Escreva seu roteiro: prepare a história, a estrutura e o texto

1. Introdução: Sou Joshua Dickinson e roteirista. Comecei como ator e agora também escrevo e dirijo. Tenho ensinado cinema e consultado sobre roteiros nos últimos cinco anos. Eu realmente notei como quebrar o processo em passos realmente simples ajuda as pessoas a esclarecer suas idéias e ir de, eu tive essa idéia e eu estou pensando em talvez escrever também. Aqui vamos nós, eu tenho um roteiro acabado não tripulado. Escrevi esta aula como um guia para esse processo. Nós voltamos e olhamos para o layout do roteiro, mas nós meio que voltamos mais para trás e pensamos sobre histórias e o que elas são, como elas funcionam, como você pega uma ideia e a transforma em uma história realmente eficaz. Como você fornece uma linha de log realmente boa para essa história para que você possa lançá-la de uma maneira muito curta e sucinta, e depois quebrar essa história em estrutura. Você pode obter estrutura de três atos e estrutura de cinco atos. Como você tira todas essas idéias e faz disso um quadro de batida. Você está escrevendo todos os eventos da sua história. Em seguida, dividindo isso em cenas. Pensando em como estruturamos uma cena realmente boa, como escrevemos ação e diálogo eficazes, e então dicas sobre como escrever seu primeiro rascunho antes de reescrever segundo rascunhos, terceiro rascunhos e obtendo feedback. Quando estou aprendendo, gostaria que as coisas ficassem bem claras. Fiz o meu melhor para garantir que cada aula seja o próximo passo no processo. Se você tem um roteiro que você gostaria de escrever, você pode seguir as aulas ao longo, e espero que no final, você terá seu roteiro terminado. Eu posso ser tão ruim quanto qualquer outra pessoa falando sobre escrever e realmente fazer isso. Minha esperança é que alguém veja essa aula e em vez de pensar, oh sim, eu meio que começar a escrever isso algum dia. Só põe o café, pega uma caneta e papel e começa a escrever. 2. Roteiros: Depois de semanas de escravização em um teclado, é incrivelmente emocionante segurar seu roteiro acabado em sua mão. Afinal, esta é a coisa que você está tentando fazer. Este é o produto final. Ser capaz de abri-lo e ver todas as cenas e os personagens, a ação e o diálogo e saber que a sua história está aqui é um momento incrivelmente satisfatório. É claro que é preciso muito trabalho para chegar aqui, e estamos pulando um pouco à frente de nós mesmos, mas acho que é útil nesta fase dar uma olhada dentro de um roteiro. Os roteiros têm um formato realmente particular, e qualquer escritor, diretor ou produtor experiente será capaz de dizer se o escritor sabe o que está fazendo apenas olhando para ele. Para desmistificar esse processo misterioso, vou chicotear essas seis regras para formatar roteiros, a primeira coisa a sair do caminho, fontes. Todo mundo usa Courier. Talvez isso seja porque, antigamente, todo roteiro foi escrito em uma máquina de escrever, e desde então, as pessoas realmente não querem ver esse olhar de um roteiro mudar. Não tente explodir a mente das pessoas usando Arial ou Comic Sans. Atenha-se ao Courier e pareça mais profissional. Regra número dois: Cabeçalhos da cena. Estes estão sempre em maiúsculas e alinhados à esquerda. Eles vêm em três partes. Em primeiro lugar, você vai escrever INT ou EXT. Há significa interior ou exterior e diz-nos se a cena está dentro ou fora. Isso é realmente útil para a tripulação que tem que montar um cronograma e trazer diferentes tipos de equipamentos para diferentes locais. A segunda parte do rumo da cena é o local, e isso nos diz onde a cena está acontecendo. Pode ser um carro, um parque de campismo, um castelo ou uma mina de canários ou algo assim. A terceira parte da sua cena é se é dia ou noite. Basta deixar um traço e escrever dia ou noite, dependendo se é dia ou noite. Regra número três, ação, que está alinhada à esquerda, e aqui encontramos uma descrição de tudo o que vamos ver na tela. Como os personagens se parecem. Como é a localização. Qualquer movimento na cena. Os adereços, a maquiagem e tudo mais. É tudo encontrado na ação. Escrever ação é uma habilidade muito particular, e vamos olhar para isso mais tarde. Regra número quatro, personagem. Alinhado ao centro e em maiúsculas, isso nos diz quem está falando. A regra número cinco, diálogo, está em uma coluna central abaixo do personagem. Isso nos diz o que o personagem diz. Regra número seis, parênteses. Aqui é onde você pode colocar entre parênteses como um personagem está dizendo algo se você não acha que é realmente claro no diálogo. Você pode colocá-lo logo abaixo do personagem ou no meio de um monólogo. Regra número sete, transições. Isto é alinhado à direita e em maiúsculas, e irá dizer-lhe como passar de uma cena para outra. Este é o seu “fade in” ou o seu corte para. Pessoalmente, eu usaria estes com moderação. Transições são mais a ver com a edição, então eu só iria adicioná-las se você acha que é fundamental para como nós experimentamos a história na página. Há uma abundância de sites gratuitos que formatarão seu roteiro para você, que economiza muito tempo e permite que você se concentre na criatividade. Há, é claro, aplicativos de escrita de roteiros profissionais, mas eles podem ser muito caros, e lembre-se, é o conteúdo que é importante, não o programa em que você escreveu. Isso é formatação de roteiro. Agora você sabe como seu roteiro deve ser quando terminar. Mas como eu disse, estamos um pouco à frente de nós mesmos porque há muito trabalho a ser feito antes de chegarmos ao produto acabado. Vamos recuar um pouco, e vamos pensar na história. Porque sua história e seu roteiro não são a mesma coisa. Vemo-nos na próxima aula. 3. Histórias: O filme é um meio visual para contar histórias e os humanos adoram histórias, quer estejamos assistindo filmes e TV, lendo um livro, ouvindo um podcast. Vou ver seus amigos o que eles fizeram no fim de semana, descobrir por um par de como eles ficaram noivos ou perguntar a alguém que viajou, se eles finalmente se encontraram. Adoramos que nos contem uma história. Queremos saber o que aconteceu, como aconteceu e o mais importante, o que aconteceu a seguir? Histórias, como um incrível efeito quase hipnótico em nós. Vale a pena fazer uma pausa para refletir sobre eles. A história está no nosso DNA, é algo que fazemos que nenhum outro animal faz. Abelhas fazem colmeias, castores constroem barragens, humanos contam histórias. Desde os primeiros dias do Homo Sapiens primitivo, as histórias nos permitiram colaborar, compartilhar nossas idéias e sobreviver, seja histórias sobre a caça ou defender nossas famílias, ou cruzar paisagens épicas em busca de comida e abrigo. As histórias eram uma forma de comunicar ideias para nos ajudar a navegar pelo mundo exterior. Mas os humanos também têm um complexo mundo interior. Como pensamos e sentimos sobre nossas vidas, desempenha um papel importante nas decisões que tomamos e na forma como nos comportamos. Se eu contar uma história sobre algo que aconteceu comigo e como eu estava pensando e me sentindo na época. Você vai ter uma visão maior das razões pelas quais tomei as decisões que tomei e como me senti sobre isso depois. Talvez essas sejam coisas que possam te ajudar, coisas que você possa refletir no futuro. Ou talvez você só tenha tido esse sentimento. Compartilhar essa ideia é uma forma de criar empatia. É uma forma de entendermos um ao outro. Isso nos ajuda a pensar gentilmente sobre nós mesmos, bem como sobre todos os outros. Boas histórias aumentam a empatia. Histórias realmente fazem do mundo um lugar melhor. Como um meio de contar histórias. O filme tem muitas ferramentas à sua disposição. Os primeiros contadores de histórias tiveram que falar suas histórias em torno de uma fogueira. Mas com a tecnologia moderna, somos capazes de pegar uma história e fazê-la tocar na frente do público como se no tempo presente. Isso significa que o público é capaz de testemunhar a ação em vez de ser dito em segunda mão. Somos muito mais capazes de suspender nossa descrença e nos envolver totalmente no que está acontecendo na tela. Com o uso da tecnologia moderna, podemos editar, adicionar efeitos sonoros, música e efeitos especiais cada vez mais alucinantes. Isso significa que somos capazes de contornar o cérebro esquerdo lógico e atacar o cérebro emocional direito. filme é realmente o meio de contar histórias mais poderoso. O que é exatamente uma história? Como definimos isso? Do que é feito? O que a torna uma boa história que vale a pena contar e não apenas algo que aconteceu? Vamos dar uma olhada nisso na próxima aula. 4. Protogonista, objetivo e obstáculo: O que faz uma história? Quando eu pergunto isso em minhas aulas, geralmente as pessoas dizem um começo, um meio e um fim, ou um antagonista, ou uma reviravolta surpreendente. Essas são respostas realmente boas, coisas que você pode definitivamente incluir. Mas quando a tiramos de volta, há três coisas que precisamos fundamentalmente para fazer uma história, um protagonista, um gol e um obstáculo [NOIDO]. A primeira coisa que precisamos para que uma história seja uma história é um protagonista. Este é o seu personagem principal, o seu personagem central. Eles têm uma coisa muito importante que devem fazer e que é mudar [ruído]. Isto é o que chamamos de arco de personagem ou desenvolvimento de personagem. Isto não é apenas uma mudança superficial como cortar o cabelo. Isso significa que eles têm que mudar por dentro. Eles têm que mudar seu comportamento, eles têm que mudar suas crenças sobre o mundo. O protagonista começa a história com uma falha, uma crença sobre o mundo que os faz se comportar de uma certa maneira. À medida que a história se desenrola, sua compreensão sobre o mundo muda e essa mudança é quem eles são por dentro, afetando as decisões que tomam e a maneira como se comportam. Essencialmente, no final, eles superaram sua falha. Por exemplo, digamos que temos um personagem cuja falha é que eles são incrivelmente egocêntricos. Talvez porque a crença deles sobre o mundo é que todos estão sempre fora por si mesmos. Então, por que eles deveriam agir de forma diferente? Durante o curso da história, podemos vê-los conhecer algumas pessoas mais generosas, caso em que eles vêem a alegria que trazem e decidem mudar seus caminhos. Eles chegaram a um novo entendimento sobre o mundo e assim eles mudaram seu comportamento. Por outro lado, eles podem conhecer pessoas que são ainda mais egoístas do que são. Eles testemunham a dor que isso pode causar, então eles decidiram se tornar uma pessoa melhor porque eles chegaram outro entendimento do mundo e, portanto, mudar seu comportamento de maneira semelhante. De qualquer forma, vimos que o protagonista tem essa crença testada, mudou, e como resultado, eles mudaram seu comportamento. Há também histórias em que os protagonistas não mudam. Eles são chamados de tragédias e os personagens geralmente acabam mortos. Essas histórias são lembretes de que nossa capacidade de mudar é o que nos mantém vivos. Aderir a crenças que você sabe serem falsas pode ser perigoso. Nenhuma mudança é igual à morte. Lembre-se disso. É importante que os protagonistas não mudem facilmente. Na vida real, não mudamos nossas crenças ao cair de um chapéu. Na verdade, é incrivelmente difícil conseguir que alguém mude suas crenças. Significa admitir que está errado, o que é psicologicamente muito doloroso. Para que nossas histórias sejam credíveis, temos que forçar nossos personagens a mudar. Fazemos isso usando os outros dois fundamentos de história, objetivo e obstáculo. O objetivo é o que o protagonista está tentando alcançar. função é conduzir o protagonista e o poder da história. O público quer descobrir se vamos alcançar o objetivo ou não e assim vai continuar assistindo até o final para ver se ele termina em sucesso ou fracasso. Então Frodo tem que destruir o anel. Katniss deve derrubar a Capital e Marlin deve encontrar Nemo. O objetivo tem um efeito poderoso em nós. Quantas vezes você continuou assistindo um filme só para descobrir o que aconteceu no final? Podemos ver o efeito de ter um objetivo. Se você assistir a videoclipes, aqueles que são sempre realmente eficazes são aqueles com uma história poderosa e narrativa dirigindo-os. Mas tira um gol, e o que te resta? Uma montagem de uma estrela pop parecendo triste em câmera lenta. Estes vídeos musicais não conseguem segurar a nossa atenção. Mas aqueles com história, esses são os que continuamos assistindo até o fim. Mas se um objetivo é muito fácil de alcançar, torna-se bastante chato. Por exemplo, hoje eu precisava de leite , então fui à loja, consegui encontrá-lo no corredor. Consegui pagar por isso e depois fui para casa. Não era uma história que valesse a pena contar. Está perdendo as partes emocionantes da história, que são os obstáculos. Obstáculos são qualquer coisa que fica no caminho do protagonista alcançar seu objetivo e sua função na história é criar conflito. conflito é o que alimenta o drama. Se você estiver lutando com uma cena, então a probabilidade é que não haja conflito suficiente nela. Assim que você introduz um conflito onde alguém quer algo e algo está impedindo-o, você tem uma cena muito mais interessante. Os obstáculos aparecem em três formas. O mundo físico da história, os personagens de apoio e os protagonistas falham. O mundo físico da história contém todos os obstáculos que entrarão no caminho do protagonista alcançar esse objetivo, então em um filme de terror, pode ser uma casa assombrada contendo todas as armadilhas colocadas por um louco. Em um filme de ficção científica, pode ser a atmosfera venenosa e os planos alienígenas de um novo planeta. Em um filme chique, podem ser os objetos mágicos e castelo estranho que o protagonista está explorando. Em um ROM-com, pode ser um poço que está cheio de café apenas esperando para ser derramado em você antes de ir para a próxima reunião ou um táxi está impedindo você de chegar ao aeroporto. Em um filme de assalto, esses filmes são literalmente baseados em um conjunto cada vez mais difícil de obstáculos que você precisa para desbloquear, pular ou invadir. Ainda nem chegamos à quarta dimensão, o tempo. Se você estiver lutando para entrar em conflito em uma cena, coloque um limite de tempo nela. Hurra! Os personagens de apoio também são obstáculos para o protagonista superar. Este pode ser o antagonista que é geralmente o vilão principal ou o oponente principal do protagonista. Em um filme de super-heróis ou um filme de espionagem, geralmente é fácil descobrir quem é o vilão e, portanto, eles serão o antagonista. Em um ROM-com ou uma comédia de amigos, geralmente é o interesse romântico ou o amigo do protagonista que é o principal adversário, forçando-os a mudar seu comportamento por ser uma pessoa difícil de estar perto. Os personagens de apoio também vêm na forma de aliados e inimigos. Inimigos estão tentando impedir o protagonista de alcançar seu objetivo, enquanto aliados podem estar incentivando seus protagonistas a fazer coisas que eles não fariam dentro de sua zona de conforto habitual. A coisa importante a lembrar, é se eles são inimigos ou aliados, os outros personagens de apoio estão lá como obstáculos para colocar pressão sobre o protagonista para mudar. A mudança do protagonista deve ser a coisa mais importante para você como escritor porque escondido dentro dessa mudança está o que você está dizendo para o mundo. É o argumento que você está fazendo, a idéia que você está tentando se comunicar. A mudança do protagonista é o tema da sua história, então tema é o que precisamos olharpara a olhar próxima [MÚSICA]. 5. Tema: mudança do seu protagonista é o tema da sua história e tudo na sua história deve ser baseado nesse tema. Os locais, os personagens, os objetos, todos devem ter uma relação com esse tema. O que é isso? O tema é a moral da história. É um julgamento sobre como devemos viver nossas vidas. filmes lidam com assuntos com os quais o público-alvo se relacionará; família, casa , amigos, idade, luto, coisas que todos temos, ou todos vivenciaremos. O tema é o que o escritor quer dizer sobre esse assunto. É a visão do escritor e está incorporada no desenvolvimento do protagonista, em seu arco de caráter à medida que eles mudam da visão oposta à visão do escritor sobre o assunto. Tomemos o Rei Leão como exemplo. O tema em O Rei Leão é que nossas responsabilidades são mais importantes do que nossos desejos individuais. No início do filme, Simba deseja ir ao cemitério de elefantes, apesar do fato de que ele foi dito para não ir. Isso leva a uma série de eventos onde Mufasa tem que salvá-lo das hienas. As hienas se unem com Scar para matar Mufasa em uma debandada. Simba acredita que isso é culpa dele por causa do Scar e ele foge. Ele se encontra com Timon e Pumba que lhe ensinam que na vida, você não deve assumir qualquer responsabilidade. Eles caminham através de um tronco cantando “hakuna matata”. Significa que não se preocupe pelo resto dos seus dias. Simba está feliz em viver assim até Nala aparecer. Ela diz que o orgulho vai morrer de fome se ele não voltar e desafiar Scar e salvar sua família e o orgulho e o círculo da vida da morte certa. É a morte de novo. É sempre a morte. Não é incomum que o tema seja afirmado no início por um arquétipo ou guia que esteja lá para cuidar do protagonista. Tome um ponto se você reconhecer essas citações que nos dizem exatamente qual é o tema do filme. Com grande poder vem grande responsabilidade. Por que caímos? Para que possamos aprender a nos levantar. Use a força Luke. Aquele último talvez um pouco enigmático, mas funciona. treinamento Jedi de Luke é sobre deixar ir e confiar em seus instintos. Seguindo em frente. É muito importante conhecer o seu tema porque ele ajuda você a desenvolver um conflito em seu script. Se o seu tema é sobre responsabilidade, não há sentido em ter obstáculos que não se relacionam com esse tema. Digamos que você tem um tema, fama não lhe traz felicidade. Que tipos de obstáculos serão úteis? Locais como estúdios de TV, palcos com público, vestiários, restaurantes chiques, personagens de apoio como agentes, fãs, outras celebridades e eles têm o oposto. Se seu personagem está buscando fama, como eles reagiriam em um lugar isolado sem recepção onde ninguém os reconhece? jornada do seu personagem incorpora o tema, então você tem que se certificar de que os obstáculos entram em contato estão forçando eles a ter diferentes pontos de vista sobre esse tema. Os escritores também usaram o simbolismo para se envolver com o tema. Um símbolo é uma metáfora que expressa algo sobre o tema. Em Titanic, a jóia que Rose é dada é chamada de coração do oceano. Foi deixado no navio quando afundou e seu verdadeiro amor, Jack, se afoga. Anos mais tarde, quando ela é uma mulher velha, é recuperada por mergulhadores, mas ela pega e joga de volta para o oceano. O coração dela ainda está com o Jack. Não é muito sutil, mas é muito eficaz e eu chorei. Tema sempre leva algum pensamento sério. Muitas vezes, é a parte mais difícil de inventar a sua história. Objetivos e obstáculos são fáceis de chegar. Mas trabalhar fora o seu tema, o que você quer dizer sobre um assunto em particular que pode ser um pouco mais difícil. Mas trabalhar no início é muito importante porque vai afetar todos os aspectos da sua história. Ok, agora nós entendemos como as histórias funcionam. Agora precisamos pensar especificamente sobre como as histórias funcionam na tela. 6. Narrativa visual: O filme é um meio visual. Não quero menosprezar a importância do som no cinema, mas prestamos mais atenção ao que vemos do que ao que ouvimos. Para o roteirista, isso significa que suas palavras devem descrever imagens em movimento. Até agora, conversamos sobre histórias e como elas funcionam. Agora, precisamos pensar em particular, sobre como as histórias funcionam na tela. Como o filme é um meio visual de contar histórias, o público está recebendo a narrativa através das imagens que estão vendo. É por isso que a regra de ouro para roteiristas é: “Mostre, não conte.” Se eu abrir um roteiro e só ver página após página de diálogo, eu já sei que algo não está certo. Cenas de diálogo longas funcionam muito bem no palco porque o público lá está recebendo a narrativa através das palavras que eles estão ouvindo. Mas no filme, prestamos mais atenção às imagens do que ao diálogo. Quando abrimos um roteiro, devemos ver muita ação. Isso tem um enorme efeito sobre como entendemos nosso protagonista. Em vez de ter um monólogo longo que descreve exatamente o que está acontecendo dentro da cabeça do personagem, precisamos entender como eles estão pensando e sentindo através de suas ações, em particular, as decisões que eles tomam ao reagir aos obstáculos. Digamos que uma pessoa idosa cai do outro lado da rua. O que seu protagonista faz? Eles se apressam e ajudam imediatamente? Ou eles tentam ir embora? Eles riem cruelmente? Ou passar por cima e fingir ajudar enquanto roubava secretamente a bolsa deles? Todas essas ações nos dizem algo sobre seu personagem e quem eles são. Aprendemos se eles são gentis, ou insensíveis, ou cruéis, ou manipuladores. Cada ação nos revela algo sobre quem é esse personagem. É por isso que os filmes mudos foram capazes de viajar ao redor do mundo. Todas as complexidades de caráter e enredo foram capazes ser comunicadas através da ação, através do comportamento na tela. Não foi retido por línguas diferentes. É por isso que é tão importante criar obstáculos verdadeiramente desafiadores para seus personagens. Descobrimos quem realmente são quando estão sob pressão. Quando as coisas estão indo do seu jeito, é muito fácil ser agradável e agradável. Mas quando as coisas ficam difíceis, é quando você descobre quem realmente é. Ao pensar em criar obstáculos para seus personagens, escolha obstáculos que são realmente desafiadores, que realmente os testariam e revelem quem eles realmente são por baixo da máscara. Uma nota sobre a criação de personagens interessantes, geralmente é muito mais interessante criar um personagem que se comporta de forma anormal, alguém que grita em uma biblioteca, ou salta uma fila, ou estaciona um carro no meio de uma auto-estrada. Essas coisas são mais interessantes porque são anormais. É a anormalidade que cria caráter, e ninguém é normal. Todos podemos nos relacionar com esse sentimento de ser um pouco estranho. Eu não sou normal. Eu não sou. “ Mostrar, não contar” também é uma boa regra para revelar histórias de personagens ou informações que precisamos saber no enredo. O que queremos evitar é o diálogo expositivo. Diálogo expositivo é onde os personagens explicam algo que realmente é para o benefício do público e não realmente para os personagens do filme. Evitar o diálogo expositivo ao nos mostrar informações é mais desafiador, mas é muito mais agradável para o público. Sentimos como se pudéssemos juntar a peça do quebra-cabeça , em vez de apenas nos dizerem coisas. Mostre-nos. Como é o interior da sua casa de personagens? O que tem dentro da geladeira deles? Que fotografia eles têm na parede? Há algum objeto incomum que eles carregam que tenha um significado particular para eles? O público gosta disso. Gostamos de nos sentir como um detetive juntando evidências. Dê-nos essa evidência em imagens e não depoimentos de testemunhas, para esticar um pouco a analogia. Todas estas são formas de comunicar informações visualmente a um público. Tenho certeza que você terá muitas idéias. Está bem. Analisamos todos os componentes que precisamos para fazer uma história funcionar na tela. Agora, vamos pensar em como pegamos uma ideia e a criamos para estar prontos para uma história na tela. Na indústria cinematográfica, chamamos esse processo de desenvolvimento. 7. Desenvolvimento e Logline (projeto do curso 1): Quando comecei a fazer filmes, o maior problema que tive era não saber pegar minhas idéias francamente incríveis e transformá-las em um roteiro de sucesso. Eu começaria a escrever em uma página em branco e descobriria que [inaudível] fora provavelmente porque a idéia não foi totalmente concretizada. Agora, sempre que tenho uma ideia, levo-a através de um processo chamado desenvolvimento. Uma ideia pode vir até nós de muitas formas. Algumas pessoas vêem imagens, outras pensam em personagens ou situações. Para algumas pessoas, é imaginar um período de tempo ou uma sequência de ação. Talvez tenha lido um artigo ou uma história autobiográfica. A lista do que pode inspirar uma ideia é infinita. Na indústria cinematográfica, a fase de desenvolvimento é onde você pega uma idéia e resolve todas as torções, tornando a história o mais forte possível antes de escrever uma única palavra de um roteiro. Como podemos pegar uma ideia e transformá-la em uma história? Primeiro, você precisa descobrir qual parte da história você tem e, em seguida, descobrir quais partes você precisa. Porque, como vimos, diferentes partes da história servem funções diferentes. Ao descobrir o que você tem, você pode descobrir as outras partes da história que você precisa com base em seu relacionamento um com o outro. Que parte da história você tem? É um protagonista, um objetivo, um obstáculo ou um tema? Isso nem sempre é tão simples quanto parece. Ser muito claro consigo mesmo sobre qual parte da história você tem é realmente importante. Depois de saber qual parte da história você tem, você pode fazer a si mesmo algumas questões-chave para descobrir quais as outras partes da história devem ser. Se você tem um protagonista, qual é o seu andar e como eles vão mudar? Se você notar, você pode pensar em uma combinação de um objetivo e obstáculos que vai forçá-los a mudar. Pergunte a si mesmo: “Para que trabalho eles seriam menos qualificados?” Pedir isso pode ajudá-lo a pensar em um objetivo que os forçará a mudar. Se você começou com um gol, quem seria o pior protagonista para esse gol? Quem acharia isso o mais difícil e mais desafiador? O que seria, portanto,? Como eles precisariam mudar? Em seguida, escolha obstáculos ao longo de seu caminho que forçarão essa mudança. Se você tem um obstáculo, que objetivo ele ficaria no caminho? Quem é o protagonista que acharia esse obstáculo o mais difícil de lidar? Como eles precisariam mudar para ter sucesso? Se você já começou com o tema. Pense em um protagonista que teria mais a aprender com esse tema. Pense em um objetivo que os colocaria em conflito com obstáculos que os forçariam a escolher entre diferentes pontos de vista sobre esse tema. Lembre-se que o personagem nos leva para o que você quer ser seu argumento final sobre esse tema. É bom começar com alguém que tem basicamente o ponto de vista oposto. Você pode começar a ver questões familiares surgindo, não importa onde você começou. Uma vez que você tem uma idéia, você precisa desconstruí-la para que você saiba quais partes da história você tem e quais partes você então precisa preencher. Você está olhando para criar um protagonista defeituoso que tem um objetivo, que vai enfrentar obstáculos que os forçaram a mudar. Essa mudança vai ser o tema da sua história. Acertar isto nesta fase é muito importante porque vai afectar cada palavra que escreveres. Para esclarecer sua ideia e tornar sua história o mais forte possível, vamos escrever algo que a indústria espera que você tenha para cada projeto. Um logline. [ MÚSICA] A indústria cinematográfica está cheia de pessoas ocupadas e pessoas que gostam de parecer ocupadas. Um logline é uma maneira muito boa de comunicar a ideia da sua história da maneira mais curta possível. Apenas na chance de você conhecer o produtor ou diretor em uma festa ou em um elevador. Seu logline precisa comunicar tudo o que ele é para saber sobre sua história de uma forma curta e muito envolvente. Quando eu ouvi isso, eu deveria entender quem é o protagonista, qual será o objetivo, quais obstáculos eles estarão enfrentando, e uma ideia aproximada sobre o tema que você estará explorando. Aqui estão alguns exemplos [MÚSICA]. Você pode ver a partir desses exemplos que um logline lhe diz três dos principais elementos da história muito claramente, o protagonista, objetivo e obstáculos. Se você pensar um pouco sobre isso, você vai descobrir qual é o tema. Agora é a sua vez. Estamos na fase de desenvolvimento. Eu quero que você pegue sua idéia, descubra qual parte da história você tem e quais partes da história você precisa. Comece a gerar muitas ideias, anote-as todas, descubra o que elas oferecem em termos de locais, personagens de apoio, obstáculos. Certifique-se de que tomou uma decisão sobre o seu gênero. Certifique-se de que você está escolhendo obstáculos que irão criar conflitos que são certos para um filme de terror e não uma comédia. Se é isso que vai fazer de você. Uma vez que você vem acima com todas essas idéias, você tem que começar a tomar decisões sobre a história que você vai contar. Em última análise, isso se resume ao seu instinto criativo. Escrever um roteiro leva muito tempo. Qual versão da sua história você quer passar o tempo escrevendo? Qual funciona melhor? Qual deles você é naturalmente atraído? Depois de escolher todos os elementos da história? Agora é a hora de escrever seu logline. Torne isso simples, claro e envolvente, e depois vá e diga para as pessoas, veja se estão interessadas. Roteiristas profissionais gastaram muito tempo apenas inventando loglines e depois testando-os. Escrever um roteiro leva muito tempo. Elaborar sua ideia de história e, em seguida, avaliar se as pessoas estão interessadas é uma boa ideia antes de começar a passar semanas, talvez meses, ou mesmo anos trabalhando em seu roteiro [MÚSICA]. É hora dos projetos de aula, e a primeira coisa que quero ver é o seu logline. Você pode baixar uma planilha de logline útil na seção Projeto e Recursos abaixo. Depois de ter feito, não se esqueça de enviá-lo para feedback. [ MÚSICA] Digamos que temos a história toda planejada e nosso logline está pronto para ir. Estarei pronto para começar a datilografar. Ainda não. Entre a história e o roteiro, temos que trabalhar a estrutura. [ MUSIC] 8. Estrutura: Certo, então temos nossa história e nossa linha de registro. Estamos prontos para abrir uma página em branco e começar a digitar? Não é bem assim. Entre a história e o roteiro, temos que olhar para a estrutura. Aristóteles, o antigo filósofo grego que foi o primeiro a apontar que uma história precisava de um começo, um meio e um fim. Esta observação é verdadeira hoje e evoluiu ao longo tempo para formar a estrutura padrão para a indústria cinematográfica. É conhecida como a estrutura de três atos, e parece assim: uma linha horizontal e duas linhas verticais. Esta é a forma em que a nossa história pode cair. Três seções chamadas de três atos, divididos por duas linhas chamadas pontos de viragem na história. O primeiro ato é chamado de configuração. segundo ato é o conflito e o terceiro ato é o clímax e a resolução. O primeiro ponto de viragem é chamado de incidente incitante. O segundo é chamado de crise. Vamos pegar estes um por um. O primeiro ato é a armação. É onde encontramos o seu protagonista. Nós descobrimos quem eles são no início da história, e o mais importante, descobrir qual é a falha deles. Essas cenas nos mostram seu mundo e como eles se comportam com ele. Pode incluir seu trabalho, seus amigos, vidas amorosas e família. Este é o seu protagonista em seu mundo normal e vemos como suas crenças atuais afetam seu comportamento. O primeiro ponto de viragem é o incidente incitante. Este é o evento que define o protagonista em busca de seu objetivo. Foi quando Frodo recebeu o anel, quando Katniss se voluntariou para salvar sua irmã e quando o [inaudível] está desaparecido. Não deve demorar muito para chegarmos aqui. Configure o protagonista de forma rápida e clara e, em seguida, obter uma direta para o incidente incitante. No segundo ato, conflito, o protagonista persegue o objetivo, encontrando obstáculos ao longo do caminho. Esses obstáculos os forçaram a mudar e fazê-los avaliar sua crença sobre o mundo. O segundo ponto de viragem é a crise. Este é o lugar onde o protagonista está no seu ponto mais baixo do filme e eles acreditam que tudo está perdido. É no segundo ponto de virada que o protagonista é capaz de refletir e mudar suas crenças, indo para o terceiro ato com uma nova compreensão do mundo. Terceiro ato, clímax e resolução, onde o protagonista está armado com este novo entendimento, dirige para o clímax da história e consegue ou falha em alcançar seu objetivo. Na resolução, descobrimos o que acontece com o personagem agora que eles têm esse novo entendimento, e também amarramos quaisquer tópicos de história soltos. Se não for imediatamente claro como sua história se encaixa nessa estrutura, eu sugiro voltar para sua linha de log e realmente olhar para o seu objetivo protagonista, obstáculo e tema. A estrutura da história é projetada de modo que o básico da história pode caber nele agradável e ordenadamente e deve dar-lhe uma maneira de entender o que deve acontecer quando na história. Se você pode ver claramente onde sua história se encaixa nesta estrutura, então você está pronto para seguir em frente. Cada ato tem uma certa estrutura. Então vamos dar uma olhada no ato. 9. Atos (projeto do curso 2): O que é um ato? Um ato é um curso de ação que o protagonista está perseguindo para alcançar esse objetivo. Você pode pensar nisso como um sub-gol. Por exemplo, se você quiser fazer um assalto, primeiro, você precisa construir a equipe. Se queres ser um super-herói, primeiro tens de treinar com os teus poderes. Se queres explodir a Estrela da Morte, primeiro precisas de um piloto para te tirar de um Tatooine. Uma vez que um protagonista completa um curso de ação ou se esse curso de ação não é mais possível, o protagonista atinge um ponto de viragem e é então transformado em um novo ato. A estrutura de três partes da nossa história, a configuração, o conflito e a resolução, é replicada dentro de cada ato. É útil pensar nisso como um triângulo. Cada ponto representa a configuração, o conflito e a resolução, a linha diagonal no caminho para cima representa a ação crescente e a linha diagonal no caminho para baixo representa a ação caindo. Com um curso de ação em mente, o protagonista se move em direção a este sub-objetivo, encontrando o maior conflito no auge do triângulo, então eles reagem, respondendo ao seu sucesso ou fracasso na ação caindo. Vimos que temos um ato ou curso de ação onde o protagonista está construindo uma equipe para um assalto. Na ação crescente que protagonista anda por aí contratando seus membros da equipe para o assalto, encontrando o maior conflito no topo, talvez alguém está se recusando a participar ou precisa sair da prisão primeiro. Na ação de queda, uma vez que o protagonista tem a equipe, eles tiveram que treiná-los para o trabalho à frente. No clímax e resolução, é claro que a equipe está pronta para o assalto e eles atingem um ponto de viragem onde eles devem seguir um novo curso de ação, realizando o próprio assalto. Em cada ato de sua história, você deve conhecer a causa da ação que seu protagonista está perseguindo. O que eles estão tentando alcançar? Mesmo no primeiro ato antes do incidente incitante, o protagonista deve estar perseguindo um curso de ação na vida então normal. O terceiro ato tem o clímax em seu auge, a ação ascendente é o empurrão final em direção ao gol, e a ação de queda está amarrando a história depois. O primeiro e o terceiro atos geralmente são os mais fáceis de elaborar. O segundo ato é um pouco mais difícil, não só porque é um pouco mais longo, mas também porque é aqui que o protagonista vai enfrentar todos os obstáculos que os farão mudar. O pico do segundo ato é chamado de ponto médio, e geralmente é um momento importante para o personagem. Depois disso, não há volta. É a combinação da ação crescente na primeira metade, onde o protagonista está perseguindo o objetivo, e depois eles estão respondendo principalmente aos eventos. Como acontece com qualquer grande problema, é sempre uma boa idéia quebrá-lo, e há diferentes abordagens para fazer isso com o segundo ato. Algumas pessoas dividem em dois com o ponto médio no meio e resolvem a ação crescente e caindo. Outros, inclusive eu, gostam de dividir este segundo ato em três, dando-lhe uma estrutura de cinco atos. O benefício de uma estrutura de cinco atos significa que você pode acompanhar mais de perto a jornada do seu protagonista. Nesta nova estrutura de cinco atos, o segundo ato é onde o protagonista é capaz experimentar com este novo entendimento sob novo comportamento. É aqui que os super-heróis podem experimentar novos poderes sem consequências. No terceiro ato, o protagonista aprende que esse novo comportamento vem com conseqüências, ou eles ou alguém próximo a eles se machuca. Isso significa que eles recuam para seu antigo comportamento no ato quatro. Mas ao fazê-lo, isso causa ainda mais problemas e leva à crise. No segundo ponto de viragem, eles percebem que devem adotar essa nova crença, esse novo comportamento, independentemente de quão doloroso é para alcançar o objetivo. Eu realmente gosto da estrutura de cinco atos porque ele força você a pensar sobre como o protagonista está se desenvolvendo como ele persegue diferentes cursos de ação. Isso é o que é um ato e como eles funcionam. Agora você pode voltar à sua história e descobrir o que acontece em cada ato, que curso de ação seu protagonista vai perseguir para alcançar esse objetivo. É hora do nosso projeto de segunda classe, e desta vez eu quero ver sua estrutura. Você pode baixar uma planilha de estrutura útil na seção de projetos e recursos abaixo, cobrindo a estrutura de três e cinco atos, e quando terminar, não se esqueça de enviá-la para feedback. Uma vez que você tenha trabalhado seus atos em todos os seus cursos de ação, você estará pronto para ver as batidas da história. 10. Beats de história: Nós temos nossa história, que nós quebramos em uma estrutura de três atos, e cada ato agora tem um curso de ação. Agora, temos que preencher esses atos com os eventos da história, que chamamos de história de batidas. Este é um estágio muito divertido e criativo do processo de escrita. Eu aconselharia obter algumas notas pegajosas ou alguns cartões coloridos recordes, a fim de mapear suas batidas de história. Cada batida representa um evento na história e precisa de quatro coisas: um título, o conflito, a mudança emocional e notas. O título deve ser uma breve descrição do que acontece nessa batida. O conflito deve delinear o conflito dentro da batida; quem quer o quê e quem está tentando detê-los. A mudança emocional nos diz como o protagonista muda dentro da cena, certificando-se de que temos uma mudança emocional. Dentro das notas, eu incluo todas as ideias que tive para a batida; linhas, ação, qualquer outra coisa. Quando você começar, desça todas as grandes batidas que você já pensou. O incidente incitante, o ponto médio, a crise, o clímax, essas batidas que você já conhece. Anote esses e comece a colocá-los em filas de acordo com os atos em que estão. Algumas pessoas gostam de fazer isso horizontalmente, algumas pessoas gostam de fazê-lo verticalmente, eu gosto de fazê-lo horizontalmente e também trabalho em cinco atos, então eu vou ter cinco linhas horizontais. Sei que meu incidente de incitação virá no final do primeiro ato, então vou colocar isso aqui. Eu sei que meu ponto médio virá bem no meio do filme, então o meio do terceiro ato na terceira fila e meu clímax vai acontecer no meu quinto ato, então será aqui no meio de novo. Então você quer preencher todas as outras batidas que você puder. Isto é de um roteiro que escrevi há alguns meses, então vou expô-los agora, e a final está lá. Isso é o que eu fiz antes, então isso foi um pouco trapaça. Mas enquanto você está preenchendo o seu beat board, você terá muitos espaços vazios e você está se tornando fora de muitas batidas diferentes. Quando você olha para isso, você tem que olhar em qual ato ele está, que curso de ação seu personagem está perseguindo e trabalhar fora batidas na história que cumprem esse curso de ação. Claro, com a ação crescente no lado esquerdo e a ação caindo no lado direito, você deve ser capaz de criar os tipos certos de batidas que estarão seguindo seu caminho de sua história. Quantas cartas de batida você precisa? Depende da pessoa e do que funciona para você. Pessoalmente, descobri que nove cartas de batida por cada um dos meus cinco atos funcionaram muito bem. Um número ímpar de cartas significa que eu tenho um cartão do meio que pode representar o pico, o maior conflito em cada ato e eu sei que pelo outro lado, eu vou bater um ponto de viragem que vai me mandar de volta para o próximo ato. Normalmente, eu acho que eu tenho um pouco menos cartas no ato final porque quando eu chegar à resolução, eu só gostaria de terminar as coisas bem e rapidamente. Uma vez que eu estou feliz com o layout e acho que cada batida está no lugar certo, eu vou começar a ler e adicionar o máximo de detalhes para cada batida que eu puder, então obter o conflito lá dentro, a mudança emocional e adicionar notas sobre o diálogo ou momentos que eu quero ver nessa batida. É muito útil porque então você pode ler o seu quadro de batidas como se fosse um primeiro rascunho, indo do primeiro ato até o seu ato final e sentindo o ritmo do seu roteiro. Ser capaz de fazer isso é realmente útil porque às vezes você vai sentir que uma batida está em um lugar errado então você pode trocá-la por outra batida e perceber que na verdade sua história vai funcionar melhor em uma ordem diferente, ou você pode perceber que esta batida particularmente na verdade não está adicionando nada à história e você pode jogá-la. Outra coisa realmente útil a fazer enquanto você está passando é olhar para fora quando você está introduzindo personagens de apoio. Quando você encontrar um, escreva uma breve biografia sobre eles, descubra como eles são um obstáculo para o seu protagonista. Qual é a relação deles com o tema? Ter toda essa informação vai ser muito útil quando você vem para escrever seu rascunho. Nesta fase, quanto mais detalhes, melhor. Quando um beat board termina? Pessoalmente, eu gosto de trabalhar neste palco o maior tempo possível, adicionando mais e mais detalhes até parecer que se eu fosse adicionar mais detalhes, eu poderia muito bem descrever o roteiro. Acho que finalmente está na hora de ver como escrevemos um roteiro. 11. Cenas: As cenas são a menor unidade em sua estrutura de história. Quantos você precisa e quanto tempo eles são depende da sua história. Como nos certificamos de que a cena está funcionando na sua história? Você pode começar a escrever suas cenas com base em suas batidas de história. Às vezes você vai ter uma batida para uma cena. Às vezes você tem várias batidas em uma cena, e às vezes você vai querer um cruzamento entre cenas em várias batidas. Cada cena é uma pequena história dentro de si mesma. Tal como os nossos actos , tem uma armadilha, um conflito e a resolução. Antes de começar a escrever sua cena, você deve saber o que um personagem quer, quais os obstáculos que vão ser, e como isso irá gerar conflitos e como eles vão mudar até o final. Esta não é uma grande mudança como você veria no final do filme, mas apenas uma pequena mudança emocional que faz parte da jornada. Uma vez que eu anote essas três coisas, eu vou apontar qualquer outra idéia que eu tenha visto e assim eu vou ter todo o material que eu preciso para que eu possa começar a escrever a cena. Um conselho comum para escrever cenas está chegando tarde, sair mais cedo. Isso simplesmente significa se livrar de todos os pedaços chatos. Então não precisamos ver o personagem chegando no café escolhendo seu café, pagando por ele, esperando por ele, pegando seu troco, sentando, esperando que outros personagens cheguem ou esse tipo de diálogo de abertura, Você começa, oi, como você está? Eu estou bem. Obrigado. Como você sim, estou bem. Obrigado. Podemos cobrir isso. Leve-nos direto para o meio da ação. E o mesmo vale para o fim. Será que nós sempre precisamos ver o personagem saindo, ou podemos cortar fora da cena assim que soubermos o que essa parte da história é sobre, há algumas dicas principais comuns para escrever cenas que eu vou cobrir em nossa classe em primeiro lugar rascunho. Primeiro, quero dar uma olhada mais de perto na ação de escrita. 12. Ação: Ok, agora estamos chegando muito perto de escrever naquela página em branco. Cada cena é composta de ação e diálogo. Vamos levá-los um de cada vez. A ação precisa descrever tudo o que o público vê acontecer. “ Josh abre a porta, senta-se na mesa, abre o laptop e digita um e-mail.” Esta ação é simples e clara, eu posso ver o que está acontecendo, eu sei exatamente o que o personagem está fazendo, mas podemos torná-lo um inferno de muito melhor. Lembre-se, mostre, não conte. O filme é um meio visual e queremos entender o que esse personagem está pensando e sentindo através de seu comportamento, através de sua ação. Em um romance, você poderia escrever o que estava acontecendo dentro da cabeça de Josh. Ele pode estar furioso, por exemplo, “Josh abre a porta, ele está extremamente zangado. Ele se senta em sua mesa, abre seu laptop e digita um e-mail.” Então, isso parece útil. Nós entendemos que Josh está extremamente irritado, mas na verdade é totalmente inútil em um roteiro porque eu não posso filmar isso. Não consigo filmar muito zangado. Alguém pode estar se sentindo extremamente irritado por dentro, mas pode não estar mostrando isso por fora. Então, o que quer dizer? Qual é o comportamento deles? O que eles estão fazendo com suas ações? Queremos entender o personagem através de suas ações, através de seu comportamento. É por isso que é incrivelmente importante os verbos, as palavras de ação que você usa. O Josh abre a porta de uma forma neutra ou atira-a, empurra-a, força-a abrir, cutuca. Há tantas maneiras de abrir uma porta e de cada maneira que você abre, isso nos mostra como você está se sentindo. Vamos ver se podemos reescrever a ação e usar verbos para expressar essa raiva sem realmente ter que dizer isso. “ Josh abre a porta, batendo contra a parede. Ele se coloca em sua cadeira e martela nas chaves do seu laptop.” Eu não disse nada sobre como Josh está se sentindo, mas está bem claro que ele não está de bom humor. Então, quando você estiver escrevendo sua ação, veja se você pode expressar como seu personagem está se sentindo com essa ação. Você também precisará descrever locais e objetos para que possamos visualizá-los. Não escreva parágrafos poéticos longos, mas dê-nos descrições curtas que nos dão um pouco de uma sensação disso. Então digamos que você está tentando descrever o escritório de Josh, “Um escritório de plano aberto com tapetes manchados e armários quebrados.” Só estou dizendo o que o público verá, não adicionando parágrafos longos sobre como tudo se sente. É nos detalhes que você pode comunicar a sensação de um local. E cenas de ação, lutas, danças, sequências de perseguição? Cabe a você criar uma sensação de excitação em suas palavras. “ Ele prende a respiração, não está se movendo. Ele ouve, chocalho. Ele olha para a porta meio aberta, chocalho. Ele se lança passou a cobra gigante. Estala em cima dele, as presas cortam a perna, ele desmorona, vira para olhar para a cobra. Ela se eleva acima dele.” O leitor de roteiros quer ser levado em uma jornada e vovó dita o ritmo de sua experiência de leitura. Uma vírgula mantém uma frase indo e vê denotar uma pausa, um traço duplo irá acelerá-lo. A gramática é como um condutor para o ritmo das frases. Dê uma chance. Ok, isso é suficiente em ação. Você poderia escrever um filme mudo com isso, mas eu tenho certeza olhar para o diálogo e seria útil. 13. Diálogo: Ok, eu disse que já falamos o suficiente sobre ação, mas diálogo é ação. Diálogo é ação. Falar é algo que fazemos para conseguir o que queremos. Então, toda vez que um personagem tem uma linha de diálogo, isso é algo que estamos fazendo para alcançar um objetivo. Se o diálogo é ação e ação nos diz sobre seu caráter, isso significa que a maneira como os personagens usam o diálogo nos diz sobre quem eles são. Então, sempre que você está escrevendo diálogo, pergunte a si mesmo, o que o personagem está fazendo com este diálogo? O que eles estão fazendo com suas palavras? Eles são encantadores, atacando, dispensando, criticando, desviando? Podemos fazer todas essas coisas com linguagem. Então, se você está lutando com uma linha de diálogo, pergunte a si mesmo, o que o personagem está tentando alcançar e quem são eles? Como eles estão tentando alcançá-lo? Para obter o diálogo o fluxo, o que você precisa é de conflito. Para dar uma olhada nisso, vamos escrever um pouco de diálogo realmente ruim e ver como podemos melhorá-lo. Amy, “Ei Ben, você vai sair comigo?” Ben, “Sim”. Amy, “Ótimo, te vejo na sexta”. Tão ruim, que realmente dói escrever. Certo, acho que podemos melhorar isso. Primeiro, você se lembra da nossa estrutura de três atos. Temos a nossa configuração e sabemos a nossa resolução, mas o que nos falta é o conflito. Então a primeira coisa a fazer é fazer isso direito. “ Ótima apresentação hoje.” “ Você estava lá?” “Não, mas todo mundo está falando sobre isso.” “Eles estão?” “ Sou só eu ou esta semana está realmente arrastando? Aposto que tem grandes planos para o fim de semana. Levando a namorada para jantar na sexta?” “Eu não tenho um.” “ A sério? Estranho. Eu ia ver este novo restaurante arcade se você quiser vir junto. Para companhia.” “ Ok. Claro. Eu tenho que correr. Envio-lhe o meu número mais tarde.” “ Vejo você Ben.” Ok, está melhorando. Agora temos algum conflito. Amy é tímida, então ela acha difícil se aproximar do Ben e é resistente. Ele é monossilábico não-comprometido, é um obstáculo mais difícil de contornar. O que eu acho que é uma grande melhoria é que agora sabemos o que Amy quer, mas ela nunca diz isso. O que ela quer está escondido no subtexto. Usamos as palavras, o texto e o subtexto para diferenciar entre o que as pessoas dizem e o que elas realmente significam. Por exemplo, estou com frio, poderia significar, por favor, você pode fechar a janela? O texto seria, eu estou com frio e o subtexto seria, por favor, você pode fechar a janela? Vamos dar uma olhada no que o subtexto poderia ser nesta cena. Ótima apresentação hoje. Eu te amo. Você estava lá? Não te vi aí dentro. Todo mundo está falando sobre isso. Não, isso é embaraçoso. Eles estão? Não, não são. Sou só eu ou esta semana está realmente arrastando? Aposto que tem grandes planos para o fim de semana. Levando a namorada para jantar na sexta? Esqueça o que eu disse. Você tem namorada? Eu não tenho um. Não. Realmente? Estranho. Eu ia ver este novo restaurante arcade se você quiser vir junto. Para companhia. Brilhante, estou tão contente. Você poderia vir a este novo restaurante seria este fim de semana? Eu te amo. Ok, claro. Eu tenho que correr. Mandarei um e-mail para você mais tarde. Isto é tudo bom, mas não terrível. Está bem, fixe. Vamos parar de falar sobre isso agora mesmo. Vejo você Ben. Ela ainda está estranhamente falando sozinha no final. Ela aparece como um pouco de um pycho. Este diálogo não vai ganhar nenhum prêmio, mas tem conflito e o texto está escondendo o subtexto, o que o torna uma cena razoavelmente bem sucedida. Certo, então isso foi ação e diálogo. Temos a nossa história, temos a nossa estrutura e temos os nossos actos, temos as nossas batidas de história, temos as nossas cenas sabemos como escrever acção e diálogo, por isso estamos prontos para escrever o primeiro rascunho. 14. Primeiro esboço: Aqui vamos nós. Os primeiros rascunhos são confusos, você só tem que continuar. O objetivo é não ter uma versão perfeita do seu roteiro da primeira vez é ter um rascunho completo que você pode voltar e editar. Temos falado muito sobre escrever, mas a máxima é verdadeira. Escrever é reescrever. No final do seu primeiro rascunho, você teria transformado o máximo possível de seu plano em um roteiro que você pode voltar e editar mais tarde. Aqui estão as minhas principais dicas para trabalhar no seu primeiro rascunho. Número 1, fique na história. Seguir o plano. Volte para a sua história, personagens e eventos assumem suas próprias mentiras, e você vai querer entrar em alguma dessa criatividade intuitiva. Alguns dos seus melhores trabalhos vão sair disso. Mas, em última análise, você precisa chegar ao fim da história e, às vezes se você seguir essas linhas de pensamento longe demais, isso vai levá-lo tão longe que você não pode voltar ao caminho. Sempre retorne ao seu plano e certifique-se de que continua na história. Dois, conflito. Todas as cenas devem ter conflito. Se uma cena não parecer que está funcionando, pergunte a si mesmo qual é o conflito. Adicione mais obstáculos, torne as coisas mais difíceis para seus personagens. Sem obstáculos, não há escolhas, então não há caráter. Três, continue. Não fique preso em coisas que não estão funcionando. Às vezes você pode simplesmente deixar um suporte de lugar. Um detentor de lugar pode ser uma linha de ação que descreve o que deve acontecer aqui. Você só não trouxe a maneira perfeita de escrever ainda. Você poderia escrever no diálogo. Apenas, alguém diz algo aqui por isso, isso significa, você sabe o que tem que acontecer lá, mas talvez você não esteja pronto para escrever ainda. Escreva algo e siga em frente. Eu já disse isso, mas escrever é reescrever. Você vai voltar a isso. O que você precisa é de um primeiro rascunho completo que você possa editar. Finalmente, trabalhe seu processo de escrita individual. As pessoas têm métodos diferentes para fazer a escrita. Você vai ter que descobrir o que funciona para você. Algumas pessoas gostam de escrever de casa, outras preferem trabalhar em um café. A maioria das pessoas que conheço gosta de acordar cedo e começar a escrever antes que as distrações diárias atrapalhem. Pessoalmente, eu gosto de acordar muito cedo, colocar uma panela de café e começar a trabalhar a partir de cerca de 6:00 da manhã, eu vou escrever até o meio do dia passado até eu ficar cansado, então talvez 2:00 ou 3:00 horas. Nesse ponto, meu cérebro vai ser queimado e eu vou parar e deixá-lo para o dia seguinte. Na manhã seguinte eu vou começar a chegar às 6:00 com aquela cafeteira e eu vou ler sobre o que eu escrevi no dia antes de fazer pequenos pedaços de edições eu vou e isso apenas me ajudou a entrar no ritmo da história novamente, e então eu apenas continue escrevendo até meados da tarde. Gosto muito de escrever um primeiro rascunho. Você é realmente capaz de entrar em um fluxo criativo. Também pode ser incrivelmente enlouquecedor às vezes e é incrivelmente solitário. Também ir e ver amigos à noite eu vou recomendar isso. É isso. Hora de ir escrever seu primeiro rascunho. Divirta-se. Eu estarei aqui. Isso é tudo o eu queria dizer antes de você escrever seu primeiro rascunho, então ou você pode ir embora e fazer isso agora e voltar para a aula ou pode se juntar a mim para reescrever os segundos rascunhos e feedback. 15. Escrevendo novamente e feedback (projeto do curso 3): Se você está assistindo isso tendo concluído um primeiro rascunho, bem feito, isso é uma conquista maciça. O processo cinematográfico é muito longo e vale a pena comemorar em todas as etapas, então o que vem a seguir? A primeira coisa a fazer é fazer uma pausa. Você precisa de um pouco de distância do seu trabalho, e francamente, você mereceu. Sair e ver amigos, ir ao cinema, ler livros, fazer o que quiser fazer. Você precisa colocar um pouco de distância entre você e seu primeiro rascunho. É muito importante porque quando voltarmos ao nosso primeiro rascunho, precisamos ser capazes de analisá-lo de forma objetiva e desapaixonada. Caso contrário, uma das duas coisas tende a acontecer. Isto é incrível. Isto é horrível. Podemos ser nossos próprios piores críticos e também alheios a falhas quase óbvias. Como vamos seguir em frente? Reescrita e feedback. Depois de completar um primeiro rascunho? Eu faria uma reescrita antes de enviá-lo para qualquer feedback, isso me dá a oportunidade de esclarecer quaisquer erros ortográficos e gramaticais. Mas também vou me fazer algumas perguntas muito importantes. Primeiro, a história está clara? É tudo sobre contar histórias. Se você entregar seu roteiro alguém e eles demorarem para lê-lo e começar a se sentir perdido na história, eles vão colocá-lo para baixo. Enquanto você lê, pergunte a si mesmo se a história é clara e empurrando, e se não é perguntar a si mesmo por que isso é: a cena parece que está acontecendo por muito tempo, você precisa cortar um pouco dela, ou talvez você tenha gasto muito tempo longe de seu protagonista ou seu objetivo principal? Pergunta 2, o desenvolvimento do meu protagonista está claro? É claro quem eles são no início do filme e como eles mudaram até o final. Será que essa mudança foi forçada a eles por entrarem em conflito com obstáculos, ou eles mudaram sem nenhuma razão aparente? Pergunta 3, a ação é clara e concisa? Está descrevendo o que o público está vendo Estou dizendo em 20 palavras, o que eu poderia estar dizendo em cinco? Queremos que o leitor voe através do roteiro, realmente apreciando a história, então não os atrapalhe em detalhes desnecessários. Pergunta 4, o diálogo é necessário? Pergunto-me sempre: preciso absolutamente desta linha de diálogo e, se o fizer, posso torná-la mais curta e mais rápida? Queremos ser capazes de voar através do diálogo tanto quanto a ação, e um bom e rápido one-liner é melhor do que um grande pedaço de texto. Eu também olho para cada linha para ter certeza de que estou usando subtexto em vez de texto. Pergunta 5, posso cortar isto? Estou sempre à procura de coisas para cortar. Se não adicionar nada à história, então ela se foi. No meu último rascunho, escrevi 113 páginas e o meu segundo rascunho era 90 páginas. São 23 páginas de coisas que não eram necessárias para a história, e fizeram uma leitura muito mais elegante e agradável. Uma vez que você tenha completado esta primeira reescrita, agora é a hora de fazer com que as pessoas a leiam. Peça-lhes os seus pensamentos, o que lhes restava. Esta é uma parte muito vulnerável do processo, mas é muito importante. Agora aqui está a coisa sobre feedback. As pessoas são muito mais propensas a sinalizar as coisas que não gostavam do que as que gostam. Quando você está indo para um passeio em um carro, você percebe os solavancos muito mais do que você faz a viagem suave. provável que as pessoas digam: “Sim, eu gostei, mas”, e então eles batem em você com uma lista de críticas. Eles serão inespecíficos sobre os bits que eles gostaram, mas eles serão dolorosamente específicos sobre as coisas que eles não gostaram. Claro, eles terão muitas idéias sobre o que você deveria ter feito. Claro, tudo isso está bem. Faz parte do processo. Algumas de suas idéias serão ótimas e você pode roubá-los, ou eles podem vir acima com uma crítica que faísca uma idéia é ainda melhor do que a que você poderia ter inventado de forma independente. Mas, o mais importante, lembre-se, eles nem sempre estão certos. Posso garantir-lhe isto com certeza. Ninguém vai ler seus roteiros tão cuidadosamente quanto você escreveu. Faça as perguntas que você fez a si mesmo: a história é clara, você pode explicar para mim, você entendeu meu caráter, você pode me dizer como eles mudaram? Depois de ter coletado todos esses comentários, volte e leia você mesmo. Veja quais partes do feedback você acha que são verdadeiras e quais você acha que pode ignorar. Depois de coletar todos os comentários, o que chamamos de notas, você pode ir embora e escrever um segundo rascunho. Então você pode pegar esse segundo rascunho e oferecer para ler novamente, e você pode coletar notas sobre esse rascunho e escrever um terceiro, e você pode coletar notas sobre esse rascunho e escrever um quarto e depois quinto, e um sexto, e um sétimo, e um oitavo, e nono e décimo. Isso levanta a pergunta, quando um roteiro termina? Há uma resposta muito simples para isso. Nunca é. Você realmente não termina um roteiro, você o abandona. É hora do nosso projeto final. Não vou pedir que carregue seu roteiro acabado porque você tem os direitos disso, e pode ser muito valioso. Mas o que eu adoraria ver é a sua cena favorita, uma cena vitrine do seu rascunho acabado, depois de passar por um primeiro rascunho e uma reescrita. Faça o upload, receba alguns comentários. Eu adoraria vê-lo.