Guia de fotografia para iniciantes (Fotografia DSLR e (DSLR

1. Introdução: Oi, meu nome é Chris e sou cineasta e fotógrafo em tempo integral da Inglaterra. Neste curso, estou falando tudo sobre fotografia. Se você é novo na fotografia ou se está procurando entrar na fotografia um pouco mais a sério, então este curso é para você. Neste curso, abordaremos tudo o que você precisa saber, desde o início às configurações da câmera até a composição e o enquadramento. Vamos falar sobre iluminação. Falaremos sobre as lentes e diferentes tipos de lentes que você pode obter. Em seguida, vamos falar sobre os diferentes tipos de fotografia, exposição tão longa, retrato, pouca luz, esportes e ação. Em seguida, terminarei com um pequeno tutorial de edição e mostrarei como eu editaria minhas fotos no Adobe Lightroom. Pegue sua câmera SLR digital ou sua câmera sem espelho e vamos começar a aprender a tirar fotos incríveis. Vamos entrar nisso. 2. Modo automático de x manual: Quando você obtém sua primeira câmera SLR digital ou sua primeira câmera sem espelho, é muito fácil colocar a câmera no modo automático, tirar uma foto e ela ficará bem decente. Mas o problema é que, quando você confia no modo automático da sua câmera, você está confiando que ela vai acertar as configurações todas as vezes. Infelizmente, esse não é o caso. Às vezes, pode bagunçar e se é uma foto muito importante, então talvez você seja um fotógrafo de casamento e precise daquela foto perfeita. Bem, se você está confiando nessas configurações automáticas, você não pode garantir que isso vai acertar. É provável que isso possa acontecer, mas você não pode garantir isso. É por isso que precisamos aproveitar ao máximo nosso sensor de câmera e o que nossa câmera é capaz de mudar nossa câmera para o modo manual. Primeiro de tudo, o que é o modo manual? Bem, o modo manual basicamente permitirá que você controle todas as suas configurações independentemente umas das outras. Se você definir um modo automático em sua câmera, e você fizer isso geralmente girando o mostrador na parte superior da câmera para A. Podemos ter modos diferentes como P, TV, AV, B e, em seguida, alguns outros diferentes configurações. Mas se você configurá-lo para um modo automático, sua câmera analisará a cena e descobrirá quais configurações você provavelmente deveria usar nesse ambiente. Mas quando você muda para o modo M ou manual, isso significa que você pode controlar a velocidade do obturador, a abertura, o balanço de branco, o ISO. Você pode controlar todas essas configurações independentemente umas das outras. Isso significa que você pode capturar looks específicos que atendem ao seu estilo e às suas diferentes necessidades. A razão pela qual queremos esse controle do modo manual é porque um deles, ele nos dá nossa liberdade criativa de volta. Se quiséssemos uma longa velocidade do obturador, colocá-lo no manual e alterar a velocidade do obturador nos permite fazer isso. Se quisermos que a foto pareça um pouco escura e um pouco mais mal-humorada, então podemos ajustar as configurações acordo para chegar a esse visual. O problema é com um modo automático, é que apenas lhe daria uma foto agradável na maioria das vezes. Se você está tentando adicionar estilo à sua fotografia, automático é uma maneira muito difícil de conseguir isso, então mude para o modo manual. Esse é o nosso primeiro passo. Nos próximos vídeos, vou falar sobre todas as diferentes configurações que você precisa conhecer para aproveitar ao máximo sua câmera e seu sensor. 3. Abertura: A primeira configuração que você vai querer saber é a abertura. Uma abertura vai controlar duas coisas, uma, ela vai controlar as quantidades de luz nos tiros. Dois, ele mudará a quantidade do quadro que está em foco. Vamos nos concentrar na parte de brilho primeiro. Quando você vê a abertura em sua câmera, provavelmente dirá F seguido de um número, e isso pode variar de 1,2, 1,6, 1,8 até cerca de F22. Claro, dependendo da lente na combinação da câmera, isso mudará. Mas a regra de ouro para a abertura é, o amor da abertura, então quanto menor o número. F1.8, por exemplo, que deixará entrar mais luz do que uma abertura maior. Se você estivesse filmando em um quarto escuro, você gostaria de puxar a abertura para um número menor de cerca de F1.8. Agora você provavelmente está se perguntando qual é a abertura. Bem, essencialmente dentro da lente da câmera, existem essas lâminas e elas se fecham e elas se abrem para deixar mais ou menos luz entrar no sensor da câmera. Quando você tiver um número menor, as lâminas se abrirão e você terá uma abertura maior na lente da câmera. Isso significa que você vai deixar mais luz entrar no quadro, mais luz no sensor da câmera, e isso significa que você vai obter mais luz em sua foto. Enquanto quando você puxa para baixo do outro lado, então F22, você realmente fechará essas lâminas e isso criará um pequeno orifício em sua lente, o que significa que menos luz é capaz de passar. Ao fazer isso, significa que você obtém uma imagem escura. Primeiras coisas primeiro, se você quiser uma imagem mais clara, você puxa sua abertura para F1.8, F2, F3, F4, e se você quiser deixá-la escura, puxe-a para cima em torno de F22. Claro, você pode escolher o número que corresponde à sua cena, mas mais escuro é um número maior, mais leve é um número menor. Agora, a abertura não só controla a leveza, mas também controla o plano de foco. Sem ficar muito complicado, essencialmente essa é a parte do quadro que está em foco. Se você tiver uma abertura de F22, basicamente significa que a maior parte do seu quadro estará em foco. Significa que se essa foto fosse filmada na F22, eu estaria em foco e o fundo também estaria em perfeito foco. Enquanto quando saímos do outro lado, então vamos para F1.8. Significa que, se eu estiver em foco, o plano de fundo ficará desfocado e isso estará fora de foco. Essencialmente, você está apenas desenhando uma linha entre a lente da câmera e o back-end de suas fotos. Se tiver um número maior, tudo estará em foco. Mas quanto menor o número, menor será a quantidade do quadro em foco. Se você tiver uma abertura de F1.8 e eu segurar minha mão aqui em cima, significa que o plano de foco estará em torno desse grande vizinho. Somente minha mão estará em foco e, em seguida, tudo fora dessa área se desviará para fora de foco ou embaçamento. abertura controla a quantidade de luz que entra no sensor da câmera e a abertura também controla o desfoque do quadro, então quanto está em foco? Agora, não existe uma regra específica para qual número você deve definir na abertura. Nenhuma cena específica tem um número preferido. Cabe a você e à sua criatividade descobrir o número apropriado. Basta lembrar, um número menor, F1.8 adicionará mais luz e terá menos foco, enquanto um número maior F22 será mais escuro, mas mais do quadro estará em foco. 4. Velocidade do obturador: Em seguida, temos velocidade do obturador e velocidade do obturador, como a abertura controla duas coisas diferentes. Primeiro de tudo, isso afeta o brilho. Se você tiver um número de obturador maior, fechará a luz que entra no sensor da câmera e terá uma foto mais escura, e se você for para o contrário, se você abrir o obturador então você tem uma velocidade de obturador mais longa, isso significa que você vai deixar mais luz entrar. Mas o que é o obturador? Agora, essencialmente, o obturador da câmera é uma 'porta' e está fechada por padrão, mas quando você aciona o obturador, então você tira uma foto, essas portas, abre e fecha de volta. Quanto mais tempo eles abrem, mais luz entra no sensor da câmera. Se eu definir a velocidade do meu obturador para 100, que é 100º de segundo, isso é muito rápido, o obturador está aberto para [RUÍDO] um segundo muito breve, está aberto e fechado. Considerando que se eu puxar isso para baixo para um segundo, então um segundo inteiro, significa que quando eu pressiono o botão de gatilho, [NOISE] ele está aberto e fechado para que fique aberto por mais tempo com mais tempo velocidade do obturador. A primeira coisa que velocidade do obturador controla é a luz, então, se você tiver um obturador muito rápido, isso basicamente significa que uma pequena quantidade de luz entrará no sensor da câmera. Mas se você abrir isso e tiver o obturador aberto por 2, 3, 4, 5 , 6 segundos, ele vai abrir e isso é muita luz entrando nessa foto. Mas, claro, a velocidade do obturador não é apenas sobre brilho, velocidade do obturador também controla a quantidade de desfoque de movimento no quadro. Se você tiver uma velocidade de obturador muito rápida de 1/500, por exemplo, ele abrirá e fechará em 1/500 de segundo, o que é muito rápido. Isso significa que se você estiver tirando fotos de alguém pulando no ar, eles serão muito nítidos e muito nítidos. Mas se eu fosse puxar esse número para 1/10 de segundo, ele está aberto um pouco mais e isso significa que quando você tira uma foto de alguém dando esse salto novamente, o obturador está indo estar aberto por um pouco mais, então ele vai desfocar esse movimento na foto. É por isso que quando você está tirando uma foto de alguém pulando e há um pouco de desfoque, é porque a velocidade do obturador está definida para o número errado. A velocidade do obturador precisa ser mais rápida. Essencialmente, a velocidade do obturador está apenas misturando o movimento com a foto. Se o obturador estiver aberto por um segundo, significa que um segundo de movimento será assado nessa foto. Se você está fazendo algo que é muito lento e não se move muito, então você pode se dar ao luxo de ter uma velocidade mais lenta do obturador, que ele possa ficar aberto por mais tempo, portanto, obter mais luz, e não importa muito sobre o desfoque de movimento porque não há muitos movimentos. Geralmente, se você estiver fazendo fotografia de retrato, eu recomendaria provavelmente cerca de 1/100 ou 1/150. Mas se você estivesse tirando uma foto de alguém fazendo algo explosivo, tão alta energia como um salto ou um back-flip, por exemplo, você vai olhar para 1/500, 1/600 em algum lugar muito mais rápido. Claro, para que você possa ser muito criativo com a velocidade do obturador e mantê-lo aberto por um longo período de tempo para que você possa fazer cinco segundos ou 10 segundos. Você pode tirar proveito de todo esse movimento e criar fotos de exposição mais longa, ou fazer alguma pintura clara. É por isso que você está apenas movendo as luzes no quadro, e como o obturador está aberto, ele vai misturar todo esse movimento em uma foto. Claro, quanto mais tempo o obturador estiver aberto, mais movimento estará no quadro. Portanto, se você estiver segurando a câmera e ela estiver aberta por cinco segundos, isso significa que você terá que ficar perfeitamente parado, e isso não é possível. Se você tiver um obturador aberto, um obturador muito longo, eu recomendaria colocar sua câmera em um tripé. Mas se o obturador estiver acima de 1/100 ou 1/50 com um empurrão, então você pode se safar de mão. A velocidade do obturador está controlando a luz e também controla a quantidade de desfoque de movimento no quadro. 5. ISO: Na próxima, temos ISO. O ISO ou o ISO é essencialmente apenas uma ferramenta de iluminação digital. A ISO não controla a aparência da foto. Isso só aumentará ou diminuirá o brilho do quadro. Geralmente com o ISO, quanto maior o número, mais brilhante será a imagem, então se você tiver um ISO de 100 e depois comparar isso com a ISO 3.200, 3.200 será muito mais brilhante. O problema com a ISO, no entanto, é uma ferramenta de clareamento digital. Isso não é feito no sensor da câmera, isso não é feito na lente, isso é feito na câmera. Essencialmente, é como tirar uma foto e , em seguida, aumentar o brilho no programa de edição. Se você puxar o número ISO muito alto para expor a imagem corretamente, isso significa que não apenas você vai puxar todas as partes limpas da imagem, isso significa que você também vai abrir todas as imperfeições nas áreas mais escuras. Este é aquele padrão ruidoso ou granulado que você vê na tela. Essencialmente, porque você está puxando as áreas escuras do quadro, você está essencialmente revelando todas as imperfeições do sensor da câmera. Geralmente, você quer manter seu ISO o mais baixo possível. Pense na sua ISO como último recurso. Se você não conseguir baixar a velocidade do obturador para deixar mais luz entrar e se não conseguir ajustar sua abertura para deixar mais luz entrar, então seu ISO é o próximo lugar para ir. Mas se você conseguir obter mais luz no sensor da câmera adicionando luzes ou ajustando a abertura ou a velocidade do obturador, então é isso que você deseja fazer primeiro antes da ISO. O ISO, agradável e simples, é essencialmente apenas uma ferramenta de iluminação digital. Isso só torna a imagem mais clara ou mais escura. 6. Equilíbrio de brancos: A próxima configuração que você vai querer saber é seu balanço de branco. O balanço de branco está essencialmente apenas se referindo à cor da temperatura da luz. Quando você pensa em luz, luz é medida em Kelvins. Se você já teve que comprar lâmpadas , então você já está totalmente ciente disso. Você pode comprar uma lâmpada que diz 3200K ou 5500K ou 5.000K, por exemplo, o K representa Kelvins. Essencialmente, esta é apenas a cor. Temos uma escala de cores e geralmente as luzes mais quentes são um número menor, e as luzes mais frias ou mais luzes azuis são um número maior. Se você tivesse uma luz laranja ou tungstênio, uma daquelas lâmpadas quentes que você obtém, seria em algum lugar em torno de 3200. Então, se você fosse para o outro lado e tivesse uma luz branca ou luz natural, por exemplo, este seria um número maior, então é mais uma luz azul mais fria, e isso é 5500 Kelvins. Você pode ir até os extremos também. Você poderia ir para uma luz fluorescente branca brilhante, que seriam seis ou 7.000 e, em seguida, luzes de vela naquela cor de chama seriam em algum lugar em torno de 2.000. Agora, como isso se correlaciona com sua câmera? Bem, é muito importante que seu balanço de branco esteja definido para a cor da cena. Por exemplo, nesta cena, estou usando uma luz branca. Eu definiria minha câmera para 5500 Kelvins. Agora, se eu não defini isso para 5500 Kelvins, se eu definir isso para 3200 Kelvins, isso significa que a cor estará completamente errada. Mesmo que pareça certo para meus olhos quando eu tiro a foto se eu estiver definido para o equilíbrio de branco errado, infelizmente, pareceria muito laranja ou azul demais. Se você realmente quer obter a cor perfeita, então você quer olhar para a cena, ver a maneira como você está tirando suas fotos e tente combinar a cor da luz na câmera com a cor do luzes na cena. Deixe-me dar alguns exemplos. Se você estiver tirando fotos no meio do dia, é um dia ensolarado, você gostaria de definir seu balanço de branco na câmera para 5500 Kelvins. Agora, se eu fosse entrar e estivesse escuro lá fora e houvesse algumas lâmpadas com mais luz de tungstênio laranja então eu gostaria de ajustar meu balanço de branco para 3200. Agora, se você estiver tirando fotos individuais, então você realmente pode se safar definindo seu balanço de branco para automático e isso ficará bem na maior parte do tempo. Mas se você estiver tirando várias fotos no mesmo local, então talvez você esteja fazendo fotografia de retrato. Então, se você definir isso como automático cada foto será um pouco diferente uma da outra. Isso significa que você terá que corrigir isso na edição ou que simplesmente não seria consistência para nenhuma dessas fotos. Estarão todos um pouco mais quentes ou um pouco mais frios. Um pouco mais laranja ou um pouco mais azul do que os outros. Eu definitivamente recomendaria definir o balanço de branco para a cor da cena. É claro que você pode realmente quebrar essa regra e ajustá-la a uma configuração diferente se quiser manipular a imagem para parecer diferente. Por exemplo, se eu estivesse fora e quisesse que a imagem parecesse um pouco mais fria, um pouco mais azul, então, em vez de definir o balanço de branco para 5500, vou puxar isso para o outro lado e descer 4300 ou até 3200. Isso criaria uma imagem realmente azul. Mesmo que o balanço de branco não esteja definido para a cena ajustando isso para um número diferente, isso significa que podemos realmente controlar a cor da cena e da foto. Agora estou plenamente ciente de que o balanço de branco parece muito difícil, para começar. Levei um bom tempo para colocar minha cabeça enrolada em torno do balanço de brancos e quais números eu deveria estar definindo em cada cena diferente. Mas apenas brinque com sua câmera e tente tirar fotos em ambientes diferentes com algumas configurações de iluminação diferentes em diferentes números de balanço de branco e ver como as imagens mudam em cada configuração diferente. Está tudo bem e bom eu sentar aqui e falar com você e dizer-lhe quais números usar. Mas até que você tenha realmente tirado uma foto e veja os resultados por si mesmo, ela não vai se afundar completamente. Eu definitivamente recomendaria apenas ajustar o balanço de branco em sua câmera, tirar fotos e ver como cada foto difere uma da outra. Essencialmente para dourar este vídeo, o balanço de branco é a cor das luzes e você quer tentar combinar a cor da luz com a configuração na câmera. 7. RAW de JPEG: A próxima configuração que você vai querer saber é RAW versus JPEG. RAW e JPEG são dois formatos de arquivo diferentes nos quais você pode capturar sua foto. RAW e JPEG não são configurações que alteram a aparência da sua imagem, RAW e JPEG, são essencialmente apenas o formato de arquivo em que a imagem está. Configurar sua foto para JPEG ou configurar sua foto como RAW, não faz diferença em como ela se parece, é apenas a quantidade de controle que você tem na edição. Essencialmente, o JPEG será o formato de arquivo padrão com o qual você trabalhará. Se você estiver fotografando em um modo automático, JPEG é o que será selecionado. Mas o problema com o JPEG é ele é destinado a pessoas que não têm uma compreensão completa da fotografia ou não se importam o suficiente para saber disso, elas só querem uma imagem meio decente fora da câmera. JPEG basicamente se liga em cores, saturação de contraste com a imagem e, em seguida, ele apenas dá uma aparência decente diretamente da câmera. Mas o problema é que ele poderia superexpor algumas áreas que ele possa explodir completamente o céu, por exemplo, para que possa ser completamente branco, ou poderia subexpor as sombras, modo que as partes escuras do imagem pode ser perdida. O problema é que, depois de tirar uma imagem em JPEG, todas essas cores são queimadas na imagem. Se uma imagem estiver superexposta, você não poderá corrigi-la. No entanto, com o RAW, você obtém um pouco mais de liberdade. JPEG oferece um pequeno acesso ao que o sensor da câmera e a câmera são capazes, mas o RAW oferece todo o potencial. O RAW oferece todos os detalhes de destaque, fornece todos os detalhes do tom médio e todos os detalhes da sombra. Quando você carrega a foto em seu computador, a imagem ficará muito cinza, mas você verá que todas as partes da imagem estão bem expostas. Essencialmente, você está recebendo todas as informações disponíveis para você, que você possa tomar a decisão de superexpor os destaques, se quiser, ou subexpor as sombras, se quiser. Mas é sua decisão criativa e você pode tomar todas essas decisões. O problema com o RAW, porque o arquivo de imagem está mantendo todos esses dados disponíveis para você, os arquivos de imagem são muito maiores. Uma imagem JPEG típica pode ser de 5 a 10 megabytes, enquanto um único arquivo JPEG pode estar em qualquer lugar de 20-50 megabytes para uma foto. Se você estiver preocupado com o espaço do computador, o JPEG pode ser a opção a seguir. Mas se isso não for um problema e você realmente quiser controle total de como sua imagem ficará, então, se você fotografar em RAW, isso significa que você terá acesso total ao sensor da câmera. Deixe-me dar um exemplo. Vou mostrar duas fotos na tela agora. A primeira é uma imagem JPEG e a segunda é uma imagem RAW. Agora, esta é a mesma foto, eu configurei minha câmera para fotografar um RAW e um JPEG ao mesmo tempo. Com esta foto, vou puxar para baixo as partes mais brilhantes da imagem. Como você verá, o JPEG não está realmente fazendo nada, esse céu branco ainda é muito branco. Mas na imagem RAW que céu branco agora se tornou devidamente exposto, podemos ver os detalhes no céu e temos todas essas informações retidas para nós. RAW e JPEG são dois formatos de arquivo diferentes nos quais podemos gravar nossas fotos, mas o RAW nos dá mais informações e o JPEG apenas nos dá uma aparência muito rápida e decente diretamente da câmera. Se você quiser uma foto profissional, eu recomendaria fotografar RAW, mas se você quiser uma foto meio decente, o que realmente não requer muita edição, JPEG é o caminho a percorrer. 8. Regra dos terços: Uma das principais diferenças entre fotografia profissional e amadora é a composição e o enquadramento. Mas o que é isso? Bem, composição e enquadramento estão basicamente se referindo a como você está enquadrando sua foto, então onde você está colocando seus assuntos dentro do quadro. Agora, existem algumas técnicas e regras de composição diferentes que você pode usar para enquadrar suas imagens para tornar suas imagens mais profissionais. A primeira é a regra dos terços. Agora, a regra dos terços não é necessariamente uma regra, é apenas um guia usado para ajudá-lo a enquadrar fotos ou assuntos específicos e, essencialmente, tudo o que você precisa fazer é desenhar duas linhas horizontais em seu tela e duas linhas verticais abaixo da tela. Na maioria das câmeras digitais SLR ou sem espelho, você pode realmente ativar uma sobreposição para poder realmente ver a regra dos terços sobre sua imagem. Isso não está inserido na imagem final, você só vê isso quando você está tirando a foto, então isso realmente vai ajudá-lo a entender a regra dos terços. Depois de passar um pouco de tempo com o guia agora, você pode desligar isso porque depois de tirar imagens suficientes, isso se tornará uma segunda natureza para você. Você tem suas duas linhas na horizontal e duas linhas abaixo do eixo vertical. Como você os usa? Bem, essencialmente, você só quer colocar seus assuntos nessas linhas, então, se você estiver tirando uma foto de uma paisagem, por exemplo, então você pode colocar o horizonte na linha inferior ou na linha superior. Se você estiver tirando uma foto de alguém, você pode colocar seus olhos na linha horizontal superior ou, alternativamente, se você estiver tirando uma foto de um marco, por exemplo, você poderia na verdade, use uma das linhas verticais para deslocá-la do centro para que você possa colocá-la na linha esquerda ou na linha direita e, em seguida, você pode alinhar os horizontes para atravessar a parte inferior e você obteve uma composição realmente interessante e única. Claro, a regra dos terços definitivamente não é uma regra, você definitivamente não pode quebrar isso e existem outras técnicas que você pode usar para enquadrar suas fotos. 9. Simetria: Seguindo a regra dos terços, a próxima técnica que você pode usar é a simetria. Essencialmente, o objetivo da simetria é combinar um lado do quadro com o outro lado do quadro. Isso pode alcançar uma imagem realmente equilibrada e muito agradável visualmente. Geralmente, se eu estivesse tirando uma foto de uma pessoa, eu a colocaria no centro do quadro, e então eu teria objetos semelhantes enquadrados atrás deles espelhados um do outro. Ou, alternativamente, se você estiver tirando fotos de um marco, por exemplo, você pode colocá-lo perfeitamente no centro, e isso criará um visual simétrico agradável. O objetivo aqui é apenas fazer com que isso pareça visualmente equilibrado entre a esquerda e a direita ou a parte superior e inferior. Agora, quando se trata de simetria, não há guias ou réguas que você possa usar em sua tela. Tudo depende de você e que você está equilibrando no quadro. Apenas certifique-se de que a esquerda e a direita ou a parte superior e inferior pareçam simétricas, façam parecer visualmente equilibradas, e isso é simetria. Se você usa simetria, você pode obter um resultado muito bonito. 10. Linhas principais: A próxima técnica composicional é as principais linhas. Agora, as linhas principais são essencialmente apenas linhas no quadro que o atraem a um ponto de interesse. Se você estiver fazendo fotografia de rua, por exemplo, então você poderia usar a paisagem ou arquitetura ou talvez você possa chegar perto de um corrimão, e esse corrimão caindo na distância pode apontar você para seus súditos. Essencialmente, uma linha principal é apenas uma linha no quadro que leva seus olhos em uma jornada até o assunto. Agora, é claro, como acabei de dizer, você poderia usar um corrimão para isso, e essa pode ser a linha dentro do quadro ou pode ser apenas a maneira como você enquadra uma imagem. Se você estiver tirando uma foto em uma ponte, então você pode usar os dois lados da ponte para levá-lo para o horizonte onde seus assuntos podem estar. O ponto principal das linhas principais é levar os olhos nessa jornada visual através do quadro e apontar você para o seu assunto. Você pode ficar realmente interessante com isso, e você pode mudar sua perspectiva e seu ângulo de onde você está tirando sua foto para realmente maximizar a quantidade de linhas principais dentro do quadro. 11. Perspectiva: Em seguida, vamos falar sobre perspectiva e ângulo. Agora, quando você está tirando uma foto, é muito tentador segurar a câmera, pé e simplesmente tirar uma foto. Mas pense em como ele poderia parecer de um ângulo baixo, como poderia parecer de um ângulo alto, como isso faria a imagem parecer ou se sentir diferente. É muito fácil, muito seguro e muito confortável ficar parado e tirar sua foto, mas talvez você possa ficar no chão e olhar para o assunto, e fazer isso faz com que o o sujeito se sente poderoso, ou pode apenas lhe dar um ângulo muito legal. Ou, alternativamente, você pode optar por um ângulo alto, e você pode olhar para baixo em seu assunto, e isso faz com que eles se sintam inferiores. Ou você pode até brincar com a rotação da câmera. Você não precisa estar perfeitamente equilibrado, você não precisa ter o horizonte completamente reto. Talvez você possa brincar com um ângulo holandês, que é uma inclinação de ângulo de 45 graus você possa girar a câmera, olhar para alguém, e isso poderia criar uma perspectiva realmente interessante, e portanto, uma foto realmente interessante. Na próxima vez que você estiver tirando fotos, eu realmente quero que você pense sobre qual é o ângulo e a perspectiva mais interessantes aqui. Não vá apenas para sua foto típica em pé. Realmente pense em onde você poderia tirar a foto de diferentes perspectivas, diferentes pontos de vista, ângulos diferentes e realmente tentar encontrar o melhor ângulo para sua foto. 12. Profundidade: Em seguida, quero falar sobre profundidade porque está tudo bem, apenas enquadrando um assunto dentro do quadro. Mas pode parecer muito plano, e a razão é porque você está pensando sua foto em um espaço bidimensional. Tente pensar sobre sua foto em um espaço 3D, então o que está em primeiro plano, no meio e no plano de fundo. Se você tiver algo em primeiro plano de sua foto, ela pode realmente criar um elemento de profundidade dentro do quadro. Talvez haja alguns padrões legais neste corrimão. Talvez você possa fotografar esse padrão neste corrimão e isso lhe daria um primeiro plano muito bom. Então você tem seu assunto e o plano de fundo por trás deles. Você tem três camadas visuais para sua foto fazendo isso e, portanto, você está criando esse elemento de profundidade e espaço dentro do quadro. Você nem precisa fotografar as coisas. Você pode simplesmente colocar um objeto perto da lente da câmera e isso lhe dá um bom foco e, portanto, isso lhe dá uma boa profundidade dentro do quadro. Não pense em suas fotos em um espaço bidimensional. Pense em suas fotos em um espaço tridimensional. Você não está apenas enquadrando seus assuntos, você também está pensando no que está em meu primeiro plano, fundo e o espaço intermediário. 13. Quadro em um quadro: Em seguida, quero falar sobre o quadro dentro de um quadro. Esta é uma técnica composicional simples que pode realmente seguir em nosso vídeo anterior, que era tudo sobre profundidade. quadro dentro de um quadro é exatamente o que parece. Ele está usando um objeto ou um quadro dentro da foto para enquadrar seus assuntos. Um exemplo muito fácil disso é, digamos, você está parado em um túnel e seu assunto está do lado de fora do túnel. Se você usar as bordas do túnel para enquadrar essa foto, ela pode realmente criar um visual realmente interessante e profissional. Você tem seu assunto e eles estão enquadrados dentro de um quadro, então um quadro dentro de um quadro. Agora, o ponto principal disso é adicionar profundidade ao quadro. Voltando ao nosso vídeo anterior, a profundidade é o primeiro plano, o assunto e o plano de fundo, então adicionar um quadro dentro seu quadro é uma maneira muito rápida e fácil de adicionar essa profundidade. 14. Espaço negativo: Então, por último, quero falar sobre espaço negativo porque normalmente quando você está enquadrando uma foto, você quer ter muito espaço entre os assuntos e a borda do quadro. Mas você pode realmente brincar com seu espaço e você pode realmente ter espaço negativo dentro do quadro para que você possa quebrar as regras, quebrar o que parece natural e ter espaço negativo. Mas como você cria esse espaço negativo? Bem, se você está tirando uma foto de alguém, se eles estão olhando para a distância, em vez de ter muito espaço na frente deles, você pode enquadrá-los para que eles estejam você pode enquadrá-los para que eles estejam olhando para o borda do quadro. Isso de repente parece muito claustrofóbico porque você tem muito espaço por trás do assunto e se você fizer isso corretamente, pode parecer muito poderoso e pode realmente ajudar a fazer a foto parece desconfortável e claustrofóbica. O espaço negativo é essencialmente apenas mais espaço atrás do assunto do que há na frente dos assuntos. Normalmente você quer mais espaço na frente, mas com espaço negativo, você pode ter esse enquadramento estranho e você pode fazer isso para criar uma emoção específica. Mas não são apenas pessoas com as quais você pode fazer isso, se você tiver um marco, por exemplo, você pode enquadrar o assunto para estar no canto da sua foto. Poderíamos tê-lo na borda da foto e isso cria muito espaço negativo. Não sinta que você sempre precisa seguir essas regras ou esses guias, você pode realmente quebrá-los e ser flexível e isso cria um elemento real de mal-estar em sua foto e isso novamente, pode ajudar a melhorar a sensação de uma foto. Se você está tentando tirar uma foto de alguém que está ansioso, por exemplo, se você usar enquadramento negativo e espaço negativo dentro dos tiros, isso pode realmente ajudar a acentuar esse sentimento. 15. Luz natural: Quando se trata de tirar fotos, você pode ter a melhor câmera do mundo, a melhor câmera que o dinheiro pode comprar. Mas se você não tiver luz suficiente dentro da cena, infelizmente, haverá muito grão, haverá muito ruído digital. Você terá que puxar seu ISO para cima, e tudo ficaria um pouco feio e um pouco amador. É muito importante que nos concentremos em nossa iluminação. Agora, quando falo de iluminação, a propósito, não estou falando de longa exposição. É muito possível estar em um ambiente muito escuro, puxar a velocidade do obturador até 30 segundos e você terá uma grande quantidade de luz atingindo o sensor da câmera. Quando estou falando de iluminação, estou falando mais em particular sobre fotografia de retrato, por exemplo. É aqui que estamos em um ambiente, e precisamos que nossa velocidade do obturador esteja em torno um sobre 100, um sobre 200. Se não conseguirmos ajustar nossas configurações da câmera para adicionar mais luz à cena, é por isso que precisamos adicionar mais luz à cena. Além de adicionar luz para ajudar a câmera e adicionar mais luz à foto, você também pode moldar sua luz para criar personagem dentro da foto. Existem alguns tipos diferentes de configurações de iluminação sobre as quais eu quero falar. No entanto, antes de começarmos a falar sobre iluminação, vamos falar sobre trabalhar com luz natural. Você está tirando uma foto de alguém sob luz natural. O que podemos fazer nesses ambientes? Bem, quando você está tirando fotos lá fora, felizmente, você tem a grande luz no céu, o sol. Você terá luz suficiente na câmera para fazer o que precisa fazer. No entanto, o problema é que a luz solar pode ser um pouco pouco lisonjeira se você estiver fotografando nas áreas erradas. A primeira coisa que eu faria é uma, ou atirar em um dia nublado. Quando as nuvens acabam, basicamente temos uma grande softbox sobre o sol, e você obtém uma iluminação muito suave. No entanto, se você tiver que filmar em um dia ensolarado, então eu definitivamente recomendaria afastar seus assuntos do sol, para colocar o sol atrás deles. A razão pela qual eu sugiro isso, é porque se você afastar o assunto do sol, isso significa que o sol estará atrás deles, e você não terá sombras duras aparecendo em seu rosto. No entanto, também podemos comprar um kit de refletor 3M1 ou 5M1, e podemos saltar ou suavizar a luz. Ou podemos até usar algum preenchimento negativo para criar alguma forma e adicionar mais luz no rosto. Isso aqui é uma folha refletora pop-up 5M1. Como você verá, temos esse grande lado prateado do refletor, e isso é usado para saltar a luz. Se eu estivesse lá fora e estivesse ensolarado, e eu quisesse adicionar um pouco mais de luz no rosto do meu sujeito, eu usaria esse refletor prateado para saltar a luz de volta para o rosto deles. Como você pode ver, isso é sem, e quando eu adiciono isso, estou saltando a luz de volta, e está apenas adicionando mais luz neste lado do rosto. Claro, embora não seja apenas este refletor prateado que você obtém nesses kits 5M1, você também tem ouro e branco. Como você pode ver, eu posso tirar essa jaqueta da difusão, e então, por dentro disso, temos ouro, e temos branco. Como você pode ver, este é o lado dourado do refletor. Se eu colocar isso de volta onde estava antes, você pode ver que estou refletindo uma luz mais quente no meu rosto. Se você quiser uma foto prateada, você pode adicionar dourado para adicionar luz mais quente ao rosto. Alternativamente, porém, isso é bastante dramático, então podemos usar o lado branco do refletor, para adicionar um salto de luz mais sutil no rosto. Quando você está segurando um desses refletores, você só quer segurá-lo em torno de 45 graus e, em seguida, apenas sintonizá-lo até que a luz salte de volta para o rosto. Claro, porém, se você não quisesse saltar a luz, e você só quisesse suavizar a luz solar, alternativamente, poderíamos apenas usar a difusão. Dentro desta jaqueta, temos esse pedaço de difusão. Essencialmente, isso só vai agir como as nuvens sobre o sol, então ele só vai suavizar essa luz. Tudo o que você precisa fazer é apenas segurar isso acima do assunto e você terá uma iluminação suave muito boa. Isso é sem, e isso é com. Agora eu tenho uma luz de softbox na minha luz, então você não verá uma grande diferença neste exemplo. Mas suavizar a luz é uma maneira muito rápida e fácil de controlar a luz natural dentro da cena. Então, claro também, você tem o quinto lado, que é o lado negro, e isso é para um preenchimento negativo. Em vez de adicionar luzes, um preenchimento negativo ajudará a parar a luz. Vai cancelar parte dessa luz apagada. Se você segurar o lado negro disso ao lado de alguém, isso vai ajudar a impedir que a luz salte para trás e batendo no rosto deles. Isso só vai ajudar a nos dar um pouco mais de um olhar mal-humorado, cancelando parte dessa luz de um lado do rosto. Se você está tirando fotos de alguém do lado de fora e é um dia brilhante e ensolarado, então você quer afastá-los do sol, ou você pode usar o refletor e o kit de difusão para saltar ou suavize a luz. Isso lhe daria um visual muito agradável em suas fotos. 16. Iluminação de três pontos: Claro, porém, se você precisar tirar algumas fotos de retrato dentro, por exemplo, você precisará de alguma iluminação. Existem algumas configurações de iluminação diferentes que podemos usar para capturar fotos de boa aparência. A primeira é a iluminação de três pontos. Agora, quando se trata de iluminação de três pontos, você pode usar luzes de vídeo contínuas. São luzes que ficam acesas o tempo todo. Ou você pode usar luzes de flash/estroboscópica, que se destina mais à fotografia. Essencialmente, quando você tira sua foto, a luz pisca ao mesmo tempo em que você tira a foto para que as luzes estejam lá. Não importa se você usa luzes de vídeo ou lanternas de fotografia. Qualquer opção funciona para isso porque é mais o posicionamento das luzes que compõe uma configuração de iluminação de três pontos. Quando se trata de três pontos, essencialmente, você só tem três luzes. Você tem sua chave, seu preenchimento e sua luz de fundo. São duas luzes atrás da câmera e uma luz atrás do objeto. Sua luz chave, sua luz principal, estará no lado da câmera e vai brilhar uma boa quantidade de luz no rosto. Em seguida, temos a luz de preenchimento, que fica no lado oposto da câmera. Isso é apenas preencher todas as sombras que a luz chave possa ter criado. Há duas luzes até agora. Então temos nossa luz de fundo e esta é uma posição de luz atrás da pessoa brilhando de volta sobre eles, e isso vai nos dar uma bela luz de cabelo. luz do cabelo está lá para separar o assunto do fundo. Você tem três luzes. Como eu disse antes, podem ser luzes contínuas de vídeo ou podem ser flashes de fotografia ou luzes estroboscópicas. Nossa iluminação de três pontos são nossas três luzes, duas na frente, uma na parte de trás. Temos chave, preenchimento, luz de fundo. Essas três luzes lhe darão um visual complementar muito bom que é ótimo para fotografia de retrato. 17. Iluminação de dois pontos: Continuando a partir da nossa iluminação de três pontos, temos iluminação de dois pontos. Para uma iluminação de dois pontos, vamos começar com nossos três pontos, mas vamos tirar nossas luzes de preenchimento. Em nossos três pontos, tínhamos 1, 2, 3. Agora vamos tirar a luz número 2. Só temos uma luz na frente e uma luz na parte de trás. Quando você está fazendo isso, é importante que você tenha sua chave e sua luz de fundo em lados opostos dos assuntos. Se a luz da chave estiver à direita do assunto, é importante que a luz de fundo esteja à esquerda do objeto, então crie uma linha diagonal entre essas luzes. A remoção de uma dessas luzes essencialmente cria sombras em um lado do rosto. Isso está nos dando um olhar um pouco mais mal-humorado e, portanto, um pouco mais intenso. Se você estiver tirando fotos de retrato e quer que elas tenham uma boa vantagem, considere usar dois pontos em vez de três pontos. 18. Iluminação dura de a a de resistência a suaves: Quando se trata de iluminar suas fotos, existem dois tipos diferentes de fontes de luz que você pode ter, uma luz dura e uma luz suave. Essencialmente, a diferença é que um é difundido e um não é. Uma luz dura é uma fonte de luz muito dura, e isso pode criar sombras muito duras. Se você está tirando fotos de pessoas, normalmente quer evitar isso porque você vai ter algumas sombras muito duras aparecendo em seu rosto. Mas a iluminação dura pode ser muito benéfica se você estiver tentando preencher um espaço ou criar sombras dentro do espaço. Então, do outro lado, temos iluminação suave e isso é exatamente o que parece. Você está usando difusão ou tecido ou tecido branco para suavizar as luzes. Ter iluminação suave dá uma aparência muito suave e natural e você não vê sombras duras no rosto. É mais um roll-off suave. Esta foto aqui está sendo filmada com uma luz de caixa suave e isso é uma fonte de luz suave. Como você pode ver, não há sombras duras no meu rosto. Há apenas um roll-off suave no lado do meu rosto. Geralmente, se você estiver tirando fotos de pessoas e quer que as fotos pareçam lisonjeiras, eu recomendaria usar uma fonte de luz suave em vez de uma fonte de luz dura. Agora, se você olhar para uma luz de construção, isso é uma fonte de luz dura porque está lançando luz muito dura. Mas um kit de iluminação soft-box que é uma luz suave é muito suave e suave. É muito possível suavizar uma luz dura. Se você tem uma camiseta branca ou um pedaço de pano branco ou lençóis brancos, você pode segurar isso na frente dessa luz dura para suavizar isso. Essencialmente, o sol é uma luz dura e a nuvem suaviza a luz dura. Em um dia nublado, você obtém luz suave e em um dia ensolarado você obtém luz dura ou iluminação dura. Lembre-se, sempre que você estiver acendendo as pessoas, você quer tentar manter a iluminação suave, mas se você estiver iluminando espaços, você pode usar iluminação dura. 19. Iluminação RGB (Cor:: Em seguida, temos iluminação RGB ou vermelha, verde, azul ou colorida. A iluminação colorida pode ser usada em um propósito muito criativo. Iluminação colorida, podemos usar para fotografia de retrato, podemos usar isso para fotografia de produtos ou qualquer tipo de fotografia que possa ser capturada em um ambiente fechado. Nosso ponto de partida para iluminação colorida é apenas desligar todas as luzes dentro do espaço e tentar bloquear o máximo de luz natural possível. Estamos começando com um quarto muito escuro, então podemos converter nossas luzes normais usando um gel colorido ou, alternativamente, podemos acessar a iluminação RGB, que são luzes LED, que podem vá vermelho, verde, azul ou qualquer cor que queremos que eles sigam, e então podemos apenas construir e adicionar cor. Agora, normalmente, ao trabalhar com cores, eu sempre recomendo usar cores contrastantes. Se você olhar para a roda de cores, você deseja pegar duas cores que são lados opostos da roda de cores e usá-las dentro de suas fotos. Você pode usar laranja e azul ou roxo e amarelo ou vermelho e verde. Usar essas cores opostas cria um bom nível de contraste de cores dentro da imagem e isso nos dará alguns looks realmente interessantes em nossa fotografia. Normalmente, eu aconselharia não usar apenas uma cor porque se você usar três luzes e elas estiverem todas definidas para vermelho, infelizmente, vamos perder nossa definição e haverá um falta de profundidade dentro do quadro. Mas se usarmos duas cores que são lados opostos da roda de cores, você pode criar um bom nível de contraste de cores. Talvez duas luzes na frente estejam definidas como vermelho e a da trás esteja definida como verde, então obtemos esse bom contraste de cores, ou talvez estejamos apenas usando duas luzes, talvez uma possa ser laranja, uma pode ser azul. Isso nos dará esse bom contraste novamente. Não importa qual esquema de cores você está olhando, mas eu definitivamente recomendaria usar a roda de cores para ter cores opostas. A cor é algo que requer um pouco de prática , então eu definitivamente recomendaria configurar uma sessão de prática e apenas obter alguma iluminação colorida, tirar muitas fotos com cores diferentes e descubra o que você gosta da aparência e quais tipos de aparência você pode criar usando iluminação RGB ou colorida. 20. Fotografia com flash: Quando se trata de adicionar luzes extras em suas fotos, uma das maneiras mais rápidas e fáceis de um fotógrafo adicionar essa luz é usar um flash ou uma luz de velocidade. Mas o problema é que se você apenas colocar isso em sua câmera e você enfrentar essa luz diretamente em direção à pessoa da qual você está tirando uma foto, a foto ficará realmente superexposta e vai ser muito duro e direto e não parecerá muito lisonjeiro. Vai parecer muito amador e não é isso que estamos procurando se quisermos tirar fotos profissionais. Agora, existem muitas maneiras diferentes de usar um flash para adicionar luz extra em nossa cena. Primeiro de tudo, só queremos começar adicionando o flash na parte superior da câmera. Usaríamos seu sapato quente ou seu adaptador de sapato frio na parte superior para adicionar isso. Então você só quer ter certeza de que ele afunda em suas câmeras para que, quando você tira uma foto , ela realmente pisque. Como já mencionei, a primeira maneira de adicionar luzes é brilhar diretamente esse flash em direção aos assuntos. Mas o problema é que isso cria esse visual realmente duro. A primeira opção é suavizar a luz. Normalmente, se você tiver um flash, você obtém um desses limites. Esta é apenas uma tampa de difusão. Você colocaria isso na frente do flash, e isso só vai suavizar instantaneamente essa luz, criando um visual um pouco mais suave. Mais uma vez, embora pessoalmente, eu sinto que isso é um pouco dramático demais. É aqui que você pode angular o flash para cima. Vamos retirar a difusão e, em seguida, podemos acessar esses cartões. Essas cartas aqui são cartas de rejeição, e elas devem estar no topo do seu flash. Você tira isso e, como você pode ver, há esse pedaço de plástico aqui. Isso está apenas passando por cima da nossa luz para inclinar a luz em direção ao cartão de rejeição, e então a luz vai subir, acertar a carta e voltar. Em vez de acertar diretamente a pessoa, isso agora com a carta de rejeição vai acertar isso primeiro e depois saltar para o assunto. Essa é uma ótima maneira de suavizar isso ainda mais. Claro, porém, se você não tiver um cartão de rejeição, você pode simplesmente saltá-lo de uma parede ou do teto. Em vez de ter o flash voltado para a frente, você pode inclinar isso para cima e tirar a luz do teto, portanto, preenchendo o espaço. O problema é, porém, se você tiver um teto escuro. Se você tem um teto preto ou se você tem tetos realmente altos, essa luz se perderá e você não verá isso. Isso só funciona se você tiver tetos mais baixos e for uma cor branca ou mais brilhante. Se você tiver tetos altos ou tetos escuros, alternativamente, você pode girar o flash e saltá-lo da parede. Você pode fingir que a parede é uma luz, então você está saltando da parede e, em seguida, ela está batendo no assunto. O problema com saltar, porém, é quando você salta a luz em uma parede, ela pega a cor da parede e a colocará no assunto. Se você tem uma parede branca, isso não importa porque você tem uma boa luz branca e você pode simplesmente ajustar o balanço de branco na câmera para compensar isso. Mas se você estiver saltando de uma parede que é azul brilhante ou verde brilhante, você terá todas essas cores voltando para o assunto. É muito importante que quando você está saltando a luz, você está olhando para onde a luz pode estar saltando e descobrindo se há alguma cor derramando sobre a pessoa. Então, por último, mas não menos importante, tenho minha maneira favorita de adicionar flash e isso é realmente tirar o flash da câmera. Você teria que se certificar de que você tinha um flash sem fio neste exemplo. Então, geralmente, o que eu faço é colocar o cartão de rejeição para cima e eu uso o salto ou salto para fora do teto. Eu pego a câmera, tiro a foto e estou segurando as luzes aqui. Isso é essencialmente agora parecerá como se eu tivesse uma configuração de luz em um suporte de luz. Você poderia configurar isso em um suporte de luzes se quisesse adicionar várias lanternas. Mas se você tiver apenas um, apenas segure esse comprimento de braço mais ou menos para o lado, e isso vai te dar uma boa aparência, e isso lhe dará um pouco mais de forma. Obviamente, essa opção depende se o flash é ou não sem fio. Se não estiver lá, você pode comprar adaptadores que convertem isso em um flash sem fio, e eu definitivamente recomendaria isso. Agora, com a fotografia flash, você também pode aproveitar ao máximo a iluminação colorida. Você pode comprar géis coloridos, que são essencialmente apenas pequenos pedaços de plástico que ficam na parte superior do flash. Novamente, você pode recriar essa aparência colorida usando seu flash, em vez de luzes de vídeo contínuas ou grandes luzes de configuração. Independentemente de você estar usando um flash em sua câmera, você está usando luzes de vídeo externas ou você está apenas aproveitando a luz natural e usando um kit refletor para controlar essa luz, é muito importante que você pense em iluminação porque, um deles, você precisa colocar luz no sensor da câmera. Mas dois, você quer controlar a luz, controlar a aparência e a sensação da sua imagem. Não adianta apenas lançar luz em sua foto porque você precisa adicionar luz extra. Você realmente precisa cortar isso e desenvolver um visual que funcione para o tom da sua foto. Pense na iluminação do ponto de vista técnico, mas também pense na iluminação do ponto de vista criativo, porque você pode realmente ajudar a criar um clima com sua iluminação. Infelizmente, quando se trata de fotografia, uma das coisas que as pessoas sempre ignoram é a iluminação. Basta adicionar uma luz extra ou duas no ângulo reto pode realmente ser a diferença entre uma foto amadora e profissional. Passe algum tempo conhecendo sua iluminação e faça alguns experimentos com sua fotografia e iluminação. 21. Comprimento focal: Quando se trata de tirar fotos, as pessoas geralmente acreditam que tudo é controlado na câmera. Mas o problema é que existem duas partes do pacote da câmera. Você tem o corpo da câmera e, em seguida, você tem a lente, e a lente pode realmente fazer uma enorme diferença em suas fotos. Um ótimo exemplo disso é sua distância focal. Agora, sua distância focal é essencialmente apenas o número em sua lente, que representa o zoom. Se você olhar para uma lente de zoom , por exemplo, dirá 18 , 24, 32 , 50, ela irá até um número. Ou se você tiver uma lente principal, ela será definida para um número específico. Sua distância focal é essencialmente zoom na foto. Quando você tem um número menor, 16, 18, isso significa que você tem um campo de visão muito amplo. Mas quando você puxa para um número maior, então vamos 105. Isso significa que você vai ficar muito ampliado, então você está focado em uma área muito específica do quadro. Não é apenas ampliando e diminuindo zoom que a distância focal controla. A distância focal também controla as características dos tiros. Se você tirou uma foto mais próxima de alguém com a distância focal definida como 18, notará que ela parece completamente diferente de uma foto tirada em 105 ou um número maior como esse. A lente pode realmente mudar a forma da imagem e pode mudar a forma do objeto na frente da câmera. Vamos tirar três fotos. Vamos enquadrar tudo isso como close-ups, haverá três fotos minhas. O primeiro será 18 milímetros, o segundo será 55 e o terceiro será 85. Então, temos três fotos definidas para distâncias focais diferentes, e você notará que todas elas parecem muito diferentes. As configurações da câmera são as mesmas em todas essas condições, a iluminação é idêntica. A iluminação não mudou, mas todas elas parecem muito diferentes. Isso ocorre por causa da distorção da distância focal. Eu pareço muito magro na versão de 18 milímetros da foto, mas quando eu mudo isso até o 50 milímetro, meu rosto é preenchido um pouco mais. Então, quando eu vou até 85, meu rosto está começando a parecer um pouco maior. Esta é a distância focal em jogo. A distorção da lente criada por essa distância focal é o que está mudando a forma de mim dentro de todas essas fotos diferentes. É muito importante que, quando você estiver tirando fotos, você entenda completamente como sua lente específica e a distância focal escolhida distorcerão o assunto. Se você quer que alguém seja um pouco mais magro , então vá para um número menor. Se você quer que alguém fique um pouco mais cheio no rosto, vá para um número alto. Normalmente, se você estiver tirando fotos de pessoas, você quer estar aproximadamente em torno da área de 50 milímetros. Porque em torno da marca 50 é um visual bastante natural. Portanto, a distância focal não só controla quão ampliadas ou ampliadas as imagens entram em cena, mas também controla a quantidade de distorção dentro do quadro. Escolha uma distância focal com a qual você esteja feliz e entenda como isso afetará sua imagem. 22. Lentes de zumbido prime de de de si de a: Agora, quando você está olhando para comprar lentes, você notará que existem dois tipos diferentes de lentes de fotografia disponíveis. Você tem uma lente de zoom e tem uma lente principal. Essencialmente, uma lente de zoom tem a opção de alterar a distância focal para que você possa obter um 18-35, um 24-105, um 35-50. Esta é apenas a faixa de distância focal disponível para essas lentes. Então você tem uma lente de distância focal fixa ou uma lente principal. Esta é apenas uma lente de 50 milímetros, uma lente de 30 milímetros e lente de 18 milímetros. Esta é apenas uma distância focal, então você não pode aumentar o zoom e não pode diminuir o zoom. De imediato, a principal diferença entre essas duas lentes é que a lente de zoom tem mais flexibilidade, a lente principal que você só tem uma distância focal. Você normalmente pensaria que a lente de zoom é o caminho a percorrer. Bem, mesmo que você tenha menos flexibilidade em uma lente principal, definitivamente há um benefício em usar uma lente principal porque, primeiro, você terá uma aparência muito consistente. Como a distância focal é fixa, nada vai mudar. A única coisa que vai mudar quando você tem uma lente principal é tudo o que você faz na câmera para que a lente não mude nada. O problema é que quando você está em uma lente de zoom está ampliando pode realmente alterar a abertura na câmera. Se você estiver definido como F2.8 em uma lente 24-105 e estiver definido para 24 na distância focal. Se você aumentar o zoom para 105, sua abertura será realmente puxada para F4. Este é o problema com algumas lentes fotográficas. Você não tem uma configuração consistente em todas as distâncias focais diferentes, o que significa que se você não for cuidadoso e não estiver prestando atenção, algumas fotos serão mais brilhantes do que outras fotos. Ter uma lente principal significa que sua abertura não mudará sem que você saiba disso. Obviamente, você ainda pode alterar a abertura, mas não será diferente entre cada quadro. Cabe a você ajustar isso manualmente. Definitivamente, há uma aparência mais consistente e uma facilidade de uso com lentes principais sobre lentes de zoom. As lentes Prime também geralmente produzem uma imagem mais agradável. A maioria dos fotógrafos e a maioria dos videografistas também se inclinariam para uma lente principal em vez de uma lente de zoom porque você obtém uma imagem melhor de uma lente principal. O problema é que as lentes primárias podem ficar caras se você tiver que comprar um conjunto. Uma lente de zoom é uma maneira muito agradável e acessível de obter todas as distâncias focais que você pode precisar. 23. Filtros: Uma das ótimas maneiras de alterar sua foto é usar filtros em sua lente. Se você olhar para a frente da lente, onde está o vidro, notará que há um fio e é por isso que você pode parafusar um filtro. Existem diferentes tipos de filtros, e todos eles se destinam a fazer coisas diferentes. Neste vídeo, vou passar por alguns dos mais populares e por que você pode querer usar um desses para o seu trabalho de fotografia. O primeiro é um filtro ND, um filtro de densidade neutra. A maneira mais fácil de descrever isso é um par de óculos escuros para a lente da câmera. Como você pode ver, este é um filtro muito escuro e isso ocorre porque este é o ND 1000. Agora, os NDs são classificados em força. Um ND2 não é tão intenso quanto um ND 1000. Quanto maior o número, mais escuro o filtro. Mas por que você gostaria de remover a luz do quadro? Por que você colocaria algo escuro na frente da lente? Como você pode ver, se eu colocar isso na frente desta lente de vídeo, você pode ver que ela é basicamente totalmente feita essa moldura preta. Bem, remover isso do quadro basicamente significa que você pode deixar mais luz entrar em suas outras configurações. Se você quisesse fazer uma foto de longa exposição durante o dia, então você queria manter seu obturador aberto por cerca de 20 segundos. Se você não tivesse um filtro ND, sua imagem iria superexpor completamente e você teria apenas uma foto branca. Mas quando você remove a luz que entra na lente da câmera, isso significa que você pode aproveitar essa abertura mais longa do obturador e, portanto, você pode obter uma foto de exposição mais longa. Essencialmente, isso é apenas remover a luz que entra no sensor da câmera para que você possa abrir o obturador por longos períodos de tempo. É apenas controlar a luz entrando na câmera. No próximo passo, temos um filtro polarizador. Este é o filtro número 2. Um filtro polarizador vai diminuir um pouco a luz, mas não é para isso que isso se destina. Um filtro polarizador aumentará a saturação em seus verdes e azuis. Se você se afastar do sol e colocar um filtro polarizador na lente da câmera, se você virá-lo, notará que o céu ficará mais ou menos azul. A mesma coisa funciona para a grama também. Se você estiver filmando um campo, e você virar isso, ele ficará mais ou menos verde, mais saturado. Se você inclinar sua câmera em direção ao sol e fizer a mesma coisa, infelizmente, você não verá muita diferença. Isso é só quando você está virado para longe do sol. Mas a beleza de um filtro polarizador também é que ele pode realmente remover reflexos da sua foto. Se você estiver tirando uma foto de um prédio e houve reflexos do céu no prédio, e você quer removê-los. Se você usar um filtro polarizador, você coloca isso, vira isso e notará que esses reflexos desaparecem. Isso é muito útil. Filtro número 3, temos uma névoa pro tiffen black. Isso é como um filtro de efeitos especiais. Agora, uma névoa profissional é essencialmente apenas isso para florescer os destaques. Se você sentir que sua foto parece um pouco nítida e um pouco clínica, então você pode simplesmente colocar um filtro de névoa tiffen pro em sua lente e isso suavizará tudo. Agora, este é um quarto preto pro névoa. Você pode obter uma metade ou você pode obter um completo. Quanto maior o número, mais intenso é o visual. Se você for até o completo, isso significa que vai parecer muito dramático e muito onírico. É um filtro muito estilizado, mas pode realmente ajudar a melhorar suas fotos. Então, por último, temos outro filtro de efeitos especiais. Este é o filtro de raia transparente cinepacks. Se você olhar atentamente para esta lente, notará que há linhas no meio da lente. O objetivo disso é mudar algumas das luzes e criar algumas faixas de luz. Mais uma vez, vamos colocar isso na frente da lente. Como você pode ver, olhando para trás lá, você está recebendo essas lindas listras na lente. Claro, isso é muito estilizado e muito particular, mas é realmente incrível ter essa opção quando você está tirando suas fotos. Então, claro também, eu não tenho um comigo aqui, mas o último filtro é provavelmente o mais básico, e esse é o filtro UV, o filtro ultravioleta. O objetivo disso é basicamente parar os raios UV danificando a lente da câmera e o sensor da câmera. Mas a maioria das pessoas usa isso como uma forma de proteger suas lentes. Você parafusa o filtro UV. Parece completamente claro. Isso não afeta suas fotos, mas está protegendo o sensor da câmera, e as pessoas gostam de usá-lo para proteger a extremidade da lente. Se você arranhar a lente, não há muita coisa que você possa fazer sobre isso. Mas se você arranhar o filtro UV, basta comprar um novo filtro e sua lente ainda estará segura. Você tem um filtro UV que protege sua lente. Você tem um filtro de densidade neutra que escurece a imagem. Você tem um filtro polarizador que remove reflexos e melhora a saturação. Então você tem um filtro de névoa profissional que floresce seus destaques. Então você tem um filtro de efeitos especiais como este filtro de raia transparente, e isso só vai manipular as luzes no quadro. Agora, é muito importante que você compre o filtro certo para sua lente. Se você olhar para a lente no final da lente, deve haver um número. Deveria dizer 77, 72, 68, em algum lugar por lá. Certifique-se de comprar o número certo. Porque se você comprar um filtro que é 77 milímetros e o diâmetro da lente for 72, eles não serão parafusados. É muito importante que você encontre o diâmetro da lente e, em seguida, combine isso com o filtro. Isso é realmente importante. Na verdade, você não pode comprar filtros parados, o que basicamente significa que você pode converter um filtro maior para trabalhar em uma lente menor. Este é um 77 milímetro e a lente que estou no momento é um 72, então eu posso comprar o filtro parado, que eu possa usar isso nesta lente. Mas o problema é que você não pode ir para o outro lado. Se a lente for muito pequena para a lente da câmera, não há nada que você possa fazer sobre isso, infelizmente. Lá vai você, os filtros são uma ótima maneira de controlar sua imagem e oferecer mais flexibilidade e opções criativas quando você está tirando suas fotos. 24. Fotografia de exposição longa a céu longo: A fotografia de longa exposição é uma técnica fotográfica usada para criar imagens bonitas. Mas o que é e como fazemos isso? Bem, a fotografia de exposição mais longa está essencialmente aproveitando um obturador aberto. Ele só vai desfocar todo o movimento dentro do quadro para criar uma bela foto. Agora, o exemplo típico de uma foto de exposição mais longa é o tráfego. Você tira uma foto do tráfego com uma longa velocidade do obturador e verá todas as luzes traseiras e os faróis desfocando nesta bela faixa de luz. Essa é uma fotografia de longa exposição no trabalho. Mas como capturamos uma foto de longa exposição? Bem, antes de tudo, você quer pegar sua câmera, certifique-se de que ela esteja no modo manual e, em seguida, puxe o obturador até um número maior. Em algum lugar em torno de 10 segundos, 20 segundos ou 30 segundos. Então você quer colocar sua câmera em um tripé. É muito importante que você faça isso, porque se você estiver segurando a câmera, todos os seus pequenos movimentos serão assados nas filmagens, e você acabará com um resultado confuso. Você vai querer colocar sua câmera em um tripé, puxar a velocidade do obturador até uma longa velocidade do obturador e, em seguida, ajustar todas as outras configurações de acordo. Agora, você deseja definir o temporizador em sua câmera por dois segundos, se puder. Essencialmente, isso significa que, quando você pressiona o obturador, leva dois segundos antes de começar a tirar a foto. A razão pela qual eu sugiro isso é porque a ação física de pressionar o botão Obturador pode adicionar agitação à foto, o que arruinará seus resultados. Defina um temporizador de dois segundos e deixe sua câmera tirar a foto. Agora, se você estiver tirando fotos de exposição mais longas durante o dia, precisará controlar a quantidade de luz que entra no sensor. É por isso que usaríamos nosso ND ou nossos filtros de densidade neutra. Coloque um filtro ND na frente da lente e, em seguida, ajuste todas as configurações que você obtém a exposição correta. No entanto, se você estiver fazendo uma foto de longa exposição à noite, quando estiver escuro e as luzes da rua estiverem acesas, você não precisará de um filtro ND a menos que esteja indo para uma velocidade de obturador muito longa. Mas, por padrão, você provavelmente não precisará do filtro ND, então você pode tirá-lo se estiver capturando sua exposição mais longa fora à noite, quando estiver escuro. É essencialmente isso. Você só precisa ter certeza de que você tem uma velocidade do obturador aberta, sua câmera está em um tripé e você tem um filtro ND se precisar controlar a luz. Essa é a sua fotografia de exposição mais longa. Agora, é realmente importante que, quando você estiver tirando fotos de longa exposição, você tenha movimento dentro do quadro. Não faz sentido tirar uma foto de exposição mais longa de uma foto em um museu de arte porque, infelizmente, nada está mudando e nada vai acontecer. Certifique-se de que você tenha movimento no quadro para ver isso. Se você estivesse tirando uma foto de um rio, as ondulações na água criarão uma foto muito boa e suave. Ou talvez você possa tirar fotos de carros em uma estrada que o tráfego lhe dará aquele borrão muito bom e você verá as luzes desfocando no quadro. Alternativamente, porém, se você estiver em um marco movimentado em um movimentado centro da cidade, então você pode realmente usar uma longa exposição para se livrar das pessoas, porque as pessoas vão se movimentar com tanta frequência. Se você definir a velocidade do obturador para 30 segundos, em 30 segundos, todas as pessoas teriam se movido e mudaria de posição. Desde que ninguém fique por muito tempo, eles devem desaparecer completamente da foto. Porque eles estão aqui um e depois passam pelo quadro e desaparecem, não é longo o suficiente para serem assados na imagem. Claro, se eles estiverem lá por 20 segundos ou 30 segundos e não estiverem se movendo, então eles estarão no quadro. Mas se eles estão apenas passando, então apenas tendo aquela longa velocidade do obturador, tendo esse efeito de longa exposição, isso realmente ajudará a se livrar deles. Se você quiser fazer como se não houvesse ninguém neste marco, se você tiver a maior velocidade do obturador e essa é uma ótima maneira de se livrar dessas pessoas, então a exposição longa é uma técnica realmente incrível que aproveita ao máximo a velocidade do obturador em sua câmera para criar alguns belos resultados de tirar o fôlego. 25. Fotografia esportiva: Quando se trata de tirar fotos de esportes ou ação, você quer se certificar de que está prestando muita atenção a duas configurações em sua câmera, velocidade do obturador e seus modos de explosão. Primeiro de tudo, velocidade do obturador, sabemos o que é isso. É por quanto tempo esse obturador fica aberto, e sabemos que quanto maior a velocidade do obturador, mais nítida será a ação. Se você estiver capturando esportes ou qualquer ação, você quer ter certeza de que tem um obturador alto, porque se você tiver um obturador inferior, verá o desfoque de movimento no quadro, e isso parece amador. Você quer ter certeza de que está em velocidades de obturador adequadas, portanto, 1/200, 1/400, 1/500, uma dessas velocidades mais altas do obturador deve fazer o truque. Se você estiver vendo desfoque em suas imagens, então você quer aumentar isso para um número ainda maior. Mas, claro, você também quer ter certeza que está prestando atenção aos seus modos de explosão. Você não quer ser configurado para disparo único, você quer ser configurado para disparo múltiplo ou disparo em vários quadros. Essencialmente, isso significa que se você estiver configurado para única filmagem ao tirar uma foto, ela tirará uma foto. Mas se você tiver isso definido para um modo de disparo múltiplo ou um modo de intermitência, isso significa que quando você pressiona o obturador para baixo, se você segurá-lo e não soltar, significa que a câmera tirará tantas fotos por segundo, pois a câmera é capaz de fazer. O número de fotos que pode levar por segundo varia, mas isso pode ser entre quatro e talvez 15 fotos por segundo. Se alguém pular no ar, se você apenas segurar esse botão com esse modo de intermitência ativado, isso significa que você obterá um certo número de fotos por segundo, para que você possa ver cada parte dessa ação é capturada. Isso significa que você não está tentando tirar uma única foto dos momentos perfeitos. Você pode apenas manter pressionado o botão do obturador e é provável que você obtenha a foto que está procurando. Então, é claro, uma vez que você tenha a foto, você pode se livrar do resto da explosão que você realmente não precisa. Ter suas câmeras configuradas em modo burst é uma ótima maneira de garantir que você não perca a foto que está procurando. Se alguém está fazendo um back-flip, você quer aquele momento perfeito quando eles estão no ar. Se alguém está chutando uma bola em um campo de futebol, você quer aquele momento em que o pé deles apenas toque a bola, e a bola está começando a viajar. Com um modo de intermitência ativado, isso é muito possível capturar. 26. Fotografia de retratos: Quando se trata de fotografia de retrato, há algumas coisas que você quer prestar muita atenção. Uma delas são as configurações da câmera e duas são a sua iluminação. Então, vamos entrar em nossas configurações da câmera. A velocidade do obturador não precisa ser muito alta, mas também não pode ser muito baixa. Se a pessoa na frente da câmera estiver fazendo algumas poses e alguns movimentos, você quer ter certeza de que não está muito baixo até o ponto em que ela possa desfocar. Então, geralmente, quando estou fazendo fotografia de retrato, ajustei a velocidade do obturador para cerca de 1/100 ou 1/150 em algum lugar nessa área. Então, se eles se moverem, não haverá nenhum desfoque de movimento, mas ainda estou deixando luz suficiente no sensor da câmera. Então a abertura pode ser o que precisa ser. Isso não importa para fotografia de retrato. Pode ser aberto ou fechado, alto ou baixo, não importa. Seu ISO também pode se ajustar para onde precisa ir. Mas, em geral, eu sempre tentaria manter isso o mais baixo possível. Mas seu balanço de branco é o que realmente vai importar aqui. Você quer ter certeza de definir seu balanço de branco para a cor da cena, porque se você definir balanço de branco automático aqui, isso significa quando você está editando todas essas fotos a partir do mesmo local, todos eles vão ter cores ligeiramente diferentes. Então, se você definir o balanço de branco para uma configuração específica, digamos luz do dia ou tungstênio 55 ou 32, isso significa que todas as suas fotos terão a mesma aparência e a mesma cor aplicada a ele. Isso é realmente importante se você estiver em um local e tirar potencialmente centenas de fotos da mesma pessoa no mesmo plano de fundo. Você não quer ter que entrar e fazer esses ajustes de ajuste fino na edição de cada foto, basta definir seu balanço de branco antes de começar a tirar as fotos. Em seguida, você quer prestar atenção à iluminação porque moldar sua iluminação aqui é realmente importante. Então, para fotografia de retrato, eu normalmente recomendaria iluminação de três pontos ou dois pontos. Eu definitivamente recomendaria ter uma fonte de luz mais suave em vez uma fonte de luz dura, porque uma fonte de luz suave pode lhe dar resultados lindos e lisonjeiros. Então, é claro, também, como fotógrafo é seu trabalho fazer com que a pessoa na frente da câmera se sinta o mais confortável possível. Então você precisa ter um diálogo aberto com eles e fazê-los se sentir confortáveis com o processo. Também vale a pena notar que você pode ter que ajustá-los e movê-los e colocá-los em posições diferentes. Apenas certifique-se de que haja uma linha aberta de comunicação entre você como fotógrafo e o modelo na tela. É muito importante aqui não ter medo de dizer a alguém para tentar uma pose diferente ou mover a cabeça de uma determinada maneira. É muito importante que você obtenha a foto certa em vez de olhar para trás e ela não parecer bem. Portanto, não tenha medo de mover alguém ou ajustar algo ou pedir que ele faça algo um pouco diferente ou tente uma pose diferente. O objetivo principal da fotografia de retrato é experimentar diferentes looks, estilos diferentes, poses diferentes, até encontrar as poucas fotos certas. Portanto, tenha esse diálogo aberto entre você e a pessoa da qual você está tirando as fotos para garantir que você obtenha os melhores resultados. Isso realmente é uma colaboração aqui, você tem que confiar neles, eles precisam confiar em você. Portanto, é muito importante que você os ouça e descubra o que precisa para obter as melhores fotos. fotografia de retrato pode ser muito divertida, especialmente se você tem alguém que seja ótimo trabalhar. Você acabou de colocar uma ótima música dentro e fora, você vai. É um processo muito divertido. Apenas um lembrete , apenas certifique-se de definir seu balanço de branco de antemão. Use iluminação complementar, então três pontos ou dois pontos e, em seguida, certifique-se de que você está tendo essa conversa aberta com a pessoa da qual você está tirando fotos. 27. Edição no Adobe Lightroom - Parte 1/2: Depois de tirar todas as suas fotos, agora você precisa importá-las para o Adobe Lightroom. Então, deixe-me passar por esse processo agora. Como você pode ver, estamos dentro do Adobe Lightroom e, para importar sua foto, primeiro você deseja entrar no canto inferior esquerdo e selecionar o botão Importar. Então você só quer navegar em seu disco rígido, sua pasta, o que quer que você tenha, você quer navegar até onde essas fotos estão. Como você verá, você receberá todas as suas fotos carregando. Agora, como você pode ver, o meu está dizendo. CR2 e isso é porque estou editando arquivos brutos neste exemplo. Agora, como você pode ver, algumas dessas fotos estão começando a acinzentar e isso ocorre porque eu as importei e exportei anteriormente do Adobe Lightroom. Se você não fez isso antes, se esta for a primeira vez que você estiver importando certas fotos para o Lightroom, todas elas aparecerão em cores. Você pode simplesmente importar todos eles ou selecionar desmarcar todos e, em seguida, você pode simplesmente passar e marcar aqueles que deseja importar. Vou importar este, então selecionarei isso e pressionarei “Importar” no canto inferior direito. Isso levaria um segundo para obter os importados. Agora, como você pode ver, se eu clicar duas vezes nesta foto, ela será girada da maneira errada. Posso girá-lo aqui assim ou, alternativamente, posso voltar para a visão principal e posso girá-lo assim. Isso geralmente é o que eu escolho porque significa que você pode destacar fotos específicas. Então, selecionarei o primeiro, mantenho pressionado Shift, seleciono o segundo e apenas girarei ao mesmo tempo. Se você tiver 300, 400, 500 fotos, basta Comandar A ou Controlar A para selecionar todas elas e, em seguida, basta girá-las da maneira correta. Você só gira todos eles de uma só vez. No momento, estamos na guia da biblioteca, mas não podemos fazer nenhuma edição aqui. Precisamos clicar duas vezes na foto e entrar em Develop no canto superior direito. Isso carregará a guia de desenvolvimento ou edição. Agora, como você pode ver, estamos dentro da guia de desenvolvimento e , à direita, temos todas essas seleções diferentes. À esquerda, você pode ver também, temos todas essas predefinições. Você pode adicionar uma predefinição se quiser. Agora eles vêm pré-instalados no Adobe Lightroom ou você pode instalar suas próprias predefinições. Você pode selecionar um que funcione para você. Gosto muito da aparência deste CN18, que parece muito legal. Mas não vou adicionar uma predefinição. Em vez disso, vou passar para a direita para essas pastas. Vou passar por esses um por um e explicar o que eles fazem e o que eu estaria fazendo ao longo do caminho. Na pasta básica, temos nossa temperatura e tonalidade básicas, então tudo isso é balanço de branco. Se você quisesse aquecer isso, empurre-o para os números mais altos. Se você quiser esfriá-lo, empurre-o para os números mais baixos. Só vou aquecer isso um pouco. Então você tem a tonalidade. Se sua câmera fotografar mais verde ou mais roxa, você pode mudar isso para a outra maneira de corrigir isso. Canon está um pouco no lado verde, então vou empurrar isso em direção aos roxos só para equilibrar isso um pouco. Então você tem sua exposição, que é o seu brilho. Só vou puxar isso um pouco. Agora você tem o contraste. Como você pode ver se eu puxar isso para cima, isso só vai tornar esses escuros mais intensos e a parte mais brilhante é mais intensa. Só vou adicionar um pouco de contraste. Então você pode ver que este céu está completamente explodido, está superexposto. Podemos ir para o controle deslizante de destaque e podemos puxar isso para restaurar esses destaques. Agora, se você tivesse uma imagem JPEG, isso não seria possível. Isso só é possível devido ao formato bruto que estou editando. Então você tem suas sombras. Esta é a parte mais escura, então eu posso puxar as sombras para cima para trazê-las também. Mas como você pode ver, se eu ficar muito alto, estamos expondo todo esse ruído e grão, então eu só puxo para cima uma certa quantia. Então temos os brancos. Isso é bastante autoexplicativo. Você pode ver as partes brancas da imagem ou as nuvens neste exemplo, então eu as puxo para baixo, puxa o brilho dessas para baixo. Ele só expõe isso muito melhor. Então você tem os negros e você pode torná-los mais intensos ou menos intensos. Então, geralmente, depois de equilibrar tudo isso, voltarei ao contraste e apenas adiciono um toque mais contrastante. Acho que está muito bonito. Se você quisesse comparar o original, por sinal, então você poderia ir até o canto inferior esquerdo aqui e pressionar YY. Digamos que isso à esquerda é o antes e isso à direita é o depois. Você pode ver que já fizemos algumas boas mudanças. Então, aqui, temos presença, para que você possa adicionar alguma texturização, que se aumentarmos, você pode ver que ela só vai intensificar esse detalhe. Mas, pessoalmente, acho que fica um pouco demais, então vou manter isso bem baixo. A clareza faz algo semelhante. Ele só intensifica esses detalhes. Então o controle deslizante Dehaze é perfeito se você estiver tirando fotos e estava um pouco fumegante ou um pouco nebuloso. Você pode simplesmente puxar o controle deslizante Dehaze e ele simplesmente restauraria alguns desses detalhes. Então você tem vibrância e saturação, que é apenas a intensidade da cor. Geralmente, gosto de manter a vibração maior do que a saturação. Eu tenho a saturação em torno de mais cinco e a vibração pode subir para cerca de 30 ou mais. Claro, isso mudará dependendo da sua foto e do seu estilo. Se você quisesse ir totalmente preto e branco, você pode simplesmente puxar esse controle deslizante de saturação todo o caminho para baixo ou você poderia puxá-lo todo o caminho para cima, mas isso parece um pouco intenso. Pessoalmente para o meu estilo, gosto de mantê-lo em algum lugar por lá. Em seguida, a próxima é a curva de tom e, se você estiver familiarizado com as curvas no Adobe Premiere ou no After Effects, isso funciona exatamente da mesma forma. Se não, vou passar por você. Você tem seu RGB1, que é o seu branco, então esses são seus canais vermelho, verde e azul. Se pudéssemos puxar o canto superior direito para a esquerda, você veria que ele aumentará o brilho nas partes brilhantes, os destaques. Então, se eu puxar a parte inferior esquerda para cima, aumentará o brilho nas sombras ou nas áreas escuras, e então o meio será seus pontos médios. Se você quiser tornar uma área mais brilhante, empurre-a para o canto superior esquerdo e, se quiser torná-la mais escura, puxe-a para o canto inferior direito. Como temos RGB, podemos ir para os canais individuais e podemos puxar o brilho para baixo ou para cima em cada canal de cor individual. Você pode ser realmente específico com sua correção de cores e sua classificação de cores aqui. Geralmente, porém, eu pulo essa parte. Sinto que faço muito mais do trabalho pesado no HSL e a cor desliza para cima em vez de nas curvas de tom. No HSL secundário, você tem saturação e luminância de matiz. Como você pode ver, posso selecionar cores específicas aqui. Vou começar com a tonalidade, que é a sua cor, e nós direcionamos o azul. Temos o céu azul aqui. Se eu puxar o controle deslizante azul para a esquerda, ele mudará a cor porque a tonalidade é a cor. Então, se você for para a saturação e nós direcionarmos esse azul novamente, você pode ver que ele aumentará ou diminuirá a saturação apenas no canal azul. Como você pode ver, estou aumentando a saturação no blues, mas o resto da imagem está parado , não está mudando. Então sua luminância é essencialmente apenas o brilho desse canal de cores, para que eu possa puxar a luminância para baixo para fazer esse céu estourar ou eu posso puxá-lo para cima para que pareça estar corretamente exposto. Mas, pessoalmente, sinto que é um pouco irritante ter que passar por essas guias diferentes, então vou até a guia de cores. Você pode selecionar sua cor e você tem matiz, saturação e luminância na mesma janela. Vamos nos concentrar neste edifício, é uma cor amarelo-alaranjada. Quero puxar isso um pouco para baixo. Eu posso ir para o controle deslizante de matiz e posso simplesmente puxar isso ao redor. Vamos fazer isso mais laranja e depois vou puxar a saturação um pouco para baixo para que não seja tão intensa. Então vamos para o azul e faremos o azul um pouco mais aqua-azul assim. Lá vamos nós. Sinto que isso está realmente começando a se unir. Em seguida, é a gradação de cores, e esses são seus destaques, tons médios e sombras. Veja seus destaques no canto inferior direito, sombras inferior esquerda e tons médios na parte superior. Você está separando todas as partes brilhantes, as partes escuras e as partes no meio. Você pode alterar a cor dessas áreas. Um destaque seria o céu aqui em cima. Se eu mudei os destaques para vermelho, você pode ver que as partes mais brilhantes da imagem ficarão vermelhas. Mas se eu empurrar as sombras para o azul aqui embaixo, você pode ver que está ficando azul, mas o céu está vermelho. Assim, você pode obter algumas gradações de cores realmente interessantes e criativas aqui usando esta guia. Novamente, geralmente evito isso ou se eu usá-lo, só estou usando um pouco apenas para inclinar uma cor de uma maneira específica. Então temos detalhes e esta é nossa nitidez digital e redução de ruído. Se eu ampliar todo o caminho em detalhes, mantenha muita atenção aos detalhes desta imagem. Se eu puxar a quantidade de nitidez para baixo para zero, você pode ver que parece um pouco suave. Mas se eu puxar isso até 100, parece muito mais nítido. O problema é que quando você adiciona muita nitidez digital, ela pode começar a parecer um pouco natural, especialmente se você puxar o raio e os detalhes para cima. Você pode ver que isso está realmente começando a não parecer ótimo. Agora, devido à compactação do upload desse arquivo para o Skillshare, talvez você não consiga ver isso corretamente. Quando você estiver no Lightroom, puxe seu controle deslizante de afiação todo o caminho para cima e veja o quão intenso isso pode ser. Geralmente, eu gosto de manter os valores em torno 20, então eu puxo o raio e o detalhe todo o caminho para baixo novamente. Isso parece muito mais natural. Então você tem sua redução de ruído. Se formos a uma parte aborrecida da imagem, e se eu apenas puxar a exposição todo o caminho, você pode ver que isso é todo o barulho. Mas se descermos para redução de ruído, você pode ver que posso puxar a luminância para cima e isso vai começar a comer fora desse barulho. Também posso ajustar os detalhes e os controles deslizantes de contraste e, em seguida, também posso entrar em cores, detalhes e suavidade e isso realmente suavizará isso. O problema é, porém, se você for muito intenso nisso, ele realmente começa a suavizar a imagem. Como você pode ver se eu puxar a exposição volta para onde ela estava, você pode ver que a imagem parece muito macia. Se você estiver aplicando redução de ruído, eu geralmente manteria isso bastante sutil para manter os números pequenos, se possível. Mas eu não preciso de nenhuma redução de ruído nisso, então vou puxar o meu todo o caminho para baixo, e então vou ajustar a exposição novamente. Vou puxar essa exposição de volta para onde estava. Em seguida, abaixo dos detalhes, temos correções de lente e isso está essencialmente corrigindo qualquer distorção em sua lente. Então, se você tivesse uma lente grande angular, uma lente olho de peixe ou se você tivesse uma lente teleobjetiva que estava distorcendo, você pode distorcer a lente para ir onde quer que ela vá. Por exemplo, se você tivesse um ângulo muito grande como este e você pode ver que seu horizonte está começando a dobrar, você pode simplesmente puxar esse controle deslizante para trás para que você acabe com uma bela linha reta como esta. Isso seria antes e isso seria depois. Claro, você também pode puxá-lo para o outro lado, mas isso é essencialmente apenas compensar distorção da lente que você obterá em suas lentes. Isto é principalmente para seus ângulos largos ou lentes do tipo peixe. Então, é claro, você pode adicionar alguns defringing, que é essencialmente apenas qualquer pequena imperfeição que a lente possa ter criado para a cor. Então, abaixo disso, nós nos transformamos. Na transformação, você pode ver que podemos ajustar o controle deslizante vertical para adicionar alguma rotação. Podemos fazer o controle deslizante horizontal para adicionar alguma rotação ou alguma inclinação ao eixo horizontal, então podemos adicionar alguma rotação. Podemos alterar a proporção disso, podemos aumentar a escala, podemos compensar o x e o y. Mas essa imagem não precisa de nada disso, então eu vou desfazer todos esses ajustes e isso parece ótimo. Em seguida, temos os efeitos e você tem sua vinheta e você tem seu grão. Se puxarmos a quantidade nas vinhetas todo o caminho para a esquerda, você pode ver que obtemos essa vinheta preta muito intensa. Mas se formos todo o caminho para a direita, obteremos a mesma intensidade, mas com o branco. Eu só vou puxar isso para o preto e você pode ver se ajustamos os pontos médios, isso vai mudar onde a vinheta se senta. Você pode ter um sutil muito bom nos cantos ou você pode torná-lo muito intenso. Então podemos mudar a redondeza para que possamos ter mais um círculo ou podemos tê-lo mais como uma bela borda. Então temos nossa emplumação, que é apenas a suavidade. Então zero será bastante intenso, 100 vai ser muito suave. Então, temos nossos destaques e, como você pode ver, ele só vai pular os cantos nesses destaques. Mas eu não sou um grande fã de ter vinheta, então vou manter isso em zero e vamos descer para grãos. Agora, o grão vai realmente adicionar grãos em vez de tirar o grão. Mesmo que você não tenha nenhum grão na imagem, se quisesse, você poderia puxar o controle deslizante de grãos para cima para poder adicionar um grão falso à imagem. Você também pode alterar o tamanho e a rugosidade disso se quiser ajustar a aparência disso. Claro, você não precisa adicionar isso, isso é completamente estilístico e é sua escolha como criativo. Mas, geralmente, gosto de manter minhas imagens o mais limpas possível, então mantenho isso em zero. Então a última configuração que temos aqui é a calibração. Isso é apenas ajustar as sombras, o primário vermelho, o primário verde e o primário azul. Essa é apenas outra maneira fazer ajustes na cor. Portanto, se uma cor parecer um pouco fora, você pode simplesmente puxar a tonalidade ou a saturação de um canal de cores específico para fazer esses ajustes ajustados. Mas geralmente, essa é uma guia que eu sempre pulo. 28. Edição no Adobe Lightroom - Parte 2/2: Então, se formos até aqui no topo, você pode ver que você tem esse ícone de corte, para que possamos realmente cortar isso. Você pode fazer esses ajustes e , em seguida, você pode ver que você tem seu ângulo aqui para poder alterar o ângulo da sua foto. Em seguida, você pode entrar na proporção e você pode realmente ajustar a proporção, para que você possa escolher personalizado, um por um, que é quadrado, quatro por cinco, ou você pode alterá-lo para um específico proporção lá. Mas quando estiver feliz com isso, você pode fechar isso e isso fará esses ajustes. Então, ao lado disso, temos esse pequeno gesso ou esse ícone de band-aid, e isso é apenas para corrigir qualquer imperfeição. Se você estivesse tentando remover um ponto do rosto de alguém, você poderia usar isso. Vamos apenas ampliar a imagem. Digamos, vamos desenhar em torno disso aqui. Isso é o que queremos remover. Agora, se eu mover esse círculo para a esquerda, você pode ver que estou copiando o que está à esquerda e estou adicionando-o à direita. Agora, posso ajustar o tamanho disso, posso ajustar a pena, posso ajustar a opacidade. Mas uma vez que estou feliz com isso, posso fechar isso e isso deve se livrar disso. Eu precisaria fazer mais um trabalho, só para misturar isso e fazer com que isso pareça muito melhor. Em seguida, temos o olho vermelho ou o corretor de olhos de estimação. Se você tem olhos vermelhos em uma de suas fotos usando flash, basta usar essa opção. Você apenas selecionaria o olho vermelho, desenharia o círculo ao redor e ele consertaria isso para você. Eles podem apenas ajustar o tamanho da pupila, o controle deslizante escurecer e fazer esses ajustes. Então a próxima opção aqui é esse círculo. Como você pode ver, essa é uma maneira de adicionar máscaras à sua imagem. Você pode selecionar o assunto, que vai encontrar alguém no quadro e ele só vai desenhar uma máscara ao redor deles. Agora, como você pode ver, ele apenas disse detectar o assunto, mas como não há um assunto no quadro, você provavelmente não os encontrará. Em vez de fazer isso, podemos descer para selecionar o céu. Como você pode ver, o Adobe Lightroom descobrirá onde está o céu. Como você pode ver, descobriu-se que este é o céu. Em seguida, você pode fazer ajustes nessa máscara específica, para que você possa alterar a tonalidade, a temperatura, exposição, o contraste, os realces , a textura, e você pode ajustar todas essas outras configurações nesse específico somente área. Então lá embaixo você pode ver que você tem a ferramenta de pincel. Em vez de confiar na IA para descobrir o que precisa ser ajustado, você pode realmente entrar e apenas pintar sobre o que você acha que precisa ser ajustado e, claro, você pode alterar o tamanho do escove indo até aqui e você pode ajustar a emplumação, o fluxo e a densidade. Depois de fazer isso, você selecionou sua área que deseja ajustar, basta entrar em vigor e alterar todas essas configurações novamente. Isso é terrível, então vamos voltar para esta área, você pode ver em seguida, temos um gradiente linear. Se selecionarmos isso, selecionamos e seguramos na parte superior e, em seguida, arrastamos para baixo. Você pode ver, você pode ter esse gradiente linear agradável viajando para baixo. Podemos entrar em nossos controles deslizantes novamente. Podemos ajustar a temperatura, os matizes, a exposição, os destaques. Como você pode ver, isso só está afetando na parte superior da imagem e, em seguida, está se emplumando à medida que a imagem avança para baixo. Se você tivesse um céu muito brilhante e não pudesse puxá-lo para baixo com sua guia de exposição, você poderia apenas adicionar esse efeito de gradientes lineares ao topo da imagem apenas para derrubar o intensidade desses destaques. Então, é claro, temos gradientes radiais. Você pode simplesmente desenhar uma máscara no sensor. Se selecionarmos gradientes radiais e desenharmos um círculo aqui, você poderá ver que ele só afetará o que está neste círculo e poderemos mover o círculo para neste círculo e poderemos mover onde quisermos. Mais uma vez, exposição, matiz , temperatura, podemos fazer todas essas configurações aqui. Mas isso só vai ser esse círculo. Você pode selecionar uma cor específica. Tenho a ferramenta conta-gotas carregada. Vou selecionar este azul no céu. Como você pode ver, ele vai descobrir o que é azul no quadro e é aqui que podemos entrar e podemos mudar a temperatura do azul, podemos ajustar as tonalidades do desfoque, podemos entrar e ajuste a exposição, o contraste, os destaques. Isso só afetará esse canal azul. Sinto que isso fez um bom trabalho disso. Fechamos isso e depois vamos para nossa última opção de mascaramento. Como eu apliquei essa máscara, como você pode ver, não consigo adicionar outra máscara por aqui. Tenho que ir até esta opção aqui e selecionar, Criar nova máscara. Agora vamos fazer o último que é uma faixa de luminância. Isso é só que, novamente, vamos pegar a ferramenta conta-gotas. Vamos selecionar uma cor e ela só precisa descobrir qual é essa intenção em termos de brilho. Você poderia ajustar a luminância. Como você pode ver, tudo vermelho será ajustado. Se eu puxar isso, você pode ver que estou isolando os edifícios e deixando o céu por conta própria. Você pode ver, novamente, se eu puxar a exposição para baixo, isso vai fazer esses ajustes. Mas eu não sou um grande fã disso, então vou excluir isso. Agora, se eu quisesse copiar essa gradação de cores e colocá-la na minha outra imagem, há duas maneiras de fazer isso. Eu poderia ir para o canto inferior esquerdo e então vamos Copiar. Posso verificar tudo se eu quisesse verificar tudo, ou eu poderia desligar o corte se a outra imagem estiver enquadrada de forma ligeiramente diferente. Selecionarei Copiar, voltar para esta visualização na biblioteca e vou apenas ir para esta imagem, entrar em Desenvolver e selecionarei Colar. Como você pode ver, essa cor agora foi adicionada. Claro, se eu quisesse, então eu poderia fazer alguns ajustes apenas para que essa cor, agora funcione perfeitamente com essa imagem. Estava um pouco escuro antes, então apenas puxar isso para cima torna isso um pouco mais agradável. Este foi o antes e este é o depois. Tudo o que eu tive que fazer foi ajustar uma das fotos e ela é ajustada para a outra. Claro, porém, se você não quisesse fazer dessa maneira, talvez digamos que você tenha 100 imagens, bem, tudo o que você teria que fazer é voltar a essa visão. Digamos que haja 100 imagens lá. Você acabou de destacar todos eles e certificar-se que os ajustes sejam executados no primeiro. Em seguida, você vai para o canto inferior direito, sincroniza configurações , sincroniza, e ele pegará todas essas configurações da primeira imagem e as colará nas outras imagens. Novamente, podemos entrar nessa segunda imagem e podemos fazer esses ajustes na exposição e temos nossa imagem perfeita agora no Lightroom. É isso para a gradação de cores e correção de cores no Lightroom, mas como exportamos isso? Bem, você pode selecionar uma única imagem ou selecionar várias imagens. Em seguida, iremos para o canto inferior esquerdo e pressionaremos Exportar. Então você pode ver que você tem exportação para pasta específica, que possamos escolher para onde isso vai ir. Vou colocar isso na minha pasta Curso de Fotografia. Em seguida, vamos rolar para baixo e você pode renomear arquivos, você pode renomear esses arquivos para algo específico. Textos personalizados podem ser Curso de Fotografia, como você pode ver, este é um exemplo Photography Course.JPEG, e você pode ter uma extensão minúscula ou maiúscula, mas eu vou manter isso como minúsculas. Em seguida, rolando para baixo aqui, você tem seu formato de arquivo. Vou exportar isso para um JPEG, garanto que a qualidade seja até 100. Se eu puxar isso para 10, será um tamanho de imagem muito pequeno, mas a qualidade não estará lá. Eu consegui até 100 e isso vai ser realmente de alta qualidade. Então tudo o resto aqui está completamente bem. Se você quisesse adicionar algumas marcas d'água e , em seguida, você poderia fazê-lo adicionando suas marcas d'água. Mas eu não vou me preocupar com isso por enquanto. Vamos apenas pressionar Exportar. Como você pode ver, o curso de fotografia A foi carregado, essas duas imagens agora foram exportadas do Adobe Lightroom. Se apenas obtivermos as informações sobre isso, porque a qualidade estava em 100, você pode ver que esta imagem é de 25,8 megabytes, então é realmente de alta qualidade, mas é um tamanho de arquivo grande. Se você quisesse um tamanho de arquivo menor , exporte para uma qualidade de 60, 70, 80. Mas lá está você, é assim que você importaria suas fotos para o Adobe Lightroom e as editaria usando todas as diferentes configurações disponíveis para você no Adobe Lightroom. 29. Outro: Lá vai você. É isso para este curso de fotografia. Neste momento, você deve estar se sentindo muito confortável em operar e capturar fotos em sua câmera SLR digital ou em sua câmera sem espelho. Meu desafio para você agora é usar todas essas técnicas que você aprendeu neste curso e tirar três fotos. Estes podem ser qualquer coisa que você gosta, podem ser uma longa exposição, eles podem ser fotografia de retrato, eles podem ser fotografia noturna, fotografia esportiva, seja lá o que for, basta tirar três fotos que você é orgulhoso e carregue esses para a seção de projetos dos alunos, e vou comentar meus pensamentos e opiniões sobre o seu trabalho. Claro, se você estiver interessado em aprender mais sobre cinema e fotografia, considere conferir um dos cursos no meu perfil. Mas muito obrigado por assistir a este curso. Eu realmente aprecio seu apoio e, espero, eu te vejo no próximo curso. Vejo você lá.