De um cineasta intermediário a avançado: 7 coisas que você precisa saber

1. De um cineasta intermediário a avançado: Olá a todos. Depois de receber muitos pedidos, estou tão animado para trazer todo o curso de acompanhamento para os meus núcleos populares, “Do Iniciante ao Cinemasta Intermediário”, e orientá-lo para o nível avançado. Ao contrário de ir do estágio iniciante ao intermediário, ir do nível intermediário ao avançado é um processo de refinamento, mas o que você precisará aprender é mais matizado. Há muitas coisas para desenvolver continuamente como cineasta, mas neste curso, incluí sete coisas práticas em que você pode trabalhar para afinar continuamente o seu filme e alcançar o nível avançado. Embora você possa pensar que você precisará de uma câmera high-end cara para se tornar um cineasta avançado, a maioria das lições deste curso pode ser aplicada ao seu DSLR. Vamos começar. 2. Movimento complexo de câmera: Número 1, movimento de câmera complexo. Se você sentir que você pode acompanhar um assunto suavemente com um gimble. Agora, é a hora de adicionar movimentos de câmera mais complexos que pareçam mais dinâmicos e sirvam sua história de forma mais poderosa. Considere ir além dos eixos x e y e, em vez disso, adicionar alguma ação do eixo z que o famoso diretor de fotografia Emmanuel Lubezki jura. Considere adicionar uma longa foto de rastreamento que cobre muitos pontos em sua cena para nos atrair mais para sua história e praticar pregar o foco ao longo do caminho. Movimentos complexos da câmera não só ajudam você a desenvolver suas habilidades técnicas, mas também sua capacidade de visualizar como a cena se desenrolará e como você guiará a atenção do espectador em sua história. Antes de começar a tentar esses movimentos complexos de câmera, comece a praticar storyboard e bloqueie suas fotos para que você tenha um guia visual. 3. Paleta de cores: Número dois, paleta de cores e conjunto de design. Enquanto muitos cineastas usam luts na fase de gradação de cores para construir um estilo visual para seu filme, cineastas avançados como Wes Anderson, sabem como construir esse olhar em sua imagem em primeiro lugar. Adobe Color Wheel é uma ferramenta gratuita incrível que permite criar esquemas de cores com base em princípios de teoria de cores. Ao criar os tons de cor em sua imagem, você se configurará para uma base melhor para o grau de cor mais tarde na postagem. Acho que isso também é muito útil, não só para filmes narrativos, mas também para filmes documentais se você quiser construir algum estilo visual e adicionar alguma emoção à sua história. 4. Gradação de cores com um ajuste fino: Número três, gradação de cores ajustada. Além de apenas saber como ajustar a exposição básica e a cor da sua imagem, você quer aprender a controlar as nuances da classificação de cores no post. Para fazer isso, você vai querer desenvolver sua capacidade de reconhecer a diferença entre os destaques, tons médios e sombras da sua imagem. A melhor maneira de aprender é jogar com curvas de cores, que você pode encontrar no Adobe Premiere Pro. Você verá que a parte inferior desta curva representa os negros e as sombras. O meio representa os médios e a curva superior representa os destaques e os brancos da sua imagem. Ao tocar com essas curvas, você pode ajustar seletivamente a cor e a exposição em uma dessas áreas específicas, em vez de apenas adicionar uma nota piscante a toda a sua imagem. 5. Gravação de som: Número quatro, aprenda a trabalhar com um gravador de som. Se você quiser elevar sua produção de filmes, você precisará elevar o som gravado além de apenas conectar um microfone de espingarda na câmera. Na minha experiência, contratar um gravador de som dedicado é um investimento indispensável, pois me permite focar na câmera e na direção. Enquanto os gravadores de som podem acompanhar a fonte de som de perto com os microfones dedicados. O importante a aprender é aprender a trabalhar em sincronia uns com os outros para que você não entre no caminho um do outro. 6. Equipamento de cinema digital: Número cinco, aprenda como funciona uma câmera de cinema digital e experimenta lentes de cinema. Embora eu acredite fortemente que não é a câmera mas o olho por trás da câmera que faz uma imagem, aprender a usar uma câmera de cinema digital pode expandir seu cineasta em superpoderes. Eles irão treiná-lo especialmente para ver as nuances de uma imagem. Por exemplo, uma câmera de cinema com um grande alcance dinâmico pode oferecer menos sombras leitosas, enquanto as lentes de cinema normalmente tornam uma imagem mais tridimensional. Eu sempre enfatizo a lente mais do que o próprio corpo da câmera. E é fascinante ver como diferentes lentes têm aparência diferente dependendo do fabricante da lente. Por exemplo, as lendárias lentes de cinema Cooke são conhecidas pelo Cooke Look, que dá uma ligeira ênfase aos tons azuis de uma imagem. Para tentar usar uma câmera de cinema e lente, não se preocupe, você não precisa sair e gastar milhares de $, mas em vez disso, tente entrar em contato com uma casa de aluguel local. Peça a eles para lhe dar uma demonstração e ver se você pode alugá-los por alguns dias para jogar com eles e ver como eles funcionam. No entanto, por favor, não desperdice seu dinheiro tentando essas câmeras a menos que você tenha dominado o básico de usar um DSLR. 7. Detalhes de gravação: Número 6, entenda as nuances da gravação da câmera. Enquanto você pode estar filmando em 4K com um perfil de imagem plana, há outros pequenos fatores que vão para criar uma imagem de alta qualidade. Vou entrar em dois grandes aqui, profundidade de bits e ISO nativo. Primeiro, vamos entrar em profundidade de bits. A profundidade de bits é um número possível de cores que sua câmera pode capturar. As medições comuns para essas profundidades de bits são oito bits, 10 bits e 12 bits. A maioria das câmeras grava uma cor de oito bits, que pode capturar 256 tons, cada um de vermelho, azul e verde. Câmeras mais recentes, como o GH5, podem gravar cores de 10 bits internamente que significa que pode capturá-las sem um gravador externo, que pode capturar 1.024 tons cada vermelho, azul e verde. Enquanto fotografar em oito bits é totalmente bom para a maioria dos propósitos, fotografar em 10 bits dá-lhe uma margem de manobra muito maior na classificação de cores sem que a sua imagem se desmorone. No entanto, ele precisa de cerca de 20% mais espaço de armazenamento do que o equivalente de oito bits, e pode ser mais lento para processar em seu software de edição. Quando estou fazendo trabalho profissional, eu pretendo filmar em 10 bits de cor. ISO nativo é outro desses fatores que afetam a qualidade da imagem. Cada câmera vem com uma ISO nativa, que significa que ela foi construída com uma ISO específica para preservar a quantidade máxima de alcance dinâmico. Para muitas câmeras, como a Sony FS7, a ISO nativa é 800, que significa que você precisará usar filtros ND e ajustar a iluminação para obter exposição adequada para preservar a ISO nativa. Combine isso com um perfil de imagem plana e você terá uma boa base para aproveitar a quantidade máxima de alcance dinâmico que sua câmera pode oferecer. 8. Iluminação principal: Número 7, iluminação principal. Embora eu acredite que este é um esforço para toda a vida, se você só está filmando com luz natural, agora é a hora de aprender a controlar a luz artificial, para expandir seus poderes criativos indefinidamente. Acredito que não há melhor maneira de aprender a iluminação do que brincar com as próprias luzes. Uma ótima maneira de fazer isso é escolher algumas fotos de seus filmes favoritos ou algumas de suas pinturas favoritas, e tentar replicar essa qualidade de luz. Outra maneira de desenvolver seu olho para iluminação é ser capaz de reconhecer a taxa de contraste de uma imagem. A taxa de contraste representa a diferença de exposição entre uma parte de uma imagem e outra, medida com um medidor de luz. Eles são usados para definir uma estética visual consistente e ajudar a alcançar uma iluminação consistente entre os tiros. Por exemplo, uma taxa de contraste comum que usamos é chamada de chave para preencher. Usando um medidor de luz, você mede a quantidade de luz caindo no lado da chave do indivíduo em comparação com o lado de preenchimento. Em seguida, divida os dois para obter a proporção. Se estivermos nos movendo para outra foto e queremos manter uma iluminação consistente, vamos medir a proporção de chave para preenchimento de uma nova foto para garantir que ela seja a mesma que a foto original. Caso contrário, ajustaremos nossa iluminação até obtermos a taxa de contraste original. Outra maneira de desenvolver um olho para a relação de contraste, sem usar um medidor de luz, é olhar para alambiques com cor falsa. Stills de belos filmes é um site fantástico com uma compilação de imagens de referência retiradas de filmes. Para determinar a taxa de contraste de suas fotos favoritas, você precisará baixar um plug-in de cor falsa e carregá-lo no Premiere Pro. Eu gosto do plugin colorido falso de Time in Pixels, que lhe dá um teste gratuito. Aqui está uma explicação fantástica da Lens ToGo guiando você através do processo. “ Primeiro, quero dizer o que a cor falsa não pode fazer. Não vai ser capaz de dizer a cor, a direção da luz ou se eles são de fonte dura ou suave. O que pode dizer é que os níveis de exposição ao longo de uma cena. Você pode obter taxas de contraste escolhendo dois pontos em uma cena, seja de um lado do rosto de um ator para o outro, ou se for o ator para o fundo ou um ator para outro ator. Você pode saber qual é a diferença de exposição entre eles. Tirar imagens que você gosta e aprender as proporções que estão sendo usadas pode ajudá-lo a alcançar esse mesmo olhar em seu próprio trabalho. Isso também ajudará você a ser mais consistente e direcionar a atenção do público para onde você deseja que ele olhe. Existem duas maneiras de falar sobre proporções: em níveis de luz ou em paradas de luz. Para descobrir a relação do nível de luz, você pega o ponto mais brilhante que deseja comparar e dividi-lo pelo ponto mais escuro. Por exemplo, se pegarmos o lado chave do rosto de um ator e dividi-lo pelo lado de preenchimento. O lado chave é em torno de 45 IRE, eo lado de preenchimento é em torno de 15 IRE. Você vai dividir esses dois, 45 divididos por 15, e você terá três. É uma proporção de três para um, significa que a luz principal é três vezes mais brilhante que o lado de preenchimento. Você pode pegar essa mesma coisa e ir do lado chave do ator para o fundo. Neste, o rosto do ator está em cerca de 50 IRE, e o fundo é em torno de 25. Divida esses dois, e você terá uma proporção de dois para um, que significa que o ator é muitas vezes mais brilhante do que o fundo.” Com a prática, você desenvolverá essa habilidade natural de reconhecer a relação de contraste. Usando isso irá ajudá-lo a encontrar o seu estilo visual específico e consistência para a sua imagem, mesmo antes de fotografar, que lhe poupará muito tempo no post. 9. Conclusão do curso: Aí está você. Sete novos passos para o ajudar a alcançar o nível avançado de produção de filmes. Espero que até agora, você tenha pelo menos algumas coisas novas para tentar, para levar seu filme para o próximo nível. Se você tiver alguma dúvida restante, sinta-se à vontade para enviar-lhes meu site, pois estou aqui para apoiá-lo, e por favor confira meus outros cursos na minha página de perfil de professor. Como o meu curso de arte de revisão, que fornece insights avançados sobre edição de filmes, isso fortalecerá a clareza, o impulso e a ressonância da sua primeira taça. Muito obrigado por passar seu tempo comigo, e desejo-lhe o melhor para sua jornada cinematográfica. 10. Atualizações empolgantes: Olá a todos. Tenho duas atualizações emocionantes. A primeira é que eu criei um mapa do curso que liga todos os meus cursos de filmagem e edição em sequência, para que você possa avançar com confiança como cineasta. A segunda atualização é que eu comecei um boletim informativo de um minuto, que é inspirado com curadoria e insights de alto valor sobre o cinema, criatividade e a arte da vida autêntica. Checkout ambos na minha página de instrutor do curso.