Transcrições
1. Diretório: Dirigindo comerciais, mergulhar profundamente na indústria comercial alta. Neste curso, eu quero guiá-lo um pouco pelos diferentes caminhos de se tornar um diretor e como toda a indústria comercial funciona basicamente. Estes são os tópicos que este curso abordará.
2. Introdução ao setor comercial: Todos os vemos em todos os lugares. Eles vêm em todos os tamanhos e formas, formatos e tipos, comerciais ou empresas de publicidade. Mas quem é que os faz? Neste curso, vou me concentrar no diretor e na indústria cinematográfica comercial. Como é que um comercial ganha vida? E qual é o papel do diretor em como se tornar um? Este curso lhe dará um guia detalhado para que você tenha uma visão panorâmica mais completa
da indústria e comece a entender como ser bem-sucedido nela. Além disso, vou fornecer-lhe material e dicas
práticas que você pode aplicar em seus tratamentos e arremessos. Antes de entrar em detalhes, gostaria de explicar brevemente o ambiente publicitário e como funciona usando um exemplo, o exemplo de como um comercial ganha vida. Algumas dessas coisas podem variar de lugar para lugar. E muito geral, só para ficarmos na mesma página e todos entenderem do que estamos falando. Em primeiro lugar, há um cliente. Seu cliente precisa de um comercial a maior parte do tempo como parte de uma campanha inteira. Mas agora estamos falando apenas do filme comercial. Para que os clientes possam fazer duas coisas. Ou procure diretamente alguém para produzi-lo, o que seria uma relação direta com o cliente. A empresa que produz o local é chamada de empresa
de produção de filmes ou apenas empresa de produção. Agora, o cliente pode fornecer uma ideia, um tratamento, ou até mesmo um roteiro final, ou mesmo nenhum deles, e deixar toda a criação do conceito para a produtora. Eu não vou entrar em detalhes sobre o processo de criação de conceito, mas basicamente, deve
haver uma equipe que decida quais são os objetivos e objetivos de marketing da empresa e como
alcançá-los com base nessa campanha e é criado o conteúdo do qual o anúncio comercial faz parte. Essa equipe pode ser uma equipe de marketing interna ou uma agência de anúncios. De qualquer forma, e a relação direta com o cliente, depois que eles vêm com um conceito, a ideia é aprovada por todos os lados. Orçamentos são acordados com seu diretor e equipe como sendo sugerido pela produtora. E se eles também são aprovados, então todo o processo de produção começa de outra maneira para comercial para ganhar vida como através de uma agência de publicidade. Neste caso, o cliente, principalmente empresas maiores encomendas uma campanha e um comercial. A agência desenvolve o roteiro com base em metas de marketing e outras instruções, que depois de muitas, muitas, muitas reduções, é finalmente aprovado. É importante estar ciente de quanto tempo e cansativo de um processo isso pode ser. Mas voltarei a isso mais tarde. Agora, se a agência de publicidade não tem ou usa uma empresa de produção interna, a agência entrará em contato três a cinco empresas de produção que estão em sua lista de provedores e enviar-lhes o roteiro, conceito ou idéia com todos os As informações relativas à campanha e ao local. Agora, a produtora e a pessoa do produtor custa o diretor, ele acredita ser o mais adequado para o trabalho e sentir a informação. As empresas de produção têm uma lista de diretores e a maioria dos casos, cada um com um estilo e especialização diferentes. Com base nessas informações, o diretor cria o tratamento dos diretores, uma apresentação que explica a
abordagem dos diretores ao projeto e como visão criativa do mesmo. Como mencionei anteriormente, há várias empresas de produção que recebem o resumo. Isto significa que cada empresa de produção
será representada pelo diretor de sua escolha. E estes competem com o seu tratamento e o orçamento que é feito pelo produtor, apenas um dos diretores e, portanto, uma empresa de produção vai ganhar a oferta e começa a dirigir o comercial após essa decisão ser tomada. Começa a pré-produção, depois a produção e, finalmente, a pós-produção. Como mencionei há instantes, algumas agências têm a sua empresa de produção interna. Então eles próprios produzem comerciais de seus clientes. Mas basicamente, é assim que funciona. Vamos recapitular. Agência representa o cliente, geralmente fornecendo o script. A empresa de produção compete contra outras empresas de produção para começar a filmar o comercial com o cliente e a agência. O diretor escreve um tratamento para a visão criativa e compete contra outros diretores que representam a produtora para a qual trabalham. Agora que entendemos como esses jogadores se conectam e qual papel eles desempenham, vamos recuar e falar sobre o diretor. De onde é que ele vem? Como você se torna um? E qual é o trabalho do diretor?
3. Quem ou o que é o de o dierctor: O diretor é a pessoa que começa quem está
encarregado da direção criativa e implementação. Mas o trabalho dele começa muito antes do dia das filmagens. Já mencionei o processo de licitação e o tratamento. O tratamento, que discutiremos em detalhes mais tarde como o primeiro
passo para a ideia final da investigação comercial, desenvolvendo, projetando a apresentação, lançando-o,
e, em seguida, espero que quando ele agora começa fase de pré-produção e todos os detalhes são discutidos e decididos que tudo possa ser organizado para o dia de tiro. Isso inclui guarda-roupa, estilo, locais, atuação, equipamentos, equipe, e muitas outras coisas que o diretor propõe suas escolhas e idéias de acordo com sua visão. E se o cliente gosta e está dentro do orçamento, é decidido e geralmente não mudará depois. Agora a equipe de produtores vai começar a organizar todos os itens como localização,
equipe, adereços, e assim por diante. No dia da filmagem, o direto e toda a equipe executam o que foi planejado de antemão. Pequenas coisas podem mudar, mas raramente os aspectos básicos mudam. No dia da filmagem, o diretor supervisiona a produção e certifique-se executar conforme planejado e encontrar soluções imediatas para tudo o que não é planejado. No dia da filmagem, o trabalho principal dos diretores é supervisionar e garantir a visão dele e do cliente e ser um fabricante de soluções quando necessário. Portanto, não é muito preocupante com o que você tem a dizer início, quais palavras usar e assim por diante. Quando eu comecei, eu costumava perguntar a outros diretores, e como você dirige? O que dizes aos actores? E a resposta sempre foi algo como, bem, cada diretor tem sua própria maneira de fazer isso, o que é certo. Mas eu acho que ele realmente não responde o que a pessoa que pergunta realmente precisa saber. E a resposta é, apenas esteja preparado o máximo que puder. Certifique-se de pensar em cada tiro e segundo de um ponto,
certifique-se de anotar para frente e para trás e, em seguida, começar, basta usar as palavras, gestos ou qualquer coisa que você precisa para comunicar essa idéia. É isso, Isso é dirigir, desenvolver o tiro de antemão e deixar claro para todos início. Basta ajustar se necessário e comunicar o que você precisa para se comunicar da maneira que você pode fazer para que todos estejam na mesma página após o dia de filmagem, a pós-produção começa. Pós-produção significa a edição de todos os ativos como imagem, sons, movimento, gráficos, etc Dependendo do projeto e talvez até mesmo colocar você está envolvido na pós-produção ou não. Alguns diretores até preferem cortar seu próprio material. Agora sabemos o que o diretor é e faz, mas como você se torna um diretor?
4. Como você se tornar um diretor: Felizmente, há muitos caminhos diferentes para se tornar um diretor em vez de uma maneira exclusiva. Na verdade, não há um plano geral para alguém entrar em direção, apenas maneiras mais ou menos tradicionais. E isso é muito importante para entender como diretor. Acredito que, como pessoas criativas, tendemos a nos comparar com os outros. E isso pode se tornar frustrante. Se você não entende que cada pessoa na indústria criativa tem seu próprio caminho e seu próprio ritmo e estilo. Nenhuma carreira é a mesma. Por que eu digo isso tanto assim? Porque se você está constantemente se comparar com os outros, isso vai fazer você se sentir mal porque há sempre pessoas que não fizeram trabalhos maiores com melhor criatividade, com mais orçamento e assim por diante. Você quer saber como eles chegaram lá e perguntar ao redor e descobrir que não é o que você esperava em tudo. Ou você pode até pensar, ok, é assim que eu tenho que fazer isso. Então você faz exatamente a mesma coisa e nada acontece. Por quê? Porque não há planta e o que funciona para você pode não funcionar para outra pessoa. E outro problema é que você tentará imitar e, portanto, não desenvolver seu próprio estilo e voz e maneira de fazer suas próprias coisas. Diretor comercial não é uma profissão protegida, o que significa que você pode literalmente não ter educação formal e ainda se tornar um diretor. Essa é a teoria e o mundo real. Significa que você precisa se educar, mas você começa a escolher como e o que você quer se educar. Isso pode significar que você pode se inscrever na escola de cinema ou universidade com aulas não relacionadas. Você pode aprender muito do ofício e conhecimento sobre cinema na Internet. Você pode começar como um aprendiz em uma empresa de produção, agência ou aluguel de filmes ou com absolutamente nenhum histórico anterior. Você pode combinar essas coisas. Você pode ter aprendido uma habilidade especial que não tem
nada a ver com o cinema e ainda transição para o cinema. Isso nos leva ao próximo ponto, escola
de cinema ou não.
5. Escola de cinema ou não: Eu mesmo fui para a universidade com o campus de mídia. Há pessoas que dizem que a escola de cinema é a melhor maneira. Outro, diga que não é a melhor maneira. Acredito que cada caminho tem seus benefícios e desvantagens. Se você me perguntar, eu diria que a escola de cinema é ótima para se conectar com pessoas afins, para experimentar, já que é um lugar seguro e falhar não é um problema, você tem acesso a equipamentos e estúdios sem nenhum custo. Pelo menos foi assim na minha escola. E, claro, você aprende praticando. Desvantagens fora da escola de cinema não é o ritmo do mundo real, ritmo e profissionalismo não estão no mesmo nível. Você pode aprender muito do ofício, mas não é fácil estar preparado para o negócio real. Além disso, é absolutamente possível frequentar a escola de cinema e formar sem ter aprendido nada sobre cinema em tudo. E isso é porque a escola de cinema te faz uma oferta, mas decida o que você pega ou sai. E muitas coisas importantes podem não ser ensinadas e escola de cinema. Acontece que muitos alunos saem da escola de cinema, acreditam que são os próximos Ferentino, Michael Bay ou Dave Meyers. E eles ainda não estão porque eles não têm idéia de como as coisas funcionam. E também eles não têm muita experiência que é crucial e negócio
de telefone, é claro, esta experiência só pode ser adquirida trabalhando nesse campo. Então, em qualquer caso, eu recomendo que você comece a trabalhar cedo em uma empresa de produção ou aluguel apenas para que você aprenda o artesanato, equipamento, regras e, ao mesmo tempo, você começa a observar como os caras grandes trabalham. Eu não fiz isso durante os meus anos de estudante, e eu lamento profundamente que eu tive que compensar isso depois, eu acreditei que eu iria me formar. Se alguns pontos especiais, me
chamar de diretor e os empregos acabariam de chegar. Eu estava muito errado. - Claro. Há casos em que uma única empresa iniciou uma enorme carreira, mas isso nem sempre é o caso. Por isso, encorajo-vos a fazer uma longa caminhada, a
começar por baixo, a ajudar na produção, por exemplo, e a aprender fazendo. Você vai adorar trabalhar nesse ambiente e ganhar experiência e o tempo vai voar e você estará em um novo nível para começar sua carreira como diretor ou qualquer outra linha no set. Aqui estão alguns prós e contras sobre ir para a escola de cinema onde você aprende tanto a estudar quanto a fazer espumas. Os profissionais. Você começa a experimentar à medida que você está exposto a diferentes abordagens de pensar, observar e criar. Você aprende a analisar e estudar outras empresas e tirar conclusões disso. Você é ensinado as habilidades e ofícios e começa a exercitá-lo, o que lhe dará experiência. Você pode escolher entre diferentes escolas com diferentes abordagens onde você quer escolher uma determinada faixa e comércio e aprendê-lo perfeitamente e especializar-se nela. Ou você começa a experimentar e fazer um pouco de tudo. Então você tem um entendimento holístico mais anti-herói do cinema. Você tem tempo para se concentrar no que você quer fazer. Você está em um ambiente estruturado onde você começa a tentar e aprender fazendo. Você está acompanhado por profissionais que orientar e corrigir você é pode dar-lhe feedback. Na escola de cinema, você faz grandes conexões que podem ligá-lo a pessoas que vão trabalhar com você mesmo para o resto de sua carreira. Você cria uma rede que é muito importante na produção de filmes. E algumas escolas até o colocarão no negócio através de programas e reconexões. E algumas escolas até o colocarão no negócio através de programas e conexões. Muitas escolas fornecem um aluguel gratuito, onde você pode colocar suas mãos em câmeras, luzes, som e outros equipamentos que permitem que você experimente ou produza suas próprias coisas, o que lhe dará experiência. Você obtém um diploma, um certificado. Em algumas situações ou caminhos de carreira podem se tornar importantes no processo de inscrição. Sendo matriculado, você obtém estatutos de estudantes, o que lhe dará muitos benefícios ainda não relacionados ao cinema. Agora, os contras, as melhores escolas são principalmente muito caras. matrícula pode ser muito alta, mas além disso, seus projetos também são financiados por você mesmo. Você pode obter a maior parte da entrada gratuitamente on-line ou por um preço muito mais baixo usando aulas on-line ou causas. Mas a questão é, por que pagar dinheiro se você pode obtê-lo de graça. Claro, você terá que curar taxa de suas descobertas, filtrar o que vale eo que não é. Além disso, você pode não saber o que procurar, mas eu acredito que depois de investigar um pouco, você vai mais ou menos entender o que você está procurando especificamente. Você também pode ter que se realocar, o que pode significar custos de vida mais ou mais elevados. Talvez você não seja um bom aprendiz em termos de educação de classe. Talvez você seja mais o tipo de aprender fazendo
ou fazê-lo sozinho sem limitações estruturadas, você aprende o que lhe é dito para aprender. Você está vinculado a uma certa forma de aprender e a um determinado conteúdo. Muitas vezes você acaba de aprender de um a Z seguindo um determinado esquema que só ensina você a imitar um certo conhecimento, é mais difícil dessa maneira desenvolver sua própria maneira de pensar, executar, estilo e voz. Mesmo com um diploma, você não tem garantia de conseguir um emprego. Isso pode ajudar. Mas a verdade é que, especialmente na indústria cinematográfica comercial, ninguém está interessado no seu diploma. Não lhes diz nada. Eles só estão interessados no seu trabalho. Então você decide, agora tendo frequentado a escola de cinema ou não, você se chama de diretor, quer um comercial direto. Como é que chegaste lá? Bem, você precisa de um cartão de visita. E no seu caso, o cartão de visita é o seu show real, real ou portfólio.
6. Como criar seu primeiro Showreel: Real como eu vou me referir a ele, é onde você mostra seu trabalho. Pode estar na página inicial, você pode colocar seus telefones no Vimeo ou YouTube ou apenas enviá-los digitalmente. Mas você tem que ter uma maneira de mostrar os trabalhos que você fez. Assim, o potencial cliente pode imaginar o que esperar de você em termos de qualidade, padrão e estilo criativo e voz. Aqui estão dois exemplos meus de como mostrar o seu trabalho. Como criar um real. É um círculo vicioso. Porque para ganhar empregos, você precisa ter feito alguns trabalhos. Mas o que você pode fazer quando não tem nada para mostrar? Sejamos realistas. Na maioria das vezes, seu primeiro real não será o maior, mas você tem que começar em algum lugar. Você pode colocar em trabalho estudantil, talvez algum trabalho que você fez para amigo, de graça onde você recebeu liberdade e equipamento. Existem várias maneiras de obter material no papel real, mas há uma em particular que abriu muitas portas para muitas pessoas. O ponto de especificação.
7. O ponto: O ponto de especificação geralmente se refere a um comercial falso para marcas existentes. Falso no sentido de que o comercial não é um trabalho oficial encomendado para a marca, nem a marca esteve envolvida com ele. A ideia por trás disso é que você recrie um ponto comercial, tentando produzir algo que possa ser confundido com um comercial real dessa marca, imitando o estilo e o tom da marca. Algumas pessoas dizem que você deve escolher uma grande marca. Outros dizem o contrário. Você deveria ir para uma marca desconhecida. Mas, em qualquer caso, é você quem coloca o dinheiro e cria o local sem o apoio da marca. Você faz isso. Então você pode mostrar que você é capaz de dirigir um comercial em um alto nível e entender o ofício. É crucial que você investigue sua marca para que você pregue o tom e a aparência dela. Você não quer que ninguém perceba que este não é um comercial real. Isso inclui ter um ótimo roteiro e uma execução profissional em equipamentos profissionais. Se possível, o script é algo que você não deve subestimar. Todos acreditamos que somos grandes escritores, ou muitos de nós. Mas a realidade é que a escrita de roteiro como um ofício, nem todo mundo domina e deve ser deixado para os profissionais. Um mau guião pode tornar todos os seus esforços inúteis. A imagem mais épica com um script ruim não vai ganhar a atenção que você quer alcançar a menos que você também é o diretor de fotografia e pode usar esse material para mostrar suas habilidades DP. Mas estamos falando de direção e melhor
direto e pode ser mostrado através de um ótimo roteiro. Agora, se você percebe que suas habilidades de escrita não são tão boas quanto você pensou, você se pergunta, onde você poderia obter um script de um bom roteiro? Aqui estão algumas ideias. Primeiro, se você conhece um redator
perguntou-lhe pessoalmente se você pode obter qualquer coisa que ele escreveu e nenhum uso para ele, mas as coisas que faria um ótimo lugar. Número 2, pergunte em agências de publicidade, eles geralmente têm um monte de scripts de dívida que nunca chegou até o estágio final, mas ainda uma nota. Número três, encontre um script em plataformas como Speck Bank, que tem um custo. De qualquer forma, você deve estar pensando sobre o tipo de diretor que você quer ser. Que tipo de coisa, estilo ou gênero você quer filmar? Lidar como comerciais de carros, empresas de moda, comédia, CGI, estilo de vida ou mesa. Se você está claro sobre isso, você deve ir para essa direção e criar um lugar que lhe dê empregos nesse campo. Isto leva-me ao próximo ponto. Coloque-se em uma caixa.
8. Se se colocar em uma caixa: Coloque-se em uma caixa quando uma agência ou o cliente é apresentado com os tratamentos e os diretores reais, na
maioria das vezes eles querem ver seu lugar no real do diretor. O que isso significa? Por exemplo, se a marca é sobre comida, digamos chocolate, o ajuste perfeito para eles seria um diretor que já fez vários pontos, foi chocolate e pode mostrá-lo em seu real, eles querem sentir que o projeto está em boas mãos. Agora, se o diretor arremessar na mancha de chocolate, mas só causou manchas para mostrar em Israel, o cliente pode pensar que chocolate não é sua especialidade. Comida em geral, como diretores, maioria de nós adoraria fazer um trabalho muito diversificado porque essa é a criatividade que nos impulsiona. Mas na indústria é melhor ser conhecido por certa habilidade específica ou tema ou campo. Isso pode ser vídeos de música de mesa, esportes, custo de
estilo de vida, CGI, animação, crianças de estilo
urbano, ou qualquer outra coisa. Mas você precisa se colocar em uma caixa se quiser ser bem sucedido. É por isso que eu recomendo que você pense bem sobre o tipo de trabalho que você quer fazer e sair e fazer um ponto de especificação assassino. Então você tem algo para mostrar e autoridade para lançar sobre esse assunto. Claro, no início, é difícil encontrar sua voz e estilo. Eu mesmo, Eu ainda estou descobrindo, mesmo se você não é tão específico quanto ao tema ou estilo que você possui, tentei encontrar algo que conecta o seu trabalho e certifique-se de que o seu tema, que pode ser o estilo de câmeras, gradação de cores, humor, ou como eu mencionei, um determinado tópico. Se você tem um trabalho muito diversificado, não mostre tudo com cada passo. Isso significa que quando você cria um tratamento e eles pediram seu verdadeiro cheque seu trabalho para coisas que você acha que podem ajudar a ganhar esse emprego específico. Se for estilo comédia, envie
apenas pontos cômicos, não o local sério da fundação do câncer. Se este lugar tem crianças, procure crianças no seu trabalho e areia aquele lugar. Desta forma, você pode se vender como um certo tipo de diretor e mostrar a eles que você é capaz de fazer o que eles precisam que você faça, mesmo que esse não seja o seu campo real. Isso pode até levar a uma situação em que uma agência uma urina conhecida e reservada como o diretor Kids e uma agência ser euro o diretor de mesa. Então você vê, o melhor que você pode fazer é criar um nome para algo específico para que sempre que houver um lugar em torno desse tópico, as pessoas pensarão imediatamente em você.
9. Como obter bondar de uma peça 1: O diretor raramente é chamado diretamente pela agência ou cliente. A maneira normal é que quando há um projeto, a agência vai enviá-lo para talvez três empresas de produção. Eles escolherão um diretor que fará o tratamento. Então o que você precisa é entrar no radar de empresas de produção ou de um representante de vendas. O representante de vendas pode ser uma agência pessoal que representa criativos como DPs e diretores, e pode ser chamado se uma empresa de produção precisa encontrar um certo tipo de diretor, em qualquer caso, você vai precisar que LI, que é a produtora? Basta procurar uma empresa que você acha que seu estilo se encaixa com o trabalho deles. Paul, todas essas produtoras e apresente-se a si mesmo e ao seu trabalho. Eles podem não colocar você imediatamente em sua lista, mas quando seu trabalho é bom o suficiente ou eles vêem um grande potencial que irá manter seu nome em mente para projetos futuros que podem caber em você. Agora, quando isso acontecer, você terá um deck de tabuleiro ou qualquer coisa que as pessoas possam chamá-lo, os documentos e informações, apresentações, etc Tudo o que você precisa saber sobre o projeto, provavelmente antes de começar a fazer o tratamento. Haverá uma chamada de agência em que você fala com os criativos. Eles explicam do que se trata o projeto. E você pode fazer perguntas para que você entenda melhor o objetivo do local e o que é mais importante para eles. Esta chamada é muito importante, pois é a sua chance de brilhar. Eles vão ter um sentimento de quem você é e como você trabalha. Então ouça claramente e faça boas perguntas. Tenha cuidado para não ouvir o que você quer ouvir, mas para ouvir atentamente o que eles querem alcançar com ele. Hora da história. Vou contar-vos uma história curta do que
me aconteceu e que estou a certificar-me de que nunca mais vai acontecer. Uma vez fui apresentado um breve sobre marca que normalmente nunca tinha feito nada IPv4 cómico. Mas eles queriam explorar este novo campo. Adoro comédia. Então eu vi uma chance de realizar meu sonho e ouvir com atenção. Eu disse o meu sonho. Eu me concentrei tanto no que eu queria tirar desse projeto que eu cometi o erro de ouvir apenas o que eu queria ouvir até hoje. Eu não tenho certeza de como eu poderia até mesmo fornecedores trabalho quando , obviamente, eu não entendi ou prestar atenção ao que eles pedem de mim. Então eu comecei a apresentá-los com um monte de idéias que eu sentia que potencialmente mentiriam o roteiro. Então eu vim com as idéias e espero que eles amem. E tudo o que eles disseram foi como,
sim , sim, idéia legal, mas isso não é exatamente o que estamos procurando. Vamos ficar com o guião. Ok, então eu pensei novamente e surgiu com novas idéias que eles rejeitaram também. E eu pensei: “Ei, você
não queria rir? Vamos fazer as pessoas rirem. Mas eu perdi completamente que esta marca, uma enorme marca com muita história, não
poderia apenas de um dia para outro mudar essa comunicação. Uma das maiores competições era conhecida por usar o humor e todos os seus projetos. Então tivemos que traçar uma linha tênue entre sua comunicação e nosso modo de comunicação que era crucial para entender. E a razão pela qual eu não entendi inicialmente foi porque eu tinha minha própria agenda. Queria fazer um filme para mim e não para o cliente. Quando tão longe que eu claramente não ouvi-los quando eles me disseram Queremos um único tiro longo para cada ponto uma vez que não haveria apenas um, mas vários pontos. Eu disse que sim, podemos fazer isso. Mas que tal experimentarmos alguns cortes, ângulos
diferentes e assim por diante. E então podemos fazer um único tiro no escuro. E no final, decidiremos qual é melhor. Eu nem li as expressões faciais deles, o que me diria de uma vez por todas, apenas faça o que queremos que faça. Como eu disse antes, eu não tenho idéia de como eu ainda poderia ganhar o emprego, mas eu ganhei. Então, no final das filmagens, eles chegaram e eu comecei a fazer as coisas do jeito que eu queria e me disseram. Vamos, por favor, fazer isso dessa maneira. E eu pensei: “Ei, nós
não concordamos em fazer isso assim? A verdade é não, nós não concordamos com isso. Só na minha mente porque ouvi o que queria ouvir e
interpretei tudo de uma forma que se adequasse à minha visão, que não era a visão do cliente. Os sons todos dramáticos e de certa forma isso, mas também foi muito mais sutil do que posso dizer agora. Em retrospectiva, é muito claro o que aconteceu, mas naquela época, era mais sutil e fazia sentido para mim, já que eu estava tão focado na minha própria visão. Então, para encurtar uma longa história no set, eu fiquei confuso sobre o porquê de de repente eles insistiram tanto
no tiro longo enquanto eu me concentrava nos diferentes ângulos e assim por diante. Conseguimos obtê-lo do jeito que eles queriam, mas perdemos muito tempo devido ao meu erro de não ouvir desde o início claramente o que eles realmente queriam no início. Eu também falei sobre o longo processo de criação de um script. Eu lhe disse que mais tarde eu vou entrar mais em detalhes e eu sinto que este é um bom momento para manter a mesma história.
10. Como obter bon: Havia alguns pontos no roteiro que me confundiram. Por um lado, entendi que era comédia, mas, novamente, não havia tanta comédia nele. Foi muito sutil. Então pensei que o meu trabalho era torná-lo mais engraçado e adicionar coisas para que fizesse mais sentido para mim. Eu poderia ter razão de alguma forma, mas o cliente é rei e eu deveria ter prestado atenção a este ponto importante. Quando um script é entregue a você, você tem permissão para modificá-lo ligeiramente ou adicionar algo que poderia potencialmente tudo sem alterá-lo. Essencialmente, isso é muito importante para perceber porque temos que
entender que este script final que
recebemos não é um script que foi escrito em um momento e feito. Para um script obter a aprovação final, ele tem que passar por muitos, muitos filtros. Sua ideia inicial muitas vezes não pode ser reconhecida com o script final. Tantas coisas mudaram por muitas razões diferentes. Acredito que isso também aconteceu com esse roteiro em particular. Eu acredito que era roteiro cheio de piadas e ação, mas devido à voz da marca e comunicação da marca, teve
que mudar. Então as coisas foram mudadas, retiradas, substituídas por outra coisa, e assim por diante. Tem que passar por tantas etapas até que a aprovação seja dada. Que até esse ponto, os criativos estão felizes por
finalmente poderem passar pelo processo e obter luz verde. E agora vem Thomas e quer mudar a coisa toda. E não é assim que funciona. Eu sei que há exceções à regra, mas na maioria dos casos, tudo o que eles pediram de você é uma, para entender o que eles estão mirando e para executar o script de uma forma que foi escrito e destinado ao número 3, dar entrada e pequenas adições ou modificações que não vão mudar a idéia, mas obter mais proveito dela. Eles querem direcionar que eles podem adicionar este pequeno detalhe que vai dar toda a idéia mais poder. Agora, o que pode ser isso? Pode ser qualquer coisa. A escolha dos atores, uma única linha que você adiciona, a maneira como você instrui seus atores a fazer ou dizer uma certa coisa. Pode ser um adereço, pode ser até uma pequena pausa e reação que não estava no script. Bem, espero que tenha deixado este ponto claro. Aqui está outra pequena história da qual eu aprendi e não vou repetir esse erro. Às vezes, o cliente ou agência, Eu não sou capaz de comunicar exatamente o que eles querem, ou eles dizem algo e você recebê-lo como apenas mais um comentário, posição
opcional y para eles. É crucial. Eu estava trabalhando em outro projeto quando uma imagem muito específica foi mencionada. Eu não vou entrar em detalhes, mas eles disseram algo como Meu nós, nós poderíamos ter este detalhe e o projeto ou algo assim para atender Mencius. Outra opção. E como eles disseram, ou algo assim, eu tomei como algo em que eu poderia me concentrar em um estágio posterior. dia do tiroteio chega. Não estou preparado para este tiro específico. Então vamos tentar improvisar. Claro, não funcionou. Então tivemos que falar com o cliente e negociar se fosse possível comprar essa foto específica de uma plataforma de filmagem. Agora, esse não é o problema. Creio que, se o tivesse planeado de antemão, poderia ter chegado à mesma conclusão de
que comprar esse material de reserva nos pouparia muito tempo e evitaríamos alguns problemas. E essa é uma prática comum. No meu caso, foi ruim porque primeiro, eu não me preparei corretamente, que leva ao número dois, perdi o início do tempo. E três, gerou custos adicionais que não tinham sido planejados. E acima de tudo, número 4, me fez
parecer pouco profissional, por um lado, porque eu estava despreparado e, por outro lado, porque me
fez parecer que eu não era capaz de alcançá-lo, que provavelmente é a pior parte de tudo. O projeto acabou bem até hoje. Algumas pessoas veem e me dizem o quanto eles gostaram daquele tiro específico para o qual eu tenho que admitir que eu nem sequer fiz esse tiro, mas sim comprei. Se algo é mencionado e você não tem certeza se isso é realmente importante ou não, então basta perguntar, o que eles realmente querem dizer, o que eles realmente querem? Porque você também pode simplesmente assumir que tudo o que eles dizem é igualmente importante ou que o que eles dizem é exatamente o que eles significam. Ouça atentamente e, em seguida,
proceda para fazer as perguntas importantes para que no final você tenha 100% certeza de que entendeu. Mas para voltar ao meu ponto inicial e resumir, eles querem que você execute sua idéia enquanto você adiciona algo extra a ela que não vai mudar, mas sim melhorá-la. Eu te conto essas histórias para que você possa aprender com meus erros e não repeti-los. Apenas entenda, como diretor, você trabalha para alguém e não para você ou seu show bobina.
11. Escolha palavras: Vamos falar sobre a escolha das palavras. Acabamos de falar sobre a importância da comunicação e da filtragem. O que você ouve neste capítulo, Eu quero continuar com um tópico relacionado. Isto é algo que talvez alguns vão argumentar. Mas, na minha experiência, descobri que a escolha das palavras em um tom e em um tratamento ou em qualquer estágio do processo é muito importante. Você quer evitar o uso de palavras repetitivas ou palavras que não
são específicas ou palavras que podem significar algo ou pior, que podem significar algo para uma pessoa e outra para outra pessoa. Basicamente, há duas coisas que você deseja alcançar, tanto no campo quanto no tratamento, que ambos fazem parte do mesmo processo e objetivo. Você quer explicar como você executa o projeto. Você quer ter certeza de que eles entendem o que você planeja e como você planeja alcançá-lo. Esta parte, eu diria que é uma parte mais técnica. Você quer usar palavras e termos práticos e específicos que o cliente e a agência possam ter certeza de que estão em boas mãos. Mas na minha modesta opinião, há outra parte muito mais importante e crucial,
o tom, a voz ou o sentimento. Você quer ter certeza absoluta de que você se comunica como ele se sentirá e se parecerá. Você quer criar um sentimento e uma imagem na mente do cliente. Não é tão importante como, uma
forma técnica de falar, você vai conseguir isso. O importante é que você é capaz de se comunicar e transmitir suas idéias de
uma forma que eles sentem que eles sabem o que eles verão no resultado se você conseguir isso, e então não será tão importante para eles saber especificamente como você executará cada detalhe. Então, agora vamos falar sobre o tratamento.
12. O tratamento 1: O tratamento. Se você assistir a este curso desde o início, você provavelmente vai se lembrar que o tratamento como parte do processo de pitching, você é solicitado pela sua produtora para criar um tratamento
ou tratamento de diretores ou interpretação de diretores, ou como chamamos na abordagem Colômbia. Portanto, você tem acesso a alguns ativos, como um conceito de apresentação ou apenas as informações fornecidas e a agência ou a chamada do cliente. A questão é, quem precisar localizar irá fornecer-lhe qualquer informação que tenha sobre este projecto. Agora você tem que criar um tratamento no qual você implementa essa informação, coloca-a em estrutura e adiciona seu tom criativo e voz a ela. Embora eu vou mostrar-lhe alguns exemplos, Eu tenho que lembrá-lo que cada tratamento é único e não há maneira exata ou abordagem que se aplica a cada projeto o mesmo. No entanto, há algumas coisas que Eu lhes mostrarei que podem conduzi-los e guiá-los para
que tenham uma melhor compreensão da função e propósito de um tratamento direto. Em um tratamento, eu diria que há dois ou três componentes que são cruciais para transmitir em sua visão, as informações escritas que projetam com a escolha de ilustração e referências visuais, se necessário também, o Referências Audi em resumo, textos e imagens e som. Esses três componentes são suas ferramentas e recursos para ganhar um emprego. Claro, também o seu show real desempenha um papel nele. Então, qual é a minha abordagem geral para escrever um tratamento? Eu não tenho um. Depende do projeto, das informações que me são fornecidas e de outros fatores. Mas geralmente, eu ou imediatamente, eu tenho um sentimento para o projeto e mais ou menos uma direção que eu quero seguir. Ou primeiro tenho que mergulhar no projeto e investigar muito antes de ter uma direção geral. A parte da investigação é crucial para qualquer abordagem que será sempre um extenso trabalho de investigação. Mas às vezes é com o que começo. Outras vezes não é o primeiro passo. Em qualquer caso, a investigação não é um único passo, mas sim uma parte contínua do processo que é interrompido para escrever, para projetar ou qualquer outra coisa. Mas em nenhum caso, é um passo que eu começo, depois termino, e não voltar a ele antes de mergulharmos nos detalhes, deixe-me dizer-lhe algumas coisas gerais muito importantes sobre o que é importante para o tratamento. Esteja no ponto. Às vezes menos é mais. As pessoas não querem ler um romance. Eles querem ter uma explicação breve e clara sem ter que filtrar as informações. Seja visual. Há um ditado, uma imagem fala mais de 1000 palavras. Tente investigar o tom e a voz da marca, estilo, a linguagem e a aparência visual. Fique com o orçamento. Isso significa estar ciente de suas limitações. Você pode escrever idéias incríveis e, no final,
não há como executá-lo devido à limitação do orçamento. Assim, sua guarnição e, portanto, seu tratamento será de pouco valor. Não tente mudar o roteiro, mas aumente o potencial em algo especial. Dê-lhes o que eles querem. Nós. Ótimas referências independentemente da ordem dos passos. Vamos começar com a parte da investigação. Digamos que você recebeu um script com imagens de algumas fotos representativas ou até mesmo um vídeo de referência. Na maioria das vezes eu começo a analisar este material até que eu tenho
certeza que eu entendi tudo o que eu preciso para começar com minha abordagem para o projeto. Se houver alguma coisa que eu não tenho certeza de que está claro para mim ou se houver alguma dúvida, eu
contatarei meu produtor que está encarregado
do projeto e pergunto a ele se ele pode responder minhas perguntas e dúvidas. Se ele não puder respondê-las, entrará em contato com a agência ou cliente e tentará resolver todas as minhas dúvidas. Na verdade, a melhor opção é entrar em contato diretamente com os criativos. Claro, essa conexão será feita através do produtor, se possível, receber uma chamada com eles para que você possa perguntar coisas específicas ou simplesmente perguntar se eles podem explicar o que é importante para eles e se eles podem resolver algumas dúvidas, isso pode acontecer mesmo em vários estágios da criação do tratamento. Podem ser várias chamadas. Dado que quanto mais você trabalha no tratamento, mais idéias você tem que filtrar. Às vezes, o melhor filtro é o criativo. Claro, você não deve declarar descaradamente perguntas como, você
prefere que a pintura da parede seja verde ou azul? Isso seria algo que você deveria decidir se eles não lhe disseram algo específico. Talvez no campo eles mencionem que preferem outra cor. Mas você poderia perguntar algo como, Eu vejo que o script lê engraçado, mas eu não tenho certeza de quão engraçado você quer que
seja, já que sua marca normalmente usa tom mais sério, você
quer ter humor de slide ou você quer ser fortemente financiado? Essa seria uma pergunta aceitável. Agora que entendi e tudo está claro, isso não significa que agora minha abordagem seja clara. Só estou começando. Eu sei o que eles estão basicamente procurando. Eu entendo o roteiro, a história, o estilo, se o tom é sério ou engraçado, ou inspirador ou o que seja. E agora tenho que fazer muitas posições. Sugiro que passemos da teoria à prática, e mostrarei alguns outros assuntos que geralmente abordo nos meus tratamentos. Em primeiro lugar, o meu tratamento começa com uma breve introdução na qual concordo que diz algumas palavras sobre o projecto e a transição para os factos concretos. Mas primeiro, lembre-se,
não há nenhuma ordem oficial são instruções sobre o que tem que estar nele ou em que ordem você decide o que você acha que é importante para ser mencionado e você dá uma ordem lógica. Então, para ser mais prático, vou passar passo a passo por um tratamento que fiz recentemente para a marca colombiana. Embora eu tenha levantado todas as informações sobre o cliente da agência e qualquer coisa que seja confidencial. Depois disso, vou mostrar-lhe seletivamente algumas páginas de outros tratamentos onde eu falo e referência outros pontos que eu não mencionei no primeiro. Isso ocorre porque cada projeto pode ter ativos e requisitos exclusivos. Por exemplo, para mesa, onde há alimentos envolvidos,
você precisará, pelo menos, de um tiro de produto ou de consumo de tiro. Na maioria das vezes em ambos, mas em um local que vende serviço que não será nenhum. Então, talvez em um tratamento, vou mencionar o tiro do produto, outro eu não vou, já que não há nenhum ou em um lá está atuando. Então vou explicar minha abordagem em relação à atuação. E outro lugar pode não haver atuação. Talvez nem sejam atores envolvidos. Acho que entendeu a ideia, mas vamos começar.
13. O tratamento 2: Como podem ver, uso
o Keynote para desenhar os meus tratamentos. Na verdade, você pode usar o programa que lhe convier. Mas sugiro que fale com seu produtor ou pergunte qual é o programa mais usado? Porque aconteceu comigo que eu criei meu tratamento no Keynote. E então eu tive que passar para o PowerPoint porque o cliente não tinha um Mac. - Sim. Então, se você pode perguntar por aí, talvez você vai ter alguma limitação se não, basta usar qualquer programa que você mais gosta. No meu caso, é Keynote. Meus projetos dependem de fatores diferentes. Às vezes coloco algumas fotografias como pano de fundo. Às vezes, será mais design de alavancagem, mas neste caso, este é apenas um exemplo. Então você tem que entender que você pode fazê-lo de qualquer maneira possível. E também, depende muito do projeto como cores lá,
lá , pode haver limitações de cor. Como caso que sua marca tem azul como sua cor principal e sua concorrência leu. Então você vai tentar não colocar a cor vermelha tanto neste tratamento porque essa não é a cor deles. Está bem. E então, às vezes, pode ser algo totalmente sério. Então, terá um tom mais escuro. Talvez seja algo engraçado, então você usará mais cores. Essas são coisas que você deve considerar. Ok, então neste caso, minhas paredes de tratamento direto para uma marca colombiana, eu não vou mencionar o nome. Nem colocarei os logotipos nele porque é confidencial. Então você não vai encontrar os logotipos que eu normalmente coloco lá. Neste caso, eu tinha alguns logotipos na parte inferior, o logotipo da produtora e o logotipo dos clientes. Às vezes até coloco o logotipo das agências. Depende sempre de vários fatores. Às vezes coloco mais informações na primeira página. Como se for necessário, então eu farei. Se não, eu deixo. Então esse seria o baralho. Então, na maioria das vezes eu faço uma introdução, nem sempre eu colocar um título que diz introdução também depende do projeto, mas neste caso eu fiz. Então. Depois coloco outro subtítulo e, em seguida, um pequeno texto em que
saúdo as pessoas que o lerão e onde faço como uma declaração geral. Talvez eu já diga uma ou duas coisas sobre o projeto. Ou talvez eu apenas diga muito obrigado por ler minha visão deste projeto. Está bem. Depende de você, do que você quiser colocar lá. Então também, eu quero te dizer que nem sempre é a mesma ordem. Às vezes pode haver uma ordem totalmente diferente. Então também não tome isso como a única maneira de fazer isso. Este é apenas um exemplo. Então aqui temos o tom e o subtítulo de voz. Eu coloquei Geico conhece as pessoas pechinchas. Isso, na minha opinião, representava muito bem o que eu pretendia. Que tipo de humor, que tipo de tom e voz. Então eu os coloquei no tratamento e expliquei um pouco em palavras, em minhas próprias palavras, o que eu estava procurando. E muitas vezes, nem sempre. Terei uma referência para o que digo. Eu sempre tentei ter uma referência para tudo o que eu expliquei ou o que eu quero tentar explicar. Porque referências ajudam muito. Isso pode ser um lugar, que pode ser uma cena de um filme que pode estar em apenas imagem. Então há a referência para isso. Eu não vou mostrar isso. Então eu tinha um slide de que eu estava falando, o humor. E sim, porque há vários Nietzsche de, de humor, vários estilos. E você quer ter certeza de que todos estão na mesma página. E neste caso, foi minha sugestão que tipo de humor eu queria aplicar lá. Eu tinha outra referência para isso. Mais uma vez, não vou mostrá-lo completamente. Então eu estava falando sobre o ritmo, sobre o tipo de adição I. Eu estava imaginando que isso não é algo que eu sempre coloquei lá dentro. Mas neste caso, eu senti que era importante mencionar porque era sobre contrastes. Então eu expliquei um pouco o que eu estava pensando. E novamente, referência que se ponto que eu tinha encontrado. Próximo slide é sobre cinematografia onde colocar todas as informações que eu acho que eles precisam sobre o tipo de imagem que eles podem esperar deste local. Eu explico o trabalho da câmera, eu explico trabalho de cores ,
iluminação, tudo isso para que eles já possam ter uma imagem em sua mente e tomar decisões se quiserem ou não. Neste caso, eu estava falando sobre que eu queria imagem limpa, bem iluminada, cores naturais e coisas assim. Eu não queria ter muito movimento e assim por diante. Novamente, faça referência a isso. E então eu estava falando sobre como a produção deve ser executada. Eu falei sobre a equipe. Eu falei sobre como eu queria tentar ter uma pequena equipe porque nós precisávamos nos mover muito para este projeto. Então eu realmente queria ter uma equipe compacta e também equipamento. E eu falei sobre como eu sugeriria dois dias de filmagem e coisas assim. Então eu fiz um slide sobre locais porque havia vários locais. A maioria deles eram exteriores. E, claro, você ainda não sabe onde você vai atirar alguns quando este trabalho. Mas você terá que propor algo. E isso não tem que ser um lugar já existente. Mas você procura algo que eles podem ser até mesmo uma imagem do Google apenas para
referenciar um lugar que você acha que funcionaria perfeitamente bem para este projeto. E então, se você ganhar o emprego, você tenta encontrar um lugar semelhante ao que você propôs, ou você recria este local, que não é tão fácil para o exterior quanto para interiores, onde você pode até mesmo usar tão verde e fazer alguns efeitos visuais. E então eu mencionei alguns lugares. Eu também falei sobre transições. Transições é algo que eu sempre falo porque às vezes você só quer cortes duros e coisas assim. Como se não quisesse usar nada chique. E você tem que dizer que se você precisa de transições, incluir VFX ou qualquer coisa assim, é muito importante que você comunique isso tanto ao cliente seu produtor porque eles têm que saber o que eles têm que colocar no orçamento. Então, neste caso, eu falei sobre transições tanto visualmente quanto em um nível sonoro. E então havia algo muito único no projeto sobre um gato. Eu não vou entrar nisso, pois é um projeto confidencial. Eu não vou falar sobre um gato e todos os tratamentos, mas neste caso, foi importante mencionar isso. vez, uma referência que então eu tinha um slide sobre design de
som que incluía falar sobre diálogo de som direto, música, e voice-over. Depois houve um slide sobre atuação, que era muito importante para falar, porque todo o projeto era muito simples. E a coisa mais importante na tela foi a atuação. Então eu expliquei alguns pontos que eram importantes para mim que eu queria incluir na atuação. Disse-lhes que queria que fosse natural. Eu queria criar alguns contrastes e assim por diante. Claro, também, portanto, eu encontrei algumas referências porque você quer
apoiar o que você diz com uma imagem ou um vídeo. E então eu falei sobre o elenco em si. Expliquei que procurava pessoas
normais que fossem tão normais e chatas que te fariam rir. Escrevi um pouco entrando em detalhes. E também único para este projeto, os skids e piadas, porque era vários era vários pontos e cada um deles tinha um skit próprio. E foi-me fornecido o guião com todos aqueles esquetes, mas tentei colocar mais algumas coisas que os tornariam ainda mais engraçados. E eu falei sobre cada um dos pontos e coloquei algumas idéias que poderíamos discutir com o cliente. É sempre bom ter algumas opções para propor, mas também estar preparado para que nem todas as suas ideias sejam apreciadas. E como neste caso, o produto era um aplicativo. Precisava de alguma exposição. Não é como um produto onde você faz um tiro de produto. Você tem que mostrar algo na tela. Você tem que mostrar algo que se mexa. Então eu vim com algumas idéias. Mais uma vez, procure algumas referências que o apoiassem, e fiz a minha sugestão. E outra parte de todo o projeto foram alguns vídeos de demonstração, que eu queria mantê-lo muito simples. Então, novamente, escrevi um texto explicando o que eu imaginava, o que eu achava que era melhor. Eu encontrei uma boa referência para isso, que eu mostrei a eles. Além disso, falei sobre os créditos, sobre títulos. Se eu quisesse uma animação ou não. Isto pode ser outro slide. Se há animação, se há créditos muito importantes, que têm algo especial, você deve falar sobre isso. Mesmo que seja uma animação muito simples, você tem que comunicá-la porque talvez o cliente queira outra coisa. E então eu termino com um agradecimento. E os logotipos que eu não incluí neste tratamento. Vamos ver se temos outros exemplos. Eu não vou mostrar todo o tratamento apenas frações para que você possa ter algumas idéias do que você poderia colocar na abordagem. Aqui está outro tratamento que eu fiz para também uma empresa colombiana. Como você pode ver, o tom era muito mais escuro. Era comédia também, mas com um tom escuro. E neste caso, eu me senti importante para falar sobre a paleta de cores que eu
usaria nos quartos e nos locais. O design de interiores era muito importante para a história, para o local. Então eu me certifiquei de cobrir o máximo de coisas que eu pudesse. Neste caso. Eu também anexei uma seleção do meu show real porque era uma nova agência e eles não me conheciam. Às vezes eu até coloco como um pequeno texto sobre mim, quem eu sou, o que eu faço, e uma foto minha, mas depende do tratamento. Às vezes faço isso, às vezes não. E neste projeto, eu edito um slide que dizia, para quem é? E depois expliquei quem era o nosso principal alvo. E eu expliquei o porquê. E essa foi a minha transição para falar sobre o tom e a voz para que
houvesse uma explicação para as escolhas que fiz. Neste caso, havia uma foto de produto. Então, é claro que eu tinha que falar sobre isso. E refiro-me a isso, neste caso, com uma das minhas próprias obras. E também entrou em detalhes porque não era apenas uma aparência do produto, mas também havia uma parte consumidora. E lá eu queria explicar algo de uma experiência. Às vezes até começo a falar sobre o Guarda-roupa. Se é algo muito especial, se é algo muito importante para a imagem, então mencionarei isso também no tratamento. Bem, agora você vê que há abordagens muito diferentes. Há tópicos que você cobre em um, mas não em outro tratamento. E você entende que se você começar com um design, você deve tentar mantê-lo. Tentou encontrar um design que represente a marca e a linguagem e o tom que você está tentando transmitir. Agora, se você quer saber por que você pode obter essas referências, aqui estão algumas dicas. Existem muitas, muitas ferramentas na Internet, mas só vou mostrar-lhe algumas. E com esse conhecimento, acho que você deve ser capaz de investigar outras ferramentas. Então, por um lado, há olhos, dot tv. Eles têm um monte de anúncios e comerciais e você pode navegar por eles. E eu acho que eles têm uma associação paga que permite o uso de muitas, muitas outras ferramentas. Mas na versão gratuita, como se você não fizer login, você ainda pode navegar em diferentes comerciais. Outra boa ferramenta é os melhores anúncios em tv.com. O mesmo princípio. Então você pode navegar por eles, mas você terá que pagar por cada vídeo que você baixar, ou você tem uma assinatura Pro e, em seguida, você pode baixar quantos você quiser. Esta é uma ferramenta que eu só encontrei recentemente e eu adoro aqui você não vai encontrar referências para comerciais, mas sim para filmes. Costumava ser gratuito, mas a melhor versão agora está terminando. Então vai custar alguma coisa, mas acho que vale a pena. Então você tem aqui um monte de opções para navegar. Você pode procurar cores. Isso é vermelho. Então você pode dizer em interior, exterior, exterior e assim por diante. E então você pode procurar por essas referências e baixá-las. Eu acho que é ótimo. E depois, claro, há o Vimeo. Eu sempre vou para as categorias e escolher uma categoria que eu acho que vai me ajudar a encontrar uma boa referência neste caso, digamos que é moda. E então você pode ir e procurar todos os vídeos e assisti-los. Há uma dica que eu gostaria de lhe dar. Digamos que vamos em um vídeo e você pode amar
tanto essa referência e desejar outras referências que parecem talvez semelhantes. Às vezes você tem sorte olhando para as coleções porque às vezes as pessoas fazem suas próprias coleções com tópicos e vídeos muito semelhantes. Então, há uma dica minha. Ok, eu acho que com essas ferramentas você deve estar pronto para começar um tratamento e encontrar ótimas referências. Bônus, mídias sociais e digitais. Vivemos em um tempo e agente que as mídias sociais são muito importantes para as marcas. Esta é a sua hora de brilhar. A maioria dos diretores só se concentra no
próprio local e pode colocar para baixo dois forros sobre a parte digital, mas não subestime o poder de um bom tratamento que inclui nuggets de
ouro para mídias sociais tratados como um muito importante parte do tratamento. Pense no que você pode tirar do material em
dias de filmagem que pode lhe dar esse crédito extra para ganhar o trabalho. Então, o que eu sugiro que você deve fazer como tempo dedicado o suficiente e chegar a propostas
interessantes sobre como explorar a parte digital do projeto.
14. O pitch: O tom do passo vem depois que você terminar o tratamento. Normalmente, você foi fornecido a informação ou entediado, você começa um prazo específico para terminar e enviá-lo e um conjunto de dados para reunião em que o tratamento é apresentado pelo diretor. Às vezes, o cliente ou agência vai querer olhar para ele antes do pitch e outros casos, seu pitch é a primeira vez que eles vêem o tratamento. Em qualquer caso, prepare-se, passe por isso, tente ser específico e não se repita. É importante que você escolha suas palavras com sabedoria. Pode haver dois arremessos. A primeira é apenas com representantes da agência. Esta é uma reunião muito importante porque aqui os criativos podem dar-lhe uma grande visão sobre o que é importante para eles e para o cliente. O que você pode mudar ou o que você deve enfatizar mais, você tem que entender que os criativos são seus aliados. Eles querem vender o projeto para o cliente e eles podem ter um favorito que eles no final irão sugerir. Mas no final é o cliente que tem a última palavra. Esta etapa é novamente, um momento em que você pode obter uma grande visão que irá ajudá-lo a melhorar seu pitch. Quando tiver que apresentá-lo ao cliente, siga o conselho e aplique-o. Com isso em mente, vamos falar sobre como vai o arremesso. Isso pode ocorrer presencialmente ou remotamente através de videochamada em conferência. Ultimamente, esta tem sido a maneira de lançar a escolha desde que a pandemia começou e as pessoas estão trabalhando de forma mais remota ou apenas querem praticar o distanciamento social. Os princípios são os mesmos. Vocês cumprimentam uns aos outros, todos são apresentados uns aos outros. E depois de uma breve apresentação por um produtor, você como diretor, eu dei a palavra, você dirige sua apresentação e começa a falar. Esperemos que não apenas lendo os textos escritos, mas parafraseando e tentando apresentar livremente e não as frases aprendidas de cor. Você não quer parecer muito mecânico. Claro, por um lado, você tem que sempre ler expressões, mas às vezes criativos e clientes podem colocar um rosto de poker, parecer sério. E isso pode incomodá-lo um pouco, mas não deixe que isso o afete. Esteja ciente de que a maior parte do tempo a sua afinação não deve ser superior a 30 minutos. Tentou ser emocional, mas também preciso. Você não quer aborrecer ninguém se lembre de que eles têm trabalhado há meses nesse projeto. E, além disso, eles não só ouvirão um, mas vários lançamentos sobre o mesmo script. Então tente chamar sua atenção tanto na forma como você apresenta e com o que você apresenta no caso de haver um segundo passo agora com o cliente apenas fazer o mesmo que antes, aplicando apenas as mudanças e sugestões que você ouviu no primeiro passo.
15. Pré-produção: Pré-produção. Ok, você é a sortuda desta vez. A agência e o cliente adoraram a sua apresentação. Eles estão convencidos de que você fez a melhor abordagem e seu produtor que magia com os números, você quer o trabalho. Agora, mesmo que você já tenha feito um tratamento onde você fala sobre algumas das coisas que vão acontecer neste local. Você poderia ter feito isso mais ou menos detalhado. Mas agora há um monte de coisas que também precisam ser levadas em consideração. Aqui estão alguns pontos importantes na lista de tarefas. A maioria deles você não terá que fazer você mesmo, mas você terá que dar instruções ao outro chefe de departamentos. Eles farão propostas para você depois de ouvir sua visão geral. Então você e os chefes de departamento verificam as opções, e o diretor toma as decisões finais. Vamos dar uma olhada em algumas dessas decisões que estão a ser tomadas. Um elenco se houver necessidade de atores. Mas você vai precisar de atores ou confusão? Você já sabe que tipo de elenco você quer? Homem, mulher, crianças, alto, pequeno, jovem, velho. Defina isso e comece a lançar pessoas. Agora, você quer um penteado específico? Você terá que falar sobre isso. Explorador de localização. Se você ainda não tiver definido que tipo de locais exatamente você precisa, em seguida, busque-os. A localização é extremamente importante. Encontre a melhor localização que o seu orçamento obtém. Você. Lembre-se que a localização faz parte da integração visual. Deve nos ajudar a contar a história. Set design, que móveis, que solicita, há um tapete? Precisamos de uma mesa? Que tipo de mesa? Olha, qualquer item que você decidir que precisa. Você também precisa decidir qual é exatamente, porque há um milhão de mesas diferentes e cada uma é diferente da outra. Você terá que tomar essa decisão de antemão, porque antes de começar a obter esses itens, o cliente terá que provar. E se houver algo no set que o cliente não goste, você não disparará até que seja corrigido. Lista restrita. Agora que você sabe qual local você usará, você deve decidir quais tiros, qual ângulo e quais movimentos você fará. Você pode improvisar um pouco de início quando
há uma grande idéia que apenas surge em sua mente. Mas em um mundo perfeito, você teria inventado essa idéia antes porque você não quer trabalhar sem um plano. Você quer que tudo seja 100% planejado. Há exceções como e alguns vídeos de música, você pode ter mais liberdade. Mas nos comerciais é melhor saberes o que vais fazer. Guarda-roupa. Os atores podem se ajustar, aparecer com qualquer guarda-roupa. Cada detalhe tem de ser planeado. Bem, ele era um gene ou calções. Espere, ele está no escritório, então provavelmente deveria usar um terno. Que tipo de terno? Vamos falar com o chefe de departamento e ver o que eles podem sugerir. Agora vamos mostrar ao cliente. Ele quer mais opções. Este é o único. Cheque. Qual música será usada? Música de estoque. Se sim, que tipo de música? Eles preferem uma pontuação original? Por que eles querem ir? Vamos pedir-lhes alguns detalhes ou até mesmo uma referência. Agora o compositor vai trabalhar na música. Dependendo do projeto. Essa seleção e criação podem acontecer antes ou depois da filmagem. Horário de tiro. Dependendo do tempo que você tem para obter todas as fotos, que podem ser horas ou dias e semanas. Você terá que preparar um cronograma calculando quanto tempo você precisará
preparar o conjunto dos conjuntos com o design e iluminação do conjunto. Quanto tempo você precisa para obter cada tiro, quanto tempo você precisa para mudanças de equipamentos quando você usa diferentes terras como, por exemplo, você não vai criar o cronograma, mas você terá que fornecer ao produtor um monte de informações, mas não só você, também os outros departamentos. Estas e muitas, muitas mais
decisões criativas e técnicas devem ser tomadas por você e aprovadas pelo cliente. Então você tem que comunicar essas decisões e delegar as tarefas. Nenhum chefe de departamento vai ler sua mente, dizer exatamente o que você quer. Eles vão pegá-lo para você. Certifique-se de que cada detalhe que você precisa para o dia de filmagem é pensado e preparado. E finalmente, o dia da produção chega. Dia de produção ou filmagem. Trabalhamos tanto e tanto tempo para isso, preparamos tudo. Tudo o que você precisa está lá. Agora, o dia da filmagem chegou. Cada departamento é citado em uma hora específica. O conjunto está preparado, iluminação está configurada. Você vai através das cenas com os atores e, em seguida, de acordo com o cronograma, você começa a filmar e você só vai ter o tempo que está programado para qualquer tiro. Já mencionámos isso antes, mas voltarei a repetir. Não é tanto sobre como você direciona o início, mas que você comunica tudo o que você tem para se comunicar. Se você quiser mostrar ao ator como agir e você mesmo começar a agir na frente deles ou mostrar um rosto. Isso é bom. Talvez alguns atores não gostem disso, mas se essa é a melhor maneira de comunicar a ideia, é
isso que importa. Outros diretores podem apenas explicar usando palavras, que expressão eles querem do ator, qualquer que seja a maneira ou duas que você usa para dirigir. Lembre-se que também não se trata de encontrar as respostas no set. Você já deve saber as respostas. Se você tem uma reprodução perfeita e pensou em tudo. Em teoria, você nem precisa ser criativo. Você já fez isso na fase de preparação, pelo
menos deveria. E agora você só executa. Claro, algo inesperado sempre pode acontecer e mudar as circunstâncias. Pestis, se você passar por todos os cenários e possíveis problemas, mas algumas coisas simplesmente acontecem. Agora você não pode simplesmente executar porque existem obstáculos ou impossibilidades. Então você tem duas opções, corrigir as circunstâncias e fazê-lo como planejado ou ter um plano B e C. Pense em diferentes opções. Em qualquer caso, encontre soluções rápidas e práticas. Execução. E solução problemática. É o seu trabalho naquele dia de filmagem, pós-produção. Dependendo do projeto e de onde você está localizado, você pode ou não estar envolvido na pós-produção. Este não é tanto o campo de diretores, pelo menos geralmente, o direto não está ativamente envolvido na pós-produção, mas ele pode se sentar com o editor,
compositor, artistas VFX e assim por diante e orientá-los. Em qualquer caso, você informa a equipe de pós-produção sobre como deseja editar. Você sugere fotos que você mais gosta. Você dá referências a eles e explica a classificação de cores que você deseja, e assim por diante. Mais uma vez, cada local e cada projeto é diferente e único. Assim como as equipes, assim como as formas de execução.
16. Autopromoção: Auto-promoção. Você fez do campo para o dia de
filmagem da pré-produção até o lançamento final do local. Obter o lugar em sua mão, colocá-lo em seu real, se é bom e promover-se, colocar o seu trabalho para fora na melhor das hipóteses. Você sempre tem um novo trabalho para mostrar. Coloque seu trabalho no Facebook, Instagram ou qualquer plataforma de mídia social que exista. A auto-promoção é muito importante. Mesmo que você esteja em uma lista onde eles tentaram vendê-lo,
você ainda deve fazer a sua parte, espalhar a palavra e entrar em contato com os criativos
das agências quando eles sabem quem você é e têm um bom pressentimento sobre você em seu trabalho. Pode ter influência na decisão no dia em que receberem o tratamento na mesa. Portanto, não se esqueça da auto-promoção. Ok, você passou por todo o curso. Espero que tenha sido muito útil para você. Se você tiver alguma dúvida ou sugestão, você pode deixar um comentário. E eu realmente espero que você tenha sucesso se quiser se tornar um diretor. Obrigado por assistir a este curso. Meu nome é muito Tomas, e sou diretor e editor.
17. Projeto do curso: Projeto de classe. Agora que você sabe como criar um tratamento, o que deve estar lá e como encontrar ótimas referências. Por que não tentamos criar um tratamento só para fins de aprendizagem? Imagine uma marca, a marca de sua escolha. Com a história de sua escolha, você nem precisa escrever. Imagine algo e crie um tratamento que
me diga um pouco mais sobre o projeto e como você vai executá-lo. Quero saber a sua visão, a sua abordagem visual. Conta-me tudo o que te vier à cabeça. Estou curioso. Meu nome é Thomas, um tanque. Obrigado por assistir a este curso. Espero que tenha sido útil.
Thomas Eberhard, Distracted by Creativity
