Guia passo a passo de uma pintura realista de retratos a óleo

1. Minhas boas-vindas ao meu curso: Olá, sou Kate e bem-vinda à minha aula de pintura de retratos a óleo. Nesta aula, vou guiá-lo em todo o meu processo de classificação de um retrato realista com tinta a óleo Se você quer entender melhor a estrutura, pintar com mais confiança ou simplesmente aproveitar a sensação de pintar um retrato, você está no lugar certo Ao longo deste curso, vou levá-lo passo a passo, do início ao fim. Começamos com a preparação dos materiais, da tinta, trituradores, do meio e da superfície que eu pessoalmente uso e recomendo Também explico alguns fundamentos essenciais sobre mistura de cores, esboços e algumas dicas que ajudam você a crescer ainda mais para que você possa criar retratos sozinho após Depois disso, mostrarei como construir sua pintura de base, como bloquear formas e valores grandes e como desenvolver lentamente o retrato camada por camada Eu acompanho você em todas as etapas em tempo real, compartilhando minhas dicas e ouvindo retratos pintados Ao final desta aula, você terá seus próprios retratos realistas Meu objetivo é que você entenda como aplicá-lo a qualquer retrato que queira pintar no futuro. Esta aula é para todos, mas eu a recomendo fortemente se você já tem alguma base básica, como entender proporções faciais simples, mistura básica de cores ou pode pintar objetos básicos em três D. Você não precisa ser perfeito em nada disso. Mesmo um pouco de experiência tornará muito mais fácil acompanhar e aproveitar mais o processo. Mas se você é novato em folha, você ainda é bem-vindo para participar. Vá devagar e se divirta. Essa é a parte mais importante. 2. Pincéis e superfícies: ferramentas e materiais: Portanto, antes de começarmos a pintar, mostrarei os pincéis e a superfície que uso com mais frequência Entenda que suas ferramentas fazem uma grande diferença, não apenas na aparência de sua pintura, mas na sensação de quando você está pintando. Então, primeiro de tudo, tamanhos de pincel, aqui vou mostrar do tamanho grande aos detalhes. É importante ter uma variedade de tamanhos de pincel. Portanto, pincéis grandes para bloquear e formar formas grandes, pincéis médios para criar formas e pincéis de pequenos detalhes para olhos, folhas, bordas e Agora, mostramos dois tipos principais de latão que atualmente estou usando latão e sabras Bristo Bristobas que são rígidas para obter mais textura. Eu seguro a tinta e a solto muito bem. É muito excelente para estrutura de edifícios e também é muito bom quando se baseia na pintura e em algumas primeiras camadas. Mas o carro aa não é ideal para misturar e pode deixar marcas visíveis se você quiser um acabamento liso Aqui estão os pincéis macios. Eles têm uma forma macia sintética ou de fibra macia. Eu o uso principalmente para misturar, refinar bordas, criar uma transição mais suave e desenvolver uma textura de pele realista É muito perfeito para o gradiente de soluços, ajudei a criar um acabamento polido e um ótimo controle em áreas mais apertadas Mas o contras é que ele também não causa dores fortes e não é ideal se você deseja criar um traço sexual visível em sua pintura. Então, na minha experiência, costumo usar Bristobs, usando-os para bloquear a forma e estabelecer Além disso, quando quero uma textura intencional no look final, volto ao Bistbs novamente porque eles deixam uma linda disso, costumo usar pincéis de soluço intuitivamente quando quero Além disso, costumo usar pincéis de soluço intuitivamente quando quero uma mistura suave ou uma transição mais suave no retrato, especialmente ao redor da bochecha e da pálpebra, especialmente ao redor da bochecha e da criando sombras sutis. Eles me ajudam a dar à pintura aquele acabamento realista e luminoso Então, aqui vou mostrar alguns dos pincéis que eu uso com muita frequência. A maioria dos meus pincéis é da Hobne, do Japão, uma marca na qual confio porque qualidade dos pincéis é muito consistente e duradoura Isso é muito importante para a pintura a óleo. Se você usar as mesmas bordas para áreas claras e escuras, você as misturará involuntariamente e sua pintura ficará turva muito rapidamente É por isso que eu pessoalmente compro dois irmãos iguais. Se eu usar esse tamanho, esse tipo de irmão com muita frequência, comprarei dois irmãos iguais, então posso usar um para áreas claras e outro para áreas escuras. Então, a dica me ajuda a manter a cor limpa, fresca e vibrante. Também recomendo usar sutiãs de marcas conceituadas. Na minha experiência, sutiãs de alta qualidade, quero dizer, não são muito caros, é claro, dependendo de como você pode pagar, mas eu recomendo usar sutiãs de marcas conceituadas porque eles aguentam melhor a dor Eles liberam a dor de forma mais uniforme e boas ferramentas não fazem você se tornar um artista melhor da noite para o dia, mas é claro que elas tornarão o processo muito mais suave, alegre e fácil para São algum tipo de superfície que você pode usar para pintar a óleo. Primeiro de tudo, é papel para pintura a óleo. Eles são muito bons para praticar. Eles são muito acessíveis. Eles são perfeitos para estudos rápidos, prática de valores ou experimentação de novas técnicas. Vazio a bordo. Essa também é uma opção muito acessível, mas precisa ser preparada. Primeiro, você precisa selar a superfície com uma ou duas camadas de cola e depois aplicar cerca de quatro a cinco camadas de gel. Depois de enviar seu humor, você terá uma superfície limpa e uniforme, pronta para pintura. E, por fim, é tela. Você pode comprar telas esticadas para hematomas na maioria das lojas de arte. tela de algodão como essa é muito acessível e ótima para iniciantes. Eu ainda recomendo adicionar algumas camadas extras de apenas antes de pintar para obter um pouco do resultado final. E essa é a superfície que eu mais amo, e essa também é a que vou usar para esta demonstração de retratos nesta aula. Isso é tela de linho. Este é o meu favorito pessoal porque acho que ele retém a tinta lindamente e é por isso que mantém as cores vibrantes e frescas É um pouco mais caro em comparação com a lona de algodão. Claro, dependendo do tipo de roupa que você compra. Mas, em geral, acho que é mais caro que o de algodão, mas vale muito a pena. Acho que Lenin é muito ideal para pintura de retratos porque tem uma textura especial que agrupa muito bem a tinta e adiciona um caráter sutil ao retrato 3. Tintas a óleo e materiais: o que uso e por que: Então, aqui vou apresentar a tinta a óleo e o meio que eu uso. Você não precisa de uma coleção enorme para começar, um conjunto sólido de cores principais e um ou dois meios simples. O objetivo é entender seus materiais para que eles possam apoiar seu processo, não sobrecarregá-lo Na maior parte da minha pintura, uso regularmente essa tinta a óleo. Isso oferece tudo o que você precisa para misturar tons de pele. Além de toda a tinta a óleo básica, também tenho algumas outras cores que uso às vezes para tornar minha pintura mais colorida e vibrante. Eles não são necessários para iniciantes, mas são uma boa adição quando você deseja uma temperatura específica ou uma intensificação Você não precisa de tinta cara para começar. Deixe-me compartilhar algumas marcas que eu uso e o que eu recomendo, desde a nota do aluno até a nota do artista. Para a nota dos alunos, eu uso Van Gogh e Winton. Comecei a pintar a óleo com isso e ainda os recomendo. A qualidade é sólida e as cores são bastante confiáveis e o preço é muito acessível. Eles são perfeitos se você está apenas começando ou praticando retratos básicos Além de pigmentos de boa qualidade e acessíveis que encontro mais tarde, uso cores de master class e jogos de azar Eles têm boa carga de pigmento, mas permanecem muito acessíveis Para nível profissional, eles contêm alto pigmento e são muito vibrantes Eu uso Michael Harding e combino. Esses são meus favoritos. As cores são extremamente vibrantes, ricas e cheias de pigmentos porque a carga de pigmento é muito alta, então você geralmente precisa menos dor para obter uma saturação bonita em comparação com a nota do aluno, quando precisa de mais dor para atingir a carga final desejada, para nível profissional, às vezes você só precisa de muito O Medium pode ser muito confuso no começo. Mas neste vídeo, vou simplificar alguns poucos meios que uso. E para ser sincero, eu não uso muito na minha pintura, mas vou te mostrar o que é maravilhoso para que você possa escolher o que combina com seu estilo. Antes de mais nada, use a tinta fina, limpe os pincéis, mas tem um cheiro forte e pode irritar Na verdade, não uso mais blusa e gravata porque não suporto o cheiro e meu espaço de pintura é muito pequeno. Portanto, se você usá-lo para pintar e limpar os pincéis, trabalhe em uma área bem ventilada Óleo de lavanda Spike. Isso é natural, menos forte que a terebintina, menos tóxico que a terebintina, mas ainda é um solvente, use-o É bom para diluir a dor e também para limpar o pincel, é ótimo para tonificar a tela Costumo usá-lo para tonificar a tela e usá-lo no estágio inicial da minha pintura. Então engrosse o óleo de linhaça. Este meio de pintura a óleo é perfeito para envidraçamento. Como brilho e fluxo, ajuda a nivelar a tinta suavemente Eu uso uma pequena quantidade nas minhas camadas finais quando quero uma transição luminosa suave Terebintina veneziana, este é um É grosso, como uma resina. Quando misturado com óleo de linhaça, ele cria lindos esmaltes brilhantes, mas eu o uso muito raramente apenas quando quero um efeito de esmalte muito específico Aqui estou te mostrando todo o meio que tenho. Mas no meu processo real de pintura, eu não uso isso com muita frequência. Especialmente nesta lição, eu só uso óleo de lavanda para diluir a tinta e tonificar a tela. Atualmente, estou usando óleo de bebê para limpar meu pincel para diluir a tinta e tonificar a tela. Atualmente, estou usando óleo de bebê para limpar meu Isso ajuda a remover muito bem a tinta dos sutiãs porque meu espaço de pintura é muito pequeno. Eu tento evitar o uso de solventes e não consigo acessar solventes não tóxicos em meu Portanto, o óleo para bebês é uma boa alternativa. Mas um aviso importante ao usar óleo para bebês é que não deixe o óleo entrar em contato tela durante o processo de pintura, pois isso pode estragar a pintura ou fazer com que a superfície fique úmida e pegajosa Portanto, sempre limpe bem o sutiã e certifique-se de que esteja seco antes de continuar. Eu também uso o sabonete para remover o óleo de bebê e também o pigmento restante, mas eu o uso às vezes , não todos Se você pinta em uma área bem ventilada e também tem acesso a solventes não tóxicos em seu país, eu sinceramente recomendo usar solventes não tóxicos porque são mais fáceis e seguros usar durante Mas o óleo para bebês também é uma alternativa viável se você for cuidadoso Durante o processo de pintura, uso principalmente um lenço limpo para limpar o excesso de tinta dos meus pincéis Isso mantém a cor limpa e evita que minha pintura fique turva 4. Preparando a tela: esticamento e preparação: Para esta aula, trabalharei com roupa de cama, uma estrutura, uma pistola estável e um alicate de maca Primeiro passo, massageie e corte, coloque a roupa na superfície e coloque a moldura por cima Corte o tecido de forma que você tenha uma margem generosa nos quatro lados , o suficiente para dobrar a moldura confortavelmente Esse espaço extra permite que você estique a roupa uniformemente sem ficar sem nenhuma borda. Comece colocando um grampo inicial no centro de um lado da moldura Quem ancora o tecido e evita que ele se desloque. Em seguida, usando um alicate, puxe a roupa com firmeza no lado oposto e coloque um grampo diretamente em frente ao primeiro O frapri deve estar apertado, mas não muito tenso. Repita esse processo nos dois lados restantes, puxe e depois estabilize, polpe e grampeie Sempre trabalhe do centro para fora para manter a tensão uniforme. Quando terminar, sua roupa de cama deve ficar firme e macia, sem manchas ou rugas Se a tela estiver solta ou um pouco folgada, basta remover as peças dessa área, apertar a favorita e grampear novamente É completamente normal ajustar uma ou duas vezes. Para esta aula, estou usando gesso acrílico liquitex. Em vez de um pincel, prefiro usar um aplicador elástico plano Ajuda a espalhar o gesso uniformemente sem deixar marcas visíveis de pincel no linho. Isso cria uma superfície mais limpa e suave para a pintura de retratos Aplicando o gesso, normalmente, aplico de quatro a cinco camadas, aplico a primeira camada uniformemente em toda a superfície e deixo secar completamente. Em seguida, aplique a segunda camada em uma direção ligeiramente diferente e repita até obter quatro a cinco camadas finas. Depois que a quarta camada estiver totalmente seca, lixo suavemente a superfície com uma lixa de grão fino, dando saúde, uniformizando a textura e criando um fundo de pintura suave 5. Noções básicas de mistura de cores para pintura de retratos: Não vou me aprofundar muito princípio da mistura de cores nesta aula. Eu encorajo você a explorar algumas lições, se concentrar na mistura de cores, trabalhar com uma paleta de cores limitada e experimentar para criar o maior número possível de variações de cores Compreender a roda de cores e teoria básica das cores tornará o processo de pintura muito mais fácil. Para manter esta lição simples e não muito cansativa, apresento apenas alguns pontos-chave que são especialmente importantes para a pintura de retratos Assim, todas as cores tendem a ser quentes ou frias , cores quentes como vermelho, laranja , um amarelo, um marrom e cores frias como azul, amarelo frio, verde frio, violeta. Ao pintar tons de pele, enviamos constantemente a temperatura. Áreas mais quentes, como nariz na bochecha, folhas ao redor dos olhos e áreas mais frias, geralmente na linha da mandíbula, no pescoço ou nas sombras da bochecha, se algo parecer estranho com frequência porque a temperatura está errada , não a Lembre-se de prestar atenção ao valor ao pintar. Valor significa quão clara e escura é uma cor na pintura de retratos. O valor controla a espuma. Um valor correto com uma cor ligeiramente errada ainda parece crível, mas um valor errado, mesmo com a cor perfeita, ainda parece Quando faltar a cor, lembre-se de primeiro verificar o valor, depois ajustar a temperatura e depois ajustar a saturação. Isso manterá sua mistura limpa e intencional. Cores complementares são aquelas que ficam opostas uma à outra na roda de cores, como vermelho, verde, azul, laranja, amarelo e roxo. Adicionar uma pequena quantidade de cor complementar ajudará a reduzir a saturação, a criar tons neutros naturais e a tornar o tom da pele mais realista Por exemplo, muito quente na mistura, adicione um toque de verde ou azul ultramarino ou, se a mistura estiver muito fria, adicione um pouquinho de laranja ou vermelho quente Agora vou explicar minha mistura inicial de cores para preparar antes de começar a pintar. Não vou remixar todas as cores em detalhes. Em vez disso, preparo algumas misturas de teclas que cobrem a faixa do valor mais escuro ao tom médio e para clarear o tom Essa mistura me dará uma variação de cores que eu posso ajustar facilmente durante o processo de pintura. Para a mistura mais escura, eu uso buntmw Também adiciono uma pequena quantidade de bun sienna para criar o fluxo e afrouxar a textura, porque os buntew de Star Glass tendem a ser um pouco Isso cria uma cor de sombra natural profunda. Para um cachorro mais quente, sinto falta do coque Siena, azul ultramarino e um pouco de vermelho azaren Se eu quiser escurecer, às vezes adiciono um toque de tempero de pão. Essa mistura é útil para a parte mais quente das áreas sombreadas, especialmente ao redor da face, onde a temperatura muda sutilmente Para o tom escuro médio, eu misturo três cores primárias, um vermelho laser, amarelo ocre, azul ultramarino Quando eles se misturam, você obtém uma bela substância natural Dependendo do retrato, você pode ajustar essa mistura ao longo do caminho. Por exemplo, adicione mais vermelho ou laranja para aquecê-lo ou adicione mais azul ultramarino ou azul cerúleo para Essa mistura forma a base para a maioria das sombras naturais da pele Essa mistura fica quente e será usada para o tom médio mais claro do rosto. Começo com uma boa quantidade de titânio branco, depois misturo com um laser vermelho, laranja cádmio Eu não limpo minha espátula neste estágio, então, para manter um pouco da mistura de normalidades, isso ajuda a cor a permanecer natural, isso ajuda a cor a permanecer natural Para equilibrar o calor, adiciono uma pequena quantidade de azul ultramarino para neutralizá-lo levemente Se você adicionar apenas cores quentes, a mistura ficará muito vermelha ou não natural; essa pequena quantidade de azul a levará de volta ao tom natural da pele Para o tom claro, misturo branco de titânio com rosa coral e adiciono um pouco de amarelo cádmio para deixar a Em seguida, adiciono um toque de azul ultramarino para neutralizar o calor, para que pareça mais pele natural do que rosa ou laranja puro Por fim, na mistura mais leve, pego uma pequena quantidade do tom claro anterior e adiciono muito mais branco de titânio para criar uma variação de luz adiciono muito mais branco de titânio para criar uma Também adiciono uma pequena quantidade de amarelo cádmio para manter o destaque vibrante e vivo 6. Desenhando o retrato: proporção: Antes de começarmos a pintar, vamos passar algum tempo falando sobre o esboço, porque um retrato se torna muito mais fácil quando a base é forte Um bom desenho é o que mantém a pintura inteira unida. A cor, o acabamento dos seios e os detalhes dependem da precisão da estrutura por baixo É por isso que acredito que desenvolver uma forte habilidade de desenho é essencial Ele apoiará seu processo de pintura em qualquer meio, não apenas a óleo, cada um tem sua própria maneira de praticar e seu próprio método de esboço, mas compartilharei duas abordagens que eu pessoalmente achei muito úteis para que você também possa experimentá-las em casa A cabeça Lumis é um ótimo método de prática porque ensina a prática porque ensina estrutura subjacente da cabeça, a esfera, a simetria, o plano, a proporção e o posicionamento da feição Quando comecei, essa abordagem fez com que o passe de desenho parecesse muito mais simples. Com uma prática consistente, acredito que isso pode melhorar significativamente sua habilidade de esboçar Também passei muito tempo copiando desenhos do antigo mestre. Isso me ajuda a entender como simplificar a forma e projetar as sombras Ao estudar e copiar seus trabalhos, posso ver por que eles tomam certas decisões e isso melhorou muito minha visão de detalhes e minha linha de trabalho. Agora vamos falar sobre como eu me preparo para pintar. Você pode esboçar em papel primeiro e depois transferir seu desenho usando papel de suporte ou papel gráfico de ou papel gráfico Esse método é ótimo. Se você não está muito confiante em desenhar diretamente no Canvas, você deve se concentrar na pintura em vez de se preocupar com a precisão do desenho O retrato tem uma proporção complexa. Esse é o método mais fácil para iniciantes e garante que a estrutura básica esteja correta antes de começar a pintar. Primeiro, começo tonificando a tela Como mencionei anteriormente, eu uso óleo de lavanda branco para diluir a tinta a óleo e crio uma camada muito fina de Burn Sana Eu uso um caldo grande para espalhar essa lavagem uniformemente por toda a tela. Nesse estágio, eu uso mais solvente, então a tinta fica muito fina e fluida Isso permite que a cor flua facilmente, cubra a superfície rapidamente, seque mais rápido e crie uma base perfeita para desenhar na parte superior Depois, limpo suavemente a área do retrato com uma toalha de papel. Isso cria um tom quente no qual me sinto mais confortável para pintar em vez de uma tela branca, que distrai facilmente meus olhos É muito difícil avaliar o valor de uma tela pura, então tonificar ajuda muito Primeiro, comparo a altura do rosto com a moldura. Nessa referência, a distância do topo da cabeça até o queixo é aproximadamente a mesma que a distância do queixo até o peito. Começo marcando o topo da cabeça e depois me inclino para baixo, de modo que a distância da cabeça até o queixo corresponda à distância do queixo até o peito O ponto médio entre essas duas marcas se torna o queixo que me ajuda a ancorar o rosto corretamente na composição Depois de estabelecer a parte superior e inferior do rosto, começo a marcar a divisão facial principal, da testa às sobrancelhas, das sobrancelhas à base do nariz e do nariz ao queixo Neste retrato, a distância da testa até as sobrancelhas é aproximadamente igual à distância da sobrancelha até o nariz, enquanto a distância do nariz até o queixo é Depois de marcar esse ponto, eu sarampo novamente para verificar a proporção Depois de marcar os pontos principais, eu os conecto levemente desenhando a linha dos olhos, a linha do nariz e a linha do queixo seguindo o dente da cabeça Por causa da perspectiva, essas linhas não são paralelas. Eles conversam sutilmente em direção a um único ponto de fuga. Em seguida, desenho a linha central do rosto para indicar a direção do nariz e divido o rosto em duas metades Eu marco a largura do olho esquerdo, anotando seu ponto inicial e final. Em seguida, comparo a relação entre os dois olhos na imagem de referência para entender sua diferença proporcional Devido ao princípio da inclinação da cabeça e da perspectiva, o olho direito parece um pouco mais estreito que o esquerdo Com base nessa comparação, estimo o espaçamento e marco a posição do olho direito na tela Em seguida, rejeito essa medida em relação à foto para garantir que tudo pareça preciso. Depois que o ponto visual facial principal é marcado, começo a esboçar o rosto conectando esse ponto de referência e refinando o Eu uso no Bonsiena, o que torna a linha mais fácil de ajustar e corrigir ao longo do caminho Nesse estágio, também começo a indicar as principais áreas de sombra, como as maçãs do rosto, a órbita ocular e a lateral do nariz Isso me ajudou a visualizar o rosto como uma forma tridimensional e a criar uma base sólida para aplicar cores na próxima etapa Também marco a boca, o canto esquerdo da boca alinhado aproximadamente com a órbita ocular esquerda e o canto direito da boca alinhado com a borda externa do pulso direito Eu marco esse ponto na tela e os comparo com a referência para confirmar a precisão. Esse estado de medição é bastante flexível. Você pode comparar qualquer relação que seja confortável para você, como a largura dos olhos em comparação com o comprimento do nariz, a distância entre as sobrancelhas, em comparação com a largura dos olhos ou qualquer outra relação proporcional que você observe no rosto O objetivo é entender como as diferentes fissuras faciais se relacionam entre si em tamanho e posição Quanto mais cuidadosamente você medir, mais precisa será sua saia Nesta fase, tudo ainda é muito leve e ajustável. Este esboço é simplesmente um guia, uma base sólida que tornará o processo de pintura muito mais fácil e confiante Durante todo o processo de desenho e pintura, tudo pode ser ajustado Estou constantemente medindo a proporção e fazendo pequenas correções ao longo do caminho. Mesmo se você começar transferindo o ponto-chave ou o contorno da imagem de referência para a tela, ainda precisará revisitar e medir novamente à medida que pinta, pois à medida que a tinta é aplicada, menos naturalmente é transportada e as bordas menos naturalmente é transportada e as Verificar sua proporção repetidamente é uma parte importante do processo. Eu recomendo fortemente que você aprenda sobre medição comparativa, o que significa comparar uma distância outra em vez de confiar na medição fixa Esse método ajuda muito na pintura de retratos. Por exemplo, você pode perguntar se a largura da cabeça é maior ou menor que a altura? A distância dos olhos até o nariz é igual à distância do nariz até o queixo? Onde o canto dos olhos se alinha verticalmente com a boca Você usa o latão ou o lápis como ferramenta de medição, segurando-os com o braço estendido, comparando ângulos e comprimentos e marcando essas relações na tela Essa abordagem aumenta a precisão sem fazer com que o desenho pareça rígido Como a bunsena é diluída, é muito fácil ajustá-la na fase de desenho Se algo cair, posso simplesmente usar uma toalha para limpá-la e redesenhar Como é um esboço à mão livre, não há necessidade de se sentir estressado ou buscar a perfeição imediatamente. Eu trabalho principalmente observando, esboçando, ajustando e medindo novamente a proporção repetidamente Eu continuo refinando até que a saia fique equilibrada e as características faciais estejam na proporção certa Esse processo de ida e volta é uma parte normal e importante da construção de um retrato preciso. À medida que prossigo, também começo a reforçar as áreas de sombra e também a zona de valor mais escura aplicando um pouco mais Isso me ajudou a estabelecer um senso inicial de valor e volume, permitindo que o rosto fosse lido com mais clareza como uma forma tridimensional antes de passar para a cor. Nesse estágio, concentro-me principalmente no rosto e indico apenas levemente o pescoço. Dedico a maior parte do meu tempo a refinar a forma geral do rosto e o ângulo da cabeça, em vez de me concentrar na representação detalhada de características individuais, evitando detalhes excessivos neste momento, me ajudando a evitar a sobrecarga visual e me permitindo estabelecer uma estrutura, proporção e gestos precisos antes avançar para estágios mais 7. Camada1 parte 1: Para a primeira camada, eu sempre trabalho do valor mais escuro para o mais claro. Isso me ajudou a estabelecer a profundidade da estrutura em uma hierarquia de valores clara no início da pintura Começo com os olhos usando minha mistura mais escura para definir a estrutura principal do olho, linha dos cílios superior e inferior, a pálpebra e a graxa da pálpebra, o canal lacrimal e o canto externo do A cor ao redor dos olhos naturalmente fica mais quente e vermelha Isso ocorre porque a pele nessa área é fina e rica em vasos sanguíneos, então eu adiciono uma pequena quantidade de laser carmesim à Isso faz com que a sombra pareça mais realista do que neutra ou Estou definindo levemente os contornos externos dos olhos, em vez de focar nos detalhes imediatamente Priorizo estabelecer a forma e o posicionamento gerais Agora vou trabalhar gradualmente construindo o formulário com linhas de controle de som, já que essa ainda é a esquete inicial, então mantenho a marca leve e flexível para poder ajustar facilmente a proporção, se necessário Para a área ao redor dos irlandeses, eu ainda uso a mistura escura, mas adiciono um toque de azul cerúleo, já que a cor dos olhos dela é azul, então esse ajuste sutil ajuda a sugerir o frescor do irlandês, mantendo o valor A mistura base já contém um fundo umber azul ultramarino, então adicionar cerúleo deu forma a Agora, passo para o OSI, seguindo a mesma abordagem Começo definindo os controles externos para estabelecer sua forma geral e posicionamento enquanto trabalho. Estou constantemente comparando-os com o primeiro olho, Estou constantemente comparando-os com o em vez tratá-los como um elemento separado. Isso ajuda a manter a consistência na forma, tamanho e proporção. Uma coisa importante a ter em mente é que os dois olhos devem estar na mesma linha horizontal, geralmente chamada de linha dos olhos. Ao desenhar, frequentemente dou um passo para trás e verifico se esse segundo olho está alinhado corretamente com o primeiro É muito fácil para o segundo olho se deslocar um pouco para cima ou para baixo Esse estágio requer observação e ajuste cuidadosos Costumo ir e voltar refinando os dois olhos juntos, em vez de terminar um completamente antes do outro Também estou prestando atenção ao espaçamento entre os olhos, bem como ao ângulo e à inclinação, garantindo que eles sigam o mesmo fluxo direcional da cabeça Depois que as linhas principais dos olhos são estabelecidas, passo para as sombras das órbitas oculares Eu uso um dacton médio modificado com uma pequena quantidade de ocre amarelo; o ocre amarelo aquece levemente a mistura e abaixa o Croma, o que é especialmente útil para sombras modificado com uma pequena quantidade de ocre amarelo; o ocre amarelo aquece levemente a mistura e abaixa o Croma, o que é especialmente útil para sombras naturais da pele. Em seguida, ajusto a temperatura conforme necessário com bun Ciena para aquecer ou azul ultramarino Neste retrato, a órbita ocular esquerda e o canto externo do olho esquerdo são os mais escuros porque estão parcialmente na sombra projetada pelos cabelos Eu enfatizo essas áreas um pouco mais para reforçar a profundidade e a direção da iluminação Anatomicamente, a órbita ocular é a área mais profunda do recesso, por isso contém naturalmente A área que se projeta ligeiramente no meio, como a parte superior da bochecha ou sobrancelha, capta mais luz ou luz refletida Nesse caso, observo que sua pele tem um tom quente e avermelhado, especialmente ao redor dos olhos Para as áreas mais claras ao redor dos olhos, introduzo um violeta sutil, crio cinza ao perder tom médio com vermelho e azul azul azul ultramarino A violeta é muito eficaz na pintura de retratos porque ajuda na transição entre tom de pele quente e a área de sombra colorida. Para as misturas mais claras, uso uma mistura dominada pelo tom vermelho, balanceada com azul ultramarino e suavizada com minha Isso cria uma cor de pele natural e luminosa sem ficar excessivamente saturada. Em seguida, passo para outras áreas do rosto que contêm o valor mais escuro, as cavidades da bochecha e a área abaixo do As cavidades da bochecha em ambos os lados, especialmente à esquerda, parecem significativamente mais escuras devido à sombra projetada criada pelo cabelo partir dessa área de recesso, os valores gradualmente ficam mais claros à medida que se movem para fora em direção à bochecha. Na imagem de referência, a bochecha exibe uma notável temperatura de cor quente inclinada fortemente para Para refletir isso, começo pintando a parte mais profunda das cavidades da bochecha e estendendo essas sombras em direção ao lado do queixo usando uma mistura escura Enquanto trabalho, gradualmente introduzo mais isarina carmesim para realçar o calor e descrever melhor o tom de pele rico em sangue subjacente Para a transição de tons médios na bochecha, a área entre o oco da bochecha e as misturas mais cheias da bochecha, observo uma forte qualidade vermelho-laranja para conseguir isso Perdi uma cor dominada pelo vermelho combinado com laranja cádmio e uma pequena quantidade de amarelo área entre o oco da bochecha e as misturas mais cheias da bochecha, observo uma forte qualidade vermelho-laranja para conseguir isso. Perdi uma cor dominada pelo vermelho combinado com laranja cádmio e uma pequena quantidade de amarelo ocre. Também uso o valor mais escuro para definir a borda superior da testa, ajudando a emoldurar o rosto, e depois aplico a mesma mistura escura para estabelecer a narina Usando o tom médio, pinto as sombras nos dois lados do nariz, ajustando a mistura com vermelho e laranja adicionais e amarelado ou, às vezes Enquanto trabalho com esse tom médio, continuo desenvolvendo os valores médios da bochecha Neste retrato, a pele parece, em geral bastante quente, com um forte viés vermelho e laranja. Esta pode ser influenciada pela luz refletida de seu cabelo ruivo porque minha mistura inicial é relativamente neutra, então eu constantemente introduzo mais vermelho e laranja durante a aplicação para capturar com precisão a temperatura e a vivacidade de sua pele 8. Camada1 parte 2: Em seguida, passo a pintar a sombra embaixo do nariz Essa área fica em um valor médio escuro e, à medida que a sombra desce em direção à boca, a cor gradualmente se torna quente com mais nódulos alaranjados Depois de bloquear as áreas escuras, continuo estabelecendo os valores da luz média. Eu ando dos olhos para baixo até a bochecha, movendo-me da cavidade da bochecha para fora em direção ao centro do A partir daí, faço uma transição gradual do tom de luz média em direção à área mais clara, graduando uma progressão suave do valor no plano facial Ao trabalhar nos tons mais claros do rosto, preparo várias variações da minha mistura de tons claros. Eu introduzo mais quantidade de azul erlein, que é um azul frio para fornecer uma certa área de luz Isso é importante porque nem todas as mechas são quentes em áreas como ao redor da boca e abaixo do nariz. Eu observo uma luz mais fria, então ajusto a mistura adequadamente com um toque de azul erlein Na primeira etapa de trabalho, é muito importante não detalhar demais O objetivo principal neste estágio é estabelecer as principais relações de valor e cor, não definir pequenas características detalhamento muito cedo pode facilmente se tornar opressor e muitas vezes enfraquece a estrutura geral da pintura Ao mesmo tempo, é igualmente importante não bloquear barbeadores muito grandes e uniformes Se um único valor ou cor for aplicado em uma área muito grande, será muito difícil ler o formulário subjacente Em vez de bloquear apenas o valor mais escuro e o mais claro, preste muita atenção ao tom de transição Por exemplo, evite pintar a bochecha inteira com um tom de alfinete ou usar somente o valor mais claro no plano frontal do Embora ainda não precisemos parar para refinar, ainda precisamos descrever radiação suficiente para sugerir a forma Ao final do estágio de bloqueio, o retrato já deve ser lido como tridimensional. A transição de valor e cor deve indicar claramente a lente girando no espaço, mesmo sem detalhes. Para apoiar isso, a direção da infusão é muito importante. Eu recomendo imaginar a cabeça como uma coleção de formas tridimensionais simples, como esfera, cilindro e plano O rosto, especialmente a bochecha e a testa, pode ser visualizado como parte de uma esfera Eu sigo esta forma de imagem com meu traçado de pincel, permitindo que a direção do traçado envolva o formulário em vez de se mover aleatoriamente Essa abordagem reforça o volume e ajuda a pintura a parecer sólida Como você pode ver, a ponte do nariz, que é um osso nasal, capta a luz mais direta, mas não deve ser pintada como um único destaque plano. A ponte gira sutilmente à medida que se move para baixo, modo que o valor e a cor se encaixam gradualmente, em vez de permanecerem uniformes Eu bloqueio a área mais clara e observo onde a luz realmente atinge, em vez de cobrir a ponte inteira com uma tonelada brilhante Nos dois lados da ponte estão os planos laterais do nariz, que recebem um pouco menos de luz do que o centro da ponte. A cor e o valor devem passar do ponto mais claro no centro e gradualmente ficar mais escuros à centro e gradualmente ficar mais escuros medida que se movem para fora É importante evitar delinear o nariz com uma única cor uniforme Isso fará com que o formulário pareça plano ou como um desenho animado. Eu presto muita atenção na área em que a testa faz a transição para o início da ponte nasal Essa zona de conexão geralmente parece um pouco mais escura do que a testa protuberante e a ponte do nariz O motivo é que a testa e a ponte nasal são planos mais voltados para a frente que captam luz direta, enquanto a área entre elas se afasta sutilmente da luz e cai na sombra suave projetada pela Em seguida, passo para a testa. Embora a testa geralmente receba mais luz, é importante não bloquear toda a área com o valor mais leve Fazer isso nivelaria o formulário. Em vez disso, observo as mudanças de valor e construo a área gradualmente trabalhando de valores mais escuros para valores mais claros No lado direito da testa, há uma sombra sutil do cabelo, que introduz uma influência laranja avermelhada um pouco mais quente Eu reflito isso aquecendo a mistura suavemente nessa área. Eu uso uma mistura de tons claros ajustada com vermelho e uma pequena quantidade de azul cerúlen para pintar as asas nasais Os ventos nasais recebem menos luz direta. Portanto, é importante evitar usar o mesmo valor de luz para essas áreas que para a ponte nasal, pois ela recebe menos luz direta e , portanto, deve permanecer um pouco mais escura do que a ponte Manter essa diferença de valor é muito essencial para reservar a estrutura tridimensional e a forma do nariz Deixo as folhas para bloquear muito depois de estabelecer o tom de pele ao redor. Suas folhas não são de um vermelho intenso, mas sim inclinadas para uma laranja vermelha quente. Sinto falta do vermelho com laranja cádmio como cor base do lábio inferior, adiciono uma pequena quantidade de branco para refletir sua forma mais completa e maior Para as áreas do lábio superior e das sombras, eu incorporo mais alizarina carmesim e, às vezes, adiciono um toque de azul ultramarino nas um toque de azul ultramarino aprofundar o valor Ao pintar as folhas, sigo a direção natural dos planos de salto em vez de delineá-los com uma única Essa abordagem ajuda a criar um efeito tridimensional mais convincente Também estou prestando atenção na estrutura das folhas. As folhas não são planas. Eles têm volume com tons sutis que captam de forma diferente A área central geralmente parece mais cheia, enquanto as bordas se suavizam e se misturam mais à pele ao redor Em vez de delinear as folhas com uma linha dura, permito que as bordas se suavizem gradualmente, especialmente ao longo dos contornos externos Isso ajuda os lábios a se sentirem integrados ao rosto, em vez de parecerem recortados e representados graficamente. Eu variei ligeiramente a cor introduzindo tons mais quentes em direção ao centro e um pouco mais frios e neutros à medida que subo para refletir a variação natural na superfície da pele e da folha 9. Camada1 parte 3: Depois de estabelecer os tons faciais, passo a bloquear o pescoço, trabalhando novamente do valor mais escuro para o mais claro. Começo com a sombra mais profunda abaixo do queixo. Essa área recebeu muito pouca luz direta e geralmente é a parte mais escura do pescoço devido à sombra projetada na cabeça Eu uso uma mistura quente e escura se ajusta à queda óssea e à siena óssea e também introduzo uma pequena quantidade de vermelho para refletir o calor natural e o fluxo sanguíneo nessa área À medida que a forma se move para baixo e se afasta do queixo, os valores se tornam gradualmente mais claros Eu faço a transição para o mitoducton suavizando as bordas para evitar uma separação brusca entre o rosto e o pescoço O lado do pescoço permanece mais escuro que o centro ajudando a descrever a forma cilíndrica do O I evito empurrar o pescoço para o valor mais claro nesta fase, mantendo o pescoço um pouco mais escuro que o rosto, ajuda a manter o foco no retrato e reforça uma hierarquia natural da Nesse estágio de bloqueio, meu objetivo não são os detalhes, mas relações claras de valores, variação de temperatura e um sólido senso de forma que apoiará o refinamento em camadas posteriores Depois de bloquear o rosto e o pescoço, passo para o cabelo. Nesta fase, uso um manípulo grande, o que é extremamente importante quando começo a pintar o cabelo. Ao pintar o cabelo, sempre comece com uma mandíbula grande e concentre-se primeiro em fixar as principais massas claras e escuras Evite o erro comum de ficar sobrecarregado com a complexidade do cabelo e tentar definir a força individual muito cedo com um mano pequeno Começar com um mano pequeno geralmente leva à rigidez e perda A prioridade neste estágio é valor e massa, não detalhes. Enquanto pinto o cabelo, continuo avaliando o espaço ao redor , usando-o como uma oportunidade para corrigir e refinar a forma geral do rosto Nessa fase de bloqueio, concentro-me apenas em estabelecer o padrão de luz e sombra do cabelo. Ainda não descrevo se o cabelo é liso ou c, esse nível de detalhe será abordado em estágios posteriores, uma vez que a estrutura geral esteja sólida. Para os músculos capilares do médico, eu uso minha mistura para cães e introduzo mais sienna para manter a sombra quente e rica Para os tons médios, confio principalmente na sienna queimada e para as áreas mais claras, introduzo mais vermelho e laranja cádmio refletindo o tom vermelho Em algumas áreas de destaque, também adiciono uma pequena quantidade de ocre amarelo para aumentar o brilho e, ao mesmo tempo, manter a cor cheia Estou me concentrando principalmente no valor, quão clara ou escura cada seção é, em vez de pequenos detalhes ou texturas, como você vê Eu mantenho a vassoura ampla e simples, permitindo que eu me ajuste facilmente à medida que avança Se algo parecer errado, sempre posso refiná-lo mais tarde nas próximas etapas O objetivo aqui é criar uma base sólida que descreva a forma geral e o fluxo do cabelo para que, nas fases posteriores, adicionar detalhes se torne muito mais fácil e mais controlado, não se preocupe em torná-lo perfeito, focando em bloquear as principais relações de luz e escuridão. 10. Camada1 parte 4: Finalmente, eu bloqueio na área do peito e também continuo refinando a conexão entre o pescoço e o peito Ajustar o pescoço também é uma parte que leva muito tempo, pois ajuda a sugerir claramente a inclinação e a orientação da cabeça Também aprimoro os valores mais escuros e refino as cores de transição Garantir a transição entre o pescoço e o peito parece natural e coeso Eu reavalio a estrutura de valores e reforço algumas das sombras mais escuras Durante o processo de pintura, certas áreas de sombra podem ainda não estar escuras o suficiente, então podemos sempre verificar e ir e voltar ajustando e aprofundando sombra conforme necessário para fortalecer contraste e restaurar uma sensação clara de profundidade e Enquanto pinto, também troco os pincéis para manter a cor limpa Eu até tenho três pincéis separados para o lado que usei com mais frequência, um dedicado à mistura Doc e um para os tons médios e outro para o tom claro Para outros pincéis, como uma lista, é importante usar pincéis separados para áreas escuras e claras Se você usar o mesmo pincel sem limpá-lo adequadamente, pigmento escuro pode contaminar mistura mais clara, fazendo com que as cores fiquem turvas Da mesma forma, a tinta clara transportada para área escura pode enfraquecer o valor da sombra, reduzindo o contraste e achatando a profundidade geral da Se você tiver apenas um pincel para um lado, limpe-o bem com um coágulo ou lenço limpo ou enxágue-o brevemente com solvente antes de escolher uma nova faixa de valores Manter seus pincéis limpos e organizados ajuda muito a resolver a clareza, a pureza da cor e a forte separação de valores em todo limpe-o bem com um coágulo ou lenço limpo ou enxágue-o brevemente com solvente antes de escolher uma nova faixa de valores. Manter seus pincéis limpos e organizados ajuda muito a resolver a clareza, a pureza da cor e a forte separação de valores em todo o processo de pintura. Para completar o estágio de bloqueio, voltei ao gelo e preenchi as áreas restantes, incluindo a pálpebra e o irlandês ao pintar a íris, é importante não preenchê-la com uma única cor escura plana O valor e a cor da íris variam de acordo com a luz Neste retrato, a íris parece mais clara ao redor da borda externa e mais escura em direção ao centro onde a pupila está Eu uso mais azul ultramarino na área central mais escura da íris para criar profundidade e, ao mesmo tempo, manter as áreas circundantes um pouco mais claras Essa variação ajuda o olho a se sentir vivo e tridimensional em vez de plano. Estou passando para o segundo olho e sigo o mesmo processo. Eu aplico a mesma abordagem em termos de valor, cor e estrutura. Nesse estágio, também estou constantemente comparando os dois olhos enquanto trabalho, certificando-me de que eles pareçam consistentes em tamanho, alinhamento e intensidade É importante que os dois olhos pertençam à mesma fase e compartilhem a mesma condição de iluminação Posso ir e voltar entre os dois, ajustando conforme necessário. Neste estágio, ainda estou focando na estrutura geral e no valor não refinar excessivamente os pequenos detalhes Para o branco dos olhos, evito usar branco puro. Na realidade, a esclera é subcinza em vez de branca. Sinto falta de um neutro sutil usando azul vermelho, coque sienna e branco ajustando o equilíbrio para mantê-lo discreto 11. Cópia de camada 2: A segunda camada se concentra em construir e aprimorar a característica facial e refinar a estrutura geral do Nesse estágio, aprofundo as sombras e introduzo mais valores transitórios e variações de cores para criar um tom de pele mais suave e uma característica mais Embora o objetivo ainda não seja um detalhe extremo, essa camada traz maior clareza, contraste e coesão ao retrato Eu começo essa camada voltando aos olhos. Eu aprofundo as sombras e defino ainda mais a pálpebra, a área abaixo dos olhos e a pele ao redor, conforme ela se conecta ao nariz e à parte superior da bochecha Observando a referência, noto que a pele ao redor dos olhos se inclina para um tom mais frio de vermelho violeta, enquanto a bochecha se inclina para tons mais quentes Para refletir isso, também introduzo mais azul na mistura ao redor dos olhos e ajusto também introduzo mais azul na mistura ao a quantidade com base no valor de cada área Também refino os detalhes dos irlandeses e do povo. Também presto atenção à assimetria entre os dois olhos O olho esquerdo recebeu menos luz na referência, então é uma sombra ou é mais profunda e mais pronunciada. Ao pintar a pálpebra inferior, é importante lembrar que não é apenas uma linha, mas uma forma subarredondada A pálpebra inferior fica ligeiramente à frente do globo ocular e capta a luz de forma diferente ao longo A borda da pálpebra inferior geralmente é mais clara que a órbita ocular abaixo dela, mas mais escura que o destaque na pálpebra superior Evito delineá-la nitidamente e, em vez disso, sugiro que seja formada por meio valores e cores sutis. A pálpebra inferior geralmente reflete a luz da bochecha abaixo, o que pode introduzir um tom um pouco mais quente ou mais claro Nesse estágio, começo a usar pincéis menores e mais finos para definir controles oculares e os detalhes anatômicos com mais precisão, mantendo a subtransição Esfole uma estática. Eu mudo constantemente em valor, cor, temperatura e saturação em toda a superfície Quanto mais sutis e controladas essas transições, mais realista e animado o retrato Esse é o objetivo principal das camadas posteriores. Por outro lado, confiar apenas nos valores de escuro, médio e claro e depois misturá-los excessivamente geralmente resulta em cores turvas, achatadas Um erro comum ao pintar é pintar a sombra como um bloco sólido que faz com que a forma pareça plana. Mesmo dentro da sombra, sempre há variação de luz e escuridão. As sombras não são uniformes. Eles contêm estrutura, luz refletida e transição sutil que descrevem a forma. Portanto, ao criar camadas em áreas sombreadas, como ao redor da órbita ocular ou ao longo da lateral do nariz, observo cuidadosamente a referência para identificar o valor formado dentro da família de sombras Por exemplo, a sombra mais profunda geralmente aparece com novas mudanças de plano ou sobreposição de formas de onda, enquanto as áreas mais próximas da luz podem conter tons de sombra mais suaves e ligeiramente mais claros devido à tons de sombra mais suaves e ligeiramente mais claros Ao introduzir essa variação, a sombra permanece dimensional em vez de pesada ou aglomerada Também evito misturar tudo demais, que pode achatar a Em vez disso, uso a transição de controle para sugerir como a forma gira no espaço, permitindo que a sombra suporte a estrutura tridimensional geral da face. Nesse estágio, comecei a usar pincéis mais macios para criar camadas que ajudam a criar uma transição mais suave na superfície da pele ao misturar cores durante o processo de pintura Evito misturar grandes quantidades de tinta de uma só vez Em vez disso, perco pequenas variações de cada vez e testo a cor diretamente na tela. Se não parecer certo, ajusto a mistura gradualmente. Essa abordagem, mantendo o processo flexível, reduz a dor desperdiçada e também ajuda a evitar que a cor fique turva, e também ajuda a evitar que a cor porque sobrecarregar uma única mistura com muitos pigmentos geralmente altera a cor e reduz a gravidez. Para mim, mistura de cores é um Obviamente, isso é guiado pela teoria das cores e pelos princípios fundamentais, não pela mistura aleatória, mas é importante entender que uma cor na paleta realmente parece a mesma quando aplicada na tela, a paleta em um contexto neutro e isolado, enquanto a tela apresenta a cor em relação aos valores e matizes circundantes Por esse motivo, uma cor que parece correta na paleta pode mudar de valor, matiz ou croma quando aparece na pintura Isso é especialmente importante quando se trabalha com luz e sombra uma cor pode parecer muito escura na imagem de referência, mas depois de pintada, pode ficar muito escura. Freqüentemente, isso acontecia porque a área é cercada por valores claros, fazendo com que pareça mais escura em contraste Além disso, o mesmo se aplica à luz refletida dentro de uma sombra. Pode parecer brilhante na referência, mas se pintada com muita luz , pode quebrar a lógica da forma. O valor mais claro dentro da família de sombras é sempre mais escuro do que o valor mais escuro dentro da Nesse estágio, começo a refinar e definir os olhos com mais detalhes Eu alterno entre broches menores e detalhados para obter melhor controle sobre as linhas e uma transição sutil Esse é um estágio em que é útil diminuir a velocidade e trabalhar com mais cuidado, pois os olhos são o ponto local do rosto e pequenos ajustes podem fazer uma grande diferença. Enquanto pinto, observo constantemente a referência e ajustes ao longo do caminho Em vez de confiar em uma única medida, ajusto continuamente a cor, ajustando o valor, a temperatura e a intensidade Não espero obter a cor perfeita imediatamente. Em vez disso, aplico uma pequena quantidade, observo como ela está dentro do contexto da pintura e depois a refino ainda mais, se necessário Também vou e volto entre os dois olhos, comparando-os para manter a consistência na forma, direção e valor. Portanto, neste estágio, o objetivo é aumentar gradualmente a clareza e definição, mantendo a transição resolvida e natural. Como você pode ver, estou constantemente redefinindo os contornos à medida que Portanto, sinta-se à vontade para fazer ajustes ao longo do caminho. Esse estágio é muito flexível. Portanto, não hesite em corrigir e melhorar o eixo enquanto trabalha Às vezes, quando aplico uma cor, ela pode parecer muito clara ou um pouco estranha em comparação com o que observo na referência. Nesses casos, eu simplesmente o ajusto diretamente na tela. Na verdade, esse é um dos aspectos que eu realmente gosto em trabalhar com tinta a óleo. A pintura a óleo oferece a vantagem do tempo. Você não é forçado a acertar tudo imediatamente. Você pode continuar modificando a camada e refinando a pintura enquanto ela ainda é viável Em vez de tentar obter a mistura perfeita desde o início, eu trato o processo como uma série de ajustes. Eu aplico uma pequena quantidade de tinta, observo como ela interage com as cores ao redor e depois a refino, se necessário Isso permite um fluxo de trabalho mais intuitivo e responsivo onde eu posso gradualmente me aproximar do valor e da cor corretos Portanto, não se sinta pressionado a deixar tudo perfeito em uma única etapa Aproveite a flexibilidade do meio e reserve um tempo para ajustar e refinar diretamente na tela 12. Camada2 parte 2: Agora estou reforçando as sobrancelhas adicionando valores mais escuros e suavizando a transição na área entre as sobrancelhas, para que ela se misture mais naturalmente com a pele ao redor Começo a refinar a transição entre a órbita ocular e a ponte nasal No bloqueio anterior, concentrei-me principalmente em separar luz e sombra A transição como ponto ainda estava bastante simplificada. Agora começo a suavizar as bordas das sombras e introduzir a maior parte da variação de cor Lembre-se de não misturar diretamente entre claro e escuro, mas crie a transição adicionando cores intermediárias. Isso ajuda a manter a clareza e, ao mesmo tempo alcançar uma mudança de valor suave e natural. Estou definindo os glóbulos, a área entre as sobrancelhas, onde começa a ponte do nariz Essa área é importante porque conecta a testa ao nariz e ajuda a descrever a estrutura geral do rosto Ao ajustar cuidadosamente o valor e a cor nessa região, posso descrever melhor a forma tridimensional. Você notará que os planos aqui são bastante sutis Eles mudam suavemente da luz para a sombra, em vez de formar bordas duras. No geral, esse estágio consiste refinar e conectar formas, passando de um simples bloqueio de luz e sombra para uma superfície mais matizada e dimensional Ao refinar o catalisador nasal, presto muita atenção ao valor e ao formato da temperatura da cor A parte superior do catalisador mais próxima dos olhos tende a parecer mais fria e escura à medida que fica mais profundamente dentro da sombra da órbita ocular e recebe Nessa área, a cor geralmente se inclina ligeiramente para tom violeta frio. Conforme a forma se move para baixo, o catálogo fica mais exposto à luz refletida da pele ao redor, fazendo com que a cor fique mais quente, geralmente inclinando-se para o nó laranja e vermelho geralmente inclinando-se para o nó laranja Reflito essa mudança gradual de temperatura na minha mistura, passando de um tom mais frio e mais escuro acima para um tom mais Estou me concentrando principalmente em suavizar as bordas ao longo da ponte do nariz para que a transição pareça mais natural e menos dura Ao mesmo tempo, começo a ver a forma da pele ao redor do nariz, especialmente a área logo abaixo do nariz e ao redor das narinas, onde a carne se reduz ligeiramente Para evitar que essa área pareça plana, eu uso uma pincelada curva que envolve o formulário. Eu movo meus sutiãs em um movimento subarredondado para seguir a estrutura natural do rosto Isso ajuda o nariz a se sentir mais levantado e tridimensional, onde a pele ao redor parece estar se enrolando e conectando suavemente à bochecha e à Continuo pedindo mais mudanças de valor e cor para apoiar essa forma, em vez de confiar em linhas fortes No geral, estou pensando nessas áreas como uma série de roteadas suaves que se conectam em vez de formas planas separadas Agora estou voltando ao gelo para refinar ainda mais os detalhes e aprimorar sua clareza estratificação não consiste apenas em refinar a transição de valores, mas também em aprimorar gradualmente a saturação À medida que a pintura avança, presto mais atenção à saturação e ao croma nas camadas posteriores Eu construo intencionalmente a superfície com cores mais saturadas e vibrantes mantendo o controle sobre o valor Esse aumento gradual na saturação resulta profundidade, riqueza e sensação de vitalidade na pele, tornando o retrato Quando falamos sobre a forma e a luz, há algumas coisas simples que devemos ter em mente. As áreas claras são partes que recebem luz direta e a sombra central mostra onde a forma começa a se afastar da luz. Geralmente, essa é a parte mais escura da sombra no próprio formulário, e a sombra oculta ocorre quando uma parte do formulário bloqueia a luz e cria uma sombra em outra superfície, e a luz refletida é uma luz que a projeta volta para a área sombreada de superfícies próximas Mesmo sendo mais claro que o resto da sombra, deve sempre ficar mais escuro do que o lado claro Por causa dessa relação, quando não tenho certeza sobre uma cor, aplico um pequeno traçado de teste uma área limitada e comparo cuidadosamente com a referência Se não estiver correto, ajusto a mistura antes de continuar me comprometendo. Evite aplicar muita tinta muito rapidamente e depois corrigir diretamente na tela pois isso geralmente causa uma cor turva e sua pintura perderá a cor turva e sua pintura perderá vitalidade e também resultará em esforços desnecessários Pela minha experiência pessoal, impaciência durante a mistura de cores é um dos erros mais comuns Aplicar cores muito rapidamente sem observação cuidadosa e comparação com a imagem pode resultar em vários erros de valor no retrato e exigirá uma correção pesada posteriormente. tenha pressa, seja paciente com o processo de mistura e não hesite em testar e ajustar várias vezes apenas uma pequena área da pintura. A precisão das cores se desenvolve por meio de observação, comparação e contenção, não confiando apenas no primeiro instante Agora estou examinando as áreas restantes do rosto, suavizando as bordas e refinando a transição ao redor da bochecha, da ponte nasal e do queixo para criar uma aparência mais 13. Camada3, p1: Nesse estágio, o foco mudou para refinar a pintura por meio do controle de idade, detalhes sutis e fortalecimento da relação geral entre luz e sombra, à medida várias camadas de tinta são aplicadas aos contornos e as linhas estruturais podem naturalmente suavizar, moldar Por esse motivo, volto continuamente ao recurso para esclarecer novamente a forma, reforçar a estrutura e aprimorar o contraste de valores quando necessário Este estágio foi construído diretamente sobre a base estabelecida na primeira camada. Portanto, neste estágio, concentro-me principalmente em ajustar as camadas e enriquecê-las com cores mais vibrantes, transição mais suave A superfície gradualmente se torna mais refinada à medida que eu me concentro na variação sutil de valor, temperatura de cor e saturação, em vez de mudanças drásticas Como estou trabalhando molhado sobre molhado, isso permite que minha tinta fresca interaja com as camadas existentes abaixo Essa abordagem me permite criar bordas suaves e transições naturais, mas também requer controle. Em vez de aplainar diretamente a área clara e escura , que pode cobrir a superfície, continuo misturando cores de transição à medida que avança e as coloco deliberadamente entre os valores Não falarei muito durante esta etapa porque grande parte do trabalho envolve observação, comparação e ajuste constantes em resposta à referência. Continuo usando a mesma abordagem discutida anteriormente, faltando uma pequena quantidade, testando na tela e ajustando conforme necessário Você está absolutamente livre para trabalhar de forma mais intuitiva ou adaptar esse processo ao seu próprio estilo, desde que permaneça atento à estrutura de valores e evite mistura excessiva na tela Ao ajustar a cor, é importante considerar não apenas o valor, mas também o cromer e Por exemplo, se uma área precisar ficar mais clara e vibrante, posso adicionar uma pequena quantidade de amarelo cádmio Tenha cuidado ao adicionar branco pois muito branco reduzirá a saturação. Eu o uso principalmente para aumentar o valor em vez de iluminar Para corrigir e equilibrar as cores, geralmente penso em termos de pares complementares na roda de cores. Por exemplo, quando uma mistura fica muito violeta, adiciono uma pequena quantidade de amarelo para neutralizá-la Ou se uma cor aparece sobre o vermelho, eu a equilibro com uma adição sutil de azul e amarelo. Eu também ajusto a cor com base na observação da tonalidade. Por exemplo, se vejo uma área que precisa de mais laranja, posso adicionar um pouco de laranja cádmio à mistura ou pão de sienna se quiser criar um tom quente Se uma área precisar ficar mais fria enquanto permanece clara, eu introduzo o azul cerúleo, que é um azul frio na Muito desse processo é guiado pela experiência e intuição. Desenvolvido por meio de prática repetida, você está livre para explorá-lo e ajustá-lo de forma criativa, desde que as relações de valor permaneçam corretas, o formulário ainda será lido de forma convincente Você pode exagerar suavemente a temperatura da cor de acordo com sua preferência, quer queira um clima mais quente de rosa violeta ou um tom mais frio, mantendo o realismo mantendo Uma abordagem que acho especialmente útil para descrever as asas do nariz e a ponta do nariz é imaginar a parte inferior do nariz como sendo construída a partir de três formas esféricas simples, duas esferas menores representando as asas nasais de cada lado e uma esfera central representando a ponta do Pensar dessa maneira oferece duas vantagens importantes. Primeiro, ele orienta naturalmente direção do pincel, incentivando a parada a seguir a curvatura da forma roteada, em vez de se mover Em segundo lugar, permite que você aborde o sombreamento do nariz como faria com uma esfera simples com um destaque claro, sombra central e sombra projetada, que é a sombra abaixo do Ao simplificar os nós em formas básicas, fica muito mais fácil entender como a luz se move em sua superfície Esse método é muito mais eficaz do que tentar copiar os nós diretamente da referência sem uma estrutura subjacente que pode parecer complicada e opressora Reduzir a anatomia complexa em forma de símbolo fornece uma base clara, tornando o processo de pintura mais gerenciável e ajudando o formulário a ser lido de forma convincente em três dimensões Para a narina e a base do nariz, tomo cuidado para não usar o escuro puro Eu vario um pouco os tons escuros para mantê-los ricos e evitar que a área pareça muito áspera ou plana. Estou constantemente refinando os contornos, mas em vez de delinear o nariz, eu o defino por meio de mudanças de valor e bordas secundárias que mantêm o nariz com uma aparência Durante todo esse processo, continuo recuando, observando e fazendo mais ajustes na cor e no valor para manter o equilíbrio no rosto. Agora estou continuamente refinando o formato do nariz, aprimorando o filtro e aprofundando a sombra central abaixo das Como você vê, estou constantemente ajustando valor e a cor em pequenas quantidades, em vez de fazer grandes mudanças, isso ajuda a manter uma aparência natural e mantém a forma coesa Às vezes, posso aplicar uma cor que fica um pouco escura demais ou a tonalidade não corresponde exatamente ao que estou buscando, e isso não é mais do que isso Quando isso acontece, eu simplesmente volto, ajusto a mistura na minha paleta e aplico a cor na parte superior É também por isso que prefiro aplicar cores em pequenas quantidades de cada vez. Em vez de colocar uma grande área de tinta de uma só vez, eu a construo gradualmente testando cada mitra para ver se ela está fixa antes de aplicar mais É quase como um processo de verificação e refinamento constantes , em vez de tentar deixar tudo perfeito de uma só vez É importante lembrar que misturar a cor errada faz parte do processo. Você sempre pode ajustá-lo modificando sua mistura ou sobrepondo-a em camadas, não tenha medo de experimentar Trabalhar devagar e fazer pequenas correções ao longo do caminho proporcionará muito mais controle e um resultado mais natural 14. Camada 3 parte 2 Projeto 3: 2ª camada: Depois de estabelecer o nariz até um ponto em que ele pareça estável, começo a passar para as áreas circundantes, focando na transição mais sutil ao redor da parte inferior da bochecha e da área ao redor da boca Neste estágio, não estou fazendo nenhuma mudança drástica, mas refinando a transição para torná-la mais suave e natural Nessa área, notei que a cor muda ligeiramente para um tom mais frio e violeta para conseguir isso Eu introduzo uma pequena quantidade de vermelho combinado com azul na minha mistura, criando uma variação sutil de púrpura Essa transição de cores ajuda a equilibrar os tons mais quentes na bochecha e nas folhas e também reflete a variação natural da pele, que nunca é uma única cor uniforme ao mesmo tempo Estou usando esses valores e cores para definir melhor a forma tridimensional do A área ao redor da boca e da parte inferior da bochecha tem manchas suaves que se afastam da luz Essas mudanças sutis ajudam a descrever essa estrutura com mais clareza Também presto atenção à direção do meu derrame de sangue seguindo a curvatura natural da forma para reforçar a sensação de volume No geral, esse estágio consiste em refinar e conectar formas, garantindo que as áreas façam uma transição suave entre si, mantendo uma sensação clara de luz e estrutura Agora estou realçando a sombra ao redor das áreas das bochechas. Essa área fica naturalmente ligeiramente recuada O aprofundamento do valor aqui ajuda a definir a estrutura do rosto e faz com que o osso da bochecha pareça Também estou levando em conta a influência do cabelo. O cabelo cria uma sombra subprojetada na lateral do rosto, especialmente nas áreas externas da bochecha Em vez de tratar essa sombra apenas como parte do tom da pele, eu aprofundo e esfrio um pouco o valor para refletir essa sombra vinda do cabelo Eu aplico a tinta gradualmente, formando a sombra em camadas finas, em vez de adicionar um cachorro pesado, tudo de uma vez, o que ajuda a manter a transição suave e natural. Ao mesmo tempo, suavizo as bordas à medida que a sombra se move para dentro, em direção ao centro do rosto, para que ela se misture suavemente nas áreas mais claras da Agora estou focando na área de sombra sob o lado esquerdo do queixo. Nessa área, é muito importante pensar cuidadosamente sobre as relações de valor para que nossos olhos não se enganem Embora sejam variantes dentro da sombra, algumas partes um pouco mais claras, outras mais escuras, toda a família de sombras deve permanecer mais escura do que qualquer coisa no lado claro do rosto Uma maneira útil de pensar sobre isso é que até mesmo a parte mais clara dentro da sombra ainda deve ser escura do que a parte mais escura na Às vezes, quando olhamos para a pintura por um longo tempo, nossos olhos podem ficar enganados e podemos acidentalmente pintar a sombra à luz, especialmente nos tons médios Para evitar isso, comparo constantemente essa área de sombra com a área de luz próxima, como a bochecha ou a mandíbula, que está captando a luz, e me essa área de sombra com a área de luz próxima, como a bochecha ou a mandíbula, que está captando a luz certifico de que haja uma separação clara Em termos de cor, eu não adiciono apenas preto para escurecê-lo. Em vez disso, ajusto a mistura atenuando levemente a cor e deixando-a mais fria, mantendo-a mais fria, mantendo-a Começo a realçar o queixo e o pescoço, focando principalmente nas áreas sombreadas. Eu gradualmente construo valores mais escuros em cima do bloqueio inicial para aumentar o contraste geral Isso ajuda a fortalecer a forma e faz com que a estrutura pareça mais definida. Em vez de aplicar uma camada pesada de pontos, eu a ajusto progressivamente ajustando o valor passo a passo para que ela se integre naturalmente à base existente Também presto muita atenção na direção do meu sutiã. Seguindo o controle da linha interna e da mandíbula. Isso é importante porque o gene desempenha um papel fundamental na definição do formato geral do rosto. Em vez de desenhar um contorno nítido para definir a mandíbula, evito usar uma única linha de contorno quente Uma linha forte pode fazer com que o rosto pareça plano ou até mesmo um desenho animado Em vez disso, defino a borda por meio uma transição gradual, introduzindo formas sutis em valor e cor, para que a linha da mandíbula pareça uma curva, forma tridimensional em vez de uma linha reta Ao redor da mandíbula e do queixo, suavizo as bordas com cuidado, permitindo que a forma se transforme naturalmente no pescoço Isso cria uma aparência mais realista e orgânica. No geral, estou pensando menos em termos de linhas e mais em termos de lente e transição usando valor e cor para descrever a estrutura do rosto. Agora começo a definir a folha com mais clareza. Começo pela parte interna das folhas, onde a cor geralmente é mais saturada, e gradualmente vou saindo folhas, onde a cor geralmente é mais saturada, e gradualmente em direção às bordas. O centro do salto tende a ter uma cor mais rica e intensa, então eu uso uma mistura mais saturada aqui, então eu uso uma mistura mais saturada aqui, depois amacio e reduzo a intensidade à medida que me movo em direção ao contorno externo Eu presto atenção na diferença entre o lábio superior e inferior. O lábio superior geralmente é mais escuro e menos saturado porque está voltado para baixo e recebe menos luz direta Como resultado, ele parece pouco mais silencioso e com um valor mais profundo Em contraste, o lábio inferior capta mais luz, por isso geralmente parece mais claro, mais saturado e com uma cor um pouco mais quente Manter esse contraste entre as folhas superior e inferior ajuda a criar uma sensação mais realista de volume e iluminação Em seguida, aprofundo a sombra entre as duas folhas, a linha com um encontro, essa área é importante porque define a separação e adiciona profundidade à forma Em vez de desenhar uma linha direta, eu construo a sombra cuidadosamente usando valores mais escuros, permitindo que ela pareça suave, mas ainda assim claramente definida 15. Camada3 parte 3: Agora, continuo ajustando os elevadores, verificando cuidadosamente a forma e a forma para garantir que tudo pareça equilibrado e azuro Agora, passo a refinar as áreas restantes de tons médios claros em todo o rosto São as áreas que não estão no destaque mais claro, mas também não estão na sombra, por isso desempenham um papel fundamental na conexão de tudo Eu me concentro em ajustar sutilmente o valor e a cor nessas regiões para criar uma transição mais suave entre luz e sombra Eu introduzo variações suaves , mudanças de temperatura, frescor e saturação para deixar a pele mais natural e viva Você pode observar a partir da referência e também pode brincar um pouco com as cores. Você pode mudar um pouco a tonalidade e ser criativo desde que seus valores permaneçam corretos e ainda descrevam o formulário Eu aplico a tinta em camadas finas usando subplus work para construir gradualmente a superfície sem sobrecarregar Ao mesmo tempo, continuo comparando esses tons médios com as áreas de luz e sombra ao redor para manter as relações de valores corretas. Essa etapa tem menos a ver com contraste forte e mais com refinamento sutil, precisão de suavização e unificação da textura geral da pele Agora, uso sobrancelhas finas e detalhadas para ajustar e aprimorar cuidadosamente a área da boca, refinando as bordas e pequenos detalhes para deixá-la mais acabada Durante todo o processo de pintura, não há necessidade de pressa, não se apresse e permita que o trabalho se desenvolva gradualmente. Um hábito muito importante é dar um passo atrás e ver sua pintura à distância. Quando trabalhamos muito perto da tela, fica mais difícil perceber as áreas que caíram, especialmente em termos de proporção, forma ou alinhamento. Uma dica que eu pessoalmente acho muito útil é deixar a pintura em um local onde você possa vê-la facilmente durante suas atividades diárias. Como geralmente não termino uma pintura de uma só vez, costumo deixá-la visível no meu espaço. Essa nova perspectiva facilita muito a identificação de problemas que são difíceis de ver quando se trabalha de perto por muito tempo. Às vezes, até mesmo pequenas mudanças nas linhas ou proporções podem ocorrer sem que percebamos durante a pintura. Recuar regularmente ajuda a detectar e corrigir essas imprecisões sutis À medida que me movo e a vejo à distância ou de ângulos diferentes, posso naturalmente identificar áreas que não parecem muito certas. É completamente normal ir e voltar durante o processo de pintura, não apenas para aprimorar a cor e a forma, mas também para verificar e corrigir constantemente os contornos, o alinhamento, a proporção e a forma geral Agora estou de volta aos olhos novamente. Vou realçar os olhos adicionando um brilho sutil ao longo da pálpebra, o que ajuda a definir a forma e captar a luz com mais clareza Também ilumino levemente o branco dos olhos, mas tomo cuidado para não usar branco puro , exceto que ajusto o valor apenas o suficiente para fazer com que os olhos pareçam mais vivos e luminosos, mantendo-os naturais Também adiciono um pequeno destaque ao canto interno dos olhos. Isso ajuda a trazer uma sensação de realismo. Esses detalhes são bastante sutis, mas fazem uma diferença significativa no aprimoramento da clareza e da vivacidade dos olhos 16. Layer4 p1: Na etapa final, concentro-me em refinar os detalhes restantes e reunir a pintura como um tom coeso Isso inclui definir o cabelo com mais clareza, ajustar o pescoço e aplicar o fundo Enquanto trabalho, também reavalio continuamente a face geral, fazendo pequenos ajustes característica facial, onde eu precisava de mais detalhes, ajustando a proporção, se Nesse estágio, eu aprimoro o contraste e a saturação para fortalecer a profundidade e o impacto visual tomando cuidado para não sobrecarregar a superfície Também adiciono os destaques finais seletivamente para introduzir uma cena de brilho e vitalidade, esperando que o retrato pareça acabado Estou ajustando o pescoço, pois ele parecia desalinhado com a ponta da cabeça Na referência, seu pescoço se inclina mais visivelmente. Eu refino a estrutura de valores e adiciono transição de cores mais detalhada para definir claramente o pescoço como uma forma cilíndrica Ao mesmo tempo, suavizo a transição entre o pescoço e o peito, garantindo que a conexão seja natural e anatomicamente consistente É útil ter uma compreensão básica da estrutura do pescoço ao pintar o pescoço para que o pescoço possa ser simplificado como uma forma cilíndrica Então, quando pintamos, queremos pensar em como a luz envolve essa forma Em termos de anatomia, há alguns elementos-chave a serem observados A área central é formada pela garganta e, em ambos os lados, temos o músculo esterno-cldomastóideo Isso vai de trás da orelha até a clavícula Esse músculo cria faixas sutis e influencia a forma como a luz e a sombra aparecem no pescoço Freqüentemente, você vê uma área um pouco mais clara na frente, onde a luz incide mais diretamente, e áreas mais escuras no lado em que a forma se afasta da luz Mas, ao pintar, não me concentro muito em desenhar a anatomia em detalhes, mas mantenho essa estrutura em mente para orientar minhas decisões de valores e cores Pensar em termos de forma simples e estrutura subjacente ajudará você a pintar o pescoço com mais facilidade e a deixar o pescoço mais sólido e tridimensional. Ao refinar o cabelo, trabalho em cima do bloqueio estabelecido na primeira etapa Embora essa seja considerada a fase de detalhamento, continuo usando um irmão grande em vez mudar para um irmão mais detalhado. Eu uso a ponta dos manos para sugerir um fio menor quando necessário. Acho essa abordagem mais fácil de controlar, pois usar uma sobrancelha pequena pode fazer com que o cabelo pareça fino, fragmentado ou bagunçado, em vez de cheio e coeso Eu sempre penso no cabelo como máscara e forma, não como fios individuais. Eu imagino o cabelo fluindo em uma grande forma de onda definida pela alternância de áreas claras e escuras Especialmente ao pintar cabelos encaracolados ou ondulados, evito desenhar cada um separadamente Em vez disso, pinto áreas interligadas de valores escuros, médios e claros, permitindo que essa forma de valor sugira movimento e volume de ondulação Essa abordagem ajuda o cabelo a ficar espesso e tridimensional, em vez de plano ou esparso. Dou minha primeira pincelada, sigo a direção natural do cabelo, reforçando sua forma e ritmo gerais Isso mantém o cabelo unificado e estruturado. Nessa camada, eu uso principalmente um lazarin carmesim e laranja cádmio para os tons médios para manter a alta saturação laranja cádmio para os tons médios para manter a alta saturação e vibração. Eu aumento o brilho no destaque principalmente adicionando amarelo cádmio em vez Eu uso o branco com moderação, reservando-o apenas para o destaque mais brilhante no topo da cabeça, onde a luz O uso excessivo do branco pode reduzir rapidamente a saturação. E faça com que o cabelo geral pareça enfeitado ou solto. Na imagem de referência, algumas das mechas do cabelo parecem superexpostas e , portanto, lidas como brancas No entanto, para manter a saturação e a vibração no retrato, evito usar muito branco na minha mitra de realce Nesta parte, vou acelerar um pouco o processo. Ao pintar o cabelo, estou constantemente indo e voltando entre as áreas sombreadas e claras para criar a forma geral do cabelo. Lembre-se de sempre ter em mente que, em vez de focar na força individual, pense sempre em termos de maior forma e volume, cabelo é melhor entendido como uma série de formas, não linhas separadas. Durante todo esse processo, eu o mantenho solto e flexível, apenas indo e voltando, ajustando e refinando até que pareça certo Tente não se sobrecarregar tentando pintar cada cepa exatamente como você vê na referência, a menos que essa seja sua intenção Pessoalmente, prefiro capturar o personagem principal e o fluxo do cabelo em vez de copiar cada detalhe. H 17. Camada4 p2: Agora estou fazendo alguns ajustes finais para refinar o retrato Isso inclui corrigir sutilmente a forma facial e aprofundar seletivamente certas áreas de sombra para fortalecer e reforçar a forma. Estou usando um manípulo pequeno para inalar a sombra na bochecha direita, a sombra, e até mesmo a luz refletida nessa área é influenciada pela cor do cabelo Eu uso uma mistura mais quente inclinada para o laranja. Y. Durante esse estágio, você sempre pode ir e voltar, ajustando os recursos até que tudo pareça certo para Não há uma regra estrita de direito por aqui. Pessoalmente, costumo continuar refinando com pequenos ajustes de detalhes até que o resultado geral pareça equilibrado Essa parte realmente depende de sua preferência artística e estética. Você não precisa definir cada contorno nitidez se preferir um contorno mais macio ; mais sangue parece normal para se concentrar na forma geral Acho que o mais importante é capturar a característica principal do assunto e garantir que a forma, a proporção e o valor estejam funcionando corretamente Portanto, tente não cair na armadilha de detalhar demais ou misturar demais Muitos detalhes podem fazer com que a pintura pareça rígida e muita mistura pode fazer com que pareça plana Portanto, mantenha-o equilibrado, refine quando necessário, mas também saiba quando parar Para realçar, eu os separo em cores quentes e frias neste estágio. Eu introduzo o amarelo de titânio Nico, um amarelo brilhante para enfatizar certas áreas de destaque, em vez de confiar apenas no branco puro Para um realce mais frio, sinto falta do azul erleen com branco, como nas áreas onde a luz parece Também adiciono um pouco de amarelo-titânio para aplicar em algumas áreas de destaque que são um pouco esverdeadas Na minha mistura de reflexos quentes, adiciono uma pequena quantidade do meu tom de pele mais recente, que já senti falta anteriormente. Isso ajuda a suavizar e aquecer o realce, já que o amarelo tandum de Nis cote naturalmente se inclina um pouco frio com um sutil Essa abordagem de destaque é bastante pessoal, pois eu gosto de exagerar um pouco o contraste da temperatura da cor para dar mais vitalidade e vida à pintura. Você está absolutamente livre para abordar os destaques de forma criativa e adaptá-los ao forma criativa e adaptá-los Para garantir que o brilho se integre naturalmente à pele, eu uso um pincel clean rail para suavizar suavemente as bordas, permitindo que elas se encaixem suavemente no rosto sem parecerem ásperas Depois de adicionar o destaque e o suprimento misturando-os às áreas circundantes, eu dou um passo atrás e reavalio os tons médios claros próximos Às vezes, é fácil exagerar no realce, o que pode fazer com que o rosto pareça muito plano ou ligeiramente superexposto Para corrigir isso, volto às áreas de tons médios circundantes e ajusto áreas de tons médios circundantes suavemente os valores e as cores, suavizando o realce ou reconstruindo a transição ao redor dele, como você pode ver, pele não é feita apenas de luz e sombra é uma transição contínua de muitas formas de cores sutis Em vez de confiar apenas em um destaque forte, concentro-me em restaurar essas delicadas variações tom e cor para manter a superfície natural e dimensional Essa etapa ajuda a manter o equilíbrio e evitar que a pintura pareça muito dura ou artificial. Ao aplicar o realce, costumo usar tinta um pouco mais grossa, especialmente nas áreas mais claras tinta Ticker ajuda o realce captar mais luz fisicamente, o que faz com que pareçam mais luminosos e dimensionais na superfície Também permite que o destaque fique sobre as camadas subjacentes, em vez de se misturar demais com elas. Depois de colocar o realce, eu também aplaino sutilmente as bordas para que elas se integrem naturalmente à pele ao redor No entanto, durante esse processo, o brilho às vezes pode ser reduzido. Por causa disso, eu geralmente volto e reaplico uma pequena quantidade de realce com tinta mais grossa para reforçar a intensidade no Essa abordagem de camadas ajuda a manter a suavidade na transição e a tensão no próprio destaque O segredo é manter o destaque controlado, reproduz apenas em áreas seletivas, para aprimorar a forma sem Agora estou passando para o ajuste final usando um pincel de detalhes finos que refina as áreas menores, aprimorando os realces onde eles não são claros o suficiente ou também aprofundando as sombras onde ainda precisam Também volto a redefinir certos contornos que podem ter sido suavizados ou deslocados durante o ajuste da cor, trazendo de volta a trazendo de volta 18. Pensamentos finais e projeto do curso: Agora que a pintura está completa, você está absolutamente livre para refiná-la ainda mais ou mantê-la mais solta, dependendo do seu estilo pessoal Você não precisa insistir em todos os detalhes, a menos que queira. O que importa mais é que você aproveite o processo e crie um retrato que reflita o caráter e o espírito essenciais do seu assunto. Pintar retratos é o equilíbrio entre a observação. E também intuição. Quanto mais você praticar, mais natural sua decisão se tornará. Permita-se experimentar, fazer ajustes e até mesmo cometer erros ao longo do caminho. Tudo isso faz parte do processo de aprendizado. Para seu projeto de classe, crie um retrato a óleo realista. Você pode pintar comigo usando a mesma referência ou escolher sua própria referência que o inspire. Quando terminar, faça o upload do seu trabalho na galeria do projeto. Mal posso esperar para ver o que você cria.