calha ambiente BTP 21: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então, nesta lição , veremos apenas algumas de Phil para ajudar a faixa a seguir em frente apenas algumas de Phil para ajudar a e também para apresentar esse tipo de segunda seção aqui. Então, vamos fazer isso, primeiro é um preenchimento muito pequeno que vamos adicionar para levar a isso. Então, vamos descobrir isso. Então, B2B CS preenche O2. Isso é tudo o que é. Então, vamos colocar isso em nossos projetos e alinhá-lo. Portanto, deve ter exatamente duas batidas a 84 BPM. Então, tudo bem. Apenas certifique-se de que não termine com um clique ou um estalo onde está a forma de onda, não é? A travessia de ponto zero, mas tudo bem. Não se preocupe. Vamos diminuir o zoom e ouvir um pouco. Ou, abaixe um pouco primeiro também. Então é isso que vai levar à segunda seção. Obviamente, queremos adicionar um pouco de reverberação a isso, como de costume. Não tenho certeza de quanto. Vamos jogar um pouco. Acho que isso vai ser um pouco demais. Não quero que seja tão pesado. Embora possamos fazer algo estranho com a automação de envio em um segundo, veremos. E você pode ouvir que ele contém um pouco de informação panorâmica. Você pode ver alguns dos sucessos aqui, obviamente mais altos em um canal do que no outro. E então ele meio que muda, mas não muito. Então, é definitivamente permitido começar no canal esquerdo começar no canal e depois ficar mais alto no canal direito. Então, o que vamos fazer é acentuar isso um pouco. Vamos adicionar uma faixa de automação que vou selecionar. Em vez de volume no Cubase, é a panorâmica padrão para a esquerda e para a direita. Você tem que usar o que é correto para sua porta. E então vamos adicionar um ponto ali e outro ali para que possamos fazer a automação livremente entre eles. E então vamos copiar o posicionamento do que está acontecendo nesse áudio. Então, aqui no início, ele vai mais para a esquerda. Então, vamos acentuar isso. E então vamos mais para a direita, para o final, para que seja excessivamente pronunciado. Talvez até isso seja um pouco demais. Eu não quero ser louco. Examinando aqui apenas o suficiente para destacar o fato de que está sendo analisado. Isso funciona muito bem. Então, está absolutamente bem. Poderíamos, se quiséssemos adicionar um pouco mais de fade a isso, meio que começar um pouco mais do nada. Ao contrário disso. Na verdade , prefiro com o fade. Então, meio que começa um pouco mais do zero e meio entra suavemente no filme. Literalmente, bastaria equilibrar o volume com o resto da faixa e tudo mais. Mas, novamente, só estamos colocando isso no estádio no momento e resolveremos tudo isso nas aulas de mixagem que estão por vir. Mas em algum lugar por aí está tudo bem por enquanto. Agora vamos ver o segundo preenchimento. Isso. Não quero ir a cada 8 compassos no segundo tempo, mas quase certamente desde o início. Então você vai contar 8 bar. O primeiro Phil quer entrar aqui e eu vejo outros campos. Csf fill 01 diz arraste isso para dentro. E devemos estar em um lugar que esteja na posição correta. Portanto, é feito nos mesmos 84 BPMN. Vamos jogar isso. Não é exatamente oscilante, mas uma sensação meio preguiçosa daquele filme que eu gosto um pouco alto demais. E, claro, vamos adicionar um pouco de reverberação. Então, o próximo lugar em que talvez queiramos colocar um é aqui, que fica na metade da segunda metade, onde o piano entra. Mas acho que já está acontecendo o suficiente lá. Acho que não queremos realmente adicionar outro elemento ao mixer, vou tentar de qualquer maneira, mas não tenho certeza se vai funcionar. Funciona. Eles, novamente, precisamos reequilibrar tudo o que está acontecendo porque é um pouco confuso. Então, basta copiá-los também. Então, eles estão na mesma posição nas últimas partes do segundo tempo. E acho que queremos um pouco mais de reverberação sobre eles que eu realmente quero que isso seja proeminente. Então, sim, isso soou muito bem. Então, nada muito sobre isso. Mas vou destacar tudo isso, e vou porque você tem esse pequeno som no começo. Então, vou apenas encurtá-los, adicionar um fade em cada extremidade. Não é a coisa mais importante do mundo, mas apenas manter tudo super arrumado e arrumado. Acho que estamos praticamente lá. Então, agora é definitivamente a hora de ouvir isso do início ao fim, para realmente ter certeza de que temos tudo no lugar certo. Sf XY é automação y's. E então podemos passar para a mixagem, que veremos na próxima lição. Mas, antes de tudo, ouviremos e poderemos fazer mudanças à medida que avançamos. Veremos em termos de volume e coisas assim. Tudo o que fizermos falará sobre isso no final. Então você nos deu um lugar para você? Só uma rápida. Eu vou parar com isso. Apenas diga não, nós também faremos o planejamento. Essa será a lição. Depois da próxima. Apenas diga não, não vamos deixar tudo morto no meio. Estaremos meio que ampliando essa mistura à medida que avançarmos. Soou muito bem. Isso precisa ser mudado, isso soa rapidamente e talvez até um pouco alto demais. Então isso se deve ao instrumento sampler para o vocal feminino. E deixe-me ir para o modo de aplicativo. Diminua um pouco o zoom e vou apenas prolongar o ataque, tentei 1 s. Vou ouvir o botão. Na verdade, acho que realmente precisa ser muito gentil e basta entrar e alongar isso. Acabei de notar algo em que o chapéu cai ao mesmo tempo que esse tipo de coisa. Afecte os sons aqui mesmo. Na verdade, não quero que o chapéu caia ao mesmo tempo. Então, para se livrar disso, basta selecionar todos os chapéus porque eles têm 2 barras de comprimento. E eu vou basicamente encurtar o meio-dia. Então, só vamos ouvir os chapéus no segundo bar. Então, o que vou fazer é, por enquanto, não vou excluí-los, vou apenas silenciá-los. Mas vou conhecer esses que meio que caem ao mesmo tempo que outro som. Então, nesse caso, é esse tipo de aposta vocal hahaha e arrume um pouco. É como se sim, tudo bem. Eu vou fazer isso para o resto. Então, literalmente, todas as outras, eu vou silenciar. E eu direi: O que vamos fazer também é automatizar o volume do canal de efeitos de reverberação. Então, quando chega aqui, o que eu quero é que realmente ouçamos a reverberação que está nessa transição de preenchimento quando o baixo e o chute tocam. Então, eu quero que não pare de morrer é provavelmente a palavra errada ou a reverberação para parar de morrer e imediatamente abrir espaço para o chute e o baixo em vez de ter a cauda da reverberação aqui. Então, o que vamos fazer é ir até nosso grupo principal de reverberação ou ônibus ou o que quer que você esteja usando. E vamos do bar 39, então vou dar uma olhada. Vamos colocar um ponto aqui para que eu não afete mais nada e vou fazer com que entre assim. E então volte a funcionar. Vamos ver como isso soa. Um pouco demais. Eu quero adicionar apenas um pouquinho dessa reverberação. Algo assim, só dá um pouco mais de impacto ao chute e ao baixo. Talvez isso precise ser um pouco mais assim. Isso parece legal e também vamos fazer a mesma coisa com esse sucesso vocal aqui. Digamos, eu quero que isso também seja diminuído ou que a reverberação seja reduzida aqui. Então, vamos fazer a mesma coisa em, em alguns pontos. E vamos ver como isso soa. Alguém é, então você tem esse tipo de efeito quase como se ele parasse de morrer. Vamos adicionar outro ponto aqui para prolongar esse tipo de silêncio de reverberação. Um pouco longo demais, mas estamos praticamente no estádio, isso é mais ou menos o que ele quer. Quase parece que as faixas gostam de ser sugadas e é quase como ter uma corrente lateral lá, como se ela diminuísse a reverberação e depois lentamente voltasse a subir. Então esse é o efeito, aquele. Então, vamos fazer isso para cada vez que essa amostra vocal chegar, dizendo com base em teclas, eu posso copiar através da automação que tenho. Se eu segurar Alt ou Option em um Mac e depois Control ou Command em um Mac. Na verdade, posso copiar isso, obviamente, se você não puder fazer isso, tudo bem. Não se preocupe com isso. Você pode simplesmente desenhá-lo conforme necessário. Agora eu perdi meu lugar completamente mais pesado. É aí que queremos nossa automação. Está tudo bem. E veja isso uma última vez. Basta colocar minha cabeça de jogo agora para que eu saiba onde eu realmente estou indo para Los Times, eu imploro seu perdão. Então, faremos isso toda vez que esse tipo de som hahaha aparecer. Certifique-se de colocar isso no lugar certo. Sim, está correto. Ótimo. E então a última é a barra 67. As mudanças de maturidade são um pouco mais óbvias , tão legais quanto o sucesso hahaha. E, novamente, vamos simplesmente copiar a automação. Certifique-se de que está pronto e, em seguida, dias felizes. Então, tudo bem. Só adiciona um pouco de variação aos melhores anúncios, esse tipo de efeito chato. A carga sutil é sim, mas ainda é perceptível e acho que tem efeitos positivos na pista geral. Agora, isso soa, devo admitir que ela não soa muito bem. É um pouco fraco. Parece ser honesto. Precisa ser um pouco mais épico do que isso para realmente se encaixar nessa batida. Então, vou encontrar outro som de chapéu. Vou fazer isso fora da tela e para que você não precise se preocupar me ver ver ver ver umas 50 amostras de chapéus diferentes. Espero que não sejam muitos, mas eu voltarei para você em um segundo quando tudo estiver pronto. Ok, então eu usei alguns chapéus diferentes e encontrei um que acho que serve para subtrair um pouco melhor. Não é muito diferente, mas definitivamente funciona um pouco melhor. Ou seja, no trabalho cai Cool. Btp H t1, abra o chapéu 11, aquele. Então, basta substituir o chapéu no amostrador. No Cubase, isso é fácil. Você literalmente simplesmente arrasta e solta sobre a amostra existente e a substitui. Obsoleto. Seu amostrador pode variar dependendo da sua porta, mas basta substituí-lo por este chapéu. Também entrei no midi, tudo isso. E eu mudei isso. Então, estava em um, em vez de estar em C3, está em A2. E esse pequeno preenchimento de trigêmeos também começa na A2, descendo. Só que o tom funciona um pouco melhor. Então, vamos jogar isso. Novamente, não é nada como inovar o diferente, mas é adequado para rastrear um pouco melhor. Vamos continuar ouvindo e, rápido, vou começar de novo a partir daqui porque ele teve uma espécie de pausa no meio. Digamos, vamos ouvir a segunda parte novamente. É como ver, obviamente, eu tentei um tom diferente do chapéu, mas eu o desfiz, dizendo que eles estão fazendo mudanças. Uma coisa que estou percebendo nesta segunda metade é que o piano está ficando um pouco mais perdido em relação a todo o resto. Agora vamos abordar isso um pouco mais usando equalizador dinâmico em uma das próximas aulas de mixagem, mas eu também posso ajustar isso um pouco. Agora vou entrar nesta última seção. E se eu selecionar todo o midi, vou apenas mudar a velocidade dele. Faça um pouco mais alto. Os impactos das teclas serão um pouco altos para que elas se tornem mais proeminentes na mistura. Soa melhor. Então eu acabei de ouvir essa batida de bateria aqui. Parece que **** pensei que talvez esse pouco estivesse interferindo um pouco com o resto da faixa, mas meio que parece bom. Ok, isso é como soar certo até agora. Obviamente, definitivamente precisa de uma boa mistura, que veremos em breve, mas estamos ficando muito nojentos. Todo mundo. Coisas adoráveis. Muito obrigado por assistir. Veja na próxima, Tchau. 23. Lição de calço ambiente BTP 22 ficando sem esforço: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então, apenas uma nota rápida para esta lição, pois estamos entrando no lado da mixagem. Agora, nesta lição, não estamos fazendo nada com a faixa. Vamos discutir a abordagem. Você precisa ter misturas fáceis. Então, se você já está totalmente confiante sobre isso, você pode, se quiser pular para a próxima lição, onde começaremos a panorâmica dos elementos da faixa. Tudo bem, então o que eu quero fazer primeiro é na verdade, dissipar um pequeno mito da mixagem que eu acho bastante prejudicial para as pessoas que estão nos primeiros anos de produção musical. Agora, normalmente, quando você menciona mixagem para alguém, pode pensar em uma espécie de mistura de volume, compressão, saturação de equalizador ou esse tipo de coisa. E todas essas são habilidades necessárias e valiosas. Mas, na verdade, a maior diferença em obter boas misturas, literalmente 80 por cento, é a capacidade de escolher os elementos certos em primeiro lugar. Isso tem muito mais impacto do que qualquer habilidade técnica, mas, novamente, é claro, ter a habilidade técnica ou o conhecimento técnico o ajudará a superar os últimos dez a 20 por cento na fase de mixagem. . Mas nenhuma dessas habilidades técnicas o ajudará se você escolher os elementos errados de sua trilha em primeiro lugar ou, pelo menos, se começar com elementos que não funcionam juntos, será o oposto de uma mistura fácil. A primeira etapa para garantir que você tenha mixagens fáceis é escolher elementos em que a soe bem e B funcione juntos? A primeira parte é realmente muito óbvia. Por exemplo, se você tem um cantor e o desempenho é ruim , o caminhão em si nunca vai soar tão bem. Você é tão forte quanto o elo mais fraco e talvez consiga fazer com que soe um pouco melhor do que seu estado original com técnicas de processamento e mixagem, mas nunca será ótimo. O mesmo vale para cada elemento da sua faixa, desde a bateria até os protagonistas. Portanto, a primeira etapa, mesmo que demore um pouco de tempo, deve ser relativamente fácil, dependendo do seu nível de habilidade, conhecimento e de quais amostras são instrumentos que você tem disponíveis para todos os níveis. da habilidade do músico que você está gravando. A segunda parte requer um pouco mais de cuidado: garantir que os elementos funcionem juntos. Há algumas coisas a considerar ao escolher os elementos certos. O primeiro é o ritmo. Agora, isso deve ser razoavelmente óbvio, e acho que é mais intuitivo para a maioria das pessoas. Mas digamos, por exemplo, que você tenha uma base instável em uma pista irregular e talvez até mesmo um padrão arpejado em sua pista. Se todos estiverem tocando um ritmo diferente, provavelmente soará como uma bagunça. Portanto, uma maneira de fazer isso funcionar seria cortar sua linha de base. Isso é bom. E então, tenha uma pista que tenha notas mais sustentadas em vez de ser toda cortada, então até mesmo sua arte pode funcionar bem nessa mistura. Você precisa equilibrar os ritmos dos elementos usados em suas faixas. Agora, isso talvez seja entendido de forma mais intuitiva por algumas pessoas, mas definitivamente vale a pena notar porque algumas pessoas cometem esse erro. Eles simplesmente têm muitos ritmos conflitantes acontecendo e isso tornará a mixagem muito difícil. Em seguida, vamos para a frequência. Portanto, você não precisava se preocupar com a interferência da linha de base ou mascarar os chapéus, porque eles estão em faixas de frequência completamente diferentes. Mas você pode ter que se preocupar com o fato de um som de chumbo interferir no som do chapéu, especialmente se esse cabo estiver focado em uma frequência muito alta e, possivelmente, também tiver ruído adicional, ruído branco. Então você tem o chapéu, que tem uma textura muito parecida com o White Noise Again ou o rotor Tom. Se eles tiverem texturas semelhantes e a mesma faixa de frequência , eles tenderão a se misturar e o chapéu se perderá na mistura. E para evitar isso, podemos usar um chapéu com um Tambora diferente, o que obviamente nos leva a Tambora. Agora, costumo me referir ao Tambora como a textura do som. Então você pode ter uma textura densa, uma textura oca, esse tipo de coisa. Usamos nomes descritivos para a forma como você descreve o som. E isso é o que você precisa considerar quando você tem dois elementos que têm um ritmo diferente, mas ocupam a mesma faixa de frequência. Então, continuando nosso exemplo do ruído branco, chumbo pesado e do chapéu pesado com ruído branco. Nesse caso, você pode simplesmente trocar o chapéu por algo que tenha um horário muito diferente. Algo que seja menos ruidoso em branco, como uma textura mais densa, por exemplo, e então se destacará contra o chumbo, mesmo que esteja na mesma faixa de frequência. Agora, se nenhuma dessas coisas funcionar , você provavelmente terá que escolher novos elementos ou sons diferentes, experimentar um ritmo diferente, etc., até encontrar algo que funcione muito bom para sua faixa. Veja isso como uma espécie de audição atores diferentes para diferentes papéis em sua peça. Então, se você considerar todas essas coisas ao escolher os elementos de sua faixa e obter sons que soam bem, mas também funcionam muito bem juntos. Então, você descobrirá que o processo de mistura é muito mais fácil do que se você não tivesse elementos que funcionassem naturalmente juntos. E esse é possivelmente o erro fundamental que a maioria dos iniciantes tende a cometer. Ou seja, eles simplesmente encontram esses sons que podem soar incríveis sozinhos. Mas quando eles se juntam, eles realmente não funcionam. E então eles passam anos tentando comprimi-los ou equalizá-los e todo o resto dessas coisas para tentar fazer com que se encaixem. Na verdade, eles simplesmente não funcionam de verdade. Então, escolher os elementos certos que funcionem uns com outros é literalmente 80% do problema. E então, sua habilidade técnica, conhecimento de compressão EQ, são os últimos dez a 20%. E só como um aparte, é por isso que alguns produtores parecem se dedicar à música e fazem isso por meio ano ou ano. E eles inventam essas músicas de sucesso número um. Obviamente, você precisa realmente ser bom em escrever músicas, mas quando se trata de mixar, eles são muito bons em escolher elementos que funcionam juntos, talvez não tão focados em como usar compressão, equalização ou esse tipo de coisa, isso é importante? Realmente é. Ok, então isso é o suficiente para eu falar sobre isso. A última coisa que quero mencionar é que, uma vez que você tenha os elementos certos , é claro, você precisa equilibrar esses elementos. E é aí que entram também uma espécie de equalizador básico compressão e coisas assim. Mas também significa dar a cada elemento o espaço necessário na mistura para que tudo limpe e não mascare de nenhuma outra forma os outros elementos. Então, a analogia que eu uso é se você tem atores no palco, você tem o ator principal, digamos que esse seja o vocal da sua mixagem. Você tem todos os atores coadjuvantes, a bateria ou os protagonistas da base ou qualquer que seja o trabalho deles apoiar e trabalhar com o ator principal. Mas se esses outros atores gritarem por cima do ator principal, então será uma bagunça confusa. O mesmo acontece com a música. Escolha um elemento em qualquer seção de sua faixa e faça dele o ator principal. Portanto, todo o resto sua faixa deveria estar lá para aprimorar esse elemento e não para gritar demais. Tudo bem, então essa é a visão geral do processo de mixagem, muito importante entender isso, e pronto para esta lição. Na próxima lição, analisaremos a panorâmica de todos os elementos dessa faixa. Muito obrigado por ver garotos e garotas te verem no próximo. 24. Lição de calha ambiente BTP 23 Panning: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então, nesta lição, analisaremos a panorâmica de alguns dos elementos de nossa faixa. Mas antes de entrarmos nisso, vamos falar brevemente sobre planejamento e como ele geralmente é abordado na música moderna. Então, primeiro, é importante distinguir entre algo que é mono ou está sendo colocado no centro da mistura. Portanto, se algo é mono, literalmente não tem nenhuma informação estéreo. Mas quando falamos sobre algo que é central panorâmico, ele ainda pode ter informações estéreo. Só que o equilíbrio entre os canais esquerdo e direito é igual. Então é considerado e senza, mas não seria Mano. Ok, então é uma diferença importante entender que algumas pessoas quando você diz que algo está no ponto morto, quero dizer, elas pensam que é automaticamente mono, isso simplesmente não é o caso. Tudo bem, então quando se trata de mixar, de um modo geral, os elementos principais da faixa giravam no sensor morto, então os baixos, os vocais principais, por exemplo , você poderia ter uma pista muito ampla em sua faixa, ou você poderia ter dobrado, rastreado os vocais, girado para a esquerda e para a direita com o vocal principal no meio. Agora, ambos terão um bom tipo de grandes efeitos estéreo. Mas, novamente, a pintura geral é que eles são muito centrais no campo estéreo. Agora, obviamente, fique à vontade para experimentar, mas você descobrirá que maioria das faixas aborda uma pintura dessa maneira. E por uma boa razão, geralmente são as faixas com preenchimento simples. Portanto, a maioria dos elementos são os elementos principais posicionados no centro, com um ou dois dos elementos principais sendo mais largos no campo estéreo, mas ainda no ponto morto, como verificar os vocais ou a guitarra. ou o que quer que seja. E então diga um ou dois elementos talvez três ou quatro o que quer que seja. Talvez alguns dos sons do SFS sejam então girados da esquerda para a direita no campo estéreo, o que meio que dê essa sensação de estereótipos à sua faixa. Então, só para dar um exemplo disso, vamos realmente analisar e fazer isso com essa faixa que você possa entender o que estou falando nessa faixa. Claramente, temos que o teclado principal é um dos principais elementos da pista. Então, isso vai ser planejado. Centro morto. Não vamos mudar isso, mas ele também tem alguma largura estéreo. Não é só um som mono. A linha de base quase sempre será um ponto morto. Circunstâncias muito, muito raras ou apenas trilhas muito experimentais em que alguém pode optar por mover a linha de base para um lado ou outro. Eu particularmente não o recomendo. E então a bateria, é claro, está praticamente toda enrolada, também no ponto morto. E depois, é claro, os outros elementos, então o piano, o piano são os elementos principais, mas podemos brincar um pouco com isso. As cordas Adagio em C, isso não é realmente considerado um elemento principal. Então, a primeira coisa que realmente fará é mover as cordas de digestão e o piano em direções opostas. Então, no Cubase, é bastante fácil. Quero dizer, deveria estar nas configurações do canal, mas podemos simplesmente mudar a panorâmica aqui. Então, vamos tentar como é só experimentar um pouco para quando isso chegar. Estou realmente tentando fazer com que as cordas soem como se estivessem vindo do lado esquerdo, mas não completamente. Eles também querem que um pouco de sinal saia do alto-falante direito. E então, quando esse piano chegar, eu quero que ele venha do lado direito. Vamos analisar isso um pouco também. Não é muito louco de novo, não quero que isso esteja completamente no alto-falante certo. Só estou fazendo isso para separá-los um pouco. Isso é muito bom. Você poderia ir um pouco mais extremo se realmente quiser um terno. No entanto, sendo o piano um dos elementos principais que eu consideraria, não quero jogá-lo muito para a direita. E, na verdade, podemos até ser um pouco extremos com o ganho de assento completo à direita, mas eu meio que gosto de como soa, então vamos continuar assim por enquanto. Isso só torna a mistura um pouco mais interessante no geral. Então, está tudo bem. Agora, nesta segunda metade, temos esse tipo de sucesso musical que chega, aquele som que desaparece quando o piano entra. Então, o que vamos fazer é mover esse som para a direita, assim como o piano. Isso foi tipo 40 para a direita. Vamos apenas ouvir um pouco. Então, quando a corda DYJ entrar, ela estará à esquerda. Isso soa à direita. E então, obviamente, quando o piano entra e esse som cai, isso também está à direita. Então, meio que mantém o equilíbrio estéreo. Ele é bem decente assim, tudo bem. Agora acho que só mais uma coisa que eu quero fazer, que são nossos efeitos de string. Eu quero que esses golpes sejam girados alternadamente para a esquerda e para a direita. Então, vamos abrir um caminho de automação. Vou mudar isso de volume para ampliação. Veja, você não precisa fazer isso na porta de sua escolha. E eu acho que no primeiro golpe, eu quero estar no ponto morto, colocando alguns pontos aqui e depois teremos nosso segundo acerto. Não que isso importe, mas vamos para a esquerda. Então, nosso terceiro golpe pode ser virado para a direita. E, novamente, os últimos golpes voltarão para a esquerda. Ok, então é só uma pequena variação. Nada muito louco, mas só para tornar a faixa um pouco mais interessante. Ok, está tudo bem. Apenas girar o terceiro atinge um pouco mais extremo para o lado direito. Então, é um pouco mais perceptível. Até mesmo faça com que esse golpe comece à esquerda e depois volte para a Central. Mas seja como for, na verdade são apenas gostos pessoais, não será inovadora nem venderá mais cópias dessa faixa. Tudo bem, então, uma panorâmica geral bastante básica nesta faixa. Obviamente, como eu disse, alguns desses elementos já têm informações estéreo, como o teclado principal original. De qualquer forma, isso já é bom e amplo analisamos alguns dos outros elementos e os tornamos um pouco mais interessantes. Obviamente, também temos alguns sons aqui, como nosso pequeno preenchimento que também está um pouco inclinado. Então, alguns sons de efeitos acabaram de receber algumas informações adicionais sobre ele. E acho que isso é tudo o que essa trilha precisa. Tudo bem, então, muito obrigado por assistir garotos e garotas. Na próxima lição, abordaremos mixagem propriamente dita. Vendo o próximo. 25. Lição de calha ambiente BTP 24 Mixdown: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então, nesta lição, vamos mixar toda a faixa. Portanto, trata-se principalmente dos ajustes finais que estamos fazendo como equilibrar aproximadamente o volume de tudo à medida que avançamos. Então, são apenas alguns últimos ajustes, um pouco de equalização aqui, melhor compressão ali, algum equalizador dinâmico que também vamos usar no piano tem um pouco mais de trabalho a fazer no piano do que qualquer outra coisa só para Eu acho que isso realmente se encaixa corretamente na mistura. Mas antes de tudo, só comece no segundo tempo. E eu vou começar com o chute e o baixo. Agora é importante aqui obter o equilíbrio certo do primeiro tempo até o segundo tempo. Então, vou jogar a partir de 4 bar antes do final do primeiro tempo, entrando no chute e na armadilha. E eu só quero ter certeza de que consegui o equilíbrio de volume correto entre o chute e a armadilha. Então, acho que o chute só precisa um pouco mais de impactos e isso será alcançado simplesmente tornando-o simples assim. Então, vamos aumentar um pouco isso. Fração demais, cerca de -4,6. eu também Talvez eu também demore um pouco o topo de linha só para contorná-lo. E também vou relaxar um pouco a reverberação sobre isso. Acho que é um pouco demais para tornar os chutes um pouco estrondosos, o que definitivamente não ajudará no final da nossa faixa. Sozinho. Acho que é muito melhor. Vamos verificar com o resto da mistura. As teclas do tipo D estão realmente domando esse tipo de som sempre clicável que está em cima do chute. Não muito, só um pouco, mas é um pouco chato. Parece que eu só queria domar isso um pouco. Isso é bom. E então a armadilha, eu acho que estava soando bem com isso, mas só um pouco mais alta. Então, o que vou fazer é selecionar esses dois canais na caixa, O2 e o cenário com falha, porque obviamente eles fazem parte do mesmo instrumento, então queremos aumentá-los ao mesmo tempo hora. Então, no Cubase, o que eu posso fazer é segurar Alt ou Option mais Shift. E então, quando eu efetuo o efeito, ou seja, o volume de um, ele aumenta automaticamente o outro em relação a ele. Se você não tem algo assim na sua porta, tudo bem. Basta aumentá-los individualmente na mesma quantidade. Sem avisos. Diga algo como Isso soa quase certo. Vou voltar novamente alguns compassos até o final do primeiro tempo. Até mesmo o chute pode, na verdade , ser apenas um pouco mais alto do que Troy, quase menos quatro -3,95. Isso é bom. Só quer dar um bom soco quando chegar, em comparação com o final do segundo tempo. E isso soa um pouco melhor. Ainda está um pouco desequilibrado acontecendo lá, como se o final do segundo tempo ficasse bem barulhento. Está um pouco crescendo até a seção final. E então, quando o garoto chega, quase soa um pouco fraco. Agora vamos lidar com isso de uma maneira diferente. Então, o que eu realmente vou fazer, vou fazer isso agora, em vez de na aula de mixagem. Então, o que faremos é acessar nossa faixa principal, Stereo Out, e adicionaremos um pouco de automação. Então, a partir daqui, onde o segundo tempo começa a entrar na base e tudo entra. Vamos colocar um ponto aí. Vamos colocar um ponto no início e vamos diminuí-lo um pouco. E também vamos fazer com que o volume diminua muito lentamente à medida que a faixa avança medida que atinge esse pico, obviamente está ficando muito, muito mais alto. Estamos meio que domando isso um pouco diminuindo suavemente o volume. Mais do que isso. Vamos jogar e ver a diferença que isso faz. Então, basicamente, a ideia é fornecer esta seção aqui, onde ela gera muito mais impacto ao aumentar repentinamente o volume. Agora, obviamente, você não quer que isso seja muito perceptível. Não quer ser como um grande salto, como se realmente assuste as pessoas. Você só quer que isso ajude a equilibrar o tipo de tensão que se acumula nesta seção e a liberação que você sente quando ela entra nesta seção. Isso soa muito melhor. Talvez um pouco demais, mas não muito. Acho que estamos bem perto. Ela meio que gosta de onde estava, diz que vamos mantê-lo em algum lugar por lá. Talvez não tanto, mas bem perto. E sempre podemos ajustar isso à medida que avançamos na aula de mixagem. Mas esse é o tipo de coisa que eu quero fazer. Então, estamos começando a rastrear um pouco abaixo do volume total. Gradualmente, descendo muito lentamente e depois dando um grande salto para dar um bom impacto à segunda metade. Pequenos ajustes só para aumentar o volume, só que um pouco demais, mas tudo bem. Acho que estamos bem. Ok, então a próxima coisa que eu quero verificar. Só vou ouvir isso um pouco. Eu só quero saber se esse fluxo vocal feminino no segundo tempo é um pouco demais , porque estamos muito em andamento agora, especialmente para uma faixa ambiente, está indo um pouco além Pronto para o mínimo, então temos a base, temos a bateria, temos o piano, temos o teclado, alguns efeitos. E é claro que temos esse lodo vocal feminino chegando. Então, eu só quero verificar se isso não está sobrecarregando a mistura quando ela chega. Sejamos justos. Você nem se importa se alguém simplesmente vai excluí-lo. Porque se ele realmente não consegue ouvir algo lá dentro, simplesmente não está fazendo o que deveria. Isso só vai adicionar mais uma espécie de alimentação agrupada a essa parte da pista. E tudo está realmente se acumulando aqui, então não precisamos dele lá, tudo bem. Ele pode ficar apenas na primeira metade da pista. É bom lá. Tudo bem, então a próxima coisa é na segunda metade da segunda metade onde entra esse loop de bateria. E temos nosso sucesso sujo de orquestra, que eu mencionei que precisaremos resolver. Então, vamos realmente fazer o hit orquestral sujo primeiro. Uma coisa que eu definitivamente notei é que soa um pouco escuro, então não tem muito sofisticado, ou pelo menos o equilíbrio é a favor do low-end em vez do high-end. Deixe-me jogar isso de novo. Parece meio que turvo, quase esse som. Então, vamos mudar o equilíbrio. Acesse nosso EQ. Literalmente vou adicionar uma prateleira alta. Acho que é preciso ser razoavelmente extremo nisso. Então, estamos subindo mais seis dB, apenas mudando realmente o equilíbrio em favor do topo de linha. Vamos apenas ouvir rapidamente. Bem, obviamente, estou aumentando isso com conjuntos de equalizadores muito altos em seu Senado. Agora, no momento, se eu desligar, temos automação lá. Então, o que vou fazer é mudá-lo com as faixas de automação. É muito fácil de fazer no Cubase, algumas portas não são tão fáceis de fazer, como uma mudança rápida como essa na automação. Portanto, é muito fácil de fazer. Como eu disse no Cubase, podemos simplesmente fazer isso. E vou falar sobre algumas outras maneiras de fazer isso. Mas vamos encontrar esse equilíbrio certo. Parece bom no momento, certo? Então, diga não se você não pode fazer isso com automação, então você é um F L e é um pouco mais complicado fazer isso. Se você tiver um ganho no canal, o que acredito que você tenha no FL Studio. Portanto, você deve ser capaz de ajustar o pré-jogo para isso. Outra maneira de fazer isso é literalmente carregar um plugin de EQ padrão de sua porta no Cubase RB studio EQ. E tem um fader de volume na lateral. Portanto, você pode usar isso para ajustar o volume separadamente do fader de volume principal. Nesse caso, mas tudo bem. É apenas outra maneira de fazer isso. Tudo bem, então eu acho que é o único bastante decente. Vamos começar essa parte aqui, em que o dramático entra e você tem os quadris orquestrais sujos. Eu mencionei. Essa área parece um pouco opressora, muitas coisas acontecendo, então é só ouvir. Então, ele quer soar completo, mas é um pouco demais. Então, na verdade, também vou aumentar o volume dessa falha, ou não pretendia clicar nela. Vou simplesmente descer os caminhos da automação e vou fazer a automação de volume. Vamos descobrir, digamos, que sucesso orquestral sujo aparece de forma inusitada. Então, vou colocar um ponto aí, digamos, uma batida depois. Vou fazer algo assim, só para que diminua no momento em que a base atingir. Apenas suga o acidente e dá à base um pouco mais de espaço. Além disso, você realmente não consegue ouvir o novo loop de bateria quando aquele sujo sucesso orquestral está tocando. Então, se nos concentrarmos em ouvir isso, direi por um segundo. O loop e o sujo sucesso orquestral. Você nem consegue ouvir o loop. Então, vou excluí-lo de lá. E isso vai ajudar a arrumar isso um pouco também. E acho que os sucessos podem até ser um pouco mais altos. Vamos ver. Vou apenas verificar o nível do primeiro. Então, na verdade, tudo poderia ser um pouco mais alto. Diga de novo, eu só vou entrar aqui. Aumente um pouco , obviamente, baixe-o um pouco demais. Ok, agora vamos ver como isso soa. Som e muito mais limpo que, pelo menos, possamos realmente ouvir os sucessos orquestrais sujos. E não é como se estivesse realmente tirando algo de qualquer outra coisa. Acho que está meio que reequilibrado essa pequena seção, apenas o suficiente. Agora acabamos de receber esse loop aqui, que tem muitos pontos baixos no momento. Então, vou filtrar a partir de z. Estou usando um filtro que é uma espécie de configuração de canal baseado em CQ. Mas é o mesmo que mudar a banda baixa uma banda em um equalizador para uma faixa baixa ou alta. mesma coisa. Agora vamos preencher um pouco da base, provavelmente algo assim. Mas vamos ignorar um pouco a escuta. Então, na verdade, apenas retirando o submarino, talvez até uma fração a mais. Porque há sub-bacias lá dentro. Isso entrará em conflito com nossa linha de base e fará todo o low-end pareça turvo, que é o que estava fazendo. Espero que agora esteja tudo bem. Então, isso é bom. Ainda tem um pouco de força média baixa, o que é lindo. E eu apenas ajustei um pouco a reverberação apenas para domá-la um pouco. Agora, enquanto estamos aqui, vamos resolver esse sucesso hahaha que estamos fazendo, como os sucessos orquestrais soando um pouco do lado do Dem. Então, vamos remover um pouco da extremidade inferior do mesmo tipo de configuração de inclinação de 48 dB. E eu só quero tirar qualquer coisa realmente abaixo 50 Hz ou qualquer submarino que esteja lá. E acho que vamos querer adicionar uma prateleira alta a isso, aumentar a qualidade dela. Basta ouvir outra vez. Diga que sim, vamos esclarecer um pouco isso. Fração demais. E, obviamente, agora eu aumentei o QE. Obviamente, alterou o equilíbrio do volume. Isso é um pouco mais alto do que era. Equilibrei tudo novamente. fração externa da bunda deve ser sobre direitos. Posso deixar assim, tudo bem. Tudo bem, então acho que essa lição já dura o suficiente. O que nos resta fazer é apenas o piano, porque o piano não soa como se estivesse realmente gelatinoso com o resto da faixa no momento. Então, vamos usar alguns truques para fazer isso funcionar. Um pouco de compressão, um pouco de equalização dinâmica, que mostrarei como lidar com um plugin totalmente gratuito, o que é incrível, e faremos tudo isso na próxima lição. Tudo bem, muito obrigado por assistir garotos e garotas verem no próximo. 26. BTP Ambiente de aula de piano 25 Mixdown: Olá pessoal, bem vindos de volta. Tudo bem, então, nesta lição, vamos abordar o piano. O piano precisa de um pouco de trabalho no momento, está ficando um pouco perdido na mixagem. Também tem um tom um pouco baixo demais, então, na verdade, está interferindo um pouco com qualquer outro som de médio alcance. Então, na verdade, a primeira coisa que eu quero fazer é mudar o tom. Então, deixe-me tocar como está no momento, apenas alguns compassos antes de chegar. Então, parece bom, mas tem um tom um pouco mais baixo, então vou selecionar os dois, ok, então vou selecionar tudo e aumentá-lo e absorver pressionando Shift e pressionando a seta para cima. Novamente, isso pode ser um pouco diferente na sua porta e, claro, ele pode simplesmente arrastá-los para cima com o mouse, sem avisos. E vamos apenas ouvir isso um pouco. Acho que se encaixa muito melhor na pista. Embora eu goste de algumas das faixas intermediárias de quando estava em um Octavius inferior. Então, temos algumas opções aqui. Você pode mantê-lo muito bonito e limpo. Só ter uma única nota sendo tocada por vez, o que eu gosto, especialmente no segundo tempo aqui. É bom, mas poderíamos, se você quiser, apenas um pequeno truque, você pode tocar um pouco de homossexual em ambas as seções do piano de uma só vez, novamente, pressionar Control a, e então eu vou copiar isso abaixo de uma oitava. E, obviamente, isso vai tocar exatamente a mesma coisa, apenas uma oitava acima e uma oitava abaixo. Na mistura. Parece assim. Acho que parece um pouco óbvio que você tem os dois Octavius em camadas. Então, o que eu faria com o piano que acabamos de copiar é expandir minha zona inferior com uma informação de velocidade. Diminua um pouco o zoom para que possamos ver o que está acontecendo. E com tudo isso selecionado que acabamos de copiar, eu então recusaria um pouco e terei que fazer a segunda metade separadamente. Isso é absolutamente bom. Não tem problema. Mas vamos ouvir um pouco isso sozinho. Então, Tenant está pronto para começar. Então, isso é realmente apenas as notas altas tocando. Segundo aqui. Obviamente. As notas mais baixas chegam quando eu aumento a velocidade só ajudam a dar a ela um tom mais profundo e de médio alcance, o que é muito bom. Então, tudo bem. Agora vamos para a segunda metade aqui. Então, estou apenas mudando para isso, que é o piano na segunda metade. E vamos fazer a mesma coisa. Só que acho que vou recusá-los ainda mais. As notas mais baixas que acabamos de copiar. A razão para isso é que essa metade está obviamente muito mais ocupada. Tem bateria e tudo está acontecendo. Então, nós realmente não queremos que o piano soe muito grosso. Funciona melhor no primeiro semestre onde há muito pouco. Nesta metade, nós realmente queremos ouvir as notas altas ou talvez um pouquinho das notas baixas. Então isso soa como um K que saiu do piano. E eu fiz isso muito rapidamente, porque eu não entendi muito bem, mas eu quero mostrar isso hahaha, muito, muito ligeiramente. Então, vamos exagerar um pouquinho. Não tem o impacto que eu quero quando chega. Ok, bem, deixe descansar assim por um tempo e se a ouvirmos e de repente ela saltar demais, podemos voltar e mudá-la, mas por enquanto está tudo bem. Ok, então volte ao piano. Vamos ouvir esta seção final aqui, porque essas foram realmente algumas das notas que estão se perdendo com todo o resto sendo tocado. Ainda está um pouco perdido, apesar de termos aumentado uma oitava, simplesmente não está alto o suficiente. Obviamente, podemos simplesmente aumentar o volume, que pode ajudar um pouco. Mas o que estou me concentrando aqui é ouvir os batidos mais suaves do piano versus os batidos de maior velocidade ou os batidos mais altos. Os sucessos do software estão claramente se perdendo. Mas os sucessos mais altos estão chegando. Ok, então vamos equilibrar isso usando um pouco e eu estou em um pouco de compressão. Então, vamos para as configurações do canal do piano da sala. Vou apenas adicionar o compressor padrão baseado em chaves. Novamente, isso será exatamente ou praticamente o mesmo em qualquer porta. Então, o que vamos fazer aqui é comprimir o piano geral, mas muito, muito suavemente. Então, quando permitido, uma batida chega , diminuirá um pouco mais do que quando uma ponta macia entra e não a abaixará muito mais. Então, basicamente nivelando um pouco o piano. Agora, não queremos exagerar nisso porque queremos essas informações de velocidade. Queremos que tenha aquele tipo de sensação dinâmica de algumas teclas sendo pressionadas muito suavemente, outras sendo pressionadas com mais força, esse tipo de coisa. Mas estamos apenas mudando um pouco o equilíbrio. Então, vamos fazer uma configuração agora. Eu não quero nenhum controle, nenhum ataque e nenhuma liberação. Isso pode ser apenas uma compressão instantânea, mas definitivamente queremos uma taxa de compressão baixa. Então, em algum lugar com pouco menos de dois, o que significa que tudo será recusado basicamente 50 por cento quando ultrapassar o limite. E tudo o que temos que fazer agora é apenas equilibrar. O nível limite dirá: vou apenas desativar o ganho automático de maquiagem e aumentaremos um pouco isso. Então, o que estamos procurando aqui realmente está no medidor de redução de ganho. Então, veja se tivermos um forte impacto, deveríamos ver uma maior redução de ganho. Quando temos um golpe muito leve. Não deveríamos estar vendo muita coisa. Se estamos vendo muita coisa quando somos atingidos por uma grande redução de ganho, ainda pode ser necessário ajustar o limite para compensar. Então, vamos passar por isso. Então carregue e ouça um pouco. Digamos que então não foi uma boa base de teste para nós. Então, mesmo com aquele toque intermediário mais suave, isso está apenas reduzindo o ganho um pouco demais. Então, vou apenas aumentar o limite. Então, podemos ver que nesse segundo clique aqui, estamos obtendo menos redução de ganho. E então, em golpes mais pesados, deveríamos obter mais. Então, em algum lugar, está tudo bem. Deve ser bom. É uma mudança muito sutil, mas estamos basicamente fazendo os sucessos mais silenciosos fiquem um pouco mais altos. Ótimo. Ok, isso parece absolutamente perfeito. Então, vamos deixar assim. Ainda temos sucessos mais suaves que soam mais suaves. Nós não mudamos completamente isso. Então, tudo bem. Agora, uma coisa que eu quero fazer, além de equalizar o piano, desculpe, já temos o EQ, mas eu quero simplesmente remover qualquer parte da extremidade inferior. Vamos dizer isso de novo. Agora você mal percebe porque o piano está focado principalmente nas frequências médias e altas. Há apenas um pouco de baixo na gravação do piano ou qualquer outra coisa. Então, vamos acabar com isso , mas só para garantir que nada entre em conflito com nosso submarino. Mantenha esse produto de baixo custo limpo e bonito. Tudo bem, então uma última coisa que eu quero fazer com este piano é o equalizador dinâmico. Então, o que podemos fazer com o EQ dinâmico é basicamente conectar uma banda de equalização lateral e que ela diminua as frequências em uma parte ou um elemento ou em vários elementos quando uma coisa é acionada. Então, o que vamos fazer aqui é usar o piano como uma entrada de cadeia lateral para um equalizador que eliminará as altas frequências de todo o resto da faixa. Então, isso vai ajudar a criar um pouco mais de espaço para o piano. Quando entrar, terá mais impacto em comparação com o resto da mistura. Agora, o objetivo aqui é fazer com que nem seja perceptível que todo o resto está sendo mergulhado, não é como usar uma corrente lateral, onde está no chute e na base, onde você quer aquele tipo de chute mudança óbvia de volume na dinâmica ou mudança de amplitude ou qualquer outra coisa. Isso é muito mais sutil, mas também vai ajudar aquele piano a realmente se destacar e ser um elemento principal, certo? Então, vamos fazer isso agora, para que isso aconteça, precisamos adicionar o equalizador dinâmico a um grupo ou ônibus que tenha todo o resto roteado por ele, exceto o piano. Então, no Cubase, vou fazer isso agora. Para isso, quero ver se o roteamento é basicamente algo além do piano da sala, essa faixa, eu quero ser encaminhada até um ônibus. Então, vou selecionar tudo o que vai sair em estéreo que não seja o piano. Vamos analisar e selecionar tudo. Então, obviamente , se já foi encaminhado para um grupo, mas tudo bem. Ele pode permanecer enraizado nesse grupo. Também encaminharemos esse grupo da cadeia lateral até esse novo ônibus ou grupo que vamos criar. Então, vamos continuar. Queremos que nossa reverberação seja direcionada até ela e queremos que nosso grupo de cadeia lateral seja encaminhado. Agora no Cubase é muito fácil com tudo isso selecionado, eu posso simplesmente clicar com o botão direito do mouse. Vá para Adicionar ao grupo dois canais selecionados, desculpe, você não consegue ver que ele está apenas fora da tela. Apenas diz Adicionar canal de grupo aos canais selecionados. Então, vou clicar nele. Claro que eu quero que seja estéreo. E vou chamá-lo de pré-masterização e adicionar uma faixa. Agora, tudo em toda a faixa, exceto o piano, é encaminhado por esse grupo. Então, vamos dar um exemplo rápido para que você saiba do que estou falando? Agora, temos tudo, exceto o piano, encaminhado para esse grupo. Queremos adicionar um EQ dinâmico. Atualmente, muitas portas, Cubase tem um EQ dinâmico se você tiver a versão Pro, mas outras não. Portanto, há um plugin gratuito que você pode usar, o que é realmente incrível. Então, se você simplesmente acessar o Google, digitar Nova, EQ VS t deve ser o primeiro link. Ou seja, é um plugin gratuito, então basta baixar o instalador relevante para o seu sistema. É tudo VS S3 de 64 bits para Mac e Windows. Então, baixe e instale isso. Vou apenas carregá-lo no meu grupo de pré-masterização. Portanto, está no EQ TDR Nova. encadeamento lateral funcionará de forma um pouco O encadeamento lateral funcionará de forma um pouco diferente dependendo da porta do seu m. Novamente, você realmente já deveria estar fazendo a cadeia lateral no Cubase. É tão simples quanto ativar a cadeia lateral. E então eu posso selecionar o canal que eu quero usar, pois a entrada da corrente lateral em sua porta pode ser um pouco diferente ou, na verdade, fazer o contrário, só para que você possa ver o que você normalmente estaria fazendo e adoro. E isso é com a corrente lateral ativada e certifique-se de que ela esteja ativada. É muito importante. E então vamos para o canal que queremos usar como entrada da cadeia lateral, neste caso, o piano, as configurações do canal. E então enviaremos um sinal para o grupo de pré-masterização, TDR Nova. Então, esta é a entrada da cadeia lateral, a ativa e, em seguida, o sinal é enviado. Agora, é muito importante entender que o que estamos enviando aqui é pós-fader, o que significa que qualquer alteração de volume que fizemos ou qualquer equalizador, quaisquer efeitos e coisas assim. Tudo isso é enviado para as entradas da cadeia lateral do ANOVA EQ. Agora, por que estou explicando isso? Porque se decidirmos colocar algo como atraso no piano, vamos adicionar rapidamente um atraso estéreo. Configure isso rapidamente. 14 de um lado, um para docid do outro. É só diminuir a mistura. Vamos jogar isso com o atraso no post-fader. Isso significa que também esse sinal atrasado será enviado para a entrada da cadeia lateral, o que particularmente não queremos. Quero dizer, é possível que você queira isso, mas também não queremos que a cadeia lateral seja acionada pelos atrasos. Só queremos que o golpe inicial o acione. Então, nesse caso, nós apenas mudamos isso para um presente, o que significa que o sinal é enviado para a cadeia lateral antes de passar pelo fader, antes de passar pelo EQ, antes de passar por quaisquer efeitos. Nada do que eu mudar aqui afetará o sinal que entra na cadeia lateral, algo meio demorado. Mas, na verdade, em algumas circunstâncias, é muito, muito importante saber disso. Então, por enquanto, na verdade, vou evitar o atraso do estéreo. Talvez queiramos adicioná-lo, mas não tenho certeza se é mais um exemplo, mas parece bom. Então, veremos como isso soa em um segundo. Vamos continuar com o EQ em nosso grupo de pré-masterização. Então, nosso TD nova, na verdade, peço desculpas. Uma coisa que precisamos fazer antes de prosseguirmos é realmente descobrir exatamente quais frequências queremos usar do resto da faixa, em vez do piano. Então, vamos dar uma olhada novamente nas configurações do canal do piano. E eu vou usar apenas um equalizador. Vamos ativar a banda três. Então, isso será apenas um equalizador paramétrico normal. Vou mudar a inclinação dela para ficar um pouco mais, talvez não tão íngreme, algo assim. E eu só quero fazer uma varredura de filtro e realmente descobrir onde estão as frequências mais proeminentes para o piano. Então, vamos tocar piano sozinhos. Então, por volta de cinco K Mark, eu diria. É realmente onde , de repente, fica muito bonito e brilhante. Mas não preciso mais do EQ aqui. Só precisamos saber que estamos falando de cinco K, talvez um pouco antes de cinco K. Então, vou desativar isso. Agora eu posso ir para o meu Nova EQ. E vamos usar a banda três para isso. Isso é bom. Queremos cerca de cinco K, então tudo bem. Só queremos colocá-lo na posição correta. Não queremos realmente impulsionar nada no momento, tudo bem. Então, pouco antes da marca de cinco K. E agora o que precisamos fazer é ativar o Threshold diz basicamente ativar o compressor para essa banda específica. Na verdade, não quero nenhum ataque. Eu quero que isso seja o mais baixo possível. O lançamento, além de só querer mergulhar quando o piano está tocando. Assim que o piano terminar de tocar, ele quer voltar ao volume máximo. A última coisa que precisamos fazer para que isso funcione é simplesmente virar o interruptor da corrente lateral interna para a corrente lateral externa. Agora, quando o piano tocar, devemos ver essa queda. Assim, você pode ver claramente que sempre que o piano bate, estamos diminuindo as frequências em torno da marca de cinco K no grupo de pré-masterização, exatamente o que queremos. Então, tudo o que isso está fazendo é dar às frequências mais proeminentes do piano um pouco mais de espaço. Sempre que o piano tocar, digamos, vamos tocá-lo desde o início, e eu meio que vou contornar isso um pouco. Agora, esses são efeitos sutis, mas você realmente deve notar que o piano fica um pouco claro e tem mais espaço quando é ativado. Ok, então vou começar com isso ignorado. Para mim. Eu realmente posso ouvir isso. Eu acho que definitivamente dá ao piano muito mais espaço. Agora, vou fazer com que isso seja realmente extremo, só para que você possa claramente o que está acontecendo com as faixas pré-masterizadas. Vou me lembrar da minha configuração e de **** para te dizer uma coisa. Vamos copiar isso para o caso de eu esquecer. E então vamos fazer esse super extremo. Quero dizer, obviamente, parece horrível porque você acaba de completar, você está removendo todas essas frequências quando o piano toca. Obviamente, não queremos isso. Então, vamos voltar para onde nos pediram, 0,1. E, novamente, isso deveria ser um efeito sutil, não deveria ser perceptível. E a beleza disso é que, obviamente, quando você está diminuindo as frequências do pré-masterizador, essas mesmas frequências ainda estão presentes no piano. Portanto, é muito mais difícil realmente perceber isso. Você realmente percebe que, de repente o piano meio que tem mais espaço, mas não parece que você esteja tirando algo de qualquer outra coisa. Então, isso parece muito decente. Agora vamos ouvir desde o início da faixa para ter certeza de que tudo está soando bem. Vou tornar isso um pouco menor e ocultar qualquer automação que tenhamos. Vamos apenas ouvir. Então, o que pensamos, eu acho que o piano diz muito, muito melhor, e é muito mais claro na maioria dos sucessos que existem. Portanto, a combinação da compressão e do equalizador dinâmico realmente funciona. Ainda está no final. Fica um pouco perdido. Na verdade, não é tão ruim, mas vou aumentar muito suavemente o volume aqui só para ter certeza de que realmente ouvimos isso. E eu realmente quero ser um subsídio. Vamos continuar ouvindo. Estudar um pouco mais de reverberação para esses chapéus. Parece um pouco fora do lugar. Soa muito melhor e está repleto de reverberação. Está tudo bem. Símbolos à direita, apenas uma fração no lado esquerdo. Os efeitos 26, que atingem apenas o branco, acabaram de ouvir esse tempo limite aumentar um pouco. Acelere. Ainda não entendi a duração completa desses sucessos. Então, vou tentar aumentar um pouco os sucessos individuais. Desculpe, devo dizer que foi o evento individual. uma fração de tanta coisa lá. Vamos fazer isso corretamente. Isso é bom. Então, acho que estamos praticamente prontos para todas as VI, pequenas mudanças no nível de mixagem. Só nos resta uma lição dominar essa faixa. Então, ele pode mudar um pouco o equilíbrio do BQ no canal principal, mas veremos que precisamos ouvir e ouvir com alguns ouvidos novos e o lado da seta. Em seguida, passaremos por um limitador e concluiremos a renderização final. Tudo bem, muito obrigado por ver garotos e garotas te verem no próximo. 27. Lição de calha ambiente BTP 26 Mastering: Olá pessoal, bem-vindos de volta e bem-vindos à aula final deste curso. Então, isso vai ser bastante simples. Estamos apenas passando por alguns ajustes finais na fase de masterização. Essa não é, de forma alguma, uma lição abrangente sobre masterização, exatamente o que precisamos fazer nesta faixa. Tudo bem, então vamos começar. Eles estão ouvindo a coisa toda. Acho que a mistura poderia funcionar, apenas se reequilibrando um pouco, então apenas um pequeno impulso no topo de linha. Então, vou entrar nas configurações do canal nas saídas estéreo. Este é o canal final no Cubase. Vamos jogar, na verdade, vamos jogar. Neste ponto, enquanto temos tudo acontecendo na pista. Então, vou definir minha região em torno da seção mais movimentada. Muito, muito sutil aqui mudaria um pouco o equilíbrio em favor do topo de linha e diminuiria o limite inferior. Mas é muito, muito sutil. Você seria perdoado por nem mesmo perceber isso se você é novo nesse tipo de coisa. Mas parece que essas mudanças sutis precisam delas. Então, está absolutamente bem. Agora eu quero brincar antes de chegarmos ao extremo com o alto EQ, quando tento adicionar um pouco de excitação a essa faixa. No Cubase, temos um plugin chamado quadrotors, que é basicamente como uma distorção multibanda. E, na verdade, o melhor tipo de plug-in para aumentar a excitação e atrair, especialmente quando você tem uma ampla gama de frequências, é um efeito multimarca. Nesse caso, ele faz saturação da fita, distorção de saturação, distorção e decímetro. E temos quatro canais, cada um lidando com diferentes faixas de frequência. Então, obviamente, este é um plugin exclusivo do Cubase. Existe outro plugin chamado HY MB. Dr. diga que, se você pesquisar no Google HY MB drive, você deve encontrar. Este plugin é esse e é totalmente gratuito. Mas, infelizmente, é só para PC, não é para Mac, o que é um pouco chato. Eu sei que o que realmente estamos fazendo é adicionar um pouco de processamento à gama alta ou média ou qualquer outra coisa, apenas para dar à faixa um pouco mais de brilho na alta frequência. Então, vamos jogar e teremos uma pequena brincadeira. Então, estamos falando de novo, mudanças muito sutis aqui. Apenas adicionando um pouco de brilho, esse plugin não é tão ruim. O baseado em chaves é melhor. Vou continuar com isso rapidamente porque só quero ver qual é a diferença entre os dois. Então, basta ignorar o outro para mudar a largura de banda. Então, na verdade, estamos lidando apenas com duas bandas aqui. É só dividi-los. Então, estamos lidando com as bandas 3.4, lidando principalmente com toda a faixa de frequência. Parece que está pronto aqui. Isso só realça essa crocância adorável de alta qualidade. Sempre parece que isso dá mais definição ao topo de linha. É claro que, na verdade, não está dando mais definição. É meio que aumentar um pouco e adicionar alguns harmônicos extras, mas é um efeito muito bom. Hum, peça desculpas. Eu gostaria que houvesse algo que todo mundo pudesse usar o Mac PC. A coisa mais próxima que encontrei foi a NB Drive até isso. Agora, mesmo que eu tire isso, ela também precisa equilibrar a saída , porque na verdade é um pouco mais alto do que o sinal original. Isso é mais equilibrado. Sim, só adiciona crocância à parte traseira. Como eu disse, não é como inovar o diferente, é só um pouco, é como os dois a três por cento extras que eles querem adicionar à mistura no final. Então, se você não o tinha, não era o fim do mundo. Tudo bem, então, depois disso, temos realmente um processo final. Eu não queria adicionar muita compressão e outras coisas a isso. O único, o último plugin que será um maximizador. Então, é basicamente um limitador. É chamado de maximizador no Cubase. E há infinitos plug-ins, especialmente em sua própria porta. Você definitivamente terá pelo menos um que seja como um limitador de parede de tijolos um maximizador ou um compressor com uma proporção muito alta. Agora, no Cubase, se eu ativar o modo moderno, tudo o que faz é ativar esses dois controles, que são a liberação e a porcentagem recuperada. Então, vou liberar um baixo porque quero falar bem rápido, literalmente cortando a parte superior de qualquer sinal alto no dial otimizado, como é chamado no Cubase, é por isso que eles chamam isso otimizar, é basicamente o ganho de entrada. Digamos que quanto mais alto você tiver, maior será o ganho de entrada do mais alto será o sinal geral. Então, vamos jogar isso. Então, o que estamos procurando aqui é o medidor de redução de ganho é sempre a coisa mais importante no limitador. E queremos ver o quanto o ganho está sendo reduzido sempre que é acionado. No momento, não estão sendo retirados muitos ganhos. Então, podemos nos dar ao luxo de aumentar um pouco mais isso. Então, basicamente, o que você quer fazer é encontrar um equilíbrio entre ficar muito mais alto e não tirar toda a boa dinâmica da mistura. Então, continuaremos aumentando isso até que realmente não consigamos ouvir muita diferença em termos de volume. E então vamos recuar um pouco, como geralmente é a abordagem que eu uso. Digamos que, ouvindo assim, eu realmente sinto que poderíamos aumentar o chute muito, muito levemente. Vamos ver o que temos. Vamos aumentar um pouco isso. Então, é como -3,06. Foi aí que ele melhorou o chute, só precisava de um pouco de volume extra. Agora é muito mais forte cortar a mistura. Digamos que em algum lugar perto dele é muito bom. Poderíamos nos dar ao luxo de insistir mais nisso, se quisermos, mas não tenho certeza se realmente quero que eles digam que deveriam ser microfones de ambiente muito dinâmicos. Se acabarmos realmente superando isso com o maximizador, vamos apenas reduzir a faixa dinâmica, o que afetará a sensação geral dessa mudança de dinâmica em toda a mistura. Então, tudo o que realmente queremos fazer é maximizar o volume sem afetar os níveis ou a dinâmica. Eu acho que isso é realmente um direito. Vou recuar a saída apenas 0,1 e me lembro apenas de 34,3. E vamos dar um toque final em C , onde soa. Então, o que está acontecendo lá? Se eu pressionar com mais força do que 34,3, é que coisas altas, como os chutes, basicamente não estão ficando mais altas porque já estão acionando esse limitador. Então, esse é basicamente o limite de volume deles. E então, todo o resto que está meio quieto ao redor do bolo está ficando mais alto em comparação com o chute, que, novamente, está afetando a dinâmica geral da pista. Portanto, também não queremos ir tão longe como uma nota adicional. modo geral, novamente, essa é uma regra geral, não significa que esteja gravada em pedra. Você pode experimentar com isso. Uma faixa vai agir de forma diferente outra quando se trata de limitar. Mas você realmente não quer ver muito mais do que cerca menos abelhas 3D na redução de ganho Algumas trilhas você descobrirá que você pode realmente empurrá-las. Você pode descer e selecionar menos cinco, menos seis dB's. Mas, de um modo geral, nunca, nunca é mais do que isso. Menos seis dB é, está extremamente pronto quando você está realmente limitando a faixa final. Tudo bem, então eu acho que estamos muito bons. Estou definitivamente feliz com os níveis e tudo mais. Então, vamos definir nossa região de loop sobre as áreas corretas onde eu quero. Isso rastreia a extremidade, que é a barra 76, onde temos nosso volume diminuindo. E vamos ao começo. Vou apenas definir a região do loop. E então vamos, estamos prontos para exportar nossa faixa final. Então, vou apenas salvá-lo e vou exportar. Essa será a faixa final real que você ouviu no vídeo promocional. E está na força de trabalho, então sem processamento extra, sem bastidores, ajustes e coisas assim. Essa é a versão que você ouviu. Os principais impulsionadores dizem, vamos dar um nome. Então, vou chamá-lo de cascade final master. Vou renderizar como MP3, mas como MP3 de alta qualidade, C32 KBS e clicar em Exportar. Tudo bem, então muito obrigado por fazer parte deste tutorial. Eu realmente espero que você tenha aprendido um monte de coisas para fazer suas próprias progressões de acordes incríveis, como estruturar coisas para que pareça empolgante tudo sobre tensão e liberação, o processo de mistura, tudo. Estou muito feliz que você esteja aqui para esta jornada comigo. Então, muito obrigado, rapazes e garotas, cuidem de si mesmos e eu vou ver vocês no próximo. Tchau tchau.