Transcrições
1. Introdução: Desde criança, sempre adorei fotografia, cinema e artes visuais. Em uma idade jovem, eu costumava carregar uma câmera em todos os lugares que eu ia e fotografava qualquer coisa que me interessasse. Comecei a ver nessa idade como isso se torna uma linguagem em si mesma. Oi, meu nome é Ben Rountree e sou cineasta de Nova York. Minha irmã, Sarah, também é uma pessoa criativa e uma chef muito talentosa. Ela trabalha num restaurante chamado Blue Hill. Durante anos, eu a vi cozinhar na cozinha, começar um negócio de sanduíches de sorvete, experimentar novos pratos. O processo dela sempre inspirou o meu processo criativo. Nesta aula, vou mostrar-lhe como criar um sofisticado filme de culinária de um minuto para iniciantes. Isso é algo que você pode facilmente fazer em sua cozinha, e vai se concentrar mais no processo de cozinhar em vez de uma receita. No entanto, eu adoraria que você tivesse muita liberdade criativa e criasse um filme que vai beneficiá-lo com o que você está usando. Se você está interessado em algo relacionado à culinária, você provavelmente notou como os filmes de culinária são muito populares agora. Dos incríveis vídeos saborosos a Binging with Babish, Chef's Table e todos os filmes de culinária, cinema é uma ferramenta muito eficaz que você pode usar para mostrar artes culinárias. Se você é alguém que ama comida, assim como eu amo, ou filmar outros cozinhando, como eu também faço, esta vai ser uma ótima aula para você. Vamos rever algumas técnicas cinematográficas, iluminação, edição básica, e você pode fazer tudo isso através de qualquer câmera que tenha em casa ou seu iPhone, se é isso que você quer usar. Isso será muito relevante se você estiver olhando para construir suas mídias sociais, para construir um site, um blog de comida, ou se você está olhando para entrar em comerciais de alimentos. Estou super animado para filmar esta aula porque eu realmente quero mostrar a vocês como você pode mostrar artes culinárias e comida incrível através da cinematografia. Muito obrigado por participar e vamos começar.
2. Visão geral do curso: Oi, pessoal. Nesta aula vamos criar um filme de culinária de um minuto. Agora, há muitas maneiras de você abordar isso, mas vou compartilhar com vocês uma maneira de abordar isso e dar alternativas a outras maneiras. Nos últimos cinco anos, trabalhei em uma série de comerciais, documentários
curtos e narrativas. Mas tenho que dizer, alguns dos meus projetos favoritos têm capturado o processo criativo de outra pessoa. Seja um escultor em Nova York ou um designer de móveis, ou até mesmo chefs na cozinha. Adoro capturar o processo criativo das pessoas e especialmente, fazer com que as imagens pareçam tão boas quanto possível. Nesta aula, vou mostrar a vocês como trabalhar em composição,
edição, iluminação e escolhas criativas. Materiais que seriam necessários são uma câmera por razões óbvias, você definitivamente precisa de uma câmera para gravar imagens. Mas isso pode ser qualquer câmera que você gosta, e também um software de edição. Seja o Adobe Premiere ou o Final Cut Pro ou até mesmo eu movo seu Instagram, eu acho que seria bom. Materiais que não são necessários, mas sugeridos seriam iluminação e um tripé. Dependendo da frequência com que você quer fazer esses filmes, eu acho que investir em alguma iluminação pode ser um ótimo recurso se você está olhando para trabalhar muito nisso, porque você vai ter muito controle sobre suas imagens. O que falarei mais na aula de iluminação. Um tripé, eu acho, seria ótimo se você estiver em uma
situação em que você vai estar filmando você mesmo cozinhando. Se você está se filmando cozinhando, você terá que se concentrar nas filmagens que você está filmando, bem
como na própria cozinha e você provavelmente vai querer um tripé para fazer isso. Com isso, eu também diria, será muito bom trabalhar em uma receita que você conhece muito bem, uma que você já fez muito e que você sabe, por dentro e por fora. Porque além de filmar você mesmo, você também terá que estar cozinhando. Espero que estejam muito entusiasmados com esta aula. Mal posso esperar para ver o que vocês fazem.
3. Demonstração de iluminação: Ei, caras. Para esta parte da turma, vamos passar por cima da iluminação. Agora, isso pode soar um pouco estranho, mas eu pessoalmente amo luz e iluminação tanto que sempre que eu entro em um café ou restaurante, eu estou sempre procurando a melhor área que tem grande luz, seja uma janela ou um ambiente. Houve mesmo uma vez em que esperei 30 minutos apenas para obter um lugar perto da janela que tinha uma grande luz. Então isso é tudo para dizer, eu amo a luz. Penso muito nisso. Eu tento perceber isso em filmes que eu assisto e isso tem um grande impacto nos filmes que eu faço. Se você já assistiu Chef's Table ou o filme Chef na Netflix, eles têm algumas fotos incríveis de comida, algumas ótimas fotos de comida. Além do fato de que eles têm câmeras de cinema muito high-end, eles também fazem um ótimo trabalho com a iluminação e tem um enorme impacto no filme. Uma coisa que é realmente interessante e legal de notar é, se você pegar a palavra fotografia e separá-la, foto e gráfico, ela se traduz do latim como desenho com luz, foto-luz, desenho gráfico. Isso é muito verdade porque quando você está gravando uma imagem a câmera precisa de luz para gravar. Então o que você está fazendo é desenhar com luz. Então vamos falar sobre três tipos diferentes de iluminação hoje, e o primeiro é luz dura. Pode soar muito parecido com o que é, mas a luz dura é a luz que vem de uma fonte de luz muito pequena. Então você pode pensar sobre isso à tarde quando o sol é muito brilhante e você tem sombras muito escuras e realces muito brilhantes, ele cria uma imagem muito contrastante e isso é luz dura. Muitas pessoas tendem a dizer que isso não funciona tão bem com fotografia de beleza ou filmes de comida, mas eu diria que há uma maneira de usar isso se você é intencional e consciente do que ele cria. O segundo tipo de iluminação é a luz suave. Agora, a luz suave é muito diferente da luz dura , pois vem de uma fonte de luz muito grande. Então esta seria como a tarde que está muito nublada. As nuvens difundem a luz e criam uma fonte de luz maior para o sol, criando
assim uma luz mais suave. Ele cria uma imagem menos contrastante que tem mais transição dos negros para os brancos, criando
assim o que muitas pessoas dizem que é uma imagem muito agradável. O terceiro tipo de iluminação que falaremos é a luz natural, que é incrível e o que todos gostam de simular e é o mais real, é o que estamos cientes e familiarizados. A coisa com luz natural, porém, é que pode ser muito difícil de controlar e gerenciar. Houve uma vez em que fui contratado para fotografar comida para um site e escolhi usar apenas luz natural. O que aconteceu é que ao longo do dia a luz continuou mudando, entrando e saindo das nuvens e eu tive que compensar para criar uma imagem coesa que eram todas semelhantes e previsíveis. No entanto, a segunda vez que eu fui contratado de volta e eu fui e trouxe minha própria iluminação, e foi muito mais fácil porque eu era capaz de controlar
a luz e, portanto, como as imagens estavam indo para olhar. Então isso é uma coisa para se pensar. Falaremos mais sobre isso enquanto filmarmos. Vou dar recomendações para diferentes luzes que você pode olhar, dessa forma você pode se familiarizar mais com ele. Eu encorajaria você também da próxima vez que você assistir um filme ou um programa de TV, começar a estar ciente de como eles estão iluminando as cenas, de
onde a luz está vindo e se é luz dura, luz
suave, ou se eles estão usando luz natural e como afeta as imagens. Antes mesmo de começarem a filmar, quero que pensem no local em que vão filmar,
no cenário, e comecem a pensar de onde vem a luz, e se há alguma maneira de moldá-la ou trabalhar com ela. Então, por exemplo, esta é a minha cozinha. Estou obviamente muito familiarizado com este espaço, mas você vai notar que eu tenho uma grande, agradável janela aqui e um monte de espaço de balcão. É aqui que vamos fazer nosso trabalho de preparação porque tenho muita luz natural para iluminar nosso assunto, e muito espaço para trabalhar para construir nossa composição. O segundo espaço em que vamos trabalhar é o fogão aqui. Não há tanta luz para trabalhar neste espaço. Eu tenho esses três acessórios, mas eu sei que eles não vão produzir a luz que eu quero. Então eu trouxe minha luz Kino Flo, que é uma grande luz. Esta luz cria uma fonte de luz muito suave, e isso vai iluminar nossos sujeitos quando ela estiver cozinhando no fogão aqui. Estas são coisas que você quer considerar com o espaço em que você está trabalhando e como você pode moldar e trabalhar com ele. Este é o Kino Flo que vamos usar para iluminar nosso assunto, minha irmã Sarah. Eu vou mostrar a diferença entre quando ele está ligado e desligado para que você possa ver como a luz está criando uma separação entre o assunto e o fundo. Esta é a luz que está atualmente ligada e você pode ver como Sarah está lindamente iluminada e o fundo está caindo muito suavemente. Isto é o que vai parecer quando eu desligar isso, e se eu estiver apenas usando a luz natural, então é uma imagem muito diferente. Então isso é algo que você vai querer considerar quando você está filmando pessoas e sujeitos, é como criar essa separação e como usar a luz em seu benefício. Na próxima aula, vamos falar sobre composição e como enquadrar seus assuntos.
4. Composição: Ei pessoal, hoje vamos olhar para como tornar o seu filme mais interessante através da composição e desenho de filmagens. Então composição é basicamente como você compõe uma imagem na íntegra. O que você escolhe incluir ou excluir do seu quadro, e eu quero que você pense sobre isso como algo que você pode controlar, que você não está apenas tirando uma imagem de algo que já está lá, mas você está fazendo uma imagem e construindo algo para que você tenha controle sobre isso dessa maneira. Então, uma regra no início da fotografia é chamada de regra de terços, e esta é uma técnica de enquadramento realmente sobre como você posiciona um sujeito para mostrar sua relação com outro elemento na cena. Se você tem sua moldura e você imagina que há uma placa tic-tac-toe sobreposta, a regra dos terços diria que você gostaria que seu assunto principal estivesse em um dos quatro cantos da prancha tic-tac-toe, e, portanto, deixaria espaço no quadro para mostrar outro elemento e sua relação com esse elemento. Então esta é uma regra que eu diria que você não precisa seguir, mas é muito bom estar ciente disso e
saber como quebrá-la dependendo de suas intenções. Então, com o filme de comida, uma coisa que eu amo fazer é mostrar a relação de um chef com sua comida. Então eu vou colocar o chef no lado esquerdo do quadro,
e a panela ou a comida no lado direito para mostrá-los interagindo com ele e, portanto, mostrando sua relação com o que eles estão cozinhando. Tudo bem. Então há três tipos de tiro que eu adoraria rever. Um tiro largo, um tiro médio, e um close up. Então, o tiro largo é basicamente qualquer coisa da cabeça aos pés mostrando uma pessoa completa ou mais larga, e essas fotos são ótimas para começar, para mostrar o ambiente, a localização, os contextos. Eles dão muita informação no quadro porque há muito espaço para trabalhar. O segundo tiro que vamos falar é um tiro médio, e eu poderia definir um tiro médio como
um tiro de nível de cintura acima que é um pouco mais perto do que um tiro largo, mas pode mostrar o assunto e talvez o que eles estão trabalhando com ou sua relação com outra coisa. Em seguida, o terceiro tiro é um close up que é exatamente o que parece, e embora seja um pouco subjetivo, close ups funcionam muito bem com a apresentação de textura e detalhes de cor, e eles funcionam muito bem com comida porque você começa a ver o comida realmente fechar e torná-lo realmente ganhar vida, especialmente em uma tela maior. Então, com o meu processo, geralmente vou começar com a captura de um tiro largo. Este é um grande tiro para começar, porque estou me acostumando com o espaço, estou me familiarizando com ele, estou mostrando-os no local. Estou estabelecendo o que está acontecendo. É um ponto de vista confortável. Não é claustrofóbico, e então eu vou trabalhar meu caminho até obter doses médias e então eu vou trabalhar meu caminho para chegar perto, e às vezes eu vou ir e voltar entre o close até o largo. Mas você quer pensar de uma maneira que vai fazer sentido com
a filmagem que você está fazendo para ter certeza de que você tem todo o conteúdo que você precisa. Porque eu sei que o nosso filme tem apenas um minuto de duração, eu provavelmente não preciso de mais de 10 segundos por tiro dependendo de quantos tiros eu vou querer usar. Então, quando estou filmando, eu só vou tentar filmar entre 5-10 segundos para que eu não ultrapasse. Mas eu realmente estou pensando na minha composição e eu sou capaz obter tantos ângulos quanto eu puder do processo. Houve uma vez quando eu estava filmando um pequeno documentário sobre um restaurante em Nova York, Onze Madison Ave, e eu só tinha 15 minutos para filmar os chefs na cozinha. Então eu sabia que eu tinha que usar meu tempo sabiamente quando eu só tenho 15 minutos, e então eu fiz como eu mencionei. Comecei com todas as fotos largas que eu precisava e então eu fiz a transição para obter todas as fotos médias que eu queria, e então eu comecei a obter todas as fotos de perto para que eu pudesse obter a beleza da comida, e eles interagindo com ele e realmente mostrar o que eles estavam criando. Foi ótimo ter isso preparado naquele tempo dúvidas para
que eu soubesse no que estava me metendo e eu tinha um plano. Às vezes, haverá um equilíbrio de querer preparar e fazer um plano e também responder ao que está acontecendo e se divertir
e ir com seus instintos e tomar decisões fora do manguito. Acho que há um bom equilíbrio entre essas duas coisas. Mas ter um plano e saber algo que você quer entrar é realmente útil. Uma das coisas que eu vou fazer com muitos tiros que eu faço é escrever uma lista de fotos, e eu poderia dizer todos os tiros largos, talvez dois ou três tiros largos ou tiros médios, close ups. Quantos eu poderia querer? Quanto posso usar? Se você quiser ir mais longe, você pode escrever uma linha do tempo de um minuto e apenas
anotar quantos tiros você quer e quantos segundos cada tiro seria. Essa é uma descrição muito detalhada de saber especificamente o que você quer. Se você quer que seu tiro largo seja de 10 segundos ou tiro médio para ser três segundos para ter cinco desses e, em seguida, terminar com outro largo. Você pode realmente planejar o quanto quiser e depois ter muita flexibilidade para tomar
decisões fora do controle e se inspirar em um momento e ter muita flexibilidade quando estiver filmando. Acho que é bom ter os dois. Então você pode pensar sobre isso e talvez começar a pensar em escrever um plano e fazer referências ao que você quer. As imagens e o desenho da fotografia, a composição a parecer, e quantos tiros você acha que vai precisar, wides, médiuns e close ups. Então, enquanto você
continua, continue pensando na composição e praticando para ter uma noção do que você está interessado, do que você gosta e como você gosta de compor. Continue pensando sobre o que você está incluindo e excluindo do quadro, e continue trabalhando em como fazer esses ajustes. Na próxima aula, vamos falar sobre escolhas
criativas e como isso pode melhorar seu filme. Então, estou ansioso para vê-lo.
5. Fazendo escolhas criativas: Ei, caras. Neste vídeo, vamos falar sobre três escolhas criativas que você pode considerar ao fazer seu filme. O primeiro é o movimento. Movimento é muito legal porque é o que distingue a fotografia da produção cinematográfica. Na fotografia, normalmente você tem apenas um momento ou uma fração de segundo para capturar uma imagem. Com vídeo, você tem todo o tempo que você precisa para criar uma cena, e nesse tempo você pode fazer tanto com a maneira como a câmera se move. Digamos, por exemplo, que você tenha um movimento de câmera muito lento e estático. Pode criar um clima mais reflexivo. Mas se você tem um movimento de câmera que é mais rápido, ele pode aumentar a emoção e trazer mais energia em uma cena. Você pode escolher como você quer pensar sobre isso. Pode ser curioso ou enérgico. O que quiser, seja qual for o estilo do seu filme. Um tiro que eu particularmente gosto quando se trata filmar um artista ou um chef é um tiro onde ele começa com o artista ou chef e lentamente se move para baixo para a comida ou seu ofício em que eles estão trabalhando. Eu amo isso porque ele mostra os artesãos para a arte em um tiro. A segunda escolha criativa que consideraremos é câmera lenta. A câmera lenta é muito legal porque não é como vemos o tempo normalmente. Você pode pegar um momento no tempo e estendê-lo muito para que possamos prestar mais atenção a esse momento e nos concentrar mais nele. Eu acho que a câmera lenta também é inerentemente romântica em alguns aspectos por causa de como ela tem sido usada em filmes
no passado e por causa da qualidade de
retardar o tempo e ter esse olhar que é muito mais longo. Você pode usar isso em seu filme e experimentar com isso. A 3ª escolha criativa que consideraremos é profundidade de campo. Agora a profundidade do campo é definida por quanto da imagem está em foco. Se você tiver uma profundidade de campo superficial, isso significa que apenas uma pequena parte da imagem estará em foco. Mas se você tiver uma maior profundidade de campo, isso significa que uma parte maior da imagem estará em foco. É ótimo porque se você tem uma profundidade superficial de campo, você pode jogar com o que você quer que o espectador preste atenção, o que você quer que eles vejam. Você pode controlar isso na câmera. Com filmes de comida é ótimo porque pode trazer tanta cor e textura e você pode jogar com a forma como você quer que eles vejam suas imagens. Agora em uma câmera, sua abertura é o que controla a profundidade do campo. Em sua câmera, eu diria que qualquer lugar entre uma abertura de 1,4 a 4.0 será uma profundidade de campo rasa e qualquer lugar de 5,6 a 22 lhe dará uma maior profundidade de campo. Estas são três escolhas criativas que você pode considerar ao fazer seu filme. Eu quero encorajá-los a experimentar com eles, experimentá-los, ver o que você gosta, ver o que você não gosta, e familiarizar-se com eles. Comece também a notá-los quando estiver a ver TV e outros filmes. Veja como as pessoas usam o movimento, veja como as pessoas usam câmera lenta e se alguém está usando uma profundidade de campo superficial ou maior profundidade de campo. Quanto mais você se acostumar a essas técnicas, mais você se sentirá confiante em usá-las forma eficaz e contar a melhor história que você pode contar. Na nossa próxima aula, vamos falar sobre a última cena do filme que é
o que vamos chamar de tiro de herói. Este seria um tiro importante porque vai ser o produto alimentar final, vai capturar o alimento final que vocês criaram, e vai mostrar isso da melhor maneira possível. Muito obrigado por participar hoje e nos vemos na próxima aula.
6. A tomada do herói: Ei pessoal, aqui vamos estar falando sobre criar a última foto do seu filme, que é o que vamos chamar de cena de herói. Isto vai ser uma foto do seu produto alimentar acabado. Vai mostrar a comida que você criou de forma eloquente e sofisticada. Com isso, eu diria que você tem muita liberdade criativa. Vai ser muito divertido, porque você pode escolher o tipo de iluminação que você quer usar, você quer
que a configuração se pareça. Se você tem uma mesa legal que você quer trazer para fora ou um placemat ou algumas lajes de mármore, você quer criar uma cena que melhor representa o prato que você está fazendo. Você tem muitas opções com isso. Logisticamente também, eu também diria que é muito importante encontrar
o local e encontrar onde você quer filmar isso antes de filmar qualquer outra coisa. Dessa forma, quando o prato estiver pronto e estiver totalmente cozido, você pode trazê-lo e filmá-lo imediatamente porque, com comida, você não quer que ele fique sentado fora e ficando frio. Você não quer que ele fique esperando. Você quer filmá-lo quando estiver fresco, bem quando estiver pronto para ir. Este vai ser um momento em que você pode experimentar com se você quiser usar iluminação dura ou iluminação suave, se você quiser usar talvez algumas velas ou fazer alguma decoração em torno dele e também pensar se você quer textos na imagem, onde você deseja que o texto esteja, como você pode querer que ele interaja com sua imagem. Às vezes pode parecer muito bom ter alguns textos do que o prato é chamado ou você pode colocar seu nome lá ou qualquer informação que você deseja incluir. Para mim, vou usar as três técnicas criativas que passei por cima. Vou usar uma profundidade de campo rasa. Vou filmar em câmera lenta e vou incorporar movimentos muito lentos nas minhas filmagens. Você será capaz de ver isso e você pode ver como ele se parece e o que você quer usar e o que você não quer usar. Você pode ver um tiro como este pode exigir muita atenção e detalhes, mas você pode realmente torná-lo tão simples ou complexo quanto você quer que seja. Você pode ter um pano de fundo branco muito simples e mantê-lo simples e eloquente ou você pode decorá-lo com todos os tipos de coisas e torná-lo da maneira que você quer. Isso é basicamente todas as aulas que temos para o aspecto das filmagens. Para a próxima aula, você vai querer ter todas as filmagens completas e você está pronto para começar a editar. É o que faremos na próxima aula. Estou ansioso para vê-lo lá.
7. Edição: Ei pessoal, estou tão feliz que chegaram até aqui. Estamos quase no fim da aula aqui, e neste momento você deve ter todas as filmagens capturadas e estar pronto para começar a editar. Estarei ensinando como editar no Adobe Premiere, mas fique à vontade para usar qualquer plataforma de edição que você tenha e se sinta confortável com. Eu também quero estar na frente dizendo que esta não é uma edição aprofundada ou classe Adobe Premiere, sinta-se livre para definitivamente conferir outras aulas Skillshare sobre isso. Mas se você tem uma plataforma com a qual se sente confortável e tem algum conhecimento geral, isso funcionará muito bem. Aqui está a nossa janela de arquivo de projeto Premier Pro e você pode ver que eu tenho todos os meus arquivos importados. A primeira coisa que você vai querer fazer é organizar tudo em caixas. Organização é definitivamente super importante e vai tornar a sua vida muito mais fácil no caminho. Dessa forma, você não vai perder arquivos ou perder informações mais tarde. Você pode ver aqui eu tenho minhas sequências bin, que vai ter todas as minhas sequências. Você vai ver que eu tenho minha caixa de filme acabado, que é na verdade o filme em que eu estava trabalhando para esta classe, então não se importa com isso. Mas então eu tenho minha pasta de filmagens com todas as imagens que eu tenho. Então eu tenho minha caixa de música, que tem todas as músicas que eu estava experimentando e vendo quais funcionou melhor. Então eu tenho a minha página de título. Você quer pensar sobre quais compartimentos serão mais
relevantes à medida que você avançar e criá-los de acordo. A próxima coisa que quero falar rapidamente é música. Todo mundo tem uma abordagem muito diferente de como eles usam a música, e não há realmente um certo ou um errado, mas uma coisa que eu gosto de fazer pessoalmente, é ter a música que eu sei que vou usar ou uma faixa
temporária que está em o mesmo gênero ou estilo que eu vou usar. Dessa forma, influenciará o ritmo e o estilo e como eu faço a edição. Com isso, por exemplo, eu provavelmente olhei para cerca de 20 a 30 músicas, e daí, eu reduzi para baixo, talvez 10-5, e eu acabei recebendo permissão de um artista, Stan Forebee, que faz hip hop muito legal, chill hop, batidas de estilo jazz. Ele me deu permissão para usar uma de suas músicas e eu realmente gostei como era dinâmico e eu gostei do tom suave para ir com o meu filme, então eu acabei indo com essa faixa. Mas você também pode começar uma edição áspera do seu filme e, em seguida, trazer uma música mais tarde e moldá-la dessa forma. Esta é a minha janela de projeto do Adobe Premiere. Você pode ver que eu tenho todos os meus arquivos importados e eu comecei a organizar caixas. Esta é a primeira coisa que você vai querer fazer, é organizar todos os seus recursos em uma filmagem. Você vai notar que eu tenho minha pasta Sequências, que tem todas as sequências que eu vou usar, eu tenho a minha pasta de Filme Finalizado, que é na verdade o filme em que eu estava trabalhando para esta classe, então não se importa muito. Mas então eu tenho minha pasta de filmagens, que tem todas as imagens que eu gravei, e então eu tinha a pasta Música, que tem todas as músicas que eu estava experimentando com, e então minha sequência de título. Você vai querer pensar sobre a melhor forma de organizar seus arquivos e o que vai fazer mais sentido para o seu projeto, mas ser organizado é super importante e é definitivamente muito útil ao longo
do caminho quando você está editando para não perca o controle de nenhum arquivo ou perca nada. Eu vejo todas as filmagens. A próxima coisa que vamos fazer é selecionar todas as nossas filmagens. Entramos em nossa pasta de filmagens, selecionamos todas as filmagens, e vamos arrastá-las para nossa linha do tempo. Dou o nome à linha do tempo, aula de filmagens, mas pode dar o título de filmagens, ou seja lá o que for útil para você. A próxima coisa que eu vou fazer é, com o meu indicador de reprodução, eu basicamente vou esfregar todas as filmagens e, em seguida selecionar os clipes que vão funcionar melhor para o nosso filme. Como eu faço isso é eu vou ou com a ferramenta Selecionar, clique e arrastá-lo até a segunda camada que eu possa identificá-lo como um dos clipes que eu gosto, ou podemos usar um Navalha, que é aqui, o Navalha , é também um atalho C. Então, se você clicar em C no seu teclado, você receberá o Navalha. Podemos cortar uma parte do clipe e depois selecioná-lo. Atalhos C e V, eu vou mantê-los bem perto, porque C é a ferramenta Navalha e eu posso usar isso para cortar uma parte do clipe, e então V é a ferramenta de seleção, e eu vou usar isso para trazê-lo até o segundo camada. A partir daqui, eu vou praticamente esfregar todas as filmagens, cortar as fotos que eu gosto, e então no final você vai ter uma boa seleção de clipes que você quer usar. Simplesmente assim. Vou passar, ver todas as filmagens. Às vezes você provavelmente terá clipes que parecem muito semelhantes, então você só quer usar os melhores. Eu praticamente já passei por todos os meus clipes e selecionei os melhores que eu quero usar. Você pode ver aqui, eu originalmente comecei com cerca de uma hora e 30 minutos de filmagem, que é definitivamente um monte de filmagens para um único vídeo. Reduzi isso para cerca de 10 minutos de filmagem, e depois reduzi de novo até aqui, que é cerca de 3 minutos e 46 segundos. Este é um bom momento em que, em três minutos e 46 segundos de filmagem, eu posso trazê-la para cima da minha música e começar a
editar e ver quais fotos vão funcionar melhor, e como eu vou querer criá-la juntos. Se você tem duas fotos que são muito semelhantes e podem funcionar bem, definitivamente inclua-as e veja como você quer fazer esse fluxo, e dê a si mesmo opções na edição. Daqui, há duas coisas que posso fazer. Posso duplicar essa linha do tempo e manter minhas filmagens selecionadas, ou posso criar uma nova linha do tempo e colocar todas essas filmagens. Vou criar uma nova linha do tempo para mostrar como isso parece. Você vai para Arquivo, Novo, você vai para Sequência, e eu vou nomear esta sequência Food Film_1. Eu entro em Configurações, e você só quer
se certificar de que todas as configurações são semelhantes às suas filmagens. Eu quero meu vídeo, 1920 por 1080, que é HD. Eu quero ter certeza que meu prazo é 23.976, que é o que eu filmei o filme. Você está pronto para ir. A partir daqui, estou na minha sequência de filmagens, vou destacar todos os clipes que eu quiser e vou colocá-lo em Food Film_1. Então eu vou trazer minha música. Tenho aqui a minha faixa chamada Retrato. Eu vou trazer isso para dentro e você pode ver que a música é muito mais curta que a filmagem. Esta é realmente a parte criativa do processo, onde você usa sua criatividade e intuição e decide como você quer tomar decisões de edição. Com isso, geralmente o que eu vou fazer é ouvir a música algumas vezes, ter uma noção do que é a vibração, qual é o tom, às vezes, eu vou até colocar marcadores em diferentes pontos da música que eu sei que vão ser muito importante. Eu vou mostrar a vocês, por exemplo, nesta parte da música, se há uma batida aqui que eu sei que é uma grande transição e eu realmente quero bater, eu vou pressionar o atalho M e isso vai me dar um pouco de marcador, e então eu vou saber que isso é um ponto em a música onde eu realmente quero fazer uma
transição e que vai ser um momento muito importante. Às vezes eu faço isso e acho isso útil, mas então muito disso é apenas ouvir a música, passando e editando para a batida ou offbeat ou como você quiser fazer as coisas funcionarem. No meu filme, eu tenho cerca de 40 clipes em torno de um segundo e meio. Você pode escolher quanto tempo deseja que cada clipe seja e como deseja que a gravação seja. Eu quero que o meu seja um pouco rápido e seja capaz de mostrar um monte de composições que eu tenho. Eu fiz isso criando cortes mais rápidos, todos dentro e fora da batida da música. Dois atalhos que eu vou mencionar que eu acho muito útil nesta fase de edição são a letra B. A letra B é uma ferramenta de edição que permite encurtar ou alongar um clipe, e mantém todos os outros clipes juntos. É realmente útil para encurtar um clipe, alongar um clipe e manter tudo junto e muito mais fluido. O segundo atalho sobre o qual falarei é o atalho N. Esta ferramenta é ótima porque permite manobrar dois clipes que estão próximos um do outro, também mantendo tudo junto e não influenciando os clipes em torno dele. Ele permite que você apenas edite dois clipes que estão
ao lado um do outro sem influenciar o resto dos clipes em torno dele. Com isso, você tem muita liberdade criativa em como deseja editá-lo. Se você quer que ele seja narrativo, se você quer que ele seja sequencial no tempo, se você quer que ele comece no final, você
quiser fazê-lo, você tem muita liberdade criativa. Sinta-se livre para continuar fazendo aquela edição e tomando decisões criativas. Então quando você chegar a um lugar onde você sente que seu filme está quase pronto para ser feito, você editou para a música, parece bom, geralmente a última coisa que eu vou fazer é pensar sobre texto e como eu quero incorporar texto. Para mim, eu só vou adicionar um cartão de título para o último tiro e incluir o texto, que é o prato, linguine toda vodka. Mas se você quiser usar textos em todo o filme, se é um vídeo de culinária que é instrutivo ou que você quer usar ingredientes, se é um dos vídeos de instruções, então você pode incluir texto em todo o filme, mas eu vou para mostrar como eu fiz isso no final. Eu queria um texto eloquente,
sofisticado, um que parecesse muito bonito. Aqui eu criei um título legado, que vou mostrar-lhe como fazer. Vá para Arquivo, Novo e, em seguida, vá para Título legado. Posso nomear a página de título, ter
certeza de que é o tamanho certo. Então aqui você tem uma opção para tantos tipos diferentes de fontes e tantos tipos diferentes de cores, e você pode realmente fazer muito com o texto aqui. O que isso faz, que Legacy Title, ele cria seu próprio arquivo aqui que você pode usar e colocar sobre a filmagem. Você pode realmente ver que eu já fiz isso aqui. Este é o meu ficheiro. Se eu clicar nisso, eu posso ver, este é o texto que eu usei, linguine toda vodka. Você pode alterar o tamanho da fonte, os aspectos, entrelinhas. Kerning é uma coisa que eu gosto de usar e eu usei aqui. Kerning basicamente espalha as letras no texto. Eu gosto de usá-lo um pouco e eu sinto como se eu gosto de como ele usa o espaço no filme. Quando você se sentir feliz com seu filme, você gosta de editar, as cores ficam boas, você está feliz com o texto, então você vai querer exportar seu vídeo, e isso é tudo. Há muito mais sobre o que poderíamos ter falado com a edição, mas quero incentivá-lo a olhar para outras aulas de Skillshare, continuar praticando, e você vai continuar melhorando e verá como pode ser divertido e o quanto controle que você tem sobre suas imagens. Você tem tantas opções criativas quando se trata de edição. É muito divertido continuar praticando. Muito obrigado por participar hoje, e te vejo na próxima aula.
8. O filme final de comida: Ei caras. Então, antes de terminarmos, eu só quero compartilhar o vídeo final que eu fiz. Espero que isso inspire você a criar seus próprios filmes e pensar em alguns dos conceitos que abordamos.
9. Conclusão: Parabéns por finalmente terminar esta aula. Estou tão animada por você. Muito obrigado por se juntar. Espero que tenham gostado desta aula, e espero que continuem a fazer filmes de comida, no futuro. Enquanto você vai junto, continue praticando composição, movimento e iluminação, e continue praticando com seus amigos, com sua família no Instagram. Quanto mais você crescer nessas habilidades, mais isso influenciará sua criatividade. Há muito mais que poderíamos ter revisto nesta aula. Mas espero que ao menos veja como a cinematografia pode ser eficaz para envolver um público. Mais uma vez, muito obrigado por participar. Por favor, não se esqueça de carregar seus projetos. Estou ansioso para ver o que você cria.
Ben Rountree, Filmmaker and Video Editor
