Pintando luz e sombra: o básico para retratos e personagens

1. Introdução: Hoje, na aula, vamos explorar a iluminação para pinturas potrait em ilustrações de personagens. A luz é um tema enorme, mas nesta aula vamos dividi-la em partes gerenciáveis que podemos melhorar nosso conhecimento e fazer melhores obras de arte. Você aprenderá a identificar os padrões, formas e tendências da luz para que você possa tomar melhores decisões artísticas em seus desenhos e pinturas. Vamos falar sobre diferentes tons de pele, os diferentes tipos de fontes de luz e como eles afetam as cores em nossos assuntos. Vamos olhar para toneladas de exemplos, de iluminação à luz do sol, luz nublada, luz de janela e luz elétrica. Também analisaremos ângulos de iluminação comuns que funcionam lindamente para retratos e ilustrações de personagens. Vou mostrar-lhe como eu misturar e obter bordas suaves com alguns dos meus meios favoritos; incluindo marcadores, ferramentas de pintura digital, tintas a óleo e pastéis de giz macio. Nós também falaremos sobre alguns efeitos de iluminação realmente atraentes que você pode usar em suas peças. Vamos explorar a luz apagada, a dispersão subterrânea, como obter esse brilho em suas peças, e muito mais. Você será capaz de assistir como eu demo técnicas para iluminar personagens em quatro cenários de iluminação diferentes. Também vou compartilhar meu processo de pensamento e métodos para pintar retratos estilizados e retratos mais realistas. Da aula, você vai sair com toneladas de materiais de referência e recursos que o ajudarão a solidificar sua compreensão da escrita. Estou tão animada para compartilhar essa aula com todos vocês. Espero que se junte a mim. Então, pegue seu meio favorito e salte para a aula. 2. Termos e ideias: Esta aula será sobre manchas de padrões. A luz é previsível quando é uma fonte de luz no rosto. Você verá padrões moldados se repetem de um rosto para o outro. Então, nesta aula, vou me ater ao que sei. Em vez de te ter sentado numa aula onde falamos sobre a ciência da luz, vou ficar com a minha perspectiva artística. Esta será uma aula de iluminação muito observacional. Então vou deixar o aspecto científico da luz para professores que podem explicar isso muito melhor do que eu poderia. Se você é um iniciante, quero que você saiba o tipo de língua que estou falando aqui. Então vamos rever algumas coisas sobre as quais falarei na aula para que saibas a que me refiro. Você vai me ouvir falar muito sobre os aviões da cabeça nesta classe. É basicamente uma conceituação artística da cabeça que ajuda a simplificar as formas do rosto, facilitando a pintura. Em vez de olhar para a cabeça e tentar descobrir tudo, você pode dividi-lo primeiro em simples reivindicações. Isso pode ajudá-lo a capturar o efeito de iluminação na cabeça. Vamos falar muito mais sobre isso no próximo vídeo. Quando falo sobre temperaturas de cor nesta aula, estou falando sobre o quão quente ou legal uma cor é. Cores mais quentes, quando relacionadas a todas as outras cores, são os vermelhos, laranjas, amarelos e verdes quentes. Cores mais frias tendem a ser os verdes frescos, azuis e roxos. É importante lembrar que uma cor pode ficar quente ou fria. Como aqui, temos um amarelo mais frio e aqui temos um amarelo mais quente. A cor é relativa. Este amarelo está mais perto de um verde e este está mais perto de uma laranja. No rosto, há muitas mudanças de temperatura que acontecem. Se a iluminação for muito quente, as sombras tendem a esfriar. Se a iluminação for legal, as sombras geralmente terão um calor em comparação. Agora, vamos falar sobre a cor local. cor local é a cor natural de uma coisa como aparece em luz neutra, não afetada pela cor de uma fonte de luz. cor local deste limão é amarela. Mas quando ligamos diferentes fontes de luz, a cor muda. Quando o limão é colocado sob uma luz azul, você pode ver que a mudança de cor que acontece. Não é mais aquela cor amarela local que normalmente pensamos quando vemos um limão. Quando o colocamos sob uma fonte de luz quente, você pode ver como ele muda novamente. Agora, o valor é a relativa leveza ou escuridão de um objeto. Os valores são super importantes quando se trata de iluminação. Mudanças de valor precisas darão ao seu retrato aquele visual 3D, fazendo com que o que é 2D no papel pareça real. Também falaremos sobre valores de contraste. Aqui temos uma imagem com valores de alto contraste. Esta imagem explora toda a gama de luzes e escuras. Enquanto aqui temos um baixo contraste de valores mais sutil, a imagem é bastante bloqueada em apenas uma determinada faixa de cinza. É bom controlar se você quer que suas mudanças de valor sejam de alto contraste ou baixo contraste. Agora, vamos falar sobre a diferença entre fontes de luz diretas e difusas. Alguns exemplos de fontes de luz diretas são o sol, um holofote ou uma lâmpada sem abajur. Fontes de luz diretas tendem a resultar em uma distinção clara entre luz e sombra. Não há nada entre a fonte de luz e o sujeito para difundir ou suavizar a luz. Assim, as formas de luz e sombra são mais fáceis de detectar. A qualidade da borda entre luz e sombra em um cenário de iluminação direta é difícil. Os valores de contraste são superiores a um cenário de iluminação difusa. luz difusa são fontes de luz que têm algum tipo de agente suavizante na frente delas, resultando em um cenário geral mais suave do que nossos exemplos anteriores de iluminação direta. Um ótimo exemplo de um cenário de iluminação difusa está fora em um dia nublado. O sol ainda está lá, mas agora é difundido por um cobertor de nuvens. Agora a luz vem de todas as direções diferentes de uma só vez, o que resulta nesse efeito suavizante e menos contraste com os valores. Muitas vezes, os fotógrafos usam caixas macias ou guarda-chuvas para que possam ter a opção de iluminação mais suave ou difusa em seus estúdios. Alguns tipos de retratos serão mais lisonjeiros com a iluminação suave. Em uma situação de iluminação difusa, é mais difícil dizer a diferença entre o que cai na luz e o que cai na sombra. Você pode olhar para a sua referência para ajudar com isso. Mas se você é um iniciante, você pode achar mais fácil praticar desenho de retratos em cenários de iluminação direta enquanto você está aprendendo pela primeira vez porque as formas de luz e sombra são muito mais fáceis de detectar. Você provavelmente terá uma experiência mais agradável desenhando um cenário de iluminação direta porque você será capaz de ver as formas de valor mais facilmente. Então você vai chegar a esse efeito 3D satisfatório mais rapidamente. Você vai ouvir fotógrafos falar sobre sua luz chave. Estão se referindo à fonte de luz principal que estão usando. A luz principal ou a luz principal é o que molda as formas do rosto. Além da fonte de luz chave, fotógrafos usarão uma fonte de luz de preenchimento. Este tipo de luz é usado como fonte de luz secundária, subordinada à luz principal. As luzes de preenchimento são normalmente usadas para rebater a iluminação suave de volta para as sombras. A luz de enchimento pode ser uma grande fonte de luz difusa ou pode até ser um grande pedaço de placa branca. Dê uma olhada neste quadro branco. Veja como a luz principal está batendo no tabuleiro e então essa luz está voltando para as sombras. Quando objetos rebatem sua cor e luz de volta para o assunto, isso é o que nos referimos no mundo da pintura como luz refletida. Veja como esses papéis coloridos podem recuperar belas cores também. Cada objeto que recebe luz torna-se outra fonte de luz. Não tão forte quanto o primeiro, mas forte o suficiente para empurrar sua cor e luz para as áreas circundantes e as sombras. Muitas vezes, você verá camisas coloridas refletem luz e cor de volta para a parte inferior do rosto. É bom entender os conceitos básicos de luz e sombra em uma bola. Isso vai ajudar quando você está tentando renderizar outras coisas redondas, como a cabeça ou a bola do nariz. Neste cenário de iluminação direta, teremos uma série previsível de tons. Se desenharmos todos esses tons em relação adequada uns com os outros, podemos alcançar essa realidade 3D em nossos desenhos. Então há luz e sombra. Essas formas são as primeiras coisas essenciais que precisamos nos treinar para ver. Quando você pisca os olhos para baixo, você pode ver essas formas mais facilmente. Agora vamos investigar este lado leve. Há alguns tons para conhecer na luz. O destaque será o ponto mais leve. É um reflexo da própria fonte de luz. Os destaques nem sempre são brancos puros. Então, quando você vai pintá-los, você pode tentar experimentar com outras cores claras também. Agora, se puder, imagine esta bola como tendo aviões facetados. O plano mais voltado para a luz é chamado de luz central. À medida que o avião começa a se mover cada vez mais ao redor e longe da fonte de luz, eles estão sendo atingidos apenas parcialmente pela luz. Assim, os valores gradualmente se movem mais escuros e mais escuros. Estes são chamados de meios-tons. Agora, a borda que você vê como a forma passa da luz para a sombra é chamada de terminador. É uma transição muito rápida neste cenário de luz direta. Agora, vamos investigar este lado sombrio. As sombras dividem-se em duas partes principais: a sombra da forma e a sombra do elenco. Sombras de forma são aquelas na própria forma como os planos se afastam da fonte de luz. Na forma de sombra, às vezes você encontra o que é chamado de sombra do núcleo. Esta é a parte mais escura da sombra da forma. Você também encontrará luz refletida na sombra do formulário. Isso acontece porque a fonte de luz também está batendo na mesa e basicamente transformando-a em uma fonte de luz secundária. Veja como este papel rosa aparece luz e cor de volta na tigela. Agora, as sombras conjuradas ocorrem quando uma forma impede que a luz atinja outra forma. Neste caso, a bola está bloqueando esta parte da tabela de receber luz direta da fonte. Você notará que um pouco de luz refletida saltando ao redor da sala pode saltar para a sombra do elenco. Então, como você pode ver, é um pouco mais leve em valor aqui do que aqui. Este espaço onde a bola encontra a mesa é pequeno. Então é difícil para qualquer quantidade de luz entrar lá. Esta escuridão aqui é chamada de sombra de oclusão. Sombras de oclusão, eu encontrei, fazer bem quando pintado uma laranja marrom quente em um retrato. As formas de luz e sombra vão mudar à medida que nos movemos em torno da fonte de luz. À medida que afastamos a fonte, as sombras conjuradas ficam mais longas. Mas com uma fonte de luz direta, esses tons básicos previsíveis permanecem na mesma relação entre si. Basicamente, significando, se você renderizar uma bola em uma tecla alta ou em uma tecla baixa, as relações entre o que é mais leve e o que é mais escuro permanecerão as mesmas. Se você quiser estudar mais isso, você pode comprar formas geométricas on-line, pintá-las cores diferentes e depois pintá-las sob diferentes fontes de luz. As bordas duras exigirão atenção dos espectadores, enquanto as bordas borradas serão um lugar para os olhos dos espectadores relaxarem e fluírem ao longo da peça. Experimente com bordas diferentes, tornando algumas afiadas e outras macias e borradas. Isso dará à sua peça um olhar pintativo, uma sensação de profundidade, e um elemento de realeza porque nossos olhos humanos não vêem tudo e focam tudo o que ele quer. Então, tente brincar com bordas, mesmo que isso signifique alterar o que a referência da foto indica, já que as câmeras tipicamente capturam tudo nítido. A qualidade da borda em torno do cabelo é um dos lugares mais divertidos para experimentar. Normalmente, você verá bordas mais duras ao redor dos cantos da cabeça e, em seguida, bordas mais suaves à medida que você move para baixo o comprimento do cabelo. Bordas suaves podem realmente ser encontradas onde dois objetos tocando têm um valor semelhante. Eles meio que fluem naturalmente um no outro. Então você pode segurar isso na sua pintura. Não tenha medo de deixar as coisas indefinidas. Além disso, procure áreas onde duas arestas de toque têm valores dramaticamente diferentes. Estas são ótimas áreas para melhorar a nitidez. Para tornar uma aresta nítida, use um contraste mais alto entre os valores e a marcação decisiva. Use um pincel afiado, marcador fino ou um lápis afiado para ajudar a fazer o trabalho. Ter bordas duras e suaves pode dar seu pedaço de ritmo visual e torna uma pintura emocionante para continuar olhando para fora. 3. Planos da cabeça: Algumas situações são mais adequadas para começar com um esboço detalhado, mas na maioria das vezes, eu acho que a abordagem mais simples para iniciar um retrato e pintar meios é fazer um esboço rápido para colocação e, em seguida, saltar diretamente para as grandes massas de cores e aviões da cabeça. Esta é a cabeça simplificada em aviões pelo artista Andrew Lemus. Pensar com a mentalidade de um avião, ajuda-nos a pensar na cabeça em 3D. Pensar assim pode nos levar a uma estrutura sólida para a cabeça. Não será plana, mas acreditável porque você levou em conta as voltas 3-D das formas da cabeça. Veja estas pinturas de John Singer Sargent. Você pode dizer que ele pensou em três dimensões. Ele não estava pensando na cabeça em duas dimensões na tela, mas ele estava pensando na cabeça toda ao redor. Dividir nossos assuntos em aviões também nos dá uma maneira simplificada de visualizar a grande declaração de iluminação. Com todas as complexidades do rosto simplificadas, é mais fácil projetar a luz. Em uma determinada situação de iluminação, cada plano está inclinando para a fonte de luz ligeiramente diferente. Então, cada uma dessas mudanças de plano resultará em uma mudança de cor ou valor. Isso pode ser uma mudança quase imperceptível ou uma mudança óbvia, dependendo do plano e da fonte de luz. A testa pode ser dividida em três planos principais, um plano central com planos laterais de dois ângulos. Isso se conecta a esta forma chave aqui entre os olhos e dois planos oculares. O nariz pode ser dividido em um plano frontal, dois planos laterais que se inclinam, e, em seguida, dois planos de asa de nariz superior, dois planos de asa inferior onde as narinas estão, e um plano inferior. Na bochecha, você pode desenhar três linhas imaginárias. Um para o masseter, o músculo de mastigação um para o queixo e outro para onde você imagina que o dente canino pontudo cairia. Isso cria mais oito planos, girando a cabeça da frente para os lados. A boca também pode ser dividida em planos, sendo o mais simples o lábio superior virado para baixo e o lábio inferior virado para cima. Mas você também pode dividi-lo em seis planos menores como este. Estas são as mudanças de plano principal que considero quando começo a fazer um retrato. Então, à medida que eu começar a rolar, eu começo a considerar as mudanças de plano menor, em torno da boca, do queixo e no pescoço. Em uma visão reta, planos voltados para cima, também conhecidos como planos superiores, são aqueles planos que geralmente estão voltados para cima. Os planos voltados para baixo, também conhecidos como sob planos, geralmente voltados para baixo em direção ao solo. Se você está tendo dificuldade em descobrir se algo é um plano virado para cima ou um plano voltado para baixo, coloque as mãos nesse avião em seu próprio rosto e depois puxe-o para fora na mesma direção. Se você pudesse continuar o caminho da sua mão para sempre, acabaria por atingir o céu ou o chão? Você será capaz de alcançar uma estrutura realmente agradável para a cabeça quando você quebrá-lo em aviões como este. Um bom exercício que você pode tentar solidificar essa idéia é desenhar os planos da cabeça em cima das fotos. Uma vez eu passei por uma revista inteira e fiz isso e foi muito útil para mim. Fazer isso ajudará você a começar a pensar em 3-D, mas você também começará a notar as mudanças de cor e valor que acontecem de plano para plano. Estas mudanças de cor de plano para plano são o que vai nos dar o nosso principal efeito de iluminação quando começarmos a pintar. Nesta aula, vou cobrir principalmente o retrato adulto, mas estes mesmos aviões podem ser aplicados a qualquer idade, raça ou sexo, apenas com proporções diferentes e pequenas variações nas direções do avião. No entanto, estes aviões são apenas o ponto de partida. Depois de obtê-los, você precisará adicionar cores de transição ou aplicar outra técnica de mistura para ajudar a fluir suavemente um plano para o próximo. Isso transformará seu desenho robô em um humano, mas falaremos mais sobre isso no vídeo de técnicas de mistura mais tarde na aula. 4. Tons de pele: tom de pele de uma pessoa é muito importante porque é uma das cores principais com as quais você vai trabalhar em um retrato. É uma boa ideia aprender a misturar tons de pele na mídia que você escolher. Se você trabalha com um meio tradicional, você pode achar que é uma boa idéia tentar copiar sua própria cor de pele em iluminação neutra e tomar nota das cores que você usa para ajudá-lo a obter a mistura que você alcança. Obtemos a melhor representação da cor local de uma pele sob iluminação suave neutra. Claro, quando começamos a introduzir fontes de luz que forma mais quente ou fria, como vamos descobrir, a cor da pele e luz na sombra muda. Mas, conhecer os conceitos básicos de mistura de tons de pele de cor local será um ótimo lugar para começar. Você também pode olhar para referências. mestres pintores são ótimos para estudar. Sargento, Bouguereau, Zorn, ou até mesmo alguns dos mestres modernos. Se você está misturando com pigmentos, um bom ponto de partida para tons médios de pele é um cambium vermelho mais amarelo ocre mais titânio branco mais azul de King ou azul água-marinha. Mas, em vez de sempre aderir a uma receita de mistura, reserve tempo para observar cada tom de pele e experimentar outras combinações. Se você pode sair para uma sessão de desenho ao vivo e pintar da vida, esta é uma das melhores maneiras de melhorar rapidamente todos os aspectos de suas habilidades de desenho e pintura. Existem algumas coisas a considerar ao determinar como pintar a pele de alguém. Primeiro você pode considerar qual é o valor? Quão clara ou escura é a pele deles? Segundo, qual é a tonalidade geral? Todos temos nossas bases em uma tonalidade laranja marrom. Mas, em seguida, levando mais longe, eles têm uma pele rosa ou avermelhada uniters? Ou eles têm um tom amarelo ou verde? Ou não há nenhum tom distintivo? Faça comparações com outras cores para ajudá-lo a decidir. Alguns tons de pele se inclinam mais para tons rosados ou avermelhados, enquanto outros têm tons dourados ou azeitona. Por último, o que faz a saturação de sua pele? Eles têm um tom de pele mais silencioso, ou sua pele é muito rica e saturada? Encontrar respostas para essas perguntas pode levá-lo a pintar melhores tons de pele. Continue experimentando, ajustando e ajustando cada componente de cor à medida que você mistura. Uma ótima cor de tinta para misturar todos os tipos de tons de pele é vermelho óxido transparente. Você pode obter um monte de misturas de tons de pele realmente bonitas quando você experimenta com esta tinta. Diminuindo a tonalidade um pouco mais, às vezes você verá mudanças de matiz que acontecem entre essas zonas da face. Em tons de pele leves a médios, muitas vezes a zona do meio onde as bochechas e aquelas são, terá uma tonalidade mais vermelha ou rosa. Este é o mais óbvio de se ver, eu acho. No terço inferior do rosto ao redor da boca sua mandíbula, você pode ver uma tonalidade azulada ou esverdeada. Isso geralmente é mais visível em homens que têm uma sombra das 5 horas. Às vezes, a zona superior da testa é mais amarela ou dourada em comparação com as outras duas zonas. Explore esta ideia caso a caso e observe se há novas variações entre as zonas do rosto do sujeito e alguns tons de pele escuros. Eu pessoalmente notei que a zona do meio pode realmente ir mais dourado do que tons de vermelho. Então, esteja alerta para mudanças e swain dessa idéia dependendo do tom de pele. Levar a tonalidade ainda mais longe em todos os tons de pele pode ser bonito para experimentar com cores quebradas. A pele não deveria ter uma cor uniforme. Você pode colocar diferentes tons um ao lado do outro para ajudar a capturar essa sensação de luz e cor. Aqui, o tom de pele é um valor médio com tons amarelos e laranja. É também um tom de pele bastante saturado, mas podemos adicionar ainda mais energia ao tom de pele usando cores quebradas. Ampliando, você pode ver como eu dancei alguns rosa-roxos mais frios nesta área para ajudar a adicionar um pouco de vivacidade à pele. Eu também espalhei algumas cores quebradas neste retrato para ajudar a mostrar melhor a sensação de luz e cor. Tente manter o mesmo valor para que nada apareça seja muito claro ou muito escuro. Basta mudar a tonalidade ao redor da roda de cores e tentar pular algumas novas cores em seus tons de pele para animá-los. Uma nota rápida sobre trabalhar digitalmente, trabalhar com dor digital é muito mais fácil cor sábia porque você pode escolher cor diretamente da imagem. Às vezes, eu vou em frente e brincar com ajustes de cor e Photoshop se eu acho que vai me dar cores mais visualmente agradáveis. Aqui, eu realmente gosto do efeito da saturação inchada para que possamos ver essas belas cores nas sombras. Experimente as cores e altere-as a partir da referência onde você achar melhor, especialmente se seu objetivo é tornar algo mais artístico ou real. A câmera só pode fornecer tanta informação de cor. Se você está colorindo um personagem de sua imaginação, você pode querer evitar pintar em um fundo branco primeiro porque a tendência pode ser pintar muito levemente em valor, deixando você pouco espaço para destaques. Assim, muitas vezes é mais fácil começar com um valor de tom médio como sua cor de fundo. Alguns pintores de óleo vão até tonificar sua tela primeiro com uma mistura solta marrom, azul ou verde. Como nota para pintores digitais, descobri que os tons de pele naturais muitas vezes se encontram aqui nesta faixa com a tonalidade empurrada mais vermelha ou mais amarela. Mas, é claro, sempre há exceções, então seja observador e sempre experimente. 5. Fontes de luz: Então, acabamos de falar sobre a cor local dos tons de pele. Mas, na verdade, a cor local é apenas um ponto de partida, porque como o exemplo de limão anteriormente, temos que considerar também a fonte de luz e qual temperatura de cor é a fonte de luz. As cores que vamos pintar nas imagens são as cores locais, pois elas são afetadas pela fonte de luz. Nesta seção, estaremos caminhando pelas tendências de vários cenários de luz comuns. Estaremos comparando e contrastando as temperaturas das cores, bordas e valores. Eu acho que realmente estudar esses cenários básicos vai nos ajudar a criar melhores obras de arte. Uma pintura de retrato ou ilustração de personagem não precisa ter uma tonelada de fontes de luz diferentes para se tornar uma grande peça. Realmente, um cenário simples de luz será bonito, então considere estudar esses cenários e, em seguida, continue a explorar outros de lá, se desejar. Em um dia ensolarado e claro céu, o sol atua como uma fonte de luz direta. Como o sol não é difundido pelas nuvens, as formas resultantes de luz e sombra no rosto são bastante óbvias para nós vermos. As sombras do elenco tendem a ter uma qualidade de borda mais dura e os valores no retrato geralmente são de alto contraste. A temperatura de cor da luz solar ao ar livre geralmente lhe dará um calor na pele na luz e uma frieza nas sombras. Isto é mais claramente visto ao nascer e ao pôr do sol. Nestes momentos, a luz será laranja vermelha em qualidade na luz e violeta azul fresco nas sombras. Quando você está olhando para uma pessoa do lado de fora, você também tem que considerar seu ambiente. O sol está atingindo o céu e tudo o resto no mundo, então essas coisas se tornam fontes de luz secundárias, subordinadas ao próprio sol, mas fontes de luz todas iguais. Nesta situação em que você vê a borda do cabelo está brilhando com luz, isso significa que a pessoa está voltada para longe da fonte de luz direta, o sol. Mas como você pode ver, seu rosto ainda está iluminado. Mas como, se ela está virada para longe do sol? Neste tipo de situação, luz direta do sol está apenas atingindo a parte de trás dela, mas seu rosto está realmente sendo iluminado por fontes de luz secundárias, principalmente o céu e o solo. Os planos voltados para cima na área da sombra são afetados pela clarabóia e pela cor e, portanto, têm uma qualidade azul para eles. Os planos voltados para baixo são afetados pela luz e cor do solo, que é tipicamente quente, vez que geralmente é sujeira, areia, uma calçada ou grama verde quente. Então, sempre que você vê a situação em que as costas de uma pessoa são para o sol, você vai ter essa frieza nos planos voltados para cima, da testa, do topo das bochechas, da ponte do nariz, da parte superior dos lábios e da parte superior do queixo. Então você verá um calor nos planos voltados para baixo, o plano entre os olhos, a parte inferior do nariz, a parte inferior das bochechas, logo abaixo do lábio inferior aqui e a parte inferior do queixo. Isso é continuado no pescoço, peito e, eventualmente, o corpo da mesma maneira, com planos voltados para cima tendo uma frieza e os planos voltados para baixo tendo um calor. É realmente incrível quando você começa a ver isso na vida real, em fotos e em filmes. Lembro-me de ver filmes e ver isto o tempo todo quando aprendi isto. É um efeito realmente bonito que acontece na vida real e se traduz muito bem para retrato artístico também. No entanto, o sol é a principal fonte de luz em um dia ensolarado claro. Então, tenha isso em mente, nada na sombra será mais leve em valor do que a luz forte. iluminação nublada é basicamente o sol sendo bloqueado por um cobertor de nuvens grossas. É um cenário de iluminação difusa como falamos antes. Com luz nublada, a luz vem de muitas direções ao mesmo tempo. Como resultado, as transições de valor da luz para a sombra ficam significativamente mais suaves. O contraste entre luz e sombra não é mais intenso e dramático, mas em vez disso, é muito gradual. As bordas das sombras fundidas são muito mais suaves do que em um cenário de luz solar direta. Lembre-se de apertar os olhos para encontrar a distinção entre as áreas estão sendo atingidas pela luz e as áreas que caem nas sombras, isso ajudará você a pintá-las melhor. Na minha observação, a luz num dia nublado tende a ficar mais fria na luz e mais quente nas sombras. Muitas vezes, eu vi tons rosa ou violeta nas luzes e verdes alaranjados quentes aparecendo nas sombras. Se você gosta de pintar da vida, uma boa maneira de obter iluminação natural relativamente consistente dentro de casa, é pintar por uma janela. Artistas de retratos que trabalham dentro de casa muitas vezes gostam de trabalhar em um estúdio de luz norte. luz vinda do norte tem sido aceita como a mais consistente ao longo do dia sem a luz direta do sol derramando. Se você estiver pintando essas flores da vida, por exemplo, essas formas de sombra continuariam se movendo ao longo do dia, tornando-as difíceis de fixar em seu desenho. Mas essas formas de sombra permanecerão bastante consistentes ao longo das últimas horas do dia, proporcionando-lhe muito tempo de trabalho. luz da janela normalmente lhe dará uma frescura na luz e um calor nas sombras, mas está sujeita a alterações dependendo do que está fora da janela. Com uma janela menor, a diferença entre luz e sombra será mais dramática, com sombras mais intensas e bordas mais nítidas. Com uma janela maior, a diferença será mais suave, com transições mais graduais entre luz e sombra. Uma janela de tamanho médio, provavelmente típica da maioria dos cenários de luzes de janela, vai pousar em algum lugar no meio, com as transições não muito suaves, mas não muito difíceis. Mas a distância do sujeito da janela em si também fará a diferença aqui. Então, ser observador sempre será a chave. A luz da janela virada para o norte é uma maneira confortável de pintar da vida enquanto também tem um cenário de iluminação relativamente consistente. Você pode configurar uma vida morta para fazer um estudo de cores, fazer um auto-retrato ou até mesmo ter um amigo sentado para você. Enfrentando seu modelo mais para a luz, você pode obter alguns tons de pele suaves muito lisonjeiros. Para encontrar quais janelas da sua casa estão mais voltadas para o norte, você pode usar uma bússola ou um aplicativo de bússola no seu telefone. Existem tantos tipos diferentes de lâmpadas elétricas no mundo. Então, para simplificar, vamos começar diferenciando entre as temperaturas de cor mais comuns. Com iluminação elétrica, o mais comum que você verá são luzes amarelas ou laranjas quentes, luzes brancas neutras e luzes azuis frias. A iluminação quente é muitas vezes vista em casa. Isso dá uma sensação de calor e aconchego que faz sentido para uso doméstico. Quando você vê esse tipo de iluminação elétrica no rosto, você verá tons alaranjados quentes nos tons claros e mais frios nas sombras. A iluminação neutra branca é freqüentemente encontrada em locais como salas de aula. Esta é uma boa tarefa de luzes, porque mantém as cores o mais próximo possível de sua cor local. As cores na luz e na sombra são mais neutras e não extremamente óbvias em suas diferenças de cor. A iluminação legal é muitas vezes um tipo mais moderno de iluminação, muitas vezes visto na iluminação de eventos. Este tipo de luz exibirá um azul no tom de pele na luz e produzirá sombras mais quentes quando forem leves em valor suficiente para vermos. Quando não são difundidas por um abajur, todas as lâmpadas são fontes de luz diretas. Então, eles geralmente produzem sombras de gumes rígidos e as mudanças de valor da luz para a escuridão serão bastante óbvias para nós vermos. Mas, como sabemos, existem muitas maneiras de difundir lâmpadas. Por exemplo, cúpulas nos ventiladores de teto fornecem um pouco de difusão, assim como abajures. Quando uma fonte de difusão como esta é adicionada, a iluminação suaviza, produzindo bordas mais suaves entre a luz e a sombra no rosto e um contraste geral mais baixo em valores. Muitas vezes, os fotógrafos combinam duas a três fontes de luz elétrica na mesma composição, que pode ser um pouco confuso para nós tentar dissecar à primeira vista. Mas com um pouco de paciência, podemos descobrir. Normalmente, eles usarão uma luz chave, a fonte de luz principal para formar o rosto, então eles geralmente adicionarão uma luz de preenchimento como uma luz subordinada no lado da sombra para adicionar alguma cor e luz de volta às sombras, e então eles às vezes usam uma luz de sala, que pode ser colocada atrás do assunto para iluminar a cabeça ou o cabelo, proporcionando uma separação entre o assunto e o fundo. Os fotógrafos costumam difundir fontes de luz elétrica com guarda-chuvas ou caixas macias. Como sabemos, isso resulta em um efeito mais moderado. Eles também usarão quadros brancos, como eu mencionei anteriormente, como fontes de luz secundárias que refletirão a luz de volta para as sombras, adicionando informações a essas formas que de outra forma teriam lido como escuridão total. Claro, alguns fotógrafos vão deixar este escuro, pois tudo depende do humor da peça. Situações de iluminação elétrica podem se tornar extremamente experimentais, pois as possibilidades são infinitas e não tão simples como alguns desses outros cenários de iluminação. Então, aproveite o tempo para investigar um pouco, e tente o seu melhor para descobrir o que você acha que a cor da luz está na foto e, em seguida, as sombras resultantes, e quão difícil ou suave é a iluminação, e como isso afeta as bordas entre a luz e a sombra. O uso de luz de fogo, luz de vela, brilhos ou lanternas em sua pintura pode ser realmente bonito. Ele criará humor instantaneamente e fará com que seus espectadores se perguntem sobre a história do seu assunto. Haverá lindas laranjas quentes na luz das chamas e azuis frios nas sombras, especialmente se o seu assunto estiver fora com o céu acima deles. Em cenários de fogueira, o contraste será alto e as formas de sombra serão bastante distintas. É importante notar que, às vezes, as fotos não conseguem capturar essas cores verdadeiras. Então, você sempre vai querer observar a natureza enquanto você passa pelo seu dia-a-dia, então você pode trazer algumas das coisas que você aprendeu de volta à sua arte. 6. Ângulos de iluminação: Você pode mover seu objeto e sua fonte de luz infinitamente. Mas neste vídeo, eu quero mostrar alguns que você vê o tempo todo em fotografia, pinturas e ilustrações porque eles traduzem sobre ele muito bem. Vou usar os termos que os fotógrafos costumam nos ajudar como os do Willey. iluminação borboleta ocorre quando a fonte de luz está sobrecarregada e ligeiramente para a frente do modelo. Provavelmente, a forma de sombra mais óbvia que é produzida neste cenário é a que está bem debaixo do nariz. Costumo simplificá-lo, penso nele como um triângulo de cabeça para baixo. Você também verá os aviões ao redor dos olhos caírem na sombra. O lábio superior cairá na sombra, e você também terá uma sombra moldada abaixo do lábio inferior. Os planos laterais do rosto ao redor da mandíbula também começarão a cair na sombra. Você verá esse tipo de forma lançada no pescoço da cabeça. Como eu mencionei anteriormente, eu gosto de pintar sombras e moldar sombras juntas em uma única forma quando eu posso, e então encontrar suas complexidades. O que é realmente legal é, você pode ver essas formas aparecerem de uma pessoa para outra. Porque todos temos os mesmos pontos básicos. Depois de memorizar essas formas de sombra básicas, você pode usá-las mesmo em esboços imaginativos, e tirar a aparência do seu objeto sendo iluminado de cima. iluminação borboleta funciona muito bem para retratos e ilustrações de personagens. A iluminação em loop é outra que funciona muito bem para retratos e personagens. Veja este pequeno laço de sombra aqui. Isso é característico da iluminação em loop. A sombra lançada do nariz sai para um lado geralmente apontando para baixo em direção à boca. Para obter iluminação em loop, a fonte de luz é colocada acima e, em seguida, empurrada um pouco para a esquerda ou direita do modelo. Em um cenário de iluminação de loop, esses aviões cairão na sombra. Você terá uma sombra elencada dos lábios e novamente no pescoço formando uma forma de triângulo. iluminação de loop também funciona bem em uma visão de três quartos. Isso é referido como iluminação de loop amplo, pois estamos expostos a mais do lado da luz. Indo para o lado da sombra, temos o que é chamado de iluminação em loop curto. Eu vi a iluminação de loop largo funcionar particularmente bem para ilustrações de personagens. É uma maneira simples e limpa de iluminar seus personagens. Eu acho que todos os cenários de iluminação de loop podem funcionar bem para um trabalho mais realista. Quando você vê um triângulo na bochecha, você sabe que está lidando com iluminação Rembrandt. Para alcançar a iluminação Rembrandt, as fontes de luz colocadas acima e à esquerda ou à direita do modelo, conectando a sombra do nariz à sombra da bochecha. Este é um ângulo de linha agradável e confiável por muitos artistas e pintores de retratos, uma vez que produz resultados lisonjeiros. Muitos dos velhos mestres pintados com luz atingindo seus assuntos dessa maneira. Eu, pessoalmente, reservei esta iluminação mais dramática para o meu trabalho de retrato mais realista, em vez de para os meus personagens esboçados. Mas experimente para ver o que você gosta. Iluminação dividida é muito dramática. Com iluminação dividida, a fonte de luz está ao lado do modelo. A borda entre a luz e as sombras divide o rosto em meia luz e meia sombra. A intensidade deste ângulo de iluminação é boa para retratar cenas mais temperamentais. iluminação da jante também conhecida como iluminação de borda ocorre quando a luz está atrás desse objeto. Produz este efeito realmente dramático, especialmente quando o fundo é escuro. Permitindo que a luz do aro realmente estoure. Quando a cabeça é transformada em uma visão de perfil, é importante ter em mente que a luz do aro pode não ser o mesmo peso de linha que vai ao longo do rosto. Aviões mais largos terão mais luz sobre eles. Por exemplo, a luz cai mais densamente na testa do que no nariz. Muitas vezes você verá a iluminação da borda ao redor da borda do cabelo, e dá um efeito realmente bonito. Também pode ajudar a separar o assunto em sua ilustração do plano de fundo. Sublinhar pode ter um grande efeito de contar histórias. É conseguido quando a luz é colocada na frente e abaixo do objeto. Este é o oposto da iluminação borboleta. Todos os aviões estão acesos do lado oposto. Os aviões que geralmente são atingidos pela luz agora estão na sombra, e os planos tipicamente na sombra agora são atingidos pela luz. Este é um cenário de iluminação que chama a atenção. Muitas vezes, ele é usado se alguém está em uma fogueira, se ele está segurando a vela, ou se ele está segurando algo mágico que brilha. Pode dar uma sensação assustadora, uma sensação silenciosa ou uma sensação mágica. Dependendo de como você joga as outras partes da peça como o próprio sujeito e sua expressão. Não sei mais o que chamar a este tipo de iluminação. Mas eu vejo isso o tempo todo. Especialmente, em ilustrações de personagens. iluminação do nariz, como vou chamá-lo, ocorre quando a fonte de luz chave está acima e ligeiramente atrás do assunto, de modo que apenas o nariz e o topo da testa apareçam ocorre quando a fonte de luz chave está acima e ligeiramente atrás na luz. Descobri que este é um bom ângulo de iluminação para personagens bonitos. Porque ele pega o redondeza bonito do nariz. Isso também pode funcionar bem para um modelo feminino. Agora, com todos esses ângulos, eu os mostrei para você em cenários de luz direta. Porque eu quero que você veja as formas da sombra claramente. Mas é claro, você também pode replicá-los em cenários de luz suave ou difusa. As bordas serão significativamente mais suaves, e as mudanças de valor não serão tão certas. Estes são apenas alguns ângulos de iluminação para ajudar você a começar. Estes podem parecer simples, mas provam ser confiáveis para mim. As formas serão transportadas de um rosto para o outro. Então, uma vez que você tenha esses conceitos básicos memorizados, você pode reproduzi-los em qualquer tipo de rosto. Então, experimente e encontre os ângulos de iluminação que você ama a aparência. 7. Técnicas de mesclagem: Agora, vamos falar sobre como podemos misturar e suavizar as transições de um plano para o outro. Não somos facetados como estes modelos de aviões. Então, não podemos deixar assim. Podemos suavizar as bordas entre aviões de algumas maneiras diferentes, e eu vou mostrar a vocês alguns dos meus métodos e alguns dos meus meios favoritos. Ao pintar no photoshop, eu pessoalmente não gosto de usar um aerógrafo para pintar aviões. Em vez disso, vou começar com um pincel mais duro. Isso me ajuda a dar a estrutura mais sólida que eu quero. Quando se trata de suavizar uma transição, o que eu às vezes faço é escolher a cor da primeira planície, em seguida, escolher a cor do segundo plano e, em seguida, ver onde eles pousam. Gosto de ver que cor pode cair entre essas duas cores. Este parece no meio, então eu tento este. Então eu repito esse processo tanto quanto eu quiser até que eu tenha várias mudanças de cor incrementais que me ajudaram a fazer a transição de um plano grande para o próximo. Então, eu posso pegar meu aerógrafo e suavizar um pouco se eu quiser. Colher cor como eu pinto em cima destes. Outro método que eu uso, é eu pegar uma cor e levemente colorir para a próxima. Então eu pego a outra cor com minha ferramenta conta-gotas e puxo aquela levemente de volta para a primeira cor. Eu continuo para frente e para trás assim até que a mistura seja suave. Você pode fazer isso para todas as mudanças simples que precisam ser suavizadas. No Photoshop, a seleção de cores é muito fácil e, se você tiver um tablet, você pode programar o botão na caneta para a ferramenta conta-gotas quando clicar nele. Confira minha aula de Photoshop Demystify se precisar de ajuda para programar isso. No app Procreate no iPad Pro. Uma das minhas maneiras favoritas de misturar, é usar a ferramenta de manchas com o pincel pastel macio. Usando este pincel, você pode simplesmente arrastar e puxar essas cores um para o outro e ele vai criar uma bela mistura. Aqui, você pode ver a técnica de manchas pastel suave em ação. Novamente, como no Photoshop, você também pode usar o método em que você tenta encontrar cores que cairiam bem no meio. Com tintas a óleo, você pode suavizar a transição apertando seu pincel pelas duas planícies como esta. Isso pode criar uma nova cor de transição. Tal como acontece com os outros meios, você também pode misturar uma nova cor que poderia pousar entre eles valor sábio. Aqui estão misturando a cor mais clara com a cor mais escura na minha paleta, para criar uma espécie de tom médio que cairia entre eles. Com pastéis suaves, você pode sobrepor as cores enquanto desenha e, em seguida, você pode suavizar isso com o dedo ou um lenço. Você pode até usar Q-tips e selos para áreas menores. Com marcadores, como os marcadores Copic que estou usando aqui, você terá que realmente ter um plano de ação com sua iluminação, que é um pouco diferente da abordagem pintora que eu tenho ensinado até agora, onde você pode apenas tipo de tapa muda de cor e mistura-os mais tarde. Com marcadores, e com um meio como aquarela também, você terá as transições mais suaves quando você trabalha da luz para a escuridão. Copic, eu acho que são uma das melhores marcas de marcadores no mercado, porque eles são muito suave e construível também. Se você está pensando em investir em marcadores, eu recomendaria comprar cores mais claras do que você imagina. Compre também algumas cores próximas umas das outras em seu gráfico, pois isso garantirá que você possa facilmente obter essas transições suaves. Aqui estão as cores que eu gosto de usar. Comecei com a minha cor mais clara e lentamente , mas seguramente trabalhei até os tons mais escuros. Eu vou estar fazendo uma aula em breve sobre como você pode colorir seus personagens com esses marcadores. Então, certifique-se de olhar para fora para isso. 8. As formas menores do rosto: Depois de misturar os planos estruturais básicos, você tem que construir de volta em cima disso. É aqui que você pode começar a trabalhar em algumas das formas menores do rosto. Estas são as formas que vejo mais frequentemente no rosto. Esta forma W ao redor da boca, estas pequenas formas parecidas com feijão nos cantos da boca, estas formas que se estendem do nariz à boca, e estes pequenos triângulos acima das sobrancelhas, que muitas vezes podem pegar luz. Veja como essas formas e outras estão aparecendo no rosto deste homem. Então, fique atento a essas formas menores. Alguns vão mostrar através, obviamente, mas na maioria das vezes, eu descobri que eles são bastante sutis, especialmente em jovens e em mulheres. Então, eles devem ser cuidadosamente considerados e desenhados com cuidado. Esta é a parte da pintura de retratos que leva mais tempo. As coisas começarão a abrandar à medida que você começa cuidadosamente a observar e a renderizar as voltas menos óbvias do rosto. Então, durante este tempo, apenas seja paciente consigo mesmo e mantenha seu boné observacional. Você não precisa colocá-los em personagens, mas para modelar retratos realistas, você pode querer considerar dar alguma atenção a essas formas menores. Se você gostaria de saber mais sobre essas formas menores do rosto, confira esses livros. Para saber mais sobre a linha rítmica que você pode aplicar ao desenhá-los, confira o método Frank Reilly. 9. Mais efeitos de iluminação: Neste vídeo, eu quero passar por mais alguns efeitos de iluminação, que podem ser muito legais para experimentar em suas peças. Quando a luz brilha sobre uma árvore, muitos dos raios da luz são bloqueados pelas folhas, mas através dos buracos das árvores, alguma luz ainda pode atravessar. Estes pontos de luz produzem um efeito de luz apagado. Eles podem ser formas circulares, elípticas ou abstratas. Vermelho saturado ou laranja muitas vezes pode ser visto ao longo das bordas como há aqui. Dentro da imagem, coisas como chapéus, cabelo e franja, e óculos de sol, vão lançar sombras no rosto. Eu recomendo usar uma referência se você está inventando isso em um personagem. Esses tipos de sombras fundidas em luz direta geralmente terão uma qualidade de borda definida. Você também pode imaginar os objetos fora da imagem lançando sombras em seu assunto. Esta é uma boa maneira de criar um senso de drama. Meias sombras como esta criam uma sensação de maravilha para o seu espectador. Sombras rígidas irão indicar algo mais próximo, enquanto sombras muito suaves indicarão algo distante à distância. Isso cria drama, humor no início de uma história. Os tons de janela também podem lançar formas de sombra realmente interessantes sobre o seu assunto. dispersão de subsuperfície pode ser vista em certos cenários de iluminação nas orelhas, pontas dos dedos e às vezes na borda das narinas. Você sabe quando você vê alguém lá fora e a luz está vindo de trás, e suas orelhas são esta cor laranja vermelho saturado brilhante? Isso é dispersão subterrânea em ação. O que está acontecendo é que a luz está entrando na carne translúcida das orelhas e saltando por dentro. Você também pode ver isso se você ligar a lanterna no telefone e colocar o dedo no topo. Você pode ver como seu dedo tem uma translucidez para ele e ele vai brilhar com luz. Você também pode entrar em um quarto escuro com um espelho e colocar a lanterna logo atrás da orelha. A luz entra no escaneamento e se espalha sob a superfície para criar esse brilho. Em uma pintura de alta chave, há um alcance tonal mais leve para toda a peça. Em vez de trabalhar em uma gama completa de valores, o intervalo de valores se parece mais com isso. Eu vi um monte de pinturas de alta chave bem sucedidas que saem em belas zonas pastel. É como tocar piano e mudar todas as notas umas oitavas mais altas. Cria um humor diferente. Pinturas baixas são como deslocar as teclas do piano até as notas baixas. As coisas ficam mais mal-humoradas. É uma sensação diferente. Pinturas de baixa chave exploram o lado mais escuro da escala de valor. Uma halação é o efeito brilhante suave que às vezes pode acontecer em um dia quente ou brilhante. É um brilho suave que vai além dos limites naturais de um objeto. Adicionando este efeito com um grande pincel macio, ficará realmente bonito nas pinturas. Às vezes, adiciono-os ao redor do cabelo, da pele, ou ao redor das roupas dos sujeitos. Funciona muito bem para harmonizar as cores também. Dê uma olhada nisso e olhe para o centro da forma por alguns momentos. Você já viu uma pessoa falando no palco por tanto tempo que as bordas ao seu redor começaram a se tornar uma cor brilhante e uma espécie de brilho? Quando nossos olhos estão expostos a uma cor por um longo tempo e, em seguida, olhamos para longe, nossos olhos verão as cores complementam. Isso é referido como uma imagem posterior. Não desviar o olhar, mas você vê em sua visão periférica agora como as bordas da forma estão começando a brilhar uma cor azul legal? Agora, enquanto eu tiro essa forma, você pode ver toda a imagem após a imagem azul. Isso é uma coisa real que nossos olhos fazem, mas podemos capturar esse efeito em nossas pinturas também. Aqui, eu usei os canais no Photoshop para imitar o tipo de efeito, mas você também pode desenhar manualmente bordas coloridas se você gosta dessa idéia. Você também pode experimentar lâmpadas coloridas, cores diferentes do típico amarelo laranja quente ou azul frio. Isso pode produzir um retrato dramático e interessante. Usar as cores complementares em conjunto pode fazer para uma peça realmente interessante. Em um rosto, particularmente quando há um pouco mais de óleo na pele, você pode ver destaques na testa, ponte do nariz, na ponta do nariz, maçãs do rosto, no topo dos lábios, no lábio inferior, no topo do queixo, ao redor das sobrancelhas, e nos cantos dos olhos internos. Em algumas ocasiões, você só verá alguns deles e em outras ocasiões você pode ver todos eles. Esses destaques também aparecerão naturalmente nos homens, mas se você já viu tutoriais de maquiagem, você sabe como os maquiadores se esforçam para melhorar esse brilho adicionando um marcador a alguns desses pontos. Óleos também podem coletar nas tocas do nariz, às vezes adicionando destaques lá também. Os lábios brilhantes também terão um destaque. Olhando de perto, geralmente é uma coleção de traços e pontos horizontais e verticais, que juntos formam uma forma de aparência abstrata. Sparkle sombra de olho também vai pegar um pequeno ponto destaques. Experimente a cor do destaque. Os tons pastel claros funcionam bem e o branco trará o impacto também. Os globos oculares estão molhados e esse brilho nos dá mais destaques. Destaques oculares vão estar do mesmo lado de onde a luz está vindo. Então, aqui, a luz está vindo deste lado então os destaques nos olhos também estarão deste lado. Honestamente, você pode mover destaques brilhantes como este ao redor e as pessoas não vão notar. Provavelmente porque na vida real, luz geralmente vem de muitas direções diferentes de uma só vez. Então, em personagens, às vezes eu sou criativo com os destaques oculares, mas se você quiser um papel geral para colocação, coloque-os no mesmo lado em que a fonte de luz está ligada. Procure bandas de destaque no cabelo. Há uma infinita variedade de penteados, por isso é difícil fixar uma fórmula exata para desenhar e pintar. Então, esteja atento a formas de luz que se repetem de um penteado para o próximo. Em caso de dúvida, procure uma referência. Uma nota rápida para o cabelo, porém, tente encontrar grandes grupos de cabelos que você pode fazer em grandes formas. Procure curvas S e curvas C em todo o cabelo. Desenhe as grandes formas primeiro e, em seguida, adicione os pêlos detalhados mais tarde. Também quando você pinta o cabelo, geralmente há pêlos do bebê em torno da linha do cabelo que fazem para um bom valor segue da testa para o cabelo. Então, procure essa mudança de valor, pois ajudará você a transição suavemente para o cabelo. 10. Usando referências: A maioria das referências não serão cenários exatos como o que temos falado na aula, mas saber esses conceitos básicos de iluminação ajudará você a analisar referências e ajudará você a entender o que você está procurando melhor. Quando estiver observando uma foto, leve em consideração a inclinação da cabeça. Isso mudará as coisas da norma porque a luz estará atingindo o avião um pouco diferente, mas não tanto assim que você não será capaz de entendê-lo. Ao observar uma referência, você também deve levar em consideração o possível uso de mais de uma fonte de luz. Ponha um pouco de paciência nisso. Encontre de que direção a fonte de luz mais poderosa está vindo e, em seguida, vá de lá. Referências a evitar são tipicamente fotos com iluminação plana, onde a luz e a sombra não são óbvias para você. Você terá que confiar muito em habilidades de desenho para isso, e na minha experiência esse tipo de referência geralmente não é tão divertido de trabalhar e muitas vezes pode levar a um desenho de aparência plana. Como as cores podem mudar da vida real para fotos, às vezes eu vou aumentar a saturação um pouco em minhas referências de fotos que eu posso capturar cores um pouco mais vivas. Essas mudanças sutis de matiz de quente para frio às vezes são perdidas na fotografia. Então, tente incluir algumas mudanças de cor sutis nos tons de pele, mesmo quando eles não estão lá na foto. Fontes de luz refletida também podem ser perdidas em referências fotográficas. Então, considere o ambiente do assunto na foto, especialmente se a câmera pegar as coisas como marrom escuro ou preto. Antes de começar uma pintura a partir de uma foto de referência, que seu cérebro avalie rapidamente a situação. Você pode perguntar a si mesmo perguntas como, o assunto é dentro de casa ou ao ar livre? Qual é a fonte de luz principal? De que ângulo a luz está atingindo o sujeito? Qual é a temperatura geral da cor da luz? As sombras do elenco são duras ou macias? Existe mais de uma fonte de luz? Quando você tem as respostas para este tipo de perguntas no início, as coisas começam a ficar mais claras em sua cabeça, e quando as coisas estão claras em sua cabeça, elas ficarão claras em seu desenho como resultado. Então, vamos analisar uma referência juntos. Então, ele está dentro ou fora? Bem, ele está obviamente ao ar livre e parece que o sol provavelmente está se acomodando já que ele está aceso por aqui. É quase como um cenário de iluminação dividida. O sol é a nossa principal fonte de luz e está nos fornecendo tons quentes na luz, e estamos recebendo tons mais frios nas sombras. Mas estamos recebendo um pouco de luz aqui, e eu acredito que isso é do sol atingindo o céu nublado, e então o céu está agindo como uma fonte de luz secundária, então ele está iluminando suas formas nas sombras. O sol está fazendo com que algumas das sombras do elenco sejam duras, particularmente você pode vê-lo de sua camisa para seu colarinho aqui. Essa sombra do elenco é bem nítida. Se olharmos para baixo a imagem ou se você virar a imagem em escala de cinza, podemos ver que temos uma gama bastante completa de valores aqui, e eu também estou observando como há alguma dispersão subterrânea acontecendo aqui em torno de seu nariz. Este é o tipo de coisa que você pode fazer para começar a avaliar a referência, e enquanto você está pintando você vai continuar a fazer descobertas como esta. Quando você está desenhando digamos um personagem, que é mais imaginativo, e você está tentando decidir como iluminá-los, você pode começar com um dos cenários mais comuns mostrados na classe e, em seguida, usar referências sempre que Preciso deles. Terei muitas referências disponíveis para você navegar usando suas peças. Vou colocar um link para esses recursos de classe na seção da comunidade e na seção do seu projeto aqui no Skillshare. Ao colorir e iluminar um personagem, você também pode usar uma foto de uma pessoa real para lhe dar suas informações de cor e iluminação, ou você pode até se inspirar nos Masters. Eles sabiam o que estavam fazendo. Fotos de bonecas articuladas com bola também são ótimas referências para iluminação de personagens, porque suas proporções são mais personagens e fofas já. Além disso, o aplicativo Handy é ótimo para criar cenários de iluminação possíveis para seus personagens, bem como o Anatomy 360 Neutral Heads Pack. 11. Projeto do curso: Eu sei que há muito para assistir nesta aula, mas é sobre o que você faz depois de assistir esses vídeos. Trata-se de colocar as ideias da classe em ação através da prática. Então, aqui estão alguns exercícios de aula que você pode fazer para trazer suas habilidades e compreensão da luz para o próximo nível. Desenhe uma bola com luz e sombra. Eu sei que parece básico, mas isso vai te ensinar como trabalhar bordas, como fazer transições suaves entre tons, e como fazer todos os valores funcionarem em relação adequada uns com os outros. Se você estiver trabalhando em uma mídia digital, tente não usar o seletor de cores, que você possa praticar a coleta de valores adequados. Se algo aparecer de uma maneira estranha, tome isso como uma sugestão de que os valores estão errados. Desenhar da vida com uma fonte de luz em uma bola seria incrível, mas se você não tiver uma bola, você pode usar esta referência aqui. Desenhe os aviões em cima de uma foto. Pegue uma revista ou uma foto online e conheça os planos do rosto. Pense na qualidade 3-D e como cada avião obtém sua própria cor. Não se preocupe se não for um alinhamento exato. Estas são generalidades e cada rosto terá pequenas variações. Pratique pintar alguns dos padrões básicos de iluminação que aprendemos no conjunto de aviões. Use valores de escala de cinza para realmente aprender as alterações de valor que podem acontecer. Agora, vamos falar sobre alguns projetos finais que você pode fazer. Pegue um personagem e ilumine-os de quatro maneiras diferentes. Use qualquer combinação de fonte de luz e ângulo. Isso pode ajudá-lo a descobrir o seu gosto e o que você gosta mais da aparência. Finalmente, pinte um personagem, retrato estilizado ou um retrato realista com luz e sombra. Compartilhe qualquer ou todos esses exercícios e projetos práticos com a turma. A parte de fazer esta aula é realmente onde o seu trabalho vai começar a se transformar. Podemos falar sobre luz e sombra durante todo o dia, mas nada mudará verdadeiramente em nosso trabalho até que peguemos nossos meios favoritos e começemos a lutar com as idéias. Este é um assunto complexo que precisa da nossa paciência e atenção. Quanto mais aprendermos na prática, melhor ficaremos, e isso é emocionante. 12. Iluminando uma demonstração de personagem: Então, antes de começarmos, quero mostrar algumas maneiras diferentes de iluminar seus personagens. Você não tem que sempre tornar as coisas de forma realista. Há uma maneira de simplificar que ainda faz o ponto atravessar. A maneira mais básica é o sombreamento cel simples. Você pode simplificar a iluminação em quatro partes básicas: pintar uma forma para o destaque, luz, sombra de forma e sombra de elenco. Mas você também pode expandir sobre isso. Como, no segundo exemplo que eu chamei de licença artística. Eu peguei essa idéia simples, mas então eu expandi sobre ele adicionando um pouco de variedade tonal para as sombras, perdendo algumas bordas e dando a bola um pouco de um brilho com um aerógrafo macio, ou, se você quiser, você pode levar seu personagem para um lugar. Pessoalmente, eu costumo pousar em algum lugar entre as duas primeiras opções. Mas você é o artista, então você decide qual é a sua estética. Expandindo essa ideia de sombreamento de células um pouco mais, você pode manter um lado simplificado e renderizar o outro lado. Então, por exemplo, nesta bola, adicionei mais algumas mudanças tonais no lado da luz, mas deixei as sombras simples. Nesta bola, deixei a luz mais lisonjeada e coloquei mais detalhes nas sombras. Então, você pode ir simples sem ir todo o caminho para cel sombreamento. Então, eu fiz o esboço no aplicativo Procreate com o pincel de carvão de salgueiro. Se você tomou meu design uma classe de personagem feminina, você sabe tudo sobre como desenhar personagens como este. E se você fez um esboço para essa classe, você pode até usá-lo para este projeto, se quiser. Então, eu estou configurando seu rosto aqui e eu acabo empurrando suas proporções em torno de um pouco com uma ferramenta de seleção, e neste ponto, eu estou feliz com o esboço; então, eu comecei a entrar com algumas cores base. Vou fazer uma aula sobre o meu processo para colorir personagens. Então, se precisar de ajuda com isso, fique de olho. Eu também estou colocando em apenas algumas mudanças de cor local como se eu tivesse feito suas bochechas um pouco mais rosadas. Aqui está o esboço acabado. Se você quiser baixá-lo e usá-lo para o seu projeto, você pode. No meu primeiro exemplo, eu vou percorrer isso e perto tempo real para que você possa pegar todas as pequenas coisas que acontecem. Então, aqui eu tenho uma cor de fundo, meu personagem, e depois outra camada no topo. E a primeira coisa que eu faço é preencher essa camada com uma cor, eu tenho o modo de mesclagem definido para multiplicar sobre isso, e então eu clique com o botão direito na camada e pressione criar Máscara de recorte, e agora eu estou apenas diminuindo a opacidade dela. Isso faz com que a cor fique apenas com os pixels logo abaixo dela. Então, neste caso, eles ficam com o personagem, e então eu pressiono este botão aqui para adicionar uma máscara de camada. Basicamente, isso nos permitirá pintar de forma não destrutiva. Então, parece estranho, mas você vai rapidamente pegar o jeito. Você usa tinta preta para revelar os valores mais claros abaixo desta camada e usará tinta branca para escurecê-la novamente. Sei que parece estranho, mas uma vez que você consegue, é fácil. Normalmente não pinto assim com um monte de camadas e máscaras. Normalmente, eu gostaria de pintar com uma camada. Mas, para esta prática, onde estamos experimentando ângulos de iluminação e cenários, eu acho que é um bom método para praticar, porque você pode tipo de pintura levemente na tela até que você obtê-lo direito e é fácil fazer pequenos ajustes se você precisar. Como você pode ver, eu estou começando usando um aerógrafo e isso é porque, em geral, o estilo dos meus personagens é muito suave e feminino. Então, ao contrário de retratos mais realistas, eu não entro com aviões duros. Para os meus desenhos de personagens, é mais sobre capturar o efeito de luz do que capturar todas as facetas da iluminação. Então, você verá alguns aviões que eu até deixarei de fora por causa de um rosto mais suave. Este é o tipo de como eu gosto de pensar em termos de planos de caráter para as minhas meninas. É só mais uma parte daquela licença artística. Estou usando essas referências gerais aqui para começar a marcar alguns pontos que seriam atingidos pela luz em um cenário subjacente. Estou usando uma pressão muito leve para isso, na verdade, já que estou tentando descobrir tudo ainda. Agora, estou passando a usar um pincel mais duro e, a propósito, terei isso disponível para vocês baixarem também. Então, como você pode ver com a tinta branca, eu posso amolecer a borda e trazê-la de volta para a zona de sombra. Esta máscara de camada faz com que possamos fazer esses ajustes durante todo o dia. Então, eu estou lentamente, mas certamente, esgueirando sobre este efeito de iluminação. Essa é uma abordagem tão fina quanto bater na cor muda muito rapidamente. Use sempre o processo que dá a você como artista os melhores resultados, e que pode variar até mesmo uma ilustração de personagem para a próxima. Eu realmente gosto deste pincel para isso. Faz um bom golpe descendente. A coisa sábia a fazer neste momento seria pegar uma foto de referência de cabelo em um cenário sob luz. Mas eu vou imaginar que esses cabelos teriam um pouco mais de luz, já que eles estão mais perto da fonte de luz. Estou mudando a cor de fundo agora, quando uma história está começando a se formar na minha cabeça. Talvez ela esteja em uma fogueira, então estou fazendo uma cor mais escura. A propósito, se alguma dessas coisas que estou fazendo com o Photoshop não lhe parece familiar, você pode conferir minha aula de Photoshop Desmistificado, onde eu passo pelo básico. Além disso, como uma observação rápida, quando você estiver trabalhando com uma máscara de camada, certifique-se de que esta parte aqui está clicada. Se você tiver clicado na outra parte, você terá problemas. Então, quando você estiver usando a tinta preto e branco para pintar, certifique-se de que isso é clicado. Então, agora, estou feliz com este efeito geral que estou recebendo, então eu mesclo essas camadas. Eu adiciono outra camada e adiciono um pouco de um brilho laranja, coloque-o para luz suave e, em seguida, eu mesclá-los também. Então eu dupliquei a camada de caracteres porque eu quero experimentar uma pequena folha de luz REM. Então, o que eu faço é, eu bloquear os pixels transparentes clicando neste botão aqui e eu preenchê-lo com tinta branca. Então eu arrasto essa camada para fora, e depois, apago as partes que eu não preciso. Isso é algo que eu pensei em fazer na mosca, mas funcionou, então eu guardei. Aqui você pode ver que eu estou experimentando com cores diferentes, apenas usando a ferramenta balde de tinta para preenchê-lo. Então, eu estou apenas continuando a experimentar cores diferentes com imagem, ajustes, saturação de matiz. Agora, eu estou apenas adicionando um par de pêlos flyaway. E eu viro o alisamento um pouco para que eu pudesse ter um bom golpe suave. Estou feliz com isso, então eu mesclo as camadas. Então, eu realmente gosto desta cor roxa violetty aqui. Então, eu colhi isso e eu começo a adicionar levemente isso em suas áreas de sombra. Então, eu começo a experimentar um pouco com o modo de mistura. Você pode usar a rolagem do mouse para percorrer algumas dessas opções do modo de mesclagem. Eu acabo duplicando a camada também porque eu gosto do impacto disso. Então eu mesclo as camadas. Agora, estou selecionando essa faixa de cores, pegando uma laranja, e usando um gradiente para aplicar um gradiente de laranja no rosto dela de baixo para cima. Estou tentando pensar sobre a intensidade da luz e como ela será mais forte para ela nas áreas que estão mais próximas da fonte de luz, e então, ela cairia como seu rosto fica mais longe da fonte de luz. Depois mudo o modo de mesclagem para multiplicar, diminuir a opacidade e mesclar essas camadas. Isso é tudo experimentação que você está assistindo. Não é como se eu tivesse um método exato para isso que eu sigo todas as vezes. Muita da minha arte é feita experimentando coisas. Se eles trabalham, eles trabalham e se eles não trabalham, eles não trabalham. Agora, eu estou brincando com o ajuste das curvas um pouco para ver se isso vai me dar algo divertido. Agora, eu estou tentando alguns ajustes de pesquisa de cor e apenas rolando através deles com o meu mouse. Parece que sempre gosto do inverno. Agora, eu seleciono a peça inteira e copio, e então eu volto na minha história para esta versão mais quente e eu edito os níveis para ser um pouco mais intenso. Então eu colo esta versão mais fria. Agora, eu tenho a versão mais fria em cima e a versão mais quente abaixo dela. Agora, eu pego uma borracha macia e apago a camada fria para revelar o calor abaixo. Acertei todos aqueles aviões que seriam atingidos pelo subsolo quente. Então, eu fico logo abaixo dos olhos, bem acima dos olhos, a parte inferior do nariz, e em torno do maxilar e queixo. Uma vez que estou feliz, eu fundi-lo novamente. Eu fundi porque eu gosto de trabalhar em uma camada, mas também acho que isso me ajuda a ser um pintor decisivo. Agora, com uma nova camada neste pincel, eu entro e coloco alguns destaques aqui em baixo. Eu coloquei alguns desses pequenos destaques no resto desses recursos também. Agora, adicionando e alguns ajustes mais escuros aqui e ali, apenas ajustando neste ponto e usando uma pressão muito leve na minha caneta. Agora, eu dupliquei a peça porque eu quero mover o destaque no queixo. Meu instinto é adicionar destaques de uma certa maneira porque raramente trabalho neste cenário de iluminação. Mas, na verdade, o destaque seria menor, mais próximo da fonte. Então, eu faço esse ajuste. Eu também adiciono um destaque ao lábio inferior na parte inferior. Então, aqui está como eu deixei no Photoshop, e então eu fiz mais alguns ajustes quando eu levei para o Instagram. Eu sinto que o Instagram é realmente um bom editor, mesmo que você possa fazer todas as mesmas coisas no Photoshop. Então, eu ajustei o brilho e trouxe isso um pouco, e eu trouxe o contraste também. Então eu trouxe um pouco a saturação e o calor, e então com a cor, apliquei essa cor roxa, finalmente, afiei a imagem. Aqui está a peça acabada. Agora, vamos acelerar um pouco e passar por mais alguns cenários de iluminação que eu acho que funcionarão muito bem para seus personagens. Então, esta será uma iluminação de borboleta, então a fonte de luz está acima e ligeiramente para a frente do modelo. Então, com este, eu não estou trabalhando com a máscara de camada desde o início, em vez disso, eu uso a ferramenta de laço para colocar em alguns desses cenários de borboleta mais escuros, e você pode ver que eu tenho esses modos de mistura de camadas definidos para escurecer. Estou usando essas referências como um guia geral para onde colocar minhas formas de sombra. Aqui, eu pintei esta forma de sombra em sua própria camada e depois selecionei-a e desfocei a borda indo para filtrar, desfocar, desfoque gaussiano. Eu gosto dessas pequenas formas andrae e formas de canto dos olhos, então eu estou apenas levemente insinuando aqueles com pequenas mudanças de valor ao redor dos olhos, e eu coloquei os destaques, mas no final eu vou voltar e mudar estes para ser destaques mais típico de um cenário de iluminação borboleta. Então, eu amplio e diminuo muito porque eu gosto de ver se os detalhes que estou adicionando também funcionam à distância. Então, agora estou selecionando essa parte do cabelo e escureço um pouco, e depois desboto. O cabelo provavelmente teria uma qualidade mais dura afiada na vida real, mas eu estou tomando minha licença artística e suavizando este desvanecimento da luz à sombra. Além disso, eu estou colocando uma pequena sombra em onde o cabelo iria lançar uma sombra no rosto. Neste cenário, ele vai deixar uma pequena sombra como esta. Bem ali, eu apenas ajustei a forma e proporção dos olhos indo para filtrar, dissolver. Agora, estou adicionando um brilho suave no topo do cabelo dela. Estou configurando essa camada para luz suave, ajustando um pouco a tonalidade e mesclando as camadas. Então agora eu estou apenas mudando a colocação dos destaques oculares, mas como eu mencionei, tudo bem se você quiser ser criativo com isso. Você vai notar também como eu deixei esses aviões caindo na sombra. Novamente, esta é apenas uma escolha artística que fiz para o meu estilo de personagens. Eu descobri que quando eu faço esta mandíbula simples muito escura sobre eles, começa a parecer estranho, então eu apenas deixei de fora. Agora, vou demonstrar um cenário de iluminação de loop rápido. Eu começo com a forma da sombra do nariz, esta pequena sombra aqui e a próxima sombra, eu uso a ferramenta de laço para me ajudar a obter essas formas. Para algumas situações, funciona melhor começar com o escuro e retirar as luzes, e para outras situações como esta, acho que funciona melhor para mim começar com as luzes e colocar as formas das sombras. Eu acho que esse cenário de iluminação de loop amplo funciona bem para personagens, e não é muito difícil de fazer. Lembre-se de que as tampas superiores lançarão uma sombra nos globos oculares, então eu lanço uma pequena sombra aqui, caso contrário, os olhos vão aparecer como muito brilhantes, então eu adiciono cush para fora de lá. Acho que procurei uma referência online para ver como uma pequena sombra pode cair no ombro nesta situação de iluminação. Então, procure referências no Google se você nunca tiver certeza de como algo poderia parecer. Agora, eu estou colocando esses destaques no mesmo lado da fonte de luz, sugerindo as íris e agora eu estou apenas adicionando esses toques finais de luz e detalhes escuros, e eu vou chamar este de acabado. Para esta demonstração final, vamos tentar a iluminação do nariz. Começo fazendo uma duplicata do meu personagem, bloqueando a opacidade, preenchendo-a com uma cor superior e alterando o modo de mesclagem para multiplicar. Mas o jeito que mostrei na primeira demo é na verdade uma maneira mais rápida de chegar ao mesmo ponto final. Agora, como fiz na primeira demonstração, adiciono uma máscara de camada e começo a retirar as luzes com tinta preta. Para este, eu realmente tinha uma gravação de pulso e ir olhar para mim mesmo no espelho com o cabelo baixo no estilo para ver como a luz cairia na minha testa nesta situação de iluminação. Descobriu-se que a luz fez uma forma triangular na testa, então você vai me ver colocando-a dentro e fora sobre a peça. Mas no final, eu realmente não gostei da qualidade de forma que tinha no meu personagem, então eu usei meu cartão artístico novamente e mantive os quatro chapéus macios. Eu acho que é uma boa idéia armazenar algumas referências quando você as vê para que quando você precisar delas, você não terá que pesquisar na internet sem parar para tentar encontrá-las. Se quiser ideias sobre como fazer isso, junte-se à minha aula de 10 minutos de inspiração. Você verá essas pequenas formas acima das sobrancelhas aparecendo um pouco, mas eu mantive suave para que o personagem não parecesse muito agressivo. Não se esqueça da borda saturada que pode acontecer por aqui. Você pode usar a esquiva para destaques realmente fortes, apenas tenha cuidado com ele embora, pois ele pode facilmente ficar longe de você. Agora, eu estou adicionando uma camada escura da coisa toda, e eu estou usando uma máscara de camada e tinta preta para apagá-los, para tipo de dar este efeito holofote. Aqui está a peça acabada. Estes são apenas alguns dos meus ângulos de iluminação favoritos para usar em personagens, mas eu experimento com todos eles. Se você optar por fazer um projeto, use o meio que quiser. Vai ser muito legal ver isso em todos os tipos de meios, então não se esqueça de compartilhar com a turma. Eu tenho as referências disponíveis nos recursos da classe, mas você também pode usar obras-primas e fotos como sua inspiração de cor e iluminação também. 13. Demonstrações de retratos estilizados: Então, se você quiser baixar meus pincéis favoritos do aplicativo procreate, você pode pegá-los na seção “Seu projeto” em “Recursos da classe”. Então, para aqueles quadros, eu estou apenas batendo em cores aqui e eu não estou olhando para nada muito específico ainda. Eu só estou pegando as formas de cor lá em cima, então eu tenho algo para trabalhar. E então, como você pode ver, está começando a tomar forma. Então, eu estou entrando em algumas das formas menores aqui, e então no rosto eu estou começando a pensar sobre essas prateleiras de temperatura de cor. Este é um daqueles casos em que o modelo está virado para longe do sol como podemos ver por causa da luz do aro em torno dela. Então, nessa situação, como sabemos os planos virados para cima vão ter uma qualidade mais fria para eles na cor já que eles estão voltados para o céu e os planos voltados para baixo vão ter um calor porque eles estão voltados para o chão. Então, mesmo em seu peito aqui, você pode ver que, acontecendo, o plano virado para cima de seu peito tem uma frieza nele e o plano virado para baixo tem um calor nele. No fundo, você acabou de ver que eu misturei isso e eu estou apenas usando o incrível procreate para a ferramenta de manchas. Eu absolutamente amo a ferramenta de manchas e procriar. E recentemente, minhas ferramentas de manchas favoritas são as escovas pastel macias. Agora, estou usando um lápis 6B para entrar e começar a definir. Então eu estou recebendo essa luz de borda no cabelo aqui e em volta braço dela e agora eu estou começando a colocar em algumas pequenas formas de característica. Eu gosto de obter esses cantos escuros da boca final, que me ajuda a colocar os lábios. Eu também gosto de obter a forma do fundo do nariz em ver que forma laranja. Eu gosto de colocar isso dentro e, em seguida, apenas aquelas formas de encaixe ocular. Isto obviamente não é uma peça realista. Eu só quero capturar o efeito deste cenário de luz de aro. Iluminação de aro é sempre tão impressionante para mim, então eu realmente queria fazer isso meu foco, não se preocupar com detalhes de seu rosto ou coisas assim ou até mesmo capturar sua semelhança, mas eu queria me concentrar na luz e na beleza da luz. E acho que este não me levou tanto tempo. Eu acho que levou talvez uma hora e eu poderia ter levado para um outro ponto, mas eu estava tipo, eu gosto de como isso parece, então eu deixei isso neste esboço e estilizado. E agora, com aquele pequeno detalhe na parte de cima do vestido dela, eu não estou copiando isso em tudo, eu apenas coloquei em alguns traços muito rápido com o pincel Willow Charcoal e eu pensei que ele capturou a qualidade da forma disso então eu deixei assim. Então, para esta peça, eu baixei a imagem à esquerda de shutterstock.com e então eu editei no Photoshop para ser mais uma paleta de cores que eu queria. Escurei-me um pouco o tom de pele dela e uso a cor verde menta para o fundo. Então, para configurar isso eu estou usando o lápis 6B grande e eu realmente gosto deste pincel por um par de razões. Eu gosto antes de tudo porque você pode obter uma linha fina muito pequena com ele quando você usa a ponta do seu lápis Apple e em seguida, você também pode obter um bom golpe grosso quando você colocar o lápis em seu lado e usar o lado do lápis. Então, eu realmente amo esse pincel. É um dos meus favoritos de todos os tempos. Então, eu estou apenas configurando as formas aqui e agora eu estou usando o pincel de cerdas para manchar as coisas ao redor. Então, como você pode ver, este cabelo é uma bagunça completa e total, mas novamente, este é um daqueles casos em que eu realmente não estava preocupado capturar tudo perfeitamente como cabelo para cabelo. Eu estava mais interessado em capturar a sensação de uma garota, que está olhando por cima de seu ombro e talvez enquanto ela está movendo a cabeça sobre ombro dela há um pouco de balanço no cabelo dela e eu realmente queria capturar o movimento disso. Então, eu queria que minhas pinceladas refletissem esse movimento e foi por isso que deixei isso um pouco selvagem. Então, agora com meu lápis 6B, estou começando a entrar em alguns desses detalhes e estou começando a ancorá-los no lugar. O que é bom na pintura digital é que você pode mover as coisas com um Laço e ferramentas de seleção. Então, mesmo que haja algo que esteja um pouco no lugar errado, você tem a habilidade de movê-lo ao contrário das ferramentas tradicionais, onde uma vez que você colocá-lo, ou você tem que ficar com ele ou você tem que apagá-lo. Então, essa é uma das vantagens realmente agradáveis das ferramentas de pintura digital. Então, no que diz respeito à iluminação, acho que pousa em algum lugar entre a iluminação dividida e um cenário de iluminação marrom. É realmente macio, mas se eu tivesse que chamá-lo de um, eu diria que é um pouco mais empurrado para um cenário de iluminação marrom borda. Como pode ver, tenho aquele pequeno triângulo de luz na sua face distante. Então, nesse ponto, eu ficava colocando coisas dentro e tirando-as para fora e percebi que esta peça não deveria ir mais longe do que isso. É apenas para ser um simples retrato estilizado, então eu deixei assim. 14. Demonstrações de retratos realistas: Para esta pintura, Eu comecei com um pincel macio com o fundo e, em seguida, fui direto com o lápis 6B grande. Usando o lado do Apple Pencil para obter esses traços grossos. Só estou pegando formas de cor. Então, eu tenho algo para começar a empurrar. Eu começo com grandes formas primeiro e depois começo a colocar algumas formas menores. Notei que há uma inclinação na cabeça dele, mas não estou muito preocupado em colocar isso. Então, eu o deixo mais direto agora. Agora, eu não percebi que eu decidi editar as cores da referência e você pode fazer isso direito e procriar com os ajustes. Eu queria trabalhar com cores mais escuras. Na minha experiência de trabalhar da vida, notei que as fotos tendem a lavar as cores dos tons de pele. Meio que os aliviando um pouco. Então, eu queria editar a foto para tornar os tons de pele mais ricos e um pouco mais escuros. Então, analisando a luz, podemos ver que há duas fontes de luz em seu rosto. O principal vem do lado direito e, em seguida, uma fonte secundária está preenchendo suas sombras à esquerda. Como você pode ver, isso resulta em destaques nos olhos. Na verdade, estar em dois lados diferentes, o que é interessante. Você não costuma ver isso. Eventualmente, pensar em termos de aviões não será essa coisa rígida que parece realmente forçada. Ele virá naturalmente e fluirá para dentro e para fora enquanto você trabalha. É útil estudar outras conceptualizações da cabeça também, como as linhas de ritmo de Frank Riley que mencionei. Então, agora que eu tenho uma boa base no lugar, eu entro com meu pincel pastel macio e mancha levemente todas as cores da composição um no outro. Você pode estar pensando, mas você acabou de colocar todo esse tempo só para borrar, e eu entendo isso. É difícil deixar de lado uma pintura, mas sei que no final ficarei feliz por ter feito isso. Porque trabalha para unificar a peça e, no final, ajuda a criar um retrato mais realista. Depois que eu borrar, eu vou e colocar meus sotaques claros e escuros para começar a trancar algumas partes de volta em Nicholas. Medindo com uma linha reta em uma nova camada, vejo que as coisas não estão alinhadas exatamente. Então, movo esta parte da face para baixo. Novamente, este é um daqueles momentos em que eu sou muito grato por estar pintando digitalmente. Você também pode calcular proporções em meios tradicionais. Como com tintas a óleo, você poderia apenas pintá-lo, mas definitivamente é mais um desafio. Para este retrato, uso principalmente esses pincéis. Estes são os meus melhores para retratos. Então, ele definitivamente tem uma expressão mais agressiva na minha pintura do que eu quero que ele tenha. Isso é por essas formas serem muito desenhadas sobre as sobrancelhas, e eu trabalho isso um pouco mais ao longo do tempo. Mas esse é o tipo de forma menor do rosto que você tem que ser sutil sobre, especialmente em algo como um retrato de bebê. Na maior parte, estou escolhendo cores da imagem. Embora às vezes eu vou ajustar a tonalidade, valor ou saturação um pouco, se eu acho que seria melhor assim. Agora, troco as coisas. Vou trabalhar no Photoshop, e estou suavizando essas transições com este pincel feito por Charlie Bowater. É um daqueles pincéis agradáveis que tem uma qualidade de textura para ele enquanto ainda é macio. Agora, eu estou usando um grande aerógrafo para adicionar levemente alguns brilhos suaves. Para este retrato, porque é mais realista, estou pensando sobre os planos da cabeça muito mais do que eu estava no personagem e também sobre essas formas menores do rosto. Essas coisas definitivamente exigem alguma paciência e atenção focada. Isso é parte da razão pela qual eu não mostro esses dois caras em tempo real, porque você estaria sentado aqui para sempre. Mas se houver um desejo de demonstrações em tempo real, posso compartilhar com você sobre o futuro. Mudar para o Photoshop com isso realmente me ajudou a obter uma nova alta. Se você não precisa de programas de pintura digital no entanto, mesmo apenas levando algum tempo para se afastar de sua pintura e pode voltar para ela, pode ajudá-lo a ver as coisas de uma nova perspectiva quando você voltar. Você verá erros mais facilmente depois de algum tempo fora. Então, se precisar de uma pausa, faça uma. Apenas certifique-se de voltar eventualmente. Aproximando, percebi que lhe dei alguns cabelos extras sem querer. Então, com um pincel macio, eu mudo o valor. Com isso, estou bem com este acabado. Então, eu começo este retrato com um esboço rápido para obter o gesto. Então eu solto algumas linhas horizontais em uma nova camada, para que eu possa colocar mais facilmente suas feições. Depois que eu tenho o básico no lugar, eu entro e começo a pintar com formas de cor usando o pincel de carvão de salgueiro. Enquanto coloco essas cores, estou tentando considerar a iluminação. Para mim, parece que ela está sendo conduzida de cima em um dia nublado. Então, estou notando a pele dela e a luz tem uma qualidade azulada, e sua pele nas sombras tem algumas laranjas e verduras quentes. Além disso, ela está num ambiente muito verde. Então, um pouco daquele verde está saltando para as sombras dela também. Você pode ver uma linha imaginária aqui. É aí que estou considerando a ruptura geral da luz para a sombra. Agora, estou borrando tudo com um pincel pastel macio, e agora estou trabalhando de volta. Esta peça foi definitivamente um desafio para mim, mas eu queria superar isso. Porque eu acho que é bom para nós forçarmos essas peças desafiadoras porque nós vamos sair melhores artistas no final. Aprendemos através de desafios e erros, não apenas fazendo o que já sabemos fazer uma e outra vez. Agora, estou me mudando para o Photoshop e estou apenas suavizando e adicionando mais alguns detalhes. Esta peça realmente me fez pensar em cores locais. Vê como são azuis os brancos dos olhos dela? Então, considere sempre como a fonte de luz e o ambiente afetam o que você está pintando. Eu realmente amo esses destaques roxos brilhantes em seus lábios. Cor e luz são realmente incríveis e eu estou ansioso para uma jornada de arte ao longo da vida onde eu posso explorar constantemente ambos. Eu provavelmente poderia voltar a esta peça e continuar a ajustar as coisas, e talvez diminuir a saturação do fundo. Mas, por enquanto, vou chamar isto de terminado. 15. Considerações finais: Muito obrigado por se juntar a esta aula. Mal posso esperar para ver suas peças incríveis. Então, por favor, compartilhe seu trabalho e me avise se tiver dúvidas também. Eu acho, é importante lembrar que a iluminação é um tópico tão grande.Há literalmente infinitas combinações que poderiam ocorrer, com todas as diferentes mudanças incrementais para tons de pele, ângulos de iluminação, e todas as diferentes fontes de luz lá fora , pode ser um tópico difícil de envolver nossas cabeças. Mas, começando com esses cenários básicos discutidos em sala de aula, eu acho, vai realmente levar nosso trabalho até agora. Iluminação é definitivamente uma exploração sem fim. Então, continue sempre estudando. Estude com outros professores ensinando de uma maneira diferente, estude os mestres, junte-se a um grupo de desenho de vida, pinte todos os dias, mesmo quando estiver assistindo filmes, estude a luz. Descobri que através da observação paciente da luz ao meu redor, eu sou capaz de pegar pequenos detalhes sobre iluminação. Então, observe a luz e quebre-a em sua vida cotidiana. Você pode estar praticando mesmo quando você não tem suas ferramentas de arte na sua frente. Muito de aprender isso é experimentar cores e iluminação, e ter a coragem de experimentar coisas, mesmo quando você não sabe ao certo se vai dar certo. Então, experimente um novo cenário de iluminação e experimente também efeitos de iluminação divertidos. Espero que esta aula dê um pouco de luz sobre o assunto. Novamente, para recursos de classe, você pode encontrar um link para aqueles na seção da comunidade e na seção do projeto. Eu adoraria ver você em minhas outras aulas de arte também. Tenho mais cursos sobre desenho de retratos, personagens, trabalho com cores e trabalho com o Photoshop Illustrated também. Então, não se esqueça de verificar se você está interessado e siga junto para ficar atualizado com minhas futuras aulas. Estou tão animada para compartilhar mais de vocês. Muito obrigado de novo por se juntar. Até a próxima vez. Pintura feliz.