Narrativa em filme: usando a cinematografia para transmitir emoção

1. Introdução: Tudo bem, olhe para aquela câmera, certo? Beleza é algo que você pode encontrar em um pôr do sol ou em uma praia. Beleza também é algo que você pode encontrar até mesmo nas coisas mais escuras. Meu nome é Joe Simon, sou cineasta e diretor de fotografia. Na aula de hoje, vamos aprender sobre cinematografia. Nós vamos estar olhando para enquadramento, iluminação e movimento da câmera, e como isso pode trazer emoção para o trabalho que você está fazendo. Estarei andando por alguns dos meus pequenos projetos e então será seu trabalho ir lá e analisar seus filmes favoritos e ver a cinematografia. Você será capaz de então ver como é feito no mundo real e ser capaz de melhorar seus projetos. Se você tirar uma coisa desta classe, será entender como o aspecto emocional da cinematografia pode ajudá-lo em seu cinema. Você deveria fazer essa aula se você é um cineasta. cinematografia é uma grande parte de fazer um filme e mesmo se você quiser ser um diretor ou qualquer outra pessoa no mundo cinematográfico, entender um aspecto da cinematografia ajudará você a fazer seu trabalho melhor. Mesmo que você não seja um cineasta, esta aula será benéfica se você ama filmes. Ele permitirá que você veja nos bastidores as formas como eles usam a cinematografia para ajudar a contar histórias. Estou tão animada que vocês se juntaram a essa aula, então vamos começar e quebrar alguns filmes. Tudo bem. Tudo bem. Vamos almoçar. 2. O porquê e como: Cinematografia é mais do que apenas criar uma imagem bonita. É entender por que e como você está fazendo isso. Um aspecto realmente importante é que quando começamos a apontar uma câmera para o nosso assunto ou quando estamos apontando a câmera para qualquer coisa, podemos pensar que ela parece legal. Podemos pensar que o enquadramento está certo, mas você realmente não sabe até começar a estudar o como e o porquê disso. Nós vamos quebrar um monte de diferentes aspectos de enquadramento sobre por que você pode enquadrar alguém na regra dos terços, ou por que você pode enquadrar alguém de lado curto, ou por que você pode colocar alguém em uma silhueta usando diferente tipo de movimento da câmera, fazendo um tiro de boneca, fazendo um tiro de câmera estável, ou simplesmente dando à câmera nenhum movimento e colocando-o em um tripé. Você quer tomar cada uma dessas decisões por uma razão. Por que você está fazendo isso para aquele filme ou aquela história ou personagem? Não só dizendo que eu tenho este novo cardan, é muito legal, deixe-me apenas filmar tudo com este projeto no cardan. Você quer saber por que você está usando essa ferramenta para cada aspecto desse filme. Com essa aula, vamos quebrar cada um desses. Algumas pessoas são muito naturais na cinematografia. Você aparece em uma família artística e começa a ver coisas e começa a fotografar coisas, e você é capaz de fazê-lo de uma forma que seja agradável, mas você pode não entender por que você está fazendo isso dessa maneira. O que eu quero fazer hoje é orientá-los através dos elementos para que você possa entender por que você está tomando essas decisões. Porque quando você é capaz de fazê-lo com a informação de, ok, eu preciso incriminar alguém e fazê-lo parecer assustador, ou eu preciso de um quadro alguém e fazê-lo parecer estranho ou medroso, você entende os princípios disso e não Basta filmar da mesma forma que você atiraria em alguém em uma cena de amor. cinematografia é exclusiva do cinema porque você está criando a imagem visual. Em geral, o cinema é uma colaboração entre muitas pessoas, mas às vezes, se você está apenas começando, pode ser você mesmo fazendo isso. Então entender o que você precisa fazer para ajudar a contar essa história será muito importante. Você está contando uma história visual, e você quer usar tudo em sua habilidade dentro desse meio visual para ajudá-lo a contar essa história. Então, se estiver criando a iluminação certa ou se estiver criando a composição certa ou dando a ela o movimento certo da câmera, você deseja usar cada uma dessas peças para ajudar a garantir que a cinematografia que você está fazendo esteja contando essa história. Então, por exemplo, se você tem um movimento de boneca e você está empurrando em direção a alguém. Eles estão olhando para baixo, a câmera está empurrando e empurrando, e então eles olham para cima e você pode ver em seus olhos, você pode ver sua alma, você pode ver seus sentimentos. É o aspecto de ser capaz de criar essa emoção ou tensão com o movimento. Da mesma forma se você tivesse a mesma chance e houvesse um tripé e houvesse um tiro mais largo mais longe. Você não vai ter o mesmo sentimento porque é um tiro mais largo e você não está vendo tão perto quanto os olhos deles, você não está vendo essa emoção. Então é realmente ser capaz de escolher visualmente o que você vai fazer com a câmera e como você vai fazê-lo, uma decisão informativa, então você pode ajudar a contar essa história. Primeiro, vamos começar com enquadramento e composição. 3. Enquadramento e composição: Na cinematografia, o enquadramento é extremamente importante. Seu enquadramento e composição contarão muito para o espectador sobre o que é a história. Há algumas peças básicas de composição de enquadramento que você só precisa entender para ter certeza de que você cria um quadro agradável e equilibrado. O que estamos mostrando aqui agora é uma regra básica de terços tipo de imagem. O que é isso, é que ele está criando essa linha de grade para você tenha sua grade aqui no quadro, que seria a regra de terços, e o que você está criando é esse equilíbrio de simetria. Você verá que sua linha do horizonte agora está neste terço inferior, e então no terço superior você tem o topo desta montanha ou o céu. Geralmente, quando você está enquadrando, você quer colocar sua linha de horizonte em um desses terços. O que isso faz é criar uma imagem equilibrada. Outra parte da regra de terços no equilíbrio de sua imagem será onde você coloca seus assuntos ou seu talento. Como podem ver aqui, temos o nosso talento sentado aqui nesta terceira imagem inferior, temos a nossa água aqui no terço inferior, e isso cria este quadro equilibrado. Outro aspecto de equilibrar um quadro e criar os terços, é onde temos nossos sujeitos colocados, você vê onde eles estão olhando, sua linha de olhos está olhando para fora, então eles estão olhando para todo esse espaço negativo. É uma coisa muito importante para ter, esta é uma regra super básica de terços imagem equilibrada, é que você quer que seu talento tenha o espaço negativo para olhar, porque todo esse espaço negativo é informação que eles podem ver. Se virássemos isto e tivéssemos o nosso talento, digamos que os pusemos aqui e eles estão a olhar para este lado, parece-me muito estranho, como porque é que eles estão à beira do quadro? Não é equilibrado, vai parecer estranho, vai parecer estranho. Em geral, quando você está construindo esta regra de terços, simetria muito básica ou enquadramento, e é onde você deve começar para uma imagem agradável normal. Com esses dois exemplos, isso é olhar para uma imagem 2.39, que é widescreen, algo que filmamos na lente anamórfica. A maioria dos projetos que você estará fazendo estará em 16 por 9, o que você pode ver aqui. As mesmas regras ainda se aplicam, você ainda está fazendo essa regra de terços imagem, onde você está dividindo a tela nesses terços, e você quer que as coisas geralmente alinhem no mesmo espaço. Como você pode ver aqui, nossa linha do horizonte está bem ali em um terço superior, este é um tiro em movimento em direção a este trator, então este trator está aqui nestes terços aqui. Se você jogar o tiro, você pode ver como a câmera está empurrando ao longo da grama e como isso mantém essa regra de terços, e você tem todo esse movimento em primeiro plano dando-lhe uma imagem interessante. Eu acho que isso também é algo que é realmente importante sobre o seu enquadramento, é que você quer ter profundidade nesses quadros. Isso vem de algumas maneiras, isso é usar uma lente mais larga ou empurrar através da grama no primeiro plano inferior, mas esse movimento de primeiro plano dá a você sensação de que você está viajando uma longa distância. Então, quando você toca isso, você pode ver toda aquela grama se movendo através do quadro e dando-lhe essa profundidade e interesse dentro dela. Toda vez que começo uma filmagem, olho para o meu espaço, olho para a minha cena e vejo, “Ok, como posso criar um quadro equilibrado?” Eu toco com a câmera, você faz um teste, você vai da esquerda para a direita, cima e para baixo, e vê o que parece certo. Você não quer apenas puxar uma câmera para fora e começar a filmar, você realmente quer pensar sobre, como isso vai funcionar? Então, além disso, qual será o próximo tiro? Que você atira e como você pode ter certeza de que você está combinando com a maneira que esses quadros funcionam. Se olharmos para esse cara, o fazendeiro, saindo de sua casa, ele sai e então cortamos para ele entrando diretamente no caminhão. Com esse quadro, se você fizer backup, você tem ele saindo da casa, praticamente no centro do quadro, personalizado aqui, entrando no caminhão, e então há o caminhão novamente, ainda neste lado do que acabamos de vir, bem aqui, ainda na mesma região, modo que é fundamental que você queira ter certeza de que tudo está alinhado. Logo você vai cortar, combina, não é chocante porque se nós o tivéssemos aqui na casa e então nós cortamos para o próximo tiro aqui, e então ele está aqui, vai parecer um pouco nervoso. A mesma coisa com entrar no carro. Você quer pensar em todos os seus cortes e também na forma como você emoldura cada um desses cortes para garantir que eles combinam. Agora que temos uma compreensão básica da regra de terços e enquadramento, podemos falar sobre tapume longo versus tapume curto. O quadro é puxado para cima agora é basicamente enquadramento tradicional e é chamado de longo tapume. É colocar a pessoa do outro lado da moldura, e estamos vendo a direção de onde ela está olhando. O espaço negativo em geral contém todas as informações do seu quadro. O que parece ao contrário porque o talento está aqui. Essa é a informação. Não, o talento é o que você está vendo, mas o que seu talento está vendo? O que esse personagem está olhando? Essa é a informação que está fora da tela. Este é um ponto em que você está enquadrando, você pode segurar este tiro, digamos por 30 segundos, e você não pode dizer o que essa pessoa está olhando. Mas como um espectador o tempo todo que você está pensando é, o que ele está olhando? Mostre-me essa coisa. Ao não mostrar o próximo quadro, você pode manter a atenção dessa pessoa, você pode manter sua ansiedade acontecendo porque você não está mostrando isso para ela. Esse cara entra em um bar, é bem simples, ele entra nesse bar, parado aqui, ainda olhando em volta, nós cortamos, lado longo e olhando em volta, um cara entra, silhueta escura, novamente, ele está Ainda há muito tempo, temos todo o espaço que ele está olhando. Que tapume curto é, é quando você está tendo alguém olhar para a borda do quadro. Aqui neste filme, que se chama Angus and the Boys, esta é uma cena onde muita tensão está sendo construída e alguém acaba de entrar neste bar que vai quebrar seu disfarce. Esse cara está, novo, ainda estamos na regra dos terços aqui. Mas o que está acontecendo é que o temos de lado curto. Então, neste momento, toda a sua informação está de volta aqui. Com toda a informação aqui, você pode ver que ele está olhando para a borda do quadro então, neste ponto, o que você está tentando criar é como, algo vai entrar neste espaço? Alguém vai entrar e fazer alguma coisa, ou estamos apenas tentando fazer com que pareça estranho? O que está fazendo com essa emolduração? A razão pela qual estamos fazendo isso, e se você olhar para o quadro antes dele, é que ele está naturalmente olhando para o irmão que está ali. Quando cortamos para o irmão dele, ele é curto, e a razão pela qual estamos fazendo isso é que o irmão mais velho é um cara mau e o irmão mais novo é o mocinho. Neste ponto, queremos fazer todo mundo pensar: “Ok, ele é normal, é bom, não pensamos nele como ruim ou mau, ele é apenas um personagem normal.” Mas nós queremos que você já pense nesse cara como a pessoa má neste filme e essa é uma maneira sutil de fazer você sentir isso, é por curtir o lado dele e colocá-lo lá naquele lugar. Não só essa senhora entrou no bar, que está tentando encontrar o filho sequestrado, que esse cara sequestrou, então queremos fazer você se sentir estranho, tipo, cara mau, ele é o único que está fazendo a coisa ruim para Esse garoto que está no bar agora. Com esta imagem aqui, ela ainda está na regra da terceira, ela está bem nessa linha, mas ela está olhando para a borda do quadro, então isso é chamado de tapume curto. Em vez de ela poder ver toda essa área aqui, ela está olhando para a borda. O que isso cria é uma composição muito estranha, e neste filme, ela está prestes a ser levada por uma pessoa má. Então nós queremos criar um quadro que faça as pessoas sentirem ansiedade e medo, e por ela olhar para a borda do quadro, ele faz isso subconscientemente. Não é como, “Meu Deus, olha para esta moldura, é uma loucura.” subconsciente de baixo nível faz com que as pessoas se sintam engraçadas, especialmente no fato de que este quadro corta daqui, e quando cortamos para o outro quadro, a outra pessoa está olhando para o outro lado também. Eles também estão olhando para a borda do quadro aqui, então temos todo esse espaço negativo atrás deles que parece estranho porque está vazio. Este será um quadro de tapume curto onde é equilibrado, mas parece estranho e estranho. Você faz isso para criar tensão, para criar ansiedade, para criar medo. Então, nesta cena em que alguém está sendo levado de novo, é por isso que faríamos isso. Vamos falar de lentes. A escolha da lente é muito importante. O comprimento da lente que você usa, digamos 24 milímetros contra 70 milímetros, vai fazer o seu sujeito parecer muito diferente. Seus olhos vêem lentes de 50 milímetros, e assim como você anda por aí no dia-a-dia, é isso que você está vendo. Mas uma câmera não vê tão larga quanto seus olhos vêem, temos visão periférica muito ampla versus uma câmera tem uma visão muito estreita em uma lente de 50 milímetros. Dito isso, muito do que faço é filmar entre 24 milímetros e 50 milímetros. Para mim, isso é um bom alcance que se você está filmando pessoas como um sujeito, vai fazer com que pareça que você está lá com eles, que é chamado de filmagem subjetiva. As coisas que você tem que perceber sobre o comprimento da lente é que se você está filmando, digamos com uma lente de 25 milímetros, e você entrar realmente no rosto de alguém, isso vai dar a eles distorção, vai torná-lo Sinto-me um pouco constrangedor. Isso pode ser certo para o tipo certo de história que você está contando, como se é uma comédia, e você quer ter a câmera realmente na cara de alguém para fazer algo engraçado, ou se é um filme de terror, e você quer pegar a câmera realmente no rosto de alguém, e fazê-lo se sentir distorcido e desorientador. Mas para as filmagens normais do dia-a-dia, se você pegar uma lente de 24 milímetros e fazer um close-up médio em alguém, vai parecer estranho, então você realmente quer pensar sobre a lente que você está usando. Neste quadro aqui, isto seria uma lente de 50 milímetros que estamos vendo. Isso é anamórfico, então com uma lente anamórfica, é um pouco diferente, você tem um quadro mais largo. Mas você pode ver que em uma lente de 50 milímetros, há algumas coisas que acontecem. Em seu rosto, temos compressão, então a compressão da lente em uma lente mais longa é mais lisonjeira. Em uma lente de 25 milímetros, vai fazer o rosto de alguém parecer muito mais longo. Como você vai para uma lente mais longa que comprime as características faciais, por exemplo, como um nariz, ou o comprimento seu rosto torna-se mais curto e mais comprimido com uma lente mais longa. Outro aspecto disso vai ser o pano de fundo. Então o fundo que você tem obviamente em uma lente mais longa, ele vai comprimir o fundo. Então este fundo vai se sentir mais perto da pessoa em uma lente mais longa versus uma lente mais larga. Se nós rolar, digamos aqui, esta é uma lente larga agora, agora estamos em 24, agora esta cachoeira está muito longe dela nesta lente, e o que isso faz é que isso lhe dá obviamente uma visão maior, um maior olhar para o que você está vendo, mas também faz com que as coisas se sintam mais longe de alguém. Esses são os princípios básicos entre uma lente larga e uma lente mais apertada. Se você entrar em ação, esportes, ou uma perseguição de carro ou algo assim, uma lente mais larga fará com que tudo pareça estar se movendo mais rápido. Se olhares para este tipo a andar de bicicleta, estamos a usar uma lente larga para parecer que ele está a voar pela nossa área. mesma coisa com as fotos do carro, usamos uma lente mais larga para parecer que o carro está voando mais rápido. Se virem esta foto aqui, estamos usando uma lente de 20 milímetros e faz o carro parecer que está voando. Se você justapõe isso com o início do mesmo filme, estamos usando uma lente mais longa e faz o carro parecer que está indo mais devagar aqui. Esse tiro, estamos usando uma lente de 50 milímetros. Tudo novamente está comprimido, todo o fundo, este fundo é comprimido para este carro, então parece que não estamos tão longe, a mesma coisa com a estrada. Essa lente mais longa lhe dá esse efeito e, à medida que a história se constrói, obtemos lentes mais largas, movimentos mais rápidos, tornando-a mais excitante. Há uma razão para a forma como filmá-lo todo o caminho, para construir esta edição de uma forma que irá criar emoção. Então começamos devagar no início, tiros mais compactados, tiros lentos, e então entramos tiros mais rápidos e lentes mais largas no final para criar essa emoção. Vamos falar de filmagem subjetiva versus objetiva. Uma visão subjetiva ou um ponto de vista é quando você está com alguém, então estar na mesma sala, estar no mesmo carro, parece que você é parte da conversa. Filmagem objetiva seria fora da cena ou situação, então é em uma lente longa, realmente grande tiro, você vê alguém muito abaixo em um campo por si só, você é um estranho olhando para dentro, então isso seria um ponto de vista objetivo. Olhando para esta cena de carro rápido, esta moldura bem aqui, isso é muito objetivo, estamos vendo essas pessoas de fora. Enquanto jogamos isso, você pode ver que eles estão dirigindo seu carro, nós estamos vendo eles de fora, ainda aqui, isso é objetivo, estamos olhando de fora para dentro. Versus, entrar no carro com eles aqui, agora parece que somos parte da conversa, estamos aqui com esses caras, esta é uma lente mais larga, estamos no carro, estamos vendo a conversa deles, estamos vendo suas emoções. Você pode ver que há maneiras muito diferentes de fazer isso, e a maneira como você pode usar subjetivo versus objetivo é como você está tentando contar uma história. Então, digamos que para esta cena do carro , estamos apresentando o carro, estamos apresentando a paisagem de onde esses dois irmãos estão saindo, mas então entramos no carro com eles para que você possa ver suas emoções e ver o que Eles estão fazendo. É feito para esse propósito. Agora que passamos pela composição de enquadramento, é hora de passar para a iluminação. 4. Iluminação: É hora de falar sobre iluminação. A iluminação para cinematografia pode ser feita de muitas maneiras. Quando eu digo iluminação, isso se aplica ao uso de luz natural e qual direção você está usando a luz para trabalhar ou configurando luminárias como iluminação ou pode estar caminhando para um local natural com lâmpadas práticas, mas escolher onde colocar essas lâmpadas ou escolher onde colocar o seu talento. Iluminação é a maneira como a luz cai sobre o rosto da pessoa ou através do local. Em geral, para a iluminação, gosto de tomar uma abordagem naturalista, e naturalista no sentido de que quero um espaço para se sentir natural ao seu ambiente. Passei muito tempo apenas olhando em torno de espaços, quando estou em um restaurante ou eu estou andando pela rua ou qualquer espaço em que estou, eu olho para como a luz cai naturalmente. É algo que você deve começar a fazer porque isso realmente irá informá-lo sobre como iluminar uma cena quando você chegar a uma cena que tem um lugar semelhante. Digamos que você está em um restaurante e é de tarde e há algumas janelas realmente grandes naquele lugar e você vê a luz fluindo através e você vê a maneira como ela cai sobre os rostos das pessoas e as sombras que cria e o pontos de acesso e destaques especulares que ele cria, você prestar atenção a essas coisas e, em seguida, tentar recriá-los na vida real. Há duas grandes coisas que eu gosto de abordar quando eu acender ou duas maneiras que eu gosto de iluminar, eu acho que você teria que torná-lo o mais simples possível ou você torná-lo o mais elaborado possível. Às vezes, quando você cai no meio do mundo, ele só começa a se sentir muito falso e muito forçado, então geralmente, se você tem apenas a si mesmo e algumas pessoas, tente mantê-lo o mais simples possível para iluminar a cena como você precisa que ele seja iluminado. Agora, um dos primeiros princípios que eu quero falar é chamado de iluminação de três pontos, é muito, muito básico, é a maneira como você acende uma entrevista, é a maneira que você pode acender um talento e praticamente qualquer espaço. É um lugar para você começar, mas definitivamente não é algo que você tem que fazer, não é como, eu gosto de pessoas com três fontes de luz em todos os pontos, ele sempre muda dependendo do meu ambiente. Outra coisa para pensar sobre a iluminação é o humor que você está criando, o que o personagem está passando naquele momento? É uma história triste, é uma história assustadora, é uma história feliz, e usando sua iluminação para ajudar a melhorar esse momento para esse personagem ou história. Então a imagem que estamos olhando agora é um cara entrando em um bar, agora estamos filmando isso durante o dia, então o bar está fechado, então isso dá a você um pouco de liberdade para fazer com que realmente pareça como você quiser. Algumas coisas para notar aqui e ele entra na iluminação de três pontos, então eu vou mostrar a vocês de onde essas fontes estão vindo antes de irmos para o fim e mostrarmos a iluminação de três pontos. Temos esta porta, onde temos luz vindo por este espaço aqui, este é um dispositivo, é chamado M18, eles estavam colocando aqui para empurrar a luz através da janela. Então isso está nos dando nossa fonte de luz do dia. Esta é também 5600 temperatura de cor, e isso é cor da luz do dia, então temperatura Kelvin, você tem 5600. Agora dentro, todas essas outras luzes que você está vendo e por aqui no resto da sala, estas são 3200 e 3200 é a cor da iluminação de tungstênio. Na foto, você pode ver que é luz do dia porque temos toda a luz do dia entrando nesta janela, então deixando-a aquela temperatura natural. Nós também tivemos esse grande destaque que estamos criando no chão e seu olho é desenhado, novamente enquanto conversamos em enquadramento, isso é criar essas linhas visuais, esse cara está entrando no bar, Ele está vindo para esta posição aqui e as linhas estão levando ele para aquele espaço. Nós temos essa luz, nós também temos uma configuração de luz aqui que é também 3200, ele vai entrar, é uma grande luz suave, que vai ser a sua luz chave. Mas então você quer ter certeza de que você tem luz de fundo, então temos luz de fundo aqui, luz de fundo aqui, todos esses que nos ajudam a dar textura em nossa cena. Se essas luzes estivessem apagadas, o fundo seria muito plano e nosso [inaudível] também se misturaria com o fundo, então você precisa ter uma luz de fundo. Então você pode ver em seu rosto bem aqui, há luz batendo nele a partir daqui, criando assim uma borda em nosso próprio personagem ao longo de seu braço, e então as luzes traseiras atrás dele obter um pouco de textura para o fundo dar uma separação. Então, apenas em geral, apenas princípios básicos de iluminação, você quer ter uma fonte de luz que é, um, iluminando seu personagem, então nós temos essa luz de borda. Dois, você quer ter alguma fonte mostrando sua hora do dia ou ajudando a construir esse local, que vai ser nossa luz solar chegando, bem como nossas luzes de fundo de tungstênio. Então nossa terceira coisa será nossa luz chave quando ele entrar nela. Então, se você tocar isso, você pode ver que ele está entrando, ele entra nesta luz chave que, em seguida, acende este rosto aqui e então nós entramos em um pouco de mais perto e tiro onde eu vou delinear a iluminação de três pontos em si. Agora, em geral, eu digo que quando você começa, é bom conhecer esses princípios de iluminação de três pontos, mas não é algo que eu quero ter certeza que sempre acontece, como eu disse antes, é algo que às vezes acontece no meu trabalho, mas muitas vezes pode ser apenas duas fontes de luz, só depende da cena e como eu quero fazê-lo se sentir natural. Então o que estamos fazendo aqui nesta cena é, nós temos nossa luz chave, que é aqui, isso é o que chamamos de Kino Flo, é um quatro por Kino Flo passando. Eu acho que neste momento nós tínhamos um pano de meia grade, então é um dispositivo que tem cerca de quatro metros de comprimento, colocando para fora um monte de fontes, passando por uma fonte de amolecimento também, então nós estamos usando o pano de difusão na frente de e isso está criando nossa chave. Você pode dizer que é macio, porque se você olhar para a sombra do nariz dele aqui, esta sombra é suave, não é como uma sombra dura em seu rosto. Agora também temos nossa segunda luz, então esta é a luz um, que é a nossa chave, então você precisa da sua luz chave. Agora nossa segunda fonte será nossa luz de borda aqui, que vocês podem ver, que está iluminando sua borda e que vem daquela luz de janela que vimos antes. Mas neste ponto, não é tão difícil como vimos antes, na imagem que mostrei da última vez, você vê uma luz dura entrando. Neste ponto, você suavizou para que não seja muito distrativo, se uma luz está iluminando alguém e é muito de um halo em certas cenas, pode parecer exagerado, você quer torná-lo o mais natural possível. Então aqui nós suavizamos a luz para ter certeza de que não era muito difícil, então esta é a nossa luz de fundo. Então a terceira luz será o preenchimento, então o preenchimento é tudo acertando este lado do rosto dele aqui, então a luz de enchimento está entrando, o que não é muito, mas há um pouco. Porque uma coisa que você tem que lembrar é que se você tem zero preencher um espaço escuro, então você provavelmente terá uma taxa de contraste muito alta. Então, para que a pele dele apareça na câmera, você tem que ter um preenchimento. Mas o que usamos aqui é apenas um painel de contas muito simples, um beadboard é um quatro por quatro quadrados e é basicamente algo que você pode comprar isso como uma loja de passatempos. É como um núcleo de espuma, é o que eles chamam no mundo real, mas no mundo do cinema chamamos de beadboard, e um beadboard cria um bom salto suave. O outro aspecto quando você está fazendo iluminação em geral é, com a cena e este sendo um drama ou um thriller e ele está em um bar escuro, você quer ter certeza de que ele se encaixa no ambiente em que ele está, e assim este ambiente que é em, isso faz sentido por que ele está iluminado desta forma, você quer ter esse contraste. Outro aspecto realmente importante da iluminação é a iluminação exterior e como você abordaria isso. Eu acho que a maioria das pessoas que estão em uma situação de uma banda de um homem ou uma equipe menor, muito tempo você está fora e você está tentando fazer a luz funcionar melhor para você. Há dois princípios fundamentais que quero informá-los e pensar para ter certeza de que da próxima vez que fizerem isso, terão sucesso. A primeira é a hora do dia que você está filmando, é realmente importante atirar quando a luz no céu está abaixo de 40 graus. Há um monte deste sol procurando aplicativos que basicamente permite que você veja onde o sol estará no céu. Então, quando você vai e você olha sua localização, você pode ver o quão alto o sol vai. Então, no verão, o sol vai estar em um ângulo muito maior porque é verão. Então você pode ter apenas duas a três horas de manhã, duas a três horas de noite, quando o sol será um ângulo ideal para dar-lhe uma luz agradável. No inverno, você terá melhores condições porque o sol nunca vai tão alto. Agora, quando você está planejando sua filmagem, você quer tentar agendar as coisas fora de manhã ou à noite, no meio do dia, o sol está tão alto que o que ele faz é criar uma sombra sobre alguém, que é realmente pouco lisonjeiro. A mesma coisa para todo o seu fundo, a luz no fundo será muito dura e sobrecarregada, em vez de criar sombras mais longas e ter mais faixas de luz que serão muito mais agradáveis. Se você der uma olhada nesta cena aqui com essas meninas, você vai notar que tudo aqui é backlit e se eu tocá-lo para você, você pode ver que você está sempre tendo a luz fora para o lado de trás deles e atrás deles, mas também o luzes em um ângulo de menor grau que o torna mais lisonjeiro. Você pode ver mesmo aqui no chão, você está tendo essas marcas de luz entrando, atrás delas, as sombras são muito longas e isso torna mais agradável. Mas também mantendo a luz atrás deles, ele permite que você não tenha tons de pele realmente ásperos em seu rosto e também lhe dá contraste automático. Então, se você olhar para o rosto dela aqui, a luz está voltando para este lado e nos dá esse contraste no lado do rosto, que é mais agradável. Se a luz estivesse voltando na direção oposta, seria muito plana e você não teria contrastes ou profundidade. Isso é algo que eu faço o tempo todo e se você olhar para seus filmes favoritos ou trabalho que você ama, você sempre verá que a luz está atrás do assunto ou fora do assunto por 45 graus. Então, basicamente, se este é o seu assunto e você está filmando isso, você está filmando o assunto aqui, você quer ter a luz atrás deles em algum lugar dentro de 45 graus atrás da própria pessoa ou do carro ou o que quer que seja que você está A filmar. Se eu passar por isso um pouco mais de novo, você verá, a luz ainda está longe do seu rosto. próximo tiro, do lado do rosto dela, é sempre manter o mesmo lado para te dar esse olhar. Outra coisa que você começa quando você atira com o sol atrás de você é que as árvores, toda essa área aqui são mais escuras. Então, dá-te mais separação do teu talento para o fundo contra outra vez, se a luz está a vir da frente e está a vir para as próprias pessoas, tudo isto será super brilhante no fundo e depois vai para encaixar com o fundo, para que não haja separação. Eu também notaria que todas essas coisas que estão sendo filmadas aqui, nós estamos apenas usando um painel de quatro por quatro, dando um pouco de filtrar os rostos, mas não usando nada grande, esta foi uma configuração de arma bastante corrida da nossa filmagem aqui. Veja, você tem um pouco de preenchimento em seus rostos apenas com uma placa de pão, isso é tudo que estamos usando, e a mesma coisa aqui. Todas as regras se aplicam, é muito importante, manter o sol atrás das pessoas e atirar na hora certa do dia. Aprender a luz requer prática, é definitivamente um tipo de situação de tentativa e erro. A melhor maneira de fazer isso é pegar uma tela de um filme que você ama ou do trabalho de alguém que você ama e tentar replicá-lo em casa. Encontre uma sala similar, seja lá fora ou dentro, seja lá o que for, e tente configurar a iluminação para combiná-la. Esta é realmente a melhor maneira de aprender, você pode configurar luzes e apenas jogar em torno de si mesmo também. Mas é muito mais fácil olhar para o trabalho de outra pessoa e tentar imitar isso no início antes de entrar em seus próprios esforços criativos. Porque então você pode ver o que eles fizeram, o que está funcionando, o que não está funcionando versus apenas fazê-lo você mesmo e não entender os princípios de como a luz cai no rosto de alguém. Você cometerá erros e terá fracassos, é apenas parte do aprendizado e eu acho que é realmente importante falhar, porque pelas falhas que você tem, você realmente entenderá como fazer isso direito da próxima vez. Estes são apenas alguns pequenos pedaços de iluminação, eu poderia literalmente falar sobre iluminação por semanas porque há muito envolvido em criar o tipo certo de luz para diferentes situações, mas este vai ser um grande salto fora do ponto para você e se você pode entrar e praticar estes passos e fazer algumas falhas e aprender um pouco, então você estará indo muito bem. Em seguida, vamos saltar para o movimento da câmera, então aqui vamos nós. 5. Usando o movimento da câmera: Vamos falar sobre o movimento da câmera. O movimento da câmera é extremamente importante para o que você está fazendo como diretor de fotografia. Como você move a câmera e quando você não move a câmera, diz muito para o público, tanto sobre o personagem, mas também sobre a cena. Eu acho que é fácil como um cineasta iniciante entrar neste papel e apenas querer mover as câmeras por todo o lado. Hoje em dia, os gimbals são super baratos, a tecnologia é super barata em geral então você pode colocar uma câmera em um cardan e só quer filmar tudo dessa maneira. Mas é realmente importante entender por que você está movendo a câmera e ela está adicionando à cena ou é tirada da cena. Eu acho que o maior problema que você vai encontrar é um espectador distraindo o público pela maneira como a câmera está se movendo, você vai tirá-los da história e essa é a última coisa que você quer fazer. Eu sei que, como um jovem cineasta, eu mudava a câmera o tempo todo. Ou estava na câmera deslizante, que é uma ferramenta antiga neste ponto, ou estava em algum controle deslizante e a câmera estava constantemente se movendo para frente e para trás. Mas quando comecei a aprender mais, comecei a usar um tripé o máximo que pude. Porque todo esse tempo durante a cena e você quer que a ação ou a história para ter lugar na frente da lente e deixar que contar a história, em vez da câmera tentando contar a história. Então vamos detalhar algumas ferramentas diferentes que você pode usar e por que e como eu usaria essas ferramentas diferentes em cenas diferentes. Eu diria, em geral, que usar varas ou um tripé, você quiser chamá-lo, é provavelmente a sua ferramenta mais importante. Abordo todas as cenas que se não precisar mover a câmera, não vamos mover a câmera. Muito do trabalho narrativo que eu faço, os filmes, aqueles que eu mostrei até aqui, como Angus e os meninos são maré baixa, muito disso apenas no tripé porque não faz sentido mover a câmera. Você quer deixar a história se desenrolar, deixe a conversa acontecer sem que a câmera seja distração. Então deixem-me mostrar-vos um exemplo rápido disso. Então, se olharmos para a maré baixa, saímos de uma montagem. É um monte de corte rápido e eu vou mostrar um pouco a montagem para que você possa ter uma idéia de como tudo isso se corta, porque isso é obviamente importante é de tiro a tiro, como funciona. Então você pode ver uma montagem e é uma montagem divertida deste casal se divertindo e é um flashback de sua vida e o que eles estavam fazendo. Tudo isso é de mão. É uma seção portátil porque mostra a emoção e a diversão que eles estão tendo e então a câmera se movendo, parece que está viva e está com eles. Eu notaria que estamos usando todas as lentes mais brancas é um tiro muito subjetivo. Então ele faz esta montagem, nós nos divertimos com eles. Então ele entra em uma boneca lenta. Enquanto nós brincamos com eles, estamos trazendo-os para a próxima cena, está empurrando-os para o balanço dentro daquela cena. Então, à medida que entramos na conversa, a câmera bloqueia no tripé, já que temos essa conversa acontecendo. Então eu vou tocar daqui de você. Então você vê que esta é a montagem toda portátil. Você pode ver os movimentos da câmera inteligente acontecendo. Divertido, emocionante, útil, autêntico é uma palavra que é jogado muito ultimamente, mas dá uma sensação autêntica onde você está. Então você verá que desaparecemos dessa cena e entramos em uma cena de bonecas. Uma boneca é uma boa introdução à câmera suavemente movendo-nos com eles para o balanço sets cena em si. Depois, eles têm uma conversa. Então você vê nós apenas começamos a falar aqui e é apenas sobre a conversa, isso é tudo o que acontece neste momento é que não há câmera se movendo ao redor deles, sem bonecas, nada, é apenas deixar essa história contar a si mesma. Você está focado no que é a história, no que as pessoas estão dizendo. Você não está sendo incomodado com a câmera constantemente se movendo para frente e para trás ou cortando nós estamos desenhando parte do movimento. Então você se concentrou puramente no que está acontecendo e eu acho que isso é importante. Se você não precisar mover a câmera, não mova a câmera. Deixe a história se desenrolar na frente da lente. Então vamos falar um pouco sobre um tiro de boneca ou um tiro de cardan. Eles são bastante parecidos e são um pouco diferentes, mas eles estão fazendo a mesma coisa. Agora, um tiro de boneca é como um tripé. Está trancado, mas também está se movendo, então é um pouco mais suave. Um cam constante ou um tiro cardan é um pouco mais livre movimento, mas ainda muito suave rastreamento tiros com um personagem. Agora, a razão pela qual você usaria qualquer uma dessas coisas, uma boneca ou um cardan são algumas coisas. Primeiro, você está apresentando uma cena ou um local. Você está seguindo um personagem. Então a câmera está se movendo com o personagem, então você a usa para seguir essa pessoa. Ou talvez seja uma transição para fora de uma cena e você está deixando um lugar. Agora, com este exemplo aqui, esta é a cena de abertura deste filme chamado “Tudo é um Sentimento”. O que estamos fazendo é revelar nossa localização, nosso talento, e o que está acontecendo de uma só vez. Para fazer isso, precisávamos usar um cardan. Isto é basicamente um tiro de boneca para revelar. Então, se tocarmos isso, você verá que estamos começando aqui no farol, você começa a dizer, é uma motocicleta. Quando você está assistindo, é como, há uma pessoa em um estacionamento escuro em uma moto. Então você está começando a receber toda essa informação, não é realmente lidando com um tripé, você poderia ter tido um tiro no farol e então cortar para um tiro mais largo e um tiro mais largo. Mas não vai ser tão suave como revelar como fazê-lo com o cardan. Então, usando o cardan ou câmera estável, é uma ótima maneira de introduzir um personagem, introduzir um local, ele lentamente revela toda essa informação. Tão grande uso dessa ferramenta. Você também poderia ter feito algo semelhante, digamos com uma inclinação para baixo, você teve como um grande tiro de tripé e você começa com o céu e você inclina-se para baixo na cena. Então, se você não tem o orçamento para um cardápio ou boneca, você pode se safar de outra maneira. Você pode revelar uma cena com uma inclinação para baixo ou uma panorâmica. Agora, outras partes deste filme que usamos um cardan são quando estamos rastreando. Então, estamos fazendo algumas fotos de moto, estamos rastreando ela dirigindo a moto dela. Teria sido muito difícil de fazer sem um cardan porque um portátil seria um pouco instável demais e sem o cardan, é muito difícil atirar para fora de um veículo em movimento. Então você pode ver aqui novamente é uma ótima razão para usar essa ferramenta , porque então podemos mostrá-la dirigindo a moto e obter algumas fotos suaves de rastreamento. Agora, deixe-me mostrar-lhe outro tiro cardan, cardan estável cam. Então, só para as pessoas entenderem, uma câmera estável é basicamente um tipo mais antigo de dispositivo usado para mover uma câmera. Ambos estão fazendo a mesma coisa, só parece um pouco diferente dependendo do tipo de projeto que você está filmando. A maior parte do meu trabalho é feito em um cardan porque é rentável. Filmes de estúdio maiores que você verá em filmes estão usando principalmente câmeras estáveis porque tem uma sensação mais orgânica, mas também é mais caro ter essas fotos. Esta cena pode explicar porque a usamos como uma mãe é muito ocupada, sua vida é muito caótica, e ela está tentando escrever algumas anotações e algumas instruções para quando ela vai estar fora da cidade. Então ela está saindo da cidade, escrevendo notas, tentando atender um telefonema. Tudo isso está acontecendo ao mesmo tempo. Então, em vez de usar um tripé ou usar um dispositivo portátil, estamos usando o cardan para seguir até esta sala e fazer com que pareça que estamos girando através da sala, tornando o filme mais caótico e desorientador. Então você vai ver a garota entrar, nós estamos na mãe, então nós voltamos para a garota, e agora ela vai embora, é aí que todo o caos começa a acontecer. Nós seguimos, pegamos a mãe aqui e estamos girando com a mãe, ela está escrevendo anotações. Continuamos girando para a outra garota. Então é um tiro em movimento constante, assim como a vida dela é como constantemente em movimento e caótico, e ajuda a vender isso para o público para nós apenas ter uma foto estática disso ou um tiro portátil. Escolhemos isso especificamente para aquele tiro. Então eu acho que é pensar em cada cena, pensar em cada pessoa que você está seguindo e como você pode torná-la adequada para a história. Vamos mergulhar no portátil. Handheld vai ser a maneira mais econômica de atirar, mas também a maneira mais rápida de atirar. Você quer ter certeza de que você está filmando de mão pelo motivo certo. Mas para muitas pessoas, pode ser a única maneira que eles podem atirar porque eles podem não ter varas, eles podem não ter um cardan, eles podem não ter mais nada para usar no projeto. Mas, ao mesmo tempo, certifique-se de que está fazendo da maneira certa. Há definitivamente um handheld onde é realmente instável e há um handheld que é muito mais estabilizado e pensado. Eu realmente nunca faço filmagens super instáveis a não ser que seja para uma certa cena, é uma cena de guerra ou uma perseguição de carro ou qualquer outra coisa e você quer adicionar um pouco mais de emoção à vibração. Mas, na maior parte, estou carregando minha câmera. Estou a segurá-lo bem apertado ao meu corpo, por isso faz parte do meu núcleo. Esse tipo de tiro de mão faz com que pareça mais natural e orgânico, não é como uma câmera trêmula. Se você está usando um DSLR e você está segurando em suas mãos assim e você está tentando filmar, ele fica muito instável, contra se você está usando, digamos, um monopé. Eu ainda considero um filme portátil monopé porque um monopé está conectado ao chão, mas você ainda está segurando em suas mãos. Mas ao segurá-lo e embalá-lo com o monopé,pelo menos ele dá a você uma filmagem mais suave, parece mais natural para filmagens portáteis do que metragens pelo menos ele dá a você uma filmagem mais suave, de mão trêmulas. Quando você começa a usar câmeras maiores, Eu principalmente tiro com um mini ALEXA, uma câmera maior, Eu vou usar algo chamado um equipamento fácil. É essa engenhoca que vem por cima da sua cabeça. É ridículo. Tem um cabo que se conecta à parte superior da câmera. Ele ajuda a estabilizar a câmera para que eu possa então segurar a câmera e ser berço dela. Mas a cinta está vindo de cima, em vez de um monopé vindo de baixo. Mas isso me permite usá-lo e realmente obter imagens bonitas. Então este projeto aqui é chamado “Tudo tem um sentimento”, é um projeto pessoal que fiz com um fotógrafo. Ela teve alguns incidentes trágicos ao longo de sua vida e isso realmente a matou criativamente. Ela não quis fotografar por um tempo. É a história de trazer de volta essa inspiração e ela encontrar aquele amor pela fotografia novamente. Sendo que era uma história tão pessoal para ela, eu queria fazê-lo de uma forma que parecesse natural e parecia que estávamos lá com ela, como se fôssemos outra pessoa que está observando isso acontecendo, mas estamos lá. Então eu não queria que estivesse lá fora olhando para dentro, eu queria ser muito subjetivo. Então usamos lentes melhores, tivemos um pouco de movimento natural com a câmera para que ela se sentisse autêntica e orgânica. Então eu vou tocar um pouco isso para você e eu posso falar através de algumas das peças. Você pode ver um pouco de agitação natural com a câmera, mas não é nada que tremendo demais. Parece que você está lá com ela, você está vendo ela passar pelo processo de e na verdade ela está tirando essas fotos e lembrando como é estar apaixonado por fotografar e como é você está vendo ela passar pelo processo de e na verdade ela está tirando essas fotos e lembrando como éestar apaixonado por fotografar e como é realmente se sinto inspirado sobre o que ela está fazendo. Então a coisa toda é filmada com fotografia portátil, exceto para aquelas cenas de motocicleta que estamos rastreando com ela porque precisávamos rastrear e painel não teria funcionado. Mas este é um exemplo como, nós queríamos estar com ela, nós queríamos que isso fosse uma história pessoal, nós escolhemos handheld para fazer isso. Se fizéssemos isso em paus ou fizéssemos isso no cardan o tempo todo, não sentiria o mesmo. Essas são as formas básicas de como mover uma câmera. Vá lá fora, pratique-os. Veja seus filmes favoritos, veja como eles estão movendo a câmera e analise esses movimentos. Em seguida, vamos falar sobre como obter um grande valor de produção em suas histórias. 6. Filmando por um valor maior de produção: Algumas dessas coisas parecem bastante simples, mas são extremamente importantes para obter um melhor valor de produção em seus brotos. Uma coisa muito importante são os locais. Acho que a localização e os atores são provavelmente alguns dos aspectos mais importantes do seu projeto. Portanto, escolher o local certo é muito importante. Há duas coisas: uma, muitas vezes vou procurar locais antes de começar a construir a minha história. Para que eu possa encontrar um local, posso estar a vaguear por aí. Eu moro em Austin, Texas, então eu estou no campo, e eu encontrei aquele celeiro legal, e então eu posso escrever uma cena com meus personagens naquele celeiro para então colocá-lo naquele lugar que já parece incrível. Então eu não tenho que ir e trazer um departamento de arte inteiro para construir aquele celeiro fora, nós já o encontramos, e parece legal para começar. Então, encontrar locais que podem ter uma história construída em torno deles, ou encontrar locais que realmente se encaixam na sua história já antes do fato ou super importante que tenham esse valor de produção incorporado. O outro aspecto disso é a hora do dia que você está filmando nesses locais. Então, saindo e explorando locais, olhando para a iluminação. Olhando e vendo quando o sol é perfeito para filmar nesses locais é super importante. Se você aparecer às 12 horas do meio-dia e estiver filmando em algum posto de gasolina, e de repente você vê que a luz parece terrível, mas você tem que filmar de qualquer maneira, sua produção vai parecer muito terrível. Mas se você olhasse alguns dias antes e visse que 18h a luz é perfeita para filmar a cena, nossos atores são iluminados, o fundo parece ótimo. Deveríamos filmar naquela hora, você volta e atira naquela hora e faz parecer muito melhor do que poderia ter feito. Então é muito importante pensar na sua história. Pense em como a iluminação deve ser. Pense em como você pode atirar naquele local na hora certa do dia e planejá-lo dessa maneira. Na iluminação, tocamos um pouco sobre filmar na hora certa do dia. É muito importante quando você está fazendo cenas ao ar livre para filmá-lo antes que o sol fique muito alto no céu. Para mim, eu não filmo quando o sol está acima de 40 graus no céu. Eu uso um aplicativo e eu posso ver exatamente quando isso vai ser. Então, quando eu estiver explorando o local, eu saberei que ou, A, a manhã ou a noite será o lugar onde eu deveria filmar. Então, se o sol vai iluminar meu talento pela manhã, eu quero ir para aquele local na filmagem da manhã. Se o sol estiver iluminando meu talento à noite, eu faria uma sessão noturna lá. Portanto, é realmente importante entender onde o sol estará e como você pode usá-lo em seu benefício. Se apareceres ao meio-dia e também quando a luz parecer terrível, a tua produção vai parecer terrível. Então você tem que realmente pensar sobre quando você vai filmá-lo, trabalhar em sua agenda e apenas filmar naqueles momentos do dia. Com a maioria das câmeras que usamos hoje em dia, você pode ter uma profundidade de campo muito superficial. Definitivamente tem sido algo que tem sido usado em excesso, mas às vezes, você realmente precisa usá-lo para ajudar seu valor de produção. Se você está em um local e o fundo não parece tão bom, ou você não tem um diretor de arte ou um orçamento para realmente vestir o fundo e fazer parecer que se você está em uma garagem e você não tem todas as ferramentas que você quer colocar no fundo para torná-lo parecido com um banco de ferramentas e qualquer configuração que você teria lá. Se você atirar em uma profundidade de campo mais rasa e apenas deixar tudo fora de foco por trás de seu talento, você não vai precisar fazer isso. Portanto, é uma ótima maneira de cortar cantos em um sentido e atirar profundidade de campo mais rasa. Vamos fazer isso o tempo todo se estamos ficando sem, digamos, tempo em uma sessão em si e precisamos pegar uma cena, nós não temos tempo suficiente para vestir tudo isso, nós vamos apenas para 1.5 F stop, jogar tudo fora de foco, Mantenha nosso talento em foco, e é isso, você passa para o próximo tiro. Então, uma ótima maneira de manter alto valor de produção. Outro grande truque para alto valor de produção é usar a filtragem em sua câmera. Muitas das câmeras mais baratas lá fora, e eu acho que apenas DSLRs em geral têm uma nitidez muito alta para eles. Seus destaques sopram muito rapidamente. Eles não têm um bom roll-off, e um roll-off é basicamente onde o céu seria muito branco. Em vez de ser uma borda dura onde o branco vai da escuridão para o branco e tem mais de um gradiente para ele, um bom roll-off, que uma câmera final mais alta vai fazer. Mas para ajudar a si mesmo, se você estiver usando um DSLR, eles fazem filtros de difusão que são realmente ótimos para ajudá-lo a dar um roll-off mais natural como filme. Alguns destes filtros de difusão é que você pode usar nosso Hollywood Black Magic ou Pro Mist ou Super Mist, mas você quer obter um sabor que é cerca de um oitavo. É o suficiente para tirar a borda fora e ajudar a roll-off bom destaque, mas não é muito para fazer parecer que você está filmando um filme dos anos 80. Eu realmente gosto do Black Pro Mist 1/8. Ajuda a suavizar tudo apenas ao toque, dá-lhe uma bela flor de destaque e é um filtro muito, muito bonito. Outro filtro que é realmente importante é ter um polarizador circular. Muitas vezes pode se tornar difícil no set porque você está se movendo tão rápido, e você vai de dentro para fora e adicionar outro filtro à sua câmera leva tempo. Mas você definitivamente quer tomar esse tempo. Um polarizador circular ajudará a tornar os verdes mais verdes, tornando seus céus azuis mais azuis. Então é muito, muito bom ter. Ele vai fazer, um, as cores pop mais, mas vai fazer seu talento pop do fundo também. Então, um polarizador circular é um ótimo filtro para ter. A outra filtração, que você deve estar carregando são filtros ND. Se você estiver usando um DSLR, eles fazem um bom filtro de filtragem chamado ND variável. É basicamente um filtro ND que você pode torcer, e mudará o número de paradas ND que você tem na câmera. Um filtro ND é muito importante porque você deseja manter seu obturador em 150º ou 148º, dependendo do tipo de câmera que você tem, e manter essa configuração 150º fará com que o desfoque de movimento pareça natural e normal da maneira que seu visão vê. Agora, um sinal indicativo para ver que alguém não sabe o que está fazendo ou não tem alto valor de produção é girar sua velocidade do obturador atrasada um a cinco centésimos ou um milésimo porque é simplesmente muito brilhante lá fora, e assim Eles estão acionando a velocidade do obturador para esse nível. Agora, o filtro ND permitirá que você fique no 150º em todos os momentos. Será um movimento mais agradável para os olhos e vai parecer mais natural e dar-lhe maior valor de produção. Uma última dica que tenho para você, sobre a qual falamos brevemente, mas manter a luz atrás do seu talento. Então, se você está filmando lá fora em luz natural, você sempre quer manter seu sol em algum lugar atrás de seu talento. Então está dando a eles mais luz de borda em vez de iluminá-los frontais. É uma ótima maneira de ter alto valor de produção. Vai dar-te mais contraste com a tua cena, vai dar-me mais profundidade à tua cena. Então eu recomendo. Vá lá fora e experimente, luz de fundo alguém e, em seguida, acenda a frente e veja a diferença por si mesmo. É muito, muito legal. 7. Equipamento e configurações da câmera: A melhor câmera é aquela que você tem em você. A tecnologia evoluiu até agora que as câmeras se tornaram tão baratas e você pode literalmente praticar com qualquer câmera que você tem. Eu tenho um iPhone e eles têm alguns grandes aplicativos para o telefone que permitem que você usá-lo como uma câmera de vídeo. Você pode controlar todas as suas configurações no modo manual, e ele faz um bom trabalho, e pode permitir que você faça filmes e praticar suas habilidades de contar histórias de forma muito simples. Você também pode comprar uma câmera usada on-line por um par de $100 com uma lente e usá-lo para começar sua vida cinematográfica. Então há muitas opções e eu acho que a maior coisa a entender é que, não é sobre a tecnologia, é sobre você aprender a habilidade e praticar para que você possa saber como fazê-lo da maneira certa. É muito importante entender e aprender a câmera que você tem. Você quer mergulhar nas configurações, mergulhar em seus prós e contras, e realmente aprender o que faz isso funcionar. Quando você obtém algo novo, é fácil apenas querer sair e começar a usá-lo. Mas você precisa passar algum tempo pesquisando realmente descobrir quais configurações são melhores, em que codec disparar, em que taxa de quadros fotografar, qual é o alcance dinâmico da câmera? Todas essas coisas diferentes que ajudarão você a entender como obter melhores fotos com ele. Há toneladas de vídeos do YouTube por aí em todas as câmeras disponíveis. Então eu faria isso, iria lá, procuraria sua câmera, e gastaria algum tempo aprendendo a melhor configurá-la para o cinema em particular. As configurações que você usa em sua câmera são extremamente importantes, muitas das câmeras são feitas para foto e vídeo. Então, quando você obtém essa câmera, ela provavelmente está configurada para uma câmera fotográfica em vez de uma câmera de vídeo, então essa não é a prioridade com uma DSLR ou uma câmera sem espelho. Portanto, certifique-se de que tem as definições certas para o modo de produção de filmes na câmara. Um dos aspectos mais importantes disso são não atirar em “AUTO”. A câmera vai fazer o que achar que precisa fazer para a imagem que você fotografa versus configurar a câmera para sua cena e certificar-se de que ela está configurada para o que você deseja que ela faça. Há algumas coisas importantes que você deseja configurar em sua câmera para filmar. Um, está filmando a 24 quadros por segundo, 24 quadros por segundo é a mesma taxa de quadros que seus olhos vêem. Cria um borrão de emoção, parece natural, é orgânico. Assim, filmar a 24 fotogramas por segundo automaticamente lhe dará um valor de produção mais alto para seus filmes e será como todos os filmes que você vê lá fora. Outra parte importante é certificar-se de que a velocidade do obturador está em 148º ou 150º, 148º seria o número real porque é o dobro da sua taxa de quadros. Então, se sua taxa de quadros é 24, 148 seria o dobro dessa velocidade. Mas algumas câmeras só têm um ajuste de 150º, então esse é o número mais próximo, então você quer combinar com isso. Agora, o que acontece quando você tem essa velocidade do obturador? É a quantidade de borrão que você vai conseguir. Então, se você colocar a mão na frente do seu rosto e movê-la, você vai notar que há movimento borrão quando você está olhando para ele. Não está perfeitamente em foco, não é perfeitamente nítido, tem um desfoque de movimento, e você quer que sua câmera esteja fazendo a mesma coisa. Então, definindo-o nos 24 quadros por segundo, definindo-o na velocidade do obturador 150 dará o mesmo efeito, para que pareça natural. A próxima coisa que você deseja configurar é o equilíbrio de branco. Você quer se certificar de que seu balanço de branco está no modo manual, a seleção será em temperatura Kelvin e isso vai para qualquer lugar de 1.800-10.000. A maioria das configurações típicas serão três coisas: uma, 3.200, que será a configuração para iluminação interna. Então lâmpadas incandescentes e atirando dentro de uma casa, você vai usá-lo em 3.200. O próximo grande será 5.600 para filmar lá fora. Então a luz do dia vai ser 5.600. Então, se você está filmando algo lá fora, você quer atirar em 5.600. Se você está filmando em um espaço de temperatura mista, digamos, você está recebendo alguma luz de janela, você está usando algumas lâmpadas práticas dentro da casa, você pode colocá-lo em 4.300, que é exatamente o meio entre 3.200 e 5, 600. A chave é olhar para o seu ecrã, brincar com a temperatura Kelvin, e ver o que consegue. Basicamente, o que você vê na tela é o que você vai ter. Então olhe para a temperatura Kelvin, não parece natural? Os problemas se você deixá-lo em auto quando você fixar a câmera ao redor, ele vai mudar automaticamente a temperatura em você. Então, quando você vai para o post mais tarde e você está tentando cortar cenas juntas, elas não vão coincidir porque a temperatura mudou enquanto você está filmando coisas. Então você quer ter certeza de que você tem isso no manual e você sabe exatamente o que tiro e qual temperatura de cor que será. A próxima grande coisa com as configurações da câmera é sua qualidade de gravação. Pretende certificar-se de que está a fotografar com o codec mais alto disponível para a câmara. Cada câmera é diferente, então eu não vou chamar nenhum codecs específico, mas olhe no manual, procure no YouTube as melhores configurações das pessoas e isso vai lhe dar um bom lugar para começar. Mas, em geral, você quer ter a maior gravação de megabytes possível, então você vai obter a imagem mais limpa com a menor quantidade de ruído ou artefatos. Estas são duas coisas que eu quero mostrar a vocês, por que vocês quebrariam as regras para o equilíbrio de brancos e velocidade do obturador. É algo que você faria para ajudar a criar um tipo diferente de emoção. Aqui está um projeto que eu fiz, é um videoclipe, e é sobre dois irmãos, um dos irmãos morreu em uma guerra e o irmão vai voltar para enterrá-lo e ele é uma jornada através de suas memórias e trazendo 10 de seus irmãos lá com ele e é uma história muito legal. Mas parte disso era ser capaz de filmar uma cena de guerra e como poderíamos fazer isso parecer real, mas também adicionar mais intensidade a ela? Então, há algumas coisas. Primeiro, você tem as cenas de flashback deles treinando, onde o treinamento é divertido e é quente e vibrante. Vou tocar um pouco para você aqui. Então você vê como as cenas de treinamento muito quente. Então aqui está uma cena de treinamento, estamos fazendo com que ela se sinta quente e se divertindo muito no treinamento. Luz solar quente como você pode ver. Mas então quando eles realmente vão para a guerra, em vez de usar 5.600 temperatura de cor fora como você faria, nós filmamos a 3.200 temperatura, então nós tornamos luz do dia para torná-lo muito azul, porque a cor azul também se relaciona com a tristeza ou com o medo. A cor quente lhe dá mais amor e felicidade. Então, tendo isso, essa cor mais azul te dá essa sensação negativa. Também trouxemos a velocidade do obturador muito mais alta. Então nós filmamos em uma velocidade de obturador 500 em vez de 50 velocidade do obturador para fazê-lo parecer mais chocante e [inaudível], a mesma coisa que eles fizeram, e se você assistir Saving Private Ryan, é em uma velocidade muito alta do obturador, então se sente muito staccato, é muito irregular. Então esta é a cena de treinamento normalmente filmada, e você verá como entramos nessas cenas azuis aqui, os flashbacks muito rápidos, mas é, novamente, temperatura mais azul, taxa de quadros muito alta. Todas essas cenas azuis aqui, são bem rápidas, mas você pode ver que é como uma taxa de quadros mais alta , cor azul, ajuda a dar a sensação de que eles estão passando naquele espaço. Então essa seria uma razão pela qual você gostaria de fotografar essa temperatura de cor e usar uma taxa de quadros mais alta pelo motivo certo, não apenas porque você não tem um filtro ND. Então você tem que aumentar a velocidade do obturador, ou você esqueceu de mudar o equilíbrio de brancos e é exatamente o que parece agora porque vai confundir o público, vai confundir o espectador e dar a eles sentimentos subconscientes que eles não deveriam ter se juntado a essas cenas. São alguns truques legais para usar e se você olhar para o quadro, você pode vê-lo definido em 3.200 Kelvin temperatura aqui, é muito legal. Fotografar a uma velocidade mais alta do obturador também faz com que tudo pareça muito mais nítido, modo que a imagem é muito mais nítida. Então ajuda você a criar esse sentimento e aquela emoção que você quer que as pessoas tenham enquanto observam essas costuras. Então, estas são algumas dicas e sugestões, mas é muito importante para você tirar sua câmera, uma engrenagem lá fora, testá-la, usá-la, dar uma olhada nas filmagens do seu computador, e ver como ela está parecendo porque é assim que você realmente vai aprender é olhando para o que você atirou. 8. Considerações finais: Parabéns. Você sobreviveu à aula. Falamos sobre composição e enquadramento, falamos sobre iluminação, conversamos sobre movimento de câmera e tudo o mais envolvido com a cinematografia. Por favor, compartilhe seus exercícios na galeria do projeto e estou ansioso para conferir seu trabalho.