Impressionismo com tinta guache

1. Apresentação do curso: Olá, meu nome é dizer que leoa, sou um artista de mídia e bem-vindo à minha classe. Impressionismo com goulash. impressionismo foi um movimento artístico no final do século XIX que é extremamente popular e admirado hoje. Eles eram um grupo de artistas que romperam com os cânones da arte acadêmica que os artistas aderem por séculos. Os impressionistas trabalharam ao ar livre, observando as mudanças de luz e pintando a vida ao seu redor e adicionando sua visão única às suas obras de arte. Nós, como artistas do século XXI, podemos aprender muito com o período do impressionismo. Nesta aula, daremos um pequeno passo nesse aprendizado. Como você provavelmente sabe, a melhor maneira de estudar uma obra de arte não é apenas olhar para ela, mas tentar copiá-la. Estudaremos pinturas de Auguste Renoir e Claude Monet e tentar entender sua interpretação da forma e uso da cor. Então tentaremos aplicar a mesma abordagem à nossa própria pintura para tornar minha tarefa um pouco mais fácil, vou começar com pinturas florais e não com retratos e paisagens, que esses artistas pintaram Platão como bem. Como não trabalho com óleos como Renoir e dinheiro, usarei goulash. Uma das lições desta aula será dedicada a lavar. Vou explicar que tipos de goulash estão disponíveis para artistas nos dias de hoje. Também vamos dar uma olhada em como misturar e aplicar goulash na nossa superfície de pintura. E falaremos brevemente sobre outros materiais que precisaremos para criar réplicas nesta classe, bem como nossa pintura original. Depois de fazer esta aula, espero que você esteja familiarizado o suficiente com esse maravilhoso meio. Inclua isso em sua caixa de ferramentas artística. Vamos começar. 2. As origens do impressionismo: Bem-vindo à classe. Primeiro, vamos nos fazer a pergunta, quem foram os impressionistas e por que devemos aprender com eles? No século XIX, arte foi estritamente arregimentada devido ao sistema de academia em vigor na Europa na época, o sistema da Art Academy começou no século XVI com a fundação da academia acompanhar empresa. Eles são projetados novos em Florença, Itália. Isto foi seguido pela Accademia di San Luca, fundada cerca de uma década depois em Roma. Accademia di San Luca serviu de modelo para a academia. Oh sim, eu mergulho neste grupo fundado na França em 1648. Esta academia que mais tarde se tornou a Accademia di bizarre. A academia francesa foi fundada em um esforço para distinguir artistas que eram cavalheiros praticando uma arte liberal de artesãos envolvidos em trabalho manual. Em meados do século XIX, a academia, os arcos são dominados pela arte francesa. Eles se viam como o preservador dos padrões tradicionais de pintura francesa de conteúdo e estilo. Assuntos restritos a temas históricos, mitológicos e religiosos. retrato foi encorajado. A preferência estilística foi dada a disfarçar a mão do artista onde nenhuma pincelada era visível. Assim, mesmo quando examinadas de perto as pinturas mantêm sua aparência realista, restrição , cor e uso do preto caracterizaram seu estilo acadêmico no início dos anos 1960 para o jovem pintor. Então, estudando sob seus artistas acadêmicos, brilho afiado descobriu que eles compartilhavam interesse em pintar a paisagem e a vida contemporânea vez de cenas históricas e mitológicas. Eles eram Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley e Frederick por x2. Seguindo uma prática que se tornou cada vez mais popular em meados do século, muitas vezes se aventuravam no campo juntos para pintar ao ar livre. Artistas trabalhavam ao ar livre antes, mas apenas para fazer estudos. Mas esses artistas trabalham de forma diferente. Eles estavam ao ar livre com a intenção de criar trabalhos acabados fora do estúdio pintando à luz solar diretamente da natureza e fazendo uso ousado da cor, eles começaram a desenvolver um isqueiro e maneira mais brilhante de pintura. Esses artistas costumavam se reunir no café parisiense para discutir a arte. Essas discussões eram muitas vezes lideradas pela casa de Edouard Manet, os artistas mais jovens muito admirados. Otomano, não se associou a impressionistas, mas foi o primeiro a começar a pintar pessoas reais em réplicas de assuntos clássicos que extremamente escandalizaram a sociedade. Ele é considerado a inspiração do impressionismo. O grupo inicial de impressionistas logo se juntou a Camille Pissarro, Paul Cezanne e Armand de amount. E durante a década de 1960, o júri do Salon rejeitou rotineiramente cerca de metade das obras submetidas à grande exposição anual de Edouard Manet, Claude Monet e seus amigos em favor de obras de artistas fiel ao estilo aprovado. Enquanto o júri do Salon rotineiramente aceitava nus em pinturas históricas e alegóricas, eles condenam Manet por colocar um nu realista em um cenário contemporâneo em sua pintura através do tradicional almoço de camada de seda em a grama onde ele retratava em mulher nua e para fechar o homem no piquenique que obviamente não criaturas mitológicas , mas parisiense regular. Depois do imperador Napoleão, o terceiro viu as obras rejeitadas de 1863, submetidas ao Salão de 1863. Ele decretou que o público fosse autorizado a julgar a obra por conta própria. E só isso, há alguns Zai foi organizado enquanto muitos espectadores, quando eles são apenas para rir do cilindro recusá-lo, chamaram a atenção para a existência de uma nova tendência na arte e atraíram mais visitantes do que o salão regular. Em dezembro de 1873, manet Renoir e alguns outros artistas organizaram sua própria sociedade independente. E a exposição ocorreu em abril e maio de 1874 durante a exposição. Assim, o artista não associado à academia exibiu mais de 200 trabalhos que foram vistos por cerca de 4000 pessoas. Como esperado, a grande maioria dos críticos de arte era muito míope, conservadora, e tinha muito pouco bom a dizer sobre esse novo movimento artístico crítico e bem-humorado, Louise Bourgeois escreveu uma crítica mordaz em que fazer jogos de palavras com o título de Impression Sunrise de Claude Monet e Christiane Soleil avant. Ele deu aos artistas o nome pelo qual eles se tornaram conhecidos. Ele intitulou seu artigo, a exposição dos impressionistas. O termo impressionista rapidamente ganha favor com o público. Então o artista também aceitou em si mesmo. Artistas contemporâneos que não faziam parte do grupo inicial de impressionistas foram muito influenciados pela arte do cão, Cezanne Gauguin. Assim, a HA e muitos outros artistas dos séculos XX e XXI continuaram a observar e retratar o mundo ao seu redor dessa nova maneira. 3. O que é guache?: Impressionistas pintados com óleos. Este meio requer um tempo de secagem bastante longo e também uma limpeza bastante extensa após cada sessão de pintura, minha sugestão para esta classe é usar Deus, é um meio solúvel em água, mais fácil de usar, mais fácil para limpar. E a abordagem da pintura é muito, muito semelhante aos óleos, como óleos, hogwash geralmente é aplicado com camadas que cobrem completamente o substrato em que estamos pintando. Ao contrário dos óleos que os impressionistas pintados com guache secam rapidamente com um acabamento fosco, tornando o processo de pintura muito mais rápido. Como mencionei, é tinta solúvel em água. Então, durante o processo de pintura e também para limpar nossas pressões depois, estaremos apenas usando água. Go ash é feito de pigmentos naturais e sintéticos de água no aglutinante. Existem três substâncias que são usadas como binárias em guache pago Deus, que tem artista ou designer no rótulo, tem goma arábica tem aglutinante, o mesmo que coluna de água moderno Deus, tem um acrílico aglutinante e é basicamente tinta acrílica com acabamento fosco. Se o rótulo diz apenas goulash, o aglutinante geralmente é dextrina, que é amido de batata. Nesta aula, usarei arches goulash feito por M. Graham. Você pode usar qualquer marca de guache disponível, até mesmo guache acrílico. Todos eles funcionarão para as técnicas mostradas neste vidro. Artista, designer e guage baseado em dextrina funciona melhor fora do tubo. Você pode molhá-lo novamente com água, mas nunca terá a mesma consistência cremosa. Lavagem acrílica a seco não pode ser reconstituída. Portanto, não importa o tipo de vidro que você use, aperte-o na sua paleta logo antes de você pronto para pintar em uma pequena quantidade em fechados todos os recipientes tipo Lim para uso no palato, seja descartável paleta de papel. Você pode até pegar um pedaço de papel aquarela, talvez apenas uma sucata e usar que uma paleta de cerâmica também funcionará. Ou você pode até usar um prato branco. Ele vai limpar com água e sabão depois terminar a pintura, são os materiais necessários para guache à base de goma arábica que tenha artista ou designer no tubo ou para um Deus delicado como hemi, papel aquarela um bom substrato para sua pintura. Costumo tonificá-lo com aquarela antes de começar a pintar. Então, tenha um pequeno conjunto, Ei, papel índio não precisa ser caro. papel de algodão começou o suficiente para segurar uma camada de tinta, pelo menos 140 libras ou 300 gramas. Texturas mais suaves como prensado a frio ou prensado a quente. É preferível se você tiver um pedaço de quadro de ilustração que também funcionará. Nossa, pode ser solo frágil e seco. Você não quer pintá-lo em algo frágil, guache à base de acrílico funcionará em várias superfícies. Você pode pintar com ele em um novo papel grosso em painéis de tela ou em uma superfície de placa dura. Eu uso escovas sintéticas bastante pequenas, planas e redondas para o curso de artista, você também pode usar escovas de aquarela de cabelo natural. Para guache acrílico, eu usaria um conjunto separado, talvez o mesmo. Você usa pintura acrílica. Porque se mesmo uma pequena quantidade de tinta secar no pincel, você terá que usar solvente para removê-lo e isso pode danificar as fibras naturais. Dependendo da sua superfície, você precisará de um lápis ou um pedaço de carvão para esboçar seu desenho. Se estiver usando papel, fita adesiva e pode ser útil para manter o papel no lugar. E sempre tenha dois recipientes de água, um para lavar o pincel e outro para água limpa para pintura, e algumas toalhas para a limpeza. Todos esses materiais estão listados no documento PDF anexado a essa classe. Quando pintamos com goulash ou basicamente com qualquer mídia opaca, há duas maneiras pelas quais podemos abordar mostrando volume na folha plana de papel. Eu diria que o primeiro caminho é muito tradicional. Foi usado pelo artista que trabalhou com óleos ao longo dos séculos. O que eles fariam é criar um túnel sob pintura, basicamente resolver todas as relações tonais, encontrar todas as sombras, todas as cidades médias, elas não necessariamente usariam cinza. Com pintura a óleo, geralmente usamos umber cru ou CPO, algo semelhante para criar a pintura subterrânea deles. Os artistas deixavam essa camada secar e depois pintar camadas de cores transparentes sobre ela para mostrar cores de vários objetos. Esta seria a abordagem acadêmica que discutimos na lição anterior, que os impressionistas se afastaram de Outra maneira, maneira mais impressionista de pintar com uma maneira mais impressionista de pintar com paredes de guache ou acrílicos seja pintar com cores diferentes desde o início, misturar essas cores na paleta ou em papel ou tela. Vou mostrar as três maneiras de misturar cores em apenas um segundo. O principal aqui é que não temos uma pintura subterrânea. Começamos diretamente com cores e não usamos preto ou cinza ou qualquer coisa assim. Mesmo para sombras, as sombras têm Calit2 e elas são opostas em temperatura ao objeto que estamos pintando. Se minha folha é principalmente azuis e verdes com apenas um pouco de amarelo frio do que minha sombra é aquecida Roxo e tem um pouco de vermelho nela. É assim que crio a ilusão que há espaço entre a folha e, digamos a parede que ela lança uma sombra nesta explicação. Isso é um pouco simplificado. Haveria todos os tipos de exceções a essa regra, mas eu queria apenas mostrar o princípio principal, essas duas abordagens principais para esse problema. Como mostrar um objeto tridimensional em uma folha plana de papel e como criar a ilusão de volume e espaço em sua pintura. Então, um seria através, digamos, túnel em tons de cinza sob pintura com cores transparentes no topo. E o outro estará com cores desde o início e criando luz, tom médio e sombra com cores. Outro aspecto que eu queria discutir neste vídeo é misturar cores. Quando pintamos com guache, isso se aplica a outros meios opacos, como óleos e acrílicos. Com a primeira maneira seria a mais óbvia é a mistura mecânica. Tomamos alguns pigmentos. Digamos que eu tenha esse azul e vermelho primário na minha paleta e misture-os e eu fico roxo dependendo de quanto azul e quanto vermelho eu adiciono à mistura, vou ter diferentes tons de roxo nessa abordagem impressionistas realmente usados é a mistura óptica. Então você começa com uma cor e depois adiciona outras cores diretamente no papel. Você não cobre toda a superfície. Você não faz cores de pré-mistura. As cores se misturam quando o espectador olha para elas. É por isso que é melhor olhar para a pintura impressionista à distância, porque então a mistura óptica começa a funcionar e você pode ver não apenas pinceladas de cores separadas, mas você vê o que está sendo dito no foto. Isso é aproximadamente o que Claude Monet faria em suas pinturas. Ele pintava uma cor de base e depois adicionava alguns traços em cima dela para modificar a temperatura ou a tonalidade dessa área de sua pintura. Renoir fez uma coisa semelhante, mas suas pinceladas eram muito menores e todas elas têm cores diferentes. E quando olhamos para eles, eles criam uma área de determinada cor. Isso é o que dá a suas pinturas esse tipo de efeito cintilante. Alguns impressionistas levaram essa abordagem ainda mais longe e pintaram com pequenos pontos de cores diferentes. Os artistas que inventaram essa abordagem são George Ciroc. Ele é considerado o fundador do pontilhismo. Então aqui estão nossas três técnicas de mistura, mistura mecânica e dois tipos de mistura óptica. 4. Replicando os lírios de água de Monet: O primeiro exemplo que eu queria mostrar nesta classe são nenúfares de Claude Monet. Esta é uma das aproximadamente 250 pinturas de nenúfares que ele criou. A composição é bastante simples, então pensei que seria um bom começo para nosso estudo do impressionismo. Vamos descobrir como vamos replicar essa pintura. Vamos querer começar de formas grandes. E a maior forma aqui é a água, que também é uma área escura com uma grande mídia, geralmente trabalhamos do escuro à luz. Depois disso, passaremos para tons médios. Eu diria que seriam folhas. Eles têm algumas áreas mais leves, mas vamos adicioná-las por último. Em seguida, trabalharemos nas flores, que são a forma mais leve da pintura. E nosso último passo será adicionar pequenos detalhes, pequenas sombras nas folhas e nas flores, e também ajudar nos destaques. Agora que temos um plano de ação aproximado, vamos começar a trabalhar na pintura. Tenho uma folha de papel aquarela muito barato gravada na minha prancheta de desenho. É prensagem a frio, papel de 140 libras. É um substrato bastante resistente adequado para guache. Estou esboçando o contrato com o lápis apenas aproximadamente espaço. Não importa se eu não tenho o número certo de folhas ou os alelos são de tamanho ligeiramente diferente. O objetivo para nós é estudar a pincelada no processo de mistura de colunas. As cores que vou usar, vou apertá-las frescas na minha paleta de papel descartável, as cores quentes são amarelo-cádmio e Alizarina carmesim. E as cores frias serão azul ultramarino e cobalto. E eu estou pensando, vamos adicionar sienna queimada a cores quentes também. Isso me ajudará a obter aqueles verdes escuros que vejo na água. Vou espremer cores quentes no lado esquerdo da minha paleta e cores frias no lado direito. E, claro, vou precisar de um pouco de branco. Então, farei duas bolhas de branco. Gosto de ter uma largura separada para misturar com cores quentes e para misturar com cores frias que ajudam a evitar contaminação e lama desnecessária na minha pintura. Antes de começar a pintar com guache, vou dar à minha folha de papel uma lavagem rápida com aquarela amarela. A cor aqui realmente não importa porque o único objetivo disso é livrar-se do branco do papel para que eu possa ver os relacionamentos tonais na minha pintura um pouco melhor. Vou começar a pintar a partir de passagens escuras. Será mais fácil para mim começar. Se eu não vir o branco brilhante do papel, começarei com as áreas mais escuras da minha pintura. Esta será a água, e vamos misturar amarelo cádmio com azul ultramarino para neutralizar essa cor para torná-la um pouco mais verde-oliva, vou adicionar um pouco de sienna queimada a ela usando uma escova plana de meia polegada. Vou me reunir em todas as áreas escuras da minha pintura. Não estou preocupado com as idades. Eu sempre posso corrigi-los e vou corrigi-los à medida que a pintura progride. Então, este primeiro passo será apenas cobrindo toda a área do papel. Não quero mostrar branco e tentar distribuir todas as minhas cores. Estou usando a quantidade mínima de água. Estamos tentando manter minha tinta opaca, viscosa. Umedeço ligeiramente o pincel para espalhar a tinta, mas não estou pintando com um impasto de lavagem e pintura com a cor. Vamos fazer a porção superior também. Pode cair um pouco mais de azul ultramarino na mistura, se necessário. Parece muito mais escuro do que a referência, mas faremos algumas coisas com isso mais tarde. Só estou, este primeiro passo é apenas construir a base para o desenvolvimento futuro. Gratia é muito diferente da aquarela no respeito de que quanto mais camadas você aplicar, melhor ele olha cria complexidade da superfície de pintura. Esse efeito cintilante que as pinturas impressionistas têm. Acho que parte disso é que existem tantas camadas de cores bonitas que criam interesses visuais. Então, tentaremos replicar isso em nossas pinturas com guache e contornando isso. Depende. Eu poderia pintá-los em cima da água, mas não há motivo para desperdiçar tinta que seja muito mais leve. Meu próximo passo será pintá-los porque eles são um pouco mais leves. Esse será meu tom médio. Então, haverá uma espécie de entre as áreas mais escuras e as mais claras. A água, naturalmente, não é uniformemente verde. Tem alguma variação de cor também. Então, estou caindo um pouco de azul cobalto naquela área onde a API entra na água, começando a construir esse interesse visual na minha superfície pintada. Então comece a adicionar áreas mais escuras sob os caminhos da lei. Dê-me um pouco de vantagem neles e vamos misturar outras cores lá também. Mas o azul escuro será a base das sombras que realmente as almofadas são lançadas na água. Vamos passar para o segundo passo, os tons médios. Misturo um pouco de branco no meu azul cobalto e vou criar a base, as aspas, as almofadas de lírio. Se você olhar atentamente para a foto de referência, eles têm muito azul claro nelas. Quero recriar isso. Então vou misturar LED azul com um pouco de verde claro, talvez um pouco mais escuro, azul ultramarino. Espero que todas essas cores misturem visualmente. Isso. Quando as pessoas olham para a pintura, em vez de ver cores separadas, elas verão que as almofadas aludidas, todas essas cores se misturam ópticas e se parecem com almofadas Leila realistas, mas não achatam delta, mas interessantes e pictóricas como as que Claude Monet criou em suas pinturas. Hilbert, você sabe, o pincel de inundação. E vamos cair um pouco de amarelo cádmio em cima do azul. uma vez, um pouco de amarelo cádmio também será bom para criar um tom mais claro de verde. Você pode me ver adicionando cor à minha paleta. Não gosto de fazer poças grandes no caso de não usar a cor. Não é um problema durante a pintura a guache parar e adicionar um pouco de cor. Eu prefiro isso do que ter muita tinta e desperdiçar tinta. Continue trabalhando no paralelo Luder, tenha alguns restantes. As duas áreas que não são pintadas serão minhas flores. Como eu disse, estou trabalhando do escuro para o claro. Então as flores serão a última coisa que vou pintar. Há um pouco de rabiscos carmesim Alizarin nas laterais das pequenas almofadas. Vou pintar isso com meu carmesim Alizarin também porque eles lançam algumas sombras na água. Uma das coisas sobre as quais falaremos um pouco mais tarde, que a depressão é, eles pintaram sombras com cores? Então, estou recriando isso. A sombra é pintada com coluna com Alizarina carmesim. Se você pincelar traços com azul e apenas verificar as formas do bloco e adicionar mais alguma variação de cor. E vamos passar para o nosso novo passo. Estou mudando para um pincel redondo porque preciso de um pouco mais de precisão. Vou passar para minhas áreas mais leves, que são as duas da Lily, as flores. Estou começando com amarelo cádmio. Eles têm centros amarelos na pintura e pintam as sombras. Em seguida, misturei um pouco de branco no verde que já tenho na paleta ao redor do pincel me dá um pouco mais de controle, mais parentes com um tipo largo de traços arredondados tentando replicar o que vejo na pintura só me leva alguns minutos para fixar isso e não muito grande, o fórum é muito simplificado, não muitos detalhes. E agora preciso deles em pincel menor para adicionar os detalhes à minha pintura. Vê como deu a esses nenúfares alguns detalhes com Alizarin carmesim? Farei o mesmo com um pequeno trabalho de pincel no perímetro das pétalas, também nos centros. As áreas mais claras que eu pintei, ainda estou fresco para que eu possa misturar esses detalhes mais brilhantes na tinta. Ou posso misturar alizarina carmesim com branco e suavizar algumas áreas com pinceladas mais leves adicionais. E engravidar do meu azul porque há um azul são bem grandes e eles fazem parte da maioria das cores que estou usando para a pintura. Vou adicionar um conjunto misto azul ultramarino com Alizarin carmesim e pintar as sombras sob cada Lilypad. Ainda usando um pincel pequeno porque preciso mais controle para esses detalhes mais finos, mesmo que eu esteja pintando do escuro para o claro. Quando trabalho nos detalhes, tenho que ir e voltar entre áreas mais claras e mais escuras porque estou equilibrando tudo e fazendo pequenas correções e ajustes. Vamos adicionar alguns detalhes à água. Talvez trabalhe nas almofadas de lírio com um pincel menor. Como você vê, agora tenho dois pincéis pequenos. Estou usando um para tinta escura em uma tinta mais clara que me permite não lavar o pincel constantemente depois de pegar cada cor. E dessa forma eu não trago tanta água para a minha tinta. Quero aplicação de tinta opaca. Estou tentando replicar tinta a óleo com meu Deus. Então eu preciso de tão pouca água na minha tinta quanto possível. Vamos fazer essas pinceladas rabugas nas almofadas de lírio que vemos na pintura original. Este é um pincel muito pequeno e redondo e vamos reafirmar as sombras debaixo de cada bloco de lírio, elas começaram a desaparecer um pouco, mas posso trazê-las de volta. Basta olhar para a foto de referência e tentar encontrar áreas de cores diferentes e meio que avaliá-las e reafirmá-las. Minha pintura parece muito escura. Então, a última coisa que preciso fazer é adicionar os destaques. Estou estendendo muito mais branco para o meu verde. E novamente, estou usando um pincel pequeno para adicionar esse tipo de destaques azuis claros, levemente arroxeados que vejo em cada Lilypad. Talvez mais algumas sobre as flores que um pouco escuras demais também e precisam reafirmar algumas sombras nas flores. Vou meio que imitar a assinatura de Claude Monet. É parte da pintura, então obviamente não vai parecer exato, mas alguns rabiscos aqui no canto inferior esquerdo. A parte inferior direita estava ocupada por um Lilypad, então ele assinou à esquerda. E aqui está minha versão dos lírios de água de Claude Monet. Nesta pintura, meu objetivo era estudar o seguinte. paleta de cores de Claude Monet obtém técnicas de mistura de colunas , sua pincelada, suas pinceladas e também sua abordagem geral ao assunto, simplificando a forma e trabalhando com cores e expressivamente para preservar o frescor e a espontaneidade do momento. 5. Replicando o RenoIR Moss Roses: Nesta lição, isso se deve em estudo aprofundado de Pierre Auguste Renoir é rosas de musgo. Vou abordar essa réplica aproximadamente na mesma ordem em que fiz nenúfares. Começarei distribuindo formulários grandes. Vou trabalhar nas áreas mais escuras primeiro, depois adicionarei algumas luzes. E a última coisa que vou pontuar será equilibrado todos os detalhes com pincéis menores e também adicionar os destaques Reynolds pinceladas, sua técnica de aplicação é muito distinta e muito diferente da Claude Monet. Então eu acho que é importante para nós estudá-lo também ter mais escolhas quando trabalhamos em nossa própria interpretação de um assunto em estilo impressionista. Vamos começar dando à nossa folha de papel aquarela uma lavagem de azul cobalto com aquarela, cor exata não importa, apenas mais fácil não começar em papel branco. Aqui está minha paleta descartável. Vamos preparar nosso guache, as cores que usarei para esta pintura, nosso amarelo cádmio, Alizarina carmesim e apenas dois azuis, ultramarino e azul cobalto. Tenho alguns pincéis planos e redondos, bastante pequenos porque minha pintura não é muito grande. São 11 por 15. E, claro, vou precisar de um branco de titânio. Esbocei esse rosto com rosas muito geralmente em uma folha de papel aquarela que dei uma leve lavagem de azul cobalto apenas para me livrar do branco do papel. E vou começar a pintar. Estou começando com o plano de fundo. Essa é uma das áreas mais escuras que vejo nesta pintura. Eu meio que pulei nele e ele o criou misturando todas as cores que tenho na minha paleta. Renoir provavelmente começou com rosas, mas foi mais fácil para mim descobrir em que a escuridão mais escura vai estar. Em seguida, use isso como referência para o desenvolvimento subsequente do meu. Certo, uma vez feito isso, vamos prender as rosas e misturar um pouco de branco no meu carmesim Alizarin. Eu acho que o rosa é bem próximo que vejo na pintura, vou distribuir as formas grandes muito vagamente e geralmente pintar todas as flores ligeiramente variando o tom de rosa, talvez usando um pouco mais branco, um pouco mais Alizarina carmesim e algumas áreas. Eu também preciso tomar esse tom escuro e misturar Alizarina carmesim com azul alternativo. Preciso levá-lo para aquela estante, especialmente se você apertar os olhos ao olhar para a pintura de Renoir, você verá aquelas áreas muito escuras entre todas as flores. E sei que tive problemas no passado com pintura com guache. Eu vou ficar meio preso nessa faixa de tons claros e médios. E embora eu não ignorasse os escuros e se você não tiver toda a gama entre escuros mais escuros e destaques em sua pintura, ela ficará bem plana. Você não alcançará essa profundidade de espaço e isso percebe que você vê na referência e na pintura de Renoir. Também trabalhe nas folhas. O importante aqui é usar verde misto. Tenho certeza que é o que Renoir argumenta. Que ele misturou o azul e o amarelo em diferentes proporções para pintar essas folhas porque elas têm muita variedade de diferentes tons de verde nelas. E a coisa mais fácil de fazer isso seria misturando um pouco mais amarelo no azul ou usando o azul LUMO, talvez adicionando um pouco de branco para ficar azul mais claro. E dessa forma obtemos a mesma variedade que vemos na referência. Se você pincelar traços para a base, trabalharemos nisso um pouco mais tarde. É muito leve. Acabei de marcar alguns reflexos sombrios que vejo nele. Meu próximo passo será trabalhar nos tons médios. Eu mudo para um pincel redondo menor e estou adicionando alguns detalhes às flores, algumas áreas mais claras. A corrida muito, muito texturizada argumenta aquelas pequenas pinceladas para criar suas pinturas muito menores do que vemos em Claude Monet ou assim. Estou usando branco, rosa e alizarina carmesim, puro alizarina carmesim em diferentes proporções, em pinceladas de tamanho diferente para criar a textura dessas rosas de musgo. Estou fazendo uma mistura mínima na paleta. Pegando tinta e estou aplicando muito impasto bastante grosso no papel. E estou permitindo que essas pinceladas se sentem lado a lado. E isso cria uma ilusão de que existem variações de Ptolomeu, que existem áreas mais claras e mais escuras nessas rosas. Eu peguei um pincel menor. Vou trabalhar com dois pincéis agora porque preciso trazer essas áreas escuras entre as flores para mais perto de cada flor. Estou começando a verificar os detalhes e é muito mais fácil trabalhar com duas escovas em vez de lavar uma escova constantemente, que podemos trazer muita água na lavagem e torná-la também transparente. Acelerou o vídeo um pouco para que ele não dure horas e horas. Você pode ver muito distintamente aqui como meu pincel tipo de dança na superfície da tela porque as pinceladas são muito pequenas, eu não pinto grandes áreas com a mesma cor ou tom durante aproximadamente o mesma coisa nas áreas mais escuras. Não quero que eles sejam planos. Estou tentando ter alguma variação de cor. Estou usando mais azul em algumas áreas, um pouco mais, roxo em outras, ou talvez verde mais escuro em algumas áreas. Se você olhar atentamente para a pintura de seus renderizadores, ele não tem uma única área plana grande. É tudo de Schlemmer e há muita variação de cores em todos os lugares. Aplicar tinta assim leva um pouco de tempo, mas podemos simplesmente aproveitar o processo e não nos apressar por ele. Mas tentei estudar esta pintura em profundidades e ter uma boa ideia sobre o que Renoir estava tentando alcançar aqui. Uma das muitas razões pelas quais adoro a pintura impressionista também é que todas elas parecem muito sem esforço. E essa será uma das coisas que tentarei aprender e também transmitir em minhas próprias pinturas. Parece que eles simplesmente se sentaram e jogam um pouco de tinta sobre tela. Claro, não é verdade. Eles trabalharam muito e as pinturas, tenho certeza que foram planejadas e pensaram muito sobre o que fizeram até o resultado final para se parecer. Mas acho que a espontaneidade e esse imediatismo do impressionismo é realmente o que nos atrai. E é isso que eu adoro, tentei ter em minhas pinturas também. Ainda estou trabalhando nos escuros, se você se lembrar. Tentei adicionar alguns nos estágios iniciais da pintura, mas como eu não tinha um desenho preciso , não consegui fazer exatamente isso. Então agora vamos apenas trabalhar nos detalhes, mais claras e áreas mais escuras, e tentar verificar todos os contornos, encontrar todas essas formas mais escuras no livro. Ao mesmo tempo, não permitindo que esses escuros comam todas as nossas flores. Então, precisamos mantê-los e eles os mantêm nos lugares certos. E eles são extremamente importantes para o realismo e a profundidade do espaço da nossa pintura. Também estou verificando o esboço do livro. Não estou particularmente preocupado com isso porque vou corrigi-lo quando eu fazer xixi na toalha de mesa. Isso é chamado de pintura negativa para mídia opaca com as áreas mais escuras primeiro e depois usamos luz para encontrar precisão nas idades dessas áreas escuras. Então eu só preciso pintar algo. E se for demais, quando eu pinto a toalha de mesa, farei correções e tornarei mais exato, mais preciso. Muitas e muitas pinceladas. A pintura é muito texturizada, então eu preciso recriar todos aqueles pequenos pinceladas que Renoir aplicou em sua pintura, sem esquecer o vaso. O vaso também terá áreas escuras que eu pintei áreas de tom médio que estou aplicando agora e depois adicionarei alguns destaques. A última coisa que precisamos observar a geometria do traço, porque ao pintar podemos nos deixar levar um pouco e estes começarão a cair para um lado ou desaparecer. Então, ao mesmo tempo, estou verificando a geometria da base. eles para trabalhar na toalha de mesa há uma costura, São eles para trabalhar na toalha de mesa há uma costura, vou marcar em algum lugar, uma dobra na toalha de mesa. E agora vamos pintá-lo quando o suporte é uma toalha de mesa branca, mas não acho que haja uma única área branca nisso. Tudo é composto por pinceladas de cores diferentes. Meu pallidus muito lotado para trabalhar em áreas mais leves, então vou pegar um pouco de branco fresco e um pouco de azul fresco e começar a pintar a toalha de mesa. O lado esquerdo está entrando em Beam, muito quente. Estou misturando um pouco de amarelo no meu branco. E aqui está como fazemos pintura negativa em Guassian. Como estamos trabalhando do escuro ao claro, podemos usar a cor mais clara, nosso branco ou qualquer cor que precisamos para verificar as idades dos objetos que já estão pintados. Então, estou trazendo esses pinceladas mais leves meu buquê para dar alguma definição e definir suas bordas. Estou aplicando branco, muito, muito impasto, estou tentando fazer os pinceladas muito texturizados e roubos porque isso visualmente os traz para nós. E pintar seus escuros um pouco suaves e pintar suas luzes mais texturizadas, dá à sua pintura mais volume e mais profundidades de espaço. Então, apenas um pequeno truque que você pode ter em mente quando estiver pintando com uma mídia paga. Vamos fazer o lado direito também. Veja que as pinceladas são todas amarelas pálidas, azul claro. Há um pouco de rosa ou o buquê reflete no branco, lança essa sombra rosa na toalha de mesa. Então, tudo precisa ser reproduzido em nossa réplica também. Você precisa voltar para o buquê. Faltam algumas das folhas. Vou fixar isso muito rápido com verde claro verificar a idade também. Antes de trabalhar na toalha de mesa desse lado, encontre a pintura, essas réplicas muito agradáveis, muito divertidas, porque toda a interpretação da realidade é feita para mim por aqueles grandes mestres do passado. Tudo o que preciso fazer é estudar trabalho deles e tentar replicar as pinceladas. E eu recebo uma bela obra de arte e você começa a vislumbrar o processo deles, em, em sua maneira de pensar. Acho que é muito valioso e muito divertido para mim. Perdi alguns escuros na base do vaso. Vou trazê-los de volta. Verifique alguns detalhes no livro K, os verdes parecem bem legais, então sinto que preciso adicionar um pouco de verde amarelo mais quente a eles. É basicamente quase amarelo que estou misturando no limite de reserva patrono ou uma assinatura, já que isso faz parte da pintura. E a última coisa que preciso fazer é adicionar os destaques e procurar áreas muito claras nas flores, também na base. Talvez haja alguns na toalha de mesa para dar ainda mais volume às minhas flores, ao assunto usando o pequeno pincel redondo. Charles, dois distintos, vamos mascarar um pouco, escondê-lo nas pinceladas. Algumas flores meio que desapareceram entre as folhas naquelas áreas escuras, mas é muito fácil trazê-las para fora com um pouco de tinta guache branca. Minha pintura está pronta, vou tirar cuidadosamente a fita, não puxando para cima, mas puxando para o lado, Deus, às vezes faz com que a fita fique muito firme no papel. Jogando minha paleta e esta é minha réplica de PR atrás fios de tensão, musgo, rosas. Tentei muito imitar suas pinceladas e sua paleta de cores. 6. O que podemos aprender com impressionismo?: Agora que estudamos em profundidade duas pinturas dos fundadores do movimento impressionista. Vamos tentar entender o assunto que importa. Os impressionistas estavam mais interessados em sua abordagem a esses assuntos. Além disso, vamos falar sobre algumas técnicas de pintura que podemos vislumbrar de suas pinturas com o objetivo de aplicar essas técnicas às nossas próprias pinturas. arte impressionista não é fácil de classificar. Cada artista tem seu próprio estilo único, e muitas vezes esse estilo não permaneceu o mesmo ao longo dos anos, mudou e evoluiu. Nesta lição, vamos dar uma olhada no Renoir e o dinheiro. Como estamos estudando suas pinturas, acho que todos podemos concordar que teremos impressionistas, não por suas ideias revolucionárias, mas pelo mundo romântico ensolarado que eles criaram. Um assunto importante para ambos os pintores será pessoas, especialmente pessoas em ambientes urbanos. Renoir pintou muitos retratos e também muitas composições figurativas. Claude Monet acabou removendo todas as pessoas e se concentrou na natureza. Mas podemos dizer que seríamos difíceis de encontrar qualquer comentário social, uma representação de eventos históricos contemporâneos na arte impressionista, paisagem será outro assunto muito importante para ambos pintores. Já mencionado na nota histórica que o impressionista pintou ao ar livre ao ar livre para criar imediatismo em suas pinturas e capturar os momentos fugazes de mudança constante natureza. Eles estavam especialmente interessados em capturar como as cores mudaram com a mudança das estações e também todas aquelas mudanças rápidas no céu, nas sombras. E outro ponto de interesse para eles, Somos reflexos, reflexos da natureza na água. Claro, mesmo que eles se esforçam para terminar suas obras de arte lá fora, eles trabalharam no estúdio está bem terminando e refinando suas pinturas. E eles conseguiram fazer isso porque desenvolveram seus poderes de observação e memória artística. E falando em momentos fugazes, é claro que tenho que mencionar flores, provavelmente o assunto favorito de Monet e Renoir. É por isso que eu fiz flores o assunto desta classe. Como eu disse, impressionista que está muito interessado em retratar a luz. Esse foi outro assunto desses estudos. Por exemplo, Manet fez inúmeros estudos sobre catedral errada na Normandia, na França, pintando-a em diferentes momentos do dia. Ele exibiu os melhores, como ele disse em 1895, havia Twain para eles. Então você pode imaginar quanto tempo ele passou estudando o mesmo assunto em diferentes vôos e condições atmosféricas indiferentes. Ele tem outras séries famosas são Haystacks que PR, também pintados repetidamente em diferentes momentos do dia e em diferentes estações. E é claro que são alelos que já demos uma espiada. E você já sabe que ele criou até 150 pinturas de seu lago de lírio de pequenos, murais muito enormes exibidos no Museu do Júri do Learn, em Paris. Agora vamos falar sobre técnicas de pintura que os impressionistas usaram. Os impressionistas em geral não usavam pigmentos pretos. Renoir, por exemplo, misturou azul e vermelho para obter tons mais escuros. Ele disse, uma manhã, um de nós ficou sem preto. Foi o nascimento do impressionismo. Os impressionistas pintaram sombras com cores em vez de tons de cinza para criar as profundezas do espaço em suas pinturas. Eles pintaram fundo quente em primeiro plano e frio ou o contrário. Então eles usaram cor, temperatura em vez de tom. Ou seja, objetos mais claros na frente em um fundo mais escuro, assim como os pintores acadêmicos, eles não coloriram. Em vez disso, eles colocaram traços de cores complementares para criar um certo tom e isso cria um efeito cintilante nas pinturas, a luz que eles estavam tão interessados não estava acostumada a descreva o formulário de forma distinta. Ele meio que come nos contornos de cada assunto, deixando muito para a imaginação. Uma característica muito importante do impressionismo é a forma simplificada. Eles tendiam a mostrar o mínimo de detalhes possível, apenas o suficiente para descrever o assunto que os ajudou a mostrar a luz, o ambiente natural e também ajudaram a despertar a imaginação do espectador. Vamos fazer um breve resumo das coisas que precisamos ter em mente quando tentamos aplicar princípios impressionistas à nossa própria pintura. Sem pigmentos pretos. Usamos cores para sombras, não as tornamos cinza. Pinte o primeiro plano com cores quentes e fundos com cores frias ou o contrário. Tente não misturar cores na paleta, mas elas usam pinceladas de cores diferentes para criar a ilusão de volume, tornar a maioria das bordas macias. Tentei criar o efeito borrado ao pintar e não colocar em muitos detalhes, simplificar os fóruns e pintar e a impressão desse objeto. 7. Como usar impressionismo como inspiração: Nesta demonstração, vou pintar essa íris seguindo os princípios do impressionismo, pois íris será uma flor adequada, de Claude Monet, tínhamos muitos deles em seu jardim. Podemos vê-los em muitas de suas pinturas. Selecionei apenas uma flor para tornar minha tarefa um pouco mais fácil, já que estamos apenas aprendendo e praticando. Começarei matando o branco. Só estou dando à minha página uma leve lavagem de verde viridiano. Vamos espremer nossas cores para cores frias Eu estou usando azul ftalo. Também tem bomba ultra marinha, quer criar alguns blues profundos. Verdes e roxos, tem um pouco de amarelo Hansa, que n-grama me diz que é M, amarelo primário. Eu tenho amarelo cádmio. Eu tenho pirrol vermelho, que também é de cor primária, e tenho Alizarina carmesim. Também vou fazer duas pilhas de branco. Então eu tenho dois amarelos, um mais quente, uma cor para vermelho, uma quente ou uma cor e dois azuis. Vamos começar a pintar com as áreas mais escuras como instaláveis. Basicamente, apenas distribuindo minhas cores e pintando as áreas mais escuras que vejo na foto de referência. Quase imediatamente se esgotou um pouco porque este não é um pedaço de papel enorme. Esta é uma análise de 11 por 15, então gravadas em margens bem grandes, mas ainda assim você precisa de um pouco de tinta para cobrir essa área. Estou trabalhando em áreas mais leves, o que é estritamente falando, não é absolutamente necessário, mas não quero perder meu desenho. Então vou pintar mais ou menos negativamente em torno das áreas mais claras quando aplicar meus escuros. Vamos misturar um pouco de amarelo cádmio com amarelo, azul para criar uma cor verde profunda. Ainda estou trabalhando em segundo plano. Há muito mais variações de cores lá, mas não vou chegar a elas gradualmente construindo relacionamentos de túneis na minha pintura. Esses primeiros estágios são importantes, mas estou trabalhando rapidamente porque, por enquanto, só preciso cobrir basicamente o papel e distribuir as cores. Mas o passo não deve demorar muito e o queixo ser muito trabalhoso porque isso é um trabalho preliminar. Não estou muito preocupado em obter cores exatas ou qualquer coisa assim. Isso é apenas o começo. Então, usando uma escova plana de meia polegada, pinceladas em negrito, estou girando o pincel um pouco para variar a direção em que estou trabalhando. Assim, os traços parecem mais interessantes. Não vou suavizá-los. Quero um pouco dessa textura porque misturei meu verde também obtive aquela interessante variação de azul e amarelo em alguns lugares. Isso também aumenta o interesse visual. Posso adicionar um pouco mais azul em alguns pontos. Posso variar o tom de verde em algumas áreas. que tudo contribua para criar, em primeiro lugar, profundidades do espaço e, em seguida, interesse visual na minha pintura. Na esperança de alcançar essa escuridão cintilante, que os impressionistas eram tão bons na criação sem usar anion black. Ok, meus escuros, estou mais ou menos distribuído. Claro que vou trabalhar um pouco mais em segundo plano à medida que a pintura progride. Mas, por enquanto, podemos passar para o próximo estágio e começar a trabalhar com cores um pouco mais claras. Então, encontraremos algumas cidades do meio e algumas talvez algumas luzes no fundo. Comecei a trabalhar na flor também. O caule tem algumas áreas verdes mais escuras, gire isso e também vamos começar a insinuar esses locais de modo que cercado e misturado em um pouco de branco no meu verde para pintá-los. E também vou querer usar um pouco desse amarelo Hansa porque misturando verde com o branco, misture um verde frio se eu precisar de um verde mais quente, eu tenho que usar amarelo para aquecer meu verde. Posso pintar áreas mais claras na minha flor, na flor central, e também nas flores circundantes com amarelo hansa. Outra coisa que eu queria fazer é aquecer as sombras. Estou usando alizarina carmesim, que estou aplicando com um pincel menor sobre algumas dessas áreas azuis escuras que criam uma cor mais profunda. Dessa forma, posso variar ainda mais os escuros se você se lembrar, quando estávamos pintando líderes de água e também quando estávamos pintando o fundo sobre rosas de musgo, usamos tons mais frios e mais quentes. Queríamos que as trevas não fossem monocromáticas, mas queremos que elas sejam coloridas. É por isso que estou caindo mais uma cor em algumas das áreas do plano de fundo. E aquele efeito cintilante nas minhas áreas mais escuras. Meu plano de fundo está pronto. Posso continuar trabalhando na flor. Esta é a parte divertida. Estamos passando para pintar áreas de tom médio e escuras na flor. Mas quando eu misturo alizarina carmesim com y para e também mesmo se eu adicionar um pouco de azul ultramarino ao Alizarin carmesim, não estou recebendo esse rosa brilhante. Eu vejo na flor, mas acho que estou ficando e mais, acho que meio que, quero dizer um pouco mais suaves e roxos que acho que ficarão melhores nesta pintura. Porque durante o tempo dos impressionistas, eles não tinham todos aqueles compostos sintéticos que foram desenvolvidos recentemente. Então eu acho que usar as cores que estou usando, alizarina carmesim e misturas vermelhas primárias e também roxas com azul ultramarino farão minha pintura parecer um pouco mais e dizer vintage, meio que mais historicamente preciso em estilisticamente preciso. Por enquanto, estou pintando essas áreas coloridas nas flores, que serão em tons médios e escurecem quando eu terminar isso, vamos adicionar alguns destaques um pouco mais tarde, mas por enquanto, preciso construir a base para esses destaques. Pinte em áreas mais escuras. Estou usando um pequeno pincel redondo e estou tentando trabalhar com pinceladas emplumadas, e estou tentando usar a mistura óptica de cores, então não estou misturando suavemente as cores, as áreas da cor. Estou deixando esses pinceladas emplumados nas bordas de cada área. Espero que eles se misturem visualmente e criem uma transição de aparência natural entre uma transição de aparência natural entre diferentes tons entre diferentes áreas tonais. Então estou me lembrando da maneira como pintei aqueles nenúfares. Então, da maneira como eu pintei a maioria das rosas ao tentar usar, não direi o mesmo, mas pinceladas semelhantes e abordagem semelhante. Com Deus, às vezes é um pouco complicado acertar o tom na primeira tentativa. Portanto, algumas áreas precisam ser ajustadas e corrigidas à medida que avançamos, tornadas mais claras ou mais escuras dependendo do que vemos no funil de referência. Estou usando dois pincéis, um para cores escuras e outro para luz, tenho que ir e voltar. O equilíbrio dos meus pinceladas, usando dois pincéis, permite que eu não os assista após cada pincelada e evite trazer muita água na minha tinta. Eu não os confundo às vezes, mas na maior parte tentei me lembrar de trocá-los. Meu próximo passo, ele será verificar todos os detalhes. A pintura está quase na metade, provavelmente mais do que a metade do caminho. Então agora eu quero adicionar essas áreas mais claras ao fundo, no caule e nas folhas da flor. Estou usando hansa yellow, meu amarelo frio. E estou misturando com o pequeno pincel redondo no fundo que tenho. O fundo é seco, mas porque as galochas lamentam, isso é o artista squash. E também porque estou usando a mistura óptica das cores usando essas quinto ou duvido pinceladas, sou capaz de aplicar essas áreas mais claras sem realmente misturar nenhuma cor. Estou apenas usando um amarelo Hansa direto, e adiciono esses pinceladas mais leves à minha pintura existente. Alguns dos bots têm mais roxo nas dicas. Vamos adicionar isso. E perdi para algumas das sombras mais escuras do caule quando eu estava aplicando luzes. Vamos restaurá-los. Você tem que ir e voltar entre detalhes mais claros e mais escuros. Às vezes. Meu último passo ao trabalhar nesta pintura, vamos adicionar os destaques. Tenho água limpa. Tenho tinta branca limpa que acabei de espremer. Minhas escovas limpas. Estou usando o pincel redondo mais pequeno que tenho. E estou apertando os olhos ao olhar para a foto de referência, tentando encontrar as áreas mais leves na farinha na minha íris. Mais uma vez, não estou suavizando as bordas. Não estou enviando a tinta. Estou apenas aplicando pinceladas pequenas e muito leves na mistura visualmente com o resto da pintura. Nesta pintura eu acho que eu estava indo mais para abordagem de Reynolds do que para segunda-feira, é claro que minha pintura. É a forma como eu pinto. Mas acho que se a pintura fosse maior, as pinceladas parecerão menores em comparação com o tamanho geral da pintura. Seria um pouco mais parecido com Renoir, Claude Monet, mas aprendi com os dois. E copiar pinturas de ambos os artistas foi realmente valioso para mim no desenvolvimento de minha própria abordagem para assuntos florais. Vamos encontrar alguns destaques nos botões. Estou tentando dar a todos diferentes, esse tipo de borrão em segundo plano, na foto. Mas podemos usar nossa imaginação e simplesmente torná-los muito abstratos, não super desenvolvidos. Acho que minha pintura está pronta, vou assiná-la e aqui está o que parece. Minha interpretação de uma íris usando impressionistas como minha inspiração. 8. Projeto do curso e palavras finais: Para os projetos de classe jovens Galatia, a cópia de uma ou várias pinturas impressionistas, preste especial atenção às escolhas de cores e duas pinceladas. Tente replicá-los o mais próximo possível. Faça referência a pinturas que eu discuti e copiei nesta aula. Ou você pode usar como referência qualquer pintura daquele pai que você admira. Quando você se sente mais confiante trabalhando neste estilo, tentou criar uma obra de arte original usando os mesmos princípios artísticos, são fornecidas algumas sugestões de referência fotográfica nos materiais da classe. Ou você pode pintar de qualquer foto que quiser. Vangloriado de pintura na seção do projeto, eu adoraria vê-la. Se você gostaria de ver como eu pintei essas réplicas de pinturas de Renoir com guache e acrílicos. Ou se você quiser encontrar alguns exemplos adicionais de pintura em estilo impressionista, você pode ver todas essas demonstrações no canal Tanner of stooges no YouTube e rumble. Em Undrip.com, você pode encontrar minhas pinturas e esboços, informações sobre aulas que eu ensino em vários e-books que também me sinto livre. Ficarei feliz em me conectar com você através das mídias sociais. Siga o estúdio de rampa no Facebook, instagram, Twitter ou Pinterest. E não se esqueça de me marcar se você postar sua arte. Muito obrigado por fazer essa aula. Eles são criativos.