Pinte comigo: ilustração botânica inspirada no estilo vintage usando uma mistura de materiais

1. Introdução: Olá, meu nome é [inaudível]. Eu sou um artista e ilustrador focando na ilustração realista de mídia mista. Meu trabalho tem sido usado em roupas, em videogames, revistas estendidas como Real Simple e Milk Street, e, claro, em embalagens, tanto nos EUA como no exterior. Também tenho um canal no YouTube onde falo sobre uma parte da minha experiência diária artista e insights sobre coisas baseadas em habilidades e know-how da indústria. Claro, eu tenho ensinado aqui no Skillshare apenas nos últimos dois meses, onde eu sou capaz de aprofundar alguns desses mesmos tópicos e dar uma visão geral realmente rigorosa em meu processo e compartilhar um pouco do que eu conheço como artista que trabalha. Depois que publiquei minha última aula, fiz uma chamada nas mídias sociais perguntando qual tópico você queria que eu abordasse na minha próxima aula, e de longe, o tópico mais comumente solicitado era flores. Flores estão em uma das minhas coisas favoritas para pintar, então eu estou super animado para estar oferecendo esta aula. Neste curso você virá comigo enquanto crio uma ilustração botânica detalhada e inspirada no vintage. Eu vou começar a peça olhando para imagens de inspiração e referência, e você vai me ver desenvolver a peça camada por camada explicando o processo enquanto eu avança. Você vai ver como eu uso aquarela para obter essas camadas iniciais, lápis colorido para desenvolver detalhes, e guache para ajustar a peça e corrigir quaisquer erros que eu cometa. No final de cada lição, darei recapitulações verbais e na tela para garantir que você tenha um bom senso para os aspectos importantes. Vamos gastar a maior parte do curso no meu processo de pintura. Esta classe é provavelmente mais adequada para aqueles que já têm alguma experiência desenhando e se sentem confortáveis desenhando por conta própria a partir de uma imagem de referência, e que entendem conceitos básicos como composição, valor e saturação. Depois de concluir este curso, você terá uma perspectiva detalhada em profundidade sobre as técnicas que eu uso para criar esta peça, e no projeto da classe, você tem a oportunidade de traduzir essas técnicas para a sua própria para criar suas próprias ilustrações botânicas inspiradas no vintage. Vamos começar. 2. Inspiração e esboço: Para começar, estou na minha conta do Pinterest num quadro do Pinterest que criei e que tem alguma inspiração para o Vintage Botanical Illustration. Acabei de reunir estes aqui, principalmente escolhendo aqueles que eu gostei. Eu realmente não tinha nada em particular em mente. Eu só estava prendendo coisas aqui que pegaram minha fantasia e que eu apreciava. Então eu quero olhar através agora e ver o que eu posso extrair esses elementos comuns em algumas dessas imagens que são atraentes para mim, e isso vai me ajudar a criar uma peça que realmente evoca esse estilo. A primeira coisa que eu notei como um elemento comum, e isso não é grande surpresa porque é algo que eu gosto em todo o meu trabalho, é o alto nível de detalhe. Então isso será definitivamente algo que eu quero incluir. Eu também aprecio como eles são um pouco estilizados. Algumas dessas imagens, especialmente aquelas como esta, são realistas, mas são mais como a interpretação do realismo do artista. Eu também gosto de como eles incluíram folhas, mas é bastante mínimo. Se você está olhando, por exemplo, uma foto real de uma Dahlia, as folhas estariam apenas tomando conta. Haveria toneladas de folhas, mas o artista decidiu incluir algumas seleções, algumas imagens de como as folhas se parecem, mas não deixou as folhas assumirem. Eu também gosto muito de como há botões, estamos olhando todas as flores aqui. Então há botões e ângulos diferentes, basicamente mostrando a flor em diferentes estágios de crescimento, e isso é algo que eu vejo como um tema repetido através de muitas dessas imagens e isso é apenas um tema geral em um monte de ilustração científica em geral. Alguns deles até vão muito mais longe como este trevo aqui não tem apenas os diferentes estágios na planta, as flores e as folhas, mas também tem as sementes e as diferentes partes anatômicas da flor, e isso é algo Também acho muito interessante. Eu não tenho certeza se eu vou fazer isso nesta peça, mas eu gosto desse elemento dos diferentes estágios de crescimento, tendo tudo isso incluído em uma única peça. Então talvez só porque é a queda quando eu estou fazendo essa aula, mas eu também estou percebendo que eu sou realmente atraído para aqueles que têm uma paleta de cores mais quentes então eu acho que eu posso tentar fazer algo nesse intervalo também. Então é isso que está me atraindo em termos de inspiração. Dito isto, estou pronto para passar para a próxima fase, que é criar o meu esboço baseado na inspiração que encontrei no meu quadro do Pinterest. Então, tendo em mente que a estética geral da ilustração botânica vintage, eu estou começando com um esboço à mão livre realmente áspero. Estou usando lápis da Apple, iPad, e o programa procreate, mas você pode fazer tudo isso com um pedaço de papel normal e um lápis. Eu estou apenas adicionando nos diferentes elementos que eu sei que eu quero que a composição para incluir as hastes, as folhas, as flores nos diferentes estágios de crescimento, e movê-los ao redor, e ajustar os ângulos apenas para fazer Claro que posso obter esse tipo de olhar botânico vintage que eu estou indo para. Então aqui está o esboço composicional realmente áspero. Isso vai servir como uma diretriz para mim quando eu estiver selecionando minhas fotos de referência e decidindo quais imagens eu quero usar para basear a ilustração fora. Então agora, eu estou abrindo minha biblioteca de fotos e eu vou apenas folhear algumas das fotos que eu tirei nas últimas semanas que eu acho que vai funcionar bem como imagens de referência para esta peça. No geral, estes são todos tomados na mesma iluminação, eles são retirados da mesma planta ou conjunto de plantas. Então eu sei que eles vão trabalhar bem juntos. Em seguida, de volta ao procreate aqui e meu esboço composicional áspero, e eu estou apenas deixando fotos diferentes e apagando o fundo para isolar apenas o elemento da foto que eu quero. Estou trabalhando para encontrar a flor virada para a frente , a flor voltada para trás, todos os diferentes elementos que eu sei que eu quero e eu sei que vou usar, e eu estou girando-os ao redor, ou espelhando-os sempre que eu preciso ter certeza que eles funcionam na minha composição. Então eu estou apenas trabalhando meu caminho através da peça, encontrando todos os diferentes elementos que vão formar a imagem de referência. Se você está apenas fazendo isso com lápis e papel, eu faço isso o tempo todo também, e está tudo bem. Na verdade, na maioria das vezes, eu não crio essa referência onde tudo está em uma, eu só terei todas as minhas imagens de referência em um lugar onde eu possa acessá-las facilmente, como na minha área de trabalho ou na minha biblioteca de fotos, e Vou saltar para frente e para trás entre as diferentes imagens. Mas eu queria mostrar a vocês uma versão deste processo, caso fosse útil para vocês. Dito isto, se você está fazendo isso da maneira antiga e você está apenas fazendo um pedaço de papel para seu esboço composicional, isso é totalmente bom e você ainda pode fazer isso funcionar muito bem dessa maneira. Então aqui está o meu retrato falado. Ele foi criado em procreate e eu me referi ao esboço composicional áspero para a colocação geral dos diferentes componentes e a forma e a varredura das hastes, e então eu me referi às imagens como minhas referências para as flores e as folhas nos elementos mais detalhados da composição. Então, uma vez que eu terminei, desde que eu criei o meu digitalmente, eu imprimi em duas folhas de oito e meio por 11 papel e em seguida, digitei-os juntos porque meu papel aquarela é na verdade 11 por 15, e então eu sou usando o meu bloco de luz Dbmeir para transferir o esboço para o meu papel aquarela. Então, aproveitamentos desta lição, meu principal objetivo era criar um esboço para a ilustração, evocando aquela estética da ilustração científica botânica vintage. Então eu comecei olhando para a inspiração e tomando nota do que eu gostava na inspiração e os elementos específicos que eu queria evocar em minha própria peça, e então usando isso, eu criei um esboço composicional apenas fora da minha cabeça, não olhando para qualquer imagem de referência em particular. Então, para levar este esboço ao próximo nível, usei imagens de referência reais de flores reais para me dar essa sensação de realismo junto com a estilização. 3. Aquarela — primeiras camadas: Para começar aqui, estou arrumando minha mesa, estou pronto para ir. Eu tenho um pouco de água no meu lado direito e minhas paletas e eu tenho a aquarela bem aqui. Isto é o que vou usar para as primeiras camadas da pintura, é uma marca chamada Dr. Ph. Martin. É a linha hidrosa deles. Vou usar um vermelho quente semelhante a um vermelho cádmio, um vermelho frio semelhante a alizarina, uma quinacridona, magenta, um amarelo quente semelhante a um amarelo cádmio e um amarelo fresco e, finalmente, verde viridiano. Então também usarei minha paleta de poço líquido e, em seguida, para pincéis, usarei dois pincéis, usarei este pincel redondo tamanho quatro por Princeton, é a linha Neptune, é um pincel de aquarela sintética, e um pincel redondo tamanho zero por Isabey, este pincel tem uma dica muito, muito fina, por isso é ótimo para pequenos detalhes. Eu vou começar misturando um roxo neutro, eu quero algo que vai ser lido como uma sombra realmente sutil e é apenas me ajudar a marcar a forma inicial e forma da peça. Estou indo pouco a pouco, adicionando algumas gotas de aguarela nos poços da paleta. Algumas das cores que já estão secas na paleta, eu sou capaz de reativar e reutilizar. Uma das razões pelas quais eu amo tanto essas aquarelas é que uma vez que elas estão secas no papel, elas não reativam, mas quando estão na paleta, elas reativam com água, então é o melhor dos dois mundos. Eu só estou adicionando mais gotas onde eu preciso e eu estou tentando mantê-los nos mesmos poços que eu já usei essas cores antes para evitar que as coisas fiquem enlameadas. Eu só estou adicionando um pouquinho daquele amarelo quente que você acabou de ver lá na minha cor roxa para ajudar a suavizar e ter certeza que não é muito intenso. Eu vou chegar um pouco mais perto aqui para acelerar que você possa ver o que eu estou fazendo mais perto e todo esse tempo eu vou estar usando a mesma cor roxa fazendo a mesma coisa, tentando marcar as sombras iniciais e a forma geral e valor da peça, então nada realmente vai mudar, eu estou apenas usando a foto de referência como meu guia, tentando acompanhar e construir as sombras onde eu os vejo. Se você é novo em aquarelas e você está se perguntando sobre isso, o roxo é realmente leve porque eu tenho regado muito, é provavelmente principalmente água e muito pouca tinta. Não há nenhum branco que tenha sido adicionado a ele. O roxo é uma mistura da cor alizarina e um pouquinho do verde viridiano, e então um pouco do amarelo mais quente para tonificar. Eu estou indo para a segunda flor e novamente eu estou usando o mesmo roxo silenciado, esta flor eu vou ser um pouco mais pesado com ele porque a flor, como você pode ver na referência, tem mais cor para ele. É uma cor de base roxa mais escura e, em seguida, ele tem apenas um pouco de sotaque claro, então eu vou cobrir a maior parte deste com esta cor roxa silenciada. Então a última coisinha que eu preciso usar esta cor é o lado de fora do botão, o pincel pequeno que ainda não abriu, tem apenas uma pitada de que cor púrpura, então eu vou apenas marcar isso fora com o meu pincel e alguns dos cor da água aqui. Em geral, é assim que abordo isso, especialmente em uma fase anterior de uma pintura. Seja qual for a cor que estou usando, tento usá-la em toda a peça. Isso só ajuda a evitar tê-lo seco ou ter que lavar meu pincel para fora e remixar as coisas e só parecia a maneira mais simples de fazê-lo para mim, mas se você preferir trabalhar em uma área completa e, em seguida, passar para outra área, que funciona bem para. As pessoas fazem ambas as abordagens, eu apenas tendem a preferir a abordagem geral primeiro. Neste ponto, estou trocando pincéis e trocando cores. Eu misturei o que é basicamente apenas uma versão realmente, realmente diluída da maioria do amarelo fresco com um pouquinho de amarelo quente misturado nele e então novamente, quase toda a água, há muito pouco pigmento. Estou mudando para o meu pincel redondo tamanho 4. Este pincel, é obviamente maior, então ele contém muito mais água e também não tem uma ponta tão fina, então eu estou mais feliz em esfregá-lo ao redor e usá-lo para misturar as coisas, porque eu não estou preocupado em mastigar a bela ponta fina no final. Sim, eu só estou adicionando o amarelo ao centro da flor porque eu vejo um pouco dele lá na referência e depois em algumas das pétalas exteriores. Agora, eu estou pulando sobre a outra flor e eu vou lavá-la sobre toda a flor. Ele vai realmente tonificar muito o roxo, porque amarelo é o elogio do roxo. Mas tudo bem porque esta flor vai ficar muito mais escura mais tarde e um monte de áreas claras desta flor, para mim, pelo menos na referência parece que eles têm uma boa quantidade de amarelo neles, então eu só quero fazer a lavagem toda a flor. Agora estou trocando de cores de novo. Eu misturei um muito, muito leve, cor-de-rosa fresco. Use a alizarina carmesim. Eu acho que eu também usei um pouquinho pequenino de alguns do vermelho de cádmio seco que eu tinha na minha paleta apenas para aquecê-lo um pouco, mas ainda é geral um rosa bastante legal, realmente água para baixo e eu estou apenas indo sobre todas as pétalas do centro de uma flor. Agora, neste ponto eu vou mudar para um rosa muito mais quente e um pouco mais escuro, um pouco menos água para baixo. Este é praticamente apenas um vermelho de cádmio e eu quero adicionar um pouco de calor para que os pedais exteriores. Na imagem de referência para mim, parece que há muito mais calor naqueles, então o vermelho cádmio vai ser um ajuste perfeito para isso, já que é um vermelho muito quente e eu voltei para meu tamanho zero escova, a escova mais fina. Uma vez que este é um pouco mais de detalhes, então eu quero ter certeza de ficar apenas a esta área e eu estou começando a adicionar os primeiros pequenos detalhes reais coloridos. Há muito mais para ir, mas geralmente é bom usar um pincel mais detalhado para eles para que eu não acabe com pigmento em lugares onde eu não quero. Recapitulação rápida de uma aquarela parte um. O objetivo era criar um mapa de cores e temperatura ásperas, como um esboço a cores dos principais assuntos, que nesta ilustração são as duas maiores flores. Eu falei sobre meus materiais em minha configuração e eu passei por um pouco de mistura de cores muito básica e ao longo da lição eu adicionei camadas de luz iniciais de cor e lavagens para ambas as flores, mantendo-o realmente luz em trabalhar gradualmente. No geral, tentei manter a paleta de cores mínima e usar as mesmas cores uma e outra vez, onde quer que elas ocorressem ao longo da peça. 4. Aquarela — detalhes: Alternar cores novamente, mas ainda com o mesmo pincel mais detalhado. Na verdade, vou saltar para frente e para trás entre o pincel de detalhes e o pincel número quatro para fazer uma mistura. Mas eu estou usando o mesmo roxo silenciado que começamos com no início, mas menos diluído versão dele. Estou começando a adicionar mais sombras dimensionais, então algumas sombras abaixo das pétalas. Isso só vai ajudar a ilustrar a forma e a forma da flor e fazer com que ela comece a parecer mais tridimensional. Vou aparecer aqui com uma cor dourada silenciosa. Este é principalmente o amarelo mais quente, o tipo cádmio amarelo, mas tem sido atenuado um pouco com um pouco do roxo silenciado. Eu queria que ele lesse como uma cor de haste dourada mais suave. Estou usando isso no centro, algumas das pétalas interiores novamente para tentar ilustrar a forma e dar essa sensação de dimensionalidade. Vou aparecer para frente e para trás entre aquele amarelo mais silencioso e o roxo mais silencioso. Eu vou acelerar um pouco aqui como eu apenas trabalhar meu caminho ao longo da flor, tentando ilustrar a forma e os valores. Você pode ver que eu geralmente guardo qualquer pincel que eu não estou usando na minha mão não-dominante, o que me ajuda a alternar para frente e para trás entre os dois realmente facilmente. Eu tendem a colocar pigmento no pincel principal que eu estou usando, que neste caso é o tamanho zero escova e, em seguida, se eu precisar, eu vou usar o tamanho quatro pincel para ajudar a suavizar as bordas e misturá-lo para fora. Você pode ver que isso é apenas um desenvolvimento muito gradual. Vou camada por camada, pouco a pouco para tentar trabalhar até o valor certo e cor certa. Além de prestar atenção aos valores, escuras e às luzes, estou tentando prestar muita atenção à temperatura. Eu quero ter o lado direito da flor, o lado da sombra ler muito mais frio, e o lado esquerdo da flor, que é o lado mais leve, leia muito mais quente. Além de ter um escuro e uma luz, ter o valor claramente diferenciado, ter a temperatura diferenciada com o frio e a sombra e o calor e a luz vai ajudá-lo a ter aquele realmente luminoso, sensação brilhante que uma flor ao sol faz. Agora, vou entrar com uma cor um pouco mais escura. Eu adicionei um pouco do tipo cádmio vermelho para a cor roxa para aprofundá-lo e aquecê-lo. Eu quero que ele seja lido como uma sombra, mas eu não quero ficar muito escuro, então eu estou tentando aumentar a saturação um pouco e ajudar a ter isso iluminado de dentro olhar. Continuo a acrescentar que ao longo da flor, o lado esquerdo da flor, o lado mais leve. Eu estou usando essa mesma cor, a cor avermelhada que eu usei na área escura, mas eu a regei significativamente, então não é tão intensa e lê como uma cor muito mais clara. Agora, estou ficando um pouco mais ousado com as sombras. Este é o mesmo roxo silenciado desde o início, mas com ainda menos água nele agora. Estou usando isso para tentar ilustrar as áreas escuras mais escuras da flor e tentar ajudá-lo a ler como mais tridimensional. Eu definitivamente tenho mais para ir na flor principal aqui, mas eu estou realmente indo para mudar neste ponto para o para trás virado para a segunda flor e tentar obter um pouco do valor escuro para baixo sobre isso. Isso vai realmente me ajudar a ver o quão escuro e como luz eu quero manter a flor principal já que os valores são todos relativos com base no que está ao seu redor. Eu quero obter esta flor para uma conclusão mais próxima pontuada antes de eu continuar em movimento no segundo apenas para me ajudar a evitar ficar muito escuro ou muito claro em qualquer área. Este roxo aqui é um pouco diferente do roxo inicial. Eu fiz isso mais ou menos da mesma maneira. É a alizarina com um pouco de verde viridiano e um pouquinho de amarelo, mas não é muito amarelo, então tem um pouco mais de saturação e eu não tenho regado quase tanto porque eu quero que seja muito mais escuro. Vou tentar seguir a estrutura da folha. Qualquer uma das áreas que se parecem com uma veia, que você pode ver em sua referência, que área veada mais leve eu estou evitando aqueles completamente e tentando apenas ficar com as áreas que realmente parecem roxas para mim. Neste ponto, eu posso dizer que eu, mesmo que eu não adicionei tanto amarelo para o roxo, ainda é um pouco mudo demais e realmente precisa ter um pouco mais de uma sensação vibrante saturada. Vou entrar com substrato, quinacridona, magenta. Eu não cortei isso com mais nada. É um pouco mais largo para baixo, claro, mas não foi dessaturado com qualquer amarelo, por isso é verdadeiramente brilhante e vívido e realmente ajudou isso a ler mais como a cor na imagem de referência. Estou só a atravessar as pétalas. Indo para frente e para trás entre esses, o mais silencioso, mais escuro roxo e a quinacridona. Neste ponto, vou começar a adicionar um pouco de uma versão diluída dessa quinacridona magenta às pontas das pétalas exteriores na flor principal. Isso não é realmente representado na imagem de referência. Eu posso ver alguma evidência disso na cor, mas eu definitivamente estou amplificando e indo além do que está na imagem de referência. Decidi fazer isso porque agora a flor principal é muito macia, muito delicada e esta flor de apoio, o menor foi para a direita, vai ser muito mais escura e muito mais vívida. Mesmo que a diferença de tamanho ajude a equilibrá-los, uma vez que o macio é muito maior e tem mais detalhes nele, eu não quero que eles se sintam desequilibrados em termos de cor. Eu quero trazer um pouco dessa escuridão nessa saturação para aquelas pétalas exteriores. Agora, voltando para a flor menor com as mesmas duas cores, aquele roxo escuro e a quinacridona, e eu estou repetindo e repetindo até sentir que tenho o valor e a cor na maioria das vezes certo. Revisão rápida do que eu passei nesta fase. Meu objetivo principal era desenvolver o valor e a cor em ambas as flores. Eu gradualmente adicionei valores mais escuros e mais escuros e cada vez mais saturação e complexidade a ambas as flores, que me permitiu começar a criar um senso de forma e dimensionalidade, acrescentou alguns detalhes anatômicos iniciais ao flores como veias, e no geral eu usei um pequeno pincel quando eu estava adicionando a nova tinta e um pincel mais macio maior para penas para fora as bordas onde necessário. Isto é especialmente verdadeiro se eu estava adicionando uma cor realmente escura ou realmente saturada a uma área que não tinha antes, uma área que inicialmente era realmente leve. 5. Aquarela — detalhamento em verde: Finalmente é hora de mudar para um pouco da vegetação. Para começar, estou fazendo uma cor amarela muito básica, muito clara, verde. Isto é feito misturando principalmente o amarelo mais frio, o amarelo Hanukkah é o que é chamado nesta marca, e apenas um pouquinho minúsculo do verde viridiano, nem mesmo um conta-gotas completo do valor, mas eu coloquei o conta-gotas em seu próprio pequeno compartimento na paleta e apenas tomar no meu pincel e obter um pouco pequeno dab do verde e, em seguida, misture o cetim com um amarelo. O verde viridiano é uma cor muito, muito forte, por isso pode facilmente assumir algo que não é tão dominante, como o amarelo Hanukkah. Eu misturei isso e fiz uma versão diluída. Você sabe que a broca neste momento, essas primeiras camadas são sempre diluídas, então misturado com uma versão diluída e eu estou apenas revendo toda a vegetação com ela. A vegetação na verdade vai ter um tom mais frio no final, mas alguns do tom, o que aparece nas áreas mais amplas parece mais quente para mim, então é por isso que estou fazendo um verde realmente amarelo. Vou adicionar mais detalhes e mais desenvolvimento de valor às folhas. Eu misturei um verde mais frio, este verde ainda tem um pouco de calor nele, mas é definitivamente mais frio do que começamos com. Esta é a mesma base amarela legal com um pouco de viridiana, obviamente mais do que eu comecei com inicialmente. Talvez cerca de um conta-gotas valha quatro conta-gotas do amarelo, então um verde para amarelo. Então eu também adicionei em um pouco do amarelo mais quente, o mais cádmio tipo amarelo, e isso só ajuda a derrubar um pouco da saturação e dar-lhe um pouco mais de uma sensação verde azeitona. Eu queria parecer realmente realista, e para mim, o verde que está na imagem de referência é definitivamente um verde mais frio, então isso deve funcionar bem. Neste ponto eu estou principalmente apenas seguindo ao longo da estrutura da folha, a única área que eu vou tentar evitar obter qualquer pigmento em é a veia principal que corre até o centro da folha. Todas as folhas têm muitas veias, e eu poderia obter super, super detalhes sobre as folhas se eu quisesse, mas eu quero que a maior parte do foco seja nas flores e na forma geral e composição da peça. Eu vou adicionar mais algumas palhetas mais tarde com lápis colorido, mas por enquanto, eu só quero ter certeza de que essa veia central está claramente bloqueada, e a maneira mais fácil de fazer isso é evitar colocar qualquer um dos verde mais escuro sobre ele. Eu só estou trabalhando meu caminho evitando essas veias centrais e adicionando o verde em toda a superfície da folha. Eu também estou prestando atenção aos valores gerais da folha, então as áreas onde é um pouco mais escuro, eu estou colocando mais concentrado, menos diluído versão do verde e as áreas onde é mais leve, eu estou regando para baixo mais, mas é tudo o mesmo verde. Eu só vou acelerar até aqui enquanto eu me movo. Isto é tudo da mesma cor verde, eu estou apenas variando o quão diluído é, a intensidade da cor baseada fora do que eu vejo nos valores na imagem de referência. Agora, enquanto passo para o pequeno botão, estou usando o mesmo verde e estou fazendo a mesma coisa. Estou tentando manter as veias no centro das folhas, livres de qualquer pigmento verde escuro, apenas para mantê-las agradáveis e brilhantes. Em seguida, as áreas mais escuras do broto eu estou indo com realmente escuro versão bruta do verde, não diluído em tudo. Em seguida, as áreas mais leves, eu estou molhando um pouco para ajudar a diferenciar o valor e me ajudar a criar um senso de fórum e dimensionalidade. Agora esta folha na imagem de referência está realmente virada para trás, então parece mais leve para mim do que as outras folhas. Eu vou tentar criar esse sentido na ilustração também, então eu tenho diluído o verde um pouco mais e isso significa que mais do amarelo está aparecendo através. Eu provavelmente vou ter que trabalhar mais duro quando eu uso lápis de cor mais tarde para equilibrá-lo para fora e obtê-lo para ler como legal. Mas por enquanto eu ainda quero evitar ficar muito escuro com ele, então eu tenho o verde muito diluído. Agora eu vou adicionar um pouco do verde ao topo do caule, a base da flor, eu não sei como essa área da flor é chamada, mas a parte verde da flor, eu vou começar a adicionar um pouco mais do verde lá e tentando descrever a forma de algumas dessas pequenas pétalas. Estou me concentrando no verde em direção ao centro e depois desvanecendo-o em um gradiente para o exterior, porque é assim que me parece na referência. Agora eu estou indo para o tronco principal, enquanto o caule desce da flor, parece que o mesmo verde para mim, então eu principalmente apenas mantive esse verde o mesmo e trouxe meio caminho para baixo. Agora eu misturei um pouco mais de uma versão silenciosa dele, então eu adicionei mais do tipo cádmio amarelo e, em seguida, um pouquinho do tipo cádmio vermelho, e isso ajudou a criar um marrom esverdeado realmente silenciado. Estou tentando desvanecer isso na parte mais verde do caule, eu quero criar um gradiente muito suave, já que é assim que me parece na imagem de referência. Isso também vai me ajudar a criar aquele olhar estilizado realmente gráfico que eu estou indo para, eu quero que ele seja realista, mas eu também quero que ele tenha aquela sensação estilizada vintage. À medida que me aproximo da base do caule, fico cada vez mais escuro com aquele marrom, que significa que estou adicionando cada vez menos água. Quando eu subo o caule em direção à parte verde, ele fica mais diluído, então fica mais transparente e me ajuda a criar esse gradiente, e então, à medida que me aproximo da base, estou ficando cada vez mais escuro, então menos e menos água. Agora eu vou voltar para o broto com um pouco mais de quinacridona tentando ilustrar a área rosada da flor, o broto. Então eu também estou usando um pouco mais do verde, a mesma cor verde, apenas uma versão mais escura dele, novamente, tentando obter os valores certos, obter tudo como deveria ser antes de passar para lápis de cor. A última coisa que eu quero fazer com a cor da água aqui é apenas esfriar esta folha, que é a folha virada para trás, vez que eu fiz isso realmente leve, que deve ser de acordo com a referência, uma vez que eu fiz isso realmente leve, que deve ser de acordo com a referência, ele mostrou muito mais de os tons amarelos. Além de ser muito leve para mim, parece muito legal, então eu adicionei apenas um pouco de realmente, realmente diluído viridiano. Viridian por conta própria é muito azul-verde, então parece muito legal para mim. Acabei de regá-lo o máximo possível e eu estou apenas fazendo uma lavagem fina sobre o topo da folha. Com isso, terminei com a parte aquarela desta pintura, então para rever o que fiz nesta fase da pintura, ainda usando aquarela, meu objetivo principal foi desenvolver o valor, a cor, e a forma na vegetação, então comecei falando sobre minha abordagem para misturar cores para vegetação. Depois trabalhei em camadas com um verde quente por baixo e um verde mais escuro no topo. Eu, em geral, evitei os detalhes realmente pequenos como as veias com o verde mais escuro, que me permite manter essas áreas claras que terão mais contraste e apenas torná-lo mais fácil para construir o detalhe na camada de lápis colorido. 6. Lápis de cor — flor grande: Estou me preparando para passar para lápis de cor. Vou usar lápis de cor macios Prismacolors. Tenho uma grande caixa deles. Eu gosto de apenas ir através e escolher as cores que eu acho que vou usar ao longo do curso da peça. Eu não sei com certeza quais vou usar, mas eu vou começar a escolher com base na imagem de referência, aqueles que eles acham que são mais propensos a ser útil para mim. Aqui você pode ver que eu comecei com alguns rosa pálido e um par de rosa mais profundo. Eu tenho alguns peachy e alguns mais rosados então abrangendo o espectro entre cores mais quentes e cores mais frias. Então eu estou fazendo o mesmo com os amarelos. Alguns amarelos mais claros, amarelo muito claro como uma cor creme, e depois mais amarelos médios. Mais uma vez eu tenho alguns que são mais para o final frio e alguns que são mais para o final quente. Também adicionando em um par de roxos e alguns roxos cinzentos neutros e, em seguida, algumas cores verde-oliva. Na verdade, eu acho que não é um verde-oliva verdadeiro, mais como uma cor de sienna crua, mas uma cor realmente acastanhada com um leve tom esverdeado. Então eu tenho algumas cores mais escuras, alguns roxos mais escuros e magenta. Estes são todos vão ser usados apenas com moderação na flor grande e, em seguida, mais liberalmente na pequena flor. Então eu também tenho uma verdadeira laranja brilhante. Acho que em Prismacolor, é apenas laranja. Acho que vou usar isso um pouco na flor da luz. Não está realmente presente na referência, mas acho que ficará bonito como uma cor de acento. Acabei de adicionar mais alguns amarelos alaranjados depois disso. Não sei qual funcionará melhor. Estou me dando um casal para escolher. Então, para os verdes, eu tenho principalmente mais verdes silenciados. Tenho verde marinho e verde alga. Então, para a parte mais leve, eu tenho um verde seiva ou na verdade não, eu acho que é verde primavera, mas é apenas um verde amarelado brilhante. Eu quero principalmente ter os verdes inclinar-se para a extremidade mais fria, mas há algumas áreas quentes, então é por isso que eu estou optando pelo verde primavera. Então eu estou adicionando aqui à esquerda alguns dos tons mais claros. Estes serão usados para dar uma sensação de reflexão e depilação na folha. Eu tenho jade verde e celadon verde, ambos os quais são muito frios e inclinam-se mais para a extremidade azul do espectro. Eles também são muito silenciosos, não muito saturados. Em seguida, terminando aqui com um verde super claro e um pouco branco e então eu também jogou em um marrom escuro muito fino lá no final do lado direito. Isso eu acho que eu poderia usar para alguns detalhes realmente minúsculos. Ainda não tenho certeza. Então eu também tenho um lápis de cor preta aqui. Eu quase nunca uso preto, mas desde que eu estou indo para aquele olhar mais vintage, essas peças têm muitas vezes um pouco de preto neles. Acho que posso usar um pouco de preto nas áreas de sombra do caule. Só o tirei para o caso de precisar. Mas vamos ver o quanto eu realmente acabo usando. Começando aqui, eu vou começar a flor principal maior primeiro, assim como eu fiz quando eu estava passando com a aquarela. Estou começando principalmente usando um rosa muito claro e algum branco para tentar dar alguma definição em detalhes para a borda das flores. Então eu também estou usando uma cor muito silenciosa quase toke, mas tem um monte de roxo nele. Acho que em Prismacolor. Acho que se chama “Clay Rose”. Ele lê como roxo, mas é muito silencioso, como eu disse, quase cinza topo. Isso eu estou usando nas áreas de sombra. Estou saltando para frente e para trás entre estes, tentando descrever mais a forma e o valor em cada uma das pétalas individuais. No geral, eu acho que a área mais escura da flor vai precisar de muito mais desenvolvimento. É aí que estou concentrando a maior parte do meu esforço. A área mais leve da flor, sinto que vou ter que ter cuidado para não sobrecarregar. Eu tenho que ter cuidado para não sobrecarregar nada disso. Mas é mais fácil sobrecarregar a área mais leve quando você está trabalhando com esta mídia já que nunca é realmente tão fácil adicionar a luz de volta como é adicionar mais escuro no topo, mesmo que eu provavelmente vou estar usando algum meio opaco mais tarde. É melhor deixá-lo o mais leve possível se você está querendo que ele seja leve no final. Apenas economiza tempo e tem um visual mais fresco e luminoso do que se você adicionar toneladas de branco no topo. Vou acelerar isto aqui um pouco para que todos não adormeçam. Que basicamente eu estou fazendo o que eu falei, tentando aprofundar o valor se ele precisa ser mais escuro, para levantar o valor se ele precisa ser mais leve e, em seguida, tentar adicionar mais saturação e mais detalhes onde ele pertence, ao longo do curso da flor e apenas usando a mesma paleta que eu escolhi no início. Você vai me ver, arrotando para trás e para frente no meio. Várias cores diferentes aqui. Agora, como eu estou trabalhando em um papel quente, o papel é muito suave e eu realmente não estou precisando fazer qualquer mistura para obter um olhar suave. Se eu estivesse trabalhando em um papel mais texturizado ou se eu quisesse um visual ultra suave mais do que o que eu tenho aqui, então eu poderia fazer alguma mistura com o liquidificador incolor ou com Gamsol. Mas por enquanto, eu acho que como é um papel liso, eu estou me sentindo muito feliz com a forma como ele está indo junto apenas com os lápis. Bem aqui eu vou entrar com o marrom muito fino. Se você não está familiarizado com eles, muito fina eles ainda são feitos pela Prismacolor. Mas eles são um núcleo muito mais duro do que os núcleos macios. Você pode obter uma dica muito afiada sobre eles e a ponta permanece afiada muito mais tempo do que faz com Prismacolors regulares. Basicamente, estou usando isso para me ajudar a definir algumas das bordas dessas pétalas. Vou acelerar de novo. Todo esse tempo, enquanto estou desenvolvendo os detalhes e ajustando a cor e empurrando o valor de uma forma ou de outra, seja mais escuro ou mais claro, estou tomando praticamente todas essas decisões com base na imagem de referência. Estou olhando para a referência que você vê aqui e estou decidindo. É esta área precisa ser mais rosa, ou precisa ser mais amarelo ou precisa ser mais escuro, precisa ser mais leve. Toda vez que eu tenho que fazer uma escolha como essa, eu estou apenas olhando para trás para a referência e tentando fazer com que o que estou criando na página pareça tanto quanto possível com a referência. Isso é 90 por cento do que estou fazendo. Então 10 por cento é eu decidir isso, eu vejo como ele se parece na referência, mas eu quero que ele pareça um pouco diferente. Pode ser que não seja a divisão exata. Talvez seja 80 por cento do que estou fazendo é prestar atenção à referência e então 20 por cento está tomando minhas próprias decisões. Mas com o ponto que estou tentando chegar lá é que a imagem de referência é super importante. Se você está olhando e se perguntando, como ela está fazendo isso, por que ela está tomando essa decisão? Praticamente a maioria das decisões estão sendo tomadas com base no que vejo na imagem de referência. Essa será definitivamente uma lição importante a tirar em termos de criação de seu próprio trabalho. Se você está querendo criar coisas que são mais ou menos realistas. Realmente apenas prestando muita atenção à referência e desenvolvendo um hábito de olhar para a referência cada vez antes de escolher uma cor, cada vez antes de colocá-lo para baixo. Consultar essa imagem de referência para ter certeza de que você está mantendo próximo da realidade ou se você está se afastando da realidade, que você está fazendo isso com intenção e com algum plano. outros 10-20 por cento que eu estou inventando enquanto eu vou junto, ainda é informado pela realidade porque é informado pelo que eu vi em outras flores ou o que eu vi na vida real. Mas, por exemplo, uma coisa que eu decidi amplificar que eu não vejo tanto em sua referência é este rosa mais escuro, mais laranja nas flores exteriores. Quero fazer isso porque estou tentando mexer com a temperatura da flor. Não mexer, mas ser intencional com a temperatura. Quero que o lado mais leve seja mais quente e o lado mais escuro seja mais frio. Mas dentro disso, eu tenho algumas áreas frias nas partes claras e algumas áreas quentes nas partes escuras. A razão de eu estar fazendo isso para trás e para frente é que ele realmente cria essa bela sensação de vibração na cor. Faz parecer muito mais vivo, brilhante e dinâmico, do jeito que uma flor de verdade faz. Nesta lição, meu objetivo era usar lápis colorido para desenvolver ainda mais os valores, cor e o detalhe da flor principal. Você provavelmente pode obter que esse é um tema neste processo global é apenas um desenvolvimento gradual dessas três coisas. O valor, a cor e o detalhe em todo o assunto. Ao focar na grande flor inicialmente, selecionei minhas cores com base na imagem de referência. Na verdade, eu comecei selecionando todas as minhas cores para a peça inteira, mas eu comecei a trabalhar apenas na flor grande primeiro. Eu adicionei definição e detalhe à grande flor gradualmente e eu ajustei a cor e a saturação enquanto eu ia junto, tudo isso ajudando a descrever a forma da flor maior. Quando eu decidi afastar-me da imagem de referência nas minhas escolhas de cores, eu fiz isso estrategicamente, tendo em mente os objetivos estéticos gerais da peça e certificando-se de que a história de cores iria servir esses objetivos. 7. Lápis de cor — flor pequena e o detalhamento verde: Tudo bem. Então, neste ponto, eu estou indo para fazer um pouco de trabalho na segunda flor, a flor roxa, a flor mais escura. Estou começando redefinindo algumas dessas veias. Estou usando uma cor muito macia, uma cor cremosa amarelada suave. Não quero entrar com branco puro porque seria muito duro. Mas sinto que quando olho para a área de referência, a base da flor que ainda tem o verde para ela. As bordas do que parecem se misturar na parte mais leve dos pedais para mim. Eu estou tentando conectar algumas dessas seções de veia amarelada mais clara para a seção esverdeada na base da flor, e também tentando aquecê-lo um pouco com algumas áreas amarelas. Então eu estou gradualmente começando a adicionar mais alguns rosa às pontas das flores. Em seguida, começando a trabalhar em um pouco mais escuro, uma cor romã, uma cor magenta, e então um roxo realmente escuro para definir as áreas mais escuras das folhas. Estou fazendo uma, com licença, não as folhas, as pétalas. Estou fazendo a mesma coisa que fiz com a aquarela onde estou prestando muita atenção à anatomia da flor e tentando preservar essas pequenas cristas, pequenas veias. Já que isso é parte do que é realmente distinto na Adelia. Se você é um fã deste gênero de trabalho, o mais científico, vintage inspirado ilustrações botânicas. Você notará que isso é realmente um recurso fundamental neste estilo de trabalho. Um artista pode realmente estilizar algo e pode não parecer perfeitamente realista como uma fotografia. Mas eles são muito cuidadosos para incluir essas características arquetípicas, modo que a forma geral da folha, a forma geral das pétalas e quaisquer características distintivas das pétalas. Essas coisas são muito importantes se você quiser criar aquela vibe de ilustração científica. Você pode ser um pouco mais expressivo e estilizado, mas você ainda tem que continuar voltando para aquelas âncoras que realmente deixam o espectador saber o que eles estão olhando, já que isso lhe dá a sensação de ser, mais uma ilustração científica ou algo quer livro botânico. Tudo bem. Estou acelerando isso de novo aqui. Eu estou apenas pulando para trás e para frente entre os roxos mais escuros, que tons de rosa médio, e, em seguida, aqueles mais leves amarelos suaves para a parte inferior, as veias na parte inferior e movendo-se através da flor tentando desenvolver a forma e o valores e a cor. Tudo bem. Agora, neste ponto, vou começar a desenvolver algumas das hastes e da vegetação. As hastes, eu quero que elas sejam bastante simples porque as flores são tão ornamentadas e eu quero que as flores sejam o foco da peça, mas eu ainda preciso adicionar alguns detalhes ao redor das bordas para fazê-las ler como tridimensional. Aqui estou começando a desenvolver a folha extrema direita. Este é o que na imagem de referência está virado para trás. Tem um olhar muito legal e ao mesmo tempo mais leve, do que as outras folhas fazem. Então eu vou para frente e para trás entre celadon e verde jade, e pequenos pedaços de amarelo aqui e ali. Mesmo alguns pequenos pedaços de branco para adicionar dimensão e destaques. Apenas tentando mantê-lo muito delicado, muito macio, muito legal, mas ao mesmo tempo, fazê-lo ler como tridimensional. Tudo bem. Agora estou adicionando alguns dos mesmos contornos, esse mesmo desenvolvimento ao tronco principal. Mesmo que eu fosse capaz de criar um gradiente com a aquarela, ele definitivamente ainda precisa de algum requinte. Eu vou voltar com os diferentes verdes que eu estou usando, e alguns deles são mais saturados, mais frios, mais leves e, em seguida, algum tipo mais silenciado de brownie greens. Tudo bem. Neste ponto eu vou adicionar um pouco mais de detalhes e a maior parte do detalhe para o pequeno botão, o broto dahlia. Este aqui tem um monte de amarelo para mim de todos os elementos verdes. Este é o mais amarelo, então eu estou tentando realmente ter uma noção daquela área roxa que parece um pouco mais escura do que o resto do botão. Mas também quero que pareça realmente exuberante e verde. Estou definitivamente amplificando essa cor roxa um pouco mais do que vejo na imagem de referência. Principalmente porque eu quero que ele se sinta consistente com os outros dois elementos florais, e é bem aqui, na parte inferior da composição. Esta área também é verde. Eu queria trazer um pouco daquele roxo e um pouco daquela cor mindinho para baixo do topo da composição. Isto é que 10 a 20 por cento onde eu estou inventando enquanto eu vou e faço uso de decisões sobre como eu quero que ele pareça, o suporte, o estilo e a peça geral em vez de apenas refletir a realidade exata da imagem de referência. Vou entrar aqui com verde escuro, esse é o prismacolor, esse é o nome deles para a cor verde escuro, que na verdade não é mais escuro do que o outro verde que eu estava usando, o que está na minha mão esquerda. Mas é muito mais saturado. É realmente escuro e também bastante saturado. Tem uma agradável sensação cerosa e exuberante para vegetação. Ajuda a desenvolver isso. Vou entrar em algumas das partes mais escuras do botão com isso e em seguida, destacá-lo com um pouco de branco, algum branco puro. Agora estou passando para desenvolver o detalhe nas outras folhas, as folhas do lado esquerdo da peça sob a flor maior. Estes, eu realmente sinto que eu tenho o valor praticamente onde eu quero que ele seja com uma cor de água. O que é muito bom porque eu vou ser capaz de adicionar alguns dos verdes mais leves em cima para criar essa sensação de brilho e depilação. Então eu só preciso fazer os verdes mais escuros em algumas áreas. Como eu disse quando eu estava trabalhando na aquarela, eu tinha sido intencional em deixar aquela veia central intocada porque isso é bastante proeminente e essa é uma daquelas características arquetípicas que eu estava falando. Eu quero ter isso realmente mostrado. Eu não sei se você pode ver aqui, mas se você olhar realmente de perto para a folha, a seção da folha que se conecta ao caule, bem no centro da veia, há uma pequena área redonda. Você pode ver isso na imagem de referência, e para mim isso também é um desses elementos distintivos. Aquelas duas áreas, a veia central e aquele pequeno círculo redondo de ligação. Estou tentando manter os dois mais leves. Então, além disso, eu estou apenas atravessando a superfície da folha com os verdes mais silenciados, mais leves e frios e, em seguida, tentando dar uma sensação de algumas das veias com os verdes mais escuros. Há tantas maneiras diferentes de pintar e desenhar uma folha. Você pode ser realmente exato e incluir todas as veias como cada detalhe ou você pode fazer nada ou você pode fazer as veias escuras ou você pode fazer as veias iluminar, e realmente há toneladas de abordagens para tomar dependendo de quão realista ou estilizado você quer que ele olhar. Eu estou indo para bastante realista, mas também bastante estilizado. Eu não quero ter todas as veias aparecendo, mas eu ainda quero que as folhas pareçam dimensionais. Então, onde quer que eu veja uma veia na referência, isso pode indicar um pouco de uma dobra ou alguma forma e dimensão para a folha. Estou usando, em vez de desenhar uma linha exata, estou usando a cor mais escura para empurrar para baixo as áreas do fórum e as cores mais claras para trazer as áreas acima do fórum. Estou fazendo isso ao longo de cada folha, uma vez que cada folha tem sua própria forma e sua própria dimensionalidade. Tudo bem. Eu vou acelerá-lo aqui e eu estou fazendo esse processo de empurrar para baixo as partes mais escuras e puxar para cima as partes mais claras, seguindo a anatomia geral da folha, mas realmente não adicionando quaisquer veias super detalhadas específicas. Tudo bem. Aqui estou continuando a desenvolver as hastes e tentando tratar este caule da mesma forma que tratei o caule proveniente da flor principal. Tentando se conectar e suavizar esse gradiente. Agora trabalhando na folha final, fazendo a mesma coisa que eu fiz com as outras folhas. Além disso, eu fico com estes, eu estou me deixando sair um pouco mais em detalhes. Algumas das veias mais visíveis, enquanto ainda continua a tentar confiar principalmente na descrição da forma e da forma. Tudo bem. Agora, neste ponto, eu quero realmente dar ao caule uma sensação mais gráfica e estilizada. Eu vou adicionar um pouco de preto para ele, apenas para as áreas de sombra, para a parte de baixo, apenas para tentar ajudá-lo a ter aquela sensação mais de litografia vintage. Enquanto eu estou usando o preto, Eu estou tentando ser realmente cuidadoso para não exagerar e ainda apenas usar seus verdes realmente escuros, as cores marrom esverdeado onde eu posso. Vou acelerá-lo aqui enquanto continuo a passar por outras partes do caule, saltando para frente e para trás entre os verdes e os marrons e apenas tentando obter todos esses valores e cores, certo. Tudo bem. Neste ponto tudo está mais ou menos onde eu quero com os lápis de cor, mas eu estou puxando um pouco para trás e dando a vocês mais de uma visão de pássaro como eu vou através de toda a peça, apenas tentando pegar qualquer um dos esses últimos pequenos detalhes que eu queria adicionar com lápis colorido. Ajuste um pouco de cor em algumas áreas, e apenas certifique-se de que eu estou recebendo mais desse senso de detalhe e dimensionalidade enquanto eu embrulho com os lápis de cor. Tudo bem. Neste ponto, estou farto dos lápis de cor. Eu vou adicionar um pouco de guache em seguida, e vamos falar sobre o que o gouache está nessa lição e por que eu estou usando isso. Mas sim, eu estou farto de lápis de cor por enquanto e eu provavelmente vou fazer um pouco mais no final depois do guache. Não tenho certeza no momento em que estou criando isso. Mas por enquanto é isso com lápis de cor. Tudo bem. Hora de uma recapitulação rápida mais uma vez. Nesta fase da pintura, meu objetivo principal era adicionar forma, definição e detalhe à flor menor e à vegetação. Assim é os mesmos objetivos a última lição que eu estava focando em uma área diferente da pintura. Eu continuei usando principalmente verduras frescas nas folhas assim como eu fiz naquelas camadas superiores de aquarelas, então eu quero realmente continuar indo nessa direção, e eu tenho equilibrado a flor menor com um maior um, tornando-o mais escuro e muito mais saturado. Eu continuei a ser consciencioso sobre incluir esses detalhes arquetípicos e distintivos do assunto, então as formas das folhas, as veias, as formas das pétalas, todas aquelas coisas que realmente o tornam Parece a Adelia. 8. Guache: Bem-vindo de volta. Neste ponto, obtive a ilustração a um nível bastante elevado de detalhe. Muitas vezes no meu processo, eu vou fazer principalmente apenas aquarela em lápis colorido, e nem mesmo nunca realmente fazer o passo guache ou se eu fizer isso é apenas em detalhes muito minúsculos. Mas para esta ilustração e para esta classe de compartilhamento de habilidades em geral, eu estou mantendo este super autêntico e eu estou apenas levando vocês comigo neste processo e deixando isso se desenrolar naturalmente. Eu não planejava necessariamente incluir gouache com certeza, mas neste momento eu sinto que a ilustração precisa dele, a fim de me ajudar a desenvolver um nível mais preciso de um valor de luzes e escuras na ilustração. Então eu também acho que existem algumas áreas que eu tenho obtido talvez um pouco para neutro nas cores, e eu preciso empurrá-lo de volta mais para saturado. Eu acho que a maior parte do trabalho vai ser feito na flor principal e eu vou estar usando um par de marcas diferentes principalmente Holbein guache acrílico, mas eu também tenho Winsor Newton. Eu acho que gouache que eu estou usando, o guache Holbein é à base de acrílico, o que significa que ele não reativa uma vez que está molhado. Alguns guache mesmo depois de seco, você pode adicionar água a ele novamente e reativá-lo, o mesmo que você pode com certos tipos de aquarela, mas com gouache de base acrílica uma vez seco é seco. A razão pela qual eu estou usando gouache base acrílica é porque eu estou indo sobre o topo do lápis colorido. Ainda há muita área de superfície que não foi tocada com lápis colorido, mas a área de superfície que foi tocada com lápis colorido tem uma boa quantidade de cera nele. Eu realmente não seria capaz de ir por cima se algo que era apenas à base de água como aquarela, que iria apenas pílula para cima na superfície e não estavam realmente afundar dentro. Mas como o guache acrílico tem um plástico ou um aglutinante de polímero para ele, isso me permite colocá-lo sobre o topo de lápis de cor. Eu só estou trabalhando meu caminho através da superfície com este branco inicialmente tentando obter os valores até onde eu quero que eles. Novamente, estou sendo honesto e transparente com vocês sobre o meu processo, o que aconteceu em eu sinto que o lado certo da flor é que eu fiquei um pouco neutro demais e talvez um pouco escuro demais. Estou tentando clarear um pouco e acho que também vou adicionar um pouco mais de saturação. Parte da razão pela qual eu estou sendo realmente transparente com vocês sobre como meus processos gostam nesta fase é que, eu estou esperando que uma das coisas que esta classe pode comunicar é que trabalhar em mídias mistas, pode ser uma ótima maneira de lidar com algumas das bolas curvas que podem vir quando você está fazendo arte. Ele pode permitir que você ajuste as coisas e escolha uma mídia que irá resolver o problema único com que você está lidando. Nesta situação para mim, isso era guache e eles precisavam de algo que ficasse com os lápis de cor e fosse bastante opaco. Embora possa não ter sido parte do meu plano de jogo inicial, é o que acabou acontecendo e isso é bastante preciso para como eu criar praticamente cada peça. Eu vou começar sabendo, sim, certeza eu vou usar alguns lápis de aquarela ou aquarela, e então eu vou adicionar lápis de cor. Eu praticamente sempre faço essas duas coisas, mas quando se trata das camadas finais, eu poderia apenas fazer alguns pequenos detalhes com uma panela de pintura Sharpie, ou eu poderia fazer algo muito mais extenso como eu estou fazendo aqui com o guache. Eu poderia até fazer algo um pouco diferente como um pastel de cera ou uma barra de óleo. Basicamente, eu apenas deixei a peça me dizer o que ela precisa, e para esta peça nesta situação, ela estava me dizendo que precisava de guache, então é por isso que estamos fazendo o que estamos fazendo. Neste ponto, eu estou começando a misturar em alguma cor e eu tento adicionar um pouco de calor de volta ao interior de algumas dessas áreas de pedal, e estas tinham amarelo nelas, mas eu apenas senti que não estava completamente saturado o suficiente. Passando para o guache como suposto para o lápis colorido me permite cobrir algumas das cores neutras, mais silenciadas que eu tinha lá em baixo com um cores mais saturadas. Eu poderia ter ido por cima com o lápis colorido mais saturado, mas os lápis de cor simplesmente não têm o mesmo nível de capacidade que o guache tem. Estou acelerando novamente aqui, continuando a adicionar aquele calor, aquele amarelo dourado, a cor que estou usando é novamente um tipo de cádmio amarelo. Neste ponto, eu coloquei um pouco de magenta na minha paleta e misturando isso com um pouco de branco, e um pouquinho de um amarelo mais frio para tentar criar um tom rosa mais frio que vai para fora de alguns dos pétalas no lado direito da flor. Novamente, eu estou apenas fazendo o mesmo que esse mesmo objetivo em mente de aumentar o nível de saturação, e eu também estou tentando ter certeza de que eu mantenho as pétalas que estão no lado direito da flor. Mantenha o rosa nessas pétalas pelo menos, mais de uma tinta mais fria para realmente ajudá-lo a ler como uma sombra. Também estou aproveitando esta oportunidade para acrescentar alguns detalhes estruturais da pétala. Na imagem de referência, sinto que vejo um pianista perdido para certas pétalas. Estou me permitindo obter um pouco mais gráfico com a aplicação da tinta aqui para tentar realmente comunicar esse efeito. Agora, neste ponto eu vou torcer meu papel novamente e eu vou fazer a transição para trabalhar apenas um pouco na flor menor. Agora, isso não precisa de muito, mas eu quero adicionar algumas áreas de outra vez, aquela cor mais intensa no topo das pétalas. As áreas que realmente estão pegando o destaque. Eu sinto que eu fiquei um pouco dessaturado demais, então eu quero adicionar algo que não é muito leve, mas muito saturado e um pouco leve ao mesmo tempo. Eu misturei basicamente apenas a magenta e iluminou um pouco com o branco, por isso é muito saturado. Não tem sido realmente derrubado em tudo com qualquer cor complementar. Eu só estou batendo alguns dos destaques nesta flor e eu quero realmente reservar a maior parte do branco puro para a grande flor porque isso é muito mais leve no geral do que a pequena flor. Ter uma cor como um destaque aqui na flor menor vai realmente me ajudar a fazer isso. Estou terminando aqui com um guache, só usei nas duas flores. Principalmente, principalmente como você já viu na flor maior com um pouco sobre a flor menor, mas realmente não usado qualquer nas folhas ou a vegetação e isso é porque esses são realmente os únicos lugares que eu sinto como se fosse necessário. Vou parar agora e deixar secar e depois disso, vou passar para os retoques finais e embrulhar esta peça. Uma revisão rápida. Meu principal objetivo nesta fase da pintura era usar guache para corrigir a cor e o valor que tinha ficado um pouco fora kilter na grande flor. Eu falei sobre como usar mídia mista pode ser útil para corrigir erros, e então eu usei um gouache branco à base de acrílico para clarear algumas das áreas que ficaram muito escuras, e então eu usei gouache de base acrílica colorida para adicionar saturação e ajustar a temperatura. 9. Retoques Finais: Estamos na reta final aqui. Eu fiz camadas de aquarela, camadas de lápis colorido, e então nós acabamos de terminar as camadas de gouache que eu usei para ajustar os valores para o nível de saturação das flores e desde o gouache tem uma textura um pouco diferente do resto da mídia. Eu vou agora voltar em cima do guache com alguns lápis de cor apenas em quantidades muito pequenas para tecer juntos textura da camada de lápis colorido e a camada de guache e certifique-se de que nada se destaca ou chama muita atenção para si mesmo. Eu estou apenas começando com lápis de cor magenta e um lápis de cor rosa mais claro e suavizando algumas das bordas de onde o guache branco encontra as outras cores nas pétalas da flor. Apenas trabalhando meu caminho em qualquer lugar que eu vejo bordas realmente duras ou qualquer coisa que realmente aparece e apenas suavizá-lo um pouco com o lápis colorido. Agora, a razão pela qual isso funciona, a razão pela qual eu sou capaz de fazer lápis colorido, em seguida, gouache , em seguida, mais lápis colorido em cima é porque eu estou usando um gouache acrílico. Quero enfatizar esse ponto novamente. Eu sei que falei sobre isso na última lição, mas se você estiver usando um gouache de base não acrílica, o guache não terá o mesmo poder de aderência. acrílicos são ótimos para aderir a todos os diferentes tipos de superfícies e realmente segurar enquanto houver algo para eles agarrar. Desde que haja alguma textura de papel ainda aparecendo. Mas tentar fazer isso em cima de um gouache não acrílico poderia resultar na descamação da tinta quando você está usando a pressão do lápis colorido. Outra grande coisa sobre o guache, isso é tudo gouache, não apenas gouache à base de acrílico, mas tem uma textura muito fosca para ele. O gouache de base acrílica em particular tem essa textura fosca. Você pode facilmente usar lápis de cor em cima dele vez que eles têm algo para manter em oposição a como uma tinta acrílica realmente brilhante. Eu sei que algumas pessoas usam lápis de cor em cima de tinta acrílica, mas para mim eu sempre tive mais sorte com guache. Neste ponto eu estou mudando para uma caneta de tinta Sharpie. Então o que eu estou fazendo aqui é que eu estou apenas adicionando um pouco pequenino-minúsculos destaques brancos em qualquer lugar onde eu vejo um destaque realmente brilhante que eu quero lê-lo como verdadeiramente branco, sem qualquer coloração. Eu vou entrar com a caneta de tinta Sharpie e esta é a versão de ponta fina também. Eles têm um médio e um pesado, eu não consigo lembrar se eles chamam de pesado ou negrito, mas eles têm três tamanhos diferentes. Este é o menor tamanho do marcador de tinta à base de água. Como você pode imaginar, maioria desses destaques vai para o lado mais brilhante da flor mais leve. É aí que estou concentrando muito do meu esforço inicialmente. Então eu vou trabalhar meu caminho para baixo adicionando alguns desses destaques ao longo das hastes e nas bordas das folhas. As folhas que eu quero ter como um olhar realmente agradável quase suculento ou ceroso. A caneta de tinta Sharpie vai ser ótimo para adicionar aqueles pequenos pequenos destaques brancos opacos que realmente dão às folhas que olhar fresco e suculento. Se eu alguma vez me deitar muito, eu apenas realmente rapidamente dab com o meu dedo e isso tira um pouco do pigmento e derruba um pouco da intensidade. Ajuda a ler como um pouco de um destaque mais suave. Eu só estou terminando aqui e eu acho que é isso. Acho que a peça está pronta. Para os retoques finais, meu objetivo principal era misturar o guache, as camadas de guache que eu tinha adicionado na última seção para misturá-los no lápis colorido e adicionar alguns destaques finais. Eu uso lápis colorido adicional para suavizar as bordas do guache e para ajudar a manter a peça olhando coesa para que não houvesse bordas óbvias duras. Então eu falei um pouco mais sobre por que ele funciona para usar gouache acrílico em cima de lápis colorido, e por que você pode usar lápis colorido em cima de guache acrílico. Então, finalmente, usei uma caneta de tinta branca para adicionar apenas pequenos destaques finais. Aqui está a peça acabada. Estou muito satisfeito com o que aconteceu. Eu sinto que ele encontra um bom equilíbrio entre estilização e realismo e evoca algumas das coisas que eu realmente gostei sobre as ilustrações botânicas vintage que olhamos no início, na seção de inspiração. Aqui está uma digitalização da ilustração também. Chegando na lição final, vamos falar sobre o projeto da turma, como executar isso, e outras coisas para encerrar o curso. Vejo-te na lição final. 10. Finalização: Bem-vinda de volta. Para encerrar este curso, vamos discutir o projeto da turma. Antes de fazermos isso, eu quero mencionar um aviso muito rápido, e que é que a criação desta peça, a que você acabou de ver, a completa na classe realmente levou mais de dez horas. Mesmo que esse processo tenha sido condensado em menos de algumas horas de filmagem, e até mesmo essa é uma longa aula para Compartilhamento de Habilidades. A realidade é que esse estilo de trabalho é demorado e requer um grande compromisso de tempo. Eu mencionei isso porque o número 1, se você decidir que quer fazer algo nesse estilo e está levando muito tempo, não quero que sinta que está fazendo algo errado. Demoro muito tempo também. É exatamente como funciona se você quiser criar aquele olhar realista mais detalhado. A outra razão pela qual eu mencionei isso é que você não tem que fazer isso dessa maneira. Se você quer tomar uma abordagem mais simples conceitualmente, onde você faz um assunto que tem talvez apenas um ou dois elementos em vez de vários elementos como este que eu fiz, isso poderia torná-lo mais rápido. Se você escolher um estilo diferente de flor, algo como uma tulipa que não tinha uma tonelada de todas essas pétalas pequenas e tantos detalhes, isso também tornaria mais rápido. Talvez seus estilos sejam diferentes. Talvez não seja tão realista ou não tão detalhado, e isso está tudo bem. Todos nós temos nossos estilos diferentes, nossos estilos únicos e maneiras únicas de abordar as coisas. Mas independentemente da perspectiva que você está chegando até você com isso, se você vai tentar fazê-lo exatamente da maneira que eu fiz ou se você vai tentar ajustá-lo e alterá-lo para o seu próprio processo, as etapas para criar seu ilustrações botânicas inspiradas vintage são basicamente o que passamos por cima na classe. Vou dar-lhes uma crítica rápida aqui mesmo. Número 1, você quer começar reunindo sua inspiração. Você pode usar o Pinterest para isso como eu fiz e fazer um quadro pin. Você pode fazê-lo fisicamente, você pode cortar imagens de uma revista e colá-las em um cartaz, ou usar imagens do Google e salvá-las em seu disco rígido. Seja qual for o caminho que funciona para você reunir alguma inspiração, vá em frente. Uma vez que você tem tudo reunido, você passa algum tempo olhando para a inspiração. Sente-se e dê uma olhada em tudo o que você juntou, e faça algumas perguntas sobre, o que o inspira sobre essas peças? Por que gosta dessas peças? Quais são os elementos específicos que atraíram você para eles ou que fizeram você achá-los inspiradores e olhar para onde você vê temas comuns e essa inspiração chegando uma e outra vez. Eu gosto da forma das folhas ou eu gosto das cores desta. Eu gosto de como este inclui a seção transversal, o que quer que seja, aquelas coisas que continuam te atraindo para os pedaços que aparecem uma e outra vez. Essas são as qualidades de inspiração que você quer tentar evocar em sua própria composição. Uma vez que você tem essa lista, crie sua composição áspera, desenha a partir dos temas que se inspiram nessas outras imagens. Especialmente se você quiser trabalhar de forma realista, o passo importante é reunir algumas imagens de referência. Eu uso minhas próprias imagens porque eu prefiro controlá-las. Mas você também pode olhar on-line, encontrar imagens dessa maneira. Se você não tem suas próprias fotos de fotos, você também pode tentar ir a uma floricultura ou um centro de jardim e tirar fotos dessa forma. O importante sobre este passo é que, você está juntando referências que realmente funcionam dentro da composição, e o estilo que você se propôs a fazer, em seguida, criar um esboço baseado na combinação de seu layout composicional e suas imagens de referência. Em seguida, transfira esse esboço para o seu papel de arte e use aquarela ou marcador de acrílico diluído, qualquer que seja o seu meio de escolha para essas camadas iniciais é criar uma pintura sob. Então você pode adicionar mais detalhes com lápis colorido como eu fiz ou com outra mídia, se você preferir outra mídia. Muitas pessoas fazem apenas 100 por cento de aquarela. Para ilustração botânica que pode funcionar muito bem. Você também pode colocar um marcador sobre aquarela. Apenas certifique-se de que, se você estiver indo para combinar diferentes mídias que você vai fazer alguns testes. Relógios primeiro para se certificar de que se deitam bem uns sobre os outros. Finalmente, uma vez que você sente que você conseguiu a peça muito perto de ser feito, dê um passo atrás dela por um dia, e então volte e olhe para ela com novos olhos e ajuste e faça qualquer ajuste. Se você já viu algum erro, aproveite o tempo para corrigi-los, especialmente se você investir muito tempo em uma peça. Vale a pena fazer no final apenas para levar aquele último pouco do bom para o incrível. Agora, como você já deve ter adivinhado por tudo o mais que eu tinha dito nesta seção, você deve se sentir totalmente livre para modular esses passos no entanto você quer ajustar o processo, no entanto, melhor se adapte às suas necessidades. Se você quiser pular uma determinada etapa ou usar uma mídia diferente e adotar uma abordagem diferente, fique à vontade para fazer isso. Faças o que fizeres, espero que tenhas tempo para partilhares o teu trabalho nos projectos da turma. Faço o meu melhor para olhar para cada projeto, adoro ver o que todos vocês fazem e sei que seus colegas fazem também. Se quiser compartilhar seu trabalho nas mídias sociais, sinta-se à vontade para me marcar. Estou no Kendyllhillegas no Instagram e no Twitter. Adoro compartilhar o trabalho dos alunos, adoro retweetá-lo e inclui-lo nas minhas histórias insta. Por fim, sinta-se à vontade para deixar quaisquer perguntas que você tem na seção de discussão da aula, e se você puder e tiver tempo, eu apreciaria uma revisão de aula. Muito obrigado por ter assistido à minha aula. Espero que tenha sido valioso. Espero que tenha gostado de ver o meu processo e aprender algumas coisas novas e alguns novos conceitos para tirar disso e aplicar a sua própria obra de arte. Estou tão animada para ver o que você faz. [MUSIC]