Criação de cores realistas: uma cartilha para iniciantes

1. Introdução: Olá, meu nome é Kendall Villegas e eu sou um artista e ilustrador em tempo integral. Meu trabalho é usado em revistas e jogos de vídeo, em embalagens e publicidade, em paralelo. Eu também adoro compartilhar minha experiência na indústria criativa. Com todos vocês no YouTube e, claro, aqui no compartilhamento de habilidades. Uma das perguntas mais comuns que recebo de artistas iniciantes ou aspirantes no YouTube ou nas redes sociais é como posso criar cores atraentes e realistas no meu trabalho? Nesta aula vamos descompactar esta pergunta e abordar a cor para um artista tradicional de forma sistemática e abrangente. Aprenda cinco coisas principais, primeiro, para identificar características básicas de cor, como valor, matiz e saturação. Em segundo lugar, para construir harmonia de cores e entender as relações de cores usando a roda de cores. Em terceiro lugar, construir uma palete. Então, como realmente escolher as cores que você vai usar em seu paladar, como colocá-los juntos, vamos cobrir que ambos com um pigmento puro cores e com cores que são misturas ou misturas. Número quatro, como identificar e ver com precisão as cores que estão em sua referência e por último, como juntar tudo isso, como misturar as cores que você vê em suas referências e combiná-las com seu na pintura ou desenho que você está criando. Teremos uma série de lições sentadas onde descompactarei toda a teoria e conceitos por trás de cada um desses cinco pontos e então teremos uma demonstração detalhada em tempo real, onde criarei uma pintura do início ao fim e explicarei cada escolha única de cor que eu faço ao longo do caminho e como ele se relaciona com os conceitos que cobrimos na classe. Você terá tanto a teoria de sentar-se quanto a execução em tempo real. Esta classe é mais adequada para artista de mídia tradicional. Eu diria que se você é um artista de mídia digital, você ainda terá algumas coisas que você pode tirar que serão valiosas, mas isso é definitivamente voltado para artistas de mídia tradicionais. Pessoas que estão trabalhando em pintura ou pastel ou lápis, qualquer mídia física, também provavelmente mais adequado para aqueles que já têm um pouco de familiaridade com o desenho e que realmente só querem levar suas habilidades para o próximo nível aprendendo a usar a cor de forma eficaz. Depois de concluir este curso, você terá uma boa compreensão da teoria básica da cor e você será capaz de aplicar esses conceitos teóricos de maneiras realmente práticas ao seu próprio trabalho para criar esse realmente atraente sensação de cor bonita e realista. Espero que se junte a mim na aula. Estou super animado para começar e mergulhar em um dos meus conceitos favoritos com todos vocês. 2. Terminologia de cores: Para a primeira lição, vamos mergulhar em algumas das características básicas da cor. Vamos passar por quatro características.Essas incluem matiz, valor, saturação e temperatura, vamos definir cada uma delas e descompactar como elas se relacionam com arte e arte e por que elas são coisas boas para estar ciente. O primeiro termo que vamos abordar é o valor. O valor significa apenas que a escuridão ou a leveza de uma cor, as cores mais escuras estão mais próximas do preto na escala de cinza, as cores mais claras estão mais próximas do branco na escala de cinza. Valor é realmente um termo crucial para todos os artistas entenderem, e ser capaz de identificar uma arte, já que muitas vezes é o que denota a forma do assunto. Valor é como temos uma noção de onde as áreas altas de um assunto estão porque elas geralmente são mais leves, talvez até mais brilhantes, e as áreas mais escuras de um assunto tendem a ser as partes que estão afundando ou curvando-se para trás. Então, tendo um bom senso e capacidade de identificar valor em seu trabalho, vai torná-lo mais facilmente capaz de criar um senso de forma e tridimensionalidade, é realmente a pedra angular para criar um trabalho realista, e é por isso que o passo inicial quando você primeiro aprende a desenhar, é muitas vezes fazer esboços a lápis monocromáticos. Eu sei que às vezes pode parecer, isso é tão chato o que eu realmente quero fazer é aprender a pintar em cores, e você vai absolutamente chegar lá, você vai aprender isso. Mas é realmente crítico ter um bom senso de valor e forma antes de mergulhar na cor, já que é o esqueleto em que tudo o resto repousa, e se isso não está no lugar ou não é estável ou estável, você vai para ter um tempo realmente difícil fazer um trabalho que parece realista e especialmente trabalho que tem cor, que é cor realista. Então, como o local de trabalho valor tocou sobre isso um pouco já, mas as cores mais escuras tendem a afundar para trás e cores mais claras tendem a subir para a frente, se você apenas dar uma olhada na sala em que você está, qualquer coisa ao seu redor, você vai notar que o pontos mais altos de um objeto são mais claros e os pontos inferiores de um objeto são mais escuros. Então aprender a ver valor, isso vai ser uma prática ao longo da vida e um exercício ao longo da vida se você está querendo criar arte realista, mas há um truque super útil que é algo que eu aprendi quando eu estava em escola de arte e eu ainda usá-lo hoje o tempo todo, e parece realmente simples, mas o truque é basicamente apenas para apertar os olhos. Então, eu estou quase onde eles estão completamente fechados, onde você está apenas deixando entrar uma pequena lasca de luz e você vai ter dificuldade em ver qualquer detalhe, você não quer ver nenhum detalhe. Você está apenas tentando ter seus olhos o mais perto possível enquanto ainda deixa entrar apenas aquela pequena lasca de luz, e enquanto você está fazendo isso, você pode virar e olhar para o assunto que você está tentando desenhar. Agora, o que você vai notar é porque você realmente não pode ver nenhum detalhe, tudo isso vai ser um pouco obscurecido pelos olhos. Isso vai realmente ajudá-lo a identificar onde estão as maiores áreas de escuridão e as maiores áreas de luz, e esse é o primeiro passo crucial para ser capaz de ver valor é entender como a escuridão e a luz são separadas, onde eles são realmente escuros mais escuros são e onde eles são realmente luzes mais leves são, e uma vez que você identificou as escuras mais escuras e luzes mais leves, então você pode tentar comparar um pouco e ver onde os tons médios estão, e isso vai dar você um bom senso do espectro de valor de seus assuntos. Então, vamos falar muito mais sobre valor mais tarde e como aplicá-lo e como identificá-lo e vê-lo em seu trabalho. Mas agora vamos continuar com nossos outros termos e características de cor, e o próximo é matiz. A tonalidade é basicamente apenas uma característica de uma cor que a faz aparecer como vermelho, verde, azul, amarelo, o que seja. De certa forma, você pode pensar em matiz é apenas mais uma palavra para cor. O próximo termo é saturação, e a saturação pode ser considerada como a intensidade ou pureza de uma cor. Assim, o puro, o pigmento dentro da cor, mais saturado será, e quanto mais aborrecido, menos saturado. Agora aprender saturação, aprender a ver saturação pode ser complicado no início. É especialmente complicado se você está tentando criar um trabalho realista. Então, vamos falar sobre alguns truques mais tarde para identificar e aprender a ver e avaliar como a cor está saturada. Mas, por enquanto, algumas coisas a ter em mente sobre a forma como a saturação funciona em uma pintura dessaturadas são cores que são menos saturadas tendem a afundar de volta da mesma forma que as cores escuras fazem, e vamos chamar menos atenção para si mesmos. Eles normalmente não parecem tão altos ou óbvios como cores saturadas, e cores mais saturadas são o oposto, é claro, eles tendem a surgir mais para a superfície eles são mais altos ou visualmente, eles chamam mais atenção para si mesmos. Agora, como ver a saturação. Nós já falamos sobre como ver valor o truque de apertar os olhos. Mas, no geral, a melhor maneira de aprender a ver a saturação é por comparação, você vai olhar para uma cor, você vai se concentrar em uma área específica em sua referência e ter um senso apenas tentar ter um instinto inicial de que cor você acha que é, Então, qual é a tonalidade? É um vermelho? Sim, é um vermelho. Qual é o valor? Quão escuro ou claro é? Qual é a saturação, e a melhor maneira de entender a saturação é, comparando essa cor que você está focando com as outras cores ao redor, e visualmente apenas fazendo o seu caminho através da imagem e dizendo, ok, eu tenho isso Área vermelha aqui, isso é mais vermelho? Este é um vermelho mais verdadeiro, mais intenso do que este outro vermelho aqui, ou é menos brilhante? Menos intenso? Então é uma comparação para frente e para trás, bem, na verdade olhando primeiro, em seguida, comparando e avaliando sua comparação para ver como ela é precisa, e novamente, vamos falar sobre isso muito mais e você verá demonstrações de mim fazendo isso, mas esse é o amplo escopo de como ver e avaliar a saturação, e com a prática, ver a saturação dessa maneira vai se tornar realmente natural. Algumas pessoas podem fazer isso naturalmente já, mas para a maioria de nós é uma habilidade aprendida, e por isso, você vai querer ter em mente que para muitos artistas iniciantes, a tendência é exagerar, e há uma série de razões diferentes para isso, sobre as quais falaremos mais em uma lição adicional. Mas apenas tendo isso em mente que a tendência para maioria dos artistas iniciantes é usar cores muito saturadas, isto é, se você está tentando criar cores realistas, saturação é algo que tem que ser usado com algum critério e usado apenas em pequenas quantidades. Antes de passarmos para a temperatura, que é o nosso quarto e último mandato, quero ter uma breve discussão sobre a relação entre valor e saturação. A relação entre a escuridão ou a leveza de uma cor e a relação entre a intensidade ou pureza dessa cor. Valor e saturação são muitas vezes ligados, mas eles não precisam necessariamente ser. Por exemplo, este vermelho puro profundo é um valor mais escuro do que este amarelo puro brilhante. Estas são cores pigmentadas puras, o que significa que ambas estão saturadas, mas uma delas tem um valor inerentemente mais escuro do que a outra. Então você pode ver com cores puras e completamente saturadas, algumas cores serão naturalmente mais escuras, algumas cores serão naturalmente mais claras, e outro exemplo são essas duas cores muito claras. Então ambos são realmente leves em termos de valor, ambos têm um monte de branco neles, mas um está bastante saturado você pode ver que este aqui está bastante saturado, e o outro não está realmente saturado, mas ambos têm a mesma leveza. Então só ter um entendimento de que só porque algo é mais escuro não significa que esteja mais saturado e vice-versa. Esses termos se tornarão cada vez mais claros à medida que os virem em ação e em outras lições e na demonstração, então fiquem comigo por mais um termo, mais uma definição de um termo, e isso é temperatura. Temperatura de uma cor é o calor inerente ou frieza dessa cor. Uma maneira muito simples de pensar nisso seria que existem cores quentes como vermelho, laranja, amarelo e cores frias como azul, verde e roxo. Mas a maneira mais complexa e mais provavelmente realista de pensar sobre isso é que há quente e legal de praticamente todas as tonalidades que você poderia imaginar. Então, há vermelhos quentes e vermelhos frescos amarelos quentes e amarelos frescos um azuis quentes e azuis frescos. Diferentes pigmentos e diferentes misturas têm essas características diferentes de temperatura, calor diferente ou frieza diferente e em termos de como eles se comportam em uma pintura, cores mais frias, como cores mais escuras e como menos saturadas cores tendem a afundar para trás e são um pouco mais silenciosos, e vamos ler mais como uma sombra, e cores mais quentes tendem a subir para a superfície como cores saturadas, como cores claras. As cores mais quentes tendem a subir para a superfície e chamar mais atenção para si mesmas. É importante notar que a temperatura, o calor ou a frieza de uma cor, é provavelmente um dos aspectos mais subjetivos da cor. Toda a cor, assim como toda a arte visual, é um pouco subjetiva, mas a temperatura tende a ser bastante subjetiva, e o que quero dizer com isso principalmente é que as pessoas vão experimentá-la de maneiras diferentes. Então, um grande exemplo é a diferença entre azul ultramarino e azul cerúleo. Então, para mim, parece bastante óbvio que o ultramarino é a cor mais fria e que o cerúleo é o azul mais quente. Mas há muitas pessoas que realmente o vêem da maneira oposta que vêem cerúleo tão fresco e ultramarino como quente. Isso é totalmente bom e não deve alarmá-lo ou deixá-lo nervoso sobre o uso de cor. O mais importante é que você é consistente dentro de seu próprio universo de pintura, se você é como eu e você vê ultramarino é o azul mais frio, apenas tendo uma consciência disso e usando ultramarino consistentemente como o azul mais frio, e cerúleo ou [inaudível] ou qualquer outro azul que você vai usar como o azul mais quente, e isso ainda permitirá que você crie relações de cores realmente interessantes e unificadas. Isso é tudo para a nossa introdução de terminologia de cores. Parabéns, você conseguiu passar. Em seguida, vamos discutir uma ferramenta importante para usar e entender a cor, que é a roda de cores e especificamente cores complementares. 3. Relações de cores: Se você já fez uma aula de arte, talvez até mesmo uma aula de arte da escola primária, é provável que você já tenha visto um desses. Mas no caso de você não ter ou no caso de você não estar claro sobre o utilitário, como uma roda de cores pode ser usada, nós vamos revisá-lo brevemente nesta lição. Esta é uma roda de cores. Uma roda de cores pode ser muito simples ou muito complexa. A maioria das rodas de cores terá pelo menos três cores primárias, que são as cores que não podem ser formadas a partir de outras cores e as três cores secundárias. Algumas rodas de cores também terão cores terciárias, que são as cores que são feitas misturando cor primária e uma cor secundária. A principal razão pela qual estamos falando sobre a roda de cores é porque é a melhor maneira que eu sei como entender as relações de cor. Eu não vou fazer o seu reproduzir uma roda de cores ou fazer a sua própria roda de cores, embora, sinta-se livre se você quiser que ele pode ser coisa divertida e terapêutica de fazer. A principal maneira que eu ainda uso meu entendimento e conhecimento da roda de cores é entender harmonia de cores e relações de cores. Um termo que você provavelmente já ouviu antes se você fez alguma aula de arte é cores complementares. Cores complementares são cores que estão diretamente em frente uma da outra na roda de cores. Usar cores complementares em suas pinturas pode ser uma ferramenta realmente poderosa, pois essas duas cores são realmente alto contraste e colocar cores de alto contraste ao lado outras cores para ter o maior nível de contraste pode aumentar essa sensação de vibração e vivacidade em ambas as cores e pode realmente ajudá-los a saltar para fora do substrato. Outros tipos de relações de cores comuns são cores triádicas e relacionadas. As cores triádicas são feitas a partir de agrupamentos três cores equidistantes na roda de cores. Isso cria um alto nível de contraste que pode amplificar vibração da cor e realmente fazer essas cores em sua sincronização de pintura. Cores relacionadas são um agrupamento de uma cor homem mais duas outras cores que estão próximas na roda de cores. Se o seu objetivo é pintar de forma realista, que é o que estamos falando nesta aula, você estará puxando a maioria das suas dicas de cor diretamente da sua fonte, diretamente da realidade. No entanto, você pode e deve ainda empregar um conhecimento da teoria das cores quando você está planejando e executando sua pintura. É por isso que é tão útil ter uma compreensão da roda de cores e como você pode usá-lo para determinar relações de cor. Como eu disse, eu não costumo ter uma roda de cores no meu estúdio mais, mas é algo que eu internalizei. Quando estou pensando em tomar decisões estratégicas sobre cor. Se eu decidir que quero usar uma cor complementar em uma área específica para realmente aumentar a vibração, eu apenas chamaremos isso mentalmente mentalmente. Quando você realmente entende essas coisas bem, quando você entende cores complementares e você tem aquela boa imagem visual da roda de cores, você vai ser capaz de usar a cor com mais intenção e criar efeitos realmente interessantes e poderosos em seu trabalho. Vamos falar mais sobre a aplicação de cores complementares em uma próxima lição que é o nome do jogo aqui e essas lições fundamentais. Estamos introduzindo alguns conceitos e então vamos entrar em como eles se aplicam em lições posteriores. Em seguida, vamos mergulhar em algumas das coisas práticas reais, que é como determinar as cores em suas fotos de referência. Vai ser lição de duas partes e vamos mergulhar na primeira parte da lição que vem a seguir. 4. Como ver os valores: Nesta lição e na próxima lição, vamos falar sobre como realmente ver e identificar as cores que estão em sua referência, sua fonte, a imagem que você está pintando diretamente para criar esse trabalho realista. Para a primeira parte, vamos falar sobre valor e como ver valor. A razão pela qual estamos abordando o valor primeiro é exatamente o que dissemos naquela lição introdutória sobre valor, é que entender e ver o valor é a base, é a chave para criar cores realistas em seu trabalho. Todas as outras coisas sobre as quais vamos falar estão penduradas nisso. Então isso é super importante, pode parecer um pouco chato porque se você está aqui para aprender sobre cor, vamos começar falando sobre preto e branco, mas acredite, vale a pena investir o tempo e tentar entender tão bem, uma vez que vai tornar a sua vida muito mais fácil quando se trata da aplicação real de cor realista na próxima lição. Especialmente se você é um iniciante, sempre que você está trabalhando em uma pintura, quando você está tentando criar uma peça completa acabada, não apenas um esboço, mas uma peça real em que você vai investir algum tempo, pode ser especialmente útil para passar alguns minutos, em qualquer lugar de 5-20 minutos criando estudos de valor do seu assunto. Um estudo de valor é apenas um esboço muito, muito simples que é, além da linha ou da forma do assunto, as proporções do assunto, você apenas tenta bloquear rapidamente apenas com um lápis ou às vezes as pessoas vão usar carvão para isso, tentar bloquear onde as áreas escuras estão e deixar de fora onde as áreas claras estão. Mas você está apenas tentando criar basicamente um roteiro para você mesmo das áreas escuras, dos tons médios e das áreas claras. Fazer essa coisa rapidamente antes de você gastar muito tempo realmente investir em sua pintura pode permitir que você apenas tenha um bom senso para onde você está indo em termos de valor e é, como eu mencionei, especialmente útil para iniciantes, mas esta ainda é uma prática que eu tenho hoje, especialmente se eu estou criando uma peça maior ou uma ilustração mais complexa e eu quero ter certeza de que eu realmente tenho esses relacionamentos de valor pregados para baixo. Eu ainda vou gastar 10 minutos criando alguns estudos de valor diferentes, só para ter um senso para isso. Para realmente criar um estudo de valor, vamos apenas circular de volta para aquele truque que aprendemos na segunda lição, que é apertar os olhos. Você quer olhar para o seu assunto e apertando seus olhos o mais perto que eles podem chegar enquanto ainda deixa entrar o mais pequeno pedaço de luz, você só quer ser capaz de ver o assunto. Uma vez que você tenha feito isso, você pode trabalhar em apenas um pedaço de papel ou seu caderno de esboços, ou realmente não importa qual é a superfície para isso, porque este é apenas um pequeno estudo rápido. Mas uma vez que você vê que você pode usar qualquer pedaço de papel de sucata e seu lápis de grafite regular ou caneta de carvão, o que você quiser usar para apenas marcar rapidamente onde você vê as áreas escuras mais escuras da peça. Mais uma vez, com os olhos, você está realmente tentando não se concentrar em todos os detalhes. Nem se preocupe muito com a proporção. Você só está tentando descer aquelas áreas escuras mais escuras e colocar isso no seu papel. Uma vez que você tem o seu melhor palpite e você colocá-lo para baixo, você vai abrir seus olhos e você vai olhar novamente para o seu assunto e para o que você acabou de colocar e você quer comparar os dois e ver como perto da realidade é o que eu acabei de colocar no meu papel. Se você colocou as escuras mais escuras, você quer, então, talvez, olhar para ambos novamente, seu esboço eo assunto e comparar as áreas escuras e perguntar a si mesmo, “É o escuro que eu coloquei mais escuro ou mais leve do que a área escura na minha referência?” Em seguida, vá em frente e ajuste conforme necessário. Basicamente, o que estamos fazendo é que estamos trabalhando neste ciclo de olhar, tomando nosso melhor palpite, colocando-o para baixo, em seguida, comparando-o de volta com a referência e ajustando conforme necessário. Esse é o mesmo padrão que vamos usar quando se trata de identificar os outros aspectos da cor também. Então realmente internalizar esse olhar, apresentando seu melhor palpite, estabelecendo, comparando e ajustando, esse é o ciclo fundamental para identificar e criar cores realistas em seu trabalho. Como você pode ver, meu pequeno estudo de valor aqui ainda é muito difícil. Ele realmente não se parece nada com o assunto em tudo. Tudo o que me diz é onde estão os escuros mais escuros, e onde estão as luzes mais claras. Mas ainda assim este ato de criá-lo, este ato de olhar e chegar com o meu melhor palpite, estabelecer o que eu acho que vi e então compará-lo de volta a imagem de referência e ajustar conforme necessário, isso ainda é foi realmente valioso porque ele me deu uma idéia de onde essas áreas escuras e claras estão no assunto e também me deu um pouco de uma dica de onde eu potencialmente vou cometer alguns erros quando eu criar a peça final, porque isso me deu um sentido de onde eu tendi a ver coisas que são mais escuras do que realmente são na vida real ou mais leves do que na vida real. Mas de qualquer forma, está me dando uma pequena pista de como meu cérebro quer ver esse assunto. Então, como você pode ver, este ciclo de olhar, deitar, comparar e ajustar é realmente o ingrediente chave aqui para aprender a ver e executar cores realistas. Porque isso é tão crucial, porque isso é tão fundamental, eu quero fazer uma pausa aqui e apresentar a primeira parte do projeto de classe, que é para você selecionar um assunto e criar uma série de estudos de valor. Não gaste mais do que alguns minutos em cada um. Não se envolva muito nos detalhes. Tudo o que você está tentando fazer é ver as áreas escuras e claras e entender alguns de onde os tons médios estão. Então, se você se sentir confortável compartilhando os projetos da classe, é claro, por favor, faça. Adoro ver o que vocês postam e compartilham lá. 5. Como ver matiz, saturação e temperatura: Agora que temos alguma compreensão sobre os valores em nosso assunto, e como identificar esses valores, e colocá-los no papel, vamos aumentar a complexidade dos conceitos aqui e falar sobre como ver os outros aspectos da cor também. Se você se lembrar de volta da lição dois esses outros aspectos são matiz, saturação e temperatura. Vamos adotar uma abordagem geral semelhante que acabamos de ter com aprender a ver o valor, e isso está tentando não ficar muito preso inicialmente nos pequenos detalhes, as nuances, pequenas mudanças de cor, e pequenas áreas do seu assunto. Vamos seguir o mesmo padrão de olhar, deitar-nos, comparar, ajustar. Mais uma vez, assim como fizemos com a seção de valores, tente pensar em seu assunto como um objeto tridimensional simplificado. Se como eu, você está trabalhando em algo como uma maçã, tente pensar sobre a forma mais simplificada de uma maçã, que é uma esfera. Novamente, você pode querer tentar apertar os olhos e olhar para o seu assunto. Identifique as áreas escuras e claras os planos gerais básicos do seu assunto para realmente ajudá-lo a pensar nisso como um objeto tridimensional no espaço. Uma vez que você tem um bom senso para essas grandes áreas, os grandes planos, as grandes áreas escuras e áreas brancas, você vai olhar para o seu assunto novamente para tentar ver as cores dessas grandes áreas e avaliar as características da cor de que falamos. Você já tem alguma noção da escuridão ou leveza do seu assunto, as diferentes áreas de valor do seu assunto que denotam sua forma, então você também vai querer tentar identificar a tonalidade. Escolha primeiro uma dessas grandes áreas principais e tente identificar a tonalidade dessa área. É vermelho? É azul. É roxo? É verde? Uma vez que você tenha um senso para isso, para o valor e a tonalidade, você quer tentar obter uma sensação para a saturação. Como falamos em uma lição anterior, a melhor maneira de fazer isso é comparar. Se você está olhando para uma área e você está pensando, este é um vermelho médio, deixe-me comparar com esta outra área aqui, que também é um vermelho médio, esta área é mais saturada ou menos saturada ou a mesma saturação? Uma vez que você sente que você tem um bom senso de quão saturado é comparado com as outras cores no assunto, a última coisa que você quer tentar avaliar é a temperatura. Quão quente ou quão legal é esta área? Isso pode ser algo para o qual você só tem um senso. Que se sente quente ou que se sente fresco. Mas para mim, pessoalmente, prefiro a abordagem de comparação. Mais uma vez, olhando para este vermelho médio aqui novamente talvez inicialmente meu instinto é que ele se sente quente porque é vermelho, mas então quando eu olho e eu comparo com essas outras áreas, eu posso ver, na verdade, isso é um pouco mais frio, do que este é provavelmente um vermelho mais frio que eu estou olhando. Uma vez que você tenha terminado o olhar, uma vez que você tem seu melhor palpite mentalmente, você vai colocar um pouco de cor em uma amostra e, em seguida compará-lo ao lado de sua pintura, ao lado de sua referência. Esta é a principal razão pela qual eu aconselhei a trabalhar da vida ou de uma foto em vez de uma foto em uma tela. Porque uma foto em uma tela vai emitir luz, e eu vou ser transparente com todos vocês, e dizer que no meu trabalho profissional, eu praticamente sempre trabalho de fotos em uma tela. Trabalho a partir de um iPad. Mas eu tive muitos anos de prática e eu sei como compensar mentalmente o fato de que eu estou vendo uma imagem retroiluminada. Mas se você está apenas começando, será muito mais fácil criar cores realistas se você trabalha da vida ou de uma imagem impressa. Trabalharemos a partir de uma imagem impressa na demonstração, e você pode ver como ela funciona muito bem para definir a cor na amostra e compará-la com a referência. Quando é uma foto impressa, você pode simplesmente colocá-lo ao lado da referência e você será capaz de ver claramente, isso é mais escuro do que deveria ser. Ou isso está mais saturado do que deveria ser. Ou isso é mais legal do que deveria ser. Você terá um bom senso imediatamente apenas de comparar a cor que você misturou, a cor que você viu com seu assunto, com sua imagem de referência. Se você estiver fazendo isso em uma tela retroiluminada como seu telefone ou um iPad, será muito mais difícil fazer essa comparação. Nós procuramos. Nós nos deitamos. Comparamos a cor que achamos que temos na amostra com a cor que está na verdade em nossa imagem de referência. Nós também comparamos com as cores ao redor considerando o valor. Quer seja mais escuro ou mais claro. A Matiz. De que cor é, é mais verde? É mais azul? É mais vermelho. É purpler? A saturação. É mais intenso ou menos intenso? A temperatura. É mais quente ou mais frio? Uma vez que fizemos toda essa comparação, então nos ajustamos. Mais uma vez, a comparação é o ingrediente chave aqui, assim como era quando estamos identificando o valor. Como tal, este processo é muito um para trás e para frente. Você vai passar por todo esse ciclo. O olhar, Deite-se, comparar, ajustar várias vezes ao longo de uma pintura. Você vai aparecer com o que você acha que é a cor. Você vai comparar mentalmente. Então você vai colocá-lo em seu substrato e comparar novamente com a referência só para ver se você acertou. Em seguida, ajuste conforme necessário. Agora, como um lado, esta é uma razão pela qual pode ser tão útil trabalhar em camadas e começar realmente leve inicialmente se você puder, porque ele apenas lhe dá mais espaço e mais espaço para continuar esse processo de preparação e ajustando para ter certeza de que você obtém a cor exatamente exatamente como deveria ser. Você vai me ver lidar com todo esse processo e você vai ver como é cíclico, quantas vezes eu faço isso mais, e mais, e mais uma vez, na demo. Quando eu fizer a pintura demo. Com a prática, você fará cada um desses passos mais rápido e, eventualmente, até inconscientemente. Parece muito, tenho certeza que inicialmente quando você está tentando imaginar, cada vez que eu tomar uma decisão de cor eu tenho que olhar para comparar e ajustar. A triste realidade, a dura realidade, eu não quero ser negativa, mas a realidade é que realmente não há atalho, maneira fácil de fazê-lo. Esta é uma versão da maneira que me ensinaram na escola. É o jeito que ainda faço hoje. Pode haver alguns prodígios cor muito sorte lá fora no mundo que podem ver uma cor e sem ter que saltar através de qualquer um desses aros que a maioria de nós tem que. Eles podem apenas identificar imediatamente exatamente qual é a cor, saber cientificamente como combinar e, em seguida, colocá-lo em sua tela imediatamente exatamente como deveria ser. Essas pessoas existem, tenho certeza, mas são muito poucas e distantes. A maioria dos artistas profissionais fazem uma versão do que estou falando, o olhar, o comparar e o ajuste. Se você quer aprender a criar cores realistas, você realmente tem que abraçar esse processo e apenas entender que ele vai se tornar mais fácil e mais internalizado e se sentir mais natural ao longo do tempo. Em seguida, vamos mergulhar na mistura de cores e falar sobre a diferença entre cor baseada em pigmentos versus cores mistas, como configurar uma paleta, todas essas coisas divertidas. 6. Pigmento único vs pré-misturado: Estamos chegando perto da demonstração prática, onde eu vou criar uma pintura do início ao fim, mas antes de mergulharmos nisso, precisamos abordar um último assunto que é misturar cores. A primeira coisa que precisamos para descompactar um pouco é mídia baseada em pigmento, versus mídia mista e misturada. Dependendo do tipo de mídia que você está usando, as cores com as quais você trabalha podem ser pigmentos de fonte única. Eles podem ter um único pigmento neles, ou podem ser misturas que são feitas de vários pigmentos. Geralmente, tintas de tubos como aquarelas, acrílico, óleos terão opções de pigmento único e opções misturadas, enquanto meios como lápis colorido, marcadores, certas marcas de guache, certos tipos de pastéis, realmente só terá opções que são misturadas ou pré-misturadas. Essas, novamente, são cores que são feitas de vários pigmentos diferentes já. Duas tintas, como eu mencionei, têm muitas misturas também, mas eles geralmente têm uma grande variedade de opções de pigmento puro, especialmente se você estiver trabalhando com uma marca profissional ou uma marca high-end. Esta questão de pigmentos puros versus pigmentos misturados é realmente bastante complexa, e dependendo de qual canto da Internet você se encontra, talvez até mesmo um pouco de uma questão controversa. Muitos artistas sentem muito fortemente que você só deve usar cor pigmento puro, porque lhe dá o maior controle em algumas maneiras, em vez de usar meios misturados, mas eu, pessoalmente, estou bem usando ambos. Eu uso cores pigmentadas puras e uso cores pré-misturadas. Eu acho que ambos podem ser usados lindamente para criar cores realmente vibrantes, realistas, desde que você entenda as diferenças entre eles, e quando e como usar cada um deles. Uma grande diferença entre mídia de pigmento único versus mídia misturada, é que se você estiver usando mídia de pigmento único, você pode começar com uma paleta relativamente pequena, e você vai fazer toda a sua própria mistura para obter correspondências de cores para sua referência. Cada cor que você vê em sua referência, você vai ter que mesclar mão para obter exatamente o certo. Inversamente, se você estiver usando cores pré-misturadas ou cores misturadas, digamos que se você estiver usando lápis de cor, da maneira que eu gosto de fazer, você vai querer tentar minimizar a mistura. Você vai querer tentar usar menos cores diferentes em cima um do outro, a fim de evitar confusão. Muddiness é um pouco de um termo subjetivo, mas basicamente, significa que a cor parece maçante, como se tivesse perdido um senso de vida, não há vibração nisso. Muddiness pode acontecer basicamente quando você tem muitos pigmentos diferentes misturando e colocando em camadas um sobre o outro. Se você estiver usando um único pigmento, às vezes pode ser mais fácil para algumas pessoas evitar confusão, porque você está usando apenas menos pigmentos diferentes, e você sempre sabe exatamente o que está na mistura de cores que você fez. Enquanto que, se você estiver usando mídias misturadas, como lápis de cor ou marcadores, você nem sempre sabe os pigmentos exatos que estão nessa mistura. Então, pode ser um pouco mais fácil realmente tropeçar acidentalmente para criar uma cor lamacenta. Por essa razão, é aí que você quer ser um pouco mais cuidadoso quando você está usando cores pré-misturadas para gastar o tempo para tentar realmente combinar com precisão a cor mista para o seu assunto, versus cores puras de pigmento terão apenas um pigmento neles, então você tem um pouco mais de flexibilidade. Se você está se perguntando se as tintas que você já tem, os suprimentos que você já tem, são um único pigmento ou não. Se você está trabalhando com duas tintas, você deve ser capaz de virá-las e ver uma lista de ingredientes quase na parte de trás do tubo de tinta, que irá dizer-lhe quais pigmentos foram usados para criar essa cor. Você também pode, se ele não está aparecendo no tubo por algum motivo ou se é difícil de ver, você geralmente pode encontrar essas informações no site do fabricante, olhando para a cor específica, e então ele irá dizer-lhe quais pigmentos foram costumava fazer essa cor. 7. Criando uma paleta e conceitos básicos de mistura de cores: De que cores você precisa quando está construindo uma palete? Para cores à base de pigmentos, você realmente precisará de seis cores essenciais. Você precisará de um vermelho quente, um vermelho frio, um azul quente, um azul frio, um amarelo quente e um amarelo fresco. Para a demonstração, eu vou estar usando um conjunto de aquarela inicial de Daniel Smith que contém cada uma dessas cores, e isso é realmente tudo que eu vou precisar para uma paleta básica para aquarela. Mas se você está trabalhando com acrílico ou óleo, você também deve ter certeza de adicionar em branco de titânio à mistura. Claro, se você quiser, você pode preencher sua paleta com algumas outras opções também. Se você quiser fazer algo além desses seis iniciais, eu provavelmente iria chegar a um violeta ou algum verde viridiano que só vai fazer misturar certas cores mais fácil. Você pode misturar praticamente tudo o que você vai precisar com as seis cores iniciais, mas pode ser bom preenchê-lo às vezes com um violeta ou viridiano. Na minha opinião, o preto é sempre opcional. Você pode misturar algumas cores realmente interessantes que estão muito perto do preto. Nós só temos mais uma sensação de vivacidade do que puro preto direto do tubo. Agora, de que cores você precisa se estiver trabalhando com cores prévias ou cores de base misturadas? Se você estiver trabalhando com cores pré-definidas, seja em uma cor de tubo, lápis, marcadores, provavelmente você precisará de uma gama maior de cores para corresponder com precisão ao que você vê em sua imagem de referência. Se você está trabalhando com lápis de cor como eu vou estar na demo, geralmente, eu acho que o conjunto 72 é um lugar decente para começar. Eu recomendo Prismacolors como a opção econômica. Se você está procurando uma opção de alarde, eu recomendo Luminance by Caran d' Ache. Eu uso essas duas linhas regularmente, e as cores específicas vão depender em grande parte do que você está desenhando e qual é o seu estilo. Provavelmente haverá cores que você usa muito rapidamente, e você passa por todo o tempo e cores que você não usa muito rapidamente em tudo, e descobrir que você dificilmente tem que substituí-los. Por esta razão, acho que é especialmente importante quando você está trabalhando com cores mistas que você escolher marcas que têm suas cores disponíveis em estoque aberto. estoque aberto significa que você pode comprar apenas uma cor individual, então apenas um marcador ou um lápis conforme necessário, em vez de recomprar o conjunto inteiro quando você ficar sem as 15 cores que você usa o tempo todo. É por isso que eu recomendo Prismacolors como opção de orçamento. Pelo que sei, eles são os lápis mais acessíveis que estão disponíveis em estoque aberto. Sobre como configurar sua paleta e misturar cores. Agora, eu vou falar sobre a configuração da paleta baseada em pigmentos, e então eu vou desempacotar e falar sobre a configuração uma paleta baseada em misto quando eu estiver realmente na demonstração. Estou fazendo isso ao vivo na demo. Mas por enquanto, vamos começar com um pigmento baseado em aquarelas Daniel Smith que estou usando, e com aquarela, você pode realmente trabalhar em qualquer palete. Pode ser um prato antigo. Pode ser um pedaço de folha de estanho. Pode ser uma paleta de plástico com paredes. Seja lá o que você gosta de trabalhar está bem. Eu tenho esta bandeja médica de esmalte velho que eu gosto de usar para uma paleta sempre que eu estou trabalhando com cores de tubo. Isso é o que eu vou usar para configurá-lo. Configurando minha paleta aqui, você verá que eu estou definindo [inaudível] azul, que é na minha opinião o azul mais quente, ultramarino francês, que é o azul mais frio, novo Camboja, que é a luz amarela Hansa mais quente, que é o amarelo mais frio, Pyrrol Scarlet, que é o quente ou vermelho e Quinacridone Rose que é o vermelho mais frio. Se eu estivesse trabalhando com tintas a óleo, eu iria gastar algum tempo para pré-mistura tantas cores quanto possível desde o óleo levar uma eternidade para secar, então pré-mistura em suas cores pode realmente ser realmente economia de tempo e pode ser uma boa maneira de fazer o processo de pintura mais fácil. Mas com aquarelas e com acrílicos realmente, eu gosto de misturá-los como eu vou, misturá-los como eu preciso, em vez de misturá-los antes do tempo. Eu preciso ter certeza de deixar muito espaço entre cada uma das cores na paleta. É por isso que eu preparei isso desta forma com uma boa quantidade de espaço. Agora que temos nossa configuração paladar, vamos apenas cobrir algumas práticas recomendadas para misturar cores. O primeiro é um que já mencionamos, e que é deixar muito espaço entre as cores em sua paleta. A segunda é usar uma faca de paleta limpa ou um pincel limpo quando você estiver pegando tinta da pilha de cores original. Isso garante que as cores originais realmente permanecem puras e vibrantes e que você pode misturá-las com outras cores facilmente mais tarde, se você precisar. O terceiro ponto é se você estiver trabalhando com acrílico ou óleo, você realmente deve usar uma faca de paleta para misturar, não seu pincel. Vou em frente e ser honesto com vocês porque vocês verão como eu realmente faço isso quando eu estiver na demo. Confesso que não sou o melhor nestes últimos dois pontos. Eu costumo usar meu pincel para misturar, e eu costumo às vezes voltar para as pilhas de origem com uma escova suja. Eu gostaria de ter formado outros hábitos antes, mas por enquanto, eu só tenho que contornar alguns desses maus hábitos. Mas eu pensei em mencionar os bons de qualquer maneira, caso você esteja apenas começando e você queira se esforçar para que o bom aconteça. Vamos falar sobre algumas dicas de mistura. Primeiro passo, como saturar ou dessaturar uma cor. Realmente, a única maneira de aumentar o nível de saturação em uma cor é adicionar mais do pigmento saturado. Lembrando que a saturação é a intensidade da cor, não a leveza. Para tornar uma cor mais intensa, você realmente tem uma opção, que é adicionar mais da cor de pigmento puro, ou se você estiver trabalhando com misturas, escolher uma das cores pré-misturadas que está mais saturada e trabalhar isso em. O inverso para a cor dessaturada, você pode adicionar preto, o que algumas pessoas fazem. Mas eu vou dizer, eu realmente recomendo contra a adição de preto, ou você pode adicionar pequenas quantidades de uma cor complementar. A razão pela qual eu prefiro adicionar a cor complementar ao invés adicionar preto é que ele produz cores que têm mais variedade e que são mais interessantes e têm menos lama em vez de simplesmente adicionar preto. Se você pode imaginar trabalhar através de uma pintura inteira, e toda vez que você quiser escurecer uma cor, você está adicionando preto, todas as cores em toda a sua pintura serão apenas derrubadas em termos de sua vibração impureza. Considerando que, se você estiver dessaturando adicionando pequenos pedaços das diferentes cores complementares, verde será dessaturado por ter vermelho adicionado, e roxo seria dessaturado por ter amarelo adicionado, e azul será dessaturado por ter adicionado laranja. As cores só terá muito mais variedade porque eles são feitos a partir de algumas duas cores diferentes em oposição apenas a cor, e então cada vez que você tem que dessaturar adicionando preto. Tente passar um pouco de tempo aprendendo a fazer isso se você puder, ele realmente vai pagar em termos de vivacidade e interesse de sua cor. É assim que escurecer ou iluminar a cor. O mesmo vale para escurecer uma cor. Você pode usar preto. Mais uma vez, recomendo contra isso. Se você quiser escurecer uma cor, você vai quebrar novamente para o complemento dessa cor. A cor que está diretamente em frente a ele na roda de cores, e use-a em quantidades variáveis. Se você apenas adicionar um pouco disso, ele vai apenas dessaturar e escurecer um pouco. Mas se você adicionar muito, ele vai realmente escurecer essa cor, eventualmente. Potencialmente chegar a uma sombra quase preta. Quando você está querendo clarear a cor, se você estiver trabalhando com uma mídia opaca, como óleo, acrílico ou pincel, você adicionará branco. Se você está querendo clarear a aquarela, tudo que você vai fazer é adicionar mais água e certifique-se de colocar para baixo uma camada mais fina. Último ponto a ouvir antes de correr para a demonstração, como criar misturas quentes e frias. Para criar uma mistura quente. Se você está misturando uma cor, você está misturando sua própria cor, e você quer que seja uma cor quente, use duas cores quentes diferentes. Diga, se você está tentando misturar uma laranja, você tem uma escolha entre o vermelho frio, o vermelho quente, o amarelo frio, e o amarelo quente. Se você está querendo misturar um pouco de laranja quente, certifique-se de escolher o vermelho quente e o amarelo quente. Enquanto que se você quiser misturar uma laranja mais fria, você pode escolher o vermelho frio e o amarelo fresco. Se você quiser fazer um pouco de laranja mais neutro, você pode fazer um dos vermelho mais quente e o amarelo mais frio ou o vermelho frio e o amarelo mais quente. seguir, vamos finalmente mergulhar na demonstração onde eu vou criar uma pintura do início ao fim, e eu realmente vou descompactar como e quando eu estou usando todas essas técnicas diferentes. Você vai me ver fazendo correspondência de cores em tempo real, e realmente vai explicar todo o processo, em processo como ele está acontecendo. 8. Demonstração parte 1: Então nós vamos mergulhar na demonstração aquarela em apenas um segundo aqui.. Antes de começarmos a ação, eu só queria mencionar que esta peça levou uma hora e 45 minutos no total para criar na vida real. A fim de manter esta classe mordida link apropriado, Eu aparei alguns. A maioria do que foi cortado são as pausas onde eu estou decidindo o que fazer e avaliando e, em seguida , é claro, parte da execução da cor. Eu mostro cada cor que é colocada para baixo, mas vamos dizer que eu passei cinco minutos ou 10 minutos trabalhando com uma determinada cor na vida real, eu posso ter aparado isso apenas para mostrar 10 ou 20 segundos ou mais da ação. Você vai começar a ver cada escolha de cor que eu fiz, mas parte do tempo que foi realmente necessário para a execução foi cortado para fora. Só queria fazer uma divulgação completa sobre isso, dizer a vocês exatamente quanto tempo essa peça demorou e então eu acho que a demo será de cerca de 25 minutos. Vamos em frente e mergulhar. Começando a ação aqui eu tenho meu esboço, eu tenho minha imagem de referência, eu tenho minha paleta, meu papel blotter, e eu coloquei as cores para baixo na paleta e eu estou começando com a mistura. Você pode ver que a cor que eu estou tentando misturar é destacada com o círculo turquesa logo acima. É basicamente o destaque realmente brilhante no topo da maçã. Vou fazer essa seção primeiro porque é a coisa mais leve de toda a maçã. Eu quero ter certeza de tirar isso desde aquarela você tem que trabalhar da luz ao escuro. Indo para um roxo mudo muito agradável. Eu comecei com azul ultramarino e depois um pouco da rosa quinacridona. Para dessaturar um pouco, eu adicionei apenas um pouquinho do novo gamboge, que é o amarelo mais quente. Só estou testando na minha amostra para ver se tenho a cor certa. Então eu vou ir em frente e colocá-lo no meu esboço. Estou começando muito leve. Eu preciso ficar mais escuro depois, mas eu só quero mantê-lo leve para começar, já que eu realmente não posso voltar e torná-lo mais leve se eu deixá-lo muito escuro inicialmente. Estou trabalhando para combinar esta nova área destacada aqui. Está novamente no círculo turquesa na imagem de referência. Quero um rosa macio. Então eu estou começando apenas com um escarlate pirrol realmente diluído. Percebendo que isso é um pouco leve demais o que eu tenho inicialmente, então eu estou adicionando um pouco mais e verificando novamente, e isso é muito saturá-lo e um pouco quente demais. Então eu vou tentar esfriar com um pouquinho de ultramarino, e eu também adicionei apenas como o pedaço mais minúsculo da luz amarela hansa. Agora essa cor parece muito boa para mim. Então eu vou ir em frente e colocá-lo no meu esboço. Novamente, estou trabalhando bem leve. Eu provavelmente terei que escurecer isso mais tarde, mas eu só não quero ir muito longe na escuridão para começar, já que eu nem sequer coloquei nenhum dos tons médios. Só estou bloqueando em todos os lugares que vejo essa cor. Agora, eu vou trabalhar em misturar esta seção verde que eu destaquei aqui em cima. Então eu estou começando com a luz amarela hansa e ter adicionado em um pouquinho de ftalo azul. Neste ponto, está um pouco saturado demais, então eu estou adicionando um pouquinho de pirrol escarlate. Vermelho é o elogio do verde, então isso vai me ajudar a derrubar a saturação. Parece melhor, mas parece um pouco quente demais para mim. Então eu vou ir em frente e misturar um novo verde que é, começa com duas cores legais diferentes. Eu vou fazer a luz amarela hansa que é legal, e o azul ultramarino que é legal. Vou verificar e ver como isso parece. Lá vamos nós. Acho que é o vencedor. Eu vou ir em frente e deitá-lo. Agora, eu quero trabalhar nesta cor laranja que eu realcei aqui novamente no círculo turquesa. Estou começando com aquele verde que eu misturei mais cedo, que estava um pouco quente demais. Eu adicionei em um pouquinho do novo barco de jogo e, em seguida, o pequenino pouquinho do escarlate pirrol. Eu estou tentando apenas novamente bloquear em todos os lugares que eu vejo esta cor, e eu estou voltando para aquele verde mais frio agora para deitar um pouco em torno do caule da maçã. Isso realmente parece o verde legal para mim. Depois há um pouquinho aqui em cima, no topo da maçã. Agora vou fazer a transição para misturar o vermelho principal. Esta seção aqui que eu destaquei é o bit mais saturado. Só estou testando o puro pirrol escarlate. Parece quente demais para mim, então estou adicionando uma rosa de quinacridona. Verifico isso de novo. Parece um pouco legal demais agora. Então, mais do pirrol escarlate. Tentando ir muito devagar aqui, e isso parece a cor certa para mim. Eu vou ir em frente e colocá-lo para baixo no esboço. Isso tudo vai precisar de muito mais nuance mais tarde, mas por agora eu estou apenas tentando bloquear na maioria de onde eu vejo esta cor vermelha mais saturada. Eu estou percebendo que vou precisar de mais dessa mesma cor, então eu estou apenas misturando mais do pirrol escarlate e da rosa quinacridona e continuando a trabalhar meu caminho através da peça, colocando-a em todos os lugares onde eu vejo essa cor. Agora, eu quero misturar um pouco mais deste tipo de cor laranja. Estou começando com meu pirrol escarlate e um pouco de novo gamboge, que está muito saturado. Então eu estou derrubando um pouquinho com apenas um pouco de ftalo azul. Eu vou verificar, ainda muito saturar. Então eu vou pegar um pouco mais de azul ftalo. Passei muito com o ftalo e acabei com uma cor verde azul. Então, em vez de lutar contra isso, eu vou começar de novo em uma nova pilha, obter mais um novo gamboge, pouco mais do pirrol escarlate, e então misturar um pouco dessa cor que tinha muito ftalo Azul nele. Estou indo e voltando com o pirrol e o novo gamboge até chegar ao calor certo. Acho que estou a aproximar-me, por isso vou verificar outra vez a minha amostra. Isso parece muito melhor. Então eu vou ir em frente e começar a colocar isso para baixo. Aqui eu quero desenvolver algumas das sombras e as áreas esverdeadas. Então eu estou pegando um pouco mais da mesma cor verde que eu desenvolvi anteriormente. Eu misturei um pouco mais. Mais uma vez, essa é a luz amarela hansa e o ultramarino. Estou trabalhando na área mais sombria, mais escura e menos saturada da parte verde da maçã. Estou pulando para frente e para trás com aquela cor de tosta dessaturada que eu fiz também. Então, indo e voltando entre o verde e o biscoito, tentando obter as partes da sombra da maçã para o valor certo e para a cor certa e, em seguida continuar a trabalhar nas porções mais escuras da maçã com aquela cor de biscoito dessaturada que eu fiz. Neste momento sinto que preciso de mais do verde sombrio fresco. Estou misturando mais luz amarela e ultramarina. Isso parece certo para mim. Eu vou ir em frente e colocar isso baixo e apenas suavizar as bordas aqui e adicionar um pouco dele para a parte interna esquerda do caule, já que isso está na sombra também. Agora, eu estou pegando praticamente apenas um puro pirrol escarlate, uma versão diluída de um puro pirrol escarlate, e fazendo uma lavagem sobre todas as áreas avermelhadas como a Apple. Estou fazendo isso por algumas razões. Primeiro, porque não me sinto saturado o suficiente, acho que preciso aumentar a saturação e aprofundar um pouco o valor. Segundo, porque eu quero fazer mais sentido de unidade e agora a cor é muito irregular. Então fazer algumas lavagens de uma única cor por cima vai realmente me ajudar a obter mais desse sentido unificado. Agora eu estou pegando um pouco mais da minha cor tosta dessaturada e eu estou apenas continuando a trabalhar isso ao longo da fronteira entre as áreas verde e vermelha. Neste ponto, agora que eu tenho todos esses tons médios para baixo, eu posso ver que meu destaque é muito leve. Eu vou escurecer a parte de destaque lá apenas para que ele não se destaque tanto do resto da peça. Misturando um pouco mais da minha cor de biscoito aqui. Vou continuar a tentar desenvolver as áreas escuras desta maçã. Eu fui muito gradualmente com os valores aqui. Então os valores escuros estão chegando em último lugar, já que essa é realmente a melhor maneira que eu prefiro trabalhar com aquarela, a fim de ter certeza que você acerta os valores, construindo-os gradualmente ao longo do tempo. Neste ponto eu queria ser um pouco mais legal, então eu coloquei um monte de rosa quinacridona no meu pincel para dar a essa sombra mais de um sentido legal. Como falamos nas lições de cores, ter algo que tenha uma temperatura mais fria pode realmente ajudar suas sombras a serem lidas como sombras. Neste ponto, quero tentar obter uma boa cor para o caule. Essa cor que eu misturei mais cedo quando eu estava tentando fazer a laranja, que tinha muita mancha nele, é na verdade ideal para o caule. Agora, eu quero desenvolver este pedaço aqui onde o destaque se encontra com o resto da maçã. Parece um pouco duro demais para mim como eu tenho isso agora, então eu estou apenas amolecendo um pouco. Agora, vou em frente e trabalhar na sombra. Quero ir em frente e manter minha sombra bonita e legal. Vou trabalhar com ultramarino, bastante ultramarino. Eu só estou colocando no mesmo lugar onde eu tive minha mistura de destaque. Então já tem um pouquinho da rosa quinacridona lá dentro. Estou misturando um pouco mais de quinacridona rosa e depois, mais uma vez, derrubando a saturação com luz amarela Hansa. É um pouco mais legal do que o que está na imagem de referência. Mas eu vou seguir em frente e tomar essa decisão de colocar para baixo o que eu quero estar lá em vez do que realmente está lá, já que eu quero manter minha sombra agradável e legal. Há muitas cores quentes na maçã. Eu acho que ter um tom mais azul para a sombra vai realmente complementar essa cor laranja-vermelha na maçã muito bem. Só estou tomando uma decisão executiva com base no que sei sobre teoria das cores para ir em frente e empurrar essa sombra para o final mais frio mais azul. Preciso misturar uma versão mais escura para a parte mais escura da imagem de referência. Então eu estou fazendo a mesma coisa. É novamente quinacridone rosa, ultramarino, e então como eu quero que fique ainda mais escuro, eu estou misturando mais da luz amarela hansa, e eu vou apenas colocar isso para baixo na parte mais escura da sombra gota direita debaixo da maçã. Eu me sinto como o vermelho da maçã, especialmente neste destaque mais suave no lado aqui, acabou ficando um pouco quente demais. Então eu estou misturando um pouco de pirrol escarlate com alguma rosa quinacridona. Eu vou fazer uma lavagem mais fria sobre isso para tentar obter a temperatura onde eu acho que precisa estar. Eu já posso dizer que eu estou ficando um pouco pesado aqui, então eu vou usar minha toalha de papel, apenas cuidar de um pouco disso. As cores ainda se sente um pouco quente demais para mim em comparação com a referência. Mas isso é algo que eu vou ser capaz de cuidar mais tarde com lápis de cor. Eu só estou indo em frente e trabalhando em um pouco mais dessa sombra, cor de descanso, para tentar obter os valores direito no lado da sombra da maçã. Mais uma vez, suavizando as bordas com a escova menor. Só estou tentando ter certeza que tenho todas as áreas que têm aquela cor de biscoito exatamente como deveriam ser. A cor certa, o valor certo, trabalhando em um pouco mais do verde escuro. Isso não tem que ser perfeito porque eu vou nuance todos estes um monte de lápis colorido. Mas quanto mais eu fizer agora, mais fácil será quando for hora de trabalhar com lápis colorido. Eu vou ir em frente e secar minha peça aqui, já que eu estou trabalhando no relógio e tentando ser agradável e rápido, e então vamos passar para lápis colorido. 9. Demonstração parte 2: Então aqui vamos para a parte de lápis colorido da peça, a camada de aquarela está completamente seca, então eu vou ir em frente e escolher o que eu acho que eu preciso para a minha paleta de lápis colorido. Como eu falei na lição de cores, quando você está trabalhando com cores pré-misturadas ou pré-misturadas, você quer tentar começar com a seção maior, uma paleta maior de cores, que esperançosamente permitirá que você faça um correspondência precisa com menos mesclagem. Então eu só comecei com as seis cores iniciais para a aquarela e você pode ver que eu já tenho muito mais do que isso para lápis de cor. Estou tentando olhar para a referência e ver quais cores estão na referência e quais cores eu acho que vou precisar para ser capaz de corresponder com precisão. Então eu tenho alguns grupos principais diferentes aqui. Eu tenho alguns cremes, e alguns amarelos claros, alguns amarelos mais profundos e amarelos mais brilhantes, alguns tipos diferentes de laranjas, alguns são vermelhos mais quentes, vermelhos mais frios, mais saturados, menos saturado, mais escuro, e eu tenho alguns verdes diferentes também. Eu basicamente só tentei olhar para a imagem de referência e ter um sentido, baseado no meu instinto, que cores eu acho que vou precisar. Então eu estou apenas tentando combinar esta cor aqui que eu realcei com o círculo turquesa, então eu vou entrar com o vermelho pré-saturado e, em seguida, o vermelho menos saturado e eu vou testar ambos fora. Eu vou ir em frente e combinar algumas cores inicialmente apenas para que eu saiba quais eu vou usar. Então eu estou tentando obter esta cor aqui, esta cor de ferrugem sombra. Então eu estou testando uma laranja dessaturada mais fria, e então eu quero encontrar a cor para este lugar de transição entre a ferrugem e o verde. Inicialmente parece um pouco no lado laranja para mim, mas eu tenho a sensação de que na verdade vai ser muito amarelo. Então eu acho que essas são as cores principais que eu estou precisando para os vermelhos e os amarelos. Na verdade, mudei de ideias sobre a minha abordagem. Eu acho que ao invés de entrar com os vermelhos primeiro, eu vou começar a tentar obter alguns desses pequenos pontos que estão através da superfície da maçã e eu não quero usar branco porque branco seria um pouco muito áspero, então eu vou entrar com uma cor creme suave. É um lápis afiado muito bom que eu tenho aqui e eu vou apenas marcar alguns desses pontos brancos apenas para ter certeza de que eu tenho aqueles para baixo, ele vai tornar muito mais fácil incluí-los desta forma do que se eu tivesse que adicioná-los em cima mais tarde. Eu vou para a minha próxima cor mais clara que é aquele amarelo verdadeiro brilhante e eu vou trabalhar através de alguns dos pontos de transição entre o verde e a ferrugem e tentar obter esse tom amarelo para baixo. Agora eu vou começar a trabalhar em algumas das áreas enferrujadas da maçã, a cor enferrujada, eu estou usando aquela laranja mais fria, menos saturada e apenas trabalhando meu caminho em todos os lugares onde eu vejo essa cor. Agora eu vou mudar para algumas das áreas mais verdes da maçã tentando descer esta seção do lado da maçã aqui que está no lado da sombra, mas na verdade é um pouco mais leve, parece que tem um reflexo da superfície Voltando para ele, e então eu estou trabalhando naquela laranja mais quente, mais saturada que você me viu testar começar no início na parte de baixo da maçã bem aqui e eu estou apenas trabalhando em pequenos traços circulares com meu lápis. Eu estou tentando obter um pouco da cor lateral aqui sentir que ele precisa ser um pouco mais escuro e talvez até um pouco de um verde mais quente. Então eu procurei a casca de limão de Prismacolor, que é um pouco mais escura do que o verde que eu estava usando e é bastante quente. Agora mudando as engrenagens para o vermelho, eu peguei, eu acho, este é vermelho carmim. É um vermelho muito brilhante, muito saturado, frio e agora saltando de volta para algumas das partes de sombra. Em seguida, vindo para esta porção aqui em cima, o lado da sombra ao lado do caule, parece ser mais um verde verdadeiro, e então esta é uma cor fria silenciosa, pêssego. De volta ao vermelho carmim. Então aqui eu vou trabalhar provavelmente no lápis de cor mais escura que eu usei até agora. Isto é vermelho toscano. Eu só quero obter este valor a parte escura desta maçã mais perto de onde ele precisa ser tão vermelho toscano vai ser a cor perfeita para me ajudar a fazer isso. Este também é um vermelho escuro. Acho que é o Lago Carmesim. Acho que esse é o nome da cor, mas não é tão escuro quanto o vermelho toscano, mas vai ser ótimo para uma cor de transição. Neste ponto, eu acho que estou pronto para ficar um pouco mais leve com esse destaque então eu peguei pêssego leve, que na paleta Prismacolor tem um monte de branco nele. Então eu estou indo muito sutil, muito suave sobre algumas das áreas mais leves deste destaque, eu não estou cobrindo a coisa toda, eu estou apenas tentando fazer as partes que realmente lêem como mais brilhantes e mais leves. Então eu vou pegar um pouco da mesma cor e trabalhar em torno das bordas do destaque superior apenas para suavizá-los um pouco. Eles ainda estão lendo como um pouco duro demais, mesmo que eu tentei suavizá-los com a aquarela, lápis de cor é uma ótima maneira de unificar um pouco da cor lá em cima e certificar-se de que não tem uma borda nítida tão antinatural. De volta com alguns destes vermelhos mais brilhantes aqui usando um vermelho papoula aqui, que é apenas um vermelho verdadeiro brilhante, muito saturado e quente. Então aqui eu vou redescrever algumas dessas porções mais leves que eu fiz e realmente suavizá-las um pouco, então eu só quero colocá-las inicialmente, eles eram apenas pontos muito nítidos e afiados. Eles ficaram amaciados um pouco de ter as outras cores, colocar sobre o topo deles, mas se você pode imaginar aqueles pequenos manchas que estão em uma maçã, eles geralmente têm bordas suaves, então eu estou apenas tentando penas algumas dessas bordas um pouco com a cor creme. Agora, pela primeira vez, estou vindo aqui com um pouco de branco puro. Este é apenas o branco Prismacolor. Novamente, você pode ver que eu não vou rever todo o destaque com ele. Como falamos com luzes e escuras sendo realmente judicioso e realmente duplo verificando se o que parece ser um verdadeiro branco puro é de fato um verdadeiro branco puro porque ter algumas dessas nuances nas porções mais leves de seu assunto em si, isso vai ser o que realmente faz com que pareça realista em vez de se você apenas tem um grande bloco de branco puro cada vez que você tem um destaque. vez, um pouco mais do vermelho papoula. Agora a transição para um pouco mais de desenvolvimento no lado da sombra da maçã e especificamente na área verde. Basta olhar para a referência em comparação com o que eu tenho para baixo na minha peça já, eu posso dizer que ele precisa ser tanto mais escuro e mais frio. Então eu estou testando uma cor chamada verde celadon, que é um jade neutro legal do tipo verde. É o mesmo que eu estava usando anteriormente, e vai ser uma combinação muito boa para a tonalidade e a temperatura e o valor desta seção da maçã. Mais uma vez, de volta a esta área escura. Quanto mais escuro e mais desenvolvido eu tenho todo o resto, eu ainda sinto que isso não é suficientemente escuro. Então eu vou usar um dos truques que falamos, novamente, nas partes sentar-se da lição e que é escurecer a cor com seus complementos. Então eu vou usar um verde escuro, que verde , como nos lembramos, é o complemento do vermelho. Agora eu preciso desenvolver esta porção aqui em cima, este pequeno pedaço verde que está espreitando. Em seguida, de volta para o lado verde mais escuro da maçã apenas para tentar obter a sombra mais perto do valor exato neste ponto para ajudá-lo a ler como uma sombra. Tudo bem, um pouco mais de desenvolvimento nos vermelhos aqui e de volta ao amarelo, volta a um pouco de laranja, apenas tentando obter a temperatura certa, a saturação certa em todas as pequenas áreas vermelhas. Neste ponto da peça, nós realmente desenvolvemos e realmente dispusemos todos os principais blocos de cor então o que eu estou fazendo aqui quando eu alternar para frente e para trás entre esses lápis de cor é que eu estou apenas olhando para as pequenas fatias de cor. Estou fazendo o mesmo processo que fizemos, o olhar, o deitar-se, comparar, ajustar, mas as seções que estou olhando ficaram menores e menores e menores. Então começou olhando para os grandes blocos de cor e agora eu estou olhando e comparando essas pequenas áreas de cor para tentar obter a nuance dessas cores exatamente como deveriam ser. Eu estou apenas continuando a saltar para frente e para trás entre os diferentes vermelhos laranjas e verdes tentando obter essas pequenas áreas de cor matizada exatamente como eles deveriam ser. Agora vou em frente e desenvolver um pouco a sombra elencada, a sombra solta, e novamente, eu vou apenas saltar para frente e para trás entre cores diferentes aqui em pequenas áreas tentando obter a nuance para baixo. Eu vou pegar aquele lápis cor creme novamente e tentar obter algumas dessas áreas mais leves, essas pequenas estrias que estão saindo de torno do caule da maçã, tentar obter algumas dessas para baixo. Novamente, eu sou capaz de trabalhar com esta cor mais clara em cima das cores mais escuras porque muito do que está aqui embaixo é aquarela. Então algo como um creme vai ser muito agradável e opaco em cima da camada de aquarela em oposição a se eu tivesse feito toda esta peça com lápis colorido, eu não seria capaz de camada na mesma maneira. Mais desses pequenos detalhes leves. Neste ponto, eu vou trabalhar um pouco mais sobre a sombra, e no geral, eu sinto que a sombra tem uma boa quantidade de vermelho nele, então eu vou refletir isso na pintura, mas quando se trata do resto da sombra de gota eu ainda vou fazer o que eu tinha planejado inicialmente e tentar mantê-lo bastante neutro, bastante legal. Então eu estou usando uma combinação de um roxo muito, muito claro, cinza, que é uma cor muito legal. Então, neste ponto eu vou apenas saltar para frente e para trás muito rapidamente entre diferentes cores muito claras e cores muito escuras. Eu estou basicamente trabalhando para obter as luzes mais claras e escuras mais escuras para baixo, suavizando mais as bordas dos pequenos pontos através da maçã, continuando a desenvolver a sombra, que é na verdade um valor muito leve, e, em seguida, adicionar um pouco de um destaque ao longo da borda do caule e mais sombras na área interna do caule. Estou usando o mesmo processo de apenas olhar e comparar e tentar obter os valores certos, os matizes certos em todas essas pequenas áreas. Apenas dando alguns toques finais ao longo da borda aqui. Eu quero ter certeza que essa borda realmente lê como uma superfície que está curvando-se para trás, então eu preciso ter certeza ter uma pequena sombra correndo ao longo da borda lá e em seguida, fazer alguns toques finais com o branco puro e o creme e eu acho que eu vou chamá-lo um dia. Então, como eu mencionei, muitas das minhas outras peças seriam mais do que cinco ou seis vezes mais tempo que isso, então não é totalmente perfeito, mas eu espero que você possa ter um bom senso para este processo e para como eu tomo decisões com cor ao longo do curso de uma pintura. Se eu estivesse trabalhando em um 10-20 nosso quadro, eu estaria fazendo mais do mesmo processo. Então seria o mesmo ciclo, seria o olhar, deitar-se, comparar, ajustar. Seria apenas muitas, muitas mais vezes mais e eu estaria tendo provavelmente mais camadas e possivelmente até outras mídias, bem como guache ou pastel. Então é isso para a demo. 10. Armadilhas comuns: Ok, bem-vindo de volta. Então essa foi a demo. Esperemos que tenha sido realmente útil e você sente que tem um senso mais abrangente desses diferentes aspectos da cor e como usar e ver a cor em sua imagem de referência em sua pintura. Antes de encerrarmos a aula, eu queria tirar um momento rápido para rever algumas das armadilhas comuns para artistas iniciantes quando eles estão tentando criar cores realistas. A realidade é que os iniciantes podem ser mais suscetíveis a alguns desses erros, mas há realmente coisas que todos nós temos que tomar cuidado para ser cautelosos e evitar, a fim de criar cores realistas. Falámos um pouco sobre este assunto noutras lições. Só quero desempacotar mais um pouco. A primeira armadilha é a tendência de fazer uma cor muito escura ou muito clara, então não obtenha o valor certo. Este é um desafio para iniciantes e realmente para todos nós, porque ver nuance em valor, assim como ver nuance e cor é uma habilidade que leva tempo para se desenvolver. Muitos de nós, quando estamos começando, teremos uma tendência a tornar automaticamente as áreas que parecem realmente escuras, e as áreas que parecem claras quase brancas. Por isso, temos uma tendência a tornar o valor demasiado extremo. Na realidade, a menos que o assunto seja iluminado por uma luz artificial artificial e artificial, a maioria das cores que vemos na maioria dos assuntos são tons médios. Então, há aquelas luzes verdadeiras e aquelas que são quase pretas, mas a realidade é que a maioria das cores estão em algum lugar nesse espectro médio. Então, apenas ter uma consciência de que a tendência pode ser ir longe demais em qualquer direção e ignorar o meio termo pode ajudá-lo a lembrar de dar uma segunda olhada e, com sorte, obter esses tons médios para baixo com precisão. Uma maneira que você pode se ajudar a fazer isso também é tentar reservar as mais escuras e luzes mais claras até o final de sua pintura. Então, mesmo se você pensar, Sim, esta área aqui, isso é quase preto. Tente ou espere até que você tenha alguns dos outros tons médios para baixo antes de colocar para baixo aqueles escuros mais escuros. Se você salvar isso até o final, ele pode forçá-lo a ver mais tons médios e certificar-se de que você está baixando esses tons com precisão. A próxima coisa a estar ciente é uma coisa boa, mas vem com desafios, e isso é que todos nós temos esses cérebros incríveis que lembram muita informação sobre o mundo ao nosso redor. Então, uma das coisas que nossos cérebros fazem para manter toda essa informação é simplificá-la. Então lembramos que uma árvore é verde, o oceano é azul, uma maçã é vermelha, uma vaca é preto e branco, e temos essas imagens mentais que podemos chamar à mente dessas coisas. Andamos o tempo todo com a memória e o conhecimento da cor que pensamos que essas coisas são. Então, quando chega a hora de realmente pintar essa coisa, quando chega a hora de realmente pintar a árvore ou a folha, por exemplo, nossas incríveis memórias podem trabalhar contra nós porque eles tentam lembrar a versão simplificada e nos fazem pensar que é isso que estamos dizendo na vida real. Então, estivemos pintando uma folha e nosso cérebro pensará, sim, folhas são verdes. Então, especialmente para iniciantes, que será uma tendência para tornar a folha muito verde, quase como um ícone de uma folha ou um desenho animado de uma folha, ao contrário da realidade de uma folha verde verdadeiramente complexa que sim, tem verde e lê como verde, mas provavelmente não é tão saturado, provavelmente tem um monte de vermelho nele também. Isso se conecta muito bem com a próxima tendência, a próxima armadilha, que também é algo que nós tocamos e que é a tendência para iniciantes fazer cores muito saturadas. Isso é parcialmente por causa de nossas memórias de coisas que eles ficam mais simplificados e transformam na forma de ícone deles em oposição à forma real deles, mas também é só porque as cores saturadas são realmente bonitas e eles são atraente e eles são divertidos de olhar. Portanto, há um desejo de usar muita cor saturada quando talvez não esteja realmente no assunto real para a referência. Mais uma vez, eu vou dizer a mesma coisa que eu disse antes quando eu mencionei isso; não há nada de errado em usar cor puramente saturada. Se esse é o estilo que você quer escolher, ótimo. Mas se você está tentando criar um trabalho realista, apenas lembrando que a verdadeira saturação pura é muito rara na vida real, especialmente se você estiver pintando objetos naturais; então frutas, animais, plantas, pessoas, simplesmente não há muito puro saturação no mundo. A maioria das coisas que são puramente saturadas são coisas que são feitas pelo homem. Então, apenas ter uma consciência disso irá ajudá-lo a discar um pouco de volta e salvar esses momentos de pura saturação para quando eles realmente aparecem em sua referência. O extremo oposto do espectro também pode ser um desafio para artistas iniciantes. Isso é algo que nós tocamos também com a mistura e que é lama. Então, às vezes, se estamos tentando desenvolver uma cor matizada, especialmente para usar cores pré-misturadas ou pré-misturadas, a tendência talvez para torná-lo um pouco para usar muitas misturas diferentes, para usar muitas misturas diferentes, e isso pode fazer com que a cor perca a sua vibração e tenha um pouco de um sentido lamacento. Então a coisa básica a lembrar aqui é que se você acabar usando muitos pigmentos diferentes, essa é a situação em que você pode criar lama. Então, se você está usando cores puras de pigmento, é um pouco mais difícil ter lama. Se você estiver usando cores prévias, é um pouco mais fácil. Então, se você estiver usando essas cores pré-definidas, tente o seu melhor para combinar diretamente uma única cor em vez de colocar muitas cores em camadas uma sobre a outra. Se você estiver usando os pigmentos puros, você não precisa se preocupar com isso tanto, mas apenas manter o controle de quantos pigmentos diferentes, quantas cores diferentes você tem em sua mistura. A única chatice sobre este ponto é que se você está trabalhando na mistura de uma cor, especialmente se você está trabalhando em um meio como aquarela ou lápis colorido e a cor fica muito enlameada, pode ser complicado salvar isso. Se você está trabalhando em óleo ou acrílico, você pode apenas esperar até que ele seque ou raspe fora de sua tela e começar de novo, mas uma vez que a cor com aquarela fica enlameada, você tem opções limitadas. Você pode ser capaz de adicionar um pouco de lápis colorido em cima, um pouco opaco lápis de cor que irá cobrir um pouco dele até. Como eu mencionei, quando falamos sobre lama pela primeira vez, não fique com medo de que isso aconteça. Em algum momento ele vai. Você vai arruinar uma pintura com cor que é muito lamacenta e você vai aprender com isso. Então, apenas tendo essa consciência básica de quando se trabalha com misturas, tente usar menos e quando se trabalha com pigmentos, você não precisa se preocupar tanto com isso. Tudo bem. Em seguida, vamos encerrar a aula e falar sobre o projeto da classe. 11. Finalização e projeto do curso: Bem-vinda de volta. Finalmente chegamos à última lição. Agora é hora de você pegar tudo o que aprendeu e juntar todas essas peças e colocá-lo em ação no projeto da classe. Nós já cobrimos a Parte 1 do projeto de classe, que é um estudo de valor. Se você ainda não fez isso, espero que você tire um tempo para criar alguns estudos de valor baseados em sua referência. Pense nesses pequenos estudos de valor como uma nota rápida para si mesmo. Eles não precisam ser perfeitos. Eles não precisam ser detalhados, mesmo que você passe apenas dez minutos fazendo isso, vai valer a pena. A segunda parte do projeto de classe é criar uma pintura colorida acabada usando a mídia de sua escolha. Obviamente, eu uso aquarela e lápis de cor, mas você pode realmente usar qualquer coisa se você quiser fazer acrílico ou pastel ou marcador ou uma mistura de marcador e outra coisa, a mistura de outros meios. Seja como for, crie uma pintura colorida do início ao fim usando a técnica que falamos em todas as outras lições. Olhando, colocando a cor, comparando e ajustando conforme necessário. Só repetindo esse processo uma e outra vez. Depois de terminar, espero que você aproveite o tempo para compartilhar seu trabalho concluído no projeto da classe e, especialmente, qualquer trabalho em andamento fotos. Se você tiver alguma nota sobre o que está aprendendo ou o que está tirando, isso será especialmente útil. Eu sempre amo projeto de classe sênior em qualquer classe, mas eu acho que por causa da natureza subjetiva da cor, é tão útil para nós ver como outras pessoas estão processando e como outras pessoas estão se aproximando dela. Se você se sentir confortável compartilhando seu projeto de classe, eu realmente espero que você vai. Muito obrigado mais uma vez por fazerem esta aula. Espero que tenha sido útil. Espero que você se sinta mais confiante na cor e esteja pronto para mergulhar na criação de suas próprias belas pinturas coloridas realistas.