Transcrições
1. Introdução: O mundo da moda nunca ficou entediado de padrões florais. As tendências mudam, esquemas de cores, escalas incômodas e layouts mudam, mas as flores permanecem um motivo herói em uma parte significativa do design do padrão de superfície. Detalhe, ilustração botânica é muito popular na moda nos dias de hoje. Código de cola diferentes marcas de luxo usam ilustração floral, Gucci, Alexander McQueen, Dolce e Gabbana, e muitos mais. Meu amor por ilustrar florais, e minha paixão pela criação me levou a
quebrar a fórmula para criar belas ilustrações florais, o design padrão de superfície. Meu nome é Katya. Sou artista de aquarela e designer de padrões de superfície. Eu gostaria que você visse meus padrões de aquarela em itens de moda de diferentes marcas. Esta aula é sobre como ilustrar motivos florais para design de
superfície e sobre ilustração botânica com aquarelas. Vamos falar em detalhes como desenhar flores, como criar ilustrações adaptadas especialmente para as necessidades de design do quarto de superfície. Vou demonstrar a pintura de belos arquitetos com aquarelas passo a passo. Não aprenderemos a trabalhar no Photoshop e a criar padrões repetidos, mas vou demonstrar a vocês todo o processo de criação de um padrão floral, desde a construção de um conceito até a criação de uma repetição perfeita pronta para usar em diferentes produtos. Esta classe é uma combinação de alguma teoria útil ao lado de um monte de trabalho prático. Então, se você quer descobrir minha abordagem para criar padrões florais, ou se você quer aprender a dobrar orcas quádruplas, bem-vindo à minha aula. Se você tiver alguma
dúvida, anote-as na seção de discussão abaixo. Ficarei feliz em responder a todos vocês. Não se esqueça de me seguir no Skillshare e não perca minhas novas aulas clicando no botão Seguir. Você também pode me acompanhar no Instagram onde eu compartilho instrutores de obras e outras coisas diferentes. Vejo você no próximo vídeo.
2. Crie seu próprio padrão: Aqui está um exemplo de uma ilustração botânica tradicional de Pierre Joseph Redoute. Olha como as flores são lindas. Você pode ver que ele pintou com muita precisão, mas no caso de notas, e motivos florais, para penas da moda, você não precisa ser tão detalhado ou tão realista quanto nestas ilustrações. O objetivo das ilustrações botânicas tradicionais é que as flores devem ser informativas, e nosso objetivo é tornar as flores bonitas e sofisticadas. Você pode simplificar ligeiramente a forma, o nível de detalhes, e você pode ser um designer no sentido de que você pode escolher cores harmônicas. Os resultados finais devem ser realistas, mas não foto-realistas. Detalhes como pequenas riscas e sombras se perdem quando impressos em tecido. Seu objetivo mais importante aqui é mostrar o caráter de uma flor. Você pode fazer isso ilustrando lindamente o padrão em pétalas de flores, enfatizando seu volume, e combinando a luz nas sombras de uma maneira única, ou dando-lhe seu toque pessoal através do exercício de suas curvas principais e formas. Nesta aula, vamos ilustrar motivos florais detalhados para criar um belo padrão para roupas ou quaisquer outros itens de moda, como cachecóis, capas para
iPhone, ou qualquer coisa em que você deseja aplicá-lo. A primeira coisa que precisamos fazer é escolher uma flor que inspire você. Normalmente uso minhas próprias fotos como referências ou desenho de flores reais. Mas no caso de eu querer ou precisar ilustrar uma flor específica que não cresce na minha área, eu procuro referências em todos os livros botânicos, ou via livre para usar serviços web como Unsplash.com, onde você pode usar o imagens para fins comerciais sem pedir permissão. Mas tenha cuidado e respeite a propriedade intelectual dos outros. A fim de criar um bom fluxo e equilíbrio no meu padrão futuro, eu uso alguns pequenos truques. Normalmente para este tipo de padrão floral, eu escolho um tipo de flor, mas estou criando algumas ilustrações de diferentes modificações. Pode ser poucos ângulos da mesma flor, pode
ser diferentes estágios de seu ciclo de vida. Apenas os botões floresceram, abriram e floresceram completamente. Veja como as composições desta anêmona são interessantes. Cada um deles apresenta apenas um tipo de fenômeno, mas pintado em diferentes ângulos e os diferentes estágios de seu ciclo de vida. Outra opção é combinar grupos de flores ao lado dos únicos, como neste padrão [inaudível]. Seja criativo e ouça sua própria intuição para criar composições harmônicas. Tente enfatizar a beleza de uma flor, elegância, ondulação, belas curvas ou, como alternativa, sua simplicidade. Imagine que há um vento soprando em sua flor ou está submerso. Normalmente, eu tento evitar colocar mais de uma flor frontalmente. Na maioria dos casos, números como três, cinco ou sete em um grupo funcionarão melhor do que dois, quatro ou seis. Se eu desenhar o ramo, tento não colocar flores em dois lados simetricamente. Depois de coletar referências, crie motivos para seu padrão futuro. Desenhe três esboços de falha de sua flor favorita ou grupos de flores. Na terceira etapa, crie uma ilustração final pintando em aquarelas. Eu realmente encorajo você a compartilhar seus trabalhos
em andamento a cada passo com todos nesta classe, para que eles possam dar feedback. Eu ficaria feliz em ver suas criações e dar-lhe feedback também. Não tenha medo. Todos podem desenhar. Desenho e pintura são habilidades muito aprendidas, assim como cozinhar, ou andar de bicicleta,
qualquer um pode aprender. Então vamos começar.
3. Materiais de arte: Aqui está uma breve visão geral de um material de arte que você precisará para completar seu projeto de aula, lápis, borracha e papel regular de esboços, aquarelas. Você precisará de um conjunto básico de aquarela. Você pode usar canetas ou tubos, tudo o que você tem e o que funciona melhor para você. No meu projeto de aula, usarei quatro cores principais, quinacridona rosa, ópera rosa, azul
cobalto e amarelo limão. Escovas, ao pintar com aquarelas, use pincéis autênticos ou Kolinsky sable tipos de cabelo escovas de aquarela. Os tamanhos essenciais das escovas são, um tamanho grande, cerca de oito para cobrir com grandes áreas de água, uma escova de trabalho, tamanho quatro ou seis, este pincel é o mais importante, e um pincel para pintar os menores detalhes e veias. Para este fim, vou usar o pincel mais fino que eu tenho, tamanho 5/0. Papel aquarela. Uma escolha ideal para o nosso projeto de classe é o papel de algodão prensado a quente com alta cor branca. Geralmente está disponível em branco e branco alto, então eu aconselho a escolher papel branco alto para tornar as ilustrações mais brilhantes e saturadas. Nesta aula, usarei papel aquarela Saunders Waterford,
água, recipiente de água e toalhas de papel. Escolha um recipiente branco confortável para manter a água limpa por um tempo máximo. Toalhas de papel são muito importantes. Mantenha-os sempre perto da sua mão de pintura. Você pode encontrar alguns exemplos de materiais de arte recomendados na descrição da classe abaixo.
4. Criando um conceito: Como você já adivinhou, vou criar uma orquídea ilustrações como meu projeto de classe. Eu escolhi as orquídeas porque elas são brilhantes e bonitas. O padrão interessante em suas pétalas, eles ficarão lindos em qualquer item de moda. Finalmente porque eu tenho um incrível parque de orquídeas nas proximidades, onde eu passei muito tempo observando-os. Primeiro, eu olhei minhas referências fotográficas e escolhi três delas. Minhas ilustrações incluirão um grupo de três orquídeas totalmente abertas. Um ramo com orquídea meia aberta e um broto, e um ramo com três botões. Eu acho que essa diversidade de formas, ângulos e os estágios de seu ciclo de vida criará uma aparência sofisticada e atmosfera natural no meu padrão futuro. Além disso, eu gosto que neste grupo, todas as flores têm tamanhos diferentes e todas elas enfrentam em direções diferentes. Neste palco, começo a analisar a flor. Quando olho para minhas referências, notei que cada flor tem sua própria tonalidade. Algumas flores são mais escuras e outras são mais claras. Apesar de todos eles são flores de um tipo. Mas quando começo a pintar, costumo usar um pequeno truque de uma perda de perspectiva atmosférica em vez de copiar exatamente das minhas referências. perspectiva atmosférica diz que o colarinho e o tom
dos sujeitos perdem suas características ao ir mais fundo no espaço. Isso significa que as flores que estão mais próximas do espectador serão mais saturadas, escuras, e teremos mais contraste em comparação com as flores que estão mais distantes de nós. Você nem sempre vai vê-lo na vida real, especialmente nos objetos que estão perto de seus olhos. Mas quando você olha para paisagens, olhe longe daqui, você verá que as cores nesta cena gradualmente perderá sua situação e o mais remoto de seus objetos terá uma ótima cor, apesar de sua própria cor, poderia ser brilhante, verde saturado ou qualquer coisa. Tenha isso em mente e tente aplicar esse efeito em suas ilustrações. No próximo vídeo, falaremos sobre desenhar flores. Vejo você lá.
5. Noções básicas de desenho floral: O desenho botânico não é um processo simples, que melhoramos depois de horas de prática. Mas há uma lógica e uma sequência por trás do processo. Tudo o que vou dizer nesta aula é algo que funciona muito bem para mim, mas talvez você tenha uma maneira diferente ou melhor de desenhar flores. Criar um esboço detalhado antes de mergulhar
na ilustração final é um passo muito importante. Se o desenho não for bem sucedido, ele pode influenciar o resultado final de forma negativa. Então respire fundo, seja paciente, e vamos começar. As flores de desenho vão de geral para específico. Isso significa que começaremos de esboçar as maiores áreas e as formas básicas que formam a flor, chegando
gradualmente aos detalhes. Primeiro, você precisa estar preparado, observar cuidadosamente e analisar sua flor ou grupo de flores. Faça a si mesmo as seguintes perguntas. Quais são as principais proporções? Como a largura de uma flor está relacionada à sua altura? Qual parte está mais perto do espectador? Quantas pétalas estão em sua flor? Quantas flores estão no grupo? O que acontece na parte reprodutiva central da flor? Esta parte é muitas vezes complicada, então certifique-se de entendê-la corretamente. Quando eu não tenho certeza sobre a estrutura da parte reprodutiva, eu desenho-a separadamente para focar meu aprendizado nela. Qual é o padrão nas pétalas da flor? Se o padrão é o mesmo em cada pétala, quantas folhas existem e como elas estão presas ao caule da flor? Eles são simétricos ou não. Depois de observar a flor, tente dividir sua flor ou grupo de flores em formas geométricas
simples, como círculos, ovais, cones, sinos, triângulos e linhas. Não pense nos detalhes desta etapa. Isso será significativo quando você quiser desenhar
a flor e você não tem exatamente certeza de como fazer isso. Olhe para as formas. Encontre os ângulos que estão entre as linhas principais e formas. Observe quais formas são criadas pelo espaço negativo. É isso. Chega de teoria por enquanto. Vamos mergulhar na prática.
6. Desenho detalhado de lápis: Ao desenhar motivos, usarei um lápis regular e caneta de
borracha e uma borracha regular para remover peças grandes. Além disso, usarei esta bela pena para limpar meu vapor. Primeiro, vamos entender as orquídeas formas básicas em formado a partir de. Vejo que a flor da orquídea tem uma forma circular, que inclui duas camadas de pétalas nela. Na camada inferior, existem três pétalas que formam um triângulo com pontos afiados. Na camada superior, existem duas pétalas que formam um oval. Depois de construir uma base, criamos os contornos das pétalas. Veja a diferença entre as pétalas superior e inferior. As pétalas superiores são mais largas e maiores, e o fundo é mais estreito e afiado. Depois de termos certeza de que entendemos a estrutura da Orquídea, passamos a desenhar em um grupo e os motivos restantes, é importante calcular o tamanho certo de seus motivos. Notei que é melhor desenhar objetos um pouco maiores do que o planejado para seus produtos finais. Escalando suas ilustrações ainda mais enquanto cria um padrão irá ocultar muitas imperfeições e, em geral, fará com que suas ilustrações pareçam muito melhor. Normalmente eu desenhar motivos maiores e prefiro baixá-los mais tarde no Photoshop. A primeira ilustração será um grupo de três flores. Cada um deles enfrenta uma direção diferente. Vou isolar estas três flores para a minha primeira referência desta forma, quando olho para o nosso grupo de flores, vejo que todas as três flores que vou desenhar formam um triângulo. Marcaremos as linhas principais para criar uma área de trabalho para o desenho. Nós esboçamos nossas flores em três círculos e ovais. A orquídea superior é a maior. By the way, podemos variar artificialmente os tamanhos dos elementos para criar uma composição equilibrada que não seja chata criando um contraste entre as formas principais. Vou aumentar ligeiramente a nossa orquídea superior. Como dissemos anteriormente, há triângulos e ovais colocados dentro de cada orquídea. Consequentemente, colocamos um triângulo e um oval em cada um dos nossos três círculos. Considerando os ângulos e as modificações de perspectiva das formas, observe como as principais linhas e formas estão relacionadas entre si enquanto você desenha, por exemplo, tente relacionar visualmente o início de uma flor com o meio do outro e coisas assim. Encontramos o meio de cada flor para começar a desenhar as pétalas superiores e as partes reprodutivas das orquídeas. Relacionar sempre diferentes pontos críticos
uns com os outros e criar linhas visuais em sua mente entre eles. Desta forma, seus objetos parecerão harmoniosos e não dançarão separadamente em seu pedaço de papel. Depois de colocar os principais elementos das orquídeas, começamos a adicionar os detalhes criando contornos de pétalas, seguido de esboçar suas partes reprodutivas centrais. Ao esboçar uma parte central, novamente, divida em sua mente para separar formas e comece a desenhá-las relacionando seus pontos críticos um com o outro. Observe como o início de uma forma se relaciona com a forma que você já desenhou no sentido de posicionamento e ângulos. Eu não estou totalmente feliz com o grande pedaço de espaço
negativo entre a flor superior e a direita. Portanto, vou preencher este espaço foi uma flor de fundo adicional. Como já disse anteriormente, prefiro desenhar três ou cinco flores no grupo. Mas neste caso, a primeira flor será parcialmente escondida, quase invisível, e servirá como um grupo, como fundo. Portanto, ainda posso dizer que o grupo principal é composto por três. Na minha segunda ilustração, vou desenhar esta caixa de três. Cada uma das caixas abre de forma diferente de totalmente fechado para quase aberto, o que eu acho que vai ficar bonito em nosso padrão futuro. Na terceira ilustração, quero extrair estas duas flores inferiores deste cérebro, mas quero que a mais pequena fique virada para cima. Então, a fim de tornar a minha vida mais fácil e transformar minha referência de maneira que será confortável para mim. Continue desenhando todos os seus motivos, até se sentir satisfeito com o resultado. Você pode girar a isca, o que irá ajudá-lo a identificar coisas que você pode querer melhorar. Você pode encontrar desenhos de linha de motivos que eu criei para esta classe na descrição do projeto abaixo. Sinta-se livre para baixá-los e praticar. É isso, nesta lição com um desenho acabado, nossas ilustrações. Agora estamos prontos para começar a pintar com aquarelas. Vejo você na próxima lição.
7. Paleta de cores: A parte importante de cada pintura em aquarela é escolher o conjunto certo de cores antes da mão. Eu vou pensar sobre a paleta de cores para as orquídeas no meu caderno de esboços especial, que eu mantenho, especialmente para misturar cores. Escolhi aqui quatro aquarelas básicas que
vou misturar para encontrar todas as colunas que vejo na obra de arte. Eles são quinacridona rosa, ópera rosa, azul cobalto e amarelo limão. Além disso, posso precisar da ajuda de um pouco de vermelho. Você pode procurar suas próprias combinações de cores ou, em vez disso, usar cores prontas. Apenas confie na sua própria intuição e nos seus olhos. Para a cor primária das pétalas, estamos misturando ópera rosa e azul cobalto, que nos permitirá alcançar a bela cor rosa frio das orquídeas. Para a maioria das áreas saturadas, mas ainda iluminadas, usarei uma mistura de rosa ópera, palheta
quinacridone e cobalto. As sombras nas pétalas têm uma cor roxa profunda, para a qual vou misturar quinacridona rosa, azul cobalto e um pouco de amarelo limão, ou mesmo misturar todas as quatro cores. Eu variei ligeiramente a proporção de cada uma
das cores, a fim de alcançar diferentes tons. Com ópera rosa, será um pouco mais brilhante, cor
vermelha nas partes reprodutivas. Aqui eu preciso da ajuda de alguma cor vermelha fria e profunda. Aqui na minha paleta, há alizarina carmesim, o que eu acho que é uma ótima escolha. Vou misturar alizarina carmesim e quinacridona rosa como base e adicionar aqui um pouco de amarelo limão e cobalto. Esta será a nossa cor vermelha saturada para as partes reprodutivas. Mas também precisamos de mais um tom de vermelho. Mas um pouco mais frio e escuro para as sombras mais escuras. Para isso, vou misturar azul cobalto, rosa
quinacridona, amarelo limão e rosa ópera. Para hastes, usarei verde e cinza. Para este fim, vou misturar azul cobalto e amarelo limão. Esta combinação pode variar de cinza claro a uma cor verde amarela ensolarada dependendo das proporções de diferentes pigmentos. Finalmente, amarelo limão, que será usado para as partes reprodutivas e áreas vivas quentes na pétala. Além disso, podemos adicionar um pouco de ópera rosa para tornar o amarelo mais quente, se necessário. Todas as nossas flores nas referências têm cores ligeiramente diferentes, mas podemos conseguir todas elas usando as mesmas combinações de cores, que discutimos nesta lição. Podemos variar a leveza e a escuridão, a saturação e as proporções, que nos dará uma enorme diversidade de tons.
8. Pintura em aquarela: camadas básicas: Quando suas ilustrações estiverem prontas, troque-as por papel aquarela. Ao transferir seus desenhos para papel aquarela, mantenha as linhas de lápis tão limpas e invisíveis quanto possível, que ajudará você a evitar linhas de lápis visíveis em suas ilustrações finais em aquarela após a digitalização. Quando você trabalha com um desenho relativamente simples, que não tem pequenos detalhes, você pode traçar um contorno que é uma cor semelhante ao lápis aquarela, que irá dissolver quando você cobri-lo com água, então você não vai têm quaisquer linhas indesejadas. Vamos começar a pintar a primeira camada aplicando cor nas maiores áreas, que são as pétalas. Esta camada será uma base para construir volume e adicionar detalhes agradáveis em cima dela. Primeiro misture cores rosa potro, um rosa potro muito diluído de cobalto e ópera rosa e o segundo, roxo
mais saturado para sombras de cobalto ópera rosa e quinacridone rosa. Começamos a pintar grandes áreas na técnica molhada sobre molhada. Quando o papel é lenta e uniformemente, não se preocupe se a água flui além das fronteiras, você sempre pode consertar isso com uma toalha de papel, mas tente evitar isso. Coloque a mistura de luz em toda a área deixando a borda externa leve e aplique cores mais saturadas no copo central como área da pétala, repita esta ação para todas as pétalas restantes. Aplique a cor de acordo com o que você vê na referência, observe a flor e tente diferenciar entre as partes iluminadas e as sombras, entre o fusível quente e frio. Observe que há uma variedade completa de cores de sombras violentas
potro para luz amarela quente. Para uma pintura bem sucedida com aquarelas, você precisa ser um estrategista e sempre planejar com antecedência, pensar sobre onde você gostaria de seus brancos e luzes antes de aplicar tinta. Se você quiser aprender mais sobre técnicas
básicas de aquarela usadas na Ilustração Botânica, você pode assistir a minha aula anterior chamada Essentials of Watercolor Botanical Illustration. Depois disso, aprofundaremos a cor onde há uma área
semelhante ao copo da pétala em uma técnica molhada em molhada novamente. Use uma mistura roxa de cores para sombras de cobalto, rosa
ópera e rosa quinacridona. Fazemos o mesmo na segunda pétala também, aqui usamos uma mistura mais brilhante para as sombras adicionando mais ópera rosa a ela. Continue aprofundando as sombras em todas as pétalas restantes. Depois de terminar, aplique as mesmas ações às flores restantes. Depois que as camadas básicas do nosso grupo estiverem prontas, continuaremos pintando partes reprodutivas centrais de [inaudíveis] na próxima lição.
9. Pintura em aquarela: partes centrais: Vamos passar a pintar em partes centrais. Começo misturando quinacridona rosa, cobalto e ópera rosa em duas consistências. Mais um diluído, e um mais saturado. Apesar de todas as partes na área reprodutiva serem pequenas, ainda as
pintaremos em uma técnica molhada sobre molhada, a fim de obter resultados suaves. Lentamente e ordenadamente, molhe cada área uma por uma e aplique cor de acordo com o que você vê na referência. Aplique as cores mais saturadas nas sombras, mas certifique-se de contornar as áreas mais claras para vivê-las leves. Ignore os menores detalhes e sombras. Por enquanto, nosso objetivo é apenas criar volume principal em cada uma das pequenas partes. Como vemos em nossas referências,
as partes reprodutivas são muito mais escuras do que as pétalas,
portanto, as pintarão com a consistência mais saturada de tinta desde o início. Mantenha esta parte saturada, contrastada e nítida. Agora, eu vejo que algumas das áreas que eu pintei não são totalmente suaves. Mas vou consertar isso nas seguintes camadas. Depois de aplicar a cor amarela no meio, passo a pintar esta seção suspensa. Tenha cuidado aqui e contorne os redemoinhos no final
da seção suspensa sem deixar a tinta tocá-los onde eles devem permanecer leves. A parte inferior, tem uma cor fina brilhante que sobe e gradualmente se torna vermelha. Com a cor vermelha eu misturo quinacridona rosa e alizarina carmesim. Continue adicionando pequenas sombras e detalhes para todas as partes. Depois de sentir que você construiu o volume na parte central você pode começar a adicionar detalhes com o pincel mais fino que você tem. Observe a flor com cuidado e replicar padrões de greve e escuro. Escureça as sombras onde for necessário. Repita essas ações para todas as flores restantes. Nesta lição, pintamos partes centrais das orquídeas, e na próxima lição, adicionaremos mais sombreamento às pétalas.
10. Pintura em aquarela: sombreamento adicional: Depois de pintar partes centrais, passamos a construir volume adicional em pétalas, que tornará nossas orquídeas mais naturais e realistas. Molhamos cada pétala e aplicamos cor onde há sombras. Sempre analise e compare cores em sombras. Em algumas pétalas, será mais quente e brilhante, e em algumas partes será roxo e silenciado. Além disso, pode haver diferentes tons de sombra em uma pétala. Confie nos seus olhos. Eles irão guiá-lo como usar a cor. Depois de aplicar a tinta, suavize as bordas das áreas pintadas com uma escova limpa e deprimida. Pense sobre a finalidade neste passo. Para criar um visual mais sofisticado, criarei uma hierarquia visual em nosso grupo. A flor que está mais próxima de mim, a orquídea inferior direita, será a mais escura e mais contrastada, porque é colocada mais próxima do espectador. A orquídea superior será um pouco mais brilhante do que a parte inferior direita, e a orquídea esquerda será
a mais leve no grupo porque é colocada a mais distante de nós. Consequentemente, as sombras nas pétalas serão mais brilhantes e menos saturadas. Se você tiver alguma dúvida, anote-as nas discussões abaixo.
11. Pintura em aquarela: veias: Quando nossas orquídeas estiverem prontas, pintaremos veias em suas pétalas. É importante pintar veias entre as camadas,
porque as seguintes camadas suavizarão as veias e as tornarão mais naturais. Isso significa que não pinte veias no final, certifique-se de cobrir flores com pelo
menos mais uma camada de tinta metade transparente, ou até mesmo água. Também todas as veias não são as mesmas, algumas são cor-de-rosa e algumas são quase violetas. Este processo é bastante longo e requer paciência, mas realmente acrescenta muito à ilustração, então eu aconselharia você a não pular este passo. É importante manter a hierarquia que falamos na classe anterior, as veias na orquídea inferior direita devem ser mais
escuras e não contrastá-la do que nas outras flores, como na vida real, veremos padrão e textura melhor e com mais detalhes em um objeto mais próximo aos nossos olhos. Mantenha esta regra em suas ilustrações também.
12. Panting em aquarela: finalizando toques: Como um toque final, vamos tornar as separações entre as pétalas mais claras escurecendo as pétalas subjacentes em áreas sobrepostas. Depois disso, fazemos um contraste adicional e acentos
na orquídea inferior direita para enfatizar mais uma hierarquia tonal no grupo. Finalmente, vamos escurecer um pouco a flor da floresta subjacente. A função desta flor é fazer com que o nosso grupo se destaque e sirva de pano de fundo para ela. Portanto, com a ajuda desta flor, faremos as bordas claras das orquídeas superiores parecerem crocantes e contrastantes. É isso, nossa primeira ilustração está feita. Continue pintando os motivos restantes e carregue seus resultados para a galeria do projeto.
13. Digitalização e processamento: Agora, quando terminamos de pintar ilustrações com aquarelas, passamos para a parte digital do processo. Primeiro, precisamos digitalizar as ilustrações. É importante digitalizá-los com a maior resolução possível. Normalmente, eu digitalizo com 100-2000 dpi. Caso você não tenha usado papel quente antes, você ficará surpreso por não ver a textura do papel aquarela, o que é ótimo para imprimir [inaudível] em diferentes produtos no futuro. Após a digitalização, importo todas as ilustrações para o Photoshop. processamento de imagem consiste em duas etapas: Primeiro, exclua o plano de fundo. Há muitas maneiras de remover o plano de fundo de várias ilustrações coloridas, mas quanto mais brilhantes forem suas ilustrações, e quanto menos conteúdo entre papel e ilustração, mais tempo você gastará fazendo isso. Quando eu tentei selecionar um fundo branco com a Ferramenta Varinha Mágica, sua seleção inclui muitos pixels indesejados, que eu sou possível excluir da seleção como está. Normalmente, neste caso, eu crio uma camada de trabalho de orquídeas copiando a original. Eu faço a ilustração menos contrastada e reduzir a quantidade de branco usando as curvas também. Depois disso, quando seleciono um fundo branco com a Ferramenta Varinha Mágica, ele seleciona menos pixels indesejados do que na minha tentativa anterior. Para tornar uma seleção mais precisa e se livrar de pixels extras, onde há contornos de lápis, eu expando a seleção clicando em “Selecionar”, “Modificar”, “Expandir” e adicionar alguns pixels extras. Normalmente, esse número varia de 1-5. Desta forma, removeremos parcialmente contornos de lápis. Eu excluo o fundo e usando a Ferramenta de Laço Magnético, seleciono peças problemáticas na cópia da camada de trabalho. Eu copiei-os, camadas b e q e uní-los junto com uma camada de trabalho. Selecione as camadas necessárias e clique em “Command E” para Mac e “Control E” para PC para mesclar camadas. Agora, nossa ilustração tem bordas
irregulares e eu prefiro limpá-las com uma ferramenta de borracha, que é um processo bastante demorado. Mas definitivamente vale a pena porque
tornará as bordas da ilustração nítidas e arrumadas. Eu seleciono pixels na camada de trabalho e copio essa seleção da camada original. Agora, eu tenho minha ilustração perfeitamente limpa e separada do fundo branco. Isso me permitirá experimentar diferentes opções de fundo para o meu futuro quarto. Depois disso, ajustamos ligeiramente o brilho e o contraste para tornar as orquídeas mais parecidas com as originais. Rosa e roxo são cores pragmáticas para digitalizar. Portanto, minha ilustração perdeu sua saturação, e meus temas em roxos agora parecem cansados. Estou ajustando as cores com a Cor Seletiva 2, que é uma das minhas favoritas. Quero que os rosa brilhe e não fiquem pálidos neste caso. Repito essas ações para todos os motivos restantes.
14. Padrão de repetição: É isso. Agora estamos em nosso estágio final, criando um padrão de repetição. Pessoalmente para mim, é a parte mais divertida do projeto. Prefiro criar uma placa de arte retangular, porque desta forma, a repetição pode parecer mais interessante, especialmente se for impressa em algo grande. Eu configurei o arquivo em 7.500 pixels de largura, e 9.000 de altura, em 300 DPI. Vamos abrir todas as ilustrações e colocá-las no arquivo de padrão repetido. Eles são grandes demais para serem usados assim. Então eu diminuí o tamanho de todas as três ilustrações proporcionalmente. Agora começamos a construir uma repetição. Tente criar um bom fluxo e movimento em seu padrão. Nosso objetivo é criar uma composição equilibrada e interessante. Pense no espaço negativo. Tem a mesma importância que as ilustrações em si. Normalmente, eu configuro algumas regras para mim enquanto trabalhava em cada padrão. Eu decido se posso variar o tamanho da ilustração ou não. caso afirmativo, defino um máximo de dois ou três tamanhos para cada um dos elementos. Eu não crio 10 tamanhos diferentes da mesma ilustração em uma repetição, ele pode criar caos. Também é importante decidir se você deseja que sua ilustração se sobreponha ou não. Regras de configuração e manter a mesma aparência em toda a repetição. A parte mais importante é relaxar e se divertir. Esta é a principal razão pela qual amamos a arte e por que fazemos isso. Quando você avançar com o posicionamento das ilustrações, teste sua repetição em uma camada separada. Eu faço isso clicando em “Editar”, “Definir padrão” e preencho uma nova camada. Além disso, agora é hora de pensar sobre as opções de fundo. Experimente algumas versões diferentes. No meu caso, gosto do branco e do preto. É uma decisão difícil, mas na verdade você não tem que decidir e você pode usar ambos. Se você ainda preferir escolher um vencedor, criar algumas maquetes com diferentes opções de fundo vai realmente ajudar. No meu caso, eu quero fazer isso e estou tentando algumas opções diferentes de produtos, que na minha opinião, meu padrão vai caber. Mock-ups me ajudou a entender que eu tenho certeza de que a versão preta é a vencedora.
15. Considerações finais: Aqui está, você terminou a aula. Acredito fortemente em aprender fazendo. Portanto, eu realmente encorajo você a criar seu próprio projeto usar minhas referências ou o seu próprio. Você pode postar seu projeto em cada etapa, desde um conceito até uma pintura em aquarela para ler ou repetir. Ficarei feliz em lhe dar feedback e ajudá-lo onde quer que esteja. Aqui estão minhas três dicas finais principais para hoje, não subestime a importância de criar um esboço de detalhes de confiança antes de passar para a ilustração final. desenho pode ser desafiador, mas pode se tornar mais simples e natural após horas de prática. Acredite em mim, seu desenho deve crescer. O que é mais importante é que o desenho confiante lhe dará liberdade como artista. Se você me perguntar, qual é o fornecimento de arco mais importante na pintura em aquarela de um tipo que eu uso em minhas obras? Eu vou dizer papel de algodão colorido água. De preferência que papel de mama quando falamos sobre design de serviço. Este tipo de papel é uma ótima escolha para pintar com muitas camadas e é perfeito para digitalização, isso é definitivamente pior o investimento. Objetivos estabelecidos. Desenho e pintura não é algo com que você nasce. É algo que você pode aprender através da prática deliberada, metas
estabelecidas antes do início de cada projeto e analisar seus trabalhos depois de terminar. Talvez você não atinja todos os seus objetivos, mas definitivamente você aprenderá coisas a evitar. Defina um grande objetivo para o ano seguinte e alguns pequenos objetivos para cada uma de suas equipes cerebrais. Muito obrigado por assistir minha aula hoje. Espero que você esteja inspirado para começar a criar problemas hindus, mas eu quero chamá-lo de Equipe Cérebro. Deixe suas perguntas e comentários na seção de discussão abaixo. Se temos uma pergunta sobre o artigo ou você tem uma idéia sobre como posso melhorar meus vídeos? Além disso, não se esqueça de me acompanhar no compartilhamento de habilidades clicando no botão Seguir.
Katya Rozz, Watercolor Artist & Pattern Designer
