Transcrições
1. Introdução: grande cinematografia é emocional e pode realmente fazer o seu público
sentir o que você quer que ele sinta sobre a história que você está contando. Seja mistério ou tristeza, felicidade, tudo vale. Esta aula é sobre pegar as ferramentas e técnicas de cinematografia e aplicá-las ao conteúdo de vídeo em qualquer nível. Oi, meu nome é Oren. Até agora eu sou um diretor de fotografia, filmando predominantemente comerciais, videoclipes, curtas-metragens e alguns filmes também. cinematografia é um ponto de vista, é adicionar uma camada de narrativa visual a qualquer assunto que você está filmando. Eu estruturei esta aula ou sob bloco de construção
realmente fundamental que está marcando uma entrevista. Nós vamos iluminar e enquadrar essa entrevista de um par de maneiras diferentes e através disso, demonstrar como as diferentes técnicas que vamos falar hoje, podem realmente mudar a natureza da imagem e imbuir uma imagem com um contexto emocional. Seja você um profissional ou filmando vlogs de si mesmo, espero que esta aula seja útil para qualquer um que esteja procurando elevar as imagens que estão criando e elevá-las ao próximo nível. Nós usaremos equipamentos de nível profissional, mas você pode aplicar essas técnicas com qualquer equipamento em que você já está atirando. minha coisa favorita sobre a cinematografia é a pressa de poder tirar uma imagem que está na minha cabeça e trabalhar em algum equipamento, ver essa imagem ganhar vida no monitor à minha frente. Eu amo isso. Estou tão entusiasmada por estares a fazer esta aula. Vamos mergulhar.
2. O poder da cinematografia: Cinematografia é a forma de arte de tomar linguagem visual e estética e aplicá-las a qualquer tipo de conteúdo visual de vídeo. Porque é uma forma de arte, o ato de assistir a cinematografia deve suscitar emoção, esse é o objetivo final, esse é o objetivo final,
isso é algo que eu sempre fui atraído
desde criança que eu estava pintando e desenhando aos quatro anos de idade e, eventualmente, descobriu fotografia e, em seguida, videografia. Então, a cinematografia acabou se tornando o culminar dos meus interesses estéticos quando criança. Eu acho que há uma suposição de que as imagens cinematográficas são algo reservado para filmes ou programas de
televisão e que há toda uma outra faixa de conteúdo de vídeo que não é inerentemente cinematográfico. importa se você está filmando entrevistas corporativas, ou trabalhando em documentário, ou filmando casamentos, fazendo qualquer tipo de videografia, ou até mesmo filmando um vlog ou um canal do YouTube, ou até algo tão simples como fazendo vídeos para Snapchat ou TikTok. Eu acho que há talvez uma suposição lá fora que, esse tipo de conteúdo é separado do mundo dos filmes, programas de TV e cinema, mas eu não concordo com essa premissa e eu acho que qualquer tipo de conteúdo de vídeo tem o potencial para usam técnicas cinematográficas, a fim elevar a linguagem visual que é usada nela, a fim de contar sua história. Eu escolhi estruturar esta classe em torno de iluminação e enquadrar uma configuração de entrevista, e eu escolho isso porque eu acho que esta é uma boa maneira de demonstrar todas as técnicas sobre as quais vamos falar de uma maneira que é aplicável para todos os diferentes tipos de conteúdo que acabei de passar. Minha esperança é ser capaz de mostrar como você pode pegar algo que começa neutro, aplicar técnicas cinematográficas, e elevado a um lugar que se sente imbuído de emoção e contexto. Na configuração de entrevistas também tem relativamente poucas variáveis, estamos falando de um assunto estático sentado em um lugar filmado de uma posição de câmera fixa. Então, através disso, somos capazes de realmente nos concentrar em
técnicas de iluminação e enquadramento e não temos que ficar atolados com quaisquer outras variáveis que possam complicar isso. Vamos começar esta aula com uma pequena visão geral de alguns conceitos teóricos de narração visual e, a partir daí, vamos para o componente prático de chegar ao local, examiná-lo e decidir para onde vamos para marcar nossa entrevista. O próximo passo será enquadrar nosso assunto e é
nessa fase que tomaremos nossas decisões sobre o posicionamento da câmera, a escolha da
lente e a relação entre todos eles,
o assunto e o plano de fundo. Assim que determinarmos nosso quadro, a próxima camada será iluminação e exposição. Os dois estão interligados e falaremos sobre isso nessa aula. Vamos passar por alguns estilos diferentes de iluminação e mostrar como diferentes técnicas de iluminação podem realmente mudar o humor e contextos emocionais da sua imagem. Como vamos filmar em um local prático, também
vamos focar um pouco em como usar e aproveitar a luz natural para criar suas imagens. Os dois principais looks diferentes que vamos criar são um que é um pouco mais neutro e comercial,
e então um que seria descrito como mais cinematográfico ou temperamental e através do contraste desses dois estilos, será capaz de demonstrar todas
as diferentes técnicas que vamos passar nesta classe. Esta aula é voltada para pessoas que já estão criando conteúdo em alguma capacidade e têm uma compreensão fundamental da produção de vídeo e uma compreensão de conceitos básicos, estaremos usando equipamentos de nível profissional, mas não deixe que afetá-lo em tudo. Essas técnicas podem ser aplicadas a qualquer engrenagem em que você já está atirando. Basicamente, vamos levá-lo até o ponto em que você está pressionando gravar. Honestamente, a maior parte do trabalho de um diretor de fotografia é feito nesse ponto. Nós realmente não vamos falar sobre gravação de som nesta classe, ou edição ou qualquer coisa que realmente acontece depois que a imagem inicial é emoldurada, iluminada e moldada. Minha esperança é que no final desta aula, você será capaz de levar as técnicas que discutimos e aplicá-las ao seu próprio trabalho e elevar as imagens que você cria a um nível em que você está confiante e orgulhoso. Estou muito animado para ver como vocês aplicam essas técnicas ao seu próprio trabalho. Então, se você está seguindo ao longo da aula ou já tomou
e começou a aplicar essas técnicas em seu conteúdo, mostre-me. Carregue seus quadros para a galeria do projeto para que
todos possamos compartilhar e ver essas técnicas em ação. Em seguida, vamos começar com uma pequena visão geral de alguns elementos da narrativa visual.
3. Como planejar seu projeto: Antes de determinar o estilo visual, tenho que fazer algumas perguntas logísticas para determinar com o que estamos lidando. Então a primeira pergunta é, quem é o assunto que estamos filmando? Sobre o que eles vão estar falando? Qual é o texto real do conteúdo que vamos criar? A próxima pergunta será sobre a localização. Onde vamos filmar esta entrevista? Quais elementos já estão no lugar que eu posso melhorar ou trabalhar com versus quais elementos eu vou ter que
trazer para criar o visual que eu quero. Outra pergunta que tenho de fazer é: qual é o orçamento? que temos acesso em termos de equipamento? que tipo de lentes poderei ter acesso? Que tipo de luzes? Eu vou ser capaz de obter uma variedade, ou eu tenho que ficar com algo mais mínimo e moldar a luz natural em vez de você ser capaz de trazer em unidades de iluminação adicionais para realmente criar um olhar? Ter um orçamento baixo realmente não limita as escolhas estilísticas que você pode fazer. Na verdade, é só poder estar ciente de quais equipamentos específicos você poderá ter acesso. Todas as técnicas que vamos estar falando
nesta classe são alcançáveis em qualquer nível orçamentário, e com qualquer tipo de equipamento. Depois que eu passar por essas perguntas básicas, então é o trabalho do diretor de fotografia realmente fazer a pergunta final que é,
qual é o estilo geral que eu quero imbuir nesta filmagem? Há um certo processo de pensamento que eu passo
para determinar o que eu quero que esse estilo seja. Esse processo de pensamento é algo que decorre diretamente do conteúdo que estou filmando, e quais riscos emocionais eu quero elevar ou destacar ao criar as imagens que acompanham o assunto. Por exemplo, você pode ver que as imagens deste documentário que eu filmei são bastante neutras. O documentário é sobre um assunto muito simples. Essas entrevistas são todas com especialistas ou indivíduos que estão apresentando informações mais diretas e
factuais sobre o tema do documentário. Então você pode ver que o estilo de iluminação nessas entrevistas é bastante neutro, e isso é o que eu me referiria como o visual mais comercial. Neste projeto, por outro lado, estávamos entrevistando um sujeito que falava sobre a busca da perfeição, e queríamos imbuir o estilo visual da peça com uma qualidade estética que refletisse o conteúdo daquilo que ele era falando sobre isso. É por isso que escolhemos este tipo de visual temperamental ou mais cinematográfico para esta entrevista porque pensamos que o alto contraste e precisão nas imagens, bem
como o uso de preto e branco, realmente ajudaram a demonstrar os tópicos que ele estava falando sobre alcançar na entrevista. Para este projeto, onde entrevistamos o elenco e a equipe do filme Glass, nós realmente queríamos imbuir as imagens com um estilo visual que retornasse ao próprio filme. Assim, várias técnicas cinematográficas e um olhar mais temperamental e cinematográfico foram aplicadas
a fim de vincular o estilo visual dessas entrevistas ao do próprio filme. Uma vez que você tenha uma idéia do estilo visual
que você acha que é apropriado para um projeto em sua cabeça, o próximo passo é realmente comunicar essas idéias com o resto de sua equipe. Se você está trabalhando com um diretor ou um cliente, você quer compartilhar essas idéias e metas para que todos fiquem na mesma página, e você entre em seu projeto com uma idéia realmente sólida do que você vai criar, como ele vai Olha, e por que você está fazendo isso dessa maneira. Às vezes a ideia da pessoa ganha de temperamental ou cinematográfica é diferente da ideia de outra pessoa, e compartilhar imagens de referência de projetos pré-existentes é uma ótima maneira de entrar na mesma página, e certifique-se de que seu visões que estão alinhadas. Então, esses são apenas alguns exemplos de como e por que eu tomei certas decisões sobre quais técnicas visuais e estética aplicar a diferentes projetos. Eu não quero que ninguém se afaste desta classe pensando que há uma maneira correta ou correta de iluminar e entrevistar de uma maneira ou de outra, minha esperança é realmente mais para apenas demonstrar uma variedade de técnicas, mas eu encorajo você a realmente ir lá fora e experimentar por conta própria, misturar e combinar. Às vezes, você pode querer usar intencionalmente uma certa estética, a
fim de destacar um contraste entre o assunto e o estilo visual. Às vezes você pode querer apenas misturar as coisas e mudar as coisas um pouco. há realmente nenhuma maneira correta, ou uma maneira de fazer isso, eu acho que tudo vai eo componente chave ouvir é apenas se divertir e ser criativo. Em seguida, vamos falar sobre equipamentos.
4. Equipamento essencial: Essas técnicas podem realmente ser aplicadas a qualquer nível de equipamento de nível profissional ou profissional. Há um certo limite de equipamento ao qual essas técnicas não seriam aplicáveis. Vamos discutir o uso de várias distâncias focais. Para aplicar essas técnicas, você precisará ter certeza de que, no nível básico, você tem uma câmera que tem lentes intercambiáveis, seja uma DSLR ou uma câmera sem espelho, ou um vídeo de nível de prosumer câmera. De qualquer forma, desde que a câmera tenha um suporte de lente onde as lentes possam ser trocadas dentro e fora, você está bem. Para os propósitos desta classe, usaremos uma Sony FS7 com uma lente de zoom Fuji 18-55 milímetros. Lentes de zoom versus lentes primárias são uma distinção importante a fazer aqui. Estamos usando uma lente de zoom para os fins desta classe, apenas para demonstrar rapidamente diferentes efeitos de distâncias focais. Mas as técnicas reais que vamos discutir podem ser aplicadas a lentes primárias ou lentes de zoom. No lado da iluminação, vamos usar uma variedade de luzes
LED, a fim de alcançar os diferentes olhares. Para acompanhar isso, você precisará ter acesso a um mínimo de três tipos diferentes de luzes. Eles não precisam ser de iluminação profissional ou pessoal. Alguns elementos podem utilizar luzes que você pode ter apenas em torno de sua casa ou local como
lâmpadas, lâmpadas , lanternas, janelas, luzes de trabalho, qualquer coisa. Os aspectos importantes aqui são a colocação, a modelagem e o controle da luz em oposição às próprias unidades de iluminação. Vou assumir uma compreensão básica da iluminação de três pontos. Se você não estiver familiarizado com esse conceito, haverá um link nos recursos da classe. Nós também estaremos filmando nossa entrevista demo com o uso de um tripé. Isto não é necessário. Essas técnicas podem ser aplicadas a qualquer tipo de movimento de câmera, quer você esteja filmando algo que seja um pouco mais portátil ou uma arma de corrida, ou uma entrevista formal. De qualquer forma, não deixes que o tripé te engane. Esses são realmente o essencial que você vai precisar para seguir adiante. Nós vamos estar usando alguns outros equipamentos que são talvez um pouco mais do lado profissional. Você não precisa de nenhuma dessas técnicas para criar essas técnicas, mas eu vou passá-las assim que chegarmos até elas, e haverá uma lista completa de equipamentos nos recursos da classe. Então, se você está acompanhando, pegue o equipamento que você tem e nós vamos
pular para a próxima parte da classe no local.
5. Como avaliar sua locação: Então estamos aqui na nossa localização. A Skillshare encontrou este lugar para nós. É um local típico de Nova Iorque. Eu ainda não estive aqui, então nós vamos entrar pela primeira vez e eu vou ver a lista de verificação que eu iria passar quando chegar em um local para uma filmagem. Se você tiver a chance de explorar sua localização antes de sua filmagem, isso é algo que pode ser realmente útil. Basicamente, ele permite que você salve o processo que eu estou prestes a passar agora por um tempo antes de suas filmagens, modo que quando você realmente chegar no dia, você já passou por um monte de lista mental que estou prestes a passar agora. Se você não tem a oportunidade de explorar seus locais de antemão, como eu não tive a chance de ver o espaço ainda, é bom tentar chegar em seu local provavelmente cerca de 3-4 horas antes de sua filmagem agendada, apenas para ter certeza de que você tem tempo para passar por tudo, tomar as
decisões que você precisa tomar, configurar o seu equipamento e, em seguida, certificar-se de que você está pronto para ir para a sua filmagem real. É aqui, então vamos ver o que temos. Então aqui estamos em nossa localização e parece muito legal. Muita luz natural que eu já posso ver. Então a primeira coisa que eu vou fazer é apenas tentar neutralizar a iluminação aqui tanto
quanto possível para baixá-la
apenas para a luz natural que está entrando através das janelas. Então isso nos começa em uma posição neutra, naturalmente iluminada que está nos dando o que a
própria sala está fornecendo. Então parece muito bom. Muitas janelas grandes, luz natural, tudo
isso é bom que vai entrar em jogo enquanto tentamos descobrir onde configurar nossa entrevista real. Então esse vai ser o próximo passo agora, é explorar o espaço e descobrir onde você quer configurar sua foto real e frame. Esta é uma decisão muito grande e algo que vale a pena tomar tempo para fazer e explorar. Então, para fazer isso, eu vou estar usando um aplicativo visor chamado Artemis. Eu preconizei este aplicativo com as configurações de câmera e lente que vamos filmar hoje. Então, o que eu posso fazer é apenas escolher uma distância focal genérica, algo bastante amplo, apenas para que eu possa realmente ver o espaço, e então eu vou começar a andar por aí e olhar para
algumas opções diferentes de onde realmente configurar nosso moldura. Então esta é a parede em branco, estes são os ângulos ruins. Então isso não vai funcionar para nós. Quero dizer, mesmo tentando andar até aqui ainda, isso é um potencial, mas o fundo ainda vai ser bem plano com essa parede branca apenas enchendo nossa moldura. Então, em vez disso, eu vou me concentrar em encontrar um ângulo que funcione com esse canto da sala, só porque essas janelas vão realmente ser o que adiciona muita profundidade e fundo a essa foto. Então esta janela aqui é decente, mas este edifício do outro lado do caminho não é tão agradável. Acho que o ângulo final está provavelmente algures por aqui. Agora, novamente, realmente não há maneira certa ou errada de fazer isso, isso é realmente mais sobre intuição e apenas confiar em
seus próprios valores estéticos e seu instinto a
fim de encontrar o quadro que você acha que é apenas o mais esteticamente agradável. Para mim, eu estou começando a pousar em um lugar como este onde eu basicamente estou alinhado com a parede traseira, mas eu estou tendo um pequeno pico de janela
no lado direito do quadro logo aqui, bem, e eu acho que vendo isso canto adiciona um monte de volume e profundidade para a sala. Estou a pensar que vamos acabar a montar nossa moldura praticamente por aqui. Outra coisa que precisamos olhar é eletricidade e disponibilidade de energia no espaço, já que vamos estar configurando luzes, queremos ter certeza de que podemos alimentar tudo. Então, uma coisa que você quer fazer é apenas fazer um deslize rápido da sala e procurar as tomadas elétricas. Vejo que este espaço realmente tem alguns. Há um aqui em baixo, há um aqui que vai estar no quadro baseado no quadro que espalhamos. Então, provavelmente vou evitar essa. Há outra tomada aqui embaixo, então há algumas opções. Então este espaço é muito bem alimentado. Não vamos ter problemas com a
eletricidade de outro espaço ou qualquer coisa. Então, depois de caminhar pelo espaço e encontrar nosso quadro, o próximo passo é configurá-lo em nossa câmera real.
6. Como estilizar o espaço: Agora que decidimos onde vamos configurar nosso quadro, precisamos realmente fazê-lo e colocar nossa câmera nessa posição, e começar a decidir nossa distância focal e posicionamento da câmera, a
fim de realmente colocar nosso quadro seus pés. Esta câmera é colocada de uma forma que
descreveríamos como tendo acabado de cair do caminhão. O que isso significa é que ele está apenas colocado onde nós examinamos em nossa lição anterior, mas eu não tomei nenhuma decisão sobre a distância focal real, o tamanho, a altura, ou qualquer posicionamento específico da câmera. Nós acabamos de colocá-lo aqui para começar a obter um quadro para cima, e ver o que precisamos fazer a partir daí para obter a nossa imagem final definida. Então a primeira coisa que eu vou fazer é começar a basicamente configurar e projetar um pouco da colocação de móveis e o que é referido como mise-en-scene, que se refere à colocação dos objetos na frente da lente, como nós começar a construir a nossa imagem. Então, a nossa pergunta principal primeiro é, onde vai se sentar o sujeito da entrevista? Eles vão precisar de uma cadeira ou algum tipo de objeto para se sentar, a fim de se sentirem confortáveis durante a entrevista. A outra coisa que eu vou fazer é começar a olhar para adereços e objetos de fundo, e apenas tentar organizá-los de uma forma que se sinta um pouco mais esteticamente agradável. Há um par de bandeiras vermelhas nesta imagem que já se destacam para mim, que eu quero abordar. Eu não gosto dos alto-falantes no canto ou dessas cadeiras azuis, o pau contra a parede, eu vou me mover, e então a outra peça que eu não gosto aqui é o ar condicionado na janela. Então, já que isso vai ser um pouco mais complicado de se mover, nós vamos realmente apenas usar alguns desses adereços para escondê-lo, que
possamos ter certeza de que em nossa imagem final vamos ser capazes de focar em nosso assunto sem obter distraído por quaisquer objetos feios no fundo. Então, antes de fazermos qualquer outra coisa, eu vou apenas mover algumas dessas coisas ao redor e colocar nossa moldura em um lugar que pareça um pouco mais esteticamente agradável. Então, a primeira coisa que eu vou fazer é selecionar uma dessas cadeiras e dar uma
volta, sobre onde eu acho que a entrevista vai acabar,
e então Lucas, por que você não pega essas cadeiras azuis e nós podemos apenas limpá-las, e então nós Vou pegar aquela estátua também. Agora que isso está vazio, vou ajustar algumas dessas coisas um pouco. Eu realmente gosto deste mobiliário um pouco, então nós vamos deixá-lo como fundo, mas eu vou apenas mover algumas coisas ao redor desde que nós removemos esta cadeira, não se sente mais relevante, provavelmente mover esta tabela como Bem, e então o ar condicionado, eu vou ver se apenas mudar isso faz o que eu quero. Então, enquanto você está fazendo essas mudanças, eu só quero voltar para sua câmera e verificar. O lado direito da moldura parece um pouco vazio para mim. Então o que eu acho que eu vou fazer é realmente mover toda
a sala de estar montada para aquela área. Percebi que alguns de vocês podem estar trabalhando sozinhos, tudo bem. Eu só tenho uma mão amiga apenas para mover o processo um pouco, e ter certeza de que eu possa me concentrar em ensinar a lição. Este processo não é científico, puramente estético, não há maneira certa ou errada de organizar uma sala. Literalmente, apenas olhando para o monitor e julgando pelo gosto o que parece equilibrado e uniforme, e certificando-se de que não há nada na imagem que seja super distrativo ou se destaca. Então agora é hora de trazer nosso assunto da entrevista, e começar a tomar as decisões de onde realmente colocar nossa câmera.
7. Como posicionar a sua câmera: As escolhas que vamos passar agora são
descobrir nossa distância focal e nossa altura da câmera. Basicamente, decidir qual é a relação com o posicionamento da câmera versus onde o sujeito vai estar sentado. Este é Denali. Obrigado por se juntar a nós hoje. Denali vai se sentar e modelar como assunto da entrevista. Então, por que você não vai em frente e sente-se aqui,
e eu vou começar a mover a câmera e começar a tomar nossas decisões de enquadramento. A principal decisão que você vai tomar ao enquadrar uma foto como esta é,
qual é o tamanho do nosso quadro e como estamos realmente enquadrando nossos assuntos? Nós vamos estar em um tiro médio, um close-up, ou algo um pouco mais largo? Normalmente, para uma entrevista como esta, vou usar algo médio. Eu não quero estar muito longe do assunto, mas eu também não quero estar muito apertado de um close-up porque eu posso perder alguma linguagem corporal ou algo assim. Dito isto, há muitos exemplos de entrevistas que foram configuradas que são enquadradas como uma ampla, como nós montamos assim. É apenas algo um pouco diferente e um pouco mais ousado, o que é ótimo se você quiser fazer isso, e funciona para aquele filme. Mas vamos tentar algo um pouco mais neutro para este. A primeira coisa que quero demonstrar em relação ao tamanho do quadro é escolher nossa distância focal. Então, enquadrar um sujeito com uma lente grande angular versus mais de um meio neutro ou lente telefoto vai afetar
significativamente a forma como seu rosto é renderizado na tela, e a forma como seu rosto é renderizado na tela afeta como nós, o público, percebemos esse assunto. Então a primeira coisa que eu vou fazer é certificar-me de que minha lente está ajustada para a distância focal mais larga, que nesta lente é 18 milímetros, e então eu vou ir em frente e enquadrar um tiro médio do nosso objeto com o 18 milímetros. Então vamos ver como isso se parece. Ótima. Então eu tranquei a câmera um pouco. Você pode ver como enquadrar um meio em uma lente grande angular muda bastante
a dinâmica entre você e o assunto da entrevista. A câmera e eu, o [inaudível], muito perto do assunto. Você pode ver um pouco do fundo. A câmera sente que tem uma proximidade com o assunto como, nós o público está realmente no espaço com ela. Há uma sensação de intimidade que é criada com isso. Uma coisa a ter em mente se você estiver optando por enquadrar esse fechamento é por causa da proximidade entre a câmera e seu assunto, você precisa ter certeza de que o assunto da entrevista está confortável com a câmera tão próxima. Se você está filmando Vlog ou algum conteúdo que envolva você mesmo ou alguém que você sabe que está confortável em torno de câmeras e equipamentos, isso não deve ser um problema. Mas se você está atirando em uma pessoa real que talvez não esteja acostumada a ser filmada, isso às vezes pode deixar uma pessoa um pouco desconfortável. Então, apenas certifique-se de que você comunicou seus objetivos com o assunto da entrevista e que todos estão na mesma página sobre onde tudo está em relação um ao outro. Então isso é um tiro médio de grande ângulo. Então agora, eu vou fazer o backup da câmera e nós vamos emoldurar o mesmo tamanho de quadro, mas em uma lente mais apertada apenas para enfatizar as diferenças entre os dois. Então este é o mesmo enquadramento que tínhamos antes, exceto que desta vez estamos em uma lente de 55 milímetros em nosso zoom. Então o tamanho do quadro é o mesmo que o nosso 18 milímetros, mas ao fotografar com o 55 milímetros, que é realmente mais neutro para a lente teleobjetiva, você pode ver o quanto ele muda a dinâmica entre o sujeito, o câmera, e o fundo. Isso é algo que parece muito mais, talvez removido, um pouco mais clínico, pouco mais limpo e limpo, e neutro. O fundo está mais fora de foco. Então, temos uma profundidade de campo menor porque estamos filmando em uma distância focal mais apertada, e também vemos menos do fundo porque uma distância focal mais estreita o ângulo de visão que a lente é capaz de capturar. Outra coisa que as lentes mais apertadas farão é, elas comprimirão a sensação de percepção de profundidade. Então, se você comparar esse quadro com o quadro de 18 milímetros, no quadro de 18 milímetros, você pode sentir uma distância muito maior entre o assunto e o plano de fundo. Então o que isso faz é realmente criar uma sensação de profundidade mais exagerada e contrastes entre primeiro plano e fundo com o seu enquadramento. Cinquenta milímetros e acima, o efeito que você vai ter com a percepção de fundo é a distância entre o seu assunto e o seu fundo vai se sentir mais comprimido. Para os propósitos desta demonstração, vou escolher uma distância focal que esteja entre esses dois extremos. Então eu vou pousar em 35 milímetros de distância focal. Eu quero algo mais largo do que esta distância focal para que eu possa ver um pouco mais do espaço. Mas eu não quero necessariamente a proximidade completa em grande ângulo que temos com 18 milímetros. Então, da nossa posição de 55 milímetros, eu só vou andar a câmera um pouco mais perto apenas para compensar meu deslocamento e distância focal, e então daqui, ele vai diminuir o zoom em nossa lente e pousar em cerca de 35 milímetro. Então agora, apenas nivelando a cabeça do tripé, ajustando nossa panela e inclinando aqui até eu encontrar o quadro que queremos.
8. Como enquadrar seu tema: Uma das próximas coisas que teremos que determinar é
qual é a linha de visão para o nosso sujeito. Uma opção é fazer Denali olhar direto para a câmera. Se eu tiver o meu assunto olhando diretamente para a câmera, eu provavelmente vou escolher enquadrá-lo centrado, assim, apenas para dar-lhe uma sensação de equilíbrio. Agora, se eu tiver um entrevistador que está sentado ao lado da câmera, linha de olhos de
Denali vai estar ao lado. Se for esse o caso, o que eu vou fazer é realmente enquadrar esta foto, assim. Isso tende a abrir a linha de olhos e apenas criar uma imagem que se sente um
pouco mais aberta e equilibrada quando a linha de olhos do seu sujeito está olhando para o lado. Esta composição baseia-se no princípio da regra dos terços. Eu tenho Denali emoldurado na nossa terceira vertical esquerda. Se você não estiver familiarizado com esse conceito, teremos um link para mais informações nos Recursos da Classe. Uma coisa que eu vejo bastante em entrevistas é um pouco de espaço livre demais. Isso pode até ser algo bastante sutil e não há nada inerentemente errado com ele. É que, para mim pessoalmente, parece um pouco desequilibrado. Outra coisa que muitas vezes acontece é, você pode enquadrar seu assunto com espaço livre suficiente, que novamente não é errado, mas há apenas algo que se sente um pouco desequilibrado de ter o rosto do seu sujeito esta perto do topo do quadro. Então eu vou pousar em algum lugar bem no meio, que o topo da minha moldura
fique bem acima do topo do cabelo dela, sem dar muito espaço de um jeito para o outro. Estou muito feliz com este quadro, mas eu só queria demonstrar uma outra coisa que poderia realmente mudar a dinâmica da sua imagem e que é a altura da lente. Então agora eu tenho minha lente basicamente ajustada uniformemente com a linha de visão de Denali, mas apenas para demonstrar como isso pode afetar a imagem, eu vou ir em frente e ficar na câmera e mostrar
a vocês como ela se parece de um ângulo mais alto. Convencionalmente, isso é usado no cinema para transmitir uma posição de poder sobre algo ou um personagem que se sente fraco. Isso normalmente não é algo que gostaríamos de fazer em uma configuração de entrevista, mas só para que você saiba como essa técnica é usada no cinema, essa é uma maneira que ela é implementada. Então agora vamos demonstrar um tiro de ângulo baixo sobre o personagem. O que um tiro de ângulo baixo tende a fazer é criar uma sensação de poder ou controle em seu assunto, ele faz seu sujeito se sentir grande e moldura, confiante, poderoso, criando um ângulo que tem um pouco mais de uma energia dinâmica para ele, ao contrário para uma cabeça neutra em ângulo. Então isso é apenas para demonstrar como você pode usar ângulos diferentes. Vamos voltar a um ângulo mais neutro, só por causa desta demonstração. Então, decidimos em nosso ângulo neutro. Tenho tendência a colocar a lente ligeiramente acima da linha de visão do sujeito. Isso tende a dar ao seu sujeito um ângulo um pouco mais lisonjeiro,
mantendo uma sensação de neutralidade para a composição geral. Então eu estou muito feliz com este quadro e agora podemos passar para o próximo estágio que está adicionando em nossa iluminação.
9. Configurações iniciais da câmera: Mais duas coisas que precisamos colocar em nossa câmera antes de começarmos a trazer nossa iluminação são nossa exposição e nosso equilíbrio de brancos. A configuração de equilíbrio de branco na câmera basicamente permite que a câmera saiba em que ambiente de luz de temperatura de cor ela está gravando. equilíbrio de brancos, como tudo o resto, é uma escolha criativa que podemos fazer. Obviamente, diferentes equilíbrios de branco afetarão a imagem e o humor que ela cria e as emoções que ela pode provocar em seu público. Agora, eu tenho a câmera ajustada em 3.200 Kelvin, que é um balanço de branco mais perto da temperatura de cor da luz de tungstênio. Como este local está totalmente iluminado com luz natural agora, luz do dia, que funciona a uma temperatura de cor muito mais fria, está lendo como muito azul no monitor. Isso obviamente cria uma imagem que se sente muito mais melancólica ou escura, mal-humorada, sombria, emocional, sombria. Há muitas emoções diferentes que você pode atribuir a este tipo de olhar e isso pode ser algo que você está indo para. Para os propósitos desta sessão, vou em frente e definir o nosso balanço de brancos para 5.500 Kelvin. Isto é muito próximo do equilíbrio de brancos da luz natural que está aqui. Então, como resultado, a imagem em nosso monitor parece bastante neutra. Podemos ver seus tons de pele e fundo tendem a coincidir com o que eles parecem na realidade, porque nossas câmeras ajustadas para combinar com o equilíbrio de branco da luz que está no espaço escrevem agora. A próxima coisa que vamos definir é a abertura da nossa lente. Isto vai afectar algumas coisas, primeiro lugar a exposição. Eu vou obter um pouco mais de exposição
na demonstração de iluminação, mas por enquanto, vamos também focar no outro elemento que o f-stop irá ajustar, que é a profundidade de campo. Só para demonstrar como as paradas F vão afetar nossa profundidade de campo, eu vou avançar e aumentar a ISO nesta câmera, e então começar a parar a lente para cerca de cinco, seis. Então agora você pode ver que esta imagem é
praticamente a mesma exposição que a nossa imagem anterior, eu aumentei a ISO, que adiciona um pouco de grão na imagem. Eu costumo fazer entrevistas em uma abertura mais ampla. Isto é especificamente para evitar
este cenário em que o fundo está tirando a atenção do primeiro plano. Então o que eu vou seguir em frente e fazer é baixar nossa ISO e então abrir nossa lente até um 2.9. O que você pode ver que isso faz é jogar nosso fundo fora de foco e certificar-se de que nossa atenção está em nosso assunto em primeiro plano. Uma das ferramentas que você vai querer usar para controlar seu f-stop são filtros ND. Esta câmera tem filtros ND internos incorporados. Eu posso percorrer por eles aqui e você pode ver como eu removê-los, quanta luz esta câmera está vendo contra o que eu realmente estou gravando. Então vamos em frente e adicionar isso de volta. Com câmeras que não têm NDs internos, o que você vai querer usar nossos
NDs de filtro de vidro que você pode colocar na frente de sua lente. Em lentes fotográficas fixas, essas tendem a aparafusar na frente, e em lentes de cinema como a que estamos usando aqui, esses filtros de vidro vão direto para o Mapbox. Uma ferramenta de exposição que eu quero nos
apresentar antes de mergulharmos na demonstração de iluminação é a principal maneira que eu vou estar julgando a exposição enquanto continuamos esta aula, e que vai ser a ferramenta de cores falsas. A cor falsa é uma ferramenta de monitoramento de exposição interna que às vezes pode ser encontrada embutida em determinados modelos de câmera ou certos monitores. O que a cor falsa faz é que basicamente leva uma amostra de toda
a imagem e mapeia diferentes regiões da imagem para a escala IRE. A escala IRE é a escala que julga a exposição de uma imagem digital de zero, seja, preto completo, a 100, o que significa branco completo. Os valores que vamos estar olhando aqui nesta imagem são, podemos ver muito azul,
que como podemos ver na escala de exposição,
é basicamente um pouco acima da subexposição total. Outra cor que vemos muito aqui é verde. Green está pousando em cerca de 40 IRE, que é basicamente onde vamos querer valores precisos para pousar. Voltaremos a isso quando trouxermos a iluminação. Mas por enquanto, eu só quero mudar as coisas só para mostrar como é a superexposição. Então eu vou em frente e remover nossa filtração de ND da câmera, ou você vai ver como isso se parece. Então é assim que nossa imagem se parece sem filtração ND e podemos ver que temos muitas regiões deste quadro que são branco quente. Isso é o que chamamos de estourado, que
significa que estamos perdendo informações. Se mudarmos para a cor falsa, podemos ver isso em ação. Então, todas essas áreas brancas brilhantes do quadro estão lendo vermelho, o
que, como a escala nos mostra, significa que estamos atingindo o selamento dos níveis 100 IRE, que
significa que estamos perdendo toda essa informação e não gravando. Então a principal coisa que eu olho quando eu estou olhando para a cor falsa é certificar-se de que não há nenhum vermelho na minha imagem. Isso me dá a confiança de saber que a câmera está realmente gravando todas as informações lá dentro, e que eu vou ter a flexibilidade na pós-produção para talvez mover alguns valores no grau de cor aqui e ali se Eu preciso. Então eu vou ir em frente e adicionar esses filtros de ND
de volta e podemos começar a ver o vermelho desaparecer. Ótimo. Foi aqui que deixamos as coisas desligadas, voltando para a visão normal. Agora podemos passar para o próximo passo, que é adicionar em nossa iluminação e essas ferramentas de exposição
voltarão a ser jogadas assim que nossas luzes chegarem ao campo.
10. Como definir a sua luz principal: Agora que definimos nosso quadro e configurações, é hora de começar a iluminar. Então vamos começar focando em nossa luz chave, que vai ser a luz principal que está fornecendo a iluminação para o nosso assunto. Nós vamos fazer uma demonstração de algumas versões diferentes de uma luz chave só para mostrar alguns olhares diferentes, até aterrissarmos em um par de diferentes que eu vou
começar a ficar com a medida que passamos pelo resto da demo. Então, primeiro, vamos montar uma luz de chave dura. Para fazer isso, vamos usar esta abertura 120D. Esta é uma luz LED dura. Certifica-te de que está tudo corrigido, vamos alinhar com o nosso actor, depois vou
aterrar preventivamente por aqui e depois vamos em frente e atacá-lo. Então, quando acender, a primeira coisa que vamos fazer é garantir que a minha luz esteja na sua saída máxima. Então eu me certifiquei de que o dimmer aqui está definido para 100 por cento. Agora, eu vou andar de volta para monitorar aqui e começar a ver o que isso fez. O que podemos ver com esta iluminação é que a luz dura cria algumas sombras muito duras. vez, esta pode ser uma escolha criativa que você vai fazer. Em termos de exposição, uma vez que eu tiver minha luz ajustada, eu vou apenas deslizar de volta para a nossa cor falsa e ver onde eu estou pousando. Então eu posso ver que minha luz chave aqui está começando a ler um pouco de verde, que é exatamente o que eu quero. Eu quero que a luz chave para sentar em torno de 40 IRE, e novamente, não
há maneira correta ou incorreta de expor esta imagem, eu apenas uso isso como um ponto de referência para o meu nível de gosto pessoal. Descobri ao longo do tempo que gosto de acender essa proporção, mas no final do dia, a escolha é sua. Então é assim que uma luz dura vai se parecer. Uma coisa que posso fazer para melhorar a aparência difícil é elevar um pouco o ângulo da luz. Então vamos em frente e ficar de pé nisso, e ele vai apenas fazer o ângulo da luz como ele desce sobre o rosto de Denali um pouco mais lisonjeiro. Eu também posso ver a luz no reflexo no fundo. Então vamos continuar aguentando até que isso esteja fora do quadro. Perfeito. Então eu poderia usar isso se meu assunto é algo muito dramático ou misterioso, se eu tiver alguém falando sobre um mistério, ou uma investigação, ou algo assim. Eu acho que este é um olhar que você vê em um monte de documentários de crimes reais e coisas assim. Uma vez que vimos isso, eu vou ir em frente e desligar essa luz e nós vamos
mudar para a nossa luz de chave suave, que vai ser algo um pouco mais no alcance do que eu pessoalmente estou procurando aqui . O que eu fiz foi trocar a luz da chave por um LiteMat 4 que é uma luz LED suave. Basicamente, a maneira como ele funciona é essencialmente apenas uma matriz de diodos LED. Você pode ver as luzes individuais aqui. Quando essas luzes são todas reunidas sob este material de difusão, eles acabam criando uma exposição agradável, mesmo suave, saindo disso. Uma vez que eu tenha a configuração
da luz chave, o próximo passo é determinar onde eu quero colocá-la. O ângulo da luz vai afetar o humor que ela inflige sobre a cena
e a forma como percebemos e nos conectamos ao nosso sujeito emocionalmente. Por isso, neste momento, aterrei neste ângulo de 45 graus. Eu vou voltar a isso, mas primeiro, vamos trazer a luz ao redor para que ela fique perfeitamente paralela com Denali. Continue indo, continue indo. Perfeito, e depois afastá-lo da janela para que eu ainda possa ver o reflexo da janela. Então, eu só vou afastá-lo para que nós não vejamos mais. Perfeito. Na verdade, dividir a diferença lá, incliná-lo um pouco para que seja mais sobre ela. Ótima. Agora que a luz está vindo diretamente do lado de Denali e podemos ver que isso está criando um olhar muito dramático. A qualidade da luz ainda é agradável e suave. Há uma grande queda do lado da luz para o lado escuro. Então isso é realmente uma diferença entre a luz suave e a luz dura que nós demolizamos antes é a transição da luz para a escuridão é muito mais
agradável, muito mais suave, e muito mais suave no rosto, o que acaba criando algo que pareça um pouco mais neutro, um pouco mais convidativo. Mas em termos de colocação, nossa luz está um pouco fora do lado. O que isso faz, é que torna o lado negro do rosto bastante contrastante. Vamos continuar movendo nossa luz chave e o que eu estou procurando agora é algo chamado o triângulo Rembrandt. Então esta é uma boa diretriz para ajudá-lo a encontrar uma colocação para a sua luz chave, que é realmente neutra, mas também muito esteticamente agradável e cria uma queda realmente agradável da luz, algo que eu uso bastante para encontrar um colocação específica para a minha luz chave. Então o que vamos fazer é começar a trazer essa luz ao redor, e o que eu estou procurando é um triângulo de luz para formar sob o olho esquerdo. Então é isso aí mesmo. Agora vamos andar isso um pouco só para exposição e depois andar para a esquerda um pouco. Então, de novo, o que estou de olho aqui é esta pequena área aqui. É o triângulo debaixo do olho esquerdo. Então isso parece muito bom para mim. Vamos em frente e balançar a lâmpada um pouco para
a direita só para que ela fique perfeitamente de frente para ela. Excelente, ótimo. Só vou passar para a minha cor falsa e ver onde estamos pousando. Então isso está lendo um pouco abaixo de onde eu quero que ele viva. Eu quero ver um pouco mais verde aqui, então vamos começar a andar isso daqui a pouco. Ótimo, isso é muito bom. Agora, isso pode ser algo muito viável para uma entrevista corporativa ou comercial mais tradicional, mas o que eu quero demonstrar agora é algo um pouco mais natural e um pouco mais mal-humorado, e a maneira como vai conseguir isso é apenas suavizando a luz ainda mais. suavidade da luz é realmente um fator
do tamanho da sua fonte em relação à sua distância ao assunto. Basicamente, quanto maior a fonte e mais perto ela estiver
do seu assunto, mais suave será a luz que está no rosto do seu sujeito e mais suave que
cairá. O que você quer pensar é, quão grande de uma fonte de luz posso obter envolvente e envolvendo meu assunto, a fim de criar a luz mais suave possível. Então, para fazer isso, vamos usar algum material de difusão. Há tantos tipos diferentes de difusão, mas no set hoje temos o que é chamado de musselina. Esta é a minha peça favorita de difusão. É basicamente um tecido grosso que suaviza a luz com uma qualidade tão grande. Então o que eu vou fazer agora é essencialmente colocar isso na frente de nossa luz chave de uma maneira que ele não invadir nosso quadro. O que isso vai fazer é basicamente aumentar o tamanho da
nossa fonte de luz e criar uma luz muito mais suave sobre o nosso assunto. Então acabamos de colocar nossa musselina. Nós adicionamos nossa camada de difusão entre nossa luz e nosso assunto, você pode ver o que isso está feito é apenas realmente suavizada a
queda aqui entre o lado claro e o lado sombra do rosto de Denali. As sombras aqui estão mal, mal presentes. Há apenas uma transição muito, muito gradual e gradiente da luz para a escuridão. Essencialmente, o que está acontecendo aqui é que eu fiz essa fonte de luz real muito, muito maior. Este quadro de difusão é agora a fonte de luz. Então a luz que está atrás da moldura não importa. O que importa é o tamanho da própria fonte em relação ao sujeito. Então, agora, pegamos uma fonte que tem cerca de quatro pés de largura, que é a largura do LiteMat, e transformamos em uma fonte de luz de oito pés de largura por oito pés de altura. Então isso para mim é o que eu normalmente estou
procurando quando eu estou iluminando em entrevistas configuradas assim,
isso parece muito naturalista e muito real, que são qualidades que eu normalmente procuro quando eu estou acendendo uma instalação como esta. Então, o próximo passo daqui é eu ter colocado esta fonte. Eu gosto da qualidade dele, mas eu posso dizer já pelos meus olhos que ele não está
me dando saída suficiente e se eu deslizar sobre a nossa cor falsa, podemos ver que o lado chave aqui
não está realmente recebendo um monte de exposição estamos ficando subexposição nas roupas de Denali aqui. Eu quero ver um pouco mais de textura aqui e eu quero encontrar uma maneira de equilibrar nosso primeiro plano e fundo um pouco para que possamos trazer nossos níveis de exposição e o abandonado para corresponder ao que temos acontecendo em segundo plano. Então, agora que nossa luz chave se tornou esse grande pedaço de difusão, eu posso basicamente adicionar mais unidades atrás dela, a fim de aumentar a iluminação geral que está saindo do material de difusão e aterrissando em nosso assunto. Então o que vamos fazer agora é adicionar uma luz adicional. Vamos voltar à nossa abertura 120 que estávamos usando antes para demonstrar a luz dura e
adicioná-la ao lado do nosso LiteMat para duplicar a exposição da nossa luz chave. Vamos ver como isso vai correr. Ótima. Então eu posso começar a ver que onde eu estava recebendo um monte de azul nas mangas aqui, eu estou ganhando de volta um monte de informações que eu estava perdendo lá. Então agora olhando para esta imagem aqui, isso aos meus olhos parece muito agradável e muito equilibrado. Acho que acabamos em um bom lugar onde temos um grande equilíbrio entre primeiro plano e fundo. A colocação e direcionalidade da nossa luz chave é suave, naturalista, esteticamente agradável. A queda e o gradiente entre a luz e o
escuro são muito agradáveis e naturais e estamos em um bom lugar para adicionar nossa iluminação adicional, a fim de construir o resto do nosso visual.
11. Como adicionar a sua luz de preenchimento: Terminamos de definir nossa luz chave e estamos felizes com a colocação, qualidade e brilho. Então agora é hora de olhar para o resto dos elementos do nosso quadro, e ver se precisamos adicionar alguma iluminação adicional, a fim de mudar a dinâmica ao redor. Então, esta moldura para mim é muito agradável, é natural, mas o lado da sombra do rosto de Denali cai bastante bruscamente na escuridão. Você pode ver em nossa cor falsa, que estamos contornando a borda da subexposição no lado da sombra de seu rosto. Para neutralizar essas sombras escuras, precisamos adicionar o que é chamado de luz de preenchimento ou luz ambiente. A razão pela qual eu prefiro o termo luz ambiente é que eu acho às vezes há um equívoco com o termo preencher luz, que esta luz é uma unidade que precisa estar atingindo seu ator da mesma forma que sua luz chave é. Em um monte de configurações de iluminação de três pontos que preenchem a luz é configurado dessa forma. Mas eu acho que esse arranjo às vezes também se deparar com um pouco de carinho demais, e que você pode sentir a direcionalidade e artificialidade dessa luz preencher. Então, a maneira que eu gosto de evitar isso é
tratando a luz de enchimento como mais um nível de luz ambiente que está levantando a luz geral em toda a sala em
oposição a algo que está especificamente impressionando meu ator. Então, um truque rápido que eu gosto de usar para elevar o nível geral de luz ambiente em uma sala, é iluminar uma luz diretamente no teto do espaço em que estamos. Então vamos trazer
este painel de luz LED um por um e colocá-lo à esquerda do nosso assunto. Tudo o que vai fazer é apenas levantar os níveis gerais de sombra em Denali e elevar o nível ambiente do espaço como um todo. Então vamos aproximá-lo um pouco mais. Ótimo. Legal. Vamos apenas ir em frente, [inaudível] fora dele. Ótimo. Então isso é sem a luz de preenchimento e você pode ver agora que as sombras aqui um pouco mais duras, a queda é um pouco mais nítida, e com a luz acesa, você pode ver essas sombras se preenchendo e a queda se torna um pouco menos pronunciado, o rosto fica um pouco mais cheio. Luz de preenchimento é algo que eu normalmente usaria em uma configuração
de iluminação comercial ou neutra. Então eu vou mudar rapidamente nossa luz chave de volta para isso apenas para demonstrar o efeito geral desse olhar com e sem uma luz de preenchimento. O que vamos fazer para isso é simplesmente abrir rapidamente a difusão e então vamos colocar o quadro de volta no tapete de luz. Então, em nossa configuração comercial neutra, a luz de enchimento vai desempenhar um papel um pouco maior, contrabalançando a sauciness de nossa luz chave. Vamos em frente e desligar a luz de enchimento daqui. Você pode ver que sem ela, nossa luz chave aqui tem uma direção muito específica para ela, e a queda entre luz e sombra é bastante áspera e rápida. Quando adicionamos a luz de preenchimento de volta, à medida que ela acende, você pode ver essas sombras gradualmente se preenchendo e que a queda se torna um pouco menos pronunciada à medida que avançamos. É assim que eu colocaria alguma luz em um olhar mais neutro ou comercial. O que eu quero fazer agora bem rápido é apenas demonstrar como a luz de preenchimento diretamente sobre o assunto se parece apenas para mostrar a diferença entre os dois. Vamos em frente e largue isso e vamos apontar para Denali. Você pode trazê-lo em torno de um pouco de fronteira, porque o que estamos fazendo com isso é realmente preencher as sombras. Então queremos ter certeza que ele pode cavar todo o caminho no lado de sua bochecha e ter certeza de que ele enche tudo isso. Agora, com nossa luz apontada diretamente para o nosso assunto, podemos ver que à medida que começamos a adicionar preenchimento, ele rapidamente entra em uma gama de ser bastante perceptível. Você pode até ver o reflexo dele no topo de sua testa e nariz, você pode ver que ele cria uma sombra adicional no outro lado de seu nariz que neutraliza a luz chave. Este é um olhar que eu realmente tento evitar. Parece muito antinatural e muito sourcy. É por isso que tenho tendência a adoptar uma abordagem de manter a nossa luz de preenchimento como um ambiente global, em vez de algo que visa directamente o nosso assunto. Mesmo se eu baixar os níveis um pouco, podemos acabar em uma proporção que parece um pouco mais natural, mas eu ainda posso ver uma sombra adicional no lado do nariz
dela que eu não acho muito agradável. Para um olhar mais temperamental, eu realmente tendem a não usar qualquer luz de preenchimento em tudo. Na verdade, em alguns casos em que eu tenho muita luz ambiente naturalmente em um espaço, eu vou usar o que é chamado de preenchimento negativo, a fim de realmente derrubar os níveis de luz
ambiente que podem estar
saltando em algumas das outras superfícies no espaço. Então eu vou ir em frente e demo isso bem rápido só para mostrar a vocês o que isso faz. Então, para isso, vamos apenas reverter para a nossa grande
luz de chave de fonte suave e vamos matar a nossa luz de enchimento e trazer o preenchimento negativo, a fim de contrabalançá-lo. Os níveis ambientais aqui estão muito baixos, então adicionar este equipamento não vai mudar muito a nossa imagem. Mas eu só quero demonstrar como usar preenchimento
negativo apenas para mostrar os usos dele e eu acho que isso pode afetar a imagem um pouco. Então vamos tirar isso. Vamos trazer este suporte C. O que vamos acrescentar agora é uma bandeira de disquete de quatro por quatro. Novamente, isso é algo que você pode fazer com qualquer material sólido, é apenas um tecido preto escuro. O que este preenchimento negativo está fazendo
é, basicamente está tirando qualquer luz ambiente que está pulando do teto ou da parede à esquerda do nosso sujeito. Criando-o neste ângulo e certifique-se de que ela
não está sendo atingida por muita luz ambiente vinda de cima, e a parte disquete está derrubando qualquer luz ambiente que possa estar entrando pelo lado. Neste espaço específico e porque é um dia nublado, nossos níveis ambientais já estão muito baixos. Mas se fosse um dia muito mais brilhante e ensolarado, poderíamos ter muito mais luz saltando ao redor da sala que poderíamos querer derrubar para criar um pouco mais de contraste em sua imagem. Eu só tendem a sentir que isso parece um pouco mais naturalista, um pouco mais cinematográfico, e certamente um pouco mais mal-humorado já que você está realmente deixando os níveis de sombra de sua imagem existirem naquele mais escuro, área sombria, onde você está realmente perdendo informações, e tudo bem. Para um olhar temperamental ou cinematográfico na minha cor falsa, eu realmente gosto de ver muito azul porque isso me diz que minha imagem tem um monte de contraste nele, que minhas áreas de sombra são realmente escuras e nesses negros são ricos. Então, o elemento final da iluminação que vamos tocar é luz de fundo ou luz de borda.
12. Como finalizar com retroiluminação: Agora vamos adicionar o elemento final da nossa iluminação, e isso vai ser uma luz de fundo. Para um visual comercial ou corporativo, ou uma entrevista documental, luz de fundo ou a luz do cabelo podem ser uma ótima maneira de fazer seu assunto sair do fundo de sua foto, criar separação entre primeiro plano e chame a atenção para o seu assunto para ter certeza de que seu público realmente se concentra neles, e apenas adicione uma camada da canela estética à sua imagem que apenas a eleva e a estilize um pouco. Então, estamos no nosso visual comercial neutro agora. Nós vamos apenas adicionar em nossa luz de fundo para isso apenas para dar a ele uma camada extra de pop. Para isso, estamos usando um tubo isolado, que é um pequeno tubo de LED que é alimentado por bateria. Uma coisa que eu quero mencionar é que você pode realmente usar qualquer tipo de unidade para uma luz de fundo. Eu só gosto deste por seu tamanho pequeno e perfil baixo. Mas você pode usar qualquer tipo de unidade desde que você possa montá-la de forma que você possa colocá-la atrás de seu objeto para que o suporte em que ela está montada não esteja invadindo seu quadro. Então vamos em frente, e atacá-lo, e vamos aumentá-lo para 100 por cento. Novamente, nós sempre queremos começar nossa luz em seu nível mais brilhante, apenas para que possamos tipo de defini-la a partir daí. Então, com 100 por cento de brilho, podemos ver o que a luz do cabelo já está adicionando ao nosso quadro aqui. É só criar uma boa separação entre o nosso assunto e o passado. Na verdade, vou ajustá-lo um pouco, acho que pode ser ainda mais brilhante. Então vamos em frente e apenas caminhar mais perto do nosso assunto, e depois abaixá-lo no quadro também, apenas para que ele fique fora do quadro, e apenas nos dando nossa luz máxima de cabelo. Continue indo para baixo você ainda está fora, e aí está bom. Então vamos em frente e começar a andar a coisa toda para a direita. Então não vai ser colocado exatamente atrás dela, mas um pouco fora para o lado só para que ele começa a pegar o ombro. Então o que isso está fazendo é criar um bom contrapeso entre a luz da chave e a luz de fundo. A luz de fundo não é colocada exatamente atrás de sua cabeça, mas um pouco fora para a esquerda, apenas para que ela pegue a borda do ombro aqui e o cabelo também, criando essa sensação agradável de profundidade e separação. Só para demonstrar o que isso parece sem, vamos em frente e desligá-lo. Então isso é sem, e então vamos ligá-lo novamente só para que possamos ver o que ele está adicionando. Perfeito. Então você pode ver como isso pega o ombro, a luz do cabelo, e pega um pouco da cadeira em que ela está sentada também. Este é basicamente o lugar onde eu chamaria de “feito”. Todas as nossas unidades estão colocadas, os nossos níveis estão definidos. Gostamos da nossa composição geral e exposição, e eu estaria pronto para filmar a partir daqui. Então a primeira coisa que vamos fazer para
voltar ao nosso olhar mais temperamental é desligar a luz de fundo. Vamos encontrar uma posição diferente para isso, e vamos redefinir o resto da nossa iluminação só para voltar ao lugar em que estávamos antes, e então podemos ir a partir daí. Então, para um olhar mais temperamental ou mais cinematográfico, eu tenho a tendência de encontrar luzes de cabelo como a maneira que
nós fizemos para que o visual comercial seja um pouco artificial e correndo antitético para todo
o estilo naturalista de que mais olhar cinematográfico. Dito isto, há uma maneira que eu gosto de jogar uma luz de borda que faz adicionar um pouco mais de volume e profundidade para o tiro sem comprometer a estética geral. Então o que nós vamos fazer é mover nossa luz de cabelo para o lado, configurar nosso suporte C verticalmente, e então girar nossas luzes para que ele fique de frente para o nosso assunto. Então provavelmente vamos querer trazê-lo um pouco mais perto de mim. Pode ser um pouco na frente do material de difusão. Então o que fizemos aqui foi basicamente pegar a unidade que estava jogando como nossa luz de cabelo, e colocá-la ao lado de nossa luz chave como uma fonte mais brilhante, menor e mais difícil. O que ele está fazendo é, na verdade, criar um pouco de uma extensão da luz chave em torno do lado mais distante do rosto e uma espécie de aumento
do contraste entre o lado da sombra do rosto e o lado brilhante do rosto. É uma adição sutil, mas o que ele faz é apenas adicionar um pouco de volume extra, e um pouco de captura de luz de cabelo e luz de borda que apenas dá a toda a imagem uma pequena borda extra que não
teria se estivéssemos apenas acendendo com nossa grande luz chave. Então, uma das coisas que eu queria tentar adicionar a
este olhar temperamental ou cinematográfico é ver se eu posso tocar uma luz de cabelo ou luz de fundo, que se sinta um pouco mais natural,
e orgânico, e que se encaixe com esta estética geral. Então o que vamos fazer é pegar nossa segunda abertura 120D, que é nossa luz LED rígida, e colocá-la no fundo do canto fora da tela, como se estivesse tocando motivado de uma janela no fundo que está fora da câmera. Então o que vamos fazer é inclinar a luz para baixo, e enfiá-la um pouco para cima. Eu quero que ele pegue alguns dos móveis no fundo também. A idéia aqui é que estamos tocando esta luz como se ela estivesse vindo de uma das janelas que estão fora da tela aqui. Dentro do ethos do olhar naturalista ou cinematográfico, eu gosto de ter toda a iluminação sentir-se motivada para que nada se sinta artificial, que é o que tipo de quebra a ilusão daquela estética mais naturalista. Então, agora que atingimos nossa luz, posso começar a ver quais elementos estão funcionando, e quais elementos ainda precisam de alguns ajustes. Então eu gosto de como ele está tocando no ombro direito de Denali, e eu gosto de como ele está iluminando a mesa atrás dela, o chão e apenas dando tudo um pouco mais de textura. Há algumas coisas que eu não gosto tanto. Então vamos usar algumas das ferramentas que temos para controlar algumas das coisas que não estão funcionando bem. Então a primeira coisa é, a luz que adicionamos é preencher este sofá um pouco mais do que eu gostaria. Então o que vamos fazer lá é usar as portas do celeiro para ter certeza de
que a luz não está realmente enchendo o lado esquerdo da moldura dela, isso é perfeito. Outra coisa que não está funcionando
neste quadro agora com o elemento que adicionamos é, a luz é um pouco baixa demais no ângulo de aproximação. Isso é uma espécie de queimando nossa imagem que você pode ver no canto superior esquerdo aqui. Então a primeira coisa que vamos tentar fazer para neutralizar isso é elevar a luz e mudar seu ângulo. Então, vamos realmente inclinar um pouco para baixo, e então nós vamos ficar em cima disso um pouco. Ótima. Então isso já fez um pouco. Eu ainda estou recebendo um pouco de ação flare. Então a outra coisa que eu vou fazer é usar este pequeno equipamento aqui, que é apenas uma extensão para a minha caixa fosca. Então o que isso está fazendo é apenas criar uma bandeira que vai cortar
a luz que está atingindo a lente diretamente. Agora, há várias maneiras de fazer isso se você não tiver acesso a uma caixa fosca. O que algumas pessoas vão fazer é, na verdade, usar um pedaço de fita
adesiva estendida na frente da lente, e usar isso da mesma forma que isso está fazendo, apenas para cortar a luz que está atingindo a lente diretamente. Então, o último elemento aqui é apenas para definir o nível de luz em um lugar que parece esteticamente agradável para nós. Neste momento, ainda está se sentindo um pouco brilhante e artificial para mim. Então, só para fazer com que pareça um pouco mais naturalista, vamos começar a diminuir para,
digamos, cerca de 50 por cento. Só para baixar essa nitidez aqui para algo que pareça um pouco mais alinhado com a luz geral. Perfeito. Então é isso. Essa é uma maneira de reproduzir uma luz adicional,
a fim de apenas dar um pouco mais de volume e textura à sua imagem. Eu só quero reiterar que usamos dois olhares hipotéticos como nossos pontos de banco para demonstrar todas essas diferentes técnicas de iluminação e colocações de luz. No final do dia, porém, todos esses diferentes elementos podem ser usados de forma intercambiável dependendo do humor geral que você está procurando para sua imagem. Pode ser algo que se encaixa em algum lugar entre esses olhares. Pode parecer um pouco mais artificial, um pouco mais encenado, ou ainda mais naturalista e suave. Isso realmente depende do tipo de humor e emoção que você deseja criar com sua imagem. Em seguida, vamos apenas olhar para um cenário de iluminação mais comum que eu acho que muitos de nós vamos ter que lidar com.
13. Como trabalhar com a luz natural: A última coisa que eu queria tocar era o que fazer quando você não tem nenhuma das ferramentas que estávamos usando nesta demonstração até agora. Se você não tem acesso a luzes artificiais ou algo assim,
tudo o que você tem é você, uma câmera e um espaço, como aplicamos os mesmos princípios que acabamos de falar
aproveitando o local real que Estamos atirando está nos fornecendo? Agora, nossa câmera e tudo está configurado exatamente do jeito que deixamos. Acabamos de retirar toda a nossa iluminação artificial. Podemos ver olhando para isso que a qualidade da luz não é tão ruim por conta própria. Este espaço em que estamos agora tem muita luz natural
muito boa e grandes janelas que estão deixando muito dele entrar. Também está nublado atualmente, o que é sempre uma coisa agradável para fotografar com luz natural. Ele só garante que você tenha consistência ao longo do dia e você não vai ver um monte de grandes mudanças entre a exposição como o sol se move por todo o céu. Dito isto, uma coisa a ter em mente ao iluminar com luz
natural é que o sol é realmente a sua fonte de luz. Então você vai realmente querer saber onde ele está a qualquer momento fim de entender a melhor forma de aproveitá-lo para seus propósitos. Então eu uso um aplicativo chamado Sun Seeker, a fim de rastrear o caminho do sol em todo o céu. O que você pode ver é que ele realmente lhe dá uma sobreposição em cima do seu espaço real. Assim, o aplicativo rastreia alguns caminhos diferentes do sol dependendo de determinadas datas. Eu acho que este aqui tem os solstícios no momento, e então o meio é o caminho atual do sol como está agora. Então o que eu faria com isso agora é apenas andar ao redor das janelas e dar uma olhada onde o sol está pousando em relação ao espaço. Então eu posso ver que essas janelas estão viradas para o norte, então eles não estão recebendo nenhum sol direto no momento. O sol está neste lado do prédio. Então eu vou apenas caminhar até aqui e verificar se há algum ponto ao longo do dia em que eu vou obter alguma luz solar direta através desta janela, ou será que sempre vai estar escondido atrás de edifícios, ou não realmente afetando nossa cena diretamente? Neste caso, estamos totalmente limpos o sol já se pôs atrás deste edifício, como eu mencionei, já que está nublado hoje, de qualquer maneira, nós realmente não vamos conseguir nenhum sol direto
nesta cena para realmente afetar nossos níveis em tudo. Então o que eu estou procurando aqui é encontrar uma maneira de usar a luz natural para recriar a relação entre primeiro plano e fundo que tínhamos com nossa iluminação artificial e o controle que isso nos proporcionou. Olhando para esta imagem agora, a qualidade da luz em Denali parece ótima, mas podemos ver que há um pouco de desconexão entre o brilho e os níveis de exposição de seu fundo e primeiro plano. Então meu olho agora está indo para o sofá e as janelas no fundo. Mas estou perdendo o foco no nosso assunto. Então, a fim de aproveitar a luz natural, a principal coisa que vamos fazer é tentar encontrar uma posição em nosso espaço onde a luz natural da janela esteja em seu brilho máximo em nosso assunto sem comprometer nosso estética geral em termos de sua relação com o fundo. A principal maneira de fazermos isso é basicamente
movendo nosso assunto para perto de uma janela. Então, Denali, eu vou fazer você subir e nós vamos apenas mover preventivamente esta cadeira para trás, para aqui e um pouco mais perto
da janela para ter certeza que a luz da janela envolve o rosto de Denali e não cria essa margem como olhamos na lição anterior ao falar sobre a colocação de nossa chave. Então eu estraguei isso só por adivinhar. Denali, eu quero que você vá em frente e sente-se, e eu vou voltar para a câmera e reformular nossa foto para ver como isso parece. Então eu apenas movi Denali para perto da janela e movi a câmera para combinar com o mesmo enquadramento que tínhamos antes. Os níveis de luz são muito bons. Estamos recebendo uma qualidade muito semelhante à que tínhamos antes. A queda é muito agradável, muito suave, muito naturalista, mas ainda há uma diferença de exposição suficiente entre fundo e primeiro plano para ter certeza de que Denali realmente aparece. Ao mudar o ângulo, revelamos este plugue da unidade de ar condicionado. Então vamos em frente e mover a samambaia que bloqueava o ar condicionado para a esquerda. Outra coisa que vai fazer é derrubar essa faixa branca pelo caminho só para chamar a atenção de volta para o rosto de Denali. Então continue um pouco mais, bem ali, de volta para a direita um pouco. Estamos apenas bloqueando perfeitamente, bem aqui. Excelente. Então vamos girá-lo um pouco só para que as samambaias cobrem a parede branca um pouco mais, bem ali. Assim como com a luz artificial, você ainda pode usar modificadores para mudar e ajustar a iluminação natural para atender às suas necessidades, mesmo sem usar fontes de luz artificiais. Por exemplo, se estivéssemos recebendo luz dura através desta janela, eu ainda posso vomitar um pedaço de difusão, lençol, ou cortina de chuveiro apenas a fim de tirar o brilho daquela janela e ter certeza de que a luz que é bater no meu assunto é a qualidade que eu quero que ele seja. Basicamente, é um pouco mais de uma abordagem delicada e uma que requer que você aproveite os elementos naturais em que você está. Mas os mesmos princípios e técnicas também se aplicam aqui. Então é basicamente isso. Muitas vezes em brotos, você só tem que aceitar as coisas em um lugar bom o suficiente, ou um lugar que você se sente satisfeito o suficiente com a imagem para ser capaz de viver com ela mais tarde para vir a estrada. Muitas vezes você também está limitado por limitações de agendamento. Você só tem uma certa quantidade de horas no dia da
luz do dia ou disponibilidade de um assunto. Então todas essas coisas tendem a entrar em jogo e ser levadas em consideração. Mas no final do dia, contanto que você se sinta
satisfeito com sua imagem e seus níveis, você deve estar pronto para ir. Então é isso para o nosso trabalho de localização. Vamos voltar para o estúdio agora só para alguns pensamentos finais.
14. Considerações finais: Parabéns por chegar ao fim da aula. Espero que isso possa servir apenas como uma visão geral de algumas idéias e conceitos diferentes que você pode então levar para o seu próprio trabalho e construir a partir daí. Criamos um par de diferentes configurações de iluminação de entrevista para demonstrar essas várias técnicas e mostrar as diferenças entre elas e como diferentes decisões você pode tomar com iluminação, enquadramento e distância focal escolha pode afetar o humor e contexto emocional de sua imagem. Algumas coisas que não tocamos nesta classe são fotografar multi-câmera, movimento de
câmera, seja com um controle deslizante ou uma boneca,
ou até mesmo apenas fotografar de mão, e usar design de produção e guarda-roupa, a fim de adicionar mais elementos de contraste e narração visual em suas imagens. Há um monte de lugares diferentes onde você pode aprender sobre esses vários conceitos, então eu vou ligar para alguns dos meus favoritos nos recursos da classe. Espero que você possa pegar esses conceitos de que falamos e aplicá-los ao seu próprio trabalho, e encontrar maneiras de construir sobre eles, experimentar, misturar e combinar, mudar as coisas, tentar as coisas do seu jeito. Apenas como um lembrete, eu adoraria ver o trabalho que vocês estão criando usando as lições desta aula. Por isso, sinta-se à vontade para enviar suas imagens ou vídeos para a galeria do projeto, que todos possamos ver essas técnicas postas em ação. Obrigado mais uma vez por fazerem esta aula. Estou tão animado para ver o que você vai criar usando essas técnicas. Então vá lá fora e crie algumas imagens cinematográficas.
Oren Soffer, Director of Photography
