Transcrições
1. Introdução: Você já se perguntou o que faz uma imagem boa ou ruim? Poderia ser a qualidade do equipamento? Poderia ser o software de edição de fotos? Embora existam tantas coisas que poderiam afetar o resultado de suas fotos, um fator está definitivamente sob seu controle como fotógrafo,
e que é a composição. Composição é um desses componentes na fotografia que poderia realmente determinar a diferença entre uma imagem boa e uma imagem ruim. Meu nome é KC Nwakalor. Sou um fotógrafo documental baseado em Abuja, Nigéria, mas trabalho extensivamente em toda a África Ocidental. Através do meu trabalho, eu tento humanizar questões reais dentro do continente. A maioria dessas questões são questões socioeconômicas, ambientais ou de saúde. Nesta aula, vou falar várias técnicas comprovadas de composição que poderiam melhorar o resultado em suas fotografias. Você pode perguntar, o que significa realmente composição? Composição é simplesmente a colocação e arranjo ou relação de elementos dentro de sua imagem. Então, de onde você tira a foto, de que ângulo, que distância, pode afetar o resultado de suas fotos. As imagens são capturadas dentro de um quadro retangular muito limitante. Pode haver muita coisa acontecendo na cena, mas o que você captura e o que você escolhe incluir nessa cena nesse quadro é a única coisa que seus espectadores podem ver. Armado com as técnicas de composição certas, você é capaz de produzir imagens que poderiam se comunicar com seus espectadores de uma forma que é muito, muito claro para eles entenderem o que está acontecendo na foto. Lembre-se, essas regras não são moldadas em pedra. Você pode quebrá-los. Você pode quebrá-los criativamente. Mas você não pode realmente quebrar uma regra que você não conhece. Se você fizer isso, você vai sair como um fotógrafo não qualificado que está basicamente fazendo tentativa e erro. Mas com as habilidades certas, entendendo essas técnicas de composição, você pode quebrar criativamente essas regras e trazer um resultado muito interessante. Então você quer, melhores fotos,
imagens que se comunica claramente com seus espectadores? Ou provavelmente você frequentou minha outra aula e quer aprender mais sobre minhas técnicas, então esta é a aula certa para você. Mergulhe e vamos começar.
2. Visão geral do curso: Nesta aula, vou ensinar cinco técnicas comprovadas de composição que poderiam melhorar o seu trabalho. Na foto de um post de boas-vindas, o assunto principal é muito claro e aparente. Você poderia facilmente olhar para a imagem e entender o que está acontecendo. Onde é que eu devo olhar? Você provavelmente já viu fotos e está se perguntando o que está acontecendo aqui? O que eu deveria estar olhando? Qual é o assunto? O que eles estão tentando se comunicar comigo? Este é um exemplo clássico de uma composição falhada, uma composição ruim. No final desta aula, você deve ser capaz de tomar melhores decisões sobre como compor suas imagens. Para obter o melhor valor, eu realmente gostaria que você seguisse o projeto da classe. O projeto de classe é muito simples. Eu exigiria que você saísse e usasse as técnicas de composição que são discutidas
nesta classe para produzir pelo menos três imagens e enviá-las para que eu possa dar uma olhada e dar-lhe feedback. Lembre-se, a prática torna perfeita. Você não pode melhorar apenas ouvindo. Você precisa sair e atirar. Quero que te esforças. Quero que trabalhe na cena. Eu quero que você faça o que você nunca fez antes para obter o melhor resultado possível de suas fotos. Para esta aula, você também precisará de câmera. Você poderia usar um DSLR ou um smartphone. O que quer que tenha que tire imagens decentes, tudo bem. Você também precisará de um software de edição de fotos, como Lightroom ou Snapseed, no seu celular. Estou super animado para ir nessa jornada com você. Então vamos lá, vamos entrar e começar isto.
3. Escolhendo as lentes certas: A câmera e o olho podem ser muito parecidos, mas de muitas maneiras, eles são diferentes. Uma dessas maneiras é como você é capaz de mudar lentes em câmeras, especialmente em DSLRs, onde você tem lentes diferentes. Nesta aula, vamos falar sobre como cada lente processa suas imagens e como usar cada uma delas para vários tipos de fotografia. Há sempre uma decisão muito difícil a tomar. Quando eu gosto de variedade de lentes? Você tem que saber que lente você precisa para o tipo de fotografia que você faz. lentes são agrupadas amplamente em dois grupos. Isso é baseado na capacidade de zoom; que são as lentes fixas e primárias, e lentes de zoom. Lentes fixas ou primárias são lentes que não são capazes de zoom, elas basicamente têm uma lente focal. Se você quiser ampliar, você literalmente teria que se aproximar, se mover para longe da cena, para ser capaz de ampliar. As lentes de zoom, como o nome indica, são capazes de zoom e têm uma gama de lentes focais. Você veria algo como 18-55, seja o que for, mas eles são capazes de você aproximar e diminuir o zoom. lentes também são divididas com base em sua distância focal e seu uso. Isso nos leva à definição de distância focal. focal é basicamente a distância entre o meio da lente e o foco. Basicamente, geralmente é medido em milímetros. Eu tenho certeza que você provavelmente viu em sua lente de câmera, quando eles escreveram 50 milímetros, isso é basicamente a distância focal. Com base na distância focal, as lentes são agrupadas basicamente em cinco. Estas são as lentes de olho de peixe, as lentes de grande ângulo, as lentes padrão, as lentes telefoto e lentes macro. lentes Fisheye são basicamente lentes que têm uma lente focal dentro da faixa de 4-14 milímetros. Como o nome indica, as imagens que são produzidas a partir de uma lente de olho de peixe se parecem com a visão do peixe, um pouco distorcidas nas bordas, e geralmente são usadas para fotografia abstrata ou fotografia artística. Então você tem a lente grande angular. As lentes de grande ângulo têm uma lente focal de 15 milímetros a cerca de 35 milímetros. Eles são usados padrão para fotografia arquitetônica, fotografia ambiental e, às vezes, retratos ambientais. O próximo tipo de lente que temos são as lentes padrão, que é basicamente muito semelhante ao olho humano. Ele varia de 36 milímetros a cerca de 85 milímetros. Estas são as lentes típicas que os fotojornalistas usariam, fotografia documental, fotografia de
rua, retratos, porque são muito semelhantes à forma como vemos. É mais apropriado para este tipo de fotografia. Então o próximo tipo de lente são as lentes telefoto. Estas são lentes que têm uma lente focal de 85 milímetros e acima. Eles são muito pesados. Os mais longos podem ser muito pesados. Tenho certeza que você já viu pessoas no campo
de futebol ou área esportiva que usam esse tipo de lentes. É usado mais para esportes, vida selvagem, porque eles não podem realmente chegar perto da cena, ou da ação, então eles têm que montar sua câmera um pouco longe e, em seguida, ampliar. lentes macro são modificadas opticamente para ampliar objetos ou animais pequenos ou em miniatura. Eles têm uma faixa focal de 35-200 milímetros, e é freqüentemente usado em publicidade, fotografia
comercial e às vezes abstrata. lente que você usa depende muito do tipo de fotografia que você faz e do tipo de resultado que você está tentando alcançar com sua fotografia. Como na minha própria prática, eu uso principalmente lentes de grande ângulo e lentes padrão. Normalmente, quando estou em tarefas, costumo trabalhar com 28 milímetros para minhas fotos de grande ângulo porque gosto de capturar grande ângulo, mas com pessoas na foto, e 28 me dá exatamente isso. Para os meus retratos, uso 50 milímetros. O que posso usar depende totalmente do que estou fotografando. Se estou fotografando como protestos, maioria das vezes, tenho que estar muito perto da ação. Mas se por qualquer motivo, eu não puder estar perto da ação, então eu terei que usar uma lente telefoto, que eu dificilmente uso. Prefiro usar lentes primárias e gosto de me aproximar da ação. Para fotógrafos que estão começando, eu recomendo fortemente lentes primárias porque isso força você a se mover. Começando na fotografia, podemos ficar preguiçosos. Você poderia apenas querer sentar em um canto e tirar a foto, mas enquanto, você pode realmente se mover e obter melhores resultados. lentes primárias o obrigam a se mover. Ele força você se mover para a direita, para a esquerda, para chegar mais perto, mais longe. Esta atividade ajuda a preparar sua fotografia e você obter um melhor resultado. Eu recomendo fortemente lentes primárias para fotógrafos começando. Idealmente, 35 ou 50 milímetros é perfeitamente bom se você está começando a fotografia. Nesta classe, discutiremos os vários tipos de lentes com base na capacidade de zoom, que são as lentes principais e as lentes de zoom, e os vários tipos de lentes com base em sua distância focal e uso. Estas são as lentes olho de peixe, as lentes de grande ângulo, lentes
padrão, lentes telefoto e lentes macro. Tenho certeza que com o conhecimento certo, estou muito confiante de que você sabe que tipo de lente você precisa para o tipo de fotografia que você está fazendo, e o tipo de trabalho que você está tentando capturar. Preciso que você saia agora, utilize qualquer lente a que tenha acesso, e capture fotos, e me diga que diferença você vê. Quero ver você capturando imagens usando várias lentes e vendo como é o resultado, com base no que você tem acesso. Junte-se a mim na próxima aula enquanto falamos sobre como explorar a cena e o assunto antes de ter a foto perfeita. Vejo-te.
4. Explorando a cena ou assunto: Nesta lição, vamos discutir a exploração do assunto ou da cena. A maioria das pessoas que não são treinadas como fotógrafos provavelmente poderia ver algo que chama sua atenção, e eles puxam sua câmera e apontam para ela. E se eu lhe dissesse que talvez ir para a esquerda ou para a direita ou ir para a parte de trás lhe dará um melhor resultado em suas fotos? Essa é a essência de explorar a cena. Nós vamos discutir como você pode se mover e obter o melhor resultado possível de qualquer assunto que você está capturando e qualquer cena em que você está trabalhando. Quando entro numa cena, normalmente exploro a cena. Eu costumo olhar ao redor, me mover, e tentar saber qual seria o melhor ponto de vista
ou o melhor ângulo para tirar minha foto. Quando eu quero processar uma cena, eu costumo considerar três coisas. A primeira é a fonte de luz. Considero a fonte de luz porque não trabalho com luzes externas ou iluminação artificial quando estou trabalhando em minha fotografia. Eu utilizo as luzes do ambiente, a luz que está disponível na cena. Quando chego à cena, a primeira coisa que analiso é, onde vem a luz? Onde está a janela? Onde está a lâmpada? Seja qual for o lugar, tenho que colocar isso em consideração quando estou emoldurando minha foto. Uma vez que eu tenha resolvido a fonte de luz, eu já sei, eu tenho que enfrentar nesta direção, que é basicamente eu apoiando a fonte de luz porque eu quero que a luz esteja batendo no rosto ou no objeto que eu estou fotografando. Depois da fonte de luz, a próxima coisa que considero, é o fundo. Quero ter certeza de que o fundo está adicionando ao contexto das minhas fotos. Porque para mim, cada elemento do meu quadro tem que estar contribuindo de alguma forma. Tem que adicionar contexto ou valor à imagem, então preciso considerar o plano de fundo. Por exemplo, se estou tirando uma foto de um médico em um hospital, não
faz sentido fotografar a pessoa sem talvez um estetoscópio mostrando ou um calendário médico, qualquer coisa que possa dar contextos sobre quem pessoa é, que se comunica melhor para quem ele é, Eu geralmente quero incluir isso no meu fundo. Depois de descobrir a fonte de luz, começo a olhar em volta do que está lá atrás? Qual é o fundo dessa foto? Como posso enquadrá-lo para poder comunicar bem com os meus espectadores? A terceira coisa que eu olho é o espaço, porque eu sou alto, eu tenho que considerar o quão alto é o teto, que eu não levante minha mão e ele bate na minha câmera. Eu também tenho que considerar meu caminho de caminhada porque eu estive em situações em que eu vou para um canto e as pessoas começam a entrar na sala e eu não posso mais me mover. Isso é realmente terrível porque faz com que você não seja móvel como fotógrafo. Você basicamente acaba tendo a maioria de suas fotos de apenas um canto da sala. Eu realmente considero o espaço e como eu posso navegar. Já planejei, estarei neste canto e assim que acabar de tirar fotos deste canto, posso passar para a próxima esquina. Isso é basicamente você entendendo qual seria o caminho? Onde as pessoas estariam caminhando? Onde as pessoas se sentariam? Como posso me mover sem interromper estava acontecendo? Assim que resolver isto, fico feliz em começar a filmar. Quando começo a filmar, começo a explorar vários ângulos, várias posições. É sobre isso que vamos falar nas lições subsequentes. Idealmente, quando estou tirando fotos, quero tirar uma variedade de fotos. O tipo de história em que estou a trabalhar, em quem estou a fotografar, poderia determinar o tipo de imagens ou o tipo de ângulos a partir dos quais tiro. Por exemplo, fotografar de um ângulo alto, que é basicamente você olhando para baixo, poderia traduzir para os telespectadores que essa pessoa é vulnerável, essa pessoa é impotente, essa pessoa é fraca, que é basicamente você olhando para baixo,
poderia traduzir para os telespectadores que essa pessoa é vulnerável,
essa pessoa é impotente,
essa pessoa é fraca,
A pessoa está em necessidade. Isto é o que você vê mais comum em fotografia de ONG ou fotografia baseada em caridade, onde eles estão tentando arrecadar dinheiro para pessoas, para crianças, para pessoas vulneráveis e você tende a ver os fotógrafos tirando fotos de um alto posição. Ele muda a dinâmica de energia onde você sente que essa pessoa é fraca, essa pessoa é vulnerável, e essa pessoa precisa de ajuda. Outro ângulo que você pode fotografar é de um ângulo baixo, que é basicamente você olhando para cima em suas fotos. O assunto nessa foto começa a parecer ou a sentir-se poderoso, orgulhoso, confiante, forte. Você veria pessoas em posições de poder fotografadas dessa maneira. Este é pessoas como presidentes e funcionários também poderia ser fotografado. Personalidades esportivas também são fotografadas dessa maneira. Há tantos ângulos dos quais você pode tirar suas fotos, mas é importante que você entenda como ela afeta a imagem, como as pessoas processariam e entendem a imagem quando olham para ela. Simplificando, tirar de um ângulo alto se traduz em vulnerabilidade, fraca, pobre, vulnerável. Mas atirar de um ângulo baixo para cima, traduz-se em poder, força, confiança, todas essas coisas boas. Compreender o tipo de história em que estou trabalhando
definitivamente me faria saber o tipo de fotos que eu quero capturar. Você tem que entender como esses ângulos vêm para jogar e
ter certeza de que você está usando para se comunicar da maneira que você deseja se comunicar. Nesta lição, discutimos a maneira de explorar sua cena, considerando sua fonte de luz, seu plano de fundo e o espaço em que você está trabalhando para que você possa se mover. Também consideramos o impacto do disparo de um ângulo baixo, de um ângulo alto, seja lá o que for, todos eles têm consequências. Você, como fotógrafo, precisa estar ciente dessas conseqüências e como as pessoas as processam. Eu quero que você tire uma foto de alguém de uma posição alta e também tire uma foto dessa mesma pessoa de uma posição baixa e me diga como você se sente sobre cada foto. Vais ter o que quero dizer quando fizeres isso. Vejo vocês na próxima lição enquanto aprofundamos as técnicas de composição que vou discutir nesta aula. Vamos lá, vamos.
5. Regra dos terços: Nesta lição, vamos discutir uma interessante técnica composicional chamada Regra do Terceiro. Regra de terceiro baseia-se no conceito de que um quadro de imagem é basicamente dividido em nove partes A4 por duas linhas horizontais e duas linhas verticais. Basicamente, o conceito está dizendo que, em vez de colocar seu objeto no meio do quadro, você faz uma composição melhor colocando-os em qualquer uma das linhas ou seus pontos de interseção. Isso é praticamente padrão e simples. Você teria visto este mesmo jogo fora em sua apresentação de CV padrão, em notícias, onde você vê o noticiário indo para um lado do quadro. Por algumas razões, as imagens surgem melhor quando a regra do terceiro é seguida. Para algumas câmeras, existem funções ou configurações nas quais você pode colocar as linhas de grade ativas no visor ou na tela LCD. Você tem que olhar para o manual da câmera para saber como é feito. Mas é muito útil se você puder visualizar mentalmente essas linhas de grade e colocar seus assuntos nesses pontos de interseção ou dentro dessas linhas. Agora, tenho certeza que você entende como a regra do terceiro funciona e como você pode aplicá-la à sua fotografia, seguindo em frente. Quero que saia e tire uma foto de um sujeito e coloque no meio. Também tente aplicar a técnica de composição chamada regra de terceiro na imagem, e olhar para cima e me dizer qual é o resultado e qual você prefere. Embora a regra de terceiro possa ser muito simples, ela poderia finalmente melhorar o resultado de suas fotos. Aplique-o em seu trabalho e veja o resultado. Ir direto para a próxima lição e
discutiremos mais uma técnica composicional interessante.
6. Equilíbrio: Nesta lição, vamos falar sobre equilíbrio, que é uma técnica de composição muito interessante. Baseia-se no conceito de que cada elemento da sua fotografia tem um peso visual. Ao contrário dos pesos físicos que você pode ver, esse peso é visual. Um exemplo é quando você olha para uma imagem e vê que seu olho passa mais tempo em uma parte desse quadro. Isso significa que a imagem não está equilibrada. Assim, com o equilíbrio, você tem
que ter em mente que várias coisas têm maior peso visual, então você tem que espalhar o peso no quadro de tal forma que os espectadores podem olhar para todos os aspectos da imagem em vez ficando preso em um canto da foto. Os pesos visuais podem ser como resultado da luz, poderiam ser como resultado de sombras na imagem, poderia ser como resultado de tons, poderia ser como resultado de cores. Seja o que for, há tantas coisas que podem ter mais peso do que as outras na sua fotografia. Mas como fotógrafo, é seu dever entender e processar os vários pesos visuais em sua foto para poder espalhar esses pesos em um quadro, uma forma equilibrada e as pessoas podem desfrutar e ter uma experiência completa de sua imagem. Por exemplo, áreas claras têm menos peso visual do que áreas escuras. cor vermelha é muito, muito pesada como uma cor em comparação com suas contrapartes como amarelo ou verde. Então você tem que ter isso em mente porque com o peso mais visual jogado em uma parte da imagem,
as pessoas, os espectadores vão passar mais tempo olhando para aquele canto. Como tal, você está privando-os de todos os outros aspectos da sua imagem que podem ser interessantes de olhar, mas eles não o veriam porque o peso visual inclina-se para um lado. O tipo de equilíbrio que você pode experimentar em fotografias são amplamente divididos em dois, e isso é equilíbrio simétrico e equilíbrio assimétrico. equilíbrio simétrico, como o nome indica, é basicamente uma fotografia ou técnica de composição onde ambos os lados do quadro são idênticos ou muito semelhantes. Isso também é chamado de equilíbrio formal. Isso pode ser implícito ou implícito real é quando você usa sombras para criar elementos idênticos e parece semelhante. Real é quando ambos os lados são a mesma coisa. O equilíbrio assimétrico é diferente do equilíbrio
simétrico no sentido de que ambos os lados do quadro não precisam ser idênticos. Isso pode ser basicamente usando elementos diferentes, mas tem peso visual
semelhante para equilibrar aspectos de sua imagem. O exemplo clássico é quando as pessoas fotografam coisas e as colocam em
primeiro plano e usam outro elemento para equilibrá-las em segundo plano. É importante ter em mente que cada elemento sua imagem tem um peso visual específico. Toda a ação não vai para um canto da sua imagem que seus espectadores possam ter uma experiência completa de todos os elementos dentro desse quadro, vez de apenas olharem para um canto e ficarem presos nesse canto. Agora, eu acredito que você entende o que é
equilíbrio e como você pode alcançá-lo em suas fotografias. Considerando os vários tipos de equilíbrio, que é equilíbrio simétrico e equilíbrio assimétrico, como você pode alcançá-lo usando aspectos idênticos implícitos ou reais do quadro, ou equilíbrio assimétrico no sentido em que você usa objetos que têm peso visual semelhante e espalhá-lo em seu quadro. Normalmente colocando um em primeiro plano e o outro em segundo plano. Para que, no final, seus espectadores tenham uma experiência completa de sua fotografia, vez de ficarem presos em apenas um canto da foto. Então saia e tire uma foto tendo em mente os pesos visuais dos elementos em sua foto, e tente espalhá-la de uma forma que você consiga alguma forma de equilíbrio. Lembre-se, a maneira mais fácil de saber que sua foto está fora de equilíbrio é quando você acaba olhando e ficando preso em apenas um canto dessa foto. Com isso dito, pule para a próxima lição enquanto discutimos outra técnica composicional interessante.
7. Ponto de vista: Nesta lição, vamos discutir mais uma
técnica composicional que é chamada de ponto de vista. ponto de vista é basicamente tirar fotos de um ângulo que seus espectadores preferencialmente não olhariam. O que isso significa é você dá aos seus espectadores uma experiência de olhar para as coisas da perspectiva de que eles não olhariam antes. Apenas o simples fato de que isso não é o que seus espectadores estão acostumados dá a eles essa sensação. Ele automaticamente faz com que seja uma boa imagem. Por exemplo, isso é usado quando você fotografa crianças, quando você fotografa animais. Idealmente, as pessoas gostariam de tirar fotos de sua posição. Se você está tirando uma foto de um cão ou um gato, em vez de tirar uma foto desse animal de sua posição, você desce ao nível dos olhos deles para tirar a foto. Dá uma experiência totalmente nova aos seus espectadores. Porque eles estão vendo coisas que nunca viram antes. As maneiras de explorar vários pontos de vista é
descer baixo ou subir uma árvore ou subir uma escada, seja lá o que for. Mas, olhando para as coisas de um ponto de vista que você dificilmente olharia para elas, dá aos seus espectadores uma perspectiva interessante e uma sensação imersiva do que está acontecendo em sua foto. É uma experiência visual totalmente nova para os seus espectadores. Outra maneira de usar pontos de vista é explorando vários ângulos, mas também fotografando objetos verdadeiros. Você poderia literalmente atirar através de uma mesa para capturar alguém. Dá uma espreitadela no que se sente ao ficar nessa posição para olhar para essa pessoa. Talvez seja de onde o gato parece,
talvez seja de onde o cão olha. É sempre importante se você está tentando explorar o ponto de vista, olhar
para os vários ângulos que você pode tirar a foto. Bem, a única idéia por trás disso é capturar a imagem de uma forma que as pessoas dificilmente veriam essas coisas. As pessoas dificilmente perceberiam o que está acontecendo. Qualquer ângulo que você escolher para fotografar pessoas, como eu já mencionei anteriormente, você também tem que entender a dinâmica do poder. Lembre-se se você está filmando de um ângulo alto para baixo para as pessoas, eles parecem vulneráveis,
eles parecem fracos, eles parecem estar em necessidade. Você tem que ter muito cuidado com isso. Se você está atirando em pessoas de uma posição baixa para um ângulo alto, você dá a eles a sensação de que eles são fortes, eles são maiores, eles são poderosos. Você também tem que entender como ele se desenrola. Basicamente, o ponto de vista oferece aos seus espectadores uma nova experiência. Explore a cena e conheça vários pontos de vista que você pode fotografar. Nesta lição, já discutimos vários pontos de vista e como pode
utilizá-la para proporcionar aos espectadores uma experiência imersiva das suas imagens. Descendo para baixo, subindo, chegando para um lado, fotografando através de objetos, você pode explorar vários pontos de vista para
dar aos seus espectadores uma sensação interessante quando eles olham para suas fotos. Eu quero que você saia e tente vários pontos de vista. Faça o download para fotografar um animal, um lagarto, um gato, o que for. Atire a partir do nível dos olhos ou provavelmente de um ângulo baixo. Seja o que for, atire de uma forma que os seres humanos idealmente não
veriam as coisas e me digam qual é o resultado. Junte-se a mim na próxima lição enquanto discutimos outra técnica composicional interessante. Vamos lá, vamos.
8. Simplicidade: Às vezes, você só quer dar aos seus espectadores uma experiência visual interessante. Você não está tentando mudar o mundo. Você não está tentando capturar tudo o que está acontecendo. Você só quer capturar a beleza e quer que seus espectadores tenham
uma boa experiência visual. É aí que entra a simplicidade da técnica composicional. Simplicidade significa simplesmente tirar fotos de uma forma muito simples. De uma forma muito mínima, muito semelhante ao minimalismo. Basicamente, seu objetivo como fotógrafo não é comunicar o mundo inteiro. Você não está tentando mudar o mundo. Você só quer que seus espectadores tenham uma boa experiência visual. Este é o tipo de técnicas de composição que fotógrafos abstratos, fotógrafos de vida
morta e fotógrafos de arte utilizam em sua fotografia. Às vezes até fotógrafos da natureza. Eles só querem que você sinta a paz na foto. Eles só querem que você olhe para a foto e apenas aproveite. Quando a simplicidade é o objetivo na composição dessa imagem, você poderia facilmente dizer porque há menos distração acontecendo. Há menos elementos na imagem, então você simplesmente olha e aproveita a imagem. Pode ser tão simples como o barco no lago ou no rio. Pode ser tão simples como uma flor. Simplicidade consiste em proporcionar uma boa experiência visual aos seus espectadores. Tendo aprendido sobre simplicidade e como ele se
desenrola e dá aos seus espectadores uma experiência interessante, eu quero que você saia e atire e apenas capture algo de uma maneira muito simples. Não tente fazer muito. Apenas utilizando todas as técnicas de composição, mas o objetivo é basicamente mantê-lo muito simples e mínimo. Ir para a próxima lição
enquanto discutimos mais uma técnica composicional. Vamos lá, vamos.
9. Linhas: Nesta lição, vamos falar sobre outra técnica composicional interessante, linhas. Quase basicamente tudo é feito de linha. Quanto mais cedo você começar a entender e ver as coisas com base nas linhas que as compõem os melhores resultados que você pode ter em sua fotografia. Vamos falar sobre como você pode utilizar linhas em sua composição e como você pode usá-las a seu favor para fazer suas fotos se tornarem melhores e ter um resultado melhor. Linhas em fotografia são amplamente divididas em cinco categorias. Estas são as linhas verticais, as linhas horizontais,
as linhas diagonais, linhas iniciais, linhas
implícitas e uma série de outras. As linhas verticais dão uma sensação de crescimento, de confiança, de força. Quando você está tirando fotos e você pode ter seus sujeitos
inclinados para uma linha vertical ou uma parede ou uma árvore, faz com que pareça que eles são apoiados. É assim que ele se comunica com seus espectadores. Você pode utilizar isso para comunicar o que você quer em suas fotografias. As linhas horizontais dão uma sensação de estabilidade. Quando as pessoas se deitam, geralmente quase tudo o que nos deitamos ou ficamos são geralmente linhas horizontais. Dá uma sensação de estabilidade. Não parece que você possa cair. Quando você incorpora isso em suas fotos, seus espectadores podem obter essa sensação de estabilidade com a imagem. As linhas diagonais também são outras linhas interessantes porque
criam essa sensação de tensão ou energia em suas fotos. Ao contrário das linhas verticais e horizontais que são praticamente estáveis e parecem sólidas, linhas
diagonais sentem um pouco como se
houvesse tensão, há conflito, que você também pode utilizar em suas fotos. Uma coisa que você também tem que reconhecer quando você está usando linhas em suas imagens é que você tem que fazer as linhas retas, menos que seja intencional que você queira torná-lo diagonal ou onde quer que seja. Mas na maioria dos casos, você tem que se certificar de que suas linhas são retas. Se não for reto, as fotos ficam fora. Porque na vida real, as
casas são construídas de forma reta, as árvores são retas. Se você não se certificar de que você enquadra suas fotos de uma forma que você mantenha essa sensação reta de suas linhas, ele vai sair a menos que seja intencional. Outro tipo de linhas são as linhas implícitas. Estas são linhas que saem na natureza, mas não são necessariamente linhas reais. Por exemplo, as pessoas em pé em uma fila, parece uma linha. Arranha-céus alinhados nas ruas, fileiras de árvores. Essas coisas formam uma linha. Você tem que continuar observando e percebendo como essas linhas são formadas na natureza para que você possa utilizá-lo em suas fotografias. Outra maneira interessante de usar linhas é linhas de liderança. As linhas principais servem basicamente como linhas que você pode usar para levar seus espectadores ao assunto principal. Basicamente, você está emoldurando ou compondo suas imagens uma forma que seu assunto está em um caminho da linha, as linhas naturais em seu quadro onde parece a linha está levando eles a esse assunto. Como fotógrafo, ao longo dos anos treinei-me para ver falas. Quando entro em uma cena, quando quero tirar uma foto, estou observando todas as linhas e como elas se desenrolam. Eu tento utilizar isso para ser capaz de tomar a melhor decisão
possível composição-wise para as minhas fotografias. Agora, que você aprendeu sobre vários tipos de linhas e como você pode usá-lo para melhorar suas imagens; como os seres humanos processam e entendem linhas verticais, linhas horizontais, linhas diagonais, liderança, e linhas implícitas tenho certeza que você está configurado para entender e utilizar essas linhas em suas fotografias para ter um resultado melhor. Saia e tire fotos, observando como as linhas se desenrolam em seus ambientes, em seu quintal, em suas ruas. Tire fotos e utilize alguns dos conceitos que falamos aqui. Tenho certeza de que quando você está mais ciente dessas falas e como elas se desenrolam, você está no seu caminho para fazer fotos muito melhores do que você nunca fez. Obrigado.
10. Conclusão: Parabéns. Estou super entusiasmado por teres chegado à última parte desta aula. Tenho certeza que aprendeu coisas novas que podem melhorar suas fotografias. Uma breve recapitulação de todas as coisas que falamos nesta aula. Falamos sobre como escolher a lente certa. Lembre-se, se você não tomar uma boa decisão com a lente que escolher, você não terá um resultado melhor. Também falamos sobre como explorar a cena e o assunto. É muito chave que você não apenas tirar fotos de onde você está,
mas você se move e ver como a luz se desenrola, como o fundo é, como o espaço é e colocar todas essas coisas juntas para ter melhor resultados em suas fotografias. Também falamos sobre várias técnicas de composição, e tenho certeza que se você inculcar todas essas coisas que aprendeu em suas fotografias, em seu trabalho, você se tornará muito melhor do que quando me conheceu. Tem sido uma jornada muito interessante com você, e espero que a AIDS tenha valido cada segundo do seu tempo. Estou ansioso para ver o seu projeto de classe, que é basicamente você
carregando três fotos, utilizando qualquer uma das técnicas de composição que foram discutidas nesta classe, e enviá-lo porque não podemos melhorar até começar a fazer coisas. Eu gostaria de ver seu projeto de classe, enviá-lo e você receberá feedback de mim. Lembrem-se, as regras desta classe devem ser quebradas. Agora que você entende as regras e entende como elas funcionam, você pode quebrá-las criativamente, mas deixe que seja intencional. Essa é a diferença entre um fotógrafo profissional e um fotógrafo amador. Lembre-se sempre que essas regras não são lançadas em pedra, você pode quebrá-las criativamente, mas eu recomendo fortemente que você entenda as regras antes de começar a
quebrá-las para que você não saia como um fotógrafo não qualificado. Agora que você entende todas essas regras, você é livre para quebrá-las de uma forma que funciona, mas lembre-se, a essência de tirar fotos é ser capaz de se comunicar com seus espectadores. Use tudo o que você sabe sobre várias técnicas de composição que discutimos para poder trazer o melhor resultado em suas fotos e dar aos seus espectadores uma experiência única na vida. Em pouco tempo, também
lançarei uma nova aula sobre técnicas de composição avançadas. Fique atento para que possamos aprender mais técnicas de composição que possam melhorar nossa fotografia. Bem-vindo a uma nova fase em sua fotografia. Desejo-lhe o melhor até nos encontrarmos novamente. Obrigado.
KC Nwakalor, Documentary Photographer & Producer
