Fazendo storyboard para animações: como fazer ilustrações e design de movimentos bem-sucedidos

1. Introdução: Contar histórias é a base para qualquer projeto de movimento. Se você tem uma boa história, vai trazer seu conceito para a vida uma maneira muito mais interessante do que se você fosse apenas criar algo que parece bonito. Sou Sarah Beth Morgan e sou uma ilustradora e diretora de arte independente de Portland, Oregon. A aula de hoje é sobre planejamento criativo para design de movimento. Como uma pessoa criativa, você pode estar se perguntando, por que não apenas fazer o que você quer fazer? Há tantos aspectos e diferentes partes de um projeto de movimento que colocar tudo em conjunto de uma forma organizada e planejá-lo completamente é realmente útil porque você começa a ver o projeto como um todo para que o cliente e você e qualquer um da sua equipe sabem o que está acontecendo. Se você estiver preso, ele pode ajudá-lo a desbloquear sua criatividade e seu potencial, e realmente ajudará a dar vida aos seus projetos de uma forma muito mais fácil e fluida. Hoje, criaremos um novo deck de clientes por meio de brainstorming, pesquisa, humor board, esboço do storyboard, criação de um quadro de estilo e adição final polido ao deck do seu cliente. Sinta-se livre para acompanhar comigo, baixar o deck do cliente do seu lado, ou você pode usar essas técnicas de planejamento criativo em seu próprio projeto. Você deve fazer esta aula se você é um ilustrador que quer aprender um pouco mais sobre animação ou se você é um animador que quer aprender mais sobre o processo de concepção e planejamento criativo. No passado, eu realmente tive um monte de problemas conceber e criar idéias. Quando eu dependo do meu processo de planejamento criativo e conheço os passos que preciso tomar para criar meu projeto, eventualmente eu vou chegar a alguns grandes conceitos e idéias ao longo do caminho. Estou muito animada para te ensinar sobre planejamento criativo, então vamos mergulhar. 2. O poder do planejamento: Planejamento criativo pode significar uma série de coisas. Mas para os propósitos desta classe, será mais sobre planejar um projeto de movimento, mas também criar um deck para se comunicar com seus clientes. Muitas vezes, isso será chamado de tratamento criativo, que é algo que você mostrará ao seu cliente para transmitir suas idéias. Digamos que um cliente veio até você e teve um roteiro e uma idéia, mas eles não sabiam como dar vida a essas idéias. Isso é o que vamos fazer aqui é descobrir o caminho para criar esse projeto. Esta classe será benéfica para você se você for um designer de movimento, ilustrador ou animador. Mas também é realmente benéfico para qualquer tipo de criativo, mesmo se você está apenas brincando ou você é um criativo que quer criar um projeto de paixão ao lado. Este fluxo de trabalho é realmente me ajudou muito com projetos de paixão, porque projetos de paixão são alguns dos projetos mais desorganizados que eu tenho. Muitas vezes, começará com um conceito, ou uma emoção, ou um sentimento. É muito difícil transformar isso em algo tangível que eu possa planejar e transformar em um projeto de movimento real. Eu, pessoalmente, não animo muito, mas como diretor de arte e ilustrador de design de movimento, realmente ajuda a entender como a animação funciona para definir meu projeto para o sucesso mais tarde na linha. Vou mergulhar em alguns exemplos aqui para mostrar o que preciso. Este primeiro produto que vou mostrar a vocês foi um típico projeto de movimento. Isto foi para uma escola online com a qual trabalhei, e eu estava criando um conjunto de molduras de estilo para o projeto final deles. Então, com cada deck de clientes, eu realmente gosto de ter uma página de saudação que diz: “Muito obrigado por pensar em mim por esta maravilhosa oportunidade.” Eu tinha algumas idéias conceituais e pensamentos sobre visuais que incluí aqui, bem como algumas placas de humor de direção de estilo e este projeto era sobre plantas. Incluí algumas fotos reais de plantas que foram usadas como inspiração para o projeto, e este projeto foi único porque eles tinham dois roteiros. Então eu tenho que criar storyboards para ambos o que foi muito divertido, e você pode ver esses storyboards aqui. Mas então nós também vemos o quadro final que eu criei para esses storyboards. Aqui estão algumas maneiras pelas quais alguns dos alunos realmente pegaram os quadros que eu desenhei e os transformaram em animação. Então, como podem ver nesses projetos, nem tudo o que criei aqui é interpretado da mesma maneira. Ainda há uma colaboração entre o designer e o animador. Nem tudo aqui que eu planeio vai ser criado exatamente para o T do que eu desenhei. O segundo projeto que vou mostrar chama-se Cocoon, que foi um projeto de paixão de longo prazo no qual trabalhei ao lado do meu marido. Este projeto teve uma sensação emocional muito temperamental para ele, então você queria manter o tom muito escuro em geral. Então, como você pode ver aqui, muito temperamental e muito personalizado para o projeto. Então nós temos alguma referência de estilo, e às vezes o cliente vai pedir coisas muito específicas como referências de estilo de vida apenas para personagens. Então nós temos uma página aqui sobre apenas os personagens e potencialmente como eles poderiam ser, diferentes direções de estilo para isso. A peça final é algo de que nos orgulhamos. Definitivamente levou muito tempo e um monte de planejamento para criar. Então você pode ver como parte da referência de estilo, o humor, e a emoção que colocamos no início deste projeto, realmente levou até o fim na animação final. Como você pode ver olhando para esses exemplos, nem todos os tratamentos de convés ou clientes serão os mesmos. Mas todos eles têm aqueles ossos nuos como esqueleto que mantém tudo junto, e é sobre isso que vamos falar aqui é como você pode ser flexível com seu planejamento criativo, mas você sempre volta para esses dicas e técnicas para fazer seus projetos. Então, o primeiro passo deste processo é brainstorming. Vamos dar uma olhada em um deck de clientes e vamos dizer para esse breve. Veja o que eles querem para seu projeto, e comece a pensar sobre como podemos criar conceitos diferentes para essa ideia, através de mapeamento mental, puxando referências, e procurando pistas no resumo do cliente para ver o que o cliente está realmente procurando para. Nesse ponto, já teremos traçado um caminho para um projeto. Eu tenho uma idéia na minha cabeça de como eu quero que isso pareça, eu tenho minhas referências de imagem, eu tenho meus conceitos, e agora é hora de realmente começar a entrar em story-boarding. No processo de apresentação de histórias, vou dividir o script em várias partes e começar a ilustrar e apenas criar esboços de miniaturas realmente ásperos para cada linha do script. Muitas vezes, se eu estiver realmente animado com um projeto, mesmo que eu tenha várias direções conceituais ou de estilo, eu gostaria de criar um quadro de estilo para mostrar ao cliente. Um quadro de estilo é essencialmente apenas um pouco de uma amostra de como meu projeto final poderia ser parecido. Então isso mostrará ao cliente o humor e a sensação do projeto, e potencialmente como seus personagens poderiam parecer, ou qual será a direção do estilo. A fase final será depois que eu já tiver toda a minha direção visual, o meu quadro de estilo, os meus storyboards, depois de eu estar confiante com essas coisas, eu só quero voltar ao tratamento do meu cliente e adicionar alguns toques finais. Se esta é uma descrição de como eu quero que a animação se mova, ou uma página de agradecimento no final, ou um pequeno apelo à ação, e emoção sobre como o projeto pode acabar. Então vamos abrir um deck de clientes de um cliente chamado Flutua-Micffoat, e a partir daí, eu vou realmente orientá-lo por todas essas etapas que acabamos de discutir, e trazer um novo cliente humano à vida para este cliente. Então você pode acompanhar o que eu estou fazendo aqui e baixar o mesmo resumo do cliente, e trabalhar em sua própria versão deste projeto. Ou você pode aplicar as técnicas que eu vou te ensinar aqui para o seu próprio cliente breve ou projeto de paixão. Então vamos começar com o primeiro passo, brainstorming. 3. Iniciando seu projeto: Então, para esta primeira etapa do projeto, nós realmente precisamos nos concentrar no cliente. Como quem é o cliente? O que é que eles querem? O que estamos fazendo para eles? Precisamos descobrir tudo isso antes de nos aprofundarmos demais no planejamento. Este resumo aqui que estou prestes a mostrar é a situação ideal de descrição do orçamento da linha do tempo, mas você pode nem sempre entender isso. Você pode apenas nos dar um pequeno inquérito de um cliente ou você pode ter uma idéia que você é apaixonado por que você quer trazer à vida. A chave real disso é pegar o que você tem e desembalá-lo, e dividi-lo, e transformá-lo em algo que você pode realmente começar a planejar. Então, enquanto eu estou olhando através deste resumo, eu realmente vou ficar de olho para fora para obter informações sobre a linha e o orçamento e a direção conceitual que o cliente quer ir. Eu também vou estar pensando sobre como eles realmente criaram este resumo. Como este breve parece divertido e emocionante? Isso é algo que eles querem incluir em sua animação? Ou é um pouco mais polido, seco e limpo? Então, eu só vou te guiar pelo brie agora. O cliente é chamado fluxo de microfone flutuante e que delinear aqui em sua primeira página que eles querem fazer um comercial mais floaties personalizados. Então eu vou continuar e ler isso porque vai me ajudar a decifrar o que eles estão dizendo. Eu realmente gosto de ler tudo em voz alta porque isso significa que eu não sinto falta de nada. Se eu estou realmente dizendo isso em voz alta, então eu estou me certificando de que eu estou pegando todos os elementos-chave de seu roteiro e de sua descrição. Então, se eu estiver olhando para esta primeira página do resumo aqui, eu vou apenas sublinhar algumas coisas que se destacaram para mim. Este primeiro parágrafo é muito bom porque a resma realmente útil para descrever visualmente o que eles querem ver e sentir em sua peça. Falar de diversão nostálgica no verão significa algo para mim. Isso meio que me lembra da minha infância crescendo, e eles realmente querem se concentrar na piscina da comunidade em pessoas jogando na piscina juntos e usando suas flutuações personalizadas nesse cenário, e parece que é mais sobre o sentimento e a magia de tudo isso em vez de apenas focar apenas em quão legal seus carros alegóricos personalizados são. O segundo parágrafo é um pouco mais logístico e eles se concentram mais em quanto tempo ele precisa ser. Alguns deles através de publicidade animada de 30 segundos para mostrar as flutuações aleatórias de piscina personalizadas. Então, quando eles me dizem “alcance “, isso significa que eles querem mostrar um monte de flutuações diferentes na piscina. Então eu vou começar a me divertir lá brincando com diferentes estilos de flutuações, e ela também estar focando em sua marca que é partes iguais peculiares e memoráveis, e eles também mencionaram que eles são novos para este meio, que é bom saber, porque isso significa que eles podem não saber muito sobre animação, então eu posso precisar guiá-los através desse processo um pouco. Talvez eu precise ser um pouco mais claro com meus storyboards, e talvez precise ter um parágrafo no meu deck que diga aqui como o processo de animação vai funcionar. Eles também mencionaram brevemente que estão animados com algumas transições divertidas e cenas surreais, e nesta página aqui sobre o script e suas informações sobre sua linha do tempo, eles basicamente dizem que outras linhas de tempo realmente flexíveis e Eles não estão muito preocupados com o orçamento, o que é bastante insano honestamente. Bastante incrível. Este é um projeto de sonho que basicamente significa para mim que eu poderia ter uma equipe maior, eu poderia ter meus designers selecionados e animadores nele porque eu tenho mais gama de opções lá, eu posso trabalhar com pessoas com quem eu estou animado para trabalhar. Eles também sabem algumas vezes que eles não têm medo de ficar estranhos. Então eu realmente vou manter isso em mente enquanto eu estou trabalhando aqui em minhas transições e meus storyboards. Eles também me deram algumas idéias para o que os carros alegóricos poderiam parecer possivelmente um charuto para o vovô e uma onda gigante de 100 carros alegóricos. Então eles estão abertos a mostrar seus carros alegóricos de maneiras diferentes, o que também é realmente ótimo. Para esta página com suas referências de imagem, isso é realmente útil ter. Eu realmente amo quando um cliente sincronizar suas referências de imagem porque isso significa que eu posso realmente ver você qual é o meu ponto de partida e eu posso ver como eles são abertos para as coisas, e esta página é realmente incrível porque eles mostram um pouco de personagem porque eu definitivamente vou ter que ter alguns personagens aqui. Se estou exibindo carros alegóricos, vou precisar mostrar às pessoas que as estão usando. É também sobre memórias e nostalgia. Então eu também preciso me concentrar nas pessoas que estão vivendo essas memórias. Eu amo esses personagens que eles colocam aqui porque eles são apenas muito bobos patetas e brincalhão e isso me deixa animado para brincar com estilos diferentes para isso, e então na segunda imagem, eles dizem que estão abertos a formas e cores ousadas. Então é algo com que eu possa brincar. Eles não forneceram uma paleta de cores que às vezes um cliente fornecerá uma paleta de cores da marca. Mas aqui como eles não forneceram isso, eu posso usar dicas deste quadro de referência de imagem para criar minha própria paleta de cores. Então, nesta última imagem aqui, eles estão abertos a ficar estranhos. Eu também posso dizer no geral que olhando para todas essas ilustrações juntos, estes são todos estilos bastante diferentes. Então isso significa que eu tenho alguma flexibilidade na minha direção de estilo que eu posso ir, e você nem sempre vai conseguir um resumo perfeito de um cliente como eu tenho aqui. Isto é bastante ideal. Muitas vezes você só receberá um e-mail com uma pergunta e você pode precisar realmente pedir mais informações, e se eles não tiverem essa informação ou não souberem o que querem, você sempre pode acessar o site deles ou podem verificar os projetos que eles fizeram no passado para ver se há mais informações sobre o que eles estão interessados. Muitas vezes, se um cliente não me der algo, eu vou ao seu site e vejo que eles têm uma animação de um projeto antigo e que isso me dá uma idéia do que eles estavam abertos. Se é algo que eles publicaram on-line isso significa que é algo com que eles estão confortáveis e espero que eu possa empurrar isso e jogar com isso um pouco mais em minha própria animação. Então, depois de passar e decifrar o breve destacado, algumas coisas que eu acho interessantes e que eu posso manter em mente enquanto trabalho. Eu também gosto de entrar no Photoshop e realmente resumir tudo em minhas próprias palavras. Para mim, isso é muito bom porque mantém tudo em um documento. Também se torna uma breve visão geral que eu posso olhar enquanto estou criando meus storyboards e minhas ilustrações mais adiante. Este é um lugar onde eu possa anotar coisas que estou pensando. Talvez o cliente tenha um objetivo diferente e eles realmente querem brincar com um tipo diferente de animação, então vou manter isso em mente aqui. Ou podem ser objetivos pessoais como talvez eu queira usar este projeto para experimentar um novo estilo que eu estive pensando. Então eu tento manter tudo isso consolidado em um só lugar para que eu possa fazer referência mais tarde. Depois de resumir tudo com minhas próprias palavras, gosto de manter essa mesma doca aberta e criar uma nova camada onde começarei a escrever um mapa mental. 4. Criando seu conceito: Meu mapa é basicamente como um lugar seguro onde eu posso escrever qualquer idéia que eu quiser, conectá-los visualmente só para que eu possa planejar onde eu vou em seguida. Então eu costumo começar com o nome do cliente no centro do quadro, e então começar a escrever o que eu realmente sei sobre o projeto. Isso não precisa parecer bonito, pode ser tão bagunçado quanto você quiser. Então eu sei que eles querem mostrar seus produtos, que são flutuadores de piscina, modo que será um chamado para fora. Outra chamada pode ser sobre o roteiro e o que eu decifrei do roteiro. Uma terceira chamada pode ser sobre a essência da marca e o humor que eles querem retratar. Então outro poderia ser sobre os diferentes momentos que eu quero ver acontecendo na piscina. Parece que eles realmente querem se concentrar nesses momentos memoráveis peculiares divertidos que você teve quando criança na piscina, e eu quero torná-los únicos e se destacar. Então eu quero me concentrar no que eles poderiam estar aqui. Talvez seja sobre bronzear na piscina quando você é adolescente, ou ter uma briga de galinhas com seus amigos na piscina quando você era pequeno, ou fazer as mãos. Então vou escrever tudo isso aqui para ter uma ideia melhor do que poderiam ser. Então aqui eu tenho a marca e o roteiro, e os diferentes estilos visuais com os quais eu poderia jogar. Uma vez que eu tenha esses conceitos principais, então eu posso começar a ramificar em partes menores do mapa mental. Sempre que eu tenho uma idéia de algo que pode funcionar lá, eu apenas anoto que, não tem que ser uma boa idéia, mas eu sempre posso voltar a ele mais tarde e usá-lo no meu projeto. Então eu realmente queria focar primeiro em seu produto, e eu queria mostrar que eles podem ter uma variedade de flutuações de piscina personalizadas diferentes. Então eu pensei um pouco sobre o que isso poderia ser. Eu estava pensando sobre as formas legais que poderiam tocar nisso. Então talvez uma pizza flutuante seria legal, ou até mesmo um unicórnio poderia ser interessante para brincar. Apenas diferentes formas e tamanhos e cores de flutuações que posso incluir no meu storyboard. Então, como eu estava dizendo antes, nós queremos nos concentrar nesses momentos divertidos na piscina. Incluí alguns desses aqui. Talvez brinquemos com o salva-vidas e de alguma forma ele está envolvido, ou nadar sincronizado pode ser muito legal, e isso pode ser uma maneira muito divertida de brincar com simetria na minha peça. Essa pode ser uma maneira muito legal de fazer uma transição. Então vamos manter isso em mente enquanto estamos trabalhando. Então, tanto quanto a essência da marca slash humor vai, eu sei que eles estão abertos para ser úmero, e brincalhão, e peculiar, de modo que vai realmente jogar no meu estilo também. Então eu estou apenas passando e circulando todas essas coisas que eu acho que podem ser essenciais para o meu projeto para que eu possa ver o que eu destaquei mais tarde e incorporá-los no meu storyboard. Finalmente, eu dividi o roteiro em diferentes partes que eu achei interessantes para jogar. Então o aniversário do vovô, o que eu poderia usar lá? Bem, eles mencionaram charutos, então eu fiz uma pequena chamada por isso. Talvez façamos algo com Oreos porque meu avô amava Oreos, talvez algo que o faça parecer um pouco mais humano. Então, para o encontro de cachorrinhos, o que podemos fazer lá? Talvez todos os filhotes estejam em carros alegóricos, ou todos eles estão perseguindo um esquilo, ou algo assim, apenas tentando pensar em momentos divertidos que podem realmente trazer isso à vida. Que também mostram seus carros alegóricos ao mesmo tempo. Agora que você viu como eu fiz isso, é sua vez de fazer a mesma coisa. Pegue seu próprio resumo de cliente, ou até mesmo o mesmo fluxo flutuante make breve e comece a interpretá-lo à sua maneira. Você não precisa fazer exatamente da mesma maneira que eu fiz, apenas o que funciona melhor para você, mas apenas começar a desempacotar todas as informações para uso mais tarde. Então agora que passamos e fizemos todo esse mapeamento mental, e decifrando o resumo do cliente, vamos pegar essa informação e usá-la para pesquisar algumas pistas visuais. 5. Colhendo referências: Agora que fizemos nosso mapa mental, e deciframos um pouco o resumo do cliente, vou começar a extrair algumas referências de imagens visuais da Internet. Eu sempre gostei muito de fornecer ao cliente um quadro de humor, porque ele dá a eles uma idéia do que eu estou pensando visualmente para o seu projeto. Isso vai me ajudar a endireitar o projeto mais para como eu quero que ele pareça e o que eu sou capaz de fazer, e também vai dar-lhes imagens para apontar e ser como, eu não gosto disso, ou eu faço isso, ou isso funciona para o meu projeto ou minha marca e isso não acontece, então abre a conversa entre o cliente e eu para começar a concordar com um estilo visual. Então, se olharmos para trás para o resumo do cliente aqui, podemos ver que eles forneceram algumas referências. Enquanto eu estou olhando para isso, eu noto que existem dois estilos diferentes emergindo aqui que eu acho que seria muito divertido para levar este projeto em. O primeiro estilo que vejo é mais deste sentimento orgânico artesanal. Ele tem esses personagens peculiares que estão usando formas menos geométricas ou mais desenhados à mão. Eu posso dizer que eles usaram algumas técnicas diferentes desenhadas à mão para isso. Mas, à direita, é um pouco mais ousado e geométrico. Vou levar isto para diferentes direções de estilo. Eu vou ter um estilo que é um pouco mais orgânico e handmade sentimento, e eu vou ter um segundo estilo que é mais geométrico, gráfico e ousado. Eu realmente gosto de dar ao cliente mais de uma opção. Eu gostaria de dar-lhes pelo menos duas a três direções de estilo, porque isso realmente lhes dá escolhas diferentes com as quais eles podem jogar. Eu também gosto muito de ter duas direções de estilo, porque isso mostra que estou considerando e gastando um pouco de tempo extra para desenvolver essas idéias para eles. Então, agora que eu tenho essas duas idéias na minha cabeça, eu vou começar a procurar referências para realmente aprimorar em como esses estilos se parecem. Então, para todos os meus projetos, eu realmente gosto de organizar completamente tudo no meu Finder apenas para que eu tenha tudo planejado para mim. Como você pode ver aqui à esquerda, eu tenho uma seção para brainstorming, para o deck do cliente e design. Agora, vamos nos concentrar na seção Mood Board. Bem aqui, você pode ver que eu dividi esta seção Mood em três partes. Temos movimento, estilo A que é o estilo ousado que eu estava falando, e estilo de B que é o estilo mais artesanal. Então eu já navegou pelo Pinterest aqui, e eu puxei um monte de referências. Para o estilo A, estas são todas as coisas que se destacaram para mim, como eu estava navegando no Pinterest, ou se eles relacionados com o assunto do projeto. Então, como se fosse piscina ou flutuante ou até mesmo relacionado à água, e eles mostram maneiras interessantes de como eu poderia manipular minha imagem com água, talvez, ou eles apenas têm um estilo interessante. Então podemos ver que este aqui. Este é apenas um personagem muito divertido. Talvez algumas manipulações interessantes acontecendo com as formas geométricas. Algumas cores realmente ousadas, e muitas delas que eu tenho aqui implicam movimento que me dá uma idéia de como minha equipe vai animar as coisas, e nem todas essas imagens têm que se relacionar com o assunto. Eles podem ser completamente não relacionados. Muitas vezes, vou manter algumas referências de imagem separadas de mim para referenciar e não mostrar ao cliente. Por exemplo, esta imagem aqui é uma imagem do rosto de um cara sendo atingido por uma tigela de macarrão. Eu realmente não acho que isso vai ajudar meu assunto ou projeto de alguma forma, mas eu realmente amo o trabalho de linha. Adoro as cores ousadas. Eu gosto da composição e como você pode sentir o movimento implícito nele, mas pode não ser necessariamente algo que eu mostro para o cliente. Para a segunda direção de estilo, eu puxei muito mais referências de imagem feitas à mão, muito mais referências de sentimento orgânico ilustrativo que tinham muita textura. Então este primeiro aqui, eu amo a composição ousada. Eu amo ver os personagens de uma maneira diferente, e este que vemos um close up da camisa e alguns detalhes lá, e talvez isso é algo que eu possa jogar com em minha própria animação. Eu pensei que esta referência de imagem era muito legal porque eles usam muito espaço negativo, e ele joga mais com linhas de trabalho e preenchimentos. Além disso, eu posso dizer que eles criaram textura literalmente colorindo em algumas dessas formas vez de apenas preenchê-los com a ferramenta de preenchimento no Photoshop. Às vezes, eu realmente gosto de puxar GIFs também para meus clientes, porque isso mostra a eles como algo pode ser animado. Ele só dá vida ao seu deck se você pode incluir algumas imagens em movimento também. Especialmente para este cliente, eu queria puxar um monte de referências de movimento, porque eles mencionaram que há um pouco novo na indústria de animação, então pode ser um pouco mais difícil para eles imaginar como o produto final vai se parecer. Então, para mim, o melhor lugar para encontrar referências de animação é geralmente começar com o Vimeo, então eu navego no Vimeo. Muitas vezes, vou procurar estúdios de animação que eu sei que gosto do seu trabalho, ou se eu encontrei um estúdio de animação ou um animador no Instagram ou nas redes sociais, eu vou olhar onde eles trabalham, encontrá-los no Vimeo, e então apenas começar navegar nesses vídeos a partir daí. O Vimeo também é muito bom em sugerir conteúdo extra para você. Então, se você encontrar um vídeo que você realmente gosta, pode ser muito fácil encontrar o outro que é semelhante. Então eu realmente amo este Camp 2018 títulos, porque nós vemos alguns personagens realmente finos e brincalhões, realmente como peculiar, eo movimento é muito steppy, que é legal para este projeto porque ele se sente um pouco mais artesanal. Eu também realmente amo este Goldi Launch Film porque nós temos que estilo de fábrica mais ousado, mas também apenas um sentimento geral muito brincalhão e pateta para ele. Também é uma maneira totalmente diferente de usar personagens. Como vimos nos títulos do Camp 2018, eles pareciam muito mais desenhados à mão. Mas o que este filme Goldi Launch aqui, eu posso dizer que eles poderiam ter sido animados e efeitos secundários. Então também depende da minha equipe, como se eu tivesse um animador do After Effects e não um animador de celular. Talvez isso seja algo que eu consideraria mais detalhadamente, bem, enviá-lo para o cliente. Este vídeo de Atos Aleatórios de Bondade é um exemplo realmente incrível de como podemos usar texturas orgânicas e movimentos orgânicos para criar uma peça realmente legal. A grande coisa sobre este, é que eu vejo que eles têm um monte de cortes e cortes de correspondência que poderiam ser interessantes para incorporar em meus storyboards, porque isso pode significar que eu gasto menos tempo criando essas transições e na verdade gastam mais tempo desenvolvendo meus quadros e desenvolvendo mais ações de personagens em vez de transições. Nesta peça final que eu puxei é uma panela vertical muito legal, sensação de vibração muito verão. Eu acho que pode ser realmente interessante para mostrar ao cliente, porque ele tem uma sensação vetorial para ele também. Agora que eu mostrei um pouco aqui sobre estrutura de pastas e procurando por suas próprias referências de imagem, vá em frente e faça isso por conta própria para seu próprio projeto. Você pode usar os recursos que quiser, se você tem um site de inspiração favorito, ou você quer ir a um museu perto de você, ou você mesmo queria apenas navegar Pinterest como eu fiz aqui. O objetivo aqui é realmente puxar um monte de referências de imagem, tanto quanto você puder, e começar a dividi-las e criar dois estilos visuais distintos. Em seguida, vamos realmente começar a colocar isso juntos em um quadro Mood. 6. Fazendo o moodboard das direções do seu estilo: Então, temos um monte de referências agora. Precisamos começar a consolidá-los e curá-los para mostrá-los ao cliente. Isso é realmente importante porque ajuda você e seu cliente a se alinharem em uma voz criativa. Então, a fim de criar esses quadros de humor, eu preciso me fazer algumas perguntas enquanto eu estou olhando através de minhas referências. O cliente trabalhou em algo assim no passado e o estilo vai assustá-los visualmente? Ou eles estão animados e abertos a empurrar limites criativos? Talvez o estilo e as renderizações de personagens que você tem em suas referências de humor sejam realmente como você quer que seu projeto pareça, ou isso pode apenas criar um clima geral ou sentimento para o seu projeto. Talvez você só queira mostrar esse humor onde como um todo para o cliente para que eles possam ver como tudo vai se encaixar mais tarde. Ao longo dos anos, usei vários programas diferentes para criar meus decks para meus clientes. Eu realmente tenho vindo a amar Apresentações Google e Google Apresentações é realmente incrível porque é algo que eu posso editar em tempo real. Então, se eu enviar algo para o cliente e eu perceber que eu fiz um erro de digitação ou eu queria adicionar outra referência de humor, então eu posso facilmente ir e mudar isso muito rápido antes que eles vejam. Mas, às vezes, se o cliente me enviou um PDF para começar, eu posso dizer que eles realmente gostam de PDFs, então eu vou realmente exportar meu modelo do Google Slides como um PDF, eu posso baixá-lo e enviá-lo por e-mail para eles dessa maneira. Aqui está o modelo que montei. Este é um esboço bastante áspero de um projeto de movimento básico, mas eu costumo começar com meu logotipo aqui e então eu vou escrever o nome do cliente e na segunda página eu costumo ter uma página de introdução como, “Ei, muito obrigado por pensar de mim para esta oportunidade maravilhosa”, e tipo de resumir o que eu vou mostrar a eles na pilha. Então, a partir daí, vou para meus Conceitos Visuais e é aqui que vou manter os meus quadros de humor. Eu normalmente vou nomear cada conceito, apenas dar-lhe um pequeno nome para que o cliente possa falar sobre isso facilmente, não é apenas conceito A e conceito B, dá-lhe um pouco mais de personalização, e depois disso eu vou escrever uma pequena descrição sobre isso e, em seguida, incluir as referências de humor na próxima página. Este modelo está disponível para download nos recursos da classe. Então aqui é onde eu realmente descobrir quais imagens eu vou colocar no meu quadro. Eu geralmente não gosto de adicionar muitas imagens, se eu tivesse como 10 imagens nesta página seria realmente ficar um pouco esmagador, pode haver muitos detalhes e informações e pode não destacar as coisas da maneira que queremos. Então eu vou começar a percorrer a minha referência de estilo arrojado A e adicionar imagens lá. Normalmente, eu vou começar a cair em alguns que falam comigo enquanto eu estou trabalhando, então como este eu amo o estilo de personagem e me lembra alguns desses personagens que eles tinham em seu deck, e todos esses são ótimos, mas eu estou tentando para variar um pouco as coisas. Então eu não quero adicionar muitos caracteres porque eu não quero que ele seja apenas sobre os personagens, eu preciso que ele seja sobre o estilo também. Eu acho que este é muito legal porque ele realmente me dá aquela sensação de vintage e nostalgia, mas também é muito gráfico ao mesmo tempo. Este só tem um estilo muito legal e eu realmente gosto dessas referências porque ele mostra como eu poderia jogar com os efeitos da água na minha animação, mas ainda usando um estilo u vetor ousado. Então agora eu vou começar a organizá-los e tentar encaixá-los na página, algo para parecer compositivamente som para que não haja muita escuridão de um lado ou muito peso do outro. Eu tento manter minha composição aqui um pouco equilibrada para o quadro de humor. Esta imagem inferior bem aqui no canto inferior esquerdo, como você pode ver eu realmente cortei porque ele realmente não se encaixava muito na página, mas eu não queria sobrecarregar a página com esta imagem porque se eu usar a imagem inteira seria apenas ocupar todo o lado esquerdo da página e eu queria incluir mais do que apenas quatro imagens. Então, para o segundo conceito, eu fui em frente e apenas adicionei em algumas referências que eu já tinha e eu os curei um pouco. Aqui você pode ver que eu realmente adicionado em que GIF animado que eu realmente gostei. Eu amei como me senti tipo de passo B e orgânico e como se fosse feito à mão e alguém realmente estilo animado ele, modo que foi muito legal para incluir, tipo de dá ao cliente uma idéia de como um personagem poderia ser animado. Eu também realmente amei como a maioria dessas cores se sentiu muito nostálgico. Nós temos alguns tons muito quentes tipo de lavar toda esta palete aqui. Temos diferentes execuções de estilos, então temos alguns trabalhos de linha aqui. Também temos momentos em que as formas são preenchidas à mão. Então eu tentei mantê-lo realmente equilibrado e adicionei um grande pedaço de vermelho à esquerda e um grande pedaço de vermelho à direita para que ele não parecia que há muito em um lado da página. Eu também tentei manter as referências de imagem variadas para que eu pudesse ver como eu poderia tomar este estilo artesanal em um par de direções diferentes, mas sim, no geral eu não queria sobrecarregá-los com muitas opções porque o estilo pode ficar bastante detalhado. Então eu mantive para cerca de seis imagens aqui. Uma vez que eu tenha esses dois quadros de humor feito e eu possa realmente olhar para todas as minhas imagens juntos, dispostos juntos, eu quero voltar e realmente apenas nomeá-los. Eu não costumo pensar muito sobre esses nomes, eu só quero que eles sejam algo único que o cliente possa apontar para que eles não precisem ser nada louco, é mais apenas para os propósitos do baralho. Então eu nomeei este um Go Audaciosamente porque ele apenas resume toda a direção do estilo. Se você olhar para essas imagens aqui tudo que eu posso pensar são variáveis formas grandes blocos, cores ousadas, então eu acho que Go Ousamente é um nome muito apropriado para este. Então, para a segunda direção estilo eu acho que pode ser bom chamá-lo Made by Hand porque ele se sente muito tocado pela mão humana. Vemos muitos elementos práticos aqui e isso será realmente memorável quando o cliente estiver apontando para ele. Algo que eu também realmente gosto de fazer às vezes apenas como um pequeno bônus para o cliente é adicionar algumas paletas de cores em, e isso não é desnecessário, mas como este cliente realmente não me fornecer uma paleta de cores que eu quero dar-lhes um par de opções, e eu acho que isso vai realmente adicionar à personalização do meu deck. Para este primeiro conceito, o conceito Go Audaciosamente, eu queria brincar com essas cores muito ousadas e eu realmente amei a interação deste vermelho e azul aqui e eu pensei que eles ficavam muito bem juntos. Eles têm valores ligeiramente diferentes, há um aspecto quente e legal para eles. Então, como regra geral, eu realmente gosto de incluir uma sugestão quente e uma tonalidade legal em minhas paletas. Eu também gosto de incluir neutros, então como um preto ou um cinza escuro ou alguma outra cor escura que eu possa usar para sombras e seguida, eu também incluir um branco ou uma cor clara que é comparável ao branco aqui, e então para este eu acabei de adicionar um par de cores extras em porque eu pensei que todas essas cores gráficas realmente ousadas funcionou bem com esta paleta. Como eles queriam que ele se sentisse nostálgico eu também queria trazê-lo de volta para a Terra com um pouco mais de cor orgânica quente aqui com esta laranja. Então eu uso a mesma base que a paleta de cores para o conceito B, mas eu mudei as cores um pouco para combinar com o que eu tinha no quadro de humor aqui. Às vezes eu realmente vou para o meu quadro de humor e escolha de cor, mas eu nem sempre gosto de fazer isso porque eu não quero chegar muito perto de uma referência, então eu costumo ir para o Photoshop e ajustar essas cores um pouco, mas como você pode ver aqui esta paleta Made by Hand é apenas um pouco mais quente sensação. Tem mais daquela sensação vintage porque é tão quente em geral. Assim, ao criar uma paleta de cores e incluir uma paleta de cores em seu deck de tratamento é totalmente opcional. É bom ter esse passo extra porque uma vez que você começa a avançar com o projeto, se o cliente realmente gostou da paleta de cores, você já fez um pouco de trabalho antes do tempo, ou também dá coisas ao seu cliente eles podem apontar e dizer que eles não gostam ou eles gostam e isso realmente vai ajudá-lo a começar criar a direção de estilo específico para o seu projeto. Vá em frente e comece a colocar seus quadros de humor juntos em um deck, apenas divirta-se com ele e decida quais referências de imagem funcionam melhor para o seu projeto. Então, em seguida, vamos levar esses estilos para o próximo nível e começar a incorporá-los em um storyboard. 7. Storyboard: planejando a narrativa: Então aqui estamos nós em fase de storyboarding. Esta é uma das partes mais estressantes, mas excitantes e essenciais de um projeto de movimento. Então, em um nível básico, um storyboard é basicamente os ossos ou esqueleto de seu projeto de animação. Ele vai mostrar-lhe o mapa ou o caminho para chegar ao seu produto final. Ele mostrará o que você precisa para projetar, mas também mostrará aos animadores como as coisas vão se mover. Ele configura você para criar transições legais e também emparelha o script do cliente junto com seus visuais. Então storyboarding pode ser bastante estressante porque você está pensando em tudo o que você já inventou e é muita informação para pegar e montar e, em seguida, criar algo novo. Mas também é realmente emocionante porque é onde você vê tudo se juntar e você começa a ver um projeto de animação real se formando fora do seu storyboard. Então eu realmente gosto de storyboard e alguns passos. Começo importando o script para o meu modelo de storyboard e, a partir daí, começarei a pensar nas ações. Então eu poderia escrever e anotar algumas notas do que eu quero realmente acontecer nos quadros. Então, a partir daí, eu vou criar alguns esboços super, super ásperos até o ponto em que eles provavelmente parecem ruins. Então, quando eu finalmente conseguir para aqueles o lugar que eu gosto deles, eu vou entrar e refiná-los para o cliente. Então, quando eu estava começando no meu trabalho no mundo de gráficos de movimento, eu realmente não tinha certeza de como storyboard para animação. Eu sabia um pouco sobre gráficos de movimento da escola, mas eu realmente não sabia como as transições funcionam e eu era mais um ilustrador do que um animador. Muitas vezes, eu iria a alguém da equipe de animação e perguntava se o que eu estava criando para o meu storyboard era viável com a linha do tempo e o orçamento. Então, se você não conseguir encontrar um animador, tente encontrar animações comparáveis online para lhe dar uma idéia do que você deve estar fazendo com seu projeto. Se você estiver apertado na linha do tempo ou no orçamento, talvez queira experimentar algumas opções de atalho, como usar cortes ou cortes de correspondência, em vez de transições loucas fluidas. Você pode considerar não usar nenhum personagem porque animação de personagem leva muito tempo e cuidado extra. Além disso, apenas manter seus projetos, no geral, muito simples, incluindo menos fundos para animar, será muito útil se você tiver um cronograma apertado ou orçamento. Quando estou criando uma ilustração editorial, preciso pensar em encapsular um humor ou um sentimento em uma imagem. Mas aqui para a animação, precisamos pensar mais sobre como capturamos um humor ou um sentimento ao longo de uma peça inteira. Você não quer ficar muito apegado a nada aqui, porque se alguém mudar com base no feedback do cliente, você pode ter que mudar todos eles. Uma vez que você se acostumar com esse processo, ele é realmente libertador porque você pode ser muito duro com seu storyboard e estar aberto a mudanças e criar novas e emocionantes composições. Então eu realmente tenho um modelo de storyboard que eu uso com frequência e acabei de criar isso do zero no Photoshop. Mas isso é essencialmente apenas um monte de retângulos 16 por nove formato de vídeo retângulos, que eu incluí em um documento do Photoshop aqui. Na verdade, são apenas números e lugares para adicionar no script. Então, agora, eu tenho esse modelo de storyboard que tem cerca de 24 quadros de comprimento. Eu poderia estender se eu quisesse, eu poderia copiar esses retângulos para torná-lo um pouco mais longo, se eu tiver uma animação muito longa. Mas para este projeto agora, eu só vou começar a adicionar as linhas VO e começar a separá-las pelo que eu acho que poderia ser como uma ação. Então, por exemplo, se eu olhar para o roteiro aqui e eu vejo a primeira linha, não importa qual a ocasião, Floaty McFloat te protegerá. Então isso poderia realmente ser uma linha ou duas linhas. Talvez “Não importa qual seja a ocasião” seja uma linha e “Floaty McFloat te proteja” seja uma segunda linha. Só quero começar a sentir o fluxo e o ritmo do projeto aqui quando estou adicionando essas linhas VO ao meu storyboard. Então, para trazer essas linhas para o Photoshop, eu estou indo para a captura de tela ou copiar e colar meu script aqui, que eu possa referenciá-lo enquanto estou adicionando essas linhas. Então este roteiro foi bastante natural para quebrar as linhas. Cada linha era seus próprios pensamentos separados. Então mantive a primeira linha “Não importa qual seja a ocasião”, “Floaty McFloat te apoia” como um pensamento, porque parece que tudo pode funcionar em um só quadro aqui. Então o aniversário do vovô, o adorável cachorrinho, encontro, vingança, todos parecem que eles poderiam levar a diferentes visuais e momentos diferentes. Então eu mantive tudo separado e podemos descobrir algumas maneiras legais de fazer a transição entre eles. Então a grande coisa sobre este modelo do Word história é que eu posso realmente ir e cortá-lo para o tamanho do meu projeto. Então eu não preciso de todos esses quadros extras. Eu posso simplesmente cortá-lo no Photoshop para o tamanho que eu preciso para que eu possa importá-lo mais facilmente para o meu deck no Google Apresentações. Agora, vou começar a escrever algumas ideias que tenho para este projeto. Isto pode mudar à medida que estou a trabalhar, mas é óptimo ter este pequeno esboço antes de começar a desenhar. Digamos que na primeira sala estamos abrindo em uma piscina comunitária. Vou escrever isso aqui, mas então também vou escrever sobre como vamos fazer a transição para o próximo quadro. Estou pensando em como estou trazendo minha chance, talvez esse primeiro tiro seja um tiro médio. Estou pensando em termos de filmes aqui às vezes como tiro médio, ou close up, ou wide shot. Então eu também vou apontar para o que será a transição. Então isso vai ser um corte de fósforo? Haverá alguma transição maluca de morphing? É aqui que estou começando a pensar em como as coisas vão se mover. Então, para fazer isso, eu vou criar um novo grupo no meu documento do Photoshop, apenas para que eu tenha todos os meus esboços juntos em uma camada diferente. Às vezes, eu vou dividi-los em porções diferentes também, então talvez você tenha quadro um, quadro dois. Isto é apenas para mim como referência. Acho que seria muito legal nessa primeira foto abrir na parte de trás de uma criança. Talvez ele seja o nosso personagem principal. Talvez tenhamos um herói. Talvez ele esteja olhando para toda a ação que está acontecendo na piscina. Então isso pode ser super áspero e não precisa parecer bonito, porque ninguém vai ver isso e pode ser apenas uma base de uma idéia. Nem precisa ser tão minucioso. O que escrevi aqui é aberto na parte de trás de um garoto, virado para a piscina, usando um tubo flutuante, ele salta para dentro. Então talvez apenas pensando um pouco mais adiante sobre transições aqui. Talvez haja algum respingo que nos leve para o próximo quadro. Talvez eu escreva “splash “entre esses quadros. Tudo bem se isso não é o que realmente acontece mais tarde, mas é bom ter esse pensamento lá, pensar sobre a moção. Então, na próxima linha, o aniversário do vovô, uma coisa certa. Talvez sigamos o garoto enquanto ele mergulha na piscina e talvez ele esteja flutuando embaixo do vovô. Ele está desfrutando de um charuto e uísque em seu carro flutuante. Então talvez ele deslize por ele. É bom às vezes usar verbos visuais aqui para dar a si mesmo e ao animador uma ideia de como essa ação será movida. Então, como vocês podem ver aqui, estou escrevendo a descrição do que realmente vamos ver, como o quadro visual do que vamos ver. Mas também estou adicionando algumas dicas para animação. Vemos que as crianças usando um tubo flutuando, mas então ele também salta na água, e tem um pouco de respingo, e então ele desliza sob o charuto do vovô. Vamos sentir essa ação quando eu estiver escrevendo aqui, e essa não será necessariamente a ação que mostraremos ao cliente. Mas isso me dará uma idéia de como ilustrar meu quadro e como configurar minha composição. Então agora, eu acabei de configurá-lo com os visuais que vão acontecer em cada quadro, mas eu não falei sobre como vamos chegar a cada quadro. Então aqui, eu vou indicar o que cada tiro deve ser. Então talvez este primeiro tiro seja médio. Nós só vemos o garoto dos joelhos para cima, talvez, e ele está olhando para a piscina. Então, para o segundo quadro, eu poderia escrever uma pequena nota sobre como vamos estar debaixo de água. Então talvez este seja um tiro mais largo e vemos alguma distorção da água. Para ficar entre esses dois tiros, acho que seria interessante brincar com uma transição de água mais fluida. Entre estes dois quadros aqui, eu só vou desenhar uma pequena flecha e uma transição de água direita. Talvez quando a criança salta para dentro da água, a água salpicar e assumir o quadro e então percebemos que já estamos no próximo quadro. Uma vez que vemos o vovô e vemos o garoto flutuando sob ele, talvez nós realmente cortamos nosso personagem emergindo da água e ele está cercado por um bando de filhotes adoráveis, e eles estão todos flutuando em pequenos carros alegóricos. Vai ser super fofo. Então talvez nós apenas cortamos lá para salvar o animador um pouco de tempo. Não queremos ter transições loucas para todo o lugar, porque vai ficar um pouco avassalador. As transições são incríveis, mas também podem ocupar muitas vezes. Então queremos passar por este script dentro de 30 segundos. Queremos ter certeza de que estamos mantendo as coisas em movimento. Este vai ser apenas um corte. Então talvez este seja outro tiro mais amplo onde vemos toda a cena com todos os filhotes. No próximo tiro, eu estava pensando, que poderíamos ter alguém jogando uma bola, então todos os cães se distraem e seguem a bola. Seguimos os cães até ao próximo quadro. Então, há mais de um pan de câmera acontecendo aqui. Talvez seja menos um corte e vamos para o outro lado da piscina. Isso é tudo algo que devemos ter em mente enquanto estamos trabalhando porque se tivermos algo como uma câmera panorâmica, vamos realmente precisar construir nossa foto muito longa em vez de apenas quadros individuais, porque isso tornará mais fácil para o animador quando eles precisarem criar alguma paralaxe mais tarde ou precisarmos ver mais alguns elementos entre os quadros. Nós nos dirigimos para a mãe que está descansando em uma leitura flutuante de abacaxi, e as crianças nadam por ela e atiram nela com armas de água. Então esse é o momento embaraçoso para a mamãe. Então, para o quadro cinco aqui, eu estava realmente pensando em mudar a composição um pouco. Nesses quadros anteriores, vemos muitos tiros de largura média onde vemos os lados de tudo e eu estava pensando, seria interessante para o quadro cinco jogar mais com uma visão de minhoca. Talvez vejamos a mãe no abacaxi ou mesmo como um flutuador da concha e a vemos por baixo. Então nós realmente temos aquela bela vista do flutuante. Bem, então também podemos ver as crianças entrando e esguichando a mãe com uma pistola de água. Então, mesmo que eu já tenha feito isso aqui, e tudo esteja indo bem, eu só quero saber que enquanto eu estava fazendo isso, eu realmente voltei e olhei meu mapa mental e toda aquela pesquisa inicial que eu fiz. Eu escolhi os elementos que eu estava animado e os incorporei no meu storyboard aqui. Nem sempre se vai juntar tão facilmente. É preciso muita tentativa e erro. Não é fácil o tempo todo começar a anotar as coisas e dizer: “Tudo bem, é ótimo. Muitas vezes eu vou ter que voltar e apagar coisas, e eu sou como, esta transição definitivamente não vai funcionar aqui ou mesmo passar deste estágio. Às vezes, escrevo as coisas e elas soam ótimas, e então começarei a esboçar, e isso vai desmoronar completamente. Então eu preciso repensar algumas coisas e isso é totalmente normal, e isso é parte do processo de brainstorming e planejamento criativo. 8. Storyboard: esboçando a ação: Então agora que eu já tenho minhas idéias para baixo, eu descobri minha narrativa, eu quero realmente ver se isso funciona. Eu não tenho certeza se o que eu escrevi aqui realmente vai criar algo que parece legal. Então eu vou entrar e realmente apenas fazer super, super ásperas miniaturas básicas. Aqui é onde pode ficar super bagunçado, e eu posso manipular coisas e apagar coisas. Isto é realmente apenas para prova de conceito aqui. Então normalmente, eu vou desligar essa folha de ideias e eu posso mantê-la lá apenas para referência de volta quando eu quiser. Mas vou começar ilustrando esta parte de trás de uma criança, de frente para a piscina, usando o tubo flutuante. Bem aqui, eu não estou realmente pensando muito sobre design de personagens ainda. Eu realmente estou apenas focando na composição e como as coisas serão colocadas para fora. Talvez eu ilustre o cara muito pequeno e você não pode ver o flutuante dele. Então eu tenho que mudar isso à medida que eu vou. Aqui é onde eu posso começar a pensar em alguma perspectiva, talvez nós vejamos que o personagem é plano e perspectiva, mas nós temos algumas coisas legais, como um ponto acontecendo no fundo. Talvez vejamos mais do que está acontecendo na piscina, como as cadeiras. Obviamente, podemos passar e adicionar um monte de detalhes mais tarde. Isto é só para ver como tudo é emoldurado. Se eu olhar para trás para a minha folha de ideias aqui e tudo o que escrevi para isso, eu menciono transições e eu quero implicar essas transições no meu storyboard. Mas eu não quero ilustrar completamente essas transições porque eu quero deixar algumas coisas abertas para o animador, e talvez eles tenham uma perspectiva diferente sobre isso. Talvez eles queiram fazer algo louco ou que eu nem pensei porque meu cérebro nem sempre funciona assim. Os animadores definitivamente têm uma maneira diferente de pensar e podem trazer uma nova vida para o projeto mais tarde. Então aqui, já que não estou explicitamente desenhando a transição, estou apenas mostrando como podemos chegar ao próximo quadro ilustrando a natação do personagem. Se eu olhar para trás na minha folha de ideias novamente, mencionei um tiro mais largo distorcido pela água e essa distorção é algo que podemos acrescentar mais tarde no design. Mas talvez possamos mostrar o fundo do charuto dos avós flutuando porque é disso que eles estão falando nesta linha. Neste ponto do processo, eu realmente não preciso me preocupar com tudo sendo separado em camadas separadas porque não é como se alguém fosse animar esses storyboards. Então eu terminei meus esboços aqui e eu só quero anotar algumas coisas. Das minhas idéias ásperas originais que eu tinha escrito para os esboços de miniaturas ásperas reais, um par de coisas mudaram, nomeadamente no quadro 5 quando vemos a mãe lendo em seu abacaxi flutuante, eu realmente mudei que a uma concha flutuante porque eu só acho que tem uma silhueta melhor na ilustração. Eu acho que vai ser muito mais bonito para brincar, e realmente vai realmente levar bem para os cisnes no próximo quadro porque eles têm um monte dessas curvas orgânicas. Então, a próxima fase seria pegar essas miniaturas ásperas e torná-las prontas para o cliente. Quero que sejam mais digeríveis. Quero que o cliente veja melhor a composição. Mas eu também quero renunciar a eles que as composições podem ser alteradas através do design e que podemos aplicar esses dois estilos conceituais diferentes a eles. Então isso é sobre o nível de refinamento que eu mostraria a um cliente. Não quero ser extremamente detalhado. Mas às vezes vou começar a me divertir com a composição aqui. Então, se há um quadro que eu estou ficando muito animado, eu realmente gosto quando eu estou fazendo no quadro 3. Eu poderia passar um pouco de tempo extra lá para fazer a composição parecer legal. Você também pode ver aqui que eu não estava super feliz com quadro 4 no meu storyboard áspero. Mas quando o peguei e o refinei, mudei um pouco o ângulo. Acrescentei um pouco mais de personalidade. Isso me deixa mais animado em trazer para o design. Então, a partir daqui, eu realmente vou salvar isso como um JPEG e enviá-lo para o meu deck cliente em slides do Google. Então salve isso como um JPEG na minha área de trabalho. Depois entro no tratamento do cliente que criei nos slides do Google e já configurei isso com meus modelos de storyboard. Então eu vou apenas ir em frente e substituir a imagem e fazer o upload da minha pasta. Você pode precisar fazer alguns ajustes para ter certeza de que ele se encaixa lá corretamente. Então, uma vez que você tenha carregado isso, isso significa que você já tem suas linhas V0 escritas aqui, e nós só precisamos adicionar as descrições de ação de tudo. Assim, o cliente pode entender melhor o que está acontecendo em cada quadro. Aqui eu realmente escrevi todas as descrições, e eu só quero notar que elas são muito diferentes do que eu escrevi no meu documento do Photoshop aqui. Estas foram apenas ideias muito iniciais para mim. Mas estou tomando cuidado extra para escrever algo mais interessante e envolvente para o cliente. Também estou descrevendo como a animação vai funcionar e como vamos cortar e fazer a transição e potencialmente como cada personagem vai se mover. Então, no primeiro quadro, nós abrimos na parte de trás de nossos protagonistas crianças. Ele está de frente para a piscina do bairro usando um tubo flutuante. Ele salta e o respingo de água nos transita para o próximo quadro. Para o segundo quadro, seguimos o garoto enquanto ele desliza debaixo d'água. Acima dele, seu avô está escrevendo um carro de charuto personalizado e bebendo uísque alegremente. A descrição real que escrevi aqui para o segundo quadro não é muito diferente do que eu realmente escrevi na minha idéia áspera. Mas eu adiciono coisas, como felicidade e deslizamento só para que haja mais humor evocado através dessas palavras. Queremos ter certeza de que enfatizamos que as pessoas estão se divertindo enquanto usam flutuações de McFloats, e que elas estão realmente se divertindo e isso significa que elas estão criando memórias, que é o que todo o conceito é sobre. Apenas algumas coisas para ter em mente enquanto você está trabalhando em seus storyboards aqui. Número 1, é que nós só queremos ter certeza de que todos os nossos storyboards são bem universais. Se olharmos para trás para as direções visuais que criamos aqui, quero ter certeza de que posso traduzir meus storyboards em ambos os estilos avançando. Então, se o cliente realmente ama o conceito A e eles querem tornar esse estilo muito ousado e vetorial, eu quero ter certeza de que os storyboards que eu criei aqui funcionarão com esse estilo. Então o número 2, é que você quer se colocar no lugar de animador. Se você realmente não tem um animador para mostrar seus storyboards, basta pensar sobre o processo deles aqui. Então, com meus storyboards, eu não quero ficar muito instável sobre como as transições vão funcionar. Quero deixar ao animador um pouco de espaço para brincar. Eu também quero ter certeza de que as transições são factíveis. Então eu não quero exagerar com as transições loucas, menos que esse seja o objeto da paz. A terceira coisa a ter em mente enquanto você está trabalhando em seus storyboards é pensar sobre o cliente, colocando-se no lugar do cliente. Então eu estou pensando sobre todas essas transições legais e como os personagens serão, mas eles realmente vão estar pensando sobre suas flutuações. Eles vão estar pensando sobre a variedade e a variedade de flutuações que estamos vendo aqui. Eles também tinham mencionado que eles são novos no mundo da animação. Então eu só quero ter certeza de que minhas descrições são super claras aqui e que eu estou mostrando a ação tanto quanto eles podem através de meus storyboards. Então vá em frente e aplique isso ao seu próprio projeto aqui. Comece realmente áspero e pense sobre a ação do seu storyboard geral. Pense na narrativa primeiro. Então, a partir daí, comece a criar algumas miniaturas ásperas. Finalmente, termine com alguns esboços refinados e escrevendo algumas descrições para seu cliente. Em seguida, eu vou realmente estar pegando um desses quadros aqui que eu criei meu storyboard e construí-lo em um quadro de estilo. 9. Styleframe: criando uma cena: Então aqui eu vou orientá-los através da criação de um quadro de estilo para o movimento. Eu não vou entrar muito no nitty gritty porque isso não é sobre ilustração. Mas eu quero falar um pouco sobre como pensar sobre movimento quando você está criando seu quadro de estilo. Um quadro de estilo é como uma amostra visual ou um lanche visual para os clientes para que eles possam ter um pouco de uma idéia de como seu projeto poderia parecer quando ele é trazido para a animação. Claro que não vai se mover, vai ser um quadro fixo, mas vai dar-lhes uma idéia melhor de onde o projeto deles poderia ir. Eu vou escolher o quadro que eu estou mais animado em meu storyboard, mas eu também vou escolher uma direção de estilo que eu gosto mais. Então, para mim, eu amo esses dois estilos e eu acho que ambos seriam ótimos para trazer para a animação. Mas eu sou muito mais atraído para este estilo desenhado à mão que é feito pela mão conceito B. Eu só amei as texturas orgânicas. Eu tenho um pouco mais de flexibilidade com minhas formas, e eu posso ser um pouco mais fluido, e eu realmente quero enfatizar criar algo que você é apaixonado por aqui porque ele realmente vai brilhar através de seu deck quando o cliente vê isso. Então eu tenho o meu storyboard aberto e eu tenho o meu Documento Brainstorming aberto no caso de eu querer referi-los novamente. Mas, na verdade, vou criar um novo documento aqui. O padrão e a animação é criar algo que é 16 por nove. Então 1920 pixels por 1080 pixels que é telas padrão olhos, e por padrão que seria 72 DPI que é resolução de tela. Mas eu realmente quero fazer isso em 300 DPI que é resoluções de impressão é muito maior resolução e você obter um pouco mais de detalhes em seus pixels. Então eu vou apenas criar este documento 1920 por 1080 300 DPI e antes de fazer qualquer outra coisa, eu vou apenas salvar isso para que eu não acabe perdendo todo o meu trabalho, e a maneira mais fácil para mim começar a criar isso, é realmente pegar meu esboço para o meu storyboard e trazê-lo para o meu novo documento, e para mim, eu estou realmente animado sobre trabalhar neste quadro de cachorrinho, quadro número três, só porque eu acho que vai ser muito divertido de ilustrar. Há também alguns movimentos interessantes acontecendo com a água aqui dentro. Ainda vemos nosso herói, nosso protagonista no centro do quadro, e também vemos um número de flutuantes. Estou mantendo o cliente em mente que não escolheu minha moldura aqui. Quero ter certeza de que é um momento de ação auge. Vemos muitos dos elementos-chave da peça. Então eu vou apenas copiar esse quadro do meu storyboard e ir para o meu documento de moldura estilo e colá-lo lá, e eu vou apenas aumentar o tamanho disso e começar a refinar aquele esboço lá, e isso pode acabar parecendo completamente diferente do seu esboço storyboard ou poderia ser realmente semelhante e você só quer refinar alguns dos personagens. Talvez como para este quadro especialmente, Eu acho que o meu personagem principal parece bastante durfee. Ele parece um pouco assustador. Você tem alguns óculos estranhos acontecendo. Então eu vou consertar isso e então eu também vou refinar os cães um pouco e mostrar que o carro alegórico é um pouco mais. Também sinto que falta alguma coisa no topo da moldura. Parece que precisa de um elemento de maré juntos. Então estou pensando em adicionar um sol ao fundo para adicionar aquele calor que o cliente está procurando. Eu caí na minha moldura de storyboard. Mas, em cima disso, vou criar um novo grupo e nomear esse esboço refinado, e eu vou rerotular meu antigo esboço esboço áspero, apenas para manter tudo organizado e muitas vezes eu gosto de manter meu esboço áspero como 10% opacidade, para que eu possa ver enquanto estou trabalhando, mas não está ultrapassando o quadro. Então, para o meu personagem principal, eu vou trocá-los um pouco, e é aqui que eu posso tipo de entrar mais no nitty-gritty em detalhes de cada personagem se parece, porque eu estou refinando tudo. Então agora que eu tenho a composição, eu não tenho que me preocupar tanto sobre como isso parece e eu posso me concentrar nos detalhes, e eu uso o comando Z tanto que tudo bem se você não acertar na primeira vez. Então eu fui em frente e limpei algumas coisas e terminei meu esboço refinado aqui, e adicionei um pouco mais de estrutura à água. Eu criei o sol aqui atrás como eu mencionei anteriormente e eu acho que vai ser realmente bom dispositivo de enquadramento para toda a cena. Ele irá amarrar toda a composição e permitirá algumas interações de cores interessantes na parte superior do quadro. Falando em cor, meu próximo passo é geralmente um bloqueio de cores. 10. Styleframe: adicionando cores e detalhe: Então, o objetivo principal do bloqueio de cores aqui é apenas realmente ver como todas as cores interagem. Digamos que eu criei um desses filhotes primeiro e eu os liberei completamente e eu adicionei todos os detalhes, e toda a textura, e toda a coloração, e então eu percebi que eu queria mudá-lo para um cão azul em vez de um cão branco, então eu teria que entrar e ajustar todos os detalhes que eu já trabalhei. Então eu realmente gosto de descobrir onde todas as minhas cores estão indo para ir antes de eu começar a preencher todos os detalhes extras. Desde que eu decidi ir com o conceito B, este estilo mais desenhado à mão, eu vou realmente usar a mesma paleta de cores que eu adicionei ao meu deck cliente aqui. Então eu só vou arrastar essa paleta de cores para o meu arquivo e é bastante enorme, então eu vou apenas dimensioná-la para baixo e colocá-lo no canto superior direito. Eu posso usar a ferramenta conta-gotas para isso realmente facilmente para apenas capturar qualquer cor que eu trabalho com no momento. Assim como fiz com meu esboço, vou colocar meu esboço refinado em cima de tudo e transformar a opacidade para cerca de 7%, talvez. Então super desmaio aqui, e isso vai me ajudar a ver as formas gerais de tudo para começar a bloquear tudo o resto. Vou criar um novo grupo. Aqui também é onde eu quero começar a pensar sobre como estou organizando meu arquivo. Para animação, precisamos manter tudo muito separado e rotulado muito claramente, porque o animador vai precisar entrar em seu arquivo e usar todas essas camadas individuais em After Effects ou qualquer programa que você está usando. Quando comecei a trabalhar na indústria da animação, não percebi o quão crucial era essa parte do projeto. Então, muitas vezes eu fazia todo o meu quadro, algo que eu estava realmente animado, e então nós entregávamos para o animador e eu percebia o quão mal eu tinha definido meu arquivo. Eu tinha camadas extras lá que não tinham nada neles. Eu tinha achatado algumas texturas, e eu apenas percebi bem cedo que isso não vai ser útil de forma alguma para o animador. Além disso, às vezes eles tinham que voltar para os meus arquivos e etiquetar tudo e torná-los mais claros para o animador porque eu não fiz um bom trabalho com isso desde o início. Então, para o bloqueio de cores, eu só vou fazer uma nova estrutura de camada e apenas nomear essa cor, e então dentro dela eu realmente vou começar a quebrar tudo de acordo com o que eu estou desenhando. Então eu provavelmente vou começar com alguns elementos de fundo primeiro, e depois camada no topo. Eu provavelmente vou escolher a cor clara só porque o cliente quer que isso se sinta brilhante, e resumo, e nostálgico. Então eu vou ter aquele Hugh quente amarrar tudo junto ao fundo. Outra coisa a notar aqui é que eu quero ter certeza de que todas as minhas formas estão completas, e o que eu quero dizer com isso é que um animador pode entrar no meu arquivo e mover um desses cães ao redor, e perceber que não há informações atrás do cão, ou o cão é apenas metade feito, ou o flutuante é apenas metade lá, porque ele está sendo coberto por água. Quero ter certeza de que estou desenhando completamente as formas desses objetos, para que o animador possa usar essas informações enquanto estiver trabalhando em animação mais tarde. Aqui está o meu estágio final de bloqueio de cores, onde me certifiquei de que tudo está equilibrado. Tenho algumas cores claras na parte superior e na parte inferior. Temos vermelho em todo como um sotaque e azul para a água. Eu realmente considerei a colocação de todas essas cores, mas eu também quero mostrar o que eu quero dizer, certificando-se de que tudo está completo. Se começarmos do nada, podemos ver que eu realmente tenho o sol cheio atrás da água. Então, digamos que o animador realmente queria mostrar o sol nascendo ou se pondo, eles teriam aquela informação extra lá para mover o sol ao redor. Então, a partir daí, temos a água e os filhotes. Então cada um deles está em seus grupos separados haverá muito fácil de manipular e se mover. Temos o nosso personagem que está no meio do chão, depois os nossos filhotes de primeiro plano. Se o animador quisesse mover o carro alegórico pela tela ou se quisesse movê-lo para cima e para baixo com a água, eles teriam um pouco de informação visual extra lá para usar em após efeitos. Então é aqui que o bloqueio de cores avançado realmente vem a calhar porque tudo já está ordenado e em camadas corretamente, então vai ser muito fácil para mim descobrir onde tudo vai, e eu vou me certificar de manter todos os minhas camadas de detalhes no mesmo grupo que as camadas de bloqueio de cores para que o animador possa facilmente pegar esses grupos e tratá-los como um todo. Na fase de detalhamento, posso começar a adicionar sombreamento, posso adicionar trabalho de linha que realmente vai começar a dar vida a ele e adicionar um pouco de personalidade à minha peça. Então, como você pode ver aqui com minha ilustração detalhada final, eu realmente entrei e mudei algumas coisas enquanto eu estava trabalhando. A fase de detalhes é realmente um ótimo momento para sentir as coisas e ver como as cores diferentes estão funcionando. Então obviamente você pode ver aqui eu realmente mudar a cor da orelha deste cão, porque ele estava apenas sentindo um pouco muito contrastando com o fundo lá. Eu também mudei o tamanho do sol porque eu pensei que ele estava funcionando melhor composicionalmente. Há menos de uma tangente estranha acontecendo aqui com o cão à esquerda e o sol. Então tenha em mente que nem tudo precisa ser perfeito. À medida que você vai, você pode facilmente voltar e mudar e refinar as coisas mais tarde. A partir daqui eu vou realmente apenas salvar minha imagem fora como um jpeg e soltá-la no meu deck cliente. Meu modelo na verdade não tem uma seção de molduras de estilo. Vou apenas duplicar este slide nove aqui e personalizá-lo de acordo com as minhas necessidades. Só vou nomeá-lo conceito ser moldura estilo. Vou apagar a paleta de cores e inserir meu novo quadro de pilha. Então eu posso facilmente arrastar isso do Finder, que é a beleza dos slides do Google. Agora é a sua vez de fazer o seu próprio estilo e arrastar isso para o tratamento do seu cliente. Agora, para o último passo que é adicionar um pouco de polimento ao seu deck de tratamento. 11. Aperfeiçoando seu tratamento: Agora que eu passei, e eu criei meus esboços de storyboard, meus conceitos, e até mesmo um quadro de sol. Eu criei algo que eu realmente gosto. Mas preciso ter certeza de que o cliente também goste. Preciso apresentá-lo a eles de uma forma que seja facilmente digerível e fale seu projeto e seu produto. Mesmo se o cliente não for realmente ir com sua idéia original ou eles querem que você vá com uma nova direção ou novo quadro de estilo, pelo menos a apresentação foi apresentada de forma profissional e você construiu um pouco de um relacionamento de confiança entre você e o cliente. Então primeiro as coisas, eu preciso ter certeza de que eu inclua o nome do projeto e uma descrição dele e até mesmo a data na primeira página apenas para que tudo seja colocado no contexto correto. Eu só vou nomear este Custom Floaties-Concepts porque essa é a primeira fase do projeto que eu só quero identificar onde estamos na fase do projeto. Eu realmente gosto de adicionar a data porque isso vai dar o contexto do projeto. Se o cliente perceber que queria algo de um deck anterior, eles podem apenas dizer: “Aquele deck que você me colocou em 2 de maio, eu realmente gostei do que você tinha lá e eu adoro incluir isso em nosso projeto.” Na segunda página eu sempre gosto de ter essa página Olá e apenas uma descrição do que vamos mostrar ao cliente no deck. Também como você pode ver em um monte de páginas, eu adicionei esta pequena caixa no canto inferior esquerdo que diz o nome do cliente, então eu só quero ter certeza que está em todos os lugares porque eu realmente não iria querer enviá-los algo que diz o nome do cliente no canto inferior esquerdo. Posso ler o que escrevi aqui para te dar uma ideia melhor do que vou dizer ao cliente. Começa com: “Muito obrigado por pensar em mim por esta maravilhosa oportunidade. Estou super entusiasmado por fazer parte do processo de animação da campanha Flutuante McFloats.” Nas páginas a seguir estão algumas referências, conceitos e explorações visuais de como planejo abordar criando uma narrativa que melhor fale com sua marca. Também incluí um conjunto de storyboards iniciais para ajudar a visualizar como imagino o roteiro ganhando vida. Não importa se escolhemos usar tigelas, formas de blocos ou uma abordagem mais elegante, meu design levará em consideração uma ampla gama de possibilidades de contar histórias. Criar esta página de saudação é realmente algo que aprendi em um dos primeiros lugares em que trabalhei. Sempre que criávamos decks de pitch para os clientes, queríamos apenas expressar nossa emoção sobre um projeto. Só para que saibam que estou pensando no futuro. os conceitos visuais, a grande coisa sobre ter essas descrições aqui é que ele vai colocar o estilo visual que eu forneci em contextos de seus projetos. Então, para o conceito A, eu disse: “Através dessa direção visual ousada, vou aprimorar a peculiaridade e a brincadeira do seu roteiro. Cada momento no storyboard será exagerado e expandido. As formas gráficas vão engolir a tela e hipnotizar o espectador enquanto seguimos as flutuações da piscina em sua jornada. Enquanto o estilo será mais gráfico e elegante, os personagens ainda se sentirão surpreendentes e memoráveis. As cores serão matizadas com um verde nostálgico.” Concept B Made by Hand diz: “O segundo conceito visual se concentraria em um dos elementos-chave da sua marca: a nostalgia. Nada parece mais nostálgico do que algo desenhado à mão. Made by Hand será repleto de textura e encantadores personagens ilustrados. Esse tratamento ganhará vida através da animação célula quadro a quadro , adicionando ainda mais à sensação artesanal.” Como você pode ver aqui, eu realmente entrar em um pouco sobre animação e como isso vai adicionar ao estilo visual. Eu também posso adicionar em alguns adjetivos para explicar brevemente as placas de humor. Então, enquanto eles estão olhando para essas placas de humor, eles realmente verão talvez três adjetivos aqui em baixo que descrevem esse estilo. Em vez de ler o parágrafo inteiro que escrevi, há uma descrição mais sucinta no fundo. Então, para o conceito A, posso dizer que suas dobras, peculiares, e gráficos. Para o conceito B, posso expandir o que eu disse na descrição e dizer que é fluido, feito à mão e nostálgico. Também é realmente ótimo para o cliente olhar em referência como eles estão olhando para os visuais, eles podem ver o que eu escrevi e os visuais juntos de uma só vez. Antes que o cliente realmente veja um storyboard, é bom ter um pouco de sinopse sobre animações que eles podem pensar sobre isso enquanto eles estão lendo e digerindo através do meu storyboard. Especialmente para este cliente Floaty McFloat, eles expressaram que eles são novos no mundo da animação. Então eu só quero dar uma descrição mais completa do que vai acontecer. Talvez o storyboard não seja suficiente, talvez eles queiram ouvir mais sobre o processo real ou eles queiram ouvir mais sobre o tipo de animação que vou usar, e se é animação celular ou animação após efeitos, Esta página aqui é onde eu posso expandir sobre isso um pouco. Uma nota sobre animação. Independentemente do conceito visual que você escolher, a animação final desta peça fluirá suavemente, lembrando a água fria circulando em uma piscina. Será animado à mão, o que lhe dará um pouco de sensação tátil. Nas páginas a seguir, você encontrará uma referência de storyboard e animação. Enquanto o storyboard retrata conceitos e ideias gerais, não é uma representação precisa da aparência dos designs finais. Na fase de design depois de escolher um estilo, vou voltar e dar vida a cada quadro através do refinamento em detalhes. Então, agora que eu dei ao cliente um aviso de isenção de responsabilidade com uma pequena nota sobre animação antes do storyboard, eles podem olhar para o storyboard com novos olhos e entender como o processo vai funcionar depois disso. Então, depois que o cliente ajustou o storyboard e eles realmente viram todas as direções visuais que planejamos tomar este projeto ou você pode potencialmente levar este projeto, eu também gosto de terminar com uma pequena referência de animação página. Eu sinto que se um cliente vê uma animação que realmente gosta no início, pode se agarrar a ela e então comparar toda a direção visual que eu dei a ele com essa animação. Eu acabei indo com duas direções diferentes para a minha referência de animação, e eu escolhi um que parecia um estilo vetorial mais ousado que eu tenho para o meu conceito A, e eu escolhi um segundo que tem mais de uma sensação artesanal orgânica como conceito B. Para o filme de lançamento Goldi eu digo, esta peça pateta tem mais sensação vetorial, reminiscente do nosso conceito A. Enquanto o estilo é refinado, o personagem atuando em situações tolas traz uma história para baixo. A taxa de quadros mais baixa também ajuda. Ele está apontando para o aspecto de animação real aqui. Então, para o segundo, os atos aleatórios de animação bondade, eu digo que esta narrativa emocional incorpora uma sensação muito agradável, steppy artesanal que iria emparelhar bem com constante B. Esta última página é realmente apenas um bilhete de despedida pessoal. Quero dizer ao cliente que ainda estou pensando neles e estou animado para seguir em frente com isso, não importa qual seja o feedback deles. Em suma, estou extasiado por mergulhar no design nesta narrativa peculiar para a sua equipe. Adoro colaborar com marcas únicas como a sua para inventar a receita perfeita de nostalgia, humor e caráter. Adoro criar algo memorável para a sua marca que as pessoas não conseguem parar de ver. Mal posso esperar para ouvir o que pensa. Só uma última aprovação aqui, eu só gostaria de ter uma página de agradecimento e eu não vi que o cliente tinha uma página de agradecimento em seu deck. Então é muito bom espelhar isso aqui. Para personalizá-lo um pouco, eu acho que seria bom para adicionar uma das minhas fotos de referência aqui apenas como uma personalização, basta lembrá-los que eu estou fazendo isso para eles novamente. Uma vez que eu terminar de adicionar tudo o que eu quero adicionar e eu me certifiquei de que todos os meus quadros de humor estão lá, todos os meus storyboards, e todas as minhas descrições visuais estão lá, eu gosto de ter certeza de que tudo está centrado e tudo só parece bom e muito coeso em geral. Eu incluí este modelo de projeto nos recursos de classe para que você possa abri-lo e duplicá-lo e usá-lo para si mesmo. Este é realmente apenas um esqueleto de ossos nus de algo que você pode fazer o seu próprio e infundir sua própria personalidade em. Então, neste momento, estou me sentindo muito bem sobre o tratamento do cliente e estou pronto para enviá-lo para o meu cliente, Floaty McFloat. 12. Considerações finais: Ok, então aqui estamos nós, terminamos nosso projeto, e passamos por todas as etapas de obter um resumo do cliente, decifrá-lo, brainstorming, criar quadros de humor, esboçar, criar storyboards e criar um quadro de estilo . Nós colocamos tudo isso em um deck de clientes que é facilmente digerível. Isso é algo que funciona muito bem para mim e meus clientes em meus projetos de animação ao longo dos anos. Mas você pode querer pegar algo que você aprendeu aqui e aplicá-lo de uma maneira diferente ao seu próprio projeto. Isso é realmente apenas criar uma estrutura para você configurar seus projetos criativos para o sucesso. Por isso, espero que esta aula lhe tenha dado a confiança para enfrentar qualquer projeto criativo. Se você tem seguido junto com seu próprio projeto, por favor, compartilhe isso na galeria do projeto, eu adoraria ver o que você faz. Muito obrigado por fazer esta aula. Feliz planejamento criativo. 13. Explore mais cursos na Skillshare: [ MÚSICA].