Linha e lavagem para iniciantes

1. Introdução: Olá, olá. Estou muito feliz que você esteja aqui de verdade. Muito obrigado por se juntar a mim. Temos o que será uma aula divertida e bonita à nossa frente. Como você pode ver, trabalharemos com tinta e aquarela, também conhecidas como linha e lavagem. Agora, sempre fiquei intrigado com essa forma de arte e, embora eu seja o primeiro a admitir que não é minha especialidade, o que tenho a oferecer é uma abordagem única. Então, vamos mergulhar. Vamos aprender a fazer arte ilustrada bonita e solta. Aprenderemos tudo sobre nossos suprimentos no próximo vídeo. Então vá em frente e estacione em algum lugar, aconchegante, pegue algo para beber e vamos lá. 2. Materiais: Antes de começarmos, vamos discutir brevemente os suprimentos necessários para concluir a aula. Começando com papel, vamos usar papel prensado a frio legião de 140 libras hoje. Um pouco diferente. Nós o usamos em uma aula anterior. No entanto, já faz algum tempo. Normalmente usamos nossa prensa a frio Canson de 140 libras. Mas eu escolhi este papel para nós hoje porque tem um dente muito bonito, ou seja, a aquarela vai pegar essa textura e vai ficar muito bonita. Já que não vamos realmente concentrar no aspecto da aquarela, mas sim na combinação de linhas detalhadas de caneta com aquarela solta. Achei que seria uma boa mudança ter um artigo um pouco mais detalhado para nós. Se você não tiver esse papel exato, sinta-se à vontade para usar um substituto ou algo próximo a ele. Para tintas, usaremos uma variedade de tintas. Sempre falei minhas marcas preferidas nas aulas anteriores. Então você pode olhar para trás. A marca de tintas é tão longa quanto uma tinta de qualidade artística, estou feliz. Não precisa ser uma marca específica, mas se você quiser obter os resultados exatos com as misturas de cores e outros enfeites , obviamente darei exatamente o que estou usando. Vou usar Sennelier, azul, índigo. Vou usar verde submarino Daniel Smith. E então uma variedade da minha alegria explodiu, este é o lago Rose, esse é o ocre amarelo e isso é sépia. E vamos misturar todas essas cores para obter uma variedade de u's diferentes. Eu tentei manter as coisas simples para nós. Manter cinco pode usar outra cor para nosso branco. Provavelmente vamos usar uma lâmpada preta. Eu vou cobrir isso quando chegarmos lá. Mas você deve ter as cores que vamos usar em sua caixa de ferramentas. Eu não vou usar nada estranho hoje. Portanto, para pincéis, usaremos uma variedade de pincéis Princeton redondos e aveludados. Qualquer variedade é ótima. Adoro que você tenha algumas cópias, então rodadas de tamanho 6,8 são ótimas para avelã. Eu gosto de quatro e seis. E então eu também vou usar essa pequena avelã aqui. É um tamanho dois para nossa lavanda aqui. Mas, novamente, você pode usar a ponta desse pincel redondo para obter praticamente os mesmos resultados novamente, porque isso não se concentrará na aquarela e será principalmente sobre o trabalho com caneta. Ou a aquarela será secundária. Portanto, quaisquer pincéis que você tenha em mãos funcionarão muito bem. Eu vou querer que você tenha um lápis. Estou usando o Castela favorito. Gosto da marca de lápis deles. Vou usar um HB porque é muito fácil de apagar. E quando terminarmos aqui, queremos poder apagar as linhas do lápis. Então, o que eu fiz aqui é que você encontrará em, você encontrará as planilhas desta aula, que serão todos os esboços que foram feitos a lápis. E então você os imprimiria, desenhava em um novo pedaço de papel com lápis. E então você poderá , no final, usar sua borracha sem poeira para apagar todas essas linhas de lápis. Então é só a caneta e a aquarela. Mas o lápis que você pode ver também é muito bonito. Portanto, há muitas opções aqui. Não precisa ser caneta, pode ser deixado lápis. Eu também adoro a aparência de grafite e aquarela, então eu queria dar a vocês dois. Então você pode fazer essa aula com lápis e caneta com marcador. Há muitas maneiras diferentes de usar o material hoje, mas vamos nos concentrar na caneta. Então, por falar em pinos, vamos usar o Micron. A primeira caneta aqui é uma caneta gráfica e você não vai precisar dela. Isso é realmente apenas um exemplo. Vou mostrar a vocês os diferentes looks que já foram abordados nas aulas que fiz ou apenas nos trabalhos que vi. Porque eu quero poder te mostrar a diferença nos pinos. Então, teremos esse tipo de caneta gráfica para mostrar um exemplo de como ela é tradicionalmente. E então, para minha abordagem desse estilo, usaremos o Pigma Micron 05 e o 01, que é o 0,4, 5,0, 0,25. E então eu também vou usar a sépia. Então, se você tem, se você só tem os pretos, tudo bem também. Eu tenho o preto aqui ao lado. Muitas pessoas gostam do preto. Acho que o marrom dá um toque um pouco mais vintage, ao visual geral. É por isso que eu normalmente gosto de usar essa API como alfinete, enquanto o preto é um pouco mais. Eu não diria severo, essa não é a palavra certa, mas é uma aparência um pouco mais forte. E eu sinto que o religioso marrom meio que faz com que pareça um pouco mais gentil. Portanto, você precisará das duas variedades de caneta de mícron , 0,2, 5,0, 0,45, porque usaremos as duas. Além disso, você precisará de um copo de água, precisará de uma paleta e, obviamente, de uma toalha de papel para bloquear o meio. Você pode ter um dispositivo como um iPad se quiser ver fotos de referência, mas elas não são absolutamente necessárias. O que eu fiz foi salvar todas as imagens de referência em um painel do Pinterest. Vou fornecer esse link na descrição da aula para que você possa ver de onde eu tirei inspiração. Você notará que eu definitivamente tomei algumas liberdades. Mas você pode entender o conceito básico dos desenhos que mostrarei hoje. Tudo bem, vamos prosseguir e passar para a primeira parte da nossa aula. 3. Explorando Micro canetas e lavagens em aquarela soltas: Antes de começarmos a pintar nossas ilustrações, quero ajudá-lo a se familiarizar com as canetas que vamos usar. Na verdade, só vamos usar esses dois hoje. No entanto, coloquei este na lista de suprimentos apenas para que você possa, se gostar da aparência, comprá-lo e usá-lo em suas explorações e criações. Então, vamos começar com o Pigma Graphic. Então essa vai ser a mais ousada de todas as canetas que vou mostrar para vocês. Então, vamos em frente e quero que você use todas as pressões. Você pode realmente ver do que essa caneta é capaz. Então, essa é a linha mais grossa que você vai conseguir com isso. Então, se fôssemos fazer uma flor, ela ficaria mais ou menos assim. E então, se adicionássemos uma haste a ela, teríamos algo parecido com isso. A próxima caneta que vamos usar como caneta de mícron, a de 0,45. Então essa é a próxima caneta mais ousada. E você tem um derrame que vai ficar assim. Então você pode ver que é significativamente mais fino do que o que temos aqui. Isso é muito gráfico. Muitos ilustradores realmente amam isso, aquela caneta. Então, fazendo a mesma coisa aqui. Temos uma flor e, se adicionarmos um caule, temos algo que é um pouco mais fino. Por fim, temos nossa caneta de 0,25 mícron, um pequeno traço muito fino. Este é ótimo para esboçar inicialmente o esboço. E então o que eu, o que eu gosto de fazer e vamos inserir isso com mais detalhes, é adicionar movimentos de pressão mais completos para adicionar alguns desses aspectos mais ricos em pedregulhos do design. Você começa com alguns pontos e depois começa a delinear nossa flor e a adicionar um caule. Então você pode ver que temos três looks bem diferentes. Este claramente parece muito diferente, não só porque é preto, mas porque é mais grosso. E então você pode ver que também há alguma variação entre eles. Então, eu só queria que você se familiarizasse com os pinos. Você pode ver do que eles são capazes enquanto trabalhamos do início ao fim com um esboço , pendurando-o e depois pintando-o. Você verá como esses dois realmente funcionam tão bem juntos. Então, a próxima coisa que eu queria fazer era mostrar três abordagens diferentes para lavagens. Existem mais abordagens do que as que eu vou te mostrar. Mas esses são os três com os quais estou mais familiarizado e que ocasionalmente usei apenas em minhas próprias atividades e explorações criativas. Então, vamos sair do nosso principal lago Blue Rows. E passe um pouco na paleta aqui. Usaremos isso mais tarde para que você possa se dar uma quantia generosa. E então eu vou usar um dos meus pincéis redondos de Princeton. E estou apenas criando uma lavagem bem leve com consistência de caldo. Então, isso vai ser cerca de 90% de água, 10% de tinta. Então, a maneira como podemos fazer isso é de duas maneiras diferentes. Vamos de várias maneiras diferentes, mas as três que vou mostrar são essencialmente muito soltas, quase como se estivéssemos apenas colocando cor no design. E depois há um intermediário em que estamos trabalhando dentro do design e da estrutura. Mas também estamos tomando cuidado para não sermos tão meticulosamente precisos com nossa lavagem. E depois há a terceira maneira que é preencher a linha, trabalhar essencialmente e não colorir fora das linhas. Eu vou te mostrar essas diferentes abordagens. Então, se nós apenas colocássemos cores em um design, ele ficaria mais ou menos assim. É muito solto. Realmente não tem nenhum tipo de forma. Suponho que seja circular. Mas não é realmente estar atento à forma, é apenas uma cor brilhante. A segunda maneira é colocar cores dentro da estrutura, mas também estar bem em mas também estar bem sair das linhas e, possivelmente, deixar partes do design abertas e disponíveis para serem como são. Então você pode ver que temos uma forma floral aqui. Estamos trabalhando dentro da estrutura, mas não estamos atentos a permanecer dentro dos limites. E temos algo que é um pouco mais formado do que isso. E nossa terceira opção seria colorir o design. Então, aqui, estamos tomando o cuidado de permanecer dentro da estrutura. Usando nosso pincel para guiar suavemente a aquarela somente para a área do lago. Então, se você já fez alguma das minhas aulas, sabe que sou um grande defensor de oferecer opções. Não gosto de ensinar e dizer que essa é a maneira certa de pintar, desenhar, o que quer que seja e assim por diante. Gosto de dizer que essas são as maneiras pelas quais eu gostei de pintar. E eu quero que você encontre a maneira mais nutritiva e nutritiva para você. Portanto, não há uma maneira certa. Nenhuma delas é a maneira certa ou melhor. Eu adoraria que você descobrisse qual delas mais atende ao seu processo criativo. Então esse do meio é onde está meu lugar feliz? Eu gosto disso. Está formado, mas também está solto. Está meio que no meio. Mas você pode realmente gostar dessa aparência de cor brilhante na flor. Ou você pode, você pode ser um desses seguidores das regras. E se você quisesse manter a cor exatamente onde deveria estar. E isso também está completamente bem. Portanto, depende totalmente de você o que você quer fazer e como deseja avançar com essa forma de arte. Então, a próxima coisa que vamos fazer é um pouco colocar um pouco de verde submarino na minha paleta. E vamos fazer a mesma coisa com as folhas só para dar uma ideia. Uma coisa que acho que ainda não mencionei muitas pessoas estão sempre muito animadas em saber que há alfinetes que não sangram com a aquarela. Então, se esse é um novo tipo de experiência reveladora para você, sim, existem alfinetes que você pode usar com aquarela e eles não sangram. E então, na verdade, quando tudo estiver seco, se você estiver usando lápis como nós quisermos, você pode entrar e apagar todas as linhas do lápis e sua caneta ainda estará lá, sua aquarela ainda estará lá, e é tão linda e muito divertida. Hum, eu tento não presumir que todos estão no mesmo nível. Portanto, se esse é um conceito novo para você, saiba que nem todos os pinos são capazes de fazer isso. fato de você precisar ter certeza de que são canetas à prova de sangramento , a micron é uma ótima marca para isso e também a Winsor e a Newton fabricam uma marca de canetas que eu usei e tenho um tutorial. Eles são chamados de revestimentos finos, então você também pode pesquisar. Ok, então fazendo a mesma coisa aqui com o verde submarino. Mesmos conceitos quando se trata de uma cor de toque. E aqui vamos fazer uma espécie de intermediário. E então aqui vamos preencher as linhas. Ok, então isso deve deixar você bem familiarizado com nossos pinos e o que eles são capazes de fazer. Portanto, você pode gravitar em torno de um desses mais do que do outro. E isso é ótimo. Eu realmente só queria que você soubesse o que eles são capazes de fazer à medida avançamos e começamos a fazer um esboço do início ao fim. Então, vamos prosseguir e passar para a próxima parte da nossa aula. 4. Esboçando um girassol: Encontrei para nós uma linda flor e flor inspiradora no Pinterest. E eu queria mencionar agora que todas as flores que estou ensinando nesta aula foram salvas em um quadro marcado como Skillshare na minha conta do Pinterest. Então você pode ver, embora não seja necessário, porque eu fornecerei todos os esboços a lápis que serão então seus para imprimir. E você pode canetar e pintar diretamente sobre eles ou traçá-los, que é o que eu recomendaria para que você apague as marcas do lápis posteriormente. Então, esses serão fornecidos. Mas achei que seria bom se você tivesse as fotos de inspiração para poder extraí-las mais tarde, se quiser fazer o trabalho novamente ou se quiser experimentá-lo de forma diferente. Obviamente, cada artista vê algo diferente em cada foto, então vamos usar nosso lápis HB. Se você não tem um lápis HB, apenas algo leve é ótimo. Usei esse lápis com muito mais firmeza quando estava fazendo os esboços para você , para que eles aparecessem quando eu digitalizasse. Mas, normalmente, quando eu esboço, eu esboço levemente porque na verdade, o esboço é apenas a base. Eu realmente não confio muito no esboço, mas também acho que quanto mais detalhado e preciso ele for, me dá mais liberdade. E acho que tenho mais liberdades, ou pelo menos espaço para aproveitá-las quando chegar a hora de realmente decifrá-las. Então você verá, eu vou desenhar e depois terei pétalas, mas depois vou romper com o que eu realmente esbocei. Intuitivamente. Sou um pintor muito intuitivo e há muitos artistas que dirão: desenhe o que você vê, não o que você imagina ou sente. E eu sou, eu sou exatamente o oposto. Nem sempre parece, acho que anatomicamente correto seria botanicamente correto, é o melhor termo. Mas é onde eu encontro mais alegria em poder tomar essas liberdades. E nem sempre parece exatamente como na natureza, mas não deveria ser. Meu estilo é muito gestual e deveria ser íntimo com o assunto, não capturá-lo com exatidão. Então você verá que, na minha abordagem a esse estilo, eu realmente não estou procurando capturar todos os detalhes. É realmente para entender a essência do que é IC. Então, isso foi um pouco como um preâmbulo, mas eu quero que você entenda o porquê por trás minhas escolhas e também lhe dê permissão para fazer de forma diferente. Então, vou tirar dessa foto inspiradora apenas o conceito da forma. E eu vou fazer algumas marcações a lápis. Mas, mais tarde, quando eu fixar, você verá que haverá momentos em que eu simplesmente não passarei exatamente por essa área. Então, olhando para o girassol, vejo que está em um pequeno ângulo, é por isso que escolhi isso. Sempre podemos fazer um girassol de frente para o outro. Mas eu gosto muito de poder, gosto de escolher flores que tenham um pouco de movimento. Acho que isso lhes dá uma aparência mais realista quando vamos à caneta. Então, vamos começar aqui com apenas um centro. Eu gosto de adotar isso. E você verá que isso é muito, esse é um processo muito difícil e confuso. Eu uso muito minha borracha, se ainda não te disse, vá em frente e pegue sua borracha sem poeira porque o que eu vejo, às vezes, nem sempre se traduz quando eu a coloco no papel. Então, apenas uma bela forma de girassol grande aqui no meio. Nós temos, é como se todos os homens estivessem aqui. Se não estiver aparecendo, vou tentar fixá-lo ou me desculpar, esboçá-lo um pouco mais escuro para que você possa ver. Isso só nos dá espaço. Isso nos dá uma forma na qual não nos intrometemos enquanto criamos as pétalas Gosto de começar a trabalhar nessa direção e depois preenchê-la dessa maneira à medida que avança. Só para me dar uma ideia de quão largas as pétalas precisam ter. Podemos ver que eles são mais longos dessa maneira e são mais curtos aqui embaixo. Vamos seguir em frente e começar a esboçar a forma. Novamente. Sinta-se à vontade para tomar liberdades com o formato das pétalas. Alguns eu farei um pouco mais finos. Alguns serão mais largos, alguns terão uma ponta pontiaguda, alguns terão uma forma mais arredondada. Na verdade, depende inteiramente de você. O pouco longo demais. Então, vou apagar isso. Normalmente, um esboço como esse pode me levar 5 a 20 minutos se eu não estiver aquecido e não estiver realmente entendendo a forma do que estou tentando capturar. Portanto, se demorar mais, você é mais do que bem-vindo para desligar completamente o vídeo. Use essa imagem de referência. Você não precisa me acompanhar. Se você sentir que não consegue se atualizar, quero que tenha um ritmo que seja bom para você. Aqui. Vou tomar algumas liberdades e não vou dobrar tanto as pétalas aqui. É uma espécie de gesto. O pouco longo demais. Novamente, você pode ver que estou meio encostando o lápis no papel. Não estou pressionando demais e não pretendo escrever nada permanentemente porque ainda não decidi como gosto. Estou meio que olhando, desenhando, olhando, desenhando, fazendo outras mudanças. E eu só queria te mostrar isso do início ao fim, apenas com uma. Porque isso não é uma forma de esboçar a partir de imagens de referência ou da natureza viva. Esta é uma aula de tinta e aquarela ou desenho e lavagem. Mas eu não queria, no mínimo fornecer um do início ao fim para que você tenha uma ideia de como eu trabalhei nesse processo. Então, agora estou meio que olhando o que tenho e vou voltar e certificar de que sinto que capturei a forma bem o suficiente. Eu já sinto que eles aqui não estão em um ângulo suficiente. Eles não estão me dando a sensação de que o girassol está de lado. Então eu vou entrar e fazer algumas modificações. Deve ter aprendido um pouco de cor aqui. Não está saindo, mas às vezes eu uso isso com meus tons pastéis e ele ganha cor à medida que trabalho, então ignore esse traço. Tudo bem, então agora eu vou aprofundar algumas dessas marcas de lápis. Novamente, vamos apagá-los no final. Portanto, você não quer uma caneta muito escura, mas também quer poder ver o que fez. O formato deles parece um pouco parecido com o meu. Então, eu vou meio que dividi-lo aqui com algumas formas diferentes. Ter mais uma sensação de margarida para mim. Então, uma das minhas coisas favoritas a fazer é deixar uma lacuna em algum lugar dentro da flor. Eu sinto que isso realmente traz essa sensação realista. Então, eu vou criar uma lacuna aqui entre essas duas pétalas só para quebrá-la. E agora estou realmente sentindo como se, ok, estivéssemos do nosso lado aqui. Eu não estou realmente amando essas duas, essas duas pétalas aqui. Acho que funciona quando está sendo pintado. Mas com a caneta, acho que vai ficar desleixado aqui porque realmente vamos acentuar os detalhes desse centro. Estou decidindo omitir isso completamente. Você não precisa, mas é exatamente o que vou fazer desta vez. Então, estou apenas dando uma última olhada no que eu tenho. Eu me sinto muito confiante sobre isso agora e sinto que estou em um lugar muito bom com isso. Então, estou disposto a continuar trabalhando com o girassol criando o caule, que meio que se curva aqui. E vamos imaginar que está meio que caindo , terminando aí. E, novamente, estou apenas criando a estrutura aqui. Nada permanente. E então eu vou meio que separá-lo com algumas linhas soltas. Faça isso, mas apenas mexendo o lápis para que ele não pareça tão estagnado e tão simplificado. Então eu também não vou subir até o pedal. Vou deixar algum espaço aqui. Acho que parece muito mais natural. Se eu fizer dessa maneira. Então eu vou começar a criar algumas folhas aqui. E eu não vou seguir exatamente o que vejo. Vou apenas olhar intuitivamente e depois tomar decisões. Não amo isso, então isso é um pouco melhor. E então eu vou fazer uma espécie de descendo nessa direção, conectando as folhas ao caule aqui. E estou me sentindo muito bem com o formato das folhas. Eles têm esse tipo de curvas bonitas no corpo das folhas. E eles realmente têm muito trabalho em cume aqui, o que eu não acho que vai sair muito bem na caneta, mas vamos colocar um pouco disso lá. Vamos ver como isso funciona. Gosto de definir inicialmente a forma e depois voltar com meu lápis e criar essas pequenas cristas entrando um pouco ásperas. Então, temos algo que se parece um pouco mais com uma folha de girassol. Ok, então eu estou apenas dando uma última olhada. Eu me sinto muito bem com isso. Então eu acho que o próximo passo é tirar nosso alfinete. Então, faremos isso na próxima seção. 5. Penning the girassol: Então foi aqui que as coisas realmente começaram a adotar uma abordagem estilística. Acho que é essa próxima parte que pode diferenciar o que eu crio de outra pessoa que trabalha na linha e na lavagem. É realmente como interpretamos o material e o que vemos de forma intuitiva no que adicionamos a ele. Então, quando eu crio algo assim, nunca pego minha caneta e simplesmente esboço o que fiz a lápis. Acho que é definitivamente muito terapêutico que as pessoas consigam contornar a caneta sem pensar. Mas eu gosto de poder adicionar mais vintage, um suave, e não tenho outra palavra para descrevê-lo, não ser uma aparência desgrenhada a tudo o que estou descrevendo. Você verá que enquanto eu trabalho, eu quase movi a caneta como se fosse um pincel e estou realmente tentando usar palavras que ajudem você a ter uma ideia, porque você verá como estou trabalhando. Mas eu quero que você tenha uma ideia do que a caneta está fazendo. Então, mais tarde, se houver alguma dúvida sobre essa abordagem, sinta-se à vontade para entrar em contato e me perguntar . Estou mais do que feliz em responder a qualquer pergunta. A única desvantagem das aulas pré-gravadas é que ninguém consegue levantar a mão ou falar. É por isso que eu amo tanto os workshops ao vivo. Mas eu estou sempre aqui depois, depois do fator, se você está trabalhando no material e algo não está fazendo sentido, estou sempre aqui para responder suas perguntas. Então, a primeira coisa que eu realmente gosto de fazer é usar o 0,25 para começar a realmente enquadrar o que estou fazendo. Então, eu meio que olho para ver onde estão minhas marcas de lápis e comecei a fazer marcas gestualmente precisas. Então, vou começar aqui com o centro da flor, e vou fazer algumas linhas entre as pétalas onde eu vi e tirei a foto porque eu realmente quero trabalhar intuitivamente agora e não ter nada que compita com o que eu quero criar. Vou colocar intuitivamente algumas marcas entre as pétalas onde o centro está meio que emergindo do meio. Estou apenas pegando minha caneta e meio a usando como se fosse um pincel, apenas fazendo algumas pequenas pinceladas rápidas. Eu não estou fazendo isso em todos os lugares. Não vou fazer todo o centro e simplesmente colocá-lo intuitivamente entre onde o centro está emergindo e as pétalas estão se estendendo para fora. E você pode ver que com o marrom, é realmente uma cor linda. Não consigo enfatizar isso o suficiente. Você sabe, o preto, o preto pode ser muito marcante, mas eu realmente me vejo gravitando em direção ao marrom. Ok. Então, uma vez que eu tenha feito isso, eu estou apenas me afastando e então vou me mudar para uma parte diferente da flor. Voltaremos aqui adicionando mais detalhes à medida que avançamos. Mas, novamente, vou começar aqui. E vou começar a trabalhar levemente sobre a marca do lápis. Mas também tenho que ter em mente que não vou delinear completamente todas as partes do pedal. Vou deixar pequenas pausas intencionais dentro da flor. Então, estou modificando a pressão à medida que trabalho a luz de partida e depois pressionando um pouco mais firme para obter uma linha mais escura aqui. E então rompendo completamente do papel para deixar uma pausa intencional. Esboçando, desenhando uma pressão mais firme na ponta, voltando da pressão dela. E concluindo de volta ao centro. Não farei a mesma coisa em cada pétala porque quero que haja variação em cada pétala. Então, este eu vou fazer muito levianamente. Começando aqui, fazendo uma pausa leve aqui, pressão mais firme, pressão de volta ao centro. Saindo levemente da minha marcação original a lápis aqui. E de volta ao centro. Vou trocar de posição aqui para que você possa me ver de um ângulo. Agora eu queria que você tivesse um pouco de sobrecarga para que você pudesse realmente ver o que está acontecendo nesta parte da minha mão, mas eu também quero que você seja capaz ver vindo nessa direção. Então, vamos fazer isso também. Então, vindo desse ângulo, você deve ser capaz de realmente ver a caneta enquanto ela está sendo aplicada no papel. Subindo a borda daquela poça aqui, voltando para o centro, pressionando, isqueiro, pressão, leve, realmente meio desgrenhados aqui. Luz de pressão. Estou tirando meu lápis original aqui. Trocando um pouco de dobra nesse pedal e terminando aqui. E então vamos para o caule agora. Novamente, não estou chegando completamente até a pétala aqui. Só traços desgrenhados aqui. Estar atento a onde o caule está conectado às folhas. Você pode ouvir a pressão criando essas pequenas ranhuras intencionais dentro do caule, essas imperfeições que realmente fazem com que pareça realista. E então vamos sair agora para a folha. E começando levemente, levemente o papel . Então, eu posso obter um ângulo melhor para mostrar você conectando essas hastes aqui. levemente, levemente Criando levemente, levemente marcas de caneta gestual muito soltas aqui, realmente colocando a caneta aqui, aumentando a pressão nessas ranhuras. Ok, então podemos ver que delineamos claramente nossa flor. E agora é hora de começar com nossa caneta de 0,45 para obter mais detalhes, alguns detalhes mais fortes para realmente destacar as partes do girassol para as quais queremos chamar a atenção. Então, vou te levar de volta. Chega de sobrecarga. Ok, então temos um pouco mais de sobrecarga, mas eu ainda quero entrar em um ângulo para que você possa ver o que está acontecendo entre caneta e papel. Então, vou pegar essa caneta e procurar áreas onde eu possa realmente acentuar a bela forma do pedal e também dentro do centro. E depois também iremos ao centro para obter alguns detalhes. Vou começar aqui com essas pequenas marcas intencionais que fiz e vou retirá-las tornando-as mais ousadas. E eu não vou fazer isso em todas as áreas apenas de forma intermitente. Então, entrando na flor, você pode ver a pressão. E então eu estou levantando a caneta aqui para pegar algo mais leve. Pressão e elevação. Escurecendo aqui dentro. Fazendo alguns contornos ao longo das bordas. Escurecendo essas áreas onde as pétalas estão sobrepostas. Eu tento não pensar demais e me mover um pouco mais rápido. Se você sair de suas linhas, tudo bem. Até mesmo encorajado. Deveria parecer solto, deveria parecer desgrenhado. Quanto mais exato parece, começa a assumir uma sensação muito inanimada. De qualquer forma, não vou fazer isso com cada pétala ou isso, desculpe-me, não vou fazer as mesmas marcações em cada pétala. Eu realmente faço com que seja variado para que cada pétala realmente pareça sua própria personalidade. Só estou olhando o que eu tenho. E então o que eu vou fazer é pegar minha caneta e fazer algumas ranhuras dentro das pétalas, onde há sulcos naturalmente dentro do girassol. Pegando a caneta e levantando-a em direção ao meio, meio que girando-a em direção ao topo. Você não precisa fazer isso em todas as pétalas. Pode ser apenas um pouco. Depois, você pode escurecer em algumas dessas áreas para dar uma aparência mais ousada e acentuada. Estou muito satisfeito com isso, então vou passar para o caule, criando algumas marcas realmente ousadas. Nem todos os lugares, mas exatamente onde eu quero extrair os detalhes do design. Na verdade, estou meio que mexendo minha caneta do jeito que eu faria com um pincel. Fazendo pequenos loops e gestos. Você entrará em um ritmo quando não estiver assistindo, para repetir cada linha que estou fazendo, você realmente encontrará seu caminho com a caneta e ela começará a parecer uma extensão da sua mão. É por isso que eu gosto de qualquer coisa intuitiva. Porque quando você olha e estuda o que está tentando capturar. Sinto que você pode obter precisão dessa forma, mas sinto que você perde o fluxo. É por isso que gosto de ser tão detalhado em meu trabalho a lápis usando uma imagem de referência e depois afastando dessa referência. Quando chegar a hora de adicionar esses detalhes. Só escurecendo algumas áreas onde eu quero chamar a atenção. E estou muito satisfeito com a situação em que estou. Então, vou apagar as marcas do lápis agora. Portanto, leve sua mesa de graça. Nada deve estar molhado, então você não deve ter problemas. Você pode simplesmente começar a mover a flor inteira e ela levantará o lápis. Ainda não decidi se vou colocar essas veias de volta nas folhas, não quero algo muito detalhado, então veremos no que acontece. Tudo bem, então eu praticamente retirei todo o lápis, então vou adicionar algumas veias de detalhes. A mesma coisa por aqui. Movendo esse pino, criando algumas áreas mais ousadas. Mas nada para corrigir botanicamente. Ok, a última coisa que vamos fazer é entrar no centro aqui, adicionando algumas marcas. Estou pegando isso, estou pegando minha caneta e estou apenas fazendo essas pequenas marcas de meio c, esses pequenos semicírculos. E depois escurecendo certos pontos também. Não quero fazer a coisa toda porque quero sair do trabalho. Quero deixar áreas para trabalhar com a aquarela. Estou me sentindo muito bem e feliz com o equilíbrio entre detalhado e solto. Só vou escurecer algumas áreas. E então entre aqui uma última vez para realmente escurecer entre essas pétalas e retirar a estrutura. Ok, aí está. Nosso alfinete, esse girassol. Então, na próxima parte, vá frente e coloque um pouco de aquarela. 6. Pintando o girassol: Então, como mencionei antes, vamos realmente buscar esse meio termo, pois fizemos uma representação grosseira, obviamente em comparação com o que acabamos de fazer. Mas vamos usar esta versão intermediária, na qual tomamos o cuidado pintar dentro da estrutura, mas também deixamos que a aquarela fique solta, permitindo que ela o faça, você não tem uma mente própria. Então, vamos fazer com que você mergulhe em seu ocre amarelo e adicione um pouco de água a ele. Então, estamos em Eu sou uma consistência de caldo. Em seguida, pegue um dos outros pincéis redondos que você deveria usar para arredondar os pincéis e prepare-se para dar os passos. Novamente na consistência do caldo. Está ficando um pouco molhado aqui. Salpicou um pouco. O que eu ganho por ter o paladar e a zona de respingos. Então, vou começar a fazer traços intencionais nas pétalas, mas também deixando as áreas abertas e brancas. E você descobrirá que esse é o processo menos demorado. O trabalho com caneta e o desenho obviamente demoram muito mais. A aquarela é realmente secundária para acentuar, mas é realmente para enfatizar o que fizemos com o lápis e a caneta. Acho essa parte muito terapêutica. Vou pegar um pouco de água agora para que essa pétala fique um pouco mais clara. E retire um pouco da tinta também e continue ficando um pouco mais claro aqui. E, novamente, pegando um pouco de tinta, escurecendo essa área para que tenhamos uma variação de cor muito bonita aqui. Eu não vou até o fim apagando um pouco da tinta para que eu tenha principalmente água aqui. Pegando um pouco de tinta. Você pode ver que já está ganhando vida de uma forma tão bonita. Esse é realmente um dos meus processos favoritos quando tento fazer uma pausa criativa em tudo o que estou buscando no momento. É sempre bom voltar à fila, me lavar e secar um pouco. E vem com consistência de xarope para tosse. Um pouco mais escuro. Aqui na base. Estou subindo, desaparecendo. E vamos entrar no centro aqui muito levemente, deixando algumas áreas brancas. E então, na consistência do caldo, mergulhando em sua sépia e percorrendo o perímetro. Um lindo molhado em molhado aqui. Você pode pegar um pouco mais de xarope para tosse, escurecê-lo em algumas áreas. E ter o cuidado de deixar um bom espaço em branco pode resultar em uma consistência de xarope para tosse para um pouco mais de sépia ao longo do perímetro aqui, onde essa área ainda está úmida. Escurecendo essas áreas. Lindo, certo? Tão terapêutico, tão gratificante vê-la ganhar vida com a aquarela. Eu encontro esse processo novamente. Sei que estou me repetindo, mas acho isso tão terapêutico e tão bonito. É realmente uma maneira tão bonita usar aquarela e caneta. Então, vamos seguir em frente e continuar trabalhando. Vamos tirar nosso pincel e pegar um pouco do verde submarino Daniel Smith. E faça a mesma coisa aqui com nosso caule. Enxaguando um pouco da água aqui. Tomando xarope para tosse, escurecendo, talvez um lado do caule aqui. Talvez escureça quando entramos em nossas folhas. Em seguida, enxágue um pouco à medida que entramos na folha. E eu vou colocar suavemente na aquarela, colocando muita água no meu pincel agora, saindo da linha aqui para criar uma nova forma. Então essa é a extensão da folha aqui. Chegando, xarope para tosse na veia. Deixando aquela água, desculpe-me, aquela tinta se espalhar, fazer o que ela adora fazer. Você precisará de muita água para conseguir isso, para garantir que haja água suficiente no pincel. Vamos fazer a mesma coisa aqui, realmente deitando na lateral do pincel e puxando-o para dentro. Saindo da linha aqui, pegando um pouco mais de tinta, consistência de xarope para tosse. Entrando aqui em direção ao centro da veia, adicionando um pouco mais de cor aqui, como eu vejo. E nossa última folha, consistência de xarope para tosse aqui no centro. Retirando-o apenas para que tenhamos algo um pouco diferente aqui, mas com uma sensação mais sombria. Você pode fazer isso com qualquer uma das folhas, não precisa ser só essa. Você pode escurecer as áreas ao vê-las ganhar vida na página. Na verdade, depende de você o quão escuras ou claras você deseja deixar as coisas. Você pode ver que nossa tinta já está secando aqui. Então, se você quiser, você pode pegar um pouco mais de sépia nessa consistência de xarope para tosse colocá-lo mais uma vez. Você verá que ainda está bem úmido aqui. E podemos escurecer essas áreas. Pegando meu pincel, enxaguando-o, apenas guiando aquela cor um pouco. Aí está. Nosso girassol completo. Eu acho que está lindo. Espero que você esteja feliz com o seu também, mas se não, você sempre pode tentar novamente. Então, vamos passar para nossa próxima flor. 7. Penning the Coneflower: Tudo bem, a seguir temos nossa linda flor de cone. Eu escolhi este para vir depois do nosso girassol porque é o mais parecido. Então, eu só quero que você continue ganhando confiança à medida que avançamos e sinta que realmente é capaz de entender todo o conceito. Novamente, se, se a linha e a lavagem são completamente novas para você, é uma curva de aprendizado. É realmente tentar casar e mesclar essa ideia de delinear algo sem delinear algo completamente. E é realmente necessária uma mudança mental para realmente começar a sentir que você tem essa flexibilidade e fluxo de caneta e pincel. Portanto, dê a si mesmo graça e paciência ao trabalhar com o material Ele se unirá à medida que você se familiarizar com ele. E deixe-se trabalhar intuitivamente dentro do seu esboço. Então você pode ver que eu tenho um esboço bem detalhado. Eu também tenho um esboço muito sombrio. Eu nunca mais esboçaria essa escuridão, mas como eu queria escanear para ficar o mais claro possível, eu a intensifiquei. Então, faremos a mesma coisa que fizemos antes, começando com nosso pino de 0,25 mícron. E começaremos aqui nesta flor cônica menor com os contornos chegando aqui entre as pétalas fazendo alguns sulcos intencionais. E então, como você verá, se você visitar minha página do Pinterest e olhar a imagem de referência, verá que ela tem esses, esses pequenos picos que saem do topo. Então, vamos capturar isso aqui. E eu vou me mover um pouco diferente aqui, trabalhando no meio. Primeiro, antes de entrarmos nas pétalas. Uma das razões pelas quais eu também gosto de desenhar levemente, para que eu possa dizer onde a caneta é enfatizada. Se meus lápis estiverem muito escuros, parecerão muito mais ousados do que realmente são, porque eu vou acabar apagando essas linhas e não dizendo que você não pode voltar depois de apagar o lápis e dizer: eu não gosto disso. Na verdade, mesmo neste momento, posso dizer: Ok, eu tenho o suficiente para entender o conceito. Vamos apagar isso. Agora você pode ver que realmente parece muito mais leve do que o que estava lá há pouco. Então, se você precisar retroceder e voltar, verá que parecia completamente preenchido e muito escuro. Agora que apagamos a linha do lápis, você pode ver que ela é muito aberta , arejada e bonita. Ok, então vou começar agora a percorrer o contorno das pétalas. Novamente com pressão leve, arranhada, peluda e depois intensificando. Você pode ver que nos movemos muito mais rápido. Agora que não estamos trabalhando no esboço. Às vezes, o que eu faço é esboçar um monte delas para que, quando eu precisar ou sentir que preciso de uma pausa, eu possa simplesmente colocar todas elas de lado. A aquarela e é realmente isso, eu posso ser criativa sem sentir que estou desperdiçando papel ou perdendo tempo, seja o que for que nós artistas dizemos a nós mesmos quando não estamos fazendo o que achamos que deveríamos fazer. É realmente um jogo mental, não é? Essa é uma maneira divertida de se soltar e não levar isso tão a sério. Porque simplesmente não há, não há erros. Não importa onde você está fazendo. Suas linhas ousadas são suas linhas de luz. Tudo gira em torno de como você a interpreta e em que se baseia apenas na estética. Eu vou vir aqui pelo caule e simplesmente em bruto, deixando alguns pontos onde está aberto. E eu vou descer até aqui. Eu sei que estou trabalhando um pouco diferente. Eu não quero que você sinta que precisa trabalhar na mesma ordem todas as vezes. Isso deveria ser uma sensação boa. Deve parecer que você está apenas fluindo dentro da composição. Orientando o trabalho com caneta. Faça backup aqui. Ok, mas agora eu me sinto pronto para passar para esta flor. Vamos fazer a mesma coisa, fazendo algumas marcações aqui embaixo para nos ancorar na composição. Vindo aqui com nossos espinhos. Vou fazê-las um pouco maiores porque essa flor é um pouco maior. E será naturalmente onde o olho será desenhado. Entrando aqui no meio, escurecendo essas áreas que eu fiz a lápis. E, novamente, apagaremos isso em apenas um momento para que você possa ver que na verdade não está tão escuro quanto parece. Eu amo essas canetas porque, na verdade, uma vez que você coloca a caneta e a tinta, você pode apagá-las sem borrar. Ok, agora olhando o que eu tenho, fazendo algumas modificações e ajustes, realmente saindo com aqueles picos, escurecendo aqui embaixo na base. E então estou pronto para entrar nas pétalas. Começaremos aqui à esquerda. Lembre-se de que você entrará com sua caneta de ponta mais larga em um momento para não precisar criar linhas muito ousadas, mas poderá aumentar a pressão em determinadas áreas. Você também não precisa usar as duas canetas todas as vezes. Você pode gostar da aparência apenas da caneta inicial de 0,25, que é totalmente boa. Ou talvez você goste da ponta mais larga inicialmente e possa fazer alguns traços mais finos com ela. Você só precisa ter cuidado com a leveza com que está pressionando. É realmente um processo de pressão. Não vou colocar as ranhuras nas pétalas desta vez porque elas já estão muito ocupadas porque as pétalas são menores. Então é por isso que, por trás da minha escolha aqui, você começa a adicionar essas linhas aqui. Vai ficar muito detalhado, o que não é necessariamente uma coisa ruim, mas sinto que perdemos um pouco da frouxidão desse estilo. Vou voltar aqui e terminar com as folhas e o caule. Basta arrastar gradualmente a caneta pelo lápis para trabalhar levemente. Você pode até usar pontos como representação. Então você pode ver aqui, de forma meio que intuitiva eu adicionei alguns pontos em vez de linhas. Então, vamos tentar isso de novo. Pontos, linha, pressão de linha, pontos, pressão, pressão, pontos, leve pressão. Movendo-se dentro da estrutura aqui do meu lápis. Um pouco mais de pressão aqui. Estou indo para cá, para nossas folhas. Ponto, ponto, ponto, pressão, pressão, leve pontos de pressão, ultimamente. Pressão, pontos. Desgrenhado, cheio de curvas, desgrenhado. Espero que isso ajude você, pois estou trabalhando para ver a diferença em cada pedacinho. Tudo isso contribui, em geral para o que obtemos no final, que tem um design variado, complexo, não complicado, mas complexo e intrincado, que também tem uma aparência solta e uma aparência leve à mão. Ok, então eu vou prosseguir e agora apagar tudo completamente. Veja o que me resta, veja se há alguma área em que eu não capturei o que acho que deveria ter capturado com a caneta inicial, mas geralmente não. Normalmente, é só uma questão de voltar com a ponta larga do pedregulho. Certifique-se de levantar o máximo possível dessa borracha. Só porque é um pouco mais difícil de apagar. Depois de colocar a aquarela de lado, às vezes a aquarela se levanta um pouco. Então, acho que se eu apagar completamente aqui, não precisarei pressionar com tanta força quando chegar a hora de apagar se ainda restar um lápis. Ok, então pegando nosso 0,45 e depois fazendo o mesmo, basta dar uma olhada em volta para ver onde a composição geral pode se beneficiar de algumas notas mais ousadas. Novamente, eu não faço isso em todas as áreas, é só levar a caneta para algumas áreas. Eu realmente tento desenhar os detalhes de uma determinada parte da flor e depois deixar outras partes completamente abertas. Descendo aqui na base onde as folhas e o caule se encontram. Só escurecendo um pouco as coisas. Desbastando as bordas aqui com formas de C e ziguezagues. Pressão, pressão leve, pressão aqui. Sinto que isso nos dá quase a aparência de vários livros de campo do velho mundo . Adoro guias de campo antigos. Eu iria ao brechó? Eu caço por eles. Adoro ervas daninhas e sou constantemente o que deixei para minhas filhas na escola pegando flores e entre as fendas da agenda. Para ser honesto, existem algumas das minhas flores favoritas. Tudo bem, então estou me sentindo bem com o que está acontecendo. Novamente, dê uma olhada no que você tem se sentir que há algumas áreas que precisam ser modificadas, vá em frente e faça isso agora, antes de colocarmos a aquarela no próximo segmento. 8. Pintando o Coneflower: Ok, então vamos misturar algumas cores aqui em nosso paladar para criar uma flor de cone rosa. Então, vamos usar o lago Rows. E vamos fazer com que pareça uma bela pilha. Mova isso para que eu possa te mostrar uma bela pilha aqui para nosso lago Row. E então eu também vou começar outra pilha aqui. E vou mergulhar nos meus passos, mas isso apenas escurece uma das pilhas para criar uma versão mais xarope para tosse que podemos adicionar quando molhamos até das pilhas para criar uma versão mais xarope para tosse que ficar úmida. Então, ainda é muito rosa, mas tem um pouco de sépia para silenciá-lo. Se você acompanha alguma das minhas aulas, sabe, adoro tons vintage suaves e tenho uma linha de guias de cores em meu site com recursos para artistas Se você estiver interessado em aprender mais sobre todos os tipos de cores vintage e suaves que você pode usar e que eu uso em meu trabalho profissional. Certifique-se de que seus pincéis tenham sido enxaguados da nossa última aula com o girassol. E vou me certificar de que tenho um rosa separado aqui para que não combine muito. Então eu também vou ter um pouco do ocre amarelo aqui ao lado. Tudo bem se misturar um pouco com o rosa e depois adicionar um pouco de sépia também. Então, nós meio que pegamos um pouco de laranja pêssego. Usaremos essa mistura de cores quando fizermos nossa rosa de jardim, mas também vou usá-la aqui. No centro da nossa flor cônica. Crie uma pequena divisão. Aqui. Nós vamos. Agora temos duas cores distintas. Vamos começar com nossa menor flor de cone. Eu tenho três pincéis com os quais estou trabalhando. Eu tenho todos eles pré-carregados com cores diferentes. Então, eu tenho a sépia e as fileiras Lake em consistência de xarope para tosse neste pincel. É a oitava rodada. E então eu tenho as fileiras em consistência de caldo nas seis. E então eu também tenho o amarelo ocre e o rosa nesses outros seis. Então, com três pincéis com os quais estou trabalhando, você pode fazer as coisas uma de cada vez. Acho que pincéis pré-carregados realmente ajudam. Só pelo conceito de fluxo. Vou colocar um pouco de cor e depois movê-la. E depois continue com a consistência do caldo. Minhas fileiras fluem, deixando que elas entrem na minha mídia úmida aqui no centro. Vou enxaguar um pouco mais para obter uma lavagem ainda mais clara e ainda mais alugar, alugando para obter uma lavagem ainda mais pálida. Então você pode ver que começamos com uma vida escura muito clara, deixando algumas áreas brancas aqui. E podemos, se quisermos pegar nosso pincel com o lago sépia e fileiras e escurecer essa área aqui na base. E podemos, se quisermos, até mesmo adicionar alguns traços aqui de forma muito leve que nem estão fixados. Apenas algumas marcas gestuais, realmente adoráveis. Ok, vamos fazer a mesma coisa, começando com nossa mistura amarela. Deitado de lado aqui, enxugando a escova para que fique quase toda água. E voltando com nosso lago Row, você pode começar a ver que ele está ganhando vida de forma tão bonita. realmente buscando novamente aquela mistura entre simplesmente colocar a cor e tentar colocar cada pedacinho de tinta nos cantos e fendas da flor. Entrando com as linhas Lake e o conjunto B na base aqui. Puxá-lo para baixo também pode escurecer as coisas aqui, se ainda estiver molhado e ficará significativamente mais claro à medida que seca. Portanto, talvez seja necessário fazer isso algumas vezes antes de se sentir satisfeito com os resultados. Tão bonito É algo que você realmente pode continuar cutucando por muito tempo se entrar para enxaguar meus pincéis aqui, não há muita tinta neles, então eu não sinto que preciso realmente enxaguar tudo muito bem. Mas você deve tentar remover a maior parte do rosa dos pincéis. Vou pegar o verde Daniel Smith e vou adicionar um pouco de sépia a ele desta vez só para mudar o verde. Eu vou te mostrar como isso parece em apenas um momento. Assim que eu terminar de mixar, temos algo parecido com isso. E vou usá-lo começando pela consistência do caldo. Muito leve. Começará com o caule. Vou começar aqui na base. Enxaguando um pouco, aumentando. E por fim, adicionando um pouco mais, fazendo com que isso aconteça. Enxaguando um pouco de tinta. Ao passar por aqui, coloco muita água no meu pincel quando comecei a atravessar a folha. A mesma coisa. muita água no meu pincel Ultimamente, muita água no meu pincel passa pelo caule. Para diferenciar de onde a folha e de onde está o caule. Voltando com uma consistência de xarope para tosse. Escurecendo essas áreas. Voltando com o caldo, arrastando o pincel, guiando-o para baixo, pegando a tinta e a consistência do xarope para tosse. Intensificando a cor aqui nas bordas. Novamente, ele ficará significativamente mais leve. Então, se estiver muito pálido para você, você sempre pode voltar e molhar novamente a mídia e deixá-la mais escura, mas eu gosto de onde ela está disponível agora. Então, vou fazer uma pausa nas aquarelas, simplesmente sentando e fazendo uma pausa, vendo o que elas estão fazendo e depois fazendo suas modificações. Mas estou feliz com isso. Adoro onde isso secou e ela ficará muito bem com isso. Então, novamente, basta dar uma olhada no que você tem e ver se há algo que você queira mudar antes de passar para o próximo segmento. 9. Penning the Cosmo: Temos nosso aplicativo Cosmos Flower. Em seguida, faremos a mesma coisa que fizemos com nossas duas flores anteriores , começando aqui no centro com nosso 0,25, apenas esculpindo a forma desse cosmo escurecendo em algumas áreas. Mas também sabendo que vamos voltar com a dica mais ampla e por um momento. E então eu vou começar a esboçar. Você pode ver que isso é muito mais simplificado do que alguns dos meus outros. Eu realmente queria ter certeza de que o exame ficasse claro. De novo. Eu só quero ter certeza de que você os tem para tirar proveito. Tudo bem, então comecei a cobrir meu lápis, realmente afrouxando as coisas. Eu não quero essas linhas gráficas muito estagnadas. Eu quero que seja difícil. E eu quero que seja mais pontudo e quadrado, não tão arredondado. Na verdade, apenas permitindo que a caneta passe um pouco por todo o lugar. Pressão, elevação até aqui, pressão. E então eu vou deixar esse lugar aberto para que haja uma pequena pausa na caneta. Como eu disse antes, acho que isso é uma coisa muito bonita de se fazer só para dar pouco de descanso aos olhos dentro de uma composição. Às vezes, gosto de escolher os pontos em que vou aplicar mais pressão e depois treinar a partir daí também. Então, começando aqui e depois saindo um pouco mais leve em direção à borda. A mesma coisa. Começando com a pressão e depois sacudindo a caneta. Se eu digo pincel, quando quero dizer caneta, você sabe o que quero dizer? Estou tão acostumada a ensinar com pincéis de aquarela. Muito, muito raramente eu ensino com caneta. Agora, atravessando o caule e as folhas, não vamos subir até o fim. Ponto, ponto, ponto, pressão. Desbastando tudo. A mesma coisa, não subindo até o fim. Luz, ponto de luz, ponto, ponto, pressão, pressão. Vindo até aqui. Luz. O Cosmos tem essas folhas muito finas, em forma de agulha, que são realmente lindas. Estou tentando capturar isso vagamente. Pressão se movendo. Saindo do meu lápis, apenas escurecendo um pouco aqui na base da folha. Novamente, vou apagar para ver o que tenho antes de entrar com meu ousado. Vamos prosseguir e começar por aqui. Pressione e depois desbaste, deixando quebras na folha. Pressão ponto, ponto, ponto. Vou descer e subir agora, pressionada, peluda. Pressão. Ponto, ponto, ponto. Realmente desenhando aqui com a caneta para criar a forma ponto, ponto, ponto. E finalizando o próximo caso, vou apagar tudo só para ver o que me resta antes de voltar com a outra caneta. Eu realmente estou tendo que trabalhar aqui para apagar porque estava muito escuro inicialmente. Você provavelmente não precisará se esforçar tanto para apagar se tiver desenhado levemente, pulverizar, limpar os detritos e ver o que temos. Parece muito bom para mim. Ok. Apenas algumas pequenas áreas que precisam de retoques. E agora estou pronto para entrar com meu 0,45. Comece aqui no meio. Eu realmente vou enfatizar o meio desse Cosmo saindo e escurecendo o centro aqui. E então vamos para o meio usando algumas marcas circulares, laços e pequenas linhas que se curvam levemente. Eu realmente quero que o foco esteja no centro desta flor porque as folhas são, desculpe, as pétalas são um pouco, são maiores e mais largas. São simples. Então eu quero que o centro, o olho desenhado aqui funcione dentro da estrutura do pedal. Escurecendo algumas áreas, desbastando as bordas aqui. Voltando às áreas em que saí em negrito. Para realmente acentuar as pétalas. Vou criar alguns pontos aqui agora. Ao longo do lado de fora, junto com algumas linhas. Só para dar um pouco mais de variação. Basta usar pontos para representar as sementes. Parte do centro. Um Cosmo muito bonito se unindo. Vou fazer a mesma coisa agora aqui com nossas folhas. Realmente vendo onde deixei a luz e onde intensifiquei a pressão, resistindo à tentação de escurecer tudo. Acho que pode ser que, às vezes, ficamos um pouco felizes com a caneta e começamos a fazer cada pequeno detalhe brilhar, começamos a fazer cada pequeno detalhe brilhar que significa essencialmente que nenhum dos detalhes brilha porque tudo está no mesmo nível. E acrescente alguns pontos a essas folhas para que fiquem um pouco mais parecidas com uma agulha, como aparecem na natureza. Estou meio que dando uma volta por aí. Você pode ver que eu meio que apareço por toda parte. Eu realmente não acho que você precise ficar em uma área. Você pode trabalhar de forma intuitiva. Como você vê as coisas. Escurecendo algumas áreas aqui e nos sentindo muito bem sobre onde estamos. Então, vamos misturar um novo lote de cores e começar a pintar. 10. Pintando o Cosmo: Uma das razões pelas quais eu queria ser tão detalhista no centro é que vamos pintar esse Kosmo de branco. Se você já trabalhou comigo antes, já conhece aquarelas brancas. Mas para o branco, usamos tons de cinza, marrom e às vezes verde e amarelo para criar o que chamamos de aquarela branca. Para essa mistura em particular, vou usar um pouco de lâmpada preta e sépia, e então vamos realmente diluí-la. Então, vamos começar aqui com uma cor, a lâmpada preta, e depois adicionar um pouco de sépia só para aquecê-la um pouco. Essa lâmpada preta é muito legal, mas só a aquece. E então eu vou retirar uma nova pilha. E a consistência mais leve para que tenhamos algo realmente bonito. Quente, não muito frio. Começou a ficar em nossa cor. Realmente incline-se para a lateral do pincel. São pétalas brancas que você pode até usar. Na verdade, você sabe o que, vamos acabar um pouco com isso. Vamos usar nosso pincel avelã. Eu os coloquei nos suprimentos porque pretendia usá-los. Mas às vezes, enquanto trabalho, uso o mesmo pincel se estiver funcionando bem, mas quero dar uma aparência totalmente diferente. Então, vamos pegar nossos seis filbert e garantir que você tenha sua pilha misturada à direita. A consistência deve ser a consistência mais leve. Deveria ficar assim. Vamos seguir em frente e começar a usar a cor. Vamos começar aqui com esta pétala. E faremos uma boa pincelada, enxaguando um pouco da tinta. E contornando a flor. Realmente deitado na estrutura aqui no centro e depois puxando em direção às pétalas. Você pode usar esse lado da avelã para obter algumas linhas muito bonitas. que meio que ajudou a dar aquela sensação de Kosmo, em é um pouco mais enrugado nas bordas e não tão simplificado. A mesma coisa aqui. Vou descobrir qual é a ponta da avelã usando uma lavagem um pouco mais escura agora, para vir aqui no centro e me inclinar um pouco no meu centro. Voltando aqui na borda da ponta do pincel. Posso ver que realmente estivemos aqui intencionalmente com a pintura. Uma das poças está quase completamente sólida e depois deixa espaços em branco por aqui. Sinto como se tivéssemos criado uma aparência realmente equilibrada aqui entre tinta e caneta. Isso é bom para mim. Então, vou pegar minha sexta rodada agora usando a mesma mistura de antes disso, verde submarino e sépia. E nós vamos, vamos seguir em frente e começar com as folhas aqui. Um pouco de água e tinta demais. Então, eu vou me apagar. Lá vamos nós. E meio que comece a transformar a cor nas folhas aqui. Saindo um pouco da minha caneta. Para não pintá-lo exatamente na linha. Eu venho aqui embaixo agora, subi, enxaguando um pouco mais de isqueiro por aqui, adicionando um pouco mais de tinta. E depois passando para fazer as folhas. Passando a tinta e adicionando um pouco mais de tinta na consistência de xarope para tosse ao longo deste galho aqui e através deste caule. E também aqui na base. Basta esfregá-lo suavemente. Temos o que eu acho que é uma flor muito bem equilibrada. Novamente, vai clarear à medida que seca. É sempre melhor começar mais claro com aquarela. Você sempre pode realçar a cor quando estiver um pouco escuro demais depois, mas acho que se você começar com luz, não precisará trabalhar muito. Pós-seco. Então isso é bom para mim. Vá em frente e verifique se há outras áreas que parecem precisar ser modificadas. Você também pode dar uma olhada na caneta e pensar consigo mesmo: ok, eu fiz o suficiente para escurecer as linhas, pois parece que não é tão intenso quanto eu gostaria em algumas áreas. Então, novamente, à medida que seca em cerca de 15 minutos, você pode ver áreas em que deseja apenas destacar mais detalhes da flor, seja no centro ou nas pétalas. Então, novamente, depende totalmente de você. Então, vamos passar para as próximas flores. 11. Penning the Garden Rose: Então, desenhei as próximas duas flores no mesmo pedaço de papel, embora façamos cada uma passo a passo pintando, pintando, pintando, pintando. Achei que seria divertido para você ver como eles se parecem um ao lado do outro. Como seriam lindos se você criasse um conjunto de cinco cartões de notas. Obviamente, você poderia usar cada uma das composições para criar pacotes de uma variedade completa. Então, novamente, apenas tentando lhe dar opções, essas seriam lindas, também em um padrão. Se você quisesse criar um motivo realmente simples usando as composições, isso também seria ótimo. Uma observação antes de entrarmos nas rosas é que menos é mais rosas. Normalmente fico longe quando estou fazendo caneta, porque é uma flor tão ornamentada que, com muitas pétalas sobrepostas e ondulações das pétalas descobri que, quando fui muito detalhista, ela acabou parecendo sobrecarregada. Então eu acho que especialmente dependendo das fileiras como esta, é uma rosa de jardim, ela tem menos pétalas do que aquelas rosas que você pode encontrar. As que têm formato mais oblongo, rosas vermelhas de caule longo. Esses simplesmente nunca acabam parecendo muito estéticos para mim. As rosas do jardim são muito mais adaptadas ao estilo. E então rosas silvestres, que se parecem muito com um Cosmo, funcionam muito bem. Então, apenas uma pequena nota, seguindo em frente, tentando evitar alguma frustração. Obviamente, você é bem-vindo para tentar. É só que essa tem sido minha experiência. Então, tudo bem, vamos começar com o centro de nossas fileiras aqui, fazendo algumas marcas em forma de C até ficarem íntimas aqui no centro desta flor. Você pode ver que eu tenho uma estrutura aqui, apontando em direção a um centro. Mas eu não vou fazer muitos trabalhos malucos com caneta porque eu realmente só quero, novamente, capturar a essência dessa flor. As pétalas menores realmente deveriam ser apenas indicativas de que há um centro da rosa e não estão sobrecarregadas. Comece aqui, saindo. Menos é mais do que isso, eu sei que eu já disse isso. Mas, e mais macio também é mais. Comece devagar. Você sempre pode ousar as coisas mais tarde, mas caneta é caneta. Você não pode apagá-lo. Portanto, pode ser frustrante se você gastar todo esse tempo fazendo um esboço realmente bonito. E então você acaba fazendo uma linha que parece muito grossa. Novamente, você pode ver que estou saindo do meu esboço aqui. Para agitar um pouco. Você também vai querer apagar o pino para poder ver o que resta. Meu esboço está bem escuro, então está parecendo muito pesado agora. Mas, na verdade, será muito leve. Tentando combinar também alguns dos aspectos mais pontudos da poça com a suavidade das pétalas redondas. Entrando nessas ranhuras lá. Parece que é isso que realmente faz essa flor, essas pequenas variações e a poça, aquelas rasgas, essas lágrimas do jeito que ela se enrola. Eu tento não capturar tudo isso, mas apenas um pouco. Para dar uma ideia de como a flor está em sua posição geral, arredondando-a um pouco. E então eu vou deixar essa pequena pausa aqui por enquanto. Talvez eu volte com a caneta para aumentá-la. Mas, por enquanto, eu realmente gosto de ter aquela aparência aberta. Mas vou pegar a borracha agora e trabalhar no design. Se, por algum motivo, você conseguir captar o som de fundo neste momento, há legitimamente um assassinato de corvos. É assim que eles são chamados quando se reúnem assim do lado de fora da minha janela, há cerca de 45 deles e eles estão circulando uma palmeira e causando o maior tumulto que eu já ouvi. Deve haver um bebezinho ou algum tipo de predador. Mas cara, eles estão fazendo isso? Isso me lembra que não sei se alguém assiste **** Sheets Creek, mas Moira faz esse filme em que ela está em um filme de Crowe e é só isso, me faz rir toda vez que ouço corvos, não consigo ver nada além do rosto de Catherine O'Hara. Como se eles estivessem fazendo isso por um tempo. Ok. Então, eu amo onde estamos com isso. Mas, obviamente, vejo algumas áreas em que eu só quero me intensificar, indo um pouco mais fundo. Então, vou pegar minha caneta 0,45 e fazer isso agora, antes de trabalhar com os caules e as folhas. Então, aqui no centro, apenas indicando que está um pouco mais escuro por aqui, apenas tornando a linha um pouco mais grossa. Então, eu realmente não estou criando novas linhas. Estou apenas fazendo o que já foi fixado anteriormente. Um pouco mais grosso, entrando nessas ranhuras e depois saindo. Novamente, isso é desgrenhado. Combinação entre arredondar a suavidade da poça com o ponto menos essa combinação. Parecem muito, muito bem juntos. Escureça o vinco aqui, onde você imaginaria que essa é a parte mais profunda da pétala saindo até essas pétalas dobrando para fora. Houve momentos em que eu realmente tentei intensificar essa área porque é aqui que ela estaria mais escura na natureza e acabaria parecendo muito sobrecarregada. Então, novamente, só estou tentando evitar um pouco de dor e sofrimento. Tudo bem, isso está chegando. Vou escurecê-lo aqui. Pressão ousada, ousada. Um pouco de pressão aqui. Escurecendo aqui. Um pouco mais escuro lá dentro, só para indicar que tudo bem, esse é o centro. É aí que fica mais escuro e aparece aqui. E então pensei que seria divertido para você ver como seria se usássemos a caneta 0,45 nas folhas. Então, não faça o dobro. A razão pela qual eu gosto do duplo é porque você pode obter espessuras de linhas e essa combinação é muito bonita ter uma linha mais fina e depois ter uma linha cada grossa sobre ela. Mas eu queria mostrar que é muito possível usar apenas uma caneta para criar algo semelhante. Portanto, não que você tenha pressa ou precise apressar esse processo, mas algumas pessoas não gostam de usar duas canetas diferentes. Então, vamos seguir em frente e fazer isso agora. Então, vou começar com apenas algumas linhas iniciais mais claras. Não sei se você ainda pode ouvi-los. Meu Deus. Deve haver 45 deles e eles são apenas, parece o Mágico de Oz. Eles dizem: “É como uma tempestade lá fora”. Eles são como se lançassem em direção a esta árvore. Meu Deus, espero que todos estejam bem lá fora. Tempos assustadores. Ok, então fazendo algumas linhas de luz, pressão, apontando aqui. Vamos dar a volta por cima para que você possa obter um ângulo melhor. E algumas linhas finas aqui. Vamos trabalhar até aqui. E passando pela pressão, área de luz até cima e depois aqui embaixo, onde as duas hastes se conectam, vou torná-la mais escura. E ponto, ponto, ponto. Então vamos voltar por aqui para acabar com esse ponto, ponto, ponto. Eu realmente amei os pontos. Os pontos são meus favoritos. Luz, luz desenhando aqui. E desenhando levemente. Realmente difícil. Chegando ao meio aqui, faça um pouco de trabalho inútil. Vamos colocar mais algumas veias em nossas folhas quando terminarmos. E entrando levemente. Ponto, ponto, ponto. Acho que essa é a área que eu realmente gostei de acentuar esse lindo caule e depois ficar mais claro na parte inferior das folhas. Então, vou apagar agora para ver o que me resta. E então faremos nossas modificações. De novo. Vou ter que me esforçar muito porque esse esboço inicial foi muito feliz. Uma das minhas partes favoritas, porém, é tirar o lápis e ver o que resta. Acho que entendi a maior parte. Então, eu definitivamente vejo algumas áreas que eu quero deixar um pouco mais escuras, começando com essa linha aqui, vou escurecê-la e continuar para que você possa ver que essa folha foi dobrada. E então eu vou começar a escurecer as áreas. Então, eu ainda vou ultrapassar as linhas que foram inicialmente desenhadas. Então, essas áreas claras, eu vou intensificar e dobrar para que haja uma fina e uma grossa fazendo a mesma coisa aqui, criando essa linha grossa ao redor da linha fina. E depois também adicionando algumas veias à medida que eu avança. Finalizando aqui, pontos mais pesados atuando nas nervuras, engrossando essas folhas. E, obviamente, você é mais do que bem-vindo para mantê-los soltos e leves ou realmente pesados Depende totalmente de você e eu sinto que você realmente não sabe o que ama até fazer as duas coisas. Então, dê a si mesmo novamente essa permissão para fazer isso. Estou meio que querendo ver o que tenho. Há apenas áreas em que eu digo, ok. Acho que isso poderia ser um pouco mais sombrio. Bem aqui no centro, vou acrescentar um pouco de detalhes, mas não muitos. Essa folha aqui, eu acho, poderia se beneficiar de um pouco mais de felpuda escondida nas veias. Eu me sinto muito bem com isso. Acho que é um equilíbrio muito bom entre detalhado e solto. Então, vou dar uma última olhada. Escureça isso um pouco. Tudo bem, estou feliz com isso. Ok, então dê uma última olhada si mesmo e veja onde você está. E veremos, vemos na próxima seção de pintura. 12. Pintando a Rosa do Jardim: Ok, então vamos usar uma cor de pêssego muito bonita. Então, eu quero que você vá em frente e mergulhe em seu lago Rows. Se você tiver um pouco de sépia em sua paleta, vá em frente e misture isso lá. Se não, retire um pouco de sépia. Então é bom, é um lindo rosa suave aqui. E então vamos colocar um pouco do ocre amarelo. Eu quero algo muito leve. E você vai ter que brincar antes que não seja rosa nem amarelo, mas pêssego. Então, continue brincando com isso. Você pode deixá-lo tão escuro quanto necessário para realmente descobrir de que cor é. E então você pode retirar uma pilha separada tarde demais na lavagem. Então, isso parece um pêssego muito bom para mim. Não está muito escuro. Vou adicionar um pouco de água porque você não sabe até colocá-la no papel e luz de partida é sempre melhor. Tudo bem, vá em frente e mova isso para o lado. Vamos usar nosso pincel avelã. Estou usando um tamanho seis. Tudo isso está na lista de suprimentos e materiais. Mas caso seja a série Umbria. E vamos começar aqui no centro e vamos fazer algumas marcas de luz. Nada muito detalhado. Nem pense que precisa passar por cima da caneta. Basta criar um pequeno centro aqui, usando a ponta do pincel. E então, gradualmente, vamos entrar nas pétalas. Mova-se devagar. Não se sinta apressado. Veja o que você tem. Pense na forma. Pense nas formas que você deseja alcançar. Deixe um espaço em branco. Não posso enfatizar isso o suficiente. Deixe um espaço em branco. O espaço em branco é mágica e aquarela. A caneta brilhará de qualquer jeito. Você não precisa enfatizar isso com a aquarela. A aquarela foi feita apenas para ser a cereja no topo. Vou sair até aqui, com uma lavagem leve e leve. Novamente, venho aqui com uma cor um pouco mais escura agora, não uma cor mais escura, uma versão mais escura da mesma cor. Então, isso acontece apenas adicionando, pegando um pouco mais de cor e não apagando antes de seguir em frente. Lembrando que as coisas vão se complicar duas a três vezes depois. Você pode escurecer algumas áreas se achar necessário. Adicionando um pouco de escuridão. Conectando-se aqui. Para alguns sangramentos. Eu tinha aqui. Essa é uma das minhas cores favoritas, esse lindo rosa pêssego. Como eu disse antes, reserve um tempo para misturar tudo. Você não quer que seja rosa, você não quer que seja amarelo. Esse lindo casamento entre as duas cores? Eu o uso o tempo todo. É um dos meus favoritos. Eu acredito que está na minha série Sunset. Com os guias de cores vintage. Eu não posso, não me cite sobre isso. Acho que pode ser, mas se não, você já conhece a receita, então aproveite. Ok, então estou feliz com a situação em que estamos com as fileiras. Vou seguir em frente e adicionar cor à folha. Agora vamos continuar usando nosso verde submarino. Esta é minha combinação de cores favorita, verde submarino com este pêssego. Guardei para as fileiras porque adoro rosas. Rosas e peônias são minhas favoritas. Bem, e um pouco de camomila como você não consegue me fazer citar minhas flores favoritas, porque então eu vou , eu vou acabar me traindo um pouco mais tarde, quando eu pintar algo agora, oh não, essa é minha flor favorita. Agora. O pincel de avelã é muito bom para essas flores mais largas porque o que podemos fazer, ou desculpe-me, folhas mais largas, podemos começar pela ponta e depois virar gradualmente o pincel e puxar o traço para baixo para que possamos começar aqui no topo e depois gradualmente puxar esse traço para baixo. Certifique-se de que não esteja muito escuro inicialmente, você sempre pode escurecer. Portanto, certifique-se de que tudo o que você misturou tenha consistência do caldo e tenha cuidado para não tentar colorir tudo. Portanto, pode parecer muito importante ter em mente enquanto você trabalha. Você sempre pode fazer um pequeno teste. Porque o que está no paladar pode parecer completamente diferente. Então, se você quiser pegar o que você tem, você pode dizer, oh, sim, isso é muito escuro. Descanse um pouco. Isso é muito melhor. Tudo bem. Bute muito cheio. Provavelmente meu favorito até agora. Na verdade, apenas uma folha de um traço aqui, sem tentar adicionar muitos detalhes. Vá. Estou continuando tentando achatar essas cerdas, chegando até a ponta. Temos um bom equilíbrio entre o que está coberto e o que não está. E então vamos deixar essas duas cores correrem juntas. Esse pêssego nesse verde, você pode fazer mais e mais enquanto trabalhamos. Os papéis devem ficar bem molhados. Vou tirar um pouco de cor porque está um pouco escuro. E eu amo muito isso. Sinto que é justo que incorpora todas as belas facetas desse estilo. Vou entrar com uma cor um pouco mais concentrada. O verde submarino e a sépia. Mas não muito, porque gosto muito de como tudo é leve e arejado. Só aqui na base. Vou adicionar um pouco mais de cor porque sei que isso vai secar mais claro. E eu realmente amo o que está acontecendo aqui. O molhado em molhado das folhas e das pétalas. Vamos intensificar isso, chamar a atenção para isso. Vou deixar todo esse caule branco e deixar as folhas falarem por si mesmas. Sinto que essas são as áreas que realmente marcam que sua arte é sua. É o que você não necessariamente faz em uma pintura que fala por si. É onde você não pinta. O espaço negativo é uma declaração. Portanto, tenha isso em mente ao desenhar, pintar e pintar, muito do que se torna seu estilo são as coisas que você opta por omitir. Dê uma última olhada, sinta, sinta-se bem onde você está e depois limpe seus pincéis enquanto avançamos para nossa última composição de flores ou lavanda. 13. Penning the Lavender: Ok, novamente, deixei meu esboço muito escuro aqui porque ele simplesmente não estava saindo quando eu o estava digitalizando. E eu queria que você pudesse ver todos esses lindos pequenos detalhes de lavanda. Vou ter que trabalhar um pouco mais enquanto apago, mas não é grande coisa. Começaremos com nossa caneta de 0,25. Vou começar aqui no topo, por aqui. E esses são simplesmente lindos, são apenas loops lá. Laços em forma de amêndoa. E eu não vou examinar cada um deles. Mas eu queria apenas obter a forma geral da lavanda. Novamente. A imagem de referência exata que usei está no meu painel do Pinterest, no Skillshare ou, desculpe-me, está no meu painel do Pinterest e marcada com Skillshare. Lembre-se de que vou voltar com minha caneta mais escura ou minha caneta de ponta mais larga. A dica, acho que ao fazer essas marcas, é colocar o próximo laço entre duas dessas pétalas. Então, se você colocar uma pétala aqui e um pedal aqui, deixe a próxima ficar entre as duas. E fique à vontade para usar apenas linhas para indicar um pedal também. Portanto, não precisa ser um círculo. Você pode dividi-lo e fazer algumas linhas e alguns loops. É tudo o que realmente é. Quando estamos abordando isso dessa maneira, linhas e loops. Não terá aquela sensação genérica. Se você está tendo em mente as duas pétalas e depois colocando-as, a próxima no meio , para o lado. E então, obviamente, você também quer trocar a largura de cada um. Então, faça algumas que sejam muito finas, e depois faça algumas que sejam grossas e realmente saiam. Outra parte muito bonita dessa planta é o caule. É muito simplificado e vamos honrar isso quando chegarmos lá. Mas à nossa maneira. Então você pode ver duas pétalas, uma na linha média, linha, pequena, pequena, grande linha, linha, pequena, pequena, grande, pequena, grande, pequena. Isso até ajuda dizer isso em voz alta. Acho que às vezes acontece porque estamos apenas nos dando bem. Não sinta que você também precisa conectar cada parte dela. Essa é outra grande. Você não precisa circular a coisa toda. Você pode simplesmente circular a meia-vida e depois descer para a próxima, fazer algumas pequenas marcas. Faça uma grande, faça algumas pequenas marcas. E a linha média, pequena, pequena, pequena, grande, linha. Grande, pequeno, grande, pequeno, pequeno. Além disso, você pode se sentir à vontade para me colocar no modo mudo. Eu não vou me ofender. Eu sei que alguns de vocês provavelmente sabem. E você trabalha como vê. Isso também está bem. Estou aqui para orientá-lo e ajudá-lo a se sentir mais capaz e confiante. Mas quando você sentir que está nesse ponto, você sempre pode simplesmente me desligar e trabalhar. Terminando aqui muitos pequenos detalhes sobre essa única linha, linha, ok, agora vamos ter muito cuidado com essa haste. Eu quero que você tenha cuidado aqui, porque se você invadir o interior da linha, ela realmente perde a aparência. Então, vamos devagar. Ponto, ponto, ponto, ponto, ponto, ponto, linha. Sinto que, com a lavanda, o caule faz parte muito dela. Na verdade, porque meio que une tudo. Ok, derrubá-lo, ponto, ponto, ponto pode deixar algumas pausas intencionais aqui. Ponto, ponto, ponto. Fique atento à folha aqui. E terminando aqui no final. Voltando, trazendo isso de volta. Ficando cada vez mais finos à medida que nos dirigimos em direção à flor. Novamente, talvez seja necessário, depois de apagar as coisas, ver o que resta e começar de novo. Ok, na verdade vou fazer isso contrário, agora vou fazer stem primeiro. Comece aqui na parte inferior. Ponto, ponto, ponto. Pausa intencional. Novamente, pausa intencional para homenagear essas pequenas folhas que saem do caule. Linha, ponto, ponto, ponto, voltando aqui. Saindo da minha linha de lápis porque está invadindo um pouco aqui. Honrando o espaço aqui, neste espaço aqui. E esse espaço aqui. Mantendo isso aberto. Para se fundir com as folhas. Linha, ponto, ponto, ponto. Acabando com isso aqui. Ok. Vamos começar do topo aqui. A mesma coisa que fizemos antes. Combinação de loops e linhas. Algumas linhas descem em minha direção. Intencionalmente, deixou espaço com a haste aqui. Ou seja, as pétalas podem se sobrepor em cima dela, fazendo com que pareça mais natural. Posso fazer a mesma coisa com o outro se você se sentir bem, são caules meio que flutuando lá. Você pode pedalar um pouco em cima dela. Você fará isso com sua última olhada. Eu sempre gosto de dar a última olhada nas liberdades dos meus alunos. Como eu disse, não sinta que precisa conectar todas as linhas. Você pode fazer alguns M's. Quem é mais ou menos o que estou fazendo aqui no meu trabalho. A única coisa a ter em mente é que essas pétalas se movem para cima. Ok, vá em frente e vá para as folhas, começando com essas lindas dicas de rolagem. E comece a esboçar levemente sua forma. Estou realmente me sentindo solto com esses traços gestuais aqui. Estou tomando a liberdade de passar para o caule? Sinto que quando você honra alguns espaços, você pode ter um pouco mais de liberdade para ficar mais bagunçado. Isso é o que eu quis dizer quando disse que posso tomar mais liberdades como essa, posso tomar mais liberdades como essa porque se os esboços são super detalhados, então eu sei onde posso ficar um pouco mais solto e livre com a caneta. Vou apagar agora e ver o que sobrou. Ok. Estou muito feliz com o que vejo, mas ainda vou voltar com o 0,45 e escurecer algumas áreas. Começaremos aqui no topo. Vou estar muito atento ao quanto estou fazendo , porque quero que haja áreas brancas porque vamos adicionar cores. Então, apenas escurecendo e nem mesmo fazendo voltas completas, meio que ficando no meio. As marcas que eu já fiz. Escurecendo algumas linhas, deixando áreas brancas. Está realmente tão lindo. Essa combinação entre essas linhas finas e grossas, acho que a lavanda é provavelmente minha segunda favorita. Você verá que quando fazemos a aquarela, ela é muito secundária, mas simplesmente a dá vida. Ele deixa de ser um guia remoto e de campo para se sentir realmente como uma verdadeira ilustração. Escurecendo à medida que eu avança. A mesma coisa aqui. Indo devagar, tomando cuidado para não invadir. Só estou procurando áreas em que ele ache que poderiam se beneficiar de algo um pouco mais grosso. Não muitos, honestamente. Eu amo esse pequeno cruzamento aqui, então você vai querer ter certeza de honrar isso. Não seja muito intenso aqui. Você perderá onde essas linhas se encontram. E eu realmente fiz gestos aqui com essas folhas, nada tão bem torneado quanto nossas folhas de rosa. Tentando oferecer abordagens diferentes com cada nova composição de flores. Ok, eu adoro isso. Eu acho que parece absolutamente maravilhoso. Então, nos encontraremos na próxima seção para uma cor. 14. Pintando a lavanda: Ok, vamos misturar um novo lote de cores em apenas um momento. Mas eu queria chamar sua atenção para como isso secou e as fileiras. É simplesmente lindo. Espero que você esteja se sentindo assim também. Se não, novamente, você tem esses esboços, você pode tentar quantas vezes quiser. Mas esses sangramentos aqui realmente funcionaram de forma tão mágica. E espero que você esteja se sentindo bem com isso. A próxima cor que vamos fazer é um lindo roxo que vamos misturar, ou um lago rosa e nosso azul índigo. Vou usar meu bebezinho Filbert aqui. Esse também é o tamanho. É chamado de mini detalhador. E eu vou tirar um pouco da fileira elegante e um pouco do azul índigo e fazer um lindo roxo. Um pouco mais elegante da fileira. E coloque um pouco da sépia só para silenciá-la um pouco. E usaremos essas duas cores. Então, teremos um que seja mais pesado na sépia. E então teremos uma que é mais uma caixa de giz de cera roxa comum. Então vá em frente e deixe as duas opções. Vamos começar com nosso roxo suave. Vamos começar a colocá-lo. Começando um pouco aqui. Lembre-se de que vai secar muito mais leve. Eu realmente não estou muito consciente de onde estou colocando a cor. Não estou tentando pegar os pontos ou os círculos, os laços são as linhas. Estou apenas escovando a cor, enxaguando um pouco da cor. Então o que eu tenho é muito pálido. Neste caso, o trabalho em linha realmente fala por si. E depois entramos com nosso roxo tradicional. Para adicionar um pouco de variedade a ele. Vou adicionar um pouco de rosa para realmente diferenciar as duas cores. Lá vamos nós. Então, eu tenho uma cor parecida com essa agora. Roxo rosado. Você pode ver que há uma grande diferença entre esses dois. Pode usar seus pequenos detalhes para obter lindas linhas finas. Realmente adquira a forma da lavanda fazendo isso dessa maneira. Você não precisa ficar nas linhas da caneta para poder definitivamente se livrar delas. Aí está. Linda. Ok, vamos misturar um pouco do azul índigo com o verde submarino para obter uma nova cor verde. Se você gosta dessa cor, é uma espécie de turquesa, verde, azul. Vá em frente. Você pode simplesmente mantê-lo assim. Vou adicionar um toque de sépia porque adoro minhas cores suaves. E isso vai fazer com que seja um verde cinza muito bonito. Ok, tente não pensar demais nessa parte. Apenas colocando a cor. Bloqueando um pouco aqui. Está deitado aqui. Adoro essa cor. Um dos meus favoritos. E, indo para o caule, eu realmente gosto de certas áreas onde ele fica branco. Então, vou tentar honrar isso. E alguns dos pontos são apenas estar atentos, conectando-se cada pedacinho. Volte com um pouco do xarope para tosse de consistência consistente agora nessa cor e escurecendo algumas áreas. Aí está. Linda lavanda. Tão lindo. Não posso dizer isso o suficiente. É que eu fico muito feliz quando jogo com esse estilo nesse processo porque é muito diferente do que eu costumo fazer. Então, espero que seja o mesmo para você se sentir preso ou criado, bloqueado criativamente. Vamos apenas abrir os canais e permitir que você se sinta muito livre, em forma e solto. Então isso conclui nossas cinco composições exclusivas. Vamos juntar tudo e fazer um buquê muito lindo. Seria perfeito a tempo pois estamos quase no Dia das Mães, mas também seria perfeito para o verão, mas também seria perfeito para o verão, quando chegarmos nesses meses, pelo menos onde estou , obviamente, você assistirá isso sempre que assistir. Mas eu queria que você tivesse algo especial para fazer à medida que avançamos nas diferentes estações. 15. Projeto do curso — parte 1: Bem-vindo ao nosso projeto de classe. Estou muito empolgada com isso. Temos um lindo buquê vintage extravagante em nossa mesa. E se ainda não o fez, você definitivamente precisará imprimir isso em aquarela ou impresso e traçá-lo em papel aquarela, que obviamente é o que eu sugiro. Só para que você possa remover as marcas do lápis. Como você pode ver. Novamente, minhas marcas de lápis são muito escuras, mas você verá que, mesmo na digitalização, há algumas áreas em que o lápis não aparece de forma tão significativa em algumas áreas. Mas, obviamente, você poderá preencher esses espaços em já que aprendemos todo esse material em seus segmentos anteriores. Então, vamos fazer isso juntos. Usaremos os mesmos conceitos, tudo o que aprendemos em nossos vídeos anteriores. Fixaremos tudo primeiro nas duas canetas e depois colocaremos na aquarela no final e veremos esse buquê ganhar vida. Você pode usar esta composição e, da maneira que quiser, não há direitos autorais sobre ela. É seu. Você pode fazer cartões com isso. Um padrão. Eu queria te dar algo que você pudesse jogar e melhorar, adicionar para levar. Depende totalmente de você como você gostaria de usá-lo. Vou começar com meu lápis de ponta dois e cinco. Você também verá que eu adicionei algumas flores novas. Eu queria fazer algo um pouco diferente. Eu não queria fazer exatamente as mesmas flores que fizemos na seção anterior. Então você verá que eu adicionei um pouco de notas de esquecimento e apenas algumas outras flores aqui. Ainda temos o girassol e as fileiras. Mas eu queria trazer alguns novos conceitos que você possa continuar aprendendo e crescendo usando esse estilo para qualquer outra flor que queira criar com essa abordagem. Vamos começar aqui no topo. Delineando nosso lápis. Começando com essas marcas circulares, algumas áreas em que eu retiro o que foi desenhado a lápis. Só para dar uma pequena variação. Novamente, trabalhar com lápis , como eu disse, é na verdade apenas estabelecer a estrutura para que você possa se sentir confiante em adicioná-la ou retirá-la. As formas de pétalas que eu criei são muito genéricas. Então, há lugares onde eu estou mudando toda a forma da pétala. Agora que eu sei para qual direção quero que a flor esteja apontando, muito disso é que o trabalho inicial é apenas entender para que direção a flor está voltada não é uma flor de face aberta, está de lado? E então, quando meu cérebro sabe disso, eu posso intuitivamente começar a mudar isso um pouco para criar algo que pareça um pouco mais único, um pouco mais solto. Está exagerando um pouco aqui. Vamos entrar com nosso 0,45. Então, teremos tempo para deixá-lo um pouco mais solto, não tão geométrico. Eu suponho. Vamos pular aqui até nossa rosa. Criando isso como nosso centro. Todas essas são flores que eu desenhei intuitivamente. Eu não usei nenhuma foto de referência, então não haverá nada no meu Pinterest para este buquê. Tudo isso acabou de sair da minha cabeça. Às vezes funciona, às vezes não. Essa pequena ilustração meio que surgiu porque obviamente estou trabalhando com você e usando a caneta e a aquarela. Eu estava muito pronto para criar algo para fazermos em nossa parte de aula. Então, às vezes é como se simplesmente saísse, é rápido. E é exatamente do jeito que esperávamos que fosse. E às vezes leva muito mais tempo. Tudo bem, então ancorando em algumas linhas de detalhes aqui. E criando e esculpindo o centro dessa flor. Esqueci um pouco dessa pétala de rosa aqui. Então, vou adicionar isso. Colocando aqui camadas com essas duas linhas. Criando algumas partes mais escuras da flor. Pule até aqui. Algumas áreas mais escuras aqui ao lado. Vamos passar aqui para ver nosso girassol. Esculpindo um espaço redondo muito bom. Este é mais um rosto aberto em flores. Você pode ver que estamos vendo isso de frente em comparação com esses dois , que estão claramente do lado deles. E essa. Isso realmente influencia todo o aspecto da composição de “Estou projetando algo”. Sempre que você está trabalhando com vários assuntos, é muito importante ter coisas em tamanhos diferentes voltadas para direções e formas diferentes. Esses são os principais ingredientes de qualquer composição bem equilibrada. Colocando algumas dessas linhas, ficando muito solto com elas. Só estou vendo o que eu tenho, certificando de que está pronto para a próxima etapa. E venha aqui e comece a adicionar o caule. Ponto, ponto, ponto. Basta estar atento à localização do caule e conectá-lo aos fazendeiros e às folhas. Deixando pausas dentro do cluster. Venha até aqui. Estamos cortando nossas folhas. Novamente porque eu tenho a estrutura. Sinto que tenho muito mais liberdade e posso fazer com que essas marcas gestuais apareçam aqui. Então, vamos criar alguns trabalhos de STEM aqui. Há muita coisa acontecendo aqui, então é melhor ir devagar e ter certeza de que você se sente bem com a conexão de cada coisa. Eu tenho esses três se conectando a uma haste maior aqui embaixo. Pressão, levemente, vindo até aqui, desbastando ao longo da borda. Deixando essas pausas intencionais. E depois honrar onde há sobreposição, sobreposição acontecendo. Um trava-língua, ponto, ponto. Agora estamos livres para conectar este, pois ele está sobre os outros caules e algumas folhas realmente gestuais aqui. Ok, vou apagar e ver onde estou. E então eu vou voltar para pegar essas marcações detalhadas. Tudo vai se iluminar significativamente porque estava muito escuro no lápis. Apenas uma pequena nota sempre que estou fazendo peças originais que pretendo colocar na loja ou, se forem encomendadas, eu sempre uso uma toalha de papel para escovar dessa maneira, quaisquer óleos que estejam em minhas mãos não ficam no papel. Quando eu escaneio coisas, tudo isso é apagado. Qualquer marca ou amarelo que possa estar em minhas mãos e estar tocando o papel. Mas quando estou fazendo peças originais e se você está fazendo peças originais, você quer ter certeza de que suas mãos estão tocando o papel o mais raramente possível, só porque ele capta tudo, mesmo que você não consiga ver. Isso afetará a idade geral e a forma como a peça se mantém e se preserva. 16. Projeto do curso — parte 2: Ok, vamos voltar e adicionar pequenos detalhes no centro. Esses detalhes parecem pequenos, mas deixam um impacto muito grande. Ou seja, a ilustração deixa de parecer um clip-art para algo realmente especial e único. Quando você adiciona apenas um pequeno passo extra e vai além. Só estou aumentando a pressão aqui. Na verdade, o FlipKey sobrepõe as linhas , de modo que há duas linhas aqui. E, em muitos casos , parecerá as pétalas enrugadas ou onduladas, que só beneficia a composição. Adicionando um pouco de veias lá. Então vamos voltar na primeira haste, pressão, pressão. Apenas se sobrepondo aqui. Consciente daquela pausa intencional que me restou. Escurecendo essas linhas. Cuidado para não invadir as pétalas do girassol. E então começaremos a escurecer as áreas do perímetro. Realmente esticando essas linhas ao longo da borda e depois trabalhando com essas marcas marinhas. Esses pequenos círculos no centro. Estar atento à direção. Enrolando-os para dentro. Usando pontos e pequenas formas de C. E então, começando a delinear o escurecimento das veias aqui usando marcações gesturais FlipKey muito arranhadas e rápidas. Só estou examinando o que eu já fiz. Ver áreas que podem precisar de ajuda. Parece muito bom para mim. Vou continuar com a pressão resultante de ponto, ponto, ponto, sobreposição. Pressão, sobreposição. Dê uma última olhada nisso. Claro. Tenho as áreas que quero destacar, evidentes e aparentes, mas, no geral, acho que parecem absolutamente fantásticas. Então, vamos começar a parte da pintura. Vamos começar com os “esqueça-me” pegando um pouco do índigo azul e misturando-o com sépia. Eu vou te mostrar como isso parece em apenas um momento. Portanto, deve ser um azul muito bonito e empoeirado. O índigo azul. Isso aí, sim. Começaremos com a consistência do caldo. Talvez seja necessário até mesmo adicionar um pouco de água se estiver muito escuro. E começaremos a usar a cor. Tente ter cuidado ao colorir cada pequeno detalhe e ao tipo de compreensão religiosa. Flor geral. Vou ver como essa ilustração ganha vida. Ok, vamos pegar um pouco do ocre amarelo e colocá-lo no meio de algumas dessas flores. Pode ser que não precisa ser exato e não precisa estar em todos eles. Então vamos misturar nossas fileiras de lago e nosso ocre amarelo para obter um lindo pêssego para nossas fileiras. Mesma cor que usamos para nossas linhas anteriores. Certifique-se de testar a cor em um pedaço de papel rasgado. Veja se está muito escuro, muito rosa ou muito laranja. Está um pouco escuro, então vou adicionar um pouco de água. E apenas me certificando de que eu tenha a consistência certa. Você vai ver como o azul e o rosa ficam muito bonitos juntos. O pH, eu diria. Usando nosso avelã apenas para guiar as cores pelas pétalas. Deixando espaços em branco. O espaço em branco é sempre fundamental. Vamos seguir em frente e plantar essas lindas flores. Realmente não tenho um nome para eles. Eles eram meio intuitivos. Vamos misturar a sépia e aquela lâmpada preta para obter um branco quente muito bonito. Vamos deitar ou filbert apenas pegando a ponta do pincel e depois também deitando na lateral. Faça isso de novo para esta flor aqui em cima. Lembrando que você não precisa colorir cada detalhe. Depois vou pegar um pouco de ocre amarelo, misturar com a sépia e colocar no meio da flor. Ok, agora vamos usar ocre amarelo puro, então enxágue esse pincel de avelã, ou ele vai acabar parecendo o meio daquela flor. E como eu estava dizendo, com composição, variação entre cor, forma, tamanho e posicionamento, esses são os componentes mágicos da composição. Eu tenho um guia de esboço e paladar em meu site que aborda isso com mais detalhes sobre por que fazemos as escolhas que fazemos ao compor uma peça e como uma beneficia a outra. Tudo bem, então ocre amarelo aqui ao lado. Vai ficar um pouco escuro no começo e depois eu vou desaparecer. Depois de alguns golpes. Linda. Adicione um pouco de água. Agora, preenchendo intuitivamente o espaço, posso ver como isso está lindamente silencioso e vintage. Pode usar nosso pincel redondo para colocar um pouco de ocre marrom e amarelo no meio, um pouco mais escuro. E então podemos colocar isso no perímetro também. Se quisermos que algumas áreas mais escuras da flor apareçam tão lindamente, vou colocar um pouco mais de cor aqui para escurecer a parte central. E por último, mas não menos importante, iremos para o verde submarino. E a sépia. Você deve ter uma mistura parecida com esta. Começaremos com nosso pincel redondo número seis. Para esses pequenos detalhes aqui em cima. Estou recebendo divisores. Está tudo bem. Tomando meu tempo. Guiando suavemente a aquarela para a área geral. Tenha cuidado com a mão para não colocá-los em nada molhado. E isso acontece. Se você quisesse usar um verde diferente para cada parte do buquê, você poderia fazer isso e isso adicionaria apenas uma camada extra. Você poderia usar um ouro verde ou um verde-seiva, e esses ficariam muito bonitos. Então você poderia fazer mais isso neste verde cinza perene e depois fazer as folhas e mais como uma grama verde verdejante. Depende totalmente de você. Só estou guiando tudo. Venha aqui. E vou colocar meu pincel redondo de lado e trabalhar com minha avelã novamente para obter essas folhas maiores, acho que a avelã realmente é mais propícia. Ele pode começar na ponta e depois descer o traço. Em seguida, sacudindo o pincel para cima. Se quisermos ter um pouco mais de forma. Podemos virar nosso papel que sempre ajuda a começar pela ponta aqui e depois arrastar até o eixo cheio. E só puxando o pincel. Você pode ver como deixou de ser apenas clip-art para uma ilustração muito mais detalhada. E então você coloca a cor e ela se torna uma composição absolutamente magnífica e bonita. Portanto, isso não precisa ser feito aqui. Esta é apenas uma primeira lavagem inicial muito rápida . Você sempre pode esperar até que as coisas sequem e depois entrar com mais cores ou detalhes. Você sempre pode decidir depois que quer as coisas sejam mais ousadas, pegar sua caneta voltar a certas áreas. Realmente depende de você. Há tantas opções diferentes. Espero ter lhe dado muitas coisas em que pensar para resolver. E espero que você revise esse material ao abordar diferentes flores. Eu me diverti tanto que realmente ensinei você. Estou ansioso pela nossa próxima aula, como sempre, e agradeço muito por se juntar a mim hoje. Tenha um dia maravilhoso.