Contar histórias visuais desatada: o Blueprint do cineasta

1. Introdução: Olá e bem-vindo a este curso e introdução ao cinema. Meu nome é David Richey e venho escrevendo, produzindo, dirigindo e editando telefones curtos, anúncios, videoclipes e documentários nos últimos cinco anos. E ao longo do caminho, eu tenho aprendido o ofício por estar no campo e também com outros grandes cineastas. Embora para ser útil, para compartilhar todas as dicas e truques que aprendi ao longo do caminho, não há melhor momento no cenário digital de hoje para criadores de conteúdo e cineastas florescerem. E tornou-se uma habilidade altamente valorizada poder mostrar o mundo, as histórias que você e outros se importam. Seja uma ideia fictícia que explora os temas mais profundos do que significa ser solução de negócios humana e inovadora que você está procurando anunciar ou um emocionante documentário que expõe a verdade oculta dentro de nossa sociedade global. O cinema tem um poder sem precedentes para evocar mudanças e ter um impacto significativo no nosso, neste curso, vamos descompactar a essência da grande narrativa, compreensão, caracterização, para estruturar a jornada do seu protagonista e o temas que você está procurando explorar dentro dos gêneros com os quais você está operando. Então vamos olhar para organizar seu processo de pré-produção, escrever seu roteiro no formato certo, organizar seu elenco e equipe, e colocar toda a papelada bagunçada e corajosa em ordem. Depois disso, é tudo sobre preparar o palco e fazer uso do mise-en-scene certo para melhorar o humor e o tom da sua história. Assim que você embrulhou isso, vamos olhar para o processo de pós-produção e transformá-lo de um rascunho áspero em uma obra-prima polida usando as seis regras de edição, pontuação efetiva e design de som eficaz. Finalmente, vamos olhar para a distribuição de marketing e explorar vários métodos sobre como levar seu filme para o público certo e deixar sua marca na dobra. Então pegue um assento na sua toca, segure uma caneta, e então sem mais delongas, luzes, câmera, ação. 2. ACT I: sua Protagonist: Era uma vez em uma terra distante, algo extraordinário aconteceu a alguém. Esta é a planta das histórias que contamos. E dentro deles estão encontros com o desconhecido. Lições para interpretarmos e uma capacidade de moldar crenças culturais de como nos relacionamos com nós mesmos, como damos sentido ao mundo que nos rodeia e como nos conectamos com as pessoas ao nosso redor. Mas o que dá a uma história que o fator X? Bem, nem sempre é sobre o que acontece, mas sim com quem acontece. O protagonista. Este é o personagem central em torno do qual a história é construída e a jornada que seguimos. Pense Frodo de O Senhor dos Anéis, perto do símbolo Matrix do Rei Leão. Luke Skywalker de Star Wars, Harry Potter, de Harry Potter. E a lista continua. Se uma história é um veleiro, seus personagens outro irmão que dirige todo o navio. Testemunhamos o mundo através de uma lente de percepção de protagonistas. Ao longo de sua jornada, eles reúnem conhecimento para superar uma série de obstáculos colocados diante deles por, você adivinhou, o antagonista, a força oposta para solicitar. Então, logo antes de pensarmos que eles têm, toda a esperança está perdida, mas ele ou ela consegue invocar toda a sua força e tirar a vitória das garras da derrota. Se você conseguir que seu público simpatize onde seus personagens desejam, você fez um excelente trabalho de base. No entanto, o que enriquece a sua narrativa é dar-lhes um piso que está escondido atrás desta canção. E o público inconscientemente anseia para que eles reconheçam a mudança, a fim de alcançar o objetivo. Nem sempre se trata do que eles querem, mas do que precisam. No nível da superfície, observamos como seus personagens navegam pelo mundo ao seu redor. Mas seu processo interno de tomada de decisão adiciona uma terceira dimensão à narrativa visual e permite que o público sinta o que está acontecendo. Então pergunte a si mesmo, como seu personagem está mudando não só externamente, mas internamente? Por exemplo, em Breaking Bad, Walter White, um homem morrendo de câncer, está preocupado que seu salário de professor não seja capaz de sustentar esposa e filho deficiente após sua morte. Nós seguimos sua jornada ao longo de cinco temporadas como ele metamorfismo tamanhos de professor de ciências elementares pouco assertivo para um encontro cruel, traficante de drogas King escreveu mudanças chave. qual dos tipos de arquiteto de personagem seu personagem pertence? O amante, o herói, o mágico, o fora-da-lei, o explorador, o sábio, o inocente, o criador, o governante, o cuidador, todos os homens. O gesto analisará a caracterização em profundidade em um momento. Mas, por enquanto, procure inspiração em suas próprias experiências de você mesmo, pessoas, você sabe, pessoas que você já ouviu falar. Qual é a história queimando dentro de você que você quer contar? Qual é o filme que você quer assistir? Sobre o que é? E por que essa história específica é importante? Conte todas as histórias e melhor, menos do que n precisa ter sorte. E a realização que simplifica a complexidade da vida e da empresa que você quer enfatizar e aha, momento no banho ao desenvolver sua história protagonista. Criar um personagem por ou pode ajudá-lo com isso tremendamente. Ele dá razão para o seu comportamento e torna-os credíveis quando o público os conhece pela primeira vez. Mas o que acontece numa história? E como você a estrutura? 3. ACT I: estrutura de história: A humanidade sempre serviu após a estrutura para fazer ordem a partir do caos que nos rodeia. Passamos de viver em árvores para viver em casas, andar a cavalo, para dirigir em carros, beber fluidos, para inventar vacinas. Há sempre soluções. E os cineastas têm feito o mesmo há décadas. estrutura de três atos de Aristóteles define cada história para ter um começo, meio e fim. Uma tese, antítese e síntese, a exposição, o conflito e uma conclusão. A estrutura de cinco atos é um refinamento adicional disso. E apenas dividir o segundo ato em três partes. Separando esses atos são as reversões ou pontos de viragem, unidades de ação limitadas pelas escolhas de um personagem. No primeiro ato, define-se a exposição, o tempo e o lugar. O que é normal é conhecido, e a atenção é trazida para cada termo de conflito. Uma pergunta dramática é colocada ao público apenas para que ela seja respondida no último ato. O vilão vai se safar? Bem, ele ou ela encontra o amor. O primeiro ponto de viragem é o incidente incitante. As escolhas apresentadas ao mesmo tempo escolhidas, não há como voltar atrás uma bifurcação na estrada. Escolhendo o vermelho por, caindo no buraco do coelho, mandíbulas reivindicando sua primeira parte. O segundo ato, as complicações se desenvolvem. Não tão amarrado. Interesses colidem, tensões aumentam. O protagonista é confrontado com o primeiro obstáculo e geralmente é triunfante sobre ele, impulsionando-os para o terceiro ato. E é aqui que o ponto médio ocorre. O estrondo no meio, a ascensão do Jeopardy. Titanic atinge iceberg e extraterrestre explode do estômago de um astronauta. As forças do antagonismo fortalecem e protegem seu conhecimento das mudanças da situação. Uma Verdade é revelada, e eles devem, portanto, adaptar-se em conformidade. O quarto ato, outro obstáculo é enfrentado e muitas vezes é o ponto de crise do mundo história. Os protagonistas revertem e morrem, ou mudam de nervo. O convite é apresentado e aqui tudo está na linha. É o confronto, Final, herói encontra vilão. O rapaz percebe que não há ninguém como nós para sair do prédio antes que ele exploda. O quinto acto introduz um objectivo final. Derrotar o antagonista, superar os demônios, ganhar o prêmio, voltar para casa, ou conseguir crescer. Nosso protagonista luta contra o antagonista usando o conhecimento adquirido após o ponto médio e supera-os e torna-se buraco. Eles então voltam para casa, uma pessoa transformada. Agora não há regras rígidas ao estruturar uma história. Mas esta é uma diretriz geral que ajudará você a criar um enredo que continua se revelando e mantendo seu público envolvido. 4. ACT I: caráter: Somos todos iguais, mas diferentes. Todas as batatas no jogo sério chamado vida. Que senso de si mesmo, quem somos. Outras reflexões da nossa mãe e do nosso pai são amigos, os líderes com quem vivemos. E todas as histórias que compartilhamos coletivamente. À medida que se envelhece, o indivíduo deseja conhecer e definir-se mais claramente. O conflito entre como queremos ser percebidos e o que realmente sentimos é a raiz de todo o caráter. Homens e mulheres vivem em constante conflito com os desejos enquanto tentam manter um comportamento socialmente aceitável. Estamos constantemente em um cabo de guerra entre nossos egos, sod do que queremos apresentar, e o funcionamento interno de quem realmente é. Ao escrever sua história de roteiro, considere o que é o, o que é, o que é que o seu personagem precisa em vez aqueles à medida que ele ou ela progride ao longo de sua jornada. Como eles reconheceram o chão? Como eles revelaram suas vulnerabilidades internas e levantaram suas fachadas? Quais são os medos mais profundos e como eles os superam? Aqui está uma lista de linhas para você considerar e pensar. Seu ponto médio deve reverter essas duas forças onde se torna mais óbvio para o personagem o que eles precisam em vez do que o que eles querem. Como eles reagem a uma série de desafios no primeiro ato versus desafios no quinto ato. Como eles mudaram internamente? Quais são os mecanismos de defesa do ego para a mudança externa? Eles riem e choram sobre isso? Da sua passagem? Matar ou perdoar? Cada pergunta respondida apresenta uma caracterização mais profunda e de caráter mais memorável para o seu público. Agora seu protagonista não é o único personagem que move a história para frente. Também é importante prestar atenção a outros personagens da história, como o antagonista. Não precisa ser necessariamente uma pessoa, mas também pode ser uma força externa ou uma luta interna. O Deuteronómico. Esta é a pessoa que é carga secundária ou é um cíclico, como Rob, seu interesse amoroso, um mentor, uma pessoa que guia e aponta o protagonista na direção certa. O narrador, esta é a pessoa que está contando a história. Muitas vezes são os próprios protagonistas, o agonista tutor, ou, na maioria dos casos, uma terceira pessoa que ainda não conhecemos. E este é geralmente o diretor do filme, um personagem secundário. Este é alguém que se junta aos seus protagonistas na jornada. Personagem terciária, alguém que não se junta a você protagonistas em sua jornada, mas ainda fornece informações cruciais. E então há o personagem da bandeira, alguém que geralmente está em uma cena que não adiciona muito à história, mas ainda ajuda o protagonista. Agora você sabe os blocos de construção de como o protagonista e a história. Mas o que é que você está realmente tentando atender em seu telefone? O que você está tentando se comunicar com o público? Com quem está tentando falar? Para responder a isso, vamos precisar olhar para os temas por trás de seu fluxo em nosso próximo capítulo. 5. ACT I: temas: Um filme pode ser comparado a um ensaio. Há uma pergunta persistente que precisa ser respondida. E faça isso, você precisará investigar alguma pesquisa, encontrar as evidências para apoiar sua mensagem. O tema de uma espuma é o tema de discussão ou assunto em discussão. Então, quais temas da condição humana você está tentando explorar? É uma mudança? Conflito, comunidade, exploração, forças, relacionamentos, padrões ou poder ligados, ou alguns outros links para sua referência, onde você pode encontrar temas de discussão para incorporar. Você pode terminar tema pode ramificar em outros sub-temas e número de erro do concurso. Mas é importante reduzi-lo, geralmente para uma idéia central. Como seu público vai se sentir depois de sair do filme é determinado em como um escritor escreve a história. O tom é textual, como o autor o escreveu. A escolha das palavras. Humor, no entanto, é o sentimento que é evocado no espectador como resultado de ver o que o autor escolheu para escrever ou exibir. Como cineasta, elas são combinações de cores, luzes, ângulos, sons, partituras, expressões, símbolos e justaposições que você pode incorporar para melhorar o humor particular para suas cenas e personagens. Entraremos nisso em alguns capítulos em nossa seção, “mise-en-scene”. Por enquanto, dedique um tempo para pesquisar os temas específicos que você está dissecando. Leia sobre a ciência, a história, alguns artigos, diários ou biografias por trás de histórias semelhantes, eventos semelhantes e outras personalidades. Então, como você cria tema? Bem, você tem que colocar seu conflito de queratina. Isso cria oportunidades para que ações, escolhas e conversas se desenrolem. Reforce seus temas com motivos, imagens recorrentes ou detalhes que lembram o público das ideias centrais para o telefone. Através da repetição. Através da repetição representar seus pensamentos e idéias com símbolos. Estes são personagens, configurações ou objetos que aludem a algo significativo no filme. Ao fazer uso deste processo, ele vai melhorar seu roteiro para ser muito mais visceral e mais autêntico. Então eu espero que você tenha se perguntado essas questões importantes sobre quais temas você está tentando abordar. À medida que avançamos para o nosso próximo capítulo, Qual é o gênero dos seus telefones? 6. ACT I: gênero: As comédias nos fazem rir. Suspense fazem um grito. Hormônios fazem um grito. Documentários nos fazem questionar. E ficção científica é fazer-nos ponderar. E Rom Coms, faça a fusão se sentir bem fluir. Você já teve essa sensação ao assistir a um filme, você quase pode prever o que vai acontecer lá no fundo. Você já viu a sequência antes e tem um palpite de algum tipo de resultado provável. Bem, isso é porque os filmes costumam fazer uso de tropos ou motivos que o público contém nos bancos de alfabetização visual. Sim, um link abaixo, explorando mais gêneros. O gênero cinematográfico é um sistema de códigos e convenções que o categorizam em tais somas. Exemplos de gênero são comédias, drama, ação, horror, thriller , aventura, crime, histórico , guerra, ocidentais, safiras, documentários. E a lista continua. Agora, a fim de manter alguma familiaridade no cinema, os escritores costumam fazer uso de tropes. Este é um motivo que é repetido o suficiente para ser reconhecido. Thrillers fazem uso de assustadores de salto. Investigações criminais terão uma grande trama, torção, fim de mim. E os ocidentais têm um impasse, e assim por diante e assim por diante. Para obter mais exemplos sobre tropes que são usados no filme, confira os links abaixo. Gêneros criam expectativas e grandes cineastas são capazes de subvertê-las, que dá um novo rosto ao gênero e ao filme. Eles também podem ser entrelaçados uns com os outros em mais do que apenas um salto. Por exemplo, a hora do rush é uma comédia de ação. Schindler's List é um drama patinho e a gravidade é um thriller de ficção científica. Então, familiarize-se com o gênero com o qual você está operando. Então você sabe quais dispositivos literários funcionarão bem com eles. Não há regras e o público adora quando as regras são dobradas, distorcidas ou quebradas. Então, experimente. Agora você tem a essência da sua história. Você criou um protagonista e outros personagens. Você estruturou a jornada deles em seus atos. Entendido os temas que estão procurando explorar, e o gênero em que você está operando. É hora de colocar essa ideia em um script e começar com o processo de pré-produção. 7. ACT II: escrevendo seu script: A maioria das grandes idéias nasceram quando um papel de caneta, eles provavelmente eram terríveis para começar. Mas ao longo do tempo, eles foram refinados até que algo mágico surgiu. Einstein não inventou sua teoria da relatividade. E um dia, nem Shakespeare escreve suas peças em uma noite. Então você script vai tomar uma série de rascunhos antes de poder apresentá-lo a potenciais financiadores, atores e outros participantes. Alguns scripts podem chegar a dez rascunhos antes mesmo de serem considerados. Então deixe sua imaginação enlouquecer e preencha os espaços em branco. Conecte os pontos, e comece a ver o quadro maior emergir. Quanto mais cedo você começar, melhor. Preenchendo os alicerces construindo o mundo e as regras que eles seguem. Em seguida, situe seu protagonista dentro dele e identifique seus objetivos. Introduza personagens adicionais, como o antagonista, o mentor, os interesses amorosos e outros personagens mencionados anteriormente, e construa cenas que impulsionaram a jornada para a frente com seus pontos de viragem, todos estradas devem levar a atos de declínio. Agora, se você está produzindo um documentário, o processo é um pouco diferente. Para isso, você precisará criar duas colunas descrevendo seu áudio e seus visuais que o público verá e ouvirá. A narrativa se desvendará à medida que você realiza suas entrevistas e pesquisas e tenha em mente como você formular suas perguntas em entrevistas também impacta como as respostas são dadas. Então tente enquadrá-los de forma a evocar a narrativa que você está atrás. Dê espaço para respirar ao guião. Uma grande parede de tijolos chamada Writer's Block deve chegar à sua porta num instante. Mas não o vejo como uma barreira, mas sim um sinal para ir dar uma volta, falar com amigos, familiares e colegas. Mostre sua idéia para eles e as chances são que eles vão mencionar algo relevante, como uma idéia, pensamento ou sentimento que você pode imaginar então que você pode então se adaptar ao seu script. Os roteiros são ambos com o que cineastas chamam de batidas. Uma batida é o momento ou movimento de um filme ou peça de teatro. É uma decisão de evento ou descoberta que altera a forma como os protagonistas persegue seu objetivo. Então começa aspersão cenas com outras ações, características comportamentais e diálogos que irão enriquecê-lo. público também gosta de saber para onde a viagem está indo. Por isso, é eficaz fazer uso de prefiguração através de frases, símbolos ou prompts que você escolher. Tudo precisa acontecer por uma razão. Cada cena precisa ter um começo, um meio e um fim. Há uma citação bem conhecida na indústria cinematográfica e isto é, chegar à cena tarde e sair o mais cedo possível. Os roteiros são diferentes dos livros ou artigos. O escritor precisa saber o que ocorre, em vez de dizer explicitamente ao público. Você deve escrever de forma a descrever o que está acontecendo na superfície e sugerir o que está evoluindo internamente dentro de seus personagens. Uma regra geral é uma página de script é um minuto de tempo de tela. Assim, um curta-metragem será de dez a 30 páginas e telefones de recurso 90 a um 130 páginas. Agora, de um criativo para outro, você nunca alcançará esse rascunho perfeito. Mas no terceiro rascunho, ele deve ser capaz de começar a pensar sobre as equipes que você gostaria de abordar. No entanto, precisamos ter certeza de que ele está parecendo apresentável, que nos leva ao próximo capítulo. O formato do script. 8. ACT II: formato de script: Roteiristas em como o óleo para a indústria de espuma, eles são os únicos alimentando a produção. E assim como os diagramas de engenharia têm uma forma padronizada de medições, variáveis e constantes. Assim como os roteiros. Eles fornecem um formato padronizado que pode, que os diretores podem facilmente digitalizar as páginas e preparar suas equipes para a produção. As regras básicas de formatação de script são as seguintes. Você deve usar o fundo da Coreia no tamanho 12, ter uma margem de cinco polegadas de um ponto à esquerda da página, uma margem de uma polegada à direita da página, uma margem de uma polegada na parte superior e inferior da página. Cada página deve ter aproximadamente 55 noves. O bloco de diálogo começa 2,5 polegadas a partir da esquerda. Os nomes dos caracteres devem ter letras maiúsculas e estar posicionados a 3,7 polegadas da esquerda. Os números de página são posicionados no canto superior direito com uma margem de meia polegada a partir do topo da página. E a primeira página não deve ser numerada. E cada número é seguido por uma parada completa. A página de título. Isso geralmente tem os detalhes sobre qual é o título do filme e por quem o roteiro foi escrito. Direção da cena. Esta é a localização de onde a cena ocorre e ela, e é importante indicar se é dentro usando int ou ao ar livre usando exterior ou ambos. Interior, exterior se estiver em movimento e a que horas do dia é, seja dia ou noite, nascer do sol ou pôr do sol subposição. Às vezes, os escritores mostram como cada cena muda de localização de fora para dentro, ou para descrever outra sala para a qual os personagens se moveram dentro da cena. Transições. Eles podem ser usados para descrever a maneira pela qual suas cenas passam de uma para a outra. Pode ser um ket, um desvanecimento, ou um dissolver. Apresentações de personagens. Quando você introduzir um caractere pela primeira vez, use todas as letras maiúsculas e características de referência, como idade , roupa e outros funcionários. Traços de personalidade ou maneirismos do personagem. Ação. Descreva as ações visuais e audíveis que ocorrem na tela. Você precisa escrever em terceira pessoa e no presente. Se um elemento for importante para a história, certifique-se de usar todas as letras maiúsculas para o diálogo destacado. Diálogo é o que você cenoura dizer. E é provavelmente a parte mais complicada da escrita de guiões. Você deve escrever entre as linhas e nunca nos números. Personagens devem dizer uma coisa, mas realmente significam outra. Isso é conhecido como subtexto. A maneira como seus personagens falam deve ser única e revelar os traços de personalidade, como eles estão se sentindo, e mostrar como as relações que eles têm com outros personagens estão evoluindo. Uma coisa que ajuda é ler o seu diálogo em voz alta e ver o que vai funcionar. Extensões. Estes ocorrem quando o seu personagem diz algo fora da tela, conhecido como diálogo não-diegético. Quando não conseguimos ver a fonte de onde vem o som. Os tela denotativa e V, D anota um parênteses de voz entre parênteses durante o diálogo, o show pequenas ações ou eventos de mudança de humor sem ter que pular fora de ação. Eles têm um direto, eles ajudariam a direcionar atores com nuances como sarcasmo. Fotos da câmera. Estes descrevem o tiro para o diretor incorporar, mas usando, mas tentar usá-los com moderação quando necessário. Agora há um software que você pode usar para escrever um script. E o mais utilizado é um software chamado Celtics. Eu altamente recomendado para sua funcionalidade e adoção em todo o mundo. 9. ACT II: Páginas para etapas: Então você já puniu com sucesso três ou mais rascunhos de seu roteiro agora, e agora você está olhando para colocar sua história na tela. Aqui é onde você precisa estar procurando alguém para ser seu produtor. Esta é a pessoa que geralmente tem os bolsos, redes e know-how logístico sobre como transformar seu roteiro em uma imagem visual. Há também no negócio de ganhar dinheiro frontal. Então eles vão esperar alguns centavos de retorno sobre o investimento. Mas se você está começando como um cineasta, maioria dos três grandes papéis que caem em seus ombros. Estes são o diretor, diretor de fotografia e editor. É uma boa prática ser experimentado em todos esses três papéis. E nós lhe daremos uma grande vantagem na indústria cinematográfica. No entanto, esteja preparado, pois é uma longa jornada de negociações, noites sem dormir de edição e questões imprevistas que você terá que resolver. Mas o produto final das pessoas rindo, gritando ou chorando nos cinemas ou no conforto de sua própria casa certamente vale a pena. Então pegue uma caneta vermelha e obtenha uma cópia impressa da tela. Circule o seguinte no seu script. Os personagens, locais, adereços, trajes e possíveis efeitos e S, S FX. E tente contabilizá-los em tabelas. Você terá que elencar atores para esses papéis. Reserve alguns dias para fazer isso, enviando custos e agências causadas ou escolas de teatro e levá-los a ler o roteiro e audição para as várias partes. Em seguida, é hora de ir locais jardim, então falar com as autoridades relativas e tomar nota dos ruídos de iluminação e fundo, adquirir as licenças necessárias e ter um formulário de liberação local. No local. Obtenha seus adereços e fantasias nas lojas. É útil contratar uma pessoa dedicada para este papel, um designer de produção para correr enquanto você está focando em outros elementos do filme, como ensaios com seu custo. Também é importante tomar nota dos sons específicos que você precisa para ser capaz de ouvir e editar que você terá que gravar e definir. Então certifique-se de anotar isso. Agora que você fez tudo isso, você pode começar a ver quantos locais, atores e elementos de conjunto você precisará na produção. Então reuniu cotações e prazos para isso. Assim, você pode começar a estimar o orçamento e a programação para o seu script. Ocasionalmente, certas cenas terão que ser descartadas e você terá que improvisar um plano. Mas há sempre uma maneira de tratar os diretores. A responsabilidade do diretor é orientar a tripulação sobre como executar a produção da história. E é importante para eles explicar por que esta história é importante para o público e ser capaz de justificar as escolhas únicas de estilos, como métodos de atuação, locais, cinematografia, técnicas de edição e técnicas sonoras. Tudo isso é compilado em um documento chamado tratamento descrevendo como a produção será executada. Storyboard. Um dos recursos mais úteis para o diretor de fotografia e o diretor é um storyboard. E em um Illustrator ou designer gráfico entrará em pré-produção e auxiliará o diretor, esboçando as ações descritas no roteiro e ajudando a compor as imagens dos personagens em seus ambientes. O DOP então usará isso como uma referência do que é mais importante no dia e organizará uma lista de seleção em conformidade. Financiamento de filmes, é difícil fazer filmes sozinho, não importa com o saldo bancário de 0. Portanto, encontrar uma nova produção para pagar toda a equipe, comida, equipamentos, locais, fantasias e outros itens é bastante crucial. Felizmente, há um par de opções de filmes cultivados lá fora para você se candidatar. Mas tenha em mente que certos fundos têm certos critérios. Como cineasta, você precisa ser o meio através do qual a mensagem é comunicada. Então pergunte a si mesmo, que tipo de histórias vai tendência no clima de hoje e você vai ser mais propensos a receber esses fundos. Então confira todas as opções de fundos no link abaixo e tenha um bronze. Se você não conseguir reunir fundos para o seu telefone, não é o fim do mundo. As pessoas que você tem a bordo são as mais importantes para o telefone. Então finalize isso completo primeiro. Agora que você separou todos os blocos de construção de espuma, é hora de montar o seu 18 para dar vida ao seu telefone. 10. ACT II: preparando seu molde e equipe: Então você descobriu a história. Você gostaria de ir à cidade, mas agora é tudo sobre convencer as pessoas por que precisa ser dito. Você vai precisar dos seguintes papéis na sua equipe para fazer isso. O diretor, este é o capitão do navio. Todo mundo um conselho está trabalhando para a visão que é definida pelo diretor. Os melhores telefones são melhores por causa de ninguém além do diretor. Antes em placas e marcado e ação é chamado de coreografia ferramenta direta da câmera, elenco e equipe para executar o que está sendo descrito no script. Se algo não parecer certo, ele ou ela pode mudar de acordo e é hora de outra tomada. Produtor. Acabamos de tocar nisso no vídeo anterior. Se precisar de mais informações, volte lá. Diretor de fotografia, O Homem com o plano e sua câmera. Quanto mais experientes tiverem, melhor. Se ele ou ela tem seu próprio equipamento, acabará sendo mais econômico do que contratar equipamentos de outra casa alugada. Então, dê uma olhada nas bobinas do show e veja se seu estilo de tiro é adequado, adequa à aparência e sensação de sua espuma e coloque-os no processo de pré-produção no escritório o mais rápido possível. Punhos e iluminação. Estas são as pessoas que estarão fazendo o trabalho pesado de câmeras e Riggs e garante que as cenas estão devidamente iluminadas para a cena que está sendo filmada. Designer de produção. Este é alguém que irá projetar e construir conjuntos de seu telefone. Eles fornecem e encontram os locais certos para que suas cenas ocorram. E todos os adereços que você está usando. Departamento de Arte. Isso consiste principalmente nos trajes e maquiagem. E eles trabalham em estreita colaboração com o designer de produção para garantir que todos os atores na tela se desviam. Se um filme de zumbi, você tem sangue e sangue, se é um filme de ação, eles têm as armas falsas. Certifique-se de procurar a equipe certa nisso. Homem do som. Este é provavelmente o papel mais subestimado em qualquer produção. Um telefone com um visual bonito é ótimo, mas sem som claro. É um desastre absoluto e grita nada além de amador. Então assegure-se que o homem saiba o que estão fazendo com o editor do Boom Pole. Estas são as mãos de tesoura Edward atrás da nave espacial. E geralmente é uma boa idéia trazê-los a bordo pouco antes produção para que eles possam adicionar suas informações sobre como filmar. Vamos olhar mais de perto seu papel em nosso capítulo de pós-produção. Equipe de efeitos especiais e efeitos visuais. Especialmente efeitos, são as pessoas que geralmente trazem a máquina de fumaça, explosões e às vezes coordenar os alunos que têm uma tremenda experiência em tal trabalho. Efeitos visuais ou as pessoas que trazem as telas verdes, os ponteiros e os marcadores para o que você está tentando alcançar no talento pós-produção. Estas são as estrelas do show. Características são os nomes dos atores e atrizes que são reconhecíveis na tela, enquanto extras ou talentos de fundo nas pessoas que povoam o mundo fórmico que você está tentando construir. Partitura musical. Compositor trabalhando em estreita colaboração com o diretor, eles vão garantir que os sons do instrumento certo, teclas musicais e motivos serão utilizados para evocar o humor certo e tom que a produção é frequentemente. Agora você sabe quem precisa para recrutar. Então comece a perguntar em torno ou volume de voluntariado em outras produções para se conectar com aqueles que podem conhecer alguém. Seu telefone só será tão bom quanto as pessoas que o fazem. E o capitão que lidera a nave. Todos no departamento leste precisam espiar seu desempenho. Ao mesmo tempo. 11. ACT II: papelada: Como cineasta, você tem habilidades incríveis para ressoar mensagens para o público e potencialmente evocar mudanças poderosas. Muita responsabilidade reside em seus ombros sobre as representações das pessoas e suas culturas e também sobre como você está enquadrando sistemas de crenças. Portanto, é melhor ter sua papelada legal e água. Não é a parte mais emocionante, mas certamente essencial. Estes são os seguintes documentos que você precisará para preparar uma declaração de propriedade do roteiro. Isto protege a sua ideia de ser plagiada e protege ideia em que você tem trabalhado tanto tempo. Normalmente, isso pode ser obtido através do Writers Guild em seu país. Folhas de chamadas. Isso leva a sua tripulação e não custa nada que eles precisam estar e também lhes dá uma idéia de como o dia vai ser. Ele contém detalhes como os supervisores de produção, detalhes de contato, previsões meteorológicas, cronograma de filmagem, equipe de custo sem custo, canais de comunicação e outras notas do departamento. Portanto, certifique-se de enviar esta arte alguns dias e avançar formulários de lançamento de talentos. Este é o acordo legal entre o cineasta e os atores, ou extras de fundo, confirmando que suas performances e os nomes podem ser usados na comercialização do telefone e distribuição do filme. Contratos de tripulação. Este é o acordo legal entre o cineasta e a equipe de produção, confirmando sua participação, responsabilidades de papel e sua geração para trabalhar no projeto. Lista de contatos da tripulação. Um documento central com todos os nomes, números, números de emergência e detalhes de e-mail de toda a tripulação que participa da produção. Formulário de lançamento musical. Isso fornece a confirmação legal de que o filme tem direitos de usar música ou partitura ouvida no filme, seja ele composto ou comprado on-line, é essencial ter lançamentos locais. Assim, fornece autoridade é que você tem missão pelos tomadores de decisão necessários que você é capaz de conduzir o seu tiro em sua premissa. Programação principal de fotografia. Agora isso vai guiar a equipe em que cena será filmado, quando, e um esboço básico do que esperar na lista de discussão do dia. Agora este é o documento sagrado do GOP preenchido com todos os detalhes necessários que descrevem observar o que cada tiro de ação, conversa ou B-roll é e como ele será composto, como tamanho do tiro, ângulo , movimento e descrição deve ser incluída neles. Seguro de produção, acidentes acontecem e há muitas peças móveis dentro de uma produção. Então, ter um corretor de seguros fornecer uma apólice, fornece segurança para quaisquer responsabilidades que possam ocorrer. E é recomendado para projetos maiores com orçamentos maiores. Política de saúde e segurança. Vivendo em uma era pós-secreta, este documento é crucial e descreve como sua produção será produzida com segurança dentro do telefone da lei. Mas agora isso é geralmente compilado em duas seções acima da linha onde as partes interessadas da produção que têm maior criado, influenciando as decisões da produção é listado como produtores, roteiristas, diretores e atores. Abaixo da linha. Estes são os participantes que não têm uma grande palavra nas decisões que estão sendo tomadas e podem ser vistos como substituíveis, como extras, roteiros, iluminação, Departamento de Arte, transportes, manipuladores de adereços, etc. Portanto, divida seu script em páginas por dia e orçamento em torno disso, mas priorize as cenas difíceis dando-lhes mais tempo. O que pode ser útil é cortar seu orçamento em um gráfico de pizza e alocar cada departamento com o respectivo valor e estimar de acordo. Agora, tudo isso pode soar como muito para começar. Mas felizmente para você cozinhar e eu anexei todo o material mencionado para que você possa chegar direto a ele e não perca tempo vasculhando a internet para modelos. Você é bem-vindo. 12. ACT III: equipamento: Seu pool de equipamentos não determinará a qualidade do seu telefone, mas sim a história que você está tentando iluminar. Grandes livros não foram alcançados pelas capas, mas pelo conteúdo. Então, com isso dito, vamos ver o que você vai precisar para pintar sua espuma. E algum conhecimento chave em torno dele. Câmera. Esta é a sua ferramenta mais importante, o pincel do seu telefone. Se você está começando, como eu comecei a procurar não mais do que smartphone em seu bolso. Espumas estrearam em cinemas filmados no iPhone. Então você sempre pode fazer uso do que você tem. Se você está olhando para atualizar a partir daí, nós estamos indo para o alcance DSLR com câmeras como o Fuji X T3, que eu estou filmando aqui, ou o Canon 70 d. nós estamos indo para o alcance DSLR com câmeras como o Fuji X T3, que eu estou filmando aqui, ou o Canon 70 d. E estamos olhando para DSLRs mais avançados, como a gama Sony A7 ou um Canon 5D ou Canon S3 100. E então estamos indo para a arena de classe mundial onde as câmeras têm um preço alto. Estes são seus dragões vermelhos e Aaron Alexis, que são usados em Hollywood. Agora, algumas configurações que você deve saber na câmera ou no seguinte ISR. Esta é a sensibilidade das câmeras à luz. Quanto maior a ISO, maior a probabilidade de sua imagem desenvolver o que é chamado de ruído, fazendo com que sua imagem pareça granulada. Então tente manter isso o mais baixo possível. Fps, Esta é a sua taxa de quadros por segundo. Quantas fatias de imagem estão em 1 segundo e o FPS de 24 aparecerá mais suave do que um 60 FPS porque ele tem o que é conhecido como desfoque de movimento. Se você gravar em um FPS alto e reproduzido em 24 quadros por segundo, ele aparecerá em câmera lenta, velocidade do obturador. A velocidade do obturador refere-se à quantidade de tempo que cada quadro individual é exposto para lentes, este é o vidro que dará sua classe de filme. Diferentes lentes podem criar uma sensação e aparência diferentes, que veremos mais tarde. Mas, por enquanto, você precisa saber duas características principais dentro de uma lente. A distância focal é o quão fortemente a lente diverge a luz, e como, enquanto o campo de visão que é capaz de capturar a abertura é a abertura da lente que determina a quantidade de luz que está sendo passada. Uma abertura baixa lhe dará uma profundidade de campo rasa, desfocando o fundo. Enquanto uma abertura alta produzirá o efeito oposto. Familiarize-se com o 19 triângulo. Se alterar uma definição, normalmente terá de ajustar as outras duas definições. Agora, os diferentes tipos de lentes você pode obter ilhas de peixes RA que não têm campo de visão ultra amplo e varia em sua distância focal de quatro milímetros a 14 milímetros. Enquanto as lentes geralmente podem capturar mais da cena e é ótimo para fotos de paisagem, 14 moles a 55 moles. As lentes padrão variam de 35 milhões a 85 a mais, enquanto as lentes telefoto ou zoom capturam um campo de visão estreito e variaram de 85 a 400 milhões. lentes macro são lentes que são capazes de capturar o mundo microscópico. Embora as lentes primárias tenham uma distância focal fixa, há menos partes mecânicas nelas e, portanto, têm uma abertura maior, que geralmente produz imagens de maior qualidade. E lembre-se, é sempre melhor subexpor seus tiros em vez de superexpostos. É mais fácil corrigir em plataformas de câmera de pós-produção que tripé. Esta é a plataforma padrão de um cineasta, útil para fotos estáticas ou movimentos simples, como uma panorâmica ou inclinação. Mas certifique-se de ter a cabeça da câmera direita montada no tripé para gravar um movimento de vídeo suave. Ombro Rick, este é um grande go-to rig que todos os GOP podem sentar-se em seus ombros e é ótimo para on the fly tiroteio slider. Monte uma câmera nisso. E ele pode realmente te fechar que tem uma aparência e sensação incríveis enquanto você se move ao longo de seus assuntos. Ginásios ou Cranes. Estas são plataformas que podem balançar um grande, grandes raios, esquerda, direita, ou para cima e para baixo, estabiliza. Agora, estes são dispositivos eletrônicos muito inteligentes que ajudam a evitar tremores indesejados e mantém um movimento suave com alguns engenharia de controle inteligente e motores sem escova. Equipamento de som. Como eu mencionei antes, um ótimo telefone com som terrível é, em última análise, um filme terrível. Então, jogue, então preste atenção especial a isso. Algumas ferramentas do comércio incluem o seguinte. Um dispositivo eletrônico padrão gravado com zoom que é portátil e dinâmico, que pode gravar todo o seu som não dito em um cartão SD. Um microfone de espingarda. Este é um microfone que captura áudio que vem de uma direção específica de seus atores ou atrizes. Em um poste de boom é o que o homem do som usa para ter um longo alcance para girar entre os atores e capturar o áudio. Um microfone de lapela é um pequeno microfone que geralmente pode ser anexado a um sujeito que está falando e transmite o sinal para um receptor sem fio, para o gravador de zoom. Ótimo para entrevistas, mas lembre-se de ter um pouco de fita e pelúcia se você está olhando para anexá-lo e o peito de alguém por baixo emitido para evitar qualquer ruffling alguma iluminação. As luzes mais usadas nos conjuntos são LEDs, e geralmente você pode ajustar o brilho neles para o nível ou brilho desejado. Led tiras ou também uma solução DIY e pode oferecer uma grande variedade de opções criativas por causa da variedade de cores que você pode usar. E outros efeitos, como um efeito estroboscópico. Scrums são as grandes pranchas que montam em onsets CSU Dan e vêm em duas variedades. Pretos noivos que absorvem a luz e telas brancas que podem saltar ou adicionar luz. Refletores são folhas portáteis em prata ou ouro que desempenham um papel semelhante ao scrimp e podem vir em 51 crianças, que são sempre úteis para ter ao redor. Certifique-se de que a definição do equilíbrio de brancos na câmara está ajustada para a temperatura de cor correcta da iluminação para evitar quaisquer correcções de cor desnecessárias na calibração de pós-produção. Outros itens adicionais no conjunto incluem uma placa de clapper. Isso é usado para o seu editor para afundar o som para a filmagem e também ajuda a organizar como as imagens de ser categorizadas. E você precisa tomar nota da cena, do tiro e tirar números. Gaffers fita de gravar marcadores para atores até bloquear a luz de janelas próximas. Um bom papel da fita gaffers em cores diferentes é sempre útil ter discos rígidos de início. Vais precisar de guardar as tuas filmagens algures. Então compre um ou dois discos rígidos que você possa armazenar todas as imagens brutas de suas filmagens. Um. Agora você tem uma idéia aproximada do que você precisa para produzir um novo filme, conhece as casas de equipamentos em torno de sua área e tentar estabelecer um bom relacionamento com eles. Porque é provável que você possa negociar bons negócios com eles em qualquer um de seus empreendimentos e projetos futuros. 13. LEI III: Mise-en-Scene — Set Design e figurar: Mise-en-scene é um termo francês que se traduz em colocação no palco e é usado para descrever como elementos cinematográficos dentro do quadro são projetados. Como cineasta, Estas são as decisões cruciais que você vai estar pensando longo e duro sobre para efetivamente alcançar o humor desejado e tom que irá evocar os temas de sua imagem. Se você puder criar a atmosfera certa no set, o telefone vai se desdobrar na minha frente. Set design. Agora, existem duas opções ao decidir como organizar seu conjunto. Você pode atirar no local que já foi explorado, é pode ser o lugar de um amigo ou um local público, mas certifique-se de ter o formulário de liberação local pronto. Ou você também pode construir. Ele disse, que vai incorporar a atmosfera que você está tentando criar. Seu designer de produção e departamento de arte terá que lidar com tudo isso enquanto você está ocupado ensaiando com seu custo. Set precisa transmitir o período certo na história, bem como o tom e o humor do seu projeto. Sua escolha de cores, linhas , formas e prompts irá somar isso. E como agora, agora, os designers de set podem às vezes ir a um extremo extremo para criar o que o diretor precisa. Por exemplo, o conjunto do telefone 1953, Ben Hur, cobriu mais de 18 hectares e levou 1101000 homens ao longo de um ano para construir trajes. Agora, dependendo do gênero e período de tempo com que você está operando, traje desempenha um papel importante no seu telefone. Pode ser sobre o topo e extravagância ou moderno, nervoso. Portanto, familiarize-se com algumas casas de aluguel de fantasias em sua área, cabelo e maquiagem. Seus principais deveres são melhorar a estética facial usando maquiagem para criar um visual personalizado que uma produção precisa para criar os personagens. Próteses também podem ser trazidas a bordo para ajudar com quaisquer duendes, zumbis ou outras criaturas cicatrizadas que você deseja incorporar na história. 14. LEI III: Mise-en-Scene -: A arte da cinematografia é ser capaz de pintar com luz e cor. Então vamos passar algum tempo olhando para isso. escrita cria um humor visual, atmosfera e dá uma sensação de significado ao público. Ele ajuda a orientar o olho onde ele precisa olhar no quadro para um ator específico, adereço ou parte da cena. Pode refletir a psicologia de um personagem e também pode melhorar o gênero do fluxo. Portanto, antes de os atores serem posicionados e a câmera começar a rolar, o palco precisa ser adequadamente iluminado. Coloque sua fonte de luz principal e mais forte, chamada de luz chave para um lado do ator para criar uma leve sombra no lado oposto do rosto em uma segunda luz chamada luz de preenchimento no lado oposto do ator para suavizar qualquer sombra dura que é criada pela luz chave toca uma terceira luz, uma luz de fundo atrás do ator para ajudar a definir e destacar qualquer uma de suas características ou contornos. Agora, a iluminação de alta chave é uma estética de iluminação com poucas sombras e baixos níveis de brilho. Normalmente você verá isso em televisões, sitcoms ou um comercial. Enquanto a iluminação discreta é uma estética de iluminação com um monte de sombras para criar uma sensação de mistério ou suspense. Isto é muito mais animais cinematográficos adotados pesadamente no gênero cinematográfico. Film noir. Gritos montanha com um grampo pode então ser usado para bloquear, saltar, e absorver qualquer natural ou artificial alinhado. Então ajuste-os de acordo. Você também pode usar trabalhos coloridos sobre as luzes para adicionar qualquer cor, se necessário. Escrever uma cena requer tentativa e erro. Então, aproveite o tempo para experimentar um sistema de iluminação de três pontos. Linhas suaves, luzes rígidas, iluminação discreta, iluminação de alta chave para encontrar o equilíbrio certo entre luz e sombra, sombras para o seu tiro. Cor. Agora, a cor tem uma incrível habilidade de evocar um certo humor que você está procurando. A teoria e a psicologia por trás dela foram incorporadas em peças e telefones ao longo da história. Então, pause o vídeo aqui e procure a cor certa que se adapte às emoções e ao humor que você é. Depois. Vamos dar uma olhada mais de perto na classificação de cores mais tarde. Mas, por enquanto, vamos passar para o elemento mais importante de “mise-en-scene “, como compor suas fotos. 15. LEI III: Mise-en-Scene - Composiçãode quadro: Relação de aspecto, o quadro do seu filme é uma tela e pode variar em suas dimensões. Os telefones no cinema geralmente usam uma proporção de 2,39 para um. Em raras ocasiões, você pode realmente alterar a taxa de proporção se isso ajudar a transmitir a sensação certa para o seu telefone, certifique-se de filmar na resolução mais alta possível para que você possa cortá-la e ajustar de acordo. Tamanho do tiro. Tiros extremamente longos. Estas são as fotos largas que geralmente estabeleceram o cenário em que a cena está ocorrendo. E é uma ótima maneira de abrir uma cena. Um tiro longo é uma ótima maneira de introduzir personagens na cena e em seu ambiente. Enquanto um tiro médio é dos joelhos para cima e atinge um efeito semelhante. Close ups são do peito para cima e nos aproximar do personagem e nos permitem começar a ver suas emoções. Enquanto os close ups médios são dos ombros para cima. Grandes close-ups são fotos próximas que mostram expressão facial completa de um sujeito e podem destacar uma emoção específica, como tristeza ou surpresa. Um close-up extremo pode ser usado para enfatizar um sentido particular para o público, como visão, audição ou cheiro. E inserir é um close up de um objeto de adereço que vai desempenhar um papel significativo na história. E é importante que o público não perca. Uma boa regra de ouro é começar largo e solto e construir para close-ups à medida que o visto aumenta em sua intensidade. tiro I ângulo de nível. Agora, este é um tiro que enfatiza uma perspectiva neutra e imita como vemos as pessoas na vida real olho a olho. Um tiro de ângulo baixo está abaixo dos sujeitos. Eu me alinho e é um tiro que cria uma dinâmica de poder, fazendo o sujeito parecer superior, criando uma sensação de medo ou medo em relação a esse assunto. Ângulos altos. Agora isso alcança o oposto do ângulo baixo, fazendo com que o sujeito pareça pequeno, inferior, vulnerável ou impotente. Nível do quadril. Tiros angulados são usados para mostrar alguma ação acontecendo, como desenhar uma pistola ou alcançar algo fora de seu bolso. Meu nível. Agora, esses tiros também podem enfatizar uma superioridade de personagem, assim como um tiro de ângulo baixo. Enquanto um tiro no nível do solo geralmente é usado para mostrar seu personagem andando e pode criar uma sensação de mistério. Um tiro no ombro é muito semelhante ao tiro no nível do olho, e na verdade é usado muito mais vezes. E informações ângulo holandês ou inclinação holandesa, é onde a câmera está ligeiramente inclinada, dando uma sensação de desorientação ou tensão. E um tiro de vista de pássaro é realizada acima dos atores, 90 graus acima deles e fornece perspectiva, a perspectiva para a cena e pode criar um ponto divino de referência. Movimento da câmera. Zoom. Então é aqui que você muda a distância focal da sua câmera. Uma panorâmica é onde você move sua câmera tem horizontalmente da esquerda para a direita, e é ótimo estabelecer uma sensação de localização de uma inclinação está movendo sua câmera verticalmente, para cima ou para baixo. E é uma ótima maneira de apresentar seus personagens ou dar ao público uma sensação de altura. Em um tiro largo. Uma boneca é quando você move a câmera para frente ou para trás. E este é o meu favorito pessoal, pois ele pode realmente enfatizar que algo está evoluindo internamente com seus personagens ou quando aborrecido para trás coloca-los em perspectiva com o mundo ao seu redor. Um tiro de caminhão, também conhecido como um tiro deslizante, é quando você move sua câmera da esquerda para a direita, e um ancinho deslizante. E o pedestal é quando você move sua câmera verticalmente para cima ou para baixo, e é uma ótima maneira de revelar características físicas de um assunto. O foco do Iraque é quando você muda o foco de um assunto para outro e é eficaz em navegar a atenção de seu público de um personagem para o outro. Contraste dominante e subsidiário. Então você precisa se perguntar, o que ou quem é o assunto dominante no quadro? Onde está a atenção e o que se segue, que é conhecido como a densidade de contraste subsidiária. Agora esta é a quantidade de informação visual contida dentro, dentro da imagem. É uma visita altamente textualizada , moderada ou simples. Há um monte de enquadramento de espaçamento negativo? Agora, enquadramento solto é onde os personagens se movem mais livremente enquanto o enquadramento apertado é onde os caracteres estão confinados a um local. Composição no Raul bidimensional, que humor as linhas e formas do seu quadro sugerem? São horizontais, o que evoca a paz? Eles são diagonais, o que pode evocar tensão e ansiedade? Ou são a vertical que pode aludir a fortalecer o apoio? São os binários, que às vezes pode sugerir paralelismo, paralelo, paralelismo. Ou triangular, o que sugere uma interação entre personagens. Ou mesmo circular, o que pode dar uma sensação de segurança. Posicionamento e proxemias, como seus personagens são colocados no quadro em relação um ao outro? Eles estão perto do topo, que se relaciona com poder, autoridade e inspiração? Ou no fundo, o que sugere o contrário. Personagens colocados à esquerda e à direita geralmente sugerem insignificância e quão perto ou longe nossos personagens colocados em relação um ao outro para, Isso sugere algo de uma relação íntima, pessoal ou pública? Posições de encenação, como está seu estágio de personagem em relação à câmera? Isso é um mandato completo, uma foto de perfil, uma curva de três quartos? Ou eles estão de costas para a câmera? Regra dos terços? Agora, esta é uma ótima maneira de enquadrar sua foto ao bloquear ou colocar novos talentos, tente posicionar as ilhas perto de um dos quatro cruzamentos, pois é aqui que os olhos do público vão se gravitar para a maioria. Agora, então, isso foi um punhado de informações para começar a considerar. Então, passe algum tempo com o DOP para ter certeza de que você preste uma boa atenção a todos esses elementos da cena errada. 16. ACT III: Setiquette: Agora, para que a produção funcione o mais suave possível, todos que um conselho precisa desempenhar o papel e cumprir um código de conduta no set. Então aqui estão algumas regras que todos devem conhecer e seguir. Tente e afiado o mais cedo possível. Tenta desligar os telemóveis. A última coisa que você quer é se um ator estiver realizando uma cena íntima onde uma lágrima gentilmente escorre pela bochecha e alguém recebe um Watson da mãe. Não desconecte nada a menos que pergunte à pessoa certa e não toque ou mova algo pelo qual não é responsável. Não entre no tiro. E se você fizer um golpe, tente evitar a pergunta “Quando você acha que estamos encerrando?” Seja sempre menor do que e sempre esteja alerta e saiba quando a câmera está rodando. E por último, alimente seus custos e sua equipe porque um Cu faminto é a última coisa que você quer. Agora, em seguida, você chocou com sucesso seu comercial de vídeo de música curta forma ou muitos documentário. E é hora de ir para a suíte de edição e começar a cortar, cortar instantâneo, pós-produção. 17. ACT IV: Software, ingestion e categorização: Então agora você deve ter todas as suas filmagens gravadas e todos os seus sons em mais de um disco rígido. Felizmente, é hora de baixar algum software que você estará usando para editar seu telefone. Agora, há algumas opções no mercado, então vamos dar uma olhada nelas. As opções gratuitas incluem trabalhos leves, que é intuitivo, simples, e tem muito suporte em torno dele e é considerado o melhor software de edição de vídeo gratuito. O pad de vídeo também é outro ótimo software para iniciantes. E DaVinci Resolve é o melhor editor de vídeo gratuito com uma incrível suíte de gradação de cores. Agora, as versões de pagamento incluem principalmente Final Cut Pro e Premier Pro. Para os próximos vídeos, usaremos o Adobe Premiere Pro. E você pode obter uma avaliação de sete dias gratuitamente ou pode assinar o software Adobe por US$24 por mês por software, certo? Depois de instalar e abrir o editor de vídeo, navegue até a pasta do projeto de sim, vamos arrastar e soltar nossas filmagens, o que eu já fiz. Então o que você vai ter que fazer é começar a renomear suas filmagens. O que eu gosto de usar é o assunto, o ângulo e o tamanho do tiro, e também o take. Você terá que fazer isso para o seu som, bem como, o assunto, a cena, e tomar também outra coisa útil a fazer é peneirar todas as suas filmagens e descobrir o que você precisa e o que você não precisa. Depois disso, você pode excluí-lo. Isso ajuda a evitar qualquer desordem e mantém as coisas necessárias e mais fáceis para você trabalhar, certo? Depois de renomear todas as suas gravações e arquivos de som, é hora de criar uma nova sequência. Certifique-se de que o tamanho do quadro é adequado e que você tempo, você baseado em tempo é os quadros certos por segundo. Agora o que vamos fazer é começar a afundar o som. Então simplesmente arraste e solte suas filmagens na linha do tempo. Navegue até o arquivo de áudio correto e coloque-o abaixo da hora abaixo do clipe original. Em seguida, selecione todos os clipes, clique com o botão direito E sincronize, selecione canal de áudio e aguarde até que ele sincronize. Depois que isso estiver completo, Watch pode fazer é apará-lo ordenadamente. Depois de sincronizar, bloqueie o arquivo de vídeo e exclua o áudio original para que você tenha aquele som de boom nítido. Selecione ambos e mesclar em um arquivo sincronizado. Uma vez feito isso, é útil criar uma nova pasta e criar uma pasta de sincronização com todas as gravações. Arraste e solte isso em sua pasta de sincronização. E agora está pronto para ser editado quando você começar a editar o projeto completo, também é útil começar adicionando também os arquivos de som à sua linha do tempo para que você possa começar a editar em ritmo na faixa de som. Alguns sites que eu recomendo, artless dot IO e sons epidêmicos, seguida, em termos de navegação no software de edição de vídeo, neste caso Premiere Pro. O que é útil são estes painéis no topo aqui para diferentes modos de edição. Agora estamos em modo de edição. Mas para começar, É uma boa prática para começar com a montagem, movimento, edição, cor amido, adicionar efeitos, adicionar o áudio e os novos gráficos. Certo, isso é uma introdução à Premier Pro Suite. Ainda há muito a aprender, como estas teclas bacanas aqui e atalhos. Então, sugiro em seu tempo livre fazer um pouco de prática por trás disso e também pesquisar mais recursos sobre o Premiere Pro. É um software poderoso e altamente recomendado. Nesse momento, agora sabemos como os conceitos básicos do fluxo de trabalho e Premier Pro, como sabemos qual filmagem selecionar? Como sabemos qual corte faz para onde mover de qual tiro para qual tiro? E é aí que vamos olhar nosso próximo capítulo nas seis regras das técnicas de edição e edição. 18. ACT IV: seis regras de edição e outras técnicas: Cada quadro da sua história é uma pintura. Os olhos do seu público tremerão sobre o quadro, reunindo novas informações à medida que a história se desenrola. Mas como é que alguém sabe, mas tiro para selecionar para o seu próximo corte? Para isso, vamos examinar Walter combina seis regras de edição de seu livro em um piscar de olhos, além de explorar os diferentes tipos de cortes. Ao decidir qual corte deve seguir, pergunte-se se consegue o seguinte. Regra. Número um, emoção. Será que o corte se mantém fiel à emoção do momento? Tente preservar todos os custos. Regra número dois, história. O corte avança e avança a história de uma forma convincente? Regra número três, Ribbon. O corte faz sentido rítmico? Será que vai em linha com a música, o ritmo ou a estrutura de batida do filme? Regra número quatro, eu rastreio. Onde está o foco de interesse do público no quadro? E então para onde ele vai para o próximo corte? Regra número cinco, plano bidimensional. O corte respeita a minoria de onde o filme está localizado? Regra número 63, dimensão espaço de ação. O corte respeita a continuidade tridimensional dos caracteres em relação à localização. As três primeiras regras têm grande prioridade em relação às três últimas. Se, se mantém fiel às emoções, história e ritmo, mas não tem continuidade no espaço tridimensional, então, por todos os meios, use esse corte. O efeito cooler shop. No início do século XX, o cineasta soviético Lev cooler shove demonstrou que um espectador deriva mais significado de duas filmagens sequenciais em vez de ser filmado sozinho. A soma de suas partes cria um buraco maior. Isso também é conhecido como justaposição quando o contraste entre dois tiros deriva um terceiro significado, tipos de cortes. O corte do salto. Agora este corte salta para a frente no tempo no mesmo tiro, o corte da coruja. Este é o lugar onde o público ouve o áudio da foto anterior, mas vê a imagem de j cut. Agora este é o oposto do álcool onde você vê a imagem do próximo tiro. Uma vez ouvindo o áudio do mesmo. Estes estão cortando a ação. É aqui que você corta de um tiro para outro com base na mesma ação executada pelos personagens. Cutaways. Isso ajuda a mostrar ao público outra coisa. Oi, acontecendo em outro lugar da cena. Cross-cut, também conhecido como edição paralela. Ele mostra dois eventos acontecendo ao mesmo tempo, mas em locais diferentes. Cortes em massa onde dois tiros têm uma forma de assunto semelhante ou natureza simbólica em locais diferentes. O que também é útil no Adobe Premier Pro ou em outro software de edição é que você também pode selecionar a guia de efeitos aqui, ou simplesmente ir ao turno F7. E então você tem acesso a vários efeitos que você pode usar em seu corte. As transições de vídeo, podemos adicionar crosta dissolve entre dois clipes e alterar o comprimento da dissolver. Você também pode mergulhar para preto para branco. Você pode dissolver e você pode adicionar outros grandes efeitos como íris. Íris desvanece, toalhetes ou escorregas. E, em seguida, também nas transições de áudio, você pode certificar-se de que há uma transição suave entre arquivo de áudio para arquivo de áudio. Especialmente se você estiver usando ruídos diferentes e quiser transições suaves, você pode ajustar adequadamente. Outro grande efeito é o estabilizador deformado, arraste isso nos hubs Eclipse para geralmente evitar qualquer movimento de agitação na própria imagem. Então, se sua chance é um pouco instável e você gostaria de suavizar. Mas estabilizador distorcido geralmente faz o truque. Mas a melhor maneira de saber qual corte ou qual trabalho de transição é fazer experimentos. Então, jogue todos os clipes em sua linha do tempo em uma história, edite de acordo com seu script e, em seguida, edite de acordo e mixe-e-match e tente descobrir o que é filmado funciona melhor com qual transição. 19. ACT IV: a música e som: A escola ou a música certa podem fazer ou quebrar seus filmes. Então, tome um tempo para pensar muito e muito. Mas o que vai melhorar suas cenas? Alguns conhecimentos de fundo em torno de um teclas musicais e habilidades também podem ajudar a decidir o que vai funcionar melhor. Por exemplo, as pontuações SAT fazem uso de escalas de menos, enquanto uma pontuação mais cerebral e feliz faz uso de escalas maiores. Pergunte a si mesmo qual dos seguintes movimentos você está fora, ok? Ok. Motivos de melodia também podem ser usados para realçar um personagem ou um tema específico e uma história e adicionar mais uma terceira dimensão à experiência. Eu recomendo que você insira seus arquivos de música até editar a linha do tempo no início do processo de edição. Então você pode começar a fazer seus cortes nos ritmos da peça. Veja suas formas de onda de áudio e anote onde inserir o corte. Um truque que eu gosto de usar é reproduzir a música na linha do tempo e colocar marcadores pressionando M no teclado. É aqui que você pode sentir e imaginar o corte ocorrendo e então você pode ajustar suas filmagens de acordo. Efeitos sonoros consiste nas amostras que trazem movimentos, ações, objetos ou animais para viver em seu telefone. Como um sabre de luz, passos ou remoção de vaca no fundo que pode ser gravado no set, encontrado em um banco de dados de amostra ou ser recriado em um estúdio de som através de um processo chamado design de som loucura. Um pouco de mistura. É importante que os níveis de seus volumes das diferentes linhas de tempo de som não interfiram uns com os outros. Você não quer que seu diálogo seja exagerado pela partitura ou música. Então tente usar estas diretrizes a seguir para obter isso direito. O pico máximo de seus sons deve ser de dois decibéis, enquanto os efeitos sonoros altos, como explosões e tiros, devem ser de três a dois decimais. Uma faixa de som mais alta que não esteja competindo com nenhum de seus diálogos deve estar entre 54 decibéis. Todos se levantaram. O diálogo deve ser de cerca de 11,5 decibéis a dez telefones de mesa. E os ruídos do ambiente ou a música de fundo podem ser usados em torno de 18 a 16 cintos do deserto. Agora que você tem uma compreensão básica de sua música e design de som, é hora de começar com os toques finais em seu telefone com a classificação de cores e adicionando títulos. 20. ACT IV: classificação e títulos: Estamos todos familiarizados com filtros no Instagram, que é uma nota de cor rápida e fácil para o seu conteúdo, eles enriquecem o humor que pesquisar para um anúncio que possui extra. Então vamos dar uma olhada nisso de perto. Fantástico. Então, uma vez que você editou a história em sua linha do tempo e você tem o seu design de som soando certo, então é hora de adicionar a calibração. Tudo bem, mas antes de fazermos isso, o que vamos fazer é começar a corrigir as cores. E isso é garantir que os níveis de todas as cores em sua foto, as configurações e ajustes adequados para que possamos começar a aplicar a classificação em todas as filmagens. Então o que vamos fazer é navegar para a barra de cores, guia de cores. Então vamos abrir a mira do Mettrie. Certifique-se de que você tem o seu desfile RGB, existem outros. Mas, por enquanto, vamos usar o escopo básico do nanômetro do desfile RGB. Então o que vamos fazer é começar indo para correções básicas e ajustando a temperatura da cor para certificar-se de que as cores são mais ou menos equilibradas. Então vamos nos certificar de que os negros estão começando a cortar aqui no fundo. Então vamos aumentar a exposição, mas não muito por aí. Vamos adicionar um pouco de contraste, derrubar as sombras, derrubar os brancos, e adicionar apenas um pouco de saturação. O mujer depois também vai determinar essas configurações aqui e que tipo de sensação e procura. Esta é uma cena de sonho. Então estamos tentando fazer com que pareça tão colorido e tão bonito quanto possível. Então, uma vez que você tenha feito isso, vamos para as configurações criativas aqui e vamos fazer alguns ajustes finos. Então, para isso, eu gostaria que o céu fosse um pouco mais azul. Então vou ajustar os destaques. Vamos adicionar um pouco de vibração. E lentamente nossa foto está se juntando. Logo então você também pode usar o que é conhecido como suas curvas RGB para fazer alguma gradação de cores. Sugiro familiarizar-se com os escopos um pouco mais e com as configurações criativas e básicas de correção antes de passar para isso. Como este é um grande empreendimento, mas muito útil. Então estas são as cores da sua imagem. E estes, e esta linha é representativa dos diferentes níveis dessas cores. Então, para o vermelho, vermelho escuro, e estes são os vermelhos claros. Para o azul, estes são seus azuis claros e azuis escuros. Então o que vamos fazer é selecionar nossos marcadores e vamos trazer os destaques do blues. Portanto, recomendo que você experimente e faça algumas pesquisas sobre mais recursos de classificação de cores que o Premiere Pro oferece. Davinci Resolve é também um software fantástico para calibrar suas histórias. Então. Certo, então uma vez que você tenha corrigido a cor da sua imagem, o que você poderia fazer é copiar essa correção de cor e você pode colá-la em suas outras fotos. E isso já parece muito melhor. Isto é antes. E isto é depois, certo? Assim que tiver corrigido a cor de todas as suas fotos, podemos começar a adicionar uma nota de cor. Então esta é uma aparência geral para todas as fotos. o botão direito do mouse na pasta do projeto e crie uma nova camada de ajuste. Arraste e solte isso em suas filmagens e aplique-o em todas as suas fotos. Então o que podemos fazer é ir para nossas camadas de ajuste, configurações de cor, ir para criativo e ir para a última seção. Agora, muito é uma configuração específica que os cineastas vão arrastar ou baixar para as fotos e ajustado para dar uma aparência particular. Então aqui temos um monte de lotes diferentes que podemos aplicar. Então, mas o que podemos fazer é começar a andar de bicicleta por aqui. Vamos fazer isso um pouco maior. Além disso, a filmagem é bastante lenta para trabalhar. Então, uma coisa que eu recomendo que você veja é criar arquivos proxy. Assim que tiver corrigido a cor, você filmou e está começando a percorrer todas as suas notas de cor. Ooh, isso parece muito bom. Então agora este calibrado aplicado a u Ajuste Camada e agora será aplicado a todos os seus tiros. Como eu disse antes, você vai ter que ajustá-lo para obter aquele visual real da Califórnia ou frio que você está cuidando, dependendo do humor e tom da sua história. E deve levar algum tempo para ajustar todas as configurações. Mas lembre-se de começar com a correção de cor aplicada primeiro em todas as suas fotos. Certifique-se de que eles funcionem em cada filmagem, observando os escopos de Dmitry e criando uma camada de ajuste e adicionando o grau de cor para adicionar títulos ao final do filme. O que você vai fazer é ir arquivar um novo título legado. Assim que seus créditos abrirem, o que você sempre pode fazer é escrever que o que eu gosto de fazer aqui é maior e isso é menor. E então ter isso centrado e também em um fundo mais bonito. Assim, você pode ter duas opções diferentes de seus títulos ou créditos aparecendo ou aplicar ambos. O que você poderia fazer é que você pode ter um desvanecimento dentro e fora. Ou você pode ter o que é conhecido como Rolling Credits. Para criar créditos rolantes, basta adicionar em suas duas colunas e, em seguida, certifique-se de que você alinhá-lo à direita e tê-lo um pouco no meio. Copie colar isso, alinhe de outra forma e comece a adicionar em seus nomes, certo? Depois de adicionar todas as funções, os nomes das pessoas envolvidas e os vários departamentos. O que você vai fazer é abrir as opções de chamada no canto superior esquerdo abaixo do título. E você vai selecionar linha, iniciar fora da tela e fora da tela, pressione. Ok. Porque isso arrastar e soltar os créditos para a sua linha do tempo. E é aqui que você pode ajustar o comprimento e a velocidade dos créditos rolantes. Mas agora queremos que os créditos rolem na direção oposta. Então, como fazemos isso, certo? Bem, você vai ter que clicar com o botão direito aqui, aninhado em sua própria sequência. E daqui vamos clicar com o botão direito do mouse em selecionar velocidade e duração, reverter a velocidade, então ela vai na direção oposta. Agora, para exportar seu clipe, o que você precisa fazer é selecionar tudo em sua linha de tempo que você incorpora em seu produto acabado. Pressione i para n para fora. Então você pode marcá-lo lá. Em seguida, navegue até Arquivo Exportar mídia. Por aqui. Vamos selecionar H.264, que é o formato mais usado online. Vamos dar-lhe uma taxa de bits alta e é tão fácil como ir exportar. Mas antes de fazermos isso, vamos usar a qualidade máxima de renderização. E aqui, as configurações de taxa de bits também determinarão quão alta uma qualidade ou quanta informação está sendo passada para a exportação final. Depois de fazer isso, você precisa ter certeza de que você tem seu vídeo final aqui e ir para o nome da saída, selecionar localização e pressionar Exportar. Agora vai levar algum tempo para que os arquivos sejam renderizados, dependendo do tempo e da alta qualidade que você usa. Mas uma vez feito, ele deve estar localizado nesta pasta. Aí está você. Você concluiu com sucesso a edição do formulário, mas agora é hora do mundo vê-lo. Então, vejamos alguns métodos sobre como você pode marcá-lo e distribuir seu telefone. No nosso próximo capítulo. 21. ACT V: marketing Pyramind: Parabéns se você completou seu primeiro formulário com sucesso. E se você ainda estiver em desenvolvimento, mantenha o foco e mantenha o Envision em mente, apesar de ter uma espuma. Isso não significa necessariamente que o trabalho acabou. Na verdade, pode ser apenas o começo e agora é hora de chegar aos olhos e ouvidos do público certo em todo o mundo. Ninguém vai vigiar o teu telemóvel se não souberem, está lá fora. Este é o propósito de marketing e distribuição. Você precisa manifestar uma razão para as pessoas tomarem seu precioso tempo para assisti-lo. Para isso, vamos olhar para o desenvolvimento de uma nova pirâmide de marketing. Isso irá ajudá-lo se você ainda está tentando obter financiamento e apoio para o seu roteiro ou olhando para participar de festivais de cinema. No topo de sua pirâmide está o título, a única palavra que se encaixa em todos, geralmente aludindo a um símbolo de personagem ou tema em sua imagem. Abaixo está o seu slogan. E este deve ser um bordão peculiar ou um slogan que esclarece uma ideia ou cria um efeito dramático. Ele pode fazer referência a um enredo, experiência ou frase no filme. Alguns grandes exemplos são os Caça-Fantasmas que você vai chamar de Tubarão. Nunca mais entrará na água. Monster's Inc. estamos assustados porque nos importamos. A realidade matricial é coisa do passado. Abaixo está o seu logline. Este é um breve resumo de seus gêneros conceituais, história, personagens e enredo, tudo embrulhado em uma ou duas frases. Uma fórmula que geralmente pode ajudar é um, descrever o seu protagonista com adjetivos fortes para dar ao seu protagonista um objetivo claro. Três, tentou aumentar as apostas e para tentar fazer uso de ironia onde você pode, alguns exemplos, a matriz, um jovem hacker de computador para servidores que o nosso mundo é uma realidade virtual criada por máquinas inteligentes para escravizar a humanidade. Agora, ele deve se juntar a humanidades, lutar contra as máquinas e exceto seu novo papel como líder da resistência. Bastante simples, certo? Senhor dos Anéis, um jovem Hobbit Frodo, que encontrou o anel que pertence ao Senhor das Trevas Sauron, começa sua jornada com oito companheiros para a montanha, o único lugar onde pode ser destruído. C te deixa viciado imediatamente. As melhores linhas de log levam vários rascunhos e um monte de experimentação. Portanto, certifique-se de dedicar algum tempo alocado a isso. Agora, abaixo, esta é a sua sinopse. A melhor maneira de descrever uma sinopse é uma história curta para o seu filme. Concentre-se no conflito central. Use visuais fortes, bem no presente. Destaque o gênero que você usa. Descreva seus personagens, personagem , arco e como eles evoluem. Tente dividir a história em três a cinco parágrafos e não seja tímido de incluir spoilers. Deve ser uma história completa arredondada para seletores de festival e telefones, telefones, financiadores de telefone para ler através. Agora você tem sua pirâmide de marketing para apoiar sua empresa onde ela precisa ir. Se você o tiver concluído, vejamos alguns materiais de imprensa que você pode incluir ainda mais para o lançamento do seu telefone. 22. ACT V: material de liberação de imprensa: Material do comunicado de imprensa, cartaz. Isto não é por si só, deveria ser uma obra de arte que chama a atenção e desperta a curiosidade. Ele deve conter o título da sua espuma e imagens que mostraram os personagens centrais da história. Alternativamente, você também pode incorporar outra iconografia que você usa no filme e no custo de seus papéis principais, seu slogan e uma data de lançamento. Se você tem aqueles na parte inferior do seu cartaz adicionando alguns outros detalhes dos diretores, produtores, escritores, Costas, figurinistas, designersde produção e editores da empresa principal de estúdio produtores, escritores, Costas, figurinistas, designers . Eu recomendo usar a seguinte diversão para este alto, escuro e bonito, ou cartaz filme SF. Se você filmar foi estreado um Festivais e, ou ganhou algum prêmio, você também pode incluí-los em pequenas colchetes frondosos. Trailer, este deve ser um vídeo de um a dois minutos explicando a essência do seu filme. Deve ser uma história forte sozinho. Alimente o apetite do seu público, lidere seus melhores momentos, como diálogos intrigantes e destaques da ação, mas não dê nenhum spoilers que revelem seus atos finais. Identifique o que torna seu telefone especial e destaque esses momentos. Ritmo é tudo no comércio como assim, certifique-se de manter um ritmo consistente como você se move entre os atos resumidos do completo. A partitura musical que você também faz uso é por último, mas não menos importante, um dos elementos mais críticos para o seu trailer. Efeitos sonoros pesados, como sentimento cinematicamente, IDS também pode melhorar o trailer e eles podem ser facilmente encontrados online. É uma ótima idéia também realizar uma entrevista de mesa redonda organizada por um jornalista com seus principais papéis, produtores, escritores e diretores, certificar-se de que perguntas atenciosas foram formuladas. Assim, uma discussão orgânica pode ser evocada em torno da inspiração, atuação e métodos de produção e esperanças futuras do projeto nos bastidores. Os grandes fãs do seu projeto cinematográfico também gostarão de avaliar a sensação do trabalho árduo e esforço que entrou na produção. Então certifique-se de que, de vez em quando, alguém pode ser responsável por isso, para registrar o que está acontecendo no set ao redor da cena entrevistando pessoas e capturando a tomada de tudo. Comentários. Uma maneira de saber se seu filme é tão bom quanto você esperava é pedir também a blogueiros, escritores e outros jornalistas comentários honestos, que você pode compartilhar. Se eles fizerem o corte. Agora você sabe, o que você precisa para construir o zumbido e fazer com que as pessoas subam no Hype Train. É hora de ir lá fora e examinar quais vias de distribuição você pode tomar. 23. ACT V: distribuição: Depois de compilar seu material de imprensa, você precisa planejar uma campanha para o seu filme. Espuma de criatura como um negócio. Atrair a atenção, criar o interesse e o desejo, e fazer com que as pessoas tomem medidas observando-o. Liberte seu cartaz e trailer bem antes do lançamento e divulgue suas entrevistas e comentários pós-lançamento. A melhor coisa para começar é organizar um premier em seu cinema local e vender ingressos para isso. Convide toda a sua equipe de produção e peça-lhes para convidar o máximo de pessoas possível. E também é uma ótima ideia enviar convites para outros profissionais do setor perto de você. Isso cria relações mais fortes com parceiros potenciais e cria oportunidades para projetos futuros e colaboração. Uma vez que você se tornou local, é hora de se tornar global. E uma das melhores rotas é enviar seu trabalho para um site chamado film freeway.com. Aqui você poderá se inscrever em mais de 9 mil festivais diferentes. Eu recomendo criar um calendário anual de todos os festivais que você gostaria de apontar para ter sua foto mostrada. E eu anexei um aqui embaixo. Mas note que as datas podem variar. Além disso, diferentes festivais buscam diferentes temas de gêneros para seu programa. Então certifique-se de que seus ternos isso. Você não pode ter sua comédia de ação mostrada em uma conservação da natureza do Festival. Festivais também são fantásticos para atingir, você começa a assistir a formas incríveis lá fora que raramente são ouvidas falar. Você também vai conhecer pessoas que pensam como você pode manter contato. Você nunca sabe se você vai ser um emprestar uma mão ou sua produção ou eles emprestando mãos em sua produção. A partir daí, ele será visto por milhares de olhos, provavelmente será pego por um distribuidor de telefone para hospedar em suas plataformas. E isso pode ser qualquer um de Netflix show, max Hulu, Amazon Prime em qualquer outro. Depois de abrir as portas, oportunidades futuras podem ser seguidas. Então, certifique-se de que você tem uma idéia de como seu próximo projeto poderia parecer se tudo mais falhar e seu projeto não é pego pelo festival para distribuidores, tudo bem. Há o YouTube e o Vimeo, ou sempre opções para você considerar e você pode promovê-lo lá. Nunca se sabe se vai virar viral. E sua primeira forma está lá para você se familiarizar com todo o processo. E a propósito, eu me encolho quando vejo meu primeiro completo. Por isso, sempre olhamos para o futuro. A prática torna perfeita. Então fotografar, editar e assistir tantos filmes quanto você puder. 24. ACT V: o que o próximo momento?: Pessoal, este curso tem sido um prazer absoluto de ensinar e espero sinceramente que tenham aprendido muito sobre cinema e vida em geral. Esperamos que as informações que você adquiriu ao longo da última hora e um pouco, nós lhe daremos uma vantagem ao entrar no mundo do telefone com novos conhecimentos, técnicas e habilidades para aplicar, lembre-se de sempre manter a mente aberta e procurar novos experiências que inspirarão trabalhos originais e inovadores com uma nova mensagem ou uma nova perspectiva que você ganhou e que você adorou se comunicar com o mundo. Nunca duvide do valor da sua integridade artística e persista sempre com pacientes e paixão. O dinheiro, a fama, o respeito seguirão depois disso. Então isso nos leva ao final do curso e eu adoraria ouvir mais sobre seus projetos ou até mesmo vê-los. Então não seja tímido de me enviar uma mensagem no Instagram, David Dot Rashidun, IG. Estou sempre aqui para dar ouvidos e mãos. O que também ajudaria é se você deixar um comentário amável abaixo e recomendar este curso para qualquer um de seus outros filmes fazendo amigos. E ele fundou útil e útil. Até a próxima vez. Isso é um envoltório.