Introdução à pré-produção de áudio para cinema

1. Boas-vindas: Olá, sou Ana. Bem-vindo a uma introdução ao som de pré-produção para filme. Sou co-fundador e diretor da Black Goblin, uma empresa de serviços de áudio e tecnologia com sede em Edimburgo, Escócia. Tenho pouco mais de uma década de experiência trabalhando em som para cinema, assumindo diferentes papéis ao longo da minha carreira, incluindo os de operador de boom, mixer de som de localização, editor de som e mixer de dublagem. Coletivamente, o co-anfitrião deste canal, Gabby e eu temos mais de 17 anos de experiência nas indústrias criativas. Esta aula é para cineastas em qualquer nível. Para todos aqueles que têm interesse em som para filme e querem conhecer todos os aspectos dele para obter os melhores resultados possíveis. O som de pré-produção é um assunto sobre o qual você não ouve muito, mas é tão crucial para o sucesso de um filme. À medida que o setor independente sobe, a forma como fazemos filmes mudou e redefiniu. Isso é ótimo. Mas é importante que nenhum departamento ou aspecto da produção de filmes caia nas rachaduras. O som, afinal, é 50% do seu projeto. Você nos ouvirá dizer isso inúmeras vezes ao longo de nossas aulas. É sábio pensar nisso o mais rápido possível e trazê-lo para o processo criativo. Neste curso, aprenderemos sobre as diferentes etapas da produção de filmes e onde o som começa e termina. Também falaremos sobre todos esses aspectos pouco administrativos , mas super importantes da produção de filmes, como orçamento, planejamento, agendamento e equipamentos. Para o projeto da classe, você estará fazendo um detalhamento de roteiro de um trabalho original da incrível roteirista Anna [inaudível]. Você terá a chance de desbloquear seu eu criativo e imaginar um mundo cheio de possibilidades sonoras enquanto prevê quaisquer problemas potenciais que possam ocorrer, ajudando-nos a salvar o filme. O som é uma daquelas áreas do filme que parece ser um erro. Francamente, é por isso que eu adoro. Mas, como cineasta, você quer gastar tanto tempo desenvolvendo seus ouvidos quanto você gasta desenvolvendo seus olhos. Vamos começar e obrigado por assistir. 2. As fases da criação de filmes: Bem-vindo de volta. Estou tão feliz por você ter decidido se juntar a mim. Para começar, quero passar brevemente pelas fases do cinema. Dependendo da literatura que você consultar, há cinco ou sete fases do processo de produção cinematográfica. Vou passar pelos sete primeiro. Temos desenvolvimento, pré-produção, produção, fotografia, envoltório, pós-produção e distribuição. Fotografia e envoltório são dois aspectos do cinema que marcam uma gestão adicional de recursos e tarefas específicas específicas para a fase de produção. Eles podem ser comprimidos dentro dessa fase , deixando-nos com apenas cinco fases. Para fins deste e futuros cursos, continuaremos usando apenas cinco fases. Em termos gerais, o desenvolvimento do filme começa com uma ideia. Realizar essa ideia e escrever o primeiro rascunho do roteiro, além de descobrir a logística financeira do projeto são aspectos cruciais do estágio de desenvolvimento, que podem ser bastante longos ou bastante curtos, dependendo da complexidade do filme. Não é habitual encontrar profissionais de som embasar nesta fase. Está tudo bem. Realisticamente, você não precisa colocar uma pessoa sã aqui ainda. Não pelo menos até que você tenha uma imagem mais clara de como será o projeto. Em seguida, é a pré-produção, o foco deste curso. pré-produção acontece quando o filme é esverdeado. É aqui que o planejamento para a filmagem começa e inclui aspectos como finalizar o roteiro, o escotismo de localização, o orçamento de produção, o agendamento, as decisões de equipamentos e a contratação da equipe de filmagem, tais como como elenco, equipe de produção, diretor de fotografia, diretores assistentes, [inaudível] e, claro, super-importante o departamento de som. A partir daqui, chegamos à parte divertida, que é o processo criativo, e o roteiro é quebrado. O diretor também mantém discussões com os chefes de cada departamento e compartilha a derivação do filme. Em última análise, a produção também procura entender o que cada departamento exige para cumprir essa visão. Agora temos a produção, que alguns também chamam de fotografia principal. Refere-se a quando o disparo real começa. Qualquer equipe adicional será contratada nesta fase, como supervisor de roteiro, maquiagem, iluminação e assim por diante. Neste ponto ocorrem ensaios com o talento, e é imperativo que você considere pelo menos seu mixer de som, mas, idealmente, seu operador de boom também para participar desses ensaios. Até agora, seus editores de vídeo e som devem ser contratados. Embora argumentemos nesta classe que isso deve ser feito a partir do estágio de pré-produção. pós-produção vem logo após o encerramento da filmagem. É aqui que materiais de áudio e visual são cortados juntos para criar o filme. Depois que o editor de vídeo montar filmagens , a pós-produção de áudio é iniciada. ADR planejado e o voice-over são registrados. Artistas Foley vêm ao estúdio e recriam todos os sons de movimento relevantes, e os editores de áudio para cada uma das cinco categorias de som, que são efeitos sonoros, Foley, ambiente, diálogo, e música, todos eles editam e confundem o material. Finalmente, o misturador de dublagem funciona no posicionamento de qualquer aprimoramento de edição, nivelamento de desequilíbrio, bem como preparar os materiais para sua entrega e codificação quando necessário. Finalmente, temos o estágio de distribuição. compromissos com os investidores são cumpridos nesta fase, a publicidade, é claro, e sua oferta de distribuição começa, e você pode ter que lançar filmes em cinemas, on-line, DVD ou qualquer outra plataforma de sua escolha. É também aqui que as antigas partes envolvidas no processo podem celebrar e esperar por deliberações sobre o sucesso ou o fracasso do projeto. Como você pode ver neste resumo rápido, você esperaria que o trabalho de som começasse o mais tardar no início da pré-produção e terminasse junto com a conclusão da fase de pós-produção. 3. Por que pré-produção em som?: Como cineasta, aposto que você passou inúmeras horas, dias e semanas, e Deus, até meses se preparando para todos os problemas de pior cenário que podem ocorrer durante as filmagens. Por exemplo, e se o guarda-roupa não funcionar ou não parecer bom e câmera? Temos tempo suficiente para entrar e sair de um local específico? O que acontece se sua câmera parar de funcionar de repente e muitas, muito mais. Você toma inúmeras precauções para esse planejamento, ter acordos em vigor, fazer scouting local, bem como muitas e muitas reuniões com o diretor e os chefes do departamento. Como você deveria. Mas agora pense em todos os problemas potenciais que você pode ter com o som. Talvez você já tenha uma longa lista deles, ou talvez você não tenha nenhuma porque você não tem ideia do que isso pode ser. Em ambos os casos, o que isso diz é que você precisa se preparar e trazer os especialistas o mais rápido possível. Quando falamos de reuniões de produção, por exemplo, você sempre deve incluir seu editor de som supervisor ou designer de som. Essa é a pessoa, é claro, coordenando sua pós-produção sonora e fazendo escolhas artísticas em relação ao som do seu tom. Você definitivamente também deve incluir, sem dúvida, seu mixer de som de localização. Sua experiência e conhecimento juntos ajudarão você a evitar inúmeras armadilhas. Se você acha que isso é muito cedo ou demais, espere até a pós-produção, você verá que não é muito cedo. Uma boa regra geral é que você deve entrevistar candidatos tanto para o seu design de som quanto para o som de produção a partir do momento em que seu projeto está esclarecido. Você deve ter contratado para eles no momento em que você mal começa a procurar locais, mas muito antes de ter feito qualquer rekey ou até mesmo seu olheiro de localização inicial e, na verdade, de preferência. Se você fez o escotismo de localização e tomou alguma decisão antes de ter sua equipe de especialistas em som a bordo, então você está atrasado demais. Por quê? Bem, simplesmente, quando o escotismo de DOPs e diretores pode ficar muito animado com os componentes visuais do espaço, e todos se esquecem de ouvir. É por isso que você quer que um profissional de som ali com você se concentre apenas no som. Mas entraremos em mais detalhes sobre isso na lição local e rekey. Além disso, você quer ter certeza de que sua equipe de som já está reunida para maximizar o resultado artístico do som em seu projeto. O som pode ajudá-lo a transmitir muito além do diálogo. Quando bem pensado, ele pode conduzir a narrativa, fornecer informações que não são vistas imediatamente na imagem e trazer emoções subjacentes que, e trazer emoções subjacentes em geral, agem de acordo com o sentido da noção. Trazer sons na fase de pré-produção pode ser a principal diferença do seu projeto e ajudá-lo a coletar todos os elogios que sua grande história merece. 4. Recrutar uma tripulação de som: Você pode me dizer, Anna, você me disse mil vezes que eu preciso uma equipe de som e um designer de som o mais rápido possível. Eu entendo. Mas quem eu preciso contratar então. Como essa equipe de som se parece? Bem, vamos começar com sua equipe de som de localização. Realisticamente, e particularmente para um longa-metragem com mais complexidade, você precisará de um mínimo de três membros da equipe de som, um resistente a mixagem de som, um operador de lança e um mixer de som. Em meus mais de 10 anos de experiência, encontrei várias vezes que a produção deseja reduzir os custos, optando por reduzir o número de membros da tripulação em determinados departamentos. Infelizmente, o som tende a ser um deles. Mas eu sempre sugiro comparar o departamento de som com o departamento de fotografia. Sua equipe mínima para o departamento de fotos é seu diretor de fotografia, seu primeiro assistente de fotografia e seu segundo assistente de fotografia. Os três tripulantes têm uma função vital. Tenho certeza de que você está mais do que ciente de que se você tirar uma da equação, sua foto sofrerá. É exatamente o mesmo com o som. Cada membro da tripulação tem uma função vital e tirar um deles pode levar a tempos de configuração mais longos, erros e, no geral, não aos melhores resultados que você pode obter. Agora, você pode ter visto tripulações menores. Bem, para curtas-metragens, que talvez não sejam muito complexas e sem muita ação ou atores, talvez você possa levar esse número para dois membros. No entanto, tenha em mente que, se você está querendo recrutar apenas duas pessoas, é melhor que elas sejam as pessoas mais experientes que você pode encontrar. Esses dois membros são, é claro, o operador de lança e o mixer de som. 5. Recruit uma tripulação de som — sonda de localização: Agora, o que cada uma dessas pessoas faz? Um operador de boom é um papel fundamental dentro do departamento de som e, ao contrário da crença popular, não é uma posição de entrada. Para o papel de operador de boom, você exigirá uma pessoa com um conjunto de habilidades que variam de resistência física, quero dizer, é claro, você viu um operador de lança resistindo por horas seguidas para obter o melhor som. Mas o mais importante, o que você realmente precisa é alguém com um ouvido excepcional e uma grande atenção aos detalhes também. Um exemplo disso, é a capacidade de dominar meus interessados cenas com vários atores em um tiro amplo, onde talvez muita conversa esteja acontecendo e quando a disposição do talento em um não tão perto distância entre si. Nesse cenário, o operador de boom precisa criar soluções criativas para efetivamente microfonar cada ator enquanto eles falam sem causar mudanças dramáticas, quedas no áudio ou pior ainda, produzir ruídos como resultado do pólo da lança se movendo de repente demais. O operador de lança trabalha com o mixer de som e o diretor de fotografia para coreografar rapidamente qualquer alteração de última hora. Além disso, o conhecimento dos operadores também se estende ao manuseio de uma variedade de microfones para diferentes situações. Normalmente, sua equipe de som virá ao conjunto com pelo menos alguns microfones de espingarda para captura de som é claro, e mais alguns para o ambiente interno. O operador de lança, bem como o mixer de som, ambos precisam conhecer muito bem o filho e identificar qual microfone de espingarda é ideal para cada cena, bem como entender muito rapidamente quando [inaudível] e a consistência precisa ser mantida aderindo ao mesmo modelo, por exemplo. Como luz e filtros, as decisões do microfone afetam mais do que apenas a qualidade do som. Há também decisões artísticas que podem retratar a voz de um personagem uma luz específica e talvez melhorar a narrativa em um nível subconsciente quando feito corretamente. Seguindo em frente, temos o mixer de som. Um mixer de som às vezes é a posição mais sênior da equipe de som. No entanto, diferentes equipes têm estratégias diferentes, é claro. No mínimo, é uma posição preenchida por um especialista em som que teve experiência com vários, se não todos os aspectos da produção sonora. Em nossa equipe, por exemplo, tanto o operador de boom quanto o mixer de som são considerados cargos seniores pois cada um de nós tem anos de experiência e desenvolveu habilidades específicas para nossas funções. Dito isto, geralmente o mixer de som é realmente responsável pela gravação geral do diálogo e outros sons durante as filmagens. Eles também detectam qualquer problema e sugerem soluções em nome da equipe de som na pré-produção como mudanças de localização, decisões de equipamentos de áudio e muito parecido com uma fotografia diretor, o mixer de som também pode influenciar no posicionamento do microfone e na relevância do personagem a finalidade de captura de som. O mixer de som também cria diferentes misturas de monitoramento. Uma mixagem de monitor é uma versão do que o dispositivo de gravação de áudio está capturando e, em seguida, é enviada para qualquer saída de áudio conforme necessário. Um exemplo disso é criar e enviar a mistura para o operador de boom para que eles possam ouvir a vida do microfone da espingarda, por exemplo, mas sem ouvir nenhum dos microfones de rádio ou microfones de ambiente que a mistura está capturando ao mesmo tempo. Outro exemplo muito realista é a criação de uma mistura que pode ser enviada para os fones de ouvido diretores e que pode incluir principalmente o microfone da espingarda, mas também um sinal muito menor dos microfones de rádio dando ao diretor uma imagem clara do que o microfone está ouvindo , mas sem ser muito caótico ou distrativo. Enviar um ajuste de som para o diretor é realmente importante, pois permite que o diretor não apenas mergulhe completamente no desempenho, mas também aumenta a conscientização sobre o som e os aspectos potenciais que pode arruinar um desempenho se não for levado em consideração. Ele também esclarece por que a equipe de som é sempre tão inflexível para que todos fiquem extremamente quietos no set, entre outras coisas. Dependendo do tamanho da equipe de som, a problemas técnicos adicionais também pode fazer parte da descrição do trabalho de um mixer de som que me leva à última função. O microfone sonoro resistente. Quando falamos de um som resistente ao microfone, existem várias responsabilidades que esse membro da tripulação pode ter. Uma coisa é certa, independentemente de qualquer uma dessas três funções. Você precisa de um especialista em ocultação de microfone. Em nossa equipe, essa tarefa é executada por Gaby Haley, que tem muita experiência ocultar microfones e criar soluções criativas para capturar o melhor som possível, mantendo microfones oculto e seguro. By the way, ela mostra muitas de suas técnicas e truques incríveis no curso e introdução ao som de produção para filme tudo para este canal. Mas, de qualquer forma, em outras equipes essa tarefa poderia cair na resistência do microfone sonoro, por exemplo, todos os microfones de som são pares. Tudo depende das habilidades e habilidades desenvolvidas por cada membro da tripulação. Em qualquer caso, certifique-se de que, ao contratar, você tem um especialista a bordo que pode ocultar microfones, pois esse aspecto geralmente é a diferença entre a captura super e ruim de áudio. Voltando ao som resistente ao microfone, uma parte crucial dessa função inclui o backup de dados. Isso é fundamental para garantir que estamos mantendo nossos dados sonoros seguros em todos os momentos. Ele também nos permite executar algumas das tarefas de preparação durante a filmagem, como marcação de metadados, por exemplo, preparação de relatórios sonoros para o editor, economizando muito tempo e agitação. Muitas outras tarefas técnicas devem se enquadrar no escopo do trabalho de resistência do microfone sonoro. Alguns deles incluem varredura de frequência para interferência, por exemplo ou configuração de microfones de rádio e microfones de ambiente, troca de bateria, cabeamento de segurança e solução rápida de problemas para mencionar apenas alguns. Hoje em dia, é bastante comum ver publicidade para procurar emprego para um operador de boom e microfones de som separadamente. há absolutamente nada Por sinal, não há absolutamente nada de errado com essa abordagem. Na verdade, alguns profissionais de áudio trabalham em uma base freelance estão muito acostumados a trabalhar dessa maneira e você pode obter resultados excepcionais. Dito isto, eu não descontaria o valor de encontrar uma equipe que possa oferecer membros para todas as posições pois isso certamente traz vantagens com ela, porque garante que, você tem uma equipe de som que é usada para trabalhar uns com os outros e que desenvolveu um sistema de comunicação eficaz e um ritmo que, claro , fará com que tudo funcione sem problemas. Se você quiser saber mais sobre o que procurar ao recrutar equipe de som e quais perguntas fazer para uma entrevista, acesse nosso curso sobre introdução ao som de produção para filme onde Gaby lhe dará dicas úteis para enfrentar esse trabalho. 6. Recruiting uma tripulação de som - designer: Em termos de seu designer de som, bem, som de localização e som de pós-produção são um conjunto de habilidades muito diferentes. Existem algumas equipes que têm muita experiência em ambos os lados ou que têm uma equipe grande o suficiente para que possam ter especialistas em cada área necessária e basicamente ver seu som concluído a partir do pré -produção para a fase de pós-produção. Este é certamente o caso da forma como Agave e eu, e nossa equipe, trabalhamos dentro de nossa empresa. De certa forma, isso é uma vantagem, é claro, porque se como cineasta você encontrar uma equipe que possa efetivamente responder a todas as suas necessidades sonoras, então, é claro, você pode ter certeza que o som será capturado de uma forma que seja benéfica para o design de som. Da mesma forma, você também pode garantir que seu designer de som esteja envolvido o mais cedo necessário no projeto e participar aspectos como o recce e o detalhamento do script, que é o que falaremos no próxima lição. Isso não significa que você sempre deve procurar seguir essa abordagem de contratar uma equipe completa. Ao procurar um designer de som, certifique-se de que seu compromisso com o projeto pareça bastante aberto e não exclusivo da fase de pós-produção. Quanto mais designer de som enfatiza a importância de se envolver cedo ou assim que você entrar em contato com eles, mais eles também têm dúvidas em relação à pré-produção. Você pode apostar que há experiência e disposição para contribuir de forma significativa para o projeto. Além disso, pediu para ver um rolo de demonstração ou prova de trabalhos anteriores e olhar para o estilo. Nem sempre se trata do número de créditos que eu diria, mas a qualidade deles está lá, por exemplo, um bom valor de produção lá? Você pode ouvir isso? Você pode ouvir essas obras talvez no cinema confortavelmente, você as imagina lá? Além disso, por exemplo, se o seu filme é horror, mas o designer de som não tiver nenhum filme de terror no portfólio, não os descarte ainda, mas pergunte por que o interesse pelo horror. Se o designer de som mostrar um ótimo comando e conhecimento do cinema de terror e definir exemplos de desenho para o seu roteiro, esse é realmente um bom sinal. Um trabalho anterior sobre o gênero não garantirá que o trabalho feito para o seu filme seja o melhor. Mas interesse e engajamento no projeto e sugestões pelas quais você se sente confortável e atraído, que é uma boa pessoa para trazer para sua equipe. Se você encontrou o designer de som com todas essas características, além de muita experiência no gênero do seu filme, provavelmente deve contratá-los em breve. 7. Desconto de scripts: Agora chegamos a uma das minhas partes favoritas de pré-produção. O detalhamento do script. Havia algo tão emocionante ler um roteiro pela primeira vez, que parece quase como descobrir algo novo. Quando fazemos um detalhamento do roteiro, há duas áreas principais nas quais você deseja fazer anotações, técnicas e artísticas. Leia o roteiro e destaque cenas difíceis, particularmente aquelas que têm espaços únicos ou difíceis. Temos estacionamentos, por exemplo? Ou você está preso em um trem em movimento nos primeiros 16 minutos do filme? Eu não sei. Temos várias cenas em um aeroporto real? Essas são todas questões de natureza de solução de problemas que você deseja fazer imediatamente e identificar ao ler o script pela primeira vez. Veremos mais sobre potenciais espaços problemáticos e o que um profissional de som procura ao fazer recce. No entanto, podemos identificar problemas específicos relacionados ao espaço e à localização, mesmo a partir do script. Isso é uma coisa muito valiosa a se fazer, pois permite que diretores e fotógrafos pensem sobre essas coisas ao fazer o escotismo inicial da localização. Outra informação muito importante que você pode obter dos scripts no lado técnico das coisas, diz respeito a quantas pessoas estão falando a qualquer momento em uma cena. São quatro pessoas ao mesmo tempo, duas ou talvez oito? Quão importantes são todos eles? Isso é crucial para entender a quantidade máxima de microfones de rádio, por exemplo, que você precisa. Se você tem 100 personagens no filme, mas não há uma única coisa que tenha mais de dois personagens falando ou se envolvendo em uma conversa, bem, provavelmente só precisa de três conjuntos de microfones de rádio, um para cada um desses personagens e um extra por cautela. Você também deve procurar no roteiro cenas coordenadas complexas. Um bom exemplo são aquelas longas sequências que são tentadas em um tiro e que se movem por uma ou várias salas. Você pode perguntar como a cena será coordenada. Haverá uma boneca ou talvez um Steadicam? Como o operador de boom pode navegar por essa cena dependerá muito de como a cena é filmada, mas também do conteúdo dela. Existe algum diálogo em andamento ou algum efeito sonoro que estamos capturando? Se tivermos que capturar alguns efeitos sonoros, também é importante fazer a pergunta, temos que fazer isso durante a apresentação da cidade ou pode ser feito em outro momento para evitar câmera e pessoas movendo-se em torno de ruídos? Um mixer de som deve fazer parte do processo de aprovação do recce e da localização, como já mencionamos muitas vezes. Tanto a produção quanto os diretores devem ser o mais acomodados possível. Além disso, como dissemos, porque o detalhamento do script é uma ótima maneira de identificar possíveis problemas, mesmo antes cineastas irem ao escotismo, isso significa que você pode levar em conta qualquer problema quando escolher um espaço em vez de dizer, apaixonado por um local, apenas para descobrir que ele arruinará performances de todos porque não funciona soando sábio. 8. Desconto de script: Parte 2: Agora, falando sobre os aspectos artísticos da quebra do roteiro, isso normalmente é feito pelo designer de som. Mas se você tiver uma única equipe como discutimos na lição anterior, pode haver sobreposições sobre as pessoas. No entanto, se o seu áudio de produção e pós-produção são equipes totalmente diferentes, também é ótimo obter a opinião dos mixers de som de sua localização do ponto de vista artístico. Isso pode garantir que os acordos entre diretor, designer de som, mixer de som de localização, DOP e equipe de produção também sejam feitos para que todos os aspectos do planejamento tenham em mente áudio para fins artísticos também. Para a quebra artística de áudio, podemos começar visualizando todos os objetos em uma cena e quais sons eles produzem. Nossos cérebros são realmente bastante interessantes no sentido de que quando você lê qualquer história, seja um roteiro ou qualquer outra forma narrativa, não podemos apenas imaginar como os objetos se parecem, mas também podemos anexar uma memória sonora a eles. O ato de visualizar objetos e ouvi-los em sua cabeça pode trazer para o primeiro plano alguns elementos dentro da cena que podem não ter sido pensados pelo roteirista como significativos, mas eles podem servir para a narrativa por causa do som que eles fazem. Em um dos filmes mais recentes em que tive a oportunidade de trabalhar, havia duas cenas que mencionam um relógio dentro de uma sala específica. Nisso, o personagem ou caractere específico olharia e veria a hora. Essa foi tanta descrição quanto o script realmente daria. No entanto, minha equipe e eu começamos a perceber outros elementos através como a narrativa que apontava para o tempo com bastante clareza, como um sino da igreja e não apenas isso, mas toda a narrativa tinha um tema subjacente de tempo, idade e vulnerabilidade por causa do tempo e da idade também. Isso nos deu a ideia de que o relógio naquela sala poderia ser um personagem adicional que poderia se conectar com a narrativa e aparentemente correndo contra o aspecto do relógio dentro dela. Propomos através do nosso detalhamento de script para que o relógio se torne esse elemento sonoro que, dependendo do contexto, seria mais ou menos proeminente dentro do som ambiente. Com base nessas notas, o diretor então decidiu adicionar algumas inserções desse relógio à lista restrita e, portanto, começou a desenvolver esse aspecto na narrativa também. Este é apenas um exemplo muito simples de como o som pode ser usado para encaminhar a narrativa assim como você usaria luz ou uma cor, e você pode fazê-lo a partir do detalhamento do script. Como cineasta, não tenha medo de tirar algumas ideias propostas pelo seu designer de som e integrá-las. Esta é uma das razões vitais pelas quais você tem um designer de som tão cedo. Lembre-se, os designers de som são artistas antigos, então use-os para melhorar ainda mais sua narrativa. Para esta parte da aula, gostaria de levá-lo através de uma cena em que fazemos exatamente o que acabei de descrever nos meus exemplos anteriores. Existem vários métodos que usei para fazer anotações no script normalmente e, se você receber uma cópia em PDF, poderá usar um editor como o Adobe Acrobat Pro. No entanto, você também pode usar uma versão de documento do Word e fazer praticamente a mesma coisa. Aqui para este exemplo, usarei o Adobe Acrobat pois é o software que normalmente uso de qualquer maneira, mas, no entanto, o processo de edição será muito semelhante em palavras e o que você decidir ir. Esses não são os únicos métodos para fazer isso. Eu sei que se você é, por exemplo, um diretor ou um roteirista, você pode estar usando um software de escrita de script e você pode achar mais fácil colocar suas anotações lá também. Isso é absolutamente bom. Seja o que for que você use, o processo criativo é praticamente o mesmo. Para esta lição, pegaremos emprestado um roteiro de um filme brilhante, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, dirigido por Michel Gondry. Existem muitos scripts brilhantes por aí com os quais você pode praticar, desde que respeite as regras de direitos autorais. Mas, para fins educacionais, existem alguns sites on-line onde você pode encontrar uma infinidade disso e praticar esse exercício quantas vezes precisar. Da mesma forma, se você tiver seu próprio roteiro enquanto faz este curso, por todos os meios, comece a quebrar o manuscrito com seu próprio trabalho. No entanto, para este exemplo de classe, faremos duas coisas. Primeiro, analisaremos o roteiro sem tomar qualquer consideração pelo filme. Se você já viu, tente tirar as memórias dele da sua cabeça, o que será bastante adequado para o filme. Se você não viu, então fantástico, você já está lá. Vamos ler primeiro e nesta primeira cena que estou apresentando agora. 9. Desconto de script: sol eterna de uma mente sem mente: Bem-vindo de volta. Agora que lemos esta cena de abertura do filme, Eternal Sunshine of the Spotless Mind , vamos começar. Agora, você não precisa escrever notas em nenhuma ordem específica, eu apenas encorajaria você a deixar suas ideias fluírem. Mas tome nota de cada pensamento que vem à sua mente. Para este exemplo, escolherei um marcador verde para todos os modos técnicos que você pode encontrar aqui. Já o selecionei e depois vou escolher uma cor amarela para tudo o que considero de natureza mais artística. Para dar um exemplo de como ir de verde para amarelo, por exemplo, vou selecionar essa frase dispersa aqui e, por padrão, você pode ver que ela é verde. Mas se eu quiser que seja amarelo, vou clicar nele e você pode ver a cor verde aqui, eu vou clicar nisso também e posso alterá-la. Vou usar este amarelo para qualquer nota artística. Vou excluir isso por enquanto. A primeira coisa que estou pensando depois de ler esse roteiro é como soa a falta de cor? Esta é definitivamente uma nota criativa. Vou destacar a frase que se refere à falta de cor realmente e vou escrever essa pergunta ali. Vou clicar nele e você pode ver uma pequena caixa de comentários no lado esquerdo que diz adicionar nota. Vou clicar nisso e essa é a minha pergunta que vou escrever. Como a falta de cores soa? Anteriormente no roteiro, tínhamos uma referência à cor cinza também, que você pode ver que há muitas referências de cores e é apenas um pequeno parágrafo o que é incrível. Para fins climáticos, cinza geralmente significa nublado ou chuvoso ou frio. Sei como uma pessoa sonora que a melhor maneira de retratar isso é ter um tratamento ambiente muito frio. Uma pergunta técnica a ser feita a este respeito poderia ser, quando isso será registrado? Quando ou quais são a data das filmagens de ouro realmente? Existe algum tipo de clima que estamos mirando para isso? De certa forma, esta é uma nota técnica, mas também artística. Como você já pode começar a imaginar que se você estiver filmando hoje em, por exemplo, uma tempestade de neve ou um dia chuvoso, isso pode causar alguns problemas na captura com o diálogo. Vou anotar todos esses nós nos meus scripts. Vou selecionar, é ótimo aqui, clicar nele e depois vou com minha nota criativa. Vou colocar uma nota dizendo que é questão criativa e técnica de fronteira também. Essas são todas as notas de que estávamos falando agora. Vou postar esses. Agora, há muitos mencionados, quero dizer, desde o início temos uma menção à estação de trem aqui. Também podemos ter a sensação que o ar também que o som ambiente não está fluindo tanto quanto em um espaço aberto regular. As estações de trem são sempre um espaço estranho porque varia muito de estação para estação. Mas é bom entender se já houve vários locais diferentes que foram já houve vários locais diferentes avistados ou se não, o que normalmente é como mencionamos durante todo esse curso, a coisa ideal, vamos aqui com a ideia de que o diretor e a produção ainda não selecionaram e os locais com a Irish Siren Crew. Mas mesmo que eles não tenham selecionado nenhum local, o que eles estão pensando sobre a visão do diretório para essa cena? Que estação de trem é essa? Um branco fechou o espaço ou é um desses locais mais pequenos, o que parece mais porque estamos tendo uma descrição de uma plataforma aqui. As plataformas às vezes são um lugar estranho porque não estão completamente abertas, mas não estão em ambientes fechados. Qual é a visão desse espaço e, claro, quais são as implicações disso? No mesmo sentido, também podemos ter a sensação de que, como eu disse, o ar não tem fluxo e às vezes essa forma particular de qualquer estação a ser escolhida terá uma implicação definitiva. Vamos anotar isso e, em vez selecionar a seção específica, vou escrevê-la como um comentário geral. Para fazer isso, basta clicar aqui no ícone de comentário ou nota adesiva na verdade, e vou adicioná-lo ao lado da descrição da cena. Nessa mesma nota, estamos filmando na estação de trem. Uma das primeiras perguntas que eu provavelmente deveria ter escrito é temos diálogo? A razão pela qual eu pulei é porque obviamente não alcançamos. Nos faz muita sorte porque pode ser um problema muito grande estar em um espaço aberto onde pode não haver muito controle sobre as idas e vindas das pessoas. Não tendo diálogo, é uma coisa de muita sorte aqui. Definitivamente vai ser muito barulhento, como eu disse. Talvez tenhamos que refazer todo o design de som na pós-produção. Esta é definitivamente uma narrativa técnica, que novamente, vou acrescentar em oposição ao geral e vou apenas colocar isso no final e dizer, a maior parte do design do som potencialmente terá que ser feito no post- produção. mixer de localização definitivamente desejará capturar o máximo de trilhas selvagens possível a partir desta estação, idealmente sem pessoas. Mais uma vez, onde fica esta estação que é definitivamente importante. Como dito, presumimos neste momento que ainda não sabemos, mas isso é algo a acrescentar como consideração. Podemos nos livrar? Podemos tentar escolher um local onde possamos nos livrar das pessoas um pouco e fazer sessões de gravação curtas com apenas áudio, apenas faixas selvagens? Claro, isso não precisa ser feito durante o principal ou o cronograma de filmagem principal. Pode ser agendado em um horário diferente, mas isso é algo para um primeiro diretor assistente de produção considerar imediatamente. Novamente, é uma nota geral em vez algo que vamos destacar aqui. Vou criar outro comentário a esse respeito. Acabei de postar isso. Agora, eu adoro trens, não sei sobre vocês. Há uma paisagem sonora inteira na sala, que é muito legal. Mas qual é o papel deles aqui no filme nesta cena em particular, e como eles podem ajudar na narrativa? Isso me leva à intenção geral da cena, que é uma cena muito mais criativa na natureza, que me lembra, a propósito, definimos esta. É graça um pouco de questão técnica e criativa. Na verdade, vou mudar a cor aqui ou tentar, no mínimo, tentar. Lá vamos nós. Eu estava dizendo qual é a intenção da cena? Para mim imediatamente, o que estou vendo é essa mensagem imediata que parece falar de falta de individualidade neste mundo. Temos todas aquelas pessoas parecendo exatamente a mesma com apenas algumas pequenas luzes de individualidade aqui e ali com a forma do coração, caixa vermelha de doces debaixo do braço de alguém. Todos parecem praticamente iguais, quase preto e branco. Novamente, essa referência à falta de cor, e também vem um pouco como um reflexo da solidão que vem como resultado dessa falta de individualidade e todos realmente imersos em suas próprias vidas. De certa forma, os trens têm essa qualidade de notar muitas coisas como passar do tempo e o ambiente que é realmente ocupado e rico, mas afoga a individualidade de certa forma. Eu acho que todas essas coisas são muito, muito importantes de se notar aqui e começar a pensar em como o som pode denotar isso. Para mim, uma maneira pela qual podemos fazer isso é que se tivermos todos os personagens ou os movimentos das pessoas, sentimos pequenos e quase isolados, bem, o espaço que envolve tudo, é um pouco mais sufocado e assumindo o controle. Isso significa potencialmente ter tipo de ambiente que um pouco é realmente avassalador. Potencialmente treina indo e vindo, e vemos muito movimento potencialmente se as pessoas não estão se movendo, mas parece muito pequeno. Vamos colocar uma nota sobre isso aqui. Quero dizer, pode ser um pouco sufocado e assumir os movimentos das pessoas. Acho que isso é algo interessante para brincar. Outra coisa a ter em mente aqui é que há um grande potencial, uma ótima oportunidade para o compositor musical fazer um bom tema aqui. Isso é algo que você definitivamente quer estar aberto como designer de som e deslocamentos para fora, certifique-se de que ele está propondo coisas artísticas aqui. No entanto, pessoalmente, estou inclinado a essa cena em particular pressionar por uma cena sem música. Acho que isso definitivamente melhoraria esse sentimento que estamos olhando em termos de solidão. Às vezes, algo como silêncio ou mais parecido a percepção do silêncio pode deixar as pessoas realmente desconfortáveis, o que é algo que definitivamente pode ser usado a nosso favor aqui. Vou escrever isso também e dizer que definitivamente podemos usar o silêncio de forma inteligente aqui para criar esse senso de solidão, mas também sentimentos desconfortáveis. Acho que nessa mesma nota, outra coisa interessante aqui é ter um trem que puxa para a plataforma e vemos esses homens que se espreitam pelas escadas dois de cada vez. Acho que esta é uma daquelas situações em que o ambiente do trem e o ambiente geral ultrapassam. Podemos ver esse homem se movendo, mas realmente não ouvimos os movimentos, apenas vemos a ação e todo o resto assume o controle. Na verdade, vou sublinhar isso e vamos destacá-lo, mudar para amarelo e dizer exatamente isso. Este é um exemplo do que venho dizendo nos comentários. Acho que esse som aqui a abertura da porta, que precisa ser provavelmente um dos únicos sons que vai ser bastante brilhante no sentido de sua frequência e composição. Não só porque as portas do trem terão essa composição mais alta ou alta frequência para elas naturalmente, mas também porque precisamos de alguns efeitos sonoros aqui que nos dê um pouco de luz e nos diz este é o status quo, é assim que o mundo parece para esse personagem desconhecido até agora. Mas há um vislumbre das coisas que estão prestes a mudar para esse personagem desde o início deste filme. Definitivamente isso é algo a considerar e vou destacar isso também. Primeiro, vou colocá-lo como um novo criativo, depois adicionarei outro comentário dizendo, locais tecnicamente falando, vou misturá-lo vai querer gravar o maior número possível dessas portas de trem para poder têm efeitos sonoros originais que podemos então processar na pós-produção, em vez de ir para o que está lá fora. Aqui vamos nós. Vou parar um pouco aqui porque a verdade é que eu poderia continuar e continuar e continuar sobre isso. Há muito mais informações do que você poderia imaginar em um desses parágrafos no script. Não se trata apenas do que esses roteiristas querem nos dizer, mas também da nossa interpretação dos materiais. Para um parágrafo tão pequeno, como eu disse, nós já adicionamos muita informação aqui. Claro, isso é antes mesmo de falar com um diretor ou olhar para storyboards. Pegue esta cena que adicionei aos materiais desta classe e tente fazer sua própria versão. Depois de terminar, assista à cena de abertura do filme. Também deixei link nos recursos em para ver esta cena de abertura. Você verá o quanto a cena muda do que originalmente temos aqui no roteiro. De certa forma, muito do que a mudança tem a ver com o som na verdade, o que é muito legal de se ver, particularmente para os propósitos desta classe, porque você já pode entender como isso soa. Às vezes, vai ultrapassar a narrativa de uma maneira muito, muito bonita. Por favor, vá e tire algum tempo, dê uma olhada e pratique muito, ativos antes, pratique com esta cena, mas também você pode usar seu próprio trabalho ou você pode dar uma olhada online, há tantos recursos. Lembre-se de que, para este projeto de classe, você estará fazendo exatamente o que acabamos de fazer, mas com um trabalho original do incrível roteirista [inaudível]. O filme dela se chama Tomorrow, e eu vou carregar várias cenas onde você pode realmente tentar fazer isso. Tudo o que precisamos é de uma cena, não precisamos de mais de uma cena. Embora, claro, se você se sentir apaixonado por isso você entra nisso e quer fazer todo o curta-metragem, você é mais do que bem-vindo a fazer. É sempre incrível fazer esse processo do início ao fim, porque você já vai para a narrativa com todas essas notas. Duas coisas para você fazer neste momento, pratique muito com esse pequeno roteiro que vou colocar nos recursos, assistir a cena de abertura e, claro, começar a pensar sobre o seu projeto de classe também. 10. Conversos com o diretor: [MÚSICA] Uma vez que você tenha feito o detalhamento do roteiro, é hora de se sentar com o diretor e discutir a intenção e a visão geral. Se você é o diretor do filme, leia as notas do designer de som e dos mixers de localização. Se a visão e o sentimento que eles obtiveram ao ler o roteiro pela primeira vez forem extremamente diferentes do seu, então um pouco de orientação pode estar em ordem. Mas também, você pode tentar entender por que há tanta diferença no que eles perceberam durante sua primeira reunião e decidir se alguma de suas observações é fato válida e pode ser introduzida no narrativa. Esteja aberto a isso, pois tem o potencial de tornar seu filme muito melhor. Em suas primeiras discussões, é bom que ambas as partes tenham os roteiros com as notas. Os diretores podem começar permitindo que o designer de som e mixer de som de localização façam tantas perguntas quanto possível. Essas perguntas podem incluir idéias gerais sobre como será a foto, etc Se você já tiver um storyboard, envie isso para eles antes desta reunião inicial ou se você não fez tê-lo então, mas você faz agora, passe por isso com eles. Vamos abordar brevemente storyboards mais tarde nesta classe, mas o ponto é que este primeiro encontro permite que sua equipe de som esteja totalmente imersa em uma narrativa e basicamente compre o que você está vendendo. Se você mantiver essa conversa onde a palestra é mais artística, e você retratou suas intenções como nosso diretor e seus objetivos para a narrativa, como você diria com o diretor de fotografia, então você pode ter uma equipe dedicada a alcançar esses objetivos por meio de seu ofício. 11. Localização e RECE: Indiretamente, já tocamos em muita comunicação, mas pensei que só faria sentido ter uma lição que se concentra nesse processo e detalhes disso mais. Locais scouting e Recce são partes essenciais e estabelecidas da fase de pré-produção. Os termos são usados de forma intercambiável e a verdade é que, dependendo de onde no mundo você está trabalhando, você pode ouvir diretores e produtores usando um ou outro. O importante a saber é que geralmente há um escotismo inicial de localização feito por produtores e diretor no qual eles se concentram em selecionar algumas opções para um determinado local. Depois disso, um Recce ou um escotismo técnico, se você puder, ocorre onde chefes de departamentos, principalmente fotografia e você adivinhou direito, som, avaliam a adequação do espaço. É importante ter um grau de flexibilidade aqui, e é possível que a fotografia e o som não concordem em um local. É muito importante que os diretores mantenham a mente aberta e tentem entender a parte de por que uma pessoa sã está empurrando para um não com um local específico. diálogo é o seu objetivo número 1 ao gravar som em um filme, como você sabe, e isso ocorre porque um dos processos mais caros na pós-produção é o ADR ou a substituição automática do diálogo. Isso requer orçamento para aluguel de estúdio, tempo de registradores de ADR e muitas horas extras para seu talento participe das sessões. Particularmente para a independência, muitas vezes é o caso de que o orçamento é realmente apertado, então você quer ter certeza de evitar o ADR tanto quanto possível, não só capaz de tomar uma enorme parte dos seus recursos monetários, mas também pode ter repercussões no desempenho de seus atores. Se você realmente quer apelar para um local em que seu registro de som esteja marcado como um não, então é conveniente discutir o que pode ser feito para diminuir o impacto do ruído naquele lugar. Um bom exemplo disso é um espaço que, pela natureza do roteiro, deve ser quieto como um cemitério, por exemplo. Mas talvez esteja perto de uma estrada. Uma das coisas a considerar é parar o tráfego durante os tempos de filmagem. Isso envolverá permissões e gerenciamento em nome da equipe de produção, e definitivamente não é opcional. Isso absolutamente precisa ser considerado. Os diretores e a equipe de produção frequentemente olham o mixer de som para obter uma solução técnica, como um equipamento sofisticado, de última geração, ou até mesmo perguntam se diálogo pode ser talvez limpando a pós-produção. Quando muitas vezes a única solução viável não é técnica, como digamos, reduzir o ruído proveniente de uma estrada próxima, parando o tráfego por algumas horas ou desligando um sistema de horas ou desligando refrigeração que entra em ação em todos os momentos. Isso pode parecer inconveniente, mas acredite em mim, não há uma única peça de tecnologia que elimine os problemas de ruído de forma tão eficaz e simples quanto atacar a fonte dele. Lembre-se, uma vez que uma tomada de áudio é ruim, é equivalente a ter uma visão visual sem foco. Você pode dizer adeus a isso. Ele não pode ser corrigido na pós-produção. Por esse motivo, você precisa ter pessoas sólidas nesta fase, pois suas avaliações do espaço não limitarão a fontes de ruído nessa área específica, mas também incluirão coisas como varreduras de frequência de microfone sem fio e avaliações de requisitos elétricos. Você deve tratar a presença de seu mixer de som de produção nos locais de busca como não negociável. Porque uma vez que você está no local para filmar, não há como voltar atrás e as consequências podem ser muito grandes, e, claro, se você quiser olhar para isso de uma perspectiva de números, o que todos nós fazemos, pense que dor, duas ou três horas para o seu mixer de som e duas ou três horas para o seu designer de som tempo recorde irá economizar entre dezenas e centenas de horas faturáveis na pós-produção, dependendo da duração e o tamanho do seu projeto, é claro. 12. Localização e & — parte 2: Uma experiência pessoal que justifica por que você deve ter um profissional de som incluído em sua localização, é de um filme para o qual fizemos gravação de som. Precisava de um carrinho de cachorro-quente e fornecedor para ser filmado para essa cena. O diretor queria a sensação de uma cidade muito movimentada. Mas olhando para o storyboard em listas de finalistas, percebemos que o real e apenas filmado naquele local era um close-up e tinha muito diálogo muito importante. O diretor estava pressionando por um local que estava situado praticamente em uma das estradas mais movimentadas da cidade. Falando com o vendedor de cachorro-quente que participou do filme, ele concordou em fazer as filmagens em um local completamente diferente. Temos outro lugar com o mesmo sentimento visual , mas consideravelmente menos tráfego e menos ruído. Se não fosse por nossa insistência em procurar uma alternativa, a cena teria sido filmada lá e o desempenho arruinado completamente, pois a produção já estava confirmando local antes mesmo de nos consultar. Uma maneira legal de entender isso é que uma das principais diferenças de imagem versus som é que, quando você não gosta da aparência de algo, você tem a opção de mudar o posicionamento da câmera. Você pode ir mais perto, você pode ir mais longe. Não temos opções de assume-in, por assim dizer, com áudio. Se vemos uma fonte de ruído na tela ou não, não há muita coisa que possa ser feita para se livrar dela além de removê-la fisicamente. Se você quiser saber um pouco mais sobre isso e mesmo aqui um exemplo de quando isso se aplica, dê uma olhada na entrevista vinculada em nossos materiais do curso do mixer de som Jeff Wexler, falando sobre uma situação como esta . Se houver uma razão muito convincente pela qual você precisa filmar em um ambiente super barulhento e você não pode se livrar da fonte, considere o ADR, como mencionamos antes. Mas, novamente, é claro, lembre-se de que, mesmo com uma boa quantidade de orçamento, desempenho pode sofrer, pois até mesmo os atores mais experientes podem modificar a entrega porque o espaço e o tempo simplesmente não são os mesmos. Sempre visa obter o melhor e melhor diálogo nas filmagens. 13. Desorte no storyboard: storyboards são uma das coisas mais informativas, criativas e surpreendentes que podem ser feitas na fase de pré-produção, juntamente com a quebra do roteiro. Esta será uma lição muito curta em que teremos a chance de olhar e analisar uma cena muito legal do filme Gladiator de Ridley Scott. Em vez de escrever nossas próprias notas, entretanto, tentaremos ler este storyboard de uma perspectiva de filme e tentar entender o que isso significa do som em termos de ambiente e efeitos. Não estou assumindo que todos tenham visto o filme, então, em nossos recursos de classe, haverá um link para essa cena para que você possa relacioná-lo com o storyboard. Se você não viu o filme, você pode pressionar pausar aqui e assistir o vídeo da cena primeiro. Com o storyboard você essencialmente tem uma lista restrita, aqui eu tenho oito fotos diferentes mostrando o que está acontecendo na cena, e eu não entrarei nos detalhes de ter tigre real e como é isso será coordenado, embora esta seja provavelmente uma das primeiras perguntas que um mixer de som de localização fará ao falar com o diretor e a produção, depois de primeiro ver o roteiro, é claro. Mas no nosso tiro número 1, temos um close-up médio em ângulo baixo aqui, e tudo o que vemos é a magnitude do tigre. Mal vemos o rosto no fundo do personagem, mas isso já é dado tanta indicação sobre o ambiente. Nossa perspectiva não é de um coliseu aqui, mas do que quer que o tigre esteja vindo, e isso é uma coisa muito boa a considerar como, toda essa cena será carregada por um som poderoso de uma multidão em torno do ação inteira. Ter momentos em que essa intensidade no som pode ser equilibrada com a perspectiva diferente é super útil para criar uma narrativa mais convincente. Veja como os Shots 1 e 2 aqui são todos sobre o movimento do tigre. Há uma marca clara do esporo do tigre e presumivelmente o material do chão e o chão é areia, é claro, a pegada já nos deu uma dica quanto peso queremos ter no tigre movimento. Esses dois tiros também são uma pequena quebra de som, como eu disse, que antecipa a primeira tentativa de ataque do tigre no Shot 3. Aqui no Shot 3, o som da blindagem e reagente do personagem principal é importante para trazer para o primeiro plano, bem como outros elementos, mas quase em menor medida, coisas como a mudança do tigre, por exemplo. No geral, no entanto, os movimentos dos personagens principais e seus passos, as espadas e os escudos são a principal fonte sonora que você precisa observar neste Shot 3. Também o ângulo baixo de tiro imediato nos diz de uma perspectiva sonora que os movimentos individuais serão mais proeminentes do que o barulho da multidão porque não estamos vendo tudo de uma grande perspectiva. Tiro 4 aqui é super crucial porque é o primeiro momento desta mini sequência em que temos uma imagem clara do contexto e do espaço. Os sons da multidão serão ultrapassados nos movimentos, e isso é da minha opinião, é claro, os gladiadores se tornam menores e temos um ângulo alto que tenta nos dizer um pouco mais sobre a falta de poder que esses gladiadores como personagens realmente têm no grande esquema das coisas. Eles são grandes guerreiros, mas são realmente impotentes, e isso é realmente refletido por esse tiro branco de alto ângulo. Isso realmente animações também filmadas, é muito bem pensado, acho que porque isso nos coloca nesta posição de expectadores literalmente. Somos então ultrapassados pela multidão com o som. É isso que sou ambicioso. Se eu estivesse fazendo o design de som para esta cena, eu diria que este é o momento em que temos o rugido quase paralelo de toda a multidão, e como as pessoas assistindo ao filme, ficamos imersos nesse som. Agora, no tiro número 5 aqui, o que temos é um ângulo baixo de tiro médio. Mais uma vez, temos os sons do tigre, tiros em conflito, e Shot 6 é um dos meus favoritos na verdade, um tiro médio de ângulo muito baixo e uma visão do imperador, bastante literal representação de seu poder de certa forma. Pequenos parênteses a propósito aqui para dizer isso, perceba como os ângulos na luta, quando estamos vendo que os máximos do personagem principal também são ângulos baixos. De certa forma, está representando um tipo diferente de empoderador poderoso, eu acho. Eu sugeriria que o Shot 6 é outro pequeno respiro em termos de som de toda a ação, que pode olhar para um pouco mais da psicologia dos personagens também, e onde nosso ouvidos de um fundo um pouco mais técnico podem literalmente ter uma pequena pausa. Agora temos uma parada e rompemos abruptamente do intervalo no Shot número 7 com a imagem do esporo do tigre bem aqui. Essencialmente, queremos um papel muito claro aqui como o som principal, e o som da carne é algo bastante visceral. Por fim, mas não menos importante, temos o Tiro 8, que está amarrando toda a narrativa de uma forma muito bem, aquela imagem da corrente, muito proeminente. O som aqui pode dar com precisão ao expectador uma sensação de enjaulamento, por assim dizer, o mesmo sentimento que, infelizmente, os personagens principais estão sentindo ao longo da narrativa. Como você pode ver, você pode obter tantas informações sobre como tocar com o som, como capturá-lo e o que isso significa para a história que você está tentando contar. Vou [inaudível] o storyboard mais outro do filme Pacific Rim, e tentar fazer essa análise também, e pensar, se você fosse o diretor ou o designer de som, o que você gostaria ouvir em cada cena? Divida-o, adicione algumas notas e compartilhe com todos. Vou deixar minha decolagem, os storyboards de gladiadores, bem como sobre os recursos da classe para sua referência. Feliz storyboard colapso e divirta-se muito. 14. Som e guarda-roupa: Esta é uma lição rápida sobre a relação entre som e guarda-roupa. Uma das primeiras coisas que um mixer de localização profissional pedirá é falar com a cabeça do guarda-roupa e descobrir o máximo possível sobre as escolhas de guarda-roupa. Como produtor e como diretor também, você quer instigar uma linha direta de comunicação entre o guarda-roupa e os departamentos de som. Do ponto de vista técnico, guarda-roupa vai querer considerar o impacto sua escolha tem na captura de som durante o filme. Perguntas que todos vocês querem se perguntar são, por exemplo, quais materiais os atores estão usando? Existem cenas em que os atores estão nus e dialogam ao mesmo tempo? Onde isso ocorre? Por exemplo, é um local onde podemos esconder um microfone em outro lugar, em vez no talento real, as pessoas reais? Capturando esse diálogo sem problemas. Quão perto está o tiro? Isso também pode ajudar. Também pode ser o contrário. Quantas camadas de roupa o ator está vestindo? Isso cria conflitos ou adiciona ruído aos microfones de lapela possivelmente? É importante permanecer aberto e entender que mudanças na roupa podem ser possíveis se elas não funcionarem com som e, potencialmente, uma escolha ligeiramente diferente de materiais ou camadas pode ser um salva-vidas. Outra razão pela qual uma sinergia entre os departamentos de som e guarda-roupa é crucial é porque técnicas como costurar microfones e outros truques inteligentes para esconder microfones na roupa do talento pode ser a diferença entre áudio mal capturado e áudio soberbamente capturado. Gabby passa por um conjunto de técnicas surpreendentes sobre como ocultar microfones em nosso curso e introdução ao som de produção para cinema. Se você estiver interessado, vá e confira isso. 15. Conversas com o departamento de produção: A equipe de produção tem muito a ver com o som. Eles são o principal ponto de contato em termos de orçamento e agendamento, mas também o principal ponto de contato entre o áudio e o resto da equipe de filmagem. Se você faz parte da equipe de produção, você estará interessado em saber sobre o básico do áudio e como isso o preocupa. Falamos muito sobre equipe de som e quem contratar, mas é igualmente importante entender o básico do equipamento também. Equipes de som profissionais terão seu próprio equipamento. No entanto, e claro, dependendo das necessidades do seu filme, você pode descobrir que equipamentos adicionais precisam ser alugados ou contratados. Por esse motivo, vou listar os tipos mínimos de equipamentos necessários para qualquer filme. Primeiro de tudo, você precisa pelo menos um dispositivo de gravação que possa capturar o som de alta qualidade. A maioria das equipes de som profissionais terá, pelo menos, uma, mas de forma mais realista, estamos todos carregando vários equipamentos conosco para atender às nossas necessidades e ao meio ambiente em que precisamos gravar, potencialmente dois ou três gravadores de dispositivos de áudio. Outro equipamento crucial é um microfone de espingarda. Novamente, uma equipe de som de produção terá várias opções e terá feito uma avaliação técnica no estágio de rekey para determinar quais pedaços de equipamento são mais adequados ou quais microfones realmente são mais adequados para cada local, e cenas potencialmente diferentes também. Microfones de rádio e lapela de boa qualidade são uma obrigação, pois seu mixer de som vai querer gravar várias opções de diálogo para que você não esteja apenas confiando no microfone da espingarda para pós-produção. Certifique-se de que você tenha conjuntos de microfone de rádio suficientes disponíveis. A regra é que você sempre recebe pelo menos, um, mas de preferência mais dois conjuntos de microfone de rádio do que a quantidade de pessoas falando em qualquer cena. Cabeamento, eletricidade, fita adesiva, consumíveis para ocultação de microfone, microfones de sala, todas essas coisas também são necessárias. Além disso, e se você estiver gravando do lado de fora, você deseja ter várias opções de pára-brisas para as espingardas que sua equipe de som usa. Se todos os microfones de espingarda pertencerem à equipe de som, é muito provável que eles tenham pára-brisas que se encaixam neles. Mas se você estiver alugando microfones de espingarda, você quer ter certeza de que eles estão incluídos no seu kit de aluguel. Postes de lança e suportes de diferentes tamanhos também devem fazer parte deste kit básico. Fazer backup de unidades e uma boa conexão com a Internet é sempre uma obrigação, não só para a equipe de som, mas para toda a produção. Potencialmente, um sistema de aluguel sem fio é necessário se você estiver em locais remotos ou não tiver acesso regular a conexões Wi-Fi ou de linha. Como gerente de produção, certifique-se de estar em contato com o departamento de som e pergunte se algum equipamento adicional é necessário para locação. Nesta mesma nota, e agora falando sobre orçamento e para terminar esta lição, tenha em mente que, quando você está contratando uma equipe de som, você não está apenas pagando pelo tempo deles, você também está pagando por eles equipamentos e o transporte de tais equipamentos. O fato de que muitos desses equipamentos vêm com a equipe de som não significa que esse custo não deve ser orçado. Se você os separar, você pode ver como o custo começa a subir e ficando bastante alto. Para ter uma ideia de custos realistas de produção como equipes de som e seus equipamentos, visite as taxas de som de produção Bectu e o orçamento de acordo. Deixaremos um link sobre nossos recursos de classe para você verificar. 16. de som - um guia curto para diretores assistentes: Uma coisa muito importante a ter em mente é agendar o som. Se você é um primeiro diretor de sistema, o que é necessário para o som, você precisa saber, muito simples. Horário sempre agendado para faixas selvagens. Você precisa pelo menos uma gravação de faixa selvagem para cada local todos os dias. Uma faixa selvagem é uma gravação de som em uma sala sem atores ou equipe. O som da sala quebra por assim dizer. O que pode lhe dar uma visão geral do espaço. Ele é utilizado para várias finalidades durante a pós-produção. Mas dois dos maiores são, em primeiro lugar, ter uma amostra do espaço e poder usar essas gravações como faixas ambiente, colocando-as quando necessário durante a edição do som. Outro uso super crucial para essas faixas selvagens é que, se você tiver uma gravação da sala sem ruído humano, você também pode usá-lo para corrigir qualquer ruído de sala, como hums elétricos ou hums de refrigeração, ou qualquer uma dessas coisas que você possa ter em um lugar específico. Se você estiver filmando por um dia inteiro no mesmo local, lembre-se de que você pode ter que agendar várias gravações de faixas selvagens para retratar o som da sala em momentos diferentes do dia, muito parecido com a luz. Além disso, e particularmente para filmes de pequeno orçamento, você pode considerar a gravação voice-over como parte de seu cronograma de produção. Isso pode ter benefícios de uma perspectiva de orçamento e tempo, mas também do aspecto do desempenho. Como você pode colocar a atriz no espaço certo para entregar a maneira como o diretor ambições. Em última análise, e outro truque de menos uso é potencialmente agendar pedaços e pedaços de ADR durante a produção, configurar uma tela e obter algum tempo para os atores fora das filmagens regularmente agendamento para entregar em uma cena já gravada. Mais uma vez, isso pode ter comprado benefícios orçamentários e de desempenho pelas mesmas razões que a overdose de voz. Se, como primeiro diretor assistente, você levar essas coisas em consideração, você já está 10 passos à frente do que é necessário para capturar o som ideal para o filme. 17. Conversos com o departamento de fotografia: Um dos relacionamentos mais importantes durante as filmagens de filmes é aquele entre os departamentos de fotografia e som. Foto e som são dois lados da mesma moeda, e eles devem trabalhar juntos para garantir que a visão geral seja sustentada pela forma como eles funcionam. Para começar, o som precisa se comunicar com a foto para descobrir as seguintes coisas. Primeiro de tudo, para que taxa de quadros está gravando imagens e, em segundo lugar, para qual câmera eles estão usando? É crucial ter um sistema de gravação dupla no qual a câmera esteja capturando áudio para fins de referência ao mesmo tempo em que o dispositivo de áudio. Algumas câmeras não têm microfone embutido. É fundamental como diretor de fotografia conscientizar o departamento de som para que o mixer de som planeje e talvez concorde com uma solução como conectar um microfone externo à câmera, por exemplo, ou dobrar em outros métodos de sincronização para suportar o editor na pós-produção. A taxa de quadros também é super importante por esse motivo. Ter um áudio que é preferencialmente sincronizado, mas mínimo na mesma taxa de quadros permite que o editor sincronize facilmente a imagem com o som. Além disso, quantas câmeras estão sendo usadas no filme? É apenas um ou mais de um? Isso é super importante para a equipe de som saber, pois afeta diretamente o posicionamento do microfone, o operador da lança, é claro, e até mesmo o número de membros da tripulação que precisam fazer parte do departamento de som. Talvez um segundo operador de lança precise fazer parte da tripulação ou ser trazido como uma solução para essa dificuldade potencial. Por fim, mas não menos importante, o departamento de fotografia deve considerar fornecer uma imagem ou um relé de tela para o mixer de som também. Isso pode ser feito em conjunto com a imagem fornecida para o supervisor do script, mas também como uma tela separada. Isso permitirá que o mixer de som equilibre o áudio de acordo com o que está acontecendo na foto. Todos esses aspectos básicos permitirão que ambos os departamentos trabalhem em sincronicidade e em direção a um objetivo comum. 18. Considerações finais: [MÚSICA] Parabéns. Chegamos ao final desta aula. Espero que você tenha achado o conteúdo fornecido útil e talvez até divertido. Falamos sobre todos os conceitos básicos de reprodução de som para filmes sob a perspectiva, não só dos profissionais de som, mas também do diretor de cinema, equipe de produção e fotografia. Também realizamos vários exercícios como quebra de script e uma análise de storyboard, ambos os quais, a propósito, são cruciais e feitos como padrão em ambientes profissionais. Eu realmente espero que você se sinta confiante usando essas técnicas no futuro para fazer você trabalhar o melhor que pode ser e, claro, usar o som como uma poderosa ferramenta artística cheia de possibilidades. Em breve lançaremos novos conteúdos, incluindo um curso de som de pós-produção, que ao lado desta e da nossa outra classe, uma introdução ao som de produção para cinema, lhe dará um conhecimento completo e as ferramentas corretas para ter sucesso ao trabalhar com som. Boa sorte, filmagens felizes e obrigado por assistir. [MÚSICA] 19. Classe de bônus: análise de script LOTR: Eu queria fazer um exemplo diferente. Agora com um dos meus filmes favoritos, que é O Senhor dos Anéis. Esta é uma Irmandade do Anel. Na verdade, o que eu realmente gosto dos roteiros que eu vi agora é que ele tem muitos detalhes, na verdade. Basta rolar um pouco por ele. Você pode ver isso apenas nas primeiras sequências e você pode se lembrar do filme se você assisti-lo e se você não assistiu, por favor, vá e assista. Mas você tem tantos detalhes. Começamos com uma montagem de imagens diferentes e muita narração muito poderosa, narrada por um dos personagens principais. Temos até detalhes sobre o que o super, o que as telas estão realmente dizendo, quais títulos temos. E temos muitos detalhes sobre som. Portanto, esse é praticamente sonho de um designer de som, porque você já tem muitos detalhes sobre como o som será parcelado com a imagem. Além disso, você tem a voz aqui, é claro, o que é uma indicação muito direta do que o tratamento sonoro já será. Mas também para o mixer de som de localização. Eles já estão pensando, isso é legal acontecer em um local específico, ou podemos fazer isso na pós-produção? Quero dizer, para um trabalho da magnitude e do orçamento do Senhor dos Anéis. E como você provavelmente ouviu, se você está interessado nos bastidores de grandes filmes como este. Muito do que está acontecendo neste filme realmente aconteceu na pós-produção. Então, havia muito ADR. O orçamento, embora se estenda consideravelmente por causa disso. Além, é claro, de todos os incríveis efeitos visuais e especiais que o próprio filme tem. Mas muitos garotos estão acontecendo. Muito tratamento das vozes acontece. E tudo isso é feito junto com o filme, é claro, mas também durante a fase de pós-produção. Então, novamente, você tem coisas como imagem do Flickr à luz do fogo, tantos detalhes. Então, isso está dizendo a você como a montagem vai parecer já no roteiro. Então chegamos a este ponto e estamos no dia do corredor interno. Já temos coisas nas instruções sobre o que a câmera vai fazer. Portanto, mesmo que você não tenha um storyboard disponível para o seu designer de som e para locais não sejam MOOCS ou você já tenha tantas indicações no papel sobre o que a câmera vai fazer, qual será a posição. E a partir de um Locations eu vou misturar como dizer sons e isso é um sonho porque você já, você já está pensando nos aspectos técnicos das coisas. Faixas de câmera, Lá está indo , você sabe, vai haver um movimento. Quão significativo é o que estamos vendo aqui do lado bom, da perspectiva do mixer de som de localização imediatamente. Acho que isso não é tão complexo quanto parece porque muito do que está acontecendo aqui, não há diálogo. O ambiente pode ser completamente redesenhado na pós-produção. E isso provavelmente é ainda melhor para ser justo. Porque você não quer os ruídos das faixas de bonecas, das faixas da câmera, do movimento ou da equipe de filmagem. Mas também se você fizer isso na pós-produção, terá mais controle ao definir isso. O que é esse espaço e o mixer de som de localização precisa estar realmente ciente porque provavelmente muitas faixas selvagens terão que ser coletadas aqui de dentro, de fora para que você possa ajudar o processo de pós-produção seja o melhor possível. Agora, esta pequena cena aqui onde vemos Bill estava sentado em sua mesa com a caneta na mão. E seus meninos dizem lá e de volta, espero que sua cauda por Bilbo Bolseiro, que é o que o roteiro diz aqui. Fechar em um close do livro, imediatamente divulgado está dizendo que o som é importante chamado de perto o suficiente na parte de trás. Mostrar o livro e depois, e depois fechar aqui, isso é muito, muito, muito importante. Então, não vou entrar em muitos detalhes como fizemos com o Sol Eterno da Mente Sem Lembranças. Não vou fazer as anotações, mas também vou deixar esse roteiro nas notas que você possa praticar mais. Agora, se você quiser fazer mais de um roteiro para o seu projeto, você pode fazer. Você não precisa fazer tudo isso, todo esse roteiro, é claro, tem 173 páginas. Muito, muito longo, mas você definitivamente pode escolher uma ou duas pequenas cenas aqui e tentar fazer o mesmo. Acho muito interessante ter um filme que é uma saga épica e fantástica, O Senhor dos Anéis. E também ter algo que tem um tom mais dramático, como o Sol Eterno da Mente Sem Lembranças. E compare como o processo criativo é praticamente o mesmo, mas como os nós mudam por causa do gênero, porque o que você tem na tela por causa do conteúdo dele.