Ilustração com tinta: linhas grossas e estilo corajoso | Ira Marcks | Skillshare
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Ilustração com tinta: linhas grossas e estilo corajoso

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Aulas neste curso

    • 1.

      Introduction

      2:16

    • 2.

      Traditional Workspace

      2:41

    • 3.

      A Short Film: Inking in the Dark

      2:31

    • 4.

      Digital Workspace

      1:21

    • 5.

      Software and Digital Tools

      4:00

    • 6.

      Composing The Scene

      8:02

    • 7.

      Ink and Shadow

      4:52

    • 8.

      Celebrating Your Influences

      1:16

    • 9.

      Playful Lines: Quentin Blake

      2:36

    • 10.

      Fearless Hatching: Maurice Sendak

      5:28

    • 11.

      Mysterious Shadows: Edward Gorey

      14:02

    • 12.

      Your Class Project

      1:25

  • --
  • Beginner level
  • Intermediate level
  • Advanced level
  • All levels

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Sobre este curso

Junte-se ao artista e autor Ira Marcks no seu mais recente curso de ilustração e aprenda a criar composições mais fortes, linhas mais grossas e a usar suas inspirações.

Esse curso é uma visão mais detalhada do processo ilustrativo. Ele começa no estúdio do Ira, conforme ele compartilha dois lados da sua vida artística: o tradicional e o digital. Os capítulos seguintes da aula abordam a composição, layout, ferramentas, tanto digitais quanto tradicionais, e as técnicas de finalização em tinta favoritas do Ita e como ele cria seu trabalho profissional. Mas isso é apenas o começo.

Você pensou em todas as diferentes formas de finalizar um desenho com tinta?

Por meio de vários exercícios de finalização com tinta, o Ira se aprofunda nos estilos de artistas que inspiraram seu trabalho desde criança. Pode ser que você conheça alguns deles! Esse curso é ideal para ilustradores criativos, designers visuais e todos que buscam formas novas e empolgantes de desenhar e finalizar com tinta suas ideias.

Essa aula está repleta de reviravoltas enquanto navegamos pelas inspirações e memórias de um artista e contempla como encontramos nosso lugar único nesse mundo amplo da ilustração. Quando você concluir essa jornada, nunca mais vai olhar para uma linha pintada da mesma forma.

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Ira Marcks

Graphic Novelist

Top Teacher

Ira Marcks is an award-winning and New York Times recommended cartoonist. His love of strange fiction and scientific research has led to an unlikely list of collaborators including the Hugo Award-winning magazine Weird Tales, European Research Council, and a White House Fellowship Scientist. His online courses have inspired 100,000 students. iramarcks.com

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Level: All Levels

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Transcrições

1. Introdução: Olá, sou o Ira Marcks. Eu sou um autor e ilustrador e geralmente uma pessoa criativa no norte do estado de Nova York. Para mim, histórias e imagens andam de mãos dadas, quer eu esteja construindo um mundo em um dos meus livros, criando personagens de desenhos animados para crianças, elaborando um grande cartaz colorido, trabalhando em uma tarefa de ilustração ou qualquer um dos outras coisas que eu faço. Sempre me pergunto o que está acontecendo fora das molduras da minha própria arte? Nesta aula, vou satisfazer minha própria curiosidade e finalmente olhar para fora dos quadros do meu trabalho. Vou explorar os mundos de alguns ilustradores incrivelmente brilhantes e intemporalmente impressionantes que me fizeram a pessoa que sou hoje. Espero que se junte a mim e à minha turma, ilustração de tinta, linhas ousadas e estilo destemido. A aula começa com uma breve visão geral das minhas ferramentas e da minha estação de trabalho, então vamos direto ao desenho. Vou cobrir minhas técnicas básicas na construção de uma composição, então vamos ver como eu tinto e sombra na ilustração. A próxima parte da aula é realmente emocionante para mim, é sobre celebrar suas influências, e eu vou olhar para três dos meus ilustradores favoritos. Aqueles que deixaram grandes impressões em mim, Quentin Blake, Maurice Sendak e Edward Gorey. Espero que você se inspire na minha jornada às raízes das minhas influências ilustrativas, e olhe para o artista que mais o inspira e crie uma homenagem amorosa ao seu trabalho. 2. Espaço de trabalho tradicional: Este é o meu estúdio, eu tenho feito arte profissionalmente por mais de 10 anos agora, e muito desse tempo tem sido gasto sentado nesta mesa muito leve. Eu trabalhei com ferramentas realmente tradicionais só porque minhas raízes estão em desenhos animados e tiras de quadrinhos de jornal, então esse é o estilo que eu comecei a emular, quando eu decidi com quais ferramentas eu queria trabalhar. Minha tinta de escolha é tem que ser Winsor & Newton tinta da marca, em parte porque o rótulo é tão legal, mas principalmente por causa da opacidade da tinta, é um preto rico muito sólido. Tem um pouco de brilho nisso. É só uma coisa muito bonita. Eu tenho um monte de pincéis e canetas, mas honestamente eu só uso um ou dois, e esta caneta aqui é, como eu faço 98% da minha tinta tradicional. É só uma ponta de caligrafia de tamanho médio. Não há nada de especial nisso. Acho que custam uns 0,40 dólares cada. Eu também uso alguns pincéis da marca Winsor & Newton para aquarela ou fazer gouaches de tinta. Escovas redondas geralmente, Eu gosto do Winsor & Newton. Eles têm uma boa ponta redonda, limpa e pontuda. Meu artigo de eleição é algo que descobri muito mais tarde, que eu gostaria de saber sobre o início. É papel de aquarela Arches Hot Press. Imprensa quente significa que eles realmente passam o papel à medida que o processam, por isso é ótimo para digitalização. Ao contrário de muitos papéis de aquarela, especialmente como as marcas mais baratas que você compra, eles têm um tom de textura que às vezes pode funcionar dependendo do que você quer, mas é difícil para Photoshop fora essa textura. Arcos é totalmente suave, então qualquer que seja o seu processo, é o papel não deixa nenhuma impressão em seus projetos. Aqui está uma peça em que eu estava trabalhando nesta mesa de luz, então vou mostrar a minha configuração. Eu costumo esboçar tudo primeiro. Pode-se dizer que este é um esboço bem detalhado que eu fiz no meu tablet de desenho, e eu coloco isso sob meu papel Arches, e meu processo começa aqui com minha mesa de luz. É por isso que é tão legal ter uma mesa tão grande. Se você é um fã de arte como eu, você realmente adora ver as pessoas trabalhando com ferramentas tradicionais. É uma coisa fixe de se ver, por isso fiz para vocês um vídeo muito fixe e artístico de mim a pintar este desenho. Tem bons close-ups e música dramática. Antes de entrarmos na aula real, aproveite este curta-metragem. 3. Curta: pintando no escuro: Você. - Você está bem? 4. Espaço de trabalho digital: A triste verdade é que não passo muito tempo na minha mesa de luz. Eu sento na minha estação de trabalho digital aqui. É difícil validar como profissional fazendo as coisas de maneiras tradicionais quando um tablet faz seu trabalho muito mais rápido. Você compromete a experiência em termos de produtividade, que assim seja. Tenho muitas anotações na minha mesa. Não posso trabalhar com notas digitais, preciso vê-las todas de uma vez, aparentemente. Eu escrevo muito mais do que rabisco, então há notas aqui para diferentes projetos em que estou trabalhando como um livro ou de um lembrete para fazer alguns esboços para alguns freelance, afazeres, listas de aulas de Skillshare e outras coisas. Este é o meu novo melhor amigo, meu pequeno temporizador de ovos. Eu preparei para 60 minutos. Eu trabalho direto sem distração, e então, eu faço uma pausa de cinco minutos e repito. Faço isso das oito da manhã às cinco da tarde, e depois vou para casa. O braço para o meu tablet digital aqui é essencial. Isso realmente salva minhas costas de me debruçar sobre uma tela o dia todo. Não posso mais me curvar tão longe por oito horas seguidas. Lá no centro está o meu tablet de desenho. É um Yiynova MSP19U plus. Você pode obtê-los por cerca de US $300 agora. A tela é um pouco brilhante, mas no geral, eu gosto. 5. Software e ferramentas digitais: Enquanto estou projetando essa folha de referência para vocês, pensei em dar um resumo sobre os tipos de software que eu uso. Na verdade, vou falar especificamente sobre este programa. Por mais que eu ame o Adobe Suite e cresci com Photoshop, o Illustrator e o InDesign e todas essas coisas divertidas. Hoje em dia, eu uso principalmente um programa chamado Clips Studio Paint. Como um cartunista que está lidando com grandes documentos comic com, 30 a 40 a 100, 200, no entanto muitas páginas. Este programa é projetado para permitir que você abra e feche essas páginas muito rapidamente e trabalhe com vários documentos de página muito rápido. Uma vez que é projetado para artistas de quadrinhos, as ferramentas de desenho são realmente proeminentes. Tem um monte de pincéis embutidos, vou falar sobre os que uso em um minuto. Também é bom para fazer o diálogo em bolhas de fala. A ferramenta de texto está bem, não é ótimo, mas é muito bom para painéis e até mesmo a coloração é bastante intuitiva. Para essas aulas, como eu disse, eu quero que qualquer um seja capaz de usá-las. Não estou usando nenhuma ferramenta ou técnica chique nisso. Só estou usando algumas ferramentas básicas de desenho. Uma caneta é praticamente uma simulação digital de uma ponta de caligrafia. Você pode ver como a qualidade da linha é semelhante às do vídeo de me pintar com a ponta real e eu uso o lápis azul não foto para meus layouts e seguida, eu uso o lápis vermelho para meus esboços secundários de vez em quando. O layout do programa é bastante semelhante ao Photoshop. Eu tenho um monte de diferentes camadas de tinta indo e provavelmente a melhor coisa sobre qualquer trabalho digital é que você pode trabalhar sem ficar nervoso que você vai estragar tudo. Muitas vezes eu vou ter um monte de camadas que são versões diferentes da mesma idéia e eu vou alternar para frente e para trás entre os dois. Eu tento não ficar preso nessas coisas porque é bom quando as coisas parecem um pouco espontâneas e não pensar demais, então mais e mais eu tento não ampliar e ser hipercrítico sobre cada pequena linha que eu faço e eu apenas tento mantê-lo com uma sensação mais natural. Muitos artistas provavelmente dirão que o lugar que você quer chegar com seu software digital é o mesmo nível de conforto que você está com suas ferramentas tradicionais. Evite desfazer constantemente e reparar cada erro. As pessoas adoram ver um pouco de humanidade e há, então não apague todos os seus erros, guarde um pouco disso porque é a verdade. Tudo bem, por mais divertido que eu esteja tendo esboçar esses pequenos pinguins fofos com todos esses estilos diferentes de incubação, eu vou mostrar a vocês meu recurso pincel onde eu tenho os diferentes pincéis que eu tenho. Eu tenho pincéis de um artista chamado Frenden e você pode Google ele e este é o site dele. Ele faz pincéis para o Clips Studio Paint. Ele é um ilustrador que tem um estilo muito cartoony, então se você quiser inclinações pesadas, sólidas e afiadas, ele é bom para isso. Ele também tem um monte de ferramentas de software, um monte de lápis, pincéis, crocantes, ásperas, tintas de aparência esboçada. É uma mistura bem arredondada e você pode ver que há mais de 450 deles. Já olhei para todos eles? Sim. Quantos eu uso? Dois ou três, geralmente só um. É divertido navegar, mas se você realmente vai desenvolver sua arte em uma carreira, quando você começa a saltar para um monte de estilos diferentes, às vezes você começa a confundir seu público e você realmente retarda o seu próprio processo criativo. Escolha as ferramentas que você gosta e apenas se concentre em suas ideias. 6. Compondo o cenário: Em qualquer projeto de ilustração, um artista vai querer fazer alguma preparação para o seu design. Pode ser tão simples como colocar alguns formulários básicos na página para dar a eles uma noção do layout e posição de seus personagens e outros elementos visuais ou você pode adicionar mais um passo ao planejamento, e é isso que nós vamos fazer aqui. Nós vamos criar o que você chamaria um modelo de design formal para colocar debaixo do nosso desenho. Você pode ver, eu vou quebrar minha página e grade simples. Vou usar esta diagonal, definir o centro da página. Então eu vou dividi-lo em terços, assim. Vou aborrecer isso. Agora isso me dá uma estrutura formal real. Chamamos isso de formal porque a página está dividida. O centro. É apenas uma simetria limpa. No topo desta grelha, vou começar a construir o meu design. Então este projeto de ilustração, eu vou manter os temas para os animais em um ambiente. Vai ser tão simples assim e seu projeto vai seguir as mesmas diretrizes para o meu animal. Eu vou escolher um gato porque eu gosto de desenhar gatos, especialmente quando eles são gatos sonolentos. Eu vou colocar este gato em um cenário fantástico de selva. É apenas uma desculpa para fazer as minhas formas do cenário sem as basear muito na realidade, além do que me lembro da selva, das poucas vezes que estive lá. O tema do desenho, o gato está centrado nessa linha vertical e você pode ver que eu usei esses horizontais. Não de forma clara. É só um jeito de quebrar a página e liberar minha mente do espaço gigante opressivo. Sou um artista que gosta de fazer dois esboços. Não sei de onde veio isso. É apenas algo que eu não sei se é uma coisa de confiança ou o que, mas ao longo dos anos eu descobri que eu faço um esboço muito solto e áspero que você poderia ver é basicamente formas orgânicas, linhas curvas, círculos. Além disso, se eu estou desenhando na mão ou tablet, eu faço meu segundo esboço e esse esboço tem um pouco mais de senso de não muito detalhe, mas as formas e a colocação dessas formas levam um pouco mais de estrutura. Por exemplo, no canto superior direito, aquelas folhas no fundo, elas estão basicamente apenas emoldurando a cabeça do gato. Enquanto faço meu segundo esboço, eles simplificam um pouco e ficam um pouco mais confiantes em sua forma. Então o segundo esboço é realmente sobre apenas construir uma confiança e seu design. Pequenas coisas vão mudar, você vai tomar novas decisões. Você pode até voltar para a primeira versão. O que você não quer fazer é pensar demais que está desenhando demais. Isto é realmente apenas notas e diretrizes para influenciar a sua tinta. Estou fazendo uma eclosão solta só para dar uma idéia de onde minhas sombras vão. Esta vai ser uma composição onde o primeiro plano tem uma sombra sobre ele e o chão médio é realmente como a camada mais brilhante. Então eu estou tendo um pouco mais de uma sensação de onde minha fonte de luz está vindo. Você vai ver aqui eu até vou em cima daquela flor principal, que se tornou uma parte muito proeminente deste design agora que eu penso sobre isso. Só estou redesenhando um pouco as pétalas, tornando-as mais expressivas. Depois do segundo esboço, vou adicionar mais um passo. É mais um exercício. Isso não é algo que eu costumo fazer, mas eu acho que é algo como estudante que você pode achar interessante. Vou prender a respiração e pintar este desenho o mais rápido possível. Por que estou prendendo a respiração? Assim eu não vou pensar demais em nenhuma escolha de linha. Você provavelmente notou como um jovem artista, quando você está fazendo certas linhas pela primeira vez, você está pintando estilo ou seu trabalho de linha. Não é muito confiante. É apenas através da prática e saber onde você está indo com sua linha, que você obtém linhas suaves, limpas e expressivas. Então, prendendo a respiração, não posso pensar demais nesse processo. Aqui vamos nós. Recuperando meu fôlego aqui. Aqui está o resultado desse exercício sobre uma versão de dois minutos de gato dormindo na selva. Então, o ponto de partida aqui é, quais eram as linhas que eram mais importantes para capturar neste projeto? Obviamente, o contorno do gato, algumas das características faciais para representá-lo está dormindo. O tronco em que está dormindo. A flor em primeiro plano com um pouco de detalhe. Alguns outros elementos visuais em primeiro plano, o cogumelo e o pouco, sei lá, mofo ou mesquita crescendo no tronco, seja lá o que for. Eu não tive tempo para pensar sobre isso e, em seguida, os elementos de enquadramento, nós temos os pequenos brotos à esquerda e o grande estilo tropical deixa à direita. Observe que muitos detalhes não tiveram tempo para preencher. Então isso é bom. Estes são os ossos da ilustração. Qualquer tinta que eu faça a partir de agora e esta versão final vai capturar essas linhas e, em seguida, a partir daí eu decidir quanto detalhe eu estou adicionando e quanto eu estou deixando de fora. 7. Tinta e sombra: Vamos desligar o exercício rápido de tinta e começar a conferir real. vez, eu estou usando uma caneta escova e eu vou apenas começar com o meu trabalho básico linha. Eu vou deixar em todos os meus desfeitos também só para que você possa ver as formas e personalidade desses elementos visuais se desenvolverem. Como eu disse anteriormente, esta flor no canto inferior esquerdo realmente começou a assumir uma personalidade proeminente e sotaque visual no design. As folhas têm muito mais caráter para eles, eles são um pouco vacilantes. Isso também significa que vou manter esses outros elementos visuais simples, os cogumelos e o molde na parte inferior do tronco. Estou tão familiarizado com a composição neste momento. Posso ver padrões ocorrendo e os tipos de linhas que estou fazendo. Novamente, este projeto é realmente tudo sobre linha que é o que estamos focando. Na verdade, você vai me ouvir referindo o papel emotivo ou abstrato dessas linhas mais do que o assunto em si. Como os pequenos brotos que estamos olhando aqui, na parte de trás do gato o que eles representam, seu elemento de enquadramento? Eu também quero que eles guiem o olho para o centro da ilustração. Eu até fui tão longe a ponto de adivinhar meu segundo esboço e simplificar o trabalho de linha dos pequenos brotos. A mesma coisa com estas folhas tropicais ao lado, tudo aponta para o centro morto da imagem. Quando você chega, não há muitos rostos de gato cutucando mesmo fora do centro um pouco. Todas as linhas estão trazendo o olho do espectador para o centro da página, estamos atraindo o visualizador para o design. Os detalhes do gato para mim são a coisa complicada aqui. Eu não tenho certeza do que eu quero adicionar em termos de detalhes com aqueles, eu não quero um olhar Garfield, mas eu quero que o gato tenha um pouco de redondeza para sua forma. Eu vou fazer como uma linha listrada oscilante que se assemelha à parte quebrada do tronco e também se assemelha ligeiramente às folhas tropicais no fundo profundo do canto superior direito. Agora que temos a tinta básica feita, vamos começar a olhar para a sombra. Eu vou dizer que minha fonte de luz está vindo do primeiro plano superior direito, então a luz está brilhando bem para baixo na cabeça do gato. Isso me dará um ponto de referência para onde meus destaques estão. Eu não tenho muita instrução formal na minha educação artística de colocar fontes de luz, então eu vou apenas fazer as pazes e decidir o que é certo. Vou começar projetando sombra ao redor do gato, quase todos os outros elementos ficam apagados, talvez seja o cartunista em mim sempre tentando criar uma sensação de contraste com o design. Sombras pesadas nesses casos se tornam um verdadeiro proeminente e estético no meu trabalho digital, porque é tão fácil fazer linhas limpas e agradáveis. Algo que eu quero que você tente quando você está pintando sobre o seu design, trazer mais sombra para ele, do que você normalmente faria. Esta é uma técnica avançada e muitas vezes temos medo de exagerar nossos projetos, fato, temos medo de iniciá-los muitas vezes também. Mas há algo mágico que começa a acontecer quando você constrói sombras nas sombras se tornam formas e elas quase se tornam a nova versão da ilustração. Agora que desativei todas essas camadas esboçadas, estou livre para reinterpretar este design em ondas diferentes. Por exemplo, as sombras dentro do alça quase se parecem com os próprios personagens. Temos que desvendar o significado desta imagem. Na verdade, a idéia de um gato dormindo em um tronco pode nem saltar para fora para você à primeira vista, ele tem que ser revelado através da observação. Eu sempre acho que um desenho que exige que você olhe para ele um pouco mais é um desenho melhor. 8. Celebrando suas influências: Uma das melhores coisas de ser artista é ter a chance de celebrar a arte que você ama. Cerca de um quarto do meu estúdio é dedicado a lembretes da arte que eu amei, sejam coisas que eu encontrei como adulto ou amigos de trabalho compartilharam comigo, coisas que eu aprendi na faculdade ou livros que eu amei como meu memórias de infância mais antigas. Vou usar esta oportunidade para mergulhar em três ilustradores. Eles realmente influenciaram minha arte em uma idade precoce, idéias que estão tão enraizadas no meu estilo que eu não acho que eu poderia tirá-las de lá. Eles são fundamentais para como eu trabalho. Enquanto falo através do meu processo de re-pintura do meu projeto, você vai começar a ver onde essa influência entra em jogo. Espero que você esteja indo para assumir este desafio em si mesmo, para encontrar novas influências ou celebrar as influências que fizeram você se tornar um artista. 9. Linhas divertidas: Quentin Blake: Para a minha primeira referência de tinta, eu vou com para mim um realmente desafiador. Vou pintar no estilo de Quentin Blake. Ele escreveu e ilustrou cerca de 300 livros infantis, mas provavelmente é mais famoso por trabalhar com Roald Dahl em livros como The Fantastic Mr. Fox ou The BFG. Ele é um grande ilustrador de livros infantis porque, como você pode ver neste clipe, eu encontrei no YouTube, ele não pensa demais em seus desenhos, na verdade, nesses exemplos, ele nem está usando um sob desenho. Não há esboço ou planejamento. É tudo sobre vir diretamente de sua imaginação, é por isso que seus desenhos parecem tão enérgicos. Ele pode não ser o melhor artista representacional. Seus desenhos de personagens muitas vezes parecem muito semelhantes. Não há muitos detalhes e a anatomia deles, mas sua linha de trabalho é instantaneamente reconhecível. Isso é porque ele sai tão clara e confiante com um senso de diversão. Há um histórico técnico em seu trabalho, mas quando ele começa a trabalhar para jovens, é melhor relacionar uma sensação de liberdade, diversão e imaginação, em vez de precisão técnica. Voltamos ao meu segundo esboço do gato dormindo em um tronco. Para essa abordagem de Quentin Blake, vou trabalhar muito rápido como fiz e estou segurando meu exercício de respiração. Vou me certificar de que o desenho se pareça com uma linha. Se você se lembra nos vídeos, Quentin Blake está usando uma caneta, muito semelhante à que eu estou usando. Mas a maneira como a caneta se move, você nunca esquece que ele está desenhando. Vou trabalhar muito rápido. Vou manter as linhas suaves fluindo. Eu não vou bater em nenhum canto duro. Apenas como um desafio, eu vou voltar como se você olhar para a cauda aqui, eu tenho agitado um pouco para dar uma sensação de textura. Não há eclosão e este estilo Quentin Blake usa lavagens de tinta. Não vou tão longe com esta ideia. Eu só vou usar expressão de textura no trabalho de linha. Antes que perceba, tenho um retrato falado do Quentin Blake. Ele trabalha muito rápido e confiante, é provavelmente por isso que ele foi capaz de ilustrar mais de 300 livros infantis. 10. Hachura corajosa: Maurice Sendak: Há poucos artistas que deixaram tanta impressão em mim quanto Maurice Sendak. É uma combinação de suas histórias, histórias mais profundas da experiência da infância, e para mim, seus desenhos realmente elogiam esse tom narrativo. Você pode ver diretamente a partir da capa interna de uma cópia de Where the Wild Things Are, o cruzamento pesado que ele usa, mesmo quando suas ilustrações são coloridas, a tinta domina muito seu mundo. Tudo parece acontecer em um pôr-do-sol perpétuo. O céu está nublado e a luz vem de algum lugar distante. Muitas de suas histórias são definidas no escuro ou à noite e realmente se deparam em seus desenhos. Dá a eles quase como um tipo de qualidade de pesadelo. Mas não de uma forma ruim, mas apenas de uma forma em que você está sendo convidado a olhar para os aspectos profundos e não ditos de si mesmo. Sem ficar muito pesado nisso, vamos entrar na ilustração inspirada em Maurice Sendak. A primeira coisa que tem que vir à mente quando eu estou olhando estilo de tinta de Maurice Sendak é que ele está enraizado na eclosão, o que significa que não há um monte de delineamento em seu trabalho. Não estou a dizer que isto é verdade, não tenho nenhuma boa filmagem dele a funcionar, mas para mim, esta é a abordagem que imagino que ele esteja a tomar. Estou usando meu esboço como orientação para onde minha eclosão vai. Eu não vou dar a volta e delinear primeiro. Vou começar com o gato neste caso. Eu tenho que ter uma noção de onde minha fonte de luz está porque, como eu mencionei anteriormente, há uma escuridão em seu trabalho, com apenas o mínimo de luz. Vou fazer todo o pêlo. É importante quando você está eclodindo entender a forma da forma que você está eclodindo em cima. Imediatamente, as linhas precisam ser curvas. O gato tem que ter uma redondeza para ele. Hachching faz referência a apenas uma única direção de linha e a densidade da linha representa a densidade da sombra. Crosshatching é quando você volta e isso é o que é tão distinto sobre o trabalho de Maurice Sendak. É cruzamento, não só chocar. Vamos olhar para outro artista de incubação em breve. Eu tenho um senso geral do gato e agora eu vou trabalhar em segundo plano. Muito do que estou fazendo agora é representativo não só da luz, mas das texturas que vêm através da luz, então eu realmente vou construir isso. Enquanto eu estava me preparando para fazer este vídeo, eu estava assistindo algumas imagens de entrevistas com Maurice Sendak para ver de onde suas influências vêm e não surpreendentemente, uma de suas grandes influências foi o poeta e ilustrador, William Blake. William Blake estava por aí no final de 1700, naquela era romântica de arte visual e poesia. Ele era um poeta e também ilustrou muito trabalho de outros escritores e poetas. Maurice Sendak fala muito sobre ser fascinado com a arte de William Blake, mesmo que ele realmente não entendesse muito de onde ele estava vindo. Você não precisa ser um mestre de suas referências para aceitá-las em seu próprio trabalho. Você tira o que quer das pessoas e o que pode usar em seus próprios pontos de vista. Eu estou trabalhando em seções aqui enquanto eu tinto através deste design, constantemente construindo as sombras mais escuras e escuras, mas tendo o cuidado de deixar destaques em certos lugares. Para mim, o rosto é um verdadeiro desafio. Eu quase sinto como se eu tivesse trabalhado demais, então eu vou puxar um pouco disso para longe na cauda e no rosto. Agora que eu tenho um senso mais confortável deste estilo, eu vou voltar e retocar a cauda e o rosto. Está um pouco escuro demais. Quero que isto ainda seja atraente e não assustador. Lá vamos nós. Agora que deslistei o meu esboço, consigo perceber a proporção entre luz e escuridão nesta imagem. É como se eu estivesse escurecendo as luzes da sala e continuasse afastando a luz, construindo a escuridão. Ao longo, posso revelar mais aspectos da textura do mundo. Você percebe mesmo nos elementos de fundo, nada se instala em escuridão completa. Há sempre uma sensação de luz saltando de algum lugar no cenário. Lá temos gato dormindo no tronco no estilo de Maurice Sendak. 11. Sombras misteriosas: Edward Gorey: Pense na arte que realmente está preso com você ao longo de sua vida, os ilustradores que você quase pode lembrar do dia em que você foi apresentado a eles. Geralmente há um senso de mistério que está ligado a essa reação inicial. Você provavelmente teve um livro, você poderia estar sentado no chão da biblioteca. Você tinha algumas imagens, palavras, e na melhor das hipóteses uma página de autor. Antes de você ter a chance de correr para o Google e procurar essa pessoa, toda a história deles era misteriosa. Há algo que é realmente sedutor nisso. Para mim, Edward Gorey é o epítome do misterioso artista. Você olharia para o seu trabalho e pensaria que foi criado com uma pena mergulhada em tinta por um recluso em meados de 1800. Mas na verdade, Edward Gorey é um artista contemporâneo e passou muito de sua vida em Nova York e mais tarde em Cape Cod. Há muito mais a dizer sobre ele, mas antes de tudo, este é um homem obcecado por eclodir, e como observador e criança descobrindo seu trabalho, fiquei obcecado com sua eclosão também. Antes de continuar meu discurso sobre isso, temos um monte de incubação para fazer, então vamos começar. Eu estava realmente animado para ter uma desculpa para desenhar como Edward Gorey, não que eu não gastasse a maioria dos meus 20 anos desenhando como ele. Se você de alguma forma tivesse uma cópia de graphic novel, eu escrevi e ilustrei quando eu tinha 22, 23, 24 anos. Você veria muita influência de Edward Gorey nesse livro. Ele é como a estrela do rock dos ilustradores, eu acho, apenas em parte devido ao mistério que eu mencionei antes. Mas ele começou a trabalhar em tantos projetos legais como ilustrar Drácula, e capas para a Guerra dos Mundos de HG Wells, muitos poetas famosos. Ele estava envolvido no teatro. Na verdade, se você olhar para o trabalho dele, há muita linguagem corporal que vem do teatro. Você pode chamar de desconfortável e estranho nos momentos que ele escolheu, mas na verdade é apenas uma linguagem teatral como balé, basicamente. Porque ele frequentava muito balé. De qualquer forma, você pode ver que estou construindo minha eclosão. Neste caso, estou começando com o fundo. Estou tão familiarizado com esta composição neste momento. Não importa por onde começo. Tenho uma boa visão de onde vou. eclosão de Edward Gorey desempenha muitos papéis diferentes. Às vezes representa sombra, textura, roupas, tecidos, grama, nuvens, chuva, fumaça, sangue, carpete, então você começa a decidir seu papel no início. Neste caso, eu vou com uma abordagem horizontal, uma técnica que ele usaria muito só para preencher que nós não somos super importantes. Você pode ver a eclosão nas folhas no fundo é apenas horizontal, que significa que é agradável e suave e uniforme. Vou passar e mudar algumas das formas que tenho, torná-las um pouco mais ameaçadoras. Você pode me ver aqui à esquerda lidando com aqueles brotos que estão cutucando. Vou pegar os formulários redondos habituais com os quais trabalho e torná-los pontudos quase como se fossem bicos de pequenos pássaros carnívoros. Minha eclosão vai mudar um pouco aqui. Vai representar uma sombra e espero dar um pouco de forma a estas formas. Em termos de luz, estou tomando uma abordagem como fiz com a ilustração de Maurice Sendak, determinando uma fonte de luz. Neste caso, é quase sobrecarga, eu acho. O destaque está no lado superior e o lado inferior é sombra completa. À medida que construo esta ilustração, decidirei mais especificamente a profundidade das sombras. Neste ponto, você pode ver que eu tenho branco completo, e então eu estou operando como uma sombra de 90% na borda inferior. Em seu projeto, espero que você dedique algum tempo para olhar os ilustradores que realmente admira e também aprofundar o que os influencia. Normalmente, é quase como um jogo de telefone. Com a arte, todo mundo está emprestando texturas, tons e abordagens uns dos outros e construindo-os em sua própria fórmula única para ilustração. Os artistas que você ama são inspirados por outros artistas que você potencialmente seria super interessado. Eu peguei alguns clipes de Edward Gorey. Não há muitas entrevistas com ele onde ele fale sobre suas influências. Enquanto esperamos que este desenho se renderize, vamos dar uma escuta. Bem, acho que fui influenciado muito por coisas como Lewis Carroll, Edward Lear, e toda a tradição de versos absurdos ingleses e pedras. Bem, claro, suponho que remonta a Thomas Hood que escreveu algo muito violento, não necessariamente para crianças. Bem, quero dizer, Lear era um grande amigo de Tennyson ou algo assim, e algumas de suas coisas realmente soa como Tennyson ficando um pouco louco e qualquer coisa assim. A idéia de absurdo é realmente proeminente nas palavras de Edward Gorey, bem como em suas ilustrações. Estamos falando sobre as ilustrações dele na maior parte, é claro. Há um monte de não-sequitores, pensa que apenas pareciam vir do nada e não tem idéia de onde eles vieram, ou para onde eles estão indo em seus desenhos, e parte disso acrescenta mistério, e parte disso também apenas fala da idéia do mistério da infância, e como você acabou de entrar, no meio de uma história maior, e você pode olhar tão fundo nessas idéias quanto quiser e escolhemos o que procuramos. Mas realmente o mundo é principalmente misterioso 98% das vezes e como eu estava dizendo anteriormente, eu posso tão claramente me lembrar olhando para a eclosão e tentando quase encontrar uma mensagem dentro dela, quase como ela palavras de empurradas juntas, mas é claro que isso não existe. Eventualmente você pega uma caneta e começa a desenhar para si mesmo. Enquanto estou trabalhando neste desenho, sei que está acelerado, mas eu entro de volta no mesmo lugar que eu sempre vou. Quando eu choco neste estilo Edward Gorey, você tem a composição construída, você não está tomando nenhuma decisão crítica além de quantas linhas pertencem a que espaço e essas coisas sempre podem ser ajustadas mais tarde. É um estado de desligamento cerebral meditativo que você pode entrar, que não é algo que você pode fazer muito na vida, seja arte ou qualquer outro tipo de carreira em que você entrar. Eu poderia ver que um artista que realmente se entrega a uma técnica como esta, parte dela é escapar de sua mente mais pensativa e apenas espaço para fora e desfrutar de um momento em um processo simples e saber que ele está construindo para outra coisa. Você pode ver a personalidade de toda essa composição mudando enquanto eu trabalho nas diferentes partes. Aqui estou eu, em primeiro plano, lidando com a flor, é quase como uma planta venenosa. As pétalas são mais nítidas e caem até o centro do botão e ficam quase pretas e seja lá o que você chama, a parte da flor que está no meio. De qualquer forma, a parte do meio da flor quase parece uma armadilha de Vênus. Observe que deslistei o gato e o esboço completamente, então posso me concentrar nas texturas que estou fazendo com minha eclosão. Estou me divertindo muito com este. Como eu tinto o registro, eu coloco algumas diretrizes e apenas mantenho minha eclosão no caminho certo, eu não quero ficar totalmente irracional aqui e perder a noção do que eu estou fazendo. Estas linhas vão ser uma horizontal movendo-se para baixo o comprimento do tronco, dado a ele uma sensação de movimento. Mas estou evitando linhas simples, tudo é construído sobre eclosão, pequenos gestos irregulares, tipo relâmpago. Não há movimento suave e gracioso. Mesmo quando tudo se acumula através de apenas fechamento visual, você terá uma melhor noção do movimento de toda a imagem, mas neste estágio inicial, tudo é fortemente texturizado e quase violento em seu movimento como ataque à aproximação da agulha. Eu realmente amo a forma como as formas por trás das folhas estão se saindo. Eles quase parecem formas sobrenaturais; uma nebulosa sinistra, uma bolha negra que vai ultrapassar a cena. Realmente, cada aspecto desta composição tomou uma sensação ligeiramente diferente até os cogumelos. Não mais os cogumelos macios redondos, eles são tampas em forma de bala agora e são silhuetas, formas escuras em primeiro plano. Eu estou trabalhando na parte frontal do tronco, a borda irregular, eu não incluí-lo nesta versão do desenho, mas eu ainda quero que o log tenha um monte de textura então fazendo os pontos mais escuros para o log exatamente onde ele atinge os anéis, Estamos realmente criando esse quadro forte aqui para o gato, eu mal posso esperar para entrar nele e ver como eu lido com isso. É quase como um fantasma flutuando lá no centro neste momento. Tempo para o gato, gatos têm um lugar muito específico nessa palavra mundo Gorey. Uma das ilustrações de gatos mais famosas que ele fez é para a capa de uma coleção de poemas TS Eliot e eles são como o caráter caprichoso do vinho no mundo de Edward Gorey. Eles têm uma forma diferente, eles sentem que têm uma cabeça grande e larga e um sorriso generoso. Parece ser muita influência vindo, como você mencionou, do mundo de Cheshire Cat e Lewis Carroll. Acho que talvez esse seja o ponto de referência dele e eu vou pegar aquele gato e trazê-lo para este desenho. A forma do corpo do gato está mudando muito e eu estou pensando que ele vai ser principalmente preto sólido , então eu vou apenas trapacear aqui e preencher esta coisa em preto total na parte de trás e eu gosto disso. A forma da cabeça está mudando um pouco e agora é um jogo cuidadoso do que eu preciso deixar branco? Mantenha um destaque em torno da borda da cabeça e as pontas das orelhas podem ficar brancas e a ponta da cauda e um par de destaques no topo da cauda mas realmente o gato vai ser preto sólido. O gato ainda está dormindo, mas a posição dos olhos é alterada. Agora eles estão na língua de Edward Gorey, eles estão um pouco mais alto e lado alguns desses destaques, não há muita luz neste mundo. Estou me sentindo muito bem com isso. Talvez um pouco mais de sombra elimina alguns desses anéis na árvore e trazer um pouco mais de profundidade para algumas dessas folhas, Eu gosto de volta plana, mas é quase um pouco plana demais para esta versão do mundo. haver alguma profundidade à medida que se movem atrás do gato e bloqueiam um pouco da luz. narizes de Edward Gorey são muito específicos, então vou pegar todo aquele olhar emprestado e lá está. Um gato dormindo na selva, desta vez no mundo de Edward Gorey. 12. Seu projeto do curso: Isso é isso. Espero que tenha gostado da aula e me vendo trabalhar e explorar minhas próprias influências criativas. Vamos falar do projeto da aula. Aqui está o que vamos fazer. Vamos construir uma ilustração inspirada em outro estilo de tinta artística. Você vai começar desenhando uma composição composta de um animal, e um cenário único. Vou fornecer-lhe algumas planilhas para orientar o seu processo. Criei um modelo de composição que permitirá que você separe a página de maneiras que você nunca pensou. Vou fornecer-lhe referências para incubação, e até mesmo uma lista de inspiração para assuntos e configuração do seu projeto. Seu objetivo é expandir o que você sabe sobre ilustração, encontrar nova influência, e construir sobre o conjunto de habilidades que você já tem. Quando você terminar sua ilustração, por favor, compartilhe-a na seção de projetos de classe. Ao compartilhar seu trabalho, ele inspira outros alunos a assistir a aula, criar seus próprios projetos, e isso, por sua vez, me inspira a criar novas aulas para vocês e dar mais motivos para desenhar e explorar a criatividade. Além disso, se você pudesse escrever um comentário para a turma, isso vai um longo caminho para obtê-lo lá fora e exposto a mais alunos. Te vejo na próxima vez.